Tiga tahapan utama romantisme musik Eropa abad ke-19 - awal, matang, dan akhir - sesuai dengan tahapan perkembangan musik romantis Austria dan Jerman. Namun periodisasi ini harus dirinci dan diklarifikasi dalam kaitannya dengan peristiwa terpenting dalam seni musik masing-masing negara.
Tahap awal romantisme musik Jerman-Austria dimulai pada tahun 1910-an hingga 20-an, bertepatan dengan klimaks perjuangan melawan kekuasaan Napoleon dan permulaan reaksi politik gelap. Permulaan tahap ini ditandai dengan fenomena musik seperti opera “Ondine” karya Hoffmann (1913), “Silvana” (1810), “Abu Hasan” (1811) dan program piano piece “Invitation to the Dance” (1815). ) oleh Weber, lagu Schubert pertama yang benar-benar orisinal - “Margarita at the Spinning Wheel” (1814) dan “The Forest King” (1815). Pada tahun 20-an, masa kejayaan romantisme awal dimulai, ketika kejeniusan Schubert awal yang memudar terungkap dengan kekuatan penuh, ketika Penembak Ajaib, Euryata dan Oberon muncul - tiga opera terakhir Beber yang paling sempurna, di tahun kematiannya. (1820) Seorang "tokoh" baru muncul di cakrawala musik - Mendelssohn-Bartholdy, yang menampilkan pembukaan konser yang luar biasa - A Midsummer Night's Dream.
Tahap tengah terutama terjadi pada tahun 30-an dan 40-an, batas-batasnya ditentukan oleh Revolusi Juli di Perancis, yang berdampak signifikan pada kalangan maju di Austria dan khususnya Jerman, dan revolusi tahun 1848-1949, yang dengan kuat melanda seluruh dunia. Tanah Jerman-Austria. Selama periode ini, kreativitas Mendelssohn (meninggal tahun 1147) dan Schumann berkembang di Jerman, yang aktivitas komposisinya hanya melewati batas yang ditentukan selama beberapa tahun;
Periode romantisme akhir pasca-revolusioner, yang berlangsung selama beberapa dekade (dari awal tahun 50-an hingga sekitar pertengahan tahun 90-an), dikaitkan dengan situasi sosial-politik yang tegang (persaingan antara Austria dan Prusia dalam penyatuan tanah Jerman, munculnya Jerman bersatu di bawah pemerintahan Prusia yang militeristik dan isolasi politik terakhir Austria). Saat ini, masalah kesatuan seni musik seluruh Jerman sedang akut, kontradiksi antara berbagai kelompok kreatif dan komposer individu semakin terungkap, dan perebutan arah pun muncul, terkadang tercermin dalam polemik panas di halaman pers.

Upaya untuk menyatukan kekuatan musik progresif negara sedang dilakukan oleh Liszt, yang pindah ke Jerman, namun prinsip kreatifnya terkait dengan ide-ide inovasi radikal berbasis perangkat lunak tidak dimiliki oleh semua musisi Jerman. Posisi khusus ditempati oleh Wagner, yang memutlakkan peran drama musikal sebagai “seni masa depan”. Pada saat yang sama, Brahms, yang dalam karyanya berhasil membuktikan pentingnya banyak tradisi musik klasik yang dikombinasikan dengan pandangan dunia baru yang romantis, menjadi kepala gerakan anti-Liszt dan anti-Wagner di Wina.
Tahun 1876 penting dalam hal ini: pemutaran perdana “Ring of the Nibelung” karya Wagner berlangsung di Bayreuth, dan Wina berkenalan dengan simfoni pertama Brahms, yang membuka periode puncak tertinggi karyanya.
Kompleksitas situasi musik dan sejarah tahun-tahun ini tidak terbatas pada kehadiran berbagai arah asal mereka - Leipzig, Weimar, Bayreuth.
Namun demikian, bahkan setelah pertengahan tahun 80-an, ketika romantisme jelas mulai menjadi usang, ledakan kreativitas romantis yang cerah masih muncul di Austria dan Jerman: karya piano terakhir Brahms dan simfoni akhir Bruckner dicakup dalam romantisme; Komposer terhebat pada pergantian abad ke-19 dan ke-20 - Mahler dari Austria dan Richard Strauss dari Jerman - terkadang menampilkan diri mereka sebagai tipikal romantisme dalam karya-karya tahun 80-an dan 90-an. Secara umum, para komposer ini menjadi semacam penghubung antara abad kesembilan belas yang “romantis” dan abad kedua puluh yang “anti-romantis”.)
Kedekatan budaya musik Austria dan Jerman, karena tradisi budaya dan sejarah, tentu saja tidak mengecualikan perbedaan nasional tertentu. Di Jerman yang terfragmentasi namun bersatu secara nasional dan di Kekaisaran Austria yang bersatu secara politik namun multinasional (“tambal sulam monarki”), sumber yang memberi makan kreativitas musik dan tugas yang dihadapi oleh para musisi terkadang berbeda. Jadi, di Jerman yang terbelakang, mengatasi stagnasi filistin dan provinsialisme sempit adalah tugas yang sangat mendesak, yang pada gilirannya memerlukan kegiatan pendidikan dalam berbagai bentuk. Sebagai perwakilan seni terkemuka di negara-negara tersebut, seorang komposer Jerman yang luar biasa tidak bisa membatasi dirinya hanya pada mengarang musik, tetapi juga harus menjadi tokoh musik dan sosial. Dan memang, komposer romantis Jerman dengan penuh semangat menjalankan budaya dan pendidikan tugas dan berkontribusi pada peningkatan umum tingkat seluruh budaya musik di negara asalnya: Weber - sebagai penyanyi opera dan kritikus musik, Mendelssohn - sebagai konduktor konser dan guru utama, pendiri konservatori pertama di Jerman; Schumann - sebagai kritikus musik inovatif dan pencipta majalah musik jenis baru. Belakangan, aktivitas musik dan sosial Wagner, yang langka dalam keserbagunaannya, berkembang sebagai konduktor teater dan simfoni, kritikus, ahli kecantikan, pembaharu opera, dan pencipta teater baru di Bayreuth.
Di Austria, dengan sentralisasi politik dan budayanya (hegemoni resimen Wina sebagai pusat politik dan budaya), dengan ilusi patriarki yang tertanam, kemakmuran imajiner, dan dengan dominasi reaksi paling brutal, aktivitas sosial yang luas tidak mungkin dilakukan1.
Dalam hal ini, kita tidak bisa tidak menarik perhatian pada kontradiksi antara kesedihan sipil dari karya Beethoven dan kepasifan sosial yang dipaksakan dari komposer besar. Apa yang bisa kita katakan tentang Schubert, yang terbentuk sebagai seniman pada periode setelah Kongres Wina tahun 1814-1815! Lingkaran Schubert yang terkenal adalah satu-satunya bentuk penyatuan perwakilan intelektual artistik yang maju, tetapi lingkaran seperti itu tidak dapat mendapat tanggapan publik yang tulus di Wina karya Metternich. Dengan kata lain, di Austria, komposer terbesar hampir secara eksklusif adalah pencipta karya musik: mereka tidak dapat mengekspresikan diri mereka dalam bidang aktivitas musik dan sosial. Hal ini berlaku pada Schubert, Bruckner, Johann Strauss sang putra, dan beberapa orang lainnya.

Khusus untuk budaya musik Austria adalah distribusi yang sangat luas dari berbagai bentuk musik hiburan - serenade, kasasi, pengalihan, yang menempati tempat penting dalam karya klasik Wina Haydn dan Mozart. Di era romantisme, pentingnya musik hiburan sehari-hari tidak hanya tetap ada, tetapi semakin kuat. Sulit untuk membayangkan, misalnya, citra kreatif Schubert tanpa arus folk sehari-hari yang meresapi musiknya dan mulai dari pesta-pesta di Wina, piknik, liburan di taman, dan pembuatan musik jalanan yang santai.
Namun pada masa Schubert, stratifikasi dalam musik profesional Wina mulai terlihat. Dan jika Schubert sendiri dalam karyanya masih menggabungkan simfoni dan sonata dengan waltz dan ländler, yang muncul dalam ratusan,1 serta pawai, ecossaises, polonaises, maka orang-orang sezamannya Lainer dan Strauss the Father menjadikan musik dansa sebagai dasar aktivitas mereka. Selanjutnya, “polarisasi” ini terungkap dalam korelasi karya dua rekan—musik tari dan operet klasik Johann Strauss the Son (1825-1899) dan simfoni Bruckner (1824-1896).
Terlepas dari semua ini dan perbedaan lain dalam perkembangan musik Austria dan Jerman, ciri-ciri umum seni romantis kedua negara jauh lebih terlihat. Apa ciri khusus yang membedakan karya Schubert, Weber dan penerus terdekat mereka - Mendelssohn dan Schumann - dari musik romantis negara-negara Eropa lainnya?
Lirik yang intim dan penuh perasaan, diselimuti mimpi, merupakan ciri khas Schubert, Weber, Mendelssohn, dan Schumann. Musik mereka didominasi oleh melodi yang merdu, murni vokal, yang biasanya diasosiasikan dengan konsep bahasa Jerman “Lied”. Gaya ini juga merupakan ciri khas dari lagu-lagu dan banyak tema instrumental merdu karya Schubert, arias opera liris karya Weber, “Lagu Tanpa Kata” karya Mendelssohn, dan gambar “Ebsebievsky” karya Schumann. Namun, melodi yang melekat dalam gaya ini berbeda dari cantilena opera Italia khas Bellini, serta dari putaran afektif dan deklamasi yang menjadi ciri romantisme Prancis (Berlioz, Menerbere).
Dibandingkan dengan romantisme Prancis progresif, yang bercirikan kegembiraan dan efektivitas, penuh dengan kesedihan sipil, heroik-revolusioner, romantisme Austria dan Jerman secara umum terlihat lebih kontemplatif, mementingkan diri sendiri, dan liris secara subyektif. Namun kekuatan utamanya terletak pada pengungkapan dunia batin seseorang, dalam psikologi mendalam yang terungkap sepenuhnya dalam musik Austria dan Jerman, yang menentukan dampak artistik yang tak tertahankan dari banyak karya musik. Ini. namun, hal ini tidak mengecualikan manifestasi kepahlawanan dan patriotisme yang jelas dalam karya-karya romantisme di Austria dan Jerman. Begitulah simfoni heroik-epik yang perkasa dalam C mayor oleh Schubert dan beberapa lagunya (“To the driver Kronos”, “Group from Hell” dan lainnya), siklus paduan suara “Lyre and Sword” oleh Weber (berdasarkan puisi oleh penyair patriotik T. Kerner "Symphonic Etudes" "Schumann, lagunya "Two Grenadiers"; akhirnya, halaman heroik individu dalam karya-karya seperti "Scottish Symphony" karya Mendelssohn (pendewaan di akhir), "Karnaval" Schumann (final, yang ketiga simfoni (gerakan pertama). Tetapi kepahlawanan rencana Beethoven, titanisme perjuangan kemudian dihidupkan kembali dengan dasar baru - dalam drama musikal heroik-epik Wagner pada tahap pertama romantisme Jerman-Austria, aktif, efektif Prinsipnya lebih sering diungkapkan dalam gambar-gambar yang menyedihkan, bersemangat, memberontak, tetapi tidak mencerminkan, seperti dalam proses perjuangan yang penuh tujuan dan kemenangan oleh Beethoven. Seperti lagu-lagu Schubert "Shelter" dan "Atlant", gambar-gambar Schumann dari Florestan, "Manfred" -nya. ” pembukaan, pembukaan “Run Blaz” Mendelssohn.

Gambaran alam menempati tempat yang sangat penting dalam karya komposer romantis Austria dan Jerman. Peran “empati” dari gambaran alam sangat besar dalam siklus vokal Schubert dan dalam siklus “The Love of a Poet” oleh Schumann.
Kerinduan romantis akan cita-cita dalam musik Jerman-Austria menemukan ekspresi spesifiknya, khususnya dalam tema pengembaraan, pencarian kebahagiaan di negeri lain yang belum dikenal. Hal ini tampak paling jelas dalam karya Schubert (“The Wanderer,” “The Beautiful Miller’s Wife,” “Winter Reise”), dan kemudian di Wagner dalam gambar Flying Dutchman, Wotan the Traveler, dan Siegfried yang mengembara.
Tradisi di tahun 80-an ini mengarah pada siklus Mahler “Songs of the Wandering Apprentice”.
Tempat luas yang diberikan pada gambar-gambar fantastis juga merupakan ciri khas nasional romantisme Jerman-Austria (ini berdampak langsung pada romantisme Prancis Berlioz). Ini adalah, pertama, fantasi kejahatan, Demonisme, yang paling jelas diwujudkan dalam “Siena in the Valley of the Wolf” dari opera Weber “The Magic Shooter”, dalam “The Vampire” oleh Marschner, kantata “Walpurgis Night ” oleh Mendelssohn dan sejumlah karya lainnya. Kedua, fantasinya ringan, puitis halus, menyatu dengan gambaran alam yang indah dan penuh antusiasme: adegan dalam opera "Oberon" oleh Weber, pembukaan "A Midsummer Night's Dream" oleh Mendelssohn, dan kemudian gambar Lohengrin karya Wagner - utusan Cawan. Tempat perantara di sini adalah milik banyak gambar Schumann, di mana fantasi mewujudkan awal yang indah dan aneh, tanpa banyak penekanan pada masalah kejahatan dan kebaikan.

Prinsip “kemampuan bernyanyi” yang diterapkan secara luas - kecenderungan umum yang khas dalam karya komposer romantis - juga meluas ke musik instrumental mereka.
Ini mencapai individualisasi melodi yang lebih besar melalui kombinasi karakteristik lagu aktual dan putaran deklamasi, nyanyian fondasi, kromatisasi, dll. Bahasa harmonik diperkaya: formula harmonik khas klasik digantikan oleh harmoni yang lebih fleksibel dan bervariasi, peran plagialitas dan langkah sampingan mode meningkat. Sisi warna-warninya menjadi penting dalam harmoni. Interpenetrasi mayor dan minor yang meningkat secara bertahap juga merupakan ciri khasnya. Maka dari itu, dari Schubert pada hakikatnya muncullah tradisi perbandingan mayor-minor dengan nama yang sama (biasanya mayor setelah minor), karena ini menjadi teknik favorit dalam karyanya. Cakupan penerapan mayor harmonik semakin meluas (subdominan minor dalam irama karya besar merupakan ciri khasnya). Sehubungan dengan penekanan pada individu dan identifikasi detail halus gambar, terdapat juga pencapaian di bidang orkestrasi (pentingnya pewarnaan timbre tertentu, meningkatnya peran instrumen solo, perhatian pada sentuhan pertunjukan baru pada senar, dll.). Namun orkestra sendiri pada dasarnya tidak mengubah komposisi klasiknya.
Peran romantisme Austria dan Jerman dalam penciptaan prinsip komposisi baru sangat besar. Siklus sonata-simfoni klasik digantikan oleh miniatur instrumental; siklisasi miniatur, yang dikembangkan dengan jelas dalam bidang lirik vokal oleh Schubert, ditransfer ke musik instrumental (Schumann). Komposisi satu gerakan besar juga muncul, menggabungkan prinsip sonata dan siklus (fantasi piano Schubert di C mayor, Concertstück karya Weber, gerakan pertama fantasi Schumann di C mayor). Siklus sonata-simfoni, pada gilirannya, mengalami perubahan signifikan di kalangan romantisme, dan berbagai jenis “sonata romantis” dan “simfoni romantis” bermunculan. Namun tetap saja, pencapaian utamanya adalah kualitas pemikiran musik yang baru, yang menentukan penciptaan miniatur yang penuh konten dan kekuatan ekspresi - konsentrasi khusus ekspresi musik yang menjadikan lagu terpisah atau satu bagian piano sebagai fokusnya. ide dan pengalaman yang mendalam.

Romantisme Austria dan Jerman yang berkembang pesat pada paruh pertama abad ke-19 dipimpin oleh individu-individu yang tidak hanya berbakat cemerlang, tetapi juga maju dalam pandangan dan aspirasi mereka. Hal ini menentukan signifikansi abadi karya musik mereka, signifikansinya sebagai "klasik baru", yang menjadi jelas pada akhir abad ini, ketika musik klasik negara-negara berbahasa Jerman pada dasarnya diwakili tidak hanya oleh komposer hebat. abad ke-18 dan Beethoven, tetapi juga oleh para romantisme hebat - Schubert, Schumann, Weber, Mendelssohn. Perwakilan romantisme musikal yang luar biasa ini, yang sangat menghormati pendahulunya dan mengembangkan banyak pencapaian mereka, pada saat yang sama berhasil membuka dunia gambar musik dan bentuk komposisi yang benar-benar baru. Nada pribadi yang ada dalam karya mereka ternyata selaras dengan suasana hati dan pemikiran massa demokratis. Mereka membangun dalam musik karakter ekspresif yang dengan tepat digambarkan oleh B.V. Asafiev sebagai “ucapan yang hidup dan ramah, dari hati ke hati” dan yang membuat Schubert dan Schumann mirip dengan Chopin, Grieg, Tchaikovsky, dan Verdi. Tentang nilai humanistik dari gerakan musik romantis, Asafiev menulis: “Kesadaran pribadi dimanifestasikan bukan dalam keterasingan, keterasingan yang membanggakan, tetapi dalam refleksi artistik yang unik dari segala sesuatu yang hidup dan menggairahkan mereka selalu dan tak terelakkan. Dalam kesederhanaan seperti itu, pemikiran dan refleksi indah tentang kehidupan selalu terdengar - konsentrasi yang terbaik yang ada dalam diri seseorang.”

Skryabina Svetlana Anatolevna

MBOU DOD DSHI Uvarovo, wilayah Tambov.

Guru

Abstrak

“Piano karya komposer romantis”

Perkenalan.

2. Romantisme dalam musik.

4. Pengaruh gaya romantis pada karya piano F. Liszt.

5. Kesimpulan.

6. Daftar referensi.

Perkenalan.

Romantisme, sebagai sebuah gerakan seni, terbentuk pada akhir abad ke-18 dan awal abad ke-19, pertama dalam sastra (di Jerman, Inggris Raya, dan negara-negara lain di Eropa dan Amerika), kemudian dalam musik dan bentuk seni lainnya. Gaya romantisnya orisinal, fantastis, dan agung.

Era romantisme memegang peranan besar dalam perkembangan budaya musik. Romantisme mencakup semua bidang budaya: filsafat, estetika, teater, sastra, musik, dan humaniora lainnya. Sehubungan dengan berbagai tradisi nasional dan aspek sejarah, romantisme, yang berkembang di berbagai negara, memperoleh ciri-ciri nasional yang khas: di antara orang Jerman - dalam mistisisme, di antara orang Inggris - dalam kepribadian yang menentang perilaku wajar, di antara orang Prancis - dalam hal yang tidak biasa cerita. Gaya romantis dicirikan oleh daya tarik terhadap dunia batin seseorang, keinginan akan emosionalitas, hal ini menentukan keunggulan sastra dan musik dalam romantisme.

Relevansi Topik ini terletak pada kenyataan bahwa Romantisme menjadi penopang bagi banyak komposer, dan memainkan peran besar dalam pengembangan budaya musik, dan juga mendorong pengembangan kreativitas piano komposer Romantis.

Tujuan dari pekerjaan ini– mengidentifikasi ciri-ciri utama romantisme dan mempelajari refleksinya dalam karya piano komposer romantis dengan memecahkan masalah berikut:

1. Pertimbangkan ciri-ciri utama romantisme;
2. Identifikasi manifestasi romantisme dalam musik;
3. Pelajari ciri-ciri gaya romantisme dalam musik piano;
4. Jelaskan karya piano F. Liszt.

Untuk mewujudkan ide-ide mereka, komposer romantis beralih ke bentuk-bentuk baru: miniatur piano, balada, nocturnes, polonaise, dadakan, lagu-lagu liris memperoleh peran besar; Ada penggunaan bentuk sonata-simfoni dan variasi yang lebih bebas, penciptaan bentuk satu gerakan besar baru - sonata, konser, puisi simfoni, penggunaan teknik pengembangan khusus - leitmotif, monotematik, deklamasi vokal, colorism.

1. Asal usul romantisme dan ciri-cirinya.

Sehubungan dengan revolusi borjuis di Perancis, pandangan dan gagasan masyarakat berubah. Peristiwa sejarah meninggalkan bekas pada jiwa setiap orang yang menyaksikan pergolakan revolusioner. Gagasan tentang kesetaraan, persaudaraan, dan kebebasan menjadi dekat di kalangan seniman, penulis, dan musisi. Dengan demikian, Era Pencerahan berakhir. Namun tatanan sosial baru tidak memenuhi harapan masyarakat dan kekecewaan terjadi dan munculnya sistem ideologi baru – Romantisisme – menjadi tidak dapat diubah.

Romantisme adalah gerakan ideologis dan artistik dalam budaya spiritual Eropa dan Amerika pada akhir abad ke-18 - paruh pertama abad ke-19, yang menggantikan klasisisme. Pergeseran besar sedang terjadi dalam isi seni, dalam gerak pemikiran estetis, dan dalam sifat gambar artistik.

Pusat dunia romantisme adalah kepribadian manusia, yang berjuang untuk kebebasan batin sepenuhnya, kesempurnaan dan pembaruan. Ia mengungkapkan sikapnya terhadap kehidupan dan dunia di sekitarnya melalui lirik pengalaman dan perasaan emosional. Lirik gambar artistik tercermin dalam pergantian seni rupa, yang mengarahkan perkembangannya, hubungannya dengan masa lalu, dan pergerakannya ke masa depan.

Romantisme didasarkan pada konsep dunia ganda (dunia mimpi dan dunia nyata). Perselisihan antara cita-cita dan kenyataan, ciri gerakan-gerakan sebelumnya, memperoleh ketajaman dan intensitas yang luar biasa dalam romantisme.

Tugas utama romantisme adalah menggambarkan dunia batin, kehidupan mental. Dengan romantisme psikologi sejati mulai muncul. Pengekangan dan kerendahan hati ditolak, digantikan oleh emosi yang kuat, seringkali mencapai ekstrem. Di kalangan romantisme, psikologi manusia dibalut mistisisme; didominasi oleh momen-momen yang tidak rasional, tidak jelas, dan misterius.

Kaum romantis beralih ke kepercayaan rakyat dan dongeng yang misterius, penuh teka-teki, bahkan mengerikan. Menolak kehidupan sehari-hari masyarakat beradab modern sebagai kehidupan yang tidak berwarna dan membosankan, kaum romantis mendambakan segala sesuatu yang tidak biasa. Mereka tertarik pada fiksi ilmiah, legenda rakyat, dan kesenian rakyat pada umumnya.

Pahlawan romantisme, pertama-tama, adalah manusia super yang individualistis. Bagi kaum romantis, manusia adalah alam semesta kecil, mikrokosmos. Ketertarikan yang kuat pada perasaan yang kuat dan jelas, nafsu yang menghabiskan banyak waktu, pada gerakan rahasia jiwa, pada sisi "malamnya", keinginan akan hal-hal intuitif dan ketidaksadaran adalah ciri-ciri penting seni romantis.

2. Romantisme dalam musik.

Pada dekade kedua abad ke-19, muncul romantisme musik yang muncul di bawah pengaruh seni sastra. Ini adalah fenomena baru secara historis, meskipun hubungan mendalam dengan musik “klasik” telah terungkap. Mempelajari dan menampilkan karya-karya komposer romantis, seseorang merasakan kegembiraan struktur spiritual dan keagungan perasaan, kontras dramatis, kesedihan yang mendalam, lirik yang tulus.

Para pendiri era romantisme adalah komposer seperti: Liszt, Chopin, Schumann, Grieg. Pada periode selanjutnya, musik “impresionisme” Debussy, Ravel, dan Scriabin muncul.

Miniatur piano Schubert, "Lagu Tanpa Kata" Mendelssohn, siklus piano, nocturnes, pendahuluan Schumann, balada Chopin - semua kekayaan ini mengubah genre dan bentuk lama, memasuki perbendaharaan musik dunia dan memperoleh makna dalam musik klasik.

Tempat dominan ditempati oleh tema cinta; keadaan pikiran inilah yang paling komprehensif dan sepenuhnya mencerminkan semua kedalaman dan nuansa jiwa manusia. Kecintaan seseorang terhadap rumahnya, terhadap tanah airnya, terhadap bangsanya mengalir seperti benang merah dalam karya semua komposer romantis.

Kaum romantisme memiliki gambaran tentang alam yang erat dan tidak dapat dipisahkan dengan tema pengakuan liris. Ibarat gambaran cinta, gambaran alam melambangkan keadaan pikiran sang pahlawan, sehingga seringkali diwarnai oleh perasaan tidak selaras dengan kenyataan.

Tema fantasi seringkali bersaing dengan gambaran alam dan hal ini ditimbulkan oleh keinginan untuk melepaskan diri dari kungkungan kehidupan nyata. Bagi komposer aliran romantis, gambar-gambar fantastis yang luar biasa memperoleh konotasi nasional yang unik. Balada Chopin terinspirasi oleh Balada Mickiewicz, Schumann, Mendelssohn, mereka menciptakan karya dengan rencana aneh yang fantastis, melambangkan, seolah-olah, sisi sebaliknya dari iman, keinginan untuk membalikkan gagasan ketakutan akan kekuatan jahat.

Masa akhir kehidupan dan karya komposer klasik besar terakhir, Ludwig van Beethoven, bertepatan dengan masa kejayaan karya komposer romantis besar pertama, Franz Schubert. Kebetulan yang signifikan ini menunjukkan hubungan erat antara seni musik klasik dan romantis. Terlepas dari kesinambungan antara kedua warisan ini, terdapat perbedaan penting yang khas dalam hubungan antara karya komposer klasik dan komposer romantis. Perbedaan utama adalah penekanan khusus dalam musik romantis pada perwujudan gambar dan suasana hati liris-menyedihkan yang melamun dan liris-menyedihkan.

Komposer romantis mulai menunjukkan minat yang besar terhadap keunikan nasional musik Rusia, serta musik negara lain. Dalam hal ini, studi menyeluruh tentang musik rakyat - cerita rakyat musikal - dimulai. Pada saat yang sama, minat terhadap sejarah nasional masa lalu, legenda kuno, dongeng, dan dongeng meningkat, yang menjadi dasar munculnya gambar-gambar fantastis yang menakjubkan. Dengan menguasai tema dan gambar baru, musik Romantis meningkatkan interaksinya dengan puisi Romantis dan teater Romantis. Hal ini menentukan tingginya perkembangan opera romantis di abad ke-19, sebuah genre di mana semua jenis seni disintesis. Salah satu opera romantis yang paling mencolok adalah “The Magic Shooter” oleh komposer Jerman Carl Maria von Weber.

Seni musik romantis menghasilkan banyak komposer luar biasa, yang seringkali juga merupakan pemain konser yang hebat.

3. Ciri-ciri stilistika era romantisme dalam musik piano.

Dalam gaya musik era Romantis, modal dan sarana harmonik memegang peranan yang sangat penting. Proses pertama - dinamika - adalah kejenuhan akord dalam permainan dengan perubahan dan disonansi, yang memperburuk ketidakstabilan dan meningkatkan ketegangan yang memerlukan resolusi dalam permainan selanjutnya. Sifat-sifat pementasan karya-karya komposer romantis seperti itu mengungkapkan “kelesuan” khas gaya ini, aliran perasaan yang berkembang “tanpa henti”, yang secara khusus diwujudkan sepenuhnya dalam karya-karya Chopin, Schumann, dan Grieg. Berbagai warna dan suara warna-warni diekstraksi dari mode alami, yang dengannya karakter musik folk atau kuno ditekankan. Saat menggambarkan gambar yang fantastis, menakjubkan, atau aneh, peran besar diberikan pada skala nada utuh dan kromatik.

Tren berikut sedang terjadi dalam musik melodi romantis: keinginan akan keluasan dan kesinambungan pengembangan frase. Banyak komposer era Romantis memiliki “melodi tanpa akhir” dengan liga multi-bar yang besar dalam karya mereka. Hal ini terutama terlihat dalam karya Chopin, Tchaikovsky, dan periode awal tahun 80an - 90an Rachmaninov (“Elegy”, “Melody”, “Romance”, “Serenade” dan karya lainnya).

Saat mengenal musik komposer romantis, produksi suara dan rasa "gaya" sangatlah penting; di sini sangat penting untuk dicatat bahwa ketika mengerjakan frase dalam karya tertentu, frasa tersebut perlu dipilih yang lain, menempel satu sama lain, membentuk karangan bunga, tetapi bersama-sama Pada saat yang sama, mereka tidak saling tumpang tindih.

Berbicara tentang ciri-ciri gaya pertunjukan karya musik komposer romantis dengan piano, Profesor dari Konservatorium Leningrad V.Kh.Razumovsky menulis: “Saya berjuang dengan simetri, mencoba mengatasi meteran dan menyembunyikan “jahitan sintaksis”, berkat itu ungkapan dan nuansa, kelancaran dan merdu suara diperoleh dan legato perasaan."

Nafas yang dirasakan saat menampilkan karya liris perlu dirasakan melalui sentuhan: latar yang penuh udara, bass yang bernafas, pedal yang apik.

Tentang ciri gaya musik F. Chopin, Liszt mengatakan yang berikut: “Musiknya mengingatkan pada bunga bindweed, yang mengayunkan mahkotanya pada batang yang sangat tipis robek sedikit pun.”Chopin adalah "puncak" seni pertunjukan era Romantis.

Saat menampilkan karya musik era Romantis, Anda harus ingat bahwa untuk mencapai "suara" yang diinginkan - lembut dan tidak wajar, Anda memerlukan hadiah khusus, kerja keras, dan selera gaya. Seperti yang dikatakan Neuhaus: “Suara adalah tempat suci, jagalah suara seperti emas, seperti permata, ia berasal dari atmosfer presonik, kelahirannya adalah sebuah misteri, sangat penting untuk menemukan “ukuran suara” yang diperlukan.

Muncul kedepan melo. Melodi diperbarui secara intonasional dan komposisi. Ada dua sumber pembaharuan intonasi yang berbeda: cerita rakyat dan intonasi ujaran. Apa yang menyimpang dari norma klasik itulah yang pertama-tama menarik perhatian. Kaum klasik mempunyai pengajian (oratoris), tetapi di kalangan kaum romantis lebih intim, liris, terbuka, dan emosional.

5. Pengaruh gaya romantis pada karya piano F. Liszt.

“Liszt, sebagai seorang virtuoso, adalah sebuah fenomena di antara mereka

yang muncul setiap beberapa abad sekali,”

Serov menulis

Dalam karya F. Liszt, karya piano merupakan bagian terbaik dari warisan kreatifnya.

Individualitas artistik Liszt sebagai seorang pianis dan komposer digabungkan untuk membantu membuka jalan baru dalam seni musik.

Dia mempercayakan semua pikiran, impian, penderitaan dan kegembiraannya pada piano. Dan itulah sebabnya Liszt menjadi orang pertama yang menemukan metode komposisi dan sarana ekspresi baru di bidang musik piano.

F. Liszt adalah seorang pianis yang brilian dan dengan penampilannya ia mampu meyakinkan dan memikat ribuan pendengar. Dengan cara yang sama, dalam praktik komposer, ia mencari presentasi pemikiran musik yang jelas dan dapat dipahami. Di sisi lain, sebagai seniman yang terus mencari, diberkahi dengan bakat kreatif yang cemerlang, ia memperbarui seluruh struktur dan karakter suara piano, menjadikannya, seperti yang dikatakan Stasov dengan tepat, “sesuatu yang tidak diketahui dan belum pernah terdengar - a seluruh orkestra.”

Komposer memperkenalkan interpretasi simfoni piano ke dalam pertunjukan dan kreativitas modern. Dalam perkembangannya, ia mencapai suara orkestra yang kuat dari instrumen tersebut dan memperkayanya dengan kemampuan warna. Dalam salah satu suratnya, Liszt menyatakan bahwa tujuannya adalah “... untuk memperkenalkan semangat pianis yang tampil pada efek orkestra dan, dalam batas terbatas piano, untuk peka terhadap berbagai efek suara dan nuansa instrumental.” Liszt mencapai hal ini dengan memenuhi karya pianonya dengan warna nada dan struktur melodi. Dalam karya piano Liszt sering kali terdapat instruksi penulis - quasi tromba (seolah-olah terompet), quasi flauto (seolah-olah seruling), dll., imitasi cello (misalnya, dalam “The Valley of Oberman”), terompet ( etude “Berburu”), lonceng (“Lonceng Jenewa”), organ, dll. Liszt memperluas sumber ekspresif pianisme ke depan, menonjolkan kekuatan, kecemerlangan, dan warna-warni suara.

F. Liszt menemukan teknik baru dalam teknik piano. Dia mencoba menggunakan semua register piano: dia menggunakan bass yang terdengar kaya dan dalam, memindahkan melodi ke register tengah, "cello", dan di register atas dia mengeluarkan suara yang transparan dan sebening kristal. Saat membandingkan register, komposer menggunakan bagian-bagian, ia menjenuhkannya dengan kompleks akord dalam pengaturan yang luas. Liszt banyak menggunakan efek tremolo orkestra, trill akord, atau oktaf martellato, untuk menghasilkan momen dramatis atau dinamis yang lebih menonjol dan menarik. Dia memberikan perhatian khusus pada distribusi materi suara antara kedua tangan, transfernya dan transfernya ke register piano yang berbeda. Di antara teknik teknis favorit Liszt lainnya adalah bagian dalam oktaf, nada ganda, dan teknik latihan yang digunakan dengan ahli. Teknik-teknik ini mempengaruhi perkembangan tekstur berlapis-lapis pada karya Liszt. Perkembangannya terlihat dalam beberapa rencana yang dinamis dan penuh warna, seperti dalam karya orkestra.

Liszt, sebagai seorang reformis hebat dalam permainan piano, mengajari para pianis untuk “membiasakan diri membuat aksen dan mengelompokkan motif, mengedepankan apa yang lebih penting dan menundukkan apa yang kurang penting, dengan kata lain, menjadikan orkestra sebagai norma mereka.”

Ciri-ciri gaya piano Liszt tidak serta merta terbentuk; dapat dibagi menjadi empat tahap. Tahap pertama (20-an - pertengahan 30-an) dikaitkan dengan studi tentang kemampuan piano, dengan meniru gaya bravura virtuoso modern; pada tahap kedua (akhir 30-an - 40-an), Liszt mengembangkan gaya individu, memperkaya gayanya teknik dan bahasa musik dengan prestasi terkini komposer romantis (Paganini, Berlioz, Chopin). Tahap ketiga (akhir 40-an - 60-an) - puncak penguasaan Liszt - ditandai dengan pembenaran semua teknik teknis dengan persyaratan ekspresi dan konten, tidak adanya "ekses" virtuoso, tahap keempat (70-80an) adalah ditandai dengan pencarian baru: penolakan desain monumental, pencarian suara kamar, warna-warna halus.

Tradisi pianisme konser “Listov” dikembangkan dalam seni A.G. Rubinstein, A. Siloti dan khususnya S. Rachmaninov.

Kesimpulan.

Romantisme sebagai metode dan arah dalam seni merupakan fenomena yang kompleks dan kontradiktif. Di setiap negara, ia mempunyai ekspresi nasional yang kuat. Dalam sastra, musik, lukisan, dan teater, tidak mudah menemukan ciri-ciri yang menyatukan Chateaubriand dan Delacroix, Mickiewicz dan Chopin, Lermontov dan Kiprensky.

Bidang kreativitas komposer romantis yang paling penting meliputi: lirik, fantasi, orisinalitas dalam penampilan motif khas nasional (contoh E. Grieg). Dimulai dengan Schubert dan Weber, para komposer telah melibatkan pola intonasi dari cerita rakyat kuno yang sebagian besar didominasi petani di negara mereka ke dalam bahasa musik pan-Eropa.

Konten musik yang baru membutuhkan sarana ekspresi yang baru. Pertama-tama, ini adalah kekayaan melodi yang luar biasa, serta kekayaan melodi dari presentasi tekstur yang dikembangkan, meningkatnya kompleksitas dan warna-warni bahasa harmonis.

Referensi.

1. Abdullin, E.B., Nikolaeva, E.V. Teori pendidikan musik: Buku teks untuk siswa lembaga pendidikan tinggi pedagogi / E.B. Abdullin, E.V. Nikolaev. - M.: Akademi, 2004. - 336 hal.
2. Aliev, Yu.B. Buku Pegangan untuk guru-musisi sekolah / Yu.B. orang asing. - M.: VLADOS, 2000. - 336 hal.
3. Bryantseva, V.N. Sastra musik luar negeri. Tahun kedua studi. - M.: Musik, 2004.
4. Druskin, MS Sejarah musik asing. Edisi 4: Paruh kedua abad ke-19 / M.S. Kulit mabuk. ― SPb.: KOMPOSITOR-SAINT-PETERSBURG, 2007. ― 632 hal.
5. Zhabinsky, K.A. Kamus musik ensiklopedis / K.A. Zhabinsky. - M.: Phoenix, 2009. - 474 hal.
6. Lebedeva, O.V. Pendidikan musik perkembangan / O.V. Lebedeva. - Kostroma: KSU, 2001. - 69 hal.
7. Minakova, A.S. Minakov, S.A. Sejarah musik dunia: Genre. Gaya. Petunjuk arah / A.S. Minakova, S.A. Minakov. - M.: Eksmo, 2010. - 544 hal.

Kholopova, V.N. Teori Musik: Melodi, Irama, Tekstur, Tematik / V.N. Kholopova. ― M.: Lan

Periode romantis

Periode Romantis dalam musik berlangsung sekitar tahun 1830-an hingga tahun 1910-an. Sampai batas tertentu, kata "romantis" hanyalah sebuah label, sebuah konsep yang tidak dapat didefinisikan secara ketat, seperti banyak konsep lainnya. Banyak karya yang disebutkan di semua bab buku kami tanpa kecuali dapat disebut “romantis”.

Perbedaan utama antara periode ini dan periode lainnya adalah bahwa para komposer pada masa itu lebih memperhatikan perasaan dan persepsi musik, mencoba mengekspresikan pengalaman emosional dengan bantuannya. Dalam hal ini mereka berbeda dengan para komposer zaman klasik, yang menganggap hal terpenting dalam musik adalah bentuk dan mencoba mengikuti aturan-aturan tertentu dalam membangun komposisi.

Pada saat yang sama, unsur romantisme dapat dilihat pada karya-karya beberapa komposer masa klasik, dan unsur klasisisme dapat dilihat pada karya-karya beberapa komposer periode romantis. Jadi semua yang kita bicarakan di atas bukanlah aturan ketat sama sekali, melainkan hanya gambaran umum.

Sejarah tidak tinggal diam, dan tidak semua orang tiba-tiba menjadi romantis, yang hanya tertarik pada pengalaman emosional mereka. Inilah masa lahirnya sosialisme, reformasi pos, dan berdirinya Bala Keselamatan. Pada saat yang sama, vitamin dan radium ditemukan, Terusan Suez dibangun; Daimler merancang mobil pertama, dan Wright bersaudara melakukan penerbangan pertama. Marconi menemukan radio, berhasil mengirimkan pesan nirkabel melalui jarak satu setengah kilometer. Ratu Victoria menduduki takhta Inggris lebih lama dibandingkan raja Inggris lainnya. Demam Emas mendorong ribuan orang melakukan perjalanan ke Amerika.

Saat Anda membaca buku kami, Anda akan melihat bahwa ini adalah bab terbesar dari semua bab, dengan tidak kurang dari tiga puluh tujuh komposer disebutkan. Banyak dari mereka tinggal dan bekerja secara bersamaan di berbagai negara. Oleh karena itu, kami membagi bab ini menjadi tiga bagian: “Romantis Awal”, “Komposer Nasional”, dan “Romantis Akhir”.

Seperti yang mungkin sudah Anda duga, pembagian ini juga tidak diklaim sepenuhnya akurat. Namun, kami berharap ini akan membantu menjaga narasi tetap konsisten, meskipun tidak selalu mengikuti urutan kronologis.

Inilah para komponis yang menjadi semacam jembatan antara masa klasik dan masa romantisme akhir. Banyak dari mereka bekerja bersamaan dengan karya “klasik”, dan karya mereka sangat dipengaruhi oleh Mozart dan Beethoven. Pada saat yang sama, banyak dari mereka yang memberikan kontribusi pribadinya terhadap perkembangan musik klasik.

Komposer pertama kita pada periode Romantis adalah bintang sejati pada masanya. Selama penampilannya, dia mendemonstrasikan keajaiban keterampilan biola virtuoso dan melakukan aksi yang luar biasa. Seperti gitaris rock virtuoso Jimi Hendrix, yang lahir seratus enam puluh tahun kemudian, Niccolo Paganini selalu memukau penonton dengan permainannya yang penuh semangat.

Paganini bisa memainkan keseluruhan lagu dengan dua senar biola, bukan empat senar. Kadang-kadang

Ia bahkan sengaja mematahkan senarnya di tengah pertunjukan, setelah itu ia tetap menyelesaikan lagu tersebut dengan gemilang dan mendapat tepuk tangan meriah dari penonton.

Sebagai seorang anak, Paganini mempelajari musik secara eksklusif. Namun, ayahnya malah menghukumnya karena kurang berolahraga dengan tidak memberinya makanan atau air.

Sebagai orang dewasa, Paganini sangat ahli dalam bermain biola sehingga dikabarkan bahwa dia sendiri yang membuat perjanjian dengan iblis, karena tidak ada manusia yang bisa bermain begitu hebat. Sepeninggal musisi tersebut, gereja pada awalnya bahkan menolak untuk menguburkannya di tanahnya.

Paganini, tanpa ragu, sendiri memahami semua manfaat dari penampilan publiknya, dengan menyatakan:

“Aku jelek, tapi saat wanita mendengarku bermain, mereka sendiri yang merangkak berdiri.”

Gaya dan struktur komposisi musik terus berkembang baik dalam karya instrumental maupun opera. Di Jerman, seni opera avant-garde dipimpin oleh Carl Maria von Weber, meskipun ia hidup di tahun-tahun yang tidak dianggap banyak orang sebagai periode romantis.

Dapat dikatakan bahwa bagi keluarga Weber, opera adalah urusan keluarga, dan Karl sering bepergian sebagai seorang anak dengan perusahaan opera ayahnya. Operanya Penembak Gratis (Penembak Ajaib) memasuki sejarah musik karena digunakannya motif rakyat.

Beberapa saat kemudian Anda akan mengetahui bahwa teknik seperti itu dianggap sebagai ciri khas periode romantis.

Weber juga menulis beberapa konser klarinet, dan karena itulah dia menjadi terkenal saat ini.

Italia adalah tempat kelahiran opera, dan sebagai pribadi Gioachino Antonio Rossini Orang Italia beruntung menemukan pahlawan baru dari genre ini. Dia menulis opera dengan konten komik dan tragis dengan kesuksesan yang sama.

Rossini adalah salah satu komposer yang mengarang dengan cepat, dan untuk menulis sebuah opera, biasanya ia hanya membutuhkan waktu beberapa minggu. Di puncak ketenarannya dia pernah berkata:

“Beri aku tagihan laundry dan aku akan mengaturnya menjadi musik.”

Mereka mengatakan itu Tukang Cukur Seville Rossini menyusunnya hanya dalam tiga belas hari. Kecepatan kerja yang begitu cepat menyebabkan opera barunya terus-menerus dipentaskan di semua teater di Italia. Namun dia tidak selalu memperlakukan para pemain komposisinya dengan baik dan bahkan pernah meremehkan mereka:

“Alangkah indahnya sebuah opera jika tidak ada penyanyi di dalamnya!”

Namun pada usia tiga puluh tujuh tahun, Rossini tiba-tiba berhenti menulis opera dan selama hampir empat dekade terakhir hidupnya ia hanya menciptakan Stabat Mater.

Masih belum sepenuhnya jelas apa yang membimbingnya ketika mengambil keputusan seperti itu, namun pada saat itu sejumlah besar uang telah terkumpul di rekening banknya - royalti dari produksi.

Selain musik, Rossini memiliki ketertarikan pada seni kuliner, dan lebih banyak hidangan yang diberi nama menurut namanya dibandingkan komposer lainnya. Anda bahkan dapat mengatur makan siang lengkap, yang mencakup Rossini Salad, Rossini Omelet, dan Rossini Tournedo. (Tournedo adalah potongan daging yang digoreng dengan remah roti, disajikan dengan pate dan truffle.)

Franz Schubert, yang hidup hanya tiga puluh satu tahun, telah memantapkan dirinya sebagai komposer berbakat pada usia tujuh belas tahun. Selama hidupnya yang singkat, ia menulis lebih dari enam ratus lagu, sembilan simfoni, sebelas opera dan sekitar empat ratus karya lainnya. Pada tahun 1815 saja, ia menggubah seratus empat puluh empat lagu, dua misa, sebuah simfoni dan sejumlah karya lainnya.

Pada tahun 1823, ia terjangkit penyakit sifilis, dan lima tahun kemudian, pada tahun 1828, ia meninggal karena demam tifoid. Setahun sebelumnya, ia menghadiri pemakaman idolanya Ludwig van Beethoven.

Patut dicatat bahwa Schubert adalah salah satu komposer besar pertama yang menjadi terkenal karena menampilkan karya orang lain. Ia sendiri hanya menggelar satu konser besar di tahun kematiannya, itupun dikalahkan oleh penampilan Paganini yang datang ke Wina pada waktu yang hampir bersamaan. Schubert yang malang tidak pernah mendapatkan rasa hormat yang layak diterimanya selama hidupnya.

Salah satu misteri terbesar Schubert adalah Simfoni No.8, dikenal sebagai Belum selesai. Dia hanya menulis dua bagian dan kemudian berhenti bekerja. Tidak ada yang tahu mengapa dia melakukan ini, tapi simfoni ini tetap menjadi salah satu karyanya yang paling populer.

Hector Berlioz lahir dalam keluarga seorang dokter, jadi, tidak seperti banyak komposer lain yang disebutkan dalam buku kami, dia tidak menerima pendidikan musik penuh.

Pada awalnya, dia memutuskan untuk mengikuti jejak ayahnya dan menjadi seorang dokter, dan dia pergi ke Paris, tetapi di sana dia mulai lebih sering menghabiskan waktu di opera. Dia akhirnya memutuskan untuk menekuni musik, yang membuat orangtuanya kecewa.

Gambaran Berlioz mungkin tampak karikatur, sehingga jauh dari tulisan bagi manusia

komposer mana pun dapat dibayangkan: sangat gugup dan mudah tersinggung, impulsif, dengan perubahan suasana hati yang tiba-tiba dan, tentu saja, sangat romantis dalam hubungan dengan lawan jenis. Suatu hari dia menyerang mantan kekasihnya dengan pistol di tangannya dan mengancam akan meracuninya; dia mengejar yang lain, mengenakan pakaian wanita.

Tetapi subjek utama dari aspirasi romantis Berlioz adalah aktris Harriet Smithson, yang kemudian menderita gangguan saraf yang parah - rupanya, dia berhutang banyak pada Berlioz sendiri. Dia pertama kali melihatnya pada tahun 1827, tetapi dia baru berhasil bertemu langsung dengannya pada tahun 1832. Pada awalnya, Smithson menolak Berlioz, dan dia, ingin mencapai timbal balik, menulis Sebuah simfoni yang fantastis. Pada tahun 1833, mereka akhirnya menikah, tetapi, seperti yang diharapkan, beberapa tahun kemudian Berlioz jatuh cinta dengan wanita lain.

Dalam hal musik, Berlioz menyukai ruang lingkup. Ambil dia sebagai contoh Requiem, ditulis untuk orkestra dan paduan suara besar, serta empat band kuningan yang ditempatkan di setiap sudut panggung. Kegemarannya pada bentuk-bentuk besar tidak memberikan kontribusi besar pada ketenaran anumertanya. Melaksanakan karyanya dalam bentuk yang diinginkannya bisa sangat mahal, dan terkadang bahkan mustahil. Namun kendala tersebut sama sekali tidak mengganggunya, dan ia terus menggubah musik dengan segenap semangat yang ia mampu. Suatu hari dia berkata:

“Setiap komposer mengetahui rasa sakit dan keputusasaan yang timbul karena tidak memiliki cukup waktu untuk menuliskan apa yang ia hasilkan.”

Setiap anak sekolah yang membaca buku ini pasti merasa iri pada orang seperti itu Felix Mendelssohn, kepada orang-orang yang menjadi terkenal di masa kecil.

Seperti yang dapat kita lihat dari banyak contoh, hal ini bukanlah hal yang aneh dalam dunia musik klasik.

Namun, Mendelssohn berhasil tidak hanya dalam musik; dia adalah salah satu dari sedikit orang yang berhasil mencapai hasil yang baik dalam segala hal yang mereka lakukan - dalam melukis, puisi, olahraga, bahasa.

Tidak sulit bagi Mendelssohn untuk menguasai semua ini.

Mendelssohn beruntung - ia dilahirkan dalam keluarga kaya dan tumbuh dalam suasana kreatif kalangan artistik Berlin. Bahkan saat masih kecil, ia bertemu banyak artis dan musisi berbakat yang datang mengunjungi orang tuanya.

Mendelssohn pertama kali tampil di depan umum pada usia sembilan tahun, dan pada usia enam belas tahun, dia sudah mengarang Oktet dawai. Setahun kemudian dia menulis pembukaan drama Shakespeare Mimpi Malam Pertengahan Musim Panas. Tapi dia menciptakan sisa musik untuk komedi ini hanya tujuh belas tahun kemudian (termasuk yang terkenal pawai pernikahan, yang masih sering dipentaskan pada pesta pernikahan).

Kehidupan pribadi Mendelssohn juga sukses: selama bertahun-tahun pernikahan yang panjang dan kuat, ia dan istrinya memiliki lima anak.

Dia banyak bekerja dan bepergian, termasuk di Skotlandia, yang penduduknya tidak dia sukai:

“…[mereka] hanya menghasilkan wiski, kabut, dan cuaca buruk.”

Namun hal ini tidak menghentikannya untuk menulis dua karya luar biasa yang didedikasikan untuk Skotlandia. Tiga belas tahun setelah perjalanan pertama selesai Simfoni Skotlandia; dasar Tawaran dari Hebrides Melodi Skotlandia mulai dimainkan. Mendelssohn juga terhubung dengan Inggris Raya melalui oratorio Elijah, yang pertama kali dipentaskan di Birmingham pada tahun 1846. Ia bahkan bertemu Ratu Victoria dan memberikan pelajaran musik kepada Pangeran Albert.

Mendelssohn meninggal karena stroke pada usia yang relatif muda - pada usia tiga puluh delapan tahun. Tentu saja, kita dapat mengatakan bahwa dia tidak mengasihani dirinya sendiri dan lelah karena pekerjaan yang berlebihan, tetapi kematiannya sebagian besar dipercepat oleh kematian saudara perempuan tercintanya Fanny, yang juga seorang musisi berbakat.

Di hadapan kita ada hal romantis lainnya. Pada saat yang sama Frederic Chopin Dia juga dibedakan oleh pengabdiannya yang penuh gairah pada satu instrumen, dan hal ini sangat jarang terjadi pada komposer yang disebutkan dalam buku kami.

Mengatakan bahwa Chopin menyukai piano adalah sebuah pernyataan yang meremehkan. Dia mengaguminya, dia mengabdikan seluruh hidupnya untuk mengarang komposisi piano dan meningkatkan teknik memainkannya. Sepertinya tidak ada instrumen lain baginya, kecuali sebagai pengiring dalam karya orkestra.

Chopin lahir pada tahun 1810 di Warsawa; Ayahnya adalah orang Prancis sejak lahir, dan ibunya orang Polandia. Frederic mulai tampil pada usia tujuh tahun, dan komposisi pertamanya berasal dari waktu yang sama. Harus dikatakan bahwa ciri khasnya selalu menjadi fokusnya pada masa depan.

Selanjutnya, Chopin menjadi terkenal di Paris, di mana ia mulai memberikan pelajaran musik kepada orang-orang kaya, berkat itu ia sendiri menjadi kaya. Dia selalu memperhatikan penampilannya dan memastikan bahwa pakaiannya sesuai dengan mode terkini.

Sebagai seorang komposer, Chopin sangat metodis dan teliti. Dia tidak pernah membiarkan dirinya ceroboh; dia mengasah setiap pekerjaan hingga sempurna. Tak heran jika mengarang musik merupakan proses yang menyakitkan baginya.

Totalnya dia mengarang seratus enam puluh sembilan karya solo untuk piano.

Di Paris, Chopin jatuh cinta dengan penulis terkenal Perancis dengan nama mewah Amandine Aurora Lucille Dupin, lebih dikenal dengan nama samaran George Sand. Dia adalah orang yang sangat luar biasa: dia sering ditemukan di jalanan Paris berjalan-jalan dengan pakaian pria dan merokok, yang mengejutkan masyarakat kelas atas. Kisah cinta Chopin dan George Sand penuh badai dan berakhir dengan perpisahan yang menyakitkan.

Seperti beberapa komposer lain pada periode Romantis, Chopin tidak berumur panjang - dia meninggal karena TBC pada usia tiga puluh sembilan, tak lama setelah putus dengan George Sand.

Robert Schumann adalah komposer lain yang menjalani kehidupan yang singkat dan penuh gejolak, meskipun dalam kasusnya hal itu dibumbui dengan cukup banyak kegilaan. Saat ini, karya Schumann untuk piano, lagu, dan musik kamar sudah dikenal.

Schumann adalah seorang komposer yang brilian, namun semasa hidupnya ia berada dalam bayang-bayang istrinya Clara Schumann, pianis brilian saat itu. Ia kurang dikenal sebagai komposer, meski ia juga menulis musik yang cukup menarik.

Robert Schumann sendiri tidak bisa tampil sebagai pianis karena cedera tangan, dan sulit baginya untuk tinggal bersama wanita yang menjadi terkenal di bidang ini.

Komposernya menderita sifilis dan gangguan saraf; dia bahkan pernah mencoba bunuh diri dengan menceburkan diri ke sungai Rhine. Dia diselamatkan dan ditempatkan di rumah sakit jiwa, di mana dia meninggal dua tahun kemudian.

Schumann memiliki pendekatan pragmatis terhadap seni. Pernyataannya berikut ini diketahui:

“Untuk mengarang, Anda hanya perlu menciptakan melodi yang belum pernah terpikirkan oleh siapa pun sebelumnya.”

Jika Paganini dapat disebut sebagai raja pemain biola - pemain, maka di antara pianis - romantisme gelar ini pantas dimiliki. Franz Daftar. Ia juga terlibat dalam pengajaran dan tanpa kenal lelah menampilkan karya-karya komposer lain, terutama Wagner, yang akan dibahas nanti.

Karya piano Liszt sangat sulit untuk dibawakan, namun ia menulis sesuai dengan teknik permainannya sendiri, mengetahui sepenuhnya bahwa tidak ada yang bisa memainkannya lebih baik darinya.

Selain itu, Liszt mentranskripsikan karya komposer lain ke piano: Beethoven, Berlioz, Rossini dan Schubert. Di bawah jari-jarinya, mereka memperoleh orisinalitas yang aneh dan mulai terdengar baru. Mengingat bahwa lagu-lagu tersebut awalnya ditulis untuk sebuah orkestra, orang hanya dapat mengagumi keterampilan musisi yang mereproduksinya dengan sangat akurat pada satu instrumen.

Liszt benar-benar bintang pada masanya; seratus tahun sebelum penemuan rock and roll, dia menjalani kehidupan yang layak bagi musisi rock mana pun, termasuk berbagai hubungan cintanya. Bahkan keputusan untuk mengambil perintah suci tidak menghentikannya untuk berselingkuh.

Liszt juga mempopulerkan pertunjukan dengan piano dan orkestra, sebuah genre yang masih umum hingga saat ini. Dia senang melihat tatapan kagum dari para penggemar dan mendengarkan teriakan antusias penonton yang menyaksikan jari-jarinya melayang di atas tuts. Maka ia memutar pianonya agar penonton bisa mengikuti penampilan sang pianis. Sebelumnya, mereka duduk membelakangi penonton.

Masyarakat umum tahu Georges Bizet sebagai pencipta opera Carmen, tapi daftar yang diterbitkan di akhir buku kami mencakup karya-karyanya yang lain, Au Fond du Kuil Suci(juga dikenal sebagai Duet Nadir dan Zurga) dari opera Pencari mutiara. Karya ini secara konsisten menempati peringkat teratas dalam parade hit sejak kami mulai menyusun daftar karya paling populer di kalangan pendengar FM Klasik pada tahun 1996.

Bizet adalah anak ajaib lainnya yang menunjukkan kemampuan musiknya yang luar biasa sebagai seorang anak. Dia menulis simfoni pertamanya pada usia tujuh belas tahun. Benar, dia juga meninggal lebih awal, pada usia tiga puluh enam tahun, bergabung dengan daftar orang jenius yang meninggal sebelum waktunya.

Terlepas dari bakatnya, Bizet tidak pernah mendapatkan pengakuan nyata selama hidupnya. Opera Penyelam mutiara dipentaskan dengan berbagai keberhasilan, dan pemutaran perdana Carmen Itu berakhir dengan kegagalan total - masyarakat modis pada waktu itu tidak menerimanya. Mendukung kritikus dan penikmat musik sejati Carmen menang hanya setelah kematian komposer. Sejak itu telah dipentaskan di semua gedung opera terkemuka di dunia.

Inilah definisi lain yang sangat kabur. “Nasionalis” berhak disebut tidak hanya semua komposer romantis, tetapi juga, sampai batas tertentu, banyak perwakilan dari periode Barok dan klasik.

Namun demikian, di bagian ini kami akan mencantumkan empat belas komposer terkemuka pada periode Romantis, yang karyanya ditulis dengan gaya sedemikian rupa sehingga bahkan pendengar yang tidak terlalu paham musik klasik pun dapat mengetahui dari mana master ini atau itu berasal.

Kadang-kadang para komposer ini diklasifikasikan sebagai anggota sekolah musik nasional tertentu, meskipun pendekatan ini tidak sepenuhnya benar.

Biasanya, ketika kita mendengar kata “sekolah”, kita membayangkan sebuah ruang kelas di mana anak-anak, di bawah bimbingan seorang guru, melakukan tugas yang sama.

Jika kita berbicara tentang komposer, maka mereka dipersatukan oleh satu arah yang sama, dan mereka masing-masing mengikuti jalannya sendiri, mencoba menemukan cara ekspresi musiknya sendiri yang unik.

Jika musik klasik Rusia memiliki ayah - seorang pendiri, maka tidak diragukan lagi, ini adalah Mikhail Ivanovich Glinka. Musisi nasionalis justru menonjol karena mereka menggunakan melodi folk dalam karyanya. Glinka diperkenalkan dengan lagu-lagu Rusia oleh neneknya.

Tidak seperti banyak komposer berbakat lainnya yang sering disebutkan di halaman buku kami, Glinka mulai belajar musik dengan serius pada usia yang relatif terlambat - di awal dua puluhan. Awalnya ia menjabat sebagai pejabat di Kementerian Perkeretaapian.

Ketika Glinka memutuskan untuk mengubah karirnya, dia pergi ke Italia, di mana dia tampil sebagai pianis. Di sanalah kecintaannya yang mendalam terhadap opera dimulai. Sekembalinya ke rumah, ia menyusun opera pertamanya Hidup untuk raja. Publik langsung mengenalinya sebagai komposer kontemporer Rusia terbaik. Opera keduanya Ruslan dan Lyudmila, tidak sesukses itu, meskipun telah teruji oleh waktu dengan lebih baik.

Alexander Porfirievich Borodin milik para komposer yang selain bermusik juga aktif terlibat dalam kegiatan lain. Adapun Borodin, ia memulai karirnya sebagai ilmuwan – ahli kimia. Esai pertamanya berjudul “Tentang Pengaruh Etil Iodida pada Hidrobenzamid dan Amarin”, dan tentunya Anda tidak akan pernah mendengarnya di Classic FM, karena ini adalah karya ilmiah yang tidak ada hubungannya dengan musik.

Borodin adalah anak tidak sah seorang pangeran Georgia; Dia mewarisi kecintaannya pada musik dan minat pada seni secara umum dari ibunya, yang mempertahankannya sepanjang hidupnya.

Karena kesibukannya yang terus-menerus, ia hanya berhasil menerbitkan sekitar dua puluh karya, termasuk simfoni, lagu, dan musik kamar.

Bersama Mily Balakirev, Nikolai Rimsky-Korsakov, Cesar Cui Dan Mussorgsky yang sederhana Borodin adalah anggota komunitas musik “The Mighty Handful”. Kesuksesan semua komposer ini semakin luar biasa karena mereka semua memiliki aktivitas lain selain musik.

Dalam hal ini mereka jelas berbeda dari kebanyakan komposer lain yang disebutkan dalam buku ini.

Karya Borodin yang paling populer adalah Tarian Polovtsian dari operanya Pangeran Igor. Perlu disebutkan bahwa dia sendiri tidak pernah menyelesaikannya (walaupun dia mengerjakannya selama tujuh belas tahun). Opera ini diselesaikan oleh temannya Rimsky - Korsakov, yang akan kita bicarakan lebih detail nanti.

Menurut pendapat kami, Petrovich Mussorgsky yang sederhana adalah komposer "Mighty Handful" yang paling inventif dan berpengaruh, meskipun ia, sebagai orang yang tidak biasa, tidak luput dari satu atau dua sifat buruk yang melekat pada banyak perwakilan profesi kreatif.

Setelah meninggalkan tentara, Mussorgsky mendapat pekerjaan di pegawai negeri. Di masa mudanya, dia suka, seperti yang mereka katakan, berjalan-jalan, dia mudah terpengaruh, dan menjelang akhir hidupnya dia menderita alkoholisme. Oleh karena itu, ia sering digambarkan dengan rambut acak-acakan dan hidung merah yang tidak wajar.

Mussorgsky sering kali tidak menyelesaikan karyanya, dan teman-temannya menyelesaikannya untuknya - terkadang tidak sesuai keinginannya, jadi sekarang kami tidak yakin apa maksud awal penulisnya. Orkestrasi Opera Boris Godunov membuat ulang Rimsky-Korsakov, serta “gambar musikal” yang terkenal Malam di Gunung Botak(digunakan dalam film Disney Fantasi). Orkestrasi ke Gambar dari pameran tulis Maurice Ravel, dan dalam versi ini mereka dikenal di zaman kita.

Terlepas dari kenyataan bahwa Mussorgsky berasal dari keluarga kaya dan memiliki bakat luar biasa sebagai pianis dan komposer, ia meninggal pada usia empat puluh dua tahun karena alkoholisme.

Orang tua Nikolai Rimsky – Korsakov bermimpi bahwa putra mereka akan bertugas di angkatan laut, dan dia memenuhi harapan mereka. Namun setelah bertugas selama beberapa tahun di angkatan laut dan melakukan sejumlah pelayaran laut, ia menjadi seorang komposer dan guru musik, yang tentunya merupakan kejutan bagi keluarganya. Sejujurnya, Rimsky-Korsakov selalu tertarik pada musik, dan bahkan mulai menulis Simfoni No.1, saat kapalnya berlabuh di kawasan industri Gravesend di Muara Thames. Ini mungkin salah satu tempat paling tidak romantis untuk menulis musik yang disebutkan dalam buku ini.

Selain fakta bahwa Rimsky-Korsakov menyelesaikan dan merevisi beberapa karya Mussorgsky, ia sendiri menciptakan lima belas opera bertema kehidupan Rusia, meskipun pengaruh negara-negara eksotik juga terasa dalam karya-karyanya. Jadi, misalnya, Syahrazad berdasarkan kisah dari Seribu Satu Malam.

Rimsky-Korsakov sangat pandai menunjukkan keindahan suara seluruh orkestra. Dia menaruh perhatian besar pada hal ini dalam kegiatan mengajarnya dan dengan demikian mempengaruhi banyak komposer Rusia yang bekerja setelahnya, terutama Stravinsky.

Pyotr Ilyich Tchaikovsky juga menggunakan melodi rakyat Rusia dalam komposisinya, tetapi, tidak seperti komposer nasional Rusia lainnya, ia memprosesnya dengan caranya sendiri, sebagai warisan musik seluruh Eropa.

Kehidupan pribadi Tchaikovsky, yang diselimuti berbagai rahasia (ada rumor yang tersebar luas tentang kecenderungan homoseksualnya), tidaklah mudah. Dia sendiri pernah berkata:

“Ini akan menjadi sesuatu yang menggila jika bukan karena musiknya!”

Sebagai seorang anak, ia dibedakan oleh sifat mudah terpengaruh, dan sebagai orang dewasa, ia rentan terhadap melankolis dan bahkan depresi. Lebih dari sekali dia berpikir untuk bunuh diri. Di masa mudanya, ia belajar hukum dan bekerja selama beberapa waktu di Kementerian Kehakiman, tetapi segera meninggalkan dinasnya untuk mengabdikan dirinya sepenuhnya pada musik. Pada usia tiga puluh tujuh tahun, dia tiba-tiba menikah, tetapi pernikahannya menjadi siksaan yang nyata bagi dirinya dan istrinya. Akhirnya, istrinya dirawat di rumah sakit jiwa, di mana dia meninggal. Tchaikovsky sendiri juga sudah lama menderita karena perpisahan yang terjadi hanya dua bulan setelah pernikahan.

Karya-karya awal Tchaikovsky tidak diakui oleh masyarakat umum, dan ini menyebabkan dia sangat menderita. Menariknya, banyak dari karya tersebut, termasuk Konsert untuk biola dan orkestra Dan Konserto untuk piano dan orkestra No.1, in saat ini sangat populer. Catatan Konser Piano No.1 Secara umum, ini menjadi rekaman musik klasik pertama yang mendapat status Golden Disc karena terjual satu juta kopi.

Tchaikovsky menulis sepuluh opera, termasuk Eugene Onegina, dan musik untuk balet seperti Pemecah Kacang, Putri Tidur Dan Danau Angsa. Mendengarkan musik ini, Anda langsung menyadari kehebatan bakat Tchaikovsky, yang mampu menciptakan melodi yang sangat harmonis dan mengasyikkan. Baletnya masih sering dipentaskan di pentas dunia dan selalu menarik decak kagum masyarakat. Untuk alasan yang sama, frasa musik dari simfoni dan konsernya diketahui bahkan oleh mereka yang memiliki sedikit pengetahuan tentang musik klasik.

Selama bertahun-tahun, Tchaikovsky mendapat bantuan dari seorang janda kaya bernama Nadezhda von Meck, yang mengiriminya sejumlah besar uang dengan syarat mereka tidak pernah bertemu langsung. Bisa jadi jika mereka bertemu langsung, mereka tidak akan saling mengenali.

Penyebab kematian komposer tersebut masih belum sepenuhnya jelas. Menurut kesimpulan resmi, Tchaikovsky meninggal karena kolera: dia meminum air yang terkontaminasi virus. Namun ada versi yang menyatakan bahwa dia sendiri melakukan bunuh diri karena takut hubungan homoseksualnya dipublikasikan.

Jika Glinka dianggap sebagai bapak musik klasik Rusia, maka peran yang sama dimainkan dalam musik klasik Ceko Bedřich Smetana.

Krim asam selalu terinspirasi oleh budaya rakyat Ceko dan alam negara asalnya. Hal ini terutama terlihat dalam siklus puisi simfoninya tanah airku Smetana membutuhkan delapan tahun untuk menulis.

Saat ini karya terpopuler dalam seri ini adalah Vltava, didedikasikan untuk salah satu sungai Ceko terbesar yang mengalir melalui Praha.

Menjelang akhir hidupnya, Bedřich Smetana jatuh sakit parah (mungkin menderita sifilis), menjadi tuli dan kehilangan akal sehatnya. Dia meninggal pada usia enam puluh tahun.

Musiknya memengaruhi komposer berikutnya dalam daftar kami, Antonin Dvořák, yang karyanya telah mendapat pengakuan jauh melampaui batas Republik Ceko.

Antonin Dvorak adalah pahlawan nasional Ceko sejati yang sangat mencintai tanah airnya. Rekan senegaranya membalas perasaannya dan memujanya.

Karya Dvorak dipromosikan secara luas oleh Brahms (yang akan dibahas nanti). Lambat laun, nama Dvorak mulai dikenal di seluruh dunia. Misalnya, ia mendapatkan penggemar di Inggris, di mana ia tampil atas undangan Royal Philharmonic Society, serta di festival di Birmingham dan Leeds.

Setelah itu, Dvorak memutuskan untuk pergi ke Amerika Serikat, di mana pada tahun 1890-an ia ditawari posisi konduktor National Conservatory di New York, yang ia pegang selama tiga tahun. Dvorak sangat merindukan tanah airnya, namun tidak pernah berhenti tertarik pada musik lokal. Kesan tentang dirinya tercermin dalam kesannya Simfoni No.9, ditelepon Dari Dunia Baru.

Pada akhirnya, Dvorak memutuskan untuk kembali ke rumah dan menghabiskan tahun-tahun terakhir hidupnya di Praha, mengajar.

Selain musik, Dvorak tertarik pada kereta api dan kapal laut, dan hasrat inilah yang rupanya berkontribusi pada persetujuannya untuk mengunjungi Amerika Serikat, meskipun besarnya bayaran yang ditawarkan kepadanya mungkin memainkan peran yang menentukan.

d Perwakilan dari Sekolah Musik Nasional Ceko juga termasuk Josef Suk, Leos Janacek Dan Boguslav Martinu.

Norwegia Edward Grieg termasuk dalam kalangan komposer yang sangat mencintai tanah airnya. Dan tanah airnya membalas perasaannya. Di Norwegia, karya-karyanya masih sangat populer. Namun keadaan bisa saja berubah, karena keluarga Grieg sebenarnya berasal dari Skotlandia - kakek buyutnya beremigrasi ke Skandinavia setelah kalah dalam pertempuran dengan Inggris di Culloden.

Grieg paling baik dalam menghasilkan karya dalam genre kecil, seperti Drama liris untuk piano. Tapi konsernya yang paling terkenal adalah Konser piano dengan pendahuluan yang mengesankan, di mana suara piano seakan menghujani di bawah tremolo timpani.

d Perwakilan dari sekolah musik nasional Skandinavia juga termasuk Carl Nielsen Dan Johan Svendsen.

Terlepas dari kenyataan bahwa musik klasik juga ditulis di Spanyol pada abad ke-19, tidak banyak komposer yang tinggal di sana yang mencapai ketenaran dunia. Salah satu pengecualiannya adalah Ishak Albeniz, di masa mudanya dia tidak dibedakan oleh wataknya yang santai.

Konon Albeniz belajar bermain piano pada usia satu tahun. Tiga tahun kemudian dia tampil di depan umum, dan pada usia delapan tahun dia mulai melakukan tur. Pada usia lima belas tahun, dia telah mengunjungi Argentina, Kuba, Amerika Serikat, dan Inggris.

Albeniz sangat pandai dalam improvisasi: dia bisa menciptakan semacam melodi dengan cepat dan segera memainkannya dalam beberapa variasi. Dia juga mendemonstrasikan keajaiban penguasaan instrumen tersebut - dia bermain dengan membelakangi instrumen tersebut. Terlebih lagi, dia selalu berdandan seperti musketeer, sehingga menambah tontonan penampilannya.

Di masa dewasa, ia sedikit tenang dan memukau publik bukan dengan tingkah lakunya yang keterlaluan, melainkan dengan komposisinya. Siklus karya pianonya menjadi sangat terkenal Iberia. Berkat kesuksesannya, komposer ini membawa Spanyol keluar dari bayang-bayang dan menarik perhatian komunitas musik dunia.

d Albéniz sangat mempengaruhi banyak komposer Sekolah Nasional Spanyol lainnya, termasuk Pablo de Sarasate, Enrique Granados, Manuel de Falla Dan Vila Heitor – Lobosa(yang orang Brasil).

Arthur Sullivan sudah terkenal saat ini. Namun sejarah tidak memperlakukannya dengan terlalu adil, karena saat ini bukan karya terbaiknya yang dikenang. Pada tahun 1870-an, dia mulai berkolaborasi dengan penyair dan pustakawan W. S. Gilbert. Bersama-sama mereka menulis beberapa operet komik: Uji Coba oleh Juri, Pirates of Penzance, Her Majesty's Frigate Pinafore, Princess Ida, The Mikado, Yeoman of the Guards dan lainnya.

Meskipun karya bersama mereka sukses besar, kedua penulis ini tidak rukun satu sama lain, dan pada akhirnya, setelah pertengkaran sengit, mereka berhenti berkomunikasi sama sekali. Namun pertengkaran ini tidak ada apa-apanya.

Misalnya, salah satu dari mereka prihatin dengan karpet baru di Teater Savoy di London, tempat operet mereka biasanya dipentaskan.

Sullivan bercita-cita menjadi terkenal sebagai komposer yang serius, namun kini karya-karyanya yang tidak termasuk dalam genre operet sudah dilupakan.

Namun, dia menulis sebuah opera Ivanhoe, cukup menarik Simfoni dalam E minor dan lagu kebangsaan "Maju, pasukan Kristus!"– mungkin karyanya yang paling sering dilakukan.

d Perwakilan dari Sekolah Musik Nasional Inggris juga termasuk Arnold Bax, Hubert Parry, Samuel Coleridge - Taylor, Charles Villiers Stanford Dan George Butterworth.

Analogi Perancis dari operet Gilbert dan Sullivan dapat disebut sebagai karya Jacques Offenbach, seorang pria yang pastinya memiliki selera humor. Ia lahir di Cologne dan oleh karena itu terkadang menandatangani dirinya sebagai “O. dari Cologne" (“O. de Cologne” terdengar seperti “cologne”).

Pada tahun 1858, Offenbach membuat kagum warga Paris bisa bisa dari operet Orpheus di Neraka; Bagi masyarakat awam, tarian masyarakat awam seperti itu terkesan liar dan cabul, namun operetnya sendiri dianggap memalukan.

Ngomong-ngomong, jika nama ini terasa asing bagi Anda, perlu diingat bahwa musik untuk mitos Orpheus ditulis pada abad-abad sebelumnya oleh Peri, Monteverdi, dan Gluck. Versi Offenbach bersifat satir, dimaksudkan untuk hiburan, dan karena itu memuat adegan-adegan yang sangat sembrono. Namun, terlepas dari kesan pertama, publik akhirnya jatuh cinta dengan operet tersebut, sehingga Offenbach sendiri hampir tidak punya alasan untuk menyesali apa yang ditulisnya.

Di antara karyanya yang lain adalah opera serius Kisah Hoffmann, di mana kedengarannya Barcarolle.

Leo Delibes adalah komposer yang tidak kalah berpengaruhnya dengan Offenbach, meskipun sekarang hanya satu operanya yang paling diingat - Lakme, di mana suara-suara terkenal duet bunga, digunakan di berbagai screensaver televisi dan iklan.

Di antara kenalan Delibes adalah musisi hebat seperti Berlioz dan Bizet, yang bekerja dengannya sebagai direktur paduan suara Teater Lyric di Paris.

d Perwakilan dari sekolah musik nasional Perancis juga termasuk Alexis – Emmanuel Chabrier, Charles Marie Widor, Joseph Cantet – lub Dan Jules Massenet, opera orang Thailand yang, termasuk intermezzo Refleksi (Meditasi), populer di kalangan banyak pemain biola modern.

Dua komposer Romantis nasional kita yang terakhir adalah ayah dan anak, meskipun perbedaan usia di antara mereka (dua puluh satu tahun) tidak terlalu besar untuk sejarah. Johann Strauss Sr. dianggap sebagai "bapak waltz". Dia adalah pemain biola yang hebat dan memimpin orkestra yang tampil di seluruh Eropa dan menerima banyak uang untuk itu.

Meski demikian, gelar "Raja Waltz" berhak menjadi milik putranya, yang juga bernama Johann Strauss. Ayahnya tidak ingin dia menjadi pemain biola, tetapi Johann yang lebih muda tetap mengabdikan hidupnya untuk musik dan mengorganisir orkestranya sendiri, yang bersaing dengan orkestra ayahnya. Strauss yang lebih muda memiliki ketajaman bisnis yang baik, sehingga ia mampu memperkuat posisi keuangannya.

Total Johann Strauss - nak menulis seratus enam puluh delapan waltz, termasuk yang paling populer - Di Danube biru yang indah. Pada akhirnya, sebanyak enam orkestra diberi nama Strauss, salah satunya dipimpin oleh saudara laki-laki Johann the Younger, Joseph, dan yang lainnya oleh saudaranya yang lain, Eduard (masing-masing terdiri dari sekitar tiga ratus komposisi).

Waltz dan polka Johann menjadi hits di kedai kopi Wina, dan gayanya yang ringan dan ceria menjadi standar musik dansa di seluruh Eropa.

Beberapa pecinta musik klasik masih menganggap komposisi Strauss terlalu vulgar dan sembrono. Jangan percaya mereka dan jangan terpancing oleh provokasi mereka! Keluarga ini tahu bagaimana menulis karya yang benar-benar hebat, membangkitkan semangat dan berkesan untuk waktu yang lama segera setelah pertama kali didengarkan.

Banyak komposer pada periode ini terus menulis musik hingga abad ke-20. Namun, kami akan membicarakannya di sini, dan bukan di bab berikutnya, karena semangat romantisme kuat dalam musik mereka.

Perlu dicatat bahwa beberapa dari mereka memelihara hubungan dekat dan bahkan persahabatan dengan para komposer yang disebutkan dalam sub-bagian “Romantis Awal” dan “Nasionalis”.

Selain itu, harus diingat bahwa selama periode ini, begitu banyak komposer hebat yang bekerja di berbagai negara Eropa sehingga setiap pembagian mereka menurut prinsip apa pun akan sepenuhnya bersyarat. Jika dalam berbagai literatur yang membahas periode klasik dan periode Barok disebutkan kerangka waktu yang kurang lebih sama, maka periode romantis di mana-mana didefinisikan secara berbeda. Tampaknya batas antara akhir periode Romantis dan awal abad ke-20 dalam musik sangat kabur.

Komposer terkemuka Italia abad ke-19 tidak diragukan lagi Giuseppe Verdi. Pria berkumis dan alis tebal ini, menatap kami dengan mata berbinar, berdiri satu kepala lebih tinggi dari semua komposer opera lainnya.

Semua karya Verdi benar-benar dipenuhi dengan melodi yang cerah dan berkesan. Secara total, ia menulis dua puluh enam opera, yang sebagian besar dipentaskan secara rutin saat ini. Diantaranya adalah karya seni opera paling terkenal dan menonjol sepanjang masa.

Musik Verdi sangat dihormati selama masa hidup komposernya. Di pemutaran perdana neraka penonton memberikan tepuk tangan yang begitu panjang hingga para artis harus membungkuk sebanyak tiga puluh dua kali.

Verdi adalah orang kaya, tetapi uang tidak dapat menyelamatkan istri dan kedua anaknya dari kematian dini, sehingga ada momen tragis dalam hidupnya. Dia mewariskan kekayaannya ke tempat penampungan musisi tua, yang dibangun di bawah kepemimpinannya di Milan. Verdi sendiri menganggap penciptaan shelter, dan bukan musik, sebagai pencapaian terbesarnya.

Terlepas dari kenyataan bahwa nama Verdi terutama dikaitkan dengan opera, ketika berbicara tentang dia tidak mungkin untuk tidak menyebutkannya Requiem, yang dianggap sebagai salah satu contoh musik paduan suara terbaik. Penuh drama, dan beberapa ciri opera muncul di dalamnya.

Komposer kita berikutnya tidak bisa disebut sebagai orang yang paling menawan. Secara umum, ini adalah tokoh yang paling memalukan dan kontroversial dari semua yang disebutkan dalam buku kami. Jika kita membuat daftar hanya berdasarkan ciri-ciri kepribadian saja Richard Wagner Saya tidak akan pernah terlibat di dalamnya. Namun, kami hanya dipandu oleh kriteria musik, dan sejarah musik klasik tidak dapat dibayangkan tanpa orang ini.

Bakat Wagner memang tak terbantahkan. Dari penanya muncul beberapa karya musik paling signifikan dan mengesankan sepanjang periode romantisme - terutama opera. Pada saat yang sama, ia digambarkan sebagai seorang anti-Semit, rasis, birokrasi, penipu ulung, dan bahkan pencuri, yang tidak segan-segan mengambil semua yang ia butuhkan, dan bersikap kasar tanpa penyesalan. Wagner memiliki rasa harga diri yang berlebihan, dan dia percaya bahwa kejeniusannya mengangkat dirinya melebihi orang lain.

Wagner dikenang karena operanya. Komposer ini membawa opera Jerman ke tingkat yang baru, dan meskipun ia lahir bersamaan dengan Verdi, musiknya sangat berbeda dengan karya Italia pada masa itu.

Salah satu inovasi Wagner adalah setiap tokoh utama diberi tema musiknya masing-masing, yang diulangi setiap kali ia mulai memainkan peran penting di atas panggung.

Saat ini hal tersebut tampak jelas, namun pada saat itu gagasan ini menghasilkan sebuah revolusi yang nyata.

Pencapaian terbesar Wagner adalah siklusnya Cincin Nibelung, terdiri dari empat opera: Rhine Emas, Valkyrie, Siegfried Dan Kematian para Dewa. Biasanya pertunjukan ini dilakukan pada empat malam berturut-turut dan total berlangsung sekitar lima belas jam. Opera-opera ini saja sudah cukup untuk memuliakan komposernya. Terlepas dari semua ambiguitas Wagner sebagai pribadi, harus diakui bahwa dia adalah seorang komposer yang luar biasa.

Ciri khas opera Wagner adalah panjangnya. Opera terakhirnya Parsifal berlangsung lebih dari empat jam.

Konduktor David Randolph pernah berkata tentang dia:

“Ini adalah jenis opera yang dimulai pada pukul enam, dan tiga jam kemudian Anda melihat jam tangan Anda, ternyata menunjukkan pukul 6:20.”

Kehidupan Anton Bruckner Sebagai seorang komposer, ini adalah pelajaran bagaimana tidak menyerah dan bersikeras pada diri sendiri. Dia berlatih dua belas jam sehari, mencurahkan seluruh waktunya untuk bekerja (dia adalah seorang organis) dan belajar banyak tentang musik sendiri, menyelesaikan penguasaan seni mengarang melalui korespondensi pada usia yang cukup matang - pada usia tiga puluh tujuh tahun.

Saat ini, orang paling sering mengingat simfoni Bruckner, yang totalnya ia tulis sembilan. Kadang-kadang dia diliputi oleh keraguan tentang nilainya sebagai seorang musisi, namun dia tetap mendapatkan pengakuan, meskipun menjelang akhir hidupnya. Setelah melakukannya Simfoni No.1 kritikus akhirnya memuji komposer yang saat itu sudah berusia empat puluh empat tahun.

Johannes Brahms bukan salah satu komposer yang dilahirkan dengan tongkat perak di tangannya. Pada saat kelahirannya, keluarga tersebut telah kehilangan kekayaannya dan hampir tidak dapat memenuhi kebutuhan hidup. Saat remaja, ia mencari nafkah dengan bermain di rumah bordil di kampung halamannya di Hamburg. Pada saat Brahms beranjak dewasa, dia pasti sudah mengenal aspek-aspek kehidupan yang kurang menarik.

Musik Brahms dipromosikan oleh temannya, Robert Schumann. Setelah kematian Schumann, Brahms menjadi dekat dengan Clara Schumann dan bahkan akhirnya jatuh cinta padanya. Tidak diketahui secara pasti hubungan seperti apa yang mereka miliki, meskipun perasaan terhadapnya mungkin memainkan peran tertentu dalam hubungannya dengan wanita lain - dia tidak memberikan hatinya kepada salah satu dari mereka.

Brahms adalah orang yang agak tidak terkendali dan mudah tersinggung, namun teman-temannya berpendapat bahwa dia juga memiliki kelembutan, meskipun dia tidak selalu menunjukkannya kepada orang lain. Suatu hari, saat pulang dari pesta, dia berkata:

“Jika saya tidak menyinggung siapa pun di sana, maka saya meminta maaf kepada mereka.”

Brahms tidak akan memenangkan kompetisi untuk komposer paling modis dan berpakaian elegan. Dia benci membeli baju baru dan sering kali mengenakan celana longgar dan bertambal yang sama, hampir selalu terlalu pendek untuknya. Dalam satu pertunjukan, celananya hampir lepas. Di lain waktu dia harus melepas dasinya dan memakainya sebagai ganti ikat pinggang.

Gaya musik Brahms sangat dipengaruhi oleh Haydn, Mozart dan Beethoven, dan beberapa sejarawan musik bahkan berpendapat bahwa ia menulis dalam semangat klasisisme, yang sudah ketinggalan zaman. Di saat yang sama, ia juga memiliki beberapa ide baru. Dia secara khusus mampu mengembangkan bagian-bagian musik kecil dan mengulanginya sepanjang karya - yang oleh komposer disebut sebagai "motif berulang".

Brahms tidak menulis opera, tetapi ia mencoba sendiri di hampir semua genre musik klasik lainnya. Oleh karena itu, ia dapat disebut sebagai salah satu komposer terhebat yang disebutkan dalam buku kami, raksasa musik klasik sejati. Dia sendiri mengatakan ini tentang karyanya:

“Tidak sulit untuk mengarangnya, tetapi ternyata sangat sulit untuk membuat catatan tambahan di bawah meja.”

Max Bruch lahir hanya lima tahun setelah Brahms, dan Brahms pasti akan melampaui dirinya, jika bukan karena satu karya, Konser Biola No.1.

Bruch sendiri mengakui fakta ini, dengan menyatakan dengan rendah hati hal yang tidak biasa bagi banyak komposer:

“Lima puluh tahun dari sekarang, Brahms akan disebut sebagai salah satu komposer terhebat sepanjang masa, dan saya akan dikenang karena menulis Violin Concerto in G minor.”

Dan dia benar. Benar, Bruch sendiri memiliki sesuatu yang perlu diingat! Ia mengarang banyak karya lainnya - totalnya sekitar dua ratus - ia terutama menulis banyak karya untuk paduan suara dan opera, yang jarang dipentaskan saat ini. Musiknya melodis, tetapi dia tidak memberikan kontribusi baru pada perkembangannya. Dibandingkan dengan dia, banyak komposer lain pada masa itu yang tampaknya merupakan inovator sejati.

Pada tahun 1880 Bruch dilantik sebagai konduktor Royal Liverpool Philharmonic Society, tetapi tiga tahun kemudian dia kembali ke Berlin. Para musisi orkestra tidak senang dengannya.

Di halaman buku kami, kami telah bertemu banyak keajaiban musik, dan Camille Saint – Tanpa peringkat tidak sedikit di antara mereka. Pada usia dua tahun, Saint-Saens sudah memilih melodi pada piano, dan dia belajar membaca dan menulis musik pada saat yang bersamaan. Pada usia tiga tahun ia memainkan drama komposisinya sendiri. Pada usia sepuluh tahun ia menampilkan Mozart dan Beethoven dengan indah. Pada saat yang sama, ia menjadi sangat tertarik pada entomologi (kupu-kupu dan serangga), dan kemudian pada ilmu-ilmu lain, termasuk geologi, astronomi, dan filsafat. Tampaknya anak berbakat seperti itu tidak bisa membatasi dirinya hanya pada satu hal.

Setelah menyelesaikan studinya di Paris Conservatory, Saint-Saens bekerja selama bertahun-tahun sebagai organis. Seiring bertambahnya usia, ia mulai mempengaruhi kehidupan musik Prancis, dan berkat dia musik komposer seperti J. S. Bach, Mozart, Handel dan Gluck mulai lebih sering dibawakan.

Karya Saint-Saens yang paling terkenal adalah karnaval hewan, yang dilarang oleh komposer untuk dibawakan semasa hidupnya. Ia khawatir kritikus musik, setelah mendengar karya ini, akan menganggapnya terlalu remeh. Lagi pula, lucu ketika orkestra di atas panggung menggambarkan seekor singa, ayam betina dengan ayam jantan, kura-kura, gajah, kanguru, akuarium dengan ikan, burung, keledai, dan angsa.

Saint-Saens menulis beberapa karyanya yang lain untuk kombinasi instrumen yang tidak umum, termasuk yang terkenal Simfoni "Organ" No.3, terdengar di film “Babe”.

Musik Saint-Saens mempengaruhi karya komposer Perancis lainnya, termasuk Gabriel Kedepan. Pemuda ini mewarisi posisi organis di Gereja St. Magdalena Paris, yang sebelumnya ditempati oleh Saint-Saens.

Dan meskipun bakat Fauré tidak bisa dibandingkan dengan bakat gurunya, dia adalah seorang pianis yang hebat.

Faure bukanlah orang kaya dan karena itu bekerja keras, bermain organ, memimpin paduan suara, dan memberikan pelajaran. Dia menulis di waktu luangnya, yang jumlahnya sangat sedikit, namun meskipun demikian, dia berhasil menerbitkan lebih dari dua ratus lima puluh karyanya. Beberapa di antaranya membutuhkan waktu yang sangat lama untuk dibuat: misalnya, dikerjakan Requiem berlangsung lebih dari dua puluh tahun.

Pada tahun 1905, Fauré menjadi direktur Konservatorium Paris, yaitu orang yang sangat bergantung pada perkembangan musik Prancis pada masa itu. Lima belas tahun kemudian, Fauré pensiun. Di akhir hidupnya dia menderita gangguan pendengaran.

Saat ini, Fauré dihormati di luar Perancis, meskipun ia paling dihargai di sana.

Bagi penggemar musik Inggris, kemunculan sosok seperti Edward Elgar, Ini pasti tampak seperti keajaiban nyata. Banyak sejarawan musik menyebutnya sebagai komposer Inggris penting pertama setelah Henry Purcell, yang bekerja pada periode Barok, meskipun kami juga menyebutkan Arthur Sullivan lebih awal.

Elgar sangat mencintai Inggris, terutama negara asalnya Worcestershire, tempat dia menghabiskan sebagian besar hidupnya mencari inspirasi di ladang Malvern Hills.

Sebagai seorang anak, ia dikelilingi oleh musik di mana-mana: ayahnya memiliki toko musik lokal dan mengajari Elgar kecil memainkan berbagai alat musik. Pada usia dua belas tahun, anak laki-laki itu sudah menggantikan pemain organ di kebaktian gereja.

Setelah bekerja di kantor pengacara, Elgar memutuskan untuk mengabdikan dirinya pada pekerjaan yang kurang dapat diandalkan dari sudut pandang keuangan. Selama beberapa waktu dia bekerja paruh waktu, memberikan pelajaran biola dan piano, bermain di orkestra lokal dan bahkan memimpin sedikit.

Lambat laun, ketenaran Elgar sebagai komposer semakin meningkat, meskipun ia mengalami kesulitan untuk keluar dari daerah asalnya. Membawakannya ketenaran Variasi pada tema asli, yang sekarang lebih dikenal dengan sebutan Variasi Enigma.

Sekarang musik Elgar dianggap sangat Inggris dan didengarkan selama acara-acara besar nasional. Saat pertama kali terdengar Konsert Cello pedesaan Inggris segera muncul. Nimrod dari Variasi sering dimainkan pada upacara resmi, dan Pawai khusyuk dan seremonial No.1, dikenal sebagai Tanah harapan dan kemuliaan, dilakukan di pesta prom di seluruh Inggris.

Elgar adalah pria yang berkeluarga dan menyukai kehidupan yang tenang dan teratur. Namun demikian, ia meninggalkan jejaknya dalam sejarah. Komposer berkumis tebal dan lebat ini dapat langsung terlihat pada uang kertas dua puluh pon. Tentunya para perancang uang kertas merasa bulu wajah seperti itu akan sangat sulit dipalsukan.

Di Italia, penerus Giuseppe Verdi dalam seni opera adalah Giacomo Puccini, dianggap sebagai salah satu ahli bentuk seni ini yang diakui di dunia.

Keluarga Puccini sudah lama berkecimpung dalam musik gereja, tetapi saat Giacomo pertama kali mendengar opera Aida Verdi, dia menyadari bahwa inilah panggilannya.

Setelah belajar di Milan, Puccini menggubah sebuah opera Manon Lescaut, yang memberinya kesuksesan besar pertamanya pada tahun 1893. Setelah ini, satu produksi sukses menyusul produksi lainnya: bohemian pada tahun 1896, Kerinduan pada tahun 1900 dan Nyonya Kupu-Kupu pada tahun 1904.

Secara total, Puccini menyusun dua belas opera, yang terakhir adalah Turandot. Dia meninggal tanpa menyelesaikan karyanya, dan komposer lain menyelesaikan karyanya. Pada pemutaran perdana opera, konduktor Arturo Toscanini menghentikan orkestra tepat di tempat Puccini berhenti. Dia menoleh ke hadirin dan berkata:

“Di sini kematian menang atas seni.”

Dengan meninggalnya Puccini, masa kejayaan opera Italia berakhir. Buku kami tidak lagi menyebut komposer opera Italia. Tapi siapa yang tahu apa yang akan terjadi di masa depan bagi kita?

Selama hidup Gustav Mahler lebih dikenal sebagai konduktor daripada sebagai komposer. Dia memimpin di musim dingin, dan di musim panas, biasanya, dia lebih suka menulis.

Konon saat kecil, Mahler menemukan piano di loteng rumah neneknya. Empat tahun kemudian, pada usia sepuluh tahun, dia memberikan penampilan pertamanya.

Mahler belajar di Vienna Conservatory, di mana dia mulai menggubah musik. Pada tahun 1897, ia menjadi direktur Vienna State Opera dan selama sepuluh tahun berikutnya memperoleh ketenaran yang cukup besar di bidang ini.

Dia sendiri mulai menulis tiga opera, tapi tidak pernah menyelesaikannya. Saat ini, ia dikenal terutama sebagai komposer simfoni. Dalam genre ini dia memiliki salah satu "hits" yang sebenarnya - Simfoni No.8, Lebih dari seribu musisi dan penyanyi terlibat dalam penampilannya.

Setelah kematian Mahler, musiknya ketinggalan zaman selama sekitar lima puluh tahun, tetapi pada paruh kedua abad ke-20 musiknya kembali populer, terutama di Inggris Raya dan Amerika Serikat.

Richard Strauss lahir di Jerman dan bukan anggota dinasti Strauss Wina. Terlepas dari kenyataan bahwa komposer ini hidup hampir sepanjang paruh pertama abad ke-20, ia masih dianggap sebagai perwakilan romantisme musik Jerman.

Popularitas global Richard Strauss agak menurun karena ia memutuskan untuk tetap tinggal di Jerman setelah tahun 1939, dan setelah Perang Dunia II ia bahkan dituduh bekerja sama dengan Nazi.

Strauss adalah seorang konduktor yang hebat, berkat itu dia sangat memahami bagaimana seharusnya instrumen tertentu dalam orkestra berbunyi. Ia sering menerapkan ilmu ini dalam praktik. Berbagai nasehat juga ia berikan kepada komposer lain, seperti:

“Jangan pernah melihat trombon, Anda hanya menyemangatinya.”

“Jangan berkeringat saat tampil; Hanya pendengarnya yang boleh merasa panas.”

Saat ini, Strauss dikenang terutama sehubungan dengan karyanya Demikianlah ucapan Zarathustra, intro yang digunakan Stanley Kubrick dalam filmnya 2001: A Space Odyssey. Tapi dia juga menulis beberapa opera Jerman terbaik, di antaranya - Der Rosenkavalier, Salome Dan Ariadne di Naxos. Setahun sebelum kematiannya, dia juga mengarang lagu yang sangat indah Empat lagu terakhir untuk suara dan orkestra. Secara umum, ini bukanlah lagu terakhir Strauss, tetapi menjadi semacam penutup dari aktivitas kreatifnya.

Sejauh ini, di antara komposer yang disebutkan dalam buku ini hanya ada satu perwakilan Skandinavia - Edvard Grieg. Tapi sekarang kami kembali dipindahkan ke negeri yang keras dan dingin ini - kali ini ke Finlandia, tempat saya dilahirkan Jean Sibelius, jenius musik yang hebat.

Musik Sibelius menyerap mitos dan legenda tanah airnya. Karya terbesarnya Finlandia, dianggap sebagai perwujudan semangat nasional Finlandia, seperti halnya di Inggris Raya karya Elgar diakui sebagai harta nasional. Terlebih lagi, Sibelius, seperti Mahler, adalah ahli simfoni sejati.

Adapun kegemaran komposer lainnya, dalam kesehariannya ia terlalu gemar minum-minum dan merokok, sehingga pada usia empat puluh tahun ia terserang kanker tenggorokan. Ia juga sering kekurangan uang, dan negara memberinya uang pensiun sehingga ia dapat terus menulis musik tanpa mengkhawatirkan kesejahteraan finansialnya. Namun lebih dari dua puluh tahun sebelum kematiannya, Sibelius berhenti menulis apa pun. Dia menjalani sisa hidupnya dalam kesendirian. Dia sangat keras terhadap mereka yang menerima uang untuk review musiknya:

“Jangan memperhatikan apa yang dikatakan para kritikus. Hingga saat ini, belum ada satu pun kritikus yang diberi patung.”

Yang terakhir dalam daftar komposer periode Romantis kami juga hidup hingga hampir pertengahan abad ke-20, meskipun ia menulis sebagian besar karyanya yang paling terkenal pada tahun 1900-an. Namun dia dianggap romantis, dan menurut kami dia adalah komposer paling romantis di seluruh grup.

Sergei Vasilievich Rachmaninov dilahirkan dalam keluarga bangsawan, yang pada saat itu sudah cukup kaya. Dia menunjukkan minat pada musik sejak masa kanak-kanak, dan orang tuanya mengirimnya untuk belajar pertama di St. Petersburg dan kemudian di Moskow.

Rachmaninov adalah seorang pianis yang sangat berbakat, dan dia juga seorang komposer yang hebat.

Milikku Konser Piano No.1 dia menulis pada usia sembilan belas tahun. Dia menemukan waktu untuk opera pertamanya, Aleko.

Tapi musisi hebat ini, pada umumnya, tidak terlalu senang dengan kehidupan. Dalam banyak foto kita melihat seorang pria yang marah dan cemberut. Komposer Rusia lainnya, Igor Stravinsky, pernah berkata:

“Esensi abadi Rachmaninov adalah kesuramannya. Tingginya enam setengah kaki dan cemberut...dia adalah pria yang menakutkan.”

Ketika Rachmaninov muda bermain untuk Tchaikovsky, dia sangat senang sehingga dia memberi skornya A dengan empat plus - nilai tertinggi sepanjang sejarah Konservatorium Moskow. Segera seluruh kota membicarakan tentang talenta muda.

Meski demikian, nasib tetap tidak baik bagi sang musisi untuk waktu yang lama.

Kritikus sangat keras terhadap hal itu Simfoni No.1, penayangan perdananya berakhir dengan kegagalan. Hal ini menyebabkan pengalaman emosional yang sulit bagi Rachmaninov, ia kehilangan kepercayaan pada kemampuannya dan tidak dapat menulis apa pun.

Pada akhirnya, hanya bantuan psikiater berpengalaman Nikolai Dahl yang memungkinkannya keluar dari krisis tersebut. Pada tahun 1901, Rachmaninov menyelesaikan konser piano, yang telah dia kerjakan dengan keras selama bertahun-tahun dan dia dedikasikan untuk Dr. Dahl. Kali ini penonton menyambut karya sang komposer dengan gembira. Sejak itu Konser Piano No.2 telah menjadi lagu klasik favorit yang dibawakan oleh berbagai grup musik di seluruh dunia.

Rachmaninov mulai berkeliling Eropa dan Amerika. Kembali ke Rusia, dia memimpin dan mengarang.

Setelah revolusi 1917, Rachmaninov dan keluarganya pergi ke konser di Skandinavia. Dia tidak pernah kembali ke rumah. Sebaliknya, dia pindah ke Swiss, di mana dia membeli rumah di tepi Danau Lucerne. Dia selalu menyukai perairan dan sekarang setelah dia menjadi orang yang cukup kaya, dia mampu bersantai di tepi pantai dan mengagumi pemandangan alam terbuka.

Rachmaninov adalah seorang konduktor yang hebat dan selalu memberikan nasehat berikut kepada mereka yang ingin menonjol dalam bidang ini:

“Kondektur yang baik harus menjadi pengemudi yang baik. Keduanya memerlukan kualitas yang sama: konsentrasi, perhatian intens yang tidak terputus, dan kehadiran pikiran. Kondektur hanya perlu tahu sedikit tentang musiknya…”

Pada tahun 1935, Rachmaninov memutuskan untuk menetap di Amerika Serikat. Awalnya dia tinggal di New York, dan kemudian pindah ke Los Angeles. Di sana ia mulai membangun rumah baru untuk dirinya sendiri, yang sepenuhnya identik dengan rumah yang ia tinggalkan di Moskow.

Seiring bertambahnya usia, Rachmaninov semakin jarang tampil dan hampir berhenti menggubah musik. Dia mencapai puncak ketenarannya sebagai pianis yang hebat.

Meski rindu kampung halaman, Rachmaninoff menyukainya di AS. Ia bangga dengan Cadillac besarnya dan sering mengundang tamu naik mobil hanya untuk memamerkan mobilnya.

Sesaat sebelum kematiannya, Rachmaninov menerima kewarganegaraan AS. Dia dimakamkan di negara ini.

Kami lebih memperhatikan periode romantis dalam buku kami dibandingkan periode musik klasik lainnya.

Pada era ini, begitu banyak hal menarik yang terjadi di berbagai negara sehingga mustahil untuk menceritakan semuanya dalam sebuah artikel singkat. Musik klasik telah banyak berubah, begitu pula suaranya, yang menjadi lebih kaya dan intens berkat orkestra simfoni yang besar. Dalam banyak hal, karya Rachmaninoff adalah contoh ideal dari suara ini. Jika kita membandingkannya dengan Beethoven, menjadi jelas betapa besarnya perubahan itu.

Namun betapapun signifikannya perubahan yang terjadi dalam dunia musik selama sekitar delapan puluh tahun periode Romantis ini, perubahan tersebut tidak dapat dibandingkan dengan apa yang terjadi setelahnya. Dan kemudian musik menjadi lebih beragam dan tidak biasa - yang menurut kami, tidak selalu menguntungkannya.

Pada akhir abad ke-18 - awal abad ke-19, muncul gerakan seni seperti romantisme. Pada era ini, orang memimpikan dunia ideal dan “melarikan diri” ke dalam fantasi. Gaya ini menemukan perwujudannya yang paling jelas dan imajinatif dalam musik. Di antara perwakilan romantisme, komposer terkenal abad ke-19 adalah Karl Weber,

Robert Schumann, Franz Schubert, Franz Liszt dan Richard Wagner.

Franz Daftar

Masa depan lahir dalam keluarga pemain cello. Ayahnya mengajarinya musik sejak usia dini. Sebagai seorang anak, dia bernyanyi di paduan suara dan belajar bermain organ. Ketika Franz berumur 12 tahun, keluarganya pindah ke Paris agar anak laki-laki itu bisa belajar musik. Namun ia tidak diterima di konservatori, sejak usia 14 tahun ia telah mengarang etudes. Seniman abad ke-19 seperti Berlioz dan Paganini mempunyai pengaruh besar padanya.

Paganini menjadi idola nyata Liszt, dan dia memutuskan untuk mengasah keterampilan pianonya sendiri. Kegiatan konser tahun 1839-1847 diiringi dengan kejayaan gemilang. Selama tahun-tahun ini, Ferenc menciptakan koleksi drama terkenal “Years of Wanderings”. Piano virtuoso dan favorit publik menjadi perwujudan sejati zaman tersebut.

Franz Liszt menggubah musik, menulis beberapa buku, mengajar, dan menyelenggarakan kelas terbuka. Komposer abad ke-19 dari seluruh Eropa mendatanginya. Kita dapat mengatakan bahwa dia terlibat dalam musik hampir sepanjang hidupnya, sejak dia berkarya selama 60 tahun. Hingga saat ini, bakat dan keterampilan bermusiknya menjadi teladan bagi para pianis modern.

Richard Wagner

Sang jenius menciptakan musik yang tidak dapat membuat siapa pun acuh tak acuh. Dia memiliki penggemar dan lawan yang tangguh. Wagner sangat menyukai teater sejak kecil, dan pada usia 15 tahun ia memutuskan untuk membuat tragedi dengan musik. Pada usia 16 tahun, ia membawa karya-karyanya ke Paris.

Selama 3 tahun ia mencoba dengan sia-sia mementaskan opera, tetapi tidak ada yang mau berurusan dengan musisi tak dikenal. Komposer populer abad ke-19 seperti Franz Liszt dan Berlioz, yang ditemuinya di Paris, tidak memberinya keberuntungan. Dia berada dalam kemiskinan, dan tidak ada yang mau mendukung ide musiknya.

Setelah gagal di Prancis, sang komposer kembali ke Dresden, di mana ia mulai bekerja sebagai konduktor di teater istana. Pada tahun 1848, ia beremigrasi ke Swiss, dinyatakan sebagai penjahat setelah ikut serta dalam pemberontakan. Wagner menyadari ketidaksempurnaan masyarakat borjuis dan ketergantungan seniman.

Pada tahun 1859, ia mengagungkan cinta dalam opera Tristan dan Isolde. Karya "Parsifal" menyajikan visi utopis tentang persaudaraan universal. Kejahatan dikalahkan, dan keadilan serta kebijaksanaan menang. Semua komposer besar abad ke-19 dipengaruhi oleh musik Wagner dan belajar dari karyanya.

Pada abad ke-19, sekolah komposisi dan pertunjukan nasional dibentuk di Rusia. Ada dua periode dalam musik Rusia: romantisme awal dan klasik. Yang pertama mencakup komposer Rusia abad ke-19 seperti A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev.

Mikhail Glinka

Mikhail Glinka mendirikan sekolah komposisi di negara kita. Semangat Rusia hadir dalam semua opera terkenal seperti “Ruslan dan Lyudmila”, “A Life for the Tsar” yang dipenuhi dengan patriotisme. Glinka merangkum ciri-ciri khas musik rakyat dan menggunakan nada dan ritme kuno musik rakyat. Komposernya juga seorang inovator dalam dramaturgi musikal. Karyanya adalah kebangkitan kebudayaan nasional.

Komposer Rusia memberi dunia banyak karya brilian yang masih memikat hati orang hingga saat ini. Di antara komposer brilian Rusia abad ke-19, nama-nama seperti M. Balakirev, A. Glazunov, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky diabadikan.

Musik klasik dengan jelas dan sensual mencerminkan dunia batin seseorang. Rasionalisme ketat digantikan oleh romansa abad ke-19.

Presentasi memberikan informasi kepada banyak orang dengan berbagai cara dan metode. Tujuan dari setiap pekerjaan adalah transfer dan asimilasi informasi yang diusulkan di dalamnya. Dan untuk hari ini mereka menggunakan berbagai metode: dari papan tulis dengan kapur hingga proyektor mahal dengan panel.

Presentasi dapat berupa kumpulan gambar (foto) yang dibingkai dengan teks penjelasan, animasi komputer bawaan, file audio dan video, serta elemen interaktif lainnya.

Di situs web kami, Anda akan menemukan banyak sekali presentasi tentang topik apa pun yang Anda minati. Jika Anda mengalami kesulitan, gunakan pencarian situs.

Di situs ini Anda dapat mengunduh presentasi gratis tentang astronomi, mengenal perwakilan flora dan fauna di planet kita dalam presentasi biologi dan geografi. Pada pembelajaran di sekolah, anak-anak akan tertarik mempelajari sejarah negaranya melalui presentasi sejarah.

Dalam pembelajaran musik, guru dapat menggunakan presentasi musik interaktif dimana Anda dapat mendengarkan suara berbagai alat musik. Anda juga dapat mendownload presentasi tentang MHC dan presentasi IPS. Pecinta sastra Rusia juga tidak kehilangan perhatian; saya mempersembahkan kepada Anda karya PowerPoint saya dalam bahasa Rusia.

Ada bagian khusus untuk teknisi: dan presentasi matematika. Dan para atlet bisa berkenalan dengan presentasi tentang olahraga. Bagi yang suka membuat karya sendiri, ada bagian dimana siapa saja bisa mendownload dasar-dasar kerja prakteknya.