Interpretasi genre konser instrumental dalam karya Antonio Vivaldi. Konser Antonio Vivaldi Siklus konser instrumental yang terkenal oleh Antonio Vivaldi

"Musim" oleh Antonio Vivaldi

Alexander Maikapar

Siklus empat konserto untuk biola solo dan orkestra. Setiap konser terdiri dari tiga bagian dan setiap konser menggambarkan satu musim. Mereka adalah bagian dari koleksi (Op. 8) berjudul “Il Cimento dell"Armonia e dell"Inventione" ("Kontroversi antara Harmoni dan Penemuan").

Judul lengkap: “Le quattro stagioni” (“Empat Sabuk Tahun Ini”).

Pendeta berambut merah

"Prete rosso" ("Pendeta berambut merah") - begitulah julukan yang diberikan kepada Antonio Vivaldi dalam memoar Carlo Goldoni. Dan memang, dia berambut merah (“Merah” adalah nama panggilan ayahnya) dan juga seorang pendeta.

Antonio Vivaldi (4 Maret 1678, Venesia - 28 Juli 1741, Wina) dilahirkan dalam keluarga pemain biola profesional; ayahnya bermain di Katedral St. Mark dan juga mengambil bagian dalam produksi opera. Antonio mengenyam pendidikan gereja dan bersiap menjadi pendeta: ia berturut-turut menjadi exorcista (pengusir setan; 1695), acolythus (penerima; 1696), subdiaconus (protodeacon; 1699), diaconus (deacon; 1700). Namun segera setelah ia ditahbiskan sebagai sakerdos (imam; 1703), yang memberinya hak untuk mengadakan misa sendiri, ia menolak, dengan alasan kesehatan yang buruk (ia menderita asma, akibat cedera dada yang dideritanya saat lahir). Pada tahun 1703 dia disenaraikan sebagai maestro di violino (guru biola) di Ospedale delle Pietà. Ini adalah salah satu panti asuhan Venesia untuk anak perempuan yatim piatu. Dengan jeda dua tahun, Vivaldi memegang jabatan ini hingga tahun 1716, ketika ia menjadi maestro de "concerti. Belakangan, karena sudah jauh dari Venesia, ia mempertahankan hubungannya dengan Pieta (pada suatu waktu ia mengirimkan dua konser barunya ke sana setiap bulan. ).

Reputasi Vivaldi mulai berkembang pesat dengan publikasi pertamanya: trio sonata (mungkin 1703-1705), sonata biola (1709) dan khususnya 12 konsernya "L" estro armonico ("Inspirasi Harmonis") Op. berisi beberapa konser terindahnya, diterbitkan di Amsterdam dan didistribusikan secara luas di Eropa utara; hal ini memaksa musisi yang mengunjungi Venesia untuk mencari Vivaldi di sana, dan dalam beberapa kasus memesan yang baru darinya, seperti yang dilakukan, misalnya, untuk Dresden. pengadilan. Bach sangat menyukai konserto Vivaldi sehingga dia mengaransemen lima konserto Op.3 untuk harpsichord, dan sejumlah konserto untuk organ. Banyak komposer Jerman meniru gayanya. Dia menerbitkan dua koleksi sonata lebih lanjut dan tujuh koleksi konserto lainnya, termasuk “La. stravaganza" ("Pemborosan") Op. 4 (ca. 1712), "Il cimento dell"armonia e dell"inventione" ("Kontroversi Harmoni dengan Penemuan"), Op. 8 (ca. 1720, termasuk "The Four Seasons") dan "La cetra" ("The Lyre"), Op. 9 (1727). Dalam genre konser instrumental itulah letak pencapaian utama Vivaldi dan signifikansinya dalam sejarah musik. Ia merupakan komposer pertama yang secara konsisten menggunakan bentuk ritornello dalam gerakan cepat, dan ini menjadi model bagi komposer lainnya. Hal yang sama dapat dikatakan tentang bentuk konser Vivaldian secara keseluruhan, yang terdiri dari tiga bagian: cepat - lambat - cepat. Dari sekitar 550 konsertnya, sekitar 350 untuk instrumen solo dan orkestra (lebih dari 230 untuk biola); sekitar 40 ganda (yaitu, untuk dua solois), lebih dari 30 untuk beberapa solois dan hampir 60 untuk orkestra tanpa solois. Vivaldi adalah pembuat instrumen asli dan menulis beberapa konser untuk kombinasi instrumen yang tidak biasa, seperti viola d'amour dan kecapi, atau untuk berbagai instrumen tiup, termasuk selendang, klarinet, terompet, dan instrumen langka lainnya banyak resital untuk bassoon, cello, oboe dan flute. Beberapa konsernya merupakan konser program, misalnya “Storm at Sea” (tiga konser memiliki judul ini), “Hunt”, “Anxiety”, “Rest”, “Night”, “Proteus, atau Perdamaian”. kacau balau." Vivaldi juga menulis banyak musik vokal - gerejawi dan sekuler. Dia adalah penulis (menurut berbagai sumber) dari 50 - 70 opera (sekitar 20 bertahan).

Musim sebagai tema dalam seni dan musik

Tema musim selalu populer dalam seni. Hal ini dijelaskan oleh beberapa faktor. Pertama, hal ini memungkinkan penggunaan sarana seni khusus ini untuk menangkap peristiwa dan kejadian yang paling khas pada waktu tertentu dalam setahun. Kedua, selalu diberkahi dengan makna filosofis tertentu: pergantian musim dianggap dalam aspek perubahan periode kehidupan manusia, dan dalam aspek ini, musim semi, yaitu kebangkitan kekuatan alam, melambangkan permulaan dan melambangkan. masa muda, dan musim dingin - akhir jalan - usia tua. Terlebih lagi, kehidupan, jika dianalogikan dengan satu tahun, dapat dibagi menjadi empat periode (secara adil, harus dikatakan bahwa pembagian popularitas hidup di kalangan seniman ini lebih rendah daripada pembagian yang lebih umum menjadi tiga tahap: masa muda - kedewasaan - usia tua ), dan juga - sekali lagi dengan analogi dengan membagi tahun menjadi dua belas bulan - menjadi dua belas periode (masing-masing diyakini enam tahun).

Sedangkan untuk seni rupa, musim, atau lebih tepatnya karya, yaitu karakteristik karya pada bulan tertentu (terutama pertanian), digambarkan dalam berbagai genre - mulai dari patung (di portal katedral Gotik, seperti di Saint Denis, tempat kita melihat semua dua belas bulan) untuk dijadwalkan. Dari ilustrasi buku tentang topik ini, yang paling terkenal adalah “Buku Jam Mewah Duke of Berry” (1415 -1416), di mana dua belas miniatur menggambarkan pemandangan dari urusan pertanian yang menjadi ciri khas waktu tertentu dalam setahun.

Siklus musim yang luar biasa adalah serangkaian lukisan dinding di Salon Bulan Ini di Palazzo Schifanoia, di kastil Dukes d'Este di Ferrara, dibuat oleh Francesco del Cossa dan Cosme (Cosimo) Tura (1456 -1470) . Lukisan dinding setiap bulan dibagi menjadi tiga register, sesuai dengan tiga sistem figuratif yang berbeda. Jadi, di daftar tengah lukisan dinding setiap bulan terdapat tanda zodiak yang sesuai "Maret" menggambarkan halaman dengan lingkaran dan panah di tangannya, seorang wanita duduk dengan jubah merah dan seorang pria dengan pakaian robek; di "April" - Taurus, seorang wanita muda dengan seorang anak, seorang anak muda yang duduk telanjang seorang pria dengan kunci di tangannya dan seorang lelaki tua di samping seekor kuda putih.

Karena jelas bahwa semua angka-angka ini memiliki arti, maka upaya telah dilakukan untuk menafsirkannya. Ada anggapan bahwa itu adalah simbol alegoris dari pembagian tahun yang lebih pecahan - puluhan bulan.

Yang berdiri terpisah adalah lukisan terkenal karya Sandro Botticelli “Spring” (“La Primavera”) (atau “The Kingdom of Flora”; 1477 - 1478; Florence, Galeri Uffizi). Venus berdiri di tengah padang rumput yang berbunga. Dia ditampilkan di sini secara berbeda dari yang dilakukan para empu kuno: dia digambarkan sebagai gadis yang anggun. Cabang-cabang pohon yang membungkuk di atasnya membentuk sesuatu seperti gapura kemenangan. Cupid melayang di atasnya dengan busur dan anak panah. Matanya ditutup matanya, melambangkan kebutaan cinta. Sosok paling kiri dalam gambar adalah Merkurius (hanya asumsi yang dapat dibuat tentang makna kehadirannya dalam adegan ini; salah satunya adalah ia, sambil melihat ke atas, menyebarkan awan dengan lambang kedokterannya). Antara Venus dan Merkurius, gugusan tiga rahmat merupakan gambaran yang telah menjadi buku teks. Flora, dewi bunga Italia kuno (tapi selalu awet muda), yang menjadi nama kedua lukisan itu, digambarkan di sebelah kanan. Penafsiran indah Botticelli tentang ceritanya patut diperhatikan: dewi bunga Yunani adalah Kloris, yang menikahi Zephyr, angin musim semi barat, yang melahirkan bunga. Orang Romawi memanggilnya Flora. Puisi Lucretius “On the Nature of Things” (5:756 - 739) menceritakan bagaimana Flora mengikuti Zephyr di musim semi, menaburkan jalannya dengan bunga. Botticelli, bagaimanapun, mendapatkan ide untuk menggambarkan Flora dari sumber lain - dari "Fast" karya Ovid (5: 193 - 214), yang menceritakan kisah Kloris, yang melarikan diri dari Zephyrus yang mengejarnya. Ketika Zephyr menyusul Kloris dan menguasainya, bunga jatuh dari bibirnya, dan dia berubah menjadi Flora. Momen inilah yang digambarkan Botticelli, memperlihatkan dua dewi bersama: Kloris, yang dari bibirnya bunga berjatuhan, dan Flora, yang menyebarkannya sendiri.

Sejarah musik mengetahui empat interpretasi terkenal tentang tema musim. Karya-karya ini disebut “Musim”. Ini adalah siklus konser oleh Vivaldi, oratorio oleh Haydn (1801), siklus karya piano oleh P. I. Tchaikovsky (1876), dan balet oleh A. K. Glazunov (1899).

The Four Seasons karya Antonio Vivaldi adalah salah satu karya paling populer sepanjang masa. Bagi banyak orang, nama “Vivaldi” identik dengan “The Four Seasons” dan sebaliknya (meskipun ia menulis banyak karya lain). Bahkan dibandingkan dengan konserto lain dari karya yang sama, konserto ini menunjukkan inovasi menakjubkan Vivaldi di bidang konser Barok. Mari kita lihat lebih dekat masing-masing dari empat konser tersebut. Dan sejak awal saya perhatikan bahwa komposer mengawali setiap konser dengan soneta - semacam program sastra. Diasumsikan bahwa penulis puisi tersebut adalah Vivaldi sendiri. Jadi…

"Musim Semi" (La Primavera)

Sangatlah wajar untuk membicarakan “La Primavera” oleh Antonio Vivaldi setelah membicarakan “La Primavera” oleh Sandro Botticelli. Soneta yang mendahului konser ini hampir dapat dikaitkan dengan lukisan Botticelli. Begini bunyinya (selanjutnya soneta diterjemahkan oleh Vladimir Grigoriev):

Musim semi akan datang! Dan lagu yang menyenangkan

Alam penuh. Matahari dan kehangatan

Aliran sungai mengoceh. Dan berita liburan

Zephyr menyebar seperti sihir.

Tiba-tiba awan beludru bergulung masuk,

Guntur surgawi terdengar seperti kabar baik.

Namun angin puyuh yang dahsyat dengan cepat mengering,

Dan twitter kembali melayang di angkasa biru.

Nafas bunga, gemerisik rumput,

Alam penuh dengan mimpi.

Anak gembala sedang tidur, lelah seharian,

Dan anjing itu menggonggong hampir tak terdengar.

Suara bagpipe gembala

Suara mendengung menyebar ke padang rumput,

Dan para bidadari menari lingkaran sihir

Musim semi diwarnai dengan sinar yang menakjubkan.

Konser siklus ini disebut program musik, yaitu musik yang sesuai dengan program sastra tertentu, dalam hal ini. Secara total, Vivaldi dapat menghitung lebih dari empat puluh program yang berhasil. Namun di dalamnya “program” mereka dirumuskan hanya dalam namanya, dan ini bisa disebut program dengan sangat kondisional. Ini adalah konser "The Goldfinch", "The Cuckoo", "The Nightingale", "The Hunt", "Night" (Vivaldi menulis empat konser untuk "program" ini). Dalam “The Seasons” kita benar-benar berhadapan dengan program nyata: musiknya persis mengikuti gambaran puisi. Soneta sangat sesuai dengan bentuk musik dari konser tersebut, sehingga orang tanpa sadar bertanya-tanya apakah, sebaliknya, soneta digubah dengan musik yang telah ditulis? Bagian pertama dari konser ini menggambarkan dua syair pertama, bagian kedua mengilustrasikan syair ketiga, dan bagian akhir mengilustrasikan syair terakhir. (Penulis terjemahan bahasa Rusia, berusaha menjaga keakuratan maknanya, yang tentu saja sangat penting, terutama dalam hal pemrograman, beralih dari bentuk soneta dan menerjemahkannya, seperti yang lain, dalam empat kuatrain .)

Bagian pertama dari konser dibuka dengan motif kegembiraan yang luar biasa, menggambarkan kegembiraan yang disebabkan oleh datangnya musim semi - “Musim semi akan datang!”; seluruh orkestra bermain (tutti). Motif ini (setiap kali dibawakan oleh seluruh orkestra dan solois), selain membingkai gerakan ini, dibunyikan beberapa kali lagi selama gerakan, menjadi semacam refrain, yang membuat seluruh gerakan berbentuk mirip rondo. Berikut ini adalah episode yang menggambarkan baris soneta berikut. Dalam kasus ini, tiga pemain solo bermain - yang utama (izinkan saya mengingatkan Anda bahwa semua konser dalam siklus ini ditulis untuk biola solo dan orkestra) dan pengiring dari grup biola pertama dan kedua; semua peserta lainnya terdiam. Bahkan tanpa komentar yang tersedia dalam musiknya - “Canto de gl" Ucelli" - jelas bahwa musiknya, yang terdengar dengan nada tinggi, di sini menggambarkan “kicauan burung” (terjemahan literal dari baris soneta: “mereka menyambut dengan gembira dia (musim semi - A.M.) burung-burung dengan nyanyiannya”) Betapa indahnya hal ini disampaikan oleh suara biola!

Episode berikutnya (setelah refrain) mengilustrasikan kata-kata soneta tentang aliran sungai (secara harfiah: “aliran mengalir dengan gumaman manis dalam nafas Zephyr”; bandingkan bagaimana Botticelli menggambarkan Zephyr!). Dan sekali lagi refrainnya. Episode berikutnya adalah guntur ("langit tertutup kegelapan, musim semi mengumumkan dirinya dengan kilat dan guntur"). Vivaldi menggambarkan fenomena alam ini dengan cara yang sangat inventif: gemuruh petir disampaikan oleh suara cepat dan mengancam dari seluruh orkestra yang dimainkan secara serempak. Kilatan petir terdengar untuk pertama kalinya oleh ketiga pemain solo biola dalam gerakan sapuan seperti skala (dibutuhkan keterampilan luar biasa dari semua anggota ansambel untuk mencapai ketepatan sempurna dalam gerakan sapuan yang dilakukan secara bersamaan oleh tiga pemain solo). Kali berikutnya disampaikan dalam bagian-bagian oleh solois utama, grafisnya mengingatkan pada panah patah yang menandakan bahaya tegangan tinggi pada jaringan listrik. Badai petir digantikan oleh musik refrain - kegembiraan tak berawan akan datangnya musim semi. Dan lagi - di episode berikutnya - burung-burung berkicau (“Kemudian (guntur. - A.M.) mereda, dan burung-burung mulai berkicau indah lagi”). Ini sama sekali bukan pengulangan dari episode pertama - ada kicau burung yang berbeda di sini. Saya sudah mengatakan bagaimana bagian pertama berakhir.

Bagian kedua (“Impian Seorang Petani”). Contoh kecerdasan Vivaldi yang luar biasa. Di atas iringan biola dan biola pertama dan kedua (bass, yaitu cello dan double bass, dan, oleh karena itu, harpsichord dan organ yang menduplikasinya tidak dimainkan di sini), melodi biola solo melayang. Dialah yang menggambarkan mimpi indah petani. Pianissimo semper (Italia - “sangat pelan sepanjang waktu”) semua biola orkestra dimainkan dalam ritme titik-titik yang lembut, menggambarkan gemerisik dedaunan. Vivaldi menginstruksikan biola untuk menggambarkan gonggongan (atau gonggongan) seekor anjing yang menjaga tidur pemiliknya. Semua rincian program sastra ini perlu diketahui oleh para pemainnya sendiri, pertama-tama, dan kedua, oleh para pendengarnya. Kemudian Anda akan dapat menemukan warna dan karakter suara yang menarik, dan pada biola Anda akan mendengar “guk-guk” yang keras, sangat kontras dengan melodi biola solo dalam gaya bel canto, dan bukan merdu. “bye-bye”, yang dengan sendirinya indah, tapi untuk “ program lain."

Bagian ketiga (“Tarian Pastoral”). Suasana di sini penuh energi dan keceriaan. Dalam literatur tentang Vivaldi dapat ditemukan pernyataan bahwa “irama utama dalam gerakan ini adalah tapak Siciliana yang cepat”. Saya tidak setuju dengan pernyataan ini. Ini, tentu saja, adalah sejenis gigue, juga merupakan tarian kuno: dalam hal ini disajikan dalam variasi Perancisnya dan diidentikkan dengan kenari (sejenis gigue khusus). Sungguh menakjubkan bagaimana Vivaldi berhasil menyampaikan begitu banyak nuansa kegembiraan dalam ruang suara yang kecil, bahkan semacam kegembiraan yang menyedihkan (dalam sebuah episode kecil)!

"Musim Panas" (L"Estate)

Kawanan itu berkeliaran dengan malas di ladang.

Dari panas yang menyengat dan menyesakkan

Segala sesuatu di alam menderita dan mengering,

Setiap makhluk hidup haus.

Berasal dari hutan. Percakapan yang lembut

Burung kutilang emas dan burung merpati memimpin dengan perlahan,

Dan ruangan itu dipenuhi angin hangat.

Tiba-tiba menjadi penuh gairah dan kuat

Borey, meledakkan keheningan dan kedamaian.

Di sekelilingnya gelap, ada awan pengusir hama jahat.

Dan anak gembala, yang terjebak dalam badai petir, menangis.

Hal malang itu membeku ketakutan:

Petir menyambar, guntur mengaum,

Dan dia mengeluarkan bulir jagung yang sudah matang

Badai melanda tanpa ampun di mana-mana.

Bagian pertama. Bentuk konser yang dikembangkan dan disempurnakan oleh Vivaldi menyiratkan bahwa konser, seperti telah saya kemukakan, terdiri dari tiga bagian: cepat - lambat - cepat. Bakat dan imajinasi Vivaldi perlu dimiliki untuk mencerminkan pada bagian pertama, yaitu cepat, bagian dari suasana hati dan keadaan kemalasan dan kelesuan, yang disebutkan dalam dua kuatrain pertama, yang merupakan program bagian ini. . Dan Vivaldi berhasil dengan gemilang.

“Kelelahan karena panas” adalah ucapan pertama sang komposer. Musiknya terdengar pianissimo (Italia - "sangat tenang"). Vivaldi memberikan sedikit kelonggaran pada suasana hati: tempo gerakan ini, meskipun Allegro (dalam hal ini berarti "cepat"), adalah non molto ("tidak terlalu"). Ada banyak jeda, “desahan”, dan penghentian dalam tatanan musik. Selanjutnya kita mendengar suara burung - pertama burung kukuk. (Sejarah musik mengetahui berapa banyak “cuckoo”! Vivaldi sendiri, seperti disebutkan di atas, menulis konser terpisah di mana burung ini ditiru; misalnya, harpsichord “Cuckoo” karya Daken yang terkenal). Kemudian goldfinch (dan lagi-lagi ternyata Vivaldi mengadakan konser lain yang menggambarkan burung ini). Suara burung dalam musik - ini bisa menjadi topik pembicaraan tersendiri...

Dan sekarang, hembusan angin utara yang dingin pertama - Boreas, pertanda badai petir. Hal ini diwakili oleh semua biola dalam orkestra (termasuk solois), sedangkan biola dan bass, menurut arah panggung dalam musiknya, memiliki “hembusan angin yang tajam” dan hanya “angin yang berbeda”.

Tapi dorongan pertama ini berlalu, dan suasana lesu karena panas kembali (reff dari bagian ini, musik yang memulai konser). Tapi ini juga berlalu: hanya satu biola solo dan bass yang tersisa (barisannya dibawakan oleh cello dan organ pengiringnya, seperti yang ditunjukkan dalam skor, meskipun seringkali dan bahkan, sebagai suatu peraturan, pengiring dalam "The Seasons" dipercayakan kepada harpsichord). Biola memiliki intonasi keluhan. Anda tidak salah: ini adalah “keluhan gembala,” Vivaldi menjelaskan niatnya. Dan lagi-lagi embusan angin bertiup masuk.

Bagian kedua secara luar biasa dibangun di atas kontras tajam dari melodi, yang melambangkan penggembala, ketakutannya terhadap unsur-unsur alam, dan gemuruh guntur yang mengancam dari badai petir yang mendekat. Ini mungkin contoh kontras dinamis yang paling mengesankan dalam musik periode pra-Beethoven - sebuah contoh yang dapat dengan aman disebut simfoni (bandingkan dengan episode badai petir serupa dalam Simfoni Pastoral Beethoven). Pernyataan Vivaldi di sini bergantian dengan kategorisasi komando tentara: Adagio e piano (Italia - "lambat dan tenang") dan Presto e forte (Italia - "cepat dan keras"). Dan tidak ada kesalahpahaman! Bagian kedua diakhiri dengan ketenangan – ketenangan sebelum badai…

Bagian ketiga. Dan kemudian badai terjadi. Aliran air yang jatuh dari langit hampir terlihat. Dan seperti kilatan petir di “Musim Semi” yang disampaikan oleh melodi dengan pola yang khas (lihat di atas tentang ini), maka di sini aliran air mengalir deras ke berbagai arah, digambarkan oleh bagian-bagian seperti skala dan arpeggia (akord, suara yang dimainkan sangat cepat silih berganti, dan tidak bersamaan), terburu-buru naik turun. Integritas keseluruhan konser diberikan oleh fitur-fitur tertentu dari komposisi, yang terungkap hanya dengan mendengarkan secara cermat struktur musik dari keseluruhan karya: misalnya, di tengah, ketika bagian-bagian cepat dipercayakan kepada biola dan bass, the biola menampilkan figur ritmis dan melodi, mirip dengan episode dengan “angin berbeda” dari bagian pertama. Bagian ini (dan konser ini, tetapi bukan keseluruhan siklus!) diakhiri dengan keselarasan seluruh orkestra yang mengancam, membuat pendengar kebingungan: apa yang akan terjadi selanjutnya, setelah badai petir yang mengerikan ini?..

"Musim Gugur" (L"Autunno)

Festival panen petani riuh.

Lagu-lagu yang menyenangkan, penuh tawa, dan hidup!

Dan jus Bacchus, menyulut darah,

Itu membuat semua yang lemah tersingkir, memberi mereka mimpi indah.

Dan sisanya sangat ingin melanjutkan,

Tapi saya tidak bisa lagi menyanyi dan menari.

Dan, melengkapi kegembiraan dengan kesenangan,

Malam itu membuat semua orang tertidur lelap.

Dan di pagi hari saat fajar mereka berlari kencang menuju hutan

Pemburu, dan bersama mereka para pemburu.

Dan, setelah menemukan jejaknya, mereka melepaskan sekawanan anjing,

Mereka mengusir binatang itu dengan penuh semangat sambil meniup klakson.

Takut dengan suara yang mengerikan itu,

Terluka, buronan melemah

Dia lari dengan keras kepala dari anjing-anjing yang menyiksa,

Namun lebih sering dia mati pada akhirnya.

Bagian pertama. Vivaldi ahli kejutan: setelah badai petir yang terjadi di musim panas, kita mendapati diri kita berada di festival panen musim gugur yang ceria. “Tarian dan nyanyian para petani,” jelas ucapan penulis di awal bagian. Suasana ceria disampaikan melalui ritme yang mengingatkan pada ritme bagian pertama "Musim Semi". Kecerahan gambar diberikan melalui penggunaan efek gema, yang sangat disukai tidak hanya oleh Vivaldi, tetapi juga oleh semua komposer Barok. Ini dimainkan oleh seluruh orkestra dan pemain solo yang menyertainya.

Di sini perlu dilakukan penyimpangan singkat dan menjelaskan salah satu ciri konser instrumental era Barok. Ketika saya memperhatikan episode-episode di Vivaldi di mana seluruh orkestra bermain, dapat dipahami bahwa solois selalu bermain dengan orkestra: dia adalah peserta yang sama dalam komunitas musik ini, hanya dengan bagian yang diperluas dan virtuoso. Dan hari ini bagian ini dapat dibawakan oleh satu orkestra, dan besok oleh orkestra lain. Inilah kekhasan konser instrumental barok. Situasinya berangsur-angsur berubah di konser-konser selanjutnya. Dalam konser piano Mozart, pemain solo tidak lagi menjadi anggota orkestra. Benar, masih ada episode dalam konser Mozart di mana, menurut rencana komposer, pianis berhenti menjadi solois dan berubah, pada dasarnya, menjadi pengiring orkestra, menampilkan kerangka harmonis orkestra di piano. bermain. (Pianis solo modern kita tidak ingin memainkan peran ini, dan mengabaikan episode ini begitu saja, membiarkan orkestra bermain sendiri). Harus dikatakan bahwa Mozart menulis konser pianonya untuk dirinya sendiri, yaitu, dia menampilkannya sendiri sebagai konduktor dan solois; Oleh karena itu, banyak hal yang bahkan tidak dituliskan dalam catatan dan diimprovisasi langsung selama pertunjukan. Lebih-lebih lagi. Dalam konser-konser romantisme (Mendelssohn, Schumann, Schumann, Chopin, Liszt), solois adalah “bintang dunia”, ia tidak pernah “keluar dari orkestra”, bagiannya tidak pernah menduplikasi bagian orkestra, tetapi sebaliknya , bersaing dengannya. Kini “konflik” dan “perjuangan” solois dengan orkestra mengandung intrik psikologis dan karenanya menambah minat pendengar. Inilah salah satu arah evolusi bentuk dan genre konser instrumental.

Tapi mari kita kembali ke Vivaldi. Bagian baru dari bagian pertama adalah adegan bergenre lucu: “Tipsick” (atau “Intoxicated”). Penyanyi solo “menuangkan” anggur dalam bagian-bagian yang mengalir dari biola; melodi di bagian orkestra, dengan gaya berjalannya yang tidak stabil, menggambarkan penduduk desa yang mabuk. “Ucapan” mereka menjadi terputus-putus dan tidak jelas. Pada akhirnya, semua orang tertidur (biola berhenti pada satu suara yang berdurasi lima bar!). Dan semua ini digambarkan oleh Vivaldi dengan humor yang tiada henti dan senyuman yang ramah dan ironis. Bagian pertama diakhiri dengan awal mulanya - musik gembira dari perayaan yang ceria.

Bagian kedua. Tapi masih tidak mungkin untuk melawan tidur, dan selain itu, malam sudah tiba di tanah. Syair kedua soneta menceritakan hal ini. Dan sebagian kecil, hanya dua halaman dari musiknya, menggambarkan dengan suara keadaan tidur nyenyak dan malam selatan yang tenang. Cara memainkan bagian-bagian dengan instrumen senar memberikan cita rasa khusus pada suaranya: Vivaldi menginstruksikan musisi untuk bermain dengan bisu. Semuanya terdengar sangat misterius dan seram. Saat menampilkan bagian ini, tanggung jawab khusus berada pada pemain harpsichord (di zaman kita, saya ulangi, pemain harpsichordlah yang dipercayakan dengan bagian pengiring; di Vivaldi, organnya ditunjukkan): bagiannya tidak sepenuhnya ditulis oleh komposer , dan diasumsikan bahwa pemain harpsichordist melakukan improvisasinya. Improvisasi ini idealnya sesuai dengan musik Vivaldi sendiri. Bagian ketiga (“Berburu”). Genre musik dan puisi caccia (Italia - caccia, "berburu") dibudidayakan di Italia pada abad ke-14 - ke-15. Dalam vokal kachcha, teksnya menggambarkan adegan berburu dan mengejar, dan musiknya menggambarkan pacuan kuda, pengejaran, dan suara klakson berburu. Unsur-unsur ini juga ditemukan di bagian konser ini. Di tengah perburuan, musiknya menggambarkan “tembakan dan gonggongan anjing,” seperti yang dijelaskan Vivaldi sendiri pada episode ini.

"Musim Dingin" (L"Inverno)

Anda gemetar, kedinginan, di salju yang dingin,

Dan gelombang angin utara bergulung masuk.

Hawa dingin membuat gigimu bergemeletuk saat berlari,

Anda memukul kaki Anda, Anda tidak bisa tetap hangat

Betapa manisnya kenyamanan, kehangatan dan keheningan

Berlindung dari cuaca buruk di musim dingin.

Perapian api, fatamorgana setengah tertidur.

Dan jiwa yang beku penuh dengan kedamaian.

Di musim dingin, orang-orang bersukacita.

Dia terjatuh, terpeleset, dan berguling lagi.

Dan sungguh menyenangkan mendengar bagaimana es dipotong

Di bawah lereng tajam yang diikat dengan besi.

Dan di langit Sirocco dan Boreas bertemu,

Pertarungan di antara mereka berlangsung dengan sungguh-sungguh.

Meski dingin dan badai salju belum reda,

Musim dingin memberi kita kesenangannya.

Konsep yang diungkapkan pengarang ketika mengacu pada alegori musim bisa berbeda-beda, bahkan terkadang berbanding terbalik. Musim dingin, tampaknya, adalah waktu dalam setahun dan periode itu - jika kita berbicara secara alegoris - dalam kehidupan manusia, yang memungkinkan adanya penafsiran yang paling berbeda. Jika dalam siklus vokal Schubert “Winterreise” ini adalah tingkat pesimisme yang ekstrim, maka di Vivaldi, terlepas dari kenyataan bahwa siklus fenomena alami tahunan telah selesai, akhir musim dingin pada saat yang sama merupakan pertanda musim semi yang baru. Dan jika Schubert dalam lagu terakhir siklusnya - "The Organ Grinder" - tidak memiliki harapan, maka Vivaldi, baik dalam musik maupun syair, menegaskan sesuatu yang sama sekali berbeda: "musim dingin memberi kita kesenangannya." Jika demikian, maka elemen dramatis, yang, apa pun yang dikatakan, hadir di musim dingin, telah dipindahkan dari Vivaldi sejak akhir konser, dan keseluruhan siklus berakhir dengan cukup optimis.

Bagian pertama. Benar-benar ada suasana yang sangat dingin (untuk orang Italia!) di sini. Pengarah panggung menjelaskan bahwa yang digambarkan di sini adalah bagaimana gigi bergemeletuk karena kedinginan, kaki menghentak, angin kencang menderu-deru dan berlari mencari kehangatan. Bagi pemain biola, kesulitan teknis terbesar terkonsentrasi pada bagian ini. Dimainkan dengan sangat baik, ia terbang seolah-olah dalam satu tarikan napas.

Bagian kedua. Inilah kegembiraan musim dingin. Kesatuan penuh antara solois dan orkestra pengiringnya. Aria yang indah mengalir dalam gaya bel canto. Gerakan ini sangat populer sebagai karya independen yang telah selesai sepenuhnya, dan sering kali dilakukan seperti itu.

Bagian ketiga. Sekali lagi adegan bergenre: seluncur es. Dan siapa di Italia yang tahu bagaimana, atau tahu bagaimana pada zaman Vivaldi, ketika tidak ada es buatan, untuk berseluncur? Tentu saja tidak ada seorang pun. Jadi Vivaldi menggambarkan - dalam bagian-bagian biola yang "jatuh" yang lucu - bagaimana seseorang dapat "dengan mudah terpeleset dan jatuh" atau bagaimana "kebekuan pecah" (jika kita menerjemahkan isi soneta secara harfiah). Tapi kemudian angin selatan yang hangat (sirocco) bertiup - pertanda musim semi. Dan konfrontasi terjadi antara dia dan Borey - sebuah adegan dramatis yang penuh badai. Ini adalah penyelesaian - hampir simfoni - dari "Winter" dan seluruh siklus "The Seasons".

Teks asli dan edisi pertama The Seasons

Siapa pun yang tertarik dengan sejarah musik dan, khususnya, karya Vivaldi, yakin bahwa “The Four Seasons” disusun pada tahun 1725, yaitu tahun yang sama saat lagu tersebut diterbitkan. Tanggal ini diberikan oleh semua buku referensi dan kamus musik resmi, termasuk yang terbesar - Kamus Musik dan Musisi New Grove. Di awal artikel ini, saya menunjukkan tanggal lain - 1720. Faktanya adalah bahwa pemahaman baru tentang masalah kronologi diberikan oleh penelitian Paul Everett, yang menyiapkan edisi baru The Seasons untuk penerbit resmi Italia Ricordi. (Paul Everett. Vivaldi: The Four Seasons dan Konsert Lainnya, Op. 8. Cambridge & New York. Cambridge University Press, 1996). Dan kini, ketika membahas karya brilian Vivaldi ini, perlu diperhatikan hasil penelitian ahli musik tersebut. Dan hasil ini justru membuat edisi baru dari konser ini diperlukan.

Timbul pertanyaan yang masuk akal: dapatkah edisi berikutnya dari karya-karya terkenal tersebut, yang diterbitkan berkali-kali, membawa sesuatu yang baru dan memaksa kita untuk mempertimbangkan kembali pandangan kita terhadap karya tersebut? Jawaban atas pertanyaan ini pasti ya.

Hebatnya, hingga saat ini tidak ada edisi modern dari konser paling populer ini yang dapat diandalkan untuk memberikan teks konser kepada para pemainnya. Ini berarti bahwa sebagian besar, dan mungkin semua, penafsiran dan rekaman konser-konser yang didasarkan pada edisi-edisi yang ada, pada tingkat yang lebih besar atau lebih kecil, cacat. Jika membahas karya klasik populer seperti The Four Seasons, salah membaca atau salah membaca teks menjadi sangat berpengaruh. Setelah beberapa waktu, telinga akan terbiasa dengan kesalahan ini - baik pemain maupun pendengarnya. Akibatnya, penafsiran yang salah tersebut menjadi dilegitimasi dan disucikan oleh tradisi. Oleh karena itu, The Seasons sangat membutuhkan rekonstruksi - baik dari sudut pandang teks maupun dari sudut pandang interpretasinya. Analogi restorasi lukisan lama ternyata sangat tepat di sini. Lapisan kotoran dan pernis tidak berwarna harus dihilangkan dari lukisan agar warna aslinya bersinar cerah kembali. Kemunculan sebuah lukisan yang kusam seringkali bukan karena kurangnya keterampilan seniman yang menciptakannya, melainkan akibat waktu. Dalam kasus "The Four Seasons", ini adalah hasil dari musik yang dibawakan oleh musisi yang tidak mengetahui tradisi pertunjukan dari zaman Vivaldi, dan menjadikannya sesuatu yang sama sekali berbeda.

Izinkan saya memberi Anda satu contoh untuk menunjukkan apa yang saya maksud. Pada gerak lambat “Spring”, bagian biola yang ritmenya bertitik kini dimainkan secara legato (tersambung), artinya tidak setiap gerakan busur dimainkan dengan beberapa figur bertitik. Inilah yang direkomendasikan oleh editor di beberapa publikasi. Cara eksekusi ini kini sudah menjadi hal yang umum dan telah memperoleh status hukum. Vivaldi sendiri tidak menulis liga apa pun untuk angka ini yang menunjukkan kinerja seperti itu. Sebaliknya, menurut aturan pertunjukan waktu Vivaldian, setiap figur titik harus dimainkan dengan gerakan busur tersendiri. Dalam hal ini, gambaran suaranya menjadi sangat berbeda: sekarang kita dengan jelas merasakan gemerisik dedaunan akibat angin sepoi-sepoi.

Bahkan edisi terbaik Four Seasons pun memiliki kekurangan yang tidak dapat dihindari oleh editor paling otoritatif, karena edisi tersebut berakar pada satu sumber umum yang menjadi dasar semua edisi - edisi pertama Op. 8, diterbitkan oleh Michel Le Price di Amsterdam pada tahun 1725; "The Seasons" di sini adalah No. 1 - 4. Berdasarkan standar pencetakan abad kedelapan belas, teks ini cukup akurat dan diukir dengan cermat. Masalahnya adalah editor dan penerbit selanjutnya tidak mempunyai teks lain untuk dibandingkan. Editor yang paling bertanggung jawab berkonsultasi dengan Op. 8, diterbitkan di Paris oleh penerbit musik Le Clerc pada tahun 1739, tetapi karena edisi ini didasarkan pada edisi Amsterdam, teksnya pada dasarnya sama, dan perbandingan ini tidak ada nilainya. Para editor di masa lalu dapat dimaafkan karena mereka tidak mengetahui apa pun tentang fakta bahwa hampir semua salinan edisi Amsterdam dan Paris yang masih ada tidak lengkap. Saat ini, jika dalam gerakan lambat konser Musim Dingin Anda mendengar bagian solo cello yang menyenangkan direkam dalam nada cepat (yang tidak, misalnya, dalam edisi Peters), ketahuilah bahwa Anda sedang mendengarkan pertunjukan berdasarkan sumber lain - tulisan tangan salinan yang disimpan di Manchester - sebuah dokumen penting yang baru ditemukan, yang perlu dijelaskan lebih detail juga karena tidak disebutkan sama sekali dalam literatur kami.

Sekarang tidak ada keraguan bahwa bagian cello khusus dimasukkan dalam Op. 8: itu tidak hanya ada di “The Four Seasons” versi Manchester, seperti yang dipikirkan beberapa ahli musik. Seiring waktu, bagian ini menghilang dari banyak salinan edisi pertama, karena demi kenyamanan pemain cello, bagian ini dicetak secara terpisah (dalam episode ini bagian cello tidak menduplikasi, seperti dalam kasus lain, suara organ yang lebih rendah). Akhirnya, satu lembar kertas hilang. Hampir tidak ada editor masa lalu yang mengetahui keberadaannya, itulah sebabnya ia tidak ada di semua publikasi modern. Alhasil, bagian ini dibawakan tanpa cello solo. Mengingat penemuan tekstual baru, edisi Amsterdam, yang masih bertahan hingga hari ini, tidak mungkin lagi dianggap sebagai satu-satunya sumber teks The Seasons.

Kesimpulan bahwa Vivaldi sendiri, dan bukan penyalinnya, yang menyiapkan teks “The Four Seasons” untuk dicetak ditegaskan dengan membandingkan konserto-konser ini dengan konser lain yang termasuk dalam karya ini dan disimpan dalam bentuk tanda tangan. Mereka memberikan gambaran tentang gaya karya Vivaldi. Ketika menulis ulang karyanya, ia tidak sekadar bertindak sebagai penyalin, tetapi hampir selalu melakukan perubahan dan perbaikan pada karyanya. Hal ini menjelaskan alasan perbedaan teks antara tanda tangan dan versi cetakan akhir. Perlu diingat bahwa Vivaldi menambahkan segala sesuatu yang baru yang terlintas dalam pikirannya pada saat membuat salinan yang dimaksudkan untuk dikirim ke Amsterdam dalam salinan ini dan tidak mencatatnya dalam salinan yang tersisa bersamanya.

Satu hal lagi yang perlu diperhatikan, karena ini adalah kesimpulan yang benar-benar baru, Vivaldi rupanya menyiapkan salinan Op. 8 dan mengirimnya ke Amsterdam sekitar tahun 1720! Sungguh menakjubkan bahwa penerbitan karya ini baru terjadi lima tahun kemudian. Tampaknya penundaan itu terjadi karena alasan yang tidak kami ketahui di Amsterdam.

Sekarang, akhirnya, tentang The Four Seasons salinan Manchester. Naskah ini ditulis di Venesia. Namun, hingga saat ini, tidak mungkin untuk memverifikasi bahwa teks Manchester adalah teks yang disetujui oleh komposernya sendiri, dan dapat dianggap sebagai sumber aslinya. Bagaimanapun, ini adalah manuskrip yang tidak memuat tulisan tangan Vivaldi sama sekali dan tidak memberikan petunjuk mengenai penanggalannya. Namun ketidakpastian ini kini telah teratasi berkat bukti musikologis.

Salah satu kesulitannya adalah bahwa dua juru tulis yang memproduksi salinan The Seasons di Manchester tidak diyakini memiliki kontak dengan sang komposer. Sekarang kita yakin mereka masih memiliki hubungan tertentu. Kini diketahui bahwa Vivaldi mendekati salah satu dari mereka dengan permintaan untuk menyalin naskah (disimpan di Paris) dari salah satu konser biolanya. Penyalin ini dikenal oleh para spesialis sebagai “Penyalin No. 4.” Dia adalah asisten tetap komposer. Sekarang diyakini bahwa itu tidak lain adalah... Giovanni Battista Vivaldi, ayah Antonio. Karena Scribe No. 4 bekerja secara eksklusif untuk Antonio, kontak Manchester Scribe dengannya tampaknya sama dengan kontak langsungnya dengan Antonio.

Kesulitan kedua adalah bahwa salinan The Four Seasons di Manchester ditulis pada dua jenis kertas musik yang berbeda, yang sebelumnya diperkirakan tidak pernah ditangani oleh Vivaldi. Namun kini terbukti kertas jenis inilah yang digunakan Vivaldi dalam beberapa kasus lainnya. (Sulit untuk membahas rinciannya di sini sekarang; Vivaldi menggunakan beberapa ratus jenis kertas untuk mencatat karya-karyanya, dan penelitian lebih lanjut mengenai hubungan media penulisan dapat menjelaskan penanggalan banyak karyanya.) Oleh karena itu, hal ini tidak bisa dilakukan. dianggap hanya suatu kebetulan belaka, dan hal ini memberikan dasar bagi pernyataan bahwa penyalinan naskah Manchester itu dilakukan atas kemauan penciptanya dan di bawah pengawasannya. Kesulitan terakhir adalah kurangnya tanggal produksi salinan The Four Seasons di Manchester. Salinan ini termasuk dalam kelompok besar manuskrip Vivaldian, termasuk beberapa tanda tangan, yang merupakan bagian dari koleksi Romawi Kardinal Pietro Ottoboni, dan masuk akal untuk berasumsi bahwa Vivaldi sendiri yang memerintahkan pembuatan salinan Four Seasons dan memberikannya kepada musisi kardinal, terkenal karena filantropinya. Namun kontak Vivaldi dengan Ottoboni dan istananya hanya berlangsung sebentar-sebentar dan terbatas pada tahun 1720-an. Meskipun tanggal salinan Four Seasons di Manchester masih belum pasti, secara teoritis tidak dapat dikesampingkan bahwa salinan tersebut dibuat untuk tujuan yang berbeda dan masuk ke dalam koleksi Ottoboni melalui jalur lain, dan bahwa Vivaldi tidak memesan salinan konserto tersebut di semua. Dan kini, pembaruan tanggal yang sangat dibutuhkan baru-baru ini muncul. Perbandingan makalah di mana konserto versi Manchester ditulis dengan manuskrip Venesia di mana kantata anonim “Andromeda liberata” ditulis memberikan hak untuk menegaskan bahwa salinan Manchester dibuat sekitar bulan September 1726. Penanggalan ini cukup konsisten dengan bukti lain. Tahun ini Pietro Ottoboni berada di Venesia dari Juli hingga Desember; pada bulan Agustus salah satu kantata Vivaldi dibawakan untuk menghormatinya. Pada titik tertentu selama periode ini, komposer dapat memberikan salinan The Four Seasons kepada kardinal. Dan dengan demikian, pendapat hipotetis yang telah lama dipertimbangkan bahwa Vivaldi memerintahkan produksi salinan The Four Seasons di Manchester sekarang dapat dianggap benar, karena pernyataan ini didasarkan pada sejumlah fakta obyektif. Selain itu, salinan ini dibuat langsung dari versi tanda tangan yang dimiliki penciptanya. Singkatnya - dan ini adalah kesimpulan utama dari semua yang telah dikatakan - salinan Manchester dibuat tepat setelah edisi Amsterdam tidak lagi dicetak, tetapi menyampaikan versi yang mendahului semua versi yang diterbitkan.

Jadi, The Four Seasons bertahan dalam dua versi utama - dalam edisi Amsterdam Le Price dan salinan Manchester. Teks merekalah yang dapat dianggap otentik. Namun versi-versi ini berbeda dan tidak boleh digabungkan atau digabungkan. Dan hal ini menimbulkan dilema. Setiap edisi kritis baru pasti mendukung satu versi. Tapi tetap saja yang satu tidak bisa mengabaikan yang lain sepenuhnya. Paling logis untuk mendasarkan edisi modern pada edisi klasik Amsterdam, tetapi pada saat yang sama, dalam komentar kritis, berikan semua perbedaan mengenai salinan Manchester. Dalam hal ini, setiap orang yang menggunakan publikasi semacam itu akan bisa mendapatkan gambaran lengkap tentang teks asli Vivaldivian “The Seasons”. Dalam banyak episode yang versinya jelas sama, teks Manchester seringkali lebih akurat. Namun bahkan dalam kasus ini, masih ada sejumlah tempat kontroversial di mana niat sebenarnya dari Vivaldi tidak dapat dipastikan...

Antonio Vivaldi (1678-1741) adalah salah satu perwakilan terkemuka era Barok. Ia dilahirkan di Venesia, tempat ia pertama kali belajar dengan ayahnya, seorang pemain biola di Kapel St. Louis. Mark, kemudian berkembang di bawah asuhan Giovanni Legrenzi. Ia banyak mengadakan konser di berbagai negara Eropa dan sangat antusias dalam mengajar dan mementaskan opera-operanya. Untuk waktu yang lama dia menjadi guru biola di salah satu panti asuhan Venesia untuk anak perempuan yatim piatu.

Vivaldi dijuluki “pendeta merah” (Prete rosso) karena warna rambutnya. Memang, ia menggabungkan profesi musisi dengan tugas pendeta, namun kemudian dipecat karena perilaku “ilegal” selama kebaktian di gereja. Komposer menghabiskan tahun-tahun terakhirnya di Wina, di mana ia meninggal dalam kemiskinan.

Warisan kreatif Vivaldi mencakup lebih dari 700 judul: 465 konser instrumental (lima puluh di antaranya adalah grossi), 76 sonata (termasuk trio sonata), sekitar 40 opera (salah satu pustakawannya adalah C. Goldoni yang terkenal), karya kantata-oratorio, termasuk teks rohani. Signifikansi sejarah utama karyanya terletak pada penciptaan konser instrumental tunggal.

Salah satu seniman paling sensitif pada masanya, Vivaldi adalah salah satu komposer pertama yang mengedepankan emosi terbuka, gairah (afek), dan perasaan liris individu dalam seni. Di bawah pengaruhnya yang tidak diragukan lagi, jenis konser musik barok yang sangat khas untuk beberapa solois (concerto grosso) memudar ke latar belakang era klasik, memberi jalan kepada konser solo. Penggantian sekelompok solois dengan satu partai merupakan ekspresi kecenderungan homofonik.

Vivaldi-lah yang mengembangkan struktur dan tema tematik pertunjukan Barok akhir. Di bawah pengaruh pembukaan opera Italia, ia membuat siklus konser tiga bagian (cepat - lambat - cepat) dan menyusun rangkaian tutti dan solo berdasarkan bentuk konser barok.

Bentuk konser era Barok didasarkan pada pergantian ritornello (tema utama), berulang kali dikembalikan dan diubah urutannya, dengan episode-episode berdasarkan tema melodi baru, materi kiasan, atau elaborasi motivasi dari tema utama. Prinsip ini membuatnya mirip dengan rondo. Teksturnya dicirikan oleh kontras antara tutti orkestra dan solo, sesuai dengan tampilan ritornello dan episode.

Bagian pertama dari konser Vivaldi energik, tegas, tekstur dan kontrasnya bervariasi. Bagian kedua membawa pendengar ke ranah lirik. Kegembiraan, diberkahi dengan ciri-ciri improvisasi, mendominasi di sini. Teksturnya didominasi homofonik. Finalnya brilian, penuh energi, dan menyelesaikan siklusnya dengan gerakan yang cepat dan hidup.

Bentuk siklik 3 gerakan dinamis dari konser Vivaldi mengungkapkan cita-cita artistik seni "kontras yang terorganisir dengan baik". Logika perkembangan figuratif mereka mengungkap pengaruh konsep estetika umum era Barok, yang membagi dunia manusia menjadi tiga hipotesa: Aksi - Kontemplasi - Permainan.

Konser instrumental tunggal Vivaldi difokuskan pada komposisi kecil alat musik gesek yang dipimpin oleh seorang solois. Ini bisa berupa cello, viol damour, seruling memanjang atau melintang, obo, bassoon, terompet, dan bahkan mandolin atau selendang. Namun, biola paling sering berperan sebagai solois (sekitar 230 konser). Teknik biola dalam konser Vivaldi bermacam-macam: bagian cepat, arpeggio, tremolo, pizzicato, nada ganda (hingga regangan kesepuluh yang paling sulit), scordatura, penggunaan register tertinggi (hingga posisi ke-12).

Vivaldi menjadi terkenal sebagai penikmat orkestra yang luar biasa, penemu banyak efek warna. Memiliki kepekaan warna suara yang tajam, ia bebas menggunakan banyak instrumen dan kombinasinya. Dia menggunakan obo, terompet, bassoon, terompet, dan cor anglais bukan sebagai suara cadangan, tetapi sebagai instrumen melodi independen.
Musik Vivaldi menyerap unsur-unsur cerita rakyat musik Venesia yang penuh warna, kaya akan canzonas yang merdu, barcarolles, dan ritme tarian yang berapi-api. Komposernya sangat ingin mengandalkan Siciliana dan memanfaatkan secara ekstensif tanda birama 6/8 khas tarian rakyat Italia. Seringkali menggunakan struktur akord-harmonik, ia dengan mahir menggunakan teknik pengembangan polifonik.

Merilis konsernya dalam rangkaian 12 atau 6 karya, Vivaldi juga memberikan sebutan umum untuk setiap seri: “Harmonic Inspiration” (op. 3), “Extravagance” (op. 4), “Zither” (op. 9).

Vivaldi dapat disebut sebagai pendiri program musik orkestra. Sebagian besar konsernya memiliki program tertentu. Misalnya: “Berburu”, “Badai di Laut”, “Gembala”, “Istirahat”, “Malam”, “Favorit”, “Goldfinch”.
Konser biola Vivaldi segera dikenal luas di Eropa Barat dan khususnya di Jerman. J. S. Bach yang hebat, “untuk kesenangan dan pengajaran,” secara pribadi mengatur sembilan konser biola Vivaldi untuk clavier dan organ. Berkat para musisi ini, Vivaldi, yang belum pernah ke tanah Jerman utara, ternyata, dalam arti sebenarnya, adalah “bapak” instrumentalisme Jerman abad ke-18. Menyebar ke seluruh Eropa, konser Vivaldi menjadi contoh genre konser bagi orang-orang sezamannya. Dengan demikian, konser clavier berkembang di bawah pengaruh artistik yang tidak diragukan lagi dari konser biola (contoh yang meyakinkan dapat diberikan oleh).

Antonio Vivaldi adalah pemain biola dan komposer luar biasa, salah satu perwakilan paling cemerlang seni biola Italia abad ke-18. Berbeda dengan Corelli, dengan fokusnya yang jarang pada beberapa genre, komposer-pemain biola Vivaldi, yang menulis lebih dari 500 konserto untuk komposisi berbeda dan 73 sonata untuk berbagai instrumen, menciptakan 46 opera, 3 oratorio, 56 kantata, dan lusinan karya kultus. Namun genre favoritnya dalam karyanya tidak diragukan lagi adalah konser instrumental. Selain itu, konser grossi hanya mencakup sepersepuluh dari konsernya: dia selalu lebih menyukai karya solo. Lebih dari 344 di antaranya ditulis untuk satu instrumen (dengan iringan) dan 81 untuk dua atau tiga instrumen. Di antara konser tunggal tersebut terdapat 220 konser biola. Memiliki selera warna suara yang tajam, Vivaldi menciptakan konser untuk berbagai macam komposisi.

Genre konserto sangat menarik perhatian komposer karena luasnya pengaruhnya, aksesibilitas ke banyak penonton, dinamisme siklus tiga bagian dengan dominasi tempo cepat, kontras tutti dan soli yang mencolok, dan kecemerlangan presentasi virtuoso. . Gaya instrumental virtuoso berkontribusi pada kecerahan keseluruhan kesan struktur figuratif karya tersebut. Dalam interpretasi kreatif inilah konser pada waktu itu merupakan genre instrumental terbesar dan paling mudah diakses dan tetap demikian hingga terbentuknya simfoni dalam kehidupan konser.

Dalam karya Vivaldi, konser untuk pertama kalinya memperoleh bentuk yang lengkap, menyadari kemungkinan-kemungkinan tersembunyi dari genre tersebut. Hal ini terutama terlihat dalam interpretasi permulaan solo. Jika dalam Concerto grosso Corelli, episode solo pendek dari beberapa bar masing-masing memiliki karakter tertutup, maka di Vivaldi, yang lahir dari pelarian fantasi tanpa batas, mereka disusun secara berbeda: dalam presentasi bagian-bagian mereka yang bebas dan dekat dengan improvisasi, virtuoso

sifat alat. Sejalan dengan itu, skala ritornellos orkestra meningkat, dan keseluruhan bentuk memperoleh karakter dinamis yang benar-benar baru, dengan kejelasan fungsional harmoni dan ritme yang ditekankan dengan tajam.

Seperti yang telah disebutkan, Vivaldi memiliki banyak sekali konserto untuk berbagai instrumen, terutama untuk biola. Selama masa hidup komposer, relatif sedikit konserto yang diterbitkan - 9 karya, dimana 5 karya mencakup 12 konser dan 4 mencakup 6. Semuanya, kecuali 6 konser op. 10 untuk seruling dan orkestra, ditujukan untuk satu atau lebih biola dengan iringan. Dengan demikian, kurang dari 1/5 dari jumlah total konser Vivaldi yang diterbitkan, hal ini tidak hanya disebabkan oleh keterbelakangan bisnis penerbitan musik pada saat itu. Mungkin Vivaldi sengaja tidak mengizinkan publikasi konsernya yang paling rumit dan sukses secara teknis, berusaha menjaga rahasia keterampilan pertunjukannya. (Kemudian, N. Paganini melakukan hal yang sama.) Penting untuk diketahui bahwa sebagian besar karya yang diterbitkan oleh Vivaldi sendiri (4, 6, 7, 9, 11, 12) terdiri dari konser biola yang paling mudah untuk dibawakan. Pengecualian adalah karya terkenal 3 dan 8: op. 3 termasuk konserto Vivaldi yang pertama kali diterbitkan dan oleh karena itu sangat penting, dengan penyebaran yang ia upayakan untuk membangun reputasinya sebagai komposer; dari 12 konser op. 8–7 memiliki nama program dan menempati tempat yang sangat istimewa dalam karya komposer.

Dua belas konserto dari op. 3, yang disebut oleh komposer "Inspirasi Harmonis" ("L"Estro Armonico"), tidak diragukan lagi telah dikenal luas jauh sebelum diterbitkan di Amsterdam (1712). Hal ini dikonfirmasi oleh salinan tulisan tangan dari konser individu yang berlokasi di banyak kota di Eropa. Fitur dari gaya dan orisinal “ Pembagian dua akord pada bagian orkestra memungkinkan kita mengetahui asal muasal siklus ini hingga awal tahun 1700-an, ketika Vivaldi bermain di Katedral St versi 8 suara - 4 biola, 2 biola, cello dan double bass dengan simbal atau organ); berkat ini, kemerduan orkestra dibagi menjadi cori (menjadi dua paduan suara), yang kemudian sangat jarang terjadi di Vivaldi Komposisi “dua paduan suara” dalam hal ini, Vivaldi mengikuti tradisi lama yang pada saat itu sudah benar-benar habis.

Atau. 3 mencerminkan tahap transisi dalam perkembangan konser instrumental, ketika teknik tradisional masih hidup berdampingan dengan tren baru. Keseluruhan karya dibagi menjadi 3 grup yang masing-masing terdiri dari 4 konser sesuai dengan jumlah biola solo yang digunakan. Ada 4 orang di grup pertama, 2 di grup kedua, dan satu di grup ketiga. Konsert untuk 4 biola, dengan satu pengecualian, tidak lagi dibuat. Kelompok konser ini, dengan potongan kecil pada bagian solo dan tutti, paling dekat dengan Concerto grosso Corelli. Konsert untuk dua biola dengan ritornellos yang lebih berkembang dalam penafsiran permulaan solo juga dalam banyak hal mengingatkan pada Corelli. Dan hanya dalam konser untuk satu biola, episode solo mendapat pengembangan yang cukup penuh.

Konsert terbaik karya ini termasuk yang paling kerap dipersembahkan. Ini adalah konsert dalam B minor untuk 4 biola, A minor untuk 2 biola, dan E mayor untuk satu biola. Musik mereka seharusnya memukau orang-orang sezamannya dengan kebaruan hidup mereka, yang diekspresikan dalam gambar-gambar yang luar biasa jelas. Saat ini, salah satu peneliti menulis tentang episode solo kedua dari belakang dari bagian ketiga dari konser ganda di A minor: “Tampaknya di aula mewah era Barok jendela dan pintu terbuka, dan alam bebas masuk bersama salam; musiknya terdengar penuh kebanggaan, kesedihan yang agung, yang belum familiar di abad ke-17: seruan warga dunia.”

Operasi publikasi. 3 menandai awal dari kontak kuat Vivaldi dengan penerbit Amsterdam, dan selama kurang dari dua dekade, hingga akhir tahun 1720-an, semua edisi seumur hidup dari konser komposer tersebut diterbitkan di Amsterdam. Beberapa dari karya ini juga memiliki judul, meskipun tidak terprogram dalam arti sebenarnya, tetapi membantu untuk memahami maksud musikal penulisnya. Rupanya, mereka mencerminkan ketertarikan para komposer terhadap asosiasi figuratif yang menjadi ciri khas periode itu. Jadi 12 konser untuk satu biola dengan iringan. 4 disebut “La Stravaganza”, yang dapat diterjemahkan sebagai “eksentrisitas, keanehan”. Judul ini, mungkin, seharusnya menekankan keberanian luar biasa pemikiran musik yang melekat dalam karya ini. 12 konserto untuk satu dan dua biola dengan iringan dari op. 9 diberi judul “Lyre” (“La Cetra”) yang tentunya melambangkan seni musik di sini. Akhirnya, operasi yang telah disebutkan. 8 dengan 7 program konsernya bertajuk “An Experience of Harmony and Fantasy” (“II Cimento dell'Armonia e dell" Inventione”), seolah-olah penulis ingin memperingatkan pendengar bahwa ini hanyalah upaya sederhana, pencarian tentatif di bidang ekspresi musik yang sampai sekarang tidak diketahui.

Penerbitan konser tersebut bertepatan dengan masa kejayaan aktivitas Vivaldi sebagai pemain biola virtuoso dan pemimpin orkestra Ospedale. Di masa dewasanya, dia adalah salah satu pemain biola paling terkenal di Eropa pada saat itu. Skor yang diterbitkan selama masa hidup musisi tidak memberikan gambaran lengkap tentang keterampilan pertunjukannya yang luar biasa, yang memainkan peran besar dalam pengembangan teknik biola. Diketahui bahwa pada masa itu masih banyak ditemukan jenis biola yang berleher pendek dan berleher kecil, sehingga tidak memungkinkan digunakan pada posisi yang tinggi. Dilihat dari kesaksian orang-orang sezamannya, Vivaldi memiliki biola dengan leher yang memanjang khusus, sehingga ia dapat dengan bebas mencapai posisi ke-12 (di salah satu cadenza konsernya, nada tertinggi adalah F tajam pada oktaf ke-4 - untuk perbandingan, kami mencatat bahwa Corelli dibatasi menggunakan posisi ke-4 dan ke-5).

Beginilah salah satu orang sezamannya menggambarkan kesan menakjubkan penampilan Vivaldi di Teatro Sant'Angelo pada tanggal 4 Februari 1715: “... menemani penyanyi di akhir pertunjukan, Vivaldi dengan sangat baik menampilkan solo, yang kemudian berubah menjadi sebuah Fantasia, yang membuatku benar-benar ngeri, karena tak seorang pun pernah mampu atau akan mampu memainkannya; Dengan kecepatan luar biasa, melakukan sesuatu yang menyerupai fugue pada keempat senar, dia mengangkat jari-jari tangan kirinya begitu tinggi pada fingerboard sehingga terpisah dari dudukannya dengan jarak yang tidak lebih besar dari ketebalan sedotan, dan tidak ada ruang tersisa untuk busur memainkan senar…” .

Meskipun mungkin dilebih-lebihkan, deskripsi ini tampaknya secara umum masuk akal, sebagaimana dikonfirmasi oleh cadenza Vivaldi yang masih ada (total, 9 manuskrip cadenza-nya diketahui). Mereka sepenuhnya mengungkapkan bakat teknis Vivaldi yang luar biasa, yang memungkinkannya memperluas kemampuan ekspresif tidak hanya pada biola, tetapi juga instrumen lainnya secara signifikan. Musiknya untuk pemain membungkuk secara kreatif menggunakan teknik teknis baru yang tersebar luas pada saat itu: memainkan akord dengan berbagai pilihan arpeggiasi, menggunakan posisi tinggi, efek membungkuk staccato, lemparan tajam, bariolage, dll. Konsernya menunjukkan bahwa dia adalah seorang pemain biola dengan a teknik membungkuk yang sangat berkembang yang tidak hanya mencakup staccato yang sederhana dan mudah menguap, tetapi juga teknik arpeggiasi yang canggih dengan bayangan yang tidak biasa pada saat itu. Imajinasi Vivaldi dalam menciptakan berbagai pilihan permainan arpeggio sepertinya tidak ada habisnya. Cukup merujuk pada Larghetto 21 bar dari gerakan kedua Concerto in B minor Op. 3, di mana tiga jenis arpeggio digunakan secara bersamaan, secara bergantian muncul ke depan.

Namun, kekuatan terbesar Vivaldi sang pemain biola tampaknya adalah mobilitas tangan kirinya yang luar biasa, yang tidak mengenal batasan dalam menggunakan posisi apa pun di fingerboard.

Keunikan gaya pertunjukan Vivaldi memberi cap orisinalitas unik pada permainan orkestra Ospedale yang dipimpinnya selama bertahun-tahun. Vivaldi mencapai kehalusan gradasi dinamis yang luar biasa, meninggalkan jauh di belakang semua yang dikenal di bidang ini di antara orang-orang sezamannya. Penting juga bahwa pertunjukan orkestra Ospedale berlangsung di sebuah gereja, di mana keheningan yang paling ketat terjadi, sehingga memungkinkan untuk membedakan sedikit pun nuansa kemerduan. (Pada abad ke-18, musik orkestra biasanya mengiringi makan malam yang bising, di mana perhatian terhadap detail dalam pertunjukan tidak diragukan lagi.) Naskah Vivaldi menunjukkan banyak sekali transisi halus dari corak kemerduan, yang biasanya tidak ditransfer oleh komposer ke musik cetak. , karena pada saat itu nuansa seperti itu dianggap tidak dapat dilaksanakan. Para peneliti karya Vivaldi telah menetapkan bahwa skala dinamis penuh karyanya mencakup 13 (!) gradasi kemerduan: dari pianissimo hingga fortissimo. Penggunaan warna seperti itu secara konsisten sebenarnya menyebabkan efek crescendo atau diminuendo - yang saat itu sama sekali tidak diketahui. (Pada paruh pertama abad ke-18, perubahan kemerduan senar memiliki karakter “seperti teras”, seperti simbal atau organ multi-manual.)

Setelah biola, cello menarik perhatian terbesar Vivaldi di antara senarnya. Warisannya mencakup 27 konserto untuk instrumen ini dengan iringan. Jumlah yang luar biasa, karena pada saat itu cello masih jarang digunakan sebagai alat musik solo. Pada abad ke-17 ia dikenal terutama sebagai instrumen kontinu dan baru pada awal abad berikutnya menjadi solois. Konser cello pertama muncul di Italia utara, di Bologna, dan tidak diragukan lagi akrab bagi Vivaldi. Berbagai konsernya membuktikan pemahaman yang sangat organik tentang sifat instrumen dan interpretasi inovatifnya. Vivaldi dengan jelas menonjolkan nada rendah cello, mengingatkan pada suara bassoon, terkadang membatasi pengiring menjadi satu kontinu untuk meningkatkan efeknya. Bagian solo dari konsernya mengandung kesulitan teknis yang signifikan, yang mengharuskan pemainnya memiliki mobilitas tangan kiri yang tinggi.

Secara bertahap, Vivaldi memperkenalkan teknik baru bermain biola ke dalam bagian cello: memperluas jumlah posisi, staccato, melempar busur, menggunakan senar yang tidak berdekatan dalam gerakan cepat, dll. Tingkat artistik yang tinggi dari cello konserto Vivaldi memungkinkan kita untuk mengurutkannya di antara contoh paling menonjol dari genre ini. Karya komposer mencakup dua periode 10 tahun, yang sangat penting untuk pengembangan instrumen baru, peringatan 10 tahun sebelum munculnya rangkaian Bach untuk cello solo (1720).

Terpesona oleh jenis senar baru, Vivaldi hampir tidak menaruh perhatian pada keluarga biola. Satu-satunya pengecualian adalah viola d'amore (lit. - viola of love), di mana ia menulis enam konser. Vivaldi tidak diragukan lagi tertarik dengan suara halus keperakan dari instrumen ini, yang diciptakan oleh nada tambahan dari senar logam resonansi (aliquot) yang direntangkan di bawah dudukannya. Viola d'amore digunakan berkali-kali sebagai instrumen solo yang sangat diperlukan dalam karya vokalnya (khususnya, dalam salah satu arias terbaik dari oratorio "Judith". Vivaldi juga memiliki satu konser untuk viola d'amore dan kecapi.

Yang menarik adalah konser Vivaldi untuk alat musik tiup - kayu dan kuningan. Di sini dia adalah salah satu orang pertama yang beralih ke jenis instrumen baru, meletakkan dasar repertoar modernnya. Dengan menciptakan musik untuk instrumen di luar lingkup praktik pertunjukannya sendiri, Vivaldi menemukan daya cipta yang tiada habisnya dalam menafsirkan kemungkinan ekspresifnya. Bahkan saat ini, konser musik tiupnya memaksakan tuntutan teknis yang serius pada para pemainnya.

Seruling digunakan dalam berbagai cara dalam karya Vivaldi. Pada awal abad ke-18, ada dua jenisnya - memanjang dan melintang. Vivaldi menulis untuk kedua jenis instrumen tersebut. Kontribusinya terhadap penciptaan repertoar seruling melintang sebagai instrumen konser tunggal sangat signifikan. Perhatikan bahwa praktis tidak ada komposisi konser untuknya. Pemain flute sering menampilkan karya yang ditujukan untuk biola atau obo. Vivaldi adalah salah satu orang pertama yang membuat konser untuk seruling melintang, yang mengungkapkan kemungkinan ekspresif dan dinamis baru dari suaranya.

Selain dua jenis instrumen utama, Vivaldi juga menulis untuk flautino, seruling yang tampaknya mirip dengan seruling piccolo modern. Vivaldi menaruh perhatian besar pada obo, yang menempati tempat terhormat di orkestra opera abad ke-17. Obo terutama sering digunakan dalam “musik terbuka”. 11 konser Vivaldi untuk obo dan orkestra serta 3 konserto untuk dua obo telah dilestarikan. Banyak di antaranya diterbitkan selama masa hidup komposer.

Dalam 3 konser untuk berbagai instrumen (“con molti Istromenti”), Vivaldi menggunakan klarinet yang saat itu masih dalam tahap percobaan pengembangannya. Klarinet juga termasuk dalam musik oratorio “Judith”.

Vivaldi menulis jumlah yang luar biasa untuk bassoon - 37 konser solo dengan iringan. Selain itu, bassoon digunakan di hampir semua konser kamar, yang biasanya dipadukan dengan timbre cello. Interpretasi bassoon dalam konser Vivaldi ditandai dengan seringnya penggunaan register rendah, padat, dan staccato cepat, yang membutuhkan teknik yang sangat berkembang dari pemainnya.

Vivaldi lebih jarang menggunakan alat musik tiup dibandingkan alat musik tiup kayu, hal ini dijelaskan oleh sulitnya menggunakannya dalam pertunjukan pada saat itu. Pada abad ke-18, tangga nada kuningan masih sebatas nada alam. Oleh karena itu, dalam konser solo, bagian brass biasanya tidak melampaui C dan D mayor, dan kontras nada yang diperlukan dipercayakan pada senar. Konserto Vivaldi untuk dua terompet dan dua konserto untuk dua terompet dan orkestra menunjukkan kemampuan luar biasa komposer untuk mengimbangi keterbatasan tangga nada alami dengan bantuan peniruan yang sering, pengulangan suara, kontras dinamis, dan teknik serupa.

Pada bulan Desember 1736, dua konser Vivaldi untuk satu dan dua mandolin dan orkestra muncul. Berkat orkestrasi transparan dengan pizzicatos yang sering, mereka mencapai kesatuan organik dengan timbre instrumen solo, penuh dengan keindahan suara yang mempesona. Mandolin menarik perhatian Vivaldi dengan timbre warna-warni dan sebagai instrumen pengiring. Dalam salah satu arias oratorio Judith, mandolin digunakan sebagai instrumen wajib. Bagian dari dua mandolin dimasukkan dalam musik konser yang dilakukan di Ospedale pada tahun 1740.

Di antara instrumen petik lainnya, Vivaldi menggunakan kecapi, menggunakannya dalam dua konsernya. (Saat ini, bagian kecapi biasanya dimainkan pada gitar.)

Menjadi pemain biola berdasarkan panggilan, Vivaldi sang komposer pada dasarnya selalu mengikuti pola biola cantilena. Tidak mengherankan jika dia hampir tidak pernah menggunakan keyboard sebagai instrumen solo, meskipun dia selalu mempertahankan fungsi continue untuk instrumen tersebut. Pengecualian adalah Concerto in C mayor untuk beberapa instrumen dengan dua simbal solo. Vivaldi sangat tertarik pada instrumen keyboard lainnya - organ, dengan palet warna dan suaranya yang kaya. Terdapat enam konsert Vivaldi yang terkenal dengan organ solo.

Terpesona oleh beragam kemungkinan bentuk baru konser solo, Vivaldi berusaha menggunakannya dalam karya ansambel berbagai komposisi. Dia banyak menulis untuk dua atau lebih instrumen dengan iringan orkestra - total 76 konser semacam ini diketahui. Berbeda dengan Concerto grosso, dengan grup biasa yang terdiri dari tiga solois - dua biola dan basso continuo, karya-karya ini mewakili jenis konser ansambel yang benar-benar baru. Bagian solonya menggunakan kelompok instrumen yang komposisi dan jumlahnya sangat beragam, termasuk maksimal sepuluh peserta; dalam perkembangannya solois individu mengemuka atau bentuk dialog instrumental mendominasi.

Vivaldi juga berulang kali beralih ke jenis konser orkestra, yang didominasi oleh kemerduan tutti, hanya diselingi dengan penampilan solois individu. Ada 47 karya semacam ini yang dikenal, yang ide-idenya jauh lebih maju dari zamannya. Dia memberikan berbagai judul untuk konser orkestranya, menamakannya sebagai "Sinfonia", "Concerto", "Concerto a quattro" (empat bagian) atau "Concerto ripieno" (tutti).

Banyaknya konser orkestra oleh Vivaldi menunjukkan ketertarikannya yang terus-menerus pada genre jenis ini. Rupanya, karyanya di Ospedale memaksanya untuk sering menggunakan bentuk pembuatan musik serupa yang tidak memerlukan solois kelas satu.

Terakhir, grup khusus terdiri dari konser kamar Vivaldi untuk beberapa solois tanpa iringan orkestra. Mereka dengan cerdik memanfaatkan kemungkinan untuk menggabungkan instrumen-instrumen yang berbeda sifatnya. Di antara 15 karya semacam ini, sudah disebutkan 4 konserto dari 10 edisi pertama.

Perkembangan konser tunggal (terutama konser biola) merupakan jasa A. Vivaldi yang bidang kreativitas utamanya adalah musik instrumental. Di antara banyak konsertnya, konsert untuk satu atau dua biola dan orkestra menduduki tempat utama.

Vivaldi membuat perolehan penting dalam bidang pengembangan tematik dan bentuk komposisi. Pada bagian pertama konsernya, ia akhirnya mengembangkan dan membentuk bentuk yang mirip dengan rondo, yang kemudian diadopsi oleh I.S. Bach, serta komposer klasik.

Vivaldi berkontribusi pada pengembangan teknik biola virtuoso, menciptakan gaya pertunjukan baru yang dramatis. Gaya musik Vivaldi dibedakan oleh kemurahan hati melodi, suara dinamis dan ekspresif, transparansi penulisan orkestra, harmoni klasik dipadukan dengan kekayaan emosional.

Referensi

Harnoncourt N. Program musik – Vivaldi konserto op. 8 [Teks] / N. Harnocourt // Musik Soviet. – 1991. – No.11. – Hal.92-94.
Beletsky I.V.. Antonio Vivaldi [Teks]: sketsa singkat kehidupan dan karya / I. V. Beletsky. – L.: Musik, 1975. – 87 hal.
Zeyfas N. Seorang lelaki tua dengan hasrat luar biasa yang tiada habisnya terhadap komposisi [Teks] / N. Zeyfas // musik Soviet. – 1991. – Nomor 11. – Hal.90-91.
Zeyfas N. Concerto grosso dalam karya Handel [Teks] / N. Zeifas. – M.: Muzyka, 1980. – 80 hal.
Livanova T. Sejarah musik Eropa Barat hingga tahun 1789 [Teks]. Dalam 2 volume. T. 1. Sampai abad ke-18 / T. Livanova. – Edisi ke-2, direvisi.
dan tambahan – M.: Muzyka, 1983. – 696 hal. Lobanova M.Sejarah pertemuanLobanova M
. Barok Eropa Barat: masalah estetika dan puisi [Teks] / M. Lobanova. – M.: Muzyka, 1994. – 317 hal. Raaben L
. Musik Barok [Teks] / L. Raaben // Pertanyaan tentang gaya musik / Universitas Negeri Leningrad. Institut Teater, Musik dan Sinematografi. – Leningrad, 1978. – Hal.4-10. Rosenschild K
. Sejarah musik asing [Teks]: buku teks untuk pemain. palsu. konservatori. Masalah 1. Sampai pertengahan abad ke-18 / K. Rosenschild. – M.: Muzyka, 1969. – 535 hal. Solovtsov A.A.

. Konser [Teks]: literatur sains populer / A. A. Solovtsov. – Edisi ke-3, tambahkan. – M.: Muzgiz, 1963. – 60 hal.

Pada tanggal 18 September 1693, Vivaldi diangkat menjadi biksu, dan pada tanggal 23 Maret 1703, ia ditahbiskan. Pada saat yang sama, pemuda tersebut terus tinggal di rumah (mungkin karena penyakit yang serius), yang memberinya kesempatan untuk tidak melepaskan studi musiknya. Vivaldi dijuluki “biksu merah” karena warna rambutnya. Diyakini bahwa pada tahun-tahun ini dia tidak terlalu bersemangat menjalankan tugasnya sebagai pendeta. Banyak sumber menceritakan kembali sebuah cerita (mungkin apokrif, tetapi mengungkapkan) tentang bagaimana suatu hari selama kebaktian, “biksu berambut merah” buru-buru meninggalkan altar untuk menuliskan tema fugue yang tiba-tiba muncul di benaknya. Bagaimanapun juga, hubungan Vivaldi dengan kalangan klerus terus memburuk, dan tak lama kemudian, dengan alasan kesehatannya yang buruk, ia secara terbuka menolak merayakan Misa.

Bahkan sebelum pengangkatan barunya, Vivaldi telah memantapkan dirinya tidak hanya sebagai guru, tetapi juga sebagai komposer (terutama penulis musik sakral). Sejalan dengan karyanya di Pieta, Vivaldi mencari peluang untuk menerbitkan karya sekulernya. 12 trio sonata op. 1 diterbitkan pada tahun 1706; pada tahun 1711 koleksi konser biola paling terkenal “Harmonic Inspiration” op. 3; pada tahun 1714 - koleksi lain yang disebut "Extravagance" op. 4. Konser biola Vivaldi segera dikenal luas di Eropa Barat dan khususnya di Jerman. I. Quantz, I. Mattheson menunjukkan minat yang besar pada mereka, J. S. Bach yang Agung “untuk kesenangan dan pengajaran” secara pribadi mengatur 9 konser biola Vivaldi untuk clavier dan organ. Pada tahun yang sama, Vivaldi menulis opera pertamanya “Ottone” (1713), “Orlando” (1714), “Nero” (1715). Pada tahun 1718-20 dia tinggal di Mantua, di mana dia terutama menulis opera untuk musim karnaval, serta karya instrumental untuk istana bangsawan Mantuan.

Pada tahun 1725, salah satu karya komposer yang paling terkenal diterbitkan, dengan subjudul “An Experience in Harmony and Invention” (op. 8). Seperti sebelumnya, koleksinya terdiri dari konser biola (ada 12 buah). 4 konser pertama dari karya ini diberi nama oleh komposernya masing-masing, "Musim Semi", "Musim Panas", "Musim Gugur" dan "Musim Dingin". Dalam praktik pertunjukan modern, mereka sering digabungkan ke dalam siklus “Musim” (dalam bahasa aslinya tidak ada judul seperti itu). Rupanya, Vivaldi tidak puas dengan pendapatan dari penerbitan konsernya, dan pada tahun 1733 ia mengumumkan kepada seorang pengelana Inggris E. Holdsworth niatnya untuk menolak publikasi lebih lanjut, karena, tidak seperti salinan cetak, salinan tulisan tangan lebih mahal. Faktanya, sejak itu, tidak ada lagi karya orisinal baru Vivaldi yang muncul.

Akhir 20an - 30an. sering disebut “perjalanan bertahun-tahun” (sebelumnya ke Wina dan Praha). Pada bulan Agustus 1735, Vivaldi kembali ke jabatan konduktor orkestra Pieta, tetapi komite manajemen tidak menyukai hasrat bawahannya untuk bepergian, dan pada tahun 1738 komposer tersebut dipecat. Pada saat yang sama, Vivaldi terus bekerja keras dalam genre opera (salah satu pustakawannya adalah C. Goldoni yang terkenal), sementara ia lebih suka berpartisipasi secara pribadi dalam produksi. Namun, pertunjukan opera Vivaldi tidak terlalu sukses, terutama setelah sang komposer kehilangan kesempatan untuk bertindak sebagai sutradara opera di teater Ferrara karena larangan kardinal memasuki kota (komposer dituduh menjalin hubungan asmara dengan Anna Giraud, mantan muridnya, dan menolak "biksu merah" untuk melayani misa). Akibatnya, pemutaran perdana opera di Ferrara gagal.

Pada tahun 1740, tak lama sebelum kematiannya, Vivaldi melakukan perjalanan terakhirnya ke Wina. Alasan kepergiannya yang tiba-tiba tidak jelas. Dia meninggal di rumah janda seorang pelana Wina bernama Waller dan dimakamkan dalam kemiskinan. Segera setelah kematiannya, nama guru yang luar biasa itu dilupakan. Hampir 200 tahun kemudian, di tahun 20-an. abad XX Ahli musik Italia A. Gentili menemukan koleksi unik manuskrip komposer (300 konser, 19 opera, karya vokal sakral dan sekuler). Mulai saat ini, kebangkitan sejati kejayaan Vivaldi dimulai. Penerbit musik Ricordi mulai menerbitkan karya lengkap sang komposer pada tahun 1947, dan perusahaan Philips baru-baru ini mulai menerapkan rencana yang sama besarnya - menerbitkan "segalanya" Vivaldi dalam rekaman. Di negara kita, Vivaldi adalah salah satu komposer yang paling sering tampil dan paling dicintai. Warisan kreatif Vivaldi sungguh luar biasa. Menurut katalog tematik-sistematis resmi oleh Peter Riom (sebutan internasional - RV), katalog ini mencakup lebih dari 700 judul. Tempat utama dalam karya Vivaldi ditempati oleh konser instrumental (totalnya ada sekitar 500 yang dilestarikan). Instrumen favorit komposer adalah biola (sekitar 230 konser). Selain itu, ia menulis konserto untuk dua, tiga dan empat biola dengan orkestra dan basso lanjutan, konserto untuk viola d'amore, cello, mandolin, seruling memanjang dan melintang, oboe, bassoon. Ada lebih dari 60 konser untuk orkestra gesek dan lanjutan basso, sonata untuk berbagai instrumen. Dari lebih dari 40 opera (penulis Vivaldi telah diketahui secara akurat), hanya setengahnya yang bertahan. Yang kurang populer (tetapi tidak kalah menarik) adalah banyak karya vokalnya - kantata, oratorio, karya teks spiritual (mazmur, litani, "Gloria", dll.).

Banyak karya instrumental Vivaldi memiliki subtitle terprogram. Beberapa di antaranya mengacu pada pemain pertama (Carbonelli Concerto, RV 366), yang lain mengacu pada festival di mana komposisi ini atau itu dibawakan untuk pertama kalinya (“Untuk Pesta St. Lorenzo”, RV 286). Sejumlah subpos menunjukkan beberapa detail teknik pertunjukan yang tidak biasa (dalam konser bertajuk “L’ottavina”, RV 763, semua biola solo harus dimainkan pada oktaf atas). Judul yang paling khas adalah judul yang mencirikan suasana hati yang ada - "Istirahat", "Kecemasan", "Kecurigaan" atau "Inspirasi Harmonis", "Sitar" (dua yang terakhir adalah nama koleksi konser biola). Pada saat yang sama, bahkan dalam karya-karya yang judulnya seolah-olah menunjukkan momen gambar eksternal (“Storm at Sea”, “Goldfinch”, “Hunting”, dll.), hal utama bagi komposer selalu tetap pengalihan lirik umum suasana hati. Skor “The Seasons” disediakan dengan program yang relatif luas. Semasa hidupnya, Vivaldi menjadi terkenal sebagai penikmat orkestra yang luar biasa, penemu banyak efek warna, dan dia melakukan banyak hal untuk mengembangkan teknik bermain biola.

S.Lebedev

Karya-karya luar biasa A. Vivaldi memiliki ketenaran yang luar biasa di seluruh dunia. Ansambel terkenal kontemporer (Orkestra Kamar Moskow dipimpin oleh R. Barshai, Roman Virtuosi, dll.) mencurahkan malam hari untuk karyanya dan, mungkin, setelah Bach dan Handel, Vivaldi adalah komposer paling populer di era musik Barok. Saat ini tampaknya ia telah menerima kehidupan kedua.

Dia menikmati ketenaran yang luas selama hidupnya dan merupakan pencipta konser instrumental solo. Perkembangan genre ini di semua negara sepanjang periode pra-klasik dikaitkan dengan karya Vivaldi. Konserto Vivaldi menjadi model untuk Bach, Locatelli, Tartini, Leclerc, Benda dan lain-lain. Bach mengaransemen 6 konserto biola Vivaldi untuk clavier, membuat konser organ dari 2 dan mengerjakan ulang satu untuk 4 clavier.

“Pada saat Bach berada di Weimar, seluruh dunia musik mengagumi orisinalitas konser Bach (yaitu Vivaldi - L.R.). Bach mengaransemen ulang konserto Vivaldi bukan untuk membuatnya dapat diakses oleh kalangan yang lebih luas, dan bukan untuk belajar darinya, tetapi hanya karena hal itu memberinya kesenangan. Dia pasti mendapat manfaat dari Vivaldi. Dia belajar darinya kejelasan dan keselarasan konstruksi. teknik biola yang sempurna berdasarkan melodi..."

Namun, karena sangat populer pada paruh pertama abad ke-18, Vivaldi kemudian hampir dilupakan. “Sementara setelah kematian Corelli,” tulis Pencherl, “ingatan tentang dia menjadi semakin kuat dan menghiasi selama bertahun-tahun, Vivaldi, yang hampir kurang terkenal selama hidupnya, benar-benar menghilang setelah beberapa tahun, baik secara material maupun spiritual. Ciptaannya dihapus dari program, bahkan ciri-ciri penampilannya pun terhapus dari ingatan. Yang ada hanya spekulasi mengenai tempat dan tanggal kematiannya. Untuk waktu yang lama, kamus hanya mengulang sedikit informasi tentang dia, penuh dengan hal-hal biasa dan penuh dengan kesalahan…”

Sampai saat ini, Vivaldi hanya menarik perhatian para sejarawan. Di sekolah musik, pada tahap awal pelatihan, mereka mempelajari 1-2 konsernya. Pada pertengahan abad ke-20, perhatian terhadap karyanya meningkat pesat, dan minat terhadap fakta biografinya meningkat. Namun kita masih tahu sedikit tentang dia.

Gagasan tentang warisannya, yang sebagian besar masih belum jelas, sepenuhnya salah. Baru pada tahun 1927-1930, komposer dan peneliti Turin Alberto Gentili berhasil menemukan sekitar 300 (!) tanda tangan Vivaldi, yang merupakan milik keluarga Durazzo dan disimpan di vila Genoa mereka. Di antara manuskrip tersebut terdapat 19 opera, sebuah oratorio dan beberapa jilid karya gereja dan instrumental Vivaldi. Koleksi ini didirikan oleh Pangeran Giacomo Durazzo, seorang dermawan, sejak tahun 1764, utusan Austria untuk Venesia, di mana, selain kegiatan politik, ia juga terlibat dalam pengumpulan sampel seni.

Sesuai dengan wasiat Vivaldi, karya-karya tersebut tidak boleh dipublikasikan, tetapi Gentili berhasil memindahkannya ke Perpustakaan Nasional dan dengan demikian mempublikasikannya. Ilmuwan Austria Walter Collender mulai mempelajarinya, mengklaim bahwa Vivaldi beberapa dekade lebih maju dari perkembangan musik Eropa dalam penggunaan dinamika dan teknik bermain biola yang murni teknis.

Berdasarkan data terakhir, diketahui Vivaldi menulis 39 opera, 23 kantata, 23 simfoni, banyak karya gereja, 43 aria, 73 sonata (trio dan solo), 40 konser grossi; 447 konser solo untuk berbagai instrumen: 221 untuk biola, 20 untuk cello, 6 untuk viola damour, 16 untuk seruling, 11 untuk oboe, 38 untuk bassoon, konserto untuk mandolin, terompet, terompet dan untuk komposisi campuran: kayu dengan biola, untuk 2 - x biola dan kecapi, 2 seruling, obo, klakson Inggris, 2 terompet, biola, 2 biola, kuartet busur, 2 simbal, dll.

Tanggal lahir pasti Vivaldi tidak diketahui. Pencherl hanya memberikan perkiraan tanggal - sedikit lebih awal dari tahun 1678. Ayahnya Giovanni Battista Vivaldi adalah seorang pemain biola di Kapel Ducal St. Louis. Merek di Venesia, dan pemain kelas satu. Kemungkinan besar, putranya menerima pendidikan biola ayahnya, dan belajar komposisi dengan Giovanni Legrenzi, yang mengepalai sekolah biola Venesia pada paruh kedua abad ke-17 dan merupakan komposer yang luar biasa, terutama di bidang musik orkestra. Rupanya dari dia Vivaldi mewarisi hasratnya untuk bereksperimen dengan komposisi instrumental.

Di usia muda, Vivaldi memasuki kapel yang sama tempat ayahnya bekerja sebagai pemimpin, dan kemudian menggantikannya di posisi tersebut.

Namun, karir musik profesionalnya segera dilengkapi dengan karir spiritual - Vivaldi menjadi seorang pendeta. Ini terjadi pada tanggal 18 September 1693. Hingga tahun 1696, ia menjadi pendeta junior, dan menerima hak imam penuh pada tanggal 23 Maret 1703. "Pendeta berambut merah" - Vivaldi dipanggil secara mengejek di Venesia, dan julukan ini tetap melekat padanya sepanjang hidupnya.

Setelah menerima imamat, Vivaldi tidak menghentikan studi musiknya. Secara umum, ia tidak lama terlibat dalam pelayanan gereja - hanya satu tahun, setelah itu ia dilarang beribadah misa. Para penulis biografi memberikan penjelasan yang lucu mengenai fakta ini: “Suatu hari Vivaldi sedang merayakan misa, dan tiba-tiba tema fugue muncul di benaknya; meninggalkan altar, dia pergi ke sakristi untuk menuliskan tema ini, dan kemudian kembali ke altar. Sebuah kecaman menyusul, tetapi Inkuisisi, yang menganggapnya seorang musisi, seolah-olah gila, membatasi dirinya untuk melarang dia melakukan misa di masa depan.”

Vivaldi membantah kasus tersebut dan menjelaskan larangan kebaktian di gereja karena kondisinya yang menyakitkan. Pada tahun 1737, ketika dia dijadwalkan tiba di Ferrara untuk mementaskan salah satu operanya, nuncio kepausan Ruffo melarang dia memasuki kota, dengan alasan, antara lain, bahwa dia tidak merayakan misa. Kemudian Vivaldi menulis surat (16 November 1737) kepada pelindungnya, Marquis Guido Bentivoglio: “Selama 25 tahun sekarang saya tidak melayani misa dan tidak akan pernah melayaninya di masa depan, tetapi bukan karena larangan, seperti yang mungkin dilakukan oleh Yang Mulia. telah diberitahu, namun akibatnya keputusanku sendiri disebabkan oleh penyakit yang telah menindasku sejak aku dilahirkan. Ketika saya ditahbiskan menjadi imam, saya merayakan Misa selama setahun atau kurang lebih setahun, kemudian berhenti melakukannya, terpaksa meninggalkan altar sebanyak tiga kali tanpa menyelesaikannya karena sakit. Akibatnya saya hampir selalu tinggal di rumah dan bepergian hanya dengan kereta atau gondola, karena saya tidak bisa berjalan karena penyakit dada, atau lebih tepatnya dada sesak. Tidak ada satupun bangsawan yang mengundangku ke rumahnya, bahkan pangeran kami pun tidak, karena semua orang tahu tentang penyakitku. Setelah makan biasanya saya bisa jalan-jalan, tapi tidak pernah jalan kaki. Inilah alasan mengapa saya tidak merayakan misa.” Surat itu menarik karena berisi beberapa detail sehari-hari dari kehidupan Vivaldi, yang tampaknya berjalan sendirian di dalam rumahnya sendiri.

Terpaksa meninggalkan karir gerejanya, Vivaldi pada bulan September 1703 memasuki salah satu konservatori Venesia, yang disebut “Seminari Musik Rumah Kesalehan yang Ramah”, dengan posisi “maestro biola”, dengan gaji 60 dukat per tahun. Konservatorium pada masa itu merupakan tempat penampungan anak (rumah sakit) yang terhubung dengan gereja. Di Venesia ada empat untuk anak perempuan, di Naples empat untuk anak laki-laki.

Pelancong Prancis terkenal de Brosses meninggalkan deskripsi berikut tentang konservatori Venesia: “Musik rumah sakit di sini sangat bagus. Jumlahnya ada empat, dan diisi oleh anak-anak haram, serta anak-anak yatim piatu atau orang tua yang tidak sanggup membesarkannya. Mereka dibesarkan dengan biaya negara dan diajarkan terutama musik. Mereka bernyanyi seperti bidadari, memainkan biola, seruling, organ, obo, cello, bassoon; singkatnya, tidak ada alat musik rumit yang bisa membuat mereka takut. 40 gadis ambil bagian dalam setiap konser. Saya bersumpah kepada Anda, tidak ada yang lebih menarik daripada melihat seorang biarawati muda dan cantik, berpakaian putih, dengan karangan bunga delima di telinganya, berdetak waktu dengan segala keanggunan dan ketepatan.”

J.-J. menulis dengan antusias tentang musik konservatori (terutama di Mendicanti - gereja pengemis). Russo: “Pada hari Minggu di gereja-gereja dari keempat Scuole ini, selama Vesper, paduan suara dan orkestra lengkap menampilkan motet yang disusun oleh komposer terhebat Italia, di bawah arahan pribadi mereka, dibawakan secara eksklusif oleh gadis-gadis muda, yang tertua di antaranya bukan bahkan dua puluh tahun. Mereka berada di tribun penonton di balik jeruji besi. Baik Carrio maupun saya tidak pernah melewatkan malam-malam ini di Mendicanti. Namun aku menjadi putus asa karena jeruji terkutuk ini, yang hanya membiarkan suara masuk dan menyembunyikan wajah para bidadari cantik yang pantas menerima suara-suara ini. Saya baru saja membicarakan hal ini. Saya pernah mengatakan hal yang sama kepada M. de Blon.”

De Blon, yang berasal dari administrasi konservatori, memperkenalkan Rousseau kepada para penyanyi. “Kemarilah, Sofia,” dia sangat buruk. “Kemarilah, Kattina,” salah satu matanya bengkok. “Ayo, Bettina,” wajahnya rusak karena cacar.” Namun, “keburukan tidak mengesampingkan pesona, dan mereka memilikinya,” tambah Rousseau.

Setelah memasuki Conservatory of Piety, Vivaldi mendapat kesempatan untuk bekerja dengan orkestra lengkap di sana (dengan alat musik tiup dan organ), yang dianggap yang terbaik di Venesia.

Venesia, kehidupan musik dan teater serta konservatorinya dapat dinilai dari kalimat menyentuh hati berikut oleh Romain Rolland: “Venesia pada saat itu adalah ibu kota musik Italia. Di sana, selama karnaval, ada pertunjukan setiap malam di tujuh gedung opera. Setiap malam Akademi Musik bertemu, yaitu pertemuan musik berlangsung, dan terkadang ada dua atau tiga pertemuan seperti itu per malam. Perayaan musik diadakan di gereja-gereja setiap hari, konser berlangsung beberapa jam dengan partisipasi beberapa orkestra, beberapa organ dan beberapa paduan suara yang saling tumpang tindih. Pada hari Sabtu dan Minggu, kebaktian malam yang terkenal disajikan di rumah sakit, konservatori wanita ini, di mana mereka mengajarkan musik kepada anak yatim piatu, anak perempuan terlantar, atau sekadar anak perempuan dengan suara yang indah; mereka mengadakan konser orkestra dan vokal, yang membuat seluruh Venesia menjadi gila…”

Pada akhir tahun pertama pengabdiannya, Vivaldi menerima gelar “maestro paduan suara”; promosi selanjutnya tidak diketahui, yang pasti ia menjabat sebagai guru biola dan menyanyi, dan juga, sesekali, sebagai guru seorang pemimpin orkestra dan komposer.

Pada tahun 1713, dia mendapat cuti dan, menurut sejumlah penulis biografi, melakukan perjalanan ke Darmstadt, di mana selama tiga tahun dia bekerja di kapel Duke of Darmstadt. Namun, Pencherl mengklaim bahwa Vivaldi tidak melakukan perjalanan ke Jerman, tetapi bekerja di Mantua, di kapel sang duke, bukan pada tahun 1713, tetapi dari tahun 1720 hingga 1723. Pencherl membuktikan hal ini dengan merujuk pada surat dari Vivaldi, yang menulis: “Di Mantua saya melayani Pangeran Darmstadt yang saleh selama tiga tahun,” dan menentukan lama tinggalnya di sana dengan fakta bahwa gelar maestro dari kapel adipati muncul di halaman judul karya cetak Vivaldi hanya setelahnya 1720 tahun.

Dari tahun 1713 hingga 1718, Vivaldi tinggal di Venesia hampir terus menerus. Saat ini, opera-operanya dipentaskan hampir setiap tahun, yang pertama pada tahun 1713.

Pada tahun 1717, ketenaran Vivaldi meningkat pesat. Pemain biola terkenal Jerman Johann Georg Pisendel datang untuk belajar bersamanya. Secara umum, Vivaldi terutama melatih pemain untuk orkestra konservatori, dan tidak hanya instrumentalis, tetapi juga penyanyi.

Cukuplah dikatakan bahwa dia adalah pengajar penyanyi opera besar seperti Anna Giraud dan Faustina Bodoni. “Dia melatih seorang penyanyi bernama Faustina, yang memaksanya untuk menirukan dengan suaranya segala sesuatu yang dapat dilakukan pada masanya dengan biola, seruling, dan obo.”

Vivaldi menjadi sangat bersahabat dengan Pisendel. Pencherl memberikan cerita berikut oleh I. Giller. Suatu hari Pisendel sedang berjalan di sepanjang jalan St. Cap dengan tulisan "Pendeta berambut merah". Tiba-tiba dia menyela pembicaraan dan diam-diam memerintahkan untuk segera pulang. Sesampainya di rumah, dia menjelaskan alasan kepulangannya yang tiba-tiba: lama sekali, empat orang berkumpul mengikuti dan menyaksikan Pisendel muda. Vivaldi menanyakan apakah muridnya telah mengucapkan kata-kata tercela di mana pun, dan meminta agar dia tidak meninggalkan rumah sampai dia sendiri yang mengklarifikasi masalah tersebut. Vivaldi bertemu dengan inkuisitor dan mengetahui bahwa Pisendel telah dikira sebagai orang mencurigakan yang mirip dengannya.

Dari tahun 1718 hingga 1722, Vivaldi tidak tercantum dalam dokumen Conservatory of Piety, yang menegaskan kemungkinan kepergiannya ke Mantua. Pada saat yang sama, ia secara berkala muncul di kampung halamannya, di mana opera-operanya terus dipentaskan. Dia kembali ke konservatori pada tahun 1723, tetapi sebagai komposer terkenal. Dalam kondisi baru, ia diwajibkan menulis 2 konser sebulan, dengan bayaran payet per konser, dan melakukan 3-4 latihan untuk itu. Dalam memenuhi tugasnya tersebut, Vivaldi memadukannya dengan perjalanan jauh dan jauh. “Selama 14 tahun sekarang,” tulis Vivaldi pada tahun 1737, “Saya, bersama Anna Giraud, telah melakukan perjalanan melalui banyak kota di Eropa. Saya menghabiskan tiga musim karnaval di Roma karena opera. Saya diundang ke Wina." Di Roma dia adalah komposer paling populer, gaya operanya ditiru oleh semua orang. Di Venesia pada tahun 1726, ia bertindak sebagai konduktor orkestra di Teater St. Louis. Angelo, rupanya pada tahun 1728, berangkat ke Wina. Kemudian menyusul tiga tahun tanpa data apa pun. Dan lagi, beberapa perkenalan tentang produksi opera-operanya di Venesia, Florence, Verona, Ancona tidak banyak menjelaskan keadaan hidupnya. Secara paralel, dari tahun 1735 hingga 1740, pengabdiannya di Conservatory of Piety berlanjut.

Tanggal pasti kematian Vivaldi tidak diketahui. Kebanyakan sumber menyebutkan tahun 1743.

Lima potret komposer hebat masih ada. Tampaknya yang paling awal dan paling dapat diandalkan adalah milik P. Ghezzi dan berasal dari tahun 1723. Profil "pendeta merah" digambarkan setinggi dada. Dahi agak miring, rambut panjang keriting, dagu lancip, tatapan lincah penuh kemauan dan rasa ingin tahu.

Vivaldi sakit parah. Dalam suratnya kepada Marquis Guido Bentivolio (16 November 1737), ia menulis bahwa ia terpaksa melakukan perjalanan dengan ditemani 4-5 orang - dan semua itu karena kondisi yang menyakitkan. Namun, penyakit tidak menghalanginya untuk beraktivitas secara maksimal. Dia bepergian tanpa henti, mengarahkan produksi opera sendiri, mendiskusikan peran dengan penyanyi, berjuang melawan keinginan mereka, melakukan korespondensi ekstensif, memimpin orkestra, dan berhasil menulis banyak sekali karya. Dia sangat praktis dan tahu bagaimana mengatur urusannya sendiri. Ironisnya, De Brosse berkata: “Vivaldi menjadi salah satu teman dekat saya untuk menjual konsernya kepada saya dengan harga lebih tinggi.” Dia bersujud kepada penguasa, dengan hati-hati memilih pelindung, dan sangat religius, meskipun dia sama sekali tidak ingin menghilangkan kesenangan duniawi. Menjadi seorang pendeta Katolik, dan menurut hukum agama ini, kehilangan kesempatan untuk menikah, selama bertahun-tahun dia menjalin hubungan cinta dengan muridnya, penyanyi Anna Giraud. Kedekatan mereka menyebabkan masalah besar bagi Vivaldi. Oleh karena itu, utusan kepausan di Ferrara pada tahun 1737 menolak masuknya Vivaldi ke kota tersebut bukan hanya karena ia dilarang melakukan kebaktian gereja, tetapi sebagian besar karena kedekatannya yang tercela ini. Penulis drama terkenal Italia Carlo Goldoni menulis bahwa Giraud jelek, tetapi menarik - dia memiliki pinggang yang tipis, mata dan rambut yang indah, mulut yang menawan, memiliki suara yang lemah dan bakat panggung yang tidak diragukan lagi.

Deskripsi terbaik tentang kepribadian Vivaldi terdapat dalam Memoar Goldoni.

Suatu hari Goldoni diminta untuk melakukan beberapa perubahan pada teks libretto opera “Griselda” dengan musik oleh Vivaldi, yang produksinya sedang dipersiapkan di Venesia. Untuk tujuan ini, dia pergi ke apartemen Vivaldi. Komposer menerimanya dengan buku doa di tangannya, di sebuah ruangan yang penuh dengan lembaran musik. Dia sangat terkejut bahwa alih-alih pustakawan lama Lalli, Goldoni yang harus melakukan perubahan.

“Saya tahu betul, Tuanku, bahwa Anda mempunyai bakat puitis; Saya menonton "Belisarius" Anda, yang sangat saya sukai, tetapi ini benar-benar berbeda: Anda dapat membuat tragedi, puisi epik, jika Anda mau, dan tetap tidak dapat mengatasi kuatrain untuk dijadikan musik.
- Beri saya kesenangan untuk mengenal permainan Anda.
- Tolong, tolong, dengan senang hati. Dimana aku menaruh “Griselda”? Dia ada di sini. Deus, di adjutorium meum niat, Domine, Domine, Domine. (Tuhan, datanglah kepadaku! Tuhan, Tuhan, Tuhan). Dia sudah dekat. Domine adjuvandum (Tuhan, tolong). Ah, ini dia, lihat pak, adegan antara Gualtiere dan Griselda ini, ini adegan yang sangat menarik dan mengharukan. Penulis mengakhirinya dengan aria yang menyedihkan, namun Signorina Giraud tidak menyukai lagu-lagu yang membosankan, ia menginginkan sesuatu yang ekspresif, menggairahkan, aria yang mengungkapkan gairah dengan cara yang berbeda-beda, misalnya kata-kata yang disela oleh desahan, dengan tindakan, gerakan. Saya tidak tahu apakah Anda memahami saya?
- Iya pak, saya sudah paham, lagi pula saya sudah mendapat kehormatan mendengarkan Signorina Giraud, dan saya tahu suaranya tidak kuat.
- Bagaimana, Pak, Anda menghina murid saya? Semuanya dapat diakses olehnya, dia menyanyikan segalanya.
- Ya, tuan, Anda benar; berikan aku bukunya dan biarkan aku mulai bekerja.
- Tidak pak, saya tidak bisa, saya membutuhkannya, saya sangat khawatir.
- Baiklah, jika Pak, Anda begitu sibuk, berikan waktu satu menit kepada saya dan saya akan segera memuaskan Anda.
- Langsung?
- Ya, Pak, segera.
Kepala biara, sambil terkekeh, memberi saya permainan, kertas, dan wadah tinta, kembali mengambil buku doanya dan, sambil berjalan, membaca mazmur dan himnenya. Saya membaca adegan yang sudah saya ketahui, mengingat keinginan sang musisi, dan dalam waktu kurang dari seperempat jam saya membuat sketsa di atas kertas sebuah aria yang terdiri dari 8 bait, dibagi menjadi dua bagian. Saya menelepon orang spiritual saya dan menunjukkan kepadanya pekerjaan saya. Vivaldi membaca, dahinya menjadi halus, dia membaca ulang, mengucapkan seruan gembira, melemparkan misanya ke lantai dan memanggil Signorina Giraud. Dia muncul; Nah, katanya, ini orang yang langka, ini penyair yang hebat: baca aria ini; Penanda tangan berhasil melakukannya tanpa meninggalkan tempat duduknya dalam waktu seperempat jam; lalu menoleh padaku: ah, pak, permisi. “Dan dia memelukku, bersumpah mulai sekarang aku akan menjadi satu-satunya penyairnya.”

Pencherl mengakhiri karyanya yang didedikasikan untuk Vivaldi dengan kata-kata berikut: “Beginilah tampilan Vivaldi di hadapan kita ketika kita menggabungkan semua informasi individu tentang dia: diciptakan dari kontras, lemah, sakit, namun hidup seperti bubuk mesiu, siap untuk merasa kesal dan segera tenang, beralih dari kesombongan duniawi ke kesalehan takhayul, keras kepala dan sekaligus akomodatif bila diperlukan, seorang mistikus, tetapi siap turun ke bumi jika menyangkut kepentingannya, dan sama sekali tidak bodoh dalam mengatur urusannya. .”

Dan betapa semua ini cocok dengan musiknya! Di dalamnya, kesedihan luhur gaya gereja berpadu dengan semangat hidup yang tak tertahankan, keagungan bercampur dengan keseharian, abstrak dengan konkrit. Konsernya menampilkan fugue yang tegas, adagio agung yang menyedihkan dan, bersamaan dengan itu, lagu-lagu orang biasa, lirik yang datang dari hati, dan tarian ceria. Dia menulis karya terprogram - siklus terkenal "The Seasons" dan melengkapi setiap konser dengan bait-bait pedesaan yang tidak penting bagi kepala biara:

Musim semi telah tiba, diumumkan dengan sungguh-sungguh.
Tariannya yang meriah, dan lagunya bergema di pegunungan.
Dan arus sungai mengoceh menyambutnya.
Angin Zephyr membelai seluruh alam.

Tapi tiba-tiba hari menjadi gelap, kilat menyambar,
Pertanda musim semi - guntur menyapu pegunungan
Dan tak lama kemudian dia terdiam; dan lagu burung lark,
Dengan suara biru, mereka bergegas melewati lembah.

Dimana hamparan bunga menutupi lembah,
Dimana pohon dan daun gemetar tertiup angin,
Dengan seekor anjing di kakinya, si anak gembala bermimpi.

Dan lagi-lagi Pan bisa mendengarkan seruling ajaib
Para bidadari menari lagi mengikuti bunyinya,
Menyambut Musim Semi Penyihir.

Dalam "Musim Panas" Vivaldi membuat burung kukuk berkokok, burung perkutut bersuara, burung kutilang emas berkicau; di “Musim Gugur” ia memulai konser dengan lagu penduduk desa yang kembali dari ladang. Ia juga menciptakan gambar-gambar puitis alam dalam program konser lainnya, seperti “Storm at Sea”, “Night”, “Pastoral”. Dia juga mengadakan konser yang menggambarkan keadaan pikiran: “Kecurigaan”, “Relaksasi”, “Kecemasan”. Dua konsernya yang bertema "Malam" dapat dianggap sebagai simfoni nocturnes pertama di dunia musik.

Karya-karyanya memukau dengan kekayaan imajinasinya. Dengan orkestra yang dimilikinya, Vivaldi terus bereksperimen. Instrumen solo dalam komposisinya sangat asketis atau sangat virtuoso. Motilitas di beberapa konser memberi jalan bagi keceriaan dan melodi di konser lain. Efek warna-warni dan permainan warna nada, seperti pada gerakan tengah Concerto untuk tiga biola dengan suara pizzicato yang menawan, nyaris “impresionistis”.

Vivaldi berkreasi dengan kecepatan yang fenomenal: “Dia siap bertaruh bahwa dia dapat membuat sebuah konser dengan seluruh bagiannya lebih cepat daripada yang dapat ditulis ulang oleh seorang juru tulis,” tulis de Brosses. Mungkin dari sinilah asal mula spontanitas dan kesegaran musik Vivaldi yang telah memanjakan pendengarnya selama lebih dari dua abad.

L.Raaben, 1967

Karya komposer dan pemain biola Italia yang luar biasa A.Corelli memiliki pengaruh besar pada musik instrumental Eropa pada akhir abad ke-17 - paruh pertama abad ke-18, ia dianggap sebagai pendiri sekolah biola Italia. Banyak komposer terhebat di era berikutnya, termasuk J. S. Bach dan G. F. Handel, sangat menghargai karya instrumental Corelli. Dia membuktikan dirinya tidak hanya sebagai komposer dan pemain biola yang hebat, tetapi juga sebagai guru (sekolah Corelli mencakup seluruh galaksi master yang brilian) dan konduktor (dia adalah pemimpin berbagai ansambel instrumental). Kreativitas Corelli dan aktivitasnya yang beragam membuka lembaran baru dalam sejarah musik dan genre musik.

Sedikit yang diketahui tentang kehidupan awal Corelli. Dia menerima pelajaran musik pertamanya dari seorang pendeta. Setelah berganti beberapa guru, Corelli akhirnya berakhir di Bologna. Kota ini merupakan tempat kelahiran sejumlah komposer Italia yang luar biasa, dan tinggalnya di sana rupanya memiliki pengaruh yang menentukan nasib masa depan musisi muda tersebut. Di Bologna, Corelli belajar di bawah bimbingan guru terkenal G. Benvenuti. Fakta bahwa Corelli di masa mudanya sudah mencapai kesuksesan luar biasa di bidang permainan biola dibuktikan dengan fakta bahwa pada tahun 1670, pada usia 17 tahun, ia diterima di Akademi Bologna yang terkenal. Pada tahun 1670-an. Corelli pindah ke Roma. Di sini ia bermain di berbagai ansambel orkestra dan kamar, memimpin beberapa ansambel, dan menjadi pemimpin band gereja. Dari surat-surat Corelli diketahui bahwa pada tahun 1679 ia mengabdi pada Ratu Christina dari Swedia. Sebagai musisi orkestra, ia juga terlibat dalam komposisi - menyusun sonata untuk pelindungnya. Karya pertama Corelli (12 sonata trio gereja) muncul pada tahun 1681. Pada pertengahan tahun 1680-an. Corelli mengabdi pada kardinal Romawi P. Ottoboni, di mana dia tinggal sampai akhir hayatnya. Setelah tahun 1708, ia pensiun dari berbicara di depan umum dan memusatkan seluruh energinya pada kreativitas.

Karya Corelli relatif sedikit: pada tahun 1685, setelah karya pertamanya, trio kamar sonatas op. 2, tahun 1689 - 12 sonata trio gereja op. 3, tahun 1694 - kamar trio sonata op. 4, tahun 1700 - kamar trio sonata op. 5. Akhirnya, pada tahun 1714, setelah kematian Corelli, konser grossi opnya diterbitkan di Amsterdam. 6. Koleksi-koleksi ini, serta beberapa drama individu, merupakan warisan Corelli. Komposisinya ditujukan untuk alat musik gesek (biola, viola da gamba) dengan partisipasi harpsichord atau organ sebagai alat musik pengiringnya.

Karya Corelli mencakup 2 genre utama: sonata dan konserto. Dalam karya Corelli-lah genre sonata dibentuk dalam bentuk yang menjadi ciri khas era praklasik. Sonata Corelli dibagi menjadi 2 kelompok: gereja dan kamar. Mereka berbeda baik dalam komposisi pertunjukan (dalam sonata gereja, organ mengiringi, dalam sonata kamar - harpsichord) dan dalam konten (sonata gereja dibedakan berdasarkan ketelitian dan kedalaman isinya, kamar dekat dengan rangkaian dansa. ). Komposisi instrumental yang menyusun sonata tersebut meliputi 2 suara melodi (2 biola) dan pengiring (organ, harpsichord, viola da gamba). Itu sebabnya mereka disebut trio sonata.

Konser Corelli juga menjadi fenomena luar biasa dalam genre ini. Genre konser grosso sudah ada jauh sebelum Corelli. Dia adalah salah satu pelopor musik simfoni. Ide genre ini adalah semacam kompetisi antara sekelompok instrumen solo (dalam konser Corelli peran ini dimainkan oleh 2 biola dan sebuah cello) dengan sebuah orkestra: konser tersebut disusun sebagai pergantian solo dan tutti. 12 konser Corelli, yang ditulis pada tahun-tahun terakhir kehidupan komposer, menjadi salah satu halaman paling cemerlang dalam musik instrumental awal abad ke-18. Mungkin karya-karya tersebut masih merupakan karya Corelli yang paling populer.

Salah satu perwakilan terbesar era Barok A.Vivaldi memasuki sejarah budaya musik sebagai pencipta genre konser instrumental, pendiri program musik orkestra. Masa kecil Vivaldi terhubung dengan Venesia, tempat ayahnya bekerja sebagai pemain biola di Katedral St. Keluarga itu memiliki 6 anak, di antaranya Antonio adalah anak tertua. Hampir tidak ada rincian yang tersimpan tentang masa kecil sang komposer. Hanya diketahui bahwa ia mempelajari biola dan harpsichord. Pada tanggal 18 September 1693, Vivaldi diangkat menjadi biksu, dan pada tanggal 23 Maret 1703, ia ditahbiskan. Pada saat yang sama, pemuda tersebut terus tinggal di rumah (mungkin karena penyakit yang serius), yang memberinya kesempatan untuk tidak melepaskan studi musiknya. Vivaldi dijuluki “biksu merah” karena warna rambutnya. Diyakini bahwa pada tahun-tahun ini dia tidak terlalu bersemangat menjalankan tugasnya sebagai pendeta. Banyak sumber menceritakan kembali sebuah cerita (mungkin apokrif, tetapi mengungkapkan) tentang bagaimana suatu hari selama kebaktian, “biksu berambut merah” buru-buru meninggalkan altar untuk menuliskan tema fugue yang tiba-tiba muncul di benaknya. Bagaimanapun juga, hubungan Vivaldi dengan kalangan klerus terus memburuk, dan tak lama kemudian, dengan alasan kesehatannya yang buruk, ia secara terbuka menolak merayakan Misa.

Pada bulan September 1703, Vivaldi mulai bekerja sebagai guru (maestro di violino) di panti asuhan amal Venesia "Pio Ospedale delia Pieta". Tugasnya termasuk mengajar biola dan viol d'amore, serta mengawasi pelestarian alat musik gesek dan membeli biola baru. “Layanan” dalam “Pieta” (bisa disebut konser) menjadi pusat perhatian masyarakat Venesia yang tercerahkan. Karena alasan ekonomi, Vivaldi dipecat pada tahun 1709, tetapi pada tahun 1711-16. dikembalikan ke posisi yang sama, dan mulai Mei 1716 dia sudah menjadi pemimpin konser orkestra Pieta. Bahkan sebelum pengangkatan barunya, Vivaldi telah memantapkan dirinya tidak hanya sebagai guru, tetapi juga sebagai komposer (terutama penulis musik sakral). Sejalan dengan karyanya di Pieta, Vivaldi mencari peluang untuk menerbitkan karya sekulernya. 12 trio sonata op. 1 diterbitkan pada tahun 1706; pada tahun 1711 koleksi konser biola paling terkenal “Harmonic Inspiration” op. 3; pada tahun 1714 - koleksi lain yang disebut "Extravagance" op. 4. Konser biola Vivaldi segera dikenal luas di Eropa Barat dan khususnya di Jerman. I. Quantz, I. Mattheson menunjukkan minat yang besar pada mereka, J. S. Bach yang Agung “untuk kesenangan dan pengajaran” secara pribadi mengatur 9 konser biola Vivaldi untuk clavier dan organ. Pada tahun yang sama, Vivaldi menulis opera pertamanya “Ottone” (1713), “Orlando” (1714), “Nero” (1715). Pada tahun 1718-20 dia tinggal di Mantua, di mana dia terutama menulis opera untuk musim karnaval, serta karya instrumental untuk istana bangsawan Mantuan. Pada tahun 1725, salah satu karya komposer yang paling terkenal diterbitkan, dengan subjudul “An Experience in Harmony and Invention” (op. 8). Seperti sebelumnya, koleksinya terdiri dari konser biola (ada 12 buah). 4 konser pertama dari karya ini diberi nama oleh komposernya masing-masing, "Musim Semi", "Musim Panas", "Musim Gugur" dan "Musim Dingin". Dalam praktik pertunjukan modern, mereka sering digabungkan ke dalam siklus “Musim” (dalam bahasa aslinya tidak ada judul seperti itu). Rupanya, Vivaldi tidak puas dengan pendapatan dari penerbitan konsernya, dan pada tahun 1733 ia mengumumkan kepada seorang pengelana Inggris E. Holdsworth niatnya untuk menolak publikasi lebih lanjut, karena, tidak seperti salinan cetak, salinan tulisan tangan lebih mahal. Faktanya, sejak itu, tidak ada lagi karya orisinal baru Vivaldi yang muncul.

Giuseppe Tartini milik tokoh-tokoh sekolah biola Italia abad ke-18, yang seninya mempertahankan makna artistiknya hingga hari ini. D.Oistrakh

Komposer, guru, pemain biola virtuoso, dan ahli teori musik Italia terkemuka G. Tartini menduduki salah satu tempat terpenting dalam budaya biola Italia pada paruh pertama abad ke-18. Seninya menggabungkan tradisi yang berasal dari A. Corelli, A. Vivaldi, F. Veracini dan para pendahulu serta orang sezamannya yang hebat.

Tartini dilahirkan dalam keluarga yang tergolong golongan bangsawan. Orang tuanya ingin anaknya menjadi pendeta. Oleh karena itu, ia pertama kali belajar di sekolah paroki di Pirano, dan kemudian di Capo d'Istria. Di sana Tartini mulai bermain biola.

Kehidupan seorang musisi terbagi menjadi 2 periode yang sangat bertentangan satu sama lain. Plin-plan, karakternya tidak terkendali, mencari bahaya - begitulah dia di masa mudanya. Keinginan Tartini memaksa orang tuanya untuk meninggalkan gagasan menyekolahkan putranya di jalan spiritual. Dia pergi ke Padua untuk belajar hukum. Tapi Tartini lebih memilih anggar daripada mereka, bercita-cita menjadi ahli anggar. Sejalan dengan olahraga anggar, ia terus menekuni musik dengan lebih terarah.

Pernikahan rahasia dengan muridnya, keponakan seorang pendeta terkemuka, mengubah semua rencana Tartini secara dramatis. Pernikahan tersebut menimbulkan kemarahan kerabat bangsawan istrinya; Tartini dianiaya oleh Kardinal Cornaro dan terpaksa bersembunyi. Tempat perlindungannya adalah biara Minorit di Assisi.

Mulai saat ini, periode kedua kehidupan Tartini dimulai. Biara tidak hanya melindungi pemuda itu dan menjadi tempat perlindungannya selama tahun-tahun pengasingan. Kelahiran kembali moral dan spiritual Tartini terjadi di sini, dan perkembangan sejatinya sebagai seorang komposer dimulai di sini. Di biara ia mempelajari teori dan komposisi musik di bawah bimbingan komposer dan ahli teori Ceko B. Chernogorsky; Dia berlatih biola secara mandiri, mencapai kesempurnaan sejati dalam menguasai instrumen tersebut, yang menurut orang-orang sezamannya, bahkan melampaui permainan Corelli yang terkenal.

Tartini tinggal di biara selama 2 tahun, kemudian selama 2 tahun berikutnya ia bermain di gedung opera di Ancona. Di sana sang musisi bertemu Veracini, yang memiliki pengaruh signifikan terhadap karyanya.

Pengasingan Tartini berakhir pada tahun 1716. Sejak saat itu hingga akhir hayatnya, kecuali istirahat sejenak, ia tinggal di Padua, memimpin orkestra kapel di Basilika St. Antonio dan tampil sebagai pemain biola di berbagai kota di Italia. Pada tahun 1723, Tartini mendapat undangan mengunjungi Praha untuk berpartisipasi dalam perayaan musik pada kesempatan penobatan Charles VI. Namun kunjungan ini berlangsung hingga tahun 1726: Tartini menerima tawaran untuk mengambil posisi sebagai musisi kamar di kapel Praha milik Count F. Kinsky.

Kembali ke Padua (1727), komposer mendirikan akademi musik di sana, mencurahkan banyak energi untuk mengajar. Orang-orang sezamannya memanggilnya "guru bangsa". Di antara murid-murid Tartini terdapat pemain biola terkemuka abad ke-18 seperti P. Nardini, G. Pugnani, D. Ferrari, I. Naumann, P. Lausset, F. Rust dan lain-lain.

Kontribusi musisi terhadap perkembangan lebih lanjut seni bermain biola sangat besar. Dia mengubah desain haluan, memanjangkannya. Keterampilan membungkuk Tartini sendiri dan nyanyian biolanya yang luar biasa mulai dianggap patut dicontoh. Komposer menciptakan banyak sekali karya. Ini termasuk banyak trio sonata, sekitar 125 konserto, 175 sonata untuk biola dan simbal. Yang terakhir ini menerima pengembangan genre dan gaya lebih lanjut dalam karya Tartini.

Gambaran hidup sang komposer tentang pemikiran musik terwujud dalam keinginannya untuk memberikan subtitle terprogram pada karyanya. Sonata "Abandoned Dido" dan "Devil's Trill" menjadi sangat terkenal. Kritikus musik Rusia terakhir yang luar biasa, V. Odoevsky, menganggap awal era baru dalam seni biola. Seiring dengan karya-karya ini, siklus monumental “The Art of the Bow” menjadi sangat penting. Terdiri dari 50 variasi tema gavotte Corelli, merupakan seperangkat teknik unik yang tidak hanya memiliki makna pedagogi, tetapi juga nilai seni yang tinggi. Tartini adalah salah satu pemikir-musisi yang penuh rasa ingin tahu pada abad ke-18; pandangan teoretisnya diungkapkan tidak hanya dalam berbagai risalah tentang musik, tetapi juga dalam korespondensi dengan ilmuwan musik besar pada masa itu, menjadi dokumen paling berharga pada zamannya.

20. Kesesuaian sebagai prinsip pemikiran musik dalam musik abad XVII-XVIII. Struktur suite klasik. (Ambil suite apa saja dan bongkar) ; (Baca karya Yavorsky).

Suite (suite Perancis, “urutan”). Namanya menyiratkan rangkaian karya instrumental (gaya tarian) atau penggalan instrumental dari opera, balet, musik drama, dll.