Panduan metodis "Langkah Pertama pada Gitar". Karya kreatif ansambel
Organisasi pekerjaan rumah pada gitar enam senar dalam sistem pendidikan tambahan.Cditinggalkan oleh MetlaS.G, kepala guru gitar GMO.
Ada dua bentuk pendidikan: pelajaran di kelas di bawah bimbingan seorang guru dan pekerjaan rumah mandiri. Cukup banyak karya metodologis telah ditulis untuk gitar, untuk siswa sekolah musik dan perguruan tinggi. Ini adalah karya N.P. Mikhailenko “Metode pengajaran bermain gitar enam senar.” Y.P.Kuzin “ABC Seorang Gitaris.” Bab Duncan “Seni Bermain Gitar.” “Mengatur pekerjaan rumah di piano” oleh M.E. Bessarabova. Prinsip-prinsip umum pengajaran juga cocok untuk sistem pendidikan tambahan, sehingga banyak yang dapat diperhitungkan dan diadaptasi dalam kaitannya dengan pendidikan tambahan di kelas gitar.
Belajar memainkan gitar enam senar
Keberhasilan pembelajaran tergantung pada bagaimana pembelajaran yang dilakukan guru di kelas dan pekerjaan rumah mandiri siswa berinteraksi. Ajari anak Anda untuk memahami musik. Suara tidak hanya harus bersifat fisik, tetapi juga musikal, menyampaikan keindahan, dan bukan hanya durasi, nada, timbre. Jadikan musik yang dibawakan mencerminkan sesuatu selain bahasanya notasi musik, tetapi akan mewakili beberapa fenomena seni. Kelas gitar telah ada di distrik DDT Petrograd di St. Petersburg selama lebih dari sepuluh tahun. Selama bertahun-tahun, banyak anak yang menguasai dasar-dasar seni gitar dengan mengenal karya-karya komposer era yang berbeda, negara, mengembangkan dan meningkatkan kemampuan musik dan kreatif mereka.
Pelajaran instrumen memungkinkan siswa untuk mempercepat penguasaan praktis dasar-dasar literasi musik, yang memungkinkan mereka bermain dalam ansambel di masa depan. jenis yang berbeda. Kembangkan telinga bagian dalam untuk musik, belajar memilih melodi berdasarkan telinga, dan mengiringi suara.
Terlepas dari semua aksesibilitas dan kesederhanaannya, gitar adalah instrumen yang agak rumit. Seorang anak yang duduk di depan sebuah instrumen harus memecahkan banyak masalah pada saat yang bersamaan. Melaksanakan teks musik dengan kompeten, membaca not-notnya dengan benar, sambil mengamati tanda-tanda aksidental, fingering, nuansa, menyelesaikan masalah meritme dan tempo. Pertimbangkan rasio melodi dan iringan yang benar. Dengarkan, nyanyikan, dan nyanyikan dengan jari Anda tangan kanan frasa dan kalimat musik. Pantau terus koordinasi kedua tangan. Jelasnya, ada banyak tugas saat bermain gitar, dan masing-masing tugas mewakili kompleksitas teoretis, koordinasi, atau teknis tertentu dan memerlukan sejumlah waktu untuk mempelajari dan menguasai praktik leher gitar.
Organisasi kelas gitar.
Kelas di lembaga pendidikan tambahan di ruang kelas dengan seorang guru menghabiskan waktu yang relatif kecil (45 menit) per minggu. Ini tidak cukup untuk asimilasi materi pendidikan yang percaya diri dan mendalam. Sangat penting untuk mengatur pekerjaan rumah Anda dengan benar. Tugas pekerjaan bagus adalah mempersiapkan siswa untuk karya kreatif mandiri. Penting bagi siswa untuk memahami hal itu kelas yang sistematis pada gitar, syarat utama untuk menguasai keterampilan pertunjukan. Dalam hal ini, anak sangat membutuhkan bantuan orang tua, apalagi jika anak masih kecil usia sekolah. Penting untuk mengajar siswa untuk bekerja secara mandiri.
Periode pelatihan awal
Perlu diingat bahwa pemikiran abstrak pada anak usia 7-8 tahun belum terbentuk sempurna. Oleh karena itu, ketika mengerjakan pekerjaan rumah pada instrumen, pertama-tama Anda harus fokus pada pengembangan pemikiran imajinatif, yang merupakan salah satu prinsip utama pendidikan musik. Semua pekerjaan independen harus dilakukan di bawah kendali pendengaran terus menerus. Secara berkala, pelajaran kontrol harus diadakan yang mensimulasikan pelajaran di rumah. Guru tidak boleh ikut campur dalam proses, mengamati, dan sesekali memberikan komentar. Penting untuk menjalin kontak dengan orang tua, mengenal kondisi kehidupan mereka, dan membantu membangun ketertiban yang tegas bagi siswa. Karena musik apa pun selalu mengandung konten emosional dan figuratif, disarankan untuk mengganti kelas sekolah dan musik di rumah, misalnya, musik bahasa Rusia, musik matematika, dll. Prinsip mempersiapkan pekerjaan rumah ini memungkinkan Anda menggabungkan beban kerja dan istirahat secara bergantian. Dengan jadwal tersebut, durasi pembelajaran antar pelajaran bisa berlangsung 15-20 menit. Mode pengoperasian yang diusulkan akan menghemat waktu dan memungkinkan Anda mengatur pekerjaan rumah dengan lebih efisien.
Organisasi gerakan gitaris
Pada minggu-minggu pertama pelatihan, siswa belajar menggerakkan jari-jarinya di sepanjang senar dan fret. Kegiatan yang sulit ini memerlukan banyak kesabaran dan perhatian, baik dari pihak siswa maupun dari pihak orang tua, karena anak usia 7-8 tahun secara fisik tidak mampu memusatkan perhatiannya pada pekerjaan tersebut selama lebih dari beberapa menit. Di sini siswa membutuhkan bantuan orang tuanya selama kelas pertamanya. Pertama, Anda perlu menguasai teknik arpeggio pada gitar. Jari-jari tangan kanan harus melihat dan mendengar. Pergerakan jari-jari tangan kanan lebih mudah dianalisis bila tidak terhubung dengan tangan kiri. Arpeggio ascending pima yang paling sederhana. Jempol tangan kanan dimainkan dengan penyangga (apoyando), pada saat ini ketiga jari - telunjuk, tengah, manis - ditempatkan secara bersamaan pada 1.2.3. senar, senar terletak di antara ujung jari dan kuku, menekan senar dengan ringan, jari-jari secara bergantian menghasilkan bunyi. Memasang tali di antara ujung jari dan kuku memastikan transfer gaya yang paling efektif dan permainan minimal pada sendi kuku. Jari-jari tangan kiri memberikan daya angkat minimal di atas mistar, sehingga menciptakan upaya minimal untuk gerakannya. Tekanan minimal pada senar melindunginya dari beban berlebih dan memperlambat timbulnya kelelahan. Posisi vertikal jari dicapai dengan menyentuhkan senar pada fingerboard lebih dekat ke kuku. Dianjurkan untuk berlatih dengan metronom, dan untuk mengembangkan sensasi denyut nadi, Anda perlu menyetel metronom ke ketukan kedua. Latihan dan tangga nada memerlukan perhatian terus-menerus pada artikulasi yang terkontrol dan tidak terkontrol, ketika telinga mengontrol dan tidak mengontrol kecepatan eksekusi pada tempo tercepat. Sangat penting untuk mendengarkan irama secara ritmis dan melodi, menghubungkannya secara mental dengan irama suram berikutnya, dan menganggapnya sebagai batu loncatan menuju irama suram. Penting bagi siswa untuk memperhatikan gerakan kedua tangan saat bermain; artikulasi antara tangan kanan dan kiri sangatlah penting. Jari-jari tangan kanan dipersiapkan, diletakkan terlebih dahulu pada senar yang diperlukan, jari-jari tangan kiri mencari nada, jari-jari tangan kanan menghasilkan bunyi. Jempol kanan bertumpu pada senar ke-6 saat memainkan tangga nada dan latihan. Nilai dari latihan dan aktivitas ini penting seiring dengan meningkatnya kecepatan atau munculnya durasi yang lebih kecil, kendali kesadaran memberi jalan pada refleks yang diperoleh. Sangat penting untuk mengembangkan teknik tangan kanan; semakin banyak waktu yang Anda habiskan untuk mempersiapkan suara, semakin dalam kendali Anda. Apa yang pada akhirnya tampak sebagai legato terjadi dengan intensitas dan ketepatan ritme yang merata.
Bekerja pada ritme
Karena musik adalah seni yang tidak dapat ada di luar waktu, setiap pemain membutuhkan rasa ritme meteran yang tinggi sebagai dasar dari setiap karya musik. Untuk performa ekspresif, selain timbre, akselerasi dan deselerasi tempo, Anda perlu mempelajari cara mengekstrak suara dan ritme dari gitar. Ini dapat dilakukan dengan bantuan gerakan tangan, fokus secara mental pada latihan seperti itu, tangan kiri, menekan tali di leher, membuat gerakan tersembunyi ke kiri, dan tangan kanan pada saat ini - ke kanan, meregangkan suara seperti pegas, menciptakan ketegangan, dan kemudian relaksasi, harus sesuai dengan denyut internal. Ini adalah momen yang sangat menarik dalam teknik pertunjukan para gitaris terkemuka; mengenai topik ini saya ingin menulis karya saya berikutnya, yang ditujukan untuk analisis keterampilan pertunjukan para gitaris terkemuka. Salah satu cara untuk mengembangkan rasa ritme meteran adalah dengan melatih berhitung dengan telinga, terutama pada tahap awal pembelajaran secara bertahap siswa mengembangkan rasa internal terhadap ritme meteran. Skema akun yang saya gunakan terlihat seperti ini. Satu not penuh dianggap Ta-a-a-a, setengah Ta-a, seperempat not dianggap Ta,
Ta-ti kedelapan, Ta-ra-ti-ri keenam belas. Skema ini sederhana, mudah diingat, mudah diucapkan.
Nasihat metodologis untuk guru kelas gitar.
Agar pembelajaran berhasil, cobalah mencari kontak psikologis dengan siswa sejak pelajaran pertama. Jangan mencoba mengajar hanya anak-anak yang cerdas. Setiap anak adalah individualitas, kepribadian, seni seorang guru adalah untuk memastikan bahwa setiap siswa menjadi pemain yang unggul dan memperoleh minat berkelanjutan dalam studi musik, yang dapat bertahan seumur hidup. Untuk melakukan ini, perlu dibuat jadwal pekerjaan rumah siswa, yang mengamati pergantian mata pelajaran sekolah dan musik, dan membiasakan anak berlatih alat musik tersebut setiap hari. Pada bulan-bulan pertama pelatihan, jika memungkinkan, orang tua harus hadir pada pembelajaran sehingga mereka dapat memantau pelaksanaannya pekerjaan rumah. Dari langkah pembelajaran pertama, ajarkan siswa untuk bekerja secara mandiri dengan instrumen tersebut. Amati dengan ketat kondisi higienis dan fisiologis aktivitas anak. Gunakan kursi yang nyaman dan keras dengan ketinggian yang dibutuhkan dan penyangga kaki kiri Anda untuk menghindari kelengkungan tulang belakang. Pertahankan keheningan selama kelas. Perhatikan fisik dan keadaan emosional murid. Hadiri konser dan kompetisi tahunan di suatu tempat bersama orang tua. Terus kembangkan dalam diri anak kebutuhan untuk mendengarkan musik klasik dan menganalisis apa yang didengarnya. Ajari anak bagaimana berperilaku di atas panggung, keluar, membungkuk, berangkat. Bekerjalah dengan percaya diri, dengan rasa hormat dan cinta terhadap siswa, gitar, dan musik. Analisislah pelajaran Anda secara terus-menerus.
FEDERASI RUSIA
DEPARTEMEN KEBUDAYAAN ADMINISTRASI KOTA BRYANSK
LEMBAGA PENDIDIKAN TAMBAHAN ANGGARAN KOTA “SEKOLAH SENI ANAK No. hal.i. Tchaikovsky"
(MBU DO "DSHI No. 2 dinamai P.I. Tchaikovsky")
“Menggunakan metode kreatif
di pelajaran khusus gitar
di sekolah seni anak-anak"
Selesai:
guru
berdasarkan kelas gitar
Terekhina O.V.
B r i a n c 2017
1. Bagian pendahuluan - catatan penjelasan.................................................. ......... 3
2.Penggunaan metode kreatif dalam pembelajaran gitar di sekolah seni anak…………………………………………………………………..... 5
3. Kesimpulan………………………………………………………………………………….22
4. Sastra…………………………………………………………….….23
5.Lampiran…………………………………………………......................25
Bagian pengantar - catatan penjelasan
Relevansi pekerjaan. Untuk beberapa tahun terakhir Perubahan telah terjadi di negara kita yang sangat mengubah tujuan dan fungsi pendidikan. realitas.
Guru gitar generasi saat ini yang bekerja dengan anak-anak memperhatikan fakta bahwa orang tua modern lebih memperhatikan perkembangan mental dan intelektual anak. Oleh karena itu, seringkali perkembangan intelektual mendahului perkembangan emosional dan estetika sehingga mengganggu proses perkembangan harmonis individu. Banyak contoh menunjukkan bahwa salah satu cara yang paling penting perkembangan emosi musik adalah manusia. Seni gitar, seperti seni lainnya, dapat berfungsi sebagai sarana pendidikan estetika yang ampuh bagi siswa, meskipun ada pendapat yang salah tentang gitar sebagai instrumen yang secara artistik lebih rendah. Munculnya isu-isu dalam proses penyelenggaraan pembelajaran khusus di Sekolah Seni Anak seperti: meningkatkan aktivitas kreatif siswa, daya tanggap emosional terhadap gambar musik, memperkaya siswa dengan pengetahuan tentang musik, menambah pengalaman pendengaran - semua ini menimbulkan masalah. optimalisasi penggunaan metode kreatif dalam pembelajaran musik di sekolah seni anak modern. Poin pentingnya adalah:
jenis pekerjaan guru dan siswa yang menggunakan alat musik gitar dalam pembelajaran musik;
metode yang digunakan guru untuk mencapai efek minat siswa.
Semua ini menekankan relevansi topik “Penggunaan metode kreatif dalam pelajaran khusus di sekolah seni anak-anak”
Objek pekerjaan adalah proses pengembangan kreatif kepribadian siswa di dalam kelas.
Subyek pekerjaan adalah cara menggunakan metode kreatif sebagai faktor perkembangan belajar anak.
Tujuan pekerjaan adalah mengidentifikasi sistem cara menggunakan metode kreatif sebagai faktor perkembangan dalam pembelajaran anak.
Hipotesis kerja: Pengembangan kepribadian siswa di sekolah seni akan lebih efektif apabila dalam proses pembelajaran digunakan sistem metode, metode dan teknik kreatif dengan menggunakan instrumen gitar.
Tugas:
Menganalisis pembentukan dan perkembangan gitar dalam sejarah budaya musik.
Untuk mengeksplorasi sikap siswa terhadap gitar dan kemampuannya.
Identifikasi sistem metode, metode, teknik penggunaan gitar dalam kegiatan musik pendidikan.
2. Penggunaan metode kreatif dalam pembelajaran gitar di sekolah seni anak.
Di kelas-kelas khusus di Sekolah Seni Anak, masalah mengubah pelajaran musik menjadi pelajaran seni menjadi semakin mendesak. Salah satu tugas terpenting mereka adalah “menjadi asisten yang andal bagi sekolah menengah dalam memenuhi persyaratan utama: meningkatkan pendidikan seni dan pendidikan estetika siswa secara signifikan.” Penting bagi seorang guru untuk mampu mengekspresikan dirinya secara maksimal bentuk yang berbeda bekerja, dan juga mengetahui peluang apa saja yang dapat ia manfaatkan ketika mengorganisir dan merencanakan pekerjaannya dengan kategori siswa yang bersamanya waktu yang diberikan Dia terlibat dalam pendidikan dan pelatihan musik. Semakin luas guru membayangkan keseluruhan sistem pendidikan musik, semakin baik ia menguasai metodologi masing-masing komponennya, semakin efektif hasil karyanya, semakin banyak kepuasan yang ia terima dari pekerjaannya. kegiatan praktis guru-pendidik. Partisipasi dalam pekerjaan ini membuka kesempatan bagi siswa dan guru untuk lebih terlibat dengan musik dan melakukan apa yang mereka minati. LG Dmitrieva dan N.M. Chernoivanenko menarik perhatian para guru bahwa ketika mengatur pekerjaan mereka harus mengingat:
semua tipe pelajaran musik harus ditujukan pada pendidikan moral dan estetika siswa, pembentukan selera dan minat musik mereka;
meluasnya penggunaan berbagai metode harus berkontribusi pada kebangkitan minat artistik, pengembangan musik, kreativitas siswa;
Penting untuk menumbuhkan minat siswa terhadap pekerjaan pendidikan dan keinginan untuk mempromosikan budaya musik.
Guru juga perlu memperhatikan bahwa pembentukan selera dan minat siswa sangat dipengaruhi oleh sarana keluarga media massa, rekan-rekan. Mengingat semua hal di atas, jelaslah bahwa perkataan guru humanis V.A. Sukhomlinsky: “Pendidikan musik bukanlah pendidikan seorang musisi, tetapi pertama-tama pendidikan seseorang.”
Menurut kami, tambahan yang paling produktif dalam mengatur pekerjaan dengan menggunakan gitar adalah:
Pendekatan kreatif untuk belajar memainkan alat musik.
Ansambel gitar.
Menghadiri konser dan festival gitar.
Mari kita membahas lebih detail masing-masing bentuk pekerjaan di atas.
Pada intinya belajar memainkan alat musik kebohongan seragam adat bekerja dengan siswa, yang menciptakan kondisi yang menguntungkan untuk menguasai keterampilan memainkan alat musik, secara aktif mengembangkan kemampuan musik, memupuk minat dan selera musik. Secara alami, guru membangun proses pembelajaran, dengan fokus pada kemampuan siswa, kualitas pribadinya, dan minat yang ada. Namun sayangnya, kondisi tersebut tidak selalu digunakan untuk memecahkan permasalahan pendidikan musik. Kadang-kadang tujuan kelas hanya pada penguasaan teknis dari repertoar tertentu dan penguasaan sejumlah keterampilan yang diperlukan untuk kinerjanya. Pada saat yang sama, perhatian yang kurang diberikan pada metode yang mengaktifkan imajinasi kreatif. Tempat mereka digantikan oleh “contoh” kinerja yang diberikan oleh guru. Akibatnya, minat anak terhadap pekerjaan tersebut memudar, dan mereka lebih memilih mencari kegiatan yang lebih mengasyikkan.
Mempertimbangkan semua kesimpulan di atas, kami memutuskan dalam pekerjaan kami dalam mengajar gitar untuk mengandalkan pengembangan manual metodologi oleh A.D. Lazareva “Belajar sambil bermain.” NERAKA. Lazareva adalah guru gitar di sekolah musik di Kharkov, penyelenggara dan presenter klub pecinta musik gitar, dan anggota Asosiasi Gitaris Ukraina. Ia mengupayakan keterlibatan anak-anak yang semakin intensif dalam proses bermain musik. Keunggulan utama dari karya ini adalah pemberian teknik gitar praktis yang tidak konvensional berdasarkan kebangkitan kreativitas anak, keaktifan dan daya tarik nada emosional penuturan. Kursus metodologi menyajikan empat puluh pelajaran, dengan bantuan yang penulis berusaha untuk membangkitkan imajinasi artistik anak-anak, keinginan mereka untuk menunjukkan inisiatif kreatif, untuk mengekspresikan potensi kreatif.
Materi pelajaran didasarkan pada beberapa jenis pekerjaan. Semuanya dapat digunakan secara paralel dan digabungkan sesuai kebutuhan, sesuai penguasaannya. Sejak pelajaran pertama, anak-anak didorong untuk menyanyikan lagu-lagu yang familiar dan mengidentifikasi pola ritmenya - pelajaran 1; terlibat dalam permainan musik ansambel paling sederhana - pelajaran 3. Tahapan penting dalam mengaktifkan keterampilan kreatif adalah:
menyelesaikan melodi lagu berdasarkan segmen melodi awalnya - pelajaran 17;
tugas untuk mengembangkan keterampilan variasi, menciptakan melodi untuk puisi yang diusulkan - pelajaran 28;
menyusun melodi berdasarkan dasar ritmenya - pelajaran 39.
Dalam manual ini, anak-anak didorong untuk mengarang cerita berdasarkan musik yang mereka dengarkan - pelajaran 6, dan metode lain yang penting untuk mengaktifkan minat kognitif anak.
Untuk mencapai hasil terbaik dalam mengajar siswa pemula A.D. Lazareva merekomendasikan teknik berikut:
minat terhadap pekerjaan, menjaga konsistensi dalam mempelajari setiap tahap baru, mencapai asimilasi yang bermakna;
dalam setiap kasus, karakter anak harus diperhitungkan;
Dianjurkan untuk membatasi durasi pelajaran itu sendiri menjadi 20-30 menit, dan menambah jumlah pelajaran per minggu menjadi tiga sampai empat kali seminggu, kami menawarkan pilihan dua kali seminggu;
proses pembelajaran secara keseluruhan harus beralih dari konsep-konsep umum ke upaya mempersempit dan memperdalam hal-hal khusus;
Mempelajari nada-nada pada neck gitar dan paranada pertama-tama harus dilakukan secara independen satu sama lain. Latihan telah memastikan bahwa menghafal nada-nada di fretboard, terutama karena mempelajari sejumlah besar lagu, jauh lebih cepat daripada di paranada. Untuk mempercepat proses ini, Anda bisa sekaligus berlatih membaca catatan dari lembaran tanpa alat;
Sangat penting untuk memperkenalkan elemen permainan ke dalam kelas dengan siswa yang lebih muda.
Guru yang luar biasa Anton Semenovich Makarenko dalam salah satu karyanya mengemukakan: “Ada metode penting - bermain. Menurut saya agak keliru jika menganggap bermain sebagai salah satu aktivitas anak. Di masa kanak-kanak, bermain adalah hal yang lumrah, dan seorang anak harus selalu bermain, bahkan ketika sedang melakukan urusan serius... Dalam setiap permainan yang bagus, pertama-tama, ada usaha kerja dan usaha berpikir... bermain tanpa usaha, tanpa aktivitas aktif - selalu permainan yang buruk" Bermain membawa kegembiraan bagi anak. Itu bisa berupa kegembiraan kreativitas, atau kegembiraan kemenangan, atau kegembiraan estetika - kegembiraan kualitas. Membawa kebahagiaan yang sama kerja bagus, dan di sini terdapat kemiripan yang sempurna.” Permainan ini membangun hubungan antara orang dewasa dan anak-anak. Hubungan-hubungan tersebut, menurut A.D. Lazareva, mendasari pendekatan personal, ketika guru menitikberatkan pada kepribadian anak secara keseluruhan, dan bukan hanya pada fungsinya sebagai siswa. Saat ini, semakin sering di konferensi pedagogis, seruan terdengar: "Bawakan permainan ini kembali ke sekolah!" “Orang-orang yang dihadapkan pada permainan peran di masa kanak-kanak lebih siap untuk melakukan aktivitas kreatif.” Manual oleh A.D. Lazareva “Belajar sambil Bermain” adalah manual inovatif yang berharga. Hal ini dapat memberikan kontribusi penting untuk meningkatkan metode dan pedagogi praktis pengajaran gitar awal.
Belajar memainkan alat musik tersedia untuk semua anak, apapun kemampuannya, dan tugas guru adalah memberikan perhatian khusus pada perkembangan kreatif musik mereka, yang dapat berhasil dicapai melalui penggunaan berbagai jenis pekerjaan dengan terampil: membaca sekilas, improvisasi, seleksi dengan telinga. Misalnya, siswa pemula sering kali menunjukkan keinginan untuk memainkan lagu yang mereka sukai. Biasanya, ini adalah melodi lagu-lagu hit populer, yang jauh dari contoh musik ringan terbaik. Menyadari dampak negatif dari banyak inovasi modis pada pembentukan rasa, guru, bagaimanapun, tidak boleh memaksakan pendapatnya, tetapi, dengan menggunakan seluruh cara, mengarahkan siswa pada pemahaman bahwa melodi yang mereka sukai adalah stereotip dan tidak ada. minat. Dengan akumulasi pengalaman, perhatian siswa tertuju pada pencarian pilihan terbaik untuk menyelaraskan melodi menggunakan berbagai jenis tekstur.
Pengembangan kemampuan kreatif sejak awal harus dilakukan sepanjang jalur pengembangan kemandirian dalam memaknai karya dan melaksanakan tugas kreatif. Misalnya, siswa diminta mengisi baris-baris melodi yang hilang, melengkapi akhir sebuah karya sederhana, memainkan motif tertentu tergantung rencana dengan berbagai perubahan, dan menyusun variasi pada tema tertentu. Tentu saja pada awalnya siswa terkendala dan berusaha untuk meniru model-model terkenal dalam banyak hal, namun penting bagi mereka untuk mengembangkan minat dan kebutuhan akan kreativitas yang selalu dapat ditingkatkan.
Saat mengajar siswa bermain gitar, banyak guru dihadapkan pada masalah dalam memilih repertoar pedagogis pada tahap awal pengenalan instrumen. Tujuan dari repertoar adalah untuk menggabungkan pengembangan kemampuan teknis anak-anak dengan penerimaan emosi positif dari komunikasi dengan musik. Oleh karena itu, pada tahap awal belajar bermain gitar, kami menyarankan untuk menggunakan karya-karya komposer-gitaris berikut ini:
Lyudmila Ivanova (komposer dan guru dari St. Petersburg) memainkan “Hutan Lebat”, “Hujan”, “Yula”;
Koleksi karya Viktor Kozlov untuk anak-anak;
“Album Seorang Gitaris” karya Viktor Erzunov (5 edisi);
Koleksi lagu Oleg Kiselev untuk gitar “Clouds”;
Alexander Vinnitsky "Album jazz anak-anak", enam duet untuk gitar
Viktor Viktorovich Kozlov (lahir 1958) adalah seorang gitaris, komposer dan guru musik Rusia. Pendiri sekolah gitar Ural Selatan. Preferensi komposisi V. Kozlov berhubungan dengan bidang miniatur untuk gitar solo dan trio. Drama lucu seperti “Oriental Dance”, “Hunter’s Dance”, “Mash of the Soldiers”, “Little Detective”, dll.
Karya V. Kozlov diterbitkan di Rusia, Jerman, Italia, Inggris, Polandia, dan Finlandia. Penampil musik gitar terkemuka dunia - N. Komolyatov, S. Dinigan, T. Volskaya, duet "Capriccioso" dan "Concertino", Trio Gitaris Ural - memasukkan drama oleh penulis ini ke dalam repertoar mereka. Sebagai seorang profesor di Institut Musik Chelyabinsk, V. Kozlova, sebagai penulis program pendidikan, sangat mementingkan musik untuk anak-anak. Di sini penulis berhasil menggabungkan repertoar orisinal dengan gambaran yang jelas dan fokus metodologis yang spesifik. Dengan demikian, album “Rahasia Kecil Gitar Senorita” (1999) telah menjadi alat bantu pengajaran yang unik, di mana teknik warna-warni yang muncul pada akhir abad ke-20 digunakan untuk mengungkap gambar sepenuhnya. “Echoes of the Brazil Carnival” adalah album baru yang menarik perhatian untuk duet gitar. Karya-karya yang disertakan dalam album ini dapat digunakan dalam proses pendidikan di sekolah dan perguruan tinggi musik, serta untuk memutar musik di rumah.
Viktor Alekseevich Erzunov - guru gitar di Universitas Kedokteran Negeri dinamai demikian. Gnessin sejak tahun 1971. Untuk ini, banyak muridnya menjadi pemenang All-Rusia dan Kompetisi internasional, serta guru di sekolah dan perguruan tinggi musik di Moskow dan Rusia. Berdasarkan pengalaman mengajar dan tampil sendiri, ia menciptakan enam “Album Gitaris” asli; sebuah edisi komposisinya diterbitkan, ditujukan untuk siswa sekolah musik anak-anak dan pecinta gitar.
Oleg Kiselev - gitaris, komposer, guru lahir pada tahun 1964 di kota Asha, wilayah Chelyabinsk, dalam keluarga insinyur metalurgi. Dia mulai bermain gitar pada usia 11 tahun. Guru pertama adalah ayahnya, yang, mengingat masa mudanya, mengajari putranya cara mengiringi beberapa lagu dengan gitar tujuh senar. Kemudian O. Kiselev secara mandiri menguasai gitar enam senar, bermain di ansambel pop sekolah. Saya pertama kali mengenal gitar klasik dan notasi musik pada usia 17 tahun, setelah memasuki Institut Politeknik Chelyabinsk di departemen metalurgi pada tahun 1981, di mana pada tahun-tahun itu terdapat “Klub Gitar Klasik”, yang presidennya adalah Alexander Dolgikh . Pada tahun 1991 ia lulus dari departemen korespondensi Chelyabinsk sekolah musik kelas gitar Viktor Viktorovich Kozlova. Sejak tahun 1990 ia bekerja sebagai guru gitar di Asha School of Arts. Dia adalah penulis lebih dari 250 buah gitar, diterbitkan di Polandia, Rusia, Italia, Belgia, Swedia, reviewnya diterbitkan di majalah gitar internasional, dan dia telah merekam 7 (tujuh) CD.
Sebagian besar karya Oleg Kiselev ditujukan kepada anak-anak dan remaja. O. Kiselev menggunakan seluruh palet dalam karyanya gaya musik(klasik, romantis, jazz, modern, Latin, folk, rock and roll).
Alexander Vinnitsky menciptakan koleksi “Album Jazz Anak-anak” untuk pendidikan musik anak-anak pada gitar dengan unsur gaya jazz. Koleksinya berisi latihan, etudes, potongan, dan duet untuk instrumen gitar dan melodi. Ini juga menjadi bahan seminar penulis “Gitar Klasik dalam Jazz”.
Dengan menggunakan latihan dari koleksi ini, Anda dapat mempelajari teknik ritme dan aransemen pada gitar. Latihan “Jazz Sequences” adalah contoh menyusun rangkaian harmonik tertentu dengan menambahkan akord dan perubahan, serta mengubah figur ritme. Studinya ditujukan untuk teknik yang bagus dan arpeggio yang rusak, akord yang berkurang.
Koleksi “Album Jazz Anak-anak” Alexander Vinnitsky juga mencakup drama dalam gaya “Strite” dengan komentar mendetail dan contoh pengaturan tema. Satu drama ditulis dengan gaya Rock and Roll.
Enam duet untuk gitar dan instrumen melodi ditulis oleh Alexander Vinnitsky dalam gaya berbeda dari balada (“Doll for Natalie”, “Song of Rain”) hingga ragtime (“Acrobat”) dan dapat dimasukkan dalam repertoar konser.
Sejak pelajaran pertama, guru perlu memperkenalkan bermain dalam ansambel, dengan bimbingan yang terampil, hal ini membantu menggiatkan aktivitas anak, membangkitkan minat dan semangatnya. Obat terbaik Hal ini dicapai dengan bermain dalam ansambel guru-siswa. Materi ansambel dapat berupa cuplikan musik untuk film, acara radio dan televisi yang sudah tidak asing lagi bagi anak-anak. Bahkan dengan memainkan satu nada saja, anak menguasai ritme, dinamika, dan gerakan awal bermain. Anak-anak juga mengembangkan imajinasi suara. Sebagai contoh, kami akan memberikan lagu rakyat Rusia “Ada pohon birch di ladang”, yang dapat dipelajari oleh ansambel “guru-siswa”. Pertama, siswa dapat diminta untuk mengetuk ketukan pertama bar (bersama dengan tepuk tangan, Anda dapat menggunakan rebana atau segitiga), menyanyikan melodi dengan suara Anda. Kemudian guru memainkan melodi tersebut, dan siswa melanjutkan mengetuk ritmenya. Kemudian - bermain duet: siswa memainkan senar pertama dalam ritme tertentu, guru memainkan melodi lagu tersebut. Hal positifnya adalah siswa bermain tanpa belajar notasi musik. G. Neuhaus menulis tentang metode kerja ini: “Sejak pelajaran pertama, siswa terlibat dalam pembuatan musik secara aktif. Bersama gurunya, ia memainkan lakon sederhana yang sudah memiliki makna seni. Anak-anak langsung merasakan nikmatnya persepsi langsung, meski hanya sekedar butiran seni. Meminta siswa memainkan musik yang mereka dengar tentu akan mendorong mereka untuk melakukan tugas musik pertama mereka dengan kemampuan terbaik mereka.”
Disarankan untuk tidak membatasi diri pada bermain dengan seorang guru, meskipun berguna dan perlu, tetapi untuk mengorganisir ansambel yang terdiri dari siswa. Mereka dapat mencakup pria dengan latar belakang dan permainan berbeda instrumen yang berbeda. Merasa seperti anggota grup musik, mereka lebih bertanggung jawab atas kinerja bagian yang ditugaskan, dan aktivitas bersama yang bertujuan untuk memecahkan masalah artistik bersama mendorong setiap orang untuk menunjukkan inisiatif kreatif dan kemandirian.
Salah satu tugas penting adalah pemilihan anggota ansambel. Perlu memperhitungkan hubungan antarpribadi anggota ansambel. Iklim psikologis yang baik dalam ansambel adalah kunci keberhasilan kerja.
Penting untuk memulai kelas dengan karya-karya yang dapat diakses oleh anak-anak, yang permainannya kesulitan teknisnya dapat diatasi dengan relatif mudah, dan semua perhatian diarahkan pada tujuan artistik. Sayangnya, seringkali kita harus mengamati gambaran sebaliknya, ketika para pemain ansambel, karena tidak memiliki dasar yang memadai, menyerahkan pekerjaan yang terlalu sulit bagi mereka untuk ujian dan ujian. Seorang siswa menunjukkan peningkatan minat terhadap pelajaran ketika ia tidak merasa tidak berdaya, tetapi menikmati hasil pekerjaannya. Lebih baik mempelajari beberapa lagu yang mudah dan memainkannya dengan tingkat artistik yang tinggi daripada memainkan satu lagu yang sulit tanpa langsung pada intinya. interpretasi kreatif.
Bagian dari pelajaran harus dikhususkan untuk membaca karya-karya sederhana. Seringkali siswa yang lebih tua yang datang ke pelajaran menemani siswa yang lebih muda, membacakan bagiannya dari lembaran.
Permainan kooperatif berbeda dari permainan solo terutama dalam hal itu rencana umum dan segala detail penafsirannya merupakan buah pemikiran dan imajinasi kreatif bukan hanya satu, melainkan beberapa pelaku dan diwujudkan melalui usaha bersama. Yang kami maksud dengan sinkronisitas suara ansambel adalah kebetulan dengan presisi ekstrim dari durasi terkecil (suara atau jeda) untuk semua pemain.
Sinkronisasi adalah hasil dari kualitas terpenting dari ansambel - pemahaman dan perasaan bersama tentang tempo dan denyut ritmis oleh mitra.
Dalam bidang tempo dan ritme, individualitas para pemainnya sangat jelas tercermin.
Sedikit perubahan dalam tempo, yang tidak terlihat dalam penampilan solo, atau sedikit penyimpangan dari ritme saat bermain bersama dapat mengganggu sinkronisitas secara drastis. Dalam kasus seperti itu, ansambel “meninggalkan” pasangannya, baik di depannya atau di belakangnya. Pelanggaran sinkronisitas sekecil apa pun saat bermain bersama terdeteksi oleh pendengar. Struktur musiknya terkoyak, harmoni vokalnya terdistorsi.
Bermain dalam ansambel membantu musisi mengatasi kekurangan bawaannya: ketidakmampuan menjaga tempo, ritme yang lamban atau terlalu kaku; membantu membuat penampilannya lebih percaya diri, bersemangat, dan beragam.
Sinkronisasi adalah persyaratan teknis pertama dari permainan ini. Kita perlu mengambil dan merekam suara bersama-sama, menahan jeda bersama-sama, dan melanjutkan ke suara berikutnya bersama-sama.
Dinamika adalah salah satu cara berekspresi yang paling efektif. Penggunaan dinamika yang terampil membantu mengungkap karakter umum musik, kandungan emosionalnya dan menunjukkan ciri-ciri desain bentuk karya. Signifikansi khusus memperoleh dinamika di bidang penyusunan kata. Aksen logis yang ditempatkan secara berbeda secara radikal mengubah makna sebuah karya musik.
Menyadari pentingnya peran dinamika dalam seni pertunjukan, kita tidak boleh melupakan cara berekspresi lain; serupa dengan peningkatan volume, pemadatan tekstur menghasilkan tampilan register dan warna nada baru. Pola ritme yang khas atau guratan yang khas dapat membedakan suatu suara dari bunyi umum, tidak kurang dari dinamikanya.
Penting bagi seorang guru untuk peduli dan tentang pertunjukan konser siswa, mendorong partisipasi mereka dalam liburan sekolah, malam bertema.
Menghadiri konser dan festival gitar juga merupakan bagian penting dari pekerjaan seorang guru. Bentuk mengenalkan anak pada seni musik (gitar) ini bersifat produktif karena membantu memperluas dan memperkaya pengetahuan yang diperoleh tentang kemampuan alat musik dan terlibat dalam kreativitas. Bentuk-bentuk ini kegiatan ekstrakurikuler direncanakan sebelumnya, dalam kondisi konser, banyak siswa menyadari kekurangan dalam perilaku mereka dan mulai melakukan pendidikan mandiri.
Kegiatan musik dan pendidikan yang dibentuk dengan cara ini selalu memberikan kontribusi terhadap pendidikan yang positif kualitas pribadi siswa, merangsang minat pada kelas.
Dengan demikian, dengan memperluas cakupan pembelajaran, tercipta peluang yang lebih besar untuk perwujudan kecenderungan, pengembangan kemampuan musikal dan kreatif siswa.
Masalah pemantauan tumbuh kembang anak yang bersentuhan dengan musik selalu menjadi relevan. Saat ini di sekolah modern Guru tidak bisa menolak pertanyaan: seperti apa anak modern, apa yang membuatnya khawatir, apa yang dia dengar di sekitarnya? Artinya, Anda perlu mencoba menggambar potret musikal dan pedagogis anak masa kini.
Dasar percobaan yang kami lakukan adalah ciri-ciri beberapa hasil kerja percobaan, bentuk pembelajarannya adalah ceramah-konser.
Tujuan utama yang kami kejar adalah untuk mengenalkan anak-anak pada sejarah gitar, kemampuan instrumen, dan komposer-gitaris dalam bentuk yang mudah diakses. Dalam hal ini, kami menggunakan metode berikut:
cerita tentang penciptaan alat musik, sejarah perkembangannya;
mendengarkan musik gitar;
demonstrasi karya gitar oleh guru sendiri.
Menurut kami, bentuk pembelajaran - ceramah-konser adalah yang paling produktif dalam mencapai tujuan kami, karena:
seperti bentuk kelas musik lainnya, bentuk pelajaran - ceramah-konser ditujukan untuk pendidikan moral dan estetika siswa;
Penggunaan rencana pelajaran yang tidak standar mendorong kebangkitan minat artistik dan pemikiran anak, serta perkembangan kemampuan kreatifnya;
kegiatan bergantian selama pembelajaran (cerita menarik dari guru, disertai dengan mendengarkan permainan musik, berbicara dengan anak-anak, permainan alat musik oleh guru sendiri) berkontribusi pada keberhasilan yang lebih besar.
Karena salah satu tugas pokoknya adalah menggali sikap siswa terhadap gitar dan kemampuannya, maka pada awal pembelajaran anak ditanyai sistem pertanyaan sebagai berikut:
Bisakah kamu bermain gitar? (akord sederhana, potongan - jelaskan)
Apa yang paling sering Anda dengar dimainkan pada gitar?
Berapa banyak senar yang ada pada gitar klasik?
Jenis gitar apa yang kamu ketahui?
Apakah Anda menyukai instrumen gitar?
Menurut Anda tempat lahirnya gitar adalah:
Menganalisis kuesioner, kami menemukan bahwa anak-anak memiliki minat yang besar terhadap gitar, namun sebagian besar mengenal gitar sebagai instrumen sederhana yang diproduksi secara massal; sama sekali tidak ada persepsi mengenai gitar sebagai instrumen klasik.
Mari kita analisa jawabannya lebih detail.
Untuk pertanyaan “Bisakah kamu bermain gitar?” 11% kelas merespons positif. Kabar baiknya adalah 99% siswa menyebut Spanyol sebagai tempat kelahiran gitar. Untuk pertanyaan “Apa yang paling sering Anda dengar dimainkan pada gitar?” 100% siswa menjawab: “Lagu pendakian, lagu di perkemahan liburan anak-anak, lagu wisata, lagu di sekitar api unggun, lagu grup musik modern.” 20% responden menambahkan bahwa mereka mendengar lagu perang, serenade, dan roman. Pertanyaan “Berapa banyak senar pada gitar klasik?” tidak menimbulkan kesulitan dalam jawaban anak; 100% kelas mengetahui string yang ada enam. Untuk pertanyaan, “Jenis gitar apa yang Anda ketahui?” 90% siswa yang disurvei menjawab: “Gitar rock, gitar bass”, dan 10% siswa menjawab pertanyaan dengan “tanda hubung”.
Dari sini kami menyimpulkan bahwa sebagian besar anak-anak modern kurang memiliki pengetahuan tentang gitar klasik, tentang repertoar gitar yang kompleks dan beragam, tentang berbagai jenis gitar. Oleh karena itu, makna praktis dari karya ini terletak pada kenyataan bahwa kesimpulan dan hasil yang kami peroleh akan berkontribusi pada pengembangan kepribadian siswa, serta memberikan materi yang dapat digunakan oleh guru musik.
Setelah survei, pembelajaran dilanjutkan dengan rencana sebagai berikut:
1. Kisah guru tentang sejarah gitar, tentang para gitaris yang berjasa besar terhadap perkembangan alat musik. Dalam hal ini, materi musik digunakan - rekaman musik gitar dari abad ke-7, ke-9; materi bergambar - potret komposer-gitaris M. Giuliani, F. Sor, A. Segovia, A. Ivanov-Kramsky.
2. Rekaman musik yang mengungkap kemampuan gitar:
Musik rakyat – aransemen Rusia oleh S. Rudnev lagu daerah“Stepa, dan stepa di sekelilingnya…”, “Oh, kamu kanopi”
Gitar Flamenco – album “Friday Evening”, “Sun Dance”, fragmen lainnya
Suite oleh komposer-gitaris kontemporer N. Koshkin “Mainan Pangeran: Monyet Angin, Permainan Prajurit”
Demonstrasi guru sendiri tentang berbagai bagian gitar: E. Vila Lobos “Prelude No. 1”, N. Koshkin “Elves” bagian IV
Menyanyikan lagu repertoar grup Lyube dengan iringan gitar.
Mari kita lihat lebih dekat setiap tahapan pelajaran:
guru berbicara tentang sejarah gitar:
“Asal muasal gitar hilang dalam kegelapan waktu. Kami tidak tahu kapan dia lahir. Kita hanya tahu bahwa pada abad ke-13 gitar sudah dikenal luas di Spanyol.
Lima periode berbeda dapat ditelusuri dalam sejarahnya. Sebut saja secara kondisional: pembentukan, stagnasi, kebangkitan, kemunduran, perkembangan. Pembentukannya berlangsung hingga sekitar pertengahan abad ke-14. Saat ini, gitar menggantikan beberapa instrumen senar primitif, menguasai repertoarnya sendiri, dan menjadi salah satu instrumen folk favorit di Spanyol. Namun sebelum gitar sempat menjadi lebih kuat dan bertambah kuat, kecapi muncul di Eropa. Orang-orang Arab membawanya ke sini. Pendatang baru di luar negeri segera menyingkirkan gitarnya. Ini adalah masa stagnasi.
Namun lambat laun gitar belajar menampilkan repertoar kecapi yang kaya. Setelah menggantikan kecapi, gitar tidak melupakan gurunya: bahkan saat ini, gitar sering menampilkan musik kecapi kuno dari panggung konser.
Maka dimulailah periode kebangkitan. Hal ini membutuhkan peminat tersendiri. Yang paling menonjol di antara mereka adalah pemain dan guru Italia M. Giuliani, gitaris M. Carcassi.” (Anak-anak ditawari materi ilustrasi - potret komposer-gitaris yang disebutkan di atas, serta materi musik - M. Carcassi "Grand Sonata" bagian I)
Guru melanjutkan ceritanya: “Masuk pertengahan abad ke-19 abad, piano menjadi instrumen utama di ruang konser. Biola juga memegang teguh tempatnya. Dan masa kemunduran akan tiba untuk gitar.
Untungnya, periode penurunan tersebut hanya berlangsung beberapa dekade. Dan kemudian pertumbuhan pesat dimulai. Awal mula masa kejayaannya terutama dikaitkan dengan nama gitaris Spanyol Fr. Pekerjaan yang dimulai oleh Pastor Tarrega dilanjutkan dengan gemilang oleh gitaris Spanyol A. Segovia.
Andres Segovia lahir pada tahun 1893 di kota kecil Linares di Spanyol. Pamannya yang menyukai musik ingin mengajari Andres bermain biola. Seorang guru diundang dan instrumen dibeli. Dan tak lama kemudian, seorang gitaris keliling tinggal di rumah pamannya selama satu setengah bulan. Waktu sesingkat itu sudah cukup bagi seorang anak laki-laki berusia enam tahun yang berbakat untuk menguasai alat musik asing. Kemudian dia belajar sendiri, mendengarkan gitaris folk dan mengadopsi teknik bermain mereka.
Kepiawaian Andres Segovia sudah diakui dunia. Merasa kemampuan gitarnya belum tereksplorasi sepenuhnya, ia mencari dan menemukan teknik baru yang memungkinkannya menyampaikan nuansa paling halus dari karyanya. Repertoar A. Segovia mencakup karya-karya komposer: J. S. Bach, G. Handel, W. Mozart, L. Beethoven” (Anak-anak diundang untuk mendengarkan “Gavott” oleh J. S. Bach)
Selanjutnya cerita guru disusun sebagai berikut: “Sepertinya apa yang telah dikemukakan sebelumnya sudah cukup untuk menjawab pertanyaan “apa yang bisa berupa gitar?” Sulit untuk menentukan batas kemampuan sebuah gitar – sepertinya ia bisa melakukan segalanya.” (Untuk mendengarkan musik, materi yang ditawarkan adalah adaptasi lagu rakyat Rusia karya S. Rudnev “Steppe, yes steppe all around…”, “Oh you, kanopi”)
Kemudian guru menceritakan kepada anak-anak tentang sejarah kemunculan dan perkembangan flamenco: “Unsur utama flamenco adalah unsur menyanyi dan menari. Peran musik utama diberikan kepada gitar.” (Materi mendengarkan - album "Friday Evening", "Sunny Dance", fragmen lainnya)
Selanjutnya, guru memperkenalkan siswa pada rangkaian asli dari komposer-gitaris modern N. Koshkin “Mainan Pangeran: Monyet Angin, Bermain dengan Tentara” (Gambar musik membangkitkan minat anak-anak)
Peragaan oleh guru sendiri tentang berbagai bagian gitar: E. Vila Lobos “Prelude No. 1”, N. Koshkin “Elves” bagian IV, serta menyanyikan lagu dari repertoar grup “Lube” dengan iringan a gitar adalah elemen puncak pelajaran. Tampilan unsur-unsur tersebut memberikan keterkaitan kegiatan pembelajaran, serta pendekatan terpadu terhadap organisasi dan dramaturginya.
Karena observasi adalah salah satu metode penelitian utama dalam psikologi dan pedagogi, kami memasukkannya ke dalam analisis akhir eksperimen kami, serta dalam proses mengidentifikasi reaksi emosional siswa saat mendengarkan musik gitar. Selama pembelajaran, kami juga memperhitungkan suasana psikologis.
Menganalisis hasil yang diperoleh, kami sampai pada kesimpulan bahwa kesan paling jelas pada siswa dibuat oleh musik Flamenco dan efek khusus dari suite N. Koshkin; musik folk hanya menarik minat 20% siswa; Sayangnya, musik klasik menempati posisi terakhir di kalangan anak-anak modern. Dari sini kami menarik kesimpulan tentang minat anak dan kecenderungan berpikir modern siswa. Musik Flamenco dan efek khusus dari suite N. Koshkin adalah contoh musik gitar yang mencolok, tetapi tidak memerlukan konsentrasi berpikir atau memori yang besar saat mengamati gambar musik. Musik rakyat lebih bermakna dan membutuhkan perhatian lebih dari pendengarnya - kami melihat bahwa anak-anak praktis tidak tertarik. Anak belum siap mempersepsikan musik gitar klasik.
Setelah menganalisis fakta yang diperoleh, kami sampai pada kesimpulan bahwa guru perlu memecahkan masalah seperti
pembentukan tingkat budaya persepsi musik klasik yang lebih tinggi;
mengembangkan pemahaman tentang etika rakyat, musik rakyat dan perannya;
mempromosikan contoh-contoh terbaik dari musik gitar, menanamkan rasa hormat terhadapnya.
Kesan anak-anak secara keseluruhan terhadap pelajaran tersebut adalah positif, yang menekankan perlunya memperkenalkan materi baru yang tidak biasa bagi siswa di dalam kelas. Dengan demikian, sistem cara penggunaan metode kreatif yang kami usulkan merupakan faktor perkembangan dalam pembelajaran anak, dan jika sistem metode, cara dan teknik kreatif menggunakan gitar digunakan dalam proses pembelajaran, maka perkembangan kepribadian siswa dalam suatu seni. sekolah akan lebih efektif.
Kesimpulan.
Pendidikan musik selalu dan tetap menjadi bagian integral dari pendidikan estetika generasi muda. Dalam praktik modern, terdapat kecenderungan penyelenggaraan pendidikan dalam kesatuan prinsip dan metode pengajaran dasar-dasar ilmu pengetahuan dan seni. Tren ini memungkinkan anak mengembangkan gambaran holistik tentang dunia, mengembangkan pemikiran logis dan imajinatif. Metodologi pendidikan musik berbasis pedagogi memandang pendidikan sebagai suatu proses yang bergantung pada banyak faktor. Mempertahankan minat kognitif anak dalam proses pembelajaran merupakan salah satu tugas pedagogi yang paling sulit. Berdasarkan hal tersebut, guru hendaknya berupaya membentuk dan memelihara minat kognitif siswa dengan menggunakan berbagai metode kerja. Menganalisis literatur, kami menyimpulkan bahwa seni gitar adalah salah satu sarana pendidikan estetika yang ampuh. Hasil percobaan menunjukkan bahwa minat kognitif terhadap gitar di kalangan siswa yang lebih muda cukup tinggi, dan adanya minat merupakan syarat pertama keberhasilan pendidikan. Selain itu, materi yang kami pilih memiliki potensi emosional yang besar. Kekuatan dampak emosional itulah yang menjadi cara menembus kesadaran anak dan sarana pembentukan kualitas estetis seseorang.
Dengan demikian, sistem metode, metode dan teknik kreatif dalam pembelajaran khusus merupakan sarana yang efektif untuk pengembangan kreatif kepribadian siswa.
Meringkas semua hal di atas, kami menyimpulkan bahwa guru harus berusaha menemukan solusi untuk masalah pedagogis yang kompleks seperti mempertahankan minat kognitif dalam sikap kreatif terhadap siswa, dalam apa yang disebut pedagogi artistik.
LITERATUR
Agafoshin P. Sekolah memainkan gitar enam senar. - M.; 1972
Vetlugina N.A. Perkembangan musik anak. - M.Pencerahan; 1988
Wolman B. Gitar. - M., Musik; 1972
Ghazaryan S. Dalam dunia alat musik. - M.; 1989
Ghazaryan S. Sebuah cerita tentang gitar. - M.; 1987
Gladkaya S.Sat. Pendidikan musik di sekolah nomor 14.
Standar pendidikan negara bagian (komponen pendidikan ilmiah dan regional). ek.; 1999
Dmitrieva A.G., Chernoivanenko N.M. Metode pendidikan musik di sekolah. - M.; 1998
Dmitrieva L.G., Chernoivanenko N.M. Buku teks untuk siswa. rata-rata ped. buku pelajaran perusahaan. Metode pendidikan musik di sekolah. – M.: Pusat Penerbitan “Akademi”, edisi ke-2, stereotip.; 1998
Duncan Ch. Seni bermain gitar klasik. - M.; 1988
Zagvyazinsky V., Atakhanov R. Metodologi dan metode penelitian psikologis dan pedagogis. - M.; 2001
Kazantseva M.G. Satu set latihan untuk membangun pernapasan
Karpov L. Almanak. Akademi Gitar Klasik. - Sankt Peterburg; 2003
Karpov L. Manual metodologis untuk guru dan siswa sekolah musik. Metode paku menghasilkan suara pada gitar. - Sankt Peterburg Universitas Negeri Kebudayaan dan Seni; 2002
Kryukova V.V. Pedagogi musik – Rostov n/d: “Phoenix”; 2002
Kuzmina N.V. Kemampuan, bakat, bakat seorang guru. - L.; 1985
Lazareva A. Panduan metodologi bermain gitar untuk anak kecil. Kami belajar dengan bermain. – Kharkov; 2004
Larichev E., Nazarova A. almanak musik. Gitar, edisi 2. – M.; 1990
Melnikov M.N. Cerita rakyat anak-anak dan masalah pedagogi rakyat. - Novosibirsk, Pendidikan; 1987
Dunia masa kecil. Anak sekolah menengah pertama. - M., Pedagogi; 1988
Nazarov L. Pengantar lagu cerita rakyat, majalah “Kreativitas Rakyat” No. 6, 1999, No. 1, 2000
Sekolah Dasar No.2; 2000
Nemov R.S. Psikologi. - M., Vladivostok; 1999
Puhol E. Sekolah bermain gitar enam senar. - M.; 1977
Pengembangan aktivitas kreatif siswa. - M., Pedagogi; 1991
Slastenin V.A., Isaev I.F., Shiyanov E.G. Pedagogi umum. Bagian 1. – M.: Vlados; 2003
Smirnov S. Pedagogi. - Pusat Penerbitan, Akademi; 1998
Sokolov V., Khitrov V Rus Kuno'. – Bryansk, 1995
Starikova K.L. Ritual rakyat dan puisi ritual. - Ekaterinburg, wilayah St. Departemen ped. Masyarakat; 1994
Starikova K.L. Asal usul kearifan rakyat. - Ekaterinburg, wilayah St. Departemen ped. Masyarakat; 1994
Stolyarenko L.D. Pedagogi. 100 jawaban ujian. – M., 2003
Berjuang G.A. paduan suara sekolah. - M.; 1981
Fomina N.N. hari libur nasional dan program dengan rekomendasi metodologis pengorganisasian pelajaran untuk kelas 9-11; 1991
Khalabuzar P., Popov V., Dobrovolskaya N. Metode pendidikan musik. - M.; 1990
Kharlamov I.F. Pedagogi: Buku Teks. – edisi ke-6. - M N.; 2000
Chelysheva T.V. Pendamping guru musik. - M.; 1993
Shamina L. Bekerja dengan grup amatir. - M., Musik; 1983
Shiryalin A. Puisi tentang gitar. - M.; 1994
Shkolyar L. Pendidikan musik di sekolah. - M.; 2001
Lampiran 1
Lampiran 2
Lampiran 3
Lampiran 4
Lampiran 5
Lampiran 6
Lampiran 7
Lampiran 8
Lampiran 9
seperangkat proposal dan pedoman yang paling memudahkan implementasi metode yang efektif dan bentuk pekerjaan untuk memecahkan masalah pedagogis
Tujuan dari rekomendasi metodologis adalah untuk membantu staf pengajar dalam mengembangkan solusi berdasarkan pencapaian ilmu pengetahuan dan praktik terbaik, dengan mempertimbangkan kondisi dan karakteristik spesifik kegiatan. Saat mengerjakan rekomendasi metodologis, penulis harus dengan jelas mendefinisikan tujuan pekerjaan, dengan menundukkan semua konten padanya; pastikan untuk menunjukkan kepada siapa rekomendasi tersebut ditujukan; memberikan rekomendasi tentang teknologi pedagogi canggih apa yang harus digunakan.
Jika kita berbicara tentang generalisasi praktik terbaik, maka perlu diungkapkan teknik dan metode metodologi apa yang digunakan untuk mencapai keberhasilan dalam proses pendidikan.
MBOU LAKUKAN "SEKOLAH MUSIK ANAK YAMAL"
CABANG MYSKAMENSKY
Yermolovich L.G.
Pesan metodis
“Tentang masalah belajar bermain gitar pada usia dini”
Kita sering menjumpai pendapat bahwa diperbolehkan bermain gitar paling lambat pada usia 6-7 tahun. Namun, guru - pemain biola dan pianis - mulai bekerja dengan anak-anak berusia 4-5 tahun. Meskipun kelas dengan anak memiliki aspek yang sama bagi guru dalam berbagai instrumen: pemilihan materi musik, metode pelaksanaan pembelajaran, instrumen yang memungkinkan Anda menyelesaikan tugas yang diberikan kepada anak tanpa usaha berlebihan. Jika semua aspek ini dapat diatasi, maka kita dapat mengatakan dengan yakin bahwa belajar bermain gitar harus dimulai sedini mungkin.
Tentu saja, Anda perlu mempertimbangkan karakteristik usia: sering mengalihkan perhatian, mudah lelah, kurangnya keterampilan bermusik, dll.
Untuk mencapai hasil terbaik dalam mengajar seorang pemula, perlu menarik minatnya pada pekerjaan, menjaga konsistensi dalam mempelajari setiap keterampilan baru, dan mencapai asimilasi yang bermakna.
Karakter anak harus diperhitungkan dalam setiap kasus. Ciri-ciri psikologi anak bersifat individual, namun semuanya memiliki satu kesamaan: pada usia 4-5 tahun, lama perhatian, konsentrasi pada satu objek adalah 5-6 menit. Setelah itu kerentanan menurun tajam. Oleh karena itu, selama kelas, disarankan untuk mengubah jenis pekerjaan dengan siswa setiap 5-6 menit.
Disarankan untuk membatasi durasi pelajaran menjadi 20-25 menit, dan menambah jumlah pelajaran per minggu menjadi 3-4 kali.
Proses pembelajaran secara keseluruhan hendaknya beralih dari konsep-konsep umum ke upaya mempersempit dan memperdalam hal-hal khusus. Semakin luas landasan pendidikan umum yang diletakkan di masa kanak-kanak, semakin bermanfaat pula pekerjaan di bidang khusus yang sempit dan profesional. Semakin lebar dasar piramida, semakin tinggi pula puncaknya. Dasarnya, pertama-tama, adalah kecerdasan yang dikembangkan, kemampuan untuk membangun sirkuit logis multi-komponen.
Pada tahap pendidikan musik umum dasar, seorang anak harus belajar memilih dengan telinga, bernyanyi dalam paduan suara, mendengarkan musik dengan komentar berikutnya, menonton film, drama, dll.
Namun bagaimana, dalam bentuk apa, mengadakan kelas dengan anak usia 5-7 tahun? Guru berprestasi Anton Semenovich Makarenko dalam salah satu karyanya mengemukakan: “ Ada metode penting - bermain. Menurut saya agak keliru jika menganggap bermain sebagai salah satu aktivitas anak. Di masa kanak-kanak, bermain adalah hal yang lumrah, dan seorang anak harus selalu bermain, bahkan saat sedang melakukan urusan serius... Seorang anak memiliki hasrat untuk bermain, dan itu harus dipuaskan. Diperlukan Bukan beri saja dia waktu untuk bermain, tetapi Anda harus memenuhi seluruh hidupnya dengan game ini" Bukan pertentangan antara permainan dan pekerjaan, tetapi sintesisnya! Inilah inti dari metode permainan. Berbicara tentang prinsip pemersatu kerja dan bermain, A.S. “Dalam setiap permainan yang bagus, pertama-tama, ada upaya kerja dan upaya pemikiran... Permainan tanpa usaha, tanpa aktivitas aktif, selalu merupakan permainan yang buruk.”
Bermain membawa kegembiraan bagi anak. Itu akan menjadi kegembiraan kreativitas, atau kegembiraan kemenangan, atau kegembiraan estetika - kegembiraan kualitas. Pekerjaan bagus membawa kegembiraan yang sama, dan ada kesamaan yang lengkap di sini.
Beberapa orang berpendapat bahwa bekerja berbeda dengan bermain, karena bekerja mempunyai tanggung jawab, namun bermain tidak. Ini tidak benar: dalam permainan ada tanggung jawab yang sama seperti dalam pekerjaan - tentu saja, dalam bermain dengan baik dan benar.
Yang dimaksud dengan “permainan yang benar dan baik” harus dipahami sebagai permainan yang mendidik dan mengembangkan.
Mark Twain, pada bagiannya, mencatat dengan tidak kalah akuratnya: “Bekerja adalah sesuatu yang wajib dilakukan seseorang, tetapi bermain adalah sesuatu yang tidak wajib dilakukannya.”
Pedagogi imperatif melibatkan cara langsung dan langsung untuk mempengaruhi siswa: ketelitian dan kontrol yang ketat. Saat ini, dalam praktik pendidikan terdapat begitu banyak pengaruh langsung sehingga kita telah membaca tentang konsekuensinya dari seorang psikoterapis. Jadi, V. Levi menulis: “ Selama bertahun-tahun menjalankan praktik medis, saya telah mengenal lebih dari seratus orang, kecil dan besar, yang
- Mereka tidak menyapa
- Jangan mencuci muka
- Jangan menyikat gigi
- Jangan membaca buku
- Jangan terlibat dalam (olahraga, musik, pekerjaan manual, bahasa..., pengembangan diri inklusif)
- Jangan bekerja
- Jangan menikah
- Tidak ada pengobatan
- Dll. dll.
Hanya karena mereka didorong untuk melakukannya!
Bukankah hal ini selalu terjadi? Selalu, tapi sering, dan terlalu sering disebut kecelakaan.”
Sarana pengaruh langsung meliputi:
- Memesan
- Persyaratan
- Catatan
- Bujukan
- Pengingat
- Nasihat
- Petunjuk
- Kesimpulan perjanjian
- Perjanjian
- Dll..
Permainan mengacu pada metode pengaruh tidak langsung, ketika anak tidak merasa menjadi objek pengaruh orang dewasa, ketika ia menjadi subjek aktivitas penuh. Oleh karena itu, selama bermain, anak sendiri berusaha mengatasi kesulitan, mengajukan masalah dan menyelesaikannya. Permainan merupakan salah satu sarana pendidikan berubah menjadi pendidikan mandiri, tentunya jika permainan tersebut “benar” dan “baik”. ».
Dalam permainan itulah hubungan antara orang dewasa dan anak-anak dibangun. Hubungan-hubungan ini mendasari pendekatan personal, ketika guru memusatkan perhatian pada kepribadian anak secara keseluruhan, dan bukan hanya pada fungsinya sebagai siswa.
Permainan bukanlah hiburan, melainkan cara khusus untuk melibatkan anak aktivitas kreatif, metode untuk merangsang aktivitas mereka. Permainan peran, seperti metode tidak langsung lainnya, lebih sulit digunakan daripada pengaruh langsung. Jauh lebih mudah untuk sekadar memberi tahu anak-anak: “Ayo lakukan seperti ini!”, “Ulangi setelah saya!” Permainan peran memerlukan upaya pedagogis dan keterampilan pedagogis tertentu.
Saat ini, ketika permainan peran banyak digunakan oleh para ekonom, sosiolog, psikolog sosial Dalam bidang yang murni “dewasa”, semakin sering seruan terdengar di konferensi pedagogis: « Bawa permainan itu kembali ke sekolah!».
Orang yang dihadapkan pada permainan peran di masa kanak-kanak lebih siap untuk aktivitas kreatif .
Pedagogi - Ini “seni adalah yang paling luas, kompleks, dan paling penting semua seni"- kata K. Ushinsky, - ini « seni berbasis data ilmu pengetahuan" Pedagogi musik adalah seni ganda, kreativitas ganda,
pekerjaan metodologis
Karya metodologis “Bekerja dengan tangga nada di kelas gitar” disiapkan oleh Konstantin Sergeevich Gubenko
2
Isi
Pendahuluan……………………………………………………………………...3 1 Skala suara tunggal…………………………………… ……………………… …….……..5 2 Pilihan meraba jari tangan kanan………………….…..8 3 Teknik menghasilkan suara saat mengerjakan tangga nada ………………………12 4 Masalah meraba jari tangan kiri ………………………..….16 5 Urutan pembelajaran tangga nada di sekolah musik anak….18 Kesimpulan… …………………………………………………………………………… ….24 Daftar sumber yang digunakan………………………………… …..26
3
Perkenalan
Bukan rahasia lagi bahwa setiap gitaris bermimpi dan berusaha untuk bermain dengan cepat, keras dan bersih, mengesankan pendengar dengan teknik virtuosonya, terutama pada bagian-bagian yang mirip tangga nada. Bagi beberapa musisi, hal ini didapat dengan mudah (kemampuan alami), yang lain mengembangkan teknik ini melalui kerja keras bertahun-tahun (keterampilan yang diperoleh), dan beberapa sama sekali gagal menguasai kualitas-kualitas virtuoso ini (kemalasan atau biasa-biasa saja). Bagian tangga nada dalam satu atau lain bentuk cukup sering ditemukan dalam karya gitar klasik, misalnya dalam bahasa Spanyol (flamenco) dan karya klasik(Sor, Giuliani, Aguado, Legnani, dll.), serta drama etudes dan virtuoso. Sudah diketahui umum bahwa bermain tangga nada itu bermanfaat, tetapi karena alasan tertentu tidak semua orang melakukannya dengan senang hati. Sedangkan jika dimainkan dengan bijak akan menjadi proses yang kreatif dan mengasyikkan. Ketika tangga nada dikuasai, performanya menangkap energi gerakan. Ingatlah bahwa naik kereta luncur atau ski menuruni gunung, mengendarai sepeda adalah kegiatan yang rutin namun mengasyikkan, namun bermain tangga nada juga sekaligus memecahkan masalah catur atau puzzle. Mari kita cari tahu apa yang dapat diberikan oleh mengerjakan timbangan dan bagaimana tepatnya Anda perlu mengerjakannya. Faktanya adalah timbangan adalah rumus teknis paling sederhana. Mereka menarik bukan karena dirinya sendiri, tetapi karena kesederhanaan dan keserbagunaannya. Mempelajari tangga nada yang hanya terdiri dari beberapa nada memang mudah, namun dengan melakukan berbagai tugas kita bisa belajar banyak. Dengan demikian, seseorang dapat mempelajari tekniknya bentuk murni, melewati kesulitan khusus dalam menguasai teks musik, gaya pertunjukan, kesulitan mengalihkan perhatian dari satu tugas ke tugas lainnya, yang
4 mau tidak mau harus ditemukan dalam sebuah karya seni yang tujuan utamanya adalah menciptakan citra musikal. Jadi, dari semua yang telah dikatakan, jelas bahwa penting untuk tidak hanya mempelajari tangga nada dan memainkannya. Hanya dengan mengetahui apa yang harus dikerjakan, bagaimana cara mengerjakannya, apa yang harus difokuskan, barulah Anda dapat memperoleh manfaat dari bermain tangga nada. Ini adalah aspek pertama – teknis. Aspek kedua bersifat teoritis. Ternyata dalam kehidupan nyata kedua kelompok masalah ini menjadi pesaing. Jarang ada orang yang berhasil menemukan keseimbangan di antara keduanya. DAN teori musik, dan teknologi, bertentangan dengan sudut pandang filistin, memerlukan pengetahuan yang akurat, spesifik dan rinci, penyertaan memori dan perhatian secara aktif. Sulit bagi guru, terutama anak itu sendiri, untuk mengidentifikasi apa yang perlu diingat, apa yang harus diperiksa, apakah pengetahuan tersebut benar-benar tersimpan dalam ingatan atau sekadar menjadi familiar dan menjadi familiar, tetapi tidak relevan. Tujuan dari pekerjaan ini: untuk mempelajari dan menganalisis masalah pengerjaan bahan ajar dalam literatur metodologi; pertimbangkan pendekatan teoretis utama untuk mempelajari tangga nada di kelas gitar, serta mengembangkan urutan mempelajari tangga nada di sekolah musik anak-anak.
1 tangga nada satu suara
Tangga nada selalu menjadi salah satu alat terpenting untuk pengembangan teknis seorang musisi pertunjukan dengan spesialisasi apa pun. Tak terkecuali teknik bermain sang gitaris. Dalam setiap manual metodologi kita akan menemukan tangga nada satu suara di semua tuts, paling sering di penjarian A. Segovia, dengan penjelasan kecil, biasanya tentang manfaat memainkan tangga nada. Perlu dicatat bahwa saat ini tidak ada aturan penjarian yang seragam untuk memainkan tangga nada pada gitar. Pencarian penjarian rasional dalam tangga nada telah secara signifikan mengesampingkan pertanyaan utama: mengapa mereka dimainkan? Lebih sering
Jawaban ke-5 adalah: mengembangkan kelancaran dan teknik memainkan bagian tangga nada. Jika kita berbicara tentang yang pertama, maka saat ini sudah bukan rahasia lagi bagi siapa pun bahwa kefasihan merupakan anugerah alam yang dapat dikembangkan jika tersedia. Namun, kecil kemungkinannya untuk meningkatkan kecepatan gerakan jari secara signifikan jika hal ini tidak diberikan oleh alam. Saat mempelajari teknik fingering yang digunakan oleh A. Segovia dalam “Gammas”-nya yang terkenal, muncul keraguan mengenai pernyataan kedua. Lagi pula, figurasi seperti tangga nada dalam karya musik sangat jarang dilakukan dengan menggunakan jari yang ditunjukkan dalam manual ini. Tampaknya “Gammas” A. Segovia dimaksudkan untuk mengembangkan dan memperkuat keterampilan bermain yang terorganisir, percaya diri, mengoordinasikan tindakan jari-jari kedua tangan. Dengan bantuan tangga nada, salah satu komponen paling kompleks dari teknik bermain gitar juga dipraktikkan - transisi dari senar ke senar, menguasai seluruh rangkaian gitar, keterampilan memainkan kunci dengan jumlah yang berbeda benda tajam dan datar. Pengetahuan tentang fingering dan orientasi bebas pada fretboard merupakan dasar yang diperlukan untuk pengembangan teknik pertunjukan, selain itu, memainkan tangga nada membantu mengkonsolidasikan sensasi otot yang benar, mengembangkan kelancaran utama dan koordinasi tindakan kedua tangan. Sejak awal penguasaan tangga nada, siswa perlu menetapkan tujuan tertentu untuk kualitas kinerja mereka, terutama dalam hal ini pelatihan kejuruan. Persyaratan awal tersebut berkaitan dengan kejelasan dan kemerataan bunyi tangga nada. Pertama-tama, mereka terkait dengan masalah koordinasi tindakan jari-jari tangan kanan dan kiri. Gitar adalah alat musik yang dipetik, dan durasi bunyinya terbatas, karena getaran senarnya cepat hilang. Selain itu, senarnya langsung teredam jika jari tangan kiri diangkat atau disentuh oleh jari tangan kanan. Hal ini menjelaskan betapa sulitnya mencapai permainan yang koheren dan perlunya kontrol terus-menerus atas tindakan jari kedua tangan.
6 Tercapainya kejelasan dan kemerataan saat melakukan tangga nada pada tahap pertama didasarkan pada latihan koordinasi gerakan jari-jari kedua tangan. Metode pengembangannya terkandung dalam permainan tangga nada, baik dengan pengelompokan durasi yang paling sederhana (duolit, triplet, kuarto), maupun dengan keterlibatan figur ritme yang lebih kompleks: ritme titik-titik, seperdelapan - dua perenam belas dan variannya. Tentu saja, penting juga untuk melatih semua pasang jari tangan kanan secara bergantian:
aku
,
m-a
,
saya-a
. Hal ini dilakukan secara paralel dengan penyelesaian masalah koordinasi dan ritme. Selain itu, wajib menggunakan dua teknik produksi suara -
tirando
Dan
apoyando
. Untuk mengontrol kinerja timbangan pada tes teknik, Anda dapat menggunakan opsi apa pun yang telah disepakati sebelumnya. Ketika tingkat kinerja siswa meningkat, persyaratan kualitas kinerja skala meningkat. Siswa harus diberi tugas yang lebih kompleks - artikulatoris, dinamis, timbre. Lambat laun gamma menjadi bahan karya seni. Kemudian, ketika bekerja dengan tangga nada, tugasnya menjadi lebih kompleks dan bervariasi: figur ritmis yang lebih kompleks dan berbagai macam teknik dinamis dan artikulatoris dapat digunakan. Perlu dicatat bahwa legato pada gitar cukup konvensional, namun kami menggunakan istilah ini untuk menunjukkan permainan yang paling koheren. Kita hanya dapat berbicara tentang berbagai tingkat pemotongan, dan bukan tentang koherensi suara. Selain itu, pada tempo cepat batas antara staccato dan legato hampir terhapus, dan dalam kondisi seperti ini yang utama adalah rasa perbedaan satu sama lain, setidaknya secara simbolis. Melakukan penskalaan pada tes teknologi tidak hanya (dan tidak terlalu banyak) merangsang pertumbuhan teknis siswa, tetapi, pertama-tama, membantu mengidentifikasi kesenjangan dalam pelatihan teknis, kekurangan yang menghambat pengembangan lebih lanjut, dan, pada saat yang sama, cara untuk melakukannya. memperbaiki kesalahan dan mencapai keterampilan ketinggian baru.
7 Kekhasan fingering gitar adalah tidak hanya terdapat di tangan kiri, tetapi juga di tangan kanan. Pada saat yang sama, fungsi dan gerakan tangan kiri dan kanan berbeda secara signifikan satu sama lain, sehingga memerlukan perhatian khusus pada kombinasi jari-jarinya. Kami akan membahas masalah fingering gitar untuk tangan kanan dan kiri di bab selanjutnya dari karya ini.
2 Opsi penjarian untuk jari tangan kanan
Kalau soal fingering gitar, biasanya kita memikirkan tangan kiri, karena masalah pemilihan jari sering muncul di sana. Sedangkan di sisi kanan, topik ini jarang diangkat karena kejelasannya yang diakui secara umum. Namun, di sini juga ada satu masalah yang ingin saya soroti. Kita berbicara tentang pergantian jari dalam bagian yang seperti sisik. Biasanya, dalam tangga nada dan bagian seperti tangga nada, banyak gitaris menggunakan penjarian jari tangan kanan (standar) yang biasa. Prinsip fingering “standar” adalah dengan bergantian dua jari tangan kanan
aku
atau
aku
. Jika bagian ini tidak dilakukan dengan cepat atau pendek, masalah biasanya tidak timbul. Semua nada terdengar jelas dan bersuara. Saat tempo meningkat, gitaris mungkin mengalami masalah: jari-jarinya seperti “terbelit” pada senar. Namun karena “kesulitan” ini, sama sekali tidak perlu menolak untuk memainkan lagu tersebut atau melakukannya lebih lambat dari yang diharapkan. Mari kita lihat beberapa prinsip dan pilihan penggunaan fingering di tangan kanan dengan menggunakan contoh timbangan
C mayor
di jari Andres Segovia, yang sekarang menjadi buku teks.
Skala C-dur (menjari oleh A. Segovia)
8
Prinsip dua jari
. Bagian skala dilakukan dengan dua jari tangan kanan,
aku
atau
aku
. Ini adalah teknik fingering yang paling umum digunakan oleh hampir semua gitaris. Beberapa gitaris (karena logika panjang jari yang sama dan kecenderungan pribadi) menggunakan variasi penjarian dua jari, yaitu -
ai
atau
saya-a
. Karya-karyanya praktis tidak menggunakan finger fingering
pagi
m-a
). Untuk mengembangkan kekuatan dan mobilitas jari-jari ini, disarankan untuk menggunakan ligamen ini dalam latihan dan beban. Perhatikan bahwa saat menggunakan jari kelingking tangan kanan dalam latihan, kekuatan, kepercayaan diri, dan elastisitas jari juga meningkat
A
, Karena mereka dihubungkan oleh satu tendon.
Prinsip tiga jari
. Terlepas dari penjarian di tangan kiri, metode penjarian tiga jari yang digunakan di tangan kanan, yaitu -
A-
aku
, lebih jarang
aku-m-a
.
Prinsip gabungan
. Dalam gerakan ke atas dalam suatu bagian atau tangga nada, nada pertama pada senar berikutnya dimainkan dengan jari
A
. Dalam gerakan ke bawah, nada pertama pada senar berikutnya dimainkan dengan jari
Saya
. Jika ada jumlah nada genap pada satu senar (dua atau empat), digunakan penjarian dua jari.
9
Metode Frautschi
. Tangga nada dan petikan seperti tangga nada menggunakan ibu jari tangan kanan. Dalam bagian menaik, saat mengganti senar, nada terakhir pada senar sebelumnya dimainkan dengan jari
R
. Jika terdapat dua nada pada satu senar (jumlah nada genap), digunakan penjarian dua jari di tangan kanan dengan atau tanpa menggunakan jari.
R
.
Prinsip "Balalaika".
. Inilah prinsip menghasilkan suara dengan jari Anda
pi
atau
pm
. Jika frasa tersebut tidak dimulai dengan ketukan yang kuat, Anda dapat memulai bagian tersebut dengan jari
Saya
atau
M
. Anda dapat menggunakan jari Anda untuk menekankan ketukan yang kuat.
R
. Sebagai dasar teknik tangga nada dalam bermain gitar, sebaiknya gunakan fingering yang paling tepat dan natural pada tangan kanan, yaitu:
aku
, bukan
aku
;
a-m-i
, bukan
aku-m-a
;
p-m-i
, bukan
p-i-m
. Lebih nyaman bermain dari jari kelingking ke ibu jari, dan bukan sebaliknya. Saat memilih prinsip pergantian jari-jari tangan kanan, sering muncul pertanyaan dengan jari mana untuk mulai melakukan figur skala tertentu. Kesulitan teknis utama pada tangan kanan saat memainkan gerakan progresif adalah peralihan dari senar ke senar, terutama jika bertepatan dengan apa yang disebut “menyilangkan” jari. Ambil contoh skala C-dur:
aku aku aku aku aku
1 0 Berikut adalah fingering dengan tiga transisi dari senar ke senar: dore, fa-sol, la-si. Dalam kasus pertama, posisi alami dipertahankan (jari tengah memainkan suara pada senar yang lebih tinggi), sedangkan dalam dua kasus lainnya, terjadi persilangan: jari telunjuk
seolah-olah “melangkahi satu langkah”, sehingga mengganggu posisi nyaman jari. Dalam prakteknya, menyilangkan jari pada tangga nada dan bagian adalah hal yang cukup umum, meskipun tidak terlalu diinginkan dan harus dihindari jika memungkinkan. Satu-satunya pertanyaan adalah di mana dan bagaimana cara terbaik untuk melakukan ini: mengganti jari tangan kiri atau urutan jari kanan? Untuk memperbaiki situasi dalam contoh kita tanpa mengubah jari tangan kiri, Anda dapat memulai skala dengan jari tengah, mengurangi jumlah persilangan menjadi satu. Tapi pilihan terbaik adalah sebagai berikut: ibu jari dimulai, lalu jari telunjuk dan jari tengah bergantian. Dalam hal ini, perasaan nyaman tetap terjaga sepenuhnya dan gerakan alami tidak terganggu:
p aku aku aku aku aku
Terkadang ketika memilih lead finger, sangat penting untuk memperhatikan struktur ritme dan metrik suatu bagian, lokasinya dalam jangkauan gitar, serta materi sebelum dan sesudahnya. Jari tangan kiri tidak dapat diabaikan, karena dalam beberapa kasus hal itu menentukan kondisi tertentu. Bab ini hanya membahas beberapa kemungkinan penggunaan fingering di tangan kanan, yang dapat digunakan tergantung pada situasi spesifik dalam karya. Pada bab selanjutnya kita akan melihat kemungkinan menggunakan teknik produksi suara saat mengerjakan tangga nada.
3 Teknik produksi suara saat mengerjakan tangga nada
tirando
1 1 Eksekusi timbangan merupakan bagian integral dari penguasaan teknis. Banyak gitaris yang memainkan bagian-bagian saja
apoyando
, atau hanya
tirando
,
. Oleh karena itu, beberapa bagian terdengar sangat bagus, sementara bagian lainnya terdengar kurang meyakinkan. Penting bagi pemain untuk menyesuaikan diri untuk memahami bagian tersebut sebagai bagian dari keseluruhan artistik dan memperlakukan teknik ini dengan tenang dan bijaksana. Skala apa pun bisa dimainkan
atau dengan satu tangan kiri (legato). Anda perlu menguasai semua metode, kemudian untuk setiap bagian Anda dapat menemukan metode eksekusi yang optimal. Misalnya, bagian terakhir dari “Variasi Tema Mozart” oleh F. Sora dapat dibawakan:
tirando
menggunakan jari
aku
;
tirando
menggunakan jari
p-m-i
;
apoyando
menggunakan jari
aku
;
apoyando
menggunakan jari
a-m-i
; legato dengan tangan kiri, memainkan bunyi pertama pada setiap senar dengan tangan kanan. Setiap metode memiliki kelebihannya masing-masing. Pelaku harus menggunakan opsi yang paling nyaman untuk melakukan setiap bagian tertentu.
Tirando
- sambutan yang luar biasa, inferior
apoyando
hanya pada kepadatan dan volume suara.
Tirando
Lebih efektif digunakan dalam bagian pendek yang terdiri dari 4-10 suara. Bagian yang panjang (lebih dari 12 suara), dilakukan
tirando
, memiliki volume suara dan integritas suara yang lebih sedikit dibandingkan jika dilakukan
apoyando
. Kasus penggunaan yang ideal
tirando
misalnya adalah kutipan dari “Variations on a Theme of Mozart” oleh F. Sora:
1 2 Saat memainkannya, tidak diperlukan suara yang paling keras, hanya sedikit crescendo. Anda juga dapat bermain dengan penjarian ini: Opsi ini dimungkinkan jika pemain menambahkan jari tanpa masalah
A
dalam bagian yang dilakukan
tirando
. Selama pelaksanaan skala dengan penerimaan
tirando
sikat tetap tidak bergerak. Untuk stabilitas yang lebih baik, ibu jari (
R
) ditempatkan pada beberapa string, misalnya string ketiga atau keempat. Harus diingat bahwa gerakan jari selama
tirando
lebih ekonomis dibandingkan
apoyando
. Jari-jari, seperti pegas, secara otomatis kembali ke senar setelah menghasilkan suara, yang terjadi tanpa ketegangan. Hal ini menciptakan perasaan tegang pada senar. Hal ini menjamin kebebasan maksimum dan kecepatan tinggi gerakan jari. Perlu diperhatikan bahwa ketika melakukan suatu bagian menggunakan teknik tersebut
tirando
bukan pada senar pertama, senar yang berdekatan mungkin terpengaruh. Oleh karena itu, pelaksanaan teknik ini memerlukan kehematan khusus dalam pergerakan jari. Bermain
tirando
, biasanya menggunakan fingering
aku
. Ini sangat nyaman, karena beberapa gerakan berturut-turut dengan jari yang sama memperlambat pelaksanaan gerakan tersebut. Ada sistem permainan
tirando
tiga jari (
p-i-m
). Misalnya:
1 3 Namun, penggunaan jari secara terus-menerus
P
dalam timbangan ini sangat tidak efektif, karena ibu jari seolah-olah berada pada bidang yang berbeda dibandingkan dengan jari telunjuk dan jari tengah. Hal ini tercermin dalam kemerataan suara dan ritme dari bagian yang dibawakan. Ibu jari biasanya digunakan untuk memainkan senar bass. Hal utama saat melatih suatu teknik
tirando
saat melakukan tangga nada - jangan terlalu memaksakan tangan, pantau kebenaran gerakan, bawa penguasaannya ke otomatisme. Keuntungan memainkan bagian berdasarkan teknik
apoyando
berikut ini: suara yang lebih padat dan kaya, skala dinamis yang lebih besar, tempo pertunjukan yang lebih tinggi. Penerimaan
apoyando
Lebih baik melakukan bagian yang lebih panjang. Saat bermain
. Oleh karena itu, beberapa bagian terdengar sangat bagus, sementara bagian lainnya terdengar kurang meyakinkan. Penting bagi pemain untuk menyesuaikan diri untuk memahami bagian tersebut sebagai bagian dari keseluruhan artistik dan memperlakukan teknik ini dengan tenang dan bijaksana. Skala apa pun bisa dimainkan
Anda dapat menggunakan dua jari (
aku
), atau tiga (
a-m-i
). Opsi kedua lebih efektif karena memaksa jari Anda untuk bekerja
A
atas dasar kesetaraan dengan orang lain. Gamma dilakukan dengan teknik
apoyando
tiga jari, terdengar lebih kohesif dan memungkinkan tempo lebih besar. Namun, jika dilakukan dengan cara ini, gangguan ritme dapat terjadi. Dari pada: Ternyata: Kesalahan ini bisa dihindari jika, saat menguasai
apoyando
Dengan tiga jari, mainkan hanya dalam seperempat. Pada awalnya hal ini tidak sepenuhnya nyaman, karena nada beraksen dimainkan dengan jari baru setiap kali, tetapi seiring waktu ketidaknyamanan ini dapat teratasi.
1 4 Saat bermain
apoyando
Sangat penting untuk merasakan dengan jelas transisi dari satu string ke string lainnya. Rentang gerakan jari lebih besar dibandingkan dengan
tirando
– ini membuat tugas menjadi lebih mudah. Untuk mengembangkan jari Anda dengan lebih baik, Anda dapat mengganti formula penjarian:
tujuan
,
aku-m-a
,
m-a-i
. Namun jari-jari ini hanya digunakan dalam latihan, sementara Anda dapat menemukan banyak pilihan kinerja, menggunakan yang paling nyaman dan efektif.
. Oleh karena itu, beberapa bagian terdengar sangat bagus, sementara bagian lainnya terdengar kurang meyakinkan. Penting bagi pemain untuk menyesuaikan diri untuk memahami bagian tersebut sebagai bagian dari keseluruhan artistik dan memperlakukan teknik ini dengan tenang dan bijaksana. Skala apa pun bisa dimainkan
Penggunaan
a-m-i
Dengan tiga jari ia melakukan penyesuaian pada jari tangan kanannya. Biasanya, pemain mencoba untuk mendapatkan tepat tiga suara pada satu senar (sesuai dengan penjariannya
1
5
). Hal ini membuat lebih mudah untuk menggunakan teknik ini. Misalnya, penjarian “standar” untuk tangga nada C mayor adalah: Saat menggunakan tiga jari, dapat berupa: Penjarian seperti ini memaksa gitaris untuk sangat berhati-hati dalam memainkan tangga nada secara merata. Jadi, hasil pertunjukan berkualitas tinggi dapat muncul dari persepsi sadar tentang struktur musik, analisis kesalahan teknis, pencarian opsi penjarian yang nyaman dan efektif, serta kontrol pendengaran yang konstan. Pada bab selanjutnya kita akan melihat kemungkinan masalah yang mungkin timbul saat memilih fingering untuk tangan kiri gitaris.
Masalah fingering adalah salah satu masalah tersulit dalam pedagogi musik. Pemilihan jari yang berguna dan rasional sangat menentukan keberhasilan pertunjukan pada alat musik apa pun. Namun, kita dapat dengan aman mengatakan bahwa ini mungkin masalah yang paling mendesak bagi gitaris, yang secara mendasar mempengaruhi semua aspek penampilan: konten semantik dan ekspresi artistik, gaya musik, sentuhan, kenyamanan fisik, cara dan estetika permainan. Dalam bagian yang mirip tangga nada, memilih jari tangan kiri memberikan banyak kesulitan bagi gitaris, karena biasanya ada beberapa pilihan untuk bermain, dan mungkin sulit untuk memilih yang terbaik. Berpindah dari satu posisi ke posisi lain merupakan kesulitan yang signifikan. Hal termudah untuk dilakukan saat mengubah posisi adalah dengan bergerak melintasi senar terbuka, sementara Anda perlu mengingat tentang kemudahan penggunaan jari, keselarasan suara yang dinamis dan timbral. Mengubah posisi dengan menggeser dapat dilakukan, paling sering saat bergerak dalam jarak dekat (dalam satu atau dua fret). Kesulitan terbesar adalah transisi langsung dengan lompatan pada satu senar, yang tidak mungkin dilakukan tanpanya saat bermain di posisi atas dan dalam lintasan berwarna. Pemilihan jari, dipandu oleh tugas ekspresi artistik, adalah prinsip penjarian yang paling penting, sedangkan penjarian tangan kiri tidak boleh sulit dilakukan tanpa alasan yang serius. Terkadang hanya sedikit pergantian jari membuat Anda memainkan beberapa bagian dengan lebih mudah, lebih tenang, dan lebih percaya diri. Oleh karena itu, sejak tahun-tahun pertama pelatihan, perlu ditanamkan pada siswa sikap sadar terhadap fingering, secara bertahap memperkenalkan mereka pada prinsip-prinsip dasar konstruksinya. Dalam kondisi seperti ini, sangat penting untuk membangkitkan keinginan siswa untuk berkreasi meraba, mengajarinya memahami seluk-beluk penempatan jari yang benar. Selain itu, perlu untuk mendorong minat dengan segala cara
1 6 pembenaran teoritis untuk pilihan ini atau itu dan pada saat yang sama mengembangkan semacam “perasaan terhadap jari”. Pada tahap pertama pembelajaran, siswa biasanya menggunakan fingering yang sudah jadi, yang menyederhanakan dan mempersingkat proses pembelajaran. Namun, perlu untuk menarik perhatian siswa pada kesulitan teknis tertentu yang dapat diselesaikan dengan mengganti jari, pada kemungkinan melakukan bagian tertentu dengan opsi penjarian yang berbeda atau, sebaliknya, hanya satu yang penting untuk mendorongnya “mendengarkan” jari, sekaligus menilai gambaran suara karya secara keseluruhan, ciri gaya dan artistiknya.
5 Urutan pembelajaran tangga nada di sekolah musik anak
Ada beberapa sudut pandang tentang kinerja timbangan dalam proses pembelajaran. Menurut salah satunya, tangga nada merupakan dasar bagi pengembangan teknik seorang musisi. Pendukung pandangan ini mencakup penerapan skala dalam kurikulum pada tahap paling awal, dalam volume yang signifikan, dan dalam rentang yang luas. Dalam hal ini, tangga nada sering kali dilengkapi dengan penampilan arpeggio dengan gerakan dalam rentang yang sama dan akord pada derajat utama. Dari sudut pandang efisiensi pengajaran, tidak seperti lembaga pendidikan musik profesional, pendekatan ini tidak banyak berguna di sekolah musik anak-anak. Di sini Anda perlu memperhitungkan bahwa memainkan tangga nada pada gitar untuk pemula adalah tugas yang secara teknis cukup sulit, karena memainkan suara apa pun pada senar tertutup memerlukan koordinasi kedua tangan. Oleh karena itu, tangga nada satu suara pada gitar memiliki kompleksitas yang sebanding dengan memainkan tangga nada dalam interval pada instrumen keyboard. Selain itu, “keyboard” gitar tidak linier, tetapi terdiri dari dua “koordinat” sekaligus: senar dan fret; ini adalah tugas yang lebih sulit untuk dipikirkan. Akibatnya, sebagian besar upaya siswa akan dihabiskan untuk mempelajari skala itu sendiri, dan bukan pada pengembangan teknis yang diharapkan oleh guru.
1 7 Para pendukung sudut pandang lain dengan tepat percaya bahwa timbangan hanyalah salah satu jenis latihan teknis, dan, pada umumnya, bukan yang paling efektif. Namun penolakan total untuk mempelajari tangga nada pada pelatihan awal juga tidak dapat diterima, karena, pertama, hal tersebut secara tidak wajar melanggar kesatuan metodologi pengajaran yang telah ditetapkan, berhasil digunakan pada alat musik lain, dan kedua, gitar tidak lagi menjadi asisten bagi siswa. mempelajari materi mata kuliah solfeggio , dimana tangga nada diajarkan secara aktif sejak tahun pertama studi. Anda dapat mulai mengembangkan keterampilan dalam melakukan tangga nada pada paruh pertama tahun ajaran. bahan sederhana. Untuk gitar ini bisa dimainkan ibu jari tangga nada satu oktaf dalam A minor dalam bentuk aslinya: Setelah memainkan tangga nada dengan ibu jari dengan percaya diri, Anda dapat melanjutkan bermain dengan jari telunjuk dan jari tengah tangan kanan Anda. Materinya dapat berupa tangga nada C mayor, yang dapat dilengkapi dengan bunyi triad tonik dalam aransemen yang paling sederhana: Perlu diperhatikan secara khusus perlunya menggunakan jari kelingking tangan kiri dalam penjarian untuk pengembangannya yang tepat waktu. Untuk mengembangkan keterampilan yang stabil dalam bergantian jari telunjuk dan jari tengah tangan kanan serta mengembangkan kefasihan, kami dapat merekomendasikan urutan permainan tangga nada berikut:
1 8 Pada paruh kedua tahun ini, disarankan untuk terus mempelajari tangga nada mayor dalam kunci dengan satu tanda kunci: G mayor F mayor Untuk siswa tingkat lanjut, Anda dapat menggunakan metode E. Pujol dan memperluas jangkauan permainan sedetik ke atas , memperoleh rantai kontinu untuk meningkatkan daya tahan peralatan pertunjukan. Pada saat yang sama, iramanya juga bisa jadi agak rumit: G mayor F mayor Di kelas dua, ada gunanya menawarkan siswa satu oktaf skala kecil dalam bentuk alami, harmonis dan melodi:
1 9 Melodi harmonik natural minor E melodi harmonik natural minor Jika tugasnya adalah menguasai repertoar gitar modern untuk anak-anak (V. Kozlov, N. Koshkin, A. Vinitsky, F. Hill, dll.), guru harus secara aktif mengambil siswa melampaui batas posisi pertama. Dari sudut pandang ini, skala mayor pada kunci umum dengan sejumlah besar tanda kunci akan berguna:
2 0 D mayor atau A mayor atau Anda dapat beralih ke tangga nada dua oktaf, dengan mempertimbangkan kemampuan dan usia siswa, hanya setelah memainkan tangga nada satu oktaf dengan percaya diri dan cukup gesit, secara bertahap memperumit penjarian dan melengkapi arpeggio dalam rentang yang sama: E-minor natural (harmonik) G -mayor
2 1 Di kelas menengah, siswa dapat secara konsisten ditawari tangga nada mayor dan minor dua oktaf dengan penjarian yang lebih kompleks dan perubahan posisi: B minor D mayor D minor
2 2 Dengan pengembangan keterampilan pertunjukan skala yang konsisten, siswa sekolah menengah akan memiliki akses ke tangga nada dua oktaf di jari A. Segovia, dan tangga nada tiga oktaf akan dapat berfungsi sebagai bahan pengembangan bagi siswa tingkat lanjut dan berorientasi profesional.
Kesimpulan
Dalam karya ini, kami mengkaji masalah pengerjaan tangga nada satu suara, menganalisis opsi penjarian jari tangan kanan, menganalisis teknik produksi suara saat mengerjakan tangga nada, mengidentifikasi masalah utama penjarian jari tangan kiri. , dan menentukan urutan pembelajaran tangga nada di sekolah musik anak. Studi literatur metodologis dan pengalaman bertahun-tahun di sekolah musik anak-anak telah mengungkapkan hal berikut: tangga nada gitar yang banyak dan bervariasi adalah bahan pendidikan dan pelatihan yang optimal untuk mendidik peralatan pertunjukan gitaris dan mengembangkan teknik jarinya. Sebagai tangga nada awal di kelas gitar, secara metodologis disarankan untuk menggunakan tangga nada dengan senar “terbuka” (M. Carcassi; F. Carulli), karena memainkan tangga nada tersebut membantu mempelajari nada-nada pada leher gitar di posisi bermain utama, dan juga karena pada tangga nada dengan penjarian seperti itu, ibu jari tangan kiri yang terletak di bagian belakang papan jari, pada tangga nada dengan penjarian seperti itu mendapat kesempatan alami untuk rileks, istirahat sambil memainkan senar “terbuka”, yaitu sangat penting untuk inisial yang benar peralatan teknis tangan kiri gitaris. Memainkan tangga nada dengan senar “terbuka” juga membantu mengaktifkan perhatian pendengaran seorang gitaris pemula, karena bunyi alami senar “terbuka” menjadi model bunyi “buatan manusia” dari senar yang ditekan ke papan jari. Dipandu oleh sensasi pendengaran, pemain “meratakan” suara dinamis dan timbre dari langkah tangga nada.
2 3 Tangga nada dengan penjarian standar (posisional) secara metodis efektif pada tahap pelatihan gitaris selanjutnya, dengan studi intensif tentang nada suara dan pengembangan mobilitas dan kefasihan jari. Tangga nada dengan nada ganda (oktaf, pertiga, perenam, desimal) membantu memperkuat jari-jari tangan kiri gitaris, mempersiapkan secara fisik peralatan pertunjukannya untuk memainkan karya-karya yang secara tekstur kompleks, sehingga dipelajari di sekolah menengah dan kelas profesional. Skala seringkali menjadi penghubung utama dalam sebagian besar episode teknis karya seni. Seorang siswa yang mengerjakan timbangan setiap hari, seiring berjalannya waktu, dapat menjadikannya sangat cemerlang. Tangga nada harus dimainkan dengan semua pukulan, dalam semua variasi ritme dan artikulatoris. Metode ini memungkinkan tidak hanya menguasai leher instrumen dengan sempurna, tetapi juga mengembangkan kecerahan dan sifat tajam guratan, pola ritme yang paling umum, dan pengelompokan artikulatoris.
Daftar sumber yang digunakan
1. Dobrov M. Pembentukan dan pengembangan keterampilan memainkan tangga nada di kelas gitar sekolah musik anak. 2. Ivanov-Kramskoy A. M. Sekolah bermain gitar enam senar. Ed. 4. – Rn-D.: Phoenix, 2004. – 152 hal. 3. Buletin informasi “Narodnik” No. 1-58./Ed.-comp. V.Novozhilov, V.Petrov. – M.: Musik, 1998-2007. 4. Cara belajar bermain gitar./ Komp. V.Kuznetsov. – M.: Klasik-XXI, 2006. – 200 hal. 5. Karkassi M. Sekolah bermain gitar enam senar. / Ed. V.M.Grigorenko. – M.: Kifara, 2002. – 148 hal.
2 4 6. Katansky A.V., Katansky V.M. Sekolah bermain gitar enam senar. Ansambel. Bagan Akord. Lagu pengiring: Panduan pendidikan dan metodologi. – I.: Katansky, 2008. – 248 hal. 7. Gitar klasik. Jil. 1./ Komp. K.Mironov. – Krasnoyarsk: 2001. – 74 hal. 8. Tidak ada Frederick. Tutorial gitar. – M.: Astrel, 2005. – 270 hal. 9. Puhol E. Sekolah bermain gitar enam senar. – M.: Komposer Soviet, 1983. – 189 hal. 10.Sor F. Sekolah bermain gitar./ F. Sor; dikoreksi dan ditambah sesuai dengan tingkat kerumitannya oleh N. Biaya; total Ed. N. A. Ivanova-Kramskaya; jalur dari Perancis A.D.Vysotsky. – Penelitian: 2007. – 165 hal. 11.Teslov D. Sekolah teknik gitaris yang ideal. Koleksi lengkap bahan ajar./ D. Teslov. – M.: Studio Gitar Emas, 2008. – 224 hal. 12.Teslov D. Sekolah teknik gitaris yang ideal. Koleksi bahan ajar yang lengkap. Lanjutan./ D.Teslov. – M.: Studio Gitar Emas, 2012. – 306 hal. 13. Shumidub A. Sekolah bermain gitar. - M.: Shumidub, 2002. - 127 hal.
Lembaga pendidikan anggaran kota
pendidikan tambahan untuk anak-anak
“Sekolah Seni Anak dinamai M.P. Mussorgsky
Fokino"
ENSEMBLE DI KELAS GITAR
guru gitar
Sekolah Seni Anak di Fokino
TINJAUAN
untuk program kerja ansambel (kelas gitar)
guru di sekolah seni anak-anak dinamai demikian. M.P.Mussorgsky, Fokino
Sysoeva L.E.
Program ini dirancang dengan pemahaman mendalam tentang bekerja dengan anak-anak dalam sebuah ansambel. Menurut saya, memilih repertoar dan mendistribusikan beban pada anak-anak selama seluruh masa studi di sekolah musik anak adalah hal yang benar.
Pemilihan karya selama masa pelatihan sesuai dengan program sekolah musik anak dan sanggar pendidikan musik. Pekerjaan ini akan membantu pemula menguasai instrumen ini dalam lingkup program ini, tanpa menyimpang dari standar yang telah ditetapkan. Direkomendasikan untuk bekerja dengan anak-anak di klub, studio pendidikan musik, dan sekolah musik anak-anak.
PERKENALAN
Sistem pendidikan di Federasi Rusia adalah seperangkat standar pendidikan berturut-turut yang saling berinteraksi berbagai tingkatan dan arah.
Sistem pendidikan mencakup sekelompok berbagai lembaga pendidikan tambahan. Diantaranya adalah jaringan sekolah dalam “berbagai jenis seni”, termasuk sekolah musik anak (CHS) dan sekolah seni anak (DSHI).
Pendidikan dan pendidikan musik merupakan bagian yang tidak terpisahkan proses umum bertujuan untuk pembentukan dan pengembangan kepribadian manusia.
Konsep pendidikan musik di tanah air melibatkan penciptaan sistem pendidikan dan pelatihan musik massal (umum), yang terbagi menjadi seni umum dan profesional. DI DALAM kondisi modern sekolah musik merupakan salah satu basis utama penyebaran budaya musik secara luas. Tujuan dari sekolah pendidikan musik umum adalah untuk membuat musik dapat diakses tidak hanya oleh anak-anak berbakat yang memilihnya sebagai profesi mereka, tetapi juga oleh semua orang yang belajar di sekolah tersebut; lagi pula, anak tengah juga harus mendapat pendidikan musik yang serius. Menempati tempat tertentu dalam sistem pendidikan, sekolah musik anak dan sekolah seni anak memiliki keduanya fitur tertentu proses pendidikan.
Tugas pendidikan yang diselesaikan oleh guru sekolah musik anak pada dasarnya sama untuk semua mata pelajaran. Kesatuan dan keterhubungan ditentukan oleh kekhasan kelas musik, di mana musik berperan baik sebagai objek pengetahuan maupun sebagai sarana pendidikan, serta oleh norma-norma komunikasi dengannya dan kemungkinan yang cukup luas untuk menggunakan pengetahuan dan keterampilan. beberapa mata pelajaran ketika menguasai mata pelajaran lain.
Meningkatkan efisiensi dan kualitas pendidikan musik umum menimbulkan tugas yang kompleks dan bertanggung jawab bagi guru sekolah musik anak. Prinsip-prinsip pelatihan dan pendidikan perkembangan, yang semakin merambah ke kelas-kelas khusus dan segala bentuk pendidikan di sekolah musik anak-anak, dirancang untuk mendidik musisi yang kompeten - amatir dan profesional, untuk memberi mereka keterampilan pendekatan kreatif terhadap musik dan instrumen, untuk menghilangkan atau mengurangi seminimal mungkin hambatan psikologis “ketakutan” terhadap pertunjukan konser, mengembangkan kemampuan kemampuan kreatif praktis dan kebutuhan akan ekspresi diri.
Oleh karena itu, sebagai pendidikan dasar tingkat awal, sekolah musik anak tidak menetapkan tugasnya untuk mempersiapkan setiap siswanya untuk kegiatan profesional. Tujuannya adalah pendidikan musik dan estetika jangkauan luas anak-anak dan remaja, tetapi selain itu, sekolah musik harus mengidentifikasi siswa yang paling mampu dan mempersiapkan mereka untuk masuk ke lembaga pendidikan khusus. Pendidikan musik merupakan salah satu komponen sentral pendidikan estetika; ia memainkan peran khusus dalam pengembangan kepribadian anak secara menyeluruh. Proses pendidikan Sekolah musik anak harus diselenggarakan sedemikian rupa sehingga berkontribusi terhadap pengembangan kecintaan siswa terhadap musik dan perluasan wawasan musik mereka.
Prinsip kesatuan emosional dan sadar
ditentukan oleh kekhususan seni musik dan kekhasan persepsinya, yang pengembangannya memerlukan kesadaran akan kesan emosional yang ditimbulkan oleh musik, serta sarana ekspresi yang tersedia.
Prinsip kesatuan artistik dan teknis didasarkan pada kenyataan bahwa penampilan artistik dan ekspresif dari suatu karya memerlukan keterampilan dan kemampuan yang sesuai, penguasaan yang merupakan sarana untuk mencapai tujuan - pertunjukan artistik dari sebuah karya musik, tetapi tergantung pada pengembangan inisiatif kreatif siswa.
Prinsip kesatuan pengembangan pengertian modal ritmis dan pengertian bentuk harus menjadi dasar dari berbagai jenis aktivitas musik. Berkat pengembangan kemampuan bermusik yang komprehensif dan konsisten, anak-anak membentuk gagasan tentang prinsip-prinsip perkembangan musik dan ekspresi elemen pidato musik, kemungkinan ekspresif dari bentuk musik.
Tujuan dari metodologi ini termasuk peningkatan berbagai bentuk proses pendidikan, sekolah musik: pelajaran khusus, kelas teori, pemutaran musik kolektif, mata pelajaran pilihan, ekstrakurikuler dan ekstrakurikuler.
Sekolah Musik Anak dan Sekolah Seni Anak tetap menjadi pusat pendidikan dan pendidikan musik anak. Memberikan pendidikan musik secara umum, membentuk selera estetis, mendidik pendengar terlatih, peserta aktif dalam pertunjukan amatir, mengajar bermain alat musik, mengembangkan kecenderungan kreatif - tugas-tugas ini masih menentukan arah kerja sekolah musik anak.
Membangun proses pendidikan berdasarkan prinsip keseragaman dan rata-rata menghambat perkembangan siswa. Peran model pengajaran perkembangan yang semakin meningkat terlihat jelas, memastikan aktivitas aktif anak-anak di bidang seni dan mendorong minat belajar siswa yang berkelanjutan. Sekolah musik anak dan sekolah seni anak dipanggil untuk melaksanakan tugas bimbingan kejuruan dini bagi siswa dan harus menciptakan kondisi nyata bagi pengembangan dan pelatihan yang efektif bagi anak-anak yang memiliki kemampuan untuk lebih lanjut memperoleh pendidikan profesional di bidang seni. Dasar pekerjaan di sekolah musik anak-anak dan sekolah seni anak-anak adalah pengajaran di kelas individu dalam spesialisasinya.
Orisinalitas proses pendidikan di sekolah musik sangat ditentukan oleh perpaduan berbagai bentuk pekerjaan akademis. Setiap pelajaran dari sekolah musik anak dan sekolah seni anak (individu, kelompok, kolektif) mempersiapkan siswa untuk aktivitas musik mandiri.
Aktivitas reproduksi memegang peranan penting dalam proses penguasaan materi: dapat berupa reproduksi apa yang didengar secara keseluruhan atau sebagian, meniru atau menyalin, tetapi selalu dalam tindakan aktif sendiri. Hanya mempraktikkan instrumen yang dapat mempersiapkan siswa untuk persepsi penuh dan asimilasi pengetahuan teoretis. Tugas seorang guru sekolah musik anak adalah mampu menarik minat anak dalam proses penguasaan alat musik tersebut, dan kemudian pekerjaan yang diperlukan untuk itu lambat laun akan menjadi suatu kebutuhan. Dasar penguasaan suatu alat musik bukanlah teknik teknis apa pun, melainkan kesadaran musikal (pendengaran) siswa.
Pelatihan dan pendidikan individu siswa di sekolah musik anak dilaksanakan atas dasar rencana individu siswa, yang menelusuri dan merencanakan perkembangannya selama bertahun-tahun belajar di sekolah musik.
Saat menyusun program individu, prinsip kemanfaatan pedagogis diperhitungkan. Program setiap siswa harus bervariasi dalam gaya dan genre.
Perubahan kondisi kegiatan lembaga pendidikan di bidang seni menentukan persyaratan baru yang khusus kurikulum dan program pendidikan.
1. Pelatihan keterampilan praktis memainkan alat musik;
2. Pelatihan dasar-dasar teoritis dan praktis literasi musik, keterampilan menyanyi;
3. Pelatihan dan pendidikan seni dan estetika dalam rangka mata kuliah “ sastra musik di Sekolah Musik Anak-anak";
4. Pembentukan bentuk dan keterampilan pembelajaran kolektif (bermain musik kolektif);
5. Implementasi praktis kemampuan kreatif dan kebutuhan ekspresi diri siswa (mata pelajaran pilihan).
Ansambel- sekelompok pemain yang tampil bersama, ini adalah bentuk permainan kolektif, di mana beberapa musisi, dengan menggunakan sarana pertunjukan, bersama-sama mengungkapkan konten artistik bekerja. Kesatuan niat seni, kesatuan respons emosional terhadap apa yang dipertunjukkan, permainan yang terinspirasi dari semuanya itulah yang menjadi ciri seni ansambel.
Ansambel- sekolah untuk meningkatkan musisi.
Kemauan dan pengendalian diri adalah kualitas yang diperlukan bagi seorang musisi. Anda tidak dapat hidup tanpanya baik dalam pekerjaan mandiri sehari-hari maupun di atas panggung. Namun pada tingkat yang lebih besar, kualitas-kualitas ini dibutuhkan oleh mereka yang bermain dalam sebuah ansambel. Yang dimaksud dengan “kehendak” adalah “pengaturan diri secara sadar oleh seseorang atas perilaku dan aktivitasnya, pengaturan fungsi otak, yang terdiri dari kemampuan untuk secara aktif mencapai suatu tujuan, mengatasi hambatan eksternal dan internal”.
Bagi seorang pemain, “kehendak” adalah faktor yang paling penting dan sering kali menentukan keberhasilan artistik: hasil dari pertunjukan konser sering kali bergantung pada ada atau tidaknya pertunjukan tersebut. Diketahui bahwa karya seorang seniman ansambel, selain latihan umum, memerlukan studi mandiri yang intensif.
Kehendak adalah perintah terhadap proses yang terjadi di alam bawah sadar kita. Bukan suatu kebetulan jika saya menaruh begitu banyak perhatian pada karakterisasinya kualitas berkemauan keras. Ansambel merupakan bentuk kreativitas kolektif, sehingga tidak akan ada kecuali setiap pesertanya belajar mengendalikan diri, suasana hati, dan emosinya. Lagi pula, dalam proses kerja Anda harus memutuskan secara kreatif - pertanyaan sulit. Pendidikan kualitas kemauan diperlukan; mereka tidak dapat dipisahkan dari pendidikan individu secara umum.
Ansambel harus hidup dalam suasana kreatif yang intens, terus berjuang untuk mencapai lebih dari apa yang telah dicapai. Yang utama adalah tujuannya. Perlu disadari bahwa bahkan langkah kecil ke depan akan membawa Anda lebih dekat ke tujuan Anda. Setelah memahami tujuannya, Anda harus menentukan cara untuk mencapainya.
Kognisi adalah proses yang abadi dan tanpa akhir. Waktu juga mempengaruhi kerja ansambel. Dengan mempertimbangkan faktor waktu, maka perlu dikembangkan metodologi penguasaan seni bermain ansambel yang bertujuan untuk mencapai hasil yang signifikan dalam waktu sesingkat-singkatnya. Oleh karena itu, disarankan bagi ansambel yang mengerjakan karya baru untuk merencanakan waktu.
Peran iklim psikologis dalam ansambel.
Konsep “iklim psikologis” meliputi tingkat kekompakan antar anggota ansambel, saling pengertian, pengorganisasian, disiplin, tuntutan terhadap diri sendiri dan orang lain, saling mendukung dan membantu, yaitu. sejumlah faktor yang menciptakan apa yang biasa disebut suasana kreatif ansambel.
Semua tugas yang ditetapkan oleh pemimpin untuk ansambel harus dipahami secara mendalam oleh mitra dan menjadi bagian integral dari keyakinan mereka sendiri.
Pendidikan seni tidak dapat dipisahkan dari pendidikan moral. Melebih-lebihkan diri sendiri, kemampuan seseorang, keegoisan berdampak negatif pada pertumbuhan keterampilan profesional. Manifestasi penyakit ini pada salah satu anggota ansambel dapat merusak segalanya.
Salah satu syarat yang diperlukan bagi keberadaan sebuah ansambel adalah penggambaran yang jelas tentang “hak dan tanggung jawab” para peserta dan pemimpinnya. Namun pertanyaan ini rumit, dan saat ini tidak ada konsensus: beberapa orang percaya bahwa ansambel membutuhkan seorang pemimpin, karena kerja kolektif memerlukan prinsip pemersatu, yang lain yakin bahwa, tidak seperti orkestra, ini adalah persatuan yang setara. musisi, dan oleh karena itu Subordinasi kepada salah satu peserta tidak sesuai dengan konsep ansambel.
Mematuhi konduktor, mengikuti instruksi dan kemauannya adalah hal yang biasa, tetapi dalam ansambel hal ini dikecualikan. Manajer harus memikul tanggung jawab pribadi tambahan, tanggung jawab tambahan untuk urusan ansambel. Ialah penggagas dan penyelenggara dalam proses kreatif, khususnya lebih dari yang lain, ia harus berinisiatif dalam memilih repertoar.
Ansambel adalah suatu bentuk kreativitas kolektif di mana setiap peserta harus menggabungkan dua kualitas: tergantung pada keadaan, menjadi pemimpin dan bawahan.
Tugas pemimpin adalah menyatukan anggota ansambel menjadi satu kesatuan yang kohesif kelompok seni, menentukan tugas langsungnya, menguraikan prospek kerja. Pemimpin harus ingat bahwa dalam setiap ansambel perlu dikembangkan individualitas kreatif dan mengidentifikasi “perannya”. Banyak hal bergantung pada kualitas pribadi pemimpin. Mampu memimpin tim adalah seni yang hebat. Seorang pemimpin harus sangat menuntut dirinya sendiri; Tanggung jawab manajer meliputi:
1. Temukan repertoar baru;
2. Merencanakan dan melaksanakan pekerjaan latihan;
3. Menyusun program untuk konser solo dan grup, dll.
Masalah utamanya adalah repertoar, pertanyaan tentang kehidupan ansambel. Kesimpulannya, kami dapat mengatakan yang berikut:
Ansambel harus:
Membantu ansambel dalam mencapai tujuannya;
Bekerja secara sistematis untuk meningkatkan keterampilan kinerja Anda;
Evaluasi dengan bijaksana hasil kerja tim, ingatlah bahwa seseorang tidak bisa berhenti di situ;
Bersikaplah kritis terhadap diri sendiri;
Melaksanakan instruksi dari manajer;
Mempersiapkan diri secara menyeluruh untuk latihan, dll.
Karya kreatif ansambel
Kondisi untuk latihan.
Latihan harus dilakukan di ruangan yang luas dan, lebih baik lagi, langsung di atas panggung. Nilai yang bagus memiliki akustik ruangan. Latihan harus dimulai tepat waktu dan berakhir tepat waktu. Pada awalnya, para pemain harus sudah bermain sehingga mereka dapat memulai latihan dengan permainan dengan kompleksitas apa pun. Rencana latihan ditentukan sebelumnya; harus intens, namun realistis untuk dilaksanakan.
Pesta harus dijadwalkan dengan sangat hati-hati.
Ansambel adalah suatu organisme tunggal; ia lahir hanya dalam koherensi satu sama lain, pertama-tama, dalam hal makna, dan oleh karena itu dalam garis, dinamika, tempo, ritme, dll.
Pada latihan pertama, Anda harus meliput pekerjaan secara keseluruhan dan kemudian dengan susah payah mengerjakan detailnya, memolesnya. Saat Anda menguasainya bagian individu- sambungkan, "pasang" mereka untuk akhirnya mencoba memainkan karya tersebut dari awal hingga akhir. Memainkan keseluruhan lagu berkali-kali berturut-turut pada tahap awal tidak disarankan. Hal ini lebih banyak merugikan daripada menguntungkan. Pada latihan-latihan berikutnya, kita harus terus berupaya meningkatkan frase, dinamika, kualitas suara, tidak sejenak pun, tanpa melupakan hal-hal utama. tujuan artistik.
Pemimpin harus menyesuaikan keseluruhan suara, membuat komentar yang diperlukan selama pertandingan. Dengan mengalihkan perhatian para pemain dengan sambutannya, ia menempatkan mereka pada posisi yang sulit. Namun, ini adalah bentuk pekerjaan yang berguna, antara lain, untuk menguji kekuatan pengetahuan bagian-bagiannya. Selama pertandingan mungkin ada penghentian. Dalam hal ini, manajer harus menjelaskan alasannya, memberikan komentar spesifik, dan memberikan alasannya.
Bentuk-bentuk pementasan suatu karya baru dapat berbeda-beda tergantung pada tingkat kesiapannya, serta volumenya. Disarankan untuk memvariasikan tempo dan dinamika. Pada saat yang sama, penting untuk bermain secara bermakna, memperhatikan nuansa dan menjaga keseimbangan partai dari sudut pandang dinamika. Saat memainkan sebuah karya, Anda harus menetapkan tugas tertentu setiap kali - mengkonsolidasikan apa yang telah Anda pelajari, meningkatkan hubungan antar bagian, melatih bagian-bagian yang sulit, caesura, fermata, meningkatkan tempo, dll. Anda perlu berusaha untuk memastikan bahwa setiap pengulangan berikutnya lebih baik dari pengulangan sebelumnya.
Di masa depan, Anda harus berusaha untuk melakukan bagian itu dengan sepenuh hati. Sebaiknya pada setiap latihan ada karya yang memberikan tugas berbeda, misalnya: karya untuk kenalan umum! berdasarkan pembacaan penglihatan!; karya seni tahap pertama /analisis/; bekerja untuk pengembangan seni; bekerja pada tahap akhir pekerjaan/pemolesan akhir bagian!; berfungsi untuk pengulangan.
Tahapan utama dalam menggarap musik
bekerja.
Tahap pertama adalah mengenal karya, pengarangnya, era hidup penciptanya, dan sejarah penciptaan karya tersebut.
Kedua, pemain harus hati-hati mengerjakan teks, menganalisis tekstur, guratan, dinamika, ritme, menentukan amplitudo, metode permainan, dll. Pencarian dan persetujuan sarana pertunjukan untuk mewujudkan rencana penulis.
Yang ketiga adalah realisasi rencana penulis berdasarkan keterampilan dan teknik permainan yang sudah ada; Seiring dengan itu, perlu lebih ditingkatkan dan diperdalam sarana ekspresi yang membantu mengidentifikasi citra artistik. Seperti yang Anda lihat, tugas tahap kedua dan ketiga memiliki banyak kesamaan.
Keempat, memainkan karya, membiasakan diri dengan citra artistiknya.
Tahapan penguasaan teknis suatu karya :
pembentukan keterampilan motorik.
Pertama-tama, fokus kerja ansambel pada tahap ini adalah pengkajian dan latihan seluruh unsur teks musik, pengembangan tekstur, dan pembentukan gerak permainan. Tahap ini biasanya diartikan sebagai analisis rinci terhadap suatu karya.
Oleh karena itu, pertama-tama, Anda perlu membaca teks:
pertama, dengan memahami ritme, memberikan perhatian khusus pada hubungan dan interaksi berbagai pola ritme yang terdapat pada bagian-bagiannya;
kedua, memahami guratan-guratan dalam segala hal, keanekaragamannya, menguraikan teknik-teknik eksekutif pelaksanaannya;
ketiga, merasakan dinamika secara umum, sehingga nantinya jika digarap lebih detail dapat dirasakan.
Perhatian khusus harus diberikan untuk menentukan penjarian yang rasional, memeriksanya berkali-kali di tempat yang secara teknis sulit. Berdasarkan gerakan memainkan jari dan menguasainya, secara bertahap kembangkan keterampilan orientasi yang kuat pada fingerboard untuk, secara kiasan, “melihat fret melalui mata jari.”
Perlu diingat bahwa proses bermain gitar terjadi di luar kontak visual pemain dengan senarnya. Oleh karena itu, penting untuk mempelajari teks dan khususnya bagian-bagian yang berhubungan dengan perubahan posisi untuk mendapatkan keyakinan mutlak. Pada saat yang sama, otomatisitas gerakan merupakan kondisi yang sangat diperlukan.
Pada tahap pengerjaan ini, teks musik perlu dibaca lebih cermat lagi dan menghilangkan segala ambiguitas yang mungkin terjadi pada bagian-bagiannya. Dianjurkan untuk memainkan bagian yang telah terbukti dan dikerjakan bersama-sama dengan yang lain, menguraikan kontur umum suaranya, sedangkan bagian-bagian yang saling melengkapi atau menjalankan fungsi yang sama harus dihubungkan, dan bagian-bagian yang dikerjakan harus dihubungkan ke satu sama lain.
Pengenalan suara-suara baru juga perlu diingat dan diperhatikan, mengkoordinasikan setiap pengenalan tersebut dengan materi tematik /melodi/ yang menjadi pedoman.
Jika sebuah lagu memiliki tempo yang cepat, bukan berarti Anda harus langsung bermain pada tempo yang ditentukan. Anda harus menunggu sampai adonannya matang. Beralih ke langkah cepat sebelum waktunya hanya akan merugikan.
Saat menganalisis sebuah karya, tidak selalu disarankan untuk memainkannya dari awal hingga akhir, bar demi bar. Kadang-kadang, tergantung pada kompleksitas materi, ada gunanya bermain dalam potongan-potongan, secara selektif. Dengan bekerja dengan cara ini, kita akan menerima sejumlah bagian yang telah dipelajari atau hampir dipelajari, dan masalahnya akan tetap merangkainya menjadi satu kesatuan.
Hal ini wajar saja: fokus pada sepotong kecil musik adalah satu hal, dan fokus pada sejumlah bagian adalah hal lain. Jika dalam kasus pertama semuanya tergantung pada kemampuan untuk mendengarkan bagian yang dihafal, maka dalam hal ini tergantung pada kemampuan untuk mendengarkan dari satu bagian ke bagian lainnya, karena masalah teknis harus diselesaikan dalam aliran berbagai jenis. tekstur, dalam aliran musik dengan suara yang berbeda. DI DALAM pekerjaan lebih lanjut Penting untuk memantau hubungan suara dari sudut pandang dinamika: suara mana yang harus terdengar di latar depan dalam sebuah fragmen tertentu, dan suara mana yang harus terdengar di latar belakang (dan mengapa).
Perhatian khusus harus diberikan pada tempat-tempat yang memerlukan kinerja tersinkronisasi, ketepatan ritme, definisi garis, dll.
Dengan kata lain, perlu dilakukan peletakan landasan selangkah demi selangkah bagi sebuah pertunjukan yang secara teknis sempurna, di balik itu kontur pertunjukan artistik sudah terlihat. Pekerjaan harus disusun sedemikian rupa sehingga dengan setiap latihan Anda semakin dekat dengan tujuan akhir.
Sudah selama periode ini, perlu untuk secara bertahap menguasai keterampilan bermain dengan hati. Bermain dengan hati membutuhkan waktu, sehingga hal ini perlu dikembangkan sedini mungkin.
Tahap pertunjukan realisasi suatu citra musik.
Apa yang dibutuhkan seorang pemain untuk mewujudkan citra musik? Jawaban singkatnya adalah untuk dapat memasuki dunia emosional penulis dari setiap karya yang dibawakan, untuk diilhami oleh pemikirannya, pengalamannya. Lagi pula, program satu konser dapat mencakup karya-karya berbagai komposer, berbeda dalam gaya dan karakter, untuk mengungkapkannya, untuk "melengkapi" masing-masing dari mereka hanya dengan fitur-fiturnya sendiri - inilah tugas yang sulit.
Setiap bagian merupakan bagian dari satu gambaran yang diciptakan oleh keseluruhan ansambel, semacam “watak” dari lakon, yang diberkahi dengan watak tertentu, yang perlu disesuaikan, untuk memperdalam ciri khasnya. Ke arah inilah pekerjaan partai harus dilanjutkan: kita tidak hanya harus menangani penyelesaian eksternal, meningkatkan sisi teknis pelaksanaan, tetapi yang paling penting, memoles partai dari dalam, menembus lebih dalam dan lebih dalam ke isinya.
Saat mengerjakan sebuah karya, Anda harus lebih banyak membaca tidak hanya teksnya, tetapi juga subteksnya.
Sehubungan erat dengan tugas utama - pembentukan citra musik - selama periode ini, masalah-masalah seperti pengembangan teknik produksi suara yang diperlukan secara hati-hati, pencarian warna suara, klarifikasi corak dinamis, dll. Dalam pencarian warna, seseorang harus berangkat dari konsep timbre suara vokal atau orkestra. Tanpa mengerjakan suara, kecil kemungkinan Anda akan bisa “menggambar” gambar musik. Dalam hal ini, perlu untuk menggunakan kemampuan timbre instrumen, untuk mencapai reproduksi relief setiap baris melodi.
Melanjutkan mengerjakan karya, Anda perlu memantau hubungan struktur musik individu: frasa, bagian, memperhatikan kulminasi, "lokal" dan sentral, kemerataan tempo, stabilitas ritme, penyimpangan agogis, dll. Bersamaan dengan itu menganalisis struktur karya, dramaturginya.
Penting untuk mengupayakan penampilan bagian-bagian yang lebih dalam dan bermakna, sehingga sebagai hasilnya Anda dapat memainkan masing-masing bagian dengan sempurna dan dengan pengembalian emosional yang penuh. Selesainya pekerjaan mempelajari suatu karya baru terjadi bukan ketika tidak ada yang dapat ditambahkan, tetapi ketika tidak ada yang dapat diambil dari apa yang telah dicapai.
Menguasai suatu karya, seperti yang bisa kita lihat, adalah proses multi-tindakan yang kompleks. Di sini, tidak diragukan lagi tugas yang sulit perlu dipecah menjadi beberapa hal yang relatif sederhana, menyelesaikannya secara berurutan menurut prinsip dari yang sederhana hingga yang kompleks.
Timbre dan seni produksi suara.
Suara, seperti yang Anda ketahui, memiliki sifat sebagai berikut: tinggi, volume, timbre, dan durasi.
Contoh klasik dari sebuah ansambel, di mana instrumen terkait memiliki warna nada tersendiri, merupakan ansambel senar-busur.
Namun, tugasnya bukan hanya memastikan bahwa ansambel tersebut memiliki kemampuan timbre yang kaya, tetapi juga menggunakannya dengan terampil. Hal ini sebagian besar bergantung pada keterampilan menggunakan instrumen. Perlu diingat bahwa instrumentator tidak hanya memiliki warna nada yang dimiliki instrumen tertentu, tetapi juga warna nada yang dapat diperoleh sebagai hasil kombinasinya.
Bagi seorang pemain yang bermain dalam sebuah ansambel, sangat penting untuk memiliki kepekaan warna suara yang halus, yang harus bervariasi tergantung pada gaya dan sifat komposisinya. Mengerjakan budaya bunyi berarti mengerjakan gradasi dinamika, ketepatan nuansa, menguasai berbagai pukulan, mengerjakan keseimbangan suara individu ansambel, dll.
Dalam hal ini, perhatian khusus harus diberikan untuk mengembangkan keterampilan intonasi, “pengucapan suara yang bermakna”.
Tugas seorang musisi-pemain adalah mampu mengekspresikan dirinya melalui suara. Tanpa penguasaan sempurna atas seni ekspresi suara, mustahil untuk menciptakan citra artistik yang utuh dan menyampaikan karakter musik yang diperlukan.
Secara singkat tentang teknik produksi suara.
Sebelum kita berbicara tentang cara menghasilkan suara, perlu dijelaskan beberapa patah kata tentang ciri-ciri masing-masing jari. Yang terkuat adalah yang besar; paling cekatan - (indeks); menjadi yang terkuat, terpanjang, bergantung pada pihak ketiga; jari keempat (cincin) lemah dan kurang bergerak. Kelima (jari kelingking) - dia tidak berpartisipasi dalam permainan.
Ada dua cara untuk mengekstrak suara:
1. Apoyando - cara menghasilkan bunyi dengan jari-jari tangan kanan, dilanjutkan dengan menghentikan ujung jari pada senar berikutnya (yang berdekatan).
2. Tirando - metode menghasilkan suara dengan jari-jari tangan kanan tanpa kemudian menghentikan ujung jari pada senar yang berdekatan.
Goresan adalah sarana berekspresi.
Dalam pertunjukan ansambel, seperti dalam permainan solo, pukulan merupakan sarana ekspresi yang penting. Oleh karena itu, seluruh anggota ansambel harus menguasai secara sempurna teknik melakukan berbagai pukulan. Tanpa merinci lebih jauh tentang guratan-guratan itu, izinkan kami mengingatkan Anda saja tentang guratan-guratan itu.
Legato (1egato - pertunjukan terhubung, ketika satu suara bertransisi dengan mulus ke suara lain, jangan angkat jari Anda tinggi-tinggi dari senar dan letakkan dengan lembut. Di teknik gitar Legato harus dianggap tidak hanya sebagai pertunjukan terkait, tetapi juga sebagai metode produksi suara, yang sangat penting.
Teknik legato dilakukan dengan tiga cara:
1. metode: dengan urutan bunyi menaik, bunyi pertama dibunyikan
jari tangan kanan, dan jari kedua atau berikutnya (kanan)
tangan kiri, yang turun dengan paksa ke senar yang sama, tekan dan
dibuat bersuara tanpa partisipasi tangan kanan:
2. metode: digunakan dengan urutan bunyi yang keluar. Bunyi pertama dihasilkan dengan jari tangan kanan, dan bunyi kedua serta selanjutnya dihasilkan dengan mengangkat jari tangan kiri ke samping.
3. metode: juga digunakan dalam urutan bunyi yang keluar, ketika dua nada digabungkan, yang dimainkan pada senar yang berbeda, nada pertama diperoleh dari pukulan dengan jari tangan kanan, dan nada kedua dari pukulan dengan jari tangan kiri, yang dijatuhkan dengan paksa ke senar lain di tempat yang tepat dan mengeluarkan bunyi tanpa partisipasi tangan kanan.
Staccato – ditandai dengan titik di atas atau di bawah nada; suara dilakukan secara tiba-tiba, seolah-olah membuat jeda setelah setiap nada. Di atasnya ada tanda.
Untuk melakukan staccato pada gitar, Anda perlu mengekstrak suara dengan jari tangan kanan Anda dan segera menempelkan jari ini ke senar tempat suara tersebut diekstraksi, tanpa membiarkan senar tersebut berbunyi.
Non legato adalah pukulan yang durasi bunyinya kurang lebih sama dengan saat dilakukan legato. Namun, mereka tidak berhubungan satu sama lain.
Irama sebagai faktor kesatuan ansambel.
Di antara komponen-komponen yang menyatukan musisi menjadi satu ansambel yang harmonis, ritme meteran mungkin memiliki tempat utama. Perasaan ritme. Intinya, dia melakukan fungsi konduktor dalam ansambel:
Perasaan setiap peserta terhadap irama yang kuat adalah konduktor "tersembunyi", yang "isyaratnya" berkontribusi pada penyatuan anggota ansambel.
Ensembel adalah seni bermain bersama. Kesatuan dan sinkronisitas suaranya adalah yang pertama di antara syarat-syarat penting lainnya. Metroritme adalah fondasi, kerangka di mana seluruh bangunan ansambel bertumpu. Kepastian ritme membuat permainan lebih percaya diri dan dapat diandalkan secara teknis. Atas dasar ini, otomatisitas gerakan pada akhirnya diperkuat, yang tanpanya teknik pertunjukan tidak akan terpikirkan. Selain itu, pemain yang bermain tidak teratur lebih rentan terhadap segala macam kecelakaan.
Mari kita tunjukkan satu lagi ciri meritme; perasaan gerakan halus, gerakan pada satu tempo tertentu belum berkembang, dan terkadang sulit menentukan ukuran artistik dari berbagai penyimpangan agogic. Ansambel harus menyertakan pemain yang berirama dan stabil, sehingga jumlahnya lebih banyak.
Bagaimana kesatuan ritme secara praktis dicapai dalam sebuah ansambel? Dalam setiap kasus, penting untuk memilih bagian yang, dalam hal struktur ritmenya, paling baik menjalankan fungsi utama.
Dengan demikian, konsep “pemimpin” dan “budak” dalam ansambel dan dalam lingkup ritme.
“Polka” oleh I. Küffner.
Dinamika sebagai sarana ekspresi
Berbagai elemen tekstur musik harus terdengar pada tingkat dinamis yang berbeda. Perlu diingat bahwa dinamika suatu karya tidak dirasakan pada dirinya sendiri, melainkan pada perbandingan (kontras) berbagai tingkat dinamika.
F. Durante "Galliard".
Memiliki pemahaman pendengaran tentang kekuatan kemerduan yang merata, Anda kemudian dapat melatih keterampilan yang terkait dengan peningkatan atau penurunan kekuatan suara secara bertahap. Perlu diingat bahwa creschendo sangat mengesankan ketika peningkatan kekuatan terutama terlihat di akhir pendakian, pada tahap akhir di garis finis. Oleh karena itu, dalam memantau bertahapnya kenaikan tersebut, perlu adanya cadangan kekuatan yang dapat digunakan pada saat menyelesaikan jalur menuju creschendo. Hal yang sama berlaku untuk pengecilan, dengan perbedaan bahwa mengurangi kekuatan suara secara diam-diam adalah tugas yang lebih sulit daripada meningkatkannya. Sementara itu, tidak hanya kondisi ini yang sering dilanggar, tetapi juga proses peningkatan atau penurunan intensitas suara secara bertahap.
Arr. Y. Solovyova “Di bawah pohon apel hijau”
Tempo sebagai sarana berekspresi
Penentuan tempo suatu karya merupakan poin penting dalam seni pertunjukan. Tempo yang dipilih dengan benar berkontribusi pada penyampaian karakter musik yang benar; tempo yang salah sampai tingkat tertentu merusak karakter karya. Meski ada petunjuk penulis tentang tempo, hingga penentuan kecepatan musik itu sendiri, dalam isi gambar artistiknya.
Bagi banyak karya, terdapat apa yang disebut zona tempo, di mana tempo dapat bervariasi tanpa mengubah makna musik itu sendiri.
Adapun tempo cepat tidak boleh menjadi tujuan tersendiri: tempo selalu ditentukan oleh sifat musik yang dibawakan. Tempo cepat adalah ujian kekuatan ansambel dan stabilitas ritme irama. Ansambel harus ditakuti bukan oleh kecepatan gerakan itu sendiri, tetapi oleh kurangnya harmoni, keteraturan, kebebasan teknis, dan koherensi di dalamnya.
Saat menentukan batas tempo, perlu mempertimbangkan tekstur karya, dan, tentu saja, kemampuan teknis anggota ansambel. Batasan kecepatan juga bergantung pada kualitas tim. Dan terakhir, tempo bergantung pada individualitas pemainnya.
Sebuah karya yang dihafal tidak dapat dimainkan dengan tempo cepat sepanjang waktu; selama latihan, sebagai tindakan pencegahan, perlu untuk secara berkala beralih ke tempo yang lebih terkendali. Setelah “membersihkan” teks, Anda dapat kembali ke kecepatan yang lebih cepat, dengan tuntutan baru yang lebih tinggi dalam hal kualitas eksekusi.
Teknik untuk mencapai sinkronisitas
suara ansambel
Sinkronisasi bunyi ansambel harus dipahami sebagai keakuratan kebetulan waktu ketukan kuat dan lemah dari setiap takaran, ketelitian tertinggi dalam penampilan durasi terkecil oleh semua anggota ansambel.
Seharusnya memberi kesan bahwa satu orang bermain dengan satu "pusat" kendali; bermain secara serempak berarti bermain bersama-sama, akurat, bahkan perbedaan sekecil apa pun dalam pelaksanaan suatu bagian tidak luput dari perhatian pendengar yang penuh perhatian.
Bagaimana kita bisa mencapai kesatuan sedemikian rupa sehingga setiap orang dapat bergabung dalam waktu yang sama sebagai satu orang, semua orang dapat bermain bersama (berapa pun panjang lagunya), pada saat yang sama mengubah tempo, jika perlu, “ambil” atau “ lepas landas” sebuah akord, dll. Tugas ini semakin diperumit oleh fakta bahwa ansambel harus memiliki ritme metro tertentu, dan karenanya tempo, kebebasan.
Untuk bermain bersama, pertama-tama Anda perlu belajar memahami pasangan Anda, untuk menumbuhkan dalam diri Anda kualitas yang disebut rasa kebersamaan. Ini adalah hal utama.
Mencapai sinkronisitas pada momen START
Ansambel harus memiliki pemain yang melakukan beberapa fungsi sebagai konduktor - ia terkadang harus menunjukkan perkenalan, pelepasan, perlambatan, dll.
Sinyal untuk masuk adalah anggukan kecil di kepala, yang terdiri dari dua momen: gerakan ke atas yang hampir tidak terlihat dan kemudian gerakan ke bawah yang jelas dan agak tajam. Yang terakhir ini berfungsi sebagai sinyal untuk bergabung.
Anggukan tidak selalu dilakukan dengan cara yang sama: semuanya tergantung pada sifat dan tempo komposisi yang dibawakan. Saat gending dimulai karena adanya ketukan, sinyalnya pada dasarnya sama, bedanya jika pada versi pertama ada jeda saat mengangkat kepala, pada dalam hal ini itu diisi dengan suara irama.
"Aku bertemu denganmu."
Mencapai sinkronisasi selama eksekusi.
Mempertahankan sinkronisitas suara selama pertunjukan itu sendiri adalah tugas yang bahkan lebih sulit daripada pengenalan simultan di awal lagu. Itu semua tergantung pada seberapa besar kestabilan ritme ritme yang dimiliki masing-masing pemain ansambel, seberapa ritmisnya dia bermain.
Bermain sebagai pemain kedelapan bersama-sama adalah tugas yang sulit; kesempatan untuk “bubar” menanti para pemain ansambel di setiap langkah. Anda dapat memperkuat dasar ritme metro di sini dengan memberikan sedikit penekanan pada ketukan yang kuat di awal. Aksen adalah prinsip pengorganisasian dan pemersatu, yang karenanya sinkronisitas suara tercapai.
Sinkronisasi di akhir pekerjaan.
Hampir tidak ada kebutuhan untuk menekankan betapa pentingnya menyelesaikan semua pekerjaan secara bersamaan pada saat yang bersamaan. Dalam hal ini, kami mencatat dua opsi yang memungkinkan:
1. akord (atau nada) terakhir mempunyai durasi tertentu;
2. Terdapat fermata di atas tali busur. Dalam kasus pertama, sinkronisitas dicapai berdasarkan durasi yang dipertahankan secara tepat.
Masing-masing pemain ansambel menghitung ketukan metroritmik "untuk diri mereka sendiri" dan memainkan akord tepat pada waktunya.
Sinkronisasi dalam kinerja agogik.
Menjaga kesatuan ansambel saat menampilkan agogis, yaitu. penyimpangan kecil dari tempo dan meteran (memperlambat, mempercepat) merupakan tugas yang memerlukan perhatian yang cermat dari para pelakunya. Jika tempo sudah ditentukan dan gerakan mengikuti secara merata, kesatuan ansambel akan lebih mudah dipertahankan. Ketika menyimpang dari tempo dan restorasi berikutnya, kesulitan tertentu mungkin timbul, karena masing-masing anggota ansambel dapat merasakan penyimpangan ini atau itu dari tempo dengan caranya sendiri.
Pekerjaan individu atas bagian ansambel
Bagian ansambel - Anda perlu mengerjakan bagian ansambel untuk memastikan kinerjanya pada tingkat tinggi dengan cara yang sama seperti pada bagian solo. Bagian pemain ansambel harus terdengar ekspresif secara artistik dan teknis tanpa cela seperti bagian pemain solo. Perhatian khusus harus diberikan pada penjarian, dan ketika menganalisisnya, Anda perlu memperhatikan tidak hanya pada tempat-tempat teknis yang rumit, tetapi juga pada tempat-tempat yang tampaknya sederhana pada pandangan pertama. Harus diasumsikan bahwa sebagian besar perhatian pemain ansambel diarahkan untuk mendengarkan bagian lain, sehingga kendali atas sisi teknis dari penampilan bagiannya sebagian diambil alih oleh penjarian. Atas dasar itu, otomatisitas gerakan dikembangkan, yang menjamin keakuratan (dalam istilah teknis) pelaksanaan bagian tersebut.
Saat mengerjakan sebuah game, Anda perlu mengetahuinya secara menyeluruh sehingga Anda dapat memainkannya dari mana saja, dan tidak hanya dari awal. Bagi seorang pemain ansambel hal ini sangat penting, karena dalam situasi kritis membantu menavigasi dengan cepat.
Saat menghafal suatu bagian, Anda perlu membayangkan fungsinya dalam keseluruhan kompleks suara ansambel.
Kondisi terpenting untuk menghafal bagian ansambel adalah memori yang berkembang, dan semua jenisnya: pendengaran, visual, taktil atau taktil, motorik atau otot.
Mari kita pertimbangkan setiap jenis secara terpisah.
Memori pendengaran bagi seorang musisi adalah salah satu jenis memori utama. Apapun yang dimainkan oleh pemainnya, pertama-tama dia harus mendengar dan mencoba mengingat apa yang dia mainkan. Pada saat yang sama, Anda tidak hanya perlu mendengarkan, tetapi mendengarkan dengan cermat apa yang terdengar.
Memori visual - fiksasi gambar visual. Dengan mengerjakan teks musik untuk waktu tertentu, kita seolah-olah punya waktu untuk memotretnya dalam pikiran kita. Akibatnya, seringkali bukan hanya teks itu sendiri yang diingat, tetapi juga lokasinya pada lembaran musik. Oleh karena itu, Anda tidak boleh berpisah dengan catatan; Anda perlu memberikan waktu pada memori visual Anda untuk bekerja.
Taktil atau taktil - memori berdasarkan sensasi sentuhan (tactile sense). Saat bermain gitar, perhatikan tangan kiri, hingga bagian leher gitar.
Memori motorik (otot) - dalam otomatisitas gerakan: jari “mengingat”. Oleh karena itu, ketika mempelajari suatu permainan, sebaiknya jangan selalu melihat ke tangan kiri, hal ini hanya dapat menghambat perkembangan memori otot, yang tidak hanya akan memperpanjang waktu belajar, tetapi juga mempengaruhi kekuatan hafalan permainan tersebut. Dengan metode menghafal ini, jari-jari bergerak seolah-olah sendiri, hanya referensi suara dari tekstur tertentu yang terekam dalam kesadaran, sedangkan sisanya menjadi pencapaian memori otot, alam bawah sadar.
5. Meningkatkan literasi musik.
6. Membantu siswa untuk berpartisipasi kehidupan publik sekolah.
Pada saat yang sama, harus ditegaskan bahwa semua pekerjaan pendidikan harus dilaksanakan oleh seorang guru dengan tingkat profesional yang tinggi. Rencana kerja individu harus dibuat dengan siswa yang termasuk dalam ansambel.
Dalam usulan program pendidikan diperhitungkan: pengalaman kumulatif, keinginan dan komentar guru praktik, serta program metodologi yang ada.
tahun pertama studi
SAYA setengah tahun (kelas 2)
Siswa harus mempelajari 3-4 karya berbeda. Setiap siswa, setelah menganalisis teks musik bagiannya, menjadi akrab dengan ciri-ciri pembuatan musik ansambel. Keterampilan awal bermain dalam ansambel dipraktikkan: secara bersamaan mengambil dan menghilangkan suara, kemampuan untuk mengamati tidak hanya bagiannya sendiri, tetapi juga bagian pasangannya dalam teks musik.
Untuk menghindari seringnya tersandung dan gangguan saat bermain bersama, Anda harus memilih kecepatan yang lambat terlebih dahulu. Kedua pemain menganalisis setiap konsonan, setiap partikel struktural.
Guru memperkenalkan siswa pada ciri-ciri ansambel, memantau dengan cermat keadaan psikologis mitra. Penting untuk meyakinkan siswa tentang tanggung jawab kolektif mereka atas bunyi lagu tersebut dan untuk mengembangkan sikap ramah di antara anggota ansambel.
Pada akhir triwulan pertama diadakan audisi kontrol ansambel, dan pada akhir semester pertama diadakan tes, dimana ansambel menampilkan dua karya yang berbeda.
II setengah tahun
Siswa harus mempelajari 4-5 karya berbeda. Karya dipilih untuk berbagai pukulan pertunjukan (staccato, legato, non-legato). Kesatuan pelaksanaan pukulan-pukulan ini dalam ansambel berhasil diwujudkan.
Pada saat yang sama, pekerjaan sedang dilakukan pada penyusunan kata-kata karya dan pengembangan ungkapan terpadu di antara anggota ansambel.
Perlu diingat bahwa sulit bagi anak usia sekolah dasar untuk mempraktekkan satu teknik permainan, sehingga selama pembelajaran perlu melatih beberapa teknik permainan. karya musik. Dan tentu saja, di sini Anda dapat membandingkan eksekusi pukulan secara kiasan:
"staccato" - tusukan jarum;
"legato" - nyanyian halus (tergantung suara yang diinginkan).
Karya yang dipelajari harus dibawakan di konser kelas dan sekolah. Untuk melakukan ini, siswa menjadi akrab dengan perilaku panggung. Keterampilan pertunjukan panggung dikembangkan.
Pada kuarter keempat ada tes, dimana ansambel menampilkan dua karya berbeda.
tahun ke-2 studi
SAYA melalui darat (kelas 3)
Dipilih 4-5 karya dengan gambar musik yang hidup, yang menggunakan pengetahuan awal tentang bentuk karya. Berdasarkan program tersebut, diadakan percakapan tentang sarana ekspresif suatu karya tertentu (guratan, dinamika, ritme, tempo, dll). Dan untuk meningkatkan kinerja para pemain dengan baik, pemikiran artistik adalah tepat.
Guru harus ingat bahwa jiwa siswa dicirikan oleh persepsi yang terfragmentasi, yaitu. kepatuhan pada satu fitur (tempo, dinamika, timbre, frase). Oleh karena itu, Anda tidak boleh “membebani” siswa dengan tugas yang terlalu besar. Namun pilihan repertoar yang tersedia sangatlah penting.
II setengah tahun
Pekerjaan terus meningkatkan keterampilan yang diperoleh, bentuk karya dan sarana ekspresi dianalisis.
Percakapan tentang fakta sejarah, biografi, dan teoretis secara signifikan mengaktifkan pemikiran dan persepsi siswa. Membantu untuk memahami, dan karenanya melaksanakan, karya tersebut.
tahun ke-3 studi
Setengah tahun pertama (kelas 4)
Perhatian diberikan pada suara kiasan dari karya tersebut. Membaca pemandangan. Pada kuartal pertama ada tes audisi.
II setengah tahun
Siswa harus belajar 4-5 buah.
tahun ke-4 studi
SAYA setengah tahun (kelas 5)
Siswa harus belajar 4-5 drama. Pengantar bentuk rondo dan sonata yang lebih besar. Dengan siswa yang lebih kuat, dimungkinkan untuk menjadi akrab dengan bentuk konser. Pekerjaan berlanjut untuk mengembangkan tempo tunggal, konsistensi ritme, dan keseimbangan dinamis bagian-bagiannya.
Perhatian diberikan pada suara kiasan dari karya tersebut. Membaca pemandangan. Pada kuartal pertama ada audisi kontrol.
Pada kuarter kedua diadakan tes, dimana dilakukan dua karya berbeda atau satu karya berbentuk besar.
II setengah tahun
Siswa harus belajar 4-5 buah.
Meningkatnya kompleksitas tugas-tugas teknis dalam sebuah karya memerlukan upaya untuk mengembangkan rangkaian frase, serta mengembangkan keseragaman kinerja dan konsistensi dalam gerakan bermain siswa. Untuk mengembangkan kemandirian dan pengendalian diri, siswa diminta untuk mempelajari satu bagian sendiri.
Pada kuartal ketiga ada tes audisi.
Pada kuarter keempat ada tes yang dilakukan dua pekerjaan berbeda. Membaca pemandangan.
Daftar literatur bekas
1. “Gitar muda”, V Kalinin;
2. “Sekolah bermain gitar enam senar”, P. Agafoshin;
Z. “Sekolah bermain gitar enam senar”, A. Ivanov-Kramekoy;
4. "0 pedagogi musik", B.Ya. Zemlyansky;
5. “06 seni bermain piano. Catatan seorang guru”, G. Neuhaus;
6. “Karya pianis tentang teknik,” S. Savtinsky; “Karya kreatif seorang pianis dengan teks asli”, E. Lieberman.