Sejarawan Jules Michelet pertama kali menggunakan konsep “Renaisans” pada abad ke-19. Para musisi dan komposer yang dibahas dalam artikel ini berasal dari periode yang dimulai pada abad ke-14, ketika dominasi gereja pada abad pertengahan digantikan oleh budaya sekuler yang mementingkan pribadi manusia.

Musik Renaisans

Negara-negara Eropa memasuki era baru pada waktu yang berbeda. Mereka muncul sedikit lebih awal di Italia, tetapi budaya musik didominasi oleh sekolah Belanda, di mana untuk pertama kalinya metriz (tempat berlindung) khusus dibuat di katedral, yang melatih komposer masa depan. Genre utama saat itu disajikan dalam tabel:

Seniman Renaisans terpenting di Belanda adalah Guillaume Dufay, Jacob Obrecht, Josquin Despres.

orang Belanda yang hebat

Johannes Ockeghem Ia dididik di biara Notre Dame (Antwerpen), dan pada tahun 40-an abad ke-15 ia menjadi penyanyi kapel di istana Duke Charles I (Prancis). Selanjutnya dia mengepalai kapel istana kerajaan. Setelah hidup sampai usia lanjut, ia meninggalkan warisan besar di semua genre, menjadikan dirinya sebagai polifonis yang luar biasa. Naskah 13 massanya yang disebut kodeks Chigi telah sampai kepada kita, salah satunya ditulis dalam 8 suara. Dia tidak hanya menggunakan melodi orang lain, tapi juga melodinya sendiri.

Orlando Lasso lahir di wilayah Belgia modern (Mons) pada tahun 1532. Miliknya kemampuan musik muncul pada anak usia dini. Anak laki-laki itu diculik dari rumahnya sebanyak tiga kali untuk menjadi musisi hebat. Semua milikku kehidupan sadar dia menghabiskan waktu di Bavaria, di mana dia tampil sebagai tenor di istana Duke Albrecht V, dan kemudian memimpin kapel. Timnya yang sangat profesional berkontribusi pada transformasi Munich menjadi pusat musik Eropa, tempat banyak komposer terkenal Renaisans berkunjung.

Bakat seperti Johann Eckard, Leonard Lechner, D. Gabrieli dari Italia datang untuk belajar bersamanya . Dia menemukan perlindungan terakhirnya pada tahun 1594 di wilayah sebuah gereja Munich, meninggalkan warisan yang luar biasa: lebih dari 750 motet, 60 misa dan ratusan lagu, di antaranya yang paling populer adalah Susanne un jour. Motifnya (“Prophecies of the Sibyls”) dibedakan oleh inovasinya, tetapi ia juga dikenal karena musik sekulernya, yang banyak mengandung humor (villanella O bella fusa).

sekolah Italia

Komposer terkemuka Renaissance dari Italia, selain tren tradisional, secara aktif mengembangkan musik instrumental (organ, instrumen senar, tulang selangka). Instrumen yang paling umum adalah kecapi, dan pada akhir abad ke-15 harpsichord, pendahulu piano, muncul. Berdasarkan unsur musik rakyat, dua aliran komposisi berpengaruh berkembang: Romawi (Giovanni Palestrina) dan Venesia (Andrea Gabrieli).

Giovanni Pierluigi mengambil nama itu Palestina diambil dari nama kota dekat Roma, tempat ia dilahirkan dan bertugas di gereja utama sebagai pemimpin paduan suara dan organis. Tanggal lahirnya sangat diperkirakan, namun ia meninggal pada tahun 1594. Untuk umur panjang menulis sekitar 100 massa dan 200 motet. "Misa Paus Marcellus" miliknya membangkitkan kekaguman Paus Pius IV dan menjadi contoh musik sakral Katolik. Giovanni adalah perwakilan paling menonjol dari nyanyian vokal tanpa iringan musik.

Andrea Gabrieli Bersama murid dan keponakannya Giovanni, ia bekerja di Kapel St. Markus (abad XVI), “mewarnai” nyanyian paduan suara dengan suara organ dan instrumen lainnya. Sekolah Venesia lebih tertarik pada musik sekuler, dan selama produksi Oedipus karya Sophocles di panggung teater oleh Andrea Gabrieli, musik paduan suara ditulis, sebuah contoh polifoni paduan suara dan pertanda seni opera masa depan.

Fitur sekolah Jerman

Negara Jerman mengajukan Ludwig Senfl, polifonis terbaik abad ke-16, namun tidak mencapai level master Belanda. Lagu-lagu penyair-penyanyi dari kalangan perajin (Meistersingers) juga ada musik khusus Renaisans. Komposer Jerman mewakili perusahaan penyanyi: tukang timah, pembuat sepatu, penenun. Mereka bersatu berdasarkan wilayah. Perwakilan luar biasa dari sekolah menyanyi Nuremberg adalah Hans Sachs(tahun hidup: 1494-1576).

Lahir dari keluarga penjahit, ia bekerja sebagai pembuat sepatu sepanjang hidupnya, terkesan dengan pengetahuannya, minat musik dan sastranya. Dia membaca Alkitab sebagaimana ditafsirkan oleh reformis besar Luther, mengenal penyair kuno dan menghargai Boccaccio. Sebagai musisi folk, Sax tidak menguasai bentuk-bentuk polifoni, melainkan menciptakan melodi-melodi sejenis lagu. Mereka dekat dengan tariannya, mudah diingat dan memiliki ritme tertentu. Karya yang paling terkenal adalah "Nyanyian Perak".

Renaissance: musisi dan komposer Perancis

Budaya musik Perancis baru benar-benar mengalami kebangkitan pada abad ke-16, ketika tanah sosial disiapkan di negara tersebut.

Salah satu perwakilan terbaik adalah Clement Janequin. Diketahui bahwa ia lahir di Chatellerault (akhir abad ke-15) dan berubah dari penyanyi cilik menjadi komposer pribadi raja. Dari warisan kreatifnya, hanya lagu sekuler terbitan Attenian yang bertahan. Ada 260 di antaranya, tetapi yang telah teruji oleh waktu telah mendapatkan ketenaran yang nyata: "Birdsong", "The Hunt", "Lark", "War", "Screams of Paris". Mereka terus-menerus diterbitkan ulang dan digunakan oleh penulis lain untuk direvisi.

Lagu-lagunya bersifat polifonik dan menyerupai adegan paduan suara, di mana selain vokal onomatopoeia dan cantilena, terdapat seruan yang bertanggung jawab atas dinamika karya. Ini adalah upaya berani untuk menemukan teknik pencitraan baru.

Di antara komposer terkenal Perancis adalah Guillaume Cotlet, Jacques Mauduit, Jean Baif, Claudin Lejeune, Claude Goudimel , memberikan musik struktur yang harmonis, yang berkontribusi pada asimilasi musik oleh masyarakat umum.

Komposer Renaisans: Inggris

Abad ke-15 di Inggris dipengaruhi oleh karya-karya John Dubstyle, dan XVI - William Burung. Kedua master tersebut tertarik pada musik sakral. Bird memulai sebagai organis di Katedral Lincoln dan mengakhiri karirnya di Chapel Royal di London. Untuk pertama kalinya, ia berhasil menghubungkan musik dan kewirausahaan. Pada tahun 1575, bekerja sama dengan Tallis, komposer menjadi perusahaan monopoli dalam penerbitan karya musik, yang tidak memberinya keuntungan apa pun. Namun butuh banyak waktu untuk mempertahankan hak saya atas properti di pengadilan. Setelah kematiannya (1623), dalam dokumen resmi kapel ia disebut sebagai “pendiri musik”.

Apa yang ditinggalkan oleh Renaisans? Bird, selain koleksi terbitannya (Cantiones Sacrae, Gradualia), juga menyimpan banyak manuskrip, karena dianggap hanya cocok untuk ibadah di rumah. Madrigals yang diterbitkan kemudian (Musica Transalpina) menunjukkan pengaruh yang besar penulis Italia, tetapi beberapa massa dan motet masuk dalam dana emas musik sakral.

Spanyol: Cristobal de Morales

Perwakilan terbaik dari sekolah musik Spanyol melewati Vatikan, tampil di kapel kepausan. Mereka merasakan pengaruh penulis Belanda dan Italia, sehingga hanya sedikit yang berhasil menjadi terkenal di luar negeri. Komposer Renaisans dari Spanyol adalah polifonis, yang menciptakan karya paduan suara. Perwakilan yang paling menonjol adalah Cristobal de Morales(Abad XVI), yang memimpin metriza di Toledo dan melatih lebih dari satu siswa. Seorang pengikut Josquin Despres, Cristobal membawa teknik khusus dalam serangkaian karya yang disebut homophonic.

Dua requiem penulis (yang terakhir dengan lima suara), serta misa “The Armed Man”, menjadi yang paling terkenal. Dia juga menulis karya-karya sekuler (sebuah kantata untuk menghormati berakhirnya perjanjian damai pada tahun 1538), tetapi ini mengacu pada karya-karyanya yang lebih karya awal. Menuju kapel di Malaga di akhir hidupnya, ia tetap menjadi penulis musik sakral.

Alih-alih sebuah kesimpulan

Komposer Renaisans dan karya-karyanya mempersiapkan berkembangnya musik instrumental. musik XVII abad dan munculnya genre baru - opera, di mana kerumitan banyak suara digantikan oleh keunggulan satu suara, yang memimpin melodi utama. Mereka membuat terobosan nyata dalam perkembangan budaya musik dan meletakkan dasar bagi seni modern.

Pusat seni utama Italia pada abad ke-16 adalah Roma dan Venesia. Hal ini dijelaskan oleh situasi yang jauh dari sederhana yang berkembang di wilayah utama Italia yang terfragmentasi. Perang yang tak henti-hentinya dengan Perancis (sejak tahun 1490-an), serta kebijakan agresif Spanyol, menyebabkan fakta bahwa hanya Venesia, Negara Kepausan (yang Roma adalah pusatnya) dan bagian dari Kadipaten Savoy yang mempertahankan kemerdekaannya. Kontra-Reformasi juga memainkan peran penting dalam situasi ini.

saya akan berkembang Venesia seni dipromosikan oleh kondisi sosial-politik dan ekonomi kota. DI DALAM secara politis Venesia adalah sebuah republik (dari akhir abad ke-13 oligarki, dengan doge sebagai pemimpinnya) dengan wilayah yang luas di bawah kendalinya. Republik ini adalah republik yang kaya dan makmur.

Venesia adalah pusat utama perdagangan perantara antara keduanya Eropa Barat dan Timur, sehingga mempertahankan keunggulan dalam perekonomian. Pada saat yang sama, di Venesia, di mana tidak hanya perdagangan, tetapi juga seni, berkembang pesat bidang seni interaksi antara Bizantium, Eropa Barat dan tradisi timur. Sebuah contoh yang mencolok Ini adalah Katedral St. Mark, tempat mosaik Bizantium, patung Roma Kuno berdekatan dengan elemen Gotik.

Secara lahiriah, Venesia tampak seperti kota yang cerah dan meriah, di mana banyak perhatian diberikan pada berbagai upacara dan segala jenis perayaan; hari raya keagamaan berubah menjadi festival rakyat dan karnaval. Representasi nyata dari karakter meriah dan karnaval kehidupan publik dan budaya Venesia menyediakan kanvas A. Canaletto. Ini mungkin menjelaskan dominasi prinsip warna dibandingkan prinsip plastik dalam lukisan master Venesia - Giorgione (1476-1510), Titian (1477-1576), Paolo Veronese (1528-1588), Jacopo Tintoretto (1518-1594) .

Fenomena yang sama mencoloknya adalah aliran komposer Venesia. Menurut keputusan pemerintah Venesia tanggal 18 Juni 1403. Kapel Katedral St. Markus menjadi schola cantorum, tempat pengajaran nyanyian. Upacara megah di Katedral St. Markus dan di Istana Doge (pemilihan Doge, upacara "pertunangannya" dengan laut, penyambutan duta besar, dll.), serta di alun-alun megah di depan mereka dan seterusnya saluran besar(karnaval, balap gondola, kembang api) menuntut aransemen musik, sesuai dengan kehebatan republik. Oleh karena itu, pemerintah menggairahkan pelatihan musisi profesional.

Dia mempunyai pengaruh besar dalam pembentukan tradisi muzik profesional di Venice Komposer Belanda Adrian Willaert(1480-1562), yang dianggap sebagai murid Josquin Despres. Dari tahun 1527 hingga akhir hayatnya, ia menjadi konduktor Katedral St. Markus dan dianggap sebagai pendiri sekolah komposisi Venesia pada abad ke-16. Ia berhasil menggabungkan tradisi terbaik polifoni Belanda dengan karakteristik nasional musik Venesia - pertama-tama, dengan warna-warni dan dekorasinya. Di antara komposisinya adalah massa, motet, madrigal, chansons, dan richescars instrumental. Murid Willart adalah Ciprian de Rore, G. Zarlino, N. Vicentino, Andrea Gabrieli(1510-1586).

Peran yang lebih besar dalam pembangunan sekolah Venesia dimainkan Giovanni Gabrieli(1557-1612) - keponakan Andrea. Gaya polifoniknya yang kaya dapat dibandingkan dengan warnanya lukisan Titian dan Veronese. Bukan suatu kebetulan jika para peneliti menyebut G. Gabrieli sebagai musikal Titian dari Venesia, dan Palestrina sebagai Raphael dari Roma.

Baik Andrea maupun Giovanni Gabrieli adalah penduduk asli Venesia. Awalnya, Andrea adalah seorang penyanyi di kapel Katedral St. Markus yang disutradarai oleh Willaert, kemudian ia bekerja selama beberapa tahun di Kapel Ducal Munich, namun kembali ke Venesia, di mana ia menjabat sebagai organis Katedral St. Dia menciptakan sejumlah besar komposisi paduan suara untuk kapel katedral, menulis madrigal, serta komposisi organ. Pada tahun 1584, ia menyerahkan posisi organis katedral kepada keponakan dan muridnya, Giovanni. Pada saat ini, pemuda berbakat tersebut telah menguasai keterampilan mengarang di bawah bimbingan pamannya, dan bekerja selama beberapa tahun (1575-1579) di kapel Adipati Bavaria di Munich bersama dengan O. Lasso. Setelah kematian pamannya pada tahun 1584, Giovanni Gabrieli menjadi organis pertama Katedral St.

Karyanya secara organik menggabungkan sarana polifoni vokal-paduan suara dengan kemampuan ansambel instrumental. Aspirasi umum budaya Venesia terhadap kemegahan, keindahan dan dekorasi juga diwujudkan dalam musik: dalam peningkatan komposisi pemain dan jumlah suara dalam komposisi paduan suara, penggunaan instrumen yang terletak di berbagai bagian katedral, dalam pergantian bagian instrumental dan paduan suara. Pada akhir abad ke-15, organ kedua dipasang di Katedral St. Mark, yang memungkinkan terciptanya musik untuk dua paduan suara (terkadang bergantian satu sama lain, terkadang dibunyikan secara bersamaan), diiringi oleh dua organ dan instrumen lainnya. Berkat ini, komposer Venesia berhasil mencapai kekuatan khusus dan kekayaan suara. Dalam J. Gabrieli peran penting mereka memainkan penjajaran warna-warni dari massa suara dalam warna timbre yang berbeda, ia menulis komposisi multi-paduan suara (2 dan 3 komposisi paduan suara) dan menyempurnakan teknik jenis ini. Karyanya, yang terjadi pada pergantian dua era gaya (polifonik dan homofonik), mengungkapkan ciri-ciri gaya yang lewat dan yang baru muncul. Hal ini terutama menyangkut keragaman genre: bersama dengan massa, ia menulis simfoni Suci, nyanyian Suci, konser untuk suara, motet, madrigal, dan karya instrumental.

Sekolah komposer terbesar kedua di Italia XVI abad adalah Romawi.

Mari kita ingat bahwa sejak tahun 756 Roma menjadi ibu kota Negara Kepausan dan pusat keagamaan di Eropa. Warga Roma berulang kali mencoba mendirikan pemerintahan republik mengikuti contoh kota-kota Italia lainnya (pemberontakan Arnold dari Brescia pada tahun 1143, upaya untuk menghidupkan kembali republik Romawi kuno Cola di Rienzi pada tahun 1347). Selama masa penawanan Paus di Avignon, pengaruh Paus melemah. Keluarga kaya dan berpengaruh di Savelli, Annibaldi, Segni, Orsini, Colonna telah memperebutkan kekuasaan sejak paruh kedua abad ke-14. dan sampai pertengahan abad ke-15. Bahkan setelah kediaman kepausan kembali ke Roma, hanya Sixtus IV (1471-84) yang mencapai kekuasaan sebelumnya. Yang disebut "Paus Renaisans" - Martin V, Nicholas V, Sixtus IV, Pius II, Julius II, Leo X - menghiasi kota dengan banyak gereja (pertama-tama, Katedral Santo Petrus), istana, merawat perbaikan jalan, undang seniman dan arsitek hebat. Diantaranya - Leonardo da Vinci ( dari tahun 1513 hingga 1516), Raphael(pada akhir tahun 1508, atas undangan Paus Julius II, ia pindah ke Roma, di mana, bersama Michelangelo, ia menduduki tempat terdepan di antara para seniman yang bekerja di istana Julius II dan penggantinya Leo X; mengecat ruang kenegaraan Istana Vatikan, merancang Basilika Santo Petrus, membangun Kapel Chigi Gereja Santa Maria del Popolo (1512-20) di Roma) dan Michelangelo(tinggal di Roma sebagian besar dari hidupmu - kelompok patung"Pieta" (c. 1498-99) di Katedral Santo Petrus, lukisan kubah Kapel Sistina di Vatikan (1508-12), pada tahun 1546 Michelangelo ditunjuk sebagai kepala arsitek Katedral St. Petersburg. Peter, yang pembangunannya dimulai oleh Bramante).

Paus Sixtus IV (masa kepausan tahun 1471 hingga 1484) mendirikan Paduan Suara Sistina untuk memberikan standar musik yang tinggi dalam ibadah. Awalnya beranggotakan 10 penyanyi, kemudian jumlahnya mencapai tiga puluh. Semua penyanyi adalah musisi berpendidikan tinggi yang tidak hanya memiliki budaya menyanyi yang unggul, tetapi juga menguasai keterampilan komposisi polifonik. Penyanyi kapel pada suatu waktu adalah orang Belanda yang hebat - Dufay dan Josquin Despres.

Salah satu master terbesar dari sekolah polifonik Romawi adalah Giovanni Pierluigi da Palestrina. Ia dilahirkan pada tahun 1525 beberapa mil dari Roma di kota Palestrina. Pada tahun 1537, dia sudah terdaftar sebagai pemimpin paduan suara di gereja Roma Santa Maria Maggiore. Pada tahun 1544 ia menerima posisi organis dan direktur paduan suara di katedral kampung halaman, dan 7 tahun kemudian dia diangkat sebagai direktur paduan suara Basilika Santo Petrus di Roma. Kemajuan pesat tersebut dijelaskan oleh fakta bahwa Paus Julius III yang baru sebelumnya pernah menjadi kardinal di Palestrina dan mengenal Giovanni sebagai musisi yang luar biasa. Pada tahun 1554, penerbitan karya pertama komposer (buku massa pertama) dimulai. Setelah memasuki Kapel Sistina pada tahun 1555, Palestrina terpaksa meninggalkannya, karena ia sudah menikah dan memiliki dua putra. Dan hanya musisi yang belum menikah yang berhak menjadi penyanyi di kapel ini. Selanjutnya, Palestrina bekerja di Katedral Lateran dan di gereja Santa Maria Maggiore, dan dari tahun 1571 hingga akhir hayatnya (1594) ia mengepalai Kapel Julius di Katedral Santo Petrus.

Dia baru berusia dua puluh tahun ketika pertemuan Dewan Trent dimulai, di mana selama beberapa tahun terjadi perdebatan sengit tentang nasib musik di gereja Katolik. Dan hingga saat ini, nama Palestrina dikaitkan dengan legenda “penyelamatan musik polifonik dalam Gereja Katolik”. Faktanya, di Konsili Trente dibahas isu pelarangan penggunaan komposisi polifonik selama kebaktian. Sebagai argumen, dikemukakan pendapat bahwa polifoni polifonik “menggelapkan” kata-kata dalam teks, menghalangi seseorang untuk memahami maknanya. Pertunjukan misanya (yang kemudian disebut "Misa Paus Marcello") pada tahun 1562-63. di rumah Kardinal Vitelli, mereka diduga meyakinkan pendeta yang lebih tinggi bahwa musik polifonik tidak mampu menghancurkan teks gereja dan memungkinkan seseorang untuk “mendengar” kata-katanya. Setelah itu, kewibawaan Palestrina dalam urusan musik gereja menjadi tak terbantahkan, begitulah penjelasannya sifat artistik musik komposer: sifat struktur figuratif yang terkendali dan kontemplatif, kemuliaan dan kekerasan, keagungan dan objektivitas suara musik.

Pada tahun 1577, Paus Gregorius XIII memintanya untuk mengambil bagian dalam reformasi kumpulan himne gereja (bertahap). Pada tahun 1584, di bawah naungan kepausan, “Masyarakat Ahli Musik” didirikan, yang kemudian menjadi tempat lahirnya Akademi Santa Cecilia. Selain Palestrina, termasuk musisi J.M. Nanino, O. Griffey, A. Crivelli dan lain-lain. Palestrina memiliki persahabatan dekat dengan pendeta Romawi terkenal Filippo Neri (1515-95, dikanonisasi pada tahun 1622). Ia dianggap sebagai pendiri jemaat Oratorian. Neri memperkenalkan praktik mengadakan pertemuan rohani di ruangan khusus - di kapel (lat. oratorium), setelah itu lagu-lagu sakral dibawakan ( memuji). Nantinya akan lahir sebuah genre dari tradisi ini oratorio.

Musik Palestrina tetap menjadi contoh klasik gaya ketat hingga saat ini. Pencarian kreatif komposer jauh dari keinginan untuk pembaharuan radikal bahasa musik, membuka cakrawala baru. Dia asing dengan ekspresi berlebihan, jarang menggunakan cara berwarna, dan menghindari urutan dan ritme melodi dan harmonik yang tidak biasa. Dunia kiasan karya-karyanya bercirikan karakter yang tenang, jernih, dan seimbang. Ia membatasi diri pada komposisi tradisional paduan suara a cappella sejak zaman Belanda, meskipun pada masanya mereka mulai aktif memasukkan bagian instrumental ke dalam komposisi vokal. Palestrina berhasil mencapai tingkat penguasaan polifonik tertinggi; teknik polifoniknya bisa disebut sempurna. Pada saat yang sama, pemikiran mode-harmonik komposer ditentukan oleh tren kontemporer dalam perkembangan bahasa musik: dalam kerangka modalitas, hubungan fungsional sistem mayor-minor terlihat jelas (ini terutama terlihat dalam irama). Dia berhasil mencapai keseimbangan luar biasa antara struktur polifonik dan akord-harmonik. Melodi Palestrina dibedakan oleh karakteristik cantilena ekspresif dari musik vokal Italia, yang berkontribusi pada plastisitas dan kemerataan yang luar biasa dari pembukaan polifonik kain dalam komposisi polifonik.

Terhubung dengan pekerjaan di gereja sepanjang karirnya dan berada di Roma, dekat dengan istana kepausan, Palestrina menulis sebagian besar karyanya untuk tujuan spiritual. Dia menulis 102 misa, 317 motet, 140 madrigal (91 sekuler, 49 sakral), 70 himne, 68 persembahan, 35 Magnificat, 11 litani.

Jumlah massa terbesar adalah massa parodi. Komposer menciptakannya berdasarkan materi lagu orang lain (P. Cadeac, D. L. Primavera), motet (L. Hellinck, Josquin, Jacquet, Andrea de Silva dan lain-lain), madrigal (D. Ferrabosco, C. de Pope), dan dan motet serta madrigalnya sendiri. Sekitar separuh penduduk Palestina adalah tipe ini. Dia menulis massa menggunakan dan teknik tradisional cantus firmus"a - dalam massa “L"homme armc", "Ave Maria", "Ecce sakerdos magnus". "Tu es Petrus", "Veni pencipta", dll.. Ia juga memiliki massa: "Pater noster" , "Regina coeli", "Alma redemptoris mater", "Ave regina" (tiga yang terakhir menggunakan antifon). Palestrina juga menciptakan massa kanonik: "Ad coenam agni providi", "Ad fugum", "Missa canonica", "Rempleatur os ".meum laude", "Sin nomine". Hanya dalam lima misa Palestrina tidak menggunakan sumber utama apa pun: "Misa Paus Marcello", "Brevis", "Ad fugam", "Quinti toni", "Missa canonica".

Jumlah komposisi terbesar diciptakan oleh Palestrina dalam genre motet, dan ia menulis untuk jumlah suara yang berbeda-beda: sebagian besar bersuara empat dan lima, ia memiliki banyak motet enam dan delapan suara, ada dua belas suara dan dua tujuh suara. Teks motetnya bersifat spiritual, Latin, diambil dari nyanyian Gregorian, dari ayat-ayat Latin, dari “Kidung Agung” alkitabiah. Dalam bentuknya, motet merupakan komposisi yang agak kompak, sebagian besar terdiri dari satu bagian, lebih jarang dua bagian. Secara gaya, mereka sedikit berbeda dari kebanyakan.

Sebuah karya khusus adalah siklus “Canticum canticorum”, yang didedikasikan untuk Paus Gregorius XIII dan berasal dari tahun 1583-1584. Ini berisi 29 karya lima suara berdasarkan teks-teks Alkitab terkenal ("Kidung Agung Raja Salomo").

Pada tahun 1555, 1581, 1586 dan 1594, Palestrina menerbitkan empat buku madrigal, dua di antaranya berisi empat suara, dua lainnya berisi sampel lima suara. Perbedaan eksternal antara sekuler dan spiritual ditentukan oleh ciri-ciri tekstual. Dalam hal gaya, madrigal menunjukkan kebebasan yang lebih besar dalam memilih cara ekspresif dibandingkan dengan motet (misalnya, penanganan disonansi secara bebas). Dalam tiga buku terakhir madrigal, terdapat kesamaan dalam praktik komposer Italia (yang disebut) "madrigalisme" - figur retorika musik: putaran musik yang dikarakterisasi yang menggambarkan kata-kata tertentu dari teks puisi. Hal ini menunjukkan keinginan untuk menemukan bentuk interaksi baru antar sarana ekspresif musik dan konten figuratif puisi.

Pengikut Palestrina termasuk komposer Italia Giovanni Maria Nanino (c. 1543/44 - 1607), Giovanni Bernardino Nanino (c. 1560 - 1623), Felice Anerio (c. 1560-1614), Giovanni Francesco Anerio (c. 1567-1630), serta beberapa master Spanyol (Cristobal de Morales, Tomás Luis de Victoria).

Pada abad ke-16, genre massa mencapai puncaknya. Dalam perkembangannya dapat dibedakan tiga jalur:

· Tipe tradisional massa acapela yang dikembangkan dalam karya-karya para empu Belanda: massa tenor pada cantus firmus, menggunakan sumber Gregorian atau sekuler monofonik; massa parodi; parafrase massal; sebagai varietas terpisah - massa kanonik. Selain itu, karya Palestrina mengembangkan praktik komposisi massa siklik polifonik tiruan, bebas dari sumber aslinya yang dikutip.

· Misa oleh komposer Venesia menggunakan iringan instrumental.

· Massa organ, yaitu siklus permainan organ yang tersebar sepanjang kebaktian, bergantian dengan nyanyian paduan suara.

Selama abad ke-16, motet kehilangan fungsinya dan praktik keberadaannya terbatas pada paruh kedua abad ini hanya pada bidang spiritual. Ia menjadi teks tunggal, diresapi dengan perkembangan polifonik imitatif ujung ke ujung. Seiring dengan motet, genre madrigal spiritual juga berkembang.

Lingkup genre musik sakral berkembang secara signifikan: komposer menulis himne, persembahan, magnificat, litani, tanggapan, dan gairah sebagai komposisi yang terpisah dan independen.

Dalam perkembangan genre musik sekuler, ada dua jalur yang dapat dibedakan. Yang satu dikaitkan dengan perkembangan lagu polifonik, dekat dengan tradisi musik sehari-hari (frottola, villanelle), yang lain dengan asimilasi prinsip komposisi polifonik (madrigal).

Frottola(dari bahasa Italia frotta - crowd) - lagu jalanan sehari-hari, yang pada sepertiga terakhir abad ke-15 memperoleh pemeran polifonik (kebanyakan 4 suara). Dalam koleksi Petrucci tahun 1504, 62 frottolos karya sebelas komposer diterbitkan. Di antara penulis pertama adalah Josquin Despres, dan yang paling populer dianggap Bartolomeo Tromboncino dan Marco Cara. Isi lagunya cukup beragam, di antaranya cinta, humor, komikal, dan moral. Struktur akord mendominasi dengan peran utama suara atas. Hanya dalam tiga dekade, lebih dari tiga puluh koleksi frottolas diterbitkan, setelah itu genre ini digantikan oleh genre lain.

Pada paruh kedua abad ke-16, ia mulai mengambil tempat yang dominan penjahat. Itu berasal dari lagu petani. Diterjemahkan dari bahasa Italia kata villanelle artinya : villa - desa nella - gadis. Pada awalnya, vilanel memiliki tiga suara, dan gerakan suara paralel banyak digunakan di dalamnya. Selanjutnya, genre ini mulai berkembang secara aktif - pada periode 1550 hingga 1580. (dilihat dari koleksinya) sekitar 1800 villanelles, 3 dan 4 suara, diciptakan. Seperti di frottolla, villanelle memperlihatkan ciri-ciri yang menunjukkan pembentukan struktur homofonik-harmonik. Teknik polifonik sangat jarang digunakan. Salah satu ciri khasnya adalah kemampuan menari yang terlihat jelas. Di antara penulis - Bartolomeo Tromboncino, Baldassare Donato, Giovanni Domenico da Nola, Luca Marenzio, Orlando Lasso.

Dari sepertiga kedua abad ke-16 setelah lebih dari satu abad terlupakan kembali ke latihan mengarang sajak pendek tentang cinta. Ia dihidupkan kembali di kalangan aristokrat humanis di akhir Renaisans dan berkembang dan berkembang dengan sangat aktif. Kembalinya madrigal ke budaya sekuler erat kaitannya dengan meningkatnya minat penyair terhadap bentuk liris abad ke-14 yang dikembangkan oleh Petrarch. Pietro Bembo memainkan peran utama dalam kebangkitannya, menyerukan penyair kontemporer (Ludovico Ariosto, Torquato Tasso, Giambattista Guarini, dll.) untuk belajar dari Petrarch dan dirinya sendiri yang menyalin bentuk puisinya. Bembo, dalam klasifikasi bentuk puisinya, mengklasifikasikan madrigal sebagai kelompok syair bebas (rime libere), karena fitur karakteristik Genre ini adalah teks puisi berima bebas.

Madrigal abad ke-16 adalah karya empat hingga lima suara, sebagian besar berisi konten liris. Biasanya tema teks puisi madrigal adalah cinta, paling sering diliputi dengan penderitaan, keluh kesah, pengalaman, disertai gambaran alam, terkadang bersinggungan dengan pertanyaan-pertanyaan kompleks tentang falsafah hidup:

"Seperti angsa putih dan lembut

Dengan nyanyian dia menerima kematian,

Jadi saya menangis, tertarik

Sampai batas kehidupan.

Namun anehnya caranya berbeda:

Dia mati tanpa bisa dihibur,

Dan aku pergi dengan bahagia.”

Periode pertama perkembangan madrigal (1530-1540-an - buku madrigal pertama diterbitkan pada tahun 1538) dikaitkan dengan kreativitas Yakub Arkadelt(c.1514-1572; bekerja di Florence dan Roma), Filippo Verdelo(meninggal sebelum tahun 1552, bekerja di Katedral Florence, kemudian di istana kepausan) dan Adriana Villarta(1480-1562, bekerja di Katedral St. Mark di Venesia). Para komposer memiliki keterampilan profesional yang tinggi dan mewarisi tradisi sekolah Belanda. Dilihat dari penyajian teksturnya, madrigal awal ada dua jenis: tipe chord-homophonic dan imitative-polyphonic. Dalam kasus pertama, kita dapat berbicara tentang kedekatan dengan tradisi lagu sehari-hari (khususnya frottole), yang kedua - tentang asimilasi teknik polifoni Belanda (penulisan motet).

Jadi, di madrigal awal, dua cabang gaya saat ini bergabung - gereja dan sekuler, sehingga mensintesis pencapaian terbaik dalam pengembangan bentuk-bentuk kecil. Pada saat yang sama, ini ternyata menjadi genre yang secara aktif merespons pencarian gaya terkini pada zamannya. Ciri-ciri baru sudah muncul pada periode kedua evolusinya - paruh kedua abad ke-16 ( Ciprian de Rore, Nicolo Vicentino, Andrea Gabrieli, Giovanni Pierluigi da Palestrina). Pada masa ini, madrigal kromatik mulai berkembang. Nicolo Vicentino (1511-1565) – murid Villart – menulis sebuah risalah pada tahun 1555 “ L'antica musica ridotta alla moderna prattica” (“Musik kuno, diberikan praktik modern"). Di dalamnya, ia membahas kemungkinan menggubah musik dalam mode kromatik - seperti yang dilakukan orang Yunani. Pengenalan genere cromatico (musica falsa) - bunyi berwarna terkait erat dengan keinginan untuk menemukan perwujudan yang akurat secara intonasional dari sisi emosional dan semantik teks. Penggunaan nada tinggi dan rendah berkontribusi pada ekspresi semua kemungkinan corak bicara. Selain itu, penggunaan disonansi yang berani dan ekstensif dalam polifoni dimulai, dan proses transisi dari sistem modal organisasi modal ke sistem nada terlihat jelas. Pada periode yang sama, sistem Italia “ madrigalisme" - tokoh musik dan retorika di mana korespondensi kata-kata tertentu dan putaran melodi diperbaiki. Misalnya, kata “sospiro” (menghela nafas) diwakili oleh dua atau tiga akord dengan jeda di tengah kata; “volo” (penerbangan) – dengan pola melodi bergelombang; “pieta” (kasih sayang), “amaro pianto” (air mata pahit) - disampaikan menggunakan kromatisme dan disonansi; “morte” (kematian) - menyebabkan terhambatnya gerakan berirama dan berhenti - jeda - dalam semua suara... dll. Dalam bidang pembentukan bentuk, tidak hanya keterkaitan dengan prinsip pembentukan bentuk frottol dan motet dengan berbagai jenis pengulangan kuplet, tetapi juga kecenderungan ke arah bentuk ujung ke ujung.

Periode ketiga - akhir abad ke-16 dan awal abad ke-17 - Luca Marenzio, Carlo Gesualdo (Pangeran Venosa), Claudio Monteverdi. Salah satu prinsip konstruktifnya adalah kontras: bentuknya didasarkan pada pergantian bagian polifonik dengan bagian homofonik, diatonis dengan bagian kromatik, konsonan dengan bagian disonan. Madrigal berwarna mencapai puncak perkembangannya dalam karya Gesualdo. Selain itu, dua jenis tematisme - kromatik dan diatonis - jelas terpisah satu sama lain. Kromatisasi tidak mengarah pada netralisasi warna modal, namun sebaliknya menekankan ekspresi mayor dan minor - dua mode yang semakin menonjol di antara mode lainnya.

DENGAN akhir XVI Abad, sehubungan dengan perkembangan monodi, muncul tradisi menampilkan madrigal yang diaransemen dengan suara solo, diiringi instrumen. Dimulai dengan buku V madrigals (1605), C. Monteverdi memperkenalkan instrumen sebagai suara pengiring. Madrigal berkembang sebagai jenis madrigal khusus dalam karya O. Vechi, A. Banchieri, dan A. Strigio. madrigal yang dramatis(atau komedi madrigal). Itu adalah komposisi paduan suara multi-bagian berdasarkan teks drama komedi atau pastoral. Semua bagian karakter (termasuk monolog) dibawakan oleh ansambel paduan suara. Plot yang digunakan sebagian besar adalah plot sehari-hari, seringkali satir, dengan karakter tradisional dari komedi rakyat dell'arte. Komedi madrigal paling awal dalam 5 bagian - “Chattering of Women While Washing” oleh A. Strigio menjadi prototipe untuk contoh lain dari genre ini (“Pleasant Masquerades” oleh G. Croce, “Amphiparnassus” oleh O. Veki, “Senile Folly” oleh A. Banchieri). Hanya menggunakan sarana paduan suara, komposer menciptakan karakteristik karakter yang jelas. Madrigal dramatis menjadi tahapan penting dalam lahirnya opera.

Instrumen favorit dalam praktik sekuler Italia adalah kecapi - rangkaian instrumen yang dipetik dengan leher pendek dan kepala ditekuk ke belakang, di mana pasak untuk menyetel senar berada. Kecapi pertama kali disebutkan dalam “Risalah Besar tentang Musik” oleh ilmuwan Asia Tengah Farabi, yang berasal dari abad ke-10. Itu dibawa ke pulau Sisilia dan Spanyol oleh bangsa Saracen dan Moor, dan kemudian menyebar luas ke seluruh Eropa. Dante Alighieri yang hebat dalam karyanya “ Komedi Ilahi” berbicara tentang kecapi sebagai alat musik yang terkenal pada masanya. Kecapi mendapatkan popularitas khusus selama Renaisans (abad XV-XVI). Lagu ini dimainkan di istana kerajaan, pangeran, dan adipati oleh musisi virtuoso dan pecinta seni bangsawan; lagu ini terus-menerus terdengar di kalangan humanis, di berbagai “akademi” abad ke-16, dalam kehidupan rumah tangga warga kota, di kehidupan sehari-hari. di luar rumah, dalam berbagai ansambel, termasuk teater. Leonardo da Vinci, Benvenuto Cellini, Giorgione, dan Caravaggio memainkan kecapi.

Pada abad ke-16, yang paling umum adalah kecapi enam senar (instrumen lima senar dikenal pada abad ke-15). Penyetelan kecapi berbeda-beda, yang paling sering digunakan adalah penyetelan tipe seperempat-tertz: A D G H E "A". Selama abad ini, sejumlah koleksi penulis diterbitkan, tetapi sebagian besar karya kecapi kemudian didistribusikan dalam berbagai koleksi manuskrip. Menariknya, koleksi tulisan tangan pada masa itu sebagian besar berisi lakon anonim, aransemen karya vokal, dan tarian. Selain itu, kebangsaan mereka sangat beragam: tarian Jerman muncul di manuskrip Italia, tarian Italia, Polandia, dan Prancis muncul di manuskrip Jerman. Ini adalah semacam koleksi internasional di mana terjadi pertukaran genre secara bebas musik rumah tangga. Untuk kecapi, segala sesuatu yang disukai pendengar diaransemen ulang dan diproses: lagu dan tarian populer, bahkan musik sakral dari para master terhebat.

Salah satu koleksi awal awal abad ke-16 berisi 110 drama: transkripsi dan aransemen frottola oleh B. Tromboncino dan M. Cara, M. Pesenti, A. Capreoli dan penulis, chanson atau motet Italia lainnya oleh G. Isaac, Juan van Gyseghem, A. Bunois , serta enam ricercars, empat tarian (dua pavanes, dua "bass dance") dan "Calata alia spagnola". Dalam koleksi selanjutnya - pada akhir abad ini - dasarnya adalah tarian: passamezzo, saltarello, pavane, galliard, French chime, tarian Polandia, Tarian Jerman, cukup "Nachtanz" atau "Danza", allemande.

Masa kejayaan seni kecapi dimulai pada pertengahan abad ke-16 dan di Italia dikaitkan dengan nama seorang lutenis terkemuka. Francesco da Milano(c. 1497-c. 1543), dijuluki “ilahi” oleh orang-orang sezamannya. “Tujuh Buku untuk Kecapi” miliknya memperoleh arti penting di seluruh Eropa. Francesco da Milano adalah lutenis istana Adipati Gonzago di Mantua, dari tahun 1530 hingga 1535 ia menjabat sebagai lutenis untuk Kardinal Ippolito de' Medici di Florence, dan kemudian sebagai lutenis pribadi Paus Paulus III. Dia mulai menerbitkan karyanya pada tahun 1536 dan dengan cepat mendapatkan ketenaran baik di Italia maupun di negara lain. Di antara karya-karya yang diciptakannya terdapat banyak ricercar dan fantasi, transkripsi dan aransemen musik vokal sekuler dan sakral; Ada juga potongan karakteristik individu (misalnya, “Hispana” untuk dua kecapi), sebuah kanon untuk dua kecapi. Dalam fantasinya, komposer rela menggunakan teknik polifonik. Namun, struktur polifonik yang ketat bukanlah ciri khas kecapi, karena polifoni berkelanjutan bukanlah sifat instrumennya. Biasanya, para lutenis mengganti tiruan, kemerduan akord, serempak, menjalinnya dengan bagian-bagian seperti skala dan lainnya, dan jumlah suara berubah - dalam konsonan bisa ada tiga atau empat, dalam bagian-bagian lebih sering mereka bergema atau bergerak secara paralel.

Untuk transkripsi dan adaptasi, komposer lutenis dengan rela memilih chanson Prancis (lebih jarang madrigal Italia), karya spiritual oleh Josquin Despres dan L. Compère. Dia tertarik dengan “Battle” dan “The Song of Birds” yang sensasional oleh Janequin, meskipun volume dan kerumitan penulisannya besar. Namun, dia tidak sendirian di sini: aransemen instrumental dari chanson ini muncul sejak lama. Francesco da Milano juga beralih ke lagu-lagu J. Mouton, N. Gombert, C. Sermizi, P. Serton, J. Richafort, A. de Fevan, Arcadelt, tidak diragukan lagi mengandalkan pilihannya pada sampel paling populer pada masanya.

Karya-karya Francesco da Milano antara tahun 1536 dan 1603, baik dalam bentuk terbitan maupun manuskrip, tidak hanya dikenal di Italia, tetapi juga di Perancis, Jerman, Spanyol, dan Belanda.

Di antara para lutenis Italia lainnya, kita harus menyebutkan Vincenzo Galilei (c. 1520-1591) - ayah dari astronom terkenal Galileo Galilei, penulis risalah tentang musik, komposer, lutenis virtuoso, anggota Florentine Camerata, yang menyatukan pencipta a genre baru - opera.

BONONCINI - keluarga musisi Italia:

Giovanni Maria (1642 – 1648) – komposer, pemain biola, ahli teori. Op. 9 koleksi sonata dan karya tari. Dia memiliki risalah tentang tandingan. DI DALAM beberapa tahun terakhir menulis opera kamar, sejumlah madrigal, dan kantata solo.

Giovanni Batista (1670 – 1747) – putranya, komposer dan pemain cello. Warisannya meliputi 40 opera, lebih dari 250 kantata solo, sekitar 90 simfoni, konser, dan trio sonata. Kesuksesan beberapa operanya di London melampaui rival utamanya, Handel.

Antonio Maria (1677 – 1726) – komposer dan pemain cello. Penulis karya untuk teater musikal dan gereja. Dari segi tekstur dan harmoni, musiknya lebih halus dibandingkan kakak laki-lakinya, tetapi tidak pernah menikmati kesuksesan yang sama.

Giovanni Maria Jr.(1678 – 1753) – saudara tiri, pemain cello, kemudian pemain biola di Roma, penulis karya vokal.

VIVALDI ANTONIO (1678 – 1741)

Prestasi tertinggi dimiliki oleh genre ini konser instrumental. Tempat penting Musik vokal menempati warisan. Berjuang untuk sukses dalam op. genre dan sering bepergian untuk mengarahkan produksinya. Bekerja di op. teater di Vicenza, Venesia, Mantua, Roma, Praha, Wina, Ferrara, Amsterdam. Op. OKE. 50 opera(20 diawetkan), termasuk. “Titus Manlius”, “Justin”, “Furious Roland”, “Nimfa Setia”, “Griselda”, “Bayazet”. OKE. 40 kantata solo, oratorio “Judith Triumphant”).

Giordani Giuseppe (c.1753 – 1798)

DUNI EGIDIO (1708 – 1775)

Dia belajar di Naples bersama Durante. Penulis 10 seri opera berdasarkan teks Metastasis, sekitar 20 operasi. dalam genre Prancis opera komik. Dia memperkenalkan arietta dan resitatif dalam gaya Italia. Genre ini disebut Komedi dengan Ariettas.Opera:“Nero”, “Demophon”, “Artis yang Jatuh Cinta dengan Modelnya” (komik op.).

DURANTE FRANCESCO (1684 – 1755)

Komposer Italia. Ia belajar di Naples, kemudian menjadi konduktor pertama di beberapa konservatori Neapolitan. Dia dianggap sebagai guru komposisi terbaik di Naples. Di antara murid-muridnya adalah Duni, Pergolesi, Piccini, Paisiello. Berbeda dengan yang lainnya. komposer tidak menulis opera. Bagian paling berharga dari warisannya adalah musik sakral. Menarik dan karya instrumental– 12 sonata untuk harpsichord, 8 konserto untuk kuartet, karya dari repertoar pedagogis.

CAVALLI FRANCESCO (1602 – 1676)

Dijuluki Bruni. Dia adalah seorang pemimpin paduan suara dan organis di St. Stempel di Venesia. Dia mulai menulis opera yang dipentaskan di gedung opera di Italia. Setelah Paris, di mana operanya “Hercules the Lover” dipentaskan dengan nyanyian dan tarian yang ditulis untuk pertunjukan ini oleh Lully muda, semua aktivitas Cavalli selanjutnya dihubungkan dengan Katedral St. Louis. Merek. Dia adalah penulis sekitar 30 opera. Berkat dia, Venesia abad ke-17. menjadi pusat TI. seni opera. Seperti operasi selanjutnya. Monteverdi, op. Cavalli kaya akan kontras dan nuansa psikologis; Klimaks yang menyedihkan, bahkan tragis di dalamnya seringkali digantikan oleh episode-episode yang bersifat komikal dan sehari-hari.

Opera: “Cinta Apollo dan Daphne”, “Dido”, “Ormindo”, “Jason”, “Calisto”, “Xerxes”, “Hercules sang Kekasih”

Musik suci: Misa, 3 kebaktian malam, 2 Magnificat, Requiem

Musik sekuler: kantata arias.

CALDARA ANTONIO (1670 – 1736)

Dia memainkan biola, cello, dan clavier. Dia menggubah musik vokal hampir secara eksklusif - oratorio, kantata, opera seria. Menjabat sebagai pemimpin band gereja dan teater. Kemudian dia menyusun sejumlah karya untuk karnaval Wina dan perayaan istana, serta untuk Salzburg. Secara total, ia menulis 3.000 komposisi vokal. Metastasio adalah orang pertama yang mengatur banyak libretto Metastasio ke dalam musik.

CARISSIMI GIACOMO (1605 – 1674)

Dia adalah seorang pemimpin paduan suara, organis, pemimpin band dari Jesuit Collegiate Germanico, dan ditahbiskan. Bagian terpenting dari warisan ini adalah oratorio, yang dirancang dengan gaya naratif-resitatif. Beberapa penggalan berdasarkan sifat tulisannya mirip dengan arias. Peran penting dialokasikan untuk adegan paduan suara. Di antara murid-muridnya adalah A. Chesti, A. Scarlatti, M.-A.

Karya: 4 Misa, sekitar 100 motet, 14 oratorio termasuk. “Belshazzar”, “Jeuthae”, “Jonah”, sekitar 100 kantata sekuler.

CACCINI GIULIO (1545 – 1618)

Punya nama panggilan - Roman. Komposer, penyanyi, lutenis. Dia dilindungi oleh Duke Cosimo I de' Medici, yang membawanya ke Florence, di mana dia menghadiri pertemuan Camerata dan mengembangkan gaya baru bernyanyi - gaya recitativo. Dia menerbitkan koleksi "Musik Baru", di mana dia mencerminkan aspirasi inovatifnya sepenuhnya. Koleksinya merangkumi madrigal dan strophic arias untuk suara dan basso continuo. Lagu terpopuler dalam koleksinya adalah Amarilli. Pada tahun 1614, koleksi kedua komposer, “Musik Baru dan cara baru tuliskan itu." Nama Caccini, seorang komposer dan penyanyi inovatif yang luar biasa, tidak dilupakan sepanjang abad ke-17. Banyak komposer membuat koleksi karya vokal berdasarkan modelnya. Kedua putri Caccini, Francesca dan Settimia, menjadi terkenal sebagai penyanyi dan menggubah musik.

MARTINI (1741 – 1816)

Nama panggilan Il Tedesco ("Jerman Italia", nama asli Schwarzendorf Johann Paul Egidius). Komposer Jerman. Sebelum pindah ke Paris (1764), ia melayani Duke of Lorraine. Dia mengajar di Paris Conservatory, mengarahkan orkestra istana. Penulis 13 opera, miniatur vokal (termasuk lagu populer "Plaisir d'amour").

MARCELLO ALESSANDRO (1669 – 1747)

Saudara B.Marcello. Seorang musisi amatir, dia mengadakan konser di rumahnya di Venesia. Dia menggubah kantata solo, arias, canzonettas, sonata biola, dan konserto. Konsert untuk oboe dan string (total 6) termasuk dalam contoh terbaru dari variasi genre barok Venesia. Konserto untuk oboe dan string dalam d minor (c. 1717) dikenal dalam aransemen J. S. Bach untuk clavier.

MARCELLO BENEDETTO (1686 – 1739)

Komposer, penulis musik, pengacara, saudara laki-laki A. Marcello. Peringkat tinggi posisi pemerintahan di Venesia. Kumpulan mazmur untuk 1 – 4 suara dengan bass digital (total 50) membawa popularitas yang luas. Dia juga memiliki komposisi lain untuk gereja, oratorio, opera, lebih dari 400 kantata solo, duet, serta sonata dan konsert, yang ditandai dengan pengaruh Vivaldi. Musiknya menggabungkan penguasaan polifonik dengan kepekaan terhadap hal baru gaya gagah. Risalah menarik dari Marcello adalah sindiran tentang opera seria.

PAISIELLO GIOVANNI (1740 – 1816)

Dia belajar di Naples bersama Durante. Ia mendapatkan reputasi sebagai salah satu master terkemuka genre opera buffa. Dia menjabat sebagai bandmaster di istana Catherine II di St. Petersburg. Di antara periode ini, op. " Tukang Cukur Seville" Sekembalinya ke Napoli dia mulai menulis opera tujuh seri(semi-serius) - “Nina, atau Gila Cinta.” Dia bertugas sebentar di Paris sebagai bandmaster pribadi Napoleon I. Kualitas opera Paisiello dipengaruhi oleh Mozart - seni para renungan. sketsa karakter, penguasaan penulisan orkestra, daya cipta melodi. Opera:“Don Quixote”, “The Maid-Madam”, “King Theodore in Venice”, “The Miller’s Wife”, “Proserpina”, “The Pythagoras” dan setidaknya 75 opera lainnya.

PERGOLESI GIOVANNI BATISTA (1710 – 1736)

Ia belajar di Naples dan pada saat yang sama bekerja sebagai pemain biola di sebuah orkestra. Menulis karya panggung dalam genre tersebut drama sakral. Dia meninggal karena tuberkulosis pada usia 26 tahun. Tercatat dalam sejarah sebagai pendiri genre ini penggemar opera. Karya besar genre ini adalah op. "Pelayan Nyonya." Ia menulis karya untuk gereja: “Stabat mater” untuk soprano, contralto dan orkestra, 2 Misa, Vesper, 2 “Salve Regina”, 2 motet.

PERI JACOPO (1561 – 1633)

Komposer dan penyanyi, pendeta. Menjabat sebagai komposer dan penyanyi di istana Medis. Dia juga dikenal sebagai pemain di kitarrone –(alat musik petik, sejenis bass lute, panjangnya mencapai 2 m, terutama digunakan untuk mengiringi nyanyian solo). Pertemuan yang dihadiri Kamera. Ia mengarang dengan gaya resitatif baru, meniru praktik kuno menyanyi solo dengan iringan. Menulis opera " Daphne", "Euridik". Ia juga menggubah kumpulan karya vokal yang berisi beberapa contoh gaya resitatif.

PICCINI NICCOLO (1728 – 1800)

Dia belajar di Naples bersama Durante. Dia tidak hanya menggubah opera, tetapi juga mengajar menyanyi, menjadi bandmaster dan organis. Setelah menetap di Paris, ia menulis sejumlah karya Prancis yang serius dan lucu. operasi. Persaingan serius dari Gluck tidak menghalangi kesuksesannya tragedi liris“Roland”, “Iphigenia di Tauris”, “Dido”. Opera “Cecchina, or the Good Daughter” (1760) memberinya ketenaran internasional.

SARRI DOMENICO (1679 – 1744)

Ia belajar di Napoli, di mana ia juga menjabat sebagai konduktor istana. Opera awal, oratorio, dan serenata dirancang dengan gaya barok yang sama dengan musik vokal A. Scarlatti. Pada saat yang sama, karyanya berkontribusi pada pengembangan gaya Neapolitan yang lebih sederhana dan melodis.

SCARLATTI ALESSANDRO (1660 – 1725)

Kapellmeister teater, Kapel Kerajaan dan Konservatorium Napoli, tempat dia mengajar. Di antara mahasiswanya adalah D. Scarlatti, F. Durante, I. A. Hasse. Salah satu pendiri dan perwakilan terbesar Sekolah Opera Neapolitan. Di bawahnya muncul bentuk-bentuk seperti aria da capo, pembukaan Italia, resitatif dengan iringan instrumental. hal. lebih dari 125 serial opera , termasuk. “Keinginan Cinta atau Rosaur”, “Gembala Korintus”, “The Great Tamerlane”, “Mithridates Eupator”, “Telemachus”, dll. Lebih dari 700 kantata, 33 serenata, 8 madrigal.

SCARLATTI DOMENICO (1685 – 1757)

Putra A.Scarlatti. Dia menulis opera, musik sakral dan sekuler, tetapi mendapatkan ketenaran sebagai pemain harpsichordist yang virtuoso. Tempat utama dalam karyanya ditempati oleh karya keyboard satu bagian, yang disebutnya “latihan”. Inovator di bidang teknologi keyboard. hal. lebih dari 550 sonata keyboard, 12 opera, 70 kantata, 3 Misa, Stabat Mater, Te Deum

STRADELLA ALESSANDRO (1644 – 1682)

Komposer Italia, menggubah musik atas perintah Ratu Christina. Di antara karya-karyanya pada periode Romawi, prolog dan intermezzo mendominasi, termasuk. ke opera Cavalli dan Cesti. Hidupnya penuh dengan skandal dan kegaduhan cerita cinta. Pada tahun 1677 dia melarikan diri ke Genoa. Di antara beberapa opera yang dipentaskan di Genoa, komik “Guardian of Trespolo” menonjol. Stradella dibunuh karena balas dendam oleh tentara bayaran dari keluarga Lomellini.

Salah satu komposer paling berbakat dan serba bisa pada masanya. Total ia mengarang sekitar 30 karya panggung dan sekitar 200 kantata. 27 karya instrumental masih bertahan.

KEHORMATAN ANTONIO (1623 – 1669)

Nama asli biarawan Fransiskan ini adalah Pietro. Di masa mudanya ia menjabat sebagai pemimpin paduan suara gereja di Arezzo, kemudian menjadi novis di biara Santa Croce di Florentine. Organis katedral, kemudian menjadi bandmaster di Voltaire, di mana dia dilindungi oleh keluarganya Medis. Karir Cesti sebagai komposer opera dimulai pada tahun 1649, ketika opera Orontea berhasil dipentaskan di Venesia. Pada tahun 1652 ia menjadi musisi istana Archduke Ferdinand Charles di Innsbruck dan dicabut haknya pentahbisan. Dari tahun 1665 ia bertugas di istana kekaisaran Wina. Selama waktu singkat yang dihabiskannya di Wina, ia menciptakan banyak opera, termasuk. muluk" apel emas" , yang produksinya dijadwalkan bertepatan dengan pernikahan Leopold I. Sesaat sebelum kematiannya, ia diangkat menjadi konduktor di istana Tuscan di Florence.

Harpsichord Suite No.5 di D minor

Dasar-dasar

Musisi yang menampilkan karya musik baik dengan harpsichord maupun variasinya disebut pemain harpsichordist.

Asal

Penyebutan paling awal tentang instrumen jenis harpsichord muncul pada sumber tahun 1397 dari Padua (Italia), yang paling awal gambar terkenal- di altar di Minden (1425). Harpsichord tetap digunakan sebagai instrumen solo hingga akhir abad ke-18. Untuk sementara waktu, ini digunakan untuk menampilkan bass digital, untuk mengiringi resitatif dalam opera. Sekitar tahun 1810 praktis tidak digunakan lagi. Kebangkitan budaya bermain harpsichord dimulai pada tahun pergantian XIX-XX berabad-abad.

Harpsichord abad ke-15 tidak bertahan. Dilihat dari gambarnya, ini adalah instrumen pendek dengan bodi yang berat. Sebagian besar harpsichord abad ke-16 yang masih ada dibuat di Italia, di mana Venesia merupakan pusat produksi utamanya.

Mereka memiliki register 8` (lebih jarang dua register 8` dan 4`) dan dibedakan berdasarkan keanggunannya. Tubuh mereka paling sering terbuat dari pohon cemara. Serangan terhadap harpsichord ini lebih jelas dan suaranya lebih tajam dibandingkan instrumen Flemish selanjutnya.

Pusat produksi harpsichord terpenting di Eropa Utara adalah Antwerpen, tempat perwakilan keluarga Ruckers bekerja sejak 1579. Harpsichord mereka memiliki senar yang lebih panjang dan badan yang lebih berat daripada instrumen Italia. Sejak tahun 1590-an, harpsichord dengan dua manual diproduksi di Antwerpen. Harpsichord Perancis, Inggris, dan Jerman abad ke-17 menggabungkan ciri-ciri model Flemish dan Belanda.

Beberapa harpsichord dua manual Prancis dengan tubuh kenari masih bertahan. Sejak tahun 1690-an, harpsichord dengan jenis yang sama dengan instrumen Ruckers diproduksi di Prancis. Di antara para master harpsichord Prancis, dinasti Blanchet menonjol. Pada tahun 1766, bengkel Blanchet diwarisi oleh Taskin.

Produsen harpsichord Inggris yang paling signifikan pada abad ke-18 adalah keluarga Shudys dan Kirkman. Instrumen mereka memiliki bodi kayu ek berlapis kayu lapis dan memiliki suara yang kuat dengan timbre yang kaya. Di Jerman abad ke-18, pusat utama produksi harpsichord adalah Hamburg; diantaranya yang diproduksi di kota ini adalah instrumen dengan register 2` dan 16`, serta 3 manual. Model harpsichord yang sangat panjang ini dirancang oleh J.D. Dulken, seorang master Belanda terkemuka pada abad ke-18.

Pada paruh kedua abad ke-18, harpsichord mulai digantikan oleh piano. Sekitar tahun 1809, perusahaan Kirkman memproduksi harpsichord terakhirnya. Penggagas kebangkitan instrumen tersebut adalah A. Dolmech. Dia membuat harpsichord pertamanya pada tahun 1896 di London dan segera membuka bengkel di Boston, Paris, dan Haslemere.

Produksi harpsichord juga diluncurkan oleh perusahaan Paris Pleyel dan Erard. Pleyel mulai memproduksi model harpsichord dengan rangka logam yang menopangnya dengan tebal dan rapat string yang diregangkan; Wanda Landowska melatih seluruh generasi pemain harpsichordist tentang instrumen jenis ini. Master Boston Frank Hubbard dan William Dowd adalah orang pertama yang menyalin harpsichord antik.

Perangkat

Bentuknya segitiga lonjong. Senarnya diposisikan secara horizontal, sejajar dengan tuts.

Di akhir setiap kunci ada penekan (atau pelompat). Pada ujung atas pendorong terdapat languette yang di dalamnya dipasang plektrum (lidah) yang terbuat dari bulu (pada banyak instrumen modern terbuat dari plastik), tepat di atas plektrum terdapat peredam yang terbuat dari kain kempa atau kulit lembut. Saat Anda menekan tombol, penekan akan naik dan plektrum akan memetik senar. Jika kunci dilepaskan, mekanisme pelepasan akan memungkinkan plektrum kembali ke tempatnya di bawah senar tanpa perlu memetik senar lagi. Getaran senar diredam oleh peredam.

Untuk pendaftaran, mis. mengubah kekuatan dan timbre suara, menggunakan sakelar tangan dan kaki. Menambah dan mengurangi volume harpsichord dengan lancar adalah hal yang mustahil. Pada abad ke-15, jangkauan harpsichord adalah 3 oktaf (pada oktaf bawah beberapa nada kromatik hilang); pada abad ke-16 diperluas menjadi 4 oktaf (C - c``), pada abad ke-18 menjadi 5 oktaf (F` - f``).

Harpsichord khas Jerman atau Belanda abad ke-18 memiliki 2 manual (keyboard), 2 set senar 8' dan satu set senar 4' (terdengar satu oktaf lebih tinggi), yang dapat digunakan secara individu atau bersama-sama, serta sanggama manual mekanisme. Sakelar register kaki dan lutut muncul pada akhir tahun 1750-an. Sebagian besar instrumen memiliki apa yang disebut register kecapi dengan timbre hidung yang khas (untuk mendapatkannya, senarnya sedikit diredam oleh benjolan kulit atau kain kempa menggunakan mekanisme khusus).

Dengarkan sesuatu dari klasik - apa yang lebih baik?! Apalagi di akhir pekan, saat ingin bersantai, melupakan kekhawatiran hari ini, kekhawatiran minggu kerja, memimpikan hal-hal indah, dan sekedar membangkitkan semangat. Bayangkan saja, karya-karya klasik diciptakan oleh penulis-penulis brilian di masa lalu sehingga sulit dipercaya bahwa sesuatu dapat bertahan bertahun-tahun. Dan karya-karya ini masih dicintai dan didengarkan, aransemen dibuat dan interpretasi modern. Bahkan di pengolahan modern, karya komposer brilian tetap menjadi musik klasik. Diakuinya, karya klasik itu cerdik, dan segala sesuatu yang cerdik tidak mungkin membosankan.

Mungkin semua komposer hebat memiliki telinga yang istimewa, kepekaan khusus terhadap nada dan melodi, yang memungkinkan mereka menciptakan musik yang dinikmati oleh puluhan generasi tidak hanya rekan senegaranya, tetapi juga penggemar musik klasik di seluruh dunia. Jika Anda masih ragu apakah Anda menyukai musik klasik, maka Anda perlu bertemu dengannya, dan Anda akan melihat bahwa sebenarnya Anda sudah lama menjadi penggemar musik yang indah.

Dan hari ini kita akan membahas tentang 10 komposer paling terkenal di dunia.

Johann Sebastian Bach

Tempat pertama memang pantas menjadi miliknya. Seorang jenius lahir di Jerman. Komposer paling berbakat menulis musik untuk harpsichord dan organ. Komposer tidak menciptakan gaya baru dalam bermusik. Namun ia mampu menciptakan kesempurnaan dalam segala gaya pada masanya. Dia adalah penulis lebih dari 1000 esai. Dalam karya-karyanya Bach menggabungkan gaya musik berbeda yang ia kenal sepanjang hidupnya. Sering romantisme musik dipadukan dengan gaya Barok. Selama hidup Johann Bach Sebagai seorang komposer dia tidak menerima pengakuan yang pantas diterimanya, minat terhadap musiknya muncul hampir 100 tahun setelah kematiannya. Saat ini dia disebut sebagai salah satu komposer terhebat yang pernah hidup di bumi. Keunikannya sebagai pribadi, guru, dan musisi tercermin dalam musiknya. Bach meletakkan dasar-dasar musik zaman Baru dan Kontemporer, membagi sejarah musik menjadi pra-Bach dan pasca-Bach. Ada pendapat bahwa musik Bach suram dan suram. Musiknya agak mendasar dan menyeluruh, terkendali dan fokus. Seperti cerminan orang dewasa yang berwawasan dunia. Penciptaan Bach mempengaruhi banyak komposer. Beberapa dari mereka mengambil inspirasi dari karya-karyanya atau menggunakan tema dari karya-karyanya. Dan musisi di seluruh dunia memainkan musik Bach, mengagumi kecantikan dan kesempurnaannya. Salah satu karya paling sensasional - "Konser Brandenburg"- bukti luar biasa bahwa musik Bach tidak bisa dianggap terlalu suram:

Wolfgang Amadeus Mozart

Dia dianggap jenius. Pada usia 4 tahun ia sudah fasih bermain biola dan harpsichord, pada usia 6 tahun ia mulai menggubah musik, dan pada usia 7 tahun ia sudah mahir berimprovisasi pada harpsichord, biola, dan organ, bersaing dengan musisi terkenal. Sudah di usia 14 tahun Mozart – komposer terkenal, dan pada usia 15 tahun - anggota akademi musik Bologna dan Verona. Secara alami dia punya fenomenal telinga musik, memori dan kemampuan berimprovisasi. Dia menciptakan banyak sekali karya - 23 opera, 18 sonata, 23 konser piano, 41 simfoni, dan banyak lagi. Sang komposer tak mau meniru, ia mencoba menciptakan model baru yang mencerminkan individualitas baru musiknya. Bukan kebetulan bahwa musik ada di Jerman Mozart disebut “musik jiwa”, dalam karya-karyanya sang komposer menunjukkan ciri-ciri sifatnya yang tulus dan penuh kasih. Pemain Melodi Terhebat arti khusus diberikan kepada opera. Opera Mozart- era perkembangan spesies ini seni musik. Mozart diakui secara luas sebagai salah satu komposer terhebat: keunikannya terletak pada kenyataan bahwa ia berkarya dalam semua bentuk musik pada masanya dan mencapai kesuksesan tertinggi di semua bentuk musik tersebut. Salah satu karya yang paling dikenal - "Pawai Turki":

Ludwig van Beethoven

Orang Jerman hebat lainnya adalah tokoh penting pada periode Romantis-Klasik. Bahkan mereka yang tidak tahu apa-apa tentang hal itu pun mengetahuinya musik klasik. Beethoven adalah salah satu komposer yang paling tampil dan dihormati di dunia. Komposer hebat menyaksikan pergolakan luar biasa yang terjadi di Eropa dan menggambar ulang petanya. Pergolakan besar, revolusi dan konfrontasi militer tercermin dalam karya komposer, khususnya karya simfoni. Dia mewujudkan gambaran perjuangan heroik dalam musik. DI DALAM karya abadi Beethoven Anda akan mendengar perjuangan kemerdekaan dan persaudaraan umat, keyakinan yang tak tergoyahkan akan kemenangan terang atas kegelapan, serta impian kebebasan dan kebahagiaan bagi umat manusia. Salah satu fakta paling terkenal dan mengejutkan dalam hidupnya adalah penyakit telinganya berkembang menjadi tuli total, namun meskipun demikian, sang komposer terus menulis musik. Dia juga dianggap sebagai salah satu pianis terbaik. Musik Beethoven ternyata sederhana dan mudah dimengerti lingkaran lebar pendengar. Generasi dan bahkan zaman berubah, dan musik Beethoven tetap menggairahkan dan menyenangkan hati orang. Salah satu miliknya karya terbaik – "Sonata Cahaya Bulan":

Richard Wagner

Dengan nama yang agung Richard Wagner paling sering dikaitkan dengan karya agungnya "Paduan Suara Pernikahan" atau "Perjalanan Valkyrie". Namun ia dikenal tidak hanya sebagai komposer, tetapi juga sebagai filsuf. Wagner menganggap karya musiknya sebagai cara mengekspresikan konsep filosofis tertentu. DENGAN Wagner era musik opera baru dimulai. Komposer mencoba menghidupkan opera; musik baginya hanyalah sarana. Richard Wagner– pencipta drama musikal, pembaharu opera dan seni konduktor, inovator bahasa musik yang harmonis dan melodis, pencipta bentuk-bentuk baru ekspresi musik. Wagner- penulis aria solo terpanjang di dunia (14 menit 46 detik) dan opera klasik terpanjang di dunia (5 jam 15 menit). Selama hidup Richard Wagner dianggap sebagai orang yang kontroversial, yang dipuja atau dibenci. Dan seringkali keduanya bersamaan. Simbolisme mistik dan anti-Semitisme menjadikannya komposer favorit Hitler, namun menutup jalan bagi musiknya ke Israel. Namun, baik pendukung maupun penentang sang komposer tidak menyangkal kehebatannya sebagai seorang komposer. Musik yang indah dari nada pertama Richard Wagner menyerap Anda sepenuhnya, tidak menyisakan ruang untuk perselisihan dan perselisihan:

Franz Schubert

Komposer Austria - jenius musik, salah satu komposer lagu terbaik. Dia baru berusia 17 tahun ketika dia menulis lagu pertamanya. Dalam satu hari dia bisa menulis 8 lagu. Untuk saya kehidupan kreatif ia menciptakan lebih dari 600 komposisi, berdasarkan puisi karya lebih dari 100 penyair besar, termasuk Goethe, Schiller dan Shakespeare. Itu sebabnya Franz Schubert di 10 besar. Meskipun kreativitas Schubert sangat beragam dalam penggunaan genre, ide dan reinkarnasi, hal yang dominan dan menentukan dalam musiknya adalah vokal dan lirik lagu. Ke Schubert lagu itu dianggap sebagai genre yang tidak penting, dan dialah yang mengangkatnya ke dalam kekuasaan kesempurnaan artistik. Selain itu, ia memadukan lagu dan musik simfoni kamar yang tampaknya tidak serasi, sehingga memunculkan arah baru simfoni liris-romantis. Lirik vokal dan lagu adalah dunia pengalaman manusia yang sederhana dan dalam, halus dan bahkan intim, yang diungkapkan bukan dengan kata-kata, tetapi dengan suara. Franz Schubert hidup sangat hidup yang singkat, baru berusia 31 tahun. Nasib karya komposer tak kalah tragis dengan kehidupannya. Setelah kematian Schubert masih banyak manuskrip yang belum diterbitkan, disimpan di rak buku dan laci kerabat dan teman. Bahkan orang-orang terdekatnya pun tidak mengetahui semua yang dia tulis, dan keseluruhannya bertahun-tahun dia hanya dikenali sebagai raja lagu. Beberapa karya komposer diterbitkan hanya setengah abad setelah kematiannya. Salah satu karya yang paling dicintai dan terkenal Franz Schubert – "Serenade Malam":

Robert Schumann

Dengan nasib yang sama tragisnya, komposer Jerman adalah salah satunya komposer terbaik era romantis. Dia menciptakan musik dengan keindahan luar biasa. Untuk mendapatkan gambaran tentang romantisme Jerman abad ke-19, langsung saja disimak "Karnaval" Robert Schumann. Ia mampu melepaskan diri dari tradisi musik era klasik, menciptakan interpretasinya sendiri terhadap gaya romantis. Robert Schumann dikaruniai banyak bakat, dan bahkan untuk waktu yang lama tidak dapat memutuskan antara musik, puisi, jurnalisme, dan filologi (dia adalah seorang poliglot dan fasih menerjemahkan dari bahasa Inggris, Prancis, dan Italia). Dia juga seorang pianis yang luar biasa. Namun panggilan dan gairah utama Schumann ada musik. Musiknya yang puitis dan sangat psikologis sebagian besar mencerminkan dualitas sifat komposer, aliran gairah dan pelarian ke dunia mimpi, kesadaran akan realitas vulgar dan keinginan akan cita-cita. Salah satu mahakarya Robert Schumann, yang harus didengar semua orang:

Frederic Chopin

Mungkin orang Polandia paling terkenal di dunia musik. Baik sebelum maupun sesudah komposernya, tidak ada seorang jenius musik setingkat ini yang lahir di Polandia. Orang Polandia sangat bangga dengan rekan senegaranya yang hebat, dan dalam karyanya sang komposer lebih dari sekali mengagungkan tanah airnya, mengagumi keindahan pemandangan, menyesali masa lalu yang tragis, dan memimpikan masa depan yang cerah. Frederic Chopin- salah satu dari sedikit komposer yang menulis musik khusus untuk piano. Warisan kreatifnya tidak mencakup opera atau simfoni, tapi potongan piano disajikan dengan segala keberagamannya. Karya-karyanya menjadi dasar repertoar banyak pianis terkenal. Frederic Chopin adalah seorang komposer Polandia yang juga dikenal sebagai pianis berbakat. Ia hidup hanya 39 tahun, namun berhasil menciptakan banyak mahakarya: balada, pendahuluan, waltz, mazurka, nocturnes, polonais, etudes, sonata, dan masih banyak lagi. Salah satunya adalah "Balada No. 1, G minor".

Franz Daftar

Dia adalah salah satu komposer terhebat di dunia. Dia hidup relatif lama dan mengejutkan kehidupan yang kaya, mengalami kemiskinan dan kekayaan, bertemu cinta dan menghadapi penghinaan. Selain bakat alaminya, ia memiliki kemampuan bekerja yang luar biasa. Franz Daftar tidak hanya mendapat kekaguman dari para penikmat dan penggemar musik. Baik sebagai komposer maupun pianis, ia mendapat persetujuan universal dari Eropa Kritikus XIX berabad-abad. Ia menciptakan lebih dari 1300 karya dan sejenisnya Frederic Chopin memberi preferensi pada karya piano. Pianis yang brilian Franz Daftar tahu cara mereproduksi suara seluruh orkestra pada piano, melakukan improvisasi dengan sangat baik, dan memiliki ingatan yang luar biasa komposisi musik, dia tidak ada bandingannya dalam membaca catatan dari selembar kertas. Ia memiliki gaya penampilan yang menyedihkan, yang juga tercermin dalam musiknya yang penuh semangat dan heroik, menciptakan gambar musik yang penuh warna dan meninggalkan kesan yang tak terhapuskan bagi pendengarnya. Kartu panggil komposer adalah konser pianonya. Salah satu karya ini. Dan salah satu karya paling terkenal Daftar – "Mimpi Cinta":

Johannes Brahms

Tokoh penting dari periode romantis dalam musik adalah Johannes Brahms . Dengarkan dan cintai musik Brahm penting rasanya enak dan ciri khas sifat romantis. Brahm tidak menulis satu opera pun, tetapi ia menciptakan karya dalam semua genre lainnya. Kemuliaan khusus Brahm membawakan simfoninya. Dalam karya-karya pertama, orisinalitas sang komposer terlihat jelas, yang seiring berjalannya waktu menjelma menjadi gayanya sendiri. Jika kita mempertimbangkan semua pekerjaan Brahm, tidak dapat dikatakan bahwa komposer sangat dipengaruhi oleh karya para pendahulu atau orang sezamannya. Dan dari segi skala kreativitas Brahm sering dibandingkan dengan Bach Dan Beethoven. Mungkin perbandingan ini dapat dibenarkan dalam arti bahwa karya tiga orang besar Jerman ini mewakili puncak dari seluruh era dalam sejarah musik. Berbeda dengan Franz Daftar kehidupan Johannes Brahms bebas dari peristiwa yang bergejolak. Dia lebih menyukai kreativitas yang tenang, selama hidupnya dia mendapatkan pengakuan atas bakatnya dan rasa hormat universal, dan juga dianugerahi banyak penghargaan. Musik paling luar biasa di mana kekuatan kreatif Brahm memiliki efek yang sangat cerah dan orisinal, adalah miliknya "Requiem Jerman", sebuah karya yang penulis ciptakan selama 10 tahun dan dipersembahkan untuk ibunya. Dalam musik Anda Brahm menyanyikan nilai-nilai abadi kehidupan manusia yang terletak pada keindahan alam, seni talenta-talenta hebat masa lalu, dan budaya tanah air.

Giuseppe Verdi

Tanpa apa sepuluh komposer teratas?! Komposer Italia terkenal karena opera-operanya. Ia menjadi kejayaan nasional Italia, karyanya merupakan puncak perkembangan opera Italia. Prestasi dan prestasinya sebagai komposer tidak bisa dilebih-lebihkan. Karya-karyanya, satu abad setelah kematian penulisnya, tetap menjadi yang paling populer, dipentaskan secara luas, dikenal baik oleh para penikmat maupun pecinta musik klasik.

Untuk Verdi Hal terpenting dalam opera adalah drama. Dibuat oleh komposer gambar musik Rigoletto, Aida, Violetta, Desdemona secara organik menggabungkan melodi yang cerah dan kedalaman karakter, demokrasi dan kecanggihan karakteristik musik, gairah yang membara dan mimpi cerah. Verdi adalah seorang psikolog sejati dalam pemahaman nafsu manusia. Musiknya adalah kemuliaan dan kekuatan, keindahan dan harmoni yang luar biasa, melodi yang sangat indah, aria dan duet yang indah. Gairah memuncak, komedi dan tragedi terjalin dan menyatu. Plot opera, menurut pengakuannya sendiri Verdi, harus “asli, menarik dan... penuh gairah, dengan hasrat di atas segalanya.” Dan sebagian besar karyanya serius dan tragis, menunjukkan situasi dramatis yang emosional, dan musik yang hebat Verdi memberikan ekspresi pada apa yang terjadi dan menekankan aksen situasi. Setelah menyerap semua yang terbaik yang dicapai oleh sekolah opera Italia, ia tidak menyangkal tradisi opera, tetapi mereformasi opera Italia, mengisinya dengan realisme, dan memberikan kesatuan keseluruhan. Pada saat yang sama, dia tidak mengumumkan reformasinya, tidak menulis artikel tentang hal itu, tetapi hanya menulis opera dengan cara baru. Prosesi kemenangan salah satu mahakarya Verdi- opera - menyapu panggung Italia dan berlanjut di Eropa, serta di Rusia dan Amerika, bahkan memaksa orang yang skeptis untuk mengakui bakat komposer hebat.

10 komposer paling terkenal di dunia diperbarui: 25 November 2017 oleh: Elena