Lembaga pendidikan tambahan negara kota untuk anak-anak “Sekolah Musik Anak No. 1 dinamai. Yu.H. Temirkanova" Distrik kota Nalchik Festival Kreativitas Pedagogis Seluruh Rusia (tahun akademik 2015-2016) Nominasi: Pendidikan tambahan untuk anak-anak dan anak sekolah

Pengembangan metodologis pada topik:

“Tentang masalah pengembangan teknik gitaris”

Analisis metodologis dan kinerja etudes E. Baev Dikembangkan oleh guru departemen masyarakat Lopatina I.G. Nalchik 2015 Isi

Perkenalan

Tentang masalah pengembangan teknik gitaris (studi)……

1. Tentang tren modern dalam perkembangan teknologi gitar

2. Analisis metodologis dan kinerja buku teks E. Baev “School of Guitar Technique”...

Jalur kreatif (biografi, bidang kegiatan utama)…

Repertoar teknis (sketsa) untuk siswa sekolah musik anak-anak dengan rekomendasi metodologis...

Kesimpulan…

Bibliografi…

Aplikasi…………

Perkenalan

“Semakin hebat persenjataan teknis Anda, semakin banyak yang dapat Anda lakukan dengan musik.
Ini tidak diragukan lagi"

M.Barrueco

Gitar enam senar - salah satu yang tertua alat musik . Asal usul gitar kembali ke masa lalu, dan sejarahnya yang kaya sudah ada sejak puluhan abad lalu dan melewati banyak era sejarah dan budaya.

Abad ke-20 yang lalu telah menyaksikan kebangkitan dan perkembangan seni bermain gitar. Konser gitaris menarik perhatian banyak orang di semua benua. Dia menemukan tempatnya di kamar dan karya simfoni, Karena banyak genre musik (terutama flamenco, musik Amerika Latin, country, jazz, rock, fusion), pada awalnya mengandalkan gitar. Yang juga penting adalah kenyataan bahwa dalam setiap genre gitar memperoleh ciri khas (bentuk instrumen, penyetelan, fitur produksi suara, tempat duduk, penempatan tangan).
Selain itu, pada abad ke-20, berbagai macam bentuk dan desain gitar bermunculan; oleh karena itu, teknik memainkan alat musik tersebut selama beberapa dekade terakhir telah mencapai tingkat perkembangan baru yang lebih tinggi. 3 Oleh karena itu, timbul pertanyaan tentang pembentukan keterampilan teknis pada pemain gitar. Perhatian serius diberikan pada masalah teknis dan metode penyelesaiannya di semua tahap pelatihan.

Pengembangan yang diusulkan didasarkan pada sekolah E. Baev, analisis pandangan para guru dan pemain terkemuka di Rusia tentang metodologi pelatihan teknis, serta pengalaman kerja mereka sendiri.

Tujuan dari pengembangan ini adalah untuk meninjau dan menganalisis manual pendidikan dan metodologi "Sekolah Teknik Gitar" E. Baev dan membuktikan bahwa metodologinya merupakan kontribusi penting dan relevan terhadap pedagogi gitar modern.

Oleh karena itu, timbul pertanyaan tentang pengembangan keterampilan teknis di kalangan pemain gitar. Perhatian serius diberikan pada masalah teknis dan metode penyelesaiannya di semua tahap pelatihan.

Pengembangan yang diusulkan didasarkan pada sekolah E. Baev, analisis pandangan para guru dan pemain terkemuka di Rusia tentang metodologi pelatihan teknis, serta pengalaman kerja mereka sendiri. Tujuan dari pengembangan ini adalah untuk meninjau dan menganalisis manual pendidikan dan metodologi "Sekolah Teknik Gitar" E. Baev dan membuktikan bahwa metodologinya merupakan kontribusi penting dan relevan terhadap pedagogi gitar modern. belajar bermain gitar enam senar: syarat terbentuknya keterampilan teknis seorang pemain gitar. Bagian utama dibagi menjadi beberapa subbagian.

Dalam sub-paragraf pertama - “Tentang tren modern dalam perkembangan teknologi gitar” - sekolah permainan gitar beberapa tahun terakhir dan yang diterbitkan dalam beberapa dekade terakhir dipertimbangkan dari sudut pandang mempelajari masalah spesifik. Sebuah upaya telah dilakukan untuk memahami kelebihan dan kekurangan Sekolah Gitar yang diterbitkan di negara kita.

Pandangan pedagogi musik progresif modern, yang menganggap pengerjaan bahan ajar (etudes) sebagai sarana penting dan efektif untuk mengembangkan keterampilan teknis seorang pemain, juga dipertimbangkan.

Subparagraf kedua – “Analisis metodologis dan kinerja dari buku teks E. Baev “School of Guitar Technique” - dikhususkan untuk pengembangan metodologi gitaris modern - pemain dan guru Evgeniy Baev. Informasi biografi singkat diberikan, yang diperlukan untuk memahami bagaimana konsep E. Baev terbentuk. Elemen utama dari metodologi penulis, yang diuraikan dalam manualnya dan di halaman situs penulis, dipertimbangkan. Karya etudes dan signifikansinya dalam pembentukan teknik gitaris dipertimbangkan. Hal ini juga menganalisis apa yang inovatif dalam sistem metodologi E. Baev, seberapa relevan apa yang ia bawa ke dalam pedagogi gitar modern

Tentang masalah pengembangan teknik gitaris (studi)

1. Tentang tren modern dalam perkembangan teknologi gitar. Terlepas dari kenyataan bahwa gitar menjadi semakin populer di kalangan pecinta musik, sebagai “unit konser independen” yang relatif baru didirikan di atas panggung, gitar telah menjadi sebuah objek. perhatian yang cermat

dan belajar oleh para profesional.

Pedagogi gitar di negara kita telah melalui jalur perkembangan aktif selama 20-30 tahun terakhir, namun masih terlalu muda dibandingkan dengan instrumen terkemuka di zaman kita, biola dan piano. (Ini menjelaskan kurangnya penelitian metodologis yang mendasar).

Sekolah dan tutorial bermain gitar enam senar Sejumlah besar telah diterbitkan dan dicetak ulang Sekolah dan guru mandiri.
Sebagian besar Sekolah ini berisi instruksi metodologis yang banyak dan berguna yang masih mempertahankan signifikansinya hingga hari ini. Namun tidak memuat pemaparan secara lengkap dan menyeluruh tentang metode pengajaran, sistem pelatihan dan pendidikan pemain – gitaris. Bagaimanapun, seperti yang Anda ketahui, sekolah adalah demonstrasi metode pengajaran tertentu, sebuah pengalaman. Dan sebagian besar penulis Sekolah beberapa tahun terakhir membatasi diri pada menguraikan dasar-dasar pendaratan dan posisi tangan dan jari, beberapa instruksi artistik murni dan deskripsi teknik bermain individu. Pada saat yang sama, metode pengembangan teknik bermain gitar dikembangkan secara sembarangan dan jelas kurang tercakup. Oleh karena itu, dari sebagian besar Sekolah pada tahun-tahun sebelumnya, yang paling banyak digambar adalah guru materi musik

, bukan pemikiran metodis. Dan sejak lama, masalah pengajaran bermain gitar yang paling canggih dan berkualitas tinggi telah menjadi relevan bagi para guru gitar. Menemukan sekolah bermain terbaik, yang secara komprehensif mencakup semua jenis 6 teknik dan teknologi untuk metode pengajaran bermain yang paling efektif, adalah salah satu hal terpenting bagi guru gitar.

Bukan rahasia lagi bahwa ketika mengajar siswa, seorang guru sering kali hanya menggunakan pengalaman pribadinya, mengingat kesannya sendiri dari pelajaran pertama dengan gurunya - urutan tindakan yang sama, latihan yang sama, repertoar yang sama.

Pada saat yang sama, benar-benar diabaikan bahwa teknik meniru seperti itu mungkin sama sekali tidak cocok untuk siswa tertentu, belum lagi fakta bahwa waktu tidak berhenti, dan pedagogi gitar, meskipun dalam pengembangan aktif, bisa berjalan jauh ke depan. Oleh karena itu, saat ini, perhatian serius diberikan di seluruh dunia terhadap masalah teknis dan metode penyelesaiannya di semua tahap pendidikan. Memang, untuk menyampaikan muatan emosional musik secara utuh, setiap musisi-pemain harus menguasai tekniknya, memiliki seperangkat keterampilan teknis tertentu dalam memainkan alat musiknya. kontak dengan string; produksi suara; penekanan; pukulan; koordinasi berbagai jenis gerakan; kemajuan pendengaran-motorik; konsentrasi; ketekunan dan keserbagunaan perhatian; psikoteknik.

Peningkatan terus-menerus pada elemen individu dari teknik pertunjukan membantu membawanya ke tingkat keterampilan yang tinggi. Dulu, banyak guru yang percaya bahwa teknik instrumentalis dibentuk hanya melalui pembelajaran latihan, tangga nada dan etudes, yang harus selalu menjadi fokus perhatiannya. Penguasaan teknik permainan tertentu paling sering dilakukan melalui pelatihan mekanis, dengan mengulangi bagian-bagian yang bermasalah berulang kali. Pedagogi gitar sering kali mengikuti jalur “pelatihan” teknis, latihan mekanis, dan peningkatan jumlah jam yang dihabiskan untuk instrumen. Kesulitan dalam menguasai keterampilan bermain tertentu menyebabkan berlebihannya peran sisi teknis kinerja. Akibatnya, muncullah sistem pedagogis yang pada intinya memiliki kelemahan: sejak langkah pertama pembelajaran, mereka melanggar prinsip kesatuan perkembangan artistik dan teknis seorang musisi. siswa, pembentukan teknologi berdasarkan representasi artistik dan figuratif yang jelas dan bermakna. Metode pendengaran mempunyai kelebihan yang besar dibandingkan metode motorik: memerlukan pemahaman yang jelas tentang tujuan gerakan, antisipasi yang jelas terhadap setiap suara. Namun demikian, metode pendengaran dan motorik bertindak sebagai dua sisi dari satu proses yang bertujuan untuk mengembangkan teknik pertunjukan gitaris secara terkoordinasi. Kedua metode tersebut mempunyai hak untuk eksis, namun hanya dengan memperhatikan data individu dan motorik siswa. Bergantung pada data ini, taktik pengajaran umum harus dibangun: dalam beberapa kasus, dengan penekanan pada tugas musik dan seni dan sikap yang relatif “tenang” terhadap sisi teknis; di tempat lain - dengan perhatian yang sangat intens terhadap teknologi, tetapi sepenuhnya berhubungan dengan perumusan tugas artistik dan semantik. Pedagogi progresif modern menganggap pengerjaan semua jenis bahan ajar: tangga nada, latihan, etudes sebagai sarana penting dan efektif untuk pengembangan teknis seorang pemain. Dengan kerja teknis yang teratur, yang memakan waktu sekitar sepertiga waktu kerja, seluruh komponen sistem motorik (kecepatan/kecepatan gerak/, kelincahan, kekuatan dan daya tahan) dipertahankan pada tingkat yang selalu tinggi, proses pembelajaran menjadi lebih rasional. , 8 proses mempelajari karya musik melalui pembelajaran sehari-hari, pengulangan formula musik yang sama secara terus-menerus. kamu pemain muda apa yang disebut keterampilan seluler terbentuk. Itu. Ketika seorang siswa telah mempelajari satu bagian dengan baik, dia telah mengembangkan keterampilan sederhana. Pekerjaan jangka panjang pada pekerjaan lain mengarah pada pembentukan keterampilan baru yang sederhana. Dengan memainkan sejumlah besar tangga nada, latihan, dan dengan sungguh-sungguh mempelajari sejumlah besar etudes, keterampilan fleksibel dikembangkan secara bertahap yang memungkinkan seseorang untuk memecahkan masalah teknis yang kompleks tanpa banyak persiapan awal, ketika metode sebelumnya dan “metode analogi” bekerja. Jalur ini mengarah pada teknik yang dibutuhkan oleh perkembangan seni gitar modern tingkat tinggi. Namun, jika seorang siswa memusatkan seluruh upayanya untuk mempelajari karya seni saja, dan studi di sisi teknis berlangsung “dari ujian ke ujian”, jalan ini tampaknya sia-sia. Lagi pula, apa yang dibawa ke– ini hanyalah puncak dari “gunung es” dalam melakukan pekerjaan, bagian utama (“bawah air”) adalah pekerjaan sehari-hari pada materi yang bersifat instruktif dan teknis. Dan di sini siswa dapat dengan aman mengambil risiko tanpa takut “mengobrol” sketsa yang sedang dipelajari, karena, tidak seperti sebuah karya seni, sketsa itu tidak dibawa ke panggung.

Diketahui bahwa sketsa bukan sekadar latihan teknik tertentu. Awalnya, etudes dimaksudkan untuk meningkatkan keterampilan teknis memainkan alat musik tersebut, namun seiring berkembangnya genre ini diperoleh signifikansi artistik, mulai dimaknai sebagai karya virtuoso yang cemerlang atau miniatur seperti pendahuluan. Dengan demikian, etudes dapat dibagi menjadi dua jenis: instruksional, yaitu latihan yang dirancang dalam bentuk drama, dan konser. 9 Kinerja yang terakhir ini lebih merupakan indikator tingkat teknis yang telah dicapai, dan bukan merupakan sarana untuk mencapainya. Sedangkan sketsa yang bersifat instruktif mempunyai nilai yang besar bagi perkembangan teknologi. Teknik-teknik yang terkandung dalam etudes merupakan harta yang sangat berharga bagi para gitaris.

Saat memilih sketsa untuk siswanya, guru perlu mempertimbangkan berbagai faktor. Etudes harus secara kolektif mencakup sebanyak mungkin jenis teknik yang ditemukan dalam literatur gitar, yang berkontribusi pada pembentukan fondasi “sekolah” pertunjukan.

Kita dapat membedakan beberapa kelompok studi untuk berbagai jenis peralatan:

1. Arpegio;

2. Akord dan interval.

3. Saluran berbentuk gamma;

4. Gemetar;

5. Teknis legato dan melismas.

Pembagian ini tentu saja bukan satu-satunya, kurang detail, namun sistematisasi ini sudah membuahkan hasil yang positif. Penting agar sketsa yang ditawarkan kepada siswa dapat dilaksanakan. Sebagai aturan umum, prinsip peningkatan kompleksitas harus diikuti untuk memastikan akumulasi teknis dan teknis secara bertahap keterampilan artistik

. Sangat berguna untuk kembali ke materi yang telah Anda bahas. Tetapi pengerjaan teknik pertunjukan harus selalu bersifat siklus, seperti spiral, ketika kembalinya ke teknik yang dipelajari sebelumnya terjadi dengan komplikasi yang terus-menerus. Pedagogi modern memperhatikan fakta bahwa kelas yang bertujuan untuk mengembangkan teknik pertunjukan bersifat perkembangan, dan tidak semata-mata demi teknik saja. Dan agar mereka membawa kegembiraan dan keinginan untuk belajar kepada anak-anak, kreatif 10 dan, yang memungkinkan seseorang untuk mengembangkan kemampuan siswa untuk "mengisi tindakan teknis apa pun dengan musik". Di sinilah muncul pertanyaan tentang repertoar teknis. Faktanya, pembelajaran awal bermain gitar didasarkan pada penguasaan literatur gitar klasik. Ini berisi lapisan terkaya dari genre etude yang ditulis oleh komposer dua abad terakhir. Etude klasik (M. Carcassi, M. Giuliani, F. Sora, D. Aguado) sangat diperlukan untuk memperkuat prinsip-prinsip produksi suara.

Namun, musik gitaris klasik kurang memperhitungkan realitas modern. Menjadi sempurna secara artistik, ini tradisional, dan ini tidak menarik banyak minat di kalangan pelajar modern. Jumlahnya juga terbatas dan tidak memperhitungkan faktor peremajaan tajam usia (7-8 tahun) gitaris pemula.

Oleh karena itu, upaya banyak guru untuk melakukan ekspansi repertoar pendidikan dan dengan demikian membawa nafas segar ke dalam proses pedagogis.

2. Analisis metodologis dan kinerja buku teks E. Baev “School of Guitar Technique”

Gitaris, komposer dan guru Rusia Evgeniy Anatolyevich Baev tidak tinggal diam. Lahir pada 15 Juli 1952 di Pervouralsk, Wilayah Sverdlovsk. Pada tahun 1977 ia lulus dari Konservatorium Ural. M.P.Mussorgsky di kelas gitar dengan A.V. Pada tahun 1980, bersama dengan N.A. Komolyatov dan A.K. Frauchi, ia menjadi salah satu penyelenggara pembukaan kelas gitar di Institut Pedagogis Negeri Moskow. Gnesin. Pada tahun 1988 ia menciptakan duet instrumental "Musical Miniatures" (biola dan gitar) di Tver. Dia melakukan tur bersamanya di Italia, Finlandia, Prancis, Jerman, Latvia, dan Amerika Serikat. Duo ini telah ada selama hampir dua puluh tahun. E. Baev bukan hanya salah satu gitaris terbaik di negeri ini, tetapi juga seorang komposer terkenal, diakui di luar negeri dan diterbitkan di Eropa. Lembaran musik E. Baev dijual di seluruh dunia. Repertoarnya untuk sekolah musik dan konservatori, serta adaptasinya terhadap lagu-lagu rakyat Rusia, menjadi dikenal luas. Sekolah gitarnya adalah satu-satunya yang diakui di Italia, tempat kelahiran musik. Sekarang didistribusikan tidak hanya di Eropa, tetapi juga di Amerika Serikat, Jepang, Australia dan Amerika Latin. mengajar kelas gitar di Tver Music School No. 1, mengajar di Tver State University dan Music College. Dia melatih 20 pemenang kompetisi Internasional dan Seluruh Rusia.

Seperti yang telah disebutkan, E. Baev adalah pencipta sekolah bermain gitarnya sendiri, yang muncul sebagai hasil aktivitas kreatif selama bertahun-tahun (lebih dari tiga puluh tahun). Awalnya ini adalah buku catatan: “Untuk gitaris pemula.

Etudes dan latihan”, “35 etudes untuk gitaris pemula”, “10 etudes untuk berbagai jenis teknik” ditambah 13 perawatan untuk berbagai jenis teknik. Dari kombinasi buku-buku catatan ini, muncullah usulan buku teks “Sekolah Teknik Gitar”. Ini menampilkan 1.000 etudes - karya yang ditulis untuk mengembangkan keterampilan teknis dasar gitaris pemula dan dikelompokkan menurut jenis utama teknik gitar. Manual ini memiliki 19 bagian, setiap bagian berisi komentar metodologis yang terperinci. Pendahuluan mengkaji konsep keterampilan teknis seorang musisi dan mengkaji kondisi pembentukannya.

Dengan demikian, syarat utama bagi perkembangan teknologi musik secara umum, penulis melihat kesatuan pendengaran dan

metode motorik

. (Dia adalah pendukung sekolah psikoteknik modern). “Karena keterampilan teknis adalah suatu tindakan yang telah dibawa ke titik otomatisme dan tidak lagi memerlukan kontrol sadar dari pihak pelakunya, maka kontrol pendengaran secara sadar ini pada awalnya harus dimaksimalkan…. siswa juga perlu diatur secara khusus. Dan tentunya kita tidak boleh lupa bahwa teknik bagi seorang musisi bukanlah tujuan itu sendiri, melainkan hanya sarana untuk menyampaikan isi emosional musik. Dan materi untuk pekerjaan teknis siswa tidak boleh “netral”, sehingga mengurangi semua upaya untuk melakukan latihan jari secara mekanis.” Oleh karena itu, semua etudes yang disertakan dalam manual ini bersifat terprogram dan memiliki nama kiasan yang menarik serta karakter musiknya sendiri, yang memungkinkan Anda melihatnya sebagai drama kecil dan berhubungan dengan penampilan mereka secara emosional dan pribadi.

Sketsa dalam manual disusun menurut prinsip kompleksitas yang semakin meningkat. Di bagian mana pun yang bertujuan untuk mengembangkan keterampilan teknis tertentu, Anda dapat memilih studi untuk siswa sekolah menengah pemula dan lanjutan. Hal ini memungkinkan gitaris muda untuk meningkatkan tekniknya selama masa studinya di Sekolah Musik Anak, ketika pengerjaan teknik menjadi siklus (seperti spiral).

Setelah mencoba metodologi E. Baev dalam pekerjaan saya, saya menyadari bahwa metodologi ini dapat diakses oleh siswa dari semua tingkat pelatihan teknis dan sangat mudah digunakan, karena Dimungkinkan untuk memilih studi komprehensif untuk semua jenis peralatan untuk setiap kelas. Repertoar teknis yang ditawarkan oleh penulis membangkitkan respons emosional yang besar di kalangan siswa, meningkatkan minat mereka terhadap kelas secara umum dan keinginan untuk terus belajar memainkan alat musik yang rumit seperti gitar. Oleh karena itu, saya memutuskan untuk melanjutkan pekerjaan saya dengan siswa menggunakan metode E. Baev.

Hari ini kami sampaikan kepada Anda sketsa berbagai jenis peralatan dari buku teks E. Baev yang dibuat oleh siswa di kelas saya. Rekomendasi metodologis juga akan diberikan untuk setiap etude yang dilakukan.

Metode dasar produksi suara

Sekarang akan ada sketsa tampilan universal teknik - teknik tirando yang dapat digunakan saat memainkan bagian gitar apa pun. Sketsa oleh E. Baev “Semut”. Dilakukan oleh siswa kelas 1. Khandogiy Anastasia.

Jadi, sketsa E. Baev “The Day is Passing” dalam pertunjukan yang sama.

Tujuan mempelajari etude ini, selain menguasai teknik apoyando secara kualitatif, adalah untuk mengembangkan kemampuan bergantian ketiga jari secara terus-menerus - i m a. Karena seringkali saat menampilkan apoyando dan tirando, gitaris hanya menggunakan sepasang jari - baik im, atau (lebih jarang) am. Hal ini secara signifikan membatasi kemampuan teknologi mereka, menjadi semacam penghambat perkembangannya.

Dan, tentu saja, sangat penting untuk memikirkan penjarian sedemikian rupa untuk memastikan transisi paling alami dari jari-jari tangan kanan dari senar ke senar dan untuk menghindari apa yang disebut “menyilang”.
Selain penguasaan teknik tirando dan apoyando yang berkualitas tinggi, penting juga untuk menguasai bagian-bagian berskala. Anda dapat mulai mengerjakannya dalam bentuk rangkaian nada kecil dalam tangga nada.

Sketsa “Flicker” didedikasikan untuk jenis teknik ini. Ini akan dilakukan oleh siswa kelas 2. Khutovoy Liana.

Seperti yang telah disebutkan, etude yang dibawakan mengandung unsur-unsur alur seperti skala, yang penguasaannya memerlukan koordinasi yang jelas dari kedua tangan. Hanya dengan pengoperasian mesin permainan seperti itu yang memungkinkan untuk lebih lanjut melakukan bagian cepat dan bagian pekerjaan rumit lainnya. Selain itu, mengerjakan etude ini berkat fingeringnya memungkinkan kita memecahkan masalah pengembangan kekuatan dan kemandirian seluruh jari tangan kiri, terutama jari ke-4. Kajian selanjutnya yang kami sampaikan kepada Anda adalah menguasai teknik arpeggio. Perlu dicatat bahwa komposer, seperti dalam banyak etudes lainnya, di sini menunjukkan tempo karya dengan kata "Comodo" - nyaman, santai, dengan kecepatan sedang. Hal ini memungkinkan pemain untuk melakukan kontrol pendengaran yang konstan. Etude “Elegy” oleh E. Baev Dilakukan oleh siswa kelas 2. Nordonaeva Amina.

Saat memainkan suara arpeggio, paling sering

Ada banyak pola cara kerja tangan kanan saat melakukan arpeggio, bahkan pola yang tidak biasa menggunakan jari elektronik, jika struktur tangan memungkinkan (jari elektronik lebih lemah dan lebih pendek dari jari lainnya).

Etudes dalam koleksinya memberikan materi yang sangat bervariasi untuk melatih gerakan tangan kanan dalam arpeggio dengan cermat.
Etude selanjutnya yang akan dilakukan juga merupakan latihan teknik memainkan arpeggio yang disebut dengan “Awan Putih”.

Seorang siswa kelas 4 sedang bermain. Remizov Alexei. Etude ini dibedakan oleh banyaknya suara, berkat penggunaan apa yang disebut arpeggio campuran, dan harmoni modern yang rumit. Selain semua tugas penguasaan teknik arpeggio di atas, berikut kami tambahkan pengembangan kekuatan dan daya tahan tangan kanan yang bekerja lebih dinamis dibandingkan tangan kiri.

Jika, ketika menguasai teknik arpeggio, seorang gitaris perlu melakukan kontrol pendengaran yang konstan atas ekstraksi bunyi akord secara berurutan, maka ketika menguasai teknik akord, penting untuk memastikan bahwa semua bunyinya menyatu satu sama lain, yaitu bunyi-bunyiannya. tali busur harus diekstraksi secara bersamaan dan dengan kekuatan yang sama.
Banyak etudes yang diusulkan dalam manual ini akan membantu Anda melatih simultanitas bunyi akord.

Untuk mencapai kesatuan bunyi ketika memainkan rangkaian interval, perlu dipikirkan penjarian tangan kiri agar salah satu jari tetap berada pada senar, “terikat” padanya. Dalam hal ini, tangan, yang bertumpu pada jari ini, akan dapat “bergerak ke atas” di atasnya, dan jari-jari lainnya akan lebih mudah untuk mencapai tempat yang tepat. Kontrol visual dari jari yang memimpin gerakan di sepanjang fingerboard juga banyak membantu.

Dalam sketsa ini, posisi tangan kiri sering berubah, sehingga perlu dipastikan bahwa selama transisi tersebut tangan tidak mengubah orientasinya terhadap fingerboard.

Nada ganda yang rusak sering ditemukan pada repertoar gitar. Biasanya, tidak ada kesulitan tambahan untuk tangan kiri dalam hal ini - kedua jari dari setiap kombinasi nada ditempatkan pada senar secara bersamaan. Tindakan tangan kanan berubah. Gitaris memilih algoritma yang sesuai. Seringkali nada bawah interval dimainkan oleh jari p, dan nada atas dimainkan secara bergantian oleh jari i dan m. Algoritme seperti itu harus dikuasai secara terpisah, mempraktikkan eksekusi tepat mereka pada string terbuka.

Melisme. Mengenai penampilan teknik teknik berikut yaitu melismas yang meliputi nada rahmat, mordent, gruppettos dan trill yang dimainkan pada gitar, tidak ada standar tunggal dalam literatur musik. Jika pada zaman dahulu dekorasi musik berfungsi untuk mengatasi masalah cepat memudarnya suara instrumen yang pada waktu itu tidak sempurna, maka di kemudian hari dekorasi tersebut menjadi bagian dari.
sarana ekspresif

Kami mempersembahkan kepada Anda sketsa “Keledai Keras Kepala” karya E. Baev dalam pertunjukan yang sama.

Sebuah penelitian dilakukan untuk menguasai pelaksanaan catatan singkat yang dicoret. Lebih baik mulai mengerjakan materi teknis seperti itu tanpa menggunakan catatan tambahan. Setelah menguasai sisi ritme karya, Anda dapat mulai memainkan etude dengan nada anggun. Teknik menampilkan nada rahmat dan semua melisma lainnya secara praktis sama dengan teknik legato.

Semua orang tahu bahwa legato adalah eksekusi suara yang koheren. Namun gitar legato memiliki kekhasan tersendiri - disebut "teknis" agar tidak tertukar dengan legato "semantik", yang melibatkan kelancaran dalam menjalankan frasa musik.

Ada tiga jenis legato pada gitar menurut cara pelaksanaannya:

1. Meningkatnya legato

2. Turun legato

3. Legato pada senar yang berbeda.

Tujuan dari penelitian ini adalah untuk mencapai suara yang paling rata untuk semua nada yang diikat. Untuk itu disarankan untuk mulai mengerjakan etude dengan memainkan materi musik seperti biasa, yaitu tanpa legato, karena di awal pembelajaran, bermain legato seringkali tidak berirama dan timpang. Hanya setelah masalah ritme terpecahkan barulah Anda dapat mulai tampil dengan benar.

Gitaris juga perlu memastikan bahwa jari-jarinya yang memukul bebas dan pukulannya tajam serta akurat saat melakukan legato menaik. Saat melakukan teknik ke bawah, penting agar semua jari, yang pekerjaannya diperlukan untuk memainkan legato ini, diletakkan pada senar pada saat yang bersamaan. Saya ingin menambahkan bahwa tidak ada yang mengembangkan kekuatan dan kemandirian jari-jari tangan kiri lebih baik daripada mengerjakan legato. Selain itu, ini adalah alasan yang baik untuk juga memeriksa posisi peralatan pertunjukan yang benar, karena jika tangan gitaris tidak sejajar dengan fingerboard, tetapi berdiri "seperti biola", dengan posisi miring ke arahnya, ketegangan lengan yang berlebihan akan terjadi. tidak bisa dihindari. Kualitas Legato juga akan menurun.

bar

Salah satu teknik gitar yang utama dan tersulit adalah barre.

Yang paling rasional adalah mulai menguasai barre dengan apa yang disebut barre kecil, atau setengah barre, di mana jari telunjuk menekan dua, tiga atau empat senar.

Menguasai teknik ini akan difasilitasi dengan mempelajari sketsa “Gelombang” karya E. Baev. Ini akan dilakukan oleh siswa kelas 2. Kuliev Astemir.

Tujuan dari penelitian ini adalah untuk memperkuat jari-jari tangan kiri dan mempersiapkannya menghadapi barre besar. Pekerjaan seorang gitaris muda akan lebih efektif jika tidak meletakkan semua jari lainnya di jari telunjuk. Ibu jari, yang terletak di sisi belakang papan jari, bersama dengan jari telunjuk, membentuk semacam “jepitan”. Namun letaknya tidak harus berhadapan dengan jari telunjuk - bisa diletakkan secara diagonal, letaknya di bawah jari tengah, atau bahkan lebih jauh ke arah jari manis. Dalam hal ini, "jepitan" akan "miring", sehingga lebih sedikit usaha yang diperlukan tangan untuk menekan palang. Selain itu, posisi ibu jari ini dapat berguna untuk gerakan barre.

Setelah berlatih barre kecil dengan cara ini, akan lebih mudah menguasai barre besar.

Berbicara tentang repertoar teknis yang disajikan dalam manual E. Baev, tidak mungkin mengabaikan studi tentang penguasaan efek suara.

Untuk membuatnya, Anda dapat menggunakan logam, benda kaca, kertas, kertas timah, korek api, dan banyak lagi. Salah satu teknik favorit para gitaris adalah meniru suara snare drum, yang dicapai dengan memainkan dua senar yang bersilangan.
Menguasai teknik “drum” difasilitasi dengan mempelajari etude “Pertempuran”, yang akan Anda dengar dalam pertunjukan yang sama.

Teknik “gendang” dilakukan dengan menyilangkan senar kelima dan keenam, jari telunjuk tangan kanan membawa senar kelima ke bawah senar keenam, dan ibu jari sedikit mengangkat senar keenam ke atas dan mengarahkannya ke senar kelima. Kemudian dia membawa senar keenam ke atas senar kelima dan “menutupi” senar ini dengannya.

Anda dapat menyilangkan senar hanya dengan jari tangan kiri, tetapi dengan metode menyilangkan senar apa pun, Anda harus memastikan bahwa titik persilangan tepat di atas fret leher gitar yang diinginkan, dan jari telunjuk harus menekan keduanya. string dengan erat. Efek suara lain yang dimainkan pada gitar adalah rebana. Rebana adalah instrumen perkusi oriental kuno.

Untuk membuat efek suaranya, Anda perlu

ibu jari

pukul senar di dekat jembatan dengan tangan kanan Anda.

Sketsa “Echo” didedikasikan untuk menguasai teknik ini. Ini akan dilakukan oleh siswa kelas 3 SD. Bzheumikova Lilianna. Untuk meniru suara rebana, pukulannya harus tajam, gerakannya mengingatkan pada mengocok air dari tangan atau menggoyangkan termometer. Tangan kanan harus sebebas mungkin.
Sketsa berikut ini, untuk menarik perhatian Anda, dapat direkomendasikan untuk dipelajari di sekolah menengah pertama dan atas, karena Untuk melakukannya, Anda memerlukan telinga polifonik yang cukup berkembang.

Etude "Romance" karya E. Baev akan dibawakan dengan cara yang sama.

Etude yang dibawakan adalah tiga suara, di mana salah satu suara memainkan peran bawahan, bertindak sebagai pengiring yang menggerakkan suara-suara utama. Teknik bermain polifoni yang paling mudah dikuasai adalah karya dua suara di mana suara-suara itu terdengar “secara bergantian”.

Untuk memainkan karya polifonik, seorang musisi memerlukan kemampuan mendengar semua suara secara bersamaan dan setiap suara secara terpisah, serta pemahaman tentang interaksi suara. Perkembangan pendengaran tersebut difasilitasi oleh suara nyanyian: Anda dapat menyanyikan setiap suara secara terpisah (tanpa instrumen atau dengan instrumen), Anda dapat menyanyikan satu suara dan memainkan sisanya, Anda dapat menyanyikan salah satu suara sambil memainkan keseluruhan lagu. Waktu yang dihabiskan untuk pekerjaan ini tentunya akan berdampak positif terhadap kualitas kinerja.

Selain itu, saat melakukan polifoni, kontrol khusus atas pekerjaan jari-jari tangan kanan adalah penting: perlu untuk mengembangkan kemampuan mengambil suara yang lebih terang atau lebih pelan dengan salah satu jari. (Dalam manual, penulis menawarkan latihan untuk mengembangkan keterampilan tersebut.)

Dalam buku teks E.baev terdapat bagian yang disebut “Jenis Teknik Gabungan”. Kajian yang terdapat di dalamnya memuat berbagai jenis teknik dalam kombinasinya. Tingkat kerumitan sketsa-sketsa ini juga bervariasi; banyak yang memerlukan tingkat yang sangat serius dari para pelakunya - baik teknis maupun artistik.

Etude “Gipsi” didasarkan pada penggunaan jenis teknik gitar seperti arpeggio langsung, terbalik, dan campuran; legato teknis; teknik akord; polifoni. Etude “Gypsy Girl” karya E. Baev akan dibawakan oleh seorang siswa kelas 4 SD. Uzhakhova Tamara.
Kesimpulan

Sebagai penutup, saya ingin menambahkan bahwa etudes yang disajikan kepada Anda hanyalah sebagian kecil dari repertoar “Sekolah” E. Baev, karena dalam waktu yang ditentukan untuk seminar, tidak mungkin mencakup seluruh seratus karya buku teks. Namun mempelajari setiap pidato yang disampaikan hari ini, para siswa bekerja dengan sangat antusias dan dalam tingkat emosi yang tinggi. Dengan pendekatan terhadap bahan ajar yang terkesan “kering” ini, proses penguasaan keterampilan teknis menjadi lebih kreatif, bermanfaat dan efektif. Kita dapat dengan aman mengatakan bahwa penggunaan etudes - drama oleh komposer E. Baev dalam bekerja dengan siswa berkontribusi pada pembentukan fondasi sekolah pertunjukan untuk siswa gitaris. Lagipula, miliknya sistem metodologis Berbeda dalam kenyamanan, aksesibilitas dan konsistensi dalam penyajian materi. Selain itu, panduan ini secara khusus menyoroti beberapa masalah yang tidak mendapat perhatian dalam manual gitaris lainnya, khususnya, sistem perolehan keterampilan bermain gitar dan beberapa prinsip permainan jari tangan kanan. Dan karena, mengingat tren modern dalam teknologi gitar, banyak perhatian diberikan pada faktor gerakan tangan kiri yang lebih intens di sepanjang fingerboard, maka beban di tangan kanan juga meningkat - maka diperlukan untuk memiliki lebih presisi dan detail dalam pekerjaannya. Ia juga menawarkan materi teknis untuk menguasai jenis teknik non-tradisional, di mana e-finger diaktifkan saat memainkan arpeggio dan akord; Teknik jari-p yang tidak konvensional (“metode antar-jemput”) juga dibahas.

Sebagai kesimpulan, perlu dicatat bahwa di Rusia popularitas gitar enam senar terus meningkat. Pedagogi gitar berubah dan berkembang secara aktif, metode baru dalam pengajaran instrumen bermunculan.

"Sekolah" E. Baev menempati tempat penting dalam sistem pedagogi gitar saat ini baik di negara kita maupun di luar negeri.

Repertoar teknis komposer untuk anak-anak dan remaja membantu para guru sekolah musik anak dan sekolah seni anak dalam karya pedagogi mulianya dan mampu memudahkan siswa dalam menguasai gitar, sekaligus secara konsisten mengenalkan anak pada musik gitar modern yang bagus.

Karya tersebut dapat direkomendasikan sebagai alat bantu pengajaran bagi guru sekolah musik anak dan sekolah seni anak.

Bibliografi

1. Aleksandrova M. ABC seorang gitaris. – M., 2010

2. Baev E. Sekolah teknologi gitar. – M., 2011

5. Domogatsky V. Tujuh langkah penguasaan. – M., 2004

6. Kuznetsov V. Cara mengajar bermain gitar. – M., 2010

7. Mikhailenko N. Metode pengajaran bermain gitar enam senar. – Kiev, 2003

8. Puhol E. Sekolah bermain gitar enam senar. – M., 1992

9. Shumev L. Teknik Gitaris. – M., 2012

Aplikasi e-mail: [dilindungi email] | [dilindungi email]

pekerjaan metodologis

Karya metodologis “Bekerja dengan tangga nada di kelas gitar” disiapkan oleh Konstantin Sergeevich Gubenko
2
Isi
Pendahuluan...................................................................................................3 1 Skala suara tunggal............................................................ ………………… …….……..5 2 Pilihan meraba jari tangan kanan………………….…..8 3 Teknik menghasilkan suara saat mengerjakan tangga nada…… …………………12 4 Masalah meraba jari tangan kiri ………………………..….16 5 Urutan pembelajaran tangga nada di sekolah musik anak….18 Kesimpulan……… ………………………………………………………………………… ….24 Daftar sumber yang digunakan……………………………………. .26
3
Perkenalan
Bukan rahasia lagi bahwa setiap gitaris bermimpi dan berusaha untuk bermain dengan cepat, keras dan bersih, mengesankan pendengar dengan teknik virtuosonya, terutama pada bagian-bagian yang mirip tangga nada. Bagi beberapa musisi, hal ini didapat dengan mudah (kemampuan alami), yang lain mengembangkan teknik ini melalui kerja keras selama bertahun-tahun (keterampilan yang diperoleh), dan beberapa lagi gagal menguasai kualitas-kualitas virtuoso ini (kemalasan atau biasa-biasa saja). Bagian tangga nada dalam satu atau lain bentuk cukup sering ditemukan dalam karya gitar klasik, misalnya dalam karya Spanyol (flamenco) dan karya klasik (Sor, Giuliani, Aguado, Legnani, dll), serta karya etudes dan virtuoso. Sudah diketahui umum bahwa bermain tangga nada itu bermanfaat, tetapi karena alasan tertentu tidak semua orang melakukannya dengan senang hati. Sedangkan jika dimainkan dengan bijak akan menjadi proses yang kreatif dan mengasyikkan. Ketika tangga nada dikuasai, performanya menangkap energi gerakan. Ingatlah bahwa naik kereta luncur atau ski menuruni gunung, mengendarai sepeda adalah kegiatan yang rutin namun mengasyikkan, namun bermain tangga nada juga sekaligus memecahkan masalah catur atau puzzle. Mari kita cari tahu apa yang dapat diberikan oleh mengerjakan timbangan dan bagaimana tepatnya Anda perlu mengerjakannya. Faktanya adalah timbangan adalah rumus teknis paling sederhana. Mereka menarik bukan karena dirinya sendiri, tetapi karena kesederhanaan dan keserbagunaannya. Mempelajari tangga nada yang hanya terdiri dari beberapa nada memang mudah, namun dengan melakukan berbagai tugas kita bisa belajar banyak. Dengan demikian, Anda dapat mempelajari teknik dalam bentuknya yang murni, melewati kesulitan khusus dalam menguasai teks musik, gaya pertunjukan, dan kesulitan mengalihkan perhatian dari satu tugas ke tugas lainnya, yang
4 mau tidak mau harus ditemukan dalam sebuah karya seni yang tujuan utamanya adalah menciptakan citra musikal. Jadi, dari semua yang telah dikatakan, jelas bahwa penting untuk tidak hanya mempelajari tangga nada dan memainkannya. Hanya dengan mengetahui apa yang harus dikerjakan, bagaimana cara mengerjakannya, apa yang harus difokuskan, barulah Anda dapat memperoleh manfaat dari bermain tangga nada. Ini adalah aspek pertama – teknis. Aspek kedua bersifat teoretis. Ternyata di kehidupan nyata kedua rangkaian masalah ini menjadi pesaing. Jarang ada orang yang berhasil menemukan keseimbangan di antara keduanya. DAN teori musik, dan teknologi, bertentangan dengan sudut pandang filistin, memerlukan pengetahuan yang akurat, spesifik dan rinci, penyertaan memori dan perhatian secara aktif. Sulit bagi guru, terutama anak itu sendiri, untuk mengidentifikasi apa yang perlu diingat, apa yang harus diperiksa, apakah pengetahuan tersebut benar-benar tersimpan dalam ingatan atau sekadar menjadi familiar dan menjadi familiar, tetapi tidak relevan. Tujuan dari pekerjaan ini: untuk mempelajari dan menganalisis masalah pengerjaan bahan ajar dalam literatur metodologi; pertimbangkan pendekatan teoretis utama untuk mempelajari tangga nada di kelas gitar, serta mengembangkan urutan mempelajari tangga nada di sekolah musik anak-anak.
1 tangga nada satu suara
Tangga nada selalu menjadi salah satu alat terpenting untuk pengembangan teknis seorang musisi pertunjukan dengan spesialisasi apa pun. Tak terkecuali teknik bermain sang gitaris. Dalam setiap manual metodologi kita akan menemukan tangga nada satu suara di semua tuts, paling sering di penjarian A. Segovia, dengan penjelasan kecil, biasanya tentang manfaat memainkan tangga nada. Perlu dicatat bahwa saat ini tidak ada aturan penjarian yang seragam untuk memainkan tangga nada pada gitar. Pencarian penjarian rasional dalam skala telah diturunkan secara signifikan ke latar belakang pertanyaan utama: Mengapa masih dimainkan? Lebih sering
Jawaban ke-5 adalah: mengembangkan kelancaran dan teknik memainkan bagian tangga nada. Jika kita berbicara tentang yang pertama, maka saat ini sudah bukan rahasia lagi bagi siapa pun bahwa kefasihan merupakan anugerah alam yang dapat dikembangkan jika tersedia. Namun, kecil kemungkinannya untuk meningkatkan kecepatan gerakan jari secara signifikan jika hal ini tidak diberikan oleh alam. Saat mempelajari teknik fingering yang digunakan oleh A. Segovia dalam “Gammas”-nya yang terkenal, muncul keraguan mengenai pernyataan kedua. Lagi pula, figurasi seperti tangga nada dalam karya musik sangat jarang dilakukan dengan menggunakan jari yang ditunjukkan dalam manual ini. Tampaknya “Gammas” A. Segovia dimaksudkan untuk mengembangkan dan memperkuat keterampilan bermain yang terorganisir, percaya diri, mengoordinasikan tindakan jari-jari kedua tangan. Dengan bantuan tangga nada, salah satu komponen paling kompleks dari teknik bermain gitar juga dipraktikkan - transisi dari senar ke senar, menguasai seluruh rentang gitar, keterampilan memainkan kunci dengan jumlah nada tajam dan datar yang berbeda. Pengetahuan tentang fingering dan orientasi bebas pada fretboard merupakan dasar yang diperlukan untuk pengembangan teknik pertunjukan, selain itu, memainkan tangga nada membantu mengkonsolidasikan sensasi otot yang benar, mengembangkan kelancaran utama dan koordinasi tindakan kedua tangan. Sejak awal penguasaan tangga nada, siswa perlu menetapkan tujuan tertentu mengenai kualitas kinerja mereka, terutama dalam hal pelatihan profesional. Persyaratan awal tersebut berkaitan dengan kejelasan dan kemerataan bunyi tangga nada. Pertama-tama, mereka terkait dengan masalah koordinasi tindakan jari-jari tangan kanan dan kiri. Gitar - instrumen yang dipetik, dan durasi bunyinya terbatas, karena getaran senarnya memudar dengan cepat. Selain itu, senarnya langsung teredam jika jari tangan kiri diangkat atau disentuh oleh jari tangan kanan. Hal ini menjelaskan betapa sulitnya mencapai permainan yang koheren dan perlunya kontrol terus-menerus atas tindakan jari kedua tangan.
6 Tercapainya kejelasan dan kemerataan saat melakukan tangga nada pada tahap pertama didasarkan pada latihan koordinasi gerakan jari-jari kedua tangan. Metode pengembangannya terkandung dalam permainan tangga nada, baik dengan pengelompokan durasi yang paling sederhana (duolit, triplet, kuarto), maupun dengan keterlibatan figur ritme yang lebih kompleks: ritme titik-titik, seperdelapan - dua perenam belas dan variannya. Tentu saja, penting juga untuk melatih semua pasang jari tangan kanan secara bergantian:
aku
,
m-a
,
saya-a
. Hal ini dilakukan secara paralel dengan penyelesaian masalah koordinasi dan ritme. Selain itu, wajib menggunakan dua teknik produksi suara -
tirando
Dan
apoyando
. Untuk mengontrol kinerja timbangan pada tes teknik, Anda dapat menggunakan opsi apa pun yang telah disepakati sebelumnya. Ketika tingkat kinerja siswa meningkat, persyaratan kualitas kinerja skala meningkat. Siswa harus diberi tugas yang lebih kompleks - artikulatoris, dinamis, timbre. Lambat laun gamma menjadi bahan karya seni. Kemudian, ketika bekerja dengan tangga nada, tugasnya menjadi lebih kompleks dan bervariasi: figur ritmis yang lebih kompleks dan berbagai macam teknik dinamis dan artikulatoris dapat digunakan. Perlu dicatat bahwa legato pada gitar cukup konvensional, namun kami menggunakan istilah ini untuk menunjukkan permainan yang paling koheren. Kita hanya dapat berbicara tentang berbagai tingkat pemotongan, bukan tentang koherensi suara. Selain itu, pada tempo cepat batas antara staccato dan legato hampir terhapus, dan dalam kondisi seperti ini yang utama adalah rasa perbedaan satu sama lain, setidaknya secara simbolis. Melakukan penskalaan pada tes teknologi tidak hanya (dan tidak terlalu banyak) merangsang pertumbuhan teknis siswa, tetapi, pertama-tama, membantu mengidentifikasi kesenjangan dalam pelatihan teknis, kekurangan yang menghambat pengembangan lebih lanjut, dan, pada saat yang sama, cara untuk melakukannya. memperbaiki kesalahan dan mencapai keterampilan ketinggian baru.
7 Kekhasan fingering gitar adalah tidak hanya terdapat di tangan kiri, tetapi juga di tangan kanan. Pada saat yang sama, fungsi dan gerakan tangan kiri dan kanan berbeda secara signifikan satu sama lain, sehingga memerlukan perhatian khusus pada kombinasi jari-jarinya. Kami akan membahas masalah fingering gitar untuk tangan kanan dan kiri di bab selanjutnya dari karya ini.
2 Opsi penjarian untuk jari tangan kanan
Kalau soal fingering gitar, biasanya yang kita pikirkan adalah tangan kiri, karena masalah pemilihan jari sering muncul di sana. Sedangkan di sisi kanan, topik ini jarang diangkat karena kejelasannya yang diakui secara umum. Namun, di sini juga ada satu masalah yang ingin saya soroti. Kita berbicara tentang pergantian jari dalam bagian yang seperti sisik. Biasanya, dalam tangga nada dan bagian seperti tangga nada, banyak gitaris menggunakan penjarian jari tangan kanan (standar) yang biasa. Prinsip fingering “standar” adalah dengan bergantian dua jari tangan kanan
aku
atau
aku
. Jika bagian ini tidak dilakukan dengan cepat atau pendek, masalah biasanya tidak timbul. Semua nada terdengar jelas dan bersuara. Saat tempo meningkat, gitaris mungkin mengalami masalah: jari-jarinya seperti “terbelit” pada senar. Namun karena “kesulitan” ini, sama sekali tidak perlu menolak memainkan sebuah karya atau memainkannya lebih lambat dari yang diharapkan. Mari kita lihat beberapa prinsip dan pilihan penggunaan fingering di tangan kanan dengan menggunakan contoh timbangan
C mayor
di jari Andres Segovia, yang sekarang menjadi buku teks.
Skala C-dur (menjari oleh A. Segovia)

8
Prinsip dua jari
. Bagian skala dilakukan dengan dua jari tangan kanan,
aku
atau
aku
. Ini adalah teknik fingering yang paling umum digunakan oleh hampir semua gitaris. Beberapa gitaris (karena logika panjang jari yang sama dan kecenderungan pribadi) menggunakan variasi penjarian dua jari, yaitu -
ai
atau
saya-a
. Karya-karyanya praktis tidak menggunakan finger fingering
pagi
m-a
). Untuk mengembangkan kekuatan dan mobilitas jari-jari ini, disarankan untuk menggunakan ligamen ini dalam latihan dan beban. Perhatikan bahwa saat menggunakan jari kelingking tangan kanan dalam latihan, kekuatan, kepercayaan diri, dan elastisitas jari juga meningkat
A
, Karena mereka dihubungkan oleh satu tendon.
Prinsip tiga jari
. Terlepas dari penjarian di tangan kiri, metode penjarian tiga jari yang digunakan di tangan kanan, yaitu -
A-

aku
, lebih jarang
aku-m-a
.
Prinsip gabungan
. Dalam gerakan ke atas dalam suatu bagian atau tangga nada, nada pertama pada senar berikutnya dimainkan dengan jari
A
. Dalam gerakan ke bawah, nada pertama pada senar berikutnya dimainkan dengan jari
Saya
. Jika ada satu string bilangan genap not (dua atau empat), digunakan penjarian dua jari.
9
Metode Frautschi
. Tangga nada dan petikan seperti tangga nada menggunakan ibu jari tangan kanan. Di bagian menaik, saat mengganti senar, catatan terakhir pada senar sebelumnya dilakukan dengan jari
R
. Jika terdapat dua nada pada satu senar (jumlah nada genap), digunakan penjarian dua jari di tangan kanan dengan atau tanpa menggunakan jari.
R
.
Prinsip "Balalaika".
. Inilah prinsip menghasilkan suara dengan jari Anda
pi
atau
pm
. Jika frasa tersebut tidak dimulai dengan ketukan yang kuat, Anda dapat memulai bagian tersebut dengan jari
Saya
atau
M
. Anda dapat menggunakan jari Anda untuk menekankan ketukan yang kuat.
R
. Sebagai dasar teknik tangga nada dalam bermain gitar, sebaiknya gunakan fingering yang paling tepat dan natural pada tangan kanan, yaitu:
aku
, bukan
aku
;
a-m-i
, bukan
aku-m-a
;
p-m-i
, bukan
p-i-m
. Lebih nyaman bermain dari jari kelingking ke ibu jari, dan bukan sebaliknya. Saat memilih prinsip pergantian jari-jari tangan kanan, sering muncul pertanyaan dengan jari mana untuk mulai melakukan figur skala tertentu. Kesulitan teknis utama pada tangan kanan saat memainkan gerakan progresif adalah peralihan dari senar ke senar, terutama jika bertepatan dengan apa yang disebut “menyilangkan” jari. Ambil contoh skala C-dur:
aku aku aku aku aku

1 0 Berikut adalah fingering dengan tiga transisi dari senar ke senar: dore, fa-sol, la-si.
Dalam kasus pertama, posisi alami dipertahankan (jari tengah menghasilkan suara pada senar yang lebih tinggi), sedangkan pada dua kasus lainnya, terjadi persilangan: jari telunjuk seolah-olah “melangkahi satu langkah”, sehingga agak mengganggu posisi nyaman. dari jari. Dalam prakteknya, menyilangkan jari pada tangga nada dan bagian adalah hal yang cukup umum, meskipun tidak terlalu diinginkan dan harus dihindari jika memungkinkan. Satu-satunya pertanyaan adalah di mana dan bagaimana cara terbaik untuk melakukan ini: mengganti jari tangan kiri atau urutan jari kanan? Untuk memperbaiki situasi dalam contoh kita tanpa mengubah jari tangan kiri, Anda dapat memulai skala dengan jari tengah, mengurangi jumlah persilangan menjadi satu. Tapi pilihan terbaik adalah sebagai berikut: ibu jari dimulai, lalu jari telunjuk dan jari tengah bergantian. Dalam hal ini, perasaan nyaman tetap terjaga sepenuhnya dan gerakan alami tidak terganggu:
p aku aku aku aku aku
Terkadang saat memilih jari awal, sangat penting untuk memperhatikan struktur ritme dan metrik suatu bagian, lokasinya dalam jangkauan gitar, serta materi sebelum dan sesudahnya. Jari tangan kiri tidak dapat diabaikan, karena dalam beberapa kasus hal itu menentukan kondisi tertentu. Bab ini hanya membahas beberapa kemungkinan penggunaan fingering di tangan kanan, yang dapat digunakan tergantung pada situasi spesifik dalam karya. Pada bab selanjutnya kita akan melihat kemungkinan menggunakan teknik produksi suara saat mengerjakan tangga nada.

3 Teknik produksi suara saat mengerjakan tangga nada
tirando
1 1 Eksekusi timbangan merupakan bagian integral dari penguasaan teknis. Banyak gitaris yang memainkan bagian-bagian saja
apoyando
, atau hanya
tirando
,
. Oleh karena itu, beberapa bagian terdengar sangat bagus, sementara bagian lainnya terdengar kurang meyakinkan. Penting bagi pemain untuk menyesuaikan diri untuk memahami bagian tersebut sebagai bagian dari keseluruhan artistik dan memperlakukan teknik ini dengan tenang dan bijaksana. Skala apa pun bisa dimainkan
atau dengan satu tangan kiri (legato). Anda perlu menguasai semua metode, kemudian untuk setiap bagian Anda dapat menemukan metode eksekusi yang optimal. Misalnya, bagian terakhir dari “Variasi Tema Mozart” oleh F. Sora dapat dibawakan: 
tirando
menggunakan jari
aku
; 
tirando
menggunakan jari
p-m-i
; 
apoyando
menggunakan jari
aku
; 
apoyando
menggunakan jari
a-m-i
;  legato dengan tangan kiri, memainkan bunyi pertama pada setiap senar dengan tangan kanan. Setiap metode memiliki kelebihannya masing-masing. Pelaku harus menggunakan opsi yang paling nyaman untuk melakukan setiap bagian tertentu.
Tirando
- sambutan yang luar biasa, inferior
apoyando
hanya pada kepadatan dan volume suara.
Tirando
Lebih efektif digunakan dalam bagian pendek yang terdiri dari 4-10 suara. Bagian yang panjang (lebih dari 12 suara), dilakukan
tirando
, memiliki volume suara dan integritas suara yang lebih sedikit dibandingkan jika dilakukan
apoyando
. Kasus penggunaan yang ideal
tirando
misalnya adalah kutipan dari “Variations on a Theme of Mozart” oleh F. Sora:
1 2 Saat memainkannya, tidak diperlukan suara yang paling keras, hanya sedikit crescendo. Anda juga dapat bermain dengan penjarian ini: Opsi ini dimungkinkan jika pemain menambahkan jari tanpa masalah
A
dalam bagian yang dilakukan
tirando
. Selama pelaksanaan skala dengan penerimaan
tirando
sikat tetap tidak bergerak. Untuk stabilitas yang lebih baik, ibu jari (
R
) ditempatkan pada beberapa string, misalnya string ketiga atau keempat. Harus diingat bahwa gerakan jari selama
tirando
lebih ekonomis dibandingkan
apoyando
. Jari-jari, seperti pegas, secara otomatis kembali ke senar setelah menghasilkan suara, yang terjadi tanpa ketegangan. Hal ini menciptakan perasaan tegang pada senar. Dengan cara ini, kebebasan maksimum tercapai dan kecepatan tinggi gerakan jari. Perlu diperhatikan bahwa ketika melakukan suatu bagian menggunakan teknik tersebut
tirando
bukan pada senar pertama, senar yang berdekatan mungkin terpengaruh. Oleh karena itu, pelaksanaan teknik ini memerlukan kehematan khusus dalam pergerakan jari. Bermain
tirando
, biasanya menggunakan fingering
aku
. Ini sangat nyaman, karena beberapa gerakan berturut-turut dengan jari yang sama memperlambat pelaksanaan gerakan tersebut. Ada sistem permainan
tirando
tiga jari (
p-i-m
). Misalnya:
1 3 Namun, penggunaan jari secara terus-menerus
P
dalam timbangan ini sangat tidak efektif, karena ibu jari seolah-olah berada pada bidang yang berbeda dibandingkan dengan jari telunjuk dan jari tengah. Hal ini tercermin dalam kemerataan suara dan ritme dari bagian yang dibawakan. Ibu jari biasanya digunakan untuk memainkan senar bass. Hal utama saat melatih suatu teknik
tirando
saat melakukan tangga nada - jangan terlalu memaksakan tangan, pantau kebenaran gerakan, bawa penguasaannya ke otomatisme. Keuntungan memainkan bagian berdasarkan teknik
apoyando
berikut ini: suara yang lebih padat dan kaya, skala dinamis yang lebih besar, tempo pertunjukan yang lebih tinggi. Penerimaan
apoyando
Lebih baik melakukan bagian yang lebih panjang. Saat bermain
. Oleh karena itu, beberapa bagian terdengar sangat bagus, sementara bagian lainnya terdengar kurang meyakinkan. Penting bagi pemain untuk menyesuaikan diri untuk memahami bagian tersebut sebagai bagian dari keseluruhan artistik dan memperlakukan teknik ini dengan tenang dan bijaksana. Skala apa pun bisa dimainkan
Anda dapat menggunakan dua jari (
aku
), atau tiga (
a-m-i
). Opsi kedua lebih efektif karena memaksa jari Anda untuk bekerja
A
atas dasar kesetaraan dengan orang lain. Gamma dilakukan dengan teknik
apoyando
tiga jari, terdengar lebih kohesif dan memungkinkan tempo lebih besar. Namun, jika dilakukan dengan cara ini, gangguan ritme dapat terjadi. Dari pada: Ternyata: Kesalahan ini bisa dihindari jika, saat menguasai
apoyando
Dengan tiga jari, mainkan hanya dalam seperempat. Pada awalnya hal ini tidak sepenuhnya nyaman, karena nada beraksen dimainkan dengan jari baru setiap kali, tetapi seiring waktu ketidaknyamanan ini dapat teratasi.
1 4 Saat bermain
apoyando
Sangat penting untuk merasakan dengan jelas transisi dari satu string ke string lainnya. Rentang gerakan jari lebih besar dibandingkan dengan
tirando
– ini membuat tugas menjadi lebih mudah. Untuk mengembangkan jari Anda dengan lebih baik, Anda dapat mengganti formula penjarian:
tujuan
,
aku-m-a
,
m-a-i
. Tapi jari ini hanya digunakan dalam latihan, dan pilihan kinerja Anda dapat menemukan banyak cara, menggunakan yang paling nyaman dan efektif.
. Oleh karena itu, beberapa bagian terdengar sangat bagus, sementara bagian lainnya terdengar kurang meyakinkan. Penting bagi pemain untuk menyesuaikan diri untuk memahami bagian tersebut sebagai bagian dari keseluruhan artistik dan memperlakukan teknik ini dengan tenang dan bijaksana. Skala apa pun bisa dimainkan
Penggunaan
a-m-i
Dengan tiga jari ia melakukan penyesuaian pada jari tangan kanannya. Biasanya, pemain mencoba untuk mendapatkan tepat tiga suara pada satu senar (sesuai dengan penjariannya
1 5
). Hal ini membuat lebih mudah untuk menggunakan teknik ini. Misalnya, penjarian “standar” untuk tangga nada C mayor adalah: Saat menggunakan tiga jari, dapat berupa: Penjarian seperti ini memaksa gitaris untuk sangat berhati-hati dalam memainkan tangga nada secara merata. Jadi, hasil pertunjukan berkualitas tinggi dapat muncul dari persepsi sadar tentang struktur musik, analisis kesalahan teknis, pencarian opsi penjarian yang nyaman dan efektif, serta kontrol pendengaran yang konstan. Pada bab selanjutnya kita akan melihat kemungkinan masalah yang mungkin timbul saat memilih fingering untuk tangan kiri gitaris.
Masalah fingering adalah salah satu masalah tersulit dalam pedagogi musik. Pemilihan jari yang berguna dan rasional sangat menentukan keberhasilan pertunjukan pada alat musik apa pun. Namun, kita dapat dengan aman mengatakan bahwa ini mungkin masalah yang paling mendesak bagi gitaris, yang secara mendasar mempengaruhi semua aspek kinerja: konten semantik dan ekspresi artistik, gaya musik, pukulan, kenyamanan fisik, cara dan estetika permainan. Dalam bagian yang mirip tangga nada, memilih jari tangan kiri memberikan banyak kesulitan bagi gitaris, karena biasanya ada beberapa pilihan untuk bermain, dan mungkin sulit untuk memilih yang terbaik. Berpindah dari satu posisi ke posisi lain merupakan kesulitan yang signifikan. Hal termudah untuk dilakukan saat mengubah posisi adalah dengan bergerak melintasi senar terbuka, sementara Anda perlu mengingat tentang kemudahan penggunaan jari, keselarasan suara yang dinamis dan timbral. Mengubah posisi dengan menggeser dapat dilakukan, paling sering saat bergerak dalam jarak dekat (dalam satu atau dua fret). Kesulitan terbesar adalah transisi langsung dengan lompatan pada satu senar, yang tidak mungkin dilakukan tanpanya saat bermain di posisi atas dan dalam lintasan berwarna. Pemilihan jari, dipandu oleh tugas ekspresi artistik, adalah prinsip penjarian yang paling penting, sedangkan penjarian tangan kiri tidak boleh sulit dilakukan tanpa alasan yang serius. Terkadang hanya sedikit pergantian jari membuat Anda memainkan beberapa bagian dengan lebih mudah, lebih tenang, dan lebih percaya diri. Oleh karena itu, sejak tahun-tahun pertama pelatihan, perlu ditanamkan pada siswa sikap sadar terhadap fingering, secara bertahap memperkenalkan mereka pada prinsip-prinsip dasar konstruksinya. Dalam kondisi seperti ini, sangat penting untuk membangkitkan keinginan siswa untuk berkreasi meraba, mengajarinya memahami seluk-beluk penempatan jari yang benar. Selain itu, perlu untuk mendorong minat dengan segala cara
1 6 pembenaran teoritis untuk pilihan ini atau itu dan pada saat yang sama mengembangkan semacam “perasaan terhadap jari”. Pada tahap pertama pembelajaran, siswa biasanya menggunakan fingering yang sudah jadi, yang menyederhanakan dan mempersingkat proses pembelajaran. Namun, perlu untuk menarik perhatian siswa pada kesulitan teknis tertentu yang dapat diselesaikan dengan mengganti jari, pada kemungkinan melakukan bagian tertentu dengan opsi penjarian yang berbeda atau, sebaliknya, hanya satu yang penting untuk mendorongnya “mendengarkan” jari, sekaligus menilai gambaran suara karya secara keseluruhan, ciri gaya dan artistiknya.
5 Urutan pembelajaran tangga nada di sekolah musik anak
Ada beberapa sudut pandang tentang kinerja timbangan dalam proses pembelajaran. Menurut salah satunya, tangga nada merupakan dasar bagi pengembangan teknik seorang musisi. Pendukung pandangan ini mencakup penerapan skala dalam kurikulum pada tahap paling awal, dalam volume yang signifikan, dan dalam rentang yang luas. Dalam hal ini, tangga nada sering kali dilengkapi dengan penampilan arpeggio dengan gerakan dalam rentang yang sama dan akord pada derajat utama. Dari sudut pandang efisiensi pengajaran, tidak seperti lembaga pendidikan musik profesional, pendekatan ini tidak banyak berguna di sekolah musik anak-anak. Di sini Anda perlu memperhitungkan bahwa memainkan tangga nada pada gitar untuk pemula adalah tugas yang secara teknis cukup sulit, karena memainkan suara apa pun pada senar tertutup memerlukan koordinasi kedua tangan. Oleh karena itu, tangga nada satu suara pada gitar memiliki kompleksitas yang sebanding dengan memainkan tangga nada dalam interval pada instrumen keyboard. Selain itu, “keyboard” gitar tidak linier, tetapi terdiri dari dua “koordinat” sekaligus: senar dan fret; ini adalah tugas yang lebih sulit untuk dipikirkan. Akibatnya, sebagian besar upaya siswa akan dihabiskan untuk mempelajari skala itu sendiri, dan bukan pada pengembangan teknis yang diharapkan oleh guru.
1 7 Para pendukung sudut pandang lain dengan tepat percaya bahwa timbangan hanyalah salah satu jenis latihan teknis, dan, pada umumnya, bukan yang paling efektif. Namun, penolakan total untuk mempelajari tangga nada pada pelatihan awal juga tidak dapat diterima, karena, pertama, hal itu melanggar kesatuan metodologi pengajaran yang sudah ada, berhasil digunakan pada alat musik lain, dan kedua, gitar tidak lagi menjadi asisten bagi siswa. mempelajari materi mata kuliah solfeggio , dimana tangga nada diajarkan secara aktif sejak tahun pertama studi. Anda dapat mulai mengembangkan keterampilan dalam melakukan tangga nada pada paruh pertama tahun ajaran. bahan sederhana. Untuk gitar, ini adalah tangga nada minor satu oktaf yang dimainkan dengan ibu jari dalam bentuk aslinya: Setelah memainkan tangga nada dengan ibu jari dengan percaya diri, Anda dapat melanjutkan bermain dengan jari telunjuk dan jari tengah tangan kanan. Materinya dapat berupa tangga nada C mayor, yang dapat dilengkapi dengan bunyi triad tonik dalam aransemen yang paling sederhana: Perlu diperhatikan secara khusus bahwa perlu menggunakan jari kelingking tangan kiri dalam penjariannya agar tepat waktu. . Untuk mengembangkan keterampilan yang stabil dalam bergantian jari telunjuk dan jari tengah tangan kanan serta mengembangkan kefasihan, kami dapat merekomendasikan urutan permainan tangga nada berikut:
1 8 Pada paruh kedua tahun ini, disarankan untuk terus mempelajari tangga nada mayor dalam kunci dengan satu tanda kunci: G mayor F mayor Untuk siswa tingkat lanjut, Anda dapat menggunakan teknik E. Pujol dan memperluas jangkauan permainan sedetik ke atas , memperoleh rantai kontinu untuk meningkatkan daya tahan peralatan pertunjukan. Pada saat yang sama, iramanya juga bisa menjadi agak rumit: G mayor F mayor Di kelas dua, akan berguna untuk menawarkan tangga nada minor satu oktaf kepada siswa dalam bentuk natural, harmonik, dan melodi:
1 9 Melodi harmonik natural minor E melodi harmonik natural minor Jika tugasnya adalah menguasai repertoar gitar modern untuk anak-anak (V. Kozlov, N. Koshkin, A. Vinitsky, F. Hill, dll.), guru harus secara aktif mengambil siswa melampaui batas posisi pertama. Dari sudut pandang ini, skala mayor pada kunci umum dengan sejumlah besar tanda kunci akan berguna:
2 0 D mayor atau A mayor atau Anda dapat beralih ke tangga nada dua oktaf, dengan mempertimbangkan kemampuan dan usia siswa, hanya setelah memainkan tangga nada satu oktaf dengan percaya diri dan cukup gesit, secara bertahap memperumit penjarian dan melengkapi arpeggio dalam rentang yang sama: E-minor natural (harmonik) G -mayor
2 1 Di kelas menengah, siswa dapat secara konsisten ditawari tangga nada mayor dan minor dua oktaf dengan penjarian yang lebih kompleks dan perubahan posisi: B minor D mayor D minor
2 2 Dengan pengembangan keterampilan pertunjukan skala yang konsisten, siswa sekolah menengah akan memiliki akses ke tangga nada dua oktaf di jari A. Segovia, dan tangga nada tiga oktaf akan dapat berfungsi sebagai bahan pengembangan bagi siswa tingkat lanjut dan berorientasi profesional.
Kesimpulan
Dalam karya ini, kami mengkaji masalah pengerjaan tangga nada satu suara, menganalisis opsi penjarian jari tangan kanan, menganalisis teknik produksi suara saat mengerjakan tangga nada, mengidentifikasi masalah utama penjarian jari tangan kiri. , dan menentukan urutan pembelajaran tangga nada di sekolah musik anak. Studi literatur metodologis dan pengalaman bertahun-tahun di sekolah musik anak-anak telah mengungkapkan hal berikut: tangga nada gitar yang banyak dan beragam adalah bahan pendidikan dan pelatihan yang optimal untuk mendidik peralatan pertunjukan gitaris dan mengembangkan teknik jarinya. Sebagai tangga nada awal di kelas gitar, secara metodologis disarankan untuk menggunakan tangga nada dengan senar “terbuka” (M. Carcassi; F. Carulli), karena memainkan tangga nada tersebut membantu mempelajari nada-nada pada leher gitar di posisi bermain utama, dan juga karena pada tangga nada dengan penjarian seperti itu, ibu jari tangan kiri yang terletak di bagian belakang papan jari, pada tangga nada dengan penjarian seperti itu mendapat kesempatan alami untuk rileks, istirahat sambil memainkan senar “terbuka”, yaitu sangat penting untuk perlengkapan teknis awal yang benar dari tangan kiri gitaris. Memainkan tangga nada dengan senar “terbuka” juga membantu mengaktifkan perhatian pendengaran seorang gitaris pemula, karena bunyi alami senar “terbuka” menjadi model bunyi “buatan manusia” dari senar yang ditekan ke papan jari. Dipandu oleh sensasi pendengaran, pemain “meratakan” suara dinamis dan timbre dari langkah tangga nada.
2 3 Tangga nada dengan penjarian standar (posisional) secara metodis efektif pada tahap pelatihan gitaris selanjutnya, dengan studi intensif tentang nada suara dan pengembangan mobilitas dan kefasihan jari. Tangga nada dengan nada ganda (oktaf, pertiga, perenam, desimal) membantu memperkuat jari-jari tangan kiri gitaris, mempersiapkan secara fisik peralatan pertunjukannya untuk memainkan karya-karya yang secara tekstur kompleks, sehingga dipelajari di sekolah menengah dan kelas profesional. Skala seringkali menjadi penghubung utama dalam sebagian besar episode teknis karya seni. Seorang siswa yang mengerjakan timbangan setiap hari, seiring berjalannya waktu, dapat menjadikannya sangat cemerlang. Tangga nada harus dimainkan dengan semua pukulan, dalam semua variasi ritme dan artikulatoris. Metode ini memungkinkan tidak hanya menguasai leher instrumen dengan sempurna, tetapi juga mengembangkan kecerahan dan sifat tajam guratan, pola ritme yang paling umum, dan pengelompokan artikulatoris.
Daftar sumber yang digunakan
1. Dobrov M. Pembentukan dan pengembangan keterampilan memainkan tangga nada di kelas gitar sekolah musik anak. 2. Ivanov-Kramskoy A. M. Sekolah bermain gitar enam senar. Ed. 4. – Rn-D.: Phoenix, 2004. – 152 hal. 3. Buletin informasi “Narodnik” No. 1-58./Ed.-comp. V.Novozhilov, V.Petrov. – M.: Musik, 1998-2007. 4. Cara belajar bermain gitar./ Komp. V.Kuznetsov. – M.: Klasik-XXI, 2006. – 200 hal. 5. Karkassi M. Sekolah bermain gitar enam senar. / Ed. V.M.Grigorenko. – M.: Kifara, 2002. – 148 hal.
2 4 6. Katansky A.V., Katansky V.M. Sekolah bermain gitar enam senar. Ansambel. Bagan Akord. Lagu pengiring: Panduan pendidikan dan metodologi. – I.: Katansky, 2008. – 248 hal. 7. Gitar klasik. Jil. 1./ Komp. K.Mironov. – Krasnoyarsk: 2001. – 74 hal. 8. Tidak ada Frederick. Tutorial gitar. – M.: Astrel, 2005. – 270 hal. 9. Puhol E. Sekolah bermain gitar enam senar. – M.: Komposer Soviet, 1983. – 189 hal. 10.Sor F. Sekolah bermain gitar./ F. Sor; dikoreksi dan ditambah sesuai dengan tingkat kerumitannya oleh N. Biaya; total Ed. N. A. Ivanova-Kramskaya; jalur dari Perancis A.D.Vysotsky. – Penelitian: 2007. – 165 hal. 11.Teslov D. Sekolah teknik gitaris yang ideal. Koleksi lengkap bahan ajar./ D. Teslov. – M.: Studio Gitar Emas, 2008. – 224 hal. 12.Teslov D. Sekolah teknik gitaris yang ideal. Koleksi bahan ajar yang lengkap. Lanjutan./ D.Teslov. – M.: Studio Gitar Emas, 2012. – 306 hal. 13. Shumidub A. Sekolah bermain gitar. - M.: Shumidub, 2002. - 127 hal.

Lembaga pendidikan anggaran kota

pendidikan tambahan untuk anak "Sekolah Seni Anak Urmara"

Distrik Urmara di Republik Chuvash

Pekerjaan metodis

“Pembentukan keterampilan kerja mandiri di kelas gitar”

Selesai: guru

MBOUDOD "Sekolah Anak Urmar"

Mikhailova Margarita Pavlovna

Urmar - 2014

Pendahuluan…………………………………………………………………………………......3

Sistem belajar di rumah………………………………………………………….4

Mempersiapkan siswa untuk kegiatan mandiri………………5

Syarat dasar untuk mengembangkan keterampilan kerja mandiri………. 8

saat mengerjakan sebuah karya musik……………………………12

Perkembangan kemandirian bermusik dan pertunjukan………..13

Kesimpulan……………………………………………………………......15

Daftar sumber yang digunakan…………………………………...17

Perkenalan.

“Tugas sekolah yang paling penting adalah menggairahkan dan cerdas

membimbing kemandirian siswa”

G.A. Laroche

Mendaftarkan anak di sekolah musik merupakan langkah serius dan bertanggung jawab. Agar seorang musisi muda berhasil mengatasi tugas-tugas baru yang sangat sulit baginya, sehingga pengembangan kemampuan musiknya dapat berjalan dengan sukses, sangat penting untuk membantunya dalam hal ini secara tepat waktu dan kompeten.

Berkembangnya kecintaan terhadap musik erat kaitannya dengan minat untuk mempraktikkannya - tidak hanya pada pembelajaran guru, tetapi juga pada pekerjaan rumah mandiri dengan alat musik tersebut. Siswa perlu dibiasakan sejak kecil bahwa seni memerlukan kerja keras dan terus-menerus, bahwa kesempurnaan dalam pertunjukan hanya lahir dalam proses kerja yang panjang dan terarah. Keterampilan ini menunjukkan minat dan kecintaan terhadap musik, yang mengarah pada pencapaian tujuan yang ditetapkan untuk diri sendiri. Guru berkewajiban membantu siswa dalam hal yang belum dapat dikuasainya sendiri. Penting untuk mengajarkan bagaimana melakukan di rumah pekerjaan yang mengarah pada rute terpendek menuju tujuan artistik.

K.D. Ushinsky menyebut pedagogi sebagai seni “seni yang tertinggi dan paling penting.” Komunikasi dan kegiatan dengan guru di dalam kelas dan di luar kelas berkontribusi pada perolehan pengetahuan dan keterampilan profesional oleh siswa; memajukan keharmonisan pengembangan yang komprehensif kemampuannya, pembentukan sikap kerja, kreativitas, persepsi terhadap metode pelatihan dan pendidikan, yang tentunya akan memberikan pengaruh yang menguntungkan bagi kegiatannya di masa depan.

Seorang guru harus menjadi seorang seniman ketika bekerja dengan seorang siswa, selalu mencari secara kreatif untuk gambar yang paling jelas dan penuh warna, dan mengupayakan cara yang paling sederhana dan paling masuk akal untuk memecahkan masalah artistik yang kompleks. Ketelitian, niat baik, dan semangat kreatifnya harus menanamkan kecintaan siswa pada musik dan seni; memperkuat keinginan untuk mengatasi kesulitan, keinginan untuk menguasai segala cara pertunjukan yang teknis dan ekspresif.

I. Lesman menulis: “Seorang musisi tidak bisa dipaksakan - dia bisa terbawa oleh semangat kreatif dan tinggi cita-cita sosial, cinta seni dan pekerjaan pedagogis, untuk meyakinkan dengan interpretasi karya yang dibenarkan secara artistik dan kewajaran metode untuk mengembangkan keterampilan pertunjukan, untuk menarik dengan pendekatan sensitif terhadap karakteristik individu dari bakat dan karakter, untuk menaklukkan dengan integritas tinggi dan kemanusiaan yang sejati.”

Penting bagi anak untuk menemukan sendiri bahasa musik yang indah, bahkan dalam bentuk yang sederhana. Segera setelah seorang anak mulai mengenal alat musik tersebut, perhatian pendengarannya perlu diarahkan pada keindahan dan perbedaan bunyi dan harmoni, ia harus diajari untuk mendengarkan dan mendengar bunyi-bunyian yang dipadukan dalam sebuah melodi. Mendengar secara sederhana adalah mendengarkan suara-suara di sekitar, mendengarkan berarti mendengarkan kualitas suara, hingga keindahannya suara musik. Setiap suara harus dibawakan seolah-olah memiliki nilai tersendiri. Sangat berguna untuk mengarahkan perhatian anak pada suara-suara alam yang ada di sekitar kita, karena semua musik berasal darinya.

Pedagogi musik adalah seni yang membutuhkan cinta yang besar dan minat yang tak terbatas dari orang-orang yang mengabdikan diri pada profesi ini terhadap pekerjaan mereka. Guru tidak hanya harus menyampaikan kepada siswa apa yang disebut “isi” karya tersebut, tidak hanya menularinya dengan gambaran puitis, tetapi juga memberinya analisis bentuk, harmoni, melodi, polifoni. Salah satu tugas pokok guru adalah menanamkan dalam diri siswa kemandirian berpikir dan cara bekerja, yang disebut kedewasaan, setelah itu penguasaannya dimulai.

Cukup banyak karya metodologis yang telah ditulis untuk gitar. Ini adalah karya N.P. Mikhailenko “Metode pengajaran bermain gitar enam senar”, Yu.P. Kuzin “ABC Seorang Gitaris”, C. Duncan “Seni Bermain Gitar”, M.E. Bessarabova "Organisasi pekerjaan rumah".

Sistem belajar di rumah.

B.A. menulis tentang pentingnya pekerjaan rumah. Struve: “Setiap guru musik mengetahui pentingnya pekerjaan rumah yang baik dalam pendidikan musik dan pertunjukan, di mana metodologi dan sistem yang benar untuk pengembangan keterampilan pertunjukan membuahkan hasil yang berharga dalam proses pendidikan. Dan panen penuh hanya mungkin terjadi jika tanah tersedia.”

Membangun paling banyak sistem rasional pelajaran di rumah adalah salah satu masalah utama pedagogi musik.

Sistem pelajaran di rumah untuk seorang gitaris harus dipahami sebagai suatu organisasi dan metodologi untuk melaksanakannya, yang bertujuan untuk memanfaatkan waktu kerja yang tersedia bagi siswa gitaris secara produktif untuk pekerjaan mandiri individu di luar kelas.

Kondisi yang paling penting agar pekerjaan rumah siswa dapat membuahkan hasil adalah pengembangan penuh inisiatif dan keterampilan kerja mandiri. Manusia pada dasarnya memiliki rasa kemandirian, keinginan untuk mengalami dan mencoba sendiri. Dalam keinginan untuk membela haknya, anak-anak menunjukkan kegigihan tertentu. Seringkali orang tua dan guru tidak memperhitungkan mentalitas anak ini, sehingga tugas utama guru adalah perlunya menemukan pendekatan individual kepada setiap anak, mengidentifikasi dan mengembangkan bakat terbaiknya. Keberhasilan seorang guru tergantung pada seberapa dalam ia merasuki sifat manusia dan musik siswanya.

“Sistem pekerjaan rumah mengandung dua sisi, saling berhubungan erat dan saling bergantung. Pertama, rezim pelatihan, yang konsepnya meliputi penentuan jumlah total waktu kerja yang diperlukan, distribusinya dalam hari kerja, distribusi materi yang dipelajari, urutan dan urutannya. Kedua, metode pelatihan, yaitu cara-cara khusus dalam belajar, melatih dan mengatasi kesulitan,” tulis K.G. Mostra.

Mempersiapkan siswa untuk kegiatan mandiri.

Arti periode awal dalam mengajarkan seni apa pun sulit untuk ditaksir terlalu tinggi. Pada bulan-bulan pertama penting untuk dapat memikat anak dengan pelajaran musik, untuk mengembangkan kebiasaan bekerja, sehingga meletakkan dasar bagi keberhasilan pembelajaran untuk tahun-tahun berikutnya. Seberapa sukses seorang anak belajar di sekolah musik tidak hanya bergantung pada guru, tetapi juga pada orang tua.

Guru harus mengembangkan minat dalam pelajaran musik dan menunjukkan hasil pekerjaan rumah yang diselesaikan dengan baik. Pendidikan siswa tidak mungkin terjadi tanpa upaya yang bertujuan untuk memperoleh keterampilan kerja mandiri dan mengembangkan inisiatif kreatif di kelas. Pada tahap awal pengajaran, guru membangkitkan inisiatif siswa selama pembelajaran itu sendiri. Pertama, siswa belajar untuk hanya mengikuti instruksi guru secara bermakna.

“Guru hendaknya tidak menyarankan terlalu banyak; pertama-tama, dia harus memperkenalkan siswa pada proses pencarian dan penemuan mandiri yang menyenangkan,” kata guru dan pianis terkenal K. Martinsen.

Jika hal ini diabaikan, maka pada tahap awal pelatihan terdapat bahaya melatih siswa menjadi pemain mekanik, yaitu “robot”. Metode “pelatihan” menciptakan kesan yang menyesatkan tentang bakat siswa. Transisi menuju kemerdekaan harus dilakukan secara bertahap dan hati-hati. Hal utama adalah bahwa siswa harus diinstruksikan belajar mandiri tugas-tugas yang dapat diakses oleh tingkat keterampilan yang diperolehnya, dan tidak melakukan apa yang mampu dia tangani sendiri. Jika pada awal pelatihan Anda menginstruksikan siswa untuk secara mandiri memecahkan masalah-masalah dasar, misalnya mengatur jari, memilih posisi yang tepat, mencari tahu guratan, maka seiring dengan berkembangnya pemikiran musik, dimungkinkan untuk memberinya tugas yang lebih kompleks. Anda dapat mengajak siswa untuk memilih pekerjaan sesuai dengan tingkat persiapannya untuk belajar mandiri. Keinginan siswa untuk mempelajari karya ini akan menjadi insentif yang baik untuk bekerja.

Sebuah pelajaran dapat menjadi alat pengajaran yang efektif hanya dengan pekerjaan rumah yang intensif oleh siswa. Di dalam kelas guru menerapkan metode mengerjakan pekerjaan yang selanjutnya menjadi metode kerja mandiri siswa. Keberhasilan pekerjaan rumah ditentukan oleh isi pelajaran dan kemampuan guru dalam mempersiapkan siswa dengan baik untuk kegiatan mandiri.

Berapa banyak waktu di kelas dan pekerjaan rumah yang dihabiskan untuk mengajar seorang siswa?

Hari dalam seminggu

Bekerja di kelas sesuai dengan spesialisasinya

1 jam

1 jam

Pekerjaan rumah

2 jam

2 jam

2 jam

2 jam

2 jam

2 jam

2 jam

Dari diagram yang disusun menurut kurikulum ini, terlihat jelas bahwa siswa bekerja dengan guru di kelas selama dua jam seminggu. Ini tidak cukup untuk asimilasi materi pendidikan yang percaya diri dan mendalam. Bagian utamanya dihabiskan untuk studi mandiri. Tujuan dari pekerjaan kelas adalah untuk mempersiapkan siswa untuk karya kreatif mandiri. Sangat penting untuk mengatur pekerjaan rumah Anda dengan benar. Penting bagi siswa untuk memahami bahwa pelajaran gitar yang sistematis adalah syarat utama untuk menguasai keterampilan pertunjukan. Dalam hal ini, anak sangat membutuhkan bantuan orang tua, apalagi jika anak tersebut sudah menginjak usia sekolah dasar. Guru harus mendidik muridnya dalam semangat kerja keras, membiasakannya bekerja keras mandiri sehari-hari. Rahasia sukses dalam bermusik hanya bisa dipelajari oleh mereka yang mengetahui rahasia kerja keras.

Pada minggu-minggu pertama pelatihan, siswa belajar menggerakkan jari-jarinya di sepanjang senar dan fret. Kegiatan yang sulit ini memerlukan banyak kesabaran dan perhatian, baik dari pihak siswa maupun dari pihak orang tua, karena anak usia 7-8 tahun secara fisik tidak mampu memusatkan perhatiannya pada pekerjaan tersebut selama lebih dari beberapa menit. Di sini siswa membutuhkan bantuan orang tuanya selama kelas pertamanya. Pertama, Anda perlu menguasai teknik arpeggio pada gitar. Jari-jari tangan kanan harus melihat dan mendengar. Pergerakan jari-jari tangan kanan lebih mudah dianalisis bila tidak terhubung dengan tangan kiri. Arpeggio paling sederhana adalah naik p - i - m - a. Penting bagi siswa untuk memperhatikan gerakan kedua tangan saat bermain; artikulasi antara tangan kanan dan kiri sangatlah penting.

Perlu diingat bahwa pemikiran abstrak pada anak kecil belum terbentuk sempurna. Oleh karena itu, dalam pekerjaan rumah dengan instrumen, pertama-tama Anda harus fokus pada pemikiran imajinatif. Semua pekerjaan independen harus dilakukan di bawah kendali pendengaran terus menerus. Secara berkala, pelajaran kontrol harus dilakukan yang mensimulasikan pembelajaran di rumah. Guru tidak boleh ikut campur dalam proses tersebut, tetapi harus mengamati, sesekali memberikan komentar. Ketika mengatur kelas di rumah untuk siswa, guru harus membiasakan diri dengan kondisi kehidupannya, kehidupan sehari-harinya, menjalin kontak dengan orang tuanya, dan membantu membangun rutinitas sehari-hari.

Keberhasilan pembelajaran tergantung pada bagaimana pembelajaran yang dilakukan guru di kelas dan pekerjaan rumah mandiri siswa berinteraksi. Penting untuk mengajari anak memahami musik. Suara tidak hanya harus bersifat fisik, tetapi juga musikal, menyampaikan keindahan, dan bukan hanya durasi, nada, timbre. Pastikan karya musik yang dibawakan tidak mencerminkan bahasa notasi musik, tetapi mewakili beberapa fenomena artistik.

Terlepas dari aksesibilitas dan kesederhanaannya, gitar adalah instrumen yang agak rumit. Seorang anak yang duduk di depan sebuah instrumen harus menyelesaikan banyak masalah pada saat yang bersamaan. Jalankan dengan kompeten teks musik, membaca notasi dengan benar, sambil mengamati tanda-tanda aksidental, fingering, nuansa, menyelesaikan masalah meritme dan tempo. Pertimbangkan rasio melodi dan iringan yang benar. Mendengarkan, melantunkan, dan menyanyikan frasa dan kalimat musik dengan jari tangan kanan. Pantau terus koordinasi kedua tangan. Hal ini memerlukan waktu untuk belajar dan penguasaan praktis pada fretboard gitar.

I.P. Pavlov mengajarkan: “Bersemangatlah dalam pekerjaan Anda!” Siswa harus bekerja secara sistematis, tidak menyerah pada suasana hati yang bersifat sementara. P.I. Tchaikovsky menulis: “Inspirasi adalah tamu yang tidak suka mengunjungi orang yang malas. Dia menampakkan diri kepada orang-orang yang memanggilnya. Bahkan seseorang yang diberi cap kejeniusan tidak hanya akan menciptakan yang hebat, tetapi juga yang rata-rata, jika dia tidak bekerja keras.” Anda perlu berolahraga sedemikian rupa sehingga, dengan waktu dan usaha yang paling sedikit, Anda dapat mencapainya hasil terbaik. Saat mulai mempelajari suatu karya musik tertentu, hendaknya Anda memahami maknanya, menentukan cara kerjanya, dan membayangkan tujuan akhirnya. “Konsentrasi adalah huruf pertama dalam alfabet kesuksesan,” kata pianis terkenal I. Hoffman.

Pekerjaan mandiri harus dilakukan dalam lingkungan pengendalian pendengaran yang berkelanjutan. “Saya bermain, saya mendengarkan, saya menilai diri saya sendiri,” kata P. Casals.

Kemampuan, keinginan aktif untuk memperoleh keterampilan, kemampuan, dan pengetahuan berkembang terutama dalam karya mandiri siswa. Hasil karya mandiri siswa merupakan bagian dari proses pendidikan yang terdiri dari dua bagian:

Karya mandiri siswa secara langsung dalam pembelajaran itu sendiri;

Pekerjaan rumah menyelesaikan tugas yang diterima di kelas.

Bagian-bagian ini saling berkaitan erat. Semakin intens kerja mandiri siswa di kelas, semakin efektif pula di rumah dan sebaliknya. Syarat utama bagi karya mandiri seorang siswa yang produktif dan berkualitas tinggi adalah pernyataan yang jelas tentang tugas-tugas yang dihadapinya. Keberhasilan pekerjaan rumah siswa tergantung pada seberapa jelas guru merumuskannya, menentukan urutan pelaksanaannya dan menetapkannya. Penting untuk diingat bahwa, pertama, keterampilan kerja mandiri harus diajarkan di kelas. Kedua, setiap tugas baru yang diusulkan untuk pekerjaan mandiri harus didasarkan pada apa yang telah dipelajari sebelumnya di bawah bimbingan seorang guru.

“Semua kelas harus diatur sedemikian rupa sehingga kelas berikutnya selalu didasarkan pada kelas sebelumnya, dan kelas sebelumnya diperkuat oleh kelas berikutnya” - Kamensky Ya.

Syarat dasar untuk mengembangkan keterampilan kerja mandiri.

Guru harus menjelaskan kepada siswa pentingnya persiapan mandiri di rumah untuk pelajaran dan apa perannya dalam pengembangan dan peningkatan siswa lebih lanjut. Pelajaran instrumen rumahan harus dimasukkan dalam kegiatan umum siswa dan dimasukkan dalam jadwal hariannya. Tidak bisa diharapkan hasil yang bagus, jika pekerjaan rumah dilakukan secara tidak teratur, jika siswa bermain selama setengah jam hari ini dan empat jam besok, jika waktu kelas berubah setiap hari.

Sangatlah penting untuk menciptakan rejimen yang tepat. Guru harus memberikan bantuan yang signifikan di sini. Untuk pekerjaan mandiri, Anda perlu menyisihkan waktu yang kurang lebih konstan setiap hari. Distribusi waktu kerja sangat penting untuk efektivitas pekerjaan rumah.

Dalam karya “Sistem latihan di rumah untuk pemain biola” K.G. Mostras menulis: “Aturan pedagogis lama yang telah terbukti mengatakan: lebih baik belajar tidak banyak, tetapi merata, sistematis, daripada mencoba mengganti waktu yang hilang dengan bermain berjam-jam dalam satu hari. “Sistem seperti itu tidak bermanfaat dan dapat menyebabkan tangan “bermain berlebihan” dan, akibatnya, tidak dapat bekerja untuk waktu yang lama.” Oleh karena itu, Anda perlu belajar mandiri secara sistematis dan setiap hari.

Pianis dan guru Leningrad N. Golubovskaya berkata: “Orang yang bermain sepuluh jam sehari adalah orang yang paling malas. Bermain selama sepuluh jam dengan perhatian penuh hanya mungkin dilakukan oleh beberapa orang. Biasanya, “ketekunan” seperti itu tidak lebih dari keinginan untuk menggantikan kerja kesadaran dengan tindakan mekanis yang tidak memerlukan perhatian yang ditargetkan.”

Yang terbaik adalah berlatih musik di pagi hari; jika tidak memungkinkan, sebaiknya sebelum mempersiapkan pelajaran. Anda juga dapat membagi waktu pelajaran musik menjadi beberapa bagian agar anak dapat bergantian mempersiapkan pelajaran dengan melatih alat musiknya. Perubahan aktivitas seperti itu, menurut psikolog, akan membantu anak mengurangi rasa lelah dan menyelesaikan lebih banyak pekerjaan dalam jangka waktu yang sama. Siswa sekolah musik dan seni tidak dapat mencurahkan banyak waktu untuk memainkan alat musik. Selain menghadiri kelas dan mempersiapkan pelajaran, mereka perlu membaca buku, berkomunikasi dengan komputer, pergi ke bioskop dan teater, menghadiri konser dan berolahraga, jika tidak, mereka akan tumbuh menjadi orang yang kurang berbudaya dan tidak berpengalaman secara fisik. Oleh karena itu, guru hendaknya memberikan perhatian khusus untuk meningkatkan kualitas pekerjaan rumah. Mengajari siswa belajar sejak tahun pertama agar tidak ada satu menit pun yang terbuang sia-sia.

Mengapa lagi penting untuk memikirkan jadwal harian Anda? Itu harus dirancang sedemikian rupa sehingga di ruangan tempat anak belajar, kondisi yang diperlukan disediakan selama kelas: TV atau radio tidak menyala, tidak ada percakapan yang bising, dll.

Untuk studi musik, konsentrasi, kerja bijaksana yang berfokus pada tugas-tugas tertentu sangatlah penting.

Pekerjaan rumah harus sistematis dan setiap hari. Hanya olahraga teratur yang bermanfaat. Jika seorang anak belajar hanya sebelum pelajaran, maka pekerjaan tersebut tidak efektif, karena banyak dari apa yang dicapai melalui usaha bersama siswa dan guru selama pembelajaran hilang dan sia-sia. Untuk menumbuhkan kebiasaan beraktivitas sehari-hari diperlukan kemauan yang kuat baik dari anak maupun orang tua. Anak prasekolah dan anak kelas satu jarang mampu melakukan konsentrasi kerja jangka panjang, perhatiannya masih labil dan tidak bisa berkonsentrasi pada satu hal dalam waktu lama. Saat belajar di rumah, penting juga untuk tidak memaksa anak melakukan satu hal dalam jangka waktu yang lama. Sekalipun Anda belajar sekitar dua puluh menit, tapi serius, lalu istirahat sejenak (bermain, berlari keliling ruangan), dan kembali belajar lagi, setidaknya satu langkah maju kecil akan diambil!

Berapa lama kelas harus berlangsung? Rata-rata, untuk anak-anak berusia tujuh tahun, biasanya 30-40 menit pelajaran setiap hari sudah cukup, untuk siswa sekolah menengah pertama dan atas - hingga dua, dua setengah jam sehari.

Untuk meningkatkan efektivitas pekerjaan rumah mandiri siswa, pertama-tama di kelas Anda perlu mendiskusikan dan mendistribusikan waktu yang harus dihabiskan siswa untuk setiap jenis pekerjaan rumah. Misalnya: timbangan - 20-30 menit, sketsa - 30-40 menit, materi seni - 1 jam.

Pembagian waktu kelas ini sangat sewenang-wenang. Pada akhirnya ditentukan oleh materi pendidikan, kesulitannya dan sejumlah alasan lainnya. Selain itu, pembagian waktu tergantung pada kebutuhan dan kemampuan individu siswa. Jika ada kekurangan dalam peralatan teknis, lebih banyak waktu harus dicurahkan untuk tangga nada, latihan dan etudes. Dan sebaliknya, setelah mencapai tingkat teknis yang disyaratkan, Anda dapat memperkuat studi Anda tentang drama. Disarankan untuk membagi waktu yang diberikan untuk belajar mandiri menjadi dua bagian, misalnya menjadi dua.

Tidak disarankan untuk berolahraga terus menerus lebih dari satu jam. Pengamatan menunjukkan bahwa variasi pekerjaan merupakan cara paling penting untuk mencegah kelelahan. Penting untuk menghindari pekerjaan yang berkepanjangan pada latihan yang homogen dan pekerjaan yang monoton.

Setiap guru memiliki caranya sendiri dalam bekerja dengan orang tua. Beberapa guru menyambut baik kehadiran orang tua dalam pembelajaran; mereka meminta orang tua menuliskan semua komentar guru dan seolah-olah belajar bersama anak. Sebaliknya, ada pula yang mencoba mengembangkan kemandirian siswa dalam bekerja sejak awal, dengan memberikan tugas-tugas yang sangat spesifik dan mudah diakses pada tahap awal.

Awalnya, orang tua siswa dapat mengingatkan siswa bahwa sudah waktunya belajar dan memastikan siswa benar-benar belajar sesuai waktu yang ditentukan. DI DALAM anak selanjutnya Saya sendiri harus mengingatnya. Keheningan harus dijaga selama jam latihan instrumen; tidak ada yang boleh mengalihkan perhatian siswa. Rumah tangga perlu mengingat bahwa pelajaran musik memerlukan banyak perhatian dan hal ini tidak mudah untuk dikembangkan.

Dalam percakapannya dengan orang tua siswa, guru akan selalu benar, menekankan pentingnya menciptakan rezim belajar di rumah yang diperlukan. Pada akhirnya, pembagian waktu seperti itu harus mendisiplinkan, mengatur siswa dan memberikan hasil yang positif.

Proses kerja mandiri siswa harus dilakukan secara sadar. Suatu kondisi yang diperlukan itu harus berupa adanya pengendalian diri pendengaran, “kritik diri” dan penghapusan segera atas kekurangan yang diketahui. “Saat Anda bermain,” kata pianis dan guru Rusia terkemuka A.N. Esipova, “dengarkanlah lagu itu sepanjang waktu, seolah-olah Anda sedang mendengar permainan orang lain dan Anda harus mengkritiknya.”

Sebelum memulai kelas, siswa selalu perlu membayangkan bagaimana bunyi bagian tertentu dari karya yang sedang dipelajari atau keseluruhan komposisi. Memulai pengerjaan alat secara langsung, melewati tahap ini, “sama saja dengan mulai membangun rumah tanpa memiliki desainnya”. Agar siswa dapat membayangkan bunyi lagu tersebut, disarankan untuk memainkan lagu tersebut selama pembelajaran dan, bersama dengan anak, menganalisis sifat setiap bagian dan keseluruhan komposisi, bagaimana, pada akhirnya, siswa. harus melaksanakannya.

Dalam kerja mandiri, “komunikasi” yang berkesinambungan dengan teks materi yang dipelajari sangatlah penting. Dengan mempelajari suatu teks musik, siswa secara bertahap memahami sifat, isi dan bentuk karya. Analisis notasi musik dari lakon tersebut sangat menentukan jalannya pengerjaannya selanjutnya.

G.G. Neuhaus menulis: “Saya mengundang siswa untuk mempelajari karya tersebut, notasi musiknya, seperti seorang konduktor mempelajari musiknya - tidak hanya secara keseluruhan, tetapi juga secara rinci, menguraikan komposisi menjadi bagian-bagian komponennya - struktur harmonik, polifonik, dan ulasan terpisah hal utama - misalnya, baris melodi, "sekunder" - misalnya, iringan... siswa mulai memahami bahwa setiap "detail" memiliki makna, logika, ekspresi, bahwa itu adalah "partikel organik dari keseluruhan". ”

Ucapan menarik dari A.B. Goldenweiser mengenai reproduksi teks musik. Dia menulis: “Ciri umum dari banyak orang yang bermain piano - mulai dari siswa sekolah musik hingga pianis dewasa yang tampil di panggung - adalah bahwa mereka membuat nada dengan sangat akurat di tempat penulisannya, dan dengan ketidaktepatan yang sama mereka mencatatnya. mati. Mereka tidak mau repot-repot mempelajari instruksi dinamis penulisnya.”

Pernyataan serupa guru yang luar biasa membuat kita berpikir tentang pentingnya pengerjaan teks musik yang benar dan menyeluruh.

Perhatian khusus harus diberikan pada disiplin ritme dalam kerja mandiri. Siswa harus mengetahui bahwa ritme adalah prinsip dasar yang menentukan jalani hidup musik. SEBUAH. Rimsky-Korsakov menekankan bahwa “musik bisa tanpa harmoni dan bahkan tanpa melodi, tetapi tidak pernah tanpa ritme.”

Kami menarik perhatian siswa pada sejumlah kebenaran yang harus diingat ketika mengerjakan ritme:

Pada awal pengerjaan sebuah karya, teks harus ditempatkan pada “rel” ritme yang tepat, jika tidak, ketidakstabilan ritme tidak dapat dihindari;

Denyut nadi yang ritmis cenderung berada di tangan dengan nada yang lebih sedikit. “Anda perlu merasakan fluiditas, ritme gerakan, dan hanya setelah merasakannya, mulailah menampilkan karya tersebut. Jika tidak, pada awalnya Anda pasti akan mendapatkan serangkaian suara acak, dan bukan garis hidup” - Goldenweiser A.;

Irama triplet tidak boleh berubah menjadi ritme titik-titik, dan ritme titik-titik menjadi ritme triplet;

Anda harus mengingat nasihat bijak dari E. Petri: “Mainkan bagian akhir seolah-olah Anda ingin melakukan ritenuto - maka itu akan keluar tepat pada temponya” - tergesa-gesa tidak dapat diterima di saat-saat klimaks;

Jeda tidak selalu berupa jeda dalam suara; bisa juga berarti keheningan, pernapasan yang tertunda dan gelisah, dll. Kehidupan ritmisnya selalu bergantung pada sifat karya, struktur figuratifnya. Durasi jeda biasanya lebih lama dibandingkan durasi nada serupa.

Instruksi dinamis harus selalu dipertimbangkan dalam kesatuan organik dengan cara ekspresi lain (tempo, tekstur, harmoni, dll.) ini akan membantu untuk lebih memahami dan mendalami konten figuratif dan semantik musik.

Harus diingat bahwa dasar ekspresi dinamis bukanlah kekuatan mutlak suara (keras, pelan), tetapi rasio kekuatan. Yang khas adalah ketidakmampuan untuk menunjukkan perbedaan antara p dan pp, f dan ff; untuk beberapa anak, f dan p berbunyi di suatu tempat pada bidang yang sama. Oleh karena itu pertunjukannya membosankan dan tidak berwajah. Menekankan pentingnya rasio kekuatan suara, N. Medtner berkata: “Hilangnya piano berarti hilangnya keahlian dan sebaliknya! Hindari suara lembam; mezzo forte adalah gejala kelemahan dan hilangnya penguasaan suara.”

Saat menghafal sebuah karya, Anda harus bermain perlahan untuk menghindari kesulitan teknis yang mengalihkan perhatian dari tujuan utama. Pada saat tertentu, Anda perlu belajar dari ingatan bukan apa yang sulit, tetapi apa yang mudah, dan untuk membuatnya mudah, Anda harus belajar perlahan. Anda perlu belajar dari ingatan apa yang dapat ditangkap sepenuhnya oleh kesadaran dan apa yang tidak menimbulkan hambatan. Dalam situasi apa pun pekerjaan teknis tidak boleh dilakukan dengan menggunakan catatan. Dalam mengatasi kesulitan teknis, memori pendengaran dan jari terkadang memegang peranan yang menentukan.

Tanpa pengetahuan yang cukup tentang teks karya, Anda tidak boleh “menghubungkan” emosi, karena Anda tidak akan mendapatkan apa pun selain “produk setengah jadi” primitif, “draf dengan emosi”.

Persiapan konser, bahkan repertoar yang diulang-ulang, harus dilakukan sesuai notasi. Jenis pelatihan ini akan memungkinkan Anda untuk menyingkirkan ketidakakuratan dan kelalaian yang diperoleh sebuah karya dari waktu ke waktu, dan menemukan serta merasakan “nafas” baru dari citra musik.

Penting untuk diingat bahwa Anda dapat berkinerja buruk secara tidak sengaja, namun Anda tidak dapat bekerja dengan baik secara kebetulan. Hal ini memerlukan perbaikan diri secara terus-menerus.

Tak jarang, pada masa pra-konser, siswa dihadapkan pada pertanyaan: haruskah ada pengendalian diri yang ketat di atas panggung? Tentu saja kehadiran pengendalian diri di atas panggung itu perlu, namun sifatnya lebih bersifat “regulator”, mengarahkan musik.

Jadi, kami telah mempertimbangkan kondisi utama yang berkontribusi pada pengembangan keterampilan kerja mandiri pada siswa kelas instrumental.

Pembentukan keterampilan kerja mandiri pada diri siswa

saat mengerjakan sebuah karya musik.

Dengan menggunakan contoh karya musik, kita dapat menunjukkan bagaimana siswa dapat mengembangkan keterampilan kerja mandiri.

Kami memilih karya yang sesuai dengan kemampuan siswa, tingkat kemampuan musiknya, dan tentu saja, yang disukai anak. Untuk semua jenis siswa, pilihan repertoar memainkan peran penting. Penting untuk memilih permainan yang dekat dengan mereka dalam semangat, membangkitkan minat dan keinginan untuk menguasainya.

Lagu tersebut perlu dimainkan agar siswa memahami bagaimana seharusnya bunyinya. Bersama siswa tersebut, buatlah rencana sesuai dengan apa yang akan dia kerjakan di rumah. Rencana ini akan menjadi semacam panduan pendukung untuk mengembangkan kemandirian dalam pekerjaan rumah siswa. Untuk memulainya, berikut adalah rencana kerja umum:

Menentukan nada suara, ukuran, tanda tinjauan, teknik permainan, dinamika, tempo dan istilah ciri;

Temukan bagian-bagiannya, berapa jumlahnya, bagi setiap bagian menjadi kalimat dan frasa;

Tentukan alur melodi, iringan;

Periksa penjariannya dan temukan kenyamanannya; jika tidak ada dalam catatan, tambahkan milik Anda;

Mulailah analisis dengan menghitung dengan suara keras, dengan kecepatan lambat, sambil mencoba mengikuti pukulan dan penjarian:

Pantau terus kualitas suara, dengarkan permainan Anda sepanjang waktu, lakukan pengendalian diri;

Jika teks dimainkan dengan cukup percaya diri, Anda dapat menambahkan dinamika, emosi, perumpamaan, dan bekerja dengan tempo;

Mulailah belajar dengan hati dan bersiap untuk pertunjukan.

Syarat keberhasilan kerja mandiri di rumah adalah kekhususan tugas yang diberikan dalam pelajaran.

Jika siswa masih kecil dan sulit baginya untuk mengerjakan tugas yang banyak, Anda dapat memberikan tugas mandiri sedikit demi sedikit, misalnya Anda dapat memberikan tugas dengan jari, atau membagi pekerjaan menjadi frasa atau kalimat, dll.

Dianjurkan untuk mengerjakan pekerjaan rumah pada waktu yang sama jika memungkinkan. Jika seorang siswa belajar di sekolah menengah pada shift pertama, disarankan untuk berlatih instrumen segera setelah sekolah, sebelum mengerjakan pekerjaan rumah. Kelas sekaligus mengembangkan kebiasaan dalam tubuh dan memperkenalkan ritme tertentu ke dalam rutinitas sehari-hari siswa.

Berapa banyak waktu yang harus dialokasikan studi independen? Hal ini tergantung pada usia siswa dan karakteristik fisiknya. Tegangan lebih harus dihindari. Istirahat memang diperlukan untuk mengembalikan kinerja tubuh.

“Kepala seorang siswa bukanlah sebuah bejana yang perlu diisi, melainkan sebuah pelita yang perlu dinyalakan,” kata orang bijak zaman dahulu.

Membentuk sistem pekerjaan rumah adalah proses yang hidup dan fleksibel yang memerlukan sikap yang benar-benar kreatif. Sistem pekerjaan rumah seorang gitaris harus mencakup unsur-unsur berikut:

Latihan untuk memerankan;

pekerjaan teknis umum;

Sedang mengerjakan bahan seni;

Mengerjakan materi tambahan;

Membaca sekilas, pemilihan melodi dan iringan telinga.

Kompleksitas pekerjaan rumah sehari-hari harus bervariasi.

Pengembangan kemandirian musik dan pertunjukan.

Keberhasilan dan produktivitas dalam pekerjaan rumah individu seorang siswa hanya dirasakan jika ia memiliki komponen-komponen seperti aktivitas yang berorientasi pada tujuan, kemandirian eksekutif, kemampuan mengendalikan diri, minat dalam bekerja, perhatian yang terfokus dan, jika semua ini digabungkan, partisipasi aktif dari kesadaran. dalam pekerjaan siswa.

Mengembangkan kemandirian bermusik dan tampil pada diri siswa merupakan tugas utama guru. Kritikus hebat lainnya G.A. Laroche menulis: “Tugas terpenting sekolah adalah membangkitkan dan mengarahkan kemandirian siswa secara cerdas.” Pemain biola terkemuka Rusia L.F. Lvov dalam karyanya “Nasihat untuk Pemula Bermain Biola” menulis: “Tugas guru adalah menunjukkan cara paling nyaman untuk mencapai tujuan, tetapi siswa harus melakukannya sendiri.”

Kemandirian dalam pertunjukan musik, pengendalian diri - kategori seperti itu hanya muncul atas dasar inisiatif kreatif siswa.

Untuk membangkitkan inisiatif kreatif siswa, siswa perlu melihat dengan jelas tujuan yang ditetapkan oleh guru, sehingga guru secara spesifik menentukan rentang tugas. Tugas-tugas yang dapat dipahami dengan jelas mendasari analisis siswa atas tindakannya, pencarian cara dan teknik untuk memecahkan masalah-masalah ini dengan lebih baik, yang merupakan titik awal dari mana kemandirian kreatif siswa berkembang. L. Auer dalam karyanya “My School of Violin Playing” memberikan nasehat: “Dengarkan penampilan Anda sendiri. Mainkan sebuah frase atau bagian dalam berbagai cara, lakukan transisi, ubah ekspresi, mainkan lebih keras dan lebih pelan hingga Anda menemukan interpretasi alami. Ikuti naluri Anda sendiri sambil dibimbing oleh bimbingan orang lain.”

Dalam proses mengerjakan sebuah karya musik, pada tahap tertentu, hubungan yang diperlukan muncul antara ide pendengaran dan sensasi otot, dan dengan demikian keterampilan motorik. Pada masa kerja ini, kemampuan pengendalian diri dan kreativitas siswa meningkat. Pada dasarnya siswa mengingat keterampilan yang diperoleh dan diterapkannya ketika mempelajari materi musik sebelumnya. “Bagasi” ini memang belum besar, namun keuletan keterampilan memegang peranan penting dalam memperoleh pengalaman kerja mandiri. Hal yang paling berharga bukanlah tawaran pilihan yang sudah dipelajari yang diingat siswa, melainkan tawaran pilihannya sendiri, yang baru ditemukan sebagai hasil persiapan pelajaran. berbagai pilihan. Momen-momen bahagia itulah yang menjadi landasan kreativitas seorang siswa, itulah yang menjadi awal kreatifnya. Siswa tentunya harus diajari untuk secara mandiri menganalisis karya musik yang dibawakan. Pada awalnya, siswa tersebut dengan sangat malu-malu mencoba berbicara tentang kekurangannya dalam membawakan suatu karya tertentu. Namun kedepannya, jika metode ini diterapkan dari pelajaran ke pelajaran, siswa akan mendengarkan permainannya dengan lebih baik, menganalisisnya, dan persyaratan kualitas permainannya akan memaksanya untuk mencari cara, metode, metode koreksi baru. kekurangannya dan mencapai tujuan akhir berupa kinerja berkualitas tinggi.

“Dengarkan caramu bermain,” “apakah kamu menyukai kalimat yang baru saja kamu mainkan? Apa yang tidak kamu sukai?” - pertanyaan seperti itu dari guru harus konstan selama pelajaran khusus dengan siswa.

Poin penting untuk kerja mandiri siswa selanjutnya adalah merangkum setiap pelajaran. Apabila seorang siswa memahami dengan benar hasil tugas kelas pada setiap pembelajaran, memahami dengan jelas maksud dan tujuan, cara dan teknik penguasaan materi, hal ini akan memudahkan pekerjaan rumahnya dan mempercepat perkembangan siswa. Setelah menyelesaikan kelas, di rumah, siswa harus, seolah-olah mengikuti jejak pelajaran terakhir, memainkan catatan yang dipelajari dan mengingat semua instruksi guru. Metode ini mengaktifkan pengendalian diri dan ingatan siswa, serta mendorong perencanaan pekerjaan rumah yang lebih baik.

Kesimpulan.

Penting agar aktivitas guru merangsang aktivitas siswa itu sendiri: jika siswa pasif secara kreatif, maka tugas pertama guru adalah membangkitkan aktivitasnya, mengajarinya menemukan dan menetapkan tugas untuk dirinya sendiri.

Pada akhirnya, ketika anak menguasai keterampilan-keterampilan ini, mereka akan membantunya dalam mempersiapkan ujian, di mana ia perlu menunjukkan pekerjaan yang telah ia pelajari secara mandiri, di mana bantuan guru tidak termasuk.

Pelajaran harus membekali siswa dengan gagasan yang jelas tentang metode yang harus ia gunakan pada tahap ini dalam mengerjakan drama tersebut. Dalam banyak kasus - tetapi tidak selalu - tugas-tugas baru yang diajukan perlu diselesaikan sebagian dalam pelajaran, dengan bantuan guru: maka akan lebih mudah bagi siswa untuk terus bekerja secara mandiri. Seringkali, jalannya pelajaran harus menjadi prototipe karya mandiri siswa selanjutnya. Sangat tidak dapat diterima suatu pembelajaran menggantikan kerja mandiri, sehingga hanya sebatas pengulangan dan pemantapan apa yang telah dicapai dalam pembelajaran. Jika pada awal mengerjakan lakon terlihat jelas bahwa siswa memahami dengan jelas tugas-tugas yang dihadapinya, maka lebih disarankan untuk membiarkannya melanjutkan pekerjaannya sendiri di rumah. Bantuan pedagogis di kelas tidak boleh berubah menjadi apa yang disebut “pelatihan”; hal itu menekan aktivitas siswa. Ketika guru terlalu banyak memberi petunjuk, ikut bernyanyi, berhitung, ikut bermain; dalam hal ini siswa tidak lagi menjadi pribadi yang mandiri dan seolah-olah menjadi aparat teknis yang melaksanakan rencana guru.

Setiap anak adalah individualitas, kepribadian, seni seorang guru adalah untuk memastikan bahwa setiap siswa menjadi pemain yang unggul dan memperoleh minat berkelanjutan dalam studi musik, yang dapat bertahan seumur hidup. Untuk melakukan ini, perlu dibuat jadwal pekerjaan rumah siswa, yang mengamati pergantian mata pelajaran sekolah dan musik, dan membiasakan anak berlatih alat musik tersebut setiap hari. Pada bulan-bulan pertama pelatihan, sebaiknya orang tua hadir di kelas agar selanjutnya dapat memantau penyelesaian pekerjaan rumah. Sejak tahap awal pembelajaran, biasakan bekerja secara mandiri dengan instrumen. Amati dengan ketat kondisi higienis dan fisiologis aktivitas anak. Gunakan kursi yang nyaman dan keras dengan ketinggian yang dibutuhkan dan penyangga kaki kiri Anda untuk menghindari kelengkungan tulang belakang. Pertahankan keheningan selama kelas. Perhatikan fisik dan keadaan emosional murid. Hadiri konser dan kompetisi tahunan di suatu tempat bersama orang tua. Kembangkan terus-menerus kebutuhan anak untuk mendengarkan musik klasik dan menganalisis apa yang Anda dengar.

Hasil akhir dari proses pendidikan yang kompleks adalah terbentuknya seorang musisi pertunjukan yang memahami tujuan seni yang tinggi. Pelakulah yang menghidupkan karya tersebut, oleh karena itu tanggung jawabnya kepada pengarang, kepada penonton, mewajibkannya untuk memahami secara mendalam dan mampu mengungkapkan makna gagasan yang terkandung dalam karya tersebut.

Seperti yang ditulis Lieberman dalam buku “Mengerjakan Teknik Piano”: “Dalam bekerja Anda harus terus-menerus menunjukkan ketekunan, tidak menerima apa yang tidak berhasil, jangan duduk di depan instrumen tanpa keinginan dan pikiran, mencari cara untuk membuat lebih mudah untuk mengatasi kesulitan-kesulitan tertentu, atur sendiri masalah-masalah musikal dan teknis yang ada sampai masalah-masalah tersebut terselesaikan.”

Setiap guru akan selalu menghadapi permasalahan yang sama: bagaimana membantu siswa membentuk pemikirannya sendiri, mencapai pengembangan dan pembentukan keterampilan kinerja profesional; mengembangkan bidang emosional anak; memperluas cakrawala musiknya; bagaimana menanamkan ketekunan, ketekunan, keteraturan dalam bekerja, yang tanpanya kesuksesan tidak dapat dicapai. Dari setiap pelajaran, siswa hendaknya “membawa” kesan ke rumah. Kesan harus diproses melalui pekerjaan rumah yang terkonsentrasi dan pengendalian pekerjaan kelas menjadi pengetahuan, keterampilan dan, pada akhirnya, menjadi budaya estetika siswa. Tahapan bimbingan dan pengembangan profesional siswa ini, serta pemeliharaan mandiri lebih lanjut dari tingkat profesional mereka, tidak mungkin dilakukan tanpa pekerjaan rumah yang serius, memakan waktu, dan teratur. Ada pepatah terkenal: “Dari ketiadaan tidak akan ada apa-apa.”

Pemain biola dan konduktor terkenal Charles Munsch dalam monografinya “Saya seorang konduktor” menulis: “Lima belas tahun belajar dan semua bakat alami tidaklah cukup. Menjadi seorang konduktor (seperti pemain profesional) membutuhkan kerja keras. Anda harus bekerja sejak hari pertama Anda melewati ambang pintu konservatori (sebutan sekolah musik di Barat pada abad-abad yang lalu), hingga malam hari ketika, karena kelelahan, Anda mengadakan konser terakhir dalam hidup Anda.”

Daftar sumber yang digunakan.

1. N.P. Mikhailenko. “Metode pengajaran bermain gitar enam senar.” Kiev. "Buku". 2003

2.G.Neuhaus. Tentang seni bermain piano.

Panduan metodis. M.Musik. 1988

3. Yu.P. Kuzin "ABC Seorang Gitaris"

4. V.A. Natanson. Masalah pedagogi musik.

Panduan metodis. M.Musik. 1984

5. Bab Duncan “Seni Bermain Gitar”

6. AKU. Bessarabova “Organisasi pekerjaan rumah di piano”

7. K.Martinsen. “Metodologi untuk pengajaran piano individu.” M. "Musik". 1977

8. I.Hoffman. Permainan piano. Jawaban dan pertanyaan dalam bermain piano. M.1961

9. Perelman N. “Di kelas piano”

10. A. Artobolevskaya “Pertemuan pertama dengan musik.” Panduan belajar.

Rumah penerbitan “Komposer. Sankt Peterburg". 2005

11.E.Liberman. "Mengerjakan teknik piano"

13. Bochkarev L. "Psikologi aktivitas musik"

14. I. Lesman. “Esai tentang metode pengajaran biola.” M.1964.

15. K. Mostras. “Sistem latihan di rumah pemain biola.” M.1956.

16. L. Auer. "Sekolah biolaku." M.1965.

Organisasi pendidikan anggaran kota

Pendidikan tambahan

“Pusat Pendidikan dan Kesehatan Anak “Crystal”

Kelas master

“Metode dan Teknik Mengajar Gitar Klasik”

Disusun oleh: Neudakhin D.S., guru prasekolah

Uvarovo, 2017

Topik pelajaran: “Metode dan Teknik Mengajar Gitar Klasik”

Bentuk pelajaran: kelas master.

Sasaran: Memberikan gambaran umum tentang metodologi pengajaran keterampilan dasar memainkan alat musik.

Tugas:

1. Mentransfer akumulasi pengalaman kepada guru.

2. Keakraban dengan metode dan teknik.

Perlengkapan pelajaran:

Lembaran musik

Gitar

Kursi

Berdiri (untuk kaki kiri)

Rencana kelas master

1. Momen pengorganisasian

2. Percakapan perkenalan

3. Kerja Praktek

4. Kesimpulan

Kemajuan kelas master:

Dalam dunia keberagaman musik (seperti sekarang), terdapat banyak musik, namun tidak cukup banyak musisi yang bagus. Musisi yang baik sekarang “bernilai emas.” Hal ini terlihat jelas di panggung besar, dan khususnya di kota kecil. Anda dapat mendengarkan musisi profesional yang baik dari nada pertama, dan bahkan hanya dengan melihat cara dia memegang gitar di tangannya. Saya pikir Anda akan setuju dengan saya.

Dalam pekerjaan saya dengan siswa, saya, seperti guru lainnya, bertujuan untuk mencapai hasil tertentu. Hasil ini berarti permainan gitar yang bermakna dan jelas dalam ansambel klasik dan instrumental vokal.

Teknik pertama yang saya kembangkan adalah serangkaian latihan khusus yang bertujuan untuk menguasai keterampilan awal duduk, berhitung musik, menghafal pola ritme, memposisikan tangan kanan dan kiri, serta mengasah amplitudo gerakan jari.

Misalnya: (tampilan visual dari tiga latihan yang dikembangkan).

Latihan 1

Latihan ini bertujuan untuk mengembangkan ibu jari tangan kanan.

Latihan 2

Latihan ini bertujuan untuk mengembangkan jari telunjuk, tengah, dan manis tangan kanan.

Latihan 3

Latihan ini bertujuan untuk mengembangkan rentang gerak jari tangan kanan dan kiri. Membantu menggabungkannya. Mengajari Anda cara memposisikan dengan benar.

Bagian kedua dalam penguasaan keterampilan awal adalah skala. Dalam hal ini, saya tidak mengisi kepala siswa dengan dua skala mayor dan dua skala minor yang ditentukan dalam kurikulum lain, tetapi memberi mereka hanya satu skala mayor, tetapi dalam dua posisi. Inilah tangga nada C mayor yang mudah diingat oleh telinga, karena C, D, E, F... begitu familiar bagi setiap anak. Saya memberikan skala ini, seperti yang telah saya katakan, dalam dua posisi:

• Yang pertama kita sebut open karena mengandung banyak string terbuka.
• Posisi kedua ditutup.

Sebagai hasil dari mempelajari dua tangga nada ini, siswa dapat menavigasi dalam tujuh mode gitar inklusif. Ya, kami mengajarkan skala itu sendiri dengan cara yang tidak biasa. Untuk mendorong anak bekerja secara mandiri, mempelajari nada-nada di papan jari, dan tidak mengulangi kata-kata serta menunjukkan nada-nada secara visual, guru telah mengembangkan metode mempelajari nada-nada dengan bermain dalam posisi. Saya menjelaskan kepada siswa cara menemukan not pada posisinya, dan kemudian kami memainkan permainan yang tidak biasa "Tebak not" bersama mereka. Permainannya seperti ini:(penjelasan aturan mainnya).

Siswa menunjukkan tebakan not dengan menggunakan tiga pernyataan dari guru (nomor posisi, nomor dawai, nomor jari).

Setelah permainan ini, siswa sendiri yang menemukan catatan-catatan tersebut di fingerboard dengan menggunakan materi yang tertulis di buku catatannya. Ini sangat menarik, saya merekomendasikannya kepada semua rekan saya.

Sejalan dengan pendidikan praktis, pendidikan teori juga terjadi. Secara teori, pada pelajaran pertama, seperti pada pelajaran lainnya, ada sejarah, struktur instrumen, mengenal satu sama lain lebih baik. Saya akan memberi tahu Anda topik-topik utama (tentu saja tidak semua, karena disesuaikan seiring berjalannya pelatihan, tergantung pada perkembangan siswa) dari bagian teori yang saya ajarkan:

• Sejarah, desain instrumen.
• Menulis tongkat musik untuk belajar dan menghafal (kalau muridnya lebih muda, bagi saya sampai 10 tahun, maka saya beri satu oktaf, lalu yang kedua, dst). Kita mempelajari oktaf kecil hanya sampai nada E, bukan lebih rendah. Dengan cara ini, bagian bawah tessitura instrumen diingat.
• Buka senar pada gitar dengan penempatannya pada tongkat.
• Durasi not dihitung dalam tanda tangan dua kuarter.
• Jeda saat menghitung.
• Tanda perubahan dengan definisi.
• Tanda-tanda durasinya bertambah.
• Pembagian not, pengelompokan berdasarkan musik.
• Tanda-tanda pengulangan dalam musik.
• Meteran dalam musik.
• Jari tangan kanan dan kiri.
• Setelah mempelajari seluruh bagian teori, dilakukan tes kontrol. Menurut pendapat saya, ini cukup untuk melanjutkan menganalisis catatan dari selembar kertas tanpa membebani anak.

Mari kembali ke timbangan. Setelah mempelajari dan mempraktikkan tangga nada, tangga nada tersebut dilewati dengan cara sebagai berikut: siswa memainkannya 5 kali berturut-turut, maju dan mundur, dengan tempo rata-rata yang dihafal. Hanya tiga kesalahan yang diperbolehkan dan tidak lebih. Dengan cara ini, keterampilan pertunjukan dan perilaku di atas panggung mulai dikonsolidasikan.

Menjelang libur Tahun Baru, asosiasi kami mengadakan acara pertamanya, di mana semua siswa, tentu saja ada pengecualian, bermain di panggung institusi kami secara mandiri. Namun peristiwa paling menarik dan penting dari asosiasi kami terjadi pada akhir Februari. Ini adalah festival zonal “Guitar Bending”. Semua orang mengambil bagian di dalamnya dengan senang hati. Setiap tahun kami menunggu dan menerima tamu. Saya senang mengundang Anda untuk berpartisipasi dalam festival ini. “Guitar Bending” adalah tentang komunikasi, pengalaman, dan banyak genre musik yang berbeda.

Kesimpulan: Dengan menggunakan teknik-teknik ini dalam belajar bermain gitar, dimungkinkan untuk beralih ke pembelajaran dan membaca pemandangan hanya dalam satu bulan.

FEDERASI RUSIA

DEPARTEMEN KEBUDAYAAN ADMINISTRASI KOTA BRYANSK

LEMBAGA PENDIDIKAN TAMBAHAN ANGGARAN KOTA “SEKOLAH SENI ANAK No. hal.i. Tchaikovsky"

(MBU DO "DSHI No. 2 dinamai P.I. Tchaikovsky")

"Menggunakan Metode Kreatif

di pelajaran khusus gitar

di sekolah seni anak-anak"

Selesai:

guru

berdasarkan kelas gitar

Terekhina O.V.

B r i a n c 2017

1. Bagian pendahuluan - catatan penjelasan.................................................. ......... 3

2.Penggunaan metode kreatif dalam pembelajaran gitar di sekolah seni anak…………………………………………………………………..... 5

3. Kesimpulan………………………………………………………………………………….22

4. Sastra…………………………………………………………….….23

5.Lampiran…………………………………………………......................25

Bagian pengantar - catatan penjelasan

Relevansi pekerjaan. Dalam beberapa tahun terakhir, telah terjadi perubahan di negara kita yang sangat mengubah tujuan dan fungsi pendidikan. realitas.

Guru gitar generasi saat ini yang bekerja dengan anak-anak memperhatikan fakta bahwa orang tua modern lebih memperhatikan perkembangan mental dan intelektual anak. Oleh karena itu, seringkali perkembangan intelektual mendahului perkembangan emosional dan estetika sehingga mengganggu proses perkembangan harmonis individu. Banyak contoh menunjukkan bahwa salah satu sarana terpenting bagi perkembangan emosi manusia adalah musik. Seni gitar, seperti seni lainnya, dapat berfungsi sebagai alat yang ampuh pendidikan estetika siswa, meskipun ada pendapat yang salah tentang gitar sebagai instrumen yang secara artistik lebih rendah. Munculnya isu-isu dalam proses penyelenggaraan pembelajaran khusus di Sekolah Seni Anak seperti: meningkatkan aktivitas kreatif siswa, daya tanggap emosional terhadap gambar musik, memperkaya siswa dengan pengetahuan tentang musik, menambah pengalaman pendengaran - semua ini menimbulkan masalah. optimalisasi penggunaan metode kreatif dalam pembelajaran musik di sekolah seni anak modern. Poin pentingnya adalah:

jenis pekerjaan guru dan siswa dengan menggunakan alat musik gitar dalam pembelajaran musik;

metode yang digunakan guru untuk mencapai pengaruh minat siswa.

Semua ini menekankan relevansi topik “Penggunaan metode kreatif dalam pelajaran khusus di sekolah seni anak-anak”

Objek pekerjaan adalah sebuah proses pengembangan kreatif kepribadian siswa di kelas.

Subyek pekerjaan adalah cara menggunakan metode kreatif sebagai faktor perkembangan belajar anak.

Tujuan pekerjaan adalah mengidentifikasi sistem cara menggunakan metode kreatif sebagai faktor perkembangan dalam pembelajaran anak.

Hipotesis kerja: Pengembangan kepribadian siswa di sekolah seni akan lebih efektif apabila dalam proses pembelajaran digunakan sistem metode, metode dan teknik kreatif dengan menggunakan instrumen gitar.

Tugas:

Menganalisis pembentukan dan perkembangan gitar dalam sejarah budaya musik.

Untuk mengeksplorasi sikap siswa terhadap gitar dan kemampuannya.

Identifikasi sistem metode, metode, teknik penggunaan gitar dalam kegiatan musik pendidikan.

2. Penggunaan metode kreatif dalam pembelajaran gitar di sekolah seni anak.

Di kelas-kelas khusus di Sekolah Seni Anak, masalah mengubah pelajaran musik menjadi pelajaran seni menjadi semakin mendesak. Salah satu tugas terpenting mereka adalah “menjadi asisten yang andal bagi sekolah menengah dalam memenuhi persyaratan dasar: untuk meningkatkan secara signifikan pendidikan seni dan pendidikan estetika siswa." Penting bagi seorang guru untuk mampu mengekspresikan dirinya dalam berbagai bentuk karya, serta mengetahui peluang apa saja yang dapat ia manfaatkan dalam mengorganisir dan merencanakan karyanya dengan kategori siswa yang saat ini ia geluti dalam pendidikan musik. dan pelatihan. Semakin luas guru membayangkan keseluruhan sistem pendidikan musik, semakin baik ia menguasai metodologi masing-masing komponennya, semakin efektif hasil karyanya, semakin banyak kepuasan yang ia terima dari pekerjaannya. kegiatan praktis guru-pendidik. Partisipasi dalam pekerjaan ini membuka kesempatan bagi siswa dan guru untuk lebih terlibat dengan musik dan melakukan apa yang mereka minati. LG Dmitrieva dan N.M. Chernoivanenko menarik perhatian para guru bahwa ketika mengatur pekerjaan mereka harus mengingat:

semua jenis kelas musik harus ditujukan untuk pendidikan moral dan estetika siswa, pembentukan selera dan minat musik mereka;

meluasnya penggunaan berbagai metode harus berkontribusi pada kebangkitan minat seni, pengembangan kemampuan musik dan kreatif siswa;

Penting untuk menumbuhkan minat siswa terhadap pekerjaan pendidikan dan keinginan untuk mempromosikan budaya musik.

Guru juga perlu memperhatikan bahwa pembentukan selera dan minat siswa sangat dipengaruhi oleh sarana keluarga media massa, rekan-rekan. Mengingat semua hal di atas, jelaslah bahwa perkataan guru humanis V.A. Sukhomlinsky: “Pendidikan musik bukanlah pendidikan seorang musisi, tetapi pertama-tama pendidikan seseorang.”

Menurut kami, tambahan yang paling produktif dalam mengatur pekerjaan dengan menggunakan gitar adalah:

Pendekatan kreatif untuk belajar memainkan alat musik.

Ansambel gitar.

Menghadiri konser dan festival gitar.

Mari kita membahas lebih detail masing-masing bentuk pekerjaan di atas.

Pada intinya Belajar memainkan alat musik melibatkan bentuk kerja individu dengan siswa, yang menciptakan kondisi yang menguntungkan untuk penguasaan keterampilan memainkan alat musik, pengembangan aktif kemampuan musik, dan pengembangan minat dan selera musik. Secara alami, guru membangun proses pembelajaran, dengan fokus pada kemampuan siswa, kualitas pribadinya, dan minat yang ada. Namun sayangnya, kondisi tersebut tidak selalu digunakan untuk memecahkan permasalahan pendidikan musik. Kadang-kadang tujuan kelas hanya pada penguasaan teknis dari repertoar tertentu dan penguasaan sejumlah keterampilan yang diperlukan untuk kinerjanya. Pada saat yang sama, perhatian yang kurang diberikan pada metode yang mengaktifkan imajinasi kreatif. Tempat mereka digantikan oleh “contoh” kinerja yang diberikan oleh guru. Akibatnya, minat anak terhadap pekerjaan tersebut memudar, dan mereka lebih memilih mencari kegiatan yang lebih mengasyikkan.

Mempertimbangkan semua kesimpulan di atas, kami memutuskan dalam pekerjaan kami dalam mengajar gitar untuk mengandalkan pengembangan manual metodologi oleh A.D. Lazareva “Belajar sambil bermain.” NERAKA. Lazareva adalah guru gitar di sekolah musik di Kharkov, penyelenggara dan presenter klub pecinta musik gitar, dan anggota Asosiasi Gitaris Ukraina. Ia mengupayakan keterlibatan anak-anak yang semakin intensif dalam proses bermain musik. Keunggulan utama dari karya ini adalah pemberian teknik gitar praktis yang tidak konvensional berdasarkan kebangkitan kreativitas anak, keaktifan dan daya tarik nada emosional penuturan. Kursus metodologi menyajikan empat puluh pelajaran, dengan bantuan yang penulis berusaha untuk membangkitkan imajinasi artistik anak-anak, keinginan mereka untuk menunjukkan inisiatif kreatif, untuk mengekspresikan potensi kreatif.

Materi pelajaran didasarkan pada beberapa jenis pekerjaan. Semuanya dapat digunakan secara paralel dan digabungkan sesuai kebutuhan, sesuai penguasaannya. Sejak pelajaran pertama, anak-anak didorong untuk menyanyikan lagu-lagu yang familiar dan mengidentifikasi pola ritmenya - pelajaran 1; terlibat dalam hal yang paling sederhana pemutaran musik ansambel– Pelajaran 3. Tahapan penting dalam mengaktifkan keterampilan kreatif adalah:

menyelesaikan melodi lagu berdasarkan segmen melodi awalnya - pelajaran 17;

tugas untuk mengembangkan keterampilan variasi, menciptakan melodi untuk puisi yang diusulkan - pelajaran 28;

menyusun melodi berdasarkan ritmenya - pelajaran 39.

Dalam manual ini, anak-anak didorong untuk mengarang cerita berdasarkan musik yang mereka dengarkan - pelajaran 6, dan metode lain yang penting untuk mengaktifkan minat kognitif anak.

Untuk mencapai hasil terbaik dalam mengajar siswa pemula A.D. Lazareva merekomendasikan teknik berikut:

minat terhadap pekerjaan, menjaga konsistensi dalam mempelajari setiap tahap baru, mencapai asimilasi yang bermakna;

dalam setiap kasus, karakter anak harus diperhitungkan;

Dianjurkan untuk membatasi durasi pelajaran itu sendiri menjadi 20-30 menit, dan menambah jumlah pelajaran per minggu menjadi tiga sampai empat kali seminggu;

proses pembelajaran secara keseluruhan harus beralih dari konsep-konsep umum ke upaya mempersempit dan memperdalam hal-hal khusus;

Mempelajari nada-nada pada neck gitar dan paranada pertama-tama harus dilakukan secara independen satu sama lain. Latihan telah memastikan bahwa menghafal nada-nada di fretboard, terutama karena mempelajari sejumlah besar lagu, jauh lebih cepat daripada di paranada. Untuk mempercepat proses ini, Anda bisa sekaligus berlatih membaca catatan dari lembaran tanpa alat;

Sangat penting untuk memperkenalkan elemen permainan ke dalam kelas dengan siswa yang lebih muda.

Guru yang luar biasa Anton Semyonovich Makarenko dalam salah satu karyanya mengemukakan: “Ada metode penting - bermain. Menurut saya agak keliru jika menganggap bermain sebagai salah satu aktivitas anak. Di masa kanak-kanak, bermain adalah hal yang lumrah, dan seorang anak harus selalu bermain, bahkan ketika sedang melakukan urusan serius... Dalam setiap permainan yang bagus, pertama-tama, ada usaha kerja dan usaha berpikir... permainan tanpa usaha, tanpa kerja aktif“Itu selalu merupakan pertandingan yang buruk.” Bermain membawa kegembiraan bagi anak. Itu bisa berupa kegembiraan kreativitas, atau kegembiraan kemenangan, atau kegembiraan estetika - kegembiraan kualitas. Kerja bagus mendatangkan kegembiraan yang sama, dan ada kesamaan yang utuh di sini.” Permainan ini membangun hubungan antara orang dewasa dan anak-anak. Hubungan-hubungan tersebut, menurut A.D. Lazareva, mendasari pendekatan personal, ketika guru menitikberatkan pada kepribadian anak secara keseluruhan, dan bukan hanya pada fungsinya sebagai siswa. Saat ini, semakin sering di konferensi pedagogis, seruan terdengar: "Bawakan permainan ini kembali ke sekolah!" “Orang-orang yang melewati masa kecil permainan peran, lebih siap untuk aktivitas kreatif.” Manual oleh A.D. Lazareva “Belajar sambil Bermain” adalah manual inovatif yang berharga. Hal ini dapat memberikan kontribusi penting untuk meningkatkan metode dan pedagogi praktis pengajaran gitar awal.

Belajar memainkan alat musik tersedia untuk semua anak, apapun kemampuannya, dan tugas guru adalah memberikan perhatian khusus pada perkembangan kreatif musik mereka, yang dapat berhasil dicapai melalui penggunaan berbagai jenis pekerjaan dengan terampil: membaca sekilas, improvisasi, seleksi dengan telinga. Misalnya, siswa pemula sering kali menunjukkan keinginan untuk memainkan lagu yang mereka sukai. Biasanya, ini adalah melodi lagu-lagu hit populer, yang jauh dari contoh musik ringan terbaik. Menyadari dampak negatif dari banyak hal baru yang modis pada pembentukan rasa, guru, bagaimanapun, tidak boleh memaksakan pendapatnya, tetapi, dengan menggunakan seluruh sarana, mengarahkan siswa pada pemahaman bahwa melodi yang mereka sukai adalah stereotip dan tidak ada. minat. Dengan akumulasi pengalaman, perhatian siswa tertuju pada pencarian pilihan terbaik untuk menyelaraskan melodi menggunakan berbagai jenis tekstur.

Pengembangan kemampuan kreatif sejak awal hendaknya dilakukan sepanjang jalur pengembangan kemandirian dalam memaknai karya dan melaksanakan tugas kreatif. Misalnya, siswa diminta mengisi baris-baris melodi yang hilang, melengkapi akhir sebuah karya sederhana, memainkan motif tertentu tergantung rencana dengan berbagai perubahan, dan menyusun variasi pada tema tertentu. Tentu saja pada awalnya siswa terkendala dan berusaha untuk meniru model-model terkenal dalam banyak hal, namun penting bagi mereka untuk mengembangkan minat dan kebutuhan akan kreativitas yang selalu dapat ditingkatkan.

Saat mengajar siswa bermain gitar, banyak guru dihadapkan pada masalah dalam memilih repertoar pedagogis pada tahap awal pengenalan instrumen. Tujuan dari repertoar adalah untuk menggabungkan pengembangan kemampuan teknis anak-anak dengan penerimaan emosi positif dari komunikasi dengan musik. Oleh karena itu, pada tahap awal belajar bermain gitar, kami menyarankan untuk menggunakan karya-karya komposer-gitaris berikut ini:

Lyudmila Ivanova (komposer dan guru dari St. Petersburg) memainkan “Hutan Lebat”, “Hujan”, “Yula”;

Koleksi karya Viktor Kozlov untuk anak-anak;

“Album Gitaris” Viktor Erzunov (5 edisi);

Koleksi lagu Oleg Kiselev untuk gitar “Clouds”;

Alexander Vinnitsky "Album jazz anak-anak", enam duet untuk gitar

Viktor Viktorovich Kozlov (lahir 1958) adalah seorang gitaris, komposer dan guru musik Rusia. Pendiri sekolah gitar Ural Selatan. Preferensi komposisi V. Kozlov berhubungan dengan bidang miniatur untuk gitar solo dan trio. Drama lucu seperti “ Tarian Timur", "Tarian Pemburu", "Pawai Prajurit", "Detektif Kecil", dll.

Karya V. Kozlov diterbitkan di Rusia, Jerman, Italia, Inggris, Polandia, dan Finlandia. Penampil musik gitar terkemuka dunia - N. Komolyatov, S. Dinigan, T. Volskaya, duet "Capriccioso" dan "Concertino", Trio Gitaris Ural - memasukkan drama oleh penulis ini ke dalam repertoar mereka. Sebagai seorang profesor di Institut Musik Chelyabinsk, V. Kozlova, sebagai penulis program pendidikan, sangat mementingkan musik untuk anak-anak. Di sini penulis berhasil menggabungkan repertoar orisinal dengan gambaran yang jelas dan fokus metodologis yang spesifik. Dengan demikian, album “Rahasia Kecil Gitar Senorita” (1999) telah menjadi alat bantu pengajaran yang unik, di mana teknik warna-warni yang muncul pada akhir abad ke-20 digunakan untuk mengungkap gambar sepenuhnya. “Echoes of the Brazil Carnival” adalah album baru yang menarik perhatian untuk duet gitar. Karya-karya yang disertakan dalam album ini dapat digunakan dalam proses pendidikan di sekolah dan perguruan tinggi musik, serta untuk pemutaran musik rumahan.

Viktor Alekseevich Erzunov – guru gitar di Universitas Kedokteran Negeri dinamai menurut namanya. Gnessin sejak tahun 1971. Untuk ini, banyak muridnya menjadi pemenang kompetisi All-Rusia dan Internasional, serta guru di sekolah dan perguruan tinggi musik di Moskow dan Rusia. Berdasarkan pengalaman mengajar dan tampil sendiri, ia menciptakan enam “Album Gitaris” asli; edisi komposisinya diterbitkan, ditujukan untuk siswa sekolah musik anak-anak dan pecinta gitar.

Oleg Kiselev - gitaris, komposer, guru lahir pada tahun 1964 di kota Asha, wilayah Chelyabinsk, dalam keluarga insinyur metalurgi. Dia mulai bermain gitar pada usia 11 tahun. Guru pertama adalah ayahnya, yang, mengingat masa mudanya, mengajari putranya cara mengiringi beberapa lagu dengan gitar tujuh senar. Kemudian O. Kiselev secara mandiri menguasai gitar enam senar, bermain di sekolah berbagai ansambel. Saya pertama kali mengenal gitar klasik dan notasi musik pada usia 17 tahun, setelah memasuki Institut Politeknik Chelyabinsk di departemen metalurgi pada tahun 1981, di mana pada tahun-tahun itu terdapat “Klub Gitar Klasik”, yang presidennya adalah Alexander Dolgikh . Pada tahun 1991, Viktor Viktorovich Kozlova lulus dari departemen korespondensi Sekolah Musik Chelyabinsk, kelas gitar. Sejak tahun 1990 ia bekerja sebagai guru gitar di Asha School of Arts. Dia adalah penulis lebih dari 250 buah gitar, diterbitkan di Polandia, Rusia, Italia, Belgia, Swedia, reviewnya diterbitkan di majalah gitar internasional, dan dia telah merekam 7 (tujuh) CD.

Sebagian besar karya Oleg Kiselev ditujukan kepada anak-anak dan remaja. O. Kiselev menggunakan seluruh palet gaya musik dalam karyanya (klasik, romantis, jazz, modern, Latin, folk, rock and roll).

Alexander Vinnitsky membuat koleksi “Album Jazz Anak-anak” untuk pendidikan musik anak-anak pada gitar dengan unsur gaya jazz. Koleksinya berisi latihan, etudes, potongan, dan duet untuk instrumen gitar dan melodi. Ini juga menjadi bahan seminar penulis “Gitar Klasik dalam Jazz”.

Dengan menggunakan latihan dari koleksi ini, Anda dapat mempelajari teknik ritme dan aransemen pada gitar. Latihan “Jazz Sequences” adalah contoh menyusun rangkaian harmonik tertentu dengan menambahkan akord dan perubahan, serta mengubah figur ritme. Studinya ditujukan untuk teknik yang bagus dan arpeggio yang rusak, akord yang berkurang.

Koleksi “Album Jazz Anak-anak” Alexander Vinnitsky juga mencakup drama dalam gaya “Strite” dengan komentar mendetail dan contoh pengaturan tema. Satu drama ditulis dengan gaya Rock and Roll.

Enam duet untuk gitar dan instrumen melodi ditulis oleh Alexander Vinnitsky di gaya yang berbeda dari balada (“A Doll for Natalie”, “Song of the Rain”) hingga ragtime (“Acrobat”) dan dapat dimasukkan dalam repertoar konser.

Sejak pelajaran pertama, guru perlu memperkenalkan bermain dalam ansambel, dengan bimbingan yang terampil, hal ini membantu menggiatkan aktivitas anak, membangkitkan minat dan semangatnya. Cara terbaik untuk melakukan hal ini adalah dengan bermain dalam ansambel guru-siswa. Materi ansambel dapat berupa cuplikan musik untuk film, acara radio dan televisi yang sudah tidak asing lagi bagi anak-anak. Bahkan dengan memainkan satu nada saja, anak menguasai ritme, dinamika, dan gerakan awal bermain. Anak-anak juga mengembangkan imajinasi suara. Sebagai contoh, kami akan memberikan lagu rakyat Rusia “Ada pohon birch di ladang”, yang dapat dipelajari oleh ansambel guru-siswa. Pertama, siswa dapat diminta untuk mengetuk ketukan pertama bar (bersama dengan tepuk tangan, Anda dapat menggunakan rebana atau segitiga), menyanyikan melodi dengan suara Anda. Kemudian guru memainkan melodi tersebut, dan siswa melanjutkan mengetuk ritmenya. Kemudian - bermain duet: siswa memainkan senar pertama dalam ritme tertentu, guru memainkan melodi lagu tersebut. Aspek positifnya adalah siswa dapat bermain tanpa mempelajari notasi musik. G. Neuhaus menulis tentang metode kerja ini: “Sejak pelajaran pertama, siswa terlibat dalam pembuatan musik secara aktif. Bersama gurunya, ia memainkan lakon sederhana yang sudah memiliki makna seni. Anak-anak langsung merasakan nikmatnya persepsi langsung, meski hanya sekedar butiran seni. Meminta siswa memainkan musik yang mereka dengar tentu akan mendorong mereka untuk melakukan tugas musik pertama mereka dengan kemampuan terbaik mereka.”

Disarankan untuk tidak membatasi diri pada bermain dengan seorang guru, meskipun berguna dan perlu, tetapi untuk mengorganisir ansambel yang terdiri dari siswa. Mereka dapat mencakup orang-orang dengan latar belakang berbeda dan memainkan alat musik berbeda. Merasa seperti anggota grup musik, mereka lebih bertanggung jawab atas kinerja bagian yang ditugaskan, dan aktivitas bersama yang bertujuan untuk memecahkan masalah artistik bersama mendorong setiap orang untuk menunjukkan inisiatif kreatif dan kemandirian.

Salah satu tugas penting adalah pemilihan anggota ansambel. Penting untuk mempertimbangkan hubungan interpersonal anggota ansambel. Baik iklim psikologis dalam ansambel adalah kunci keberhasilan kerja.

Penting untuk memulai kelas dengan karya-karya yang dapat diakses oleh anak-anak, yang permainannya kesulitan teknisnya dapat diatasi dengan relatif mudah, dan semua perhatian diarahkan pada tujuan artistik. Sayangnya, seringkali kita harus mengamati gambaran sebaliknya, ketika para pemain ansambel, karena tidak memiliki dasar yang memadai, menyerahkan pekerjaan yang terlalu sulit bagi mereka untuk ujian dan ujian. Seorang siswa menunjukkan peningkatan minat terhadap pelajaran ketika ia tidak merasa tidak berdaya, tetapi menikmati hasil pekerjaannya. Lebih baik mempelajari beberapa karya yang mudah dan memainkannya pada tingkat artistik yang tinggi daripada memainkan satu karya yang rumit tanpa pernah sampai pada tahap interpretasi kreatif.

Bagian dari pelajaran harus dikhususkan untuk membaca karya-karya sederhana. Seringkali siswa yang lebih tua yang datang ke pelajaran menemani siswa yang lebih muda, membacakan bagiannya dari lembaran.

Permainan bersama berbeda dengan permainan solo, pertama-tama, baik rencana umum maupun seluruh detail penafsirannya merupakan buah pemikiran dan imajinasi kreatif bukan hanya satu, tetapi beberapa pemain dan diwujudkan melalui upaya bersama. Yang kami maksud dengan sinkronisitas suara ansambel adalah kebetulan dengan presisi ekstrim dari durasi terkecil (suara atau jeda) untuk semua pemain.

Sinkronisasi adalah hasil dari kualitas terpenting dari ansambel - pemahaman dan perasaan bersama tentang tempo dan denyut ritmis oleh mitra.

Dalam bidang tempo dan ritme, individualitas para pemainnya sangat jelas tercermin.

Sedikit perubahan dalam tempo, yang tidak terlihat saat bermain solo, atau sedikit penyimpangan dari ritme saat bermain bersama dapat mengganggu sinkronisitas secara drastis. Dalam kasus seperti itu, ansambel “meninggalkan” pasangannya, baik di depan atau di belakangnya. Pelanggaran sinkronisitas sekecil apa pun saat bermain bersama terdeteksi oleh pendengar. Struktur musiknya terkoyak, harmoni vokalnya terdistorsi.

Bermain dalam ansambel membantu musisi mengatasi kekurangan bawaannya: ketidakmampuan menjaga tempo, ritme yang lamban atau terlalu kaku; membantu membuat penampilannya lebih percaya diri, bersemangat, dan beragam.

Sinkronisasi adalah persyaratan teknis pertama dari permainan ini. Kita perlu mengambil dan merekam suara bersama-sama, menahan jeda bersama-sama, dan melanjutkan ke suara berikutnya bersama-sama.

Dinamika adalah salah satu cara berekspresi yang paling efektif. Penggunaan dinamika yang terampil membantu mengungkap karakter umum musik, kandungan emosionalnya, dan menunjukkan fitur desain bentuk karya. Signifikansi khusus memperoleh dinamika di bidang penyusunan kata. Aksen logis yang ditempatkan secara berbeda secara radikal mengubah maknanya sepotong musik.

Menyadari pentingnya peran dinamika dalam pentas seni, kita tidak boleh melupakan cara ekspresi lainnya; serupa dengan peningkatan volume, pemadatan tekstur menghasilkan tampilan register dan warna nada baru. Pola ritme yang aneh atau sentuhan khas dapat membedakan suara dari suara umum tidak kurang dari dinamika.

Penting bagi seorang guru untuk peduli dan HAI pertunjukan konser siswa, mendorong partisipasi mereka dalam liburan sekolah dan malam bertema.

Menghadiri konser dan festival gitar juga merupakan bagian penting dari pekerjaan seorang guru. Bentuk mengenalkan anak pada seni musik (gitar) ini bersifat produktif karena membantu memperluas dan memperkaya pengetahuan yang diperoleh tentang kemampuan alat musik dan terlibat dalam kreativitas. Bentuk-bentuk kegiatan ekstrakurikuler ini direncanakan sebelumnya; dalam konteks konser, banyak siswa yang menyadari kekurangan dalam perilaku mereka dan mulai melakukan pendidikan mandiri.

Kegiatan musik dan pendidikan yang dibentuk dengan cara ini selalu berkontribusi pada pengembangan kualitas pribadi siswa yang positif dan merangsang minat dalam kelas.

Dengan demikian, dengan memperluas cakupan pembelajaran, tercipta peluang yang lebih besar bagi perwujudan kecenderungan dan pengembangan kemampuan musikal dan kreatif siswa.

Masalah pemantauan tumbuh kembang anak yang bersentuhan dengan musik selalu menjadi relevan. Saat ini, di sekolah modern, guru tidak bisa menolak pertanyaan: seperti apa anak modern, apa yang membuatnya khawatir, apa yang didengarnya di sekitarnya? Artinya, kita perlu mencoba menggambar potret musikal dan pedagogis anak modern.

Dasar percobaan yang kami lakukan adalah ciri-ciri beberapa hasil kerja percobaan, bentuk pembelajarannya adalah ceramah-konser.

Tujuan utama yang kami kejar adalah untuk mengenalkan anak-anak pada sejarah gitar, kemampuan instrumen, dan komposer-gitaris dalam bentuk yang mudah diakses. Dalam hal ini, kami menggunakan metode berikut:

cerita tentang penciptaan alat musik, sejarah perkembangannya;

mendengarkan musik gitar;

demonstrasi karya gitar oleh guru sendiri.

Menurut kami, bentuk pembelajaran - ceramah-konser adalah yang paling produktif dalam mencapai tujuan kami, karena:

seperti bentuk kelas musik lainnya, bentuk pelajaran - ceramah-konser - ditujukan untuk pendidikan moral dan estetika siswa;

penggunaan RPP yang tidak standar membantu membangkitkan minat dan pemikiran seni anak, serta pengembangan kemampuan kreatifnya;

kegiatan bergantian selama pembelajaran (cerita menarik dari guru, disertai dengan mendengarkan musik, percakapan dengan anak-anak, permainan alat musik oleh guru sendiri) berkontribusi pada keberhasilan

Karena salah satu tugas pokoknya adalah menggali sikap siswa terhadap gitar dan kemampuannya, maka pada awal pembelajaran anak ditanyai sistem pertanyaan sebagai berikut:

Apakah Anda menyukai instrumen gitar?

Menurut Anda tempat lahirnya gitar adalah:

1. Bisakah kamu bermain gitar? (akord sederhana, potongan - jelaskan)

   Apa yang paling sering Anda dengar dimainkan pada gitar?

   Berapa banyak senar pada gitar klasik?

   Jenis gitar apa yang kamu ketahui?

Menganalisis kuesioner, kami menemukan bahwa anak-anak memiliki minat yang besar terhadap gitar, namun sebagian besar mengenal gitar sebagai instrumen sederhana yang diproduksi secara massal; sama sekali tidak ada persepsi mengenai gitar sebagai instrumen klasik.

Mari kita analisa jawabannya lebih detail.

Untuk pertanyaan “Bisakah kamu bermain gitar?” 11% kelas merespons positif. Kabar baiknya adalah 99% siswa menyebut Spanyol sebagai tempat kelahiran gitar. Untuk pertanyaan “Apa yang paling sering Anda dengar dimainkan pada gitar?” 100% siswa menjawab: “Lagu pendakian, lagu di perkemahan liburan anak-anak, lagu wisata, lagu di sekitar api unggun, lagu grup musik modern.” 20% responden menambahkan bahwa mereka mendengar lagu perang, serenade, dan roman. Pertanyaan “Berapa banyak senar pada gitar klasik?” tidak menimbulkan kesulitan dalam jawaban anak; 100% kelas mengetahui string yang ada enam. Untuk pertanyaan, “Jenis gitar apa yang Anda ketahui?” 90% siswa yang disurvei menjawab: “Gitar rock, gitar bass”, dan 10% siswa menjawab pertanyaan dengan “tanda hubung”.

Dari sini kami menyimpulkan bahwa sebagian besar anak-anak modern kurang memiliki pengetahuan tentang gitar klasik, tentang repertoar gitar yang kompleks dan beragam, tentang berbagai jenis gitar. Oleh karena itu, makna praktis dari karya ini terletak pada kenyataan bahwa kesimpulan dan hasil yang kami peroleh akan berkontribusi pada pengembangan kepribadian siswa, serta memberikan materi yang dapat digunakan oleh guru musik.

Setelah survei, pembelajaran dilanjutkan dengan rencana sebagai berikut:

1. Kisah guru tentang sejarah gitar, tentang para gitaris yang berjasa besar terhadap perkembangan alat musik. Dalam hal ini, materi musik digunakan - rekaman musik gitar dari abad ke-7, ke-9; materi bergambar - potret komposer-gitaris M. Giuliani, F. Sor, A. Segovia, A. Ivanov-Kramsky.

2. Rekaman musik yang mengungkap kemampuan gitar:

Musik rakyat – adaptasi S. Rudnev terhadap lagu rakyat Rusia “Steppe, yes steppe all around...”, “Oh you, kanopi”

Gitar Flamenco – album “Friday Evening”, “Sun Dance”, fragmen lainnya

Suite oleh komposer-gitaris kontemporer N. Koshkin “Mainan Pangeran: Monyet Angin, Permainan Prajurit”

Demonstrasi guru sendiri tentang berbagai bagian gitar: E. Vila Lobos “Prelude No. 1”, N. Koshkin “Elves” bagian IV

Menyanyikan lagu repertoar grup Lyube dengan iringan gitar.

Mari kita lihat lebih dekat setiap tahapan pelajaran:

guru berbicara tentang sejarah gitar:

“Asal muasal gitar hilang dalam kegelapan waktu. Kami tidak tahu kapan dia lahir. Kita hanya tahu bahwa pada abad ke-13 gitar sudah dikenal luas di Spanyol.

Lima periode berbeda dapat ditelusuri dalam sejarahnya. Sebut saja secara kondisional: pembentukan, stagnasi, kebangkitan, kemunduran, perkembangan. Pembentukannya berlangsung hingga sekitar pertengahan abad ke-14. Pada saat ini, gitar menggantikan beberapa yang primitif instrumen senar, menguasai repertoarnya sendiri, menjadi salah satu instrumen folk favorit di Spanyol. Namun sebelum gitar sempat menjadi lebih kuat dan bertambah kuat, kecapi muncul di Eropa. Orang-orang Arab membawanya ke sini. Pendatang baru di luar negeri segera menyingkirkan gitarnya. Ini adalah masa stagnasi.

Namun lambat laun gitar belajar menampilkan repertoar kecapi yang kaya. Setelah menggantikan kecapi, gitar tidak melupakan gurunya: bahkan saat ini, gitar sering menampilkan musik kecapi kuno dari panggung konser.

Maka dimulailah periode kebangkitan. Hal ini membutuhkan peminat tersendiri. Yang paling menonjol di antara mereka adalah pemain dan guru Italia M. Giuliani, gitaris M. Carcassi.” (Anak-anak ditawari materi ilustrasi - potret komposer-gitaris yang disebutkan di atas, serta materi musik - M. Carcassi "Grand Sonata" bagian I)

Guru melanjutkan ceritanya: “Pada pertengahan abad ke-19, instrumen utama ruang konser menjadi piano. Biola juga memegang teguh tempatnya. Dan masa kemunduran akan tiba untuk gitar.

Untungnya, periode penurunan tersebut hanya berlangsung beberapa dekade. Dan kemudian pertumbuhan pesat dimulai. Awal mula masa kejayaannya terutama dikaitkan dengan nama gitaris Spanyol Fr. Pekerjaan yang dimulai oleh Pastor Tarrega dilanjutkan dengan gemilang oleh gitaris Spanyol A. Segovia.

Andres Segovia lahir pada tahun 1893 di kota kecil Linares di Spanyol. Pamannya yang menyukai musik ingin mengajari Andres bermain biola. Seorang guru diundang dan instrumen dibeli. Dan tak lama kemudian, seorang gitaris keliling tinggal di rumah pamannya selama satu setengah bulan. Waktu sesingkat itu sudah cukup bagi seorang anak laki-laki berusia enam tahun yang berbakat untuk menguasai alat musik asing. Kemudian dia belajar sendiri, mendengarkan gitaris folk dan mengadopsi teknik bermain mereka.

Kepiawaian Andres Segovia sudah diakui dunia. Merasa kemampuan gitarnya belum tereksplorasi sepenuhnya, ia mencari dan menemukan teknik baru yang memungkinkan untuk menyampaikan nuansa paling halus dari karyanya. Repertoar A. Segovia mencakup karya-karya komposer: J. S. Bach, G. Handel, W. Mozart, L. Beethoven” (Anak-anak diundang untuk mendengarkan “Gavott” oleh J. S. Bach)

Selanjutnya cerita guru disusun sebagai berikut: “Sepertinya apa yang telah dikatakan sebelumnya sudah cukup untuk menjawab pertanyaan “apa yang bisa berupa gitar?” Sulit untuk menentukan batas kemampuan sebuah gitar – sepertinya ia bisa melakukan segalanya.” (Untuk mendengarkan musik, materi yang ditawarkan adalah aransemen lagu rakyat Rusia karya S. Rudnev “Steppe, yes steppe all around…”, “Oh you, kanopi”)

Kemudian guru menceritakan kepada anak-anak tentang sejarah kemunculan dan perkembangan flamenco: “Unsur utama flamenco adalah unsur menyanyi dan menari. Peran musik utama diberikan kepada gitar.” (Materi mendengarkan - album "Friday Evening", "Sunny Dance", fragmen lainnya)

Selanjutnya, guru memperkenalkan siswa pada rangkaian asli dari komposer-gitaris modern N. Koshkin “Mainan Pangeran: Monyet Angin, Bermain dengan Tentara” (Gambar musik membangkitkan minat anak-anak)

Peragaan oleh guru sendiri tentang berbagai bagian gitar: E. Vila Lobos “Prelude No. 1”, N. Koshkin “Elves” bagian IV, serta menyanyikan lagu dari repertoar grup “Lube” dengan iringan a gitar adalah elemen puncak pelajaran. Tampilan unsur-unsur tersebut memberikan keterkaitan kegiatan pembelajaran, serta pendekatan terpadu untuk organisasi dan dramaturginya.

Karena observasi adalah salah satu metode penelitian utama dalam psikologi dan pedagogi, kami memasukkannya ke dalam analisis akhir eksperimen kami, serta dalam proses mengidentifikasi reaksi emosional siswa saat mendengarkan musik gitar. Selama pembelajaran, kami juga memperhitungkan suasana psikologis.

Menganalisis hasil yang diperoleh, kami sampai pada kesimpulan bahwa kesan paling jelas pada siswa dibuat oleh musik Flamenco dan efek khusus dari suite N. Koshkin; musik folk hanya menarik minat 20% siswa; Sayangnya, musik klasik menempati posisi terakhir di kalangan anak-anak modern. Dari sini kami menarik kesimpulan tentang minat anak dan kecenderungan berpikir modern siswa. Musik Flamenco dan efek khusus dari suite N. Koshkin adalah contoh musik gitar yang mencolok, tetapi tidak memerlukan konsentrasi berpikir atau memori yang besar saat mengamati gambar musik. Musik rakyat lebih bermakna dan membutuhkan perhatian lebih dari pendengarnya - kami melihat bahwa anak-anak praktis tidak tertarik. Anak belum siap mempersepsikan musik gitar klasik.

Setelah menganalisis fakta yang diperoleh, kami sampai pada kesimpulan bahwa guru perlu memecahkan masalah seperti

pembentukan tingkat budaya persepsi musik klasik yang lebih tinggi;

mengembangkan pemahaman tentang etika folk, musik folk dan perannya;

mempromosikan contoh-contoh terbaik dari musik gitar, menanamkan rasa hormat terhadapnya.

Kesan anak-anak secara keseluruhan terhadap pelajaran tersebut adalah positif, yang menekankan perlunya memperkenalkan materi baru yang tidak biasa bagi siswa di dalam kelas. Dengan demikian, sistem cara penggunaan metode kreatif yang kami usulkan merupakan faktor perkembangan dalam pembelajaran anak, dan jika kita menggunakan sistem metode, metode, dan teknik kreatif dengan menggunakan gitar dalam proses pembelajaran, maka perkembangan kepribadian siswa dalam suatu seni. sekolah akan lebih efektif.

Kesimpulan.

Pendidikan musik selalu dan tetap menjadi bagian integral dari pendidikan estetika generasi muda. DI DALAM praktik modern Ada kecenderungan penyelenggaraan pendidikan dalam kesatuan prinsip dan metode pengajaran dasar-dasar ilmu pengetahuan dan seni. Tren ini memungkinkan anak mengembangkan gambaran holistik tentang dunia, mengembangkan pemikiran logis dan imajinatif. Metodologi pendidikan musik berbasis pedagogi memandang pendidikan sebagai suatu proses yang bergantung pada banyak faktor. Mempertahankan minat kognitif anak dalam proses pembelajaran merupakan salah satu tugas pedagogi yang paling sulit. Berdasarkan hal tersebut, guru hendaknya berupaya membentuk dan memelihara minat kognitif siswa dengan menggunakan berbagai metode kerja. Menganalisis literatur, kami menyimpulkan bahwa seni gitar adalah salah satu sarana pendidikan estetika yang ampuh. Hasil percobaan menunjukkan bahwa minat kognitif terhadap gitar di kalangan siswa yang lebih muda cukup tinggi, dan adanya minat merupakan syarat pertama keberhasilan pendidikan. Selain itu, materi yang kami pilih memiliki potensi emosional yang besar. Kekuatan dampak emosional itulah yang menjadi cara menembus kesadaran anak dan sarana pembentukan kualitas estetis seseorang.

Dengan demikian, sistem metode, metode dan teknik kreatif dalam pembelajaran khusus merupakan sarana yang efektif untuk pengembangan kreatif kepribadian siswa.

Meringkas semua hal di atas, kami menyimpulkan bahwa guru harus berusaha menemukan solusi untuk masalah pedagogis yang kompleks seperti mempertahankan minat kognitif dalam sikap kreatif terhadap siswa, dalam apa yang disebut pedagogi artistik.

LITERATUR

Agafoshin P. Sekolah memainkan gitar enam senar. - M.; 1972

Vetlugina N.A. Perkembangan musik anak. - M.Pencerahan; 1988

Wolman B. Gitar. - M., Musik; 1972

Ghazaryan S. Dalam dunia alat musik. - M.; 1989

Ghazaryan S. Sebuah cerita tentang gitar. - M.; 1987

Gladkaya S.Sat. Pendidikan musik di sekolah nomor 14.

Standar pendidikan negara bagian (komponen pendidikan ilmiah dan regional). ek.; 1999

Dmitrieva A.G., Chernoivanenko N.M. Metode pendidikan musik di sekolah. - M.; 1998

Dmitrieva L.G., Chernoivanenko N.M. Buku teks untuk siswa. rata-rata ped. buku pelajaran perusahaan. Metode pendidikan musik di sekolah. – M.: Pusat Penerbitan “Akademi”, edisi ke-2, stereotip.; 1998

Duncan Ch. Seni bermain gitar klasik. - M.; 1988

Zagvyazinsky V., Atakhanov R. Metodologi dan metode penelitian psikologis dan pedagogis. - M.; 2001

Kazantseva M.G. Satu set latihan untuk pernapasan

Karpov L. Almanak. Akademi Gitar Klasik. - Sankt Peterburg; 2003

Karpov L. Manual metodologis untuk guru dan siswa sekolah musik. Metode paku menghasilkan suara pada gitar. - Universitas Kebudayaan dan Seni Negeri St. Petersburg; 2002

Kryukova V.V. Pedagogi musik – Rostov n/a: “Phoenix”; 2002

Kuzmina N.V. Kemampuan, bakat, bakat seorang guru. - L.; 1985

Lazareva A. Panduan metodologi bermain gitar untuk anak kecil. Kami belajar dengan bermain. – Kharkov; 2004

Larichev E., Nazarova A. almanak musik. Gitar, edisi 2. – M.; 1990

Melnikov M.N. Cerita rakyat anak-anak dan masalah pedagogi rakyat. - Novosibirsk, Pendidikan; 1987

Dunia masa kecil. Anak sekolah menengah pertama. - M., Pedagogi; 1988

Nazarov L. Pengantar lagu cerita rakyat, majalah “Kreativitas Rakyat” No. 6 Tahun 1999 No. 1 Tahun 2000

Sekolah Dasar No.2; 2000

Nemov R.S. Psikologi. - M., Vladivostok; 1999

Puhol E. Sekolah bermain gitar enam senar. - M.; 1977

Pengembangan aktivitas kreatif siswa. - M., Pedagogi; 1991

Slastenin V.A., Isaev I.F., Shiyanov E.G. Pedagogi umum. Bagian 1. – M.: Vlados; 2003

Smirnov S. Pedagogi. - Pusat Penerbitan, Akademi; 1998

Sokolov V., Khitrov V Rus Kuno'. – Bryansk, 1995

Starikova K.L. Ritual rakyat dan puisi ritual. - Ekaterinburg, wilayah St. Departemen ped. Masyarakat; 1994

Starikova K.L. Asal usul kearifan rakyat. - Ekaterinburg, wilayah St. Departemen ped. Masyarakat; 1994

Stolyarenko L.D. Pedagogi. 100 jawaban ujian. – M., 2003

Berjuang G.A. paduan suara sekolah. - M.; 1981

Fomina N.N. Hari libur nasional dan program dengan rekomendasi metodologis untuk mengatur pelajaran untuk kelas 9-11; 1991

Khalabuzar P., Popov V., Dobrovolskaya N. Metode pendidikan musik. - M.; 1990

Kharlamov I.F. Pedagogi: Buku Teks. – edisi ke-6. - M N.; 2000

Chelysheva T.V. Pendamping guru musik. - M.; 1993

Shamina L. Bekerja dengan grup amatir. - M., Musik; 1983

Shiryalin A. Puisi tentang gitar. - M.; 1994

Shkolyar L. Pendidikan musik di sekolah. - M.; 2001

Lampiran 1

Lampiran 2

Lampiran 3

Lampiran 4

Lampiran 5

Lampiran 6

Lampiran 7

Lampiran 8

Lampiran 9

seperangkat proposal dan pedoman yang paling memudahkan implementasi metode yang efektif dan bentuk pekerjaan untuk memecahkan masalah pedagogis apa pun

Tujuan dari rekomendasi metodologis adalah untuk membantu staf pengajar dalam mengembangkan solusi berdasarkan pencapaian ilmu pengetahuan dan praktik terbaik, dengan mempertimbangkan kondisi dan karakteristik spesifik kegiatan. Saat mengerjakan rekomendasi metodologis, penulis harus dengan jelas mendefinisikan tujuan pekerjaan, dengan menundukkan semua konten padanya; pastikan untuk menunjukkan kepada siapa rekomendasi tersebut ditujukan; memberikan rekomendasi tentang teknologi pedagogi canggih apa yang harus digunakan.

Jika kita berbicara tentang generalisasi praktik terbaik, maka perlu diungkapkan teknik dan metode metodologis apa yang digunakan untuk mencapai keberhasilan dalam proses pendidikan.