Bagaimana isi sebuah karya musik artistik terungkap. Rekomendasi metodologis dengan topik: “Penciptaan dan pengembangan citra artistik dalam proses pengerjaan sebuah karya musik
Natalya Khoreva
Pelajaran terbuka “Peran guratan dalam mengungkap citra artistik sebuah karya musik”
Peran guratan dalam mengungkap citra artistik suatu karya musik.
Pembentukan gagasan siswa tentang berbagai jenis guratan-guratan dan signifikansinya dalam mengungkap citra artistik suatu karya musik.
1. Pendidikan
Membangun dan memperdalam pengetahuan siswa tentang peran pukulan, V mengungkapkan gambaran artistik suatu karya musik.
2. Perkembangan
Mengembangkan telinga untuk musik, ingatan, pemikiran imajinatif.
Mengembangkan musikal dan kemampuan kreatif anak.
3. Pendidikan:
Menanamkan tekad dan ketekunan siswa dalam menguasai teknik permainan.
Jenis pelajaran: digabungkan.
Peralatan: komputer, proyektor media, layar, alat musik akordeon.
1. Momen organisasi
2. Dari sejarah
3. Topik baru : « Peran guratan dalam mengungkap citra artistik dalam sebuah karya musik».
4. Konsolidasi materi baru
5. Ringkasan pelajaran
Momen organisasi:
Salam perkenalan siswa, Denis Shirokov, siswa kelas 1 departemen nasional. Pesan topik pelajaran, tujuan, sasaran. (Slide 1,2,3.)
Dari sejarah:
Istilah " menetas" (batang, garis) pernah dipinjam oleh pemain biola dari seniman, karena ada kesamaan antara gerakan kuas pelukis dan busur pemain biola (Gbr. 1). Segera istilah " menetas" memperoleh arti dari teknik permainan tertentu dan menyebar luas di kalangan musisi berbagai spesialisasi, termasuk pemain akordeon.
Apa yang terjadi pukulan?
Pukulan Ini adalah berbagai metode produksi suara, yang menghasilkan suara-suara yang berbeda satu sama lain dalam sifat suaranya.
Ada dua jenis stroke: sapuan jari dan sapuan bulu.
Hari ini pelajaran mari kita lihat yang utama sapuan jari.
Ada guratan jari: Legato, non-legato, staccato.
Legato adalah teknik bermain yang setiap nadanya perlu dihubungkan satu sama lain, melodinya halus. Dalam catatan itu ditentukan oleh liga (busur) di atas atau di bawah catatan.
Non-legato - permainannya tidak koheren, nada-nadanya tidak terhubung satu sama lain.
Staccato adalah teknik bermain ketika nada-nadanya terdengar pendek dan tiba-tiba. Dalam catatan ini menetas ditunjukkan dengan titik-titik di atas atau di bawah nada.
Sekarang kita akan melihat menetas legato pada contoh lagu rakyat Rusia "Dan aku di padang rumput". Lagu ini adalah tarian bulat, karakter bekerja dengan lancar, merdu. Sebelumnya, pada hari-hari besar, anak perempuan dan laki-laki menari dan menyanyikan lagu. Lagu ini dibawakan pukulan legato.
Seorang siswa memainkan lagu dengan akordeon "Dan aku di padang rumput"
Sekarang kita akan melihat stroke non-legato.
D.Kabalevsky "Polka Kecil". Polka adalah tarian Ceko. Karakter bekerja dengan ceria, ceria, bisa menari. Untuk menyampaikan karakter bekerja perlu memenuhinya stroke non-legato.
Seorang siswa memainkan polka Kabalevsky pada akordeon kancing.
Menetas Mari kita lihat staccato menggunakan contoh sketsa. Etude bersifat teknis bekerja. Tujuan dari penelitian ini adalah untuk mengembangkan sisi teknis permainan tombol akordeon: kelancaran jari, ritme. Lushnikov "Etude" C-tahan. Sketsa ini memiliki dua bagian. Dalam sketsa ini variabelnya pukulan, bagian pertama dilakukan pukulan legato, bagian kedua sedang dilakukan pukulan staccato.
Sekarang siswa akan menunjukkan sketsa ini.
Untuk apa itu? sentuhan dalam musik?
Pukulan adalah alat yang sangat penting ekspresi musik.
Tentang sifat dan kualitas pelaksanaan pukulan sangat bergantung pada kebenarannya pengungkapan figuratif musik konten dan gaya pertunjukan bekerja
Sentuhan membuat musik penuh warna dan hidup.
Semua orang punya pukulan - gambar Anda.
Pukulan, berinteraksi dengan sarana ekspresi lain, berkontribusi pada perwujudan konten ideologis dan emosional pemain bekerja.
Pada dalam pelajaran kita melihat pukulan: legato, non-legato, staccato. Untuk mengkonsolidasikan materi yang dibahas pada topik tersebut, kami akan mendengarkan karya lagu B. Ushenina "Nyanyian pengantar tidur", Lullaby - lagu yang dinyanyikan oleh ibu atau pengasuh sambil menggoyang anak; genre liris khusus yang populer dalam puisi rakyat. Salah satu genre cerita rakyat tertua. Mari kita coba menyanyikan lagu pengantar tidur ini pukulan legato, A stroke staccato dan lihat pengaruhnya menyentuh karakter sebuah karya musik.
Guru tampil bekerja
Karakter pekerjaan telah berubah karena perubahan pukulan. Anda tidak akan bisa tidur dengan lagu pengantar tidur seperti itu, tetapi Anda pasti ingin berbaris.
Bagian terakhir:
kamu: Apa yang kita lalui hari ini?
Untuk apa itu? sentuhan dalam musik?
Mengapa Anda perlu melakukannya dengan tepat? sentuhan dalam drama?
Yang Anda sudah menguasai pukulannya?
Teknik bermain apa lagi yang tidak berhasil?
Apa yang perlu Anda lakukan untuk mengatasinya?
Siswa menceritakan pengetahuan apa yang ditugaskan kepadanya pelajaran,
apa yang baru, tidak biasa.
Intinya pelajaran gagal guru:
Hari ini kita berbicara tentang stroke dan perannya dalam mengungkapkan
gambar artistik dari karya tersebut.
Pukulan merupakan sarana ekspresi yang sangat penting
musik. Tentang sifat dan kualitas pelaksanaan menyentuh dalam banyak hal
tergantung pada yang benar pengungkapan konten musik dan figuratif dan
gaya yang dilakukan bekerja. Utama pukulannya adalah
legato, non-legato, staccato. Istirahat pukulan kurang umum.
Pilihan stroke tergantung karakternya musik yang sedang dilakukan. Oleh karena itu, berbicara tentang pukulan, perlu diperhitungkan secara spesifik dalam sebuah karya seni guratan ini akan diterapkan, apa isinya, dan karakternya musik dia akan dipanggil untuk menekankan.
Publikasi dengan topik:
Ringkasan pelajaran membaca karya fiksi oleh Brothers Grimm “King Thrushbeard” untuk anak-anak prasekolah yang lebih tua Tahap persiapan: Jalan-jalan: Percakapan awal: saat jalan-jalan, Entahlah mendatangi para lelaki dan mulai menggoda semua orang (Mashka si gadis kecil yang kotor,.
Ringkasan pembelajaran membaca karya seni G.-H. "Angsa Liar" Andersen untuk anak-anak prasekolah yang lebih tua Tahap persiapan Kemajuan pelajaran: teman-teman, dengarkan puisi M. Sadovsky Keluarga adalah kebahagiaan, cinta dan keberuntungan, Keluarga adalah musim panas.
Catatan pelajaran membaca karya fiksi karya G.-H. Andersen "The Little Mermaid" untuk anak-anak usia prasekolah senior Tahap persiapan Percakapan persiapan: teman-teman, mari kita ingat keluarga itu terdiri dari siapa? (ibu, ayah, anak-anak). Dan siapa lagi milik kita?
Percakapan pelajaran membaca karya seni oleh K. I. Chukovsky “Gunung Fedorino” untuk anak-anak prasekolah yang lebih tua Percakapan: teman-teman, bagaimana Anda memahami pepatah ini: “Celakalah orang yang rumahnya berantakan”? Apa itu ketidakteraturan? Dari mana asalnya? Bagaimana.
Buka pelajaran “I. A.Krylov. "Kuartet" Pelajaran bacaan sastra dari bagian “Mempelajari rahasia kebijaksanaan duniawi” Topik: I. A. Krylov "Kuartet". Tujuan: Edukasi: 1) Melanjutkan pengenalan.
Pelajaran piano
Subjek:
Tujuan pelajaran: Mengungkapkan citra artistik melalui sarana ekspresi musik.
Tujuan pelajaran:
1. Pendidikan:
- mengajarkan teknik produksi suara yang berkontribusi pada pengungkapan sebuah karya musik.
2. Mengembangkan:
- pengembangan pemikiran musik dan artistik, aktivitas kreatif, bidang emosional dan kemauan individu, penciptaan motivasi untuk memperoleh pengetahuan dan keterampilan untuk mencapai tujuan.
Kembangkan imajinasi dan pertunjukan musik.
3. Pendidikan:
Menumbuhkan minat berkelanjutan terhadap kegiatan, kecintaan terhadap seni dalam segala bentuk, pembentukan cita rasa seni dan estetika.
Metode pelajaran:
Penjelasan
Pertanyaan untuk siswa dan jawabannya
Siswa memainkan alat musik
Jenis pelajaran:
- konsolidasi keterampilan yang diperoleh
Peralatan:
Piano
Lembaran musik
Rencana Pelajaran
Tahapan pekerjaan:
1. MOMEN ORGANISASI
Presentasi dan momen psikologis pengaturan siswa, pengecekan kebenaran posisi instrumen.
2. PERIKSA PENGETAHUAN
Mendengarkan hasil karya dan berdialog dengan siswa.
3. KOMUNIKASI PENGETAHUAN BARU
Dialog dengan siswa: analisis bentuk, analisis rencana nada, analisis komposisi interval melodi, vokalisasi musik instrumental, pewarnaan timbre melodi, pengerjaan cantilena, pengerjaan iringan, pengerjaan pedal , menemukan gambaran musik dan produksi suara yang sesuai dalam drama tersebut. Mendengarkan karya rekaman.
Ilustrasi seorang guru menggunakan instrumen.
Tempo: menentukan tempo yang sesuai dengan kemampuan teknis siswa dan sifat karya.
4. MENGAMBIL
Generalisasi pengetahuan yang diperoleh, kinerja fragmentaris dari suatu karya dengan menggunakan pengetahuan baru.
5. PEKERJAAN RUMAH
Mengkonsolidasikan keterampilan dan kemampuan yang diperoleh; memvisualisasikan setiap tugas dalam pikiran Anda sebelum menyelesaikannya. Implementasi semua tugas yang direncanakan dalam persiapan pelajaran.
6. RINGKASAN
Meringkas pelajaran dan menilai.
Kemajuan pelajaran:
Hari ini saya dan murid saya duduk di kelas 4 SD. pelajaran umum jurusan piano Abdikarim Madina dengan topik:"Gambar artistik dalam sebuah karya musik"
Misalnya, kami mengambil drama M. Partskhaladze “In the Old Style”
Saya ingin memulai pelajaran hari ini dengan kata-kata Neuhaus: “Musik adalah seni suara,” dan karena ini adalah seni suara, maka tugas utama kita adalah mengerjakannya. Musik itu sendiri, seperti kita ketahui, tidak berbicara dalam kata-kata dan konsep, melainkan dalam bunyi-bunyian musik.
Oleh karena itu, menggarap suara tidak dapat dipisahkan dari menggarap gambar artistik. Dan dengan bantuan suara musik siswa harus mengungkapkan isi puitis dari karya tersebut.
Pengerjaan kami pada gambar artistik akan terdiri dari beberapa tahap:
1.analisis bentuk
2.analisis rencana nada
3.analisis komposisi interval melodi
4.vokalisasi melodi instrumental
5. warna timbral melodi
6.mengerjakan cantelena, teknologi teknik kinerja
7.bekerja pada dukungan
8. bekerja pada pedal
9.kesimpulan tahap generalisasi, ketika kinerja secara keseluruhan sudah ditingkatkan.
Dan di sini kesenian dan emosi siswa memainkan peran penting.
Sekarang Madina dan aku baru saja tiba tahap akhir dan tujuan pelajaran kita adalah mengulangi dan mengkonsolidasikan semua tahapan. Dan sebuah rumah. tugas itu juga didedikasikan untuk tujuan ini, yaitu. pengulangan dan konsolidasi materi yang dibahas.
Semua tahapan inilah yang ingin kami tunjukkan secara singkat dalam pelajaran kita hari ini.
Madinochka, silakan mainkan seluruh lagunya sekarang, tetapi sebelum Anda mulai menampilkannya, harap ingatkan kami apa nama karya Anda dan siapa komposernya? Apa yang kamu ketahui tentang dia?
Ya, Merab Alekseevich Partskhaladze adalah seorang komposer Soviet dan Georgia, lulusan Konservatorium Moskow. Dikenal sebagai komposer lagu anak-anak dan karya piano.
Silakan…
Kami akan membahas semua tahapan kami secara singkat.
Tahap 1 - ini adalah analisis bentuk. Katakan padaku, apa bentuk karyanya?
Siswa: Formulir satu bagian dengan kode
Oke, ada berapa penawaran?
Siswa: Dua
Katakan padaku, apa itu? Sama, berbeda, serupa?
Pada kalimat kedua muncul motif baru yang tidak terdapat pada kalimat pertama, namun secara umum dasar melodinya sama.
Motif di kalimat kedua ini, apa sih manfaatnya bagi kita?
Mengarah ke poin utama, menuju klimaks.
Ngomong-ngomong, apa itu klimaks?
Siswa: Ini adalah tempat utama dalam pekerjaan.
Itu. Motif ini tidak muncul secara kebetulan. Seperti apa dia dulu? Dia menduplikasi tema (permainan guru)
Lambat laun motif ini menjadi aktif, tegas dan membawa kita pada klimaks.
Artinya, analisis bentuk ini memberi kita pertunjukan yang bermakna, dan ini merupakan 1 langkah menuju pertunjukan yang bermakna, dan karenanya menuju ekspresi artistik. Gambar.
Tahap 2 - Ini adalah analisis rencana nada. Apa nada suara dalam pekerjaan kita?
Siswa: Masih di bawah umur.
Benar. Menurut Neuhaus, Anda dan saya menganalisis setiap nada suara dan pewarnaannya. Ngomong-ngomong, siapakah Neuhaus? Saya sudah menyebut dia untuk kedua kalinya.
Genrikh Stanislavovich Neuhaus, pertama-tama, adalah sebuah kepribadian. Kepribadiannya dalam dan berbakat dalam banyak segi. Pianis, penyelenggara pusat musik"Neuhaus" , penulis - dia adalah fenomena unik budaya modern.
Sekarang tolong beritahu saya, Anak di bawah umur itu kuncinya apa?
Siswa: lembut, rapuh.
Inilah yang memberi kita dorongan untuk memahami bagaimana cara mulai menampilkan karya tersebut.
Jika A minor itu rapuh, lembut, maka bunyinya akan seperti ini
(demonstrasi guru)
Ya, 2 tanda - ini kunci datar, memberi warna lebih gelap, oleh karena itu kinerjanya harus lebih intens (tunjukkan), lalu kita ke D minor, dan lebih jauh lagi ke C minor, kunci yang lebih gelap dan penuh gairah. Apa manfaatnya bagi kita? Ini memberi kita drama. Jadi, ini adalah langkah kedua kami menuju performa ekspresif.
Tahap 3- analisis struktur interval melodi
Seluruh melodi kita terbagi menjadi motif. Bagaimana motif pertama kita dibangun?
(permainan guru)
Ya, gerakan progresif.
Jadi oke, motif kedua? Hampir sama, hanya di akhir ada lompatan, interval seperenam lebarnya, perlu juga didengar.
Motif ketiga adalah dengan motif ketujuh.
Apa karakter dari interval ketujuh?
Ya, mengancam, tegang, dan karena dia tegang, kita harus melafalkannya, bukan?
Mendengar secara mental, dan ini juga merupakan langkah menuju kinerja ekspresif, adalah bagian lain dari pembentukan citra kita.
Ya detik, intonasi apa ini?
Bertanya, menangis, mengeluh, yaitu di sini Anda perlu mendengar, menanyakan suaranya, dan apa yang akan terjadi selanjutnya?
Tahap 4- vokalisasi melodi
Mengapa hal ini diperlukan dan apa itu?
Artinya, siswa mencoba menyanyikan melodi dengan nada. Apa manfaatnya bagi kita?
Ini membuat kita mendengar setiap suara dan mengantisipasi suara berikutnya. Siswa mencoba memimpin melodi dengan menyuarakan melodi tersebut.
Sekarang mari kita coba melakukan. Melakukan memberi kita organisasi yang ritmis.
Berapa ukuran yang kita punya di sini? Ya, 4 kuarter, dan aku akan bermain bersamamu.
Sesuaikan diri Anda ke A minor, saya berikan pengaturannya.
Jadi mari kita berhenti, Anda menggambar nada "C" lalu tarik napas sebelum "D", menurut Anda apakah ini benar?
Tidak, kenapa salah? Karena alur melodinya putus, artinya kedua bunyi ini harus disambung. (menunjukkan)
(siswa bernyanyi sampai klimaks)
Cobalah menggambar suara, bernyanyi.
Oke, bagus sekali! Tapi hanya 16 lagu saja yang perlu dinyanyikan.
Sekarang coba main terpisah hanya dengan tangan kanan, jangan terburu-buru 16, lebih merdu. (guru menunjukkan, lalu siswa)
Kuasnya membuat saya takjub, bagus sekali!
Itu. Sekali lagi kita beralih ke tahap kerja ini, yang sangat penting, yaitu menyanyikan melodi sesuai nada-nadanya.
Dengan demikian, prinsip utama dalam mengerjakan cantilena muncul - fluiditas. Dan ketika siswa secara mental menyanyikan melodi tersebut, permainannya menjadi tidak mekanis, tetapi lebih ekspresif.
Tahap 5- Ini adalah warna timbre melodi.
Itu. Sebelumnya, Anda dan saya mewarnai tutsnya dengan warna berbeda. Sekarang pikirkanlah dan beri tahu kami instrumen mana yang akan Anda tetapkan untuk menyanyikan melodi kami.
Biola, dan juga? Dalam gaya lama, apa itu? Menari, lagu? Aria.
Apa itu aria? Itu benar, itu potongan vokal, dan bahkan dengan iringan orkestra. Oke, siapa yang menyanyikan aria?
Ya, nona, mengapa Anda memutuskan demikian? Karena suaranya tinggi.
Oleh karena itu, Anda dan saya sekarang akan mencoba membayangkan kehangatan suara, ekspresifnya.
Silakan mainkan 1 kalimat.
(demonstrasi guru, lalu siswa)
Bagus sekali, ini sudah lebih baik!
(demonstrasi guru)
Namun pada kalimat kedua, motif terakhir bisa dipercayakan kepada penyanyi atau biola, yang akan membawa kita pada klimaks.
Tahap 6- mengerjakan cantilena.
Dan sekarang kita harus mengingat teknik dasar yang digunakan saat mengerjakan cantilena.
Teknik 1 adalah bunyi diambil tanpa aksen (demonstrasi), jika tidak, frasa tersebut langsung hilang begitu saja, lalu kita lanjutkan dan pastikan untuk bernapas.
Dalam karya ini, motif kami dimulai dengan jeda, dan jeda inilah yang memberikan kesempatan pada tangan untuk bernapas.
Mari kita coba dengan tangan kanan (siswa yang bermain) - jari pasti penting dalam cantilena, Anda bermain dengan santai. Tangan bernafas, tidak membeku, ia hidup. Kelenturan tangan, gerakan selebar-lebarnya, maka melodi menjadi tidak membeku, melainkan lebih ekspresif.
Cukup, oke!
Berikut prinsip dasarnya, dan disini kita juga menemukan aturan - hukum nada panjang (menunjukkan) C - bunyi yang panjang, D berikutnya tidak dapat dihilangkan, mengalir dari sana, dengarkan dengan telinga, coba sendiri ( murid)
Cukup, berikut prinsip dasar mengerjakan cantilena.
Tahap 7- mendukung pekerjaan. Silakan mainkan singa secara terpisah. tangan dengan pedal. Mari kita berhenti, beri tahu saya, bagaimana Anda mengartikan tangan kiri, apa itu?
Itu terlalu halus dan statis. Membuatnya sedikit gugup, karena sulit bernyanyi dengan iringan seperti itu.
(siswa bermain)
Terhubung lebih banyak, dan sepanjang waktu rasakan denyutnya, detak jantungnya, dengan gerakan maju, ingat warnanya, bantu melodinya.
Kedelapan ini sudah tegang dengan jari, dan jembatan ini B, dan kemudian dominan kita.
Oke, sekarang kamu mainkan melodinya, dan saya akan memainkan melodinya untukmu (bermain bersama).
Hapus gerakan pergelangan tangan.
Cukup, bagus sekali!
Maksudnya sebagai penopang yang utama adalah memindahkan beban tangan menjadi 5,3 jari, dan melepas 1 agar tidak menonjol ke depan, karena besar dan kuat.
Mari kita lanjutkan ke tahap pekerjaan berikutnya
Tahap 8 - bekerja pada pedal.
Silakan mulai bermain, dan di sini pedalnya harus agak kering, karena pertama, gendingnya gaya lama, bisa diartikan sebagai pertunjukan harpsichord ya (siswa yang bermain)
Oleh karena itu, di sini kita tidak akan terbawa oleh pedal romantis yang dalam, tetapi dengan yang tertunda, pada gerakan kedua, kita melakukannya berpasangan, sesering mungkin, karena satu detik itu sendiri adalah interval yang agak kotor, dan jika Anda masih gunakan pedal, akan terdengar dengungan. Secara umum pedal sangat bergantung pada telinga, sehingga telinga harus selalu aktif.
Oke, cukup, pedalmu sudah cukup bagus sekarang
Tahap 9 - Paling tahap terakhir, eksekusi secara keseluruhan, dengan mempertimbangkan semua tahapan yang baru saja kita lalui.
Tujuan guru adalah untuk menyelaraskan siswa, mendorongnya agar lebih ekspresif melakukan program tertentu.
Katakanlah kita mempunyai awal yang halus dan melamun, maka pantaslah kita mengingat kembali lukisan-lukisan seniman alam, misalnya awal musim semi. Ya, tepatnya saat tanaman hijau terbangun, dan kita melukis bukan dengan warna-warna cerah yang pekat, tetapi dengan warna pucat dan hangat.
Pada awal pekerjaan kami, ada suara yang halus, halus, rapuh, dan kemudian warnanya menjadi lebih jenuh.
Itu. Asosiasi semacam itu memberi siswa gambaran yang lebih jelas tentang suara apa yang akan digunakan untuk menampilkan karya tertentu.
(Guru memberikan 2 gambar alam dan meminta mereka menyusunnya dalam urutan warna yang sama dengan karya kita yang dibuat).
Kalimat berikutnya 2 hendaknya tidak terdengar monoton. Akan semakin heboh dan tentu saja dinamika di sini akan semakin intens. Dan kemudian motif ini akan terdengar kontras di piano. Penting untuk membangun klimaks dan gerakan umum.
Oleh karena itu, sekarang Anda mendengarkan, mengingat semua yang kita bicarakan, menggambar sendiri dan menampilkan karya Anda dengan perasaan dan ekspresi.
Terima kasih, gadis pintar!
Pada dasarnya itulah semua yang ingin kami bicarakan dan tunjukkan dalam pelajaran kita hari ini. Kerjakan semua langkah yang membantu siswa mencapai lebih banyak kinerja emosional dan pengungkapan konten artistik karya tersebut.
Pekerjaan rumah Ini juga akan mengkonsolidasikan kembali semua tahapan ini dan memikirkan kembali gambar tersebut, mungkin siswa membayangkan gambar tersebut dengan cara yang berbeda, dan tidak seperti yang disarankan guru. Mungkin sesuatu yang berbeda.
Di penghujung pembelajaran kita hari ini, saya ucapkan terima kasih kepada rekan-rekan yang terkasih karena telah meluangkan waktu untuk mengikuti pembelajaran kita. Terima kasih!
Terima kasih banyak Madinochka atas kerja aktifnya di kelas.
Citra artistik merupakan wujud refleksi realitas dengan menciptakan objek yang berdampak estetis. Dengan kata lain, ini adalah rekreasi subjektif dari dunia sekitar seniman: lukisan alam, sketsa potret, peristiwa, dll. Inilah kesatuan pikiran dan perasaan, rasional dan emosional. Emosionalitas adalah prinsip dasar gambar artistik yang paling awal dan paling estetis secara historis.
Dalam musikologi modern, baik tema musik (dengan analogi dengan penokohan pertama pahlawan dalam sebuah drama) maupun tema, beserta itu semua metamorfosisnya (dengan analogi dengan seluruh nasib pahlawan dalam sebuah drama) dan kesatuan dari beberapa tema - karya secara keseluruhan, dianggap sebagai sebuah gambar. Jika kita berangkat dari pemahaman epistemologis tentang gambar, maka jelaslah bahwa baik keseluruhan karya maupun bagian penting darinya, berapa pun ukurannya, dapat disebut gambar musik. Gambar adalah tempat di mana terdapat konten. Batasan suatu citra musik hanya dapat ditetapkan jika yang dimaksud bukanlah cerminan realitas secara umum, melainkan fenomena tertentu, baik itu benda, orang, situasi, atau keadaan mental tertentu. Kemudian, sebagai gambaran independen, kita akan melihat “struktur” musik, disatukan oleh suatu suasana hati, satu karakter. Dimana tidak ada konten, tidak ada gambar, tidak ada seni.
Dalam pedagogi musik, masalah interpretasi gambar artistik sangat relevan. Sejumlah tugas muncul untuk memecahkan masalah ini. Ini adalah mengasuh anak kreativitas, pengembangan kecerdasan dan wawasan siswa. Tujuan guru dalam arah ini adalah untuk menumbuhkan kemampuan mempersepsikan gambaran musik dalam perwujudan bunyinya yang spesifik, menelusuri perkembangannya, dan mendengarkan perubahan yang sesuai dalam sarana ekspresi. Ada cara untuk meningkatkan persepsi musik.
1. Metode mendengarkan. Metode ini mendasari seluruh budaya musik dan pendengaran dan merupakan prasyarat untuk pengembangan keterampilan pendengaran sederhana, persepsi gambar musik dan pembentukan telinga musik. Anak-anak secara bertahap menguasai perhatian pendengaran sukarela, secara selektif mengarahkannya ke fenomena musik tertentu sehubungan dengan situasi dan tugas baru.
2. Suatu metode untuk membedakan fenomena musik dengan membandingkan hubungan-hubungannya yang spesifik dan serupa. Dasar musik sebagai seni sementara adalah prinsip kontras dan identitas. Anak-anak mampu membandingkan sifat-sifat suara individu yang paling sederhana (lebih keras - lebih pelan, lebih tinggi - lebih rendah, dll.), gambar musik yang kontras, dan berbagai struktur musik.
3. Metode orientasi musik sebagai fenomena ideologis dan emosional.
Musik harus selalu menggairahkan, menyenangkan anak, membangkitkan pengalaman timbal balik, dan membangkitkan pemikiran. Lambat laun, perbandingan karya musik muncul, yang paling favorit muncul, sikap selektif tercipta, evaluasi pertama muncul - manifestasi pertama selera musik muncul. Hal ini memperkaya kepribadian anak dan berfungsi sebagai sarana perkembangannya secara menyeluruh.
4. Cara-cara sikap kreatif terhadap fenomena musik.
Berkat penguasaan metode-metode ini, anak-anak mengembangkan imajinasi kreatif dalam proses mempersepsikan gambar-gambar musik, dan dasar-dasar bentuk kreativitas musik yang paling sederhana muncul.
Perkembangan persepsi estetika musik memerlukan sistem dan konsistensi tertentu. Sehubungan dengan anak kecil usia sekolah Dimungkinkan untuk membangkitkan emosi yang berbeda pada anak-anak dengan memilih karya. Selain itu, mereka ditanamkan keterampilan yang menjadi landasan pertama budaya mendengarkan: kemampuan mendengarkan akhir suatu karya, memantau lokasinya, mengingat dan mengenalinya, membedakan gagasan pokok dan karakternya, sarana musik yang paling mencolok. ekspresi. Penting juga bagi musisi muda untuk menerima kesan artistik yang jelas sebanyak mungkin. Anda perlu mendengarkan karya bagus dalam performa terbaik.
Pengetahuan tentang gaya sangat penting untuk memahami gambar artistik suatu karya oleh siswa. Istilah “gaya musik” mendefinisikan suatu sistem sarana ekspresi musik, yang berfungsi untuk mewujudkan konten ideologis dan figuratif tertentu. Kesamaan ciri-ciri stilistika dalam karya musik didasarkan pada kondisi sosio-historis dari pandangan dunia dan perasaan para komposer, metode kreatif mereka, dan pada hukum-hukum umum dari proses musik-historis.
Yang sangat penting adalah seberapa emosional gambar artistik itu dirasakan dan disampaikan. Mempersiapkan “peralatan mental” untuk melakukan kreativitas pada akhirnya berarti menumbuhkan kemampuan untuk “menyalakan”, “ingin”, “terbawa suasana hati”, dan “keinginan”, dengan kata lain, respons emosional terhadap seni dan kebutuhan yang menggebu-gebu untuk menggairahkan dan menyampaikan gagasan pertunjukan kepada orang lain. Kemampuan untuk "terbawa suasana - ingin" dididik. Jika nyala api tanggap terhadap musik membara dalam jiwa siswa, nyala api ini dapat dikobarkan. Pengaruh pedagogis dapat meningkat respons emosional terhadap musik, memperkaya palet perasaannya, meningkatkan suhu “pemanasan kreatif” -nya. Kompleks emosional ini dapat “dipancing keluar” dengan mengembangkan dan memupuk sejumlah kemampuan. Pertama-tama, ini termasuk imajinasi kreatif. Penting untuk dipahami bahwa seorang anak yang memiliki kemampuan berfantasi dan berpikir out of the box akan jauh lebih menarik bagi pendengarnya dan akan menyampaikan musik dengan cara yang lebih bervariasi. Imajinasi diaktifkan tepatnya pada usia prasekolah dan sekolah dasar. Masa ini sensitif untuk pembentukan fantasi. Anak akan berkreasi dengan semangat jika guru senantiasa memperhatikan perkembangan fungsi imajinasi siswa, karena dasar psikologis aktivitas kreatif justru imajinasi. Perkembangan imajinasi berlangsung seiring dengan semakin besarnya korelasi antara gambar-gambar yang diciptakan dengan latihan. Pada masa remaja, imajinasi kreatif sering kali muncul dalam bentuk inspirasi orang dewasa. Remaja senang menjadi kreatif. Pada usia ini, imajinasi bergantung pada pengetahuan khusus dan penguasaan teknik tindakan dalam bidang aktivitas kreatif tertentu. Perubahan terkait usia perlu diperhitungkan saat menyelenggarakan kegiatan pendidikan bagi musisi muda.
Semua pekerjaan dengan siswa didasarkan pada aktivitasnya di kelas dan di rumah. Seringkali seorang siswa tidak tahu cara belajar mandiri di rumah, atau sebaliknya, tidak bisa berkonsentrasi pada pelajaran.
Sejak pembelajaran pertama, guru harus menciptakan suasana pembelajaran yang menyenangkan agar siswa merasa bebas dan percaya sepenuhnya kepada guru. Membangkitkan minat pada musik, pada instrumen, di kelas adalah tujuan utama setiap guru. Ceritakan secara rinci bagaimana cara mengajar, teknik apa yang harus digunakan untuk menghafal gerakan, teks, frasa, mengerjakan segala sesuatu di kelas bersama siswa - ini adalah tugas utama dan sepenuhnya layak bagi guru.
Kelas satu.
Perkembangan persepsi musik dan pendengaran. Perkembangan awal pemikiran musikal-imajinatif.
Mempelajari nama-nama bagian biola dan busur. Dasar-dasar posisi tubuh dan lengan. Notasi garis, dinamis, dan penjarian paling sederhana. Kualitas suara, intonasi, ritme. Pembiasaan dengan penyeteman biola. Mempelajari posisi pertama, seminada di antara semua jari (kecuali seminada di mur). Jenis pukulan detashe yang paling sederhana dengan seluruh busur dan bagian-bagiannya, legato hingga 4 nada per busur. Sambungan senar dan gerakan busur (berubah). Tangga nada dan triad dengan tombol ringan. Menampilkan lagu sederhana, sebaiknya lagu dengan lirik.
Sepanjang tahun, siswa perlu mempelajari 2-3 tangga nada dan arpeggio dalam satu oktaf dan 1 tangga nada dalam dua oktaf, 8-10 etudes, 8-10 buah.
Lagu-lagu dengan string terbuka (koleksi oleh V. Yakubovskaya)
Lagu daerah:
Seekor kelinci berjalan di taman
Seperti di bawah bukit
Di padang rumput hijau
Bagaimana kabar pacar kita?
Studi terpilih Bagian 1 - No.1,2,8,10,11,16,17,19
Dimainkan:
V. Gerchik "Burung Pipit"
N.Metlov. Nyanyian pengantar tidur
D.Kabalevsky. "Seperti Bulan Maret", Polka Kecil
A.Komarovsky. Waltz Kecil, Cuckoo
V.Kalinnikov. Bayangan-bayangan, Zhuravel
M.Krasev. Angsa yang ceria
N. Lysenko.Lisichka
M.Magidenko. Ayam bujang
A.Filippenko. anak ayam
A. Potolovsky. Pemburu
N.Baklanova. bulan Maret bulan Oktober
I.Dunaevsky. Nyanyian pengantar tidur
I. Kachurbina. Boneka beruang dengan boneka
L.Beethoven. Marmut
J.Haidn. Lagu
W.Mozart. Allegretto, Lagu Mei
I.Starokadomsky. Lagu udara
R.Schumann. Berbaris
E.Robinson. Lagu tentang Joe Hill
Yanka. Lagu rakyat Ceko
Kelas dua.
Pekerjaan lebih lanjut pada pementasan, intonasi, produksi suara, ritme. Mempelajari detashe, pukulan legato (hingga 8 nada per busur) dan pergantiannya. Mulai bekerja di Martele. Dinamika suara. Mengemudi busur sepanjang dua senar. Harmonisa paling sederhana.
Mulailah mempelajari 3 posisi. Pengantar penyetelan biola. Tangga nada mayor dan minor serta triad dua oktaf. Pengembangan keterampilan awal membaca catatan dari lembaran (di hadapan guru).
Sepanjang tahun, Anda harus menyelesaikan 2-3 tangga nada dan arpeggio, 6-8 etudes, 6-7 buah, 1 karya bentuk besar.
Studi terpilih Bagian 1 - No. 19,20, 25, 47, 40, 48, 27
Bagian 2 - No. 1-4, 9, 10, 12, 14
Format besar berfungsi:
G.Handel. Sonatina, Variasi A mayor
O.Membaca. Konserto di B minor gerakan pertama, gerakan ke-3, Konserto di G mayor
A.Kravchuk. Konser
Dimainkan:
“Ada pohon birch di ladang”
“Seperti es tipis”
“Ada jalan setapak di hutan lembab”
N.Baklanova. Mazurka, Tarian bundar, Romantis
L Beckman. tulang ikan haring
Dan Goedicke. Kelinci, lagu pengantar tidur
B.Dvarionas. Pendahuluan
D. Kabalevsky. Tanah kami, Tarian bundar, Lagu
S.Komitas. Anak sungai
D.Shostakovich. Pawai kecil, organ
I.Bach. Gavotte
J.Haydn. Andante
H.Gluck. Selamat menari
K.Weber. Paduan Suara Pemburu
A. Hasse. Minuet dan Bourret
G.Handel. Pendahuluan
F Schubert. Ecosaise
R.Schumann. Petani yang ceria
D.Martini. Andante, Gavotte
W.Mozart. Minuet, Lagu Gembala, Lagu Pengantar Tidur
G. Purcell. Aria
J. Rameau. Rigodon
Niyazi. Nyanyian pengantar tidur
“Tidur, sayangku” - bahasa Slovakia. Lagu
V.Kalinnikov. Cat
L.Alexandrova. Lagu
P.Tchaikovsky. Penggiling organ bernyanyi
Kelas tiga.
Bekerja lebih lanjut pada pengembangan pemikiran musikal-imajinatif. Kerjakan intonasi, ritme, produksi suara. Kajian tentang guratan: detashe, legato, martele, dan pergantiannya. Menguasai posisi (I II III) dan mengubahnya. Nada ganda dan akord sederhana di posisi pertama. Skala dan triad di posisi individu dan menggunakan transisi. Urutan berwarna. Latihan persiapan untuk melakukan keterampilan getaran. Keterampilan menganalisis secara mandiri karya sederhana dan membaca catatan dari selembar kertas.
Selama tahun ajaran, bekerjalah dengan siswa: 4-5 tangga nada mayor dan minor serta arpeggio (dengan inversi) di tiga posisi pertama dan dengan transisi, 6-8 etudes untuk berbagai jenis teknik, 5-6 buah berbagai sifat, 1-2 bentuk karya besar.
Studi terpilih Bagian 1 No. 48, 61, 62, 63-70
Bagian 2 - No.15 – 48
Format besar berfungsi:
N.Baklanova. Sonatina, Konsertino
O.Membaca. Konserto di B minor,
A.Yanshinov. Konsertina
F.Seitz. Konser No.1
A.Komarovsky. Variasi “Mesin pemotong rumput keluar ke lapangan”
Dimainkan:
N.Bogoslovsky. Cerita sedih, Lullaby
A.Ayvazyan. Lagu dalam D mayor
N.gunn. Meditasi
M.Glinka. Menari dari opera "Ivan Susanin"
D.Kabalevsky. Seperti waltz, melompat-lompat
R.Ilyina. Di ayunan
P.Tchaikovsky. Antik lagu Perancis, Penggiling organ bernyanyi, lagu Neapolitan
A.Khachaturyan. Andantino
A.Komarovsky. Burung puyuh
A.Goedicke. Veselchak
G.goreng. Waltz yang menyedihkan
D.Shostakovich. Organ organ, Lagu sedih
L.Beethoven. Tarian pedesaan
L.Marchand. menit
I.Bach. Maret, Musim Semi
M.Glinka. Polka
Vistula. Lagu nar Polandia
S.Retribusi. Tarantella
Kelas empat.
Bekerja pada intonasi, dinamika suara, ritme. Mempelajari guratan detashe, legato, martele, dan pergantiannya. Memperkenalkan pukulan staccato. Kajian lima posisi pertama, berbagai jenis perubahannya. Latihan sederhana di posisi yang lebih tinggi. Latihan dan belajar dalam nada ganda di posisi pertama. Akord. Studi lebih lanjut tentang tangga nada dua oktaf dan triad. Pembiasaan dengan skala tiga oktaf dan triad. Keterampilan getaran. Membaca musik dari selembar kertas.
Selama setahun, bekerjalah dengan siswa dalam 4 skala dan 6-8 etudes, 6 karya dengan karakter berbeda, 1-2 karya bentuk besar.
Studi terpilih Bagian 2 - No.33 – 58
Karya format besar:
N.Baklanova. Sonatina
L.Beethoven. Sonatina
F.Seitz. Konser No. 1 2-3 bagian
N.Baklanova. Variasi
Dimainkan:
I.Bach. Gavotte
A.Ayvazyan. Lagu dalam G mayor
N.Baklanova. Allegro, Etude-staccato
F.Amirov. Scherzo
I. Brahms. Nyanyian pengantar tidur
G.Marie. Aria dalam gaya lama
M.Glinka. bersenang-senang
O.Jenkinson. Menari
K.Karaev. Lamunan, Waltz Kecil
J.Luli. Gavotte
N.Myaskovsky. Mazurka
S.Retribusi. Tarantella
K.Stoyanov. Nyanyian pengantar tidur
E. Poplavsky. Polonaise
D.Martini. Sarabande
W.Mozart. Barang sepele
V. Bononcini.Rondo
Yu.Sulimov. Berbaris
G.goreng. Zainka
P.Tchaikovsky. Waltz, Lagu sedih, Lagu pengantar tidur dalam badai, Lagu Neapolitan
A. Pergolesi. Sisilia
J. Rameau. Rebana
Kelas lima.
Pengembangan pemikiran musikal-imajinatif. Mengerjakan pukulan detashe, legato martele, staccato, sotie. Berbagai pergantian mereka. Asimilasi posisi yang lebih tinggi. Catatan ganda di tiga posisi pertama. Berusahalah untuk menghubungkan posisi saat melakukan dua suara. Studi tangga nada tiga oktaf, berbagai jenis arpeggio (inversi). Pembiasaan dengan tangga nada kromatik dilakukan dengan dua jenis penjarian - jari geser dan jari bergantian. Pengantar harmonik liter. Sepanjang tahun, perlu menyelesaikan 5-6 tangga nada mayor dan minor serta arpeggio, 7-8 etudes, 5-6 buah, 2 karya bentuk besar.
Sketsa yang dipilih. bagian 2
J.Mazas. Buku catatan etudes 1
Karya format besar:
A.Vivaldi. Konserto dalam gerakan A minor 1
A.Vivaldi. Konserto di G mayor
G.Basevich. Konsertina
S. Danklya. Variasi Tema oleh Weigl, Variasi Tema oleh Pacini
N Baklanova. Variasi
Dimainkan:
N.Rubinstein. roda berputar
Dan Matteson. roda berputar
M.Mussorgsky. Merobek
W.Mozart. Barang sepele
L.Ober. Presto
D.Pergolesi. Aria
J. Rameau. Gavotte
V.Rebikov. Ciri khas tarian
R.Schumann. lagu Mei
P.Tchaikovsky. Mimpi Manis, Mazurka, Lagu Sedih
Yu.Sulimov. Rondo
A. Pembelanjaan. Nyanyian pengantar tidur
Kelas enam.
Bekerja lebih lanjut pada pengembangan keterampilan pertunjukan musik. Studi tentang pukulan detashe, legato, martele, staccato, sotie. Perkembangan teknik tangan kiri: kelancaran, getar, berbagai jenis sambungan posisi, nada ganda. Akord. Flajolet.
Tangga nada tiga oktaf, arpeggio - triad dengan inversi, akord keenam, akord seperempat jenis kelamin, akord ketujuh. Tangga nada dalam nada ganda (sepertiga, keenam, oktaf). Tangga nada kromatik, dilakukan dengan dua jenis penjarian - jari geser dan jari bergantian.
Sepanjang tahun, perlu menyelesaikan 4-5 tangga nada mayor dan minor serta arpeggio, 2 tangga nada dalam nada ganda, 6-7 etudes, 6-8 buah, 2 karya bentuk besar.
J.Mazas. Sketsa 1-2 buku catatan
Format besar berfungsi:
J..Accolai. Konser
Sh.Berio. Variasi dalam D minor
A.Vivaldi. Konserto di A minor
S. Danklya. Variasi
A.Corelli. Sonata
G.Handel. Sonata di E mayor
D.Viotti. Konser No.22
Dimainkan:
A.Alexandrov. Aria
A.Arensky. Fugue dengan tema "Bangau"
I.Bach. Sisilia, Aria, Giga
L.Beethoven. Tarian pedesaan
A.Borodin. “Apa yang kamu lakukan, fajar kecil”
G.Handel. Minuet, Pendahuluan
M.Glinka. Waltz, Nocturne, Kepolosan, Perasaan
R.Gliere. Waltz, Pendahuluan
M.Ippolitov-Ivanov. Melodi
N.Korchmarev. tarian Spanyol
K. Mostras. Tarian Timur
Ts.Cui. Gerakan terus menerus
W.Mozart. Rondo
V.Rebikov. Lagu tanpa kata-kata
N.Rimsky-Korsakov. Lagu Tamu India
A.Yanshinov. roda berputar
A.Rubinstein. Melodi
Kelas tujuh.
Akuisisi lebih lanjut dan pengembangan keterampilan pertunjukan musik.
Kerjakan tangga nada tiga oktaf dengan tempo bergerak: tangga nada hingga 12 legato, arpeggio hingga 9 legato. Skala berwarna. Skala dalam berbagai opsi garis. Tangga nada dalam nada ganda. Bekerja pada pukulannya.
Sepanjang tahun, perlu menyelesaikan 4 tangga nada tiga oktaf dan arpeggio, 2-3 tangga nada dalam nada ganda, 2 tangga nada kromatik, 6-8 etudes, 5-6 buah, 2 karya bentuk besar.
F.Kreutzer. Sketsa №5, 9, 12
F.Mazas. Sketsa 2 buku catatan
F.Fiorillo. 36 studi
Karya format besar:
Sh.Berio. Konsert No. 9, Variasi
A.Vivaldi. Konserto di G mayor, Konserto di A mayor
D.Viotti. Konser No.23. 28
G.Handel. Sonata dalam G minor
P.Gutin. Konser
D.Kabalevsky. Konser bagian 1
A.Corelli. Sonata dalam G minor
P.Rode. Konser No.7
Dimainkan:
A.Arensky. Jangan lupakan aku
N.Benda. Caprice, Kuburan
A.Daken. Gila
B.Dvarionas. Elegi
D.Deplan. Intrada
I.Bach. Aria, Sisilia
K.Korchmarev. tarian Spanyol
F.Kreisler. Rondino, Minuet dengan gaya Porpora
A.Lyadov. Pendahuluan, Waltz Kecil
K.Mostras.Tarian bulat
S.Prokofiev. Gavotte dari "Simfoni Klasik"
A.Rubinstein. Melodi
K.Sen – Sans. Angsa
P.Tchaikovsky. Lagu tanpa kata, Lagu musim gugur, Waltz sentimental
D. Shostakovich
F.Schubert. Lebah
B.Britten. Lagu pengantar tidur dan Pantomim
kelas delapan.
Peningkatan dan pengembangan semua jenis teknik biola yang dipelajari sebelumnya.
Tangga nada dan arpeggio legato dengan 2 busur, tangga nada dengan nada ganda hingga 4 legato, tangga nada kromatik legato dengan 2 busur.
Selama setahun, perlu menyelesaikan 6 studi tentang berbagai jenis teknik (kefasihan, legato, detashe, staccato, sotie, akord), 4 tangga nada mayor dan minor, 4-5 buah, 2 bentuk mayor.
Siapkan program untuk ujian akhir: tangga nada tiga oktaf dan arpeggio, tangga nada dalam nada ganda, 2 etudes untuk berbagai jenis teknik, 2 karya berbeda, konser - 1 bagian atau 2 dan 3 bagian.
R.Kreutzer. 42 studi
Karya format besar:
Sh.Berio. Konser No.9, 7
G.Handel. Sonata No.3,6
D.Kabalevsky. Konser
R.Kreutzer. Konser No.13
L. Memacu. Konser No.2
T.Vitali. Chaconne
A.Alyabyev. A.Vietan. Bulbul
P.Gutin. Konser
Dimainkan:
A.Daken. Gila
F.Schubert. Lebah
Ts.Cui. Gerakan terus menerus
D.Shostakovich. Elegi, Pendahuluan No.24
Bab. Cerminan
A.Alexandrov. Aria
P.Tchaikovsky. Lagu tanpa kata-kata, Waltz sentimental
D.Dvarionas. Elegi
M. Balakirev. Mendadak
I.Bach. Aria
D.Kabalevsky. Improvisasi
R.Gliere. Roman
A. Khachaturian. malam hari
A.Dvorak. lucu
kelas sembilan.
Tahun studi tambahan. Tugas guru dan siswa adalah mempersiapkan program penerimaan ke lembaga pendidikan menengah kejuruan.
R.Kreutzer. Sketsa
F.Fiorillo. 36 Etude dan Caprices
B.Sibor. Teknik nada ganda biola
S.Korguev. Latihan dalam nada ganda
Karya format besar:
I.Bach. Konsert di G mayor, E mayor, A minor
Sh.Berio. Konser No. 7, adegan balet
D.Viotti. Konser No.22
A.Corelli. dedaunan
A.Vietan. Balada dan Polonaise
G.Handel. Sonata No.1-6
R.Kreutzer. Konser No.13, 19
W.Mozart. Konser "Adelaide"
D.Tartini. Sonata No.5, G minor (“Dido Ditinggalkan”)
L. Memacu. Konser No.2, 9, 11
Dimainkan:
M.Balakire. Mendadak
R.Gliere. Roman
D.Grazioli. Adagio
A.Daken. Gila
D.Kabalevsky. Improvisasi
F.Kreisler. Sisilia dan Rigodon
Pendahuluan dan Allegro dalam gaya Pugnani
F.Kuperin. Anak-anak kecil kincir angin
A. Khachaturian. malam hari
P.Tchaikovsky. Lagu tanpa kata, Romantis, Melodi, Humoresque
E.Elgar. Salam cinta
G.Venyavsky. Legenda
A.Gambar. Gerakan terus menerus
A.Dvorak. lucu
12. Literatur metodologis
1. Auer L. “Sekolah bermain biola saya”
2. Berlyanchik M. “Dasar-dasar mendidik pemain biola pemula. Pemikiran. Teknologi. Penciptaan"
3. Ginzburg L. “Sedang mengerjakan sebuah karya musik”
4. Gotsdiener A. “Metode pengajaran auditori dan mengerjakan getaran di kelas biola”
5. Grigoriev V. “Metode pengajaran biola”
6. Gurevich L. “Pendidikan pemikiran pemain biola”
7. Liberman M., Berlyanchik M. “Budaya suara pemain biola”
8. Markov A. Sistem permainan biola"
9. Mostras K. “Sistem latihan di rumah”, “Intonasi pada biola”
10. Kumpulan artikel tahun 1960 “Esai tentang metode pengajaran biola. Soal teknik tangan kiri pemain biola"
11. Stepanov B. “Prinsip dasar aplikasi praktis pukulan"
12. Flash K. “Seni Bermain Biola”
13. Shirinsky A. “Teknik garis pemain biola”
14. Yankelevich Yu. “Warisan pedagogis”
15. Shulpyakov O. “Perkembangan teknis seorang musisi pertunjukan.”
16. Belenky B., Elboym E. “Prinsip pedagogi L.M. Tseytlina"
17. Masalah pedagogi musik
18. Grigoriev V. “Beberapa fitur sistem pedagogis D.F. Oistrakh"
Materi instruksional
1. Kreisler F. – Drama yang dipilih untuk biola 1930
2. Buku ABC Biola Zakharyina T. Biola
3. “Repertoar pedagogis untuk biola” ed. Ke Mostras
4. Konser amatir – kompilasi. A.Yampolskaya
5. M. Glinka – Karya biola, aransemen oleh A. Yampolsky
6. Mozart V.A. Dimainkan tahun 1988
7. Garlitsky M. Langkah demi langkah
8. Pemain biola muda Edisi 1, diedit oleh K. Fortunatov
9. Pemain biola muda Edisi 2
10. Pemain biola muda Vol. 3
11. Shradik G. Latihan
12. Wohlfarth F. 60 etudes untuk biola Op.45
13. Kaiser G. Etudes op. 20
14. Sketsa terpilih Edisi 1M....1988
15. Sketsa terpilih Vol. 2 M….1988
16. Sketsa terpilih Vol.3 M...1988
17. MazasF Etudes M...1971
18. Fiorillo F.36 etudes dan caprices, M...1961
19. Kreutzer R. Etudes, penyunting. Yampolsky A.M...1954
20. Korguev S. Latihan dalam nada ganda M...., 1949
21. Yakubovskaya V. Menaiki tangga L...., 1986
22. Tchaikovsky P. Aransemen “Album Anak-anak”.
23. Shalman S. “Saya akan menjadi pemain biola” bagian 1,2 L....1986.
24. Pembaca kelas 1-2 Sekolah Musik Anak 1985
25. Pembaca kelas 2-3 Sekolah Musik Anak 1986
26. Pembaca kelas 3-4 Sekolah Musik Anak 1986
27. Pembaca kelas 4-5 Sekolah Musik Anak 1984
28. Pembaca untuk kelas 5-6 Sekolah Musik Anak 1988
29. Konser Pembaca. Sekolah Musik Anak Kelas Menengah dan Atas edisi 1.21988
30. Tchaikovsky P. Potongan untuk aransemen biola 1974
31. Musik klasik edisi 1, 1987
32. Beethoven L. – Potongan. Kelas senior 1986
33. Glier R. – 8 buah mudah M-L, 1987
34. Kabalevsky D. – Memainkan M..1984
Kesimpulan
Musik - proses kreatif. Siswa harus diberi kebebasan memilih secara kreatif. Secara mandiri, siswa dapat menyarankan perubahan jari, beberapa nuansa atau guratan. Yang penting adalah membuktikan bahwa Anda benar, dan agar guru dapat mendengarkan siswanya dan tidak menekannya dengan pendapatnya yang berwibawa.
Dari uraian di atas, kita dapat menarik beberapa kesimpulan: masalah posisi tangan adalah yang paling penting dan menentukan nasib seorang pemain biola pemula, baik secara profesional maupun kesehatannya. Kita juga dapat mengatakan bahwa gerakan terkecil dan paling tidak terlihat pun dapat menyebabkan masalah pada teknik kedua tangan. Pekerjaan rumah yang tepat dan kemampuan untuk membuat pilihan mandiri akan memberikan tiket bagi pemain biola pemula ke dunia musik dan kreativitas.
Karena kita tidak berhak menentukan masa depan musik seorang anak, pertama-tama kita harus memimpin semua orang dengan cara yang sama: mengajar mendengarkan dan mempersepsikan musik baik dari luar maupun dalam penampilan kita sendiri (mendengarkan diri sendiri), mengembangkan estetika. rasa, tanamkan hubungan cinta dengan suara biola, kontrol dasar suara dan ritme; dan, akhirnya, sebagai hasil dari semua hal di atas, untuk mencapai penampilan permainan anak-anak yang ekspresif dan imajinatif. Dengan pendekatan pembelajaran ini, musik tidak hanya menghadirkan kegembiraan bagi anak-anak, tetapi juga menyatu dengan pengalaman mereka dan membangkitkan imajinasi mereka. Oleh karena itu semangat dalam beraktivitas, dan semangat, seperti yang kita ketahui, adalah kunci sukses dalam bisnis apa pun.
Saya mencoba mempertimbangkan semua aspek proses pendidikan, cara-cara untuk mengembangkan keterampilan pertunjukan seorang pemain biola diidentifikasi.
Referensi
1. Darvish, O.B. Psikologi perkembangan: buku teks untuk mahasiswa perguruan tinggi / O. B. Darvish; diedit oleh V.E.Klochko. – M.: Vlados-Press, 2003. – 264 hal.
2. Kodzhaspirova, G.M. Kamus pedagogis: Untuk siswa lebih tinggi dan rata-rata ped. buku pelajaran institusi / G.M. Kodzhaspirova, A. Yu. – M.: Pusat Penerbitan “Akademi”, 2000. – 176 hal.
3. Yampolsky, I. Seni biola Rusia1 vol. Komp. S.Sapozhnikov. –Musik – Moskow, 1968. – 356 hal.
4. Lesman, I. Esai tentang metode pengajaran biola. – Moskow - MuzGIZ, 1964, 272 hal.
5. Berjuang, BA Paths pengembangan awal pemain biola dan cello muda. Sebuah studi dari bidang pedagogi musik. – Moskow - MuzGIZ, 1952, 228 hal.
6. Blok M., Mostras K. dkk. Esai tentang metode pengajaran biola. – Moskow - MuzGIZ, 1960, 203 hal.
7. Raaben, L. Kehidupan pemain biola yang luar biasa. Moskow – MuzGiz, 1969, 385 hal.
8. L. Auer “Sekolahku bermain biola” Interpretasi karya biola klasik / Terjemahan. dari bahasa Inggris, total. ed., pengantar. Seni. dan komentar oleh I.M. Yampolsky. - Moskow - Musik, 1965 - 206 hal.
9. Veremyev, A. Pendidikan estetika dan seni: esensi dan hubungan / A.Veremyev // Seni dan pendidikan. - 2002.-No.3.-P.4-1
10. Flerina, E. Prinsip dasar pendidikan seni anak / E. Flerina // Pendidikan prasekolah. - M., 2009. - No. 7. - Hal. 8-13.
11. Vitachek E. Esai tentang sejarah pembuatan alat musik busur. Edisi kedua. Ed. B.V. Dobrokhotova. M., 1964
12. Ginzburg M. Sejarah seni biola. Jil. 1.M., 1990
13. Grigoriev V. (kompiler) Leonid Kogan. Memori. Surat. Artikel. Wawancara. MGK saya. Tchaikovsky. M., 1987
15. Poniatovsky S. (kompiler) Masalah pedagogi musik. Edisi 8 M., 1987
16. Raaben L. Biola. M., 1963
17. Konser instrumental Raaben L. Soviet. M., 1967
18. Raaben L. Biola dan kreativitas cello Tchaikovsky. M., 1958
19. Rabei V. Sonatas dan partitas untuk biola solo oleh J. S. Bach
20. Szigeti J. Memoar dan catatan seorang pemain biola. Edisi umum, artikel pengantar dan komentar oleh L. Ginzburg. M.. 1969
21. Stoklitskaya E. Borisovsky – guru. M., 1984
22. Struve B. Proses terbentuknya biola dan biola. M.. 1959
23. Flash K. Seni bermain biola. Artikel pengantar, penyuntingan terjemahan, komentar dan penambahan oleh K. Fortunatov. M.. 1964
24. Yuzefovich Yu. Percakapan dengan Igor Oistrakh. M., 1985
25. Yampolsky I. David Oistrakh. M., 1964
26. Konser Yampolsky I. Mozart untuk biola dan orkestra. M., 1962
27. Yampolsky I. Niccolo Paganini. M., 1968
28. Yampolsky I. Seni biola Rusia. M.-L., 1961
29. Yankelevich Yu.Warisan pedagogis.
30. Pembentukan teknologi seni garis secara sistematis. Prosiding GMPI km.GnssinyH. Edisi 115, 1990.
31. 2. Posobpe: “Aku akan jadi mengi.” (Bagian I - L., komposer Soviet, 1984,1937; bagian II - diterima untuk diterbitkan pada tahun 1992)
32. M. Lieberman, M. Berlyanchik “Budaya suara pemain biola.”
33. A. Yanshinov “Teknik busur.”
34. O. Shulpyakov “Perkembangan teknis seorang musisi-pemain”
35. Liberman M., Berlyanchik M. Budaya suara pemain biola. M.: “Musik”, 1985
36. Teknik garis Shirinsky A. Pemain biola. M.: “Musik”, 1983
37. Gurevich L. Pukulan dan penjarian biola sebagai sarana interpretasi. L., “Musik”, 1988.
38. Mishchenko G. Metode pengajaran biola. Sankt Peterburg, 2009.
39. Stepanov B. Prinsip dasar penerapan praktis pukulan busur. M., “Musik”, 1984.
40. Turchaninova G.O. Tentang tahap awal pengembangan teknik virtuoso pemain biola muda // Masalah pedagogi musik. Edisi 2. M., 1980.
41. K. Mostras. “Sistem latihan di rumah pemain biola.” M.1956
42. Yampolsky A.I. Tentang masalah pengembangan budaya suara di kalangan pemain biola. - M., 1968.
43. Yankelevich Yu.I. Warisan pedagogis. - M.: Catatan tambahan, 1993.
44. Yakubovskaya V. Masalah seni busur. Koleksi karya. Jil. 49. - M. : GMPI im. Gnessin, 1980
45. Abramova G.S. Psikologi perkembangan: Buku teks untuk universitas - M.: Proyek akademik, 2000.
46. Butterworth J. Prinsip perkembangan psikologis / Terjemahan. dari bahasa Inggris – M.: Koshto-Center, 2000.
47. Bezrukikh M.S. Landasan psikofisiologis dari organisasi yang efektif dari proses pendidikan // Kesehatan Anak (lampiran 1 September). – 2005, No.19.
48.Vygotsky L.S. Koleksi karya: Dalam 6 volume. Warisan Ilmiah/Ed. M.G.Yaroshevsky. – M.: Pedagogi, 1984.
49. Golovin S. Yu. Kamus psikolog praktis [Sumber daya elektronik] – mode akses www.koob
50. Klimov E.A. Dasar-dasar Psikologi: Buku Teks untuk Universitas. – M.: Kebudayaan dan Olahraga, UNITY, 2000.
51. Kovalev N.E., Matyukhina M.V., Patrina K.T. – M.: Pendidikan, 1975.
52. Koryagina O.P. Masalah remaja // Guru kelas. – 2003, No.1.
53. Obukhova L.F. Psikologi anak: teori, fakta, masalah. – M., Trivola, 1995.
54. Tsukerman G. Peralihan dari sekolah dasar ke sekolah menengah, bagaimana masalah psikologis: Usia dan psikologi pendidikan // Pertanyaan psikologi. – 2002, No.5.
55. Stolyarenko L.D. Dasar-dasar psikologi. Edisi ketiga, direvisi dan diperluas. –Rostov-on-Don: “Phoenix”, 1999.
Laporan metodologis.
Topik: “Penciptaan dan pengembangan citra seni dalam proses penggarapan suatu karya musik.”
Disiapkan oleh: Guru cerita rakyat
kelas akordeon
Klochkova T.V.
“Penciptaan dan pengembangan citra artistik dalam proses penggarapan sebuah karya musik”
Saat ini pendidikan musik merupakan bagian integral dari pembentukan budaya spiritual seseorang berdasarkan pengembangan literasi musiknya dan kemampuan penguasaan nilai-nilai budaya universal. Tujuannya tepatnya pendidikan musik anak-anak sekolah masa kini - untuk memperkenalkan siswa pada dunia seni musik yang hebat, untuk mengajari mereka mencintai musik dengan segala kekayaan bentuk dan genrenya, dengan kata lain, untuk mendidik siswa dalam budaya musik sebagai bagian dari keseluruhan budaya spiritual mereka.
Dalam hal ini, mungkin pertanyaan paling penting yang muncul: apa yang kita, guru musik, ajarkan kepada siswa kita? Apa hasil yang diharapkan dari pendidikan anak di sekolah musik? Relevansi permasalahan ini, menurut kami, terletak pada kenyataan bahwa masalah pengembangan kemampuan intelektual anak secara menyeluruh akhir-akhir ini menjadi semakin penting di semua jenjang pendidikan. Pada saat yang sama, kita tidak boleh melupakan fakta bahwa tugas utama, menurut pendapat kami, seorang guru di sekolah musik anak-anak “biasa” adalah mendidik pendengar yang kompeten, penikmat musik pada khususnya dan seni pada umumnya. , orang yang berpendidikan kreatif dan berkembang secara intelektual. Tidak semua lulusan sekolah musik akan melanjutkan studi ke lembaga pendidikan musik menengah dan tinggi, memilih musik sebagai profesinya, atau menjadi pemain yang bagus. Pada saat yang sama, jika tidak ada pendengar yang berkembang secara musikal, mengapa kita membutuhkan musik? Bukankah ini berarti mempersiapkan pendengar yang berkompeten lebih penting daripada persiapan pemain? Selain itu, spesialis dengan pemikiran artistik dan kreatif yang berkembang saat ini sangat diminati baik di bidang budaya, pendidikan, dan bidang kehidupan lainnya. Tesis bahwa pendidikan umum bukanlah “studi tentang mata pelajaran” yang sudah dikenal luas dan tidak dapat diragukan, melainkan merupakan pengembangan kepribadian melalui mata pelajaran; orang, subjek, minatnya didahulukan, dan objek didahulukan. Objek hanyalah sarana, tujuannya adalah kepribadian, yaitu perkembangannya.
Jadi – apa yang harus diajarkan? Mari kita coba mencari jawaban atas pertanyaan yang diajukan dari sudut pandang seorang guru alat musik tiup.
Berdasarkan metodologi pengajaran saja, kita dapat mengatakan bahwa seorang guru di sekolah musik anak-anak dalam pelajaran khusus mengajar murid-muridnya terutama dua hal:
1. pembacaan teks musik secara cermat dan kompeten;
2. teknik, yaitu teknik dan sarana yang memungkinkan Anda mewujudkan pada instrumen, dalam bunyi tertentu, apa yang Anda “baca” dalam nada.
Teks dan teknik. Keduanya tidak dapat disangkal penting dan perlu dalam aktivitas kreatif pemain muda instrumen folk, namun kita tidak dapat membatasi diri pada hal ini. Berdasarkan teori intonasional B.V. Asafiev, kita dapat mengatakan bahwa komunikasi dengan seni pada umumnya dan musik pada khususnya adalah bentuk komunikasi manusiawi: seseorang adalah gambaran artistik. Gambaran musik dan seni seorang siswa adalah “fenomena” yang hidup, spiritual, berkembang secara aktif dan dinamis yang dengannya ia melakukan kontak non-verbal, mengalami perasaan kepuasan spiritual dalam proses komunikasi tersebut. Itu sebabnya momen yang paling penting pengembangan kemampuan kognitif dapat dianggap sebagai penanaman kemandirian eksekutif pada siswa – kemampuan untuk menafsirkan sebuah karya dengan cara Anda sendiri, membuat dan mengembangkan gambar musik dan artistik Anda sendiri, menemukan secara mandiri teknik untuk mewujudkan rencanamu.
Konsepnya tidak dapat dipungkiri bahwa musik adalah bahasa komunikasi yang khusus, bahasa musikal, seperti bahasa Jerman, Inggris, dan lain-lain. Bergairah dengan karyanya, seorang guru yang kompeten mencoba menyampaikan sudut pandang ini kepada murid-muridnya, untuk membentuk hubungan asosiatif antara karya musik dan seni, membandingkan lakon dengan puisi, dongeng, cerita dan cerita. Tentu saja, bahasa musik tidak boleh dipahami secara harfiah sebagai bahasa sastra. Sarana ekspresif dan gambaran dalam musik tidak sevisual dan konkrit seperti gambaran dalam sastra, teater, dan lukisan. Musik beroperasi melalui pengaruh emosional murni, terutama menarik perasaan dan suasana hati orang. “Jika segala sesuatu yang terjadi dalam jiwa seseorang dapat diungkapkan dengan kata-kata,” tulis A.N. Serov, “tidak akan ada musik di dunia.”
Bahasa musik tidak boleh disamakan dengan bahasa biasa bahasa sastra dan karena musisi pertunjukan yang berbeda mempersepsikan dan menampilkan teks musik yang sama dengan cara yang berbeda, memasukkan gambaran artistik, perasaan, dan pemikiran mereka ke dalam teks musik. Dan jika seorang musisi muda dapat membedakan “kata-kata” individu dalam musik, menyusunnya menjadi kalimat dan frasa, maka karya musik tersebut akan memperoleh suara tiga dimensi, penuh dengan makna dan pengalaman, dan bukan hanya “keras - senyap”, “lebih cepat - lebih lambat”.
Musik instrumental tidak mampu mengekspresikan konsep-konsep yang tepat secara konkrit seperti bahasa lisan, namun terkadang ia mencapai kekuatan emosional dan imajinatif yang menggairahkan yang sulit atau tidak mungkin dicapai dengan bantuan bahasa lisan. “Anda mengatakan bahwa kata-kata diperlukan di sini. Oh tidak! Di sini kata-kata tidak diperlukan, dan ketika kata-kata tidak berdaya, “bahasa musik” dipersenjatai sepenuhnya, kata P.I.
Bangkitkan imajinasi Anda, aktifkan imajinasi kreatif Anda dan jangan ragu untuk menyampaikan gambaran dan pengalaman yang Anda lahirkan kepada pendengar secara gamblang dan emosional - tugas yang sulit untuk pemain siswa pemula. Diketahui bahwa masa kanak-kanak dan remaja disertai dengan krisis psikologis. Selama periode-periode ini, anak-anak sangat rentan, sangat mengalami kemunduran sekecil apa pun dalam hidup, kemungkinan kesalahan, yang tanpanya pembentukan kepribadian sangat penting dan akumulasi pengalaman hidup tidak mungkin dilakukan. Dan di sini guru, sebagai kawan senior, baik hati dan bijaksana, harus membantu muridnya terjun ke dunia musik dongeng yang ajaib, dengan segala cara menunjukkan kepadanya bahwa di dunia ini kita setara dan dapat dengan bebas berkomunikasi dalam bahasa tersebut. suara. Saya yakin itu tergantung pada gurunya, pada tingkat pengetahuan, kompetensi, pengetahuan, kualitas moralnya - apakah mata pelajarannya menarik bagi anak, atau hanya ditoleransi. Sayangnya, kita sering mengamati situasi berikut: seorang anak datang ke kelas satu sekolah musik dengan rasa takut di jiwanya, kegembiraan di matanya, mengharapkan dongeng ketika berinteraksi dengan musik, dan setelah 2-3 tahun dia pergi ke “ musik dari bawah tongkat”, menyelesaikan studinya hanya karena dipaksa oleh orang tuanya.
Apa yang diperlukan agar pertunjukan musik seorang siswa menjadi hidup dan menarik, sehingga pemahaman sebuah karya musik memberinya kegembiraan berkreasi, kegembiraan mengungkap rahasia bunyi dan notasi musik? Apa yang ingin dimasukkan oleh komposer ke dalamnya, peristiwa, kesan apa yang berkontribusi pada penciptaan lakon ini atau itu? Dengan kata lain, bagaimana membangkitkan imajinasi siswa dan mengembangkan kemampuan menciptakan gambaran artistik suatu karya musik?
Perlu diperhatikan bahwa sebagian besar informasi tentang sebuah karya musik yang dikomunikasikan kepada anak sekolah oleh guru berbentuk deskripsi verbal, gambar, dan asosiasi tertentu. Atas dasar itu, siswa menciptakan sendiri gambaran bermakna dari komposisi musik yang dianalisis (penampilan pahlawan karya musik, peristiwa masa lalu, pemandangan yang belum pernah terjadi sebelumnya, lukisan yang luar biasa, alam, dll.). Dan di sini sangat penting apakah guru mampu membangkitkan dan mengembangkan minat terhadap musik dengan ceritanya yang ekspresif dan emosional. Pada tahap inilah jalur pengembangan lebih lanjut dari pemain pemula ditentukan: apakah dia akan mengikuti jalur tersebut berpikir kreatif atau eksekusi ketat dari teks musik. Dalam hal ini, Anda hanya perlu memperhatikan hal ini: seringkali, ingin menjelaskan kepada siswa makna musik semaksimal mungkin, bahkan guru musik berpengalaman pun mengikuti jalur spesifikasi gambar yang berlebihan, sengaja atau tidak sengaja mengganti musik. dengan cerita tentang hal itu. Dalam hal ini, yang dikedepankan bukanlah mood musiknya, bukan keadaan psikologis yang dikandungnya, melainkan segala macam detail, mungkin menarik, tetapi menjauhi musik tersebut.
Menciptakan imajinasi (reproduksi), “bertanggung jawab” atas penciptaan dan pengembangan gambar artistik, berkembang pada anak sekolah dalam proses belajar bermain. alat musik dengan mengembangkan kemampuan untuk mengidentifikasi dan menggambarkan keadaan tersirat dari gambar musik, kemampuan untuk memahami konvensi tertentu, terkadang meremehkan, kemampuan untuk membawa emosi seseorang ke dalam pengalaman yang diberikan kepada kita oleh komposer.
Berbicara tentang penciptaan citra artistik dari musik yang dibawakan, perlu dicatat bahwa pengerjaannya harus dimulai sedini mungkin. Misalnya: pemain tiup memiliki konsep seperti itu - "memainkan nada panjang", sambil mengontrol keadaan otot labial (embouchure), kerja diafragma, dll. Kegiatan tersebut tentunya diperlukan untuk memelihara dan mengembangkan keterampilan pertunjukan, namun cukup membosankan bagi seorang anak yang belum lama ini mendengarkan dongeng ibunya dan masih percaya pada Sinterklas. Pada tahap pembelajaran ini, kami menganggap akan berguna untuk memberikan tugas-tugas berikut kepada siswa: “hari ini suasana hatimu sedang baik dan kami memainkan nada-nada yang lucu dan ceria”, atau “hari ini kamu terlihat lelah, ayo mainkan suara-suara yang tenang, seperti lagu pengantar tidur untuk kucing kesayanganmu.” Anak-anak bertransformasi dengan cara yang menakjubkan, mengambil gambar yang diusulkan oleh guru, dan menawarkan gambar mereka sendiri: “kemarin kita pergi berkemah, saya akan memainkan catatan perkemahan untukmu.” Jadi, kinerjanya membosankan catatan panjang(nama “nada panjang” membuat anak sedih) berubah menjadi perjalanan yang mengasyikkan ke dunia gambar musik. Para lelaki mencoba mengisi setiap suara dengan semacam konten semantik, artistik, dan kiasan.
Karena kita berbicara tentang penciptaan dan pengembangan suatu citra seni, maka perlu dipahami apa yang dimaksud dengan konsep “isi suatu karya musik”. Konsep yang diterima secara umum adalah bahwa konten dalam musik adalah refleksi artistik sarana musik perasaan manusia, pengalaman, ide, hubungan seseorang dengan kenyataan di sekitarnya. Musik apa pun membangkitkan emosi, pikiran, suasana hati, pengalaman, ide tertentu. Ini adalah komponen artistik dari komposisi musik. Namun tentunya dalam membawakannya tidak boleh melupakan sisi teknis pembuatan musik, karena penampilan sebuah karya musik yang ceroboh tidak berkontribusi pada terciptanya citra yang diinginkan pendengarnya. Artinya, guru dan siswa dihadapkan pada tugas yang agak sulit - untuk menggabungkan kedua arah ini ketika mengerjakan sebuah karya musik, untuk mensintesisnya menjadi satu pendekatan yang sistemik dan holistik, sebuah metode di mana pengungkapan konten artistik terkait erat. dengan keberhasilan mengatasi kemungkinan kesulitan teknis.
Tentu saja, kegiatan yang paling menarik bagi siswa di kelas khusus adalah mengerjakan sebuah karya musik artistik.
Ketika mulai mengerjakan sebuah drama, menganalisis isi karya bersama siswa, banyak guru yang sering melakukan kesalahan dalam dua arah yang berlawanan. Yang pertama ditandai dengan fakta bahwa guru berusaha untuk mengajar anak-anak untuk “melihat” pekerjaan yang dianalisis secara rinci, mencoba menceritakan kembali isinya dengan kata-kata, untuk menciptakan “ alur sastra" Akibatnya siswa aktif berfantasi, menggambar warna-warni, kurang memperhatikan sisi teknis pertunjukan, sehingga ia tidak mampu menyampaikan gambarannya kepada pendengar karena ketidaksempurnaan teknis pertunjukan. Arah kedua diikuti oleh guru yang, dipandu oleh fakta bahwa musik adalah seni suara dan bertindak langsung berdasarkan indra kita, umumnya mengabaikan representasi figuratif, menganggap percakapan tentang musik tidak diperlukan dan membatasi diri pada “suara murni”, secara teknis pertunjukan sempurna yang tidak memerlukan asosiasi apa pun. Manakah dari arah berikut yang paling tepat untuk perkembangan musik siswa? Mungkin, kebenarannya, seperti biasa, ada di tengah-tengah, dan apakah pemain menemukan "titik rasio emas" bergantung pada apakah dia akan sukses dengan pendengar.
Sudah pada tahap pengenalan karya, guru menguraikan sentuhan pertama pada kemungkinan gambar artistik. Ketika memberi tahu seorang siswa tentang komposer, karyanya, waktu penciptaan suatu karya tertentu, ia tidak hanya harus memiliki pengetahuan teoretis musik yang mendalam, tetapi juga sangat teknologi tinggi pekerjaan pedagogis: mampu mendekati setiap siswa dengan benar, dengan memperhatikan kemampuan individunya, untuk memberikan bantuan yang diperlukan dalam mengerjakan konten musik dan kemungkinan kesulitan teknis. Oleh karena itu, guru dituntut untuk memiliki daya tanggap emosional yang tinggi secara terus-menerus terhadap konten artistik karya musik yang sedang dikerjakan siswanya, pendekatan kreatif terhadap interpretasinya, dan cara-cara menguasai kesulitan-kesulitan khusus mereka. Penting untuk dapat melihat komposisi musik dengan pandangan segar setiap saat, bahkan dalam kasus di mana sulit untuk menemukan detail interpretasi baru dalam karya yang sudah lama dikenal. Hampir selalu mungkin, berdasarkan pengalaman sebelumnya, untuk melakukan perbaikan tertentu dalam proses penguasaan karya ini oleh siswa, untuk mempercepat penguasaan kesulitan-kesulitannya, dan dengan demikian membuat karya tersebut menarik baik bagi diri sendiri maupun bagi siswa.
Alangkah baiknya jika guru cukup menguasai instrumen dan dapat menampilkan karya yang dianalisis dalam interpretasi artistiknya. Tentu saja penampilan di dalam kelas bagi siswa harus secemerlang, seru, dan emosional seperti di panggung besar.
Prinsip: “pertama-tama mainkan seperti yang saya lakukan dan kemudian sesuai keinginan Anda” sama sekali tidak boleh mempengaruhi kemandirian kreatif siswa. Setiap peserta dalam proses pendidikan, baik guru maupun siswa, berhak atas visinya sendiri tentang citra musik dan seni.
Selain itu, salah satu tugas utama seorang guru musik tiup, seperti halnya musisi lainnya, adalah mendidik seorang anak untuk mendengarkan dirinya sendiri, karena kemampuan mendengar, memahami, dan memahami apa yang terkandung dalam sebuah karya musik adalah dasarnya. keterampilan pertunjukan. Seringkali kita dihadapkan pada kenyataan bahwa siswa hanya menghibur dirinya dengan suara umum, tanpa mendengarkan dan tidak fokus pada apa yang menjadi tugas utama pada tahap ini. Saat mengerjakan sebuah karya harus memaksa siswa untuk mendengarkan dirinya sendiri dari luar. Perlu diusahakan, pertama, untuk mendapatkan suara yang penuh dan lembut, dan kedua, untuk suara yang paling merdu. Tidak heran jika salah satu pujian tertinggi bagi seorang pemain adalah “alat musiknya bernyanyi”. Nyanyian dan merdu adalah hukum utama pertunjukan musik, landasan vital musik.
Setelah membentuk gambaran umum karya tersebut, dengan melihat secara umum arsitektur bangunan musik, mari kita coba mempertimbangkan bagian-bagian individualnya (analisis bentuk, struktur). Mungkin ini cerita yang menarik (sonata, konser), atau cerita yang banyak (drama panjang), atau cerpen(permainan pendek). Banyak guru praktik yang kurang memperhatikan perkembangan proses berpikir ketika mengerjakan materi musik. Analisis suatu karya musik sering kali dihilangkan begitu saja, dengan penekanan ditempatkan pada eksekusi murni teks musik. Akibatnya, siswa memiliki pemikiran musik dan artistik yang kurang berkembang, yang diperlukan untuk persepsi intelektual dan intuitif terhadap musik. Sedangkan pembentukan citra seni didasarkan pada pemahaman menyeluruh terhadap karya, yang tidak mungkin terjadi tanpa adanya unsur emosional dan intelektual. Analisis artistik dan teoretis yang menyeluruh terhadap karya yang dipelajari merangsang peningkatan minat dan mengaktifkan sikap emosional terhadapnya. Pada tahap ini, gambar artistik yang semula diciptakan menerima perkembangannya, memperoleh warna yang lebih jelas, menjadi lebih banyak dan hidup. “Metode pergaulan hidup, seperti halnya pergaulan dengan karya seni lainnya, namun selalu spesifik, tentunya dapat diakses dan dipahami oleh mereka yang mendengarkan Anda, adalah salah satu yang paling efektif”
Pelaku muda yang belum memiliki pengalaman berpikir abstrak yang cukup mudah mengasosiasikan karya musik dengan sastra atau arsitektur. Repertoar karya tematik yang dikumpulkan sejak kelas dasar, seperti “Kitty”, “Funny Geese”, “Hippopotamus”, “Cockerel”, dll, mempunyai pengaruh positif terhadap perkembangan berpikir imajinatif. Mengembangkannya dan tidak mengesampingkannya di bawah tekanan masalah teknis adalah tugas guru. Anak-anak datang ke sekolah musik untuk belajar musik. Penguasaan suatu instrumen hanyalah sarana untuk mencapai tujuan tersebut. Dengan demikian, pembelajaran bahasa bukanlah tujuan akhir, melainkan sarana komunikasi, perkembangan kognitif, dan pengenalan budaya masyarakatnya. Tidak salah jika diingatkan bahwa tidak semua lulusan Sekolah Musik Anak atau Sekolah Seni Anak akan menjadi musisi profesional, namun banyak pula yang merupakan penikmat seni nyata yang kompeten.
Jadi, setelah melihat bangunan musik, karya secara keseluruhan, mendefinisikan komponen-komponennya, menguraikan eksposisi, pengembangan, kulminasi, penutup, menguraikan setiap komponen menjadi frase-frase, kita memahami bahwa bangunan terbesar, terindah, megah terdiri dari batu bata kecil ( secara harfiah - mengukur). Dan masing-masing batu bata ini indah baik secara terpisah maupun secara keseluruhan. Pelaku membedakan motif-karakter individu, miliknya pengembangan bersama, kontras dan kesamaan gambar. Perlu kita perhatikan bahwa karya pada konten artistik harus terjadi melalui pemahaman struktur, logika rencana nada, harmoni, panduan suara, tekstur karya yang dipelajari, yaitu. seluruh kompleks sarana artistik, ekspresif dan teknis yang digunakan oleh komposer. Pada saat yang sama, pengembangan gambar tidak hanya mencakup analisis strukturnya, tetapi juga identifikasi peran setiap elemen struktur musik dalam mengungkap ide dan emosi yang tertanam dalam karya ini sesuai dengan rencana penciptanya. Mengingat hal ini, kami menyadari bahwa ketika mengembangkan pemikiran artistik dan figuratif, kita tidak boleh melupakan komponen intelektualnya.
Jadi, setelah mempelajari karya tersebut dengan cermat dari sudut pandang bentuk musik, kami sekali lagi, bata demi bata, menyusunnya, sepenuhnya memahami tujuan dari setiap batang bata, setiap huruf dalam satu kata, perannya dalam keseluruhan konstruksi presentasi musik. Dalam hal ini, praktis tidak ada masalah belajar dengan hati. Ibarat seorang aktor, mencari intonasi yang paling ekspresif, mengulang-ulang frase atau kata yang sama ratusan kali, siswa memainkan setiap takaran, interval, bahkan satu nada (terutama dalam lakon yang bersifat cantilena), tanpa menghafal teks tetapi "membiasakan diri", mengembangkan dan meningkatkan citra musik dan artistik Anda.
Dalam artikel ini kami tidak mempertimbangkan sisi teknologi dalam mengerjakan teks sebuah karya musik - banyak literatur metodologis dan metodologis dikhususkan untuk masalah ini. Kami tertarik pada pemahaman emosional dan artistik materi musik, yang meliputi:
1. kesan umum pemutaran pertama karya tersebut,
2. membaginya menjadi bagian-bagian yang mewakili unsur esai yang dipelajari secara bermakna dan lengkap secara logis,
3. kombinasi yang bermakna dari bagian-bagian, episode melalui penetapan persamaan dan perbedaan emosional dan teknis di antara mereka, perbandingan nada dan bahasa harmonis, iringan, ciri-ciri panduan suara, tekstur, dll, dan sebagai hasilnya - a kombinasi berbagai gambar artistik, pengembangan koneksi asosiatif .
Tentu saja pekerjaan seperti itu membutuhkan banyak waktu. Banyak guru, dalam mengejar kurikulum, tidak membiarkan diri mereka sendiri dan siswa mempelajari komponen artistik dari sebuah karya musik; mereka mendasarkan pekerjaan mereka pada pelaksanaan teks musik yang ketat dan pengulangannya yang berulang-ulang dan monoton. Sebagai hasil dari karya tersebut, materi musik lambat laun dihafal dan “memasuki jari”. Dan memang, seluruh beban selama aktivitas tersebut jatuh pada memori motorik (finger memory). Menghafal bersifat mekanis, tidak disadari. Mementaskan sebuah karya yang dihafal dengan cara ini tidak ada maknanya; siswa memainkan “hanya nada-nada” tanpa memahami makna musiknya. Mungkin musisi muda itu membawakan lagunya dengan cukup murni, tapi apakah ada gunanya karya seperti itu? Pemikiran artistik-imajinatif, perkembangan intelektual seperti apa yang dapat kita bicarakan dalam kasus ini?
Sementara itu, tugas pendidikan pada masa perkembangan masyarakat modern yang ditandai dengan ciri-ciri integrasi global, fleksibilitas, mobilitas berpikir, dialogisme, toleransi dan komunikasi yang erat di semua tingkatan, adalah mempersiapkan pribadi yang sesuai dengan hal tersebut. budaya baru. Dalam pengantar Konsep Standar Negara Pendidikan Umum kita membaca: “Kehidupan dalam kondisi yang terus berubah menjadi norma baru, yang memerlukan kemampuan untuk memecahkan masalah-masalah baru yang tidak standar yang terus-menerus muncul; kehidupan dalam masyarakat multikultural, yang semakin menuntut interaksi komunikasi dan kerja sama…” Tesis ini memerlukan pengembangan kreativitas, imajinasi, dan pendekatan kreatif dalam memecahkan masalah pada generasi muda. Pengembangan sifat-sifat kepribadian tersebut antara lain terjadi melalui pelatihan seni musik. “Anak usia sekolah paling rentan terhadap perkembangan emosional, holistik, spiritual dan moral, serta pendidikan kewarganegaraan. Pada saat yang sama, kekurangan dalam perkembangan dan pendidikan selama periode kehidupan ini sulit untuk dikompensasi pada tahun-tahun berikutnya.”
“Pendidikan seseorang, pembentukan kualitas kepribadian yang berkembang secara spiritual, cinta tanah air, kebutuhan untuk menciptakan dan meningkatkan adalah kondisi terpenting bagi keberhasilan pembangunan Rusia”
Sebagai kesimpulan, masuk akal untuk mengingat kebenaran umum - setiap anak memiliki benih kreatif yang wajib kita kembangkan, sebagai guru musik. Setiap anak berbakat, setiap anak adalah alam semesta, dan kami, para guru, bertanggung jawab terhadap semua orang orang kecil siapa yang datang kepada kami. Biarlah siswa Anda tidak menjadi musisi profesional, tetapi jika ia berkembang secara kreatif dan intelektual, berhasil bersosialisasi, dan diminati masyarakat modern warga negara - artinya Anda sebagai guru telah mencapai tujuan utama dalam pekerjaan Anda.
Referensi
1. Archazhnikova L.G. Profesi – guru musik: Buku. Untuk guru. – M.: Pendidikan, 1984. – 111 hal.
2.Vetlugina N.A. Perkembangan musik anak. – M.: Pendidikan, 1967. – 415 hal.
3. Danilyuk A.Ya., Kondakov A.M. Konsep pengembangan spiritual dan moral serta pendidikan kepribadian warga negara Rusia: buku teks. uang saku. – M.: Pendidikan, – 2009. – 24 hal.
4. Kapterev P.F. Pedagogi Rusia baru, gagasan utamanya, arahan dan tokohnya. – SPb.: Zemlya, 1914. – 211 hal.
5. Kondakov A.M., Kuznetsov A.A. Konsep standar pendidikan negara bagian federal untuk pendidikan umum. – M.: Pendidikan, 2008. – 39 hal.
6. Nestyev I.V. Belajar mendengarkan musik. – edisi. ke-3. – M.: Muzyka, 1987. – 63 hal.
7. Pankevich G.I. Seni musik. – M.: Pengetahuan, 1987. – 112 hal.
8. Portugalov K.P. Musik serius di sekolah: Panduan untuk guru. – M.: Pendidikan, 1980. – 144 hal.
Pekerjaan metodis
“Gambar artistik sebagai
masalah pedagogi musik"
guru piano
MOUDOD "Sekolah Musik Anak Krasnogorsk"
Rybakova Irina Anatolyevna
Krasnogorsk 2012
PERKENALAN
Pernyataan masalah, relevansi, maksud, tujuan.
Mengerjakan gambar artistik dalam pelajaran piano pada tahap awal.
"...Musik tidak bisa akurat
jelaskan wilayahnya -
kebangkitan perasaan.
Dia harus membantu semua orang
wujudkan impianmu di bawah pengaruhnya
dampak instan, yang
mungkin bervariasi tergantung pada
dari kecenderungan pendengar,
serta kedalaman persepsi mereka"
Alfred Cortot
PERKENALAN
Masalah mengungkap citra artistik, memahami maksud pencipta dan kemampuan menyampaikan ciri-ciri khas pengarang tertentu, dari genre ini, era ini - selalu relevan dalam karya pedagogi musik. Proses membesarkan pendengar musik dan pencinta musik yang kompeten, antusias, cukup rumit dan panjang. Intuisi alami saja tidaklah cukup, sama seperti tidak mungkin menyampaikan pemahaman tanpa keinginan siswa untuk memahaminya.
Di sekolah musik Anda sering melihat gambar berikut (kita berbicara tentang anak-anak dengan rata-rata kemampuan musik). Sebuah pekerjaan yang dilakukan seorang siswa selama pembelajaran, sama sekali tidak membangkitkan apa pun dalam jiwa anak kecuali keinginan untuk menyelesaikan kelas sesegera mungkin. Siswa memainkan drama tersebut berulang kali dengan hasil yang sama, meskipun ada upaya dari guru, yang terus-menerus mengatakan: "ada aksen di sini", "bermain lebih keras", dll. Pelajaran seperti itu berakhir dengan siswa dan guru menjadi kelelahan. -y dengan pendapatnya sendiri: siswa masih belum mengerti mengapa semua detail dan omelan guru ini; seorang guru yang yakin akan kebodohan total seorang anak.
Apa alasan dari situasi ini? Pertama-tama, perlu diperhatikan betapa besarnya peran guru dalam mengatasi permasalahan tersebut. Masa depan musik anak bergantung padanya. Bukan rahasia lagi bahwa pelajaran musik disalahpahami, tanpa sikap kreatif terhadapnya hal penting mengarah pada fakta bahwa anak tersebut benar-benar putus asa tidak hanya karena keinginannya terhadap seni musik, tetapi juga oleh keengganan total terhadap musik. Oleh karena itu, sangat penting bagaimana guru membuat pelajaran musik, betapa menarik, mengasyikkan dan bermaknanya pelajaran tersebut.
Karena kita tidak berhak menentukan masa depan musik seorang anak, pertama-tama kita harus memimpin semua orang dengan cara yang sama: mengajar mendengarkan dan mempersepsikan musik baik dari luar maupun dalam penampilan kita sendiri (mendengarkan diri sendiri), mengembangkan estetika. mengecap, membangkitkan sikap cinta terhadap suara piano, belajar memahami teks musik; mengajarkan ungkapan yang bermakna, kontrol dasar suara dan ritme; dan, akhirnya, sebagai hasil dari semua hal di atas, untuk mencapai penampilan permainan anak-anak yang ekspresif dan imajinatif. Dengan muatan pendidikan dasar ini, musik menghadirkan kegembiraan bagi anak-anak, menyatu dengan pengalaman mereka, dan membangkitkan imajinasi. Oleh karena itu semangat dalam beraktivitas, dan semangat, seperti yang kita ketahui, adalah kunci sukses dalam bisnis apa pun.
Sangat penting untuk mengajari anak Anda memahami musik. Seringkali, memahami musik berarti kemampuan menceritakan kembali isinya. Ide ini tidak lengkap. Jika dimungkinkan untuk secara akurat menerjemahkan isi sebuah karya musik ke dalam bahasa kata-kata, untuk menjelaskan dengan kata-kata arti dari setiap suara, maka mungkin kebutuhan akan musik seperti itu akan hilang.
Kekhasan musik terletak pada bahasanya yang merupakan bahasa gambaran musik yang tidak menyampaikan konsep, sebab dan akibat yang tepat dari terjadinya suatu fenomena. Musik menyampaikan dan membangkitkan perasaan dan pengalaman yang terkadang tidak terekspresikan secara utuh dan mendetail. Dan isi pokok suatu karya musik, gagasan pokoknya yang berkembang seiring berjalannya waktu, sifat perkembangannya dapat dipahami dan dijelaskan. Namun karena kandungan ini diungkapkan melalui sarana musik tertentu (melodi, harmoni, ritme, mode, tempo, dll), maka untuk memahaminya perlu adanya gambaran tentang makna ekspresif dari semua sarana tersebut. Dengan demikian, pemahaman sebuah karya musik mengandaikan kesadaran akan gagasan pokok, watak, suasana hati, yang disampaikan melalui sarana ekspresi musik tertentu.
pemusik pertunjukan akan mampu sedekat mungkin dengan gagasan pengarangnya dan, jika ia telah menguasai sarana perwujudannya, menyampaikannya dengan perangai, persuasif dan kemudahan, seolah-olah ia sedang mengungkapkan gagasannya, perasaannya, miliknya. pikiran. Seorang musisi perlu “meyakini” fiksi orang lain dan dengan tulus menghayatinya, memasukkan subteksnya sendiri ke dalam teks orang lain, “menyampaikannya” melalui dirinya sendiri, menghidupkannya kembali, dan melengkapinya dengan imajinasinya. Tahap awal pengerjaan sebuah karya musik dicirikan terutama oleh kenyataan bahwa ia menghadapkan pelakunya sebagai objek yang berdiri di luar dirinya. Ini masih sebuah “permainan”, bukan “pertunjukan”. Ada perbedaan kualitatif antara “bermain” dan “pertunjukan”. Penerjemah harus diilhami oleh pikiran dan perasaan penulis, dan secara internal setuju dengan komposer. Dalam proses penguasaan konsepnya, pelaku menciptakan gambarannya sendiri dalam imajinasinya. Setelah “menerima sebagai kebenaran” segala sesuatu yang dia ciptakan dalam imajinasinya, dan merasakan perlunya apa yang dia lakukan, pemain mulai berbicara atas namanya sendiri dan mulai tampil. Anda tidak dapat meyakinkan orang lain tentang apa yang Anda sendiri tidak yakini. Peran guru adalah mendidik siswa untuk memahami dan menguasai seni. Dengan kata lain, mengenalkan siswa pada dunia seni, membangkitkan kemampuan kreatifnya dan membekalinya dengan teknologi.
Tujuan ini dapat dicapai ketika siswa mempelajari sebuah karya dan mengerjakan latihan khusus yang mengembangkan aspek-aspek tertentu dari “peralatan pengalaman”. Jika seorang guru sibuk hanya menunjukkan cara memainkan suatu lakon, maka ia tidak akan mengarahkan siswanya pada kreativitas. Mengerjakan sebuah karya musik tidak bisa menjadi tujuan tersendiri. Setiap tugas yang diberikan harus membantu siswa memperoleh kualitas baru. Kreativitas tidak bisa diajarkan, tapi Anda bisa mengajarkan cara bekerja secara kreatif. Guru harus secara aktif mengelola proses kompleks pekerjaan pelaku.
Dalam proses penetrasi kreatif ke dalam citra orang lain, dimungkinkan untuk memperluas batas-batas intelektual dan emosional individu. Berkat pengayaan dan perubahan kepribadian yang terkait, citra asing tidak lagi menjadi citra asing, dan pelaku menjadi mampu menggabungkan pribadi, unik secara individual dengan ide, pemikiran, dan perasaan penulis.
Dengan demikian, masalah pemahaman citra seni erat kaitannya dengan masalah pendidikan kreatif. Sistem pendidikan yang mengarah pada kreativitas mendukung metode pengajaran yang dengannya siswa merasakan dan memahami mengapa dan untuk apa perlu “dilakukan”. Pendidikan kreatif memerlukan pendekatan individual. Setiap kepribadian dicirikan oleh kombinasi unik dari sejumlah kualitas bawaan dan didapat. Dengan menggunakan ciri-ciri alami siswa, guru dapat mempengaruhi dan menumbuhkan individualitas artistik. Pendidikan kreatif melibatkan penanaman keinginan dan kemampuan untuk memperoleh pengetahuan dan keterampilan. Seorang siswa dapat menguasai dasar-dasar seninya hanya melalui usaha aktifnya sendiri. Seorang guru yang menyajikan segala sesuatu kepada siswanya dalam bentuk terbuka tidak mengajarkan siswa untuk mencari, tidak menumbuhkan rasa ingin tahu yang kreatif.
Pendidikan kreatif mengandaikan pemahaman tentang hubungan antara desain dan teknologi. Kata-kata Busoni: “Semakin banyak sarana yang dimiliki seorang seniman, semakin ia dapat memanfaatkannya” adalah ekspresi dari pemikiran ini. Pendidikan kreatif memperluas ruang lingkup dan ruang lingkup pekerjaan seorang guru. Tuntutan besar ditempatkan pada kepribadian guru, pengetahuan dan keterampilannya. Guru tidak hanya mengajarkan dasar-dasar seni, tetapi dengan mengembangkan “peralatan mental”, menjadi pemimpin artistik dan etika siswa. Guru terpanggil untuk mengajar muridnya mendengarkan dan mendengar, melihat dan melihat, mengamati dan menentukan pilihan, memahami makna fenomena yang diamati, dan mengolah perasaan yang dirasakan dalam dirinya.
Seorang guru yang mengembangkan seorang pianis yang tampil menghadapi empat tugas yang tidak dapat dipisahkan.
Pertama, ia harus menanamkan dalam diri siswa budaya umum, mengembangkan observasi, menumbuhkan kesadaran, dan etika. Artinya, inilah tugasnya
pembentukan seseorang (“Saya mengerti”, “Saya tahu”, “Saya merasakan”, “Saya mengerti” dan “Saya mengevaluasi”).
Kedua, guru harus mengenalkan siswa pada dunia musik, mengungkapkan nilai estetika dan kognitifnya, menanamkan budaya musik, dan melatih telinganya. Inilah tugas membentuk seorang musisi (“mendengar”, “merasakan”, “mengerti”).
Ketiga, guru harus mengarahkan pengembangan keterampilan pianistik, mengajarkan kemampuan mengekspresikan diri dengan menggunakan alat musiknya. Dengan kata lain - untuk membentuk seorang pianis (“Saya bisa”, “Saya bisa menerapkan”).
Keempat, guru harus memupuk kualitas pertunjukan tertentu: kemampuan untuk “menyalakan”, dijiwai dengan musik, keinginan untuk mewujudkan musik, belajar dengan pendengar dan mempengaruhi pendengar. Anda dapat menyebut semua ini sebagai formasi seorang pemain (“Saya bersinar”, “Saya ingin mewujudkannya”, “Saya ingin menyebarkannya kepada orang lain dan mempengaruhi orang lain”).
Dalam estetika, gambaran artistik dipahami sebagai pemikiran alegoris dan metaforis yang mengungkapkan satu fenomena melalui fenomena lainnya. Sang seniman seolah-olah membenturkan fenomena satu sama lain dan melontarkan percikan api yang menerangi kehidupan dengan cahaya baru. Dalam seni rupa India kuno, menurut Anandavardhana (abad IX), pemikiran figuratif memiliki tiga unsur utama: figur puitis, makna, suasana hati. Unsur-unsur pemikiran figuratif ini dibangun menurut hukum konjugasi artistik dan perbandingan berbagai fenomena. Misalnya, penyair India kuno, tanpa secara langsung menyebutkan perasaan yang dimiliki pemuda itu, menyampaikan kepada pembaca suasana cinta, dengan terampil membandingkan seorang kekasih yang memimpikan ciuman dengan seekor lebah yang terbang di sekitar seorang gadis.
Dalam karya-karya paling kuno, sifat metaforis pemikiran artistik tampak sangat jelas. Pemikiran artistik menghubungkan fenomena nyata, menciptakan makhluk yang belum pernah terjadi sebelumnya yang secara aneh menggabungkan unsur-unsur nenek moyangnya. Sphinx Mesir kuno bukanlah singa atau topi, melainkan manusia yang direpresentasikan melalui singa, dan singa dipahami melalui manusia. Melalui kombinasi aneh antara manusia dan raja binatang buas, manusia mempelajari alam dan dirinya sendiri. Pemikiran logis menetapkan hierarki dan subordinasi fenomena. Gambar tersebut mengungkapkan benda-benda berharga satu sama lain. Pemikiran artistik tidak dipaksakan dari luar pada objek-objek dunia, tetapi mengalir secara organik dari perbandingannya, dari interaksinya.
Struktur gambar artistik tidak selalu sejelas di Sphinx. Namun, lebih dari itu kasus-kasus sulit dalam seni, fenomena bersinar dan menampakkan dirinya melalui satu sama lain. Misalnya, dalam novel "War and Peace" karakter Andrei Bolkonsky terungkap melalui cintanya pada Natasha, dan melalui hubungannya dengan ayahnya, dan melalui langit Austerlitz, dan melalui ribuan hal. Seniman berpikir secara asosiatif. Baginya, bagi Trigorin karya Chekhov, awan itu seperti piano,” ia mengungkapkan nasib gadis itu melalui nasib burung adalah elderberry di taman, dan seorang pria di Kyiv ". Dalam gambar, melalui “konjugasi” fenomena yang berjauhan satu sama lain, aspek yang tidak diketahui dan hubungan realitas terungkap. Sebuah gambar artistik memiliki logikanya sendiri, ia mengungkapkan dirinya sendiri menurut hukum internalnya, yang memiliki gerak diri, Seniman menetapkan semua parameter awal gerak diri gambar, tetapi setelah menetapkannya, ia tidak dapat mengubah apa pun tanpa melakukan kekerasan terhadap kebenaran artistik pekerjaan mengarah padanya, dan sang seniman terkadang sampai pada kesimpulan yang sama sekali berbeda dari apa yang ia perjuangkan.
Pemikiran figuratif memiliki banyak nilai, kaya dan mendalam makna dan maknanya seperti kehidupan itu sendiri. Salah satu aspek dari ambiguitas gambar adalah pernyataan yang meremehkan. E. Hemingway membandingkan karya seni dengan gunung es: sebagian kecil terlihat, tetapi sebagian besar tersembunyi di bawah air. Hal ini membuat pembaca aktif, proses mempersepsikan karya ternyata bersifat kreasi bersama, berpikir, menyelesaikan gambar. Persepsi menerima dorongan awal untuk refleksi, ia diberi keadaan emosional dan program untuk memproses informasi yang diterima, tetapi ia tetap memiliki kehendak bebas dan ruang untuk imajinasi kreatif. Ketidaklengkapan gambaran, yang merangsang pemikiran si penginderaan, dimanifestasikan dengan kekuatan khusus dalam prinsip non fenita (kurangnya akhir, ketidaklengkapan).
Gambar itu memiliki banyak segi, mengandung jurang makna yang terbentang selama berabad-abad. Setiap era menemukan sisi dan aspek baru dalam gambaran klasik dan memberikan interpretasinya sendiri. Pada abad ke-19. Hamlet dipandang sebagai intelektual reflektif (“Hamletisme”), dan pada abad ke-20. - seperti seorang pejuang. Goethe percaya bahwa dia tidak bisa mengungkapkan ide "Faust" dalam sebuah formula. Untuk mengungkapnya, seseorang harus menulis karya ini lagi. Gambar adalah keseluruhan sistem pemikiran. Gambar tersebut sesuai dengan kompleksitas, kekayaan estetika dan keserbagunaan kehidupan itu sendiri. Jika gambaran artistik dapat diterjemahkan sepenuhnya ke dalam bahasa logika, sains dapat menggantikan seni. Jika tidak dapat diterjemahkan sama sekali ke dalam bahasa logika, maka kritik sastra, kritik seni, dan kritik seni tidak akan ada. Kami tidak menerjemahkan gambar tersebut ke dalam bahasa logika karena selama analisis masih ada “residu super-mental”, dan kami menerjemahkannya karena semakin dalam, menembus esensi karya, kami dapat mengungkapkannya secara lebih lengkap dan komprehensif. makna; analisis kritis adalah proses pendalaman tanpa akhir terhadap makna gambar yang tak terbatas.
Gambar artistik adalah generalisasi individual yang mengungkapkan dalam bentuk sensorik konkret apa yang penting bagi sejumlah fenomena. Dialektika yang universal dan individu dalam berpikir berhubungan dengan interpenetrasi dialektisnya dalam realitas. Dalam seni, kesatuan ini diekspresikan bukan dalam universalitasnya, tetapi dalam individualitasnya: yang umum memanifestasikan dirinya dalam individu dan melalui individu. “Penyair hebat,” tulis Belinsky, “berbicara tentang dirinya sendiri, tentang “aku” -nya, berbicara tentang hal yang umum - tentang kemanusiaan, karena di dalam kodratnya terdapat segala sesuatu yang menjadi tempat hidup umat manusia, dan oleh karena itu dalam kesedihannya setiap orang mengenali dirinya sendiri dan vi. - di dalam dirinya tidak hanya ada seorang penyair, tetapi juga seorang manusia, saudaranya dalam kemanusiaan"
Seniman berpikir dalam gambar, yang sifatnya konkrit – sensual. Hal ini menghubungkan gambaran seni dengan bentuk kehidupan itu sendiri, meskipun hubungan ini tidak dapat diartikan secara harfiah. Bentuk-bentuk seperti kata artistik, suara musik, atau ansambel arsitektur tidak dan tidak dapat ada dalam kehidupan itu sendiri.
Seni klasisisme dicirikan oleh generalisasi – generalisasi artistik melalui isolasi dan absolutisasi fitur karakteristik pahlawan. Romantisme bercirikan idealisasi – generalisasi dengan mewujudkan cita-cita dan memaksakannya pada materi nyata. Seni realistik dicirikan oleh tipifikasi - generalisasi artistik melalui individualisasi melalui pemilihan ciri-ciri kepribadian yang penting. Seni mampu, tanpa melepaskan diri dari fenomena yang bersifat indrawi konkrit, membuat generalisasi yang luas dan menciptakan konsep dunia.
Citra artistik adalah kesatuan pikiran dan perasaan, rasional dan emosional. Emosionalitas adalah prinsip dasar gambar artistik yang paling awal dan paling estetis secara historis. Orang India kuno percaya bahwa seni lahir ketika seseorang tidak dapat menahan perasaannya yang meluap-luap.
Untuk menciptakan sebuah karya yang abadi, tidak hanya cakupan realitas yang luas yang penting, tetapi juga suhu ideologis dan emosional yang cukup untuk meluluhkan kesan-kesan keberadaan. pematung Perancis O. Rodin membedakan pentingnya pikiran dan perasaan untuk kreativitas artistik: “Seni adalah karya pemikiran, mencari pemahaman tentang dunia dan membuat dunia ini dapat dimengerti... Ini adalah cerminan hati seniman pada semua benda yang dikandungnya. menyentuh.”
Gambar artistik merupakan kesatuan objektif dan subjektif. Itu mencerminkan hal yang hebat konten hidup. Gambar tidak hanya mencakup materi realitas, yang diproses oleh fantasi kreatif seniman tentang dan sikapnya terhadap apa yang diciptakan, tetapi juga seluruh kekayaan kepribadian pencipta, atau, seperti yang dicatat oleh teman Picasso, Juan Gris, dalam hal ini, “the kualitas seniman tergantung pada kuantitas pengalaman masa lalu yang dibawanya.”
Peran individualitas seniman terlihat jelas dalam seni pertunjukan (musik, teater). Setiap aktor, misalnya, menafsirkan karakter dengan caranya sendiri, dan sisi permainan yang berbeda diungkapkan kepada penonton. Misalnya, Salvini, Ostuzhev, Olivier memberikan interpretasi berbeda terhadap citra Othello sesuai dengan pandangan dunia mereka, individualitas kreatif mereka, sejarah, nasional dan pengalaman pribadi. Kepribadian pencipta tercermin dalam gambar artistik, dan semakin cerah dan signifikan kepribadian tersebut, semakin signifikan pula ciptaan itu sendiri. Seni yang hebat dapat memuaskan selera paling halus dari orang yang siap secara intelektual dan selera khalayak ramai. Dalam gambaran realistik, ukuran hubungan antara subjektif dan objektif selalu dipertahankan; realitas disinari oleh pemikiran dan cita-cita seniman.
Gambarnya unik dan pada dasarnya asli. Bahkan ketika menguasai materi penting yang sama, mengungkapkan topik yang sama berdasarkan posisi ideologis Ob, pencipta yang berbeda menciptakan karya yang berbeda. individualitas kreatif sang seniman meninggalkan jejaknya pada mereka. Penulis sebuah mahakarya dapat dikenali dari tulisan tangannya dan kekhasan cara kreatifnya. “Biarkan peniruan melewati hati kita sebelum tangan kita mulai mengerjakannya, dan kemudian, terlepas dari diri kita sendiri, kita akan menjadi orisinal,” kata Rodin.
Hukum ilmiah sering kali ditemukan oleh ilmuwan yang berbeda secara independen satu sama lain. Misalnya, Leibniz dan Newton secara bersamaan menemukan kalkulus diferensial dan integral. Pengulangan penemuan ilmiah mungkin terjadi, tetapi sepanjang sejarah seni yang berusia berabad-abad, belum ada satu pun kasus kebetulan antara karya seniman yang berbeda. Hukum “direalisasikan melalui non-realisasinya” (Hegel). Pola umum: suatu gambar artistik adalah unik, pada dasarnya orisinal, karena bagian integralnya adalah individualitas unik penciptanya.
Musikologi juga membahas masalah gambaran artistik, isi musik, dan sarana ekspresinya. Sudah lama ada opini luas tentang “tidak dapat diungkapkannya” isi musik, tentang ketidakmungkinan untuk “menceritakan kembali”, menyampaikannya dengan cara apapun, termasuk secara lisan. “Musik dimulai saat kata-kata berakhir” (Gay-ne). Ada kategorisasi yang berlebihan dalam pernyataan tentang musik yang tidak dapat diungkapkan dengan kata-kata. Memang sudah banyak orang yang mencoba dan berusaha menyampaikan isi karya musik tertentu melalui gambar sastra (dan gerak tubuh, gerak tari, gambar), dan tidak dapat dikatakan bahwa semua upaya tersebut tidak berhasil. Sangat sulit untuk berbicara secara spesifik tentang musik (terutama jika musik itu muncul dalam bentuk "murni" - tanpa kata-kata dan aksi panggung). Dan alasannya adalah “komposisi” isinya, yang belum tentu lebih mudah untuk diceritakan kembali momen bergambar dan konseptual, tetapi mencakup nuansa emosi yang paling halus yang tidak dapat diakses oleh ekspresi verbal yang memadai. Menggambarkan apa yang didengar selalu lebih sulit daripada apa yang dilihat - hal ini disebabkan oleh adaptasi bahasa kita terhadap peran utama informasi visual.
Bahkan lebih sulit lagi untuk menggambarkan pengalaman itu. Dan sangat mustahil untuk mengetahui apa yang dimaksud dengan “jiwa” seni apa pun – visi unik dan sensasi dunia melalui bakat artistik, dan bahkan jika ia berpikir dan mengekspresikan dirinya dalam bahasa yang sangat berbeda dari percakapan sehari-hari, seperti musik.
Oleh karena itu, ketika berbicara tentang isi musik, kita harus selalu ingat bahwa hal itu tidak dapat diwujudkan dengan cara lain selain musik, dan dipahami sepenuhnya selain dengan memahami dan mengalami musik itu sendiri.
Namun hal ini tidak berarti bahwa musik hanya mempunyai konten musiknya sendiri, yang mengekspresikan dirinya sendiri. Ia “memberi tahu” kita tentang apa yang berada di luar batas-batasnya; ia mencerminkan aktivitas dalam bentuk tertentu, yaitu gambarannya.
Dalam musikologi modern, tema musik juga dianggap sebagai gambar.
(dianalogikan dengan ciri pertama pahlawan drama), dan tema, beserta perkembangannya dan segala metamorfosisnya (dianalogikan dengan seluruh nasib pahlawan dalam drama) dan kesatuan beberapa tema - karya sebagai keseluruhan.
Jika kita berangkat dari pemahaman epistemologis tentang gambar, maka jelaslah bahwa baik keseluruhan karya maupun bagian penting darinya, berapa pun ukurannya, dapat disebut gambar musik. Gambar adalah tempat di mana terdapat konten. Batasan suatu citra musik hanya dapat ditetapkan jika yang dimaksud bukanlah cerminan realitas secara umum, melainkan fenomena tertentu, baik itu benda, orang, situasi, atau keadaan mental tertentu. Kemudian, sebagai gambaran yang mandiri, kita akan melihat “struktur” musik yang disatukan oleh satu suasana hati, satu karakter. Dimana tidak ada konten, tidak ada gambar, tidak ada seni.
Musik adalah produk aktivitas spiritual manusia. Akibatnya, pada saat yang sama secara umum isi suatu karya musik dapat diartikan sebagai hasil pencerminan realitas yang ditangkap dalam bunyi-bunyian oleh kesadaran pengarang – komposer (yang pada gilirannya bertindak dalam karyanya tidak hanya sebagai individu, tetapi juga sebagai perwakilan dari kelompok sosial tertentu, eksponen minat, psikologi, ideologinya ) .
Jelaslah bahwa jika musik merefleksikan fenomena realitas, mengungkapkan perasaan, emosi, mencontohkannya, maka sarana-sarananya dimaksudkan justru sebagai sarana ekspresi, dan dalam pengertian ini bermakna. Namun hakikat hubungan antara isi dan sarana, jauh dari sama dalam kondisi yang berbeda, belum terungkap dengan kelengkapan yang diperlukan dan merupakan salah satu masalah sentral dalam keseluruhannya, yang telah lama dirasakan dan ditunjuk. sebagai “misteri pengaruh” musik.
Sarana musik individu yang berkaitan dengan unsur-unsur musik, yaitu pola melodi tertentu, ritme, putaran modal, harmoni tidak memiliki makna ekspresif dan semantik yang tetap untuk selamanya: sarana yang sama dapat digunakan dalam karya-karya yang sifatnya berbeda dan mempromosikan efek ekspresif yang berbeda - bahkan berlawanan -. Misalnya, sinkopasi dalam beberapa kasus berkontribusi pada efek ketajaman, dinamisasi, ledakan, dalam kasus lain - emosi liris, dalam kasus lain - kelembutan khusus, kesejukan, dicapai dengan menyelubungi momen-momen penting secara metrik.
Namun, setiap obat memiliki jangkauannya masing-masing kemungkinan ekspresif. Mereka ditentukan oleh sifat objektif dan didasarkan pada prasyarat yang kurang lebih mendasar (akustik, biologis, psikologis), tetapi juga terbentuk dalam perjalanan sejarah musik.
proses ric, kemampuan media ini untuk membangkitkan ide dan asosiasi tertentu. Dengan kata lain, kemampuan ekspresif muncul atas dasar sifat objektif tertentu dari sarana dan dikonsolidasikan oleh tradisi penggunaan sarana tersebut.
Pertanyaan tentang hubungan antara konten dan sarana musik telah dibahas oleh para musisi dan ilmuwan dari berbagai waktu. Misalnya, para ahli teori Yunani kuno mengaitkan karakter tertentu dengan mode individu, dan ini, tampaknya, sesuai dengan tradisi penggunaan mode dalam seni musik-puisi sinkretis zaman kuno.
Pada abad ke-17 - ke-18, apa yang disebut teori pengaruh menjadi tersebar luas, yang menjadi dasar pengalaman emosional yang diungkapkan dalam musik dikaitkan dengan cara-cara tertentu. Dalam XYii&v, ritme bersela dianggap, menurut teori ini, membangkitkan perasaan akan sesuatu yang agung dan signifikan.
Upaya untuk mengkorelasikan secara langsung unsur-unsur musik individu, hingga interval, dengan karakter ekspresi tertentu ditemukan kemudian. Dalam kasus-kasus di mana upaya-upaya tersebut secara diam-diam menyiratkan kondisi-kondisi lain dan, dengan demikian, sebenarnya menyangkut cara-cara yang kompleks, upaya-upaya tersebut sering kali membuahkan hasil, terutama dalam studi-studi yang ditujukan pada bahasa musik seorang komposer.
Oleh karena itu, kemampuan bermakna dan ekspresif media harus diperhatikan dalam sistem bahasa musik tertentu dan penerapan kemampuan tersebut dalam karya-karya berbagai gaya dan genre.
Dalam pedagogi musik, masalah interpretasi gambar artistik sangat relevan. Sejumlah tugas muncul untuk memecahkan masalah ini. Hal inilah yang menumbuhkan kreativitas pada anak, pengembangan intelektualitas dan wawasan peserta didik. Tujuan guru dalam arah ini adalah untuk menumbuhkan kemampuan mempersepsikan gambaran musik dalam perwujudan bunyinya yang spesifik, menelusuri perkembangannya, dan mendengarkan perubahan yang sesuai dalam sarana ekspresi.
Ada cara untuk meningkatkan persepsi musik.
1. Metode mendengarkan. Metode ini mendasari seluruh budaya pendengaran musik dan merupakan prasyarat untuk pengembangan keterampilan pendengaran sederhana, persepsi gambar musik dan pembentukan telinga musik. Anak-anak secara bertahap menguasai perhatian pendengaran sukarela, secara selektif mengarahkannya ke fenomena musik tertentu sehubungan dengan situasi dan tugas baru.
Karya untuk anak-anak oleh Mendelssohn, Schumann, Grieg, Tchaikovsky dan komposer terkait mengajari mereka gambaran emosional, segala sesuatu yang akan ditemui siswa di masa depan ketika mempelajari sastra romantis yang "hebat".
Mempelajari karya-karya dengan gaya yang berbeda tentu memperluas wawasan musik siswa. Guru, pada gilirannya, harus menjelaskan ciri-ciri gaya setiap karya, membenamkan siswa dalam dunia unik tempat sang komposer tinggal dan bekerja.
Sebagaimana telah disebutkan, upaya menciptakan gambar artistik harus dilanjutkan dengan pemantauan pendengaran yang tak kenal lelah.
Jika Anda bertanya kepada siswa apakah mereka harus selalu mendengarkan penampilan mereka saat memainkan suatu alat musik, tentu saja mereka akan menjawab ya. Namun, dalam praktiknya, sayangnya, gambaran berbeda terlihat. Seringkali siswa hampir tidak memperhatikan bunyi pada tahap pertama mempelajari suatu karya. Hal ini dijelaskan oleh fakta bahwa perhatian mereka sepenuhnya terserap oleh “nada”, ritme dan “jari”. Kurangnya perhatian terhadap bunyi sering terlihat pada tahap tengah mempelajari suatu karya, ketika siswa, terutama mereka yang bersemangat dalam pekerjaan teknis, berusaha untuk meningkatkan diri.
“melubangi” tempat-tempat yang sulit dan memainkannya untuk waktu yang lama. suara yang terbentuk kasar.
Alhasil, selama perkuliahan, hanya sebagian kecil saja yang benar-benar dikhususkan untuk menggarap suara. Selebihnya, siswa bermain dengan suara “tanpa wajah” yang tidak ekspresif dan, tanpa disadari, merusak pendengarannya. Fitur desain piano - tidak adanya kontak langsung antara pemain dan sumber suara - dapat dengan mudah menghasilkan produksi suara mekanis.
Cara “bekerja” seperti itu menghambat perkembangan kemampuan mendengarkan diri sendiri dan bermain secara ekspresif, dengan suara yang indah.
Untuk mengembangkan pendengaran, penting untuk membiasakan mendengarkan jalinan sebuah karya dengan cara yang berbeda - untuk menangkap suara yang berbeda, putaran melodi dan harmonik, dll.
Hal ini juga berguna untuk memantau kinerja musik dengan catatan. Praktek seperti ini harus dimulai sedini mungkin. Ini juga merupakan latihan membaca pemandangan yang bagus. Dalam hal ini, telinga melodi, yang sangat penting bagi pemainnya, dapat ditambahkan bahwa keberhasilan perkembangannya difasilitasi oleh pengerjaan melodi yang sistematis. berbagai jenis dan panjangnya bervariasi. Yang tidak kalah pentingnya adalah mendengarkan “kehidupan” sebuah bunyi piano, mulai dari asal mula hingga penghentiannya. Seorang penyanyi, pemain biola, pemain klarinet, dan semua pemain, kecuali pemain organ, pemain harpsichordist, dan pianis, dapat membentuk suara yang diambil, memperkuat atau melemahkannya, mengubah warnanya, dengan kata lain, “ucapkan” atau “nyanyikan” dengan cara yang berbeda. Pianis hanya dapat mengambil suara dengan kekuatan dan warna tertentu dan mengikuti peluruhan alaminya secara bertahap dan akhirnya. Namun bahkan dalam batas-batas yang tampaknya sempit ini, terdapat gradasi yang tak terhitung banyaknya. Entah bunyinya meregang, lalu menghilang dengan cepat, lalu dengan lancar dan plastis berpindah ke yang lain (sphere legato), lalu dengan cepat berakhir (sphere staccato). Betapa banyaknya nuansa artikulatoris yang halus! Dan semua ciri “kehidupan” satu suara ini harus dapat didengar dengan telinga bagian dalam, didengar dan “dialami”.
Anda bahkan dapat mengucapkan kalimat berikut dalam ratusan mode berbeda: kata-kata pendek sebagai “aku”, “kamu”, “ya”, “tidak”. Dan Anda perlu mendengarkan mereka dengan cara yang berbeda, karena mereka tahu bagaimana melakukannya aktor yang baik dalam kata-kata ini sekarang ada kejutan, sekarang ejekan, sekarang penegasan, sekarang kekuatan, sekarang kemarahan, sekarang kelembutan.
Jadi Anda dapat, misalnya, meminta siswa untuk mengucapkan kata ketiga dengan lembut kepada dirinya sendiri, dan kemudian memainkannya juga di piano; lalu - dengan angkuh atau dengan cara lain. Hanya mendengarkan interval melodi yang memungkinkan siswa menampilkannya secara ekspresif. Namun pada tahap selanjutnya dalam membawakan melodi, penting untuk tidak “menyusutkan” baris melodinya, melainkan menyanyikannya “dengan nafas yang lebar”. Integritas dalam intonasi melodi dicapai dengan kombinasi cara ekspresif yang berbeda: guratan dinamis yang besar, “menyerap” semua nuansa dinamis atau artikulatoris kecil, ritme tempo, dan pola relief.
Pendengaran yang harmonis juga tidak kalah pentingnya. Hal ini dapat dikembangkan dengan cara-cara ini. Misalnya, mainkan kutipan dari sebuah karya yang sedang dipelajari dalam tekstur harmonik yang berbeda, katakanlah, “menutup” figurasi harmonik menjadi akord (presentasi seperti itu biasanya memberikan gambaran yang jelas tentang rencana harmonik) atau, sebaliknya, memainkan urutan akord dalam bentuk figurasi yang harmonis; mengubah susunan akord pada keyboard; menyampaikan melodi, misalnya dari tangan kanan ke kiri, dan harmonisasi - dari kiri ke kanan, dll.
Untuk mengembangkan pendengaran timbre, mendengarkan orkestra dan bermain dalam ansambel akan berguna. Penting juga bagi guru untuk lebih memanfaatkan perbandingan warna-warni dan mengajari siswa piano untuk mendengarkan banyak hal seolah-olah dalam suara orkestra. Tentu saja orkestrasi khayalan atau aransemen paduan suara khayalan diperlukan bukan untuk meniru kemerduan alat musik atau suara tertentu, tetapi hanya untuk menggugah imajinasi, mengaktifkan telinga bagian dalam siswa sehingga membantu mewujudkan karakter musik. piano.-fitur terner atau cara pertunjukan pada satu atau beberapa instrumen atau paduan suara. Mencari kemerduan orkestra atau paduan suara tertentu
Siswa ini dapat menemukan berbagai macam warna piano.
Perkembangan pendengaran bertekstur membutuhkan perhatian yang tidak kalah pentingnya. Sangat penting untuk mendengarkan semua elemen penyusun struktur musik. Harmoni dalam penyajian teksturnya yang berbeda, polifoni dan sub-suara individual, “instrumentasi” dan registrasi piano - semua elemen musik yang saling berhubungan ini menonjolkan ekspresi melodi utama, menambah atau melemahkan kekuatan mengesankannya, memberinya satu atau beberapa emosi dan semantik rasa, berkontribusi pada pengembangannya dan berkontribusi pada penciptaan citra artistik dengan segala kelengkapan dan keserbagunaannya. Hal ini sangat penting ketika mempelajari karya polifonik. Untuk menyampaikan suara dengan jelas dalam potongan polifonik, pertama-tama Anda harus memperhatikan intonasi setiap suara. Penting untuk menjaga intonasi dan karakteristik individu semantik dari setiap suara dalam jalinan polifonik; Hal ini dapat dicapai dengan bantuan artikulasi, caesura, dinamika, aksentuasi, agogis.
Pendengaran batin berkembang secara alami dalam proses pengerjaan karya yang benar, penampilan mereka, dan mendengarkan musik. Peningkatannya difasilitasi dengan memindahkan karya-karya yang sudah dikenal dari ingatan, memilih dan memainkannya dengan telinga, serta menggubah musik (sebaiknya tidak hanya dengan piano, tetapi juga tanpa piano) dan improvisasi. Disarankan bagi guru untuk mengajarkan penggunaan teknik kerja selama mempelajari karya musik yang memerlukan partisipasi telinga bagian dalam yang sangat diperlukan dan intensif, yaitu: “bermain” internal sebelum menampilkan bar awal komposisi; membawakan iringan bersamaan dengan penyajian melodi oleh telinga bagian dalam. Dan sebaliknya; mempelajari sebuah karya dari nada tanpa piano, serta tanpa nada dan tanpa piano (seperti yang direkomendasikan oleh I. Hoffman).
Tentu saja, sebagian besar metode kerja ini hanya dapat direkomendasikan kepada siswa tingkat lanjut, namun beberapa di antaranya, seperti yang pertama, harus sudah diperkenalkan di kelas bawah sekolah.
Penting untuk membiasakan, seperti disebutkan di atas “sehubungan dengan perkembangan telinga melodi,” untuk membayangkan suara yang diinginkan saat mengerjakan sebuah komposisi. Berguna untuk menanyakan kepada siswa jenis suara apa, menurut pendapatnya, yang sesuai dengan frasa tertentu. Pertama, Anda perlu memilih musik yang sudah diketahui siswa. Pada awalnya, jawabannya seringkali tidak jelas dan tidak cukup spesifik. Lambat laun, seiring dengan pertumbuhan artistik siswa dan berkembangnya telinga bagian dalam, hal-hal tersebut menjadi lebih bermakna. Pekerjaan semacam ini, disertai dengan reproduksi bunyi-bunyian yang sesuai, sangat berguna untuk dilakukan di sekolah.
Meringkas semua yang telah dikatakan, pantas untuk mengingat kata-kata B. Asafiev, yang mencirikan “perhatian pendengaran intonasi” seorang musisi: “Aktivitas pendengaran terdiri dari “melontakan setiap momen musik yang dirasakan dengan telinga bagian dalam”. .. menghubungkannya dengan bunyi sebelumnya dan selanjutnya dan pada saat yang sama menjalin hubungannya dengan “lengkungan” pada jarak tertentu hingga kestabilan atau “kurangnya kejelasan” dirasakan.
Yang sangat penting adalah seberapa emosional gambar artistik itu dirasakan dan disampaikan. Mempersiapkan “peralatan mental” untuk melakukan kreativitas pada akhirnya berarti menumbuhkan kemampuan untuk “menyalakan”, “ingin”, “terbawa suasana” dan “keinginan”, dengan kata lain, respon emosional terhadap seni dan kebutuhan yang menggebu-gebu untuk menggairahkan dan menyampaikan. menampilkan gagasan kepada orang lain.
Respons emosional yang hangat terhadap sebuah musik berkembang berkat analisis logis yang cerdas, yang mampu “memancing” rentang perasaan yang diinginkan. Keterlaluan, kreativitas dari pikiran memadamkan api kreatif; perhatian, kreativitas dengan pikiran menggairahkan kekuatan kreatif emosional. Kegembiraan kreatif yang muncul pada kontak pertama seorang pemain berbakat dengan sebuah karya musik membangkitkan keinginannya untuk mewujudkannya.
Agar percikan simpati berubah menjadi nyala api gairah kreatif yang sejati, perlu tidak hanya “pencelupan” emosional yang lebih dalam ke dalam karya, tetapi juga memikirkannya secara komprehensif. Tanpa kemampuan untuk menyala di bawah pengaruh gambar yang menarik, tidak ada kreativitas pertunjukan.
Kemampuan untuk "terbawa suasana - ingin" dididik. Jika dalam jiwa siswa ada nyala api tanggap terhadap musik yang membara, nyala api ini bisa dipadamkan. Pengaruh pedagogis dapat meningkatkan respons emosional siswa terhadap musik, memperkaya palet perasaannya, dan meningkatkan suhu “pemanasan kreatif”nya.
Namun pendidikan “gairah kreatif”, serta pendidikan emosi secara umum, hanya dapat dicapai secara tidak langsung. Manusia tidak memiliki kekuasaan langsung atas perasaan. “Gairah – hasrat” tidak bisa ditimbulkan secara sembarangan, namun kompleks emosional ini dapat “dipancing” dengan mengembangkan dan memupuk sejumlah kemampuan. Ini terutama mencakup imajinasi kreatif.
Memupuk imajinasi kreatif bertujuan untuk mengembangkan inisiatif, fleksibilitas, kejelasan dan kejelasan. Gambaran visual dari pemain yang tidak berpengalaman (“penglihatannya”) tidak jelas, dan gambaran pendengarannya tidak jelas. Lain halnya dengan musisi kita yang sebenarnya: gambaran imajiner (sebagai hasil kerja yang dilakukan pada karya tersebut) menjadi lebih jelas, menjadi lebih menonjol, “nyata”; "penglihatan" memperoleh kontur yang jelas, "pendengaran" - kejelasan setiap detail. Keakuratan dan keringkasan representasi sangat penting
sangat menentukan kualitas kreativitas seni. Kemampuan untuk membayangkan dengan jelas gambar artistik tidak hanya merupakan ciri khasnya
tidak hanya bagi para pemain (aktor dan musisi), tetapi juga bagi para penulis, komposer, pelukis, pematung.
Dostoevsky menulis tentang salah satu pahlawannya: "Wajah ini hidup, seluruh orang tampak berdiri di depan saya."
Untuk siswa yang imajinasinya kurang berkembang, teks musik tidak banyak bicara; Dia masih tidak tahu cara membaca yang tersirat.
Salah satu cara untuk mengembangkan imajinasi adalah dengan menggarap sebuah karya musik tanpa alat musik. Metode ini bukanlah hal baru; Liszt, Rubinstein, Bülow dan lainnya juga menggunakannya. Hoffmann menunjukkan empat cara untuk mempelajari sebuah karya musik: 1) bermain piano dengan not; 2) tanpa piano dengan nada; 3) dengan piano, tetapi tanpa nada", 4) tanpa piano dan tanpa nada. Manfaat mengerjakan sebuah karya tanpa instrumen terletak, pertama, pada kenyataan bahwa "peralatan
perwujudan" tidak mengarah ke jalur yang biasa dan berkat ini, imajinasi musik dapat memanifestasikan dirinya dengan fleksibilitas dan kebebasan yang lebih besar; kedua, fakta bahwa pemain - dengan sikap serius dan jujur terhadap karya - harus memikirkan dan dengarkan detail yang mungkin luput dari perhatian saat bekerja dengan alat ini.
Perbandingan dan perbandingan dapat berperan besar dalam pengembangan imajinasi kreatif pelaku. Ide, konsep, dan gambaran baru yang diperkenalkan dengan cara ini menjadi stimulan fantasi.
Misalnya, saat menjelaskan kepada siswa inti dari tempo rubato Chopin, Liszt membawanya ke jendela dan berkata: "Apakah Anda melihat cabang-cabangnya, bagaimana mereka bergoyang? Daunnya, bagaimana mereka bergoyang? Akar dan batangnya kuat, ini dia tempo rubato.”
Mengenai awal penemuan dua suara Bach di jurusan B-flat, Bülow berkomentar kepada muridnya: “Bayangkan permukaan sebuah danau yang benar-benar datar, tidak bergerak dan tenang, di mana lingkaran memancar dari kerikil yang dilempar - B-flat di dalam bas." Terakhir, guru dapat menggugah imajinasi pemain dengan cara membandingkan musik yang satu dengan musik yang lain, episode suatu karya musik dengan episode lainnya. Bekerja, misalnya, dengan seorang siswa di akhir sonata op.2, F minor karya Beethoven, Anda dapat membuatnya berpikir bahwa
Trio A mayor pada gerakan ini merupakan “kenangan” bagian utama gerakan pertama sonata.
Tentu saja salah jika menganggap perbandingan sebagai “program” yang harus digambarkan oleh pemain saat membawakan sebuah karya musik. Arti dari perbandingan sangatlah berbeda - perbandingan memaksa imajinasi musikal siswa untuk bekerja. Perbandingan yang diperkenalkan menggairahkan lingkungan emosionalnya dan, berkat ini, membantunya memahami gambaran musik secara kreatif.
Guru harus mampu menggunakan perbandingan. Detail yang jelas dan menonjol sering kali memberikan perbandingan karakter yang efektif;
Mari kita melampaui batas-batas pedagogi musik dan melihat beberapa contoh. “Saya mengusir seekor lebah yang terbang ke sekuntum bunga,” ungkapan ini tidak mampu menimbulkan kesan yang jelas pada pembaca. Oleh karena itu, Tolstoy membuat ulang: "Saya mengusir lebah berbulu lebat yang menggali di tengah-tengah bunga dan tidur dengan manis dan lesu di sana." Detail yang menunjukkan tindakan karakteristik ("mabuk", "tertidur") atau sisi gambar yang dirasakan secara sensual ("tertidur dengan manis dan lesu", "berbulu") memberikan kekuatan yang mengesankan.
Hal yang sama juga berlaku dalam pedagogi musik dan pertunjukan. Siswa sering disarankan untuk membayangkan unsur-unsur presentasi piano yang dibawakan oleh instrumen orkestra. Perbandingan ini dapat membangkitkan imajinasi pemain dan mengarah pada pencarian kemerduan piano yang unik, mengingatkan pada cara memainkan instrumen orkestra. Namun siswa tidak selalu dapat membayangkan kemerduan alat musik gesek, tiup, atau perkusi tertentu. Dan di sini pengingat akan satu atau beberapa detail khas dan orisinal sering kali membantu: baik karakteristik tiupan aliran udara pada alat musik tiup kayu yang non staccato, atau guratan alat musik petik, dll.
Tapi guru tidak bisa membatasi dirinya pada semua ini. Perbandingan-perbandingan yang dibuatnya, meskipun akan membantu dalam satu atau lain hal, belum mengembangkan inisiatif kreatif yang sangat diperlukan bagi sang seniman. Sedangkan bagi seorang pemain yang berimajinasi inisiatif, kehidupan itu sendiri menyediakan materi yang dibutuhkannya - seruan yang dilontarkan secara acak, cerita yang dibacakan, pertunjukan teater yang ditonton.
Pertunjukan yang luar biasa, konser yang didengarkan - semua ini dapat membuat imajinasinya bekerja. Oleh karena itu, sangat penting untuk mengajar siswa tidak hanya menggunakan apa yang disarankan guru, tetapi juga mencari perbandingan yang diperlukan oleh gambar tersebut.
BAB II. BEKERJA PADA GAMBAR ARTISTIK DALAM PELAJARAN PIANO.
Bekerja di sekolah musik anak, seringkali kami harus bekerja dengan siswa sekolah dasar. Mengamati pemikiran musikal dan figuratif anak-anak pada usia ini sangatlah menarik. Pelatihan pada tahap ini memikul tanggung jawab besar guru untuk “takdir musik” siswa selanjutnya.
Pengalaman para pianis pertunjukan besar menunjukkan bahwa bahkan perkenalan pertama dengan sebuah karya memberikan dorongan kreatif penting yang mempengaruhi asimilasi lebih lanjut, karena pada saat yang sama lahirlah interpretasi gambar dan tema di masa depan. Potongan kain melodi-harmonik dan polifonik, tempo. Bagi siswa sekolah dasar, kontak pertama dengan musik terlihat berbeda. Dalam potongan-potongan yang dekat dengan pengalaman pendengarannya (misalnya, lagu dan tarian, dari alam atau kehidupan anak-anak), siswa “menebak” sifat musik, terutama episode individu yang paling berkesan. Namun, tidak setiap anak berhasil memahami isi kiasan dari karya tersebut dengan pemutaran yang “kasar”. Oleh karena itu, perlu didorong ke arah sikap emosional yang lebih mandiri terhadap musik. Anda dapat mengajak siswa untuk memainkan kembali karya atau bagian yang dia sukai untuk lebih menunjukkan pemahamannya.
Setelah tahap pengenalan aktif yang singkat dengan karya tersebut, pianis muda diberikan tugas analisis rinci teks dan asimilasi lebih lanjut. Pertama, Anda perlu mempelajari bahasa musik dari drama tersebut, makna kiasan dan ekspresifnya. Semakin tepat waktu siswa memahami ciri-ciri pidato musikal, semakin cerdas ia akan mulai menguasai bagian-bagian tertentu dari karya tersebut dan interpretasinya secara keseluruhan. Latihan menunjukkan bahwa sebuah karya yang akrab di telinga anak dengan cepat dipahami dan dipelajari. Hal ini menegaskan perlunya untuk terus memperluas wawasan mendengarkan siswa, tidak dibatasi oleh rencana repertoar masing-masing. - Seringkali, misalnya, seorang anak dengan senang hati mempelajari sebuah karya yang berulang kali didengarnya dibawakan oleh teman-teman sekelasnya. Beberapa anak dengan cepat memahami ciri-ciri penting dari karya yang dianalisis, tetapi kemudian menyelesaikan tugas-tugas artistik dan melakukan tugas-tugas dengan kurang gigih dan terarah, sementara yang lain tampaknya perlahan-lahan memasuki teks, tetapi kemudian mengasimilasinya dengan kuat dan menggunakan apa yang telah mereka peroleh dengan lebih cerdas. Akademisi B. Asafiev, yang merangkum pengamatannya terhadap anak-anak, mencatat bahwa pada beberapa di antaranya, memori musik, dan bagi yang lain - daya tanggap terhadap musik; kehadiran nada absolut disertai dengan “ketumpulan” persepsi. hubungan musik yang lebih kompleks, dan sebaliknya, pendengaran yang lemah dipadukan dengan sikap yang dalam dan serius terhadap musik.
Tergantung pada tingkat aksesibilitas pekerjaan untuk siswa tertentu, metode yang dipotong-potong, semacam analisis analitis, digunakan dengan cara yang berbeda-beda. Pembagian tersebut dapat dilakukan secara horizontal dan vertikal. Pertama-tama, perlu mengarahkan kesadaran siswa pada persepsi ciri-ciri emosional, semantik dan struktural melodi: pewarnaan genre, gambaran intonasi-ritmik, pembagian sintaksis, garis perkembangan, polanya selama penyajian berulang. Pendamping menangani hal ini secara mandiri dengan cara yang sama. Terlebih lagi, jika seorang anak mudah mengenali suatu melodi, akan lebih sulit baginya untuk memahami harmoninya. Itulah sebabnya cara tambahan sering digunakan untuk membantu persepsi pendengaran yang terakhir. Misalnya, untuk menekankan keindahan suara transisi harmonik, ada baiknya saat memainkannya untuk menandainya dengan tenuto kecil dan pergantian pedal. Dalam hal ini, ada peluang besar untuk memperkuat vertikal. Pada awalnya, Anda dapat menggunakan metode seperti pembuatan satu elemen kain oleh siswa, dan elemen lainnya oleh guru. Klarifikasi hubungan artistik antara melodi dan harmoni juga difasilitasi dengan memainkan latar figuratif harmonis dengan kompleks akord.
Dalam analisis jalinan polifonik khususnya penyimpanan imitatif, perhatian siswa diarahkan pada ciri ekspresif dan struktural setiap suara.
Sangat berbahaya bagi siswa untuk membaca hak cipta secara formal
instruksi pertunjukan mengenai dinamika dan artikulasi. Penting untuk menanamkan dalam dirinya pemahaman tentang subteks kiasan masing-masing, tergantung pada genre atau tekstur karyanya. Misalnya, penonjolan kontras dinamis dan guratan artikulatoris lebih konsisten dengan musik marching daripada musik waltz; bagian tengah karya dapat disorot secara dinamis secara berbeda dibandingkan bagian ekstrem yang kontras dengannya.
Bagi anak-anak yang kurang mempersepsikan musik secara emosional, disarankan untuk memeriahkan acara dengan karya-karya bergenre cerah.
Dengan demikian, prinsip emosional dan analitis dalam metode membesarkan anak saling berhubungan. Dengan demikian, siswa kelas satu, dalam hal perkembangan umum dan musikalnya, dapat memahami keseluruhan isi dan membayangkan gambaran artistik dari lakon-lakon kecil. Ini akan berupa lagu dan drama tari, sebagian besar pertunjukan homofonik. Bahkan dalam hal itu
Dalam lakon seperti itu, sebagian besar siswa pada awalnya hanya dapat membayangkan dengan jelas suara melodi utama saja. Perlu diingat bahwa gagasan seorang anak selalu berhubungan erat dengan tindakan. Oleh karena itu, lebih baik mengatakan kepadanya: "Nyanyikan (atau mainkan) sebuah melodi untuk diri Anda sendiri (dengan suara keras), "tepuk (atau ketuk) ritmenya", daripada "bayangkan bagaimana melodi itu berbunyi".
Misalnya, "Lullaby" karya Philip. Suara Ibu yang bersenandung di atas buaian tidak membuat pemain muda itu acuh tak acuh. Ia akan mencoba menggambarkan kelembutan intonasi suara nyanyiannya. Untuk tahun pertama mengajar anak bermain piano, kami merekomendasikan koleksi karya A. Artobolevskaya “Pertemuan Pertama dengan Musik” sebagai alat bantu pengajaran terbaik. Manual ini ditujukan untuk pembelajaran tahun pertama, ditujukan langsung kepada anak-anak, diilustrasikan dengan warna-warni. Potongan dan latihan yang mudah diakses oleh persepsi anak diberikan dalam urutan tertentu - memperhitungkan penempatan tangan, perolehan keterampilan awal pianistik dan perolehan notasi musik. Tugas guru adalah menjadikan pelajaran musik menarik dan disukai. Hal ini harus difasilitasi oleh segala sesuatu yang membangkitkan imajinasi anak: materi musik dan gambar, lirik lagu dan subteks cerita yang menyertai permainan. Semua ini membantu mengkonkretkan citra musik siswa, melaksanakannya pada materi artistik yang dapat diakses dan menarik bagi anak.
Misalnya, dua drama “Winter” oleh Krutitsky dan “Hedgehog” oleh Kabalevsky memiliki karakter yang berbeda. “Winter” merupakan lakon yang merupakan pertemuan pertama anak dengan sesuatu yang baru dan tidak biasa bagi mereka, yaitu musik slow dan slow. sedih. Sangat berguna untuk mengajak anak memilih subteks permainan ini, yang muncul dari perasaan akan sesuatu yang kasar, bahkan menakutkan.
Dalam drama "Landak" gambar karakter baru dibuat - gambar binatang dengan jarum berduri tajam. Hal ini dicapai dengan harmoni yang terdengar baru dan “tajam”. Karya ini mempromosikan pengembangan staccato yang mudah dan mempersiapkan siswa untuk memahami kemerduan musik modern.
Di kelas-kelas berikut, batasan genre dan gaya repertoar program diperluas secara nyata. Dalam literatur polifonik peran besar dialokasikan untuk karya dua suara dari gudang imitasi. Struktur figuratif karya-karya berukuran besar semakin berkembang. Dalam bentuk kecil; khusus yang berkarakter cantilena, tekstur tiga bidang digunakan lebih maksimal, memadukan melodi dan harmoni. Karya polifonik. Perkembangan musik seorang anak melibatkan pengembangan kemampuan untuk mendengar dan memahami elemen individu dari struktur piano, yaitu horizontal, dan satu kesatuan, vertikal. Dalam hal ini, pendidikan sangat penting musik polifonik. Peran khusus dimiliki oleh studi polifoni cantilena. DI DALAM kurikulum sekolah termasuk aransemen polifonik untuk piano lagu-lagu liris rakyat, karya cantilena sederhana oleh Bach dan komposer Soviet (N. Myaskovsky, S. Maykapar, Yu. Shchurovsky). Mereka berkontribusi pada kinerja suara yang lebih baik dalam mendengarkan siswa dan membangkitkan reaksi emosional yang kuat terhadap musik.
Siswa bersentuhan dengan vokalisasi kontras terutama saat belajar karya polifonik. Pertama-tama, ini adalah drama dari " Buku musik Anna Magdalene Bach." Jadi, dalam dua suara "Minuet" di C minor dan "Aria" di G minor, seorang anak dapat dengan mudah mendengar suara utama karena suara atas utama memiliki intonasi yang plastis dan merdu, sedangkan yang lebih rendah secara signifikan jauh darinya dalam hal register dan lebih independen dalam pola ritme melodi. frase pendek membantu merasakan nafas melodi di setiap suaranya.
Sebuah langkah baru dalam menguasai polifoni adalah keakraban dengan struktur gerakan suara yang berkesinambungan dan serupa secara metrik yang menjadi ciri khas Bach. Contohnya adalah "Little Prelude" dalam C minor dari buku catatan kedua. Pertunjukan ekspresif dari gerakan terus menerus dengan nada kedelapan pada suara atas difasilitasi oleh pengungkapan karakter intonasional melodi dan perasaan pernapasan melodi dalam konstruksi panjang. Struktur melodi itu sendiri, yang disajikan terutama dalam bentuk harmonik dan interval terputus-putus, menciptakan prasyarat alami untuk intonasi ekspresifnya. Seharusnya terdengar sangat merdu dengan corak nada cerah yang meninggi. Dalam “fluiditas” suara atas yang terus-menerus, siswa harus merasakan pernapasan internal, seolah-olah caesura tersembunyi, yang terungkap dengan mendengarkan dengan cermat pembagian frasa ke dalam kelompok bar yang berbeda.
Tahap selanjutnya adalah studi tentang polifoni tiruan, keakraban dengan penemuan, fuguette, dan fugue kecil. Berbeda dengan dua suara yang kontras, di sini masing-masing dari dua baris polifonik sering kali memiliki gambaran intonasi melodi yang stabil. Bahkan ketika mengerjakan contoh musik yang paling ringan sekalipun, analisis pendengaran ditujukan untuk mengungkap aspek struktural dan ekspresif dari materi tematik. Setelah guru menyelesaikan pekerjaannya, perlu dilanjutkan ke analisis materi polifonik yang cermat. Setelah membagi lakon menjadi beberapa bagian besar, seseorang harus mulai menjelaskan esensi musikal, semantik dan sintaksis dari tema dan pertentangan di setiap bagian, serta selingannya.
Pertama, siswa harus menentukan lokasi topik dan
rasakan karakternya. Tugasnya adalah intonasi ekspresifnya dengan menggunakan sarana artikulasi dan pewarnaan dinamis pada tempo dasar yang ditemukan. Hal yang sama juga berlaku bagi oposisi jika mereka terkendali.
Seperti diketahui, di fuguetta kecil temanya pertama kali muncul dalam presentasi monofonik independen. Penting untuk mengembangkan penyesuaian pendengaran internal siswa dengan tempo utama, yang harus ia rasakan sejak bunyi pertama. Dalam hal ini, seseorang harus berangkat dari pengertian karakter dan struktur genre keseluruhan karya. Misalnya, dalam fuguetta in A minor karya S. Pavlyuchenko, “andante” penulis harus dikaitkan tidak hanya dengan tempo yang lambat, tetapi dengan kelancaran ritme di awal tema; dalam “Invention” dalam C mayor oleh V. Shchurovsky, “allegro” tidak berarti kecepatan, melainkan keaktifan ritme gambar tarian dengan aksen khasnya yang berdenyut.
Dalam pengungkapan pertunjukan citra intonasional tema dan tandingan, peran yang menentukan adalah artikulasi. Diketahui betapa halusnya guratan artikulatoris floMol-aloT mengungkap kekayaan ekspresif penampilan suara dalam karya-karya Bach.
Pada artikulasi vertikal kain dua suara, biasanya setiap suara diarsir dengan guratan yang berbeda. dalam edisi penemuan dua suara Bach, dia menyarankan untuk menampilkan semua nada keenam belas dalam satu suara secara koheren (legato), sedangkan kontras nada kedelapan dalam suara lain harus dilakukan secara terpisah (legato, staccato).
Penggunaan guratan yang berbeda untuk “mewarnai” tema dan posisi tandingan dapat ditemukan dalam penemuan dua bagian Bach edisi Busoni.
Dalam melakukan interpretasi imitasi, khususnya pada karya Bach, peran penting diberikan pada dinamika. Ciri paling khas dari polifoni komposer adalah dinamika arsitektur, di mana perubahan pada struktur besar disertai dengan pencahayaan “dinamis” baru. Misalnya, dalam pendahuluan kecil dalam E minor dari buku catatan pertama, permulaan episode dua suara di tengah-tengah lagu setelah forte besar sebelumnya dalam tiga suara diarsir oleh piano transparan. Pada saat yang sama, fluktuasi dinamis kecil, semacam nuansa mikrodinamik, juga dapat muncul dalam perkembangan suara secara horizontal.
Diy, kontrol pendengaran siswa harus diarahkan ke episode dua-
suara di bagian tangan yang terpisah, dituangkan dalam nada yang berlarut-larut. Karena peluruhan suara piano yang cepat, terdapat kebutuhan untuk membunyikan nada-nada panjang yang lebih besar, serta mendengarkan hubungan interval antara suara-suara panjang dan pendek yang melewati latar belakangnya. Jadi, studi tentang karya polifonik adalah sekolah yang sangat baik untuk pendengaran siswa dan persiapan suara untuk menampilkan karya piano dalam genre apa pun.
Saat mengerjakan karya bentuk besar anak sekolah secara bertahap mengembangkan kemampuan untuk merangkul musik secara holistik sepanjang jalur perkembangannya yang lebih luas, yaitu, “panjang, horizontal” dimunculkan pemikiran musikal, di mana persepsi episode individu dari karya tersebut berada di bawahnya.
Kesulitan menguasai sonata allegro karena adanya perubahan kiasan
konstruksi bagian, tema (melodi, ritme, harmoni, teksturnya), seolah-olah, dikompensasi oleh kekhususan genre dari karakteristik bahasa musik sonatina populer dari program periode studi tertentu. Kekhususan genre ini menjadi ciri keseluruhan sonata allegro atau bagian dan tema individualnya. Contoh yang mencolok adalah karya seperti sonatina Kabalevsky dalam A minor, dengan intonasi ritmis yang membuat seseorang dapat merasakan permulaan barisan dengan ritme titik-titik yang khas, tekstur dan dinamika yang konkret. Minuet dalam Sonatina karya Melartin terdengar sangat berbeda dalam keanggunan, ringan, dan transparan. Karya-karya ini dipersepsikan oleh anak-anak sebagai permainan kecil dengan struktur tiga bagian.
Dalam sonata allegros yang relatif berkembang dengan bagian-bagian yang lebih kontras, kita menemukan kecenderungan khas ke arah melodisasi tekstur, yang merupakan cara aktif mempengaruhi persepsi pendengaran siswa ketika memperkenalkannya pada hal-hal yang kompleks. bentuk musik. Sebut saja bagian pertama "Sonatina" oleh A. Zhilinsky, "Sonatina Ukraina" oleh Yu. Shchurovsky, "Sonata" dalam G mayor oleh G. Grazioli, "Children's Sonata" dalam G mayor oleh R. Schumann. Bersamaan dengan mereka, sebagian besar repertoar siswa termasuk dalam bagian musik komposer asing, yang mempersiapkan siswa untuk penguasaan masa depan bentuk sonata dari Haydn, Mozart, dan Beethoven. Ini adalah sonatina Clementi, Koolau, Dussek, Dibelli. Struktur figuratif dan emosional dari karya-karya tersebut di atas diperkuat oleh aspirasi motorik yang besar, kejelasan ritme, pola pergantian guratan dan teknik bertekstur yang ketat, dan kenyamanan pelaku dalam teknik teknik kecil. Siswa harus mengidentifikasi di dalamnya kualitas materi tematik seperti kesatuan dan kekhususan, dan menunjukkan perkembangannya. Persepsi anak-anak yang paling mudah dipahami adalah perbandingan materi musik yang kontras dalam segmen-segmen bentuk yang besar dan lengkap. Karena bagian utama, sekunder, dan akhir sangat berbeda dalam karakter, pewarnaan genre, dan pencahayaan mode-harmonik, siswa lebih mudah diberikan cara untuk menampilkannya. Sudah dalam pameran bagian pertama sonati Kulau, Op. 55, C mayor dan Clementi, Op. 36, No. 3, pianis muda dengan jelas membedakan antara aspek musikal - semantik dan struktural-sintaksis dari tiga bagian utama. . Dalam karya Ku-lau, esensi emosional setiap bagian diekspresikan terutama melalui citra melodi-ritmis. Bagian utama yang penuh kegembiraan dan “menari” melalui tangga nada G mayor yang menaik berubah menjadi bagian samping yang lembut dan halus, langsung mengalir ke bagian akhir dengan alirannya yang seperti tangga nada yang deras, dengan jelas berlabuh pada kunci dominan.
Fenomena kontras dalam partai lebih sulit dipahami oleh siswa. Di sini, pada jarak dekat, terjadi perubahan lingkup intonasi ritme, guratan artikulatoris, panduan suara, tekstur, dll. Kontras ini paling jelas terlihat pada segmen pendek di bagian utama gerakan pertama sonatina Mozart di C mayor No. . Kontras guratan akibat intensitas emosi dalam struktur kecil menjadi salah satu kesulitan dalam menampilkan materi tematik bagian pertama sonatina Op.36 karya M. Clementi, No. 2 dan sonatina No. 2 karya N. Silvansky.
Semakin dalam dan jelas siswa memahami sifat ekspresif dan struktural eksposisi, maka ia akan semakin siap membaca perkembangan dan rekapitulasinya. Materi musik pameran kurang berkembang di bagian pengembangan. Jadi, membandingkan dua sonati Clementi - Op.36 No.2 dan
Nomor 3, kami menemukan keringkasan maksimum pengembangan pada pro-karya pertama, yang dibangun di atas pembaruan tonal dari intonasi ritmis bagian utama. Emche oleh sarana musik dan perwujudan penampilan mereka di Sonatina No.3. Perhatian pendengaran siswa di sini harus diarahkan untuk mendeteksi kesamaan pola melodi awal perkembangan dan awal bagian utama, yang disajikan seolah-olah terbalik. Transformasi materi ini menentukan warna pertunjukan yang berbeda; kegembiraan keriuhan (forte) digantikan oleh intonasi yang penuh kasih sayang (piano).
Repris dalam sonatina biasanya mereproduksi fondasi tematik eksposisi. Biasanya, siswa dengan mudah mengenalinya. Terkadang bagian utama di dalamnya hilang. Misalnya, dalam sonatina Mozart di C mayor No. 1, perkembangannya langsung masuk ke bagian sekunder, melewati bagian utama.
Syarat terpenting bagi seorang siswa untuk menguasai bentuk sonata adalah berkembangnya dalam dirinya rasa kesatuan melalui garis perkembangan musik. Seringkali perkembangan perasaan ini difasilitasi oleh hubungan intonasi-ritmik yang umum dari bagian utama dan sekunder. Sonata allegro Beethoven di Op. 49 No. 1 dan No. 2 diberkahi dengan kualitas seperti itu.
Sebagai contoh pengerjaan sonata allegro, mari kita lihat lebih dekat gerakan pertama sonatina Mozart di C mayor.
Bahasa sonatina mencerminkan ciri khas gaya musik Mozart. Benar, teksturnya tidak memiliki gerakan melodi nada keenam belas dalam teknik halus, yang menjadi ciri khas komposernya. Pemikiran orkestra dirasakan dalam ciri-ciri dinamis, artikulasi dan timbral dari jalinan musik. Kesulitan utama dalam menampilkan sonatina adalah seringnya terjadi kontras dalam materi tematiknya antara episode-episode citra dan struktur yang berbeda. Sudah di bagian utama, oktaf “keriuhan” yang terdengar padat digantikan oleh melodi liris yang muncul dengan latar belakang dua suara pengiringnya. Episode penghubung pendek ini mirip dengan awal permainan utama. Dalam interpretasi keanggunan penuh dari pihak sampingan, perubahan suasana hati dalam struktur kecil harus ditunjukkan dengan jelas. Namun, fragmentasi melodi menjadi liga-liga motivasi pendek tidak boleh mengaburkan garis perkembangan holistiknya menuju titik-titik puncak terdekat. Di akhir bagian samping, permulaan pengantar bagian akord dua suara terdengar sangat jelas (sinkopasi), mengalir ke bagian akhir yang pendek.
Dari ukuran perkembangan pertama, pola melodi terbalik dari awal bagian utama muncul dalam modal “iluminasi” baru. Episode ini diakhiri dengan intonasi “berani” pada bagian penghubung.
Reprise dimulai dengan bagian sampingan di C mayor. Namun, setelah menghentikan transisi ke game terakhir, awal game utama yang dimodifikasi tiba-tiba muncul kembali. Dalam dua suara terentang yang dibawakan pop legato, terdengar intonasi kemeriahan yang berubah menjadi irama penuh ceria dengan bagian akhir yang pendek.
Karya dalam bentuk besar juga mencakup siklus variasi. Berbeda dengan sonata dan sonata, kajian mereka dilakukan terutama pada sastra dalam negeri. Tema dari banyak variasi ini adalah lagu daerah. Dalam teknik komposisi penyajian tema yang bervariasi, kita menemukan dua kecenderungan: terjaganya kerangka intonasi tema dalam variasi individu atau kelompoknya dan masuknya variasi genre tertentu yang hanya mempunyai hubungan jauh dengan tema. Setelah mengidentifikasi ciri-ciri struktural dan ekspresif tema, maka pada setiap variasinya perlu dicari ciri-ciri ritme-intonasi, harmonik, persamaan tekstur atau perbedaan genre dengannya. Hal ini akan terbantu dengan memainkan atau “secara internal” menyanyikan tema tersebut, yang tercermin dalam berbagai jenis variasi.
Jadi, misalnya, dalam variasi Kabalevsky tersebut di atas, kemiripan intonasi-ritmis dengan tema hampir terungkap seluruhnya pada variasi pertama, yang ditafsirkan dalam semangat tema itu sendiri. Yang kedua secara ritmis dekat dengannya, tetapi agak berubah dalam hal struktural dan harmonis, yang menentukan ciri-ciri lain dari kinerjanya. Variasi ketiga, yang lebih berkembang, dibedakan berdasarkan kebaruan genrenya (menggantikan F mayor yang “cerah” dengan D minor yang “lembut” dengan pergantian tema melodi sesekali). Variasi keempat jauh dari struktur tema dan menyerupai pawai; dihias dengan kain akord yang padat. Variasi kelima terakhir memadukan ciri-ciri citra baru dengan penyajian perubahan intonasi tema yang dimodifikasi.
Saat bekerja dengan siswa tentang “Tema dengan Variasi” oleh K. Sorokin, konsep kiasan dan bunyi lainnya dimunculkan. Variasi di sini dibedakan berdasarkan kontras genrenya; hanya dalam kode penulis mengembalikan tampilan tema. Terlepas dari perbedaan figuratif dan tekstur dalam tema dan variasinya, perwujudannya yang jelas difasilitasi oleh struktur persegi yang diungkapkan dengan jelas. Variasinya dirancang menurut konstruksi delapan langkah. Empat frase merdu dari tema tersebut dibawakan dalam satu hembusan melodi. Pada variasi pertama, dibangun di atas gerakan ritmis yang berkesinambungan, semua intonasi tema, yang melewati bunyi awal kembar tiga, terdengar jelas. Seperti dalam temanya, di sini perlu dirasakan secara internal empat struktur melodi yang terselubung secara sintaksis. Variasi kedua mengandung jejak marching (Risoluto) pada variasi ketiga - penulis, dengan terampil memindahkan tema ke huruf kecil, membandingkannya dengan melodi baru register atas ke bawah, mengontraskannya dengan melodi baru dari suara atas, yang disajikan dalam arah nada suara yang berbeda. Variasi keempat adalah jenis toccata kecil di mana bagian tangga nada setengah bar bergantian secara ritmis dengan pemberhentian pada nada seperempat di ujung bar. Dalam kode, yang mereproduksi materi tema, penulis mempolifonisasi struktur dengan presentasi kanonik dari dua frasa awalnya.
Jadi, bekerja dengan siswa dalam siklus variasi mengembangkan pemikiran musiknya dalam dua arah: di satu sisi, sensasi pendengaran tentang kesatuan tema dan variasi, dan di sisi lain, peralihan fleksibel ke struktur figuratif yang berbeda.
Potongan karakter cantilena. Melodi dari karya-karya ini mengungkapkan beragam corak genre, lingkup intonasi-figuratif yang kaya, ekspresi cerah dari “simpul” puncak, dan garis perkembangan melodi yang banyak. Saat menampilkan melodi, kelenturan ritme, kelembutan, dan liriknya harus terungkap lebih lengkap. Penafsirannya membutuhkan perasaan bernafas lebar. “Lingkungan” yang harmonis, yang menonjolkan keunggulan intonasi melodi, dengan sendirinya membawa berbagai fungsi ekspresif, sering kali menjadi salah satu sarana utama untuk mengungkap struktur musik.
kali. Unsur polifonik seringkali ditenun pada kain cantilena dalam bentuk tiruan ("Lagu" oleh M. Kolomiets) atau dalam kombinasi kontras antara suara bass dan melodi (" Lirik lagu"N. Dremlyugi), kadang-kadang dalam bentuk suara tersembunyi yang memimpin dalam kompleks harmonik ("In the Fields" oleh R. Gliere). Dalam karya-karya yang dipelajari pada tahap ini, garis-garis gerak melodi yang lebih berkembang berhubungan dengan perluasan yang signifikan dari bingkai registernya (""Fairy Tale" oleh S. Prokofiev, "Fairy Tale" oleh V. Kosenko). Beragam corak genre kain cantilena terungkap saat dibawakan melalui nuansa dinamis, agogic dalam kesatuannya dengan berbagai teknik mengayuh.
Dengan demikian, pengembangan pemikiran horizontal siswa yang luas difasilitasi oleh studi tentang jalinan cantilena dari “Dongeng” Kosenko. Drama tersebut, yang ditulis dalam semangat epos Rusia, memiliki banyak kualitas artistik dan pedagogis yang berharga. Dimulai dengan register yang rendah dan “suram”, melodi yang disajikan secara serempak melalui dua oktaf, secara bertahap diperkaya dengan gema dan tekstur akord yang padat (pada kulminasi utama di tengah). Bagian pembalasan ditutup dengan coda dengan suara “seperti lonceng” yang terdengar jauh. Pertunjukan lakon Kosenko mengandaikan penguasaan keterampilan bermain merdu, palet dinamika yang luas
nuansa mic yang dipadukan dengan nuansa tempo-ritmis yang fleksibel. Pedalisasi berfungsi untuk menonjolkan intonasi cerah individu dari struktur melodi yang serempak, harmoni merdu, dan penampilan vokal yang halus.
Siswa menghadapi tugas yang sangat khusus ketika mempelajari “Dongeng” karya S. Prokofiev. Berbeda dengan karya cantilena berjenis homofonik, yang latar harmonisnya menentukan penggunaan teknik dasar mengayuh, dalam membawakan karya ini seseorang harus berangkat hampir seluruhnya dari tekstur garis-garis melodi yang terjalin. Faktanya, di hadapan kita ada jalinan polifonik di mana dua gambar melodi yang kontras terungkap. Melodi liris-epik yang dilantunkan dengan cerah dari suara atas dari bunyi pertama, yang diambil selama "inhalasi" di jeda sebelumnya, dilakukan dalam satu gerakan empat ketukan yang terus menerus. Hal ini disertai dengan latar belakang ostinato dari intonasi ritmis pendek “menyedihkan” dari suara rendah. Saat melodi dipindahkan ke suara yang lebih rendah, melodi tersebut diarsir oleh legato yang terdengar lebih menonjol. Di bagian tengah, pola tiga bagian narasi yang halus digantikan oleh tanda birama dua perempat yang lebih terkendali (sostenuto). Pergantian naik turunnya gerakan sepanjang chord link diasosiasikan dengan gambaran bunyi lonceng. Dibandingkan dengan mengayuh episodik dalam presentasi dua suara, yang hanya digunakan untuk bunyi melodi yang dilantunkan dengan jelas, bagian tengah lagu dicirikan oleh pedal yang lebih lengkap, yang menggabungkan bunyi-bunyi di atasnya pada bass yang umum.
Analisis kecil terhadap karya cantilena ini membuktikan pengaruh aktifnya terhadap pembangunan sisi yang berbeda pemikiran musik seorang anak.
Drama yang bersifat mengharukan. Dunia gambar miniatur terprogram yang bersifat bergerak dekat dengan hakikat persepsi artistik anak sekolah yang lebih muda. Reaksi anak-anak terhadap bidang ritme-motorik musik ini sangat terasa. Aksesibilitas sarana teknis dipadukan dalam karya-karya ini dengan kesederhanaan dan kejelasan penyajian harmonik homofonik. Kekayaan genre mereka menentukan penggunaan berbagai teknik pertunjukan. Berbeda dengan lakon cantilena yang bercirikan halus dan plastisitas, di sini terdapat struktur penyajian sintaksis yang jelas, denyut ritmis yang tajam, seringnya perubahan guratan artikulatoris, dan perbandingan dinamis yang jelas.
Mari kita perhatikan sebagai contoh drama V. Ziering “In the Forest”. Isi lakon dekat dengan persepsi anak dan mengembangkan imajinasi kreatifnya. Gambaran hidup dari gambaran alam secara alami dipadukan di sini dengan kemanfaatan presentasi yang pianistik. Struktur melodi pendek yang dominan dalam struktur musik drama tersebut, dengan intonasi nada keenam belas yang “naik” dan menurun, diasosiasikan oleh siswa dengan terbang dan berputarnya burung. Semua “peristiwa” yang terjadi dalam lakon tersebut secara kondisional dapat dianggap menurut skema tiga bagian yang merupakan ciri khas miniatur piano anak-anak. Dibandingkan dengan bagian ekstrem, yang dicirikan oleh kesamaan sarana figuratif-ekspresif dan pianistik, bagian tengah dibedakan oleh fitur genre yang lebih individual.
Karya ini dimulai dengan peningkatan energi ritme dan motorik secara perlahan. Setelah dua konstruksi satu bilah yang tenang, muncul dua bilah, dibangun di atas pergantian intonasi naik turun seperti gelombang dan diakhiri dengan figur melodi yang mengarah ke atas. Dalam jalinan musik bagian pameran selanjutnya, dimulai dengan klimaks empat suara, pelepasan bertahap pada gerakan melodi yang menurun dapat dirasakan. Bagian tengah karya dibedakan oleh emosinya yang cerah. Melalui crescendo molto yang intens pada sosok berbentuk tremolo yang terdengar gemetar, pembangunan mencapai klimaks sentral - sebuah episode penuh warna di benteng. Dalam interval yang lebar, figur melodi yang terbang tinggi dan kemudian jatuh dilantunkan di sini. Kemudian semuanya menjadi tenang, diakhiri dengan getar sebelum melanjutkan ke reprise, di mana struktur figuratif dari bagian eksposisi dipulihkan.
Sebagai kesimpulan, perlu dicatat sekali lagi bahwa pekerjaan menciptakan gambar artistik adalah proses yang kompleks dan memiliki banyak segi. Kelahiran suatu citra artistik merupakan terungkapnya kompleksnya ciri khas suatu karya, “wajahnya”. Untuk mencapai hal tersebut diperlukan pengetahuan, keterampilan dan kemampuan yang sesuai, yang coba kami ungkapkan dalam karya ini.
DAFTAR REFERENSI YANG DIGUNAKAN
1. A. Alekseev Metode pengajaran piano.
2. Prinsip pedagogi Piano Barenboim
3. Pedagogi dan pertunjukan musik Barenboim.
4.Yu. Estetika Borev.
5. Perkembangan musik anak.
7.A. Cortot Tentang seni piano.
8.E. Lieberman Karya kreatif seorang pianis dengan hak cipta
9. Soal analisis musik.
10. V. Milich Pendidikan seorang pianis pelajar.
12.A. Sokhor Pertanyaan tentang teori dan estetika musik.
13. Stanislavsky Karya aktor pada dirinya sendiri.
14. Kamus Ensiklopedis Musisi Muda