Sarana ekspresi musik. Konsep gambar musik
PENDIDIKAN TAMBAHAN
SEKOLAH MUSIK ANAK
KABUPATEN SHCHELKOVSKY, WILAYAH MOSKOW
Pesan metodis
dengan topik: “Ekspresifitas pertunjukan sebagai sarana persepsi emosional terhadap musik”
Guru Sekolah Musik Anak MBUDO ShchMR MO
Andreeva T.P.
1. Penelitian teoritis dalam pembangunan ekspresi musik pertunjukan oleh anak-anak sekolah yang lebih muda bermain piano.
2. Persepsi emosional terhadap musik.
3. Pewarnaan timbre musik.
4. Mewujudkan perwujudan ekspresi musik
Kesimpulan.
Perkenalan
Di zaman kita, ketika tugas kebangkitan spiritual masyarakat menjadi sangat mendesak, seni musik memecahkan masalah memanusiakan pendidikan anak sekolah. Oleh karena itu, di sekolah modern, pendidikan estetika harus menjadi arah prioritas dalam pengembangan kepribadian seseorang. Musik selalu diakui sebagai sarana penting untuk membentuk kualitas pribadi manusia, dunia spiritualnya. Penelitian ilmiah modern menunjukkan bahwa pendidikan musik memiliki pengaruh yang sangat diperlukan perkembangan umum anak: membaik bidang emosional, kemampuan mental diasah: mental (berpikir, imajinasi, ingatan, perhatian, persepsi) dan proses analitis (analisis, sintesis, pemodelan, penataan, logika, perbandingan), dilakukan perkembangan fisik anak (keterampilan motorik jari, tangan, ekspresi wajah, plastisitas dan koordinasi gerakan). Seni musik memberikan peluang yang sangat besar bagi perkembangan dunia batin anak, kualitas spiritual dan estetikanya. Pendidikan musik merupakan sarana pembentukan kepribadian. Pengembangan budaya emosional anak sekolah melalui musik merupakan tujuan mendasar dari pendidikan estetika.
Pendekatan ini khas untuk zaman modern pedagogi musik. Hal ini didasarkan pada kekhasan musik sebagai suatu bentuk seni, pada kekhasan isi seni musik. Musik mencerminkan realitas dalam gerak, dalam dinamika perkembangan. Seperti halnya bentuk seni lainnya, pusat gerakan ini adalah seseorang dengan pemikirannya, persepsi subjektifnya terhadap realitas yang ada secara objektif.
Bagian integral dan integral dari pendidikan musik adalah mengajar anak-anak memainkan alat musik (dalam kasus kami, piano) dan, karenanya, mengembangkan ekspresi musik dalam pertunjukan karya. Masalah pengembangan ekspresi musik dalam penampilan piano anak-anak adalah masalah yang kompleks dan beragam. Masalah ini menarik dan menarik perhatian perwakilan dari berbagai cabang ilmu pengetahuan dan seni - psikolog, guru, ahli musik. Aspek psikologis dari masalah ini dicakup dalam studi S.L. Rubinshteina, L.S. Vygotsky, A.N. Leontyev dan lainnya, serta dalam karya musisi-psikolog B.M. Teplova, B.V. Asafieva, V.G. Razhnikova, L.L. Bochkareva, A.V. Vitsinsky dan lainnya. Masalah metodologis terungkap dalam karya-karya guru-musisi seperti G.G. Neuhaus, J.Milshtein, S.I. Savshinsky, L.A. Barenboim, AD Artobolevskaya, S.S. Lyakhovitskaya, G.M. Tsypin, B.E. Milich, T.B. Yudovina-Galperina dan lainnya.
Hampir tidak ada kebutuhan untuk membuktikan bahwa pengajaran piano kepada anak-anak sekolah yang lebih muda harus ditujukan, pertama-tama, untuk mengembangkan kepekaan terhadap bahasa musik, kemampuan untuk merespons secara emosional, dan pemikiran artistik dan figuratif yang asosiatif.
Kemampuan-kemampuan tersebut merupakan syarat yang diperlukan bagi terbentuknya kepribadian yang berkembang secara menyeluruh. .
Untuk membentuk persepsi estetis terhadap musik, serta untuk mengembangkan kemampuan menampilkan karya musik, penting tidak hanya membedakan sarana ekspresi musik individu, tetapi juga memahami isi musik dan mengalaminya. DB Kabalevsky menarik perhatian para guru pada fakta bahwa musik hanya akan memenuhi peran estetika, kognitif, dan pendidikannya ketika anak-anak benar-benar belajar mendengarkan dan memikirkannya. Setiap siswa pertama-tama harus diajari mendengarkan musik, tertarik, mempersepsikan secara mendalam apa yang didengarnya, sehingga ia mempunyai kebutuhan untuk mengungkapkan perasaannya dalam penampilannya sendiri. B.M. Teplov dalam karyanya “Psychology of Musical Abilities” menulis: “Dasar dari sebuah karya musik adalah perasaan, emosi, suasana hati. Musik adalah jalan untuk memahami dunia perasaan manusia. Musik tanpa ekspresi tidak lagi menjadi seni. Musik ekspresif memiliki dampak emosional yang kuat, membangkitkan perasaan baik dalam diri seseorang, menjadikannya lebih tinggi, lebih bersih, lebih baik, karena dalam sebagian besar hal hal itu menyiratkannya. pahlawan positif
, emosi yang luhur." pemikiran asosiatif.
Kekayaan imajinasi dan ide-ide asosiatif dapat memperkaya dan menyuburkan ide seorang musisi. Pemikiran asosiatif membantu mengidentifikasi gambaran dan ekspresi konsep komposer. Pemahaman ideologis terhadap isi sebuah karya musik memberikan dorongan bagi pemikiran pelakunya. Namun penting untuk diingat bahwa pemahaman ini, pemikiran-pemikiran ini sangat bergantung pada pendidikan musik, pada budaya perasaan yang mengandaikan reaksi positif, penilaian estetika yang benar terhadap sebuah karya seni yang bernilai obyektif.
Oleh karena itu, untuk membentuk kepribadian yang berkembang secara harmonis, perlu dikembangkan ranah emosional dan estetika siswa. Namun hal ini tidak dapat dilakukan tanpa mengembangkan ekspresi pertunjukan musik.
Terlepas dari pentingnya masalah ini, pengamatan dalam praktik menunjukkan bahwa ketika mengajar anak-anak bermain piano, perhatian yang kurang sering diberikan pada pengembangan ekspresi musik. Hal ini khususnya disebabkan oleh analisis dan kajian teks karya yang panjang, konsentrasi metode pengajaran pada sisi teknis pembelajaran dan pertunjukan materi musik, kurangnya perhatian guru terhadap pengembangan kehalusan pendengaran, visual. dan perasaan siswa lainnya, ketidaktahuan atau ketidakmampuan anak dalam menggunakan sarana ekspresif saat bermain. Akibatnya, kesempatan untuk menggarap ekspresi musik lebih lama saat menampilkan karya musik menjadi hilang.
Penelitian teoritis di bidang pengembangan ekspresi musik pertunjukan.
Selanjutnya saya ingin membahas esensi konsep tersebut "ekspresi musik pertunjukan"
Musik, seperti setiap bentuk seni, mempunyai karakteristiknya sendiri, konvensinya sendiri, ciri spesifiknya sendiri. Pada saat yang sama, musik memiliki kualitas inheren yang menyatukannya dengan seni lainnya; dengan kata lain, musik mematuhi hukum umum seni. Prinsip utama dari hukum-hukum ini adalah bahwa seni apa pun adalah cerminan realitas objektif yang diwujudkan dalam gambar artistik oleh kesadaran manusia.
Citra seni pada umumnya dan citra musik pada khususnya merupakan fenomena yang sangat kompleks, yang ternyata merupakan hasil aktivitas berbagai macam persepsi, pemahaman dan kreativitas orang.
Musik mempengaruhi sarana ekspresif yang kompleks. Ini mencakup struktur harmonik, timbre, dinamika, ritme meteran, dan tempo. Semua ini menyampaikan suasana hati, gagasan utama sebuah karya musik, dan membangkitkan asosiasi dengan fenomena kehidupan dan pengalaman manusia.
Beralih ke kehidupan mental dan spiritual seseorang, kita akan melihat bahwa segala sesuatu berhubungan langsung dengan aktivitas dan apa yang memanifestasikan dirinya secara eksternal dapat disebut ekspresif tanpa syarat apa pun. Jadi, katakanlah, wajah seseorang paling jelas dan mendalam mencerminkan kehidupan mental pemiliknya. Oleh karena itu, kita berbicara, dengan satu atau lain cara, tentang ekspresi wajah manusia atau bagian-bagiannya - mata, mulut, hidung, alis. Suara seseorang mencerminkan emosi, temperamen, dan karakter manusia dengan paling dalam dan jelas. Oleh karena itu, kita tak jarang membicarakan tentang ekspresi suara manusia.
Konsep “ekspresif” bersifat ambigu dalam penggunaannya. Jadi, dalam kamus bahasa Rusia konsep ini didefinisikan sebagai “mengekspresikan sesuatu dengan baik, cerah dalam sifat-sifatnya, penampilannya.
Ekspresi - penampilan, mencerminkan keadaan internal". Konsep "ekspresif" dapat digantikan dengan konsep "ekspresif". Dalam kamus psikologi, konsep "ekspresi" adalah kata Latin "ekspresi" (dari bahasa Latin expressio - ekspresi) - ekspresi; kekuatan manifestasi perasaan dan pengalaman. Reaksi ekspresif, mis. ekspresif adalah manifestasi eksternal dari emosi dan perasaan seseorang.
Dalam kamus ensiklopedis istilah " penampilan musik" diartikan sebagai " proses kreatif rekreasi suatu karya musik dengan berbagai sarana pertunjukan, interpretasi artistik (interpretasi) suatu komposisi musik, pengisian ulang musik. Hal ini terkait dengan karakteristik individu dan kemampuan teknis pemain, yang diwujudkan dalam dinamika, penyimpangan tempo, artikulasi, frase, dan berbagai metode produksi suara. Pertunjukan sekolah, gaya, tren mencerminkan sejarah, sosial dan ciri-ciri nasional
Aktivitas pertunjukan mengandung peluang besar untuk mengungkapkan karakteristik individu; aktivitas ini memaksimalkan kemandirian dan membangun hubungan asosiatif yang diperlukan. Tujuan utama dari kegiatan pertunjukan adalah penetrasi mendalam ke dalam isi karya, pemahaman dan transmisi tentang apa yang merupakan dunia spiritual komposer, emosinya dan pemahamannya tentang realitas. Pengungkapan isi suatu karya tidak mungkin dilakukan tanpa menemukan bunyi yang diinginkan, yang terjamin dengan adanya keterkaitan yang erat antara gagasan musikal dan pendengaran dengan keseluruhan sistem pertunjukan pengetahuan, kemampuan, keterampilan, serta kemampuan pelaku dalam mengungkapkan perasaan dan perasaannya. emosi.
Berdasarkan uraian di atas, kita dapat merumuskan konsep “ekspresi musikal pertunjukan” sebagai cerminan keadaan emosi internal pelakunya.
Apa persepsi emosional terhadap musik?
Persepsi emosional terhadap musik.
Pengalaman emosional selalu disertai dengan perubahan yang kurang lebih besar pada aktivitas sistem saraf, sistem otot, jantung, pernapasan, dll. Emosi dapat menutupi seluruh tubuh manusia, mengacaukan atau sebaliknya meningkatkan fungsinya. Reaksi emosional juga diwujudkan dalam gerakan eksternal, ekspresif atau ekspresif. Bahasa emosi adalah seperangkat tanda ekspresif universal, serupa untuk semua orang, yang mengekspresikan keadaan emosi tertentu. Dunia emosional seseorang bukan sekedar gambaran yang indah. Jiwa manusia bersatu dan holistik, semuanya diresapi dengan pengalaman emosional.
Emosi anak berkembang melalui aktivitas dan bergantung pada isi dan struktur aktivitas tersebut. Dalam proses kegiatan bermusik, siswa mengembangkan kebutuhan dan minat baru. Mereka mulai tertarik tidak hanya pada hal-hal sempit yang berhubungan langsung dengan pemenuhan kebutuhan organiknya akan makanan, kehangatan, dan perawatan fisik. Minat mereka meluas ke objek yang lebih luas di sekitarnya, fenomena, peristiwa, pengalaman emosional menjadi lebih cerah, lebih kompleks dan lebih bermakna.
Perkembangan perasaan dan emosi siswa merupakan tugas pedagogi terpenting seorang guru musik
Khususnya sangat penting Saat berlatih seni, guru memberikan dampak emosional pada siswanya. Guru menyampaikan kepada siswa sikapnya terhadap musik, terhadap karya yang dipelajari, semangatnya yang tulus, kegembiraannya. Kekuatan dan kedalaman pengaruh gambar artistik tidak hanya meninggalkan bekas di benak anak-anak, tetapi terkadang juga menentukan tindakan dan penilaian moral mereka. Gambaran artistik dari karya musik yang dibawakan membangkitkan perasaan estetis pada anak dan membunyikan dawai jiwa yang paling dalam. Anak-anak selalu merasakan perasaan gembira, cinta, sedih, kasih sayang, keceriaan, keberanian yang tercermin dalam gambar musik – segala sesuatu yang bersifat manusiawi yang dibawakan musik dalam gambarnya.
Adalah suatu kesalahan untuk berpikir bahwa mengerjakan ekspresi dan emosionalitas pertunjukan adalah tahap sekunder dalam mengerjakan sebuah karya. Keterampilan dan kemampuan terbentuk lebih berhasil jika dibebani secara emosional. Sejak awal pekerjaan, Anda perlu mencari suara yang ekspresif, berusaha untuk menekankan fitur genre saat tampil, pemilihan pukulan yang tepat, suara dinamis, penyimpangan tempo, dll.
Inti dari permainan ekspresif adalah menghidupkan setiap suara. Setiap nada dicatat dalam kesadaran dan perasaan. Tapi ini bukan analisis, tapi seolah-olah dilakukan melalui diri sendiri. Untuk memainkan musik Anda perlu melibatkan seluruh diri Anda. Ekspresif terjadi ketika setiap frasa datang dari hati pelaku dan menembus jiwa pendengar - “mengetuk hati.” Pada tingkat intonasi pribadi inilah pendengar “terinfeksi” - respons emosional terjadi.
Permainan ekspresif tidak bisa tidak mengandalkan pemahaman batin. Ekspresivitas dimulai dengan menembus permukaan teks musik sampai kedalaman tertentu. Dan dari sana, setiap nada dan setiap frasa diramaikan dan diterangi. Musisi yang benar-benar ekspresif menyentuh pendengarnya secara langsung dengan suaranya.
Pewarnaan timbre suara
Suara langsung berarti suara yang dibawakan memancarkan semacam energi. Bunyi tersebut “memberi isyarat” kepada pendengarnya bahwa ia hidup, gemetar, bergoyang, dan mengkomunikasikan sesuatu tentang dirinya. Energi dalam suara live mengandung banyak komponen emosional yang berbeda. Suara langsung diperoleh jika masuk akal bagi pemain itu sendiri. Jika, katakanlah, jari-jari mengeluarkan bunyi secara acuh tak acuh, secara mekanis, tanpa disadari, maka bunyi tersebut adalah benda mati. Ketika kita ingin melanjutkan suara melalui jari-jari kita, jari-jari kita menjadi bernapas dan hidup, memancarkan energi kita, daya hidup dan mengirimkannya, - maka suaranya menjadi hidup.
Semua orang mengacungkan jari. Saat mulai berlatih suatu alat musik, seorang siswa sering kali memainkan jari “orang lain”. Menurut metode pengajaran permainan tradisional, guru paling memperhatikan gerakan eksternal. Baginya, akumulasi pengetahuan musik adalah fondasi yang kemudian ia rencanakan untuk membangun elemen artistik yang lebih halus.
Musik yang dibawakan, seperti kita ketahui, sampai taraf tertentu diwarnai oleh perasaan kita. Namun tidak hanya sekedar dicat. Perasaan mewakili salah satu lapisan pertunjukan musik.
Gambaran bunyi yang timbul dalam proses reproduksi gagasan, pikiran, dan perasaan yang terkandung dalam sebuah karya secara organik termasuk dalam gagasan musikal dan pendengaran yang dibentuk oleh pelaku dalam proses berkarya dan kemudian oleh pendengarnya. Apa yang pada awalnya bersifat samar-samar, lambat laun, seiring dengan penguasaan teknis karya tersebut membantu memahami isinya, mulai mengambil bentuk suara yang semakin konkrit dan jelas. Peralatan teknis bahkan kemurnian produksi suara dan keakuratan ritme belum menjamin bahwa pertunjukan tersebut dinilai sebagai “musikal”. Pewarnaan suara, kombinasi cahaya dan bayangan terbaik, hubungan corak dinamis, kebermaknaan ungkapan - inilah yang menentukan dalam definisi ini.
Pertunjukan musik yang ekspresif ditentukan oleh perkembangan persepsi musik dan pendengaran yang terbentuk dalam proses pengerjaan sebuah karya.
Ekspresifitas musik mempunyai dasar yang kuat. Pertama-tama, musik mampu menyampaikan pengalaman seseorang dengan sangat jelas dan mendalam - sejauh pengalaman tersebut menemukan perwujudan suara dalam kehidupan itu sendiri. (Dalam kehidupan, seseorang, bahkan orang yang sangat khawatir, dapat tetap diam. Namun dalam musik, orang tersebut hanya dapat digambarkan seolah-olah sedang mengekspresikan emosinya dengan suara). Instrumen utama manifestasi tersebut adalah suara manusia, yang intonasinya sangat beragam dan beragam yang mampu mengekspresikan perasaan, pengalaman, dan suasana hati manusia. Intinya, semua musik - vokal, instrumental, kamar, dan simfoni - dipenuhi dengan intonasi musikal dari suara atau suara manusia. Fakta dominasi intonasi vokal manusia dalam musik membenarkan esensi seni musik yang dominan ekspresif. Sebagian besar intonasi vokal yang tercermin dalam musik adalah intonasi ucapan, tetapi sebagian besar dilengkapi dengan intonasi non-ucapan (intonasi desahan, erangan, isak tangis, tawa, dll.). Mengekspresikan suasana hati emosional, nada, karakter, dan temperamen pengalaman melalui intonasi.
Hubungan musik yang paling dekat dan eksklusif dengan ekspresi suara manusia berada di bawah semua sumber ekspresi musik lainnya.
Musik secara peka dan jujur menyampaikan nuansa intonasi suara manusia.
Musik dengan baik dan sepenuhnya mengekspresikan emosi manusia, gerakan spiritual manusia - kesedihan, kegembiraan, kelembutan, kekuatan, dll. Tapi dia menggambarkannya dengan baik dan lengkap. Apa yang dimaksud dengan menggambarkan kesedihan atau kegembiraan dalam musik (dengan musik)? Artinya menuangkan ekspresi mereka ke dalam bentuk konkrit intonasi melodi, ritme, harmoni, dan warna nada. Ketika kita mendengarkan musik, kita mengatakan bahwa musik itu mengungkapkan kesedihan atau kegembiraan, karena musik tersebut menggambarkan kesedihan atau kegembiraan. intonasi melodinya, ritme, harmoni, warna nadanya secara khusus mewujudkan emosi kesedihan atau kegembiraan, mirip dengan perwujudan kesedihan atau kegembiraan dalam suara ekstra-musik, dalam suara manusia, pertama-tama. Jika kita menangkap tangisan kegembiraan atau rintihan kesedihan dalam musik apa pun, ini berarti tangisan dan rintihan tersebut mirip dengan tangisan dan rintihan dalam kehidupan itu sendiri. Oleh karena itu, dengan berekspresi, musik selalu menggambarkan, dan dengan menggambarkan, ia mengekspresikan. Pemandangan laut dalam musik, kicauan burung - di satu sisi bersifat visual dan ekspresif di sisi lain. Penting sekali untuk melihat dan memahami bahwa pengembangan, pendalaman, dan perluasan ekspresi musik hanya dapat dicapai melalui pengembangan, pendalaman, dan perluasan visualisasinya. Seluruh sejarah musik dengan jelas menunjukkan hal ini.
fenomena.
Mengingat sejarah perkembangan sarana ekspresif dan visual musik, sejarah musik tidak boleh dipisahkan dari sejarah seni dan budaya manusia pada umumnya. Pemikiran musikal tidak berkembang secara terpisah, tetapi berhubungan erat dengan cabang pemikiran manusia lainnya, aktivitas manusia, dan kesadaran artistik manusia. Pengayaan citraan musik senantiasa terjadi karena perluasan asosiasi dan analogi yang disebabkan oleh bidang aktivitas berbagai indera.
Pertunjukan realisasi ekspresi musik.
Karya piano para komposer, yang ditujukan untuk dibawakan oleh anak-anak, mengungkapkan wilayah perasaan dan pikiran manusia. Penetrasi ke area ini tidak selalu mudah, sederhana atau cepat. Perhatian pemain dan pendengar tercerai-berai oleh kompleksitas bahasa musik dan teknik pianistik. Agar pertunjukan menjadi benar-benar menarik dan bersemangat, pianis harus sepenuhnya mengungkapkan kekhasan musik dan ciri khas artistik gaya piano.
Bidang media musik dan visual menempati tempat khusus. Melalui karakteristik suara tertentu, siswa memahami makna pidato musikal dan area yang lebih sulit bagi mereka - ekspresi musik. Penekanan pada sifat visual musik harus dilakukan, memperkenalkan siswa pada tingkat generalisasi semantik yang lebih tinggi - sikap terhadap apa yang digambarkan, ekspresi suasana hati, seolah-olah tahap selanjutnya dalam pengembangan ekspresi. Ada dua arah yang memungkinkan isi musik dapat diakses oleh pemahaman anak: ekspresi karakter (suasana hati seseorang, kesannya terhadap persepsi gambar alam, karakter dan perilaku hewan) dan penggambaran beberapa karakteristik suara dari dunia sekitarnya.
Tempat khusus ditempati oleh pengalaman siswa (bersama guru) mengkonstruksi program dasar lakon yang dibawakan, berdasarkan judul, teks puisi, dan lain-lain.
Citra suara (onomatopoeia) adalah cara paling sederhana untuk menciptakan kembali gambar dunia yang dapat didengar dengan suara. Ada cukup banyak contoh karya seperti itu dalam literatur piano anak-anak: “Two Roosters” oleh S. Razorenov, “On Elephants in India” oleh A. Gedike dan lain-lain.
Kesadaran akan ekspresi musik mengarahkan siswa pada fakta bahwa dasar dari konten musik adalah ekspresi dunia batin seseorang. Pada tahap awal kesadaran akan fenomena musik, kata "suasana hati" tersedia bagi siswa, serta "karakter", atau lebih tepatnya, ciri utamanya, yang dirasakan dengan jelas (hidup, ceria, sedih). Dengan mendefinisikan karakter dan suasana musik, siswa mau tidak mau mengasosiasikannya dengan serangkaian emosi manusia, khususnya emosi yang ia sendiri kenali.
Ini adalah bagaimana salah satu pemahaman terpenting dalam pendidikan seni terjadi - pembentukan hubungan asosiatif antara fenomena musik dan pengalaman hidup seseorang.
Saat mengerjakan pertunjukan ekspresif suatu karya, Anda dapat menggunakan persamaan emosional dan keseharian, perbandingan artistik. Di sini hubungan tetap tertentu terbentuk antara suara musik dan keadaan emosi.
Penting bagi siswa untuk memahami makna seluruh komponen intonasi yang membentuk karakter musik (garis melodi, mode, ritme, dinamika), serta menyadari interaksinya dalam teks sastra. Dalam drama individu, disarankan untuk mengenali dan menyampaikan secara performatif komponen intonasi yang sangat penting yang menentukan karakter musik (ketajaman detik-detik dalam “The Hedgehog” karya D. Kabalevsky).
Mengerjakan interpretasi kinerja karya musik memberikan kesempatan kepada guru untuk mempengaruhi imajinasi dan fantasi siswa, untuk mengungkapkan emosinya. Kreativitas bersama antara guru dan siswa, yang muncul dalam proses pembelajaran individu, membantu mencapai sikap aktif dan aktif anak terhadap musik, kekaguman dan kegembiraan berkomunikasi dengannya.
Kesimpulan
Semua hal di atas memungkinkan kita untuk mengatakan bahwa perkembangan sikap emosional terhadap musik, terhadap seni pada umumnya dan seni musik pada khususnya, perkembangan kesan emosional yang jelas yang menciptakan kondisi bagi lahirnya kehidupan dan asosiasi seni adalah dukungan utama dalam pengembangan ekspresi musik pertunjukan piano. Perkembangan ekspresi musik pertunjukan juga harus diperhatikan dalam kombinasi dengan akumulasi pengetahuan mereka di bidang seni musik dan dengan pembentukan keterampilan dalam penguasaan teknik pianistik.
Referensi:
1.V. Bardas “Psikologi teknik bermain piano.” M. “Muzgiz”.
2. LA Barenboim “Prinsip-prinsip piano-pedagogis F. M. Blumenfeld.” M. "Musik", 1964.
3. J. Gat “Teknik bermain piano.” Moskow-Budapest, 1957.
4. I. Kryzhanovsky “Dasar fisiologis teknik piano.”
5.N.Medtner" Pekerjaan sehari-hari pianis dan komposer", M., 1965.
6. G. Neuhaus “Tentang seni bermain piano.” M., “Musik”, 1967.
7. A. Shmidt-Shklovskaya “Tentang pendidikan keterampilan pianistik.” L., “Musik”, 1971.
Kementerian Pendidikan dan Ilmu Pengetahuan Wilayah Samara
GOU SIPCRO
Gimnasium lembaga pendidikan kota No.3 Samara
Pengembangan metodologi pada topik:
“Mengerjakan sarana ekspresi musik
sebagai dasar pengungkapan citra artistik
dalam karya paduan suara"
Dilakukan:
guru musik Gimnasium Institusi Pendidikan Kota No.3
pergi. Samara
Nesterova I.V.
Samara 2016
Pendahuluan…………………………………………………………………………………...3
Konsep “gambar artistik” 7
Aspek psikologis dan pedagogis dalam bekerja dengan siswa…………………15
Model pengerjaan gambar artistik karya paduan suara dalam pelajaran musik…………………………………………………………………………………19
Kesimpulan………………………………………………………………………………….28
Referensi……………………………………………………………29
Perkenalan
Relevansi masalah. Dalam semua jenis seni, konsep ideologis sebuah karya diterjemahkan ke dalam gambar artistik, dan terkadang ke dalam keseluruhan sistem gambar. Perumpamaan adalah ciri umum seni, dan setiap jenis seni mempunyai sarana pencitraan artistiknya sendiri-sendiri. Citra artistik muncul dalam proses interaksi berbagai sarana ekspresi, yang masing-masing menerima makna tertentu hanya dalam hubungan umumnya (dalam konteks) dan bergantung pada keseluruhan.
Musik adalah seni ekspresi suara, sejenis pemikiran dengan gambaran suara. “”Bahasa musik” itu sendiri,” pidato musik“adalah hasil yang dikembangkan seseorang dalam proses perkembangan sejarah kemampuannya berpikir artistik imajinatif. Oleh karena itu, jika suatu gambar seni diekspresikan dengan menggunakan sarana ekspresi yang khusus untuk setiap jenis seni, maka gambar itu sendiri pada gilirannya menentukan makna dari setiap sarana ekspresi dan sifat interaksinya” 1 .
Tentu saja, pada berbagai tahap pengerjaan karya paduan suara dalam pelajaran musik, peran elemen artistik dan teknis menjadi ambigu. Pada tahap pembelajaran biasanya aspek teknis lebih mendominasi, dan pada tahap penyelesaian artistik lebih banyak perhatian diberikan pada sarana pertunjukan yang ekspresif. Namun, peneliti terkemuka di bidang teori dan praktik pertunjukan paduan suara (V.L. Zhivov, S.A. Kazachkov, G.P. Stulova, dll.) fokus pada fakta bahwa penyelesaian masalah teknis harus dikombinasikan dengan proses penguasaan maksud artistik dari komposer : “pada setiap tahap pembelajaran sebuah karya, konduktor harus melihat ke depannya tujuan utama- dengan ahli mengungkapkan esensi ideologis dan artistik dari karya tersebut dan menghubungkan tugas-tugas teknis langsung dengan tujuan ini” 2.
Penetrasi ke dalam esensi struktur figuratif sebuah karya paduan suara terutama dikaitkan dengan sikap teliti dalam membaca teks musik, pelaksanaannya yang tepat sesuai dengan semua instruksi penulis. Mengabaikan detail dalam teks musik dan instruksi penulis menciptakan kondisi untuk penafsiran sewenang-wenang terhadap karya tersebut, kurangnya pemahaman pelaku tentang kedalaman sebenarnya dari isinya. Berkaitan dengan hal tersebut, V.L. Zhivov menekankan bahwa dalam proses menggarap sebuah karya paduan suara perlu dipahami secara mendalam dan komprehensif esensi ekspresif dari sarana pertunjukan individu, teknik dan pola dampak artistiknya: “jika untuk pembelajaran teknis sebuah karya dengan paduan suara cukup memiliki keterampilan choirmaster dan teknik metodologis karya paduan suara, maka itu tidak cukup untuk “pementasan” sebuah karya musik. Yang dibutuhkan di sini adalah bakat seni, budaya, kehalusan persepsi, imajinasi, fantasi, rasa, dan emosionalitas” 3 . Niat pengarang tidak dapat dipahami hanya secara intuitif - “seseorang dapat secara intuitif mengutarakan menurut pola tertentu karya-karya yang sesuai dengan suasana hati pelakunya” 4. Untuk pertunjukan seni diperlukan analisis yang mendalam terhadap karya, pengetahuan tentang zaman, gaya pencipta, kekhasan pemikirannya: “dari pengetahuan, intuisi akan diperkaya, imajinasi seniman akan mendapat makanan, gambar artistik akan memperoleh makna dari fenomena nyata”5. Seperti yang ditulis S.H. Rappoport, “hanya mereka yang tertular, bersemangat, terpikat oleh karya tersebut, membawa kegembiraan pribadi, membuat mereka sangat khawatir, berpikir keras, dan dengan cara ini mengarah pada kesimpulan, penilaian tertentu, yang dapat memahami secara mendalam konten artistik” 6 .
Berkaitan dengan hal tersebut, banyak peneliti di bidang praktik pertunjukan musik yang memperhatikan perlunya menumbuhkan kemandirian siswa dalam memahami maksud artistik suatu karya musik. Jadi, L.N. Oborin berkata kepada muridnya: “Saya bermain secara berbeda di sini, tetapi jika Anda berhasil dengan meyakinkan, Anda bisa bermain dengan cara Anda sendiri.” Penting bagi guru untuk terus-menerus mendorong siswa untuk menemukan solusinya sendiri dalam memahami makna mendalam dari karya tersebut. “Jalan yang lebih sulit, tetapi juga lebih bermanfaat adalah jalur membimbing aktivitas mental mandiri siswa. Berbeda dengan pengajaran langsung, ini adalah jalur pendidikan, jalur pengembangan itu sendiri berpikir mandiri» 7.
Tujuan dari proyek kami– mempelajari aspek teoritis dan praktis dari masalah yang dikerjakan secara artistik dan membentuk model pengerjaan gambar artistik karya paduan suara dalam pelajaran musik di sekolah.
Sesuai dengan tujuan yang kami rumuskan tugas:
mengidentifikasi ciri-ciri “gambar artistik” karya paduan suara;
menganalisis aspek psikologis dan pedagogis dalam mengerjakan gambar artistik sebuah karya paduan suara dalam pelajaran musik dengan siswa remaja;
untuk mengidentifikasi secara spesifik pengerjaan gambar artistik sebuah karya paduan suara pada pelajaran musik di sekolah dan untuk membentuk model pengerjaan dengan siswa remaja.
Dalam penelitian kami, kami mengandalkan karya ilmiah berikut:
dalam musikologi: Asafieva B.V., Kremleva Yu.A., Lavrentieva I.V., Mazel L.A., Medushevsky V.V., Ogolevets A.S., Kholopova V.N.;
dalam psikologi: Kirnarskaya D.K., Kona I.S., Kulagina L.Yu., Mukhina V.S., Obukhova L.F., Petrovsky A.V., Petrushin V.I., Teplova B.N.;
tentang teori dan praktek pertunjukan paduan suara: Zhivova V.L., Kazachkova S.A., Nikolskaya-Beregovskaya K.F., Pazovsky A.M., Sheremeteva N., Yurlova A.A., Stulova G.P.;
dalam pedagogi dan metodologi vokal: Varlamova A., Daletsky O.V., Dmitrieva L.B., Zdanovich A., Lukanina V., Malinina E.A., Morozova V.P., Orlova N.D.
Dalam literatur ilmiah terdapat banyak definisi tentang konsep “gambar artistik”. Dalam karya kami, kami mengandalkan definisi F.V. Konstantinov: “gambar artistik adalah metode dan bentuk penguasaan realitas dalam seni, kategori universal kreativitas artistik” 8 dan V.M. mengkarakterisasi seni yang khusus dan melekat adalah cara menguasai dan mentransformasikan realitas. Gambar juga disebut fenomena apa pun yang diciptakan kembali secara kreatif dalam sebuah karya seni (terutama sering kali - aktor atau pahlawan sastra)" 9 .
Di antara kategori estetika lainnya, kategori gambar artistik relatif terlambat muncul. Dalam estetika kuno dan abad pertengahan, yang tidak membedakan seni ke dalam bidang khusus, seni dicirikan terutama oleh kanon - seperangkat rekomendasi teknologi. Kategori gaya yang berkaitan dengan gagasan sisi aktif seni, hak seniman untuk membentuk suatu karya sesuai dengan prakarsa kreatifnya dan hukum suatu jenis seni atau genre tertentu, kembali ke estetika antroposentris. Renaisans (tetapi kemudian ditetapkan dalam terminologi - dalam klasisisme). Kategori citra artistik terbentuk dalam estetika Hegel. Dalam doktrinnya tentang bentuk (simbolis, klasik, romantis) dan jenis seni, Hegel menguraikan berbagai prinsip untuk membangun citra artistik sebagai Berbagai jenis hubungan “antara gambar dan ide” dalam urutan historis dan logisnya.
Dalam perjalanan sejarah perkembangan citra artistik, hubungan antara komponen utamanya berubah: tujuan dan semantik. " Nasib sejarah gambar karena kekayaan artistiknya. Ini adalah kehidupan gambar selama berabad-abad, kemampuannya untuk membentuk lebih banyak hubungan baru dengan dunia fenomena tertentu, untuk dimasukkan dalam berbagai sistem filosofis dan untuk dijelaskan dari dalam masyarakat dan gerakan yang berbeda yang menjadi dasarnya. dari proses implementasi “praktis” yang terus berlangsung” 10 .
Dalam gambaran artistik, prinsip objektif-kognitif dan subjektif-kreatif menyatu erat. “Sebagai cerminan realitas, gambar, pada tingkat tertentu, diberkahi dengan keandalan, perluasan ruang-waktu, kelengkapan objektif dan swasembada serta sifat-sifat lain dari satu objek yang benar-benar ada” 11. Namun, gambar tersebut tidak dapat dicampur benda nyata, karena dipisahkan oleh kerangka konvensi dari seluruh realitas di sekitarnya dan termasuk dalam dunia kerja internal yang “ilusi”. Gambaran tersebut tidak hanya merefleksikan, namun juga menggeneralisasi realitas, mengungkapkan hal-hal yang esensial dan tidak dapat diubah dalam satu pengertian tunggal yang bersifat sementara.
Sifat kreatif dari gambar, seperti halnya kognitif, memanifestasikan dirinya dalam dua cara:
“Gambar artistik adalah hasil aktivitas imajinasi, yang menciptakan kembali dunia sesuai dengan kebutuhan dan aspirasi spiritual manusia yang tidak terbatas, aktivitasnya yang bertujuan, dan cita-cita holistiknya. Dalam gambaran, bersama dengan apa yang ada secara obyektif dan esensial, apa yang diinginkan, diasumsikan, yaitu segala sesuatu yang berhubungan dengan lingkup keberadaan yang subyektif, emosional-kehendak, potensi-potensi internalnya yang tidak terwujud” 12 ;
“berbeda dengan gambaran mental murni fantasi, dalam gambar artistik transformasi kreatif dari materi nyata dicapai: warna, suara, kata-kata, dll., satu “benda” (teks, gambar, pertunjukan) diciptakan, menempati keistimewaannya tempat di antara objek-objek dunia nyata. Setelah diobjektifikasi, citra tersebut kembali ke realitas yang digambarkannya, namun tidak lagi sebagai reproduksi pasif, namun sebagai transformasi aktif dari citra tersebut”13.
Menurut keumuman semantiknya, gambar dibedakan menjadi individu, ciri, tipikal, motif gambar, topoi, dan arketipe. Perbedaan yang jelas antara jenis gambar ini diperumit oleh fakta bahwa gambar tersebut juga dapat dianggap sebagai aspek yang berbeda satu gambar, dan sebagai hierarki tingkat semantiknya (individu, seiring pendalamannya, berubah menjadi karakteristik, dll.). Gambar individu diciptakan oleh imajinasi seniman yang orisinal dan terkadang aneh dan mengekspresikan ukuran orisinalitas dan keunikannya. Gambaran ciri mengungkapkan pola kehidupan sosio-historis, menangkap moral dan adat istiadat yang umum pada suatu zaman dan lingkungan tertentu. Khas adalah tingkat kekhususan tertinggi, berkat gambaran-gambaran khas yang menyerap ciri-ciri esensial dari ciri-ciri historis dan sosial yang konkrit, pada saat yang sama melampaui batas-batas zamannya dan memperoleh ciri-ciri universal manusia, mengungkapkan sifat-sifat manusia yang stabil dan abadi. alam. Seperti misalnya gambaran abadi Don Quixote, Hamlet, Faust, gambaran khas Tartuffe, Oblomov, dan lain-lain. Ketiga jenis gambaran ini (individu, ciri, tipikal) diisolasi dalam lingkup keberadaannya, yaitu, sebagai suatu peraturan, karya-karya tersebut merupakan ciptaan kreatif dari seorang penulis dalam satu karya tertentu (terlepas dari tingkat dampak lebih lanjutnya terhadap proses sastra). Tiga ragam berikutnya (motif, topos, arketipe) digeneralisasikan bukan menurut isi sejarah nyata yang “tercermin”, tetapi menurut bentuk yang bersyarat, berkembang secara budaya, dan tetap; oleh karena itu, mereka dicirikan oleh stabilitas penggunaannya sendiri, yang melampaui lingkup satu pekerjaan. Motif adalah gambaran yang diulang-ulang dalam beberapa karya oleh satu atau banyak pengarang, yang mengungkapkan preferensi kreatif pengarang atau keseluruhannya arah artistik. Topos (“tempat bersama”) adalah gambaran yang sudah menjadi ciri seluruh kebudayaan pada suatu periode atau bangsa tertentu. Ini adalah puncak jalan atau musim dingin bagi budaya Rusia (A. Pushkin, N. Gogol, A. Blok, G. Sviridov, V. Shebalin, dll.). Dalam sebuah topik, yakni sekumpulan gambar topoi, kesadaran artistik suatu zaman atau bangsa terekspresikan. Terakhir, gambar arketipe berisi “skema” atau “rumus” imajinasi manusia yang paling stabil dan ada di mana-mana, yang diwujudkan baik dalam mitologi maupun seni pada semua tahap perkembangan sejarahnya (dalam seni kuno, klasik, modern). Menembus semua fiksi dari asal-usul mitologisnya hingga saat ini, arketipe membentuk kumpulan plot dan situasi yang konstan, yang diturunkan dari penulis ke penulis.
Menurut strukturnya, yaitu hubungan antara dua rencana, obyektif dan semantik, eksplisit dan tersirat, gambar dibagi menjadi:
“autologis, “penting bagi diri sendiri”, di mana kedua rencana tersebut bertepatan;
metalogis, di mana yang terungkap berbeda dari yang tersirat, sebagai bagian dari keseluruhan, materi dari spiritual, yang lebih besar dari yang lebih kecil, dan seterusnya; ini mencakup semua kiasan gambar (misalnya, metafora, perbandingan, personifikasi, hiperbola, metonimi, sinekdoke), yang klasifikasinya telah berkembang dengan baik dalam puisi sejak jaman dahulu;
alegoris dan simbolik, di mana yang tersirat tidak berbeda secara mendasar dari yang terungkap tetapi melampauinya dalam tingkat universalitas abstraksi, “disembodiment” 14.
Musik adalah seni pengucapan bunyi (lebih tepatnya, intonasi-melodi), semacam pemikiran dalam gambaran bunyi. Seperti halnya bentuk seni lainnya, konsep ideologis sebuah karya musik selalu diterjemahkan ke dalam sebuah gambar artistik, dan seringkali (jika karya tersebut berukuran besar) ke dalam keseluruhan sistem gambar. “Bahasa musik” itu sendiri, “ucapan musikal” adalah hasil yang dikembangkan manusia dalam proses perkembangan sejarah kemampuannya berpikir artistik imajinatif. Oleh karena itu, jika suatu gambar seni diekspresikan dengan menggunakan sarana ekspresi yang khusus untuk setiap jenis seni, maka gambar itu sendiri pada gilirannya menentukan makna dari setiap sarana ekspresi dan sifat interaksinya”15.
Gambaran musik, karena bersifat bunyi-temporal, sekaligus bersifat intonasional. Intonasi adalah salah satu elemen konten spesifik utama musik. Akademisi B.V. Asafiev menyebut intonasi sebagai sel utama konten musik. Dia memiliki pepatah terkenal yang mendefinisikan esensi musik: "seni makna yang dilantunkan" 16. Ia berpendapat bahwa musik tidak ada di luar proses intonasi. Yang dimaksud dengan B.V. Asafiev adalah bahwa seluruh rangkaian bunyi dan kombinasinya hanya memperoleh makna artistik ketika menjadi intonasi. Ekspresifitas intonasi musik memanifestasikan dirinya, pertama-tama, dalam kompleks tematik, yang elemen utamanya adalah melodi. Namun bahkan dalam kasus di mana gambaran musik terungkap tidak hanya dalam melodi, tetapi dalam struktur karya musik yang lebih kompleks dan beragam, pentingnya prinsip melodi dalam karya secara keseluruhan tetap dominan. Sementara itu, di dalam beberapa kasus elemen ekspresif seperti harmoni, timbre, dan ritme dapat dikedepankan. Dalam sebagian besar karya, intonasi musik dan putaran melodi merupakan mata rantai utama yang paling penting dalam citra artistik sebuah karya musik. Kekuatan musik, kekayaan gambar musik dimanifestasikan dalam kenyataan bahwa intonasi karakteristik dilengkapi dengan elemen lain dari keseluruhan artistik: kekayaan harmoni, variasi warna nada, perkembangan metroritmik, transformasi tekstur, perubahan dinamis, serta kekhususan dan kelengkapan yang cukup.
Dibandingkan dengan jenis seni lainnya, musik menciptakan kembali berbagai aspek realitas, pertama-tama, melalui pengungkapan dunia spiritual batin seseorang dan perasaannya. Kemampuan untuk menyampaikan dengan kekuatan yang sangat mengesankan nuansa perasaan yang paling halus, yang direproduksi, terlebih lagi, selalu bergerak, dalam proses perkembangan dinamis yang berkelanjutan, dengan demikian merupakan ciri khas musik, salah satu aspeknya yang paling kuat dan menarik. Ini adalah salah satu ciri terpenting seni musik. Musik berbeda dari jenis seni lainnya terutama dalam kemampuan bawaannya untuk secara langsung mewujudkan berbagai proses realitas di sekitarnya, yang dibiaskan secara emosional dalam jiwa manusia.
Musik pada hakikatnya adalah seni yang dinamis, dimana transisi dan perubahan suasana hati, emosi, dan gambar menjadi dasar estetika. Tentu saja ini tidak berarti bahwa gambaran perdamaian tidak dapat diakses oleh musik. Namun, tentu saja, gambaran perdamaian dalam musik bersifat kondisional dan relatif. Dengan menggambarkan gerakan, lukisan seolah menghentikan momennya dan memungkinkan Anda menganalisisnya. Pergerakan dalam lukisan itu membeku, seolah diinterupsi oleh kekuatan magis. Sebaliknya, dalam musik, kedamaian itu sendiri adalah ketegangan internal; itu adalah hasil dari semacam hipnosis suara, yang menahan dan menekan gerakan. Oleh karena itu ciri-ciri khas karya musik yang mewujudkan gambaran perdamaian: suara yang tenang, amplitudo warna yang kecil, dan terutama pengulangan yang terus-menerus dari setiap putaran melodi atau harmonik.
Selain itu, dalam proses pengerjaan gambar artistik karya paduan suara, perlu diperhatikan bahwa ia mempunyai perbedaan yang spesifik, karena merupakan hasil interaksi yang erat antara kata dan musik, gambar puisi dan musik. Puisi dan musik mempunyai sifat yang serupa, namun mempunyai ciri khas masing-masing. Sebuah teks puisi tunggal sudah merupakan perpaduan dari banyak elemen heterogen, yang menggabungkan plot, komposisi, karakteristik genre, fonetik, sintaksis, ritme, keadaan emosional pahlawan liris dan pewarnaan gaya kata-kata. Pada gilirannya, kemungkinan bahasa musik juga memiliki kekhususan tertentu dalam bidang penciptaan citra artistik. Berbicara tentang kemungkinan ekspresif musik paduan suara, V.L. Zhivov menekankan bahwa “dalam hal ini, musisi yang tampil dan pendengar memiliki kesempatan untuk memahami isi karya tidak hanya melalui intonasi, tetapi juga melalui makna semantik teks. Selain itu, kombinasi musik dan ucapan meningkatkan dampaknya terhadap pendengar: teks membuat pemikiran yang diungkapkan dalam musik menjadi lebih konkrit dan pasti; itu, pada gilirannya, meningkatkan dampak kata-kata dengan sisi kiasan dan emosionalnya”17.
Harus diingat bahwa gambar musik tidak dapat sepenuhnya sesuai dengan gambar puitis, oleh karena itu, dengan saling melengkapi, mereka membentuk gambar musik dan puitis yang kompleks, sebagian hanya bertepatan pada satu tingkat atau lainnya. Potensi musik sangat besar dalam mengungkap “subteks” emosional dan psikologis – makna tersembunyi sebuah puisi. Mengikuti makna internal, gambaran musik terkadang bahkan bertentangan dengan makna eksternal dari kata-katanya; Toh, musik mampu mengisi gambaran puitis dengan makna yang lebih dalam dan sangat mempertajam perasaan dan pikiran yang terkandung di dalamnya. “Musik pada umumnya melengkapi puisi, menyampaikan apa yang tidak bisa atau hampir tidak bisa diungkapkan dengan kata-kata. Properti musik ini merupakan daya tarik utamanya, kekuatan utamanya yang mempesona” 18. Oleh karena itu, penting bagi siswa, pada semua tahap upaya mengungkap citra artistik sebuah karya paduan suara, mengarahkan perhatiannya untuk mencari sifat mendalam dari interpenetrasi puisi dan musik.
Misalnya, guru-pianis terkemuka G.G. Neuhaus, ketika bekerja dengan siswa dalam sebuah karya piano, banyak menggunakan daya tarik terhadap asosiasi, sehingga merangsang karya imajinasi pemain. Dalam musik paduan suara, imajinasi pemainnya tidak kalah pentingnya dengan genre instrumental. Teks puisi hanya memberikan arahan pada karya imajinasi; asosiasi yang terkait dengan suara musik memperkaya ide-ide figuratif awal ini, mengkonkretkannya, dan menjadikannya lebih halus. Pemikiran asosiatif-figuratif membantu pemain untuk mewujudkan pertunjukan musik melalui ekspresi suara yang diperlukan, untuk mengisi semua detail pertunjukan sebuah karya paduan suara dengan makna.
Dengan demikian, dalam karya paduan suara, gambaran artistik merupakan “trinitas” kata yang kompleks, bagian vokal dan pengiring instrumental, yang masing-masing komponennya membawa muatan ekspresif dan semantik tertentu. Untuk lebih akurat menentukan fungsinya dalam interaksi satu sama lain, kita dapat membedakan tiga pasang hubungan secara kondisional:
1) kata-kata dan melodi vokal;
2) kata-kata dan alat pengiring;
3) melodi vokal dan iringan instrumental.
Dalam proses pengerjaan gambar artistik sebuah karya vokal, pertama-tama, Anda harus memperhatikan kesesuaian artistik gambar musik dengan karakter dan gambar teks puisi. Korespondensi artistik antara musik dan teks dapat digeneralisasi atau dirinci.
Interaksi antara kata dan pengiring tidak begitu lugas dan langsung serta dilakukan terutama melalui media melodi vokal. Namun, ada beberapa bentuk hubungan langsung yang luar biasa antara kata dan pengiringnya, serta bentuk lain dari hubungan tidak langsungnya. Bentuk koneksi terakhir ini terjadi ketika tautan mediasi - melodi vokal - dimatikan untuk sementara baik selama aksi sehubungan dengan konten adegan, atau ketika sumber ekspresifnya habis sesuai dengan perkembangan. dramanya.
Interaksi bagian vokal dan iringan dalam menciptakan satu gambar musik bisa sangat beragam dan halus - mulai dari orientasi paralel dan kesamaan sarana ekspresi hingga kontras simultan.
Aspek psikologis dan pedagogis dalam bekerja dengan siswa remaja dalam pelajaran musik
Masa remaja biasanya ditandai sebagai masa titik balik, transisi, kritis, namun lebih sering sebagai usia pubertas. L.S. Vygotsky membedakan tiga titik kedewasaan: organik, seksual, dan sosial. Batasan kronologis masa remaja didefinisikan dengan cara yang sangat berbeda. Misalnya, dalam psikiatri Rusia, usia 14 hingga 18 tahun disebut masa remaja, sedangkan dalam psikologi, usia 16-18 tahun dianggap remaja.
Filsuf dan psikolog Jerman E. Spranger menerbitkan buku “Psychology of Adolescence” pada tahun 1924, yang tidak kehilangan maknanya hingga hari ini. E. Spranger mengembangkan konsep budaya-psikologis remaja. Masa remaja, menurut E. Spranger, merupakan masa tumbuh kembang budaya. Ia menulis bahwa perkembangan mental adalah tumbuhnya jiwa individu ke dalam semangat objektif dan normatif pada suatu zaman tertentu. Membahas pertanyaan apakah masa remaja selalu merupakan masa “badai dan stres”, E. Spranger menjelaskan tiga jenis perkembangan masa remaja.
Tipe pertama dicirikan oleh perjalanan krisis yang tajam, penuh badai, ketika masa remaja dialami sebagai kelahiran kedua, yang akibatnya muncul “aku” yang baru. Jenis perkembangan yang kedua adalah pertumbuhan yang mulus, lambat, bertahap, ketika seorang remaja bergabung kehidupan dewasa tanpa perubahan mendalam dan serius dalam kepribadian seseorang. Tipe ketiga adalah proses perkembangan ketika seorang remaja secara aktif dan sadar membentuk dan mendidik dirinya sendiri, mengatasi kecemasan dan krisis internal melalui kemauan keras. Ini khas untuk orang-orang dengan level tinggi pengendalian diri dan disiplin diri.
Perkembangan baru yang utama pada zaman ini, menurut E. Spranger, adalah ditemukannya “aku”, munculnya refleksi, dan kesadaran akan individualitas seseorang. Berdasarkan gagasan bahwa tugas utama psikologi adalah memahami dunia batin individu, yang berkaitan erat dengan budaya dan sejarah, E. Spranger memprakarsai studi sistematis tentang kesadaran diri, orientasi nilai, dan pandangan dunia remaja.
Masa remaja merupakan tahap yang menentukan dalam pembentukan pandangan dunia, serta penemuan dunia batin seseorang. Restrukturisasi kesadaran diri tidak banyak dikaitkan dengan perkembangan mental seorang remaja, tetapi dengan munculnya pertanyaan-pertanyaan baru tentang dirinya dan konteks serta sudut pandang baru dari mana ia memandang dirinya sendiri. Mendapatkan kemampuan untuk membenamkan dirinya dalam pengalamannya, pemuda itu menemukan kembali seluruh dunia emosi baru, keindahan alam, suara musik. Namun, proses ini juga menyebabkan banyak pengalaman yang mengkhawatirkan dan dramatis, karena “aku” di dalam tidak sesuai dengan perilaku “eksternal”, sehingga menimbulkan masalah pengendalian diri. Dan seiring dengan kesadaran akan keunikan dan perbedaan seseorang dari orang lain, muncullah perasaan kesepian. “Aku” dalam diri seseorang masih samar-samar dan samar-samar; seringkali ada perasaan kekosongan batin yang perlu diisi dengan sesuatu. Oleh karena itu, kebutuhan akan komunikasi selektif dan kebutuhan akan privasi semakin meningkat.
Dengan menghadapkan seseorang pada banyak situasi kehidupan baru yang kontradiktif, masa remaja merangsang dan mengaktualisasikan potensi kreatifnya. Sebagaimana diungkapkan I.Yu.Kulagina dalam karyanya “Age Psychology”, mengingat karakteristik masa remaja, sehubungan dengan peningkatan perkembangan intelektual seorang remaja, maka perkembangan imajinasi juga semakin cepat. Semakin dekat pemikiran teoritis, Imajinasi memberikan dorongan bagi berkembangnya kreativitas pada remaja.
Untuk seorang remaja dunia sosial- ini adalah kenyataan di mana dia belum merasa menjadi aktor yang mampu mengubah dunia ini. Memang benar bahwa seorang remaja hanya mampu mengubah sedikit sifat, dunia objektif, dan hubungan sosial. Oleh karena itu, tentu saja “transformasi”-nya terekspresikan dalam perusakan benda-benda, aksi vandalisme remaja di alam dan di kota, kenakalan yang tak terkendali dan kelakuan hooligan di tempat umum. Pada saat yang sama, dia pemalu, canggung dan tidak yakin pada dirinya sendiri. Ranah imajinasi adalah masalah yang sama sekali berbeda. Realitas dunia imajiner bersifat subyektif - hanya realitasnya saja. Seorang remaja secara subyektif mengendalikan tatanan dunia batinnya atas kemauannya sendiri. Dunia imajinasi adalah dunia yang istimewa. Remaja sudah memiliki tindakan-tindakan yang memberinya kepuasan: ia mengontrol waktu, memiliki kebebasan yang dapat dibalik dalam ruang, bebas dari hubungan sebab-akibat yang ada di ruang nyata. hubungan sosial orang. Dengan demikian, imajinasi yang dipadukan dengan pengetahuan rasional dapat memperkaya kehidupan batin seorang remaja, mentransformasikannya dan menjadi kekuatan kreatif sejati.
Pada masa remaja, imajinasi dapat berubah menjadi aktivitas internal yang mandiri. Seorang remaja dapat melakukan tugas-tugas mental dengan tanda-tanda matematika, dapat mengoperasikan makna dan makna bahasa, menghubungkan dua fungsi mental yang lebih tinggi: imajinasi dan berpikir. Pada saat yang sama, seorang remaja dapat membangun dunia imajinasinya sendiri tentang hubungan khusus dengan orang-orang, sebuah dunia di mana dia memainkan cerita yang sama dan mengalami perasaan yang sama sampai dia terbebas dari masalahnya.
Masyarakat modern menempatkan tuntutan yang semakin tinggi terhadap manusia. Dalam kondisi persaingan sosial yang semakin meningkat pemuda perlu untuk mampu secara kreatif menerapkan pengetahuan dan keterampilan yang dimilikinya. Agar diminati masyarakat modern perlu untuk memperkenalkan sesuatu yang baru ke dalamnya melalui aktivitas Anda, mis. menjadi "sangat diperlukan". Dan untuk ini, aktivitasnya harus ada karakter kreatif. Sekolah modern, yang menetapkan tugas mensosialisasikan siswa, menekankan perlunya mempertimbangkan kondisi masyarakat yang berubah. Oleh karena itu, perlu adanya perhatian khusus terhadap pengembangan kemampuan kreatif anak sekolah.
Lingkungan yang paling subur bagi perkembangan kemampuan kreatif remaja adalah seni musik. Remaja dan dewasa mudalah yang paling sensitif terhadap efek musik. Namun, penonton muda cenderung memiliki minat yang kuat terhadap musik pop dan rock. Berkat ekspresifnya yang menuntut gerakan dengan ritmenya, musik ini memungkinkan seorang remaja untuk mengikuti ritme tertentu dan mengekspresikan pengalaman samar-samar mereka melalui gerakan tubuh. “Musik adalah cara terbaik untuk membenamkan remaja dalam ketergantungan pada ritme, nada, kekuatan, dan menyatukan semua orang dengan sensasi metabolik dari fungsi tubuh yang gelap dan menciptakan serangkaian pengalaman pendengaran, tubuh, dan sosial yang kompleks.”
Sambil aktif melakukan eksplorasi kreatif musik klasik adalah proses mental yang kompleks, yang terdiri dari pemahaman gambaran musik, kemampuan menyampaikannya ke dalam berbagai jenis aktif dalam menguasai bahasa musik dan sarana ekspresi musik.
Untuk berbicara dalam “bahasa” musik, Anda tidak hanya perlu berbicara dalam “bahasa” ini, tetapi juga memiliki sesuatu untuk dikatakan secara spiritual, intelektual, dan emosional. Menurut penelitian B. Teplov, merasakan musik sebagai ekspresi suatu konten merupakan ciri utama musikalitas. Semakin banyak seseorang “mendengar suara”, semakin dia bermusik. Namun kita tidak boleh melupakan sisi lain dari permasalahan ini. Untuk merasakan musik secara emosional, pertama-tama Anda harus memahami struktur sonik itu sendiri.
Oleh karena itu, pekerjaan pendidikan dalam pelajaran musik harus intens, intens dan kreatif. Dalam hal ini, perlu diperhatikan tidak hanya perbedaan objektif individu, tetapi juga dunia subjektif dari perkembangan kepribadian remaja.
Model pengerjaan gambar artistik karya paduan suara dalam pelajaran musik
Setelah dianalisis aspek teoritis permasalahan isi karya pada gambaran artistik sebuah karya paduan suara dan merangkum pengalaman praktis bekerja dengan paduan suara, kita dapat merumuskan model karya sebagai berikut.
Pengerjaan gambar artistik suatu karya harus memakan waktu tempat terkemuka dalam struktur pelajaran, dan menjadi jalur tembus seluruh kegiatan pengajaran. Keterampilan vokal penyanyi harus dibentuk oleh persyaratan artistik dan instruksi pertunjukan, yang membawa kebutuhan akan peningkatan individu yang tinggi dan pertumbuhan kreatif setiap artis. “Pendidikan suara melalui tuntutan musik harus menjadi hal yang mendasar, karena suara nyanyian pada akhirnya dimaksudkan untuk mengekspresikan musik" 19 .
Dalam menciptakan citra artistik sebuah karya vokal, segala sarana ekspresi musik sangatlah penting. Setiap karya vokal menimbulkan sejumlah tugas teknis dan artistik bagi pelakunya: apakah karya tempo yang mengandung masalah teknis, apakah karya yang bersifat liris yang memerlukan bunyi cantilena, jika karya yang mengandung ekspresi. , atau ekspresi gaya, atau ekspresi semantik. Oleh karena itu, tidak tepat untuk mengidentifikasi sarana ekspresi musik yang paling signifikan untuk menyelesaikannya. Yang paling signifikan mungkin adalah yang terkandung dalam karya musik tertentu. Mengidentifikasi sarana ekspresif ini dan menguasainya adalah tugas utama dalam karya khusus ini. Dan secara total, dalam rangkaian karya-karya ini, ini merupakan indikator keserbagunaannya.
Pengerjaan teknis dan pengerjaan citra artistik harus dilakukan secara bersamaan, karena baik teknologi maupun konten artistik ibarat dua sayap burung yang sama. Saat mengerjakan masalah teknis, kami sekaligus mengatur diri sendiri tugas artistik, dan dengan memecahkan masalah artistik ini, kami berupaya meningkatkan teknis karya tersebut.
Latihan adalah cara utama untuk memperoleh keterampilan vokal. Dalam menyetel alat vokalnya, siswa harus mampu mengekspresikan kepenuhan emosi dalam latihan. “Nyanyian” yang paling sederhana pun harus mengandung unsur seni, karena ia kemudian memproyeksikan unsur-unsur yang nantinya akan kita jumpai dalam karya-karya klasik yang serius. “Asal mula bunyi yang benar, teknik ilmu bunyi, produksi bunyi, metode pernapasan – semua ini dikuasai dan dikonsolidasikan dalam latihan, dan baru kemudian dipoles dalam vokal dan karya seni” 20. Latihan menyanyi formal yang tidak dipikirkan dengan matang dapat menyebabkan peningkatan keterampilan yang salah dan bahkan berbahaya bagi alat vokal. Dan tanpa unsur seni, makna bernyanyi secara umum menjadi hilang.
Dianjurkan untuk memilih repertoar untuk bekerja dengan siswa yang dapat dimengerti oleh usia tersebut. Profesor IChS SSPU A.Ya. karya kompleks dari sudut pandang artistik citra. Karena “pemain muda masih hanya tahu sedikit tentang kehidupan, oleh karena itu, kedalaman karya yang bermakna mungkin tidak tersedia bagi mereka.” (Profesor IChS SSPU A.Ya. Ponomarenko) Sebaliknya, Associate Professor V.S. Kozlov percaya bahwa repertoar yang mudah tidak akan menarik bagi siswa pada usia ini, dan karya dengan kompleksitas yang meningkat akan merangsang remaja untuk mengembangkan diri dan meningkatkan diri. . Karya seni merupakan sarana utama mendidik seorang penyanyi, oleh karena itu repertoar yang dipilih dengan baik berkontribusi pada pertumbuhan penyanyi sebagai musisi pertunjukan dan vokalis. Selain itu, semua guru sepakat bahwa “citra adalah produk visi batin seorang remaja” (profesor Institut Teknik Kimia Universitas Pedagogi Negeri A.Ya. Ponomarenko), dan orientasi genre repertoar harus ditentukan , dibimbing oleh pendekatan individu. Apakah ini akan menjadi karya liris, sejarah atau lirik cinta, tergantung pada tingkat kesiapan siswa untuk persepsi dan pelaksanaan. Lagipula, “sama sekali tidak acuh pada suara, tugas musik apa yang akan diminta untuk dilakukannya” 21 . Namun, bagaimanapun juga, dunia sensorik seorang remaja harus diinvasi dengan sangat hati-hati, dan “apa yang mengharuskan pengungkapan jiwa tidak boleh diberikan” (Profesor Institut Kimia dan Seni Universitas Pedagogis Negeri A.Ya. Ponomarenko) . Yang terpenting adalah “karya vokal yang dibawakan tidak menimbulkan tekanan psikologis” (guru senior Institut Kimia dan Seni SSPU I.D. Ogloblina).
“Karya mandiri siswa dalam memahami dan mengungkap gambaran artistik dari karya yang dibawakan sangatlah penting!” Guru seharusnya hanya mendorong, memberi isyarat, dan siswa sendiri yang menyadarinya. Penting untuk membangkitkan alam bawah sadar anak dengan segala cara yang mungkin” (guru senior Institut Kimia dan Kimia Universitas Pedagogi Negeri I.D. Ogloblina). Anda harus memperluas wawasan Anda dengan membaca fiksi, mengunjungi teater, konser, dan selalu bertukar pendapat, kesan terhadap apa yang dilihat dan didengar, serta menuntut analisis terhadap pertunjukan. Hanya dengan cara ini siswa akan belajar untuk secara mandiri “membenamkan dirinya dalam isi pekerjaan yang sedang dilakukan”.
Metode dan teknik mengerjakan alat musik
ekspresif sebagai dasar pengungkapan
gambar artistik dalam karya paduan suara
Metode dan teknik mengerjakan melodi
Kata “melodi” berasal dari bahasa Yunani kuno yang berarti menyanyikan sebuah lagu. Melodi, bisa dikatakan, adalah wajah atau jiwa dari sebuah karya musik. Pertunjukan melodi yang benar membutuhkan suara yang ekspresif, jelas, seragam dari seluruh paduan suara, reproduksi suara paduan suara sebagai satu suara.
Saat bekerja dengan paduan suara, pertama-tama seseorang harus berusaha untuk mencapai kesatuan nyanyian yang baik, untuk mencapai kesatuan suara yang terbaik. Selalu menjaga peningkatan kemerduan dan intonasi paduan suara. Saat mengerjakan melodi, Anda harus mematuhi aturan berikut:
Mengajarkan nyanyian berlarut-larut, merdunya suara (pernapasan berantai)
Belajar menyanyikan melodi intonasi yang murni
Belajar menyanyi dalam satu posisi, dalam satu cara pertunjukan.
Jangan menyanyi, jangan memaksakan suaranya
Akhiran “Jangan dibuang”, nada-nada panjang, tapi selesaikan nyanyian, nyanyian. Mencapai
Bernyanyilah tidak dengan keras, tapi dengan keras
Bernyanyilah persis sesuai dengan tangan konduktor
Bernyanyilah sambil bernapas
Jangan bernyanyi dengan suara yang datar dan tegang
Metode dan teknik menggarap harmoni
Harmoni adalah salah satu sarana ekspresi musik yang paling penting, berdasarkan pada perpaduan bunyi-bunyian menjadi harmoni dan hubungan harmoni tersebut satu sama lain dalam suatu gerakan yang berurutan. Konsep “harmoni” sebagai sarana ekspresi hadir dalam musik polifonik jenis apa pun. Harmonia dalam bahasa Yunani artinya keselarasan, proporsionalitas, keterhubungan. Untuk mencapai keindahan yang harmonis dan suara yang harmonis, Anda harus menggunakan teknik menyejajarkan akord dalam karya Anda - secara vertikal, memainkan akord di luar ritme untuk durasi yang lebih lama, sambil mendengarkan suara. Hal ini juga berguna untuk menyanyikan akord di luar ritme dengan kemerduan dinamis yang berbeda.
Metode dan teknik mengerjakan diksi
Diksi vokal memerlukan peningkatan aktivitas alat artikulasi. Diksi artikulasi yang lamban menjadi salah satu penyebab utama buruknya diksi dalam bernyanyi. Artikulasi saat bernyanyi dalam banyak hal berbeda dari ucapan biasa. Secara umum artikulasi nyanyian jauh lebih aktif dibandingkan artikulasi ucapan. Selama pengucapan ucapan, organ luar alat artikulasi (bibir, rahang bawah) bekerja lebih energik dan cepat, dan selama bernyanyi, organ dalam (lidah, faring, langit-langit lunak). Konsonan dalam nyanyian dibentuk dengan cara yang sama seperti dalam ucapan, namun diucapkan lebih aktif dan jelas. Situasinya berbeda dengan vokal. Mereka berbentuk bulat, mendekati bunyi vokal "o". Dibandingkan dengan vokal dalam ucapan, kemerduan vokal nyanyian meningkat. Diksi dari bahasa Yunani - pengucapan. Kriteria utama diksi yang baik dalam sebuah paduan suara adalah asimilasi penuh terhadap isi karya yang dibawakan oleh penonton. Pengucapan kata yang jelas merupakan prasyarat untuk nyanyian paduan suara yang baik.
Metode dan teknik untuk mengerjakan kebermaknaan pengucapan teks
Pengerjaan kebermaknaan penyampaian teks dimulai dengan penempatan tekanan logis dalam frasa. Kondektur berkewajiban mengerjakan teks sebelum latihan: menentukan batas-batas frasa musik, menunjukkan tempat-tempat di mana pernapasan dilanjutkan atau menempatkan caesura semantik dalam teks, mengidentifikasi dan menandai klimaks.
Metode dan teknik mengerjakan dinamika, tempo dan pukulan
Emosionalitas dalam pertunjukan terutama diwujudkan dalam dinamika dan tempo. Anda harus benar-benar mematuhi semua instruksi tempo, baris, dan dinamis dari komposer.
Metode dan teknik mengerjakan ekspresi kata dalam nyanyian
Dasar penyajian teks yang ekspresif adalah pewarnaan emosional karya yang sesuai dengan isinya. Perkembangan konten emosional dari setiap karya musik tunduk pada logika tertentu. Dalam menyampaikan isi ini, komposer menggunakan segala cara ekspresi musik yang mungkin: mode, tempo, meteran, tessitura, tekstur penulisan paduan suara, dinamika, harmoni, dll. Tugas pemain adalah mengungkapkan maksud emosional komposer, bukan hanya menyampaikan maksudnya. keadaan emosi yang sesuai, tetapi juga untuk menunjukkan sikap Anda terhadap isi karya, yang pertama-tama harus dirasakan. Tanpa pengalaman tidak akan ada seni sejati.
Metode kerja emansipasi remaja dalam proses menggarap sebuah gambar seni:
Bermain musik bersama (bernyanyi duet, ansambel dengan guru
bergantian dengan setiap bagian paduan suara)
Relaksasi otot (gerakan plastik, menari);
Pembebasan psikologis (elemen akting)
Konsentrasi pada pemainnya
Pemenuhan prinsip bertahap dan sistematis. Dalam situasi apa pun Anda tidak boleh menakuti seorang remaja dengan banyak tuntutan;
Metode pencarian kreatif (musik itu sendiri berkontribusi terhadapnya
emansipasi);
Metode tampilan. Metode yang paling umum digunakan oleh guru di kelas menyanyi tunggal adalah metode demonstrasi, karena “memiliki efek holistik pada alat vokal” 22. Namun, guru yang berpengalaman menyarankan penggunaan metode demonstrasi dengan sangat hati-hati, karena siswa tidak hanya belajar sifat positif, tapi juga kekurangan gurunya. “Dengan menggunakan metode ini, Anda tidak dapat mengubah pelajaran menjadi pelajaran Anda sendiri konser tunggal" (Profesor IHE SSPU A.Ya. Ponomarenko) Mahasiswa sendiri yang harus datang keputusan yang tepat tugas kinerja melalui perintah guru. Siswa tidak memikirkan bagaimana, melalui tindakan apa dia mencapai efek yang diinginkan. Kesadaran menyala kemudian, ketika kualitas suara yang ditemukan dikonsolidasikan melalui pengulangan, dan siswa mulai memahami apa yang sebenarnya dia lakukan.
Dalam mengerjakan gambar artistik juga peran besar milik kata dan pemikiran asosiatif. Penting untuk “meminta siswa untuk membayangkan apa yang dia nyanyikan, mendeskripsikan gambar ini secara rinci, dan baru kemudian menampilkannya” (dosen senior di Institut Kimia dan Kimia Universitas Pedagogi Negeri I.D. Ogloblina). Guru PCC jurusan vokal SMU N.A. Afanasyeva dan guru jurusan vokal SSPK O.V. Serdega menaruh perhatian besar untuk bekerja di depan cermin. Ini memungkinkan Anda mengontrol gerakan wajah dan menundukkannya pada gambar yang sedang ditampilkan. Dan L.B. Dmitriev percaya bahwa materi musik itu sendiri akan menumbuhkan suara dan pemikiran imajinatif, bahkan jika tidak ada komentar pedagogis 23.
Berdebat apakah ada kekhususan usia dalam proses penggarapan sarana ekspresi musik sebagai dasar pengungkapan citra artistik sebuah karya paduan suara, kita dapat menyimpulkan bahwa kekhususan tersebut memang ada. “Anda perlu mendekati seorang remaja dengan sangat hati-hati agar tidak “merusak jiwanya”, tidak seperti seorang profesional dewasa,” kata N.A. Afanasyeva, guru Komite Sentral Departemen Vokal SMU. “Remaja sering kali menyendiri dan kompleks, sehingga mengganggu pengerjaan sisi wajah dan pantomimik dari sebuah karya vokal” (guru departemen vokal SSPK O.V. Serdega). Menurut Profesor A.Ya. Ponomarenko dari Institut Seni dan Seni Universitas Pedagogis Negeri, mengerjakan gambar artistik dikaitkan dengan ketelanjangan spiritual, yang membingungkan remaja. “Pada saat yang sama, remaja sudah menjadi orang yang lebih dewasa, Anda bisa berbicara dengan mereka tentang perasaan,” kata Art. I.D. Ogloblina, dosen Institut Teknik Kimia Universitas Pedagogi Negeri, “mereka mampu melakukan penetrasi dunia figuratif bekerja, untuk mewujudkan kedalaman maknanya.” Namun seseorang harus berhati-hati dalam mengungkapkan dunia batinnya melalui musik. Dengan demikian, derajat intensitas pengerjaan citra artistik sebuah karya vokal bersama siswa remaja akan bergantung pada derajat perkembangan dunia indra remaja, pada tingkat perkembangan intelektualnya, karena setiap orang memiliki kecepatan “tumbuh” tersendiri. ke atas." Bagaimanapun, remaja adalah “materi yang sangat fleksibel”, dan dalam hal ini mereka masih anak-anak. “Apa yang Anda masukkan ke dalamnya adalah apa yang Anda keluarkan.” (Profesor IKhOS SSPU A. Tugas seni harus dijelaskan secara bijaksana melalui persyaratan musik, melalui perkumpulan.
Struktur model penggunaan alat musik
ekspresif dalam bekerja dengan paduan suara
Meringkas kesimpulan dari analisis penelitian pedagogi musik dan hasil survei, kami sampai pada kesimpulan berikut tentang masalah isi karya gambar artistik:
momen artistik harus ada dalam struktur pelajaran vokal sejak awal;
bahkan “nyanyian” yang paling sederhana pun harus mengandung unsur seni, karena ia kemudian memproyeksikan unsur-unsur yang nantinya akan kita jumpai dalam karya-karya klasik yang serius;
menyelesaikan masalah teknis, kami secara bersamaan menetapkan tugas artistik untuk diri kami sendiri, dan dalam proses karya seni kami mengerjakan kesempurnaan teknis karya tersebut;
mengerjakan gambar artistik sebuah karya vokal menuntut siswa untuk menganalisis secara mendalam esensi ekspresif dari sarana dan teknik pertunjukan karya vokal;
menguasai keterampilan pertunjukan dalam mengungkapkan dan memahami gambaran seni suatu karya vokal, karya mandiri siswa itu penting, termasuk memperluas wawasannya dengan membaca literatur khusus, mengunjungi teater, menganalisis apa yang didengar dan dilihatnya;
Dalam pembelajaran menyanyi paduan suara, perlu menggunakan semua metode yang mengidentifikasi dan membantu mengungkap citra artistik sebuah karya vokal. Namun metode tampilan harus digunakan dengan sangat hati-hati, tanpa memaksakan interpretasi Anda. Siswa sendiri harus menemukan solusi yang tepat terhadap masalah kinerja melalui petunjuk guru;
dalam proses pengerjaan gambar artistik sebuah karya vokal, perlu mempertimbangkan kekhususan usia agar tidak “merusak” jiwa anak;
Dengan demikian, konsep “citra artistik” mencakup suatu metode khusus seni yang merefleksikan kehidupan, implementasinya dalam bentuk yang hidup, konkrit, dan dapat dirasakan secara langsung. Perumpamaan adalah ciri umum seni, dan setiap jenis seni mempunyai sarana pencitraan artistiknya sendiri-sendiri. Citra artistik muncul dalam proses interaksi berbagai sarana ekspresi, yang masing-masing menerima makna tertentu hanya dalam hubungan umumnya (dalam konteks) dan bergantung pada keseluruhan.
Aspek teknis dan artistik dalam menggarap sebuah karya paduan suara hendaknya tidak hanya saling berhubungan erat, tetapi juga saling menentukan. Guru tidak boleh melupakan hal ini: “jika Anda gagal membangkitkan rasa kagum pada penyanyi atas manfaat artistik dari komposisi yang dibawakan, pekerjaan Anda dengan paduan suara tidak akan mencapai tujuan yang diinginkan” 24.
Bibliografi
Aliev Yu.B. Buku meja guru sekolah-musisi. – M.: Kemanusiaan. ed. Pusat VLADOS, 2000. – 336 hal.
Asafiev B.V. Kelentom. – M.–L.: Musik, 1965. – 135 hal.
Asafiev B.V. Bentuk musik sebagai suatu proses. - DALAM 2. - Bagian 2. – L., 1971. – 408 hal.
Batsun V.N. Dasar-dasar pengetahuan teori musik: Buku Teks. – Samara: Penerbitan SSPU, 2003. – 146 hal.
Varlamov A. Sekolah menyanyi lengkap. – M.: Muzgiz, 1953.
Vasina-Grossman V.A. Musik dan kata puitis/2. Intonasi. 3. Komposisi. – M.: Muzyka, 1978. – 368 hal.
Psikologi perkembangan dan pendidikan // ed. A.V. Petrovsky. – M.: Pendidikan, 1980. – 288 hal.
Vygotsky L.S. Psikologi seni. – M., 1987.
Daletsky O.V. Pelatihan menyanyi. – M., 2003.
Dmitriev L.B. Dasar-dasar teknik vokal. – M.: Musik, 1968. – 675 hal.
Zhivov V.L. Pertunjukan paduan suara: Teori. Metodologi. Latihan: Buku Teks. bantuan untuk siswa lebih tinggi buku pelajaran perusahaan. – M.: Kemanusiaan. ed. Pusat VLADOS, 2003. – 272 hal.
Zdanovich A. "Beberapa masalah teknik vokal." M.: Muzyka, 1965. – 147 hal.
Melakukan pelatihan guru musik: Program disiplin ilmu pelatihan dalam spesialisasi 030700 – Pendidikan musik. – M.: Flinta: Nauka, 1999. – 208 hal.
Kazachkov S.A. Konduktor paduan suara – artis dan guru / Kazan. negara konservatori – Kazan, 1998. – 308 hal.
Kirnarskaya D.K. Psikologi kemampuan khusus. Kemampuan musik. – M.: Talenta-abad XXI, 2004. – 496 hal.
Kle M. Psikologi seorang remaja. – M.: Pedagogi, 1991. – 176 hal.
Kozlov P.G., Stepanov A.A. Analisis sebuah karya musik: Buku Teks. - M.: Soviet Rusia, 1960. – 262 hal.
Kon I.S. Psikologi remaja awal. – M.: Pendidikan, 1989. – 255 hal.
Kremlev Yu.A. Tentang tempat musik di antara seni. – M.: Muzyka, 1966. – 63 hal.
Kulagina L.Yu., Kolyutsky V.N. Psikologi perkembangan: Perkembangan manusia sejak lahir hingga dewasa akhir. - M: Pusat Kreatif, 2004. – 464 hal.
Lavrentieva I.V. Bentuk vokal dalam analisis karya musik. – M.: Muzyka, 1978. – 76 hal.
Sastra kamus ensiklopedis// di bawah redaksi umum V.M.Kozhevnikov dan P.A.Nikolaev. – M.: Ensiklopedia Soviet, 1987. – 752 hal.
Lukanin V. Metode saya bekerja dengan penyanyi. – L.: Musik, 1972.
Mazel L.A. Tentang sifat dan sarana musik: esai teoretis. – M.: Musik, 1991. – edisi ke-2. – 80 detik. (B-ka musisi-guru).
Maimin E.A. Seni berpikir dalam gambar. M.: Pendidikan, 1977. – 144 hal.
Malinina E.M. Pendidikan vokal anak. – Leningrad: Musik, 1967. – 88 hal.
Medushevsky V.V. Bentuk intonasi musik: Penelitian. – M.: Komposer, 1993. – 262 hal.
Morozov V.P. Rahasia pidato vokal. – L.: Nauka, 1967. – 204 hal.
Pendidikan musik anak sekolah dan orientasi profesional dalam persiapan seorang guru musik. Koleksi antar universitas karya ilmiah. – M.: MGPI im. DALAM DAN. Lenin, 1989. – 131 hal.
Pertunjukan musik: Kumpulan artikel. Jil. 7. – M.: Muzyka, 1972. – 350 hal.
Pertunjukan musik: Kumpulan artikel. Jil. 10. – M.: Muzyka, 1979. – 239 hal.
Mukhina V.S. Psikologi perkembangan: fenomenologi perkembangan, masa kanak-kanak, remaja: Buku teks untuk siswa. universitas – Edisi ke-7, stereotip. – M.: Pusat Penerbitan “Akademi”, 2002. – 456 detik.
Nazarenko I.K. Seni menyanyi. Pembaca. – M.: Musik, 1968. – 623 hal.
Nikolskaya-Beregovskaya K.F. Sekolah vokal dan paduan suara Rusia: Dari zaman kuno hingga abad ke-21: Buku Teks. bantuan untuk siswa lebih tinggi buku pelajaran perusahaan. – M.: Kemanusiaan. ed. Pusat Vlados, 2003. – 304 hal.
Obukhova L.F. Psikologi terkait usia. Buku pelajaran. – M.: Masyarakat Pedagogis Rusia, 2001. – 442 hal.
Ogolevets A.S. Kata dan musik dalam genre vokal dan dramatis. – M.: Rumah Penerbitan Musik Negara, 1960. – 521 hal.
Tentang pertunjukan musik. Intisari artikel. Ed. L.S. Ginzburg dan A.A. Solovtsova. – M.: Rumah Penerbitan Musik Negara, 1954. – 310 hal.
Pazovsky A.M. Catatan dari konduktor. – M.: Muzyka, 1966. – 305 hal.
Petrushin V.I. Psikologi musik. – M.: Passim LLP, 1994. – 304 hal.
Popova T.V. Jalan menuju musik. – M.: Pengetahuan, 1973. – 112 hal.
Rubinstein S.L. Masalah psikologi umum. – M., 1973.240 hal.
Serov A.N. Artikel kritis. – T.4.M., 1979.258 hal.
Merangsang aktivitas kreatif mahasiswa Fakultas Musik dan Pendidikan. Kumpulan karya ilmiah antar universitas. – Kuibyshev: ped. Institut, 1986. – 196 hal.
Stulova G.P. Teori dan praktek bekerja dengan paduan suara anak: Buku Teks. bantuan untuk siswa ped. universitas – M.: VLADOS, 2002. – 174 hal.
Teplov B.M. Psikologi kemampuan musik. – M.-L.: Rumah Penerbitan Akademi Pedagogik. Ilmu Pengetahuan RSFSR, 1947. – 335 hal.
Ensiklopedia Filsafat. Bab. ed. Konstantinov F.V. – T.4. – M.: Ensiklopedia Soviet, 1970. – 592 hal.
Kholopova V.N. Musik sebagai bentuk seni: Buku Teks. – St.Petersburg: Lan Publishing House, 2000. – 320 hal. – (Dunia budaya, sejarah dan filsafat).
Tsypin G.M. Psikologi aktivitas musik: masalah, penilaian, opini. Sebuah manual untuk siswa. – M.: Interprax, 1994. – 384 hal.
Chesnokov P.G. Paduan Suara dan Manajemennya. – M., 1961.Hal.238.
Sheremetyeva N. M. G. Klimov - konduktor Kapel Akademik Leningrad. – L.: Musik, 1983. – 133 hal.
Yurlov A.A.: Kumpulan artikel dan kenangan // comp. I.Marisova. – M.: Burung hantu. Komposer, 1983. – 200 hal.
1 Kozlov P.G., Stepanov A.A. Analisis sebuah karya musik: Buku Teks. – M., 1960.Hal.18.
2 Zhivov V.L. Pertunjukan paduan suara: Teori. Metodologi. Praktek: Buku teks untuk siswa pendidikan tinggi lembaga pendidikan. – M., 2003.Hal.133.
3 Di tempat yang sama. Bab 136
4 Pertunjukan musik: Kumpulan artikel. Jil. 10. – M., 1979.Hal.8.
6 Pertunjukan musik: Kumpulan artikel. Jil. 7. – M., 1972.Hal.44.
7 Rubinshtein S.L. Masalah psikologi umum. – M., 1973.Hal.234.
8 Ensiklopedia Filsafat. Bab. ed. Konstantinov F.V. – T.4. – M.: Ensiklopedia Soviet, 1970.Hal.452.
9 Kamus ensiklopedis sastra // ed. V.M.
10 Di tempat yang sama. Hal.254.
11 di tempat yang sama. Hal.255.
12 Di tempat yang sama. Hal.254.
13 Di tempat yang sama. Hal.255.
14 di sana. Hal.256.
15 Kozlov P.G., Stepanov A.A. Analisis sebuah karya musik: Buku Teks. – M.: Soviet Rusia, 1960. Hal.22.
16 Asafiev B.V. Bentuk musik sebagai suatu proses. - DALAM 2. - Bagian 2. – L., 1971. – Hal.344.
17 Zhivov V.L. Pertunjukan paduan suara: Teori. Metodologi. Latihan: Buku teks untuk mahasiswa institusi pendidikan tinggi. – M., 2003.Hal.33.
18 Serov A.N. Artikel kritis. – T.4.M., 1979.P.177.
19 Dmitriev L.B. Dasar-dasar teknik vokal. – M.: Muzyka, 1968.Hal.557.
20 Dmitriev L.B. Dasar-dasar teknik vokal. – M.: Muzyka, 1968.Hal.567
21 Dmitriev L.B. Dasar-dasar teknik vokal. – M.: Muzyka, 1968.Hal.557
22 Dmitriev L.B. Dasar-dasar teknik vokal. – M.: Muzyka, 1968.Hal.560
23 Dmitriev L.B. Dasar-dasar teknik vokal. – M.: Muzyka, 1968.Hal.557
24 Chesnokov P.G. Paduan Suara dan Manajemennya. – M., 1961.Hal.238.
Jenis pelajaran: Pelajaran tentang peningkatan pengetahuan, keterampilan dan kemampuan.
Jenis pelajaran: Pelajaran dengan kajian mendalam terhadap materi pendidikan.
Tujuan pelajaran: Studi praktis tentang metode kerja yang digunakan untuk membuat gambar musik dalam drama S. S. Prokofiev “Rain and Rainbow”.
Tujuan pelajaran:
- pendidikan: pembentukan dan peningkatan keterampilan profesional yang diperlukan untuk menguasai budaya pertunjukan musik;
- mengembangkan: pengembangan daya tanggap emosional, kepekaan terhadap pemahaman figuratif tentang dunia, pengembangan aktivitas kreatif dan kognitif;
- pendidikan: menumbuhkan minat berkelanjutan dalam kegiatan, mengembangkan cita rasa seni dan estetika.
Struktur pelajaran:
- Organisasi awal pelajaran.
- Motivasi pelajaran. Menetapkan tujuan.
- Memeriksa penyelesaian pekerjaan rumah.
- Asimilasi pengetahuan baru.
- Pemeriksaan awal pemahaman.
- Generalisasi dan sistematisasi pengetahuan.
- Pengendalian dan pengendalian diri terhadap pengetahuan.
- Menyimpulkan pelajaran.
- Informasi tentang pekerjaan rumah.
Rencana belajar.
- Waktu pengorganisasian.
- Komunikasikan topik, maksud dan tujuan pelajaran. Bagian utama. Menguasai dalam praktik metode kerja yang digunakan untuk menciptakan citra musik dalam drama S. S. Prokofiev “Rain and the Rainbow”.
2.1 Mendengarkan pekerjaan rumah.
2.2 Konsep “gambar musik”. Musik program.
2.3 Sarana ekspresi musik sebagai syarat utama terciptanya citra musik.
2.4 Metode dasar pengerjaan suara. - Menyimpulkan pelajaran.
- Pekerjaan rumah.
- Menonton film animasi “Walk”. Direktur I. Kovalevskaya.
Musik oleh S.S.Prokofiev.
Guru: Pada pelajaran sebelumnya kami mengerjakan drama S. S. Prokofiev “Rain and Rainbow”. Kami telah berhasil menyelesaikan pekerjaan tahap pertama. Kamu, Nastya, diberi pekerjaan rumah: kerjakan teks, mainkan dengan hati. Mari kita dengar hasil pekerjaan rumah Anda.
Seorang siswa menampilkan karya yang dia kerjakan di rumah.
Guru: Pekerjaan rumah sudah selesai. Drama itu telah dipelajari dengan hati. Kualitas pekerjaan dapat dinilai baik. Untuk pekerjaan rumah mandiri, Anda diberi tugas kreatif: memilih karya sastra yang menurut Anda sesuai dengan isi dan suasana yang hadir dalam drama musikal “Hujan dan Pelangi”.
| Siswa: Ya, dengan bantuan ibu saya, saya menemukan dua puisi yang menurut saya cocok dengan mood drama tersebut. Saya akan membacanya sekarang. F. I. Tyutchev |
Seluruh bumi berada dalam kekacauan. I.bunin |
Guru: Anda telah mengenal karya puisi, dan sekarang mari kita bandingkan puisi dengan isi musik dari drama tersebut. Apa yang kamu rasakan saat membaca puisi?
Siswa: Saya merasa segar dan hangat. Aku memejamkan mata dan membayangkan hujan membuat suara berisik di dedaunan. Kegembiraan munculnya matahari dan pelangi.
Guru:
Sebuah karya musik, seperti halnya novel, cerita, dongeng, atau lukisan karya seorang seniman, memiliki isinya tersendiri, mencerminkan dunia di sekitar kita. Hal ini terjadi melalui gambar musik yang diciptakan oleh komposer. Citra musikal adalah suatu kompleks sarana ekspresi musik yang digunakan oleh komposer dalam suatu komposisi dan bertujuan untuk membangkitkan dalam diri pendengar sejumlah asosiasi tertentu dengan fenomena realitas. Isi lakon terungkap melalui silih bergantinya dan interaksi berbagai gambar musik. Citra musikal adalah cara hidup sebuah karya.
Tergantung pada kontennya, sebuah karya musik mungkin berisi satu atau lebih gambar.
Menurut Anda, berapa banyak gambaran musik yang ada dalam lakon yang sedang kita pelajari?
Siswa: Dua gambar, karena di judulnya kita mendengar hujan dan melihat pelangi.
Guru: Bagus sekali! Memang, lakon tersebut mengandung dua gambaran musik, yang melekat pada nama “Hujan dan Pelangi”. Drama seperti ini disebut drama program. Judul yang menunjukkan suatu fenomena realitas yang ada dalam pikiran penciptanya dapat dijadikan sebagai sebuah program. Hujan biasanya diwakili oleh pergerakan nada keenam belas atau nada kedelapan yang stabil. Hal ini tidak terjadi pada miniatur “Hujan dan Pelangi”.
Siswa: Ya, saya memainkan drama “Summer Rain”. Hujan di dalamnya berbeda dengan hujan di lakon yang sedang kita pelajari.
Guru: Sarana musik yang nyata mengungkapkan gambaran alam dalam drama “Hujan” oleh V. Kosenko .
Dengar, saya akan memainkan drama "Rain" karya V. Kosenko (demonstrasi guru). Setelah membandingkan lakon “Hujan dan Pelangi” dan “Hujan”, kini Anda paham, Nastya, bagaimana fenomena alam yang sama bisa digambarkan dalam musik. Sekarang beritahu saya, dalam drama yang sedang kami kerjakan, ada hujan seperti dalam drama “Rain” karya V. Kosenko?
Siswa: Tidak, hujan di sini sangat berbeda.
Guru: Tolong mainkan saya bagian awal permainan (siswa memainkan dua baris pertama). Dapatkah Anda mendengar perbedaannya?
Guru: Awal lakon “Tetesan Hujan”, tentu saja, bukanlah sketsa suara dan visual yang pasti, tetapi ada perasaan hujan musim panas, kesegarannya, ini adalah cerminan musik puitis dari gambaran nyata yang terkenal. Di bagian kedua drama itu, komposer menggambar pelangi. Pada akhirnya kita mendengar hujan yang turun di bawah matahari, hujan jamur.
Guru: Mari kita ulangi bagian pertama (permainan siswa). Perhatikan fakta bahwa di samping intonasi yang menggambarkan hujan, kita mendengar intonasi pelangi. Dalam pelajaran solfeggio Anda telah mengenal konsep perubahan.
Pengikut: Ya, ini menaikkan atau menurunkan nada. Benda tajam dan datar.
Guru: Bagus sekali, kamu sudah menguasai materi ini dengan baik, tapi mari kita perhatikan konsonan yang banyak tandanya, konsonan berubah. Silakan mainkan akord ini (permainan siswa) Cobalah memainkannya dengan menggunakan beban tangan Anda, bertumpu pada keyboard. “Posisi jari harus sedikit diluruskan, dengan ujung jari bersentuhan dengan tuts,” - E. Liberman. Cobalah untuk mendengarkan seberapa besar ketegangan emosional yang diciptakan oleh akord ini. Tolong mainkan saya bagian drama ini, perhatikan rekomendasi saya (permainan siswa)
Guru: Sekarang mari kita coba mengevaluasi seberapa meyakinkan Anda berhasil menyampaikan gambaran yang kita bicarakan.
Guru: Anda mengatakan kepada saya bahwa bagian kedua adalah pelangi. Sungguh, ini adalah keajaiban pelangi yang beraneka warna. Muncul sebagai suara tangga nada C mayor yang menurun, membawa pencerahan dan ketenangan.
Guru: Saya menyiapkan dua ilustrasi artistik fenomena alam pelangi untuk pelajaran: B. Kuznetsov “Pelangi. Jasmine”, N. Dubovskoy “Pelangi”. Mari kita simak baik-baik dan rasakan masing-masingnya. Warna, cakrawala, udara, suasana hati, yang tanpanya pertunjukan drama tidak mungkin dilakukan. Seperti busur pelangi yang membentang di langit, melodi khas Prokofievian yang menyebar luas muncul dalam karya tersebut. G. Neuhaus mengatakan bahwa “perspektif suara dalam musik bagi telinga sama nyatanya dengan lukisan bagi mata.” Selanjutnya, harmoni yang berubah terdengar lagi, tetapi tidak lagi terdengar sekuat sebelumnya. Lambat laun warna musik menjadi lebih terang. Warna adalah kombinasi warna. Drama penuh warna “Hujan dan Pelangi” mencerminkan sikap antusias Prokofiev yang kekanak-kanakan terhadap alam.
Menurut orang-orang sezamannya, Prokofiev adalah seorang pianis yang luar biasa, gaya permainannya bebas dan cerah, dan meskipun gaya musiknya inovatif, permainannya sangat lembut.
Mari kita ingat topik pelajarannya. Tolong beri tahu saya sarana musikal dan ekspresif yang membantu mengungkap gambar.
Siswa: Harmoni dan melodi.
Guru: Mari kita perhatikan kembali keharmonisan. Harmoni adalah akord dan urutannya. Harmoni adalah warna musik polifonik yang diciptakan oleh akord . Silakan mainkan bagian pertama dari drama tersebut (siswa sedang bermain).
Komentar Guru: Selama pertunjukan, guru memperhatikan kemungkinan ekspresif harmoni, kebutuhan untuk mendengarkan dengan cermat harmoni individu dan kombinasinya, kebutuhan untuk berusaha memahami makna ekspresifnya. Peran harmoni dalam menciptakan keadaan ketidakstabilan (konsonan disonan) dan perdamaian (resolusi cerahnya) jelas. Konsonan disonan mungkin terdengar lebih lembut atau lebih tajam, tetapi dalam kasus ini saya dan siswa mencoba untuk menghasilkan suara yang tidak terlalu keras.
Diagnostik.
Guru: Sekarang kita telah membicarakan tentang arti dan kemungkinan harmoni sebagai salah satu sarana ekspresi musik. Tolong beritahu saya bagaimana Anda memahami arti kata harmoni.
Siswa: Harmoni adalah akord dan urutannya.
Guru: Seperti kata-kata pianis dan guru besar Rusia G. Neuhaus: “Musik adalah seni suara.”
Ekspresi suara merupakan sarana pertunjukan yang paling penting untuk mewujudkan konsep musik dan seni. Silakan mainkan bagian tengah lakon (siswa memainkan bagian tengah lakon).
Komentar Guru: Melodi Prokofiev memiliki jangkauan register terluas. Suara yang transparan dan berdering menunjukkan kejelasan serangan dan ketepatan penyelesaian setiap nada. Pewarnaan suaranya menunjukkan lukisan suara cat air terbaik. Kembalinya ilustrasi dan pengerjaan bagian kedua ditentukan oleh kebutuhan untuk mengerjakan teknik produksi suara. Ekspresi suara merupakan sarana pertunjukan yang paling penting untuk mewujudkan konsep musik dan seni. Karya ini menggunakan teknik dan metode praktis untuk membantu mengembangkan telinga siswa terhadap melodi dan, karenanya, warna-warni suara.
Pendengaran melodi adalah penyajian dan pendengaran melodi secara keseluruhan dan setiap nadanya, setiap interval secara terpisah. Anda perlu mendengar melodi tidak hanya dalam nada, tetapi juga secara ekspresif, dinamis dan berirama. Mengerjakan telinga melodi berarti melatih intonasi. Intonasi memberi volume pada musik, menghidupkannya, memberi warna. Pendengaran melodi terbentuk secara intensif dalam proses pengalaman emosional melodi dan kemudian reproduksi apa yang didengar. Semakin dalam pengalaman melodi, polanya akan semakin fleksibel dan ekspresif.
Metode kerja:
- Memainkan pola melodi pada suatu instrumen secara terpisah dari pengiringnya.
- Memainkan melodi dengan diiringi oleh siswa dan guru.
- Melakukan bagian pengiring terpisah pada piano sambil menyanyikan melodi “untuk diri sendiri”.
- Pengerjaan detail maksimal pada penyusunan kata-kata sebuah karya musik.
Guru: Komponen penting dalam mengerjakan melodi adalah mengerjakan frase. Guru akan mendemonstrasikan dua versi episode untuk mengembangkan kemampuan mendengar dan memilih suara yang diperlukan untuk menciptakan gambaran musik yang tepat. (Guru tampil) Siswa mendengarkan secara aktif dan membuat pilihan yang baik. Metode kerja ini mengaktifkan persepsi siswa dan membantu menciptakan citra yang ingin diperjuangkan.
Saat mengerjakan frase yang merupakan salah satu cara untuk mengekspresikan gambaran artistik sebuah karya musik, saya dan siswa mendiskusikan struktur frase, puncak intonasi dan titik puncak, memperhatikan pernafasan dalam frase musik, dan mengidentifikasi momen-momen dari sebuah karya musik. pernafasan. “Nafas hidup memainkan peran utama dalam musik,” - A. Goldenweiser.
Guru: Sekarang mari kita ingat apa itu cantilena?
Siswa: Cantilena adalah melodi lebar yang merdu.
Guru: Silakan mainkan baris melodi panjang yang dimulai di tengah-tengah lagu. Siswa sedang bermain.
Perkembangan metodologi yang disajikan mengungkapkan kepada guru poin-poin utama dalam menumbuhkan persepsi aktif seni musik oleh anak sekolah. Dengan menanamkan kecintaan terhadap musik, guru memupuk selera seni, kecerdasan, dan inisiatif kreatif siswa. Pelajaran musik, khususnya bermain piano, selalu dikaitkan dengan pengalaman emosional. Tugas guru adalah mengembangkan awal kreatif kepribadian anak.
Unduh:
Pratinjau:
Menumbuhkan pemikiran emosional dan figuratif pada siswa. Bekerja pada penampilan ekspresif dari sebuah karya musik.
Dalam musik, tidak seperti seni lainnya, dunia batin seseorang dan kemampuan kreatifnya terungkap. Dengan menanamkan kecintaan terhadap musik, guru memupuk selera seni, kecerdasan, dan inisiatif kreatif siswa. Di sinilah kepiawaian guru, kematangan seninya, kekayaan dunia batinnya dan kemampuan menanamkan kecintaan terhadap musik dalam jiwa anak terwujud.
Target pendidikan musik anak sekolah saat ini - “... mengenalkan siswa pada dunia seni musik yang hebat, mendidik mereka mencintai musik dengan segala kekayaan bentuk dan genrenya, dengan kata lain menumbuhkan budaya musik pada siswa sebagai bagian dari seluruh budaya spiritual mereka” (Kabalevsky D.B.). Pelajaran musik harus selalu bermuatan emosional. Seorang guru harus selalu menghindari nada yang kering, akademis, dan bermoral ketika mengajar anak-anak. “Biarlah rantai aturan selalu terjalin dengan benang perak fantasi” (R. Schumann).
“Persepsi – asimilasi – pengolahan – pengembangan – penciptaan baru– ini kira-kira merupakan “perkembangan” dari hubungan pertumbuhan psikologis dari kontak pertama seseorang dengan seni hingga pembentukan kepribadian yang tercerahkan secara artistik dari orang yang sama dan, dalam kasus-kasus yang menguntungkan, pencipta independen, seniman... ”, tegas B.V. Asafiev.
Menguasai karya musik mengandaikan persepsi penuhnya, yaitu. mendengarkan dan memahami. Persepsi ini memerlukan persiapan siswa yang tepat.
Yang kami maksud dengan mendidik persepsi terhadap musik adalah mendidik:
A) respons emosional terhadap musik,
B) sikap sadar terhadap isi dan karakter suatu karya musik, terhadap citra musiknya, terhadap sarana ekspresi musik.
Ketika mengembangkan dengan segala cara yang mungkin dalam pelajaran berbagai bentuk pengenalan musik kepada anak-anak sekolah, kita harus selalu ingat bahwa dasar dari salah satu bentuk ini adalah persepsi musik yang emosional dan aktif. Konsep ini sama sekali tidak boleh diidentikkan dengan istilah “mendengarkan musik”. Persepsi terhadap musik tidak dapat direduksi menjadi salah satu “jenis aktivitas siswa”, seperti yang biasa dilakukan dalam kaitannya dengan “mendengarkan musik”. Persepsi aktif terhadap musik merupakan dasar dari pendidikan musik secara umum. Hanya dengan cara itulah musik dapat memenuhi peran estetika, kognitif, dan pendidikannya ketika anak-anak belajar untuk benar-benar mendengar dan memikirkannya.
Selain itu, kita dapat dengan aman mengatakan bahwa seseorang yang tidak dapat mendengar musik tidak akan pernah belajar menampilkannya dengan benar dan kompeten.
Pencapaian suatu tujuan selalu difasilitasi oleh solusi tertentu tugas , yang ditafsirkan oleh guru-peneliti kira-kira sebagai berikut:
Tugas pedagogis pertama adalah pembentukan sikap emosional terhadap musik berdasarkan persepsinya.
Tugas pedagogis kedua adalah pembentukan sikap sadar terhadap musik.
Tugas pedagogis ketiga adalah pembentukan sikap aktif dan praktis terhadap musik dalam proses pementasannya.
Penting untuk melatih kinerja ekspresif, emosional dan imajinatif sejak hari pertama kelas, untuk berusaha menumbuhkan sikap kreatif pada anak terhadap aktivitas musik apa pun. Memahami dan memenuhi kreasi dan perwujudan visi seninya sebagai tugas utama, anak tidak akan pernah, atau lebih tepatnya, tidak akan lagi mampu melakukan penjejalan yang monoton. Bentuk pembelajaran permainan membantu dalam hal ini. Permainan ini mewarnai dan menghidupkan aktivitas monoton seperti melatih bagian-bagian dan teknik pianistik. Saya merekomendasikan untuk beralih ke permainan ini bahkan ketika diperlukan kerja keras dan serius. Misalnya, beri tahu anak Anda cara kerja musisi, balerina, atlet, dan penemu profesional; berapa jam kerja, keringat, kesakitan yang mereka habiskan untuk mencapai tujuan mereka. Namun betapa besar kegembiraan dan kebahagiaan yang mereka dapatkan ketika mereka menyadari diri mereka sendiri. Dan kemudian anak tersebut akan terlibat dalam permainan baru - seorang musisi sejati - dan akan dengan terampil melatih keterampilan teknisnya. tempat-tempat yang sulit, pola ritme, dll. Namun guru harus ingat bahwa ini hanyalah permainan, dapat diulang secara berkala, tetapi tidak dapat tiada habisnya dan perlu diciptakan sesuatu yang baru untuk menggantikannya. Saya juga merekomendasikan untuk menjelaskan kepada anak-anak dalam bentuk kiasan, sebaiknya dalam bentuk permainan, konsep-konsep penting bagi seorang pianis seperti tempo, artikulasi, dinamika, posisi, dan memperkenalkan mereka pada terminologi musik dasar Italia. Misalnya, jika berbicara tentang artikulasi, Anda dapat menggunakan alur cerita dongeng “Teremok”, yang menunjukkan dengan piano bagaimana seekor katak melompat (staccato), bagaimana seekor rubah bergerak dengan lancar (legato), bagaimana seekor beruang melangkah dengan berat (tenuto) , dan seterusnya. Karena konsepnya mudah dipahami, siswa dengan mudah menguasai keterampilan artikulasi dalam proses memainkan karya piano dan komposisi dasar.
Penting untuk terus mengembangkan emosi dan kepekaan halus pada seorang anak. Sangat penting untuk mengajari anak berbicara tentang pengalaman dan perasaannya. Hal ini dapat dilakukan tidak hanya dalam musikal, tetapi juga dalam seni dan bahan sastra. Ajaklah anak untuk menceritakan perasaan apa yang muncul ketika mereka melihat gambar ini atau itu atau menggambarkan berbagai orang dan situasi. Namun jangan pernah bertanya, “Seperti apa bentuknya?” Tugas Anda adalah mengajari anak Anda berbicara tentang kesan emosional, perasaan, dan coraknya. Untuk kreativitas bersama, perlu berbicara sejajar dengan siswa. Bicaralah sesering mungkin tentang kehidupan, tentang orang-orang, tentang apa dan bagaimana yang diwujudkan dalam musik, perluas pandangan musik siswa. Musik dan kehidupan adalah tema umum, semacam tugas super pelajaran musik sekolah, yang tidak boleh dipisahkan menjadi bagian yang independen, kurang lebih terisolasi. Itu harus meresap ke semua kelas di semua tingkatan dari kelas satu hingga kelas terakhir, membentuk pandangan dunia siswa, memupuk moralitas dan kemuliaan spiritual mereka.
Pelajaran musik, khususnya bermain piano, selalu dikaitkan dengan pengalaman emosional. Musik tidak mentolerir ketidakpedulian. Siswa harus memahami hal ini sejak kecil. Permainan yang lesu, cuek, membosankan tidak membuahkan hasil yang positif dan tidak sedikitpun memperkaya dunia batin anak. Pada saat yang sama, permainan yang sentimental dan “sensitif” tidak ada hubungannya dengan permainan yang benar-benar ekspresif, kinerja emosional. Siswa yang bermain-main dengan perasaan bahkan tidak memperhatikan lakon yang dibawakan, sering melanggar harmoni ritmenya, seenaknya memperlakukan corak dinamis, dan lain-lain. Hasilnya adalah permainan yang membosankan, rusak, dan sering kali tidak berasa. Meningkatnya emosi seorang anak, jika guru tidak memperhatikannya tepat waktu, dapat menyebabkan kelelahan motorik dan “kekakuan”. Berusaha untuk bermain secara ekspresif dan bergantung pada perasaan yang meluap-luap, siswa, terutama mereka yang memiliki rasa emosional yang tinggi terhadap musik, sering kali membiarkan lebih banyak ketegangan dalam sistem motorik mereka daripada yang diperlukan. Akibatnya, aspek musikal dan teknis dari pertunjukan tersebut terganggu; suara menjadi tajam, mengetuk, garis melodi putus. Intervensi hati-hati dari guru, yang secara bertahap dan sabar membantu anak melepaskan diri dari ketegangan otot yang berlebihan, akan memungkinkan siswa menguasai cara pertunjukan yang alami dan tepat, di mana emosi musisi cilik akan memberikan kehangatan dan ekspresi pada dirinya. bermain.
Pertunjukan yang benar-benar ekspresif didasarkan pada studi yang mendalam dan sepenuh hati tentang niat penulis, keinginan untuk merasakan suasana musik dan, dengan menggunakan kemampuan emosional seseorang, menyampaikan semua ini dengan penuh warna kepada pendengar. Tentu saja, sampai batas tertentu, kualitas individu seorang pemain akan selalu tercermin dalam kinerjanya, namun kualitas tersebut tidak boleh dianggap penting. Karena siswa tidak selalu dapat memahami sendiri isi sebuah karya musik dengan cukup mendalam, seorang guru datang membantunya, yang akan berada dalam kondisi terbaiknya jika ia berhasil menghindari mendekorasi karya tersebut dengan nuansa buatan yang dibuat-buat, dan mengarahkan semua energinya. , kemauan dan kemampuan musik siswa terhadap presentasi konten figuratif yang alami dan ekspresif, logika internal pengembangan karya.
Diketahui bahwa kecenderungan artistik anak-anak berbeda-beda: ada yang tertarik pada drama liris, ada yang lebih suka mempelajari karya-karya yang bersifat virtuoso, dan ada pula yang paling baik dalam menyampaikan sisi dramatis sebuah komposisi.
Perluasan pandangan dunia, kepekaan, dan perkembangan bicara yang terus-menerus akan mengarahkan anak untuk memperoleh pandangan, pendapat, sikap kreatifnya sendiri terhadap bisnis dan kemampuan untuk menjelaskan dan mengungkapkan pikiran dan perasaannya. Dia akan membutuhkan nasihat Anda tentang cara memainkannya agar musiknya terdengar sesuai keinginannya. Proses pembelajaran akan berubah dari pemenuhan tuntutan orang lain menjadi pemenuhan keinginan dan gagasan sendiri. Memenuhi keinginan sendiri jauh lebih menyenangkan daripada memenuhi keinginan orang lain. Hanya karya kreatif yang dapat memberikan hasil tinggi dan minat yang langgeng. Penting untuk lebih sering beralih ke musik simfoni. Jelaskan bahwa instrumentasi memperluas kemampuan pertunjukan, karena setiap instrumen memiliki timbre, karakter, dan gambarnya sendiri. Kemudian pengerjaan suara dan ekspresi pertunjukan akan menjadi lebih banyak arti yang dalam, akan memecahkan masalah yang lebih dalam. Misalnya, cukup menawarkan untuk memainkan suatu tema seperti permainan cello, dan anak, dengan mengandalkan pengalaman pendengaran (timbre dan produksi suara) dan merasakan karakter instrumen sebagai karakter manusia, sudah memiliki gambaran yang jelas. tentang cara bermain. Dia hanya perlu menyelesaikan satu masalah - bagaimana menyampaikan ide dan perasaannya dengan bantuan piano.
Anda perlu mendiskusikan masalah umum dengan siswa, menjelaskan konsep umum, dan tidak fokus pada bagian spesifik yang sedang Anda pelajari. Misalnya, jika seorang anak memainkan musik yang ceria dan lucu, maka konsep komik dalam seni dan kehidupan harus diberikan. Setelah itu, anak harus memikirkan sendiri bagaimana cara memainkan lagu tersebut agar dapat membuat pendengarnya tersenyum. Anda hanya bisa menyarankan teknik kemudian, saat mengerjakan permainan lain dengan rencana yang sama, anak tersebut akan dapat membuat rencana pertunjukan dan mempelajarinya sendiri, dan meminta bantuan khusus kepada Anda. Oleh karena itu, pertama-tama Anda perlu memberikan konsep umum kepada anak, dan kemudian dalam percakapan membimbingnya untuk memecahkan masalah tertentu. Untuk setiap karya, perlu ditentukan bentuk karya: siapkan karya yang tingkat kesulitannya sedang sebagai karya pertunjukan, karya yang lebih sulit - secara umum (tanpa mempelajarinya dari ingatan), sebagai pengantar karya, karya yang mudah - untuk dilihat membaca.
Bagaimana seorang siswa dapat mencapai kinerja ekspresif? Bagaimana cara mengajarinya memahami isi sebuah karya musik? Untuk melakukan ini, perlu menggunakan berbagai teknik pedagogis. Salah satu yang utama adalahpekerjaan sistematis dengan siswa pada analisis formulir esai , mengembangkan kemampuan untuk membagi struktur musik dengan benar menjadi elemen besar dan kecil. Tentu, yang sedang kita bicarakan tentang pengetahuan yang paling sederhana, bahkan mungkin dasar, yang tanpanya tujuan tidak akan tercapai. Untuk bermain secara ekspresif, Anda perluungkapan dengan benar.Namun ungkapan yang benar memerlukan keakraban dalam membagi melodi menjadi frasa, kalimat, titik, dll., dan kemudian kemampuan untuk membedakannya secara mandiri. Informasi spesifik ini diperlukan untuk setiap pemain. Siswa harus menentukan (awalnya dengan bantuan guru) bentuk komposisi yang dipelajarinya dan mengetahui secara pasti nada suaranya. Frasa musik hanya dapat ditampilkan secara ekspresif pada suatu instrumen jika setidaknya ada tigakondisi dasar:1. pelaku menyadari struktur frasa - pembagian motif, dinamikanya - awal, naik, kulminasi, turun, apa pun instrumennya; 2. menguasai sarana alat musik secukupnya untuk mewujudkan maksud seninya; 3. tahu bagaimana mendengarkan dirinya sendiri, kinerjanya seolah-olah dari luar dan memperbaiki kekurangan yang diperhatikan.
Praktik pedagogi memberi kita banyak sekali contoh ketidakseimbangan antara ketiga kondisi ini. Seorang siswa, misalnya, menghasilkan sejumlah nada yang terdengar indah pada suatu instrumen, tetapi nada-nada tersebut tidak membentuk frasa yang bermakna dan ekspresif, dan pertunjukannya bersifat formal dan mekanis (kondisi kedua yang telah kami sebutkan terpenuhi) jika yang pertama dan ketiga tidak ada).
Ada kalanya seorang siswa dengan kemampuan bermusik yang baik memiliki selera yang baik terhadap sebuah frasa, namun kurangnya keterampilan profesional menghalanginya untuk menampilkannya secara ekspresif pada instrumen tersebut. Secara umum diterima bahwa jumlah kasus seperti itu jauh lebih sedikit dibandingkan kasus pertama; Sudah menjadi kepercayaan umum bahwa musikalitas sejati akan menembus semua hambatan dan pasti akan muncul dalam permainannya. Hal ini hanya berlaku bagi anak-anak yang sangat berbakat. Sementara itu, kita sering kali terlalu terburu-buru menerapkan julukan “non-musikal” kepada seorang siswa yang tidak tahu bagaimana mengungkapkan musikalitasnya, karena ia tidak memiliki unsur-unsur keterampilan pianistik yang diperlukan (di sini kita dapat berbicara tentang memenuhi syarat pertama dan tidak adanya yang kedua).
Guru juga sering memperhatikan bagaimana seorang siswa yang cakap, yang memiliki keterampilan pianistik yang diperlukan, pada saat yang sama bermain dengan cara yang tidak menarik dan tidak ekspresif. Setelah dianalisis dengan cermat, diketahui bahwa selama penampilannya dia tidak mendengar apa yang sebenarnya terdengar di bawah jari-jarinya. Tampaknya bagi siswa bahwa ia bermain dengan sangat ekspresif dan indah, padahal ia melanggar ritme meteran karya tersebut, menggunakan dinamika yang megah dan semakin menjauh dari gagasan utama komposisi (dalam hal ini Misalnya, terpenuhinya dua syarat pertama dan tidak adanya syarat ketiga). Guru dihadapkan pada tugas untuk mengidentifikasi, dalam setiap kasus, sisi yang paling rentan dan terbelakang dari individualitas musik siswanya dan mengarahkan perhatian maksimal padanya. pengembangan lebih lanjut. Kapan pianis cilik akan belajar memahami setiap hal itu frase baru Ia juga membawa muatan baru, bahwa tidak boleh ada “ruang kosong” dalam musik, bahwa pidato musikal penuh ekspresi - kita dapat mengatakan bahwa karya guru telah membuahkan hasil.
Anak-anak memiliki kemampuan musik yang berbeda-beda dan oleh karena itu mereka tidak boleh terbebani secara psikologis, dipaksa untuk melatih seluruh peralatan yang diperlukan untuk menampilkan sebuah karya yang sulit untuk usia mereka. Namun Anda tidak bisa menyimpannya dalam bentuk yang sederhana, karena semua orang pada usia berapa pun ingin memainkan musik yang indah, menarik, dan diinginkan. Oleh karena itu, dalam satu pelajaran, ambil 2-3 elemen (sebanyak yang dapat diperhatikan oleh anak) dan soroti elemen tersebut dalam semua permainan, sehingga menarik perhatian siswa sepenuhnya kepada elemen tersebut. Di rumah, anak harus mengerjakan elemen yang disorot, memoles, mempertajamnya. Pelajaran berikut akan mencakup elemen lain, teknik, dll. Jadi secara bertahap jumlah keterampilan meningkat, dan anak terus meningkat. Jangan biarkan siswa berlatih lagu sederhana, tetapi beri mereka kesempatan untuk bergerak maju dengan cepat. Yang penting adalah hasil akhir, bukan penampilan demonstrasi di konser sekolah pertama.
Saya menganjurkan untuk mulai mengerjakan suatu karya baru sesuai dengan rencana berikut: 1. selama pelajaran, anak membaca seluruh karya; bersama guru, menemukan teknik yang memudahkan membaca teks baru dan mengingat bagian-bagian sulit;
2. membangun rencana pertunjukan bersama siswa - menentukan karakter bagian, perubahan suasana hati, dll.;
3. mengetahui teknik teknis apa yang diperlukan untuk melaksanakan gambar artistik yang dimaksud; menjelaskan dan menunjukkan yang sebelumnya tidak diketahui;
4. Siswa mencatat tempat-tempat sulit dalam catatan (dalam hal produksi suara atau kinerja teknis) yang memerlukan pekerjaan tersendiri, guru menyarankan bentuk dan metodenya.
Di kelas-kelas berikutnya, kerjakan karya tersebut sesuai dengan tujuannya dalam rencana kerja umum (kerjakan episode individu atau persiapan untuk konser). Hal utama dalam segala bentuk karya adalah inisiatif kreatif tetap ada pada siswa. Pada setiap tahap perkembangan siswa perlu diingat hal tersebut suara yang indah dan kecemerlangan virtuoso bukanlah tujuan itu sendiri, melainkan sarana untuk mengungkapkan gambaran musik dan kandungan emosional dari sebuah karya. Penting tidak hanya untuk menguraikan teks dengan benar, tetapi juga untuk memahaminya secara intonasional, untuk memahami esensi dari liga intonasi dan frase-semantik.
Tugas guru adalah mengembangkan awal kreatif kepribadian anak. Kadang-kadang kita dapat dicela karena dalam suatu lakon tertentu ada sesuatu yang belum selesai, belum selesai. Namun hal utama telah tercapai: anak bermain dengan jiwa, emosional, ekspresif, dan penuh minat.
Berdasarkan prinsip ilmu musik tingkat lanjut, guru pianis harus senantiasa mencari, mempelajari, mengamati; dia harus ingat bahwa dalam pedagogi, seperti dalam bentuk seni apa pun, rutinitas dan klise sama sekali tidak dapat ditoleransi.
“Semakin mudah seorang guru mengajar, semakin sulit pula siswanya belajar. Semakin sulit suatu soal bagi guru, maka semakin mudah pula bagi siswanya. Semakin banyak guru belajar sendiri..., semakin mudah bagi siswa untuk belajar,” - L. Tolstoy.
literatur
- Asafiev B.V. Bentuk musik sebagai suatu proses. – edisi ke-2. – L., 1971.
- Bochkarev L.L. Psikologi aktivitas musik. – M., 1997.
- Kabalevsky D.B. Refleksi pedagogis. – M., 1986.
- Kabalevsky D.B. Kekuatan seni. – M., 1984.
- Libin A.V. Apakah gaya itu seseorang? // Gaya manusia: analisis psikologis. – M., 1998.
- Neuhaus G.G. Tentang seni bermain piano. M., 1961.
- Petrushin V.I. Psikologi musik. – M., 1997.
- Schumann R. Aturan hidup bagi musisi. – M., 1959.
- Yakovleva E.L. Psikologi pengembangan potensi kreatif pribadi. – M., 1997.
Guru piano Yu.P
Gimnasium MBOU No.7, Krasnoyarsk
Pelajaran terbuka tipe gabungan, ditujukan untuk siswa sekolah dasar yang belajar piano.
Direkomendasikan untuk siswa pra-profesional. program pendidikan, dan bagi anak yang terlibat dalam program perkembangan umum.
Unduh:
Pratinjau:
Lembaga Anggaran Kota pendidikan tambahan"Sekolah seni anak-anak No. 1 di Rasskazovo"
departemen piano
Pelajaran umum
Guru MBUDO "Sekolah Musik Anak No. 1 di kota Rasskazovo"
kelas piano oleh Fursova I.V.
«Mengerjakan sarana ekspresi musik di kelas piano»
Rasskazovo
2016
Tujuan pelajaran:
- Pendidikan:
Pembentukan dan pemantapan pengetahuan tentang sarana ekspresi musik;
Konsolidasi pengetahuan tentang terminologi musik;
Ciri-ciri musik piano yang dibawakan.
- Pendidikan:
Pengembangan kemampuan analitis di bidang pemikiran musik;
Mengembangkan kemampuan menonjolkan hal yang pokok dalam menggarap sebuah karya musik;
- Pendidikan:
Berkontribusi pada pendidikan individu yang harmonis;
Berkontribusi pada pendidikan cita rasa seni estetika;
Menumbuhkan sikap peduli terhadap kelas;
Jenis pelajaran : pelajaran gabungan.
Bentuk pelajaran : membuka pelajaran individu.
Metode pelajaran: verbal, praktis, penelitian.
Teknologi pendidikan: pembelajaran berorientasi kepribadian, teknologi pembelajaran aktif.
Langkah-langkah pelajaran:
- Waktu pengorganisasian.
Suasana hati emosional, presentasi siswa, pesan topik pelajaran.
- Pengantar topik.
Pembicaraan tentang kekhasan musik sebagai salah satu seni, analisis apa yang dimaksud dengan ekspresi musik yang menyampaikan keadaan emosi seseorang.
- Bagian utama.
Bekerja dengan siswa dalam drama... Mengerjakan intonasi, produksi suara, bentuk musik.
Menonton kartun “Pictures at an Exhibition” Analisis musik pengiring oleh siswa.
- Menyimpulkan pelajaran.
Selama kelas:
Keunikan musik adalah mampu menyampaikan dengan sangat cepat dan kuat keadaan emosi seseorang, segala kekayaan perasaan dan corak yang ada dalam kehidupan nyata.
Karena musik merupakan bentuk seni sementara (tidak seperti lukisan dan patung), musik memiliki kemampuan untuk menyampaikan perubahan suasana hati, pengalaman, dan dinamika keadaan emosional dan psikologis. Setiap karya musik memiliki “program sensorik” tertentu.
Ada program musik. Bertemu di sini momen bergambar, dan karya visual semacam itu memiliki nuansa emosional. Kicau burung bisa menimbulkan kekhawatiran sekaligus bersahabat, suara ombak bisa menenangkan sekaligus mengancam. Oleh karena itu, ekspresi selalu melekat dalam musik, dan visualisasi adalah hal yang kedua.
Pelaku, sebagai perantara antara pendengar dan pencipta lagu, harus menghidupkan, menyuarakan karya musik, memahaminya secara kreatif dan mengungkapkan pikiran dan perasaan yang ingin disampaikan oleh pencipta.
Ekspresi musik didasarkan pada apa?
Sarana ekspresi musik antara lain: tempo, dinamika, register, timbre, ritme, harmoni, mode, melodi, intonasi. Citra musik diciptakan melalui kombinasi sarana ekspresi musik tertentu. Misalnya, karakter tangguh disampaikan dengan menggunakan dinamika yang kuat, register rendah, dan tempo yang terkendali. Ekspresi bahasa musik dalam banyak hal mirip dengan ekspresi ucapan. Musik dan pidato memiliki banyak kesamaan. Suara musik, seperti ucapan, dirasakan oleh telinga. Suara menyampaikan keadaan emosi seseorang: tawa, tangisan, kegelisahan, kegembiraan, kelembutan, dll. Pewarnaan intonasi dalam tuturan disampaikan dengan menggunakan timbre, nada, kekuatan suara, tempo bicara, aksen, jeda. Intonasi musik memiliki kemampuan ekspresif yang sama.
Intonasi ucapan pertama-tama mengungkapkan perasaan, suasana hati, pikiran pembicara, seperti halnya intonasi musik. Dengan demikian, tuturan seseorang yang bersemangat ditandai dengan tempo yang cepat, kontinuitas atau adanya jeda kecil, peningkatan nada, dan adanya aksen. Musik yang menyampaikan kebingungan biasanya memiliki ciri yang sama. Ucapan sedih seseorang, seperti musik sedih (tenang, pelan), disela oleh jeda dan seruan.
B.V. Asafiev menggunakan istilah intonasi dalam dua arti. Yang pertama adalah partikel semantik ekspresif terkecil, “intonasi butir”, “sel” gambar. Misalnya, intonasi dua bunyi menurun dengan penekanan pada bunyi pertama (selang satu detik kecil) biasanya mengungkapkan rasa sakit, desahan, tangisan, dan lompatan ke atas pada melodi empat bunyi (per keempat) dengan penekanan pada bunyi kedua. suara adalah awal yang aktif.
Arti kedua dari istilah ini digunakan dalam dalam arti luas: sebagai intonasi yang sama dengan panjang sebuah karya musik. Dalam pengertian ini, musik tidak ada di luar proses intonasi. Bentuk musik merupakan suatu proses perubahan intonasi.
Bentuk musik dalam arti luas adalah totalitas semua sarana musik yang mengungkapkan isi. Dalam arti sempit, struktur suatu karya musik, hubungan bagian-bagian individualnya dan bagian-bagian dalam bagian tersebut, yaitu struktur karya tersebut.
Sifat musik yang sementara memungkinkan kita menyampaikan proses perkembangan dan segala macam perubahan. Untuk memahami makna suatu karya, untuk merasakannya perlu mengikuti perkembangan gambaran musik.
Mari kita cirikan beberapa jenis musik – genre musik.Bentuk ekspresi musik
Secara garis besar musik dibedakan menjadi vokal dan instrumental. Musik vokal diasosiasikan dengan kata, teks puisi. Varietasnya adalah solo, ansambel dan musik paduan suara. Dalam musik instrumental, isinya diungkapkan secara lebih umum. Variasinya meliputi musik solo, ansambel, dan orkestra.
Namun membagi musik hanya menjadi vokal dan instrumental sangatlah sembarangan. Ada berbagai macam genre musik folk dan klasik.
Diposting pada
Bagian utama:
Kiseleva Vika kelas 1.menampilkan drama "Waltz of the Cuckoo" Bagian program ini menggambarkan seekor burung kukuk. Mengembangkan imajinasi anak dan juga memperkenalkan genre waltz. Waltz menentukan karakteristik pertunjukannya sendiri - dukungan dan gerakan menuju irama kuat dari tarian tiga ketukan. Saat mempelajari bagian ini, setiap intonasi perlu dikerjakan secara terpisah dari keseluruhan tekstur, untuk membangun setiap frasa. Bagian pengiring tangan kiri juga layak dipelajari secara terpisah.
Krivkntseva Karina kelas 2.menampilkan drama V. Korovitsin "Vasily the Cat". Ini adalah drama program yang menggambarkan gerakan mendengkur dan plastis seekor kucing. Untuk tujuan ini, sejumlah teknik ekspresi musik digunakan - tekstur berlapis-lapis, intonasi lembut dan mendengkur, pewarnaan timbre yang sesuai dengan gambar, dll.
Di sini Anda harus mengerjakan setiap intonasi, setiap motif dengan lambat. Intonasi adalah perasaan jarak antar interval. Melodinya bergantung pada hubungan nada satu sama lain. Melakukan berarti “mengalami” setiap intonasi dan membawa setiap pemikiran musik ke kesimpulan logisnya. Mengerjakan intonasi memaksa siswa untuk mendengarkan dirinya sendiri dan permainannya. Intonasi mendorong pembebasan sistem motorik - pernapasan tangan, fleksibilitas, dan plastisitas muncul.
Bagi pianis, intonasi ditentukan oleh keragaman tekstur tidak hanya secara horizontal, tetapi juga vertikal. Hal-hal yang perlu diperhatikan saat mengerjakan tekstur:
1. mengamati hubungan dinamis antara suara dan lapisan tekstur.
2. Latar belakang harus membantu melodi. Perhatikan fakta bahwa suara panjang mengubah makna ekspresifnya saat akord diubah.
3. Ekspresi yang sebenarnya bergantung pada jarak suara. Iringannya memperkaya melodi, tetapi tidak bercampur dengannya.
Dalam menciptakan suatu bentuk, ada tiga prinsip yang penting: pengulangan, kontras, pengembangan (variasi).
Dalam karya ini, frasa musik yang diulang dua kali berturut-turut menggantikan penghentian, ini membantu untuk mendengarkan lebih dalam dan mengingat melodinya. Di antara pengulangan ada tema yang kontras. Peran pengulangan semacam itu sangat besar: pengulangan tersebut menjadi dasar dramaturgi musikal, karena memungkinkan kita untuk membangun keutamaan gambar.
Di antara bagian-bagian yang berulang terdapat episode yang kontras, dan terbentuklah tripartit sederhana. Pengulangan dikaitkan dengan prinsip kontras, yang memungkinkan Anda menyorot pengulangan. Kontras membantu mengekspresikan perubahan mood dalam musik, terdengar seperti oposisi
Kontras dikaitkan dengan prinsip pembentukan lainnya - pengembangan. Tema itu sendiri terdiri dari dua unsur yang kontras dan hal ini menimbulkan konflik, kemungkinan benturan dan perkembangannya.
Gudkova Ksenia kelas 2menampilkan karya komposer Partskhaladze "Round Dance". Ini adalah bagian program berdasarkan tekstur akord. Perubahan mode dan nada suara, keragaman dinamis, dan karakteristik intonasi melukiskan gambaran tarian rakyat Rusia. Perhatian khusus harus diberikan pada kualitas penampilan akord. Untuk melakukan ini, di bawah kontrol suara yang ketat, Anda perlu mengajar mereka secara terpisah dan hanya setelah itu menggabungkannya ke dalam motif dan frasa, mengarahkan siswa untuk berpikir secara horizontal. Perhatikan perubahan kunci – mayor dan minor paralel. Manfaatkan secara maksimal seluruh kekayaan sarana ekspresi musik untuk menciptakan citra tarian yang ceria.
Sablina Evelina kelas 2menampilkan karya Yu Litovko "Piece". Syarat utama dalam menggarap karya ini adalah mengidentifikasi dan menekankan sifat vokal melodi piano. Bedakan secara mental dari tekstur umum. Hidupkan dengan nuansa dinamis. Temukan ekspresi dan kehangatan musik yang melekat pada suara manusia dalam bunyi instrumennya. Mencapai gerakan pemersatu saat menampilkan baris melodi utama.
Meringkas. Refleksi diri.
Untuk perkembangan seorang pianis pelajar, melatih intonasi sangatlah penting. Belajar “bernyanyi” pada suatu alat musik itu penting sejak pelajaran pertama. Rasakan instrumennya, bisa bermain secara ekspresif, kendalikan kualitas suara.
Siswa mampu menyebutkan dan merumuskan sarana utama ekspresi musik. Mereka mencoba mendengarkan baik-baik permainan mereka dan mengontrol kualitas penampilan. Mereka memahami sifat karya, genre, gaya. Berpartisipasi aktif dalam analisis dan penelitian materi musik.