Berusaha mengungkap citra artistik dalam karya. Rekomendasi metodologis dengan topik: “Penciptaan dan pengembangan citra artistik dalam proses pengerjaan sebuah karya musik

LEMBAGA PENDIDIKAN TAMBAHAN ANGGARAN KOTA "SEKOLAH SENI KUZMOLOVSKAYA"

Pembelajaran terbuka dilakukan dengan siswa kelas 4 Arina Malova (umur 10 tahun).

Topik: Mengerjakan citra artistik dalam karya"

Guru Dobrovolskaya T.I.

desa Leskolovo

2017

Topik pelajaran : “Mengerjakan citra artistik dalam karya”

Jenis pelajaran: digabungkan.

Tujuan pelajaran: pemantapan dan peningkatan keterampilan dalam menciptakan dan mereproduksi gambar artistik.

Tujuan pelajaran:

Pendidikan:

mengkonsolidasikan keterampilan kemampuan memainkan berbagai karya musik secara musikal, emosional, kiasan, dengan kontrol pendengaran;

memperkenalkan fakta menarik dari biografi komposer yang karyanya dibawakan siswa;

mencari teknik pertunjukan untuk menyampaikan citra musik.

membantu memperluas cakrawala musik Anda.

Pendidikan:

mempromosikan pengembangan kemampuan kreatif (seni);

mengembangkan telinga untuk musik, ingatan, perhatian, budaya internal;

mengembangkan perasaan estetika dan moral;

mengembangkan pengetahuan musik, yang darinya lahirlah rasa proporsional, gaya, dan selera;

mempromosikan pengembangan persepsi mendalam dan penyampaian suasana hati dalam karya musik yang dibawakan;

mempromosikan pengembangan aktivitas kognitif dan pemikiran kreatif.

Pendidikan:

membentuk sikap emosional dan berbasis nilai terhadap musik yang dimainkan dalam pembelajaran;

menumbuhkan selera musik;

mempromosikan pengembangan respons emosional terhadap musik.

Metode pengajaran:

metode perbandingan;

metode visual-auditori;

metode observasi musik.

metode berpikir tentang musik

metode dramaturgi emosional;

metode verbal: percakapan (hermeneutik, heuristik), dialog, penjelasan, klarifikasi;

metode generalisasi musik;

metode pemodelan plastik.

Rencana pelajaran repertoar:

1. Gamma E mayor

3. S. Banevich “Prajurit dan Balerina”

Rencana belajar:

1.Momen organisasi

2. Kerjakan skalanya.

3. Bekerja dengan materi musik

4. Konsolidasi materi yang dibahas.

5. Ringkasan pelajaran

6. Pekerjaan rumah

Perkenalan.

Gambaran musik dan seni seorang siswa adalah “fenomena” yang hidup, spiritual, berkembang secara aktif dan dinamis yang dengannya ia melakukan kontak non-verbal, mengalami perasaan kepuasan spiritual dalam proses komunikasi tersebut. Oleh karena itu, poin terpenting dalam pengembangan kemampuan kognitif (kognitif) dapat dianggap sebagai pendidikan kemandirian kinerja siswa - kemampuan untuk menafsirkan suatu karya dengan caranya sendiri, menciptakan dan mengembangkan gambar musik dan seninya sendiri, dan secara mandiri. menemukan teknik teknis untuk mewujudkan rencananya.

Konsepnya tidak dapat dipungkiri bahwa musik adalah bahasa komunikasi yang khusus, bahasa musikal, seperti bahasa Jerman, Inggris, dan lain-lain. Bergairah dengan karyanya, seorang guru yang kompeten mencoba menyampaikan sudut pandang ini kepada murid-muridnya, untuk membentuk hubungan asosiatif antara karya musik dan seni, membandingkan lakon dengan puisi, dongeng, cerita dan cerita. Tentu saja, bahasa musik tidak boleh dipahami secara harfiah sebagai bahasa sastra. Sarana dan gambaran ekspresif dalam musik tidak sevisual dan konkrit seperti gambaran sastra, teater, dan lukisan. Musik beroperasi melalui pengaruh emosional murni, terutama menarik perasaan dan suasana hati orang. “Jika segala sesuatu yang terjadi dalam jiwa seseorang dapat diungkapkan dengan kata-kata,” tulis A.N. Serov, “tidak akan ada musik di dunia.”

Karena kita berbicara tentang penciptaan dan pengembangan suatu citra seni, maka perlu dipahami apa yang dimaksud dengan konsep “isi suatu karya musik”. Konsep yang berlaku umum adalah bahwa isi dalam musik merupakan refleksi artistik melalui sarana musik perasaan, pengalaman, gagasan, dan hubungan seseorang dengan realitas di sekitarnya. Musik apa pun membangkitkan emosi, pikiran, suasana hati, pengalaman, ide tertentu. Ini adalah komponen artistik dari komposisi musik. Namun tentunya dalam membawakannya tidak boleh melupakan sisi teknis pembuatan musik, karena penampilan sebuah karya musik yang ceroboh tidak berkontribusi pada terciptanya citra yang diinginkan pendengarnya. Artinya, guru dan siswa dihadapkan pada tugas yang agak sulit - untuk menggabungkan kedua arah ini ketika mengerjakan sebuah karya musik, untuk mensintesisnya menjadi satu pendekatan yang sistemik dan holistik, sebuah metode di mana pengungkapan konten artistik terkait erat. dengan keberhasilan mengatasi kemungkinan kesulitan teknis.

Selama kelas:

1. Di awal pelajaran kita memainkan tangga nada E mayor. Kami memainkan tangga nada lagi, menyempurnakan penjariannya. Berikutnya adalah pengerjaan skala pertiga dan desima. Perhatian khusus diberikan pada nuansa dinamis dalam memainkan tangga nada.

Berikutnya adalah mengerjakan akord dan arpeggio dengan tangan Anda. Kita ingat bahwa kita memainkan arpeggio “seolah-olah menggambar putaran” dengan masing-masing tangan. Mengerjakan arpeggio secara dinamis pada arpeggio pendek, patah, dan panjang.

Saat mengerjakan akord, kami memperoleh suara yang halus dan cerah serta aktivitas jari saat memainkan akord dari instrumen dan kemudian mentransfernya.

Permainan D7.

Pekerjaan rumah.

Polifoni merupakan hal yang utama dalam pendidikan seorang siswa (Neuhaus). Mengerjakan karya polifonik merupakan bagian integral dari pembelajaran pertunjukan piano. Hal ini dijelaskan oleh betapa pentingnya pengembangan pemikiran polifonik dan penguasaan tekstur polifonik bagi setiap pemain piano. Siswa mengembangkan dan memperdalam kemampuan mendengar kain polifonik dan menampilkan musik polifonik sepanjang pelatihan.

Secara umum, penemuan F mayor mirip dengan bagian “Gloria” dari Mass in B minor karya Bach. Penemuan ini didasarkan pada tema yang mula-mula muncul dalam tiga serangkai yang rusak (fa-la-fa-do-fa-fa), dan kemudian turun (fa-mi-re-do, re-do-sib-la, sib- la-sol -F). Temanya menyenangkan, ringan, cepat. Di sini kita dapat berbicara tentang berbagai tokoh retoris dan simbolis. Kontur tema itu sendiri - pendakian sepanjang tiga serangkai dan penurunan seperti tangga nada sesuai dengan bait paduan suara "Kristus berbaring..." - "Puji Tuhan", pada saat yang sama penurunannya tiga kali empat nada - simbol Perjamuan Kudus. Tema gembira, ringan dan cepat berisi naik dan turun - asosiasi muncul dengan pelarian malaikat. Dari hitungan ke-4, bunyi lonceng muncul - memuji Tuhan (la-do-sib-do, la-do-sib-do, la-do-sib-do) - lagi-lagi tiga kali empat nada - simbol dari Perjamuan Kudus. Pada takaran 15 pada suara rendah dan pada takaran 19 pada suara atas, interval ketujuh yang menurun disorot dengan tajam - simbol Kejatuhan. Dalam langkah 5-6, 27-28, 31, gerakan keenam paralel muncul - simbol kepuasan dan kontemplasi yang menyenangkan.

Penemuan ini ditulis dalam 3 bagian - 11+14+9 batang.

Bagian pertama, dimulai dengan F mayor, diakhiri dengan C mayor. Bagian kedua, dimulai dengan C mayor, diakhiri dengan B flat mayor. Bagian ketiga, dimulai dengan B-flat mayor, diakhiri dengan F mayor.

Ciri polifonik dari fugue aneh ini adalah tiruan kanonik. Namun, kanon ini, yang awalnya hanya masuk ke dalam oktaf, melompat ke nada yang lebih rendah (pada hitungan 8), dan terputus pada hitungan 11.

Menampilkan dan mengerjakan bagian-bagian karya dengan siswa. Bekerja pada rencana yang dinamis, bekerja untuk menciptakan citra “penerbangan malaikat”.

Mengerjakan penemuan J. S. Bach membantu memahami dunia gambaran musik dan artistik komposer yang mendalam dan bermakna. Kajian tentang penemuan dua suara memberikan banyak manfaat bagi siswa sekolah musik anak untuk memperoleh keterampilan dalam menampilkan musik polifonik dan untuk pelatihan musik dan pianistik secara umum. Fleksibilitas suara merupakan ciri khas dari semua literatur piano. Peran penemuan dalam pendidikan pendengaran, dalam mencapai keragaman timbre suara, dan dalam kemampuan memimpin alur melodi sangatlah penting.

3. S. Banevich “Prajurit dan Balerina”.

Memainkan sepotong dengan hati. Dialog dengan siswa tentang pendapatnya tentang karya yang dimainkannya.

Sebuah cerita berdasarkan dongeng karya G.Kh. Andersen tentang sejarah prajurit timah. Penciptaan citra prajurit timah dan balerina. Hubungan mereka.

Menampilkan dan bekerja dengan siswa pada fragmen-fragmen dalam sebuah karya musik dan menciptakan gambar musik untuk fragmen tersebut. Mengerjakan rencana dinamis dalam sebuah karya. Berusahalah mengayuh.

4. I. Parfenov “Di hutan musim semi”

Memainkan sepotong dengan hati. Analisis bersama siswa tentang momen sukses dan kegagalan.

Dialog dengan seorang siswa tentang idenya tentang hutan mata air, untuk pengerjaan lebih detail pada fragmen-fragmen dalam karya tersebut.

Mengerjakan dinamika dan mengayuh secara utuh.

HASIL PELAJARAN: refleksi (analisis kegiatan) dan refleksi diri (analisis diri)

Apa yang telah kamu lakukan sejauh ini?

Apa yang tidak sempat kami selesaikan, apa yang harus diselesaikan

Apa yang saya mengerti, apa yang tidak saya mengerti

Apa yang saya pelajari

Apa yang sulit, apa yang tidak begitu sulit. Analisis kesalahan Anda.

Hasil emosional: apa yang Anda sukai, bagaimana perasaan Anda.

Tandai 1-5

Peringkat - kesan keseluruhan

Kesimpulan: Tujuan pembelajaran tercapai atau tidak tercapai.

Kesimpulan

Introspeksi pelajaran: Kami percaya bahwa pelajaran itu sukses, dan tujuan pelajaran - mengerjakan gambar artistik dalam karya - tercapai. Di akhir pembelajaran, pada saat pemutaran kontrol, siswa berusaha menyampaikan perasaan dan emosi batinnya semaksimal mungkin. Tentu saja intonasi dibahas dalam setiap pembelajaran, namun biasanya pada pembelajaran kerja biasa guru menetapkan beberapa tugas sekaligus (tekstual, teknis, intonasi, dll), sehingga siswa sulit berkonsentrasi penuh, misalnya pada pelajaran. tugas intonasi yang benar.)

Pelajaran tematik ini sangat berharga karena anak hanya diberikan satu tugas tertentu dan lebih mudah baginya untuk berkonsentrasi pada tugas tersebut. Hal ini membantu anak untuk lebih memahami materi ini secara emosional, mengingatnya dan menerapkannya dalam pertunjukan. Tentu saja pembelajaran terbuka mengandaikan adanya lingkungan baru yang tidak biasa baik bagi guru maupun siswa, oleh karena itu dapat dikatakan bahwa terdapat suatu penyempitan, kendala dan ketegangan pada diri anak dan guru. Seluruh tahapan pembelajaran yang direncanakan telah selesai, selesai tepat waktu, dan tujuan pembelajaran telah ditentukan. Siswa menunjukkan kemampuan untuk mengerjakan detail dan secara umum, nuansa dan frasa musik, dalam mengoreksi ketidakakuratan dan kesalahan dalam pertunjukan. Persepsi terhadap instruksi guru cepat dan sadar. Selama pembelajaran, siswa menunjukkan kemampuannya mengungkapkan perasaan batinnya melalui suara.

Pekerjaan metodis

“Gambar artistik sebagai

masalah pedagogi musik"

guru piano

MOUDOD "Sekolah Musik Anak Krasnogorsk"

Rybakova Irina Anatolyevna

Krasnogorsk 2012

PERKENALAN

Pernyataan masalah, relevansi, maksud, tujuan.

Mengerjakan gambar artistik dalam pelajaran piano pada tahap awal.

"...Musik tidak bisa akurat

jelaskan wilayahnya -

kebangkitan perasaan.

Dia harus membantu semua orang

wujudkan impianmu di bawah pengaruhnya

dampak instan, yang

mungkin bervariasi tergantung pada

dari kecenderungan pendengar,

serta kedalaman persepsi mereka"

Alfred Cortot

PERKENALAN

Masalah mengungkap citra artistik, memahami maksud pencipta dan kemampuan menyampaikan ciri khas pengarang tertentu, genre tertentu, era tertentu selalu relevan dalam karya pedagogi musik. Proses membesarkan pendengar musik dan pencinta musik yang kompeten, antusias, cukup rumit dan panjang. Intuisi alami saja tidaklah cukup, sama seperti tidak mungkin menyampaikan pemahaman tanpa keinginan siswa untuk memahaminya.

Di sekolah musik, Anda sering melihat gambar berikut (kita berbicara tentang anak-anak dengan kemampuan musik rata-rata). Sebuah pekerjaan yang dilakukan seorang siswa selama pembelajaran, sama sekali tidak membangkitkan apa pun dalam jiwa anak kecuali keinginan untuk menyelesaikan kelas sesegera mungkin. Siswa memainkan drama tersebut berulang kali dengan hasil yang sama, meskipun ada upaya dari guru, yang terus-menerus mengatakan: "ada aksen di sini", "bermain lebih keras", dll. Pelajaran seperti itu berakhir dengan siswa dan guru menjadi kelelahan. -y dengan pendapatnya sendiri: siswa masih belum mengerti mengapa semua detail dan omelan guru ini; seorang guru yang yakin akan kebodohan total seorang anak.

Apa alasan dari situasi ini? Pertama-tama, perlu diperhatikan betapa besarnya peran guru dalam mengatasi permasalahan tersebut. Masa depan musik anak bergantung padanya. Bukan rahasia lagi bahwa pelajaran musik yang disalahpahami, tanpa sikap kreatif terhadap hal penting ini, mengarah pada fakta bahwa anak tersebut benar-benar putus asa tidak hanya dari keinginan akan seni musik, tetapi juga dari keengganan total terhadap musik. Oleh karena itu, sangat penting bagaimana guru membuat pelajaran musik, betapa menarik, mengasyikkan dan bermaknanya pelajaran tersebut.

Karena kita tidak berhak menentukan masa depan musik seorang anak, pertama-tama kita harus memimpin semua orang dengan cara yang sama: mengajar mendengarkan dan mempersepsikan musik baik dari luar maupun dalam penampilan kita sendiri (mendengarkan diri sendiri), mengembangkan estetika. mengecap, membangkitkan sikap cinta terhadap suara piano, belajar memahami teks musik; mengajarkan ungkapan yang bermakna, kontrol dasar suara dan ritme; dan, akhirnya, sebagai hasil dari semua hal di atas, untuk mencapai penampilan permainan anak-anak yang ekspresif dan imajinatif. Dengan muatan pendidikan dasar ini, musik menghadirkan kegembiraan bagi anak-anak, menyatu dengan pengalaman mereka, dan membangkitkan imajinasi. Oleh karena itu semangat dalam beraktivitas, dan semangat, seperti yang kita ketahui, adalah kunci sukses dalam bisnis apa pun.

Sangat penting untuk mengajari anak Anda memahami musik. Seringkali, memahami musik berarti kemampuan menceritakan kembali isinya. Ide ini tidak lengkap. Jika dimungkinkan untuk secara akurat menerjemahkan isi sebuah karya musik ke dalam bahasa kata-kata, untuk menjelaskan dengan kata-kata arti dari setiap suara, maka mungkin kebutuhan akan musik seperti itu akan hilang.

Kekhasan musik terletak pada bahasanya yang merupakan bahasa gambaran musik yang tidak menyampaikan konsep, sebab dan akibat yang tepat dari terjadinya suatu fenomena. Musik menyampaikan dan membangkitkan perasaan dan pengalaman yang terkadang tidak terekspresikan secara utuh dan mendetail. Dan isi pokok suatu karya musik, gagasan pokoknya yang berkembang seiring berjalannya waktu, sifat perkembangannya dapat dipahami dan dijelaskan. Namun karena kandungan ini diungkapkan melalui sarana musik tertentu (melodi, harmoni, ritme, mode, tempo, dll), maka untuk memahaminya perlu adanya gambaran tentang makna ekspresif dari semua sarana tersebut. Dengan demikian, pemahaman sebuah karya musik mengandaikan kesadaran akan gagasan pokok, watak, suasana hati, yang disampaikan melalui sarana ekspresi musik tertentu.

pemusik pertunjukan akan mampu sedekat mungkin dengan gagasan pengarangnya dan, jika ia telah menguasai sarana perwujudannya, menyampaikannya dengan perangai, persuasif dan kemudahan, seolah-olah ia sedang mengungkapkan gagasannya, perasaannya, miliknya. pikiran. Seorang musisi perlu “meyakini” fiksi orang lain dan dengan tulus menghayatinya, memasukkan subteksnya sendiri ke dalam teks orang lain, “melewatinya” dirinya sendiri, menghidupkannya kembali dan melengkapinya dengan imajinasinya. Tahap awal pengerjaan sebuah karya musik dicirikan terutama oleh kenyataan bahwa ia menghadapkan pelakunya sebagai objek yang berdiri di luar dirinya. Ini masih sebuah “permainan”, bukan “pertunjukan”. Ada perbedaan kualitatif antara “bermain” dan “mengeksekusi”. Penerjemah harus diilhami oleh pikiran dan perasaan penulis, dan secara internal setuju dengan komposer. Dalam proses penguasaan konsepnya, pelaku menciptakan gambarannya sendiri dalam imajinasinya. Setelah “menerima sebagai kebenaran” segala sesuatu yang dia ciptakan dalam imajinasinya, dan merasakan perlunya apa yang dia lakukan, pemain mulai berbicara atas namanya sendiri dan mulai tampil. Anda tidak dapat meyakinkan orang lain tentang apa yang Anda sendiri tidak yakini. Peran guru adalah mendidik siswa untuk memahami dan menguasai seni. Dengan kata lain, mengenalkan siswa pada dunia seni, membangkitkan kemampuan kreatifnya dan membekalinya dengan teknologi.

Tujuan ini dapat dicapai ketika siswa mempelajari sebuah karya dan mengerjakan latihan khusus yang mengembangkan aspek-aspek tertentu dari “peralatan pengalaman”. Jika seorang guru sibuk hanya menunjukkan cara memainkan suatu lakon, maka ia tidak akan mengarahkan siswanya pada kreativitas. Mengerjakan sebuah karya musik tidak bisa menjadi tujuan tersendiri. Setiap tugas yang diberikan harus membantu siswa memperoleh kualitas baru. Kreativitas tidak bisa diajarkan, tapi Anda bisa mengajarkan cara bekerja secara kreatif. Guru harus secara aktif mengelola proses kompleks pekerjaan pelaku.

Dalam proses penetrasi kreatif ke dalam citra orang lain, dimungkinkan untuk memperluas batas-batas intelektual dan emosional individu. Berkat pengayaan dan perubahan kepribadian yang terkait, citra asing tidak lagi menjadi citra asing, dan pelaku menjadi mampu menggabungkan pribadi, unik secara individual dengan ide, pemikiran, dan perasaan penulis.

Dengan demikian, masalah pemahaman citra seni erat kaitannya dengan masalah pendidikan kreatif. Sistem pendidikan yang mengarah pada kreativitas mendukung metode pengajaran yang dengannya siswa merasakan dan memahami mengapa dan untuk apa perlu “dilakukan”. Pendidikan kreatif memerlukan pendekatan individual. Setiap kepribadian dicirikan oleh kombinasi unik dari sejumlah kualitas bawaan dan didapat. Dengan menggunakan ciri-ciri alami siswa, guru dapat mempengaruhi dan menumbuhkan individualitas artistik. Pendidikan kreatif melibatkan penanaman keinginan dan kemampuan untuk memperoleh pengetahuan dan keterampilan. Seorang siswa dapat menguasai dasar-dasar seninya hanya melalui usaha aktifnya sendiri. Seorang guru yang menyajikan segala sesuatu kepada siswanya dalam bentuk terbuka tidak mengajarkan siswa untuk mencari, tidak menumbuhkan rasa ingin tahu yang kreatif.

Pendidikan kreatif mengandaikan pemahaman tentang hubungan antara desain dan teknologi. Kata-kata Busoni: “Semakin banyak sarana yang dimiliki seorang seniman, semakin ia dapat memanfaatkannya” adalah ekspresi dari pemikiran ini. Pendidikan kreatif memperluas ruang lingkup dan ruang lingkup pekerjaan seorang guru. Tuntutan besar ditempatkan pada kepribadian guru, pengetahuan dan keterampilannya. Guru tidak hanya mengajarkan dasar-dasar seni, tetapi dengan mengembangkan “peralatan mental”, menjadi pemimpin artistik dan etika siswa. Guru terpanggil untuk mengajar muridnya mendengarkan dan mendengar, melihat dan melihat, mengamati dan menentukan pilihan, memahami makna fenomena yang diamati, dan mengolah perasaan yang dirasakan dalam dirinya.

Seorang guru yang mengembangkan seorang pianis yang tampil menghadapi empat tugas yang tidak dapat dipisahkan.

Pertama, ia harus menanamkan dalam diri siswa budaya umum, mengembangkan observasi, menumbuhkan kesadaran, dan etika. Artinya, inilah tugasnya

pembentukan seseorang (“Saya mengerti”, “Saya tahu”, “Saya merasakan”, “Saya mengerti” dan “Saya mengevaluasi”).

Kedua, guru harus mengenalkan siswa pada dunia musik, mengungkapkan nilai estetika dan kognitifnya, menanamkan budaya musik, dan melatih telinganya. Inilah tugas membentuk seorang musisi (“mendengar”, “merasakan”, “mengerti”).

Ketiga, guru harus mengarahkan pengembangan keterampilan pianistik, mengajarkan kemampuan mengekspresikan diri dengan menggunakan alat musiknya. Dengan kata lain - untuk membentuk seorang pianis (“Saya bisa”, “Saya bisa menerapkan”).

Keempat, guru harus memupuk kualitas pertunjukan tertentu: kemampuan untuk “menyalakan”, dijiwai dengan musik, keinginan untuk mewujudkan musik, belajar dengan pendengar dan mempengaruhi pendengar. Anda dapat menyebut semua ini sebagai formasi seorang pemain (“Saya bersinar”, “Saya ingin mewujudkan”, “Saya ingin menyampaikan kepada orang lain dan mempengaruhi orang lain”).

Dalam estetika, gambaran artistik dipahami sebagai pemikiran alegoris dan metaforis yang mengungkapkan satu fenomena melalui fenomena lainnya. Sang seniman seolah-olah membenturkan fenomena satu sama lain dan melontarkan percikan api yang menerangi kehidupan dengan cahaya baru. Dalam seni rupa India kuno, menurut Anandavardhana (abad IX), pemikiran figuratif memiliki tiga unsur utama: figur puitis, makna, suasana hati. Unsur-unsur pemikiran figuratif ini dibangun menurut hukum konjugasi artistik dan perbandingan berbagai fenomena. Misalnya, penyair India kuno, tanpa secara langsung menyebutkan perasaan yang dimiliki pemuda itu, menyampaikan kepada pembaca suasana cinta, dengan terampil membandingkan seorang kekasih yang memimpikan ciuman dengan seekor lebah yang terbang di sekitar seorang gadis.

Dalam karya-karya paling kuno, sifat metaforis pemikiran artistik tampak sangat jelas. Pemikiran artistik menghubungkan fenomena nyata, menciptakan makhluk yang belum pernah terjadi sebelumnya yang secara aneh menggabungkan unsur-unsur nenek moyangnya. Sphinx Mesir kuno bukanlah singa atau topi, melainkan manusia yang direpresentasikan melalui singa, dan singa dipahami melalui manusia. Melalui kombinasi aneh antara manusia dan raja binatang buas, manusia mempelajari alam dan dirinya sendiri. Pemikiran logis menetapkan hierarki dan subordinasi fenomena. Gambar tersebut mengungkapkan benda-benda berharga satu sama lain. Pemikiran artistik tidak dipaksakan dari luar pada objek-objek dunia, tetapi mengalir secara organik dari perbandingannya, dari interaksinya.

Struktur gambar artistik tidak selalu sejelas di Sphinx. Namun, bahkan dalam kasus seni yang lebih kompleks, fenomena bersinar dan terungkap satu sama lain. Misalnya, dalam novel "War and Peace" karakter Andrei Bolkonsky terungkap melalui cintanya pada Natasha, dan melalui hubungannya dengan ayahnya, dan melalui langit Austerlitz, dan melalui ribuan hal. Seniman berpikir secara asosiatif. Baginya, bagi Trigorin karya Chekhov, awan itu seperti piano,” ia mengungkapkan nasib gadis itu melalui nasib burung adalah elderberry di taman, dan seorang pria di Kyiv ". Dalam gambar, melalui “konjugasi” fenomena yang berjauhan satu sama lain, aspek yang tidak diketahui dan hubungan realitas terungkap. Sebuah gambar artistik memiliki logikanya sendiri, ia mengungkapkan dirinya sendiri menurut hukum internalnya, yang memiliki gerak diri, Seniman menetapkan semua parameter awal gerak diri gambar, tetapi setelah menetapkannya, ia tidak dapat mengubah apa pun tanpa melakukan kekerasan terhadap kebenaran artistik pekerjaan mengarah padanya, dan sang seniman terkadang sampai pada kesimpulan yang sama sekali berbeda dari apa yang ia perjuangkan.

Pemikiran figuratif memiliki banyak nilai, kaya dan mendalam makna dan maknanya seperti kehidupan itu sendiri. Salah satu aspek ambiguitas gambar adalah pernyataan yang meremehkan. E. Hemingway mengibaratkan sebuah karya seni dengan gunung es: sebagian kecil terlihat, tetapi sebagian besar tersembunyi di bawah air. Hal ini membuat pembaca aktif, proses mempersepsikan karya ternyata bersifat kreasi bersama, berpikir, menyelesaikan gambar. Persepsi menerima dorongan awal untuk refleksi, ia diberi keadaan emosional dan program untuk memproses informasi yang diterima, tetapi ia tetap memiliki kehendak bebas dan ruang untuk imajinasi kreatif. Ketidaklengkapan gambaran, yang merangsang pemikiran si penginderaan, dimanifestasikan dengan kekuatan khusus dalam prinsip non fenita (kurangnya akhir, ketidaklengkapan).

Gambar itu memiliki banyak segi, mengandung jurang makna yang terbentang selama berabad-abad. Setiap era menemukan sisi dan aspek baru dalam gambaran klasik dan memberikan interpretasinya sendiri. Pada abad ke-19. Hamlet dipandang sebagai intelektual reflektif (“Hamletisme”), dan pada abad ke-20. - seperti seorang pejuang. Goethe percaya bahwa dia tidak bisa mengungkapkan ide "Faust" dalam sebuah formula. Untuk mengungkapnya, seseorang harus menulis karya ini lagi. Gambar adalah keseluruhan sistem pemikiran. Gambar tersebut sesuai dengan kompleksitas, kekayaan estetika dan keserbagunaan kehidupan itu sendiri. Jika gambaran artistik dapat diterjemahkan sepenuhnya ke dalam bahasa logika, sains dapat menggantikan seni. Jika tidak dapat diterjemahkan sama sekali ke dalam bahasa logika, maka kritik sastra, kritik seni, dan kritik seni tidak akan ada. Kami tidak menerjemahkan gambar tersebut ke dalam bahasa logika karena selama analisis masih ada “residu super-mental”, dan kami menerjemahkannya karena semakin dalam, menembus esensi karya, kami dapat mengungkapkannya secara lebih lengkap dan komprehensif. makna; analisis kritis adalah proses pendalaman tanpa akhir terhadap makna gambar yang tak terbatas.

Gambar artistik adalah generalisasi individual yang mengungkapkan dalam bentuk sensorik konkret apa yang penting bagi sejumlah fenomena. Dialektika yang universal dan individu dalam berpikir sesuai dengan interpenetrasi dialektisnya dalam realitas. Dalam seni, kesatuan ini diekspresikan bukan dalam universalitasnya, tetapi dalam individualitasnya: yang umum memanifestasikan dirinya dalam individu dan melalui individu. “Penyair hebat,” tulis Belinsky, “berbicara tentang dirinya sendiri, tentang “aku” -nya, berbicara tentang hal yang umum - tentang kemanusiaan, karena di dalam kodratnya terdapat segala sesuatu yang menjadi tempat hidup umat manusia, dan oleh karena itu dalam kesedihannya setiap orang mengenali dirinya sendiri dan vi. - di dalam dirinya tidak hanya ada seorang penyair, tetapi juga seorang manusia, saudaranya dalam kemanusiaan"

Seniman berpikir dalam gambar, yang sifatnya konkrit – sensual. Hal ini menghubungkan gambaran seni dengan bentuk kehidupan itu sendiri, meskipun hubungan ini tidak dapat diartikan secara harfiah. Bentuk-bentuk seperti kata artistik, suara musik, atau ansambel arsitektur tidak dan tidak dapat ada dalam kehidupan itu sendiri.

Seni klasisisme bercirikan generalisasi – generalisasi artistik dengan menonjolkan dan memutlakkan ciri khas sang pahlawan. Romantisme bercirikan idealisasi – generalisasi dengan mewujudkan cita-cita dan memaksakannya pada materi nyata. Seni realistik dicirikan oleh tipifikasi - generalisasi artistik melalui individualisasi dengan memilih ciri-ciri kepribadian yang penting. Seni mampu, tanpa melepaskan diri dari fenomena yang bersifat inderawi yang konkrit, membuat generalisasi yang luas dan menciptakan konsep dunia.

Citra artistik adalah kesatuan pikiran dan perasaan, rasional dan emosional. Emosionalitas adalah prinsip dasar gambar artistik yang paling awal dan paling estetis secara historis. Orang India kuno percaya bahwa seni lahir ketika seseorang tidak dapat menahan perasaannya yang meluap-luap.

Untuk menciptakan sebuah karya yang abadi, tidak hanya cakupan realitas yang luas yang penting, tetapi juga suhu ideologis dan emosional yang cukup untuk meluluhkan kesan-kesan keberadaan. Pematung Perancis O. Rodin membedakan pentingnya pikiran dan perasaan untuk kreativitas artistik: “Seni adalah karya pemikiran, mencari pemahaman tentang dunia dan membuat dunia ini dapat dimengerti... Ini adalah cerminan hati seniman dalam segala hal. benda yang disentuhnya.”

Gambar artistik merupakan kesatuan objektif dan subjektif. Ini mencerminkan kepuasan hidup yang luar biasa. Gambar tidak hanya mencakup materi realitas, yang diproses oleh fantasi kreatif seniman tentang dan sikapnya terhadap apa yang diciptakan, tetapi juga seluruh kekayaan kepribadian pencipta, atau, seperti yang dicatat oleh teman Picasso, Juan Gris, dalam hal ini, “the kualitas seniman tergantung pada kuantitas pengalaman masa lalu yang dibawanya.”

Peran individualitas seniman terlihat jelas dalam seni pertunjukan (musik, teater). Setiap aktor, misalnya, menafsirkan karakter dengan caranya sendiri, dan sisi permainan yang berbeda diungkapkan kepada penonton. Misalnya, Salvini, Ostuzhev, Olivier memberikan interpretasi berbeda terhadap citra Othello sesuai dengan pandangan dunia mereka, individualitas kreatif mereka, pengalaman sejarah, nasional dan pribadi mereka. Kepribadian pencipta tercermin dalam gambar artistik, dan semakin cerah dan signifikan kepribadian tersebut, semakin signifikan pula ciptaan itu sendiri. Seni yang hebat dapat memuaskan selera paling halus dari orang yang siap secara intelektual dan selera khalayak ramai. Dalam gambaran realistik, ukuran hubungan antara subjektif dan objektif selalu dipertahankan; realitas disinari oleh pemikiran dan cita-cita seniman.

Gambarnya unik dan pada dasarnya asli. Bahkan ketika menguasai materi penting yang sama, mengungkapkan topik yang sama berdasarkan posisi ideologis Ob, pencipta yang berbeda menciptakan karya yang berbeda. individualitas kreatif sang seniman meninggalkan jejaknya pada mereka. Penulis sebuah mahakarya dapat dikenali dari tulisan tangannya dan kekhasan cara kreatifnya. “Biarkan peniruan melewati hati kita sebelum tangan kita mulai mengerjakannya, dan kemudian, terlepas dari diri kita sendiri, kita akan menjadi orisinal,” kata Rodin.

Hukum ilmiah sering kali ditemukan oleh ilmuwan yang berbeda secara independen satu sama lain. Misalnya, Leibniz dan Newton secara bersamaan menemukan kalkulus diferensial dan integral. Pengulangan penemuan ilmiah mungkin terjadi, tetapi sepanjang sejarah seni yang berusia berabad-abad, belum ada satu pun kasus kebetulan antara karya seniman yang berbeda. Hukum “direalisasikan melalui non-realisasinya” (Hegel). Pola umum: suatu gambar artistik adalah unik, pada dasarnya orisinal, karena bagian integralnya adalah individualitas unik penciptanya.

Musikologi juga membahas masalah gambaran artistik, isi musik, dan sarana ekspresinya. Sudah lama ada opini luas tentang “tidak dapat diungkapkannya” isi musik, tentang ketidakmungkinan untuk “menceritakan kembali”, menyampaikannya dengan cara apapun, termasuk secara lisan. “Musik dimulai saat kata-kata berakhir” (Gay-ne). Ada kategorisasi yang berlebihan dalam pernyataan tentang musik yang tidak dapat diungkapkan dengan kata-kata. Memang sudah banyak orang yang mencoba dan berusaha menyampaikan isi karya musik tertentu melalui gambar sastra (dan gerak tubuh, gerak tari, gambar), dan tidak dapat dikatakan bahwa semua upaya tersebut tidak berhasil. Sangat sulit untuk berbicara secara spesifik tentang musik (terutama jika musik itu muncul dalam bentuk "murni" - tanpa kata-kata dan aksi panggung). Dan alasannya adalah pada “komposisi” isinya, yang tidak serta merta mencakup momen visual dan konseptual yang lebih mudah untuk diceritakan kembali, melainkan mencakup nuansa emosi paling halus yang tidak dapat diakses oleh ekspresi verbal yang memadai. Menggambarkan apa yang didengar selalu lebih sulit daripada apa yang dilihat - hal ini disebabkan oleh adaptasi bahasa kita terhadap peran utama informasi visual.

Bahkan lebih sulit lagi untuk menggambarkan pengalaman itu. Dan sangat mustahil untuk mengetahui apa yang dimaksud dengan “jiwa” seni apa pun – visi unik dan sensasi dunia melalui bakat artistik, dan bahkan jika ia berpikir dan mengekspresikan dirinya dalam bahasa yang sangat berbeda dari percakapan sehari-hari, seperti musik.

Oleh karena itu, ketika berbicara tentang isi musik, kita harus selalu ingat bahwa hal itu tidak dapat diwujudkan dengan cara lain selain musik, dan dipahami sepenuhnya selain dengan memahami dan mengalami musik itu sendiri.

Namun hal ini tidak berarti bahwa musik hanya mempunyai konten musikalnya sendiri, yang mengekspresikan dirinya sendiri. Ia “memberi tahu” kita tentang apa yang berada di luar batas-batasnya; ia mencerminkan aktivitas dalam bentuk tertentu, yaitu gambarannya.

Dalam musikologi modern, tema musik juga dianggap sebagai gambar.

(dianalogikan dengan ciri pertama pahlawan drama), dan tema, beserta perkembangannya dan segala metamorfosisnya (dianalogikan dengan seluruh nasib pahlawan dalam drama) dan kesatuan beberapa tema - karya sebagai semua.

Jika kita berangkat dari pemahaman epistemologis tentang gambar, maka jelaslah bahwa baik keseluruhan karya maupun bagian penting darinya, berapa pun ukurannya, dapat disebut gambar musik. Gambar adalah tempat di mana terdapat konten. Batasan suatu citra musik hanya dapat ditetapkan jika yang dimaksud bukanlah cerminan realitas secara umum, melainkan fenomena tertentu, baik itu benda, orang, situasi, atau keadaan mental tertentu. Kemudian, sebagai gambaran yang mandiri, kita akan melihat “struktur” musik yang disatukan oleh satu suasana hati, satu karakter. Dimana tidak ada konten, tidak ada gambar, tidak ada seni.

Musik adalah produk aktivitas spiritual manusia. Oleh karena itu, secara paling umum, isi suatu karya musik dapat diartikan sebagai hasil refleksi realitas yang ditangkap dalam bunyi-bunyian oleh kesadaran pengarang – komposer (yang pada gilirannya bertindak dalam kreativitas tidak hanya sebagai individu. , tetapi juga sebagai perwakilan dari kelompok sosial tertentu , eksponen minat, psikologi, ideologinya).

Jelaslah bahwa jika musik merefleksikan fenomena realitas, mengungkapkan perasaan, emosi, mencontohkannya, maka sarana-sarananya dimaksudkan justru sebagai sarana ekspresi, dan dalam pengertian ini bermakna. Namun hakikat hubungan antara isi dan sarana, jauh dari sama dalam kondisi yang berbeda, belum terungkap dengan kelengkapan yang diperlukan dan merupakan salah satu masalah sentral dalam keseluruhannya, yang telah lama dirasakan dan ditunjuk. sebagai “misteri pengaruh” musik.

Sarana musik individu yang berkaitan dengan unsur-unsur musik, yaitu pola melodi tertentu, ritme, putaran modal, harmoni tidak memiliki makna ekspresif dan semantik yang tetap untuk selamanya: sarana yang sama dapat digunakan dalam karya-karya yang sifatnya berbeda dan mempromosikan efek ekspresif yang berbeda - bahkan berlawanan -. Misalnya, sinkopasi dalam beberapa kasus berkontribusi pada efek ketajaman, dinamisasi, ledakan, dalam kasus lain - emosi liris, dalam kasus lain - kelembutan khusus, kesejukan, dicapai dengan menyelubungi momen-momen penting secara metrik.

Namun, setiap media mempunyai kemampuan ekspresifnya masing-masing. Mereka ditentukan oleh sifat objektif dan didasarkan pada prasyarat yang kurang lebih mendasar (akustik, biologis, psikologis), tetapi juga terbentuk dalam perjalanan sejarah musik.

proses ric, kemampuan media ini untuk membangkitkan ide dan asosiasi tertentu. Dengan kata lain, kemampuan ekspresif muncul atas dasar sifat objektif tertentu dari sarana dan dikonsolidasikan oleh tradisi penggunaan sarana tersebut.

Pertanyaan tentang hubungan antara konten dan sarana musik telah dibahas oleh para musisi dan ilmuwan dari berbagai waktu. Misalnya, para ahli teori Yunani kuno mengaitkan karakter tertentu dengan mode individu, dan ini, tampaknya, sesuai dengan tradisi penggunaan mode dalam seni musik puitis sinkretis zaman kuno.

Pada abad ke-17 - ke-18, apa yang disebut teori pengaruh menjadi tersebar luas, yang menjadi dasar pengalaman emosional yang diungkapkan dalam musik dikaitkan dengan cara-cara tertentu. Dalam XYii&v, ritme bersela dianggap, menurut teori ini, membangkitkan perasaan akan sesuatu yang agung dan signifikan.

Upaya untuk mengkorelasikan secara langsung unsur-unsur musik individu, hingga interval, dengan karakter ekspresi tertentu ditemukan kemudian. Dalam kasus-kasus di mana upaya semacam ini secara diam-diam menyiratkan kondisi lain dan, dengan demikian, sebenarnya menyangkut cara-cara yang kompleks, upaya-upaya tersebut sering kali membuahkan hasil, terutama dalam studi yang ditujukan pada bahasa musik seorang komposer.

Oleh karena itu, kemampuan bermakna dan ekspresif media harus diperhatikan dalam sistem bahasa musik tertentu dan penerapan kemampuan tersebut dalam karya-karya berbagai gaya dan genre.

Dalam pedagogi musik, masalah interpretasi gambar artistik sangat relevan. Sejumlah tugas muncul untuk memecahkan masalah ini. Hal inilah yang menumbuhkan kreativitas pada anak, pengembangan intelektualitas dan wawasan peserta didik. Tujuan guru dalam arah ini adalah untuk menumbuhkan kemampuan mempersepsikan gambaran musik dalam perwujudan bunyinya yang spesifik, menelusuri perkembangannya, dan mendengarkan perubahan yang sesuai dalam sarana ekspresi.

Ada cara untuk meningkatkan persepsi musik.

1. Metode mendengarkan. Metode ini mendasari seluruh budaya pendengaran musikal dan merupakan prasyarat untuk pengembangan keterampilan pendengaran sederhana, persepsi gambar musik dan pembentukan telinga musik. Anak-anak secara bertahap menguasai perhatian pendengaran sukarela, secara selektif mengarahkannya ke fenomena musik tertentu sehubungan dengan situasi dan tugas baru.

Karya untuk anak-anak oleh Mendelssohn, Schumann, Grieg, Tchaikovsky dan komposer terkait mengajari mereka gambaran emosional, segala sesuatu yang akan ditemui siswa di masa depan ketika mempelajari sastra romantis yang "hebat".

Mempelajari karya-karya dengan gaya yang berbeda tentu memperluas wawasan musik siswa. Guru, pada gilirannya, harus menjelaskan ciri-ciri gaya setiap karya, membenamkan siswa dalam dunia unik tempat sang komposer tinggal dan bekerja.

Sebagaimana telah disebutkan, upaya menciptakan gambar artistik harus dilanjutkan dengan pemantauan pendengaran yang tak kenal lelah.

Jika Anda bertanya kepada siswa apakah mereka harus selalu mendengarkan penampilan mereka saat memainkan suatu alat musik, tentu saja mereka akan menjawab ya. Namun, dalam praktiknya, sayangnya, gambaran berbeda terlihat. Seringkali siswa hampir tidak memperhatikan bunyi pada tahap pertama mempelajari suatu karya. Hal ini dijelaskan oleh fakta bahwa perhatian mereka sepenuhnya terserap oleh “nada”, ritme dan “jari”. Kurangnya perhatian terhadap bunyi sering terlihat pada tahap tengah mempelajari suatu karya, ketika siswa, terutama mereka yang bersemangat dalam pekerjaan teknis, berusaha untuk meningkatkan diri.

“melubangi” tempat-tempat yang sulit dan memainkannya untuk waktu yang lama. suara yang terbentuk kasar.

Alhasil, selama perkuliahan, hanya sebagian kecil saja yang benar-benar dikhususkan untuk menggarap suara. Selebihnya, siswa bermain dengan suara “tanpa wajah” yang tidak ekspresif dan, tanpa disadari, merusak pendengarannya. Fitur desain piano - tidak adanya kontak langsung antara pemain dan sumber suara - dapat dengan mudah menghasilkan produksi suara mekanis.

Cara “bekerja” seperti itu menghambat perkembangan kemampuan mendengarkan diri sendiri dan bermain secara ekspresif, dengan suara yang indah.

Untuk mengembangkan pendengaran, penting untuk membiasakan mendengarkan jalinan sebuah karya dengan cara yang berbeda - untuk menangkap suara yang berbeda, putaran melodi dan harmonik, dll.

Hal ini juga berguna untuk memantau kinerja musik dengan catatan. Praktek seperti ini harus dimulai sedini mungkin. Ini juga merupakan latihan membaca pemandangan yang bagus. Berkaitan dengan itu, telinga melodi yang sangat penting bagi seorang pemain, dapat ditambahkan bahwa keberhasilan perkembangannya difasilitasi oleh kerja sistematis pada melodi dari berbagai jenis dan panjang yang bervariasi. Yang tidak kalah penting juga adalah mendengarkan “kehidupan” sebuah bunyi piano, mulai dari asal mula hingga penghentiannya. Seorang penyanyi, pemain biola, pemain klarinet, dan semua pemain, kecuali pemain organ, pemain harpsichordist, dan pianis, dapat membentuk suara yang diambil, memperkuat atau melemahkannya, mengubah warnanya, dengan kata lain, “ucapkan” atau “nyanyikan” dengan cara yang berbeda. Pianis hanya dapat mengambil suara dengan kekuatan dan warna tertentu dan mengikuti peluruhan alaminya secara bertahap dan akhirnya. Namun bahkan dalam batas-batas yang tampaknya sempit ini, terdapat gradasi yang tak terhitung banyaknya. Entah bunyinya meregang, lalu menghilang dengan cepat, lalu dengan lancar dan plastis berpindah ke yang lain (sphere legato), lalu dengan cepat berakhir (sphere staccato). Betapa banyaknya nuansa artikulatoris yang halus! Dan semua ciri “kehidupan” satu suara ini harus dapat didengar dengan telinga bagian dalam, didengar dan “dialami”.

Anda bahkan dapat mengucapkan kata-kata pendek seperti “saya”, “kamu”, “ya”, “tidak” dengan ratusan cara berbeda. Dan Anda perlu mendengarnya dengan cara yang berbeda, seperti yang diketahui oleh aktor yang baik dalam kata-kata ini - terkadang kejutan, terkadang ejekan, terkadang penegasan, terkadang otoritas, terkadang kemarahan, terkadang kelembutan.

Jadi Anda dapat, misalnya, meminta siswa untuk mengucapkan kata ketiga dengan lembut kepada dirinya sendiri, dan kemudian memainkannya juga di piano; lalu - dengan angkuh atau dengan cara lain. Hanya mendengarkan interval melodi yang memungkinkan siswa menampilkannya secara ekspresif. Namun pada tahap selanjutnya dalam membawakan melodi, penting untuk tidak “menyusutkan” baris melodinya, melainkan menyanyikannya “dengan nafas yang lebar”. Integritas dalam intonasi melodi dicapai dengan kombinasi cara ekspresif yang berbeda: guratan dinamis yang besar, “menyerap” semua nuansa dinamis atau artikulatoris kecil, ritme tempo, dan pola relief.

Pendengaran yang harmonis juga tidak kalah pentingnya. Hal ini dapat dikembangkan dengan cara-cara ini. Misalnya, mainkan kutipan dari sebuah karya yang sedang dipelajari dalam tekstur harmonik yang berbeda, katakanlah, “menutup” figurasi harmonik menjadi akord (presentasi seperti itu biasanya memberikan gambaran yang jelas tentang rencana harmonik) atau, sebaliknya, memainkan urutan akord dalam bentuk figurasi harmonik; mengubah susunan akord pada keyboard; memindahkan melodi, misalnya dari tangan kanan ke kiri, dan harmonisasi dari kiri ke kanan, dan seterusnya.

Untuk mengembangkan pendengaran timbre, mendengarkan orkestra dan bermain dalam ansambel akan berguna. Penting juga bagi guru untuk lebih memanfaatkan perbandingan warna-warni dan mengajari siswa piano untuk mendengarkan banyak hal seolah-olah dalam suara orkestra. Tentu saja orkestrasi khayalan atau aransemen paduan suara khayalan diperlukan bukan untuk meniru kemerduan alat musik atau suara tertentu, tetapi hanya untuk menggugah imajinasi, mengaktifkan telinga bagian dalam siswa sehingga membantu mewujudkan karakter pada fitur piano -ternary atau cara pertunjukan pada satu atau beberapa instrumen atau paduan suara. Mencari kemerduan orkestra atau paduan suara tertentu

Siswa ini dapat menemukan berbagai macam warna piano.

Perkembangan pendengaran bertekstur membutuhkan perhatian yang tidak kalah pentingnya. Sangat penting untuk mendengarkan semua elemen penyusun struktur musik. Harmoni dalam penyajian teksturnya yang berbeda, polifoni dan sub-suara individual, “instrumentasi” dan registrasi piano - semua elemen musik yang saling berhubungan ini menonjolkan ekspresi melodi utama, menambah atau melemahkan kekuatan mengesankannya, memberinya satu atau beberapa emosi dan semantik rasa, berkontribusi pada pengembangannya dan berkontribusi pada penciptaan citra artistik dengan segala kelengkapan dan keserbagunaannya. Hal ini sangat penting ketika mempelajari karya polifonik. Untuk menyampaikan suara dengan jelas dalam potongan polifonik, pertama-tama Anda harus memperhatikan intonasi setiap suara. Penting untuk menjaga intonasi dan karakteristik individu semantik dari setiap suara dalam jalinan polifonik; Hal ini dapat dicapai dengan bantuan artikulasi, caesura, dinamika, aksentuasi, agogis.

Pendengaran batin berkembang secara alami dalam proses pengerjaan karya yang benar, penampilan mereka, dan mendengarkan musik. Peningkatannya difasilitasi dengan memindahkan karya-karya yang sudah dikenal dari ingatan, memilih dan memainkannya dengan telinga, serta menggubah musik (sebaiknya tidak hanya dengan piano, tetapi juga tanpa piano) dan improvisasi. Disarankan bagi guru untuk mengajarkan penggunaan teknik kerja selama mempelajari karya musik yang memerlukan partisipasi telinga bagian dalam yang sangat diperlukan dan intensif, yaitu: “bermain” internal sebelum menampilkan bar awal komposisi; membawakan iringan bersamaan dengan penyajian melodi oleh telinga bagian dalam. Dan sebaliknya; mempelajari sebuah karya dari nada tanpa piano, serta tanpa nada dan tanpa piano (seperti yang direkomendasikan oleh I. Hoffman).

Tentu saja, sebagian besar metode kerja ini hanya dapat direkomendasikan kepada siswa tingkat lanjut, namun beberapa di antaranya, seperti yang pertama, harus sudah diperkenalkan di kelas bawah sekolah.

Penting untuk membiasakan, seperti disebutkan di atas “sehubungan dengan perkembangan telinga melodi,” untuk membayangkan suara yang diinginkan saat mengerjakan sebuah komposisi. Berguna untuk menanyakan kepada siswa jenis suara apa, menurut pendapatnya, yang sesuai dengan frasa tertentu. Pertama, Anda perlu memilih musik yang sudah diketahui siswa. Pada awalnya, jawabannya seringkali tidak jelas dan tidak cukup spesifik. Lambat laun, ketika siswa tumbuh secara artistik dan mengembangkan telinga batinnya, telinga batinnya menjadi lebih bermakna. Pekerjaan semacam ini, disertai dengan reproduksi bunyi-bunyian yang sesuai, sangat berguna untuk dilakukan di sekolah.

Meringkas semua yang telah dikatakan, pantas untuk mengingat kata-kata B. Asafiev, yang mencirikan “perhatian pendengaran intonasi” seorang musisi: “Aktivitas pendengaran terdiri dari “melontakan setiap momen musik yang dirasakan dengan telinga bagian dalam”. .. menghubungkannya dengan bunyi sebelumnya dan selanjutnya dan pada saat yang sama membangun hubungannya dengan "lengkungan" pada jarak tertentu sampai stabilitas atau "kurangnya kejelasan" dirasakan.

Yang sangat penting adalah seberapa emosional gambar artistik itu dirasakan dan disampaikan. Mempersiapkan “peralatan mental” untuk melakukan kreativitas pada akhirnya berarti menumbuhkan kemampuan untuk “menyalakan”, “ingin”, “terbawa suasana hati” dan “keinginan”, dengan kata lain respon emosional terhadap seni dan kebutuhan yang menggebu-gebu untuk menggairahkan dan menyampaikan. menampilkan gagasan kepada orang lain.

Respons emosional yang hangat terhadap sebuah musik meningkat berkat analisis logis yang cerdas, yang mampu “memancing” rentang perasaan yang diinginkan. Keterlaluan, kreativitas dari pikiran memadamkan api kreatif; perhatian, kreativitas dengan pikiran menggairahkan kekuatan kreatif emosional. Kegembiraan kreatif yang muncul pada kontak pertama seorang pemain berbakat dengan sebuah mahakarya musik membangkitkan keinginannya untuk mewujudkannya.

Agar percikan simpati berubah menjadi nyala api gairah kreatif yang sejati, perlu tidak hanya “pencelupan” emosional yang lebih dalam ke dalam karya, tetapi juga memikirkannya secara komprehensif. Tanpa kemampuan untuk menyala di bawah pengaruh gambar yang menarik, tidak ada kreativitas pertunjukan.

Kemampuan untuk "terbawa suasana - ingin" dididik. Jika dalam jiwa siswa ada nyala api tanggap terhadap musik yang membara, nyala api ini bisa dipadamkan. Pengaruh pedagogis dapat meningkatkan respons emosional siswa terhadap musik, memperkaya palet perasaannya, dan meningkatkan suhu “pemanasan kreatif”nya.

Namun pendidikan “gairah kreatif”, serta pendidikan emosi secara umum, hanya dapat dicapai secara tidak langsung. Manusia tidak memiliki kekuasaan langsung atas perasaan. “Gairah – hasrat” tidak bisa ditimbulkan secara sembarangan, namun kompleks emosional ini dapat “dipancing” dengan mengembangkan dan memupuk sejumlah kemampuan. Ini terutama mencakup imajinasi kreatif.

Memupuk imajinasi kreatif ditujukan untuk mengembangkan inisiatif, fleksibilitas, kejelasan dan kejelasan. Gambaran visual dari pemain yang tidak berpengalaman (“penglihatannya”) tidak jelas, dan gambaran pendengarannya tidak jelas. Lain halnya dengan musisi kita yang sebenarnya: gambaran imajiner (sebagai hasil kerja yang dilakukan pada karya tersebut) menjadi lebih jelas, menjadi lebih menonjol, “nyata”; "penglihatan" memperoleh kontur yang jelas, "pendengaran" - kejelasan setiap detail. Keakuratan dan keringkasan representasi sangat penting

sangat menentukan kualitas kreativitas seni. Kemampuan untuk membayangkan dengan jelas gambar artistik tidak hanya merupakan ciri khasnya

tidak hanya bagi para pemain (aktor dan musisi), tetapi juga bagi para penulis, komposer, pelukis, pematung.

Dostoevsky menulis tentang salah satu pahlawannya: "Wajah ini hidup, seluruh orang tampak berdiri di depan saya."

Untuk siswa yang imajinasinya kurang berkembang, teks musik tidak banyak bicara; Dia masih tidak tahu cara membaca yang tersirat.

Salah satu cara untuk mengembangkan imajinasi adalah dengan menggarap sebuah karya musik tanpa alat musik. Metode ini bukanlah hal baru; Liszt, Rubinstein, Bülow dan lainnya juga menggunakannya. Hoffmann menunjukkan empat cara untuk mempelajari sebuah karya musik: 1) bermain piano dengan not; 2) tanpa piano dengan nada; 3) dengan piano, tetapi tanpa nada", 4) tanpa piano dan tanpa nada. Manfaat mengerjakan sebuah karya tanpa instrumen terletak, pertama, pada kenyataan bahwa "peralatan

perwujudan" tidak mengarah ke jalur yang biasa dan berkat ini, imajinasi musik dapat memanifestasikan dirinya dengan fleksibilitas dan kebebasan yang lebih besar; kedua, fakta bahwa pemain - dengan sikap serius dan jujur ​​terhadap karya - harus memikirkan dan dengarkan detail yang mungkin luput dari perhatian saat bekerja dengan alat ini.

Perbandingan dan perbandingan dapat berperan besar dalam pengembangan imajinasi kreatif pelaku. Ide, konsep, dan gambaran baru yang diperkenalkan dengan cara ini menjadi stimulan fantasi.

Misalnya, saat menjelaskan kepada siswa inti dari tempo rubato Chopin, Liszt membawanya ke jendela dan berkata: "Apakah Anda melihat cabang-cabangnya, bagaimana mereka bergoyang? Daunnya, bagaimana mereka bergoyang? Akar dan batangnya kuat, ini dia tempo rubato.”

Mengenai awal penemuan dua suara Bach di jurusan B-flat, Bülow berkomentar kepada muridnya: “Bayangkan permukaan sebuah danau yang benar-benar datar, tidak bergerak dan tenang, di mana lingkaran memancar dari kerikil yang dilempar - B-flat di dalam bas." Terakhir, guru dapat menggugah imajinasi pemain dengan cara membandingkan musik yang satu dengan musik yang lain, episode suatu karya musik dengan episode lainnya. Bekerja, misalnya, dengan seorang siswa di akhir sonata op.2, F minor karya Beethoven, Anda dapat membuatnya berpikir bahwa

Trio A mayor pada gerakan ini merupakan “kenangan” bagian utama gerakan pertama sonata.

Tentu saja salah jika menganggap perbandingan sebagai “program” yang harus digambarkan oleh pemain saat membawakan sebuah karya musik. Arti dari perbandingan sangatlah berbeda - perbandingan memaksa imajinasi musikal siswa untuk bekerja. Perbandingan yang diperkenalkan menggairahkan lingkungan emosionalnya dan, berkat ini, membantunya memahami gambaran musik secara kreatif.

Guru harus mampu menggunakan perbandingan. Detail yang jelas dan menonjol sering kali memberikan perbandingan karakter yang efektif;

Mari kita melampaui batas-batas pedagogi musik dan melihat beberapa contoh. “Saya mengusir seekor lebah yang terbang ke sekuntum bunga,” ungkapan ini tidak mampu menimbulkan kesan yang jelas pada pembaca. Oleh karena itu, Tolstoy membuat ulang: "Saya mengusir lebah berbulu lebat yang menggali di tengah-tengah bunga dan tidur dengan manis dan lesu di sana." Detail yang menunjukkan tindakan karakteristik ("mabuk", "tertidur") atau sisi gambar yang dirasakan secara sensual ("tertidur dengan manis dan lesu", "berbulu") memberikan kekuatan yang mengesankan.

Hal yang sama juga berlaku dalam pedagogi musik dan pertunjukan. Siswa sering disarankan untuk membayangkan unsur-unsur presentasi piano yang dibawakan oleh instrumen orkestra. Perbandingan ini dapat membangkitkan imajinasi pemain dan mengarah pada pencarian kemerduan piano yang unik, mengingatkan pada cara memainkan instrumen orkestra. Namun siswa tidak selalu dapat membayangkan kemerduan alat musik gesek, tiup, atau perkusi tertentu. Dan di sini pengingat akan satu atau beberapa detail khas dan orisinal sering kali membantu: baik karakteristik tiupan aliran udara pada alat musik tiup kayu yang non staccato, atau guratan alat musik petik, dll.

Tapi guru tidak bisa membatasi dirinya pada semua ini. Perbandingan-perbandingan yang dibuatnya, meskipun akan membantu dalam satu atau lain hal, belum mengembangkan inisiatif kreatif yang sangat diperlukan bagi sang seniman. Sedangkan bagi seorang pelaku imajinasi inisiatif, kehidupan itu sendiri menyediakan materi yang dibutuhkannya - seruan yang dilontarkan secara acak, cerita yang dibacakan, pertunjukan teater yang ditonton.

Pertunjukan yang luar biasa, konser yang didengarkan - semua ini dapat membuat imajinasinya bekerja. Oleh karena itu, sangat penting untuk mengajar siswa tidak hanya menggunakan apa yang disarankan guru, tetapi juga mencari perbandingan yang diperlukan oleh gambar tersebut.

BAB II. BEKERJA PADA GAMBAR ARTISTIK DALAM PELAJARAN PIANO.

Bekerja di sekolah musik anak, seringkali kami harus bekerja dengan siswa sekolah dasar. Mengamati pemikiran musikal dan figuratif anak-anak pada usia ini sangatlah menarik. Pelatihan pada tahap ini memikul tanggung jawab besar guru untuk “takdir musik” siswa selanjutnya.

Pengalaman para pianis pertunjukan besar menunjukkan bahwa perkenalan pertama dengan sebuah karya memberikan dorongan kreatif penting yang mempengaruhi asimilasi lebih lanjut, karena pada saat yang sama lahirlah interpretasi gambar dan tema di masa depan. Potongan kain melodi-harmonik dan polifonik, tempo. Bagi siswa sekolah dasar, kontak pertama dengan musik terlihat berbeda. Dalam potongan-potongan yang dekat dengan pengalaman pendengarannya (misalnya, lagu dan tarian, dari alam atau kehidupan anak-anak), siswa “menebak” sifat musik, terutama episode individu yang paling berkesan. Namun, tidak setiap anak berhasil memahami isi kiasan dari karya tersebut dengan pemutaran yang “kasar”. Oleh karena itu, perlu didorong ke arah sikap emosional yang lebih mandiri terhadap musik. Anda dapat mengajak siswa untuk memainkan kembali karya atau petikan yang disukainya sehingga dia dapat menunjukkan pemahamannya secara lebih penuh.

Setelah tahap pengenalan aktif yang singkat dengan karya tersebut, pianis muda dihadapkan pada tugas menganalisis teks secara mendetail dan asimilasi lebih lanjut. Pertama, Anda perlu mempelajari bahasa musik dari drama tersebut, makna kiasan dan ekspresifnya. Semakin tepat waktu siswa memahami ciri-ciri pidato musikal, semakin cerdas ia akan mulai menguasai bagian-bagian tertentu dari karya tersebut dan interpretasinya secara keseluruhan. Latihan menunjukkan bahwa sebuah karya yang akrab di telinga anak dengan cepat dipahami dan dipelajari. Hal ini menegaskan perlunya untuk terus memperluas wawasan mendengarkan siswa, tidak dibatasi oleh rencana repertoar masing-masing. - Seringkali, misalnya, seorang anak dengan senang hati mempelajari sebuah karya yang telah berulang kali didengarnya dibawakan oleh teman-teman sekelasnya. Beberapa anak dengan cepat memahami ciri-ciri penting dari karya yang dianalisis, tetapi kemudian menyelesaikan tugas-tugas artistik dan melakukan tugas-tugas dengan kurang gigih dan terarah, sementara yang lain tampaknya perlahan-lahan memasuki teks, tetapi kemudian mengasimilasinya dengan kuat dan menggunakan apa yang telah mereka peroleh dengan lebih cerdas. Akademisi B. Asafiev, yang merangkum pengamatannya terhadap anak-anak, mencatat bahwa beberapa dari mereka memiliki ingatan musik yang lebih jelas, sementara yang lain memiliki respons yang lebih responsif terhadap musik; kehadiran nada absolut disertai dengan “ketumpulan” persepsi. hubungan musik yang lebih kompleks, dan sebaliknya, pendengaran yang lemah dipadukan dengan sikap yang dalam dan serius terhadap musik.

Tergantung pada tingkat aksesibilitas pekerjaan untuk siswa tertentu, metode yang dipotong-potong, semacam analisis analitis, digunakan dengan cara yang berbeda-beda. Pembagian tersebut dapat dilakukan secara horizontal dan vertikal. Pertama-tama, perlu mengarahkan kesadaran siswa pada persepsi ciri-ciri emosional, semantik dan struktural melodi: pewarnaan genre, gambaran intonasi-ritmik, pembagian sintaksis, garis perkembangan, polanya selama penyajian berulang. Pendamping menangani hal ini secara mandiri dengan cara yang sama. Terlebih lagi, jika seorang anak mudah mengenali suatu melodi, akan lebih sulit baginya untuk memahami harmoninya. Itulah sebabnya cara tambahan sering digunakan untuk membantu persepsi pendengaran yang terakhir. Misalnya, untuk menonjolkan keindahan suara transisi harmonik, ada baiknya saat memainkannya untuk menandainya dengan tenuto kecil dan pergantian pedal. Dalam hal ini, ada peluang besar untuk memperkuat vertikal. Pada awalnya, Anda dapat menggunakan metode seperti pembuatan satu elemen kain oleh siswa, dan elemen lainnya oleh guru. Klarifikasi hubungan artistik antara melodi dan harmoni juga difasilitasi dengan memainkan latar figuratif harmonis dengan kompleks akord.

Dalam analisis jalinan polifonik khususnya penyimpanan imitatif, perhatian siswa diarahkan pada ciri ekspresif dan struktural setiap suara.

Sangat berbahaya bagi siswa untuk membaca hak cipta secara formal

instruksi pertunjukan mengenai dinamika dan artikulasi. Penting untuk menanamkan dalam dirinya pemahaman tentang subteks kiasan masing-masing, tergantung pada genre atau tekstur karyanya. Misalnya, penonjolan kontras dinamis dan guratan artikulatoris lebih konsisten dengan musik marching daripada musik waltz; bagian tengah karya dapat disorot secara dinamis secara berbeda dibandingkan bagian ekstrem yang kontras dengannya.

Bagi anak-anak yang kurang mempersepsikan musik secara emosional, disarankan untuk memeriahkan acara dengan karya-karya bergenre cerah.

Dengan demikian, prinsip emosional dan analitis dalam metode membesarkan anak saling berhubungan. Dengan demikian, siswa kelas satu, dalam hal perkembangan umum dan musikalnya, dapat memahami keseluruhan isi dan membayangkan gambaran artistik dari lakon-lakon kecil. Ini akan berupa lagu dan drama tari, sebagian besar pertunjukan homofonik. Bahkan dalam hal itu

Dalam lakon seperti itu, sebagian besar siswa pada awalnya hanya dapat membayangkan dengan jelas suara melodi utama saja. Perlu diingat bahwa gagasan seorang anak selalu berhubungan erat dengan tindakan. Oleh karena itu, lebih baik mengatakan kepadanya: "Nyanyikan (atau mainkan) sebuah melodi untuk diri Anda sendiri (dengan suara keras), "tepuk (atau ketuk) ritmenya", daripada "bayangkan bagaimana melodi itu berbunyi".

Misalnya, "Lullaby" karya Philip. Suara Ibu yang bersenandung di atas buaian tidak membuat pemain muda itu acuh tak acuh. Ia akan mencoba menggambarkan kelembutan intonasi suara nyanyiannya. Untuk tahun pertama mengajar anak bermain piano, kami merekomendasikan koleksi karya A. Artobolevskaya “Pertemuan Pertama dengan Musik” sebagai alat bantu pengajaran terbaik. Manual ini ditujukan untuk pembelajaran tahun pertama, ditujukan langsung kepada anak-anak, diilustrasikan dengan warna-warni. Potongan dan latihan yang mudah diakses oleh persepsi anak diberikan dalam urutan tertentu - memperhitungkan penempatan tangan, perolehan keterampilan awal pianistik dan perolehan notasi musik. Tugas guru adalah menjadikan pelajaran musik menarik dan disukai. Hal ini harus difasilitasi oleh segala sesuatu yang membangkitkan imajinasi anak: materi musik dan gambar, teks lagu, dan subteks permainan. Semua ini membantu mengkonkretkan citra musik siswa, melaksanakannya pada materi artistik, mudah diakses dan menarik bagi anak.

Misalnya, dua drama “Winter” oleh Krutitsky dan “Hedgehog” oleh Kabalevsky memiliki karakter yang berbeda. “Winter” merupakan lakon yang merupakan pertemuan pertama anak dengan sesuatu yang baru dan tidak biasa bagi mereka, yaitu musik yang pelan dan pelan. sedih. Sangat berguna untuk mengajak anak memilih subteks permainan ini, yang muncul dari perasaan akan sesuatu yang kasar, bahkan menakutkan.

Dalam drama "Landak" gambar karakter baru dibuat - gambar binatang dengan jarum berduri tajam. Hal ini dicapai dengan harmoni yang terdengar baru dan “tajam”. Karya ini mempromosikan pengembangan staccato yang mudah dan mempersiapkan siswa untuk memahami kemerduan musik modern.

Di kelas-kelas berikut, batasan genre dan gaya repertoar program diperluas secara nyata. Dalam sastra polifonik, peran penting diberikan pada karya dua suara yang bersifat imitatif. Struktur figuratif karya-karya berukuran besar semakin berkembang. Dalam bentuk kecil; khusus yang berkarakter cantilena, tekstur tiga bidang digunakan lebih maksimal, memadukan melodi dan harmoni. Karya polifonik. Perkembangan musik seorang anak melibatkan pengembangan kemampuan untuk mendengar dan memahami elemen individu dari struktur piano, yaitu horizontal, dan satu kesatuan, vertikal. Dalam hal ini, pendidikan sangat penting musik polifonik. Peran khusus dimiliki oleh studi polifoni cantilena. Kurikulum sekolah mencakup aransemen polifonik untuk piano lagu-lagu liris rakyat, karya cantilena sederhana oleh Bach dan komposer Soviet (N. Myaskovsky, S. Maykapar, Yu. Shchurovsky). reaksi terhadap musik tersebut.

Siswa bersentuhan dengan suara kontras yang mengarah terutama ketika mempelajari karya polifonik. Pertama-tama, ini adalah potongan dari Buku Catatan Anna Magdalene Bach. Jadi, dalam dua suara “Minuet” di C minor dan “Aria” di G minor, seorang anak dapat dengan mudah mendengar suara utama karena suara utama di bagian atas bersifat plastik dan merdu secara intonasional, sedangkan suara bagian bawah secara signifikan. jauh darinya dalam hal register dan lebih mandiri dalam menggambar melodi-ritmik. Kejelasan pembagian sintaksis frasa pendek membantu merasakan nafas melodi di setiap suara.

Sebuah langkah baru dalam menguasai polifoni adalah keakraban dengan struktur gerakan suara yang berkesinambungan dan serupa secara metrik yang menjadi ciri khas Bach. Contohnya adalah "Little Prelude" dalam C minor dari buku catatan kedua. Pertunjukan ekspresif dari gerakan terus menerus dengan nada kedelapan pada suara atas difasilitasi oleh pengungkapan karakter intonasional melodi dan perasaan pernapasan melodi dalam konstruksi panjang. Struktur melodi itu sendiri, yang disajikan terutama dalam bentuk harmonik dan interval terputus-putus, menciptakan prasyarat alami untuk intonasi ekspresifnya. Seharusnya terdengar sangat merdu dengan corak nada cerah yang meninggi. Dalam “fluiditas” suara atas yang terus-menerus, siswa harus merasakan pernapasan internal, seolah-olah caesura tersembunyi, yang terungkap dengan mendengarkan dengan cermat pembagian frasa ke dalam kelompok bar yang berbeda.

Tahap selanjutnya adalah studi tentang polifoni tiruan, keakraban dengan penemuan, fuguette, dan fugue kecil. Berbeda dengan dua suara yang kontras, di sini masing-masing dari dua baris polifonik sering kali memiliki gambaran intonasi melodi yang stabil. Bahkan ketika mengerjakan contoh musik yang paling ringan sekalipun, analisis pendengaran ditujukan untuk mengungkap aspek struktural dan ekspresif dari materi tematik. Setelah guru menyelesaikan pekerjaannya, perlu dilanjutkan ke analisis materi polifonik yang cermat. Setelah membagi lakon menjadi beberapa bagian besar, seseorang harus mulai menjelaskan esensi musikal, semantik dan sintaksis dari tema dan pertentangan di setiap bagian, serta selingannya.

Pertama, siswa harus menentukan lokasi topik dan

rasakan karakternya. Tugasnya adalah intonasi ekspresifnya dengan menggunakan sarana artikulasi dan pewarnaan dinamis pada tempo dasar yang ditemukan. Hal yang sama juga berlaku bagi oposisi jika mereka terkendali.

Seperti diketahui, di fuguetta kecil temanya pertama kali muncul dalam presentasi monofonik independen. Penting untuk mengembangkan penyesuaian pendengaran internal siswa dengan tempo dasar, yang harus ia rasakan sejak bunyi pertama. Dalam hal ini, seseorang harus berangkat dari pengertian karakter dan struktur genre keseluruhan karya. Misalnya, dalam fuguette karya S. Pavlyuchenko dalam A minor, “andante” penulisnya harus dikaitkan tidak hanya dengan tempo yang lambat, tetapi juga dengan kelancaran ritme di awal tema; dalam “Invention” dalam C mayor oleh V. Shchurovsky, “allegro” tidak berarti kecepatan, melainkan keaktifan ritme gambar tarian dengan aksen khasnya yang berdenyut.

Dalam pengungkapan pertunjukan citra intonasional tema dan tandingan, peran yang menentukan adalah artikulasi. Diketahui betapa halusnya guratan artikulatoris floMol-aloT mengungkap kekayaan ekspresif penampilan suara dalam karya-karya Bach.

Pada artikulasi vertikal kain dua suara, biasanya setiap suara diarsir dengan guratan yang berbeda. dalam edisi penemuan dua suara Bach, dia menyarankan untuk menampilkan semua nada keenam belas dalam satu suara secara koheren (legato), sedangkan kontras nada kedelapan dalam suara lain harus dilakukan secara terpisah (legato, staccato).

Penggunaan guratan berbeda untuk “mewarnai” tema dan posisi tandingan dapat ditemukan dalam dua bagian penemuan Bach edisi Busoni.

Dalam melakukan interpretasi imitasi, khususnya pada karya Bach, peran penting diberikan pada dinamika. Ciri paling khas dari polifoni komposer adalah dinamika arsitektur, di mana perubahan pada struktur besar disertai dengan pencahayaan “dinamis” baru. Misalnya, dalam pendahuluan kecil dalam E minor dari buku catatan pertama, permulaan episode dua suara di tengah-tengah lagu setelah forte besar sebelumnya dalam tiga suara diarsir oleh piano transparan. Pada saat yang sama, fluktuasi dinamis kecil, semacam nuansa mikrodinamik, juga dapat muncul dalam perkembangan suara secara horizontal.

Diy, kontrol pendengaran siswa harus diarahkan ke episode dua-

suara di bagian tangan yang terpisah, dituangkan dalam nada yang ditarik keluar. Karena peluruhan suara piano yang cepat, terdapat kebutuhan untuk membunyikan nada-nada panjang yang lebih besar, serta mendengarkan hubungan interval antara suara-suara panjang dan pendek yang melewati latar belakangnya. Jadi, studi tentang karya polifonik adalah sekolah yang sangat baik untuk pendengaran siswa dan persiapan suara untuk menampilkan karya piano dalam genre apa pun.

Saat mengerjakan karya bentuk besar Anak sekolah secara bertahap mengembangkan kemampuan untuk merangkul musik secara holistik melalui jalur perkembangannya yang lebih panjang, yaitu, pemikiran musik "panjang, horizontal" dikembangkan, yang menjadi dasar persepsi episode individu dari sebuah karya.

Kesulitan menguasai sonata allegro karena adanya perubahan kiasan

konstruksi bagian, tema (melodi, ritme, harmoni, teksturnya), seolah-olah, dikompensasi oleh kekhususan genre dari karakteristik bahasa musik sonatina populer dari program periode studi tertentu. Kekhususan genre ini menjadi ciri keseluruhan sonata allegro atau bagian dan tema individualnya. Contoh yang mencolok adalah karya seperti sonatina Kabalevsky dalam A minor, dengan intonasi ritmis yang membuat seseorang dapat merasakan permulaan barisan dengan ritme titik-titik yang khas, tekstur dan dinamika yang konkret. Minuet dalam Sonatina karya Melartin terdengar sangat berbeda dalam keanggunan, ringan, dan transparan. Karya-karya ini dipersepsikan oleh anak-anak sebagai permainan kecil dengan struktur tiga bagian.

Dalam sonata allegros yang relatif berkembang dengan kontras yang lebih besar di bagian-bagiannya, kita menemukan kecenderungan khas ke arah melodisasi tekstur, yang merupakan cara aktif untuk mempengaruhi persepsi pendengaran siswa ketika memperkenalkannya pada bentuk musik yang kompleks. Sebut saja bagian pertama "Sonatina" oleh A. Zhilinsky, "Sonatina Ukraina" oleh Yu. Shchurovsky, "Sonata" dalam G mayor oleh G. Grazioli, "Children's Sonata" dalam G mayor oleh R. Schumann. Bersamaan dengan mereka, sebagian besar repertoar siswa termasuk dalam bagian musik komposer asing, yang mempersiapkan siswa untuk penguasaan masa depan bentuk sonata dari Haydn, Mozart, dan Beethoven. Ini adalah sonatina Clementi, Koolau, Dussek, Dibelli. Struktur figuratif dan emosional dari karya-karya tersebut di atas diperkuat oleh aspirasi motorik yang besar, kejelasan ritme, pola pergantian guratan dan teknik bertekstur yang ketat, dan kenyamanan pelaku dalam teknik teknik kecil. Siswa harus mengidentifikasi di dalamnya kualitas materi tematik seperti kesatuan dan kekhususan, dan menunjukkan perkembangannya. Persepsi yang paling mudah diakses oleh anak-anak adalah perbandingan kontras materi musik dalam segmen bentuk yang besar dan lengkap. Karena bagian utama, sekunder, dan akhir sangat berbeda dalam karakter, pewarnaan genre, dan pencahayaan mode-harmonik, siswa lebih mudah diberikan cara untuk menampilkannya. Sudah dalam pameran bagian pertama sonati Kulau, Op. 55, C mayor dan Clementi, Op. 36, No. 3, pianis muda dengan jelas membedakan antara aspek musikal - semantik dan struktural-sintaksis dari tiga bagian utama. . Dalam karya Ku-lau, esensi emosional setiap bagian diekspresikan terutama melalui citra melodi-ritmik. Bagian utama yang penuh kegembiraan dan “menari” melalui tangga nada G mayor yang menaik berubah menjadi bagian samping yang lembut dan halus, langsung mengalir ke bagian akhir dengan alirannya yang seperti tangga nada yang deras, dengan jelas berlabuh pada kunci dominan.

Fenomena kontras dalam partai lebih sulit dipahami oleh siswa. Di sini, pada jarak dekat, terjadi perubahan lingkup intonasi ritme, guratan artikulatoris, panduan suara, tekstur, dll. Kontras ini paling jelas terlihat pada segmen pendek di bagian utama gerakan pertama sonatina Mozart di C mayor No. . Kontras guratan akibat intensitas emosi dalam struktur kecil menjadi salah satu kesulitan dalam menampilkan materi tematik bagian pertama sonatina Op.36 karya M. Clementi, No. 2 dan sonatina No. 2 karya N. Silvansky.

Semakin dalam dan jelas siswa memahami sifat ekspresif dan struktural eksposisi, maka ia akan semakin siap membaca perkembangan dan rekapitulasinya. Materi musik pameran kurang berkembang di bagian pengembangan. Jadi, membandingkan dua sonati Clementi - Op.36 No.2 dan

Nomor 3, kami menemukan keringkasan maksimum pengembangan pada pro-karya pertama, yang dibangun di atas pembaruan tonal dari intonasi ritmis bagian utama. Perkembangan dalam Sonatina No. 3 ringkas pada sarana musik dan implementasi pertunjukannya. Perhatian pendengaran siswa di sini harus diarahkan untuk mendeteksi kesamaan pola melodi awal perkembangan dan awal bagian utama, yang disajikan seolah-olah terbalik. Transformasi materi ini menentukan warna pertunjukan yang berbeda; kegembiraan keriuhan (forte) digantikan oleh intonasi yang penuh kasih sayang (piano).

Repris dalam sonatina biasanya mereproduksi fondasi tematik eksposisi. Biasanya, siswa dengan mudah mengenalinya. Terkadang bagian utama di dalamnya hilang. Misalnya, dalam sonatina Mozart di C mayor No. 1, perkembangannya langsung masuk ke bagian sekunder, melewati bagian utama.

Syarat terpenting bagi seorang siswa untuk menguasai bentuk sonata adalah berkembangnya dalam dirinya rasa kesatuan melalui garis perkembangan musik. Seringkali perkembangan perasaan ini difasilitasi oleh hubungan intonasi-ritmik yang umum dari bagian utama dan sekunder. Sonata allegro Beethoven di Op. 49 No. 1 dan No. 2 diberkahi dengan kualitas seperti itu.

Sebagai contoh pengerjaan sonata allegro, mari kita lihat lebih dekat gerakan pertama sonatina Mozart di C mayor.

Bahasa sonatina mencerminkan ciri khas gaya musik Mozart. Benar, teksturnya tidak memiliki gerakan melodi nada keenam belas dalam teknik halus, yang menjadi ciri khas komposernya. Pemikiran orkestra dirasakan dalam ciri-ciri dinamis, artikulasi dan timbral dari jalinan musik. Kesulitan utama dalam menampilkan sonatina adalah seringnya terjadi kontras dalam materi tematiknya antara episode-episode citra dan struktur yang berbeda. Sudah di bagian utama, oktaf “keriuhan” yang terdengar padat digantikan oleh melodi liris yang muncul dengan latar belakang dua suara pengiringnya. Episode penghubung pendek ini mirip dengan awal permainan utama. Dalam interpretasi keanggunan penuh dari pihak sampingan, perubahan suasana hati dalam struktur kecil harus ditunjukkan dengan jelas. Namun, fragmentasi melodi menjadi liga-liga motivasi pendek tidak boleh mengaburkan garis perkembangan holistiknya menuju titik-titik puncak terdekat. Di akhir bagian samping, permulaan pengantar bagian akord dua suara terdengar sangat jelas (sinkopasi), mengalir ke bagian akhir yang pendek.

Dari ukuran perkembangan pertama, pola melodi terbalik dari awal bagian utama muncul dalam modal “iluminasi” baru. Episode ini diakhiri dengan intonasi “berani” pada bagian penghubung.

Reprise dimulai dengan bagian sampingan di C mayor. Namun, setelah menghentikan transisi ke game terakhir, awal game utama yang dimodifikasi tiba-tiba muncul kembali. Dalam dua suara terentang yang dibawakan pop legato, terdengar intonasi kemeriahan yang berubah menjadi irama penuh ceria dengan bagian akhir yang pendek.

Karya dalam bentuk besar juga mencakup siklus variasi. Berbeda dengan sonata dan sonata, kajian mereka dilakukan terutama pada sastra dalam negeri. Tema dari banyak variasi ini adalah lagu daerah. Dalam teknik komposisi penyajian tema yang bervariasi, kita menemukan dua kecenderungan: terjaganya kerangka intonasi tema dalam variasi individu atau kelompoknya dan masuknya variasi genre tertentu yang hanya mempunyai hubungan jauh dengan tema. Setelah mengidentifikasi ciri-ciri struktural dan ekspresif tema, maka pada setiap variasinya perlu dicari ciri-ciri ritme-intonasi, harmonik, persamaan tekstur atau perbedaan genre dengannya. Hal ini akan terbantu dengan memainkan atau menyanyikan tema tersebut secara “internal”, yang tercermin dalam berbagai jenis variasi.

Jadi, misalnya, dalam variasi Kabalevsky tersebut di atas, kemiripan intonasi-ritmis dengan tema hampir terungkap seluruhnya pada variasi pertama, yang ditafsirkan dalam semangat tema itu sendiri. Yang kedua secara ritmis dekat dengannya, tetapi agak berubah dalam hal struktural dan harmonis, yang menentukan ciri-ciri lain dari kinerjanya. Variasi ketiga, yang lebih berkembang, dibedakan berdasarkan kebaruan genrenya (menggantikan F mayor yang “cerah” dengan D minor yang “lembut” dengan pergantian tema melodi sesekali). Variasi keempat jauh dari struktur tema dan menyerupai pawai; dihias dengan kain akord yang padat. Variasi kelima terakhir memadukan ciri-ciri citra baru dengan penyajian perubahan intonasi tema yang dimodifikasi.

Saat bekerja dengan siswa tentang “Tema dengan Variasi” oleh K. Sorokin, konsep kiasan dan bunyi lainnya dimunculkan. Variasi di sini dibedakan berdasarkan kontras genrenya; hanya dalam kode penulis mengembalikan tampilan tema. Terlepas dari perbedaan figuratif dan tekstur dalam tema dan variasinya, perwujudannya yang jelas difasilitasi oleh struktur persegi yang diungkapkan dengan jelas. Variasinya dirancang menurut konstruksi delapan langkah. Empat frase merdu dari tema tersebut dibawakan dalam satu hembusan melodi. Pada variasi pertama, dibangun di atas gerakan ritmis yang berkesinambungan, semua intonasi tema, yang melewati bunyi awal kembar tiga, terdengar jelas. Seperti dalam temanya, di sini perlu dirasakan secara internal empat struktur melodi yang terselubung secara sintaksis. Variasi kedua mengandung jejak marching (Risoluto) di variasi ketiga - penulis, dengan terampil memindahkan tema ke nada yang lebih rendah, mengontraskannya dengan melodi baru dari suara atas di nada yang lebih rendah, mengkontraskannya dengan melodi baru dari nada yang lebih rendah. suara atas, diatur ke arah nada suara yang berbeda. Variasi keempat adalah jenis toccata kecil di mana bagian tangga nada setengah bar bergantian secara ritmis dengan pemberhentian pada nada seperempat di ujung bar. Dalam kode, yang mereproduksi materi tema, penulis mempolifonisasi struktur dengan presentasi kanonik dari dua frasa awalnya.

Jadi, bekerja dengan siswa dalam siklus variasi mengembangkan pemikiran musiknya dalam dua arah: di satu sisi, sensasi pendengaran tentang kesatuan tema dan variasi, dan di sisi lain, peralihan fleksibel ke struktur figuratif yang berbeda.

Potongan karakter cantilena. Melodi karya-karya ini mengungkapkan beragam corak genre, lingkup intonasi-figuratif yang kaya, ekspresi cerah dari “simpul” puncak, dan garis perkembangan melodi tiga dimensi. Saat menampilkan melodi, kelenturan ritme, kelembutan, dan liriknya harus terungkap lebih lengkap. Penafsirannya membutuhkan perasaan bernafas lebar. “Lingkungan” yang harmonis, yang menonjolkan keunggulan intonasi melodi, dengan sendirinya membawa berbagai fungsi ekspresif, sering kali menjadi salah satu sarana utama untuk mengungkap struktur musik.

waktu. Unsur polifonik seringkali dijalin pada kain cantilena dalam bentuk tiruan (“Lagu” oleh M. Kolomiets) atau dalam kombinasi kontras antara suara bass dan melodi (“Lagu Liris” oleh N. Dremlyuga), terkadang dalam bentuk tersembunyi suara yang memimpin dalam kompleks harmonik ("Di Lapangan" R. Gliere). Dalam karya-karya yang dipelajari pada tahap ini, garis-garis gerak melodi yang lebih berkembang berhubungan dengan perluasan bingkai registernya yang signifikan ("Fairy Tale" oleh S. Prokofiev, "Fairy Tale" oleh V. Kosenko). Beragamnya corak genre kain cantilena terungkap ketika dibawakan dengan nuansa dinamis, agogik dalam kesatuannya dengan berbagai teknik mengayuh.

Dengan demikian, pengembangan pemikiran horizontal siswa yang luas difasilitasi oleh studi tentang jalinan cantilena dari “Dongeng” Kosenko. Drama tersebut, yang ditulis dalam semangat epos Rusia, memiliki banyak kualitas artistik dan pedagogis yang berharga. Dimulai dengan register yang rendah dan “suram”, melodi yang disajikan secara serempak melalui dua oktaf, secara bertahap diperkaya dengan gema dan tekstur akord yang padat (pada kulminasi utama di tengah). Bagian pembalasan ditutup dengan coda dengan suara “seperti lonceng” yang terdengar jauh. Pertunjukan lakon Kosenko mengandaikan penguasaan keterampilan bermain merdu, palet dinamika yang luas,

nuansa mic yang dipadukan dengan nuansa tempo-ritmik yang fleksibel. Pedalisasi berfungsi untuk menonjolkan intonasi cerah individu dari struktur melodi yang serempak, harmoni merdu, dan penampilan vokal yang halus.

Siswa menghadapi tugas yang sangat khusus ketika mempelajari “Dongeng” karya S. Prokofiev. Berbeda dengan karya cantilena berjenis homofonik, yang latar harmonisnya menentukan penggunaan teknik dasar mengayuh, dalam membawakan karya ini seseorang harus berangkat hampir seluruhnya dari tekstur garis-garis melodi yang terjalin. Faktanya, di hadapan kita ada jalinan polifonik di mana dua gambar melodi yang kontras terungkap. Melodi liris-epik yang dilantunkan dengan cerah dari suara atas dari bunyi pertama, yang diambil selama "inhalasi" di jeda sebelumnya, dilakukan dalam satu gerakan empat ketukan yang terus menerus. Hal ini disertai dengan latar belakang ostinato dari intonasi ritmis pendek “menyedihkan” dari suara rendah. Saat melodi dipindahkan ke suara yang lebih rendah, melodi tersebut diarsir oleh legato yang terdengar lebih menonjol. Di bagian tengah, pola tiga bagian narasi yang halus digantikan oleh tanda birama dua perempat yang lebih terkendali (sostenuto). Pergantian naik turunnya gerakan sepanjang chord link diasosiasikan dengan gambaran bunyi lonceng. Dibandingkan dengan mengayuh episodik dalam presentasi dua suara, yang hanya digunakan untuk bunyi melodi yang dilantunkan dengan cerah, bagian tengah lagu ditandai dengan pedal yang lebih lengkap, menyatukan suara-suara di atasnya pada bass yang sama.

Analisis kecil terhadap karya-karya cantilena ini membuktikan pengaruh aktifnya terhadap perkembangan berbagai aspek pemikiran musik anak.

Drama yang bersifat mengharukan. Dunia gambar miniatur terprogram yang bersifat bergerak dekat dengan hakikat persepsi artistik anak sekolah yang lebih muda. Reaksi anak-anak terhadap bidang ritme-motorik musik ini sangat terasa. Aksesibilitas sarana teknis dipadukan dalam karya-karya ini dengan kesederhanaan dan kejelasan penyajian harmonik homofonik. Kekayaan genre mereka menentukan penggunaan berbagai teknik pertunjukan. Berbeda dengan lakon cantilena yang bercirikan halus dan plastisitas, di sini terdapat struktur penyajian sintaksis yang jelas, denyut ritmis yang tajam, seringnya perubahan guratan artikulatoris, dan perbandingan dinamis yang jelas.

Mari kita perhatikan sebagai contoh drama V. Ziering “In the Forest”. Isi lakon dekat dengan persepsi anak dan mengembangkan imajinasi kreatifnya. Gambaran hidup dari gambaran alam secara alami dipadukan di sini dengan kemanfaatan presentasi yang pianistik. Struktur melodi pendek dengan intonasi nada keenambelas “naik” dan menurun yang mendominasi jalinan musik lakon tersebut diasosiasikan oleh siswa dengan terbang dan berputarnya burung. Semua “peristiwa” yang terjadi dalam lakon tersebut secara kondisional dapat dianggap menurut skema tiga bagian yang merupakan ciri khas miniatur piano anak-anak. Dibandingkan dengan bagian ekstrem, yang dicirikan oleh kesamaan sarana figuratif-ekspresif dan pianistik, bagian tengah dibedakan oleh fitur genre yang lebih individual.

Karya ini dimulai dengan peningkatan energi ritme dan motorik secara perlahan. Setelah dua konstruksi satu bilah yang tenang, muncul dua bilah, dibangun di atas pergantian intonasi naik turun seperti gelombang dan diakhiri dengan figur melodi yang mengarah ke atas. Dalam jalinan musik bagian pameran selanjutnya, dimulai dengan klimaks empat suara, pelepasan bertahap pada gerakan melodi yang menurun dapat dirasakan. Bagian tengah karya dibedakan oleh emosinya yang cerah. Melalui crescendo molto yang intens pada sosok berbentuk tremolo yang terdengar gemetar, pembangunan mencapai klimaks sentral - sebuah episode penuh warna di benteng. Dalam interval yang lebar, figur melodi yang terbang tinggi dan kemudian jatuh dilantunkan di sini. Kemudian semuanya menjadi tenang, diakhiri dengan getar sebelum melanjutkan ke reprise, di mana struktur figuratif dari bagian eksposisi dipulihkan.

Sebagai kesimpulan, perlu dicatat sekali lagi bahwa pekerjaan menciptakan gambar artistik adalah proses yang kompleks dan memiliki banyak segi. Kelahiran suatu citra artistik merupakan terungkapnya kompleksnya ciri khas suatu karya, “wajahnya”. Untuk mencapai hal tersebut diperlukan pengetahuan, keterampilan dan kemampuan yang sesuai, yang coba kami ungkapkan dalam karya ini.

DAFTAR REFERENSI YANG DIGUNAKAN

1. A. Alekseev Metode pengajaran piano.

2. Prinsip pedagogi Piano Barenboim

3. Pedagogi dan pertunjukan musik Barenboim.

4.Yu. Estetika Borev.

5. Perkembangan musik anak.

7.A. Cortot Tentang seni piano.

8.E. Lieberman Karya kreatif seorang pianis dengan hak cipta

9. Soal analisis musik.

10. V. Milich Pendidikan seorang pianis pelajar.

12.A. Sokhor Pertanyaan tentang teori dan estetika musik.

13. Stanislavsky Karya aktor pada dirinya sendiri.

14. Kamus Ensiklopedis Musisi Muda

Subjek: "Penampilan musik. Berusahalah mengungkap citra artistik dalam karya.”

tahun 2012

Penampilan musik. Berusaha mengungkap citra artistik dalam karya.

(laporan metodologis untuk guru sekolah musik anak dan sekolah seni anak)

"Main apa itu

komposisi musik?

memutar musik - tahu

bahwa dia bukan kehidupan,

tapi tidak untuk menunjukkannya?

Mengembangkan citra seni siswa ketika memainkan karya musik merupakan salah satu tugas terpenting bagi seorang guru musik. Dengan kembali lagi dan lagi ke karya yang telah kita pelajari, kita membuat perasaan kita terdengar baru, menemukan gambaran baru dan puncak emosi baru. Karena pengetahuan yang baik tentang teks, Anda dapat sepenuhnya menyerah pada kekuatan pemikiran musikal dan imajinatif, ekspresi imajinasi, temperamen, karakter Anda, dengan kata lain - seluruh integritas pribadi Anda.

Gambar artistik memiliki akses bukan pada struktur teks musik, tetapi pada lingkungan pribadi pemain, ketika orang itu sendiri seolah-olah menjadi kelanjutan dari karya musik.

Dalam hal motif tinggi untuk beralih ke musik, aktivitas emosional dan estetika pemainnya terlihat jelas. Ini adalah pemikiran musikal-imajinatif. Di sini konten musik muncul sebagai emosi, perasaan, dan suasana hati. SE. Feinberg berkata: “Adalah salah jika mereduksi isi sebuah karya musik hanya menjadi emosi, karena ada juga unsur logis dalam pemikiran musikal.” Keduanya benar. Saat mengerjakan gambar artistik sebuah karya, kita harus berbicara tentang logika emosional. Tugas guru adalah mampu mengarahkan pikiran siswa ke arah penalaran yang benar dan membantunya memahami isi pekerjaan. Seorang guru hampir selalu mengetahui bagaimana menentukan tingkat respon emosional siswanya. Jika mewujudkan citra artistik saja tidak cukup, maka perlu dicari cara untuk membangkitkannya dalam dirinya.

Kebetulan seorang siswa emosional, tetapi dia tidak mengerti, tidak merasakan musik khusus ini. Betapa sulitnya dalam musik untuk mencerminkan ketenangan secara mendalam, betapa sulitnya menyampaikan kegembiraan. Seringkali, “tekanan” berhasil dan sisi sebaliknya adalah kelesuan dan ketidakpedulian. Sering terjadi bahwa siswa sama sekali tidak memiliki suasana hati yang sama. Guru “menempelkan” seluruh “suasana hati” dengan kerja yang cermat, dan selama berbicara di depan umum mereka dengan cepat “terbang”, mengungkapkan esensi siswa. Bagaimana membantu siswa mengatasi emosi yang rendah? Ketika menjelaskan kepada siswa apa yang perlu dilakukan, Anda harus segera menunjukkan bagaimana hal itu dilakukan dan berulang kali kembali ke tindakan, gerakan tertentu.

Seringkali dengan menunjukkan gerakannya dan tentunya memainkannya sendiri, Anda dapat “membangunkan” siswa tersebut. Guru memerlukan daya tahan dan kesabaran yang maksimal agar tercapainya tindakan bermakna dari siswa. Bagaimanapun juga, seorang siswa tidak boleh berubah menjadi “boneka”. Setiap geraknya harus diisi dengan perasaan, serta kesadaran bahwa ia sendiri menginginkannya.

Pemikiran imajinatif siswa merupakan bentukan baru dari kesadarannya, yang mengandaikan sikap fundamental baru terhadap permainan musik. Citra musikal seorang pemain - seorang seniman - adalah “gambaran” umum dari imajinasinya, yang “memandu” pertunjukan langsung melalui komponen-komponen universalnya.

Mengenai gambaran pertunjukan musik kita dapat mengatakan bahwa intensitas, kecerahan, kedalaman dan kejelasannya berbeda-beda di “bagian” berbeda dari karya yang dimainkan oleh musisi.

Gambaran musik adalah keseluruhan yang digeneralisasi dan terkonsentrasi. Panjangnya tidak sama dengan karya musik. Asosiasi musik yang paling mencolok muncul secara terpisah-pisah, di beberapa bagian karya.

Baik dalam komposisi maupun performa, mata rantai yang menentukan adalah intuisi. Tentu saja teknik dan alasan sangatlah penting. Semakin halus pengalaman emosional yang harus diungkapkan oleh seorang pelaku, semakin responsif dan berkembang pula peralatan teknisnya. Namun jemari akan diam jika jiwa diam. Alasan diperlukan untuk mengidentifikasi secara menyeluruh setiap aspek pekerjaan. Namun pada akhirnya peran utama adalah intuisi, kondisi yang menentukan dalam kreativitas adalah perasaan bermusik, bakat bermusik.

Dalam menggarap gambaran seni suatu karya musik, tugas utama guru adalah mengembangkan sejumlah kemampuan siswa yang turut menunjang “gairahnya” dalam bermain. Ini termasuk imajinasi kreatif dan perhatian kreatif. Memupuk imajinasi kreatif bertujuan untuk mengembangkan kejelasan, fleksibilitas, dan inisiatif. Kemampuan membayangkan suatu gambar artistik dengan jelas dan gamblang tidak hanya menjadi ciri khas para pemain, tetapi juga penulis, komposer, dan seniman.

Seorang seniman atau aktor menerima materi karya kreatifnya dari kehidupan sehari-hari, namun bagi seorang musisi kehidupan sehari-hari biasanya tidak menyediakan materi musik yang siap pakai untuk berimajinasi. Ia perlu terus-menerus memperoleh pengalaman khusus, ia harus mampu mendengar dan menentukan pilihan. Oleh karena itu, tingkat budaya pendengaran yang cukup tinggi merupakan syarat yang diperlukan untuk memupuk imajinasi kreatif seorang musisi.

Metode berikut digunakan untuk membentuk pendengaran:

Pemilihan melodi berdasarkan telinga (pemilihan harus dilakukan sejak hari pertama pelatihan. Perlu diketahui apakah anak mendengar jalur melodi tersebut. Anda dapat menunjukkan kepada siswa arah melodi dengan menggerakkan tangan dan mengajak siswa untuk melakukan hal yang sama);

Membaca bagian musik (guru menampilkan karya tersebut, dan siswa mengikuti nadanya);

Mementaskan karya yang dihafal tanpa melihat fingerboard atau keyboard (metode ini membantu mengaktifkan pendengaran batin dan indra peraba, yang merupakan pusat kreativitas);

Lihat sebuah bagian dan mainkan tanpa melihat notnya. (dalam proses pekerjaan tersebut, pendengaran dan ingatan internal berkembang);

Analisis dengan jari tanpa bermain (analisis ini membantu mendengarkan detail yang mungkin tidak diperhatikan saat bekerja dengan instrumen).

Saat menonton seorang siswa bermain, kita sering mendengar kekurangan seperti tidak mendengarkan suara yang panjang, ketidakmampuan menonjolkan suara utama dan melunakkan suara lainnya, ketidakmampuan memilih tempo yang tepat, membuat frase, atau memimpin alur dinamis yang benar secara emosional. Hal ini terutama sering terlihat saat memainkan cantilena.

Kualitas yang paling berharga dari instrumen apa pun adalah kemerduannya, “suaranya”. Oleh karena itu intuisi, teknik dan nalar sangatlah penting. Semakin halus pengalaman emosional yang harus diungkapkan seorang pemain, peralatan permainannya harus semakin responsif dan berkembang. Proses mendengarkan musik sangatlah penting. Tugas-tugas tertentu harus ditentukan di dalamnya - mendengarkan pola ritme, gerakan melodi, melisma, perubahan pukulan, teknik produksi suara, keheningan, berhenti, jeda. Dan bahkan jeda pun perlu didengarkan, ini juga musik, dan mendengarkan musik tidak berhenti semenit pun!

Siswa harus melatih perhatian. Sangat berguna untuk bermain dengan mata tertutup. Ini membantu memfokuskan pendengaran Anda. Analisis kualitas permainan akan lebih tajam. Segala “kesalahan” yang ada akan terdengar lebih baik, karena dengan pelatihan seperti itu persepsi pendengaran dipertajam.

Anda dapat membujuk siswa untuk memainkan melodi dan mengobarkan api responsnya melalui perbandingan dan perbandingan. Musik dapat memberikan kesan visual pada imajinasi. Anda juga dapat menggunakan teks teks verbal, baik untuk permainan anak kecil maupun untuk bentuk besar yang diperluas. Kecintaan terhadap kreativitas perlu ditumbuhkan dalam diri siswa. V.A. Sukhomlinsky menulis: “Dengan memasukkan kebenaran yang sudah jadi ke dalam kepala anak-anak, guru tidak memberikan kesempatan kepada anak untuk lebih dekat lagi dengan sumber pemikiran dan kata-kata yang hidup, ia mengikat sayap mimpi, fantasi, kreativitas... ”

Segala cara perbandingan dan perbandingan sangat penting dalam menggarap gambaran seni dalam sebuah karya, namun perlu juga mengacu pada alat bermain pelakunya. Dengan mengubah posisi kuas pada senar, dimungkinkan untuk memberikan warna berbeda pada setiap bagian karya. Kemampuan memvariasikan timbre suara berkontribusi pada penciptaan perspektif musik. Salah satu tahapan penting dalam permainan ini adalah kerja jari - sensualitas, dukungan, tekanan, artikulasinya. Mengerjakan mesin game adalah salah satu tugas penting dan tersulit bagi seorang pemain.

Dalam menganalisis sebuah karya musik, yang utama adalah membenamkan kesadaran anak pada suasana dan era di mana karya musik itu ditulis, menganalisis strukturnya secara detail, menggambar rencana nada, dan menentukan klimaks. Tentukan dengan cara ekspresi dan teknik apa tema utama, pengembangan, akan ditampilkan. Untuk bermain bagus, Anda perlu mempelajari pekerjaan “dari dalam”. Analisis menempati tempat penting dalam pengerjaan sebuah karya. Segala sesuatu perlu dipahami, karena memahami berarti mengambil langkah pertama menuju jatuh cinta. Persepsi terhadap musik tidak dapat dipisahkan dari bentuknya. Respons emosional yang kuat terhadap musik tidak hanya tidak bertentangan, tetapi, sebaliknya, mendapat dukungan berkat analisis logis yang cerdas. Sikap tidak masuk akal memadamkan api kreatif, musyawarah membangkitkan kekuatan kreatif emosional. Tidak boleh ada skema khusus dalam analisisnya. Setiap karya memiliki ciri unik yang memberikan individualitas dan pesona. Menemukannya dan menyajikannya adalah tugas guru. Penggunaan metode dan teknik yang kompeten oleh siswa adalah kunci permainan yang profesional dan emosional. Tugas guru adalah membantu mengungkap karya, mengarahkannya ke “arah yang benar”, tetapi sekaligus memberinya kesempatan untuk membayangkan sendiri isi karya tersebut, untuk mengetahui pikiran dan keinginannya. Guru harus selalu berusaha untuk membangkitkan perasaan dan keinginan siswa untuk tampil bermusik, sehingga memperkaya dunia spiritualnya, mengembangkan emosi dan daya tanggap.

Tujuan pelajaran: meningkatkan teknik penyampaian isi figuratif dalam lakon “Andantino” karya A. Khachaturian

Tugas:

• berlatih memainkan melodi, artikulasi,
• memperjelas panduan suara, keseimbangan suara antara melodi dan iringan,
• cari tahu rencana dinamisnya,
• berupaya menyampaikan bentuk lakon,
• mengkonsolidasikan keterampilan mengayuh yang kompeten.

Pelajaran ini dikhususkan untuk menggarap gambar artistik dalam sebuah karya karakter cantilena berbentuk kecil - lakon “Andantino” karya A. Khachaturian.

Pelajaran dimulai dengan mengerjakan tangga nada dan latihan. Setelah memainkan tangga nada C minor (lakon “Andantino” ditulis dengan kunci ini) dalam gerak maju dan mundur, siswa harus memperhatikan ketepatan pelaksanaan penjariannya. Untuk memperbaiki kesalahan, ada baiknya untuk memperjelas fingering saat bermain dengan masing-masing tangan dalam satu atau dua oktaf. Mainkan tangga nada dengan pilihan ritme berbeda, dengan dinamika dan pukulan berbeda. Teknik yang sama dapat digunakan untuk mengerjakan tangga nada kromatik, arpeggio, akord, dll.

Tangga nada dan latihan merupakan bahan untuk melatih perkembangan teknis siswa, disertai dengan etudes dan karya yang bersifat virtuoso. Dalam pelajaran ini kita sedang mengerjakan sketsa karya K. Czerny (Sketsa terpilih diedit oleh G. Germer, bagian 1, Pelajaran No. 23). Siswa disuguhi pengucapan yang jelas dari bunyi atas dalam melodi, jari-jari yang ulet saat memainkan staccato. Saat mengerjakan bagian, diperlukan penjarian yang tepat dan kemampuan menempatkan 1 jari. Penting untuk mengontrol kebebasan dan kelenturan tangan, kerja aktif jari-jari, pelaksanaan pukulan, ritme, dan jeda yang tepat.

Waktu utama pembelajaran dikhususkan untuk menggarap gambar artistik dalam lakon “Andantino” karya A. Khachaturian.

Sejak awal pelatihan dan kedepannya, guru perlu mengembangkan dan meningkatkan tidak hanya keterampilan teknologi penggunaan instrumen siswanya. Penting untuk “membenamkan” siswa secara intensif ke dalam musik yang dibawakan, untuk “menularkannya” ke dalamnya. Karya tersebut harus menyentuh jiwanya dan membangkitkan imajinasinya. Sejak penampilan melodi pertama di awal pelatihan, anak perlu diarahkan untuk memainkannya secara ekspresif, dengan pemahaman karakter, yaitu. melodi sedih - sedih, ceria - riang, khusyuk - khusyuk, dll.

Pengerjaan gambar artistik diawali dengan pengenalan lakon. Disarankan untuk memilih karya dengan konten figuratif yang menarik, di mana prinsip emosional dan puitis tampak lebih jelas. Jika musik telah memikat hati siswa, maka keadaan emosinya akan berdampak positif pada ketekunannya dan akan berkontribusi pada pengerjaan suara, tempo, nuansa, dan teknik permainan yang lebih fokus dan gigih dalam menampilkan karya tersebut, sehingga membuahkan hasil. terdengar cerah, bermakna, dan ekspresif. Kita perlu memberi tahu siswa tentang penulis drama tersebut dan karyanya. Setelah mendengarkan lakon yang dibawakan oleh guru, bicarakan tentang karakter dan kandungan seninya.

Pada tahap analisis teks, perlu dilakukan pemilihan fingering yang paling cocok untuk siswa tertentu. Penjarian yang rasional berkontribusi pada pemecahan masalah artistik yang lebih baik, dan mempelajarinya kembali menunda proses mempelajari sebuah karya.

“Andantino” adalah sebuah karya dengan program tersembunyi; judulnya hanya memberikan definisi tempo. Imajinasi siswa diberi ruang lingkup dalam menentukan isi lakon. Kita dapat berasumsi bahwa ini adalah sketsa puisi musikal. Misalnya, seorang siswa menampilkan gambar berikut, menghasilkan gambar artistik berikut: pemandangan pegunungan yang indah, musim gugur, seorang gadis muda berdiri di tepi sungai. Lagu sedih terdengar mengingatkan pada intonasi musik Armenia, seperti kenangan musim semi, kebahagiaan masa lalu, sahabat yang telah pergi. Melodinya sedih, santai, dengan nada minor. Pengiringnya diatur dalam pertiga yang berulang. Derajat kedua yang rendah dan penggunaan nada kelima memberi musik cita rasa oriental. Drama ini ditulis dalam dua bagian. Di Bagian 2, melodi diulang satu oktaf lebih tinggi, yang memperparah perasaan sedih. Iringannya mengambil karakter yang lebih gelisah, bass yang stabil dan gema yang disinkronkan muncul. Ungkapan terakhir terdengar seperti kesimpulan yang menyedihkan namun tenang di nada tengah, mengingatkan pada suara cello.

Menggarap gambar artistik juga berarti menggarap produksi suara, berbagai teknik pertunjukan yang diperlukan untuk menyampaikan karakter sebuah karya musik. Dalam lakon “Andantino” perlu dicapai legato yang baik, ekspresif, dan kedalaman bunyi melodi yang indah, mirip dengan nyanyian manusia. Penting untuk terus memantau kebebasan peralatan pertunjukan, kemampuan membenamkan tangan ke dalam tuts dengan beban “dari bahu”, dan mengontrol suara dengan telinga. Kerjakan kemerataan dan kelembutan sepertiga pengiring di bagian 1, dan tangan tidak boleh membeku, seolah-olah sedang “bernafas”. Kemudian penyelaman dalam tangan kiri saat memainkan bass line dan suara lembut backing pada bagian ke-2 dilakukan dengan 1 jari. Anda perlu belajar memainkan bass dan backing note dalam satu gerakan. Bagian tangan kiri pada karya ini menghadirkan tantangan yang cukup besar. Harus dibawa ke otomatisitas agar tidak mengganggu pelaksanaan melodi.

Penting untuk menentukan bentuk lakon, strukturnya, pembagian motif, frasa, kalimat agar dapat menyusun frasa dengan benar; mengetahui ciri-ciri penyajian melodi, pengiring, serta dinamika (awal, naik, kulminasi, turun pada setiap konstruksi). Rencana pelaksanaan yang artistik dan dinamis telah disusun. Setelah menentukan batas-batas frasa, perlu ditelusuri perkembangan melodi dan menemukan puncak intonasi. Saat menampilkan sebuah karya, siswa harus mendengarkan akhir setiap frasa dan belajar mengambil napas sebelum formasi berikutnya. Untuk mencapai kecerahan performa yang lebih baik, ada gunanya membuat dan menggunakan subteks. Klimaks utama terungkap, yang dalam “Andantino” terletak di bagian ke-2 lakon, satu garis pengembangan materi musik ditentukan dengan perasaan tidak hanya bunyi pendukung dalam frasa, puncak-puncak kecil, tetapi juga puncak-puncak kecil. puncak utama dari pekerjaan tersebut. Dalam penampilan siswa perlu dicapai peningkatan ketegangan emosional tepatnya menuju titik klimaks sentral, yang mengarah pada kecerahan dan integritas suara lakon.

Dalam karya cantilena Andantino, peran pedal sebagai alat pemberi warna sangatlah penting. Suara tidak hanya diberikan warna baru dan timbre baru, tetapi juga volume dan kepenuhan yang lebih besar. Pedal membantu mengungkapkan kemungkinan artistik ekspresif dari karya tersebut dengan lebih jelas. Pedal kanan menghubungkan berbagai suara menjadi satu harmoni, membantu menggabungkan berbagai elemen tekstur. Pekerjaan yang detail perlu dilakukan: temukan palang yang menggunakan pedal sebagai alat pengikat atau warna-warni, pertimbangkan baik-baik saat menyalakan dan mematikannya, dengarkan setiap palang dengan pedal agar penggunaannya tidak melanggar aturan. kemurnian penampilan vokal. Disarankan untuk mencantumkannya di catatan. Perlu dilakukan pekerjaan khusus untuk mengkonsolidasikan keterampilan agar kaki tidak menginjak pedal, tidak naik di atasnya, tetapi terus-menerus merasakannya dengan sentuhan lembut. Saat mengerjakan karya Andantino, ada gunanya mempelajari pedal terlebih dahulu dengan tangan, lalu kedua tangan bersamaan, sambil terus memantau kemurnian suaranya.

Sebelum setiap penampilan seorang siswa suatu karya, ia harus diingatkan akan perlunya terus-menerus mendengarkan dirinya sendiri, penampilannya seolah-olah dari luar, berusaha memainkannya tidak hanya dengan benar, tetapi juga secara ekspresif, emosional, dan juga memperhatikan kekurangannya. untuk memperbaikinya nanti.

Keberhasilan dalam menggarap perwujudan suatu citra artistik hanya dapat dicapai dengan terus mengembangkan musikalitas siswa, kecerdasannya, daya tanggap emosionalnya terhadap musik, dan meningkatkan teknik produksi suara. Ia harus terpikat oleh isi dan gambaran karya tersebut, kemudian ia bekerja lebih gigih, meningkatkan teknik pianistiknya, berusaha lebih jelas menyampaikan gambaran artistik dari karya tersebut dalam penampilannya.
Untuk bekerja di rumah, Anda harus diberi tugas untuk melanjutkan pekerjaan yang dimulai di kelas, menampilkan melodi, iringan, corak dinamis, penggunaan pedal, dan mengerjakan gambar artistik lakon.

Referensi:

1. Neuhaus G.Sejarah pertemuanNeuhaus G. Tentang seni bermain piano. Rumah penerbitan "Deka-VS", 2007
2. Lyubomudrova N.A. Metode belajar bermain piano. M.: Muzyka, 1982.
3. Alekseev A.D. Metode belajar bermain piano. Edisi ketiga - M.: Muzyka, 1978
4. Timakin E.M. Pendidikan seorang pianis. – M.: Muzyka, 2011.

Buka pelajaran - sertifikasi untukkonfirmasi kesesuaian untuk posisi yang dipegangguru Daniil Ivanovich Shterts, jurusan akordeon tombol, dengan siswa kelas persiapan Alexander Konorev.

Lokasi:MBUDO "DSHI di Aleysk"

Tanggal: ______

Jenis pelajaran: terbuka

Bentuk pekerjaan: perorangan

Topik pelajaran: “Mengerjakan gambar artistik suatu karya di sekolah dasar”

Tujuan pelajaran: Belajar mengungkap gambaran artistik sebuah karya

Tugas:

• Pendidikan – mendefinisikan konsep “gambaran artistik suatu karya”, belajar mengungkap maksud dari karya tersebut;
• Pendidikan – untuk menumbuhkan budaya kinerja suatu karya;
• Perkembangan – mengembangkan kemampuan mendengarkan dan memahami karya yang dibawakan, mengembangkan imajinasi, pemikiran, ingatan, rasa ritme;
• Hemat kesehatan - postur tubuh yang benar, posisi lengan, badan, pemasangan alat.

Rencana belajar.

Struktur pelajaran terdiri dari lima bagian:

Bagian 1 – organisasi;

Bagian 2 – mengerjakan materi baru;

Bagian 3 – konsolidasi materi yang dipelajari dalam pelajaran;

Bagian 4 – ringkasan pelajaran;

Perlengkapan: akordeon 2 kancing, stand musik, meja, kursi, literatur musik, materi didaktik.

Pelajaran dilakukan dengan siswa kelas persiapan Alexander Konorev.

Bagian 1 – Organisasi.

• Memainkan tangga nada C mayor dengan kedua tangan bersamaan menggunakan pukulan yang berbeda: legato, staccato , arpeggio pendek, akord tempo moderator;
• Analisis pekerjaan rumah - laporan lisan tentang pekerjaan yang dilakukan, tugas apa yang diberikan kepada siswa, apa yang telah dicapai dan apa yang tidak berhasil dan mengapa? Kesulitan apa yang Anda temui selama implementasi?
• memeriksa pekerjaan rumah - memainkan potongan-potongan itu secara holistik dengan kedua tangan bersama dengan daftar putar "Kamarinskaya", daftar putar "Akankah saya pergi, akankah saya meledakkannya", dengan penyelesaian tugas yang diberikan sebelumnya:
• Ganti bellow di tempat yang ditunjukkan pada tongkat;
• Memenuhi persyaratan penjarian secara akurat;
• Pertahankan semua durasi secara akurat;
• Pertahankan kecepatan kinerja yang seragam;
• Capai permainan tanpa henti dengan kedua tangan, sambil mengikuti teks musik secara akurat.

Bagian 2 – berupaya mengungkap citra artistik karya tersebut.

Citra artistik suatu karya musik adalah musik itu sendiri, tuturan musik yang hidup dengan pola dan komponennya, yang disebut melodi, harmoni, polifoni, bentuk, isi emosional dan puitis.
Musik adalah seni suara; ia berbicara dengan suara.

Menetapkan tujuan pelajaran. Untuk belajar mengungkapkan maksud suatu karya, yaitu. gambar artistik, Anda perlu memahami apa itu dan dengan cara apa ide karya tersebut diungkapkan. Oleh karena itu, tujuan pelajaran kita adalah untuk memperoleh konsep “gambar artistik” dan belajar mengungkapkannya.

Metode pengerjaan lakon "Kamarinskaya".

Pemutaran lengkap drama tersebut oleh guru;

Analisis kinerja – jawaban siswa terhadap pertanyaan guru.

Guru: Menurut Anda pekerjaan ini tentang apa?

Guru: Apa yang membantu Anda memahami tentang apa karya ini? Sarana ekspresi musik apa yang digunakan komposer? Berapa tempo dalam lagu ini? Dinamika, guratan, karakter pengiringnya? Drama tersebut dapat dibagi menjadi berapa bagian? Apa yang kami sajikan di bagian pertama dan apa di bagian kedua? Bagaimana perubahan ini terlihat dalam musik? Coba jelaskan apa itu “gambar artistik”? Setelah mendiskusikan jawaban atas pertanyaan, Anda harus mulai mengerjakan gambar artistik dari drama kelompok seni pop Rusia “Kamarinskaya”.

Metode kerja.

1. Demonstrasi terperinci oleh guru tentang instrumen - memainkan setiap bagian secara terpisah;
2. Bermain dalam ansambel dengan seorang guru;
3. Mengerjakan frase, menentukan klimaks pada setiap frase, cara bermain – perbandingan (permainan guru dan siswa dibandingkan, analisis).
4. Mengerjakan ritme, bermain dengan berhitung dengan suara keras, bertepuk tangan mengikuti ritme setiap bagian, mengerjakan tempat ritme yang sulit;
5. Bekerja pada pukulan - perlu untuk mencapai permainan yang koheren dan mulus di bagian tangan kanan, dan iringan yang jelas di bagian tangan kiri (bermain dengan masing-masing tangan secara terpisah);
6. Bekerja dengan kecepatan pertunjukan yang seragam - bekerja dengan metronom;
7. Jika kesulitan muncul saat menghubungkan, Anda harus kembali bekerja dengan tangan terpisah, memperjelas teks musik, meraba, dan mengganti tiupan.

Melaksanakan pendidikan jasmani, angkat tangan ke atas, regangkan dengan baik, rilekskan tangan, “lempar” ke bawah.

Metode mengerjakan r.n.p. “Haruskah saya pergi, akankah saya meledak” mirip dengan metode mengerjakan drama r.n.p. "Kamarinskaya".

Bagian 3 – konsolidasi keterampilan yang diperoleh dalam pelajaran.

Menyelesaikan permainan drama oleh siswa dengan kedua tangan, bersama dengan pemenuhan tugas yang diberikan secara tepat - saat bermain, untuk mengungkapkan gambar artistik dari karya tersebut. Analisis penampilan Anda sendiri, menunjukkan aspek positif dan negatif saat memainkan bidak.

Bagian 4 – ringkasan pelajaran.

Siswa mengatasi tugas-tugas yang diberikan kepadanya: ia mencoba menyampaikan gambaran artistik dari karya-karya tersebut ketika bermain, belajar menganalisis secara mandiri penampilannya sendiri, menemukan kesalahan, kesulitan dalam pertunjukan dan mencari cara untuk mengatasinya.

Siswa menyadari bahwa agar sebuah karya berbunyi, menghafal teks secara akurat saja tidak cukup; Anda perlu memberikan banyak perhatian untuk mengerjakan dinamika, frasa, ritme, guratan, mis. atas sarana ekspresi musik. Kedepannya, rencananya siswa akan bekerja secara mandiri untuk mengungkap gambaran artistik dari karya tersebut.

Bagian 5 – perumusan pekerjaan rumah.

Konsolidasi keterampilan yang diperoleh dalam pelajaran - menyelesaikan permainan dengan hati, dengan mempertimbangkan semua komentar.

Cara-cara yang digunakan ketika mengerjakan pengungkapan suatu gambaran seni dengan menggunakan contoh karya yang dilakukan di kelas dapat digunakan ketika mengerjakan karya lain. Metode kerja seperti itu membantu siswa di masa depan untuk bekerja secara mandiri dalam mengungkap citra artistik dalam karyanya.

Pekerjaan rumah.