Kondisi pedagogis untuk penggunaan metode dan teknik untuk memperkenalkan seni verbal pada anak-anak usia prasekolah senior. Tentang asal usul seni verbal

Seni sastra ada dalam dua bentuk: lisan - ini adalah ketika sebuah karya diturunkan dari penyanyi (atau pendongeng) ke penyanyi, tanpa dicatat secara tertulis, dan secara tertulis, kemudian secara genetik, tetapi hanya secara genetik. Padahal, sejak ditemukannya tulisan, kedua bentuk tersebut telah hidup berdampingan dan saling bertukar. Kreativitas lisan sering kali terekam dalam bentuk tulisan, dan kreativitas tulis kembali muncul dalam bentuk lisan (contoh paling sederhana adalah sebuah lagu yang diciptakan oleh pengarangnya dan lama kelamaan menjadi populer dan tidak bernama). Ingatan lisan, dengan segala kekuatannya, tidak menyimpan apa yang muncul dari penggunaan puitis...

Banyak contoh kreativitas lisan, yang kini menjadi dasar dunia budaya kata, pasti sudah hilang (jika tidak dituliskan). Ini adalah, misalnya, "Shijing" - kumpulan bahasa Cina lagu daerah, dilestarikan berkat karya Konfusius, puisi epik Homer, yang ditulis atas perintah tiran Athena Pisistratus, kisah-kisah Irlandia, yang direkam oleh para biksu yang peduli yang menyelamatkan salah satu budaya manusia terbesar dari terlupakan.

Hubungan antara sastra lisan dan tulisan dapat ditelusuri di monumen Rusia paling kuno: “Kampanye Kisah Igor” penulis tidak dikenal dan “Khotbah tentang Hukum dan Kasih Karunia” oleh Metropolitan Hilarion.

Monumen tertulis kuno biasanya tidak memiliki penulis (lebih tepatnya, dia tidak menandatangani), seperti para penulis sejarah atau penulis “The Lay of Igor’s Campaign.” Jika narasi sejarah sejarawan dan penulis adalah orang yang satu dan sama. Pembicara dan penyair, pembicara dan pengkhotbah tidak terpisah satu sama lain untuk waktu yang lama. “The Tale of Igor's Host” sebenarnya adalah sebuah “kata”, sebuah daya tarik politik dan sebuah karya instruktif, sama seperti “The Tale of Law and Grace” adalah sebuah “kata”, sebuah karya oratoris dan sebuah khotbah.

Karya sastra yang lepas dari sejarah sudah muncul di ambang zaman modern, ketika sastra sekuler yang diciptakan atas dasar bentuk-bentuk cerita rakyat juga bermunculan.

Tertulis fiksi terus-menerus mengacu pada lisan tradisi rakyat, meminjam dan mengolah sangat-sangat banyak dari sumur tak berdasar ini. Kreasi sastra lama seperti “Kemalangan-Kemalangan” atau “Kisah Ruff, Putra Shchetinnikov” dihasilkan oleh cerita rakyat. Puisi indah Lermontov "Lagu tentang Pedagang Kalashnikov" sepenuhnya didasarkan pada metrik dan sistem kiasan balada Rusia kuno. "Dongeng" Pushkin ditulis dengan nada yang sama. Dan dalam karya Tvardovsky, metrik “cerewet” diamati. Ya, dan semua Yesenin keluar tradisi cerita rakyat, pada kenyataannya, tidak mungkin, seperti Klyuev, Rubtsov, dan banyak lainnya.

Sering terjadi kasus gerakan “terbalik”: Kristen tradisi sastra memunculkan seluruh genre “puisi spiritual”, balada dan lagu-lagu dengan konten religius baik di Rusia maupun di Barat. balada rakyat Barat, khususnya bahasa Inggris, diproses oleh penyair dan diterjemahkan ke dalam bahasa Rusia oleh penyair kita, “turun ke rakyat” untuk kedua kalinya, sehingga memunculkan genre balada Rusia selanjutnya (“Khazbulat the Daring,” dll.) dan apa yang disebut “romansa filistin” abad ke-19. Dan inilah yang menarik: sebelum munculnya romansa, bahasa Rusia puisi rakyat Saya tidak tahu lirik lagu solonya, itu saja lagu liris adalah paduan suara, dan cara penampilan mereka, yang didefinisikan sebagai “polifoni organik”, secara umum, merupakan fenomena luar biasa dalam budaya vokal dunia. Romantis menjawab kebutuhan akan nyanyian solo dan individu (dengan gitar).

Dengan segala pengaruh timbal balik tersebut, kreativitas lisan (folklore) tetap mempertahankan ciri khasnya perbedaan mendasar dari kreativitas tertulis (penulis) - cerita rakyat bersifat impersonal. Karya-karyanya tidak hanya “tidak mempunyai pengarang” (lebih tepatnya, ia selalu tidak diketahui), tetapi juga tidak memiliki perbedaan stilistika seperti gaya pengarangnya. Sama seperti tokoh-tokoh cerita rakyat - orang baik, gadis cantik, dll. - tidak memiliki potret psikologis individu. Pahlawan cerita rakyat selalu merupakan “tipe” dan tidak pernah “karakter”. Sastra tertulis, sebaliknya, selalu bercirikan keinginan untuk mendeskripsikan individu, unik, mendeskripsikan tokoh, dan sekaligus mengungkapkan cara narasi pengarang yang khusus, gaya pengarang.

Cerita rakyat klasik petani sedang sekarat akhir-akhir ini, karena kehidupan yang melahirkannya sedang dihancurkan. Namun ini tidak berarti bahwa kata-kata seni yang diucapkan akan mati sepenuhnya. Bahasa ini, seperti bahasa Rusia itu sendiri, akan terus menginspirasi para penulis. Selain itu, “kembalinya” bentuk puisi lisan tradisional juga dimungkinkan. Jadi, saat ini, sehubungan dengan kebangkitan Cossack, lagu paduan suara Cossack menjadi hidup, mendapat angin kedua.

Sayangnya, orang-orang mulai mencatat karya sastra lisan (cerita rakyat) agak terlambat, terutama pada abad ke-19, setelah kehilangan banyak kekayaan kita sebelumnya: epos Rusia kuno, misalnya, sampai kepada kita dalam bentuk potongan-potongan kecil, dan pra- Mitologi Kristen belum pernah saya sampaikan.

Sastra tertulis lebih beruntung, meskipun dalam kebakaran kota-kota Rusia, dalam keabadian XVIII - awal XIX berabad-abad, ketika semua minat terhadap zaman kuno Rusia hilang, banyak monumen tertulis musnah, dan oleh karena itu kita harus menganggap komposisi sastra Rusia kuno (pra-Petrine) yang ada hanya sebagai kutipan sederhana dari sastra besar nenek moyang kita.

Gambar artistik adalah dasar dari segala jenis seni.

Imajinasi pembaca dan gambaran artistik.

Kesederhanaan imajiner dalam menulis.

Citra kata yang “meningkat” dalam sastra.

Seni seperti berpikir dalam gambar.

Gambar verbal dan ide puitis(menyedihkan).

Jenis dan sifat gambar artistik.

Seni adalah jalinan kompleks berbagai konsep dan kategori. Kami telah mengidentifikasi sejumlah sifat penting yang merupakan karakteristik dari semua bentuk seni yang dikenal. Ada kategori universal lain yang memungkinkan Anda melihat hubungan antar keduanya seni yang berbeda. Ini adalah sebuah kategori gambar artistik, yang dibangun atas dasar kesepakatan bersyarat tertentu antara penulis dan pembaca, penonton, pendengar – sisi perseptif seni. Kategori gambar artistik merupakan kategori seni universal. Ini adalah bagian, detail teks, dan cara keberadaan sebuah karya seni.

Sudah di zaman kuno, ketika karya seni pertama kali muncul, muncul teori yang menjelaskan asal usul seni dan cara mencerminkan realitas di dalamnya. Salah satu teori tertua adalah teori Aristoteles (abad IV SM) tentang mimesis (imitasi). Aristoteles mengatakan bahwa seni adalah suatu bentuk peniruan kehidupan. Belakangan, muncul teori-teori baru yang menjelaskan hubungan antara seni dan realitas. Ada banyak upaya untuk memahami arti hubungan ini.

Semua teori yang muncul hingga saat ini dapat dibagi menjadi dua kelompok besar. Di satu sisi, ini adalah sekelompok teori yang membuktikan bahwa seni itu diperlukan mencerminkan realitas, "melanjutkan" dia dan miliknya menjelaskan. Biasanya, para penulis teori-teori ini berusaha memberikan penjelasan yang sepenuhnya realistis tentang seni, untuk menunjukkan bahwa seni diciptakan sesuai dengan niat senimannya, tetapi pada saat yang sama seni itu tertanam dalam konteks sosial dan, sampai taraf tertentu. atau lainnya, menggambarkan realitas yang ada.

Proses penciptaan sebuah karya seni menjadi suatu tindakan yang sepenuhnya disadari. Fakta ini memberi alasan untuk percaya bahwa kreativitas dapat digunakan untuk melayani ide tertentu, dan proses kreatif harus terus dikontrol. Misalnya, inilah cara perwakilan kritik sastra Marxis memperlakukan seni.

Kelompok teori lain terkait dengan gagasan tentang ketidaksadaran dalam proses kreatif. Diyakini bahwa seniman-pencipta bekerja berdasarkan inspirasi dan dalam karyanya hanya mewujudkan dunia yang diciptakan dalam pikirannya sendiri. Sebuah karya seni yang muncul akibat suatu tindakan seni yang tidak disadari sama sekali tidak ada kaitannya dengan tuntutan sosial, tetapi hanya merupakan perwujudan kemauan kreatif dan imajinasi senimannya.

Di Rusia ada banyak ahli budaya, sejarawan seni, dan kritikus sastra yang menganggap momen mutlak ketidaksadaran dalam kreativitas seni. Di antara mereka, nama Yuli Isaevich Aikhenvald (1872–1928), seorang sarjana sastra dan kritikus tahun 1910–1920-an, yang paling menonjol.

Kritik sastra modern menganut pandangan yang cukup luas dan, dengan mendefinisikan batas-batas kebebasan penulis dan kekhasan pemikiran kreatifnya, berangkat dari kesempatan yang sama bagi alam sadar dan alam bawah sadar dalam kreativitas seni. Untuk peneliti masa kini Pengaruh pemikiran asosiatif seniman terhadap proses kreatif juga menjadi penting.

Ternyata dalam proses kreatif tidak semuanya lahir sesuai dengan rencana, logika artistik yang ketat. Proses kreatif terjadi terutama di alam bawah sadar pengarang. Kesadaran sering kali memainkan peran yang lebih rendah di sini.

Proses kreatif muncul seolah-olah secara kebetulan dan berkembang seolah-olah karena sentuhan. Adalah naif untuk percaya bahwa penulis mengetahui segalanya sebelumnya, mengetahui apa yang diinginkannya. Seringkali dalam proses kreativitas dia menemukan dirinya dalam situasi di mana Anda mencari India, tetapi Anda menemukan Amerika...

Banyak hal yang lahir secara tidak terduga, secara spontan; satu pemikiran dapat membangkitkan serangkaian asosiasi. Ketika mengamati sebuah karya seni, ternyata gambar artistik yang sama dapat menekankan ciri-ciri individu dan menggeneralisasikan ciri-ciri khas, membangkitkan gagasan-gagasan yang spesifik, jelas dan asosiasi-asosiasi sekilas, menjadi hasil kerja perencanaan yang cermat dari penulis dan ketertarikannya yang tidak disadari terhadap inkarnasi seni tertentu. Semua ini sangat penting untuk memahami kategori gambar artistik.

Gambar artistik adalah dasar dari segala jenis seni. Banyak peneliti percaya bahwa kategori gambar artistiklah yang membedakan seni dari bidang kehidupan spiritual manusia lainnya. Setiap karya seni terdiri dari gambar-gambar seni, dan jumlahnya tidak dapat dihitung, karena gambar tersebut muncul pada setiap tingkatan karya seni.

Jika kita berbicara tentang sastra, maka gambaran artistik muncul pada tingkat suara individu dan kombinasi suara, kata-kata dan hubungan di antara mereka, jeda dan ritme yang bermakna. Ia muncul pada tataran penggambaran suatu objek, fenomena, motif sekilas, dan pada tataran pemahaman artistik terhadap ruang, tempat ikonik, dan jangkauan temporal.

Suatu gambaran dalam sebuah karya seni muncul di benak senimannya, kemudian harus muncul di benak pembaca. Artinya, kegunaan suatu gambar artistik baru muncul setelah dibaca dan dipahami teks sastra.

Terkadang gambar artistik dibandingkan akrab menentukan makna teks, dengan kunci yang membantu memahami karya. Di beberapa tempat budaya timur tanda menjadi alat komunikasi, gambaran artistik di sana dipersepsikan sebagai suatu sistem tanda yang tertulis dalam tradisi tertentu.

Puisi N. Zabolotsky “Seni” dapat dibaca sebagai risalah singkat tentang peran dan tujuan seni dan mengapa penyair membutuhkannya gambar artistik.

Pohon itu tumbuh, mengingatkan

Kolom kayu alami.

Anggota menyimpang darinya,

Mengenakan daun bundar.

Koleksi pohon-pohon tersebut

Membentuk hutan, hutan ek.

Namun definisi hutan tidak tepat,

Jika Anda menunjuk pada satu struktur formal.

Tubuh sapi yang gemuk

Ditempatkan pada empat ujung,

Dimahkotai dengan kepala berbentuk candi

Dan dua tanduk (seperti bulan yang pertama

perempat),

Ini juga menjadi tidak jelas

Itu juga tidak bisa dimengerti

Jika kita lupa akan maknanya

Di peta orang-orang yang hidup di seluruh dunia.

Rumah, bangunan kayu,

Dibuat seperti kuburan pepohonan,

Dibangun seperti gubuk mayat,

Seperti gazebo orang mati, -

Manusia mana yang memahaminya?

Kepada siapa di antara yang hidup tersedia,

Jika kita melupakan seseorang,

Siapa yang membangun dan menebangnya?

Manusia, penguasa planet ini,

Tuan hutan kayu,

Kaisar daging sapi,

Tuan rumah rumah dua lantai, -

Dia juga mengatur planet ini,

Dia juga menebang hutan,

Dia bahkan akan menyembelih seekor sapi,

Tapi dia tidak bisa berkata apa-apa.

Tapi saya, orang yang monoton,

Dia memasukkan pipa panjang yang bersinar ke dalam mulutnya,

Tertiup, dan, tunduk pada nafas,

Kata-kata terbang ke dunia, menjadi objek.

Sapi itu memasak bubur untukku,

Pohon itu membacakan dongeng

A rumah mati perdamaian

Mereka melompat seolah-olah mereka hidup.

Benda-benda dan fenomena-fenomena di sekitar penyair, atas kemauannya, berubah menjadi karya seni, menjungkirbalikkan gagasan orang kebanyakan, dan menjadikan dongeng dari sejarah. Yang penting, menurut penyair, dunia adalah siklus benda-benda dan, jika diberi nama, dengan kata-kata dan gambaran tertentu, benda-benda itu memperoleh kehidupan sejati.

Gambar artistik berbeda dalam berbagai jenis seni dan dikaitkan dengan bahan dari jenis tertentu. Dalam berbagai jenis seni, struktur gambarnya berbeda-beda. Sebuah gambar artistik dapat “merekonstruksi” suatu objek dengan lebih atau kurang detail, atau dapat sepenuhnya menghindari penyalinan, mewakili perwujudan baru dari objek tersebut. Dalam musik, misalnya, gambar artistik mempunyai sedikit hubungan dengan bidang subjek dan ke tingkat yang lebih besar mencerminkan lingkup pemikiran asosiatif komposer.

Fitur gambar artistik verbal adalah tidak ada area tertutup untuk itu, tidak hanya bisa menjadi dua dimensi atau ruang tiga dimensi, tetapi juga untuk memahami dimensi keempat. Seorang pengarang dalam sebuah karya sastra mampu menyampaikan baik dunia warna maupun dunia musik.

Penulis Rusia yang luar biasa abad ke-20. KG Paustovsky berbicara tentang lukisan terkenal karya seniman M.V. Nesterov “Visi untuk Pemuda Bartholomew”:

“Bagi banyak orang, pemuda ini, penggembala desa dengan kemurnian mata biru terdalam - berkepala putih, kurus, mengenakan onuchakh - tampaknya merupakan personifikasi Rusia kuno - keindahannya yang tenang dan tersembunyi, langitnya yang redup, sinar matahari yang lembut, keindahannya yang tersembunyi. pancaran jaraknya yang tak terbatas, padang rumputnya dan hutannya yang tenang, legenda dan dongengnya. Gambar ini seperti lampu kristal yang dinyalakan oleh seniman untuk kejayaan negaranya, Rusia.” Lukisan kanvas dalam penyajian sastra mulai berdenyut dengan makna artistik baru, gambaran baru yang memuat segala sesuatu yang tergambar di atas kanvas, dan dirasakan serta dialami oleh pengarangnya.

Gambar sastra dan seni yang berisi komposisi musik, bahkan lebih rumit. Sonata No. 2 karya Beethoven, terdengar seperti refrain dalam cerita karya A.I. kuprin" gelang garnet”, dipahami melalui perasaan yang muncul dalam diri sang pahlawan wanita selama membunyikan sebuah musik: “Dia mengenali dari akord pertama karya mendalam yang luar biasa dan unik ini. Dan jiwanya seakan terbelah menjadi dua. Dia secara bersamaan berpikir bahwa cinta yang besar telah melewatinya, yang hanya terulang sekali dalam seribu tahun... Dan kata-kata terbentuk di benaknya. Dalam pikirannya, ayat-ayat itu begitu selaras dengan musiknya sehingga seolah-olah itu adalah syair yang diakhiri dengan kata-kata: “Dikuduskanlah nama-Mu.”

Dalam gambar artistik verbal, berbagai gambar bergantian, ditujukan kepada persepsi kita, dapat ditujukan kepada pembaca baik dari sisi “terlihat” maupun “terdengar”. Dalam sebuah karya sastra, segala sesuatu menjadi hidup, bergerak, bernafas, berbicara, dan diam penuh makna. Suatu gambar artistik mampu menyampaikan sekecil apapun gerak pikiran, perasaan, emosi manusia, untuk menangkap nuansa makna yang halus, subteks sekilas yang paling halus, belum lagi musim, cuaca yang berubah-ubah, permainan awan, suara hujan, kilauan salju. Berikut adalah puisi karya A.A. feta:

Gambar yang indah

Betapa sayangmu padaku:

Putih polos,

Bulan purnama

Cahaya dari langit yang tinggi,

Dan salju yang bersinar

Dan kereta luncur yang jauh

Berjalan sendirian.

Karya puitis ini sudah tidak asing lagi bagi kita sejak kelas satu. Belakangan kami mengetahui bahwa Fet lebih dari sekali mencoba melakukannya tanpa kata kerja dalam puisinya. Namun merekalah yang menyampaikan aksi dan gerakan dalam bahasa. Tampaknya puisi tanpa kata kerja hanya dapat secara akurat menyampaikan gambaran alam yang terlihat, lanskap statis secara fotografis. Tetapi dengan Fet, dengan cara yang ajaib, semuanya menjadi hidup, semuanya bergerak, salju berkilau dan berkilau di bawah bulan purnama.

Hal ini terjadi karena kata benda yang diambil oleh penyair tidak hanya membawa konotasi “verbalisme” tertentu (misalnya kata berlari adalah kata benda verbal, itu sendiri sudah mengekspresikan gerakan, dan bahkan gerakan cepat), tetapi juga karena penyair mengandalkan pengalaman pembaca, pada kenyataan bahwa ia juga harus mengamati “gambaran yang begitu indah”, pada pengalaman kita. pemikiran imajinatif.

Ya, kata lampu dikombinasikan dengan kata-kata surga yang tinggi segera membangkitkan aliran asosiasi: cahaya langit yang tinggi tidak jatuh dari langit, tetapi mengalir, berkedip, menghilang, menimbulkan bayangan bergerak yang aneh di atas salju, yang terus-menerus mengubah ukuran dan bentuknya. Tidak statis, tetapi terus berubah dan bergerak salju berkilau, yang berkilau, melotot, memantulkan kilauan warna-warni - dari putih cerah hingga kebiruan dan kemerahan.

Seperti yang Anda lihat, untuk pengertian gambaran artistik imajinasi pembaca diperlukan. Gambaran yang muncul di benak penulis mungkin terulang, dipikirkan ulang, atau diputarbalikkan di benak pembaca, bisa juga tidak. Ternyata itu Tidak hanya penulis, pembaca juga harus diberkahi dengan pemikiran imajinatif.

Menulis sastra terkadang tampak seperti hal yang sangat sederhana: lihat sekeliling Anda, tulis, buatlah karakter, dialog dan monolognya - dan karya sastra sudah siap. DI DALAM " Persimpangan teater setelah presentasi komedi baru" N.V. Gogol berdua berbicara tentang karya penulis:

"Pertama. Coba pikirkan: ya, seorang penari, misalnya, tetaplah sebuah seni, tidak mungkin Anda bisa melakukan apa yang dia lakukan. Yah, kalaupun aku mau, misalnya: kakiku tidak mau terangkat... Tapi kamu bisa menulis tanpa belajar...

Kedua. Namun, bagaimanapun juga. Tetap saja, dia pasti tahu sesuatu: tanpanya Anda tidak bisa menulis...

Pertama....Mengapa ada pikiran di sini... Nah, jika ada, katakanlah, semacam ilmu pengetahuan ilmiah. Beberapa subjek yang belum Anda ketahui. Tapi apa ini? Bagaimanapun, setiap pria mengetahui hal ini. Anda melihat ini setiap hari di jalan. Duduk saja di dekat jendela dan tuliskan semua yang terjadi - itulah intinya!”

Gagasan yang menipu tentang kesederhanaan menulis ini mengarah pada fakta bahwa orang-orang yang baru saja menguasai literasi segera mulai menulis. Jadi, misalnya, hal itu terjadi segera setelah revolusi tahun 1917, ketika sejumlah besar orang bergegas untuk “menjadi penulis”, yang tidak memiliki ingatan membaca, budaya umum, atau kemampuan khusus untuk mengubah objek dan fenomena sehari-hari yang sederhana. menjadi keajaiban sastra - semua hal yang tanpanya seorang penulis sejati akan gagal.

Disebut keinginan untuk berkreasi sastra tanpa keahlian atau landasan khusus "grafomania". Dan saat ini, jumlah graphomaniac tidak berkurang: situs internet, blog, dan surat kabar dengan iklan gratis dengan puisi, yang dengan malu-malu disebut “selamat”, dipenuhi dengan “karya” mereka. Hal ini terjadi karena bahasa yang kita gunakan dan tulis seolah-olah merupakan milik bersama. Ilusi ringannya roti seorang penulis muncul. Sementara itu di kreativitas sastra memainkan peran penting diberkahi dengan kesadaran artistik yang khusus, kemampuan berpikir dalam gambar artistik.

Bagi sastra, tidak setiap kata penting, tetapi hanya kata-kata yang dapat membangkitkan tanggapan simpatik. DI DALAM pidato artistik berkat gambarannya, kata itu membawa banyak makna beban berat daripada dalam percakapan sehari-hari. Ini “peningkatan” gambaran kata puitis Penyair merasa baik-baik saja. D.S. Samoilov menulis:

Dan tanduk angin yang bebas,

Dan suara ombak yang ceria,

Dan cahaya bulan ini,

Begitu mereka masuk ke dalam syair.

Memperoleh signifikansi

Jadi – siapa yang mengenal mereka.

Dan ceritaku yang samar-samar.

Dan berita tentang kami berdua,

Dan pepatah yang benar

Begitu mereka masuk ke dalam syair,

Akan mendapatkan makna

Jadi - siapa yang mengenal mereka!

Artinya, puisi kembali ke kata yang sudah usang, terlupakan, tidak terlihat oleh makna kata “non-penyair”.

Ketika mereka kehilangan maknanya

Kata-kata dan benda

Ke dasar pembaruan mereka

Penyair datang -

Kata dalam teks sastra benar-benar memiliki sifat magis karena kesadaran penyair tertarik pada citra artistik. Citra artistik dapat lahir tidak hanya dalam seni, tetapi juga dalam percakapan sehari-hari. Ketika seseorang berbicara tentang sesuatu, dia mungkin memenuhi pidatonya dengan gambar-gambar artistik.

Pada saat yang sama, kehadiran gambar artistik tidak diperlukan dalam percakapan sehari-hari. Untuk seni, yang menurut Belinsky, berpikir dalam gambar, gambar artistik bersifat organik. Jika dalam kehidupan sehari-hari seseorang mungkin menggunakan gambar artistik atau tidak, maka dalam seni, berpikir tanpa gambaran adalah mustahil . Gambar artistik adalah bahasa seni dan pernyataan individualnya.

Tidak mungkin menguraikan sebuah karya sastra menjadi gambar-gambar artistik; karya-karya itu tidak ada secara terpisah, dengan sendirinya. B.L. Pasternak menulis: “…gambar masuk ke dalam gambar…”. Setiap detail figuratif dalam sebuah karya hanya dirasakan melalui konteks umum, dan konteks figuratif umum terdiri dari detail artistik.

Gambar artistik adalah konsep yang kompleks karena esensi subjek yang sulit dipahami: gambar artistik tidak dapat dijelaskan sepenuhnya karena tidak habis-habisnya dan rapuhnya batas-batasnya.

Menariknya, beberapa peneliti menyebut citra artistik sebagai fenomena yang memberikan seni tersendiri hiperbola, karena gambar artistik melebih-lebihkan pentingnya objek tersebut, menjadikannya objek yang sangat berharga, meskipun itu adalah genangan Mirgorod di Gogol.

Yang lain (misalnya, D.S. Likhachev), sebaliknya, percaya bahwa pencitraan berkontribusi pada fakta bahwa seni mewakili litotes ( pernyataan yang sengaja meremehkan suatu objek ) dan bahwa seni membiarkan hal-hal tidak terungkap dan dengan demikian membuat orang menebak-nebak keseluruhannya, dan kemudian mengagumi keseluruhan ini sebagai tebakan mereka.

Citra dapat dipahami sebagai bahasa seni. Untuk membuat gambar artistik, penulis menggunakan persenjataan yang sangat besar sarana ekspresi seni. Namun, ketidakhadiran mereka tidak berarti bahwa gambar tersebut belum tercipta. Sebaliknya, sangat menarik untuk mengamati bagaimana gambaran artistik terbentuk dari kosakata sehari-hari biasa, sintaksis yang tidak mencolok, dan suara biasa.

Bagaimana gambaran artistik lahir dalam baris puisi?

Salah satu pendiri kritik sastra modern V.G. Belinsky percaya bahwa seniman (penyair) tidak hanya harus mengalami wawasan dan inspirasi yang datang dari atas, tetapi juga melalui siksaan kreatif yang sebanding dengan siksaan yang menyertai persalinan.

“Semakin tinggi penyair, semakin orisinal dunia karyanya - dan tidak hanya penyair hebat, bahkan penyair yang luar biasa pun berbeda dari penyair biasa karena aktivitas puitis mereka ditandai dengan cap karakter yang khas dan orisinal. Di dalam ciri khas inilah terletak rahasia kepribadian mereka dan rahasia puisi mereka. Menangkap dan menentukan esensi ciri ini berarti menemukan kunci rahasia kepribadian dan puisi penyair,” tulis Belinsky.

Faktanya, Belinsky mendorong kita untuk mencoba mengungkap misteri setiap penyair besar melalui pemahaman tentang keanehan (“kekhasan”). proses kreatif. Belinsky menganggap “pemikiran perkasa” yang menguasai penyair sebagai komponen penting dari proses ini. Tapi ini, dari sudut pandang kritikus besar, tidaklah cukup. Bagaimanapun juga, sebuah pemikiran, bahkan yang sangat mendalam sekalipun, bisa terlintas di benak siapa pun, apalagi yang memiliki pola pikir dan karakter filosofis. Namun kemudian “bagi seseorang yang pada dasarnya bukan seorang penyair, meskipun pemikiran yang dimunculkannya dalam, benar, bahkan suci, karyanya tetap akan terlihat remeh, salah, salah, jelek, mati, dan tidak akan meyakinkan. siapa pun, melainkan akan mengecewakan masing-masing pemikiran yang diungkapkannya, terlepas dari semua kebenarannya!

Pemikiran seperti apa, menurut Belinsky, yang bisa menjadi “embrio hidup dari makhluk hidup”? Pemikiran seperti itu hanya bisa terjadi pemikiran puitis ! Pemikiran puitis, ide puitis inilah yang menggerakkan seniman sejati dalam menciptakan sebuah karya.

Belinsky menyebut kekuatan ini, hasrat yang menguasai seniman menyedihkan. “Dalam pathos, penyair jatuh cinta pada sebuah ide, seperti pada makhluk hidup yang indah, diilhami dengan penuh semangat olehnya - dan dia merenungkannya bukan dengan akal, bukan dengan akal, bukan dengan perasaan, dan bukan dengan kemampuannya apa pun. jiwa, tetapi dengan segenap kepenuhan dan keutuhan wujud moralnya - dan oleh karena itu gagasan, dalam karyanya, bukanlah pemikiran abstrak, bukan bentuk mati, melainkan ciptaan hidup, di mana keindahan hidup dari bentuk itu membuktikannya. adanya gagasan ilahi di dalamnya dan di dalamnya tidak ada ciri yang menunjukkan penjahitan atau penyolderan – tidak ada batas antara gagasan dan bentuk, tetapi keduanya adalah ciptaan organik yang utuh dan tunggal.”

Jadi, kesatuan gagasan puisi dan bentuk puisi, yang dipupuk dan dilahirkan dalam penderitaan sebagai hasil wawasan ketuhanan dan semangat kreatif, sedemikian rupa. garis besar umum tahapan proses kreatif yang mengarah pada penciptaan citra artistik.

Mari kita lihat bagaimana tahapan-tahapan ini dimaknai oleh para penyair itu sendiri. DI DALAM warisan kreatif A A. Siklus puisi Akhmatova yang terkenal, "Rahasia Kerajinan". Dua puisi pertama dari siklus ini disebut “Kreativitas” dan didedikasikan khusus untuk proses kreatif:

Itu terjadi seperti ini: semacam kelesuan;

Dentang jam tidak berhenti di telingaku;

Di kejauhan, gemuruh guntur mulai memudar.

Saya membayangkan keluhan dan erangan,

Beberapa lingkaran rahasia menyempit,

Tapi di jurang ini ada bisikan dan dering

Satu, suara yang menaklukkan segalanya muncul -

Beginilah puisi ini dimulai, dan penyair merasakan proses kreativitas yang misterius dengan begitu rapuh dan sensitif.

Apa yang bisa menjadi dorongan awal? Keheningan, kesunyian, keluhan dan rintihan atau raungan, guntur? Tidak jelas dan tidak dikenali (rahasia – milik siapa?) – suara? Dan seseorang - yang menguasai segalanya - harus muncul dari kebingungan suara yang tidak jelas ini, dari skala yang aneh ini, untuk tiba-tiba membantu penyair menemukan kesiapan batin yang luar biasa untuk penciptaan kreatif?

Paruh kedua puisi Akhmatov hanya sebagian memberikan jawaban atas pertanyaan kita pertanyaan naif:

Di sekelilingnya sangat sunyi,

Anda dapat mendengar rumput tumbuh di hutan,

Bagaimana dia berjalan dengan gagah di tanah dengan ransel...

Namun kini kata-kata itu terdengar

Dan sajak ringan menandakan lonceng, -

Kemudian saya mulai mengerti.

Dan hanya mendiktekan baris-barisnya

Mereka masuk ke buku catatan seputih salju.

Dari kumpulan suara yang tidak jelas dan sulit dibedah, lahirlah suara yang terdengar jelas, karena keheningan mutlak merajalela. Saking senyapnya, suara-suara lain menjadi terdengar, yang pada prinsipnya berada di luar kendali telinga manusia. Namun bila kita, meskipun tidak diberi kesempatan untuk mendengar suara rumput yang tumbuh, namun masih mampu membayangkannya dalam imajinasi kita sendiri, maka hanya penyair yang dapat melihat tanda-tanda panggilan langkah orang gagah yang berjalan di bumi ( yaitu, masalah, kemalangan). Kata-kata berima mulai terbentuk dari melodi yang luar biasa ini, dan sepertinya kata-kata itu hanya didiktekan oleh seseorang.

Kami telah mengambil tugas yang sangat tanpa pamrih - penafsiran literalis atas sesuatu yang tidak tunduk pada penafsiran seperti itu dan menolak prosedur ini dengan segala cara yang mungkin. Tapi di manakah ide puitis yang dibicarakan Belinsky? Apa saja yang tercakup di dalamnya? Dan yang terpenting, bagaimana membedakan tahapan proses kreatif? Dari mana puisi berasal, bagaimana asal usulnya?

Pertanyaan-pertanyaan ini sebagian terjawab oleh puisi kedua Akhmatova, yang diberi judul “kreativitas”. Mungkin untuk pertama kalinya dalam puisi Rusia, dalam puisi inilah upaya dilakukan untuk menyajikan daftar kata dan konsep, gambar artistik verbal membuat teks puisi.

Memasuki dialog polemik dengan banyak pendahulu dan orang sezaman yang bekerja di bidang puisi, Akhmatova membuat kamus puisinya sendiri. Bukan langit dan bintang, bukan kabut dan benua yang jauh, bukan hamparan laut dan eksotisme perjalanan jauh, dari sudut pandang Akhmatova, yang menjadi subjek pengalaman puitis utama:

Saya tidak membutuhkan pasukan odic

dan pesona usaha elegi.

Bagi saya, segala sesuatunya harus tidak pada tempatnya dalam puisi,

Tidak seperti dengan orang-orang.

Andai kau tahu dari sampah apa

Puisi tumbuh tanpa rasa malu,

Bagaimana dandelion kuning di dekat pagar,

Seperti burdock dan quinoa.

Marah teriak, bau tar segar,

Misterius cetakan di dinding...

Dan syairnya sudah berbunyi, khusyuk, lembut,

Untuk menyenangkan Anda dan saya.

Bayangkan burdock, quinoa, dan jamur sebagai objek puitis? Dalam puisi ini, Akhmatova tidak hanya dengan berani mendobrak batas-batas seni, mengidentifikasi dirinya sebagai objek puisi tinggi semua - tanpa kecuali - dunia di sekitar kita, tetapi juga membuat penemuan penting, menjelaskan kepada pecinta kata puitis bahwa puisi dapat “tumbuh” dari pengamatan, pengalaman, keadaan, perasaan apa pun.

Jenis gambar verbal dan artistik dalam sastra bergantung pada tingkatan, “lantai” teks sastra tempat mereka berada. Ini dapat berupa: gambar suara (asonansi dan disonansi, onomatopoeia, aliterasi, dll.), gambar verbal(berbagai jenis metafora, hiperbola dan litotes, perbandingan dan persamaan, julukan, dll), gambaran yang tercipta pada tataran sintaksis teks (pengulangan, seruan, pertanyaan, inversi, dsb), gambaran yang tercipta pada tataran motif. suatu karya sastra, gambaran tokoh sastra, gambaran alam (landscape), gambaran benda (interior).

Gambar artistik juga dibedakan berdasarkan nada estetika: gambar tragis, gambar komik, gambar satir, gambar liris. Dalam hal ini, perlu diingat kemampuan gambar artistik untuk tumbuh dan terhubung dengan gambar lain.

Secara umum diterima bahwa gambaran orang dalam sebuah karya sastra memiliki sifat-sifat seperti kombinasi ciri-ciri individu dan ciri khas, desain eksternal, dan muatan psikologis. Perlu memperhatikan cara kiasan yang digunakan untuk menciptakan citra seseorang sebagai aneh, ironi, dan sarkasme. Dalam literatur ilmiah terdapat upaya untuk menata gambar seni menurut prinsip universalitasnya: nasional, universal, sosial.

Seni mencerminkan pengalaman banyak generasi, tetapi pada saat yang sama, setiap seniman menciptakan dunianya sendiri. Sastra merupakan salah satu dari sekian banyak jenis seni, namun yang khusus adalah seni verbal, oleh karena itu sastra menonjol dari jenis seni lainnya.

E.M. MELETINSKY

Materi arkeologi, yang memberikan banyak manfaat bagi sejarah seni rupa, hanya sedikit membantu dalam mempelajari akar seni verbal.

Seni sastra rupanya muncul lebih lambat dibandingkan beberapa jenis seni lainnya, karena materinya, unsur utamanya, adalah kata, tuturan. Tentu saja, semua seni hanya dapat muncul setelah seseorang menguasai artikulasi pidato, tetapi untuk munculnya seni verbal, diperlukan perkembangan bahasa yang tinggi dalam fungsi komunikatifnya dan adanya bentuk gramatikal dan sintaksis yang agak rumit. Ternyata seni rupa muncul lebih dulu. Benda-benda kayu dan tulang yang dihias pertama (patung wanita - “Venus” Paleolitikum berasal dari sekitar 25 ribu tahun SM. e. Monumen klasik lukisan gua Eropa (gambar binatang di Aurignacian, Solutre dan Madeleine) berasal dari 25-10 ribu tahun SM. e.

Seni rupa muncul pada Paleolitik Atas (tahap terakhir Zaman Batu Tua), ketika manusia, menurut konstitusinya, tidak lagi berbeda dengan manusia modern, berbicara, dan mengetahui organisasi klan berdasarkan eksogami ganda (pembagian sosial). kelompok menjadi dua bagian, di mana ikatan perkawinan dilarang) , membuat perkakas sempurna dari batu, tulang dan tanduk, dan memiliki gagasan keagamaan primitif. Namun manusia telah membuat peralatan yang kurang canggih pada Paleolitik Tengah dan Bawah, setidaknya 400 ribu tahun sebelumnya.

Dalam proses kerja, tangan ditingkatkan, yang kini dapat memberikan bahan alami bentuk yang bermanfaat dan berguna, dan kemudian menggunakan benda yang dibuatnya dengan cara yang sama bijaksananya. Penggunaan tangan (dan mata) secara "intelektual" mempertajam kemampuan yang memungkinkan artikulasi ucapan dan pemikiran manusia.

Perkembangan mitologi tentunya turut andil dalam munculnya gambaran-gambaran simbolis dan fantastik. Hampir tidak ada keraguan bahwa lukisan gua Paleolitik tidak hanya mensintesis pengamatan hewan - objek perburuan - dan dalam hal ini mewakili cara untuk "menguasai" mereka, tetapi juga memiliki makna magis sebagai sarana untuk menarik dan menundukkan mangsa berburu. Hal ini ditunjukkan dengan gambar tombak binatang yang ditancapkan pada gambar. Tentu saja, “kebangkitan kembali” lukisan batu atau gambar di tanah di kalangan masyarakat Australia selama ritual, yang bertujuan untuk merangsang reproduksi spesies hewan tertentu, memiliki karakter magis. Seni rupa juga banyak digunakan dalam ritual yang lebih kompleks, terkait erat dengan kepercayaan agama awal. Namun, mungkin saja ada (hal ini ditegaskan oleh contoh orang Australia yang sama) seni rupa yang tidak sepenuhnya dikaitkan dengan tujuan keagamaan dan magis.

Di Gua Tiga Bersaudara yang terkenal terdapat gambar seorang pria menyamar dengan tanduk rusa yang berasal dari zaman Madeleine, yaitu masa kejayaan lukisan Paleolitik di Eropa. Angka-angka ini dan sejenisnya tentu menunjukkan adanya tarian berburu pada masa itu, yang ternyata sudah mempunyai tujuan magis. Tarian - plastisitas hidup ini - bukan hanya salah satu bentuk seni paling kuno, tetapi suatu bentuk yang mencapai kesempurnaan tinggi tepatnya pada masa primitif.

Jika dalam seni rupa kuno citra figuratif ekspresif dijalin dengan motif hias, maka dalam tari reproduksi dinamis adegan berburu, proses kerja, dan beberapa aspek kehidupan sehari-hari tentu harus mengikuti ritme yang ketat, dan ritme geraknya didukung. dengan ritme suara sejak dahulu kala. Musik primitif hampir tidak dapat dipisahkan dari tarian dan telah lama menjadi bawahannya.

Pada tahap primitif, peran transformatif seni sering kali secara naif diidentikkan dengan tujuan utilitarian, yang dicapai bukan dengan kerja keras, tetapi dengan sihir. Ritual magis primitif, ketika ide-ide animisme dan totemik berkembang dan menjadi lebih kompleks, pemujaan terhadap leluhur, roh master, dll., tumbuh menjadi kultus agama.

Keterkaitan antara tari dengan ritual magis, dan kemudian pemujaan agama, ternyata lebih erat dibandingkan dengan seni rupa, karena tari menjadi faktor utama dalam pertunjukan ritual.

Permainan ritual rakyat, yang meliputi unsur tari, pantomim, musik, sebagian seni rupa (dan kemudian puisi), dalam kesatuan sinkretisnya menjadi cikal bakal teater. Ciri khusus teater primitif adalah penggunaan topeng, yang secara genetik kembali ke kamuflase sebagai teknik berburu (mengenakan kulit binatang agar dapat mendekati objek perburuan tanpa menimbulkan kecurigaan). Mengenakan kulit binatang adalah hal biasa ketika melakukan tarian berburu yang telah disebutkan di antara orang Indian Amerika Utara, beberapa orang di Afrika, dll. Peniruan kebiasaan binatang dengan menggunakan topeng binatang dan pengecatan tubuh dikembangkan dalam ritual totemik yang terkait dengan gagasan yang sesuai tentang​​ kekerabatan khusus sekelompok orang (genera tertentu) dengan jenis hewan atau tumbuhan tertentu, tentang asal usulnya dari nenek moyang yang sama (yang biasanya digambarkan sebagai makhluk yang bersifat setengah manusia, setengah hewan).

Gambar binatang (pertama objek perburuan, dan kemudian totem yang dihormati) mendahului “teater” (dan juga di seni cadas) gambar seseorang. Topeng manusia pertama kali muncul dalam upacara pemakaman dan peringatan sehubungan dengan pemujaan terhadap leluhur (kerabat yang telah meninggal).

Upacara pernikahan di antara banyak orang, ia memiliki ciri-ciri tindakan ritual-sinkretistik yang unik, elemen sandiwara yang berbeda. Begitu pula dengan berbagai kalender permainan ritual rakyat agraris yang menggambarkan pergantian musim dingin ke musim semi atau musim panas dalam bentuk pertarungan, perselisihan antara dua kekuatan, dalam bentuk “pemakaman” boneka atau aktor, yang mewujudkan musim dingin yang dikalahkan dan sekarat. Lagi bentuk yang kompleks misteri agraria kalender dikaitkan dengan pemujaan terhadap dewa yang sekarat dan bangkit. Begitulah misteri pemujaan Mesir kuno tentang Osiris dan Isis, perayaan Tahun Baru Babilonia kuno untuk menghormati Marduk, misteri Yunani kuno untuk menghormati dewa kesuburan Demeter dan Dionysus. (Ini pada dasarnya adalah asal mula misteri Kristen abad pertengahan.)

Asal usul teater kuno dikaitkan dengan misteri Dionysian.

Dalam bentuk teater kuno, unsur pantomimik mendominasi teks verbal, dalam beberapa kasus sebagian kecil verbal dialihkan kepada “aktor” khusus (ciri ini masih dipertahankan dalam teater tradisional Jepang dan Indonesia). Transformasi tontonan ritual dan teatrikal menjadi drama sudah terjadi dalam masyarakat yang berkembang secara historis melalui keterputusan dari ritual dan penetrasi unsur seni verbal yang jauh lebih intensif, seringkali dengan bantuan tulisan.

Mari kita beralih langsung ke seni verbal.

K. Bücher dalam bukunya yang terkenal “Work and Rhythm” 2, dengan mengandalkan koleksi lagu-lagu karya dari berbagai bangsa, berhipotesis bahwa “pada tahap perkembangan yang lebih rendah, karya, musik dan puisi adalah sesuatu yang bersatu, tetapi merupakan elemen utama dari trinitas ini adalah pekerjaan”; meteran syair langsung kembali ke ritme kerja, dan dari lagu kerja, jenis puisi utama secara bertahap berkembang - epik, lirik, drama. Hipotesis ini mewakili hubungan antara kerja dan puisi secara vulgar dan sepihak.

Ilmuwan Rusia terkemuka AN. Veselovsky dalam “Historical Poetics”-nya melihat akar tidak hanya tarian, musik, tetapi juga puisi dalam ritual rakyat. Puisi primitif, menurut konsepnya, pada awalnya merupakan lagu paduan suara yang diiringi tarian dan pantomim. Dalam lagu tersebut, unsur verbal dipadukan secara alami dengan musikal. Dengan demikian, puisi muncul seolah-olah dari kedalaman sinkretisme primitif jenis kesenian yang disatukan dalam kerangka ritual rakyat. Peran kata pada awalnya tidak signifikan dan sepenuhnya tunduk pada prinsip ritme dan wajah. Teks tersebut kadang-kadang diimprovisasi hingga akhirnya memperoleh karakter tradisional.

A. N. Veselovsky berangkat dari sinkretisme primitif tidak hanya jenis seni, tetapi juga jenis puisi. “Epik dan liriknya bagi kami tampaknya merupakan konsekuensi dari pembusukan paduan suara ritual kuno” 3. Menurutnya, seiring dengan pemisahan lagu dari ritual, terjadilah pembedaan gender, yang membedakan epik terlebih dahulu, baru kemudian lirik dan drama. Ia menganggap karakter liris-epik dari bentuk awalnya sebagai warisan sinkretisme primitif dalam epik tersebut. Adapun liriknya tumbuh dari tangisan emosional paduan suara kuno dan rumusan singkat berbagai isi sebagai ekspresi “emosi kolektif”, “subjektivisme kelompok” dan muncul dari sinkretisme ritual, terutama dari permainan ritual musim semi. Veselovsky mengaitkan penekanan terakhir pada lirik dengan individualisasi kesadaran puitis yang lebih besar daripada epik. Ia membangun drama menjadi ritual rakyat yang sudah berbentuk aliran sesat yang berkembang. Kreativitas puitis tampak baginya dalam asal-usulnya sebagai kolektif dalam arti literal, yaitu paduan suara. Penyair naik menjadi penyanyi dan, pada akhirnya, menjadi penyanyi utama paduan suara ritual.

Menganalisis kosa kata yang sesuai, ia membuktikan kesamaan semantik dalam asal usul konsep lagu-kisah-aksi-tarian, serta lagu-mantra-keberuntungan-ritual.

Veselovsky menelusuri beberapa ciri kuno gaya puisi rakyat, misalnya, paralelisme syair, hingga akar ritual dan paduan suara puisi, khususnya pada pertunjukan amuba (yaitu, dengan partisipasi dua setengah paduan suara atau dua penyanyi). Namun “paralelisme psikologis” (perbandingan fenomena kehidupan mental manusia dengan keadaan benda-benda alam), menurutnya, berakar pada pandangan dunia animisme primitif, yang merepresentasikan seluruh alam sebagai makhluk hidup. Untuk beberapa ciri pandangan dunia dan cara hidup primitif (animisme, totemisme, eksogami, matriarki, patriarki, dll.). Veselovsky mengkonstruksi sejumlah motif dan plot naratif yang khas. “Puisi Sejarah” miliknya, yang muncul atas dasar generalisasi dari sejumlah besar materi yang dikumpulkan oleh etnografi klasik dan folkloristik abad ke-19, mewakili satu-satunya teori yang konsisten tentang asal usul seni verbal.

Namun, konsep A.N. Veselovsky mengingat keadaan ilmu pengetahuan saat ini perlu penyesuaian. Veselovsky menelusuri dengan sangat lengkap peran dan evolusi elemen seni verbal dalam ritual rakyat, dan dengan tepat menunjukkan peningkatan bertahap dalam proporsi teks verbal dalam sinkretisme ritual. Namun, ritual rakyat, yang memainkan peran luar biasa dalam pengembangan kompleks teater musik tari, tidak dapat dianggap sebagai satu-satunya sumber puisi.

Tesis tentang kesatuan sinkretis orisinal yang utuh antara epik, lirik, dan dramaturgi juga berlebihan.

Teori Veselovsky paling produktif untuk memahami asal usul puisi liris. Lirik cerita rakyat sepenuhnya mirip lagu, dan lagu pada dasarnya mencerminkan sinkretisme musik dan puisi. A.N. Veselovsky dan sekaligus filolog Prancis terkenal Gaston Paris dengan meyakinkan menunjukkan hubungan antara lirik ksatria abad pertengahan dan tradisi lagu daerah dari siklus ritual musim semi.

Epik dalam asal-usulnya kurang berhubungan erat dengan sinkretisme ritual. Benar, karakteristik bentuk lagu dari puisi epik mungkin pada akhirnya kembali ke paduan suara ritual, tetapi cerita rakyat naratif telah disebarkan sejak zaman kuno baik dalam bentuk tradisi prosa lisan maupun dalam bentuk lagu campuran atau prosa puisi, dengan a bobot spesifik dalam prosa kuno lebih banyak (dan tidak kurang, sebagai berikut dari teori sinkretisme primitif jenis seni dan jenis puisi). Hal ini dijelaskan oleh fakta bahwa meskipun peran kata dalam ritual primitif jauh lebih kecil dibandingkan peran prinsip mimik dan ritme, bahkan di antara suku yang paling “primitif”, termasuk suku Australia, di samping ritual tersebut terdapat a mengembangkan tradisi bercerita dalam bentuk prosa, yang pada akhirnya tidak kembali ke fungsi ekspresif, melainkan fungsi tuturan yang murni komunikatif. Dalam tradisi naratif ini, mitologi menempati tempat yang sangat luas, yang sama sekali tidak dapat dihilangkan sepenuhnya dari batas-batas puisi.

Penelitian tentang asal usul dan tahap awal kreativitas puisi sangatlah langka.

M. Baur tidak menganggap lagu primitif sebagai cikal bakal langsung dari epik. "Puisi Narasi di dalam segala hal kata-kata tidak ada di kalangan primitif dan tempatnya digantikan oleh drama”; “Lagu bukanlah sarana normal untuk menceritakan mitos. Mereka biasanya diceritakan dalam cerita prosa."

Memang, pengenalan contoh puisi suku-suku yang terbelakang secara budaya menunjukkan bahwa puisi ini sebagian besar bersifat ritual dan liris. Ada genre seperti mantra penyembuhan penyembuh; lagu berburu; lagu perang; lagu-lagu yang berhubungan dengan sihir pertanian dan mengiringi operasi kerja petani dan ritual musim semi yang terkait; ratapan pemakaman, nyanyian kematian; lagu pernikahan dan cinta; lagu-lagu yang “memalukan”, lagu pertengkaran yang lucu; berbagai lagu pengiring tarian dan merupakan salah satu unsur kompleks upacara ritual; mantra-doa yang ditujukan kepada berbagai roh dan dewa.

Banyak lagu yang mempunyai tujuan magis, misalnya mantra santet, lagu tentang pertumbuhan dan reproduksi tumbuhan...

Ritual dan puisi lirik hanya dikenal dalam bentuk lagu, sering kali dipadukan dengan unsur teatrikal dan dramatis. Dilihat dari kecanggihan struktur stilistikanya, puisi ritual didahulukan, disusul lagu liris itu sendiri. Lagu bisa sangat pendek, terdiri dari satu kata (misalnya, menggambarkan binatang tertentu) atau dua kata (misalnya, kata “pejuang” dan nama pejuang), tetapi bisa juga cukup panjang.

Dalam puisi liris, selain paralelisme, banyak dijumpai refrain, pengulangan literal, atau variasi. Metafora ditemukan dalam puisi primitif. Mereka juga umum dalam prosa pidato ketika menggambarkan kehebatan seorang pemimpin atau pejuang. Beberapa metafora berasal dari tabu yang melarang menyebutkan kematian dan penyakit. DI DALAM puisi ritual formula metafora permanen telah dikembangkan.

Epik dalam asal-usulnya kurang dikaitkan dengan sinkretisme ritual dibandingkan lirik. Monumen epik klasik masyarakat Eropa dan Asia sebagian besar puitis, tetapi dalam monumen epik yang lebih kuno (misalnya, dalam kisah masyarakat Kaukasus, dalam puisi heroik masyarakat Turki-Mongolia di Siberia, dalam epik Irlandia, dll.) proporsi prosa lebih besar, sering ditemukan bentuk campuran, yaitu gabungan prosa dan puisi. Syair-syair tersebut sebagian besar menyampaikan pidato para tokoh dan deskripsi epik yang khusyuk. Beberapa cerita telah sampai kepada kita baik dalam bentuk puisi maupun prosa. Sebaliknya, dalam dongeng berbagai bangsa seringkali terdapat inklusi puisi yang dapat diartikan sebagai peninggalan yang bentuknya campuran sama.

Jika kita beralih langsung ke cerita rakyat primitif, kita akan yakin bahwa cerita-cerita di sini pada umumnya tidak ada dalam bentuk lagu, melainkan dalam bentuk prosa lisan dengan sisipan puisi...

Meskipun bentuk lagu dari epik heroik mungkin pada akhirnya kembali ke lagu liris ritual primitif, cerita rakyat naratif telah disebarkan sejak zaman kuno terutama sebagai tradisi biasa-biasa saja atau sebagian besar biasa-biasa saja (campuran). Perpaduan antara prosa dan syair (lagu) dalam tradisi campuran tentu saja berbeda dengan lagu liris-epik dalam pemahaman A.N. Veselovsky.

Asal usul seni verbal tidak dapat dipelajari hanya “dari luar”, dalam hubungannya dengan ritual dan bentuk keberadaan lainnya. Aspek internal dari masalah ini membawa kita pada mitos.

Hubungan erat antara mitos dan ritual dalam budaya Timur primitif dan kuno tidak diragukan lagi; beberapa mitos sebenarnya berasal dari ritual (misalnya, mitos tentang kematian dan kebangkitan dewa). Namun, ada mitos yang asal usulnya jelas tidak bergantung pada ritual dan bahkan tidak memiliki padanan ritual. Dalam ritual-ritual tersebut, penggalan-penggalan mitos yang muncul secara mandiri seringkali dipentaskan. Diketahui bahwa, misalnya, di kalangan Bushmen atau beberapa kelompok Indian Amerika, mitologi jauh lebih kaya daripada ritual. Hal yang sama berlaku untuk Yunani Kuno, tidak seperti Mesir atau Mesopotamia. Pertanyaan tentang hubungan antara mitos dan ritual dalam istilah genetik sudah cukup untuk menjawab permasalahan “telur ayam” (siapa dari siapa?!). Mitologi tidak mengacu pada bidang perilaku, tetapi pada bidang pemikiran, yang tentu saja tidak mengesampingkan saling ketergantungan kedua bidang tersebut.

Mitos kuno, dalam kesatuan yang masih belum berkembang, mengandung bibit seni, agama, dan gagasan pra-ilmiah tentang alam dan masyarakat. Mitologi tidak diragukan lagi adalah “tempat lahir” dan “sekolah” fantasi puitis, dan dalam banyak hal mengantisipasi kekhususannya, meskipun identifikasi lengkap mitologi dan sastra diusulkan oleh studi sastra “ritual-mitologis” (Bodkin, Fry, Chase, dll.) tentu saja tidak bisa diterima.

Namun hanya Lévi-Strauss yang mampu benar-benar mendeskripsikan pemikiran mitologis dalam kaitannya dengan generasi sistem pemodelan simboliknya dan, tidak seperti Lévy-Bruhl, menunjukkan kemampuan intelektual mitos untuk klasifikasi dan analisis, sekaligus menjelaskan ciri-ciri spesifiknya. yang membawanya lebih dekat ke seni: berpikir pada tingkat sensorik, berpikir yang mencapai tujuannya dengan cara tidak langsung (“bricolage”) dan menggunakan penataan ulang kaleidoskopik dari serangkaian elemen yang sudah jadi, pemikiran metaforis murni - beberapa mitos ternyata menjadi transformasi metaforis (lebih jarang metonimik) dari orang lain, menyampaikan “pesan” yang sama dalam “kode” yang berbeda; transformasi teks mitologi menjadi sarana pengungkapan makna simbolis (bukan alegoris).

Pentingnya mitologi sangat besar dalam perkembangan berbagai jenis seni, dalam asal mula pemikiran artistik dan imajinatif, namun tentu saja penceritaan mitologi mempunyai arti khusus bagi pembentukan penceritaan verbal.

Puisi naratif, yang memiliki bahasa dan alur sebagai elemen utamanya, memiliki kemandirian relatif pada tingkat yang minimal.

Kekhasan mitos primitif terletak pada kenyataan bahwa gagasan tentang struktur dunia disampaikan dalam bentuk narasi tentang asal usul unsur-unsur tertentu. Pada saat yang sama, peristiwa-peristiwa zaman mitos dalam kehidupan “nenek moyang pertama” muncul sebagai penyebab akhir dari keadaan dunia saat ini. Dari sudut pandang ilmu pengetahuan, peristiwa dan manusia ditentukan oleh keadaan dunia; dari sudut pandang mitos, keadaan dunia adalah hasil dari peristiwa individu, tindakan individu mitos. Dengan demikian, narasi termasuk dalam kekhususan mitos primitif. Mitos bukan hanya pandangan dunia, tapi juga narasi. Oleh karena itu pentingnya mitos bagi pembentukan seni verbal, terutama narasi.

Tidak banyak orang yang diberi kebahagiaan karena dekat dengan seniman kata-kata.
Jadi carilah kesempatan untuk mendengarkannya.
I.V. Ilyinsky

Kata pembuka

“Kata-kata tertulis dan kata-kata lisan tidak setara. Karena itu tidak hanya penting Apa berkata, tapi juga Bagaimana dikatakan. Dan dalam pengertian ini, kata tersebut terdengar lebih kaya daripada apa yang direproduksi di atas kertas”1. Kata-kata dari ahli pengucapan kata yang luar biasa Irakli Andronikov, yang diucapkannya sehubungan dengan penerbitan buku unik tentang suara penulis, terdengar hari ini seolah-olah dari era lain.

Selama kurang lebih dua dekade, membaca sastra di sekolah telah dilupakan sama sekali. Kalaupun diperhatikan, itu hanya dalam rangka hafalan minimal wajib program kerja. Di beberapa tempat, upaya sedang dilakukan untuk menghidupkan kembali kompetisi membaca, tetapi di sini juga, biasanya, kompetisi tersebut diatur waktunya bertepatan dengan tanggal-tanggal bersejarah yang penting. Membaca ekspresif sebagai tugas pendidikan dan pendidikan ditarik dari kurikulum sekolah menengah. Benar, prioritas dalam hal ini bukan milik sekolah.

Setidaknya ada dua alasan menurunnya minat terhadap kata-kata lisan. Yang pertama adalah penurunan tajam dalam tingkat seni pertunjukan secara umum, hilangnya seluruh genre ekspresi artistik dari panggung, dan penggantian budaya kata dengan budaya pengganti. Inti dari fenomena menyedihkan ini adalah hancurnya sekolah membaca. Dari siapa, jika bukan dari ahli ekspresi artistik, melakukan hal ini budaya tertentu? Dalam dua dekade terakhir, reproduksi mereka praktis terhenti. Tidak bisa dikatakan masyarakat sudah kehilangan minat membaca sastra. Masyarakat telah kehilangan seni ini. Alasan kedua harus dicari dalam kepemimpinan pengajaran. Sejalan dengan hilangnya seluruh genre dari panggung struktur pedagogis bertanggung jawab atas perangkat lunak dan dukungan metodologis proses pendidikan, menghentikan penelitian dan pengembangan di bidang ini. Materi yang ditujukan untuk seni berbicara telah menghilang dari halaman majalah pedagogi. Semua ini terjadi tanpa disadari, jadi

generasi tua Para guru menyadari kehilangan ini ketika mereka yang sama sekali tidak memiliki pengetahuan tentang budaya membaca datang ke sekolah. Tidak butuh waktu lama untuk meyakinkan hal itu

membaca artistik adalah komponen penting dari budaya umum seseorang.

Sebelumnya, kami memiliki mekanisme yang mapan untuk memperkenalkan masyarakat pada budaya dan estetika kata artistik. Pendidikan dimulai di taman kanak-kanak dan merupakan satu struktur, termasuk sekolah, radio, televisi, dan komunitas teater. Mari kita ingat program luar biasa Nikolai Litvinov, yang menarik banyak sekali penonton anak-anak.

Ada koordinasi antara ahli ekspresi seni dan komunitas pengajar dalam membuat program pendidikan bersama.

Membaca sastra sebagai tugas pendidikan memiliki dua sisi: membaca sebenarnya dan mendengarkan contoh kata artistik. Sisi kedua tidak kalah pentingnya dengan sisi pertama, karena “kemampuan mendengarkan pembaca, seperti kemampuan mendengarkan musik, melihat gambar dan pertunjukan, memperkaya dunia batin seseorang”3. Dimungkinkan untuk mendidik pendengar yang berbudaya, serta pembaca, hanya melalui contoh-contoh tinggi dari kata-kata yang diucapkan. Budaya verbal dalam negeri memiliki kekayaan representasi materi

sekolah membaca.

Kursus pilihan yang diusulkan disusun sebagai mendengarkan genre klasik dan menganalisis keterampilan dan fitur kinerja mereka.<...>Dari segi cakupan materi, mata kuliah ini merupakan salah satu mata kuliah yang terintegrasi. Ini menggabungkan bahasa, sastra dan seni teater.<...>Dari sejarah seni membunyikan kata<...>Pembacaan karya sastra di hadapan khalayak pendengar mulai berkembang menjadi genre mandiri pada tahun 1840-an. Ketertarikan terhadap dirinya awalnya datang dari kata seniman itu sendiri.

Beberapa dari mereka adalah pendongeng dan pembaca yang unik. Salah satunya, N.V. Gogol, mendedikasikan sebuah artikel (surat) untuk genre muda, “Bacaan penyair Rusia di hadapan publik”: “Saya senang,” tulis penulis “Inspektur Jenderal,” “bahwa kami akhirnya memulai pembacaan publik atas karya-karya tersebut. dari para penulis kami Saya pikir kita perlu membaca publik Pembaca yang terampil harus diciptakan di antara kita<учителя словесности петербургской гимназии>Membaca sebuah karya sastra dengan baik bukanlah hal yang sepele.” Seluruh paruh kedua abad ke-19 menjadi”. <...>tahap persiapan untuk pembentukan genre membaca. Guru sekolah memainkan peran penting dalam hal ini. Dengan membaca di kelas sastra klasik, mereka meletakkan dasar bagi seni berbicara dan menanamkan minat terhadapnya. “Keunikan kegiatan V. Ostrogorsky<...>Guru tidak membatasi dirinya pada aktivitasnya sendiri ke arah ini dan menyelenggarakan konser untuk murid-muridnya dengan partisipasi Davydov, Gorbunov, Dalmatov, dan aktor lainnya” 4.

Beberapa pembaca berasal dari latar belakang akting, tetapi selama periode penentuan nasib sendiri genre tersebut, baik pemain maupun pendengar memahami bahwa “seni membaca sepenuhnya independen, memiliki semua hak untuk hidup di samping teater, seni di dunia akting. arti kata yang utuh tinggi dan indah” 5 .

Genre ini mendapat pengakuan dengan munculnya pembaca profesional di atas panggung. Tidak diragukan lagi, keunggulan dalam hal ini adalah miliknya Alexander Yakovlevich Zakushnyak, yang menyelenggarakan “malam cerita” yang terkenal pada tahun 1924. Dan pada tahun 1937, kompetisi pembaca profesional All-Union yang pertama diadakan. Saat ini Vladimir Nikolaevich Yakhontov menciptakan Teater Satu Aktor - Teater Pembaca. Nama-nama empunya mulai dikenal seantero negeri bacaan artistik

– V. Aksenova, D. Orlova, D. Zhuravleva, I. Shvarts, E. Kaminki dan lain-lain. Berbagai aktor teater seperti V. Kachalov, A. Ostuzhev secara berkala menampilkan program membaca.

I. Ilyinsky, A. Koonen, A. Ktorov, N. Mordvinov, V. Maretskaya. Melalui upaya mereka, landasan teoretis seni rupa muda diciptakan, kekhasan genre, teknik, dan ragamnya ditentukan.

Generasi pertama pembaca profesional membentuk audiens pendengar, yang, dengan munculnya radio di setiap rumah, menjadi bernilai jutaan dolar. Chamber pada awalnya, genre ini dengan cepat menjadi salah satu yang paling populer. Sekolah menengah dan universitas kebudayaan nasional memainkan peran utama dalam mempopulerkannya. Pada tahun 1918, Institute of the Living Word didirikan, di mana Kantor Studi Pidato Artistik beroperasi selama bertahun-tahun, yang pemilik tetapnya adalah ahli bahasa terkenal Profesor S.I. Bernstein. Dana suara unik Kabinet berfungsi untuk mempopulerkan dan menerbitkan karya sastra klasik abad ke-20 yang dibawakan oleh penulisnya.

Sejak tahun 1965, buku tahunan “The Art of the Sounding Word” mulai diterbitkan, ditujukan untuk guru sekolah. Ini menerbitkan artikel-artikel oleh para ahli genre membaca yang diakui, mengungkapkan prinsip-prinsip seni membaca, teknik mengerjakan teks, dll.

Koleksinya diterbitkan selama 25 tahun (38 terbitan) dan memberikan kontribusi besar terhadap penanaman budaya ekspresi sastra.

Pada saat itu, All-Union Recording Studio telah mengumpulkan banyak sekali contoh seni membaca, dan perusahaan Melodiya mulai memproduksi piringan hitam dengan rekamannya. Suara V. Yakhontov dan Y.Smolensky, A. Pokrovsky dan A. Slobodsky, R. Plyatt dan S. Balashov terdengar di seluruh negeri.

Pada saat itu, perlombaan membaca sudah menjadi rutin dan bertingkat: kota (desa) - kabupaten - wilayah - republik - Persatuan. Mereka bersifat mendidik dan mengidentifikasi banyak pemuda berbakat. Secara luas, mereka memberikan tingkat seni penyiar yang tak tertandingi yang kami miliki hingga tahun 1990an. Mereka menetapkan kriteria estetika yang tinggi untuk kata-kata yang diucapkan dan meningkatkan skala tuntutan. Pada pertengahan tahun 1970-an, setiap sekolah memperoleh perpustakaan musik, di mana rekaman pembaca dalam negeri menempati tempat yang layak. Pelajaran sastra sudah tidak terpikirkan tanpa mendengarkan rekaman puisi Pushkin, Lermontov, Nekrasov, Yesenin, Mayakovsky, dan prosa Gogol dan Chekhov. Namun kemudian catatan-catatan ini tidak menggantikan teks-teks tercetak, melainkan melengkapinya, memperkayanya. budaya verbal

Pada tahun 1990-an, genre sastra tidak mati, melainkan mengalami transformasi yang kompleks.

Seperti banyak bidang kebudayaan, hal ini tidak luput dari komersialisasi. Selain rekaman klasik yang diterbitkan ulang secara berkala oleh berbagai perusahaan rekaman, rekaman baru juga dibuat. Semuanya, pada umumnya, berada pada tingkat yang rendah, karena mereka terutama mengejar tujuan non-pedagogis dan non-pendidikan. Aktor yang sebelumnya belum pernah bekerja di genre kata-kata yang diucapkan sering terlibat dalam pekerjaan tersebut. Misalnya, pada tahun 1990-an, sejumlah besar karya klasik Rusia disuarakan oleh aktor teater dan film populer Vladimir Samoilov. Namun tidak ada satupun dari mereka yang layak ditempatkan di samping genre membaca klasik. Sejumlah aktor muda di teater Moskow melakukan pekerjaan yang sama dengan hasil yang sama. Tak ada satu pun rekaman tahun 1990-an yang menjadi peristiwa dalam dunia seni rupa. Selain aktor, pembicara profesional mulai merekam karya sastra. Penyiar terkenal E. Ternovsky dan I. Prudovsky di masa lalu merekam seluruh “Anna Karenina” dan seluruh “Perang dan Damai”. Jelas sekali bahwa mereka tidak dianiaya tujuan artistik. Catatan tersebut dimaksudkan untuk menyelamatkan anak-anak sekolah dari membaca yang terlalu malas membuka buku, yaitu melakukan tugas anti-pedagogis yang membawa keuntungan komersial. Hal ini menggeser batas-batas genre dan merusak estetika kata artistik. Ahli genre membaca terkemuka, V.N., pernah memperingatkan bahaya seperti itu. Aksenov: “Seringkali materi sastra itu sendiri mampu memikat pendengarnya, terlepas dari keahlian pemainnya,” tulisnya pada pertengahan 1950-an. - Kami tahu pembaca yang mengambil buku yang menarik dan, tanpa melakukan upaya apa pun untuk mengangkat bacaan mereka menjadi seni, mereka mengungkapkannya kepada pendengarnya

merencanakan.

Pembaca seperti ini adalah “penyampai” pemikiran dan perkataan orang lain dan hanya memiliki sedikit kesamaan dengan seni”6.

Dalam beberapa tahun terakhir, perusahaan Melodiya telah menawarkan seluruh program penerbitan rekaman klasik lama dengan suara para master. Selain nomor solo, itu juga termasuk drama radio klasik. Rekaman ini akan membantu menghidupkan kembali minat terhadap seni tinggi. Dan untuk memasukkan materi ini ke dalam program pendidikan, diperlukan mata kuliah pilihan yang akan membantu siswa sekolah menengah mengenal seni ini. Orisinalitas genre artistik dan verbal. buku dan teater. Kesenjangan antara seni akting dan seni membaca sejalan dengan “apropriasi teks”. Bagi sang aktor, ia menjadi miliknya sepenuhnya, sedangkan kata-kata yang diucapkan, dibandingkan dengan kata-kata sang aktor, menyisakan ruang untuk diremehkan.

Ciri lain dari genre ini adalah perkataan aktor dikaitkan dengan tindakan. Pembaca berjuang untuk “kata yang membebaskan.” Pembaca, baik di atas panggung maupun dalam rekaman suara, tidak dapat membatasi dirinya pada penciptaan gambaran satu tokoh saja, seperti dalam sebuah lakon.

Dia harus menciptakan kembali gambar-gambar alam dalam cerita, suara musik, dan suara hujan, serta potret para pahlawan, karakter mereka, perasaan dan suasana hati yang paling halus. Deskripsi paling ekspresif tentang genre membaca diberikan oleh V.N. Yakhontov: “Seni ekspresi sastra dibangun di atas keyakinan bahwa kata itu terlihat.” Membaca yang dimaksudkan untuk panggung memberikan tuntutan khusus pada pemainnya: “dinamika, keringkasan, temperamen, konsentrasi semua kemampuan pertunjukan dan sarana ekspresif

dalam bentuk yang ringkas dan jelas” 7 . Genre cerita lisan mengandaikan suatu bentuk yang mampu menyelesaikan gaya pengarang tertentu melalui kombinasi intonasi dan komposisi teks.

Sejak munculnya genre ini, ada dua jenis bacaan yang dibedakan: cerita dan sandiwara.

Pendiri dan perwakilan terbesar mereka adalah Zakushnyak dan Yakhontov. Zakushnyak adalah pendongeng yang tak tertandingi. Yakhontov menciptakan genre teater satu orang. Dia suka menggunakan alat peraga, interior, dan kostum sejarah yang jarang, yang memasukkan unsur akting ke dalam bacaan.

Tradisi cerita dikembangkan dengan cemerlang oleh I. Andronikov, yang menyatukan penulis dan pemainnya dalam satu orang. Alisa Koonen sukses berkarya dalam genre pertunjukan solo teatrikal pada 1950-an-1970-an, setelah meninggalkan panggung utama. Sintesis seni - membaca dan musik - dicapai dalam genre montase sastra dan musik, yang mendapat pengakuan luas pada 1960-an dan 1970-an dalam komposisi brilian Alexei Pokrovsky. Pertunjukan pengarang menempati tempat khusus dalam seni ekspresi sastra. Teknik ini memungkinkan untuk melestarikan suara banyak karya klasik abad ke-20, dan bahkan L. Tolstoy. Pada tahun 1920-an, V. Mayakovsky bersikeras untuk merilis piringan hitam dengan puisi yang dibawakan oleh para penyair itu sendiri. Publikasi sistematis atas catatan-catatan tersebut dimulai pada tahun 1956.

Pembacaan penulis, yang sampai batas tertentu merupakan sarana ekspresi diri, membantu untuk lebih memahami karya seni

dunia penulis

Tahap awal dan terpenting dalam mengerjakan mata kuliah adalah pemilihan materi yang kompeten. Telah dikatakan di atas bahwa pasar rekaman modern dipenuhi dengan produk-produk yang jauh dari kualitas terbaik. Ditambah lagi, tidak semua rekaman klasik diterbitkan ulang. Oleh karena itu, seorang guru, jika ia memiliki peralatannya, dapat berhasil menggunakan piringan hitam tua. Mereka telah disimpan dalam koleksi banyak perpustakaan remaja. Misalnya, Perpustakaan Pemuda Negara Rusia di Moskow, sebagai sebuah layanan, menulis ulang program membaca dari cakram vinil ke media baru.

38 edisi kumpulan “The Art of the Sounding Word” akan sangat membantu pekerjaan guru.<...>Editor tetapnya dan penulis sejumlah artikel O.M. Itina memberikan banyak masalah dengan rekomendasi metodologis. Selama beberapa tahun, dia membuat entri buku harian di mana dia secara konsisten menganalisis seni membaca dari banyak ahli bunyi kata.

Ahli metodologi secara berkala membagikan pengamatannya kepada pembaca. “Belajar dengan catatan sangat penting dan bermanfaat . Pertama, Anda perlu membiarkan siswa menikmati pekerjaan secara keseluruhan, tanpa mencoba untuk langsung mengganggu kesan yang dihasilkan. Dan kemudian mulailah percakapan tentang apa yang Anda dengar, ulangi poin-poin yang membuat Anda tertarik... Kemudian cobalah bersama-sama untuk memahami jalur apa yang diambil pelaku dalam karyanya, bagaimana tepatnya dia mencapai kesan yang diperlukan” 11 - beginilah cara penulisnya karya “Tentang Pembaca dan Pendengar” menggambar diagram pelajaran mempelajari seni membaca . Program ini telah disusun dengan mempertimbangkan ketersediaan rekaman suara

sekolah modern

. Ini mencakup contoh-contoh genre membaca klasik. Diantaranya adalah pembacanya sendiri dan para aktornya. Perpaduan bakat akting dan membaca merupakan fenomena yang cukup langka dalam seni rupa. Tidak banyak orang yang menggabungkan kedua hadiah tersebut (V.I. Kachalov, V.N. Aksenov, I.V. Ilyinsky, E.I. Time). Yang lain mengabdikan diri mereka sepenuhnya pada panggung, atau yang terakhir berfungsi sebagai tambahan pada peran akting utama mereka (A.G. Koonen, N.D. Mordvinov, M.F. Astangov, B.A. Babochkin). Kursus yang diusulkan direkomendasikan untuk kelas filologi pada tahap akhir pelatihan, ketika siswa sekolah menengah telah mengumpulkan pengetahuan minimum yang diperlukan tentang sastra Rusia. Tujuan dari kursus ini adalah untuk mendidik pendengar yang berbudaya yang dapat menghargai pidato bahasa Rusia dan menikmati seni berbicara. Pada tahun 1919, dalam salah satu percakapan di Creative Mondays, K.S. Stanislavsky terjatuh Kita harus mencari cara untuk mencapainya” 12. Titik balik kita zaman budaya

harusnya menjadikan kata-kata klasik ini sebagai semboyan. Artikel ini diterbitkan dengan dukungan dari Lembaga Pendidikan Nasional Pendidikan Profesi Menengah "Capital Professional Business College". NOU SPO "SPBK" menawarkan untuk mendaftar pelatihan akting di Moskow. Guru yang berpengalaman "SPBC" akan membantu mengungkapnya kreativitas

siswa, mengembangkan dan mengasah keterampilan vokal dan panggungnya, dan menguasai sepenuhnya semua seluk-beluk dan teknik akting profesional. Anda dapat mengetahui lebih lanjut tentang tawaran jurusan teater dan seni pop NOU SPO "SPBK" di website www.SPBK-OTEI.com

PROGRAM 1. Pendahuluan. 2 jam.

2. Dari sejarah genre. A.Ya. Zakushnyak dan V.N. Yakhontov adalah pendiri “konser sastra”. Malam cerita Zakushnyak dan teater tunggal Yakhontov. Hakikat seni membaca, perbedaannya dengan akting. Ciri-ciri kata pembacanya. Teknik bicara. Kata dan musik. Dua jenis membaca di atas panggung - sandiwara dan bercerita. Genre: sejarah lisan, siklus pertunjukan, program sastra, siklus plot.

3. Pembaca-pendongeng dan bahan sastra. Dua jenis perwujudan rencana pembaca adalah panggung dan rekaman suara. A.Pokrovsky– V.A. Zhukovsky.
Sebuah kisah tentang Tsar Berendey, tentang putranya Ivan Tsarevich, tentang tipu muslihat Koshchei yang Abadi dan tentang kebijaksanaan Putri Marya, putri Koshchey. 2 jam. Merdunya ucapan, mendekati deklamasi melodi. Gravitasi terhadap konstruksi musik dari sebuah frase. Kedekatan intonasi dengan penampilan pendongeng rakyat (gaya epik).

4. V.N. Yakhontov – SEBAGAI. Griboyedov. Celakalah dari Kecerdasan (fragmen: adegan dari Babak IV). 2 jam. “Kekuatan suara yang tidak diketahui”, “Musik pemikiran dan perasaan”. Yakhontov adalah "penyair dengan kata-kata orang lain". Keunikan teater satu orang. Kekayaan suara puitis. Melodi, rasa frase, rasa ritme keseluruhan lagu. “Pidato harus terdengar seperti puisi” adalah kredo kreatif Yakhontov. Pemahaman musik tentang kata tersebut. Kekayaan dan orisinalitas intonasi. Laconisme sarana ekspresif. Kepenuhan dan keselarasan ucapan, artikulasi yang tepat, pesona suara yang rendah dan dada. Keseimbangan terbaik antara membaca dan bermain. Kekayaan intonasi.

5. “Karakteristik” naratif dalam prosa. SEBAGAI. Griboyedov. Merdunya puisi dalam genre liris-epik. Pembagian frase intonasi-strofik.

6. Deklamasi sebagai dasar gaya. A A. Ostuzhev –. Ksatria Pelit (monolog Baron). 1 jam Orisinalitas takdir kreatif aktor dan refleksinya dalam membaca. Kekayaan emosional dalam suara, merdu (sekolah Chaliapin). Kesedihan dan temperamen yang penuh gairah dipadukan dengan ketulusan yang mendalam.

7. Spiritualitas pertunjukan yang romantis. D.N. Zhuravlev – SEBAGAI. Pushkin Ratu Sekop

. 2 jam.

8. Keakuratan visi figuratif, keaslian cerita. Kedalaman psikologis dalam mengungkapkan karakter. Puisi dan kejujuran pertunjukan, kepekaan frase. Kemampuan untuk “menjauh” dari pekerjaan secara moderat, tidak terpaku pada detail, tetapi merangkul segala sesuatu secara keseluruhan. Keakuratan intonasi adegan. N.D. Mordvinov – M.Yu. Lermontov. Sebuah lagu tentang pedagang Kalashnikov. 2 jam. Cara pertunjukan yang heroik-romantis (Mochalovsky). Diferensiasi ungkapan tergantung pada isi semantik barisnya (menarik, mirip lagu, naratif, pathos dramatis). Kehebatan epik dalam intonasi. Kekayaan jangkauan suara - dari bisikan hingga jeritan. Transformasi psikologis ketika menggambarkan karakter. Kekayaan melodi ucapan - dari pembacaan melodi hingga nyanyian. AK. pemukiman –

9. N.V. gogol. Kedalaman psikologis dalam mengungkapkan karakter. Mantel (atau I.V. Ilyinsky.

Pemilik tanah dunia lama). 2 jam. Kekayaan gaya, kombinasi ironi, humor, “objektivitas” cerita yang realistis. Pertunjukan teatrikal: bermain dengan intonasi saat menyampaikan tuturan tokoh. Penggunaan tuturan langsung yang tidak tepat dalam fungsi tuturan langsung. Konsistensi dalam penerapan tindakan ujung ke ujung bekerja. Pelemahan Fiksi Gogol untuk tujuan kesatuan maksud eksekutif.

A.I. Schwartz – Jiwa Mati(kutipan dari puisi: bab 8–11, diringkas). 3 jam. Spontanitas emosional Polevitskaya dipadukan dengan ketepatan psikologis. Menyampaikan nuansa pengalaman yang halus. Penampilan Koonen yang menyedihkan. Kekayaan warna intonasi.

11. IV. Ilyinsky – AKU. Saltykov-Shchedrin. Dongeng (“Idealis Crucian”, “Kuda”).
Sebuah kisah tentang Tsar Berendey, tentang putranya Ivan Tsarevich, tentang tipu muslihat Koshchei yang Abadi dan tentang kebijaksanaan Putri Marya, putri Koshchey. 2 jam. Ilyinsky adalah seorang pembaca-pendongeng. “Membantu kebaikan dan kebenaran dari panggung dengan tawa dan air mata” adalah kredo kreatif Ilyinsky sang pembaca. Topeng narator dipadukan dengan gambar tokoh. "Improvisasi langsung" Adaptasi hebat dari suara serak untuk bercerita dan akting.

12. Ubi rambat. smolensk – L.N. tebal. Dua prajurit berkuda. 2 jam. Smolensky adalah seorang seniman yang asing dengan emosi yang ditekankan.

13. Deklamasi sebagai dasar gaya. Pengekangan warna. Penguasaan emosi yang luar biasa. "Rasionalisme yang dispiritualkan." Membebaskan kata dari emosi berlebihan. Fokus pada plastisitas mendalam dari kata tersebut.

14. Keteraturan bicara yang fleksibel dan nyaring. Kapasitas kata, “di dalamnya terdapat pemikiran, gerakan, mise-en-scène, dan gambaran.” AP Chekhov. Tentang cinta. Rumah dengan mezzanine. Wanita dengan seekor anjing. 2 jam. Menahan diri dalam menyampaikan perasaan yang mendalam. Gaya pertunjukan “Gelombang”: menaikkan dan menurunkan nada tergantung pada muatan semantik fragmen. Menyampaikan ucapan orang lain dengan meninggikan atau menurunkan suara. Tiga jenis intonasi: nada tenang dan berkelanjutan dalam deskripsi;
Sebuah kisah tentang Tsar Berendey, tentang putranya Ivan Tsarevich, tentang tipu muslihat Koshchei yang Abadi dan tentang kebijaksanaan Putri Marya, putri Koshchey. 2 jam. pidato dinamis dalam narasi; kejelasan logis ungkapan dalam penalaran.

15. Ketegangan emosional dalam transmisi pengalaman yang kuat. Ekspresi klasik pengucapan Moskow Kuno. N.S. Plotnikov, V.A. Sperantova – M.Gorky. Kakek

Arkhip dan Lenka (komposisi). Ekspresi gambar luar, seni transformasi Plotnikov. Sperantova adalah "keajaiban udara", ahli intonasi "kekanak-kanakan". Pengungkapan dunia batin anak yang akurat secara psikologis. Lirik yang menyentuh hati. MF. Astangov – I.A. Bunin. Pria dari San Francisco. 2 jam. Pembaca intelektual. Penguasaan brilian seni keanehan psikologis. Pemahaman filosofis tentang gambar. 16. Puisi oleh penyair Rusia yang dibawakan oleh penulisnya. 2 jam.. “Kombinasi keanggunan dan kekuatan “temperamen biadab” dan kesenian”(Frans Elens) . Ketulusan yang menular, kejantanan, tragedi yang tinggi. V.V. Mayakovsky. Kedekatan dengan intonasi ucapan sehari-hari yang natural. Konstruksi dinamis frasa yang terdengar

17. , mencerminkan dan mengkonkretkan struktur semantik teks puisi. “Demonstrasikan diri Anda, pemikiran Anda, hasrat Anda, pengalaman spiritual Anda”(P.Antokolsky). “Saya menuntut hak atas piringan hitam lebih keras daripada pemain biola.” Transisi kontras dari bacaan merdu ke intonasi sehari-hari yang ditujukan langsung kepada pendengar.

18. MA. Sholokhov

19. membaca kutipan dari novel “Virgin Soil Upturned” (sebuah cerita oleh kakek Shchukar, kutipan dari bab 29). 1 jam Dua wajah Sholokhov pembaca: aktor dan narator. Akting virtuoso.

1 Keserupaan yang hebat dari intonasi sang pahlawan (Shchukar). Menahan diri, menyampaikan pengalaman batin dan drama peristiwa. Aktivitas cadangan. 2 jam. Pelajaran terakhir. 2 jam.

Analisis independen atas suatu bagian atau pekerjaan yang telah selesai.

Esai tentang master yang Anda sukai. Abstrak tentang kreativitas pembaca (opsional oleh guru dan siswa).

4 I.L. Andronikov. Kata yang sehat.

5 Shilov L.A. Suara-suara itu terdengar lagi. M., 1977.

6 2 Sabtu. "Seni mengucapkan kata." Jil. 4.M., 1968.Hal.27.

7 3 Sabtu. "Seni mengucapkan kata." Jil. 1.M., 1965.Hal.144. Waktu E

8 . Jalan seni. M., 1967.Hal.94. Zhuravlev D.N.

Tentang seni pembaca. Duduk. "Seni mengucapkan kata." Jil. 1.Hal.9.

10 2 Sabtu. "Seni mengucapkan kata." Jil. 4.M., 1968.Hal.27. Aksenov V.Sejarah pertemuanAksenov V

Zakushnyak A.Ya.

12 Cerita malam. Duduk. "Seni mengucapkan kata." Jil. 2.M., 1966.Hal.17.

A.I. Schwartz
.
Catatan dari seorang pembaca. Duduk. "Seni mengucapkan kata."
Jil. 2.M., 1966.Hal.52.

Bahan pembawa citraan karya sastra adalah kata yang mendapat perwujudan tertulis. Sebuah kata (termasuk kata artistik) selalu memiliki arti dan bersifat objektif. Sastra, dengan kata lain, termasuk dalam kelompok seni rupa, dalam arti luas subjeknya, di mana fenomena individu diciptakan kembali (orang, peristiwa, benda, suasana hati yang disebabkan oleh sesuatu dan dorongan hati orang yang diarahkan pada sesuatu). Dalam hal ini, seni serupa dengan seni lukis dan seni pahat (dalam variasi dominannya, “figuratif”) dan berbeda dari seni non-figuratif dan non-objektif. Yang terakhir ini biasanya disebut ekspresif; mereka menangkap sifat umum pengalaman di luar hubungan langsungnya dengan objek, fakta, atau peristiwa apa pun. Seperti musik, tari (kalau tidak berubah menjadi pantomim - menjadi penggambaran aksi melalui gerak tubuh), ornamen, yang disebut lukisan abstrak, arsitektur.

Lukisan verbal (gambar), tidak seperti lukisan, patung, lukisan panggung, dan lukisan layar, bersifat immaterial. Artinya, dalam karya sastra ada figuratif (subjektivitas), tetapi tidak ada kejelasan gambar secara langsung. Beralih ke realitas yang terlihat, penulis hanya mampu memberikan reproduksi tidak langsung dan termediasi. Sastra menguasai integritas objek dan fenomena yang dapat dipahami, tetapi tidak menguasai penampilan yang dirasakan secara sensual. Penulis menarik imajinasi kita, dan bukan persepsi visual secara langsung.

Imaterialitas jalinan verbal menentukan kekayaan visual dan keragaman karya sastra. Di sini, menurut Lessing, gambar “dapat ditempatkan bersebelahan dalam jumlah dan variasi yang ekstrem, tanpa menutupi satu sama lain dan tanpa merugikan satu sama lain, yang tidak dapat terjadi pada benda nyata atau bahkan pada reproduksi materialnya.” Sastra memiliki kemungkinan visual (informatif, kognitif) yang sangat luas, karena melalui kata-kata seseorang dapat menunjukkan segala sesuatu yang ada dalam cakrawala seseorang. Universalitas sastra telah dibicarakan lebih dari satu kali. Oleh karena itu, Hegel menyebut sastra sebagai “seni universal, yang mampu mengembangkan dan mengekspresikan konten apa pun dalam bentuk apa pun.” Menurutnya, sastra mencakup segala sesuatu yang “dalam satu atau lain cara menarik dan memenuhi semangat”.

Karena tidak substansial dan kurang jelas, gambaran verbal dan artistik pada saat yang sama menggambarkan realitas fiksi dan menarik bagi visi pembaca. Sisi karya sastra yang demikian disebut plastisitas verbal. Lukisan melalui kata-kata disusun lebih berdasarkan hukum ingatan akan apa yang dilihat, bukan sebagai terjemahan persepsi visual secara langsung dan seketika. Dalam kaitan ini, sastra merupakan semacam cermin “kehidupan kedua” realitas kasat mata, yaitu kehadirannya dalam kesadaran manusia. Karya verbal lebih menangkap reaksi subjektif terhadap dunia objektif dibandingkan objek itu sendiri yang terlihat secara langsung.

Fiksi adalah fenomena yang memiliki banyak segi. Ada dua sisi utama dalam komposisinya. Yang pertama adalah objektivitas fiktif, gambaran realitas “non-verbal”. Yang kedua adalah konstruksi tuturan itu sendiri, struktur verbal. Aspek verbal sastra yang sebenarnya, pada gilirannya, bersifat dua dimensi. Pidato di sini muncul, pertama, sebagai alat representasi ( pembawa materi pencitraan) sebagai cara untuk menerangi realitas non-verbal secara evaluatif; dan kedua, sebagai subjek gambar - pernyataan milik seseorang dan mencirikan seseorang. Sastra, dengan kata lain, mampu menciptakan kembali aktivitas bicara masyarakat, dan ini sangat membedakannya dari semua jenis seni lainnya. Hanya dalam karya sastra seseorang tampil sebagai pembicara.

Sastra memiliki dua bentuk eksistensi: ia hadir sebagai seni satu komponen (dalam bentuk karya yang dapat dibaca), dan sebagai komponen seni sintetik yang tak ternilai harganya. Ini sebagian besar berlaku untuk karya dramatis, yang pada dasarnya ditujukan untuk teater. Tetapi jenis sastra lain juga terlibat dalam sintesis seni: lirik bersentuhan dengan musik (lagu, roman), melampaui batas-batas keberadaan buku. Karya liris mudah diinterpretasikan oleh aktor-pembaca dan sutradara (saat membuat komposisi panggung). Prosa naratif juga muncul di panggung dan layar. Dan buku itu sendiri sering kali muncul sebagai karya seni sintetik: penulisan huruf (terutama pada teks tulisan tangan kuno), ornamen, dan ilustrasi juga penting dalam komposisinya. Dengan berpartisipasi dalam sintesis artistik, sastra menyediakan jenis seni lainnya (terutama teater). dan bioskop) dengan makanan yang berlimpah, terbukti menjadi yang paling dermawan di antara mereka dan bertindak sebagai konduktor seni.

Sastra biasanya dilihat dari dua sisi:

Cara beraktivitas

Sebagai suatu karya (produk kegiatan)

Sebagai jenis kegiatan: sifat semiotik seni, sifat estetis seni, sifat komunikatif seni.

Sifat seni semiotik dikaitkan dengan sifat tanda secara umum: penanda, petanda dan makna (atau konvensionalitas, referensialitas dan konseptualitas). Sastra merupakan sistem tanda sekunder (yang utama adalah bahasa).

Sifat estetis seni: sikap dan aktivitas. Sikap estetis merupakan refleksi emosi, mengalami suatu pengalaman. “Seni selalu merupakan eksternalitas pengarang dalam kaitannya dengan apa yang digambarkan” (Bakhtin). Contoh dengan Chekhov. Aktivitas nilai diperkenalkan. “Penulis harus mengambil posisi non-kehidupan yang memungkinkan dia melihat fenomena sebagai integritas - prasyarat objektif untuk sikap estetis” (Bakhtin).

Sifat komunikatif seni terbentuk secara spontan. L.N. Tolstoy terus-menerus membuat buku harian (“Masa Kecil”, “Kisah Perang”). Seni adalah mekanisme komunikasi, untuk menemukan orang lain seperti Anda. Empati dan partisipasi pembaca dalam penciptaan gambar: penyatuan kesadaran kreatif (penulis) dan reseptif (pembaca).

Sastra sebagai seni kata merupakan sifat dinamis dari gambaran verbal. Ahli teori pertama yang mengajukan masalah sifat gambar verbal, dan akibatnya, tempat sastra di antara seni, adalah Lessing, yang menyatakan bahwa patung adalah sesuatu yang statis. seni spasial. Setiap jenis seni mempunyai tugas pokoknya masing-masing. Seni statis menitikberatkan pada keindahan jasmani (menangkap keindahan fisik yang abadi), dan sastra memiliki nilai estetika dan etika (Helen dalam Homer). Jika kita hanya mengedepankan prinsip dinamis, maka kita juga dapat memasukkan musik di sini. Tanda-tanda dalam lukisan bersifat alami, mirip dengan apa yang digambarkannya dalam puisi, bersifat arbitrer, tidak ada hubungannya dengan subjek. Dalam musik, rangkaian bunyi mempengaruhi, dan dalam puisi, rangkaian makna, ditandai dengan keteraturan dan perubahan gagasan yang cepat. Puisi adalah musik jiwa.

Bahasa khusus atau penggunaan khusus? Apakah materi verbal yang pernah menjadi bagian dari suatu karya tetap menjadi sarana komunikasi sosial yang sama, namun tetap mendapat fungsi tambahan, atau apakah materi tersebut dimasukkan dalam komposisi suatu karya hanya dengan syarat disusun oleh pengarangnya sebagai bahasa khusus?

Bahasa puisi pada mulanya istimewa (Potebnya). Teori bahasa alegoris sebagai sumber seni. Puisi tercipta dari kata polisemantik, yang memiliki makna internal dan gagasan yang dapat melepaskan diri darinya.

Kaum formalis percaya bahwa bahasa memiliki fungsi puitis alami; bahasa merupakan faktor utama yang menjelaskan fenomena kesastraan.

Jacobson berbicara tentang pesan yang diarahkan pada diri sendiri, “wujud bentuk artistik.” Kegelapan bahasa puitis, pidato dengan fokus pada ekspresi. Efek estetika dari bentuk yang sulit. Salah satu dari 6 fungsi bahasa menurut Jacobson adalah puitis.

Pendekatan filosofis-linguistik (L. Wilgenstein, M. Bakhtin). Menurut Bakhtin, keseluruhan linguistik dan keseluruhan pola dasar. Proses mengubah keseluruhan linguistik menjadi suatu pola dasar. Suatu benda estetis tidak meliputi bentuk estetisnya, melainkan nilainya. Penilaian estetis pengarang merupakan reaksi terhadap suatu reaksi, sikap terhadap posisi-posisi tokoh, ekspresi bagaimana posisi-posisi tersebut dibandingkan.

Jenis pidato: puisi dan prosa. Puisi adalah ucapan yang tersusun secara ritmis. Ada syair putih (tanpa rima) dan syair bebas (tidak berurutan secara ritmis). Puitis? puitis.

Hubungan antara struktur dan semantik disebut secara lisan. Yang paling banyak kelompok besar- gambaran verbal puitis: siap pakai - figur (kiasan), topoi, lambang dan yang belum siap, yang merupakan produk dunia pengarang - gambar-simbol.

Sastrasentrisme

Di era yang berbeda, preferensi diberikan pada jenis seni yang berbeda. Pada zaman dahulu, patung adalah yang paling berpengaruh; sebagai bagian dari estetika Renaisans dan abad ke-17. pengalaman melukis mendominasi. Selanjutnya (pada abad ke-18, dan terlebih lagi pada abad ke-19), sastra menjadi yang terdepan dalam seni, dan karenanya terjadi pergeseran teori. Lessing dalam karyanya Laocoon, berbeda dengan sudut pandang tradisional, menekankan keunggulan puisi dibandingkan lukisan dan patung. Menurut Kant, “dari semua seni, puisi menempati urutan pertama.” Dengan energi yang lebih besar, V.G. meninggikan seni verbal di atas segalanya. Belinsky, yang menyatakan bahwa puisi adalah “jenis seni tertinggi”, bahwa puisi “mengandung semua elemen seni lainnya” dan oleh karena itu “mewakili seluruh integritas seni.” Di era romantisme, musik berbagi peran pemimpin dalam dunia seni dengan puisi. Penilaian semacam itu (baik yang “berpusat pada sastra” maupun “berpusat pada musik”), mencerminkan pergeseran dalam bidang seni budaya XIX- awal abad ke-20, sekaligus sepihak dan rentan. Berbeda dengan peninggian hierarki satu jenis seni di atas semua jenis seni lainnya, para ahli teori abad ini menekankan kesetaraan aktivitas artistik. Bukan suatu kebetulan jika ungkapan “keluarga renungan” digunakan secara luas. Abad ke-20 (terutama pada paruh kedua) ditandai dengan perubahan serius dalam hubungan antar jenis seni. Bentuk-bentuk seni yang didasarkan pada sarana komunikasi massa baru muncul, menguat, dan memperoleh pengaruh: pidato lisan yang terdengar di radio dan, yang terpenting, citra visual bioskop dan televisi mulai berhasil bersaing dengan kata-kata tertulis dan cetak. Dalam hal ini, muncul konsep-konsep yang, dalam kaitannya dengan paruh pertama abad ini, dapat disebut “film-sentris”, dan pada paruh kedua – “telesentris”. Berbeda dengan sentrisme sastra tradisional dan telesentrisme modern yang ekstrem, benar jika dikatakan bahwa sastra sastra di zaman kita adalah yang pertama di antara seni yang setara. Kepemimpinan khas sastra dalam keluarga seni, yang jelas terasa pada abad ke-19 hingga ke-20, tidak banyak dikaitkan dengan sifat estetisnya sendiri, melainkan dengan kemampuan kognitif dan komunikatifnya. Bagaimanapun, kata adalah bentuk universal dari kesadaran dan komunikasi manusia. Dan karya sastra mampu secara aktif mempengaruhi pembacanya meskipun tidak memiliki kecerahan dan skala sebagai nilai estetika. Pemikir abad ke-20 berpendapat bahwa puisi berkaitan dengan seni lain seperti halnya metafisika dengan sains, yang menjadi fokus pemahaman antarpribadi, dekat dengan filsafat. Pada saat yang sama, sastra dicirikan sebagai “perwujudan kesadaran diri” dan “ingatan ruh tentang dirinya sendiri”. Pemenuhan fungsi-fungsi non-artistik oleh sastra menjadi sangat penting terutama pada saat-saat dan masa-masa ketika kondisi sosial dan sistem politik sedang tidak menguntungkan bagi masyarakat. “Masyarakat yang dirampas kebebasan publiknya,” tulis A.I. Herzen, “sastra adalah satu-satunya platform yang dari ketinggiannya ia dapat menyuarakan kemarahannya dan hati nuraninya.”