Apa yang dimaksud dengan gambar dalam seni? Kuliah: Citra artistik dalam seni
metode dan bentuk penguasaan realitas dalam seni, suatu kategori seni universal. kreativitas. Antara lain estetika kategori kategori X. o. – asal yang relatif terlambat. Di zaman kuno dan pertengahan. estetika, yang tidak membedakan seni ke dalam bidang khusus (seluruh dunia, ruang - karya seni tingkat tertinggi), seni dikarakterisasi terlebih dahulu. kanon - satu set teknologi rekomendasi yang menjamin peniruan (mimesis) seni. awal dari keberadaan itu sendiri. Menjadi antroposentris. Estetika Renaisans kembali ke (tetapi kemudian ditetapkan dalam terminologi - dalam klasisisme) kategori gaya yang terkait dengan gagasan sisi aktif seni, hak seniman untuk membentuk karya sesuai dengan kreativitasnya. . inisiatif dan hukum imanen dari jenis seni atau genre tertentu. Ketika, setelah deestetika keberadaan, deestetika kepraktisan terungkap dengan sendirinya. aktivitas, reaksi alami terhadap utilitarianisme memberi spesifik. pemahaman tentang seni. bentuk sebagai organisasi menurut prinsip internal tujuan, dan bukan penggunaan eksternal (indah, menurut Kant). Akhirnya, sehubungan dengan proses “teori” gugatan tersebut akan berakhir. memisahkannya dari seni yang sekarat. kerajinan tangan, mendorong arsitektur dan patung ke pinggiran sistem seni dan mendorong ke tengah lebih banyak seni “spiritual” dalam seni lukis, sastra, musik (“bentuk romantis”, menurut Hegel), muncul kebutuhan untuk membandingkan seni. kreativitas dengan bidang pemikiran ilmiah dan konseptual untuk memahami secara spesifik keduanya. Kategori X.o. terbentuk dalam estetika Hegel tepatnya sebagai jawaban atas pertanyaan ini: gambaran “... di hadapan pandangan kita, alih-alih esensi abstrak, realitas konkretnya...” (Soch., vol. 14, M., 1958, hal.194). Dalam doktrinnya tentang bentuk (simbolis, klasik, romantis) dan jenis seni, Hegel menguraikan berbagai prinsip konstruksi seni. sebagai berbagai jenis hubungan “antara citra dan ide” dalam sejarahnya. dan logis urutan. Definisi seni, kembali ke estetika Hegelian, sebagai “berpikir dalam gambar” kemudian divulgarisasi menjadi intelektualisme sepihak. dan positivis-psikologis. konsep X.o. akhir 19 – awal abad ke-20 Menurut Hegel, yang menafsirkan seluruh evolusi keberadaan sebagai proses pengetahuan diri, pemikiran diri, abs. semangat, hanya ketika memahami kekhususan seni, penekanannya bukan pada “berpikir”, tetapi pada “gambar”. Dalam pemahaman vulgar tentang X. o. turun ke representasi visual dari ide umum, ke kesadaran khusus. sebuah teknik yang didasarkan pada demonstrasi, demonstrasi (bukan bukti ilmiah): sebuah contoh gambar mengarah dari hal-hal khusus dari satu lingkaran ke hal-hal khusus dari lingkaran lain. lingkaran (ke “aplikasinya”), melewati generalisasi abstrak. Dari sudut pandang ini, seni. ide (atau lebih tepatnya, banyaknya ide) hidup terpisah dari gambar - di kepala seniman dan di kepala konsumen, yang menemukan salah satu kemungkinan kegunaan gambar tersebut. Hegel melihat pengetahuan. sisi X.o. dalam kemampuannya menjadi pembawa seni tertentu. ide, positivis - dalam kekuatan penjelasan penggambarannya. Sekaligus estetis. kesenangan dicirikan sebagai jenis kepuasan intelektual, dan keseluruhan bidangnya tidak dapat digambarkan. klaim tersebut secara otomatis dikeluarkan dari pertimbangan, yang mempertanyakan universalitas kategori “X. (misalnya, Ovsyaniko-Kulikovsky membagi seni menjadi “kiasan” dan “emosional”, yaitu tanpa? kiasan). Sebagai protes terhadap intelektualisme pada awalnya. abad ke-20 teori seni jelek muncul (B. Christiansen, Wölfflin, formalis Rusia, dan sebagian L. Vygotsky). Kalau positivisme sudah bersifat intelektualistik. pengertian, mengeluarkan gagasan, makna dari tanda kurung X. o. - dalam psikologi area "aplikasi" dan interpretasi, mengidentifikasi konten gambar dengan tematiknya. pengisian (terlepas dari doktrin bentuk internal yang menjanjikan, yang dikembangkan oleh Potebnya sejalan dengan gagasan V. Humboldt), kaum formalis dan “emosionalis” sebenarnya mengambil langkah lebih jauh ke arah yang sama: mereka mengidentifikasi konten dengan “materi” , dan melarutkan konsep gambar ke dalam bentuk konsep (atau desain, teknik). Untuk menjawab pertanyaan untuk tujuan apa bahan diproses menurut bentuknya, perlu - dalam bentuk tersembunyi atau terbuka - untuk mengaitkan karya seni dengan tujuan eksternal, dalam kaitannya dengan struktur integralnya: seni mulai dipertimbangkan dalam beberapa hal. kasus-kasus sebagai hedonistik-individu, dalam kasus lain – sebagai “teknik perasaan” sosial. Sadar. utilitarianisme digantikan oleh utilitarianisme pendidikan-"emosional". Modern estetika (Soviet dan sebagian asing) kembali ke konsep seni figuratif. kreativitas, memperluasnya ke hal-hal yang tidak digambarkan. klaim dan dengan demikian mengatasi yang asli. intuisi "visibilitas", "visi" dalam huruf. dalam arti kata tersebut termasuk dalam konsep "X.o." di bawah pengaruh zaman kuno. estetika dengan pengalaman plastiknya. klaim-in (Yunani ????? - gambar, gambar, patung). Semantik Rusia kata “gambar” berhasil menunjukkan a) keberadaan seni yang bersifat khayalan. fakta, b) keberadaan obyektifnya, fakta bahwa ia ada sebagai suatu bentukan integral tertentu, c) kebermaknaannya (“suatu “gambar” dari apa?, yaitu gambar itu mengandaikan prototipe semantiknya sendiri). X.o. sebagai fakta keberadaan imajiner. Setiap karya seni mempunyai materi dan fisiknya masing-masing. dasar, yang, bagaimanapun, secara langsung pembawa non-seni. makna, tetapi hanya gambaran dari makna ini. Potebnya dengan ciri psikologinya dalam pemahaman X. o. berasal dari fakta bahwa X. o. ada proses (energeya), persilangan imajinasi kreatif dan ko-kreatif (persepsi). Gambar itu ada dalam jiwa pencipta dan jiwa yang mempersepsikannya, dan merupakan karya seni yang ada secara objektif. suatu objek hanyalah sarana material untuk menggairahkan fantasi. Sebaliknya, formalisme objektivis memandang seni. suatu karya sebagai sesuatu yang dibuat, yang keberadaannya tidak bergantung pada niat penciptanya dan kesan orang yang mempersepsikannya. Setelah mempelajarinya secara obyektif dan analitis. melalui indera material. Unsur-unsur penyusun benda ini, dan hubungannya, dapat menjelaskan desainnya dan menjelaskan cara pembuatannya. Namun kesulitannya adalah pada seni. sebuah karya sebagai sebuah gambar adalah suatu hal yang diberikan dan suatu proses, ia tetap dan abadi, ia merupakan fakta obyektif dan hubungan prosedural intersubjektif antara pencipta dan yang mempersepsikannya. Jerman klasik estetika memandang seni sebagai ruang tengah antara sensual dan spiritual. “Berbeda dengan keberadaan langsung objek-objek alam, inderawi dalam sebuah karya seni diangkat melalui kontemplasi ke dalam visibilitas murni, dan karya seni berada di tengah-tengah antara sensualitas langsung dan pemikiran yang termasuk dalam ranah ideal” ( Hegel W.F., Estetika, volume 1, M., 1968, hal. Materi X. o. sudah sampai batas tertentu dematerialisasi, ideal (lihat Ideal), dan bahan alami di sini memainkan peran material demi material. Misalnya, warna putih pada patung marmer tidak muncul dengan sendirinya, melainkan sebagai tanda kualitas kiasan tertentu; kita seharusnya melihat di dalam patung itu bukan seorang lelaki “kulit putih”, melainkan gambaran seorang lelaki dalam fisik abstraknya. Citra diwujudkan dalam materi dan, seolah-olah, kurang diwujudkan di dalamnya, karena ia acuh tak acuh terhadap sifat-sifat dasar materialnya dan menggunakannya hanya sebagai tanda miliknya sendiri. alam. Oleh karena itu, keberadaan gambar, yang terpaku pada dasar materialnya, selalu diwujudkan dalam persepsi, ditujukan kepadanya: sampai seseorang terlihat di dalam patung, ia tetap sebongkah batu, hingga terdengar melodi atau harmoni dalam kombinasi. suara, ia tidak menyadari kualitas kiasannya. Citra dikenakan pada kesadaran sebagai suatu objek yang diberikan di luarnya dan pada saat yang sama diberikan secara cuma-cuma, tanpa kekerasan, karena diperlukan prakarsa tertentu dari subjek agar suatu objek tertentu dapat menjadi sebuah citra. (Semakin ideal bahan gambarnya, semakin kurang unik dan mudah untuk menyalin dasar fisiknya - bahan dari bahan tersebut. Tipografi dan rekaman suara mengatasi tugas ini untuk sastra dan musik hampir tanpa kehilangan; sudah menyalin karya seni lukis dan patung menghadapi kesulitan yang serius, dan struktur arsitektur hampir tidak cocok untuk disalin, karena gambar di sini begitu erat menyatu dengan dasar materialnya sehingga lingkungan alami dari bahan tersebut menjadi kualitas kiasan yang unik.) Daya tarik X. o. bagi kesadaran yang mempersepsikan merupakan kondisi penting dari sejarahnya. kehidupan, potensinya yang tak terhingga. Dalam X.o. Selalu ada area yang tidak terucapkan, dan oleh karena itu pemahaman-interpretasi didahului oleh reproduksi pemahaman, suatu tiruan bebas tertentu dari internal. ekspresi wajah sang seniman, secara sukarela mengikutinya sepanjang “alur” skema figuratif (di sinilah, dalam istilah yang paling umum, muncul doktrin bentuk internal sebagai “algoritma” gambar, yang dikembangkan oleh aliran Humboldt-Potebnian ). Akibatnya, gambaran itu terungkap dalam setiap reproduksi pemahaman, tetapi pada saat yang sama tetap menjadi dirinya sendiri, karena semua interpretasi yang terealisasi dan banyak interpretasi yang belum terealisasi terkandung sebagai karya kreatif yang dimaksudkan. suatu tindakan kemungkinan, dalam struktur X. o. X.o. sebagai integritas individu. Kesamaan seni. karya untuk organisme hidup digariskan oleh Aristoteles, yang menurutnya puisi harus “...menghasilkan kesenangan khasnya, seperti makhluk hidup yang tunggal dan holistik” (“On the Art of Poetry,” M., 1957, p. 118) . Yang perlu diperhatikan adalah estetika. kesenangan (“kesenangan”) dianggap di sini sebagai konsekuensi dari sifat organik seni. bekerja. Ide X.o. sebagai keseluruhan organik memainkan peran penting dalam estetika selanjutnya. konsep (terutama dalam romantisme Jerman, di Schelling, di Rusia - di A. Grigoriev). Dengan pendekatan ini, kemanfaatan X. o. bertindak sebagai integritasnya: setiap detail hidup berkat hubungannya dengan keseluruhan. Namun, struktur integral lainnya (misalnya mesin) menentukan fungsi masing-masing bagiannya, sehingga mengarahkannya ke suatu kesatuan yang koheren. Hegel, seolah mengantisipasi kritik terhadap fungsionalisme primitif di kemudian hari, melihat perbedaannya. Ciri-ciri keutuhan yang hidup, keindahan yang bernyawa adalah bahwa kesatuan tidak muncul di sini sebagai kemanfaatan abstrak: “... anggota-anggota suatu organisme hidup menerima... penampakan keacakan, yaitu bersama-sama dengan satu anggota tidak diberikan juga kepastian dari yang lain" ("Estetika", vol. 1, M., 1968, hal. 135). Seperti ini, seni. pekerjaannya bersifat organik dan individual, yaitu. semua bagiannya adalah individu, menggabungkan ketergantungan pada keseluruhan dengan swasembada, karena keseluruhan tidak hanya menundukkan bagian-bagiannya, tetapi memberikan masing-masing bagian itu modifikasi kelengkapannya. Tangan pada potret, pecahan patung menghasilkan seni mandiri. kesan justru karena kehadiran keseluruhan di dalamnya. Hal ini terutama terlihat jelas dalam kasus penerangan. karakter yang memiliki kemampuan untuk hidup di luar seninya. konteks. Kaum "formalis" dengan tepat menunjukkan bahwa lit. pahlawan bertindak sebagai tanda kesatuan plot. Namun, hal ini tidak menghalanginya untuk mempertahankan kemandirian individu dari plot dan komponen karya lainnya. Tentang tidak dapat diterimanya pembagian karya seni menjadi karya bantu teknis dan mandiri. momen berbicara kepada banyak orang. Kritikus Rusia formalisme (P. Medvedev, M. Grigoriev). Dalam seni. Karya tersebut memiliki kerangka konstruktif: modulasi, simetri, pengulangan, kontras, dilakukan secara berbeda di setiap level. Namun kerangka ini, seolah-olah, dilarutkan dan diatasi dalam komunikasi yang ambigu dan bebas secara dialogis dari bagian-bagian X.o.: dalam terang keseluruhan, mereka sendiri menjadi sumber luminositas, melontarkan refleks satu sama lain, yang permainan yang tidak ada habisnya yang menghasilkan internal. kehidupan kesatuan kiasan, animasinya dan ketidakterbatasan yang sebenarnya. Dalam X.o. tidak ada sesuatu pun yang bersifat kebetulan (yaitu, di luar integritasnya), tetapi juga tidak ada sesuatu pun yang secara unik diperlukan; antitesis antara kebebasan dan kebutuhan “dihilangkan” di sini dalam harmoni yang melekat dalam X. o. bahkan ketika dia mereproduksi hal-hal yang tragis, kejam, mengerikan, tidak masuk akal. Dan karena gambar itu pada akhirnya terpaku pada yang “mati”, anorganik. materi - ada kebangkitan nyata dari benda mati (pengecualian adalah teater, yang berhubungan dengan "materi" hidup dan sepanjang waktu berusaha untuk melampaui lingkup seni dan menjadi "aksi" yang vital). Efek “mengubah” benda mati menjadi hidup, mekanis menjadi organik - Ch. sumber estetika kesenangan yang diberikan oleh seni, dan prasyarat bagi kemanusiaannya. Beberapa pemikir percaya bahwa hakikat kreativitas terletak pada penghancuran, penaklukan materi dengan bentuk (F. Schiller), pada kekerasan seniman atas materi (Ortega y Gaset). L. Vygotsky dalam semangat yang berpengaruh di tahun 1920-an. Konstruktivisme membandingkan sebuah karya seni dengan selebaran. alat yang lebih berat dari udara (lihat “Psychology of Art”, M., 1968, p. 288): seniman menyampaikan apa yang bergerak melalui apa yang diam, apa yang lapang melalui apa yang berat, apa yang terlihat melalui apa yang terdengar, atau apa yang indah melalui apa yang buruk, apa yang tinggi melalui apa yang rendah, dan seterusnya. Sementara itu, “kekerasan” seniman terhadap materinya adalah dengan membebaskan materi tersebut dari sambungan dan sambungan mekanis eksternal. Kebebasan seniman sesuai dengan sifat materi sehingga sifat materi menjadi bebas, dan kebebasan seniman tidak disengaja. Seperti yang telah berkali-kali dicatat, dalam karya puisi yang sempurna, syair mengungkapkan internalitas yang tidak dapat diubah dalam pergantian vokal. keterpaksaan, tepi membuatnya mirip dengan fenomena alam. itu. dalam fonetik bahasa umum. Dalam materinya, penyair melepaskan kesempatan seperti itu, memaksanya untuk mengikutinya. Menurut Aristoteles, ranah klaim bukanlah ranah faktual dan bukan ranah kodrati, melainkan ranah kemungkinan. Seni memahami dunia dalam perspektif semantiknya, menciptakannya kembali melalui prisma seni yang melekat di dalamnya. peluang. Ini memberi kekhususan. seni realitas. Waktu dan ruang dalam seni, berbeda dengan empiris. ruang dan waktu, tidak mewakili potongan dari ruang atau waktu yang homogen. kontinum. Seni waktu melambat atau bertambah cepat tergantung pada isinya, setiap momen suatu karya mempunyai arti khusus tergantung korelasinya dengan “awal”, “tengah”, dan “akhir”, sehingga dinilai secara retrospektif dan prospektif. Demikianlah seni. waktu dialami tidak hanya sebagai sesuatu yang cair, tetapi juga sebagai sesuatu yang tertutup secara spasial, terlihat dalam kelengkapannya. Seni ruang (dalam ilmu spasial) juga dibentuk, dikelompokkan kembali (dipadatkan di beberapa bagian, jarang di bagian lain) melalui pengisiannya dan oleh karena itu terkoordinasi di dalam dirinya sendiri. Bingkai gambar, alas patung tidak dibuat, tetapi hanya menekankan otonomi artistik arsitek. ruang, menjadi pembantu sarana persepsi. Seni ruang tampaknya penuh dengan dinamika temporal: denyutnya hanya dapat terungkap dengan berpindah dari pandangan umum ke pertimbangan multifase bertahap untuk kemudian kembali lagi ke cakupan holistik. Dalam seni. fenomena, ciri-ciri wujud nyata (waktu dan ruang, diam dan gerak, benda dan peristiwa) membentuk sintesa yang saling dibenarkan sehingga tidak memerlukan motivasi atau tambahan apa pun dari luar. Seni ide (artinya X.o.). Analogi antara X. o. dan suatu organisme hidup mempunyai batasnya sendiri: X. o. karena integritas organik, pertama-tama, adalah sesuatu yang signifikan, dibentuk oleh maknanya. Seni, sebagai pembentuk citra, tentu berperan sebagai pemberi makna, sebagai penamaan dan penggantian nama yang terus-menerus atas segala sesuatu yang ditemukan seseorang di sekitar dan di dalam dirinya. Dalam seni, seniman selalu berhadapan dengan eksistensi yang ekspresif dan dapat dipahami serta berdialog dengannya; “Agar benda mati dapat tercipta, pelukis dan apel harus saling bertabrakan dan mengoreksi satu sama lain.” Namun untuk ini, apel harus menjadi apel yang “berbicara” bagi sang pelukis: banyak benang yang harus terbentang darinya, menenunnya menjadi dunia yang utuh. Setiap karya seni bersifat alegoris, karena ia berbicara tentang dunia secara keseluruhan; itu tidak "menyelidiki" s.-l. satu aspek realitas, dan secara khusus mewakili universalitasnya. Dalam hal ini ia dekat dengan filsafat, yang juga, tidak seperti sains, tidak bersifat sektoral. Namun, tidak seperti filsafat, seni tidak bersifat sistemik; secara khusus dan spesifik. dalam materinya memberikan alam semesta yang dipersonifikasikan, yang pada saat yang sama merupakan alam semesta pribadi sang seniman. Tidak dapat dikatakan bahwa sang seniman menggambarkan dunia dan, “selain itu,” mengungkapkan sikapnya terhadap dunia tersebut. Dalam kasus seperti ini, yang satu akan menjadi penghalang yang mengganggu bagi yang lain; kita akan tertarik pada kesetiaan gambar (konsep seni naturalistik), atau makna “sikap” individu (pendekatan psikologis) atau ideologis (pendekatan sosiologis vulgar) dari penulisnya. Justru sebaliknya: seniman (dalam bunyi, gerak, bentuk benda) memberikan ekspresi. makhluk, di mana kepribadiannya tertulis dan digambarkan. Bagaimana ekspresi akan diungkapkan. menjadi X.o. ada alegori dan pengetahuan melalui alegori. Namun sebagai gambaran “tulisan tangan” pribadi seniman X. o. ada tautologi, korespondensi yang lengkap dan satu-satunya yang mungkin dengan pengalaman unik dunia yang melahirkan gambaran ini. Sebagai Alam Semesta yang dipersonifikasikan, citra mempunyai banyak makna, karena ia merupakan fokus hidup dari banyak posisi, baik yang satu maupun yang lain, dan yang ketiga sekaligus. Sebagai alam semesta pribadi, gambar memiliki makna evaluatif yang didefinisikan secara ketat. X.o. – identitas alegori dan tautologi, ambiguitas dan kepastian, pengetahuan dan evaluasi. Arti gambar, seni. Suatu gagasan bukanlah sebuah proposisi abstrak, namun telah menjadi konkrit, diwujudkan dalam perasaan yang terorganisir. bahan. Dalam perjalanan dari konsep ke perwujudan seni. sebuah ide tidak pernah melewati tahap abstraksi: sebagai sebuah rencana, itu adalah titik dialog yang konkrit. perjumpaan seniman dengan eksistensi, yaitu prototipe (terkadang jejak yang terlihat dari gambar awal ini dipertahankan dalam karya yang sudah selesai, misalnya, prototipe "kebun ceri" yang tertinggal dalam judul drama Chekhov; terkadang rencana prototipe dibubarkan dalam ciptaan yang telah selesai dan hanya ada terlihat secara tidak langsung). Dalam seni. Dalam sebuah rencana, pemikiran kehilangan abstraksinya, dan kenyataan kehilangan ketidakpeduliannya terhadap manusia. "pendapat" tentang dia. Butir gambaran ini sejak awal tidak hanya subjektif, tetapi subjektif-objektif dan vital-struktural, dan oleh karena itu memiliki kemampuan untuk berkembang secara spontan, untuk memperjelas diri (sebagaimana dibuktikan dengan banyak hal). pengakuan atas tuntutan masyarakat). Prototipe sebagai “bentuk formatif” menarik semua lapisan material baru ke dalam orbitnya dan membentuknya melalui gaya yang ditetapkannya. Kontrol sadar dan kemauan penulis adalah untuk melindungi proses ini dari momen yang tidak disengaja dan tidak disengaja. Pengarang seolah-olah membandingkan karya yang diciptakannya dengan standar tertentu dan menghilangkan hal-hal yang tidak perlu, mengisi kekosongan, dan menghilangkan kesenjangan. Kita biasanya sangat merasakan kehadiran “standar” “oleh kontradiksi” ketika kita menegaskan bahwa di tempat ini dan itu atau di detail ini dan itu sang seniman tidak tetap setia pada rencananya. Namun pada saat yang sama, sebagai hasil kreativitas, muncullah sesuatu yang benar-benar baru, sesuatu yang belum pernah terjadi sebelumnya, dan karenanya. Pada dasarnya tidak ada “standar” terhadap karya yang diciptakan. Bertentangan dengan pandangan Plato, yang terkadang populer di kalangan seniman itu sendiri (“Sia-sia, seniman, Anda membayangkan bahwa Anda adalah pencipta ciptaan Anda sendiri…” - A.K. Tolstoy), penulis tidak sekadar mengungkapkan seni dalam gambar. ide, namun menciptakannya. Rencana prototipe bukanlah realitas formal yang membangun cangkang material pada dirinya sendiri, melainkan sebuah saluran imajinasi, sebuah “kristal ajaib” yang melaluinya jarak penciptaan masa depan “samar-samar” dapat dilihat. Hanya setelah menyelesaikan seni. bekerja, ketidakpastian rencana berubah menjadi kepastian makna yang polisemantik. Jadi, pada tahap konsepsi artistik. gagasan muncul sebagai dorongan konkrit tertentu yang muncul dari “benturan” seniman dengan dunia, pada tahap perwujudan - sebagai prinsip pengaturan, pada tahap penyelesaian - sebagai “ekspresi wajah” semantik dari mikrokosmos yang tercipta. oleh sang seniman, wajahnya yang hidup, yang sekaligus juga merupakan wajah sang seniman itu sendiri. Berbagai tingkat kekuatan regulasi seni. ide dikombinasikan dengan bahan yang berbeda memberikan berbagai jenis X. o. Ide yang sangat energik seolah-olah dapat menundukkan seninya. realisasinya, untuk “memperkenalkannya” sedemikian rupa sehingga bentuk-bentuk objektifnya hampir tidak dapat digariskan, seperti yang melekat pada jenis simbolisme tertentu. Makna yang terlalu abstrak atau tidak pasti hanya dapat bersentuhan secara kondisional dengan bentuk-bentuk obyektif, tanpa mentransformasikannya, seperti halnya dalam sastra naturalistik. alegori, atau menghubungkannya secara mekanis, seperti tipikal sihir alegoris. fiksi ilmiah mitologi kuno. Maknanya khas. gambarnya spesifik, tetapi dibatasi oleh kekhususan; fitur karakteristik suatu benda atau orang di sini menjadi prinsip pengaturan untuk membangun suatu gambar yang sepenuhnya mengandung makna dan menguras habisnya (makna gambar Oblomov adalah “Oblomovisme”). Pada saat yang sama, suatu ciri khas dapat menundukkan dan “menandakan” ciri-ciri lainnya sedemikian rupa sehingga tipe tersebut berkembang menjadi ciri yang fantastis. fantastis. Secara umum, beragam jenis X. o. bergantung pada seni. kesadaran diri zaman dan dimodifikasi secara internal. hukum masing-masing klaim. menyala.: Schiller F., Artikel tentang Estetika, trans. [dari Jerman], [M.–L.], 1935; Goethe V., Artikel dan pemikiran tentang seni, [M.–L.], 1936; Belinsky V.G., Ide seni, Lengkap. koleksi soch., jilid 4, M., 1954; Lessing G.E., Laocoon..., M., 1957; Herder I.G., Izbr. op., [trans. dari Jerman], M.–L., 1959, hal. 157–90; Schelling F.V., Filsafat Seni, [trans. dari Jerman], M., 1966; Ovsyaniko-Kulikovsky D., Bahasa dan Seni, St.Petersburg, 1895; ?sialan?. ?., Dari Catatan Teori Sastra, X., 1905; nya, Pemikiran dan Bahasa, edisi ke-3, X., 1913; olehnya, Dari kuliah teori sastra, edisi ke-3, X., 1930; Grigoriev M. S. Bentuk dan isi seni sastra. proizv., M., 1929; Medvedev P.N., Formalisme dan formalis, [L., 1934]; Dmitrieva N., Gambar dan Kata, [M., 1962]; Ingarden R., Studi Estetika, trans. dari Polandia, M., 1962; Teori sastra. Dasar permasalahan dalam sejarah penerangan, buku 1, M., 1962; ?Alievsky P.V., Seni. prod., di tempat yang sama, buku. 3, M., 1965; Zaretsky V., Gambar sebagai informasi, "Vopr. Literary", 1963, No.2; Ilyenkov E., Tentang estetika. sifat fantasi, dalam: Vopr. estetika, jilid. 6, M., 1964; Losev?., Kanon artistik sebagai masalah gaya, ibid.; Kata dan gambar. Duduk. Seni., M., 1964; Intonasi dan musik. gambar. Duduk. Seni., M., 1965; Gachev G.D., Konten artis. formulir Epik. Lirik. Teater, M., 1968; Panofsky E., "Ide". Ein Beitrag zur Begriffsgeschichte der ?lteren Kunsttheorie, Lpz.–V., 1924; nya, Arti dalam seni rupa, . Garden City (NY), 1957; Richard? ?., Sains dan puisi, N.Y., ; Pongs H., Das Bild in der Dichtung, Bd 1–2, Marburg, 1927–39; Jonas O., Das Wesen des musikalischen Kunstwerks, W., 1934; Souriau E., La korespondensi des seni, P., ; Staiger E., Grundbegriffe der Poetik, ; nya, Die Kunst der Interpretation, ; Heidegger M., Der Ursprung des Kunstwerkes, dalam bukunya: Holzwege, , Fr./M., ; Langer S.K., Perasaan dan bentuk. Sebuah teori seni yang dikembangkan dari filsafat dengan cara yang baru,?. Y., 1953; miliknya, Masalah seni,?. Y., ; Hamburger K., Die Logik der Dichtung, Stuttg., ; Empson W., Tujuh jenis ambiguitas, edisi ke-3, N. Y., ; Kuhn H., Wesen und Wirken des Kunstwerks, M?nch., ; Sedlmayr H., Kunst dan Wahrheit, 1961; Lewis C.D., Gambar puitis, L., 1965; Dittmann L., Masih. Simbol. Struktur, M?nch., 1967. I. Rodnyanskaya. Moskow.
Gambar artistik
Gambar artistik- kategori umum kreativitas seni, suatu bentuk interpretasi dan eksplorasi dunia dari sudut pandang cita-cita estetika tertentu dengan menciptakan objek-objek yang mempengaruhi estetika. Setiap fenomena yang diciptakan kembali secara kreatif dalam sebuah karya seni disebut juga gambar artistik. Gambar artistik adalah gambar dari seni yang diciptakan oleh pengarangnya karya seni untuk mengungkap sepenuhnya fenomena realitas yang digambarkan. Gambaran artistik diciptakan oleh pengarang untuk semaksimal mungkin pengembangan dunia seni karya. Pertama-tama, melalui gambaran artistik, pembaca mengungkap gambaran dunia, alur cerita, dan ciri-ciri psikologi dalam sebuah karya.
Gambaran artistik bersifat dialektis: menyatukan kontemplasi yang hidup, interpretasi subjektif dan evaluasi oleh penulis (serta pemain, pendengar, pembaca, penonton).
Gambar artistik dibuat berdasarkan salah satu media: gambar, suara, lingkungan bahasa, atau kombinasi beberapa media. Ini merupakan bagian integral dari substrat material seni. Misalnya, makna, struktur internal, kejelasan gambar musik sangat ditentukan oleh materi alami musik - kualitas akustik suara musik. Dalam sastra dan puisi, gambaran artistik diciptakan berdasarkan lingkungan linguistik tertentu; dalam seni teater ketiga cara tersebut digunakan.
Pada saat yang sama, makna suatu gambar artistik terungkap hanya dalam situasi komunikatif tertentu, dan hasil akhir dari komunikasi tersebut bergantung pada kepribadian, tujuan, dan bahkan suasana hati sesaat orang yang menemukannya, serta pada budaya tertentu dimana dia berasal. Oleh karena itu, seringkali setelah satu atau dua abad berlalu sejak penciptaan sebuah karya seni, karya tersebut dipersepsikan dengan cara yang sangat berbeda dari cara pandang orang-orang sezamannya dan bahkan penulisnya sendiri.
Dalam Poetics karya Aristoteles, kiasan gambar muncul sebagai refleksi yang tidak akurat, dilebih-lebihkan, dikurangi atau diubah, dan dibiaskan dari sifat aslinya. Dalam estetika romantisme, kemiripan dan kemiripan memberi jalan kepada prinsip kreatif, subjektif, dan transformatif. Dalam pengertian ini, tak tertandingi, tidak seperti orang lain, yang artinya cantik. Demikian pula pengertian citra dalam estetika avant-garde yang lebih mengutamakan hiperbola, pergeseran (istilah B. Livshits). Dalam estetika surealisme, “realitas dikalikan tujuh adalah kebenaran”. Dalam puisi modern, muncul konsep “meta-metaphor” (istilah K. Kedrov). Ini adalah gambaran realitas transendental di luar ambang kecepatan cahaya, di mana sains terdiam dan seni mulai berbicara. Metametafora berkaitan erat dengan “perspektif terbalik” Pavel Florensky dan “modul universal” seniman Pavel Chelishchev. Ini tentang tentang memperluas batas pendengaran dan penglihatan manusia jauh melampaui batasan fisik dan fisiologis.
Lihat juga
Tautan
- Tamarchenko N. D. Puisi teoretis: konsep dan definisi
- Nikolaev A. I. Citra artistik sebagai model dunia yang diubah
Sastra: Romanova S.I. Citra artistik dalam ruang relasi semiotik. // Buletin Universitas Negeri Moskow. Seri 7. Filsafat. 2008. Nomor 6. Hal.28-38. (www.sromaart.ru)
Yayasan Wikimedia. 2010.
Lihat apa itu "Gambar artistik" di kamus lain:
GAMBAR ARTISTIK, suatu bentuk pemikiran artistik. Citra meliputi: materi realitas, olahan imajinasi kreatif seniman, sikapnya terhadap apa yang digambarkan, kekayaan kepribadian pencipta. Hegel (lihat HEGEL Georg Wilhelm Friedrich)… … kamus ensiklopedis
Kategori umum seni. kreativitas, sarana dan bentuk penguasaan kehidupan melalui seni. Gambar sering kali dipahami sebagai suatu unsur atau bagian dari suatu karya yang mempunyai semacam harga diri. keberadaan dan makna (misalnya dalam sastra, gambaran tokoh, ... ... Ensiklopedia Filsafat
Suatu bentuk refleksi (reproduksi) realitas objektif dalam seni rupa dari sudut pandang cita-cita estetika tertentu. Perwujudan gambar artistik dalam karya yang berbeda seni dilakukan dengan menggunakan cara dan bahan yang berbeda... ... Ensiklopedia Kajian Budaya
gambar artistik- suatu metode dan bentuk penguasaan realitas dalam seni, yang bercirikan kesatuan momen indrawi dan semantik yang tidak dapat dipisahkan. Ini adalah gambaran kehidupan yang spesifik dan sekaligus umum (atau bagian dari gambar semacam itu), yang dibuat dengan bantuan kreatif... ... Kamus terminologi-tesaurus dalam studi sastra
Dalam seni rupa, suatu bentuk mereproduksi, memahami dan mengalami fenomena kehidupan dengan menciptakan benda-benda yang memiliki efek estetis (lukisan, patung, dll). Seni, seperti sains, mengetahui Dunia. Namun, berbeda dengan... Ensiklopedia seni
gambar artistik- ▲ gambar (menjadi), sebuah karya seni gambar sastra pahlawan. ketik (positif #). angka. karakter. ▼ tipe sastra, karakter dongeng … Kamus Ideografis Bahasa Rusia
Kategori umum kreativitas seni: bentuk reproduksi, interpretasi, dan penguasaan kehidupan yang melekat pada seni (Lihat Seni) dengan menciptakan objek yang mempengaruhi estetika. Suatu gambar sering kali dipahami sebagai suatu unsur atau bagian... ... Ensiklopedia Besar Soviet
Komunikasi profesional dalam sistem “Citra Manusia-Artistik”.- Gambaran dunia di antara perwakilan bidang kegiatan ini dikaitkan dengan menonjolkan keindahan dan memperkenalkan keindahan, kenyamanan, dan kenikmatan estetis ke dalamnya (misalnya, planet Bumi dapat dibayangkan sebagai “biru”, “kecil”, “tak berdaya " Dan ... ... Psikologi komunikasi. kamus ensiklopedis
1. Pernyataan pertanyaan. 2. O. sebagai fenomena ideologi kelas. 3. Individualisasi realitas dalam O.. 4. Tipifikasi realitas dalam O. 5. Fiksi di O. 6. O. dan citra; sistem O. 7. Isi O. 8. Sosial... ... Ensiklopedia sastra
Dalam filsafat, hasil refleksi suatu objek dalam pikiran manusia. Tentang perasaan. tahapan kognisi, gambaran adalah sensasi, persepsi dan gagasan, pada tataran pemikiran, konsep, penilaian dan kesimpulan. O. objektif dalam sumbernya... ... Ensiklopedia Filsafat
Buku
- Gambar artistik dalam skenografi. Panduan belajar, Sannikova Lyudmila Ivanovna. Buku ini merupakan buku teks bagi siswa yang mempelajari seni mengarahkan teater dan mengarahkan pertunjukan teater dan dimaksudkan untuk membantu sutradara muda dalam bekerja dengan…
Pemikiran dalam seni diungkapkan bukan dalam bentuk rumusan atau konstruksi rasional lainnya, seperti dalam sains, tetapi melalui gambaran artistik. Citra artistiklah yang menjadi pembawa utama konten dalam seni. Citra artistik adalah suatu bentuk pemikiran dalam seni, suatu bentuk ekspresi gagasan dan pandangan dunia seniman. Tidak ada gambar artistik - tidak ada konten. Citra artistik adalah cara khusus untuk mencerminkan realitas yang melekat dalam seni, generalisasinya dari sudut pandang cita-cita estetika dalam bentuk yang konkret, sensual, dan dirasakan langsung. Istilah “gambar artistik” digunakan dalam dua pengertian (makna, rencana): sebagai sebutan untuk tokoh dalam sebuah karya seni (gambar Tatyana dalam Eugene Onegin) dan sebagai sebutan untuk keseluruhan karya seni.
Gambar artistik memiliki sejumlah ciri:
Gambar artistik adalah kombinasi objektif dan subjektif. Gambar diciptakan oleh seniman dalam proses kreatif, oleh karena itu merupakan hasil pemahaman terhadap realitas;
Gambar artistik bersifat asosiatif. Ini adalah kondisi yang sangat diperlukan. Seniman memasukkan asosiatif ke dalamnya, tetapi pemirsa juga harus melihatnya. Artis tanpa pemikiran asosiatif– omong kosong: tidak ada kemampuan menciptakan asosiasi, artinya tidak ada kemampuan menciptakan citra artistik;
Gambar artistik memiliki banyak arti. Hal ini memungkinkan untuk memilih versi yang berbeda dalam penafsirannya, luasnya permasalahan;
Gambaran artistik sering kali tidak terucapkan. Hal ini memberikan ruang bagi pikiran dan perasaan orang yang mempersepsi (pembaca, pemirsa, pendengar). Semakin ambigu suatu gambar, semakin kompleks dan ambigu persepsinya. Hal ini dapat diuraikan tidak hanya oleh seniman sezaman, tetapi juga oleh perwakilan generasi dan era lain. Pernyataan yang meremehkan, seperti halnya keberagaman, membuat penerimanya aktif, ia diberi kesempatan untuk berkreasi bersama dengan penulis, artis, atau sutradara. Persepsi tampaknya memiliki titik awal, tetapi pada saat yang sama mempertahankan kehendak bebas tertentu. Meremehkan merangsang pemikiran;
Gambar artistiknya memiliki banyak segi. Artinya, satu bacaan terhadap isinya tidak sekaligus membatalkan bacaan lainnya. Berkat keserbagunaannya, gambar dapat ditafsirkan dengan cara yang berbeda dan tidak ada interpretasi yang salah. Itulah sebabnya kami secara bersamaan tertarik pada Hamlet karya Smoktunovsky dan Vysotsky; Kisah Raja Lear menarik, ditafsirkan dari berbagai sudut pandang: sebagai drama keluarga (pengkhianatan putri-putrinya), sebagai drama politik (karena tiraninya sendiri, Lear mulai memecah belah negara pada saat yang paling tidak tepat), sebagai sebuah tragedi kepribadian (Lear menemukan bahwa idolanya - kekuatan - ternyata palsu). Dalam sains, polisemi tidak digunakan karena keadaan obyektif (jika Anda mengubah rumus air, Anda akan mendapatkan zat lain). Pada saat yang sama, kemungkinan adanya perbedaan penafsiran terhadap suatu gambar artistik tidak berarti bahwa gambar artistik itu benar-benar gutta-percha, tidak ada logika internal di dalamnya. Sebaliknya, sebuah gambar artistik memiliki pengembangan diri internal dan ditentukan oleh banyak faktor: bukan tanpa alasan penulis sering berbicara tentang bagaimana seorang karakter mulai menjalani hidupnya sendiri dari saat tertentu dan mendikte perkembangan lebih lanjut dari peristiwa tersebut. penulisnya, yaitu tampaknya di luar kendali;
Gambaran artistik adalah dialektika antara yang khas (yaitu tersebar luas, universal) dan yang individu. Sebuah gambar artistik mungkin memiliki nama tertentu (Demon, Ophelia, Faust, Hamlet), tetapi pada saat yang sama dapat mengekspresikan ide universal. Terlebih lagi, tidak mungkin mengekspresikan sesuatu yang universal atau abstrak dalam seni di luar individu. Karena yang universal dalam seni ditunjukkan melalui individu, yang partikular, individu, maka seniman harus menangkap hal yang paling esensial dalam suatu objek atau fenomena. Jika tidak, ia tidak akan mampu mencapai tingkat generalisasi dalam karya dan gambarannya;
Gambar artistik adalah perpaduan antara emosional dan rasional. Seni tidak mungkin terjadi tanpa persatuan mereka. Terkadang sebuah karya terkesan murni berdasarkan kesan murni (misalnya sketsa), namun ini hanya tampilan saja, karena pengalaman dan individualitas juga berperan di sini. Jika pikiran dan perasaan tidak menyatu, maka pekerjaan dapat berubah menjadi skema yang dingin dan kering, atau menjadi emosi yang kosong dan dangkal.
Seringkali sebuah karya seni tidak berisi satu gambar, tetapi keseluruhan sistem gambar artistik - berbeda dan beragam. Sistem gambar lebih sulit untuk dipahami dan dianalisis, karena masing-masing gambar tidak hanya berinteraksi dengan gambar lain, tetapi juga berada dalam dinamika. Isi sebuah karya bukanlah salinan kehidupan. Seni memproses realitas, menciptakan dunia kondisional khusus, yang memiliki strukturnya sendiri dan ada menurut hukumnya sendiri.
Gambar artistik
Gambar khas
Gambar-motif
Topos
Pola dasar.
Gambar artistik. Konsep gambar artistik. Fungsi dan struktur gambar artistik.
Gambar artistik- salah satu kategori utama estetika, yang mencirikan cara menampilkan dan mengubah realitas yang hanya ada dalam seni. Gambar juga disebut fenomena apa pun yang diciptakan kembali secara kreatif oleh pengarangnya dalam sebuah karya seni.
Citra artistik merupakan salah satu sarana untuk mengetahui dan mengubah dunia, suatu bentuk sintetik refleksi dan ekspresi perasaan, pikiran, aspirasi, dan emosi estetis seniman.
Fungsi utamanya: kognitif, komunikatif, estetika, pendidikan. Hanya secara keseluruhan mereka mengungkapkannya fitur tertentu gambar, masing-masing secara terpisah hanya mencirikan satu sisi saja; pertimbangan terisolasi atas fungsi-fungsi individu tidak hanya memiskinkan gagasan tentang citra, tetapi juga menyebabkan hilangnya kekhususannya sebagai bentuk khusus dari kesadaran sosial.
Dalam struktur gambar artistik Pemeran utama mekanisme identifikasi dan permainan transferensi.
Mekanisme identifikasi melakukan identifikasi subjek dan objek, yang di dalamnya sifat, kualitas, dan ciri masing-masing digabungkan menjadi satu kesatuan; Terlebih lagi, identifikasi hanya bersifat parsial, sangat terbatas: ia hanya meminjam satu ciri atau sejumlah ciri orang yang menjadi objek.
Dalam struktur gambar artistik, identifikasi muncul dalam kesatuan dengan mekanisme penting lainnya dari proses mental primer - transferensi.
Pemindahan disebabkan oleh kecenderungan dorongan bawah sadar, dalam mencari cara kepuasan, diarahkan melalui jalur asosiatif ke objek-objek baru. Berkat transferensi, satu representasi digantikan oleh representasi lain sepanjang rangkaian asosiatif dan objek transferensi bergabung, menciptakan apa yang disebut dalam mimpi dan neurosis. penebalan.
Konflik sebagai dasar alur karya. Konsep “motif” dalam kritik sastra Rusia.
Fungsi plot yang paling penting adalah untuk mengungkapkan kontradiksi-kontradiksi kehidupan, yaitu konflik-konflik (dalam terminologi Hegel, benturan-benturan).
Konflik- konfrontasi kontradiksi baik antar karakter, atau antara karakter dan keadaan, atau dalam karakter, yang mendasari tindakan. Jika kita berhadapan dengan bentuk epik kecil, maka aksinya berkembang atas dasar satu konflik. Dalam karya bervolume besar, jumlah konflik semakin meningkat.
Konflik- inti di mana segala sesuatu berputar. Plotnya paling tidak menyerupai garis padat dan tak terputus yang menghubungkan awal dan akhir suatu rangkaian peristiwa.
Tahapan perkembangan konflik- elemen plot utama:
Genre lirik-epik dan kekhususannya.
Genre liris-epik mengungkapkan hubungan dalam sastra: dari lirik - tema, dari epik - plot.
Menggabungkan narasi epik dengan awal liris - ekspresi langsung dari pengalaman dan pemikiran penulis
1. puisi. – konten genre dapat bersifat epik dominan atau liris. (dalam hal ini, plotnya ditingkatkan atau dikurangi). Di zaman kuno, dan kemudian di Abad Pertengahan, Renaisans, dan Klasisisme, puisi, pada umumnya, dianggap dan diciptakan secara sinonim dengan genre epik. Dengan kata lain, ini adalah epos sastra atau puisi epik (heroik). Puisi tersebut tidak memiliki ketergantungan langsung pada metodenya; puisi tersebut sama-sama terwakili dalam romantisme (“Mtsyri”), dalam realisme (“Penunggang Kuda Perunggu”), dalam simbolisme (“12”)…
2. kidung. - ("Lagu dansa" Prancis) dan dalam pengertian ini adalah karya puitis romantis khusus dengan plot. Dalam arti kedua, balada adalah genre folk; genre ini menjadi ciri budaya Anglo-Skotlandia abad 14-16.
3. fabel- salah satu genre tertua. Puisi fabel: 1) orientasi satir, 2) didaktisisme, 3) bentuk alegoris, 4) kekhasan bentuk genre yavl. Pencantuman dalam teks (di awal atau di akhir) bait pendek khusus - moralitas. Fabel dihubungkan dengan perumpamaan; selain itu, fabel secara genetis dihubungkan dengan dongeng, anekdot, dan kemudian cerita pendek. bakat dongeng langka: Aesop, Lafontaine, I.A.
4. siklus liris adalah fenomena genre unik yang termasuk dalam bidang epik liris, yang setiap karyanya pernah dan tetap merupakan karya liris. Semua ini bersama-sama karya liris membuat “lingkaran”: prinsip pemersatu dari fenomena tersebut. topik dan pahlawan liris. Siklus tercipta “sekaligus” dan mungkin ada siklus yang dibentuk pengarangnya selama bertahun-tahun.
Konsep dasar bahasa puisi dan tempatnya kurikulum sekolah tentang sastra.
BAHASA PUISI, tuturan seni, adalah bahasa karya sastra puisi (syair) dan prosa, suatu sistem sarana pemikiran artistik dan perkembangan estetis realitas.
Berbeda dengan bahasa biasa (praktis) yang fungsi utamanya adalah fungsi komunikatif (lihat Fungsi bahasa), pada P. i. fungsi estetis (puitis) mendominasi, yang pelaksanaannya lebih memusatkan perhatian pada representasi kebahasaan itu sendiri (fonik, ritmis, struktural, figuratif-semantik, dan lain-lain), sehingga menjadi sarana ekspresi yang berharga. Citra umum dan keunikan artistik sastra. karya dilihat melalui prisma P.I.
Perbedaan antara biasa (praktis) dan bahasa puitis, yaitu fungsi komunikatif dan puitis bahasa yang sebenarnya, diusulkan pada dekade pertama abad ke-20. perwakilan OPOYAZ (lihat). P. I., menurut pendapat mereka, berbeda dari biasanya dalam hal nyata konstruksinya: ia menarik perhatian pada dirinya sendiri, dalam dalam arti tertentu memperlambat membaca, menghancurkan otomatisitas persepsi teks yang biasa; hal utama di dalamnya adalah “mengalami pembuatan sesuatu” (V.B. Shklovsky).
Menurut R. O. Yakobson, yang dekat dengan OPOYAZ dalam pemahaman P. Ya., puisi itu sendiri tidak lebih dari “sebagai pernyataan dengan sikap berekspresi (...). Puisi adalah bahasa dalam fungsi estetisnya.”
P.I. terkait erat, di satu sisi, dengan bahasa sastra(lihat), yang menjadi landasan normatifnya, dan sebaliknya, dengan bahasa nasional, yang darinya ia memperoleh berbagai arti linguistik yang bersifat karakterologis, misalnya. dialektisme ketika menyampaikan tuturan tokoh atau untuk menciptakan pewarnaan lokal pada tokoh yang digambarkan. Kata puitis tumbuh dari kata nyata dan di dalamnya, menjadi termotivasi dalam teks dan menjalankan fungsi artistik tertentu. Oleh karena itu, tanda bahasa apa pun pada prinsipnya dapat bersifat estetis.
19. Konsep metode artistik. Sejarah sastra dunia sebagai sejarah perubahan metode artistik.
Metode artistik Metode (kreatif) adalah kombinasi yang paling banyak prinsip-prinsip umum asimilasi estetika terhadap realitas, yang secara konsisten diulangi dalam karya satu atau beberapa kelompok penulis yang membentuk suatu arah, gerakan atau aliran.
O.I. Fedotov mencatat bahwa “konsep “metode kreatif” tidak jauh berbeda dengan konsep “metode artistik” yang melahirkannya, meskipun mereka mencoba mengadaptasinya untuk mengungkapkan makna yang lebih luas - sebagai cara mempelajari kehidupan sosial atau sebagai dasar. prinsip (gaya) dari keseluruhan gerakan.”
Konsep metode artistik muncul pada tahun 1920-an, ketika para kritikus Asosiasi Penulis Proletar Rusia (RAPP) meminjam kategori ini dari filsafat, dengan demikian berusaha untuk secara teoritis mendukung perkembangan gerakan dan kedalaman sastra mereka. berpikir kreatif penulis "proletar".
Metode artistik bersifat estetis; mewakili ditentukan secara historis bentuk-bentuk umum pemikiran figuratif yang bermuatan emosional.
Benda seni adalah kualitas estetis dari realitas, yaitu “luas kepentingan publik fenomena realitas, yang ditarik ke dalam praktik sosial dan mengandung kekuatan-kekuatan esensial” (Yu. Borev). Subyek seni dipahami sebagai fenomena yang berubah secara historis, dan perubahannya akan bergantung pada sifat praktik sosial dan perkembangan realitas itu sendiri. Metode artistik dianalogikan dengan objek seni. Dengan demikian, perubahan historis dalam metode artistik, serta munculnya metode artistik baru, dapat dijelaskan tidak hanya melalui perubahan historis dalam subjek seni, tetapi juga melalui perubahan historis dalam kualitas estetika realitas. Objek seni mengandung landasan vital metode artistik. Metode artistik merupakan hasil refleksi kreatif suatu objek seni, yang dilihat melalui prisma pandangan dunia filosofis dan politik umum seniman. “Metode ini selalu tampak bagi kita hanya dalam perwujudan artistiknya yang spesifik - dalam materi gambar yang hidup. Masalah gambar ini muncul sebagai hasil interaksi pribadi dan intim sang seniman dengan dunia konkret di sekitarnya, yang menentukan seluruh proses artistik dan mental yang diperlukan untuk menciptakan sebuah karya seni” (L.I. Timofeev)
Metode kreatif tidak lain hanyalah proyeksi pencitraan ke dalam latar sejarah tertentu. Hanya di dalamnya persepsi kiasan tentang kehidupan mendapat implementasi konkritnya, yaitu. diubah menjadi sistem karakter, konflik, dan alur cerita yang spesifik dan muncul secara organik.
Metode artistik bukanlah prinsip abstrak dari seleksi dan generalisasi fenomena realitas, tetapi pemahaman yang ditentukan secara historis berdasarkan pertanyaan-pertanyaan mendasar yang diajukan kehidupan terhadap seni pada setiap tahap baru perkembangannya.
Keberagaman metode seni pada era yang sama dijelaskan oleh peran pandangan dunia yang berperan sebagai faktor penting dalam pembentukan metode seni. Dalam setiap periode perkembangan seni rupa, secara simultan muncul berbagai metode seni tergantung pada situasi sosial, karena zaman akan dipandang dan dipersepsikan oleh seniman secara berbeda-beda. Kedekatan posisi estetis menentukan kesatuan metode sejumlah penulis, yang dikaitkan dengan kesamaan cita-cita estetis, kesamaan tokoh, homogenitas konflik dan alur, serta cara penulisan. Misalnya, K. Balmont, V. Bryusov, A. Blok diasosiasikan dengan simbolisme.
Metode senimannya dirasakan secara menyeluruh gaya karya-karyanya, yaitu melalui manifestasi individu dari metode tersebut. Karena metode adalah cara berpikir artistik, maka metode mewakili sisi subjektif dari gaya, karena Metode pemikiran figuratif ini memunculkan ciri-ciri ideologis dan artistik tertentu dari seni. Konsep metode dan gaya individu penulis saling berkaitan satu sama lain sebagai konsep genus dan spesies.
Interaksi metode dan gaya:
§ variasi gaya dalam satu metode kreatif. Hal ini ditegaskan oleh fakta bahwa perwakilan dari metode tertentu tidak menganut gaya mana pun;
§ kesatuan gaya hanya mungkin terjadi dalam kerangka satu metode, karena bahkan kesamaan eksternal dari karya-karya penulis yang menganut metode yang sama tidak memberikan alasan untuk mengklasifikasikannya sebagai satu gaya;
§ membalikkan pengaruh gaya pada metode.
Penggunaan penuh teknik stilistika oleh seniman yang menganut satu metode tidak sesuai dengan kepatuhan yang konsisten terhadap prinsip-prinsip metode baru.
Seiring dengan konsep metode kreatif, muncul pula konsep arah atau jenis kreativitas, yang dalam berbagai bentuk dan hubungan akan terwujud dalam metode apa pun yang muncul dalam proses perkembangan sejarah sastra, karena mengungkapkan sifat-sifat umum refleksi figuratif kehidupan. Secara keseluruhan, metode-metode tersebut membentuk gerakan sastra (atau arah: romantisme, realisme, simbolisme, dll).
Metode hanya menentukan arah karya kreatif senimannya, bukan arahnya properti individu. Metode artistik berinteraksi dengan kepribadian kreatif penulis
Konsep “gaya” tidak identik dengan konsep « individualitas kreatif penulis". Konsep “individualitas kreatif” lebih luas daripada apa yang diungkapkan oleh konsep “gaya” yang sempit. Sejumlah sifat diwujudkan dalam gaya penulis, yang secara totalitas mencirikan individualitas kreatif penulis. Akibat konkrit dan nyata dari sifat-sifat tersebut dalam karya sastra adalah gaya. Penulis mengembangkan, berdasarkan satu atau beberapa metode artistik, miliknya sendiri gaya individu. Kita dapat mengatakan bahwa individualitas kreatif penulis adalah suatu kondisi yang diperlukan pengembangan lebih lanjut dari setiap metode artistik. Kita dapat berbicara tentang metode artistik baru ketika fenomena individu baru yang diciptakan oleh individu kreatif penulis menjadi umum dan mewakili kualitas baru dalam totalitasnya.
Metode artistik dan individualitas kreatif pengarang diwujudkan dalam sastra melalui penciptaan gambaran sastra dan konstruksi motif.
Sekolah mitologi
Munculnya aliran mitologi pada pergantian abad ke-19-19. Pengaruh “Mitologi Jerman” karya Brother Grimm terhadap pembentukan aliran mitologi.
Sekolah mitologi dalam kritik sastra Rusia: A.N. Afanasyev, F.I.
Tradisi aliran mitologi dalam karya K. Nasyiri, Sh. Mardzhani, V.V.
Metode biografi
Landasan teoretis dan metodologis dari metode biografi. Kehidupan dan karya S.O. Metode biografi dalam kritik sastra Rusia abad ke-19. ( kegiatan ilmiah N.A.Kotlyarevsky).
Transformasi metode biografi pada paruh kedua abad kedua puluh: kritik impresionistik, esaiisme.
Pendekatan biografi untuk studi warisan artis-artis besar kata-kata (G. Tukay, S. Ramieva, Sh. Babich dan lain-lain) dalam karya ilmuwan Tatar abad ke-20. Menggunakan pendekatan biografi dalam mengkaji karya-karya M. Jalil, H. Tufan dan lain-lain.
Arah psikologis
Sekolah spiritual dan sejarah di Jerman (W. Dilthey, W. Wundt), sekolah psikologi di Perancis (G. Tarde, E. Hennequin). Penyebab dan kondisi terjadinya arah psikologis dalam kritik sastra Rusia. Konsep oleh A.A. Potebnya, D.N. Ovsyaniko-Kulikovsky.
Pendekatan psikologis dalam kritik sastra Tatar awal abad kedua puluh. Pandangan M. Marjani, J. Validi, G. Ibragimov, G. Gubaidullin, A. Mukhetdiniya dan lain-lain. Karya G. Battala “Teori Sastra”.
Konsep analisis psikologis karya sastra pada tahun 1920-an–30-an. (L.S. Vygotsky). Penelitian oleh K.Leonhard, Müller-Freinfels dan lain-lain.
Psikoanalisa
Landasan teoritis kritik psikoanalitik. Kehidupan dan karya S. Freud. Karya psikoanalitik Freud. Psikoanalisis oleh C.G. Jung. Ketidaksadaran individu dan kolektif. Teori arketipe. Psikoanalisis humanistik oleh Erich Fromm. Konsep ketidaksadaran sosial. Penelitian oleh J. Lacan.
Teori psikoanalitik di Rusia pada tahun 20-an. abad XX (ID Ermakov). Psikoanalisis dalam kritik sastra modern.
Sosiologi
Munculnya sosiologi. Perbedaan antara metode sosiologis dan budaya-historis. Fitur penerapan metode sosiologis dalam kritik sastra Rusia dan Tatar. Pandangan P.N. Karya G. Nigmati, F. Burnash.
Sosiologisme vulgar: asal usul dan esensi (V.M. Friche, karya selanjutnya V.F. Pereverzev). F.G. Galimullin tentang sosiologi vulgar dalam kritik sastra Tatar.
Sosiologisme sebagai elemen dalam konsep sastra paruh kedua abad kedua puluh (V.N. Voloshinov, G.A. Gukovsky).
Munculnya konsep dan kecenderungan baru yang berhasil mengatasi pendekatan reduksionisme sosiologi. Kehidupan dan karya M.M. Bakhtin, konsep dialog. Upaya memperluas kemampuan metode sosiologi dalam karya M. Gainullin, G. Khalit, I. Nurullin.
Sosiologi dalam skala global: di Jerman (B. Brecht, G. Lukács), di Italia (G. Volpe), di Perancis, keinginan untuk sintesis sosiologisme dan strukturalisme (L. Goldman), sosiologisme dan semasiologi.
Sekolah formal.
Metodologi ilmiah sekolah formal. Karya V. Shklovsky, B. Eikhenbaum, B. Tomashevsky. Konsep “teknik/materi”, “motivasi”, “defamiliarisasi”, dll. Sekolah formal dan metodologi sastra abad ke-20.
Pengaruh aliran formal terhadap pandangan sarjana sastra Tatar. Artikel oleh H. Taktash, H. Tufan tentang versifikasi. Karya H.Vali. T.N. Galiullin tentang formalisme dalam sastra Tatar dan kritik sastra.
Strukturalisme
Peran lingkaran linguistik Praha dan aliran linguistik Jenewa dalam pembentukan strukturalisme. Konsep struktur, fungsi, elemen, level, oposisi, dll. Pandangan J. Mukarzhovsky: dominan struktural dan norma.
Kegiatan orang Paris semiotik sekolah (awal R. Barthes, C. Levi-Strauss, A. J. Greimas, C. Bremont, J. Genette, U. Todorov), sekolah sosiologi sastra Belgia (L. Goldman dan lain-lain).
Strukturalisme di Rusia. Upaya menerapkan metode struktural dalam kajian cerita rakyat Tatar (karya M.S. Magdeev, M.Kh. Bakirov, A.G. Yakhin), dalam analisis sekolah (A.G. Yakhin), dalam kajian sejarah sastra Tatar (D.F. Zagidullina dan lain-lain ).
Munculnya naratologi - teori teks naratif dalam kerangka strukturalisme: P. Lubbock, N. Friedman, A.–J. Greimas, J. Genette, W. Schmid. Aparat terminologi naratologi.
B.S.Meilakh tentang metode yang kompleks dalam kritik sastra. Kelompok pangkalan Kazan dari Yu.G. Masalah peramalan perkembangan sastra dan seni. Karya Yu.G.
Metode kompleks dalam penelitian sarjana sastra Tatar T.N. Galiullina, A.G. Akhmadullina, R.K.
Hermeneutika
Informasi pertama tentang masalah penafsiran di Yunani Kuno dan Timur. Pandangan perwakilan aliran “spiritual-historis” Jerman (F. Schleiermacher, W. Dilthey). Konsep H.G. Gadamer. Konsep “lingkaran hermeneutik”. Teori hermeneutika dalam kritik sastra Rusia modern (Yu. Borev, G.I. Bogin).
Gambar artistik. Konsep gambar artistik. Klasifikasi gambar seni menurut sifat umumnya.
Gambar artistik- metode penguasaan dan transformasi realitas yang hanya ada dalam seni. Citra adalah segala fenomena yang diciptakan kembali secara kreatif dalam sebuah karya seni, misalnya citra seorang pejuang, citra suatu bangsa.).
Berdasarkan sifat umumnya, gambar seni dapat dibedakan menjadi individu, ciri, tipikal, motif gambar, topoi, dan arketipe (mitolog).
Gambar individu dicirikan oleh orisinalitas dan keunikan. Biasanya merupakan hasil imajinasi penulis. Gambar individu paling sering ditemukan di kalangan penulis romantis dan fiksi ilmiah. Seperti, misalnya, Quasimodo dalam “Notre-Dame de Paris” oleh V. Hugo, Iblis dalam puisi dengan nama yang sama M. Lermontov, Woland dalam “The Master and Margarita” oleh A. Bulgakov.
Gambaran karakteristiknya bersifat generalisasi. Itu mengandung fitur umum karakter dan moral yang melekat pada diri banyak orang pada zaman tertentu dan zamannya ruang publik(karakter dari “The Brothers Karamazov” oleh F. Dostoevsky, dimainkan oleh A. Ostrovsky).
Gambar khas mewakili tingkat tertinggi dari karakteristik gambar. Khasnya adalah keteladanan, indikasi zaman tertentu. Penggambaran gambar yang khas merupakan salah satu pencapaian seni realistik. sastra abad ke-19 abad. Cukuplah untuk mengingat Pastor Goriot dan Gobsek Balzac, Anna Kadang-kadang dalam gambar artistik baik tanda-tanda sosio-historis zaman itu maupun sifat-sifat manusia yang universal karakter pahlawan tertentu.
Gambar-motif- ini adalah tema yang terus berulang dalam karya penulis mana pun, diekspresikan dalam berbagai aspek dengan memvariasikan elemen-elemennya yang paling signifikan (“desa Rus'” oleh S. Yesenin, “ Wanita cantik"oleh A.Blok).
Topos(Yunani topos - tempat, lokalitas) berarti umum dan gambar yang khas, diciptakan dalam karya sastra seluruh zaman, suatu bangsa, dan bukan dalam karya seorang penulis individu. Contohnya adalah gambar “ orang kecil"dalam karya penulis Rusia - dari Pushkin dan Gogol hingga M. Zoshchenko dan A. Platonov.
Pola dasar. Namun, istilah ini pertama kali ditemukan di kalangan romantisme Jerman pada awal abad ke-19 kehidupan sejati Karya psikolog Swiss C. Jung (1875–1961) memberinya pengetahuan di berbagai bidang. Jung memahami “arketipe” sebagai gambaran universal manusia, yang secara tidak sadar diturunkan dari generasi ke generasi. Paling sering, arketipe adalah gambaran mitologis. Yang terakhir, menurut Jung, secara harfiah “diisi” dengan seluruh umat manusia, dan arketipe bersarang di alam bawah sadar seseorang, terlepas dari kebangsaan, pendidikan, atau seleranya.
GAMBAR ARTISTIK - satu dari istilah yang paling penting estetika dan sejarah seni, yang berfungsi untuk menunjukkan hubungan antara realitas dan seni dan paling terkonsentrasi mengungkapkan kekhususan seni secara keseluruhan. Gambaran seni biasanya diartikan sebagai suatu bentuk atau sarana refleksi realitas dalam seni, yang cirinya adalah pengungkapan gagasan abstrak dalam bentuk indrawi yang konkrit. Definisi ini memungkinkan kita untuk menyoroti kekhasan pemikiran artistik dan imajinatif dibandingkan dengan bentuk dasar aktivitas mental lainnya.
Sebuah karya yang benar-benar artistik selalu dibedakan oleh kedalaman pemikiran dan makna permasalahan yang diajukan. Citra artistik, sebagai sarana terpenting untuk mencerminkan realitas, memusatkan kriteria kebenaran dan realisme seni. Menghubungkan dunia nyata dan dunia seni, citra artistik, di satu sisi, memberi kita reproduksi pikiran, perasaan, pengalaman aktual, dan di sisi lain, ia melakukannya dengan bantuan cara-cara yang bercirikan konvensi. Kebenaran dan konvensionalitas ada bersama-sama dalam gambar. Oleh karena itu, tidak hanya karya seniman realis besar yang dibedakan dari citra artistiknya yang hidup, tetapi juga karya yang seluruhnya didasarkan pada fiksi (dongeng rakyat, cerita fantastis, dll.). Pencitraan dihancurkan dan lenyap ketika seniman dengan kasar menyalin fakta-fakta realitas atau ketika ia sama sekali menghindari penggambaran fakta-fakta dan dengan demikian memutus hubungan dengan kenyataan, berkonsentrasi pada reproduksi berbagai keadaan subyektifnya.
Dengan demikian, sebagai hasil pencerminan realitas dalam seni, suatu gambar seni merupakan hasil pemikiran senimannya, namun pemikiran atau gagasan yang terkandung dalam gambar itu selalu mempunyai ekspresi indra tertentu. Gambar mengacu pada teknik ekspresi individu, metafora, perbandingan, dan struktur integral (karakter, kepribadian, karya secara keseluruhan, dll.). Namun di luar itu, ada juga struktur figuratif dari tren, gaya, tata krama, dll (gambar seni abad pertengahan, Renaisans, Barok). Suatu gambaran seni dapat menjadi bagian dari sebuah karya seni, tetapi dapat pula menyamai bahkan melampauinya.
Sangat penting untuk menjalin hubungan antara gambar artistik dan karya seni. Terkadang hal-hal tersebut dianggap dalam kaitannya dengan hubungan sebab-akibat. Dalam hal ini gambar seni berperan sebagai sesuatu yang turunan dari sebuah karya seni. Jika suatu karya seni merupakan suatu kesatuan materi, bentuk, isi, yaitu segala sesuatu yang ingin dicapai oleh seniman dengan usahanya efek artistik, maka gambaran artistik dipahami hanya sebagai hasil pasif, hasil yang tetap aktivitas kreatif. Sedangkan aspek aktivitas sama-sama melekat baik pada karya seni maupun gambar seni. Mengerjakan sebuah gambar artistik, seniman sering kali mengatasi keterbatasan rencana awal dan terkadang materi, yaitu praktik proses kreatif membuat perubahan pada inti gambar artistik. Seni sang master di sini secara organik menyatu dengan pandangan dunia dan cita-cita estetika, yang menjadi dasar citra artistik.
Tahapan atau tingkatan utama pembentukan suatu gambar artistik adalah:
Rencana gambar
Bagian dari seni
Persepsi gambar.
Masing-masing memberi kesaksian tentang keadaan kualitatif tertentu dalam perkembangan pemikiran artistik. Dengan demikian, jalannya proses kreatif selanjutnya sangat bergantung pada idenya. Di sinilah “wawasan” sang seniman terjadi, ketika karya masa depan “tiba-tiba” muncul di hadapannya dalam ciri-ciri utamanya. Tentu saja, ini adalah diagram, tetapi diagram tersebut bersifat visual dan figuratif. Telah ditetapkan bahwa rencana gambar memainkan peran yang sama pentingnya dan perlu dalam proses kreatif baik seniman maupun ilmuwan.
Tahap selanjutnya terkait dengan konkretisasi image-plan pada materi. Secara konvensional, ini disebut karya gambar. Tingkat proses kreatif ini sama pentingnya dengan ide. Di sini hukum-hukum yang berkaitan dengan sifat materi mulai berlaku, dan hanya di sini karya tersebut memperoleh keberadaan nyata.
Tahap terakhir yang mempunyai hukum tersendiri adalah tahap persepsi terhadap suatu karya seni. Di sini, pencitraan tidak lebih dari kemampuan untuk menciptakan kembali, melihat materi (warna, suara, kata) konten ideologis karya seni. Kemampuan melihat dan mengalami ini memerlukan usaha dan persiapan. Sampai batas tertentu, persepsi adalah kreasi bersama, yang hasilnya adalah gambaran artistik yang dapat sangat menggairahkan dan mengejutkan seseorang, sekaligus memberikan dampak pendidikan yang sangat besar baginya.