Malebné žánre. Umelecké hnutia

Maľba Maľba

Druh výtvarného umenia, ktorého diela sú vytvorené pomocou farieb nanášaných na akýkoľvek tvrdý povrch. IN umelecké diela, vytvorené maľbou, farbou a kresbou, využíva sa šerosvit, výraznosť ťahov, textúra a kompozícia, čo umožňuje reprodukovať na rovine farebnú bohatosť sveta, objem predmetov, ich kvalitu, materiálovú originalitu, priestorovú hĺbku a svetlovzdušné prostredie. Maľba môže sprostredkovať stav statickosti a pocit dočasného rozvoja, pokoj a emocionálne a duchovné bohatstvo, prechodnú bezprostrednosť situácie, účinok pohybu atď.; V maľbe je možný podrobný príbeh a zložitý dej. To umožňuje maľbe nielen vizuálne stelesňovať viditeľné javy skutočného sveta, ale aj ukázať veľký obrazživoty ľudí, ale tiež sa snažiť odhaliť podstatu historické procesy, vnútorný svet človeka, až po vyjadrenie abstraktných predstáv. Pre svoje rozsiahle ideologické a umelecké možnosti je maľba dôležitým prostriedkom umeleckej reflexie a interpretácie skutočnosti, má významný spoločenský obsah a rôzne ideologické funkcie.

Šírka a úplnosť pokrytia reality sa odrážajú v množstve žánrov, ktoré sú maľbe vlastné (historický žáner, každodenný žáner, bojový žáner, portrét, krajina, zátišie). Existujú obrazy: monumentálne a dekoratívne (nástenné maľby, tienidlá, panely), určené na dekoráciu architektúry a zohrávajú dôležitú úlohu v ideologickej a figuratívnej interpretácii architektonickej budovy; stojan (obrazy), zvyčajne nesúvisiaci so žiadnym konkrétnym miestom v umeleckom súbore; scénografia (náčrty divadelných a filmových scén a kostýmov); ikonografia; miniatúrne. K typom maľby patrí aj dioráma a panoráma. Olejomaľby sa líšia podľa charakteru látok viažucich pigment (farbivo) a technologických spôsobov fixácie pigmentu na povrchu. Maľba vodovými farbami na omietku - mokrá (freska) a suchá (a secco), tempera, maľovanie lepidlom, maľovanie voskom, emaily, maľovanie keramickými a silikátovými farbami atď. Priamo s maľbou súvisia mozaiky a vitráže, ktoré riešia tzv. rovnaké problémy ako monumentálna maľba sú umelecké úlohy. Na vytváranie obrazov sa používa aj akvarel, gvaš, pastel a atrament.

Farba je najšpecifickejším výrazovým prostriedkom maľby. Jeho výraz a schopnosť vyvolať rôzne zmyslové asociácie umocňuje emocionalitu obrazu a určuje vizuálne, výrazové a dekoratívne možnosti maľby. V umeleckých dielach farebné formy celý systém(farba). Zvyčajne sa používa množstvo vzájomne súvisiacich farieb a ich odtieňov (farebná škála), aj keď existuje aj maľba v odtieňoch rovnakej farby (monochromatická). Farebná kompozícia zabezpečuje určitú koloristickú jednotu diela, ovplyvňuje priebeh jeho vnímania divákom, je jeho podstatnou súčasťou. umelecká štruktúra. Ďalším výrazovým prostriedkom maľby je kresba (čiara a šerosvit), spolu s farbou rytmicky a kompozične organizuje obraz; Čiara oddeľuje objemy od seba, je často konštruktívnym základom obrazovej formy a umožňuje reprodukovať všeobecne alebo podrobne obrysy predmetov a ich najmenších prvkov. Chiaroscuro umožňuje nielen vytvárať ilúziu trojrozmerných obrazov, sprostredkovať stupeň osvetlenia alebo tmavosti predmetov, ale tiež vytvára dojem pohybu vzduchu, svetla a tieňa. Dôležitú úlohu v maľbe zohráva aj maliarsky bod alebo ťah, ktorý je jeho hlavnou technickou technikou a umožňuje mu sprostredkovať mnohé aspekty. Ťah štetca prispieva k plastickému, trojrozmernému vyrezávaniu formy, sprostredkúva jej materiálový charakter a textúru a v kombinácii s farbou obnovuje koloristickú bohatosť skutočného sveta. Povaha ťahu (hladký, súvislý alebo nelepivý, oddelený, nervózny atď.) tiež pomáha vytvárať emocionálnu atmosféru diela, sprostredkúva bezprostredné pocity a náladu umelca, jeho postoj k zobrazenému.

Bežne sa rozlišujú dva typy obrazových obrázkov: lineárne-rovinné a objemovo-priestorové, ale medzi nimi nie sú jasné hranice. Lineárna maľba sa vyznačuje plochými škvrnami miestnej farby, načrtnutými výraznými obrysmi, jasnými a rytmickými líniami; V starovekom a čiastočne aj modernom maliarstve existujú konvenčné metódy priestorovej konštrukcie a reprodukcie predmetov, ktoré divákovi odhalia sémantickú logiku obrazu, umiestnenie predmetov v priestore, ale takmer neporušujú dvojrozmernosť obrazu. lietadlo. Túžba reprodukovať skutočný svet, ako ho vidí človek, ktorá vznikla v starovekom umení, spôsobila výskyt objemovo-priestorových obrazov v maľbe. V maľbe tohto typu môžu byť priestorové vzťahy reprodukované farbou, čím vzniká ilúzia hĺbky trojrozmerný priestor, vizuálne zničiť obrazovú rovinu pomocou tónových gradácií, leteckej a lineárnej perspektívy, distribúciou teplých a studených farieb; objemové formy sú modelované farbou a svetlom a tieňom. V volumetricko-priestorových a lineárno-planárnych obrazoch sa využíva výraznosť línie a farby a efekt objemu, až sochárstva sa dosahuje gradáciou svetlých a tmavých tónov rozmiestnených v jasne ohraničenom farebnom bode; Farebnosť je zároveň často pestrá, postavy a predmety nesplývajú s okolitým priestorom do jedného celku. Tónová maľba ( cm. Tón prostredníctvom komplexného a dynamického vývoja farieb vykazuje jemné zmeny farby aj tónu v závislosti od osvetlenia ( cm. Valer), ako aj z interakcie blízkych kvetov ( cm. Reflex); celkový tón spája objekty so svetlovzdušným prostredím a priestorom, ktorý ich obklopuje. V maľbe Číny, Japonska a Kórey sa vyvinul zvláštny typ priestorového obrazu, v ktorom je cítiť nekonečný priestor videný zhora, ktorý sa tiahne do diaľky a nezbieha v hĺbke. rovnobežné čiary; postavy a predmety takmer nemajú objem; ich postavenie v priestore ukazuje najmä vzťah tónov.

Maliarske dielo sa skladá z podkladu (plátno, drevo, papier, kartón, kameň, sklo, kov atď.), zvyčajne pokryté základným náterom, a náterovej vrstvy, niekedy chránenej ochranným filmom laku. Vizuálne a výrazové možnosti maľby, znaky techniky písania do značnej miery závisia od vlastností farieb, ktoré sú určené stupňom mletia pigmentov a povahou spojív, od nástroja, ktorý umelec používa, od riedidiel, ktoré používa. použitie; hladký alebo drsný povrch základne a základného náteru ovplyvňuje techniky nanášania farieb, textúru umeleckých diel a priesvitná farba základne alebo základného náteru ovplyvňuje sfarbenie; Niekedy môžu v koloristickej konštrukcii zohrávať určitú úlohu časti základu alebo základného náteru bez farby. Povrch vrstvy farby maľby, teda jej textúra, môže byť lesklý alebo matný, súvislý alebo nesúvislý, hladký alebo nerovný. Požadovaná farba alebo odtieň sa dosiahne tak zmiešaním farieb na palete, ako aj lazúrovaním. Proces tvorby maľby alebo nástennej maľby môže spadať do niekoľkých etáp, zvlášť zreteľných a konzistentných v stredovekej temperovej a klasickej olejomaľbe (kresba na zem, podmaľba, lazúrovanie). Existuje aj maľba impulzívnejšieho charakteru, ktorá umožňuje umelcovi priamo a dynamicky stelesňovať svoje životné skúsenosti vďaka simultánnej práci na kresbe, kompozícii, sochárskych formách a farbení ( cm. Alla prima).

Maľba vznikla v období neskorého paleolitu (pred 40-8 tisíc rokmi). Zachovali sa skalné maľby (v južnom Francúzsku, severnom Španielsku atď.), vytvorené hlinenými farbami (okrová), čiernymi sadzami a dreveným uhlím pomocou štiepaných palíc, kúskov srsti a prstov (obrázky jednotlivých zvierat a potom lovecké scény). V paleolitickej maľbe existujú lineárne siluety a jednoduché modelovanie objemov, ale kompozičný princíp je v ňom stále slabo vyjadrený. Rozvinutejšie, abstraktne zovšeobecnené predstavy o svete sa premietli do neolitického maliarstva, v ktorom sa obrazy spájajú do naratívnych cyklov a objavuje sa obraz človeka ( cm. Primitívne umenie).

Už sa rozvinula maľba otrokárskej spoločnosti obrazový systém, bohaté technické prostriedky. V starovekom Egypte, ako aj v starovekej Amerike existovala monumentálna maľba, ktorá pôsobila v syntéze s architektúrou ( cm. Syntéza umení; maľovanie hrobiek, menej často budov). Súvisel najmä s pohrebným kultom, mal rozsiahly rozprávačský charakter; Hlavné miesto v ňom zaujímal zovšeobecnený a často schematický obraz človeka. Prísna kanonizácia obrazov, prejavujúca sa v črtách kompozície, vzťahu postáv a odrážajúca tuhú hierarchiu, ktorá prevládala v spoločnosti, bola kombinovaná s odvážnymi a presnými pozorovaniami života a množstvom detailov čerpaných z okolitého sveta (krajina, domáce potreby obrázky zvierat a vtákov). Staroveká maľba, ktorej hlavnými výtvarnými a výrazovými prostriedkami boli obrysová línia a farebná škvrna, mala dekoratívne kvality, jej rovinnosť zvýrazňovala povrch steny.

V dávnych dobách maliarstvo pôsobilo v umeleckej jednote s architektúrou a sochárstvom a zdobilo chrámy, domy, hrobky a iné stavby ( cm. Pompeje, Herculaneum, Paestum, hrobka Kazanlak), slúžili nielen kultovým, ale aj svetským účelom. Otvorili sa nové, špecifické možnosti maľby, poskytujúce širokospektrálne zobrazenie reality. V antike vznikli princípy šerosvitu a jedinečné varianty lineárnej a leteckej perspektívy. Spolu s mytologickými vznikali každodenné a historické výjavy, krajinky, portréty, zátišia. Starožitná freska (na viacvrstvovej omietke s prímesou mramorového prachu v horných vrstvách) mala lesklý, lesklý povrch. V starovekom Grécku nevznikla takmer žiadna zachovaná maľba na stojane (na doskách, menej často na plátne), najmä technikou enkaustiky ( cm. Maľovanie voskom); Portréty Fayyum dávajú určitú predstavu o starodávnom maliarskom stojane.

V stredoveku v západnej Európe, v Byzancii, na Rusi, na Kaukaze a na Balkáne sa maľba rozvinula s náboženským obsahom: freska (na suchej aj mokrej omietke na kameni alebo murive), ikonopisná maľba (na doskách so základným náterom hlavne vaječnou temperou ), ako aj knižné miniatúry (na pergamene alebo papieri so základným náterom; vyhotovené temperou, akvarelom, gvašom, lepidlom a inými farbami), ktoré niekedy obsahovali historické námety. Ikony, nástenné maľby (podliehajúce architektonickému členeniu a rovine steny), ako aj mozaiky, vitráže spolu s architektúrou tvorili v interiéroch kostolov jeden celok. Stredoveká maľba je charakteristická výrazom zvučnej, prevažne lokálnej farebnosti a rytmickej línie, expresívnosťou kontúr; formy sú zvyčajne ploché, štylizované, pozadie je abstraktné, často zlaté; Existujú aj konvenčné techniky na modelovanie objemov, ktoré akoby vyčnievali z obrazovej roviny bez hĺbky. Významnú úlohu zohrala symbolika kompozície a farby. V 1. tisícročí nášho letopočtu. e. Monumentálna maľba (glejovými farbami na biely sadrový alebo vápenný základ na hlinito-slamenej pôde) zaznamenala veľký rozmach v krajinách západnej a strednej Ázie, Indii, Číne a na Cejlóne (dnes Srí Lanka). Počas feudálnej éry sa v Mezopotámii, Iráne, Indii, Strednej Ázii, Azerbajdžane a Turecku rozvinulo umenie miniatúr, ktoré sa vyznačuje jemnými farbami, ladným ornamentálnym rytmom a živými pozorovaniami života. Maľba Ďalekého východu atramentom, akvarelom a gvašom na hodvábnych a papierových zvitkoch – v Číne, Kórei, Japonsku – vynikala svojou poéziou, úžasnou ostražitosťou pri pohľade na ľudí a prírodu, lakonickým maliarskym spôsobom a najlepším tónovým stvárnením leteckej perspektívy.

V západnej Európe počas renesancie sa ustálili princípy nového umenia, založeného na humanistickom svetonázore, objavovaní a spoznávaní skutočného sveta. Zvýšila sa úloha maľby, čím sa vyvinul systém prostriedkov na realistické zobrazenie reality. Určité výdobytky renesančného maliarstva sa očakávali v 14. storočí. Taliansky maliar Giotto. Vedecké štúdium perspektívy, optiky a anatómie, použitie techník olejomaľby zdokonalených J. van Eyckom (Holandsko) prispelo k objavu možností, ktoré sú vlastné povahe maľby: presvedčivá reprodukcia objemových foriem v jednote s prenosom priestorovej hĺbky a svetelného prostredia, odhalenie farebnej bohatosti sveta. Freska zažila nový rozkvet; Dôležitými sa stali aj stojanové maľby, ktoré zachovávajú dekoratívnu jednotu s okolitým objektovým prostredím. Pocit harmónie vesmíru, antropocentrizmus maľby a duchovná aktivita jej obrazov sú charakteristické pre kompozície o náboženských a mytologické témy, portréty, každodenné a historické scény, akty. Temperu postupne nahradila kombinovaná technika (glazúra a vypracovanie detailov olejom pomocou temperovej podmaľby) a následne technicky vyspelá viacvrstvová maľba olejovým lakom bez tempery. Popri hladkej, detailnej maľbe na doskách s bielym podkladom (charakteristické pre umelcov holandskej školy a mnohých škôl talianskej ranej renesancie) sa v 16. storočí rozvinula benátska maliarska škola. techniky voľnej, impasto maľby na plátna s farebnými základmi. Súčasne s maľbou v miestnych, často pestrých farbách, s jasným vzorom, sa rozvíjala aj tonálna maľba najväčších maliarov renesancie – Masaccio, Piero della Francesca, A. Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael, Giorgione, Tizian. , Veronese, Tintoretto v Taliansku, J. van Eyck, P. Bruegel starší v Holandsku, A. Dürer, H. Holbein mladší, M. Niethardt (Grunewald) v Nemecku atď.

V XVII-XVIII storočia. Proces vývoja európskeho maliarstva sa skomplikoval. Národné školy vznikli vo Francúzsku (J. de Latour, F. Champagne, N. Poussin, A. Watteau, J. B. S. Chardin, J. O. Fragonard, J. L. David), Taliansku (M. Caravaggio, D. Fetti, J. B. Tiepolo, J. M. Crespi, F. Guardi), Španielsko (El Greco, D. Velazquez, F. Zurbaran, B. E. Murillo, F. Goya), Flámsko (P. P. Rubens, J. Jordaens, A. van Dyck, F. Snyders), Holandsko ( F. Hals, Rembrandt, J. Wermeer, J. van Ruisdael, G. Terborch, C. Fabricius), Veľká Británia (J. Reynolds, T. Gainsborough, W. Hogarth), Rusko (F. S. Rokotov, D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky ). Maliarstvo hlásalo nové spoločenské a občianske ideály, smerovalo k detailnejšiemu a presnejšiemu zobrazovaniu reálneho života v jeho pohybe a rozmanitosti, najmä každodenného prostredia človeka (krajina, interiér, predmety domácnosti); prehlbovali sa psychické problémy, stelesňoval sa pocit konfliktného vzťahu medzi jednotlivcom a okolitým svetom. V 17. storočí Systém žánrov sa rozšíril a jasne sa formoval. V XVII-XVIII storočia. Spolu s rozkvetom monumentálnej a dekoratívnej maľby (najmä v barokovom štýle), ktorá existovala v úzkej jednote so sochárstvom a architektúrou a vytvárala emotívne prostredie, ktoré aktívne pôsobilo na človeka, zohrávala veľkú úlohu maliarska maľba. Formovali sa rôzne maliarske systémy, obidva majú spoločné štýlové črty (dynamická baroková maľba s charakteristickou otvorenou, špirálovitou kompozíciou; klasicistická maľba s jasným, prísnym a jasným dizajnom; rokoková maľba s hrou nádherných odtieňov farieb, svetla a vyblednutia tóny) a nezapadajú do žiadneho špecifického rámca štýlu. V snahe reprodukovať farebnosť sveta, svetelné prostredie, mnohí umelci vylepšili systém tonálnej maľby. To spôsobilo individualizáciu technických techník viacvrstvovej olejomaľby. Rozmach stojanového umenia a zvýšená potreba diel určených na intímne rozjímanie viedli k rozvoju komorných, jemných a ľahkých maliarskych techník – pastelov, akvarelov, tušu a rôznych druhov portrétnych miniatúr.

V 19. storočí Formovali sa nové národné školy realizmu. maľba v Európe a Amerike. Rozšírili sa súvislosti medzi maliarstvom v Európe a iných častiach sveta, kde skúsenosti európskej realistickej maľby dostali originálnu interpretáciu, často založenú na miestnych antických tradíciách (v Indii, Číne, Japonsku a iných krajinách); Európske maliarstvo bol ovplyvnený umením krajín Ďalekého východu (hlavne Japonska a Číny), čo sa prejavilo v obnove techník dekoratívnej a rytmickej organizácie obrazovej roviny. V 19. storočí maľba riešila zložité a naliehavé svetonázorové problémy a zohrávala aktívnu úlohu vo verejnom živote; V maľbe sa stala dôležitá ostrá kritika sociálnej reality. Počas celého 19. storočia. v maliarstve sa pestovali aj kánony akademizmu, ďaleko od života a abstraktná idealizácia obrazov; Objavili sa naturalistické tendencie. V boji proti abstrakcii neskorého klasicizmu a salónneho akademizmu sa rozvinula maľba romantizmu aktívnym záujmom o dramatické udalosti dejín a moderny, energiou obrazového jazyka, kontrastom svetla a tieňa, bohatosťou farieb (T Gericault, E. Delacroix vo Francúzsku; F. O. Runge a K. D. Friedrich v Nemecku, Sylvester Shchedrin; Realistická maľba, založená na priamom pozorovaní charakteristických javov reality, prichádza k úplnejšiemu, konkrétne spoľahlivejšiemu, vizuálne presvedčivejšiemu zobrazeniu života (J. Constable vo Veľkej Británii; C. Corot, majstri barbizonskej školy, O. Daumier vo Francúzsku A. G. Venetsianov, P. A. Fedotov v Rusku). V období vzostupu revolučného a národnooslobodzovacieho hnutia v Európe maliarstvo demokratického realizmu (G. Courbet, J. F. Millet vo Francúzsku; M. Munkacsi v Maďarsku, N. Grigorescu a I. Andreescu v Rumunsku, A. Menzel, V. Leibl v Nemecku a pod.) ukazoval život a prácu ľudu, jeho boj za svoje práva, venoval sa najvýznamnejším udalostiam národných dejín, tvoril živé obrázky obyčajných ľudí a popredných verejných činiteľov; V mnohých krajinách vznikli školy národnej realistickej krajiny. Obrazy putujúcich a im blízkych umelcov, úzko súvisiace s estetikou ruských revolučných demokratov - V. G. Perova, I. N. Kramskoya, I. E. Repina, V. I. Surikova, V. V. Vereščagina, sa vyznačovali sociálno-kritickou bystrosťou.

K umeleckému stelesneniu okolitého sveta v jeho prirodzenosti a neustálej premenlivosti prišiel začiatkom 70. rokov 19. storočia. Impresionistická maľba (E. Manet, C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas vo Francúzsku), ktorá aktualizovala techniku ​​a metódy usporiadania obrazovej plochy, odhaľujúc krásu čistej farby a textúry účinky. V 19. storočí v Európe dominovala stojanová olejomaľba, jej technika v mnohých prípadoch nadobudla individuálny, voľný charakter, postupne strácala svoju inherentnú prísnu systematickosť (k čomu prispelo aj rozšírenie nových továrenských farieb); paleta sa rozšírila (vznikli nové pigmenty a spojivá); namiesto tmavo sfarbených pôd začiatkom 19. storočia. Biele pôdy boli znovu zavedené. Monumentálna a dekoratívna maľba, používaná v 19. storočí. chátrali takmer výlučne lepové alebo olejové farby. Koncom 19. - začiatkom 20. stor. objavujú sa pokusy oživiť monumentálnu maľbu a zlúčiť rôzne druhy maľby s dielami dekoratívneho a úžitkového umenia a architektúry do jedného celku (hlavne v umení „moderny“); modernizujú sa technické prostriedky monumentálnej a dekoratívnej maľby, rozvíjajú sa techniky silikátovej maľby.

Na konci XIX - XX storočia. vývoj maľby sa stáva obzvlášť zložitým a protirečivým; Rôzne realistické a modernistické hnutia koexistujú a bojujú. Inšpirovaný ideálmi októbrovej revolúcie z roku 1917, vyzbrojený metódou socialistický realizmus, maľba sa intenzívne rozvíja v ZSSR a ďalších socialistických krajinách. V krajinách Ázie, Afriky, Austrálie a Latinskej Ameriky vznikajú nové maliarske školy.

Realistická maľba konca XIX - XX storočia. vyznačuje sa túžbou pochopiť a ukázať svet vo všetkých jeho rozporoch, odhaliť podstatu hlbokých procesov vyskytujúcich sa v sociálnej realite, ktoré niekedy nemajú dostatočne vizuálny vzhľad; odraz a interpretácia mnohých javov reality často nadobúdala subjektívny, symbolický charakter. Maľba 20. storočia Popri vizuálne viditeľnej volumetricko-priestorovej metóde zobrazovania vo veľkej miere využíva nové (aj staroveké), konvenčné princípy interpretácie viditeľného sveta. Už v maľbe postimpresionizmu (P. Cezanne, W. van Gogh, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec) a čiastočne aj v maľbe „moderny“ sa objavili črty, ktoré určovali charakteristiku niektorých hnutí 20. storočí. (aktívne vyjadrenie autorovho osobného postoja k svetu, emocionality a asociatívnosti farby, ktorá má malú súvislosť s prirodzenými farebnými vzťahmi, prehnané formy, dekoratívnosť). Svet bol interpretovaný novým spôsobom v umení ruských maliarov konca 19. - začiatku 20. storočia - v obrazoch V. A. Serova, M. A. Vrubela, K. A. Korovina.

V 20. storočí realita je rozporuplná a často hlboko subjektívne realizovaná a pretavená do obrazov najväčších umelcov kapitalistických krajín: P. Picassa, A. Matissa, F. Légera, A. Marqueta, A. Deraina vo Francúzsku; D. Rivera, J. C. Orozco, D. Siqueiros v Mexiku; R. Guttuso v Taliansku; J. Bellows, R. Kent v USA. V maľbách, nástenných maľbách a malebných paneloch bolo vyjadrené pravdivé pochopenie tragických rozporov reality, ktoré sa často zmenilo na odhalenie deformácií kapitalistického systému. S estetickým chápaním novej, „technickej“ doby je spojená reflexia pátosu industrializácie života, prenikanie do maľby geometrických, „strojových“ foriem, na ktoré sa často redukujú organické formy, hľadanie tých, ktoré zodpovedajú svetonázoru moderný človek nové formy, ktoré možno využiť v dekoratívnom umení, architektúre a priemysle. Rozšírený v maliarstve hlavne v kapitalistických krajinách od začiatku 20. storočia. dostali rôzne modernistické hnutia, odrážajúce všeobecnú krízu kultúry buržoáznej spoločnosti; modernistická maľba však nepriamo odráža aj „choré“ problémy našej doby. V maľbe mnohých modernistických hnutí (fauvizmus, kubizmus, futurizmus, dadaizmus a neskôr surrealizmus) sú jednotlivé viac či menej ľahko rozpoznateľné prvky viditeľného sveta fragmentované alebo geometrizované, objavujú sa v neočakávaných, niekedy nelogických kombináciách, čo vedie k mnohým asociáciám a splývajú s čisto abstraktnými formami. Ďalší vývoj mnohých z týchto hnutí viedol k úplnému opusteniu reprezentácie a vzniku abstraktnej maľby ( cm. Abstraktné umenie), ktorý znamenal kolaps maľby ako prostriedku na reflexiu a pochopenie reality. Od polovice 60. rokov. v západnej Európe a Amerike sa maľba niekedy stáva jedným z prvkov pop artu.

V 20. storočí Zvyšuje sa úloha monumentálnej a dekoratívnej maľby, figuratívnej (napríklad revolučná demokratická monumentálna maľba v Mexiku), ako aj nefiguratívnej, zvyčajne plochej, v súlade s geometrizovanými formami modernej architektúry.

V 20. storočí Rastie záujem o výskum v oblasti maliarskych techník (vrátane vosku a tempery; pre monumentálnu maľbu sa vymýšľajú nové farby - silikónové, na silikónové živice a pod.), stále však prevláda olejomaľba.

Nadnárodná sovietska maľba je úzko spätá s komunistickou ideológiou, s princípmi straníckej príslušnosti a národnosti umenia predstavuje kvalitatívne novú etapu vo vývoji maliarstva, ktorá je determinovaná triumfom metódy socialistického realizmu. V ZSSR sa maľba rozvíja vo všetkých zväzových a autonómnych republikách a vznikajú nové národné maliarske školy. Sovietska maľba sa vyznačuje ostrým zmyslom pre realitu, materiálnosťou sveta a duchovným bohatstvom jeho obrazov. Túžba prijať socialistickú realitu v celej jej komplexnosti a úplnosti viedla k využívaniu mnohých žánrových foriem, ktoré sú naplnené novým obsahom. Už od 20. rokov. Osobitný význam nadobúda historicko-revolučná téma (plátna M. B. Grekova, A. A. Deineku, K. S. Petrova-Vodkina, B. V. Iogansona, I. I. Brodského, A. M. Gerasimova). Potom sa objavia vlastenecké maľby, ktoré hovoria o hrdinskej minulosti Ruska, ukazujú historickú drámu Veľkej vlasteneckej vojny v rokoch 1941-45, duchovnú silu sovietskeho človeka.

Veľká rola Vo vývoji sovietskej maľby zohrávajú úlohu portréty: kolektívne obrazy ľudí z ľudu, účastníkov revolučnej reorganizácie života (A. E. Arkhipov, G. G. Rižskij atď.); psychologické portréty zobrazujúce vnútorný svet, duchovnú podobu sovietskej osoby (M. V. Nesterov, S. V. Malyutin, P. D. Korin atď.).

Typický spôsob života sovietskych ľudí sa odráža v žánrovej maľbe, ktorá poskytuje poeticky živý obraz nových ľudí a nového spôsobu života. Sovietsku maľbu charakterizujú veľké plátna presiaknuté pátosom socialistickej výstavby (S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, Yu. I. Pimenov, T. N. Yablonskaya atď.). Estetické potvrdenie jedinečných foriem života únie a autonómnych republík je základom národných škôl, ktoré sa vyvinuli v sovietskej maľbe (M. S. Saryan, L. Gudiašvili, S. A. Čujkov, U. Tansykbaev, T. Salakhov, E. Iltner, M. A . Savitsky, A. Gudaitis, A. A. Shovkunenko, G. Aitiev, atď.), predstavujúce zložky jednotnej umeleckej kultúry sovietskej socialistickej spoločnosti.

V krajinomaľbe, podobne ako v iných žánroch, sa spájajú národné umelecké tradície s hľadaním niečoho nového, s moderným citom pre prírodu. Lyrickú líniu ruskej krajinomaľby (V.N. Baksheev, N.P. Krymov, N.M. Romadin a i.) dopĺňa vývoj industriálnej krajiny s jej rýchlymi rytmami, s motívmi transformovanej prírody (B.N. Yakovlev, G.G. Nyssky). Vysokú úroveň dosiahla maľba zátišia (I. I. Maškov, P. P. Končalovskij, M. S. Saryan).

Vývoj sociálnych funkcií maľby sprevádza všeobecný rozvoj malebná kultúra. V medziach singlu realistická metóda Sovietska maľba sa snaží o rôzne umelecké formy, techniky a jednotlivé štýly. Široký stavebný záber, vznik veľkých verejných budov a pamätných súborov prispel k rozvoju monumentálnej a dekoratívnej maľby (diela V. A. Favorského, E. E. Lansereho, P. D. Korina), k oživeniu techniky temperovej maľby, fresiek a mozaík. V 60. - začiatkom 80. rokov. Vzrástol vzájomný vplyv monumentálnej a stojanovej maľby, vzrástla túžba maximálne využiť a obohatiť výrazové prostriedky maľby ( cm. aj Zväz sovietskych socialistických republík a články o republikách Sovietskeho zväzu).

"Naša Pani z Vladimíra" 1. pol 12. storočia Tretiakovská galéria. Moskva.

Raphael. Freska "Parnassus" v Stanza della Segnatura vo Vatikáne. 1509 -1511

J. Wermer. "Pohár vína." Okolo roku 1660. Galéria obrázkov. Berlín-Dahlem.

P. V. Kuznecov. "Zátišie s krištáľom." 1928. Ruské múzeum. Leningrad.
Literatúra: VII, zv. 1-6, M., 1956-66; IRI, zv. 1-13, M., 1953-69; K. Yuon, O maľbe, (M.-L.), 1937; D. I. Kiplik, Technika maľby, (6. vyd.), M.-L., 1950; A. Kamenský, Divákovi o maľbe, M., 1959; B. Slánsky, Technika maľby, prel. z Česka, M., 1962; G. A. Nedoshivin, Rozhovory o maľbe, (2 vyd.), M., 1964; B. R. Vipper, Články o umení, M., 1970; Ward J., História a metódy starovekého a moderného maliarstva, v. 1-4, L., 1913-21; Fosca F., La peinture, qu"est-ce que c"est, Porrentruy-Brux.-P., 1947; Venturi L., Maliarstvo a maliari, Cleveland, 1963; Cogniat R., Histoire de la peinture, t. 1-2, P., 1964; Barron J. N., Jazyk maľby, Cleveland, (1967); Nicolaus K., DuMont's Handbuch der Gemaldekunde, Kolín, 1979.

Zdroj: Popular encyklopédia umenia." Ed. Polevoy V.M.; M.: Vydavateľstvo "Sovietska encyklopédia", 1986.)

maľovanie

Jeden z typov výtvarného umenia. Obraz sa vytvára farbami nanášanými na povrch steny, dosky, plátna, kovu atď. Už samotný názov „maľba“ naznačuje, že umelec „maľuje život“ v celej jeho bohatosti, rozmanitosti a farebnej nádhere. Tým sa líši od čiernej a bielej grafika. Ako žiadna iná forma umenia, aj maľba je schopná stelesniť celú škálu pocitov, skúseností, vzťahov medzi ľuďmi; presné pozorovania prírody a letom fantázie, skvelé nápady a okamžité dojmy, vzrušenie zo života, vzduch a svetlo.

Socha je trojrozmerná, možno ju obchádzať zo všetkých strán; maľba – umenie farieb na rovine; Divák vidí obraz len z jedného uhla pohľadu. Jednou z úloh maľby, ktorú každá doba rieši po svojom, je vytvorenie ilúzie hĺbky priestoru, trojrozmernosti objemov v rovine. Toto je konvencia obrazového jazyka. Okrem toho farby, ktoré má umelec k dispozícii, nie sú totožné so skutočnými farbami, jeho paleta je oveľa chudobnejšia ako prirodzená.

Maliar si z okolitého sveta vyberá to, čo zodpovedá jeho umeleckej úlohe, veľa vecí v jednom upravuje, zdôrazňuje, zovšeobecňuje, snaží sa sprostredkovať vnútorné kvality ľudí a zákony prírody, neprístupné priamemu videniu, jeho skúsenosti, jeho postoj. smerom k nim. Hlavné výrazové prostriedky maľby: sfarbenie(farebný rozsah, ktorý má emocionálny vplyv na diváka); zloženie(pomer častí obrazu); perspektíva(lineárne, inverzné, paralelné atď.); Chiaroscuro (distribúcia svetla a tieňa), čiary a farebné škvrny; rytmus, textúra(povaha povrchu maľby - hladká alebo reliéfna). V spôsobe písania, v pohybe štetca, v zvláštnostiach nanášania farby na plátno či iný povrch, vždy cítiť individualitu umelca, jeho jedinečný tvorivý „rukopis“.

Podľa účelu a charakteru prevedenia sa rozlišuje monumentálna, stojanová, dekoratívna a divadelná maľba. TO monumentálna maľba zahŕňať nástenné maľby ( fresky) A mozaiky, vitráže, tienidlá, panely, neoddeliteľne spojené s architektúrou, so stenou (stropom, podlahou) budovy, pre ktorú boli vytvorené; čiastočne ikony a veľké skladané oltárne kompozície („Gentský oltár“ od J. van Eika, 1432). Monumentálne diela nie je možné preniesť do iného interiéru. Ikony, skladacie oltáre určené do kostolov, je technicky možné umiestniť do iného priestoru (mnohé z nich sú dnes vystavené v múzeách), avšak zbavené svojho prirodzeného prostredia, vytrhnuté zo súboru strácajú podstatnú časť svojej pôsobivosti na divákovi. Umelecký jazyk monumentálnej maľby sa vyznačuje prísnosťou a vznešenosťou, lakonizmom zovšeobecnených foriem a veľkými farebnými škvrnami. Od r existuje monumentálna maľba staroveku– dokonca aj primitívni ľudia vytvorili skalné maľby ( Altamira v Španielsku, 15-10 tisíc pred Kr. e.).

Rembrandt. "Portrét Hendrikje Stoffels pri okne." OK. 1659

funguje maľovanie na stojane– obrazy – sú vytvorené pomocou stojana a nie sú určené do konkrétnej miestnosti. V ére sa objavili prvé stojanové diela renesancie(15.–16. storočie). Podklad (doska, plátno natiahnuté na nosidlách a pod.) sa pokryl bielym základným náterom zo sadry (kriedy) zmiešanej s lepidlom alebo olejom. Základný náter vyrovnal povrch a „osvetlil“ vrstvu farby zvnútra. Spolu s bielymi sa mnohí majstri (P.P. Rubens atď.) použili farebné (zlato-hnedé, červené) základné nátery, ktoré dodali farebnosti obrazu jednotu. Farby sa nanášali na základný náter v jednej alebo niekoľkých vrstvách; niekedy sa hotové dielo lakovalo. Obrazy v rámoch sú ako okno do sveta vytvoreného umelcovou fantáziou. Spravidla zachovávajú jednotu miesta, času a konania.

Dekoratívna maľba (naratívna aj ornamentálna) je určená nielen na dekoráciu povrchu steny, ale aj na zvýraznenie jej štrukturálnych prvkov ( stĺpci, stĺpiky, oblúky atď.); vykonáva sa technikou fresky a pod. Typom dekoratívnej maľby je grisaille, široko používaný na výzdobu interiérov palácov, kde napodobňoval sochárske reliéfy (Šeremetevov palác v Kuskove, 18. storočie). Keramiku zdobia aj dekoratívne maľby. Maľovanie keramického riadu je tzv maľovanie vázy.

Divadelná a kulisárska maľba je kulisa a náčrt kostýmov pre divadelné predstavenia a filmy; náčrty jednotlivých mizanscén.
Základné techniky maľovania: olejomaľba, tempera, maľovanie lepidlom, enkaustika atď. Akvarel, kvaš, pastel zaujímajú medzipolohu medzi malebným a grafické techniky. Farebné pigmenty sa pôvodne získavali z minerálov (žltohnedý okr z hliny, červený z hematitu, biely z vápna, čierny z uhlia alebo spálenej kosti, modrý a zelený z lapis lazuli a malachitu atď.). Neskôr sa objavili chemicky vyrábané farby. Všetky techniky maľovania používajú rovnaké pigmenty, ale rôzne spojivá - tekuté a lepiace látky, ktoré zabraňujú drobeniu práškov farieb. Starovekí egyptskí majstri maľovali lepiacimi farbami zmiešanými s kazeínom; tieto farby sa nerozšírili, čo umožnilo sprostredkovať veľa malých detailov. Obrazy legendárnych starogréckych majstrov a náhrobné kamene, ktoré sa k nám nedostali Fayumské portréty boli maľované technikou enkaustiky: farby boli roztavené do horúceho roztaveného vosku. Husté voskové farby umožnili vytvoriť výraznú reliéfnu textúru. V stredoveku sa začali používať tempery - farby zmiešané so žĺtkom alebo bielkom s rôznymi prísadami. Temperové obrázky sa vyznačujú tlmenou farebnou schémou. Tempera je pevná a odolná a časom nepraská, na rozdiel od olejomaľby.

Olejomaľba sa objavila počas renesancie; jeho vynález sa pripisuje Holanďanovi J. van Eyckovi. Pigmenty boli zriedené ľanovými, orechovými a inými rastlinnými olejmi; Vďaka tomu farby rýchlo schli, dali sa nanášať v tenkých, transparentných vrstvách, čo dodalo maľbe zvláštnu žiarivosť a lesk. Nevýhodou olejových farieb je, že časom strácajú svoju elasticitu, tmavnú a sú pokryté prasklinami (craquelures). Práca s olejovými farbami umožňuje obrovské množstvo techník - od jemného, ​​starostlivého dokončovania až po širokú a temperamentnú maľbu „alla prima“; s ich pomocou môžete vytvoriť hladký smaltovaný povrch a plastickú reliéfnu textúru. Práve v tejto technike môže umelec najplnšie prejaviť svoje tvorivá individualita a sprostredkovať všetku textúrovanú rozmanitosť sveta - priehľadné sklo, našuchorenú kožušinu, teplo ľudskej pokožky.
Skutočné potešenie pre znalcov maľby pochádza z kontemplácie zázraku premeny ťahov štetcom na živé formy, z mäsa farieb na telo vecí. renesanční majstri," malý Holanďan“, v 17. storočí. snažili sa vytvoriť pocit „zázračnosti“ zobrazovaných predmetov; maľovali tými najjemnejšími štetcami, pričom nanášali malé, nepostrehnuteľné ťahy. V kon. 19. storočia umelci sa snažia „obnažiť“ tvorivý proces, odhaliť krásu nielen zobrazeného objektu, ale aj textúry samotného obrazového muriva (zhluky farby, jej kvapkanie a opadávanie, „mozaika“ ťahov a pod.) . Majstri 20. storočia Používajú širokú škálu maliarskych techník a techník.

Množstvo štýlov a trendov je obrovské, ak nie nekonečné. Kľúčovým znakom, podľa ktorého možno diela zoskupovať do štýlov, sú spoločné princípy umeleckého myslenia. Nahradenie niektorých metód výtvarného myslenia inými (striedanie typov kompozícií, metódy priestorovej výstavby, farebné znaky) nie je náhodné. Historicky sa zmenilo aj naše vnímanie umenia.
Vybudovaním systému štýlov v hierarchickom poradí sa budeme držať eurocentrickej tradície. Najdôležitejším pojmom v dejinách umenia je pojem éra. Každá doba je charakterizovaná určitým „obrazom sveta“, ktorý pozostáva z filozofických, náboženských, politických myšlienok, vedeckých konceptov, psychologických charakteristík svetonázoru, etických a morálnych noriem, estetických kritérií života, ktorými sa jedno obdobie odlišuje od druhého. . Ide o primitívny vek, vek antického sveta, staroveku, stredovek, renesanciu a novovek.
Štýly v umení nemajú jasné hranice, plynule sa premieňajú jeden na druhý a neustále sa vyvíjajú, miešajú a oponujú. V rámci jedného historického umeleckého štýlu sa vždy rodí nový a ten zase prechádza do ďalšieho. Mnoho štýlov koexistuje súčasne, a preto neexistujú žiadne „čisté štýly“.
V tej istej historickej dobe môže koexistovať niekoľko štýlov. Napríklad klasicizmus, akademizmus a barok v 17. storočí, rokoko a neoklasicizmus v 18. storočí, romantizmus a akademizmus v 19. storočí. Štýly ako klasicizmus a baroko sa nazývajú veľké štýly, pretože sa vzťahujú na všetky druhy umenia: architektúru, maliarstvo, dekoratívne a úžitkové umenie, literatúru, hudbu.
Je potrebné rozlišovať: umelecké štýly, smery, trendy, školy a črty jednotlivých štýlov jednotlivých majstrov. V rámci jedného štýlu môže existovať niekoľko umeleckých hnutí. Umelecký smer pozostáva z typických charakteristík danej doby a jedinečných metód umeleckého myslenia. Secesný štýl napríklad zahŕňa množstvo trendov z prelomu storočí: postimpresionizmus, symbolizmus, fauvizmus atď. Na druhej strane koncept symbolizmu ako umeleckého smeru je v literatúre dobre rozvinutý, kým v maliarstve je veľmi vágny a spája umelcov, ktorí sú štýlovo natoľko odlišní, že sú často interpretovaní len ako svetonázor, ktorý ich spája.

Nižšie budú uvedené definície období, štýlov a trendov, ktoré sa tak či onak odrážajú v modernom výtvarnom a dekoratívnom umení.

	- umelecký štýl, ktorý sa rozvíjal v krajinách západnej a strednej Európy v 12.-15. Bol výsledkom stáročného vývoja stredovekého umenia, jeho najvyšším stupňom a zároveň prvým celoeurópskym, medzinárodným umeleckým štýlom v histórii. Zaoberal sa všetkými druhmi umenia - architektúra, sochárstvo, maľba, vitráže, knižný dizajn, umenie a remeslá. základ gotický štýl existovala architektúra, ktorá sa vyznačuje špicatými oblúkmi smerujúcimi nahor, viacfarebnými oknami z farebného skla a vizuálnou dematerializáciou formy. Prvky gotického umenia možno často nájsť v modernom interiérovom dizajne, najmä v nástenných maľbách, menej často v maliarskych stojanoch. Od konca minulého storočia existuje gotická subkultúra, ktorá sa zreteľne prejavuje v hudbe, poézii a odevnom dizajne.
	(renesancia) - (francúzska renesancia, taliansky Rinascimento) Éra v kultúrnom a ideovom vývoji mnohých krajín západnej a strednej Európy, ako aj niektorých krajín východnej Európy. Hlavné charakteristické črty renesančnej kultúry: sekulárny charakter, humanistický svetonázor, odvolanie sa na staroveké kultúrne dedičstvo, akési jeho „oživenie“ (odtiaľ názov). Kultúra renesancie má špecifické črty prechodnej éry od stredoveku k novoveku, v ktorej staré a nové, prelínajúce sa, tvoria jedinečnú, kvalitatívne novú zliatinu. Zložitou otázkou sú chronologické hranice renesancie (v Taliansku - 14-16 storočí, v iných krajinách - 15-16 storočí), jej územné rozloženie a národné charakteristiky. Prvky tohto štýlu v modernom umení sa často používajú v nástenných maľbách, menej často v maľbe na stojane.
	- (z tal. maniera - prijímanie, spôsob) prúdiť v európske umenie XVI storočia. Predstavitelia manierizmu sa vzdialili od renesančného harmonického vnímania sveta, humanistického poňatia človeka ako dokonalého výtvoru prírody. Ostré vnímanie života sa spájalo s programovou túžbou nenasledovať prírodu, ale vyjadriť subjektívnu „vnútornú predstavu“ umeleckého obrazu zrodeného v duši umelca. Najvýraznejšie sa to prejavilo v Taliansku. Pre taliansky manierizmus 20. rokov 16. storočia. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) sa vyznačujú dramatickou ostrosťou obrazov, tragickým svetonázorom, zložitosťou a prehnaným vyjadrením póz a motívov pohybu, pretiahnutými proporciami postáv, koloristickými a svetelnými a tieňovými disonanciami. V poslednom čase ho začali používať historici umenia na označenie fenoménov súčasného umenia spojených s premenou historických štýlov.
	- historický umelecký štýl, ktorý sa rozšíril spočiatku v Taliansku. XVI-XVII storočia a potom vo Francúzsku, Španielsku, Flámsku a Nemecku v XVII-XVIII storočia. V širšom zmysle sa tento pojem používa na definovanie neustále sa obnovujúcich tendencií nepokojného, ​​romantického postoja, myslenia v expresívnych, dynamických formách. Napokon, v každej dobe, takmer v každom historickom umeleckom štýle možno nájsť svoje „obdobie baroka“ ako štádium najvyššieho tvorivého rozmachu, napätia emócií, výbušnosti foriem.
	- umelecký štýl v západoeurópskom umení 17. - rané roky. XIX storočia a v Ruský XVIII- začiatok XIX., ktorý sa obrátil k antickému dedičstvu ako ideálu, ktorý treba nasledovať. Prejavilo sa to v architektúre, sochárstve, maliarstve, dekoratívnom a úžitkovom umení. Klasickí umelci považovali antiku za najvyšší úspech a urobili z nej svoj štandard v umení, ktorý sa snažili napodobňovať. Postupom času sa to zvrhlo na akademizmus.
	- smer v európskom a ruskom umení 20. – 30. rokov 19. storočia, ktorý nahradil klasicizmus. Romantici vyzdvihovali individualitu, dávali do kontrastu ideálnu krásu klasicistov s „nedokonalou“ realitou. Umelcov priťahovali svetlé, vzácne, mimoriadne javy, ako aj obrazy fantastickej prírody. V umení romantizmu zohráva veľkú úlohu akútne individuálne vnímanie a skúsenosť. Romantizmus oslobodil umenie od abstraktných klasicistických dogiem a obrátil ho k národným dejinám a obrazom folklóru.
	- (z lat. sentiment - cit) - smer západné umenie druhej polovice 18. storočia, vyjadrením sklamania z „civilizácie“ založenej na ideáloch „rozumu“ (ideológia osvietenstva). S. hlása cit, osamelú reflexiu, jednoduchosť vidieckeho života“ malý muž" J. J. Rousseau je považovaný za ideológa S.
	- smer v umení, ktorý sa snaží s najväčšou pravdivosťou a spoľahlivosťou zobraziť vonkajšiu formu aj podstatu javov a vecí. Ako kreatívna metóda spája individuálne a typické črty pri vytváraní obrazu. Najdlhší smer v existencii, ktorý sa vyvíja od primitívnej éry až po súčasnosť.
	- smerovanie v európskej umeleckej kultúre konca 19. a začiatku 20. storočia. Symbolizmus, ktorý vznikol ako reakcia na dominanciu noriem buržoázneho „zdravého rozumu“ v humanitárnej sfére (vo filozofii, estetike – pozitivizmus, v umení – naturalizme), sa formoval predovšetkým v r. francúzska literatúra neskoré 1860-70s, neskôr sa rozšíril v Belgicku, Nemecku, Rakúsku, Nórsku, Rusku. Estetické princípy symbolizmu sa do značnej miery vracali k myšlienkam romantizmu, ako aj k niektorým doktrínam idealistickej filozofie A. Schopenhauera, E. Hartmanna, čiastočne F. Nietzscheho, ku kreativite a teoretizovaniu nemeckého skladateľa R. Wagnera. . Symbolizmus staval živú realitu do kontrastu so svetom vízií a snov. Symbol vytvorený poetickým vhľadom a vyjadrujúci nadpozemský význam javov skrytých bežnému vedomiu bol považovaný za univerzálny nástroj na pochopenie tajomstiev existencie a individuálneho vedomia. Kreatívny umelec bol vnímaný ako sprostredkovateľ medzi skutočným a nadzmyslovým, všade nachádzal „znamenia“ svetovej harmónie, prorocky hádal znamenia budúcnosti v moderných javoch aj v udalostiach minulosti.
	- (z francúzskeho impresia - impresia) smer v umení poslednej tretiny 19. - začiatku 20. storočia, ktorý vznikol vo Francúzsku. Názov zaviedol umelecký kritik L. Leroy, ktorý znevážil výstavu umelcov v roku 1874, kde bol okrem iného prezentovaný obraz „Východ slnka“ od C. Moneta. Dojem“. Impresionizmus potvrdzoval krásu skutočného sveta, zdôrazňoval sviežosť prvého dojmu a variabilitu prostredia. Prevládajúca pozornosť na riešenie čisto obrazových problémov redukovala tradičnú myšlienku kresby ako hlavnej zložky umeleckého diela. Impresionizmus mal silný vplyv na umenie európskych krajín a Spojených štátov a vzbudil záujem o námety zo skutočného života. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley atď.)
	- smer v maliarstve (synonymum divizionizmu), ktorý sa rozvíjal v rámci neoimpresionizmu. Neoimpresionizmus vznikol vo Francúzsku v roku 1885 a rozšíril sa aj do Belgicka a Talianska. Neo-impresionisti sa pokúsili uplatniť v umení najnovšie úspechy v oblasti optiky, podľa ktorých maľba vytvorená s oddelenými bodkami základných farieb vo vizuálnom vnímaní dáva fúziu farieb a celej škály maľby. (J. Seurat, P. Signac, C. Pissarro).
	Postimpresionizmus- podmienený súhrnný názov pre hlavné smery francúzskeho maliarstva v XIX - 1. štvrťroku. XX storočia Umenie postimpresionizmu vzniklo ako reakcia na impresionizmus, ktorý sa zameriaval na sprostredkovanie momentu, na pocit malebnosti a strate záujmu o tvar predmetov. Medzi postimpresionistov patria P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh a ďalší.
	- štýl v európskom a americkom umení na prelome 19.-20. Modernizmus reinterpretoval a štylizoval črty umenia z rôznych období a rozvíjal vlastné výtvarné techniky založené na princípoch asymetrie, ornamentálnosti a dekoratívnosti. Prírodné formy sa tiež stávajú predmetom modernej štylizácie. To vysvetľuje nielen záujem o kvetinové ornamenty v modernistických dielach, ale aj ich samotnú kompozičnú a plastickú štruktúru - množstvo krivočiarych obrysov, vznášajúce sa nervy, nové obrysy pripomínajúce rastlinné formy. S modernou je úzko spojená symbolika, ktorá slúžila ako estetický a filozofický základ moderny, opierajúc sa o modernu ako o plastickú realizáciu svojich myšlienok. Secesia mala v rôznych krajinách rôzne názvy, ktoré sú v podstate synonymá: Art Nouveau – vo Francúzsku, Secesia – v Rakúsku, Art Nouveau – v Nemecku, Liberty – v Taliansku.
	- (z francúzskeho moderna - moderna) bežné meno množstvo umeleckých hnutí prvej polovice 20. storočia, ktoré sa vyznačujú popieraním tradičných foriem a estetiky minulosti. Modernizmus má blízko k avantgarde a je opakom akademizmu.
	- názov, ktorý spája škálu umeleckých hnutí bežných v rokoch 1905-1930. (fauvizmus, kubizmus, futurizmus, expresionizmus, dadaizmus, surrealizmus). Všetky tieto smery spája túžba obnoviť jazyk umenia, prehodnotiť jeho úlohy a získať slobodu umeleckého prejavu.
	- smer v umení od XIX - po Kr. storočia, na základe kreatívnych lekcií francúzskeho umelca Paula Cezanna, ktorý zredukoval všetky formy v obraze na najjednoduchšie geometrické útvary a farbu na kontrastné štruktúry teplých a studených tónov. Cezanne slúžil ako jeden z východiskových bodov kubizmu. Cézanneizmus do značnej miery ovplyvnil aj domácu realistickú maliarsku školu.
	- (z fauve - divoký) avantgardné hnutie vo francúzskom umení po Kr. XX storočia Dostal názov „divoký“. novodobí kritici skupina umelcov, ktorí vystúpili v roku 1905 na parížskom Salóne nezávislých a mali ironickú povahu. V skupine boli A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen a iní Fauvistov spojila príťažlivosť k lakonickej expresívnosti foriem a intenzívnych koloristických riešení, hľadanie impulzov v primitívnej tvorivosti, umenie stredoveku a východu.
	- zámerné zjednodušovanie vizuálnych prostriedkov, napodobňovanie primitívnych štádií vývoja umenia. Tento termín označuje tzv. naivné umenie umelcov, ktorí nedostali špeciálne školstvo, však zapojený do všeobecného umeleckého procesu XIX - raný. XX storočia. Diela týchto umelcov - N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov a i. - sa vyznačujú svojráznou detinskosťou v interpretácii prírody, kombináciou zovšeobecnenej formy a drobnej doslovnosti v detailoch. Primitivizmus formy vôbec nepredurčuje primitívnosť obsahu. Často slúži ako zdroj pre profesionálov, ktorí si požičiavajú formy, obrazy a metódy z ľudového, v podstate primitívneho umenia. N. Gončarová, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse čerpali inšpiráciu z primitivizmu.
	- smer v umení, ktorý sa vyvinul na základe dodržiavania kánonov staroveku a renesancie. Bol bežný v mnohých európskych umeleckých školách od 16. do 19. storočia. Akademicizmus premenil klasické tradície na systém „večných“ pravidiel a nariadení, ktoré spútavali tvorivé hľadanie, a pokúšal sa postaviť do protikladu nedokonalú živú prírodu s „vysoko“ vylepšenými, nenárodnými a nadčasovými formami krásy dovedenými k dokonalosti. Pre akademizmus je charakteristické uprednostňovanie predmetov z antickej mytológie, biblických či historických námetov pred predmetmi z r. súčasný umelecživota.
	- (francúzsky kubizmus, z kocka - kocka) smer v umení prvej štvrtiny 20. storočia. Plastická reč kubizmu bola založená na deformácii a rozklade predmetov na geometrických rovinách, plastickom posune tvaru. Zrod kubizmu nastal v rokoch 1907-1908 - v predvečer prvej svetovej vojny. Nesporným lídrom tohto smeru bol básnik a publicista G. Apollinaire. Toto hnutie bolo jedným z prvých, ktoré stelesňovali popredné trendy v ďalšom vývoji umenia 20. storočia. Jedným z týchto trendov bola dominancia konceptu nad umeleckou hodnotou obrazu. J. Braque a P. Picasso sú považovaní za otcov kubizmu. K vznikajúcemu hnutiu sa pridali Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris a ďalší.
	- hnutie v literatúre, maľbe a kinematografii, ktoré vzniklo v roku 1924 vo Francúzsku. Výrazne prispela k formovaniu vedomia moderného človeka. Hlavnými postavami hnutia sú Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dalí, Luis Buñuel, Joan Miro a mnoho ďalších umelcov z celého sveta. Surrealizmus vyjadril myšlienku existencie za hranicami skutočnosti, mimoriadne dôležitú úlohu tu zohráva nevedomie, sny a denné sny. Jednou z charakteristických metód surrealistického umelca je odklon od vedomej tvorivosti, čo z neho robí nástroj, ktorý rôznymi spôsobmi extrahuje rozmarné obrázky podvedomie, podobné halucináciám. Surrealizmus prežil niekoľko kríz, prežil druhú svetovej vojne a postupne, splývajúc s masovou kultúrou, pretínajúc sa s transavantgardou, vstúpila ako integrálna súčasť do postmoderny.
	- (z lat. futurum - budúcnosť) literárno-umelecké hnutie v umení 10. rokov 20. storočia. Futurizmus ako svoj hlavný program, ktorý si pripísal úlohu prototypu umenia budúcnosti, predložil myšlienku zničenia kultúrnych stereotypov a namiesto toho ponúkol ospravedlnenie za technológiu a nízkosť ako hlavné znaky súčasnosti a budúcnosti. . Dôležitou umeleckou myšlienkou futurizmu bolo hľadanie plastického vyjadrenia rýchlosti pohybu ako hlavného znaku tempa moderného života. Ruská verzia futurizmu sa volala kubofuturizmus a bola založená na kombinácii plastických princípov francúzskeho kubizmu a európskych všeobecne estetických inštalácií futurizmu izma.

ŽÁNRE MAĽBY(francúzsky žáner - rod, typ) - historicky ustálené rozdelenie umeleckých diel v súlade s témami a predmetmi obrazu. V modernej maľbe existujú tieto žánre: portrét, historický, mytologický, bojový, každodenný, krajina, zátišie, živočíšny žáner.

Hoci sa pojem „žáner“ objavil v maľbe pomerne nedávno, isté žánrové rozdiely existujú už od staroveku: obrazy zvierat v jaskyniach paleolitickej éry, portréty starovekého Egypta a Mezopotámie z roku 3 000 pred Kristom, krajiny a zátišia v helenistických a rímskych mozaikách a freskách. Formovanie žánru ako systému v maliarskom stojane sa začalo v Európe v 15.–16. a skončilo sa hlavne v 17. storočí, keď sa popri členení výtvarného umenia na žánre objavil koncept tzv. „vysoké“ a „nízke“ žánre v závislosti od námetu obrazu, témy, zápletky. „Vysoký“ žáner zahŕňal historické a mytologické žánre a „nízky“ žáner zahŕňal portrét, krajinu a zátišie. Táto gradácia žánrov pretrvala až do 19. storočia. aj ked s vynimkami.

Takže v 17. storočí. v Holandsku sa v maliarstve stali vedúcimi „nízke“ žánre (krajina, každodenný život, zátišie), ale slávnostný portrét, ktorý formálne patril do „nízkeho“ žánru portrétu, k tomu nepatril. Žánre maľby, ktoré sa stali formou zobrazenia života, sú napriek stálosti svojich všeobecných čŕt nemenné, vyvíjajú sa spolu so životom, menia sa s vývojom umenia. Niektoré žánre zanikajú alebo nadobúdajú nový význam (napríklad mytologický žáner), vznikajú nové, zvyčajne v rámci už existujúcich (napríklad v rámci krajinného žánru, architektonickej krajiny A prístav). Objavujú sa diela, ktoré kombinujú rôzne žánre (napríklad spojenie každodenného žánru s krajinou, skupinový portrét s historickým žánrom).

Žáner výtvarného umenia, ktorý odráža vonkajší a vnútorný vzhľad osoby alebo skupiny ľudí, sa nazýva portrét. Tento žáner je rozšírený nielen v maľbe, ale aj v sochárstve, grafike atď. Hlavnými požiadavkami na portrét sú sprostredkovanie vonkajšej podobnosti a odhalenie vnútorného sveta, podstaty charakteru človeka. Na základe charakteru obrazu sa rozlišujú dve hlavné skupiny: slávnostné a komorné portréty. Slávnostný portrét zobrazuje osobu v plnom raste (na koni, v stoji alebo v sede) na architektonickom alebo krajinnom pozadí. Komorný portrét používa polovičný alebo hrudníkový obraz na neutrálnom pozadí. Existujú dvojité a skupinové portréty. Portréty sa nazývajú párové, maľované na rôznych plátnach, ale navzájom zladené v kompozícii, formáte a farbe. Portréty môžu vytvárať súbory - portrétne galérie, združené podľa profesijných, rodinných a iných charakteristík (galérie portrétov členov korporácie, cechu, dôstojníkov pluku a pod.). Autoportrét je špeciálna skupina - umelcovo zobrazenie seba samého.

Portrét je jedným z najstarších žánrov výtvarného umenia, ktorý mal pôvodne kultový účel a bol stotožňovaný s dušou zosnulého. IN staroveký svet portrét sa viac rozvinul v sochárstve, ako aj v maľovaných portrétoch - Fayyumské portréty 1.–3. storočia. V stredoveku bol koncept portrétu nahradený zovšeobecnenými obrázkami, hoci vo freskách, mozaikách, ikonách a miniatúrach sa osobnostné črty v zobrazovaní historických postáv. Neskorá gotika a renesancia sú búrlivým obdobím vo vývoji portrétnej tvorby, kedy dochádza k formovaniu portrétneho žánru, dosahujúceho vrcholy humanistickej viery v človeka a chápania jeho duchovného života. V 16. storočí Objavujú sa tieto typy portrétov: tradičný (polovičný alebo celovečerný), alegorický (s atribútmi božského), symbolický (podľa literárneho diela), autoportrét a skupinový portrét: Giotto Enrico Scrovegni(okolo 1305, Padova), Jan van Eyck Portrét manželov Arnolfiniových(1434, Londýn, Národná galéria), Leonardo da Vinci Gioconda(okolo 1508, Paríž, Louvre), Raphael Dáma so závojom(okolo 1516, Florencia, Pitti Gallery), Tizian Portrét mladého muža s rukavicou(1515–1520, Paríž, Louvre), A. Durer Portrét mladého muža osoba(1500, Mníchov, Alte Pinakothek), H. Holbein Poslovia(Londýn, Národná galéria), Rembrandt Nočná hliadka(1642, Amsterdam, Rijksmuseum), Autoportrét s Saskia na kolenách(okolo 1636, Drážďany, Obrazáreň). Vďaka Van Dyckovi, Rubensovi a Velazquezovi sa objavuje typ kráľovského, dvorného portrétu: model je zobrazený v celej dĺžke na pozadí drapérie, krajiny, architektonického motívu (Van Dyck Portrét Karola I, OK. 1653, Paríž, Louvre).

Paralelne prebieha línia psychologického portrétu, portrétu postavy, skupinového portrétu: F. Hals Skupinový portrét spoločnosti sv. Adriana(1633, Haarlem, Múzeum Fransa Halsa), Rembrandt Syndics(1662, Amsterdam, Rijksmuseum), El Greco Portrét Niño de Guevara(1601, New York, Metropolitné múzeum umenia), D. Velazquez Portrét Filipa IV(1628, Madrid, Prado), F. Goya Drozd z Bordeaux(1827, Madrid, Prado), T. Gainsborough Portrét herečky Sarah Siddons(1784–1785, Londýn, Národná galéria), F.S. Rokotov Portrét Maykova(okolo 1765, Moskva, Tretiakovská galéria), D. G. Levickij Portrét M.A. Dyakovej(1778, Moskva, Tretiakovská galéria). Zaujímavý a pestrý portrét 19.–20. storočia: D. Ingres Portrét Madame Recamier(1800, Paríž, Louvre), E. Manet Flautista(1866, Paríž, Louvre), O. Renoir Portrét Jeanne Samary(1877, Moskva, Puškinovo štátne múzeum výtvarného umenia), V. Van Gogh Autoportrét s obviazaným uchom(1889, Chicago, zbierka Blok), O.A Portrét básnika Puškin(1827, Moskva, Tretiakovská galéria), I.N Portrét spisovateľa Leva Tolstého(1873, Moskva, Treťjakovská galéria), I.E Musorgského(1881, Moskva, Tretiakovská galéria).

Žáner výtvarného umenia venovaný historickým udalostiam a postavám sa nazýva tzv historický žáner. Historický žáner charakterizovaný monumentálnosťou, na dlhú dobu vyvinuté v nástennej maľbe. Od renesancie do 19. storočia. umelci používali námety z antickej mytológie a kresťanských legiend. Často skutočné historické udalosti Postavy zobrazené na obraze boli naplnené mytologickými alebo biblickými alegorickými postavami. Historický žáner sa prelína s ostatnými - každodenný žáner (historické a každodenné scény), portrét (zobrazenie historických postáv minulosti, portrétno-historické kompozície), krajina (“ historická krajina“), uzatvára bojový žáner.

Historický žáner je stelesnený v stojanových a monumentálnych formách, v miniatúrach a ilustráciách. Historický žáner, ktorý pochádza z dávnych čias, spájal skutočné historické udalosti s mýtmi. V krajinách starovekého východu existovali dokonca typy symbolických kompozícií (apoteóza vojenských víťazstiev panovníka, odovzdanie moci naňho božstvom) a naratívne cykly obrazov a reliéfov.

V starovekom Grécku existovali sochárske obrazy historických hrdinov ( Tyranicídy, 477 pred Kristom), v starom Ríme boli vytvorené reliéfy s výjavmi vojenských ťažení a triumfov ( Trajánov stĺp v Ríme, cca. 111 – 114). V stredoveku v Európe sa historické udalosti odrážali v miniatúrnych kronikách a ikonách. Historický žáner v maliarskom stojane sa začal formovať v Európe počas renesancie, v 17.–18. storočí. bol považovaný za „vysoký“ žáner, zvýrazňujúci (náboženské, mytologické, alegorické, historické predmety). Jeden z prvých realistických malieb na stojane bol Vzdanie sa Bredy Velazquez (1629 – 1631, Madrid, Prado). Obrazy historického žánru boli naplnené dramatickým obsahom, vysokými estetickými ideálmi, hĺbkou medziľudské vzťahy: Tintoretto Bitka pri Zare(okolo 1585, Benátky, Dóžov palác), N. Poussin Veľkorysosť Scipia(1643, Moskva, Puškinovo štátne múzeum výtvarného umenia), J.L.David Horatiova prísaha(1784, Paríž, Louvre), E. Manet Poprava Cisár Maximilián(1871, Budapešť, Múzeum výtvarných umení). Začiatok 19. storočia – nová etapa vo vývoji historického žánru, ktorá začala vznikom romantizmu a vzostupom utopických očakávaní: E. Delacroix Zachytenie Konštantínopolu križiakmi(1840, Paríž, Louvre), K. Bryullov Posledný deň Pompejí(1830–1833, Petrohrad, Ruské múzeum), A.A.Ivanov Zjavenie Krista ľuďom(1837–1857, Moskva, Tretiakovská galéria). Realizmus 2. polovice 19. storočia. obracia k pochopeniu historické tragédie národy a osobnosti: I.E Ivan Grozného a jeho syna Ivana(1885, Moskva, Tretiakovská galéria), V.I.Surikov Menshikov v Berezov(1883, Moskva, Tretiakovská galéria). V umení 20. storočia. existuje záujem o staroveku ako zdroj krásy a poézie: V.A Peter I(1907, Moskva, Treťjakovská galéria), umelci združenia Svet umenia. V sovietskom umení zaujala popredné miesto historická a revolučná kompozícia: B.M boľševický(1920, Moskva, Tretiakovská galéria).

Žáner výtvarného umenia venovaný hrdinom a udalostiam, o ktorých rozprávajú mýty starých národov, sa nazýva mytologický žáner(z gréckeho mythos – legenda). Mytologický žáner prichádza do kontaktu s historickým a formuje sa v období renesancie, kedy staroveké legendy dával bohaté možnosti na stelesnenie príbehov a postáv so zložitým etickým, často alegorickým presahom: S. Botticelli Narodenie Venuše(okolo 1484, Florencia, Uffizi), A. Mantegna Parnas(1497, Paríž, Louvre), Giorgione Spanie Venuša(okolo 1508–1510, Drážďany, Obrazáreň), Rafael Aténska škola(1509–1510, Rím, Vatikán). V 17. storočí – začiatok 19. storočia v dielach mytologického žánru sa rozširuje okruh morálnych a estetických problémov, ktoré sú stelesnené vo vysokých umeleckých ideáloch a buď sa približujú k životu, alebo vytvárajú slávnostnú podívanú: N. Poussin Spiaci Venuša(20. roky 16. storočia, Drážďany, Obrazáreň), P.P Bacchanalia(1619–1620, Moskva, Puškinovo štátne múzeum výtvarných umení), D. Velasquez Bacchus (Opilci) (1628 – 1629, Madrid, Prado), Rembrandt Danae(1636, Petrohrad, Ermitáž), G. B. Tiepolo Triumf Amphitrite(okolo 1740, Drážďany, Obrazáreň). Z 19-20 storočia. Populárne sa stali témy germánskych, keltských, indických a slovanských mýtov.

Bojový žáner(z francúzskeho bataille - bitka) je žáner maľby, ktorý je súčasťou historického, mytologického žánru a špecializuje sa na zobrazovanie bitiek, vojenských vykorisťovaní, vojenských operácií, oslavy vojenskej udatnosti, zúrivosti bitky a víťazstva. Bojová maľba môže obsahovať prvky iných žánrov - domáci, portrét, krajina, zvieracie, zátišie. Umelci sa pravidelne obracali na bojový žáner: Leonardo da Vinci Bitka pri Anghiari(nezachoval sa), Michelangelo Bitka pri Kašine(nezachovalé), Tintoretto Bitka pri Zare(okolo 1585, Benátky, Dóžov palác), N. Poussin, A. Watteau Útrapy vojny(okolo 1716, Petrohrad, Ermitáž), F. Goya Vojnové katastrofy(1810–1820), T. Gericault Zranený kyrysník(1814, Paríž, Louvre), E. Delacroix Chioský masaker(1824, Paríž, Louvre), V.M Po masakri Igora Svyatoslavoviča s Polovci(1880, Moskva, Tretiakovská galéria).

Žáner výtvarného umenia, ktorý zobrazuje scény každodenného, ​​osobného života človeka, každodenného života z roľníckeho a mestského života, sa nazýva každodenný žáner. Apely na život a morálku ľudí sa nachádzajú už v maľbách a reliéfoch starovekého východu, v starovekom vázovom maliarstve a sochárstve, v stredovekých ikonách a knihách hodín. Ale každodenný žáner vynikol a nadobudol charakteristické formy až ako fenomén svetského stojanového umenia. Jeho hlavné črty sa začali formovať v 14.–15. storočí. v oltárnych obrazoch, reliéfoch, tapisériách, miniatúrach v Holandsku, Nemecku, Francúzsku. V 16. storočí V Holandsku sa každodenný žáner začal rýchlo rozvíjať a izolovať sa. Jedným z jej zakladateľov bol I. Bosch ( Sedem smrteľných hriechov, Madrid, Prado). Vývoj žánru každodennosti v Európe výrazne ovplyvnila tvorba P. Bruegela: prechádza k čistému žánru každodennosti, ukazuje, že každodenný život môže byť predmetom štúdia a zdrojom krásy ( Sedliacky tanec, Sedliacka svadba- Dobre. 1568, Viedeň, Kunsthistorisches Museum). 17. storočia možno nazvať storočím „žánru“ vo všetkých maliarskych školách v Európe: Michelangelo a Caravaggio Veštec(Paríž, Louvre), P.P Sedliak tanec(1636–1640, Madrid, Prado), J. Jordans Festival kráľa fazule(okolo 1638, Petrohrad, Ermitáž), A. van Ostade Flautista(okolo 1660, Moskva, Puškinovo štátne múzeum výtvarného umenia), Jan Steen Pacient a lekár(okolo 1660, Amsterdam, Rijksmuseum), F. Hals Cigánska(okolo 1630, Paríž, Louvre), John Vermeer z Delftu Dievča s listom(koniec 50. rokov 17. storočia, Drážďany, Obrazáreň). V 18. storočí vo Francúzsku sa žánrová maľba spája so zobrazovaním galantných výjavov, „pastorálií“, stáva sa rafinovanou a pôvabnou, ironickou: A. Watteau Bivak(okolo 1710, Moskva, Puškinovo štátne múzeum výtvarného umenia), J.B.Chardin Modlitba pred obedom(okolo 1737, Petrohrad, Ermitáž). Diela každodenného žánru boli pestré: ukazovali teplo domova i exotiku ďalekých krajín, sentimentálne zážitky a romantické vášne. Každodenný žáner v 19. storočí v maliarstve presadzoval demokratické ideály, často s kritickým podtextom: O. Daumier Práčovňa(1863, Paríž, Louvre), G. Courbet Umelcova dielňa(1855, Paríž, múzeum Orsay). V ruskom maliarstve 19. storočia sa živo rozvinul každodenný žáner zameraný na zobrazenie roľníckeho života a života mestského obyvateľa: A.G. Venetsianov Na ornej pôde. jar(20. roky 19. storočia, Moskva, Tretiakovská galéria), P.A Majorov dohadzovanie(1848, Moskva, Treťjakovská galéria), V.G Posledná krčma na základni(1868, Moskva, Treťjakovská galéria), I.E Nečakali sme(1884, Moskva, Tretiakovská galéria).

Žáner výtvarného umenia, kde ide predovšetkým o obraz prírody, prostredia, výhľady na krajinu, mestá, historické pamiatky, sa nazýva krajina (francúzska paysage). Existujú vidiecke, mestské krajiny (vrátane veduty), architektonické, priemyselné, obrazy vodného prvku - morská (marína) a riečna krajina

V staroveku a stredoveku sa krajiny objavujú na obrazoch chrámov, palácov, ikon a miniatúr. V európskom umení sa k zobrazovaniu prírody ako prví obrátili benátski maliari renesancie (A. Canaletto). Od 16. storočia krajina sa stáva samostatným žánrom, formujú sa jej odrody a smery: lyrická, hrdinská, dokumentárna krajina: P. Bruegel Je to škaredý deň (Jarný predvečer) (1565, Viedeň, Kunsthistorisches Museum), P.P Lov na levy(okolo 1615, Mníchov, Alte Pinakothek), Rembrandt Krajina s jazierkom a klenutým mostom(1638, Berlín – Dahlem), J. van Ruisdael lesný močiar(60. roky 17. storočia, Drážďany, Galéria umenia), N. Poussin Krajina s Polyfémom(1649, Moskva, Puškinovo štátne múzeum výtvarných umení), K. Lorrain poludnie(1651, Petrohrad, Ermitáž), F. Guardi Piazza San Marco, pohľad na baziliku(okolo 1760–1765, Londýn, Národná galéria). V 19. storočí tvorivé objavy krajinných majstrov, jej saturácia sociálnou problematikou, rozvoj plenéru (zobrazenie prírodného prostredia) vyvrcholil výdobytkami impresionizmu, ktorý dal nové možnosti v obrazovom prenose priestorovej hĺbky, premenlivosti svetlovzdušného prostredia. , zložitosť farieb: Barbizons, C. Corot Ráno v Benátkach(okolo 1834, Moskva, Puškinovo štátne múzeum výtvarného umenia), A.K. Savrasov Veže dorazili(1871, Moskva, Treťjakovská galéria), I.I Žitný V.D. Polenov Moskovský dvor(1878, Moskva, Treťjakovská galéria), I.I Zlatá jeseň(1895, Moskva, Tretiakovská galéria), E. Manet Raňajky v tráve(1863, Paríž, Louvre), Boulevard C. Moneta Kapucínky v Paríži(1873, Moskva, Puškinovo štátne múzeum výtvarných umení), O. Renoir Detský bazénik(1869, Štokholm, Národné múzeum).

Marína(taliansky prístav, z latinského marinus - more) - jeden z typov krajiny, ktorej predmetom je more. Samostatným žánrom sa marína v Holandsku stala začiatkom 17. storočia: J. Porcellis, S. de Vlieger, W. van de Velle, J. Vernet, W. Turner Pohreb na mori(1842, Londýn, Tate Gallery), C. Monet Dojem, východ slnka slnko(1873, Paríž, Múzeum Marmottan), S.F Malý prístav v Sorrente(1826, Moskva, Tretiakovská galéria).

Architektonická krajina- druh krajiny, jeden z druhov perspektívnej maľby, obraz skutočnej alebo imaginárnej architektúry v prírodnom prostredí. Veľkú úlohu v architektonickej krajine zohráva lineárna a vzdušná perspektíva, spájajúca prírodu a architektúru. V architektonickej krajine sa rozlišujú mestské perspektívne pohľady, ktoré sa nazývali v 18. storočí. vedutami (A. Canaletto, B. Bellotto, F. Guardi v Benátkach), pohľady na panstvá, parkové celky s budovami, krajiny s antickými alebo stredovekými ruinami (Y. Robert; K. D. Friedrich Opátstvo v Oak háj, 1809–1810, Berlín, Štátne múzeum; S.F. Shchedrin), krajiny s imaginárnymi štruktúrami a ruinami (D.B. Piranesi, D. Pannini).

Veduta(tal. veduta, lit. - videná) - krajina, ktorá presne dokumentuje vzhľad oblasti, mesta, jedného zo zdrojov umenia panorámy. Termín sa objavil v 18. storočí, keď sa na reprodukciu pohľadov používala camera obscura. Popredným umelcom pracujúcim v tomto žánri bol A. Canaletto: Piazza San Marco(1727–1728, Washington, Národná galéria).

Žáner výtvarného umenia, ktorý zobrazuje predmety pre domácnosť, prácu, kreativitu, kvety, ovocie, mŕtvu zver, ulovené ryby, umiestnené v reálnom každodennom prostredí, sa nazýva zátišie (fr. nature morte - mŕtva príroda). Zátišie môže byť obdarené komplexom symbolický význam, hrať úlohu dekoratívneho panelu, byť tzv. „trik“, ktorý poskytuje iluzórnu reprodukciu skutočných predmetov alebo postáv, ktoré vyvolávajú efekt prítomnosti skutočnej prírody.

Zobrazovanie predmetov je známe v umení staroveku a stredoveku. Za prvé zátišie v maliarskom stojane sa však považuje obraz benátskeho umelca Jacopa de Barbari Jarabica so šípom a rukavicami(1504, Mníchov, Alte Pinakothek). Už v 16. stor. zátišie je rozdelené do mnohých typov: kuchynský interiér s ľuďmi alebo bez nich, prestretý stôl vo vidieckom prostredí, „vanitas“ so symbolickými predmetmi (váza s kvetmi, zhasnutá sviečka, hudobné nástroje). V 17. storočí prekvitá žáner zátišia: monumentálnosť malieb F. Snydersa ( Zátišie s labuťou, Moskva, Puškinovo Štátne múzeum výtvarného umenia), F. Zurbaran, ktorý z niekoľkých predmetov poskladal jednoduché kompozície ( Zátišie so štyrmi nádobami, 1632 – 1634, Madrid, Prado). Holandské zátišie bolo obzvlášť bohaté, skromné ​​vo farbách a v zobrazovaných veciach, ale vynikajúce vo výraznej textúre predmetov, v hre farieb a svetla (P. Klas, V. Heda, V. Kalf, A. Beyeren) . V 18. storočí v lakonických zátišiach J. B. Chardina sa potvrdzuje hodnota a dôstojnosť ukrytá v každodennom živote: Atribúty umenia(1766, Petrohrad, Ermitáž). Zátišia 19. storočia sú rôznorodé: sociálne implikácie v maľbách O. Daumiera; transparentnosť, vzdušnosť v obrazoch E. Maneta; monumentálnosť, konštruktívnosť, precízna modelácia formy farebnosťou od P. Cézanna. V 20. storočí otvárajú sa nové možnosti zátišia: P. Picasso, J. Braque urobili z námetu hlavný objekt umeleckého experimentu, skúmali a rozoberali jeho geometrickú štruktúru.

Žáner výtvarného umenia zobrazujúci zvieratá je tzv živočíšny žáner(z lat. zviera - zviera). Zvierací umelec dbá na výtvarnú a figuratívnu charakteristiku zvieraťa, jeho zvyky, dekoratívnu výraznosť postavy a siluety. Zvieratá sú často obdarené vlastnosťami, činmi a skúsenosťami, ktoré sú vlastné ľuďom. Obrazy zvierat sa často nachádzajú v starovekom sochárstve a maľbe váz.

Nina Bayorová

Literatúra:

Suzdalev P. O žánroch maľby.– časopis „Kreativita“, 1964, č. 2, 3
Dejiny zahraničného umenia. M., Výtvarné umenie, 1984
Whipper B.R. Úvod do historického štúdia umenia. M., Výtvarné umenie, 1985
Dejiny svetového umenia. BMM JSC, M., 1998



Štýl je chápaný ako formovaný komplex vizuálnych techník a výrazových prostriedkov, ktorý identifikuje umeleckú originalitu umeleckého fenoménu. Slovo „štýl“ pochádza z lat. stilus, z gréčtiny. stylos, čo znamená „špicatá palica na písanie“. Štýly nie sú navzájom ekvivalentné - niektoré štýly existujú už stáročia, iné sú relevantné len niekoľko rokov. Rozdelenie tvorivosti umelcov na štýly, prípadne smery, je podmienené. Stáva sa to preto, že nie je možné jasne definovať hranice konkrétneho štýlu. Počet štýlov a ich typov nie je konštantná veličina; pohyby, zmeny a vývoj prebiehajú nepretržite. Existuje ich takmer nekonečná rozmanitosť.

Abstrakcionizmus

V.V. Kandinsky "Dominantná krivka"

Abstrakcionizmus (z lat. abstractio – odstraňovanie, odvádzanie pozornosti) je smer v maliarstve charakterizovaný odmietnutím túžby priblížiť zobrazované predmety čo najviac formám reálneho objektívneho sveta. Abstrakcionizmus sa tiež nazýva „umenie v znamení „nulových foriem“, „neobjektívne umenie“, „nefiguratívne umenie“, „neobjektivita“. Abstrakcionizmus ako hnutie sa objavil v 10. rokoch. dvadsiateho storočia a je extrémnym prejavom modernizmu. Umelci tohto hnutia používali pri tvorbe diel len formálne prvky, ako sú línie, farebné škvrny, konfigurácie. V dvadsiatom storočí v Rusku sú najvýznamnejšími predstaviteľmi abstraktného umenia V. Kandinsky, Kazimir Malevič (autor veľmi známeho obrazu „Čierne námestie“), ako aj tvorca suprematizmu a Michail Fedorovič Larionov, ktorý bol zakladateľom takého hnutia ako "rayonizmus"(1910-1912 XX storočia).

M.F. Larionov "Radiant Lines"

Z pozície Rayonizmus, účelom maľby nie je zobrazovať predmety samotné, ale farebné lúče odrážajúce sa od nich, pretože je to najbližšie k tomu, ako sú predmety vnímané ľudským okom. Pracoval v rayonizme: Michail Le-Dantu, N.S. Gončarová, S.M., Romanovič.

avantgarda

Avantgarda (z francúzskeho avantgardisme, z avantgarde - avantgarda) je súbor umeleckých hnutí charakterizovaných podceňovaním a rozchodom s už existujúcimi kánony a tradíciami kreativity, neustálym hľadaním nových foriem vyjadrenia a povýšenie inovácií do rebríčka najvýznamnejších hodnôt. Samotný pojem „avantgarda“ sa objavil v 20. rokoch. XX storočia a nakoniec sa presadil v 50. rokoch. V rôznych obdobiach boli rôzne hnutia klasifikované ako avantgardy (kubizmus, futurizmus, expresionizmus, dadaizmus, surrealizmus atď.)

akademickosť

K. Bryullov „Jazdkyňa“

Akademiizmus (z francúzskeho academisme) je smer v maliarstve charakterizovaný povýšením na ideál a prísnym dodržiavaním určitých kánonov. Tento smer sa vyznamenali v maliarstve 16. – 19. storočia, kedy boli normy akejkoľvek umeleckej školy povýšené na úroveň štandardu, vzoru pre ostatných. Na jednej strane akademizmus prispel k zavedeniu umeleckého školstva do systému a upevňovaniu tradícií; na druhej strane prerástol do nekonečného systému „receptov“. Akademicizmus chápal umenie staroveku a taliansku renesanciu ako základ diel. Napríklad pri štúdiu na umeleckých akadémiách bolo povinné vypracovať práce z mytologických, historických či biblických predmetov. Výber iných tém nebol povolený, čo znamenalo nevyhnutnú priepasť medzi realitou života a umenia. Protesty umelcov proti dodržiavaniu existujúcich kánonov postupne viedli k tomu, že pojem „akademizmus“ nadobudol negatívnu konotáciu.

Akcionizmus

Akcionizmus (z angl. action art – umenie akcie) je umelecký smer charakteristický odvádzaním pozornosti diváka od samotného diela k procesu jeho tvorby. Akcionizmu sú blízke happeningy, performance, eventy, procesné umenie, predvádzacie umenie a množstvo iných umeleckých foriem. Akcionizmus vznikol v 60. rokoch. XX storočia Akcionizmus sa snaží vymazať hranicu medzi umením a realitou, zapojiť diváka/umelca do nejakej akcie alebo akcie.

Empírový štýl

J.L. David "Prísaha Horatii"

Empire (francúzsky empire – impérium z lat. imperium – velenie, moc) – podstata tohto umeleckého smeru sa odráža v názve. Vyznačuje sa zobrazením na obrazoch moci a sily armády, veľkosti štátu; Dosiahlo sa to obrátením sa na staroegyptské dekoratívne formy (vojenské trofeje, okrídlené sfingy), etruské vázy, pompejské maliarstvo, grécky a rímsky dekor, renesančné fresky a ornamenty. Empírový štýl sa najvýraznejšie prejavil v architektúre. Empírový štýl vznikol vo Francúzsku začiatkom 19. storočia, počas prvého cisárstva Napoleona Bonaparta. Empírový štýl je finále vývoja klasicizmu. Rovnako ako klasicizmus, empírový štýl prísne dodržiava kánony. Má však množstvo funkcií: empírový štýl sa vyznačuje použitím jasných farieb - červenej, modrej, bielej a zlatej; kompozícia obrazu je postavená (spravidla) na kontraste monochromatických plôch interiéru, riadu a minimálnej ornamentiky umiestnenej na presne určenom mieste, zatiaľ čo v klasicizme sú hranice interiéru rozmazané. Empírový štýl je tvrdý a chladný. Charakterizuje ho monumentalizmus a lakonizmus. Dekoratívne motívy empírového slohu tvoria najmä prvky starorímskej vojenskej techniky: legionárske odznaky s orlami, zväzky kopijí, štíty, zväzky šípov, hlásateľské sekery.

Podzemné

L. Kropivnitsky „Nevyvrátiteľné argumenty“

Underground (z anglického underground - underground, dungeon) je smer v umení charakterizovaný odporom k masovej kultúre, existujúcim obmedzeniam a konvenciám; úmyselné porušenie prijatých noriem. Underground vznikol v USA koncom 50-tych rokov. XX storočia V sovietskych časoch pojem „podzemie“ zahŕňal takmer akékoľvek neoficiálne (orgány neschválené) umenie. Najčastejšie sa v dielach tohto štýlu objavovali témy „sexuálna revolúcia“, drogy, problémy marginálnych skupín. Po rozpade ZSSR a zrušení zákazov slobody tvorivosti stratil underground svoju aktuálnosť a podstatu.

Art Deco

T. de Lempicke „Kizette na balkóne“

Art Deco, tiež art deco (z francúzskeho art deco, skrátene z decoratif, doslova „dekoratívne umenie“) je eklektický štýl, ktorý je zmesou viacerých trendov ako modernizmus, neoklasicizmus, ale aj kubizmus, futurizmus a konštruktivizmus. Charakteristické črty: bohatá paleta farieb, luxus, šik, množstvo ozdôb, nasledovanie vzorov, no zároveň použitie odvážnych geometrických tvarov, nezvyčajná kombinácia drahých a exotických materiálov (slonovina, krokodília koža, striebro, čierny eben, materská- perleť, diamanty, šagreenová koža, dokonca aj jašterice). Často boli zobrazované fantastické stvorenia a malátne bledé ženy s rozpustenými vlasmi. Obrazy maľované v štýle Art Deco páchnu únavou a sýtosťou. Štýl Art Deco vznikol vo Francúzsku v 20. rokoch 20. storočia. XX storočia, neskôr sa rozšírila do celého sveta (do 40. rokov). Art Deco sa nazýva posledný umelecký štýl, ktorý „spájal nezlučiteľné“.

barokový

P.P. Rubens "Portrét markízy Brigitte Spinola Doria"

Baroko je pohyb v umení charakterizovaný množstvom dekoratívnych detailov, pompéznosťou, majestátnosťou, kontrastom (svetlo, tieň, materiály, mierka), ťažkosťou, kolosálnosťou pri tvorbe diel. História pôvodu tohto slova si zaslúži osobitnú pozornosť, pretože Nie je úplne jasné, od ktorého slova bol pôvodne odvodený názov tohto štýlu. Slovo „barokový“ v portugalčine používali námorníci ako názov pre chybné perly bizarného, ​​zdeformovaného tvaru (perola barroca). Neskôr, v polovici 16. stor. toto slovo si požičali Taliani a stalo sa synonymom pre hrubý, falošný, nemotorný. Francúzske slovo „baroquer“ pre klenotníkov znamenalo „zjemniť obrys, urobiť tvar malebnejším“; av roku 1718 sa toto slovo objavilo vo francúzskych slovníkoch a bolo interpretované ako urážlivé. V súvislosti s tým dlho odmietali používať toto slovo ako názov pre štýl v umení. Samotný barokový štýl vznikol okolo roku 1600 v Taliansku a Ríme, neskôr sa rozšíril po celej Európe a stal sa jedným z dominantných štýlov v architektúre a umení európskych krajín na konci 16. – v polovici 18. storočia. Najvýraznejšími predstaviteľmi barokového maliarstva sú P. Rubens a M. Caravaggio.

Verizmus

G. Fattori "Bitka o Montebleau"

Verizmus (z taliančiny il verismo, od slova vero - pravdivý, pravdivý) je smer v umení charakterizovaný túžbou čo najplnšie sprostredkovať pravdivosť opísaných udalostí. Samotný termín vznikol v 17. storočí a slúžil na označenie realistického smeru v barokovej maľbe. Neskôr (v druhej polovici 19. storočia) nadobúda tento pojem iný význam, odrážajúci túžbu nie po realizme, ale po naturalizme.

Renesancia, alebo renesancia

Renesancia, alebo renesancia (z franc. renesancia, tal. Rinascimentom – obrodenie) je jednou z najvýznamnejších oblastí umenia, vyznačujúca sa antropocentrizmom (záujem o človeka a jeho aktivity), sekulárnym charakterom kultúry, humanistickým svetonázorom, apelom na staroveké kultúrne dedičstvo (t. j. dochádza k „znovuzrodeniu“). Je dosť ťažké stanoviť chronologický rámec renesancie: v Taliansku storočia XIV-XVI, v iných krajinách storočia XV-XVI. Umelci sa stále obracajú k tradičným náboženským témam, no zároveň začínajú na svojich plátnach používať nové umelecké techniky: konštruovanie trojrozmernej kompozície, využívanie krajiny v pozadí. To vám umožní dosiahnuť väčší realizmus v obraze a „oživiť ho“. Renesanciu charakterizujú zmeny v kultúre spoločnosti ako celku, týkajúce sa zamerania a obsahu umenia; človek a svet okolo neho sú potvrdené ako najvyššia hodnota. Renesancia mala silný vplyv na celý ďalší vývoj európskeho umenia.

gotický

Okno z farebného skla „Panna a dieťa“ katedrály v Chartres, ktoré vytvoril. až 1200

Gotika (z tal. gotico - nezvyčajný, barbarský) je smer, ktorý vznikol v polovici 12. storočia, charakterizuje ho organické prepojenie výtvarného umenia s architektúrou a interiérovým dizajnom, zložitosť a bohatosť kompozície, duchovnosť a vznešenosť obrazov. Počas renesancie bolo toto umenie stredoveku považované za „barbarské“. Gotické umenie malo kultový účel a náboženské zameranie. Gotika sa vo svojom vývoji delí na Raná gotika, rozkvet, neskorá gotika. Slávne európske katedrály, ktoré si turisti radi fotia do detailov, sa stali majstrovskými dielami gotického štýlu. V interiérovom dizajne gotické katedrály Dôležitú úlohu zohrali farebné riešenia. Vo vonkajších a výzdoba interiéru Bolo tam množstvo pozlátenia, presvetlenie interiéru, prelamovanie stien a kryštalická disekcia priestoru. Najlepšie vzorky Autentické gotické vitráže sú k videniu v katedrálach v Chartres, Bourges a Paríži.

Dadaizmus alebo dadaizmus

F. Picabia „Prehliadka lásky“

Dadaizmus, alebo dada, je hnutie v umení charakterizované popieraním kánonov, umeleckých štandardov, nesystematičnosťou a sklamaním a iracionalitou. Dadaizmus vznikol vo Švajčiarsku ako reakcia tvorivých jednotlivcov na prvú svetovú vojnu. Švajčiarsko si zachovalo neutralitu a umelci mohli pozorovať život utečencov a dezertérov. Hlavnou myšlienkou dadaizmu bolo dôsledné zničenie celej estetiky. Vysvetlením je, že dadaisti verili, že racionalita a logika sú príčinou vojen a konfliktov. Na protest proti tomu vo svojich dielach ničili a opúšťali estetiku a prijímali normy. Výraz „dadaizmus“ pochádza zo slova „dada“, ktoré má niekoľko významov: chvost posvätnej kravy; matka, detský drevený kôň, zdvojená výpoveď v (ruštine a rumunčine); ako aj baby talk. Vo všeobecnosti to bolo niečo nezmyselné, čo odrážalo podstatu tohto štýlu. Bežnou formou dadaistickej kreativity bola koláž. Tento štýl sa rýchlo vyčerpal, ale mal veľký vplyv na rozvoj umenia. Predpokladá sa, že dadaizmus bol predchodcom surrealizmu.

Dekadencia

Dekadencia (z franc. décadence, décadentisme - úpadok, dekadencia) je súhrnný názov pre javy v umení spôsobené krízou tradičných predstáv a hodnôt. Rozšírený bol v druhej polovici 19. – začiatkom 20. storočia. Charakteristické črty: skľúčenosť, pesimizmus, popieranie historicky ustálených duchovných ideálov a hodnôt, odmietanie každodennej reality, zásadná apolitickosť, sklon k iracionalizmu a mysticizmu, neurčitá túžba po nadpozemskom ideáli, zámerná nejasnosť a tajomnosť obrazov, motívy skepsa a beznádej, záujem o erotiku, pozorná pozornosť k téme smrti. Dekadenti požadovali vytváranie nových foriem v umení bez toho, aby ponúkali konkrétne opatrenia a nápady. Filozofickým základom boli myšlienky A. Schopenhauera, F. Nietzscheho, E. Hartmanna, M. Nordaua.

impresionizmus

Impresionizmus (francúzsky: impresionizmus, dojem) je umelecký smer charakterizovaný túžbou zachytiť krásu skutočného sveta „tak, ako je“, sprostredkovať jeho premenlivosť a odrážať prchavé dojmy. Impresionizmus vznikol vo Francúzsku, obdobie jeho existencie možno zaznamenať ako poslednú tretinu 19. – začiatok 20. storočia. Samotný termín „impresionizmus“ prvýkrát použil kritik L. Leroy, ktorý s pohŕdaním hovoril o výstave umelcov v roku 1874, vrátane C. Moneta „Impression. Vychádzajúce slnko. " Impresionisti sa vo svojich dielach snažili sprostredkovať sviežosť vnímania života, zobrazovali momentálne situácie, vytrhnuté z prúdu reality a silné vášne.

Zvýraznite neoimpresionizmu(francúzsky neoimpresionizmus) a postimpresionizmu(z lat. post - po a impresionizmus). Neoimpresionizmus vznikol vo Francúzsku okolo roku 1885, jeho zvláštnosťou je uplatnenie v umení najnovšie úspechy v oblasti optiky. Postimpresionizmus je súhrnný názov pre pohyby v maľbe, jeho zvláštnosťou je hľadanie prostriedkov na vyjadrenie nielen konkrétneho momentu života, ale aj chápania dlhodobých stavov okolitého sveta.

klasicizmus

N. Poussin „Inšpirácia básnika“

Klasicizmus (odvodené z latinského classicus – príkladný) je smer v umení charakterizovaný odvolaním sa na antické dedičstvo ako štandard, ktorý treba nasledovať. Najväčšou hodnotou pre klasicizmus sú večné a nemenné individuálne vlastnosti, ktoré ustupujú do pozadia; Diela boli postavené na základe kánonov (v klasicizme sa objavilo rozdelenie žánrov na „vysoké“ a „nízke“, pričom ich miešanie nebolo povolené), aby sprostredkovali logiku a dokonalosť celého vesmíru. Ideológia klasicizmu pripisuje veľký význam spoločenským a vzdelávacím funkciám umenia. Charakteristické črty klasicizmu: harmónia, poriadok, logika, prehľadnosť, plastická jasnosť obrazových konštrukcií, reflexia témy prírody, nadčasovosť, apel na témy ľudského života a histórie. Klasicizmus sa prejavil v dielach umelcov 17. storočia. - začiatok 19. storočia Postupom času sa klasicizmus zmenil na akademizmus.

kubizmus

P. Picasso "Les Demoiselles d'Avignon"

Kubizmus (z francúzskeho cubisme, z kocka - kocka) je smer v maľbe charakterizovaný túžbou zobrazovať predmety reality prostredníctvom geometrických tvarov - rovných čiar, hrán, kockovitých tvarov, pretínajúcich sa rovín. Kubizmus začal v 10. rokoch 20. storočia. Je pozoruhodné, že výraz „kubisti“ pôvodne použil francúzsky kritik vo vzťahu k umelcom ako výsmech. Najvýznamnejšími predstaviteľmi kubizmu sú P. Picasso a J. Braque.

Manierizmus

Manierizmus (z talianskeho maniera, maniera) je smer v umení charakterizovaný nedostatkom súladu medzi fyzickým a duchovným, prírodou a človekom. Umelci pripisujú nadmernú dôležitosť plasticite, zmyselnosti a výrazu. Obrazy na obrazoch sú buď „prekrásne“, predmety sú pretiahnuté, pretiahnuté, alebo naopak. Manierizmus (z tal. manierismo, z maniera - spôsob, štýl) je štýl v umení založený na asimilácii spôsobu nejakého veľkého majstra alebo určitej umeleckej školy. Chronologický rámec manierizmu tvorí 16. storočie. do prvej tretiny 17. storočia. Niektorí bádatelia považujú manierizmus za prechod od renesancie k baroku, pričom manierizmus nazývajú ranou fázou baroka.

Art Nouveau, alebo Art Nouveau

A. Mucha „Zverokruh“

Art Nouveau, alebo Art Nouveau (tiež Art Nouveau) (z francúzskeho art nouveau, dosl. „nové umenie“). Art Nouveau vďačí za svoj pôvod vitrážam – tak sa volal obchod v Paríži, kde predávali vitráže, ktoré sa neskôr stali mimoriadne populárnymi. Synonymá pre Art Nouveau sú Art Nouveau (nemčina), Secesia (Rakúsko), Liberty (talianska), Modernisimo (španielčina). Tieto smery sú veľmi blízko seba, takže si všimneme najvýraznejšie vlastnosti: použitie vinutia, hladké línie, dekoratívnosť, „prirodzenosť“ - množstvo prírodných a rastlinných motívov (lekná, ľalie, chobotnice, motýle, vážky) , povinné dodržiavanie štylistickej jednoty, kombinácia rôznych textúr a materiálov. Tento štýl vznikol v rokoch 1880-1900 a bol populárny v Európe a Amerike, ale nie dlho. Tento štýl dostal „druhý dych“ v 50. rokoch dvadsiateho storočia.

Naturalizmus

C. Meunier „Návrat z bane“

Naturalizmus (franc. naturalisme, z lat. natura - príroda) je smer v umení charakterizovaný túžbou po objektívnom zobrazení reality, bez prikrášľovania a tabu. Predstavitelia tohto hnutia vychádzali z predstáv o úplnom predurčení osudu, závislosti duchovného sveta človeka od sociálneho prostredia a prejavili zvýšený záujem o biologické aspekty života, čo viedlo k úprimnému prejavu fyziologických prejavov človeka. , jeho patológie, scény násilia a krutosti. Naturalizmus vznikol v poslednej tretine 19. storočia v Európe a USA. Naturalizmus sa vyznačuje odmietaním zovšeobecnení, záujmom o zobrazenie „sociálneho dna“ a reprodukciou reality bez jej ideologického chápania, hodnotenia a selekcie.

Pop art

Pop art (z angl. pop art, skratka pre popular art - populárne, verejne prístupné umenie; druhý význam slova sa spája s onomatopoickým anglickým pop - prudká rana, tlieskanie, facka, t.j. vyvolávajúci šokujúci efekt) - smer. v maliarstve, šíriace sa v USA a Anglicku v 50. rokoch 20. storočia, charakterizované zapájaním a pretváraním obrazov masovej kultúry. Pop-art umelci si stanovili za cieľ odrážať „život taký, aký je“, odrážať realitu a zdrojom inšpirácie je množstvo médií: reklama, komiksy, kino, jazz, noviny a časopisy atď. Pop-art nevyhnutne využíva zavedené stereotypy a symboly.

Realizmus

Realizmus je smer charakterizovaný túžbou zobraziť vonkajšiu a vnútornú podstatu javov a predmetov reality s maximálnou vierohodnosťou, spoľahlivosťou a objektivitou. Hranice realizmu sú rozmazané a nie sú jasne definované. Realizmus v užšom zmysle je chápaný ako pohyb v umení druhej polovice 19. storočia. Pojem „realizmus“ prvýkrát použil francúzsky kritik J. Chanfleury v 50. rokoch. XIX storočia na označenie umenia v protiklade k romantizmu a akademizmu. Realizmus bol rozšírený nielen vo Francúzsku, ale aj ďaleko za jeho hranicami, v niektorých krajinách získal svoje vlastné meno: v Rusku - itinerantizmus, v Taliansku - verismo Macchiaioli, v Austrálii - škola v Heidelbergu (T. Roberts, F. McCubbin), v USA - smetná škola (E. Hopper). Realizmus je najdlhšie existujúce hnutie.

rokoko

F. Boucher "Dianin kúpeľ"

Rokoko (z franc. rokoko, z rokajlu, rokaj - ozdobný motív v tvare mušle) je umelecký smer, ktorý sa vyznačuje hedonistickou náladou, gráciou, ľahkosťou, intímnym a koketným charakterom. Rokoko vystriedalo baroko, bolo jeho logickým pokračovaním a zároveň jeho opakom. Baroko a rokoko majú spoločné túžbu po úplnosti foriem.

Maľba v rokokovom štýle má dekoratívny charakter, vyznačuje sa milosťou farebných posunov a zároveň určitým „vyblednutím“ farieb, stratou nezávislého významu obrazu človeka v maľbe a prevahou takýchto farieb. žánre ako krajinky a pastoračné.

Chronologický rámec rokoka tvorí druhá polovica 18. storočia – 19. storočie. Rokoko, ktoré existovalo asi pol storočia, postupne ustúpilo neoklasicizmu.

Romantizmus

E. Delacroix „Sloboda vo vedení ľudí“

Romantizmus (z francúzskeho romantizmus) je hnutie, ktoré nahradilo klasicizmus. Charakterizovaná dominantnou myšlienkou individualizmu v obraze (na rozdiel od ideálnej krásy klasicistov) a prenosu vášní; zobrazujúci vzácne, nezvyčajné a fantastické javy. Chronologický rámec romantizmu tvorí koniec 18. storočia. - začiatok 19. storočia Romantizmus charakterizuje túžba po neobmedzenej slobode a nekonečnosti, očakávanie obnovy a oslava osobnej a občianskej nezávislosti.

Umenie sa stalo akousi syntézou princípov romantizmu a „meštianskeho realizmu“ Biedermeier(diela L. Richtera, K. Spitzwega, M. von Schwinda, F. G. Waldmüllera.

Sentimentalizmus

Sentimentalizmus (z franc. sentimentalism, z angl. sentimental - citlivý, z franc. sentiment - cit) je smer, ktorého charakteristickými črtami sú patriarchálna idealizácia každodennosti, kult prirodzeného cítenia, sklamanie v civilizácii, ktorá sa spolieha na rozum. J. J. Rousseau je považovaný za ideológa sentimentalizmu. Štýl vznikol v 2. polovici 18. storočia.

Symbolizmus

P. Bruegel „Triumf smrti“

Symbolizmus (z francúzskeho symbolisme - znak, identifikačná značka) je smer v maľbe, ktorý sa vyznačuje používaním náznakov, „narážok“, tajomstva a symbolov v maľbe. Slovo „symbol“ v starovekom Grécku znamenalo mincu rozdelenú na dve časti, podľa ktorých sa ľudia mohli pri stretnutí navzájom spoznať. Neskôr sa však toto slovo zmenilo na mnohostranný a priestranný koncept. Symbolizmus vznikol vo Francúzsku v 70. a 80. rokoch 19. storočia. a najväčší rozvoj dosiahol v r prelomu 19. storočia a 20. storočia Slovo symbol pôsobí ako znak, univerzálny obraz, ktorý má nekonečné množstvo významov. Symbolizmus je pokus človeka sprostredkovať spiritualitu, abstrakciu života, dotknúť sa priepasti, ktorá presahuje viditeľný svet.

Suprematizmus

K.S. Malevich "Čierne námestie"

Suprematizmus (z lat. supremus - najvyšší) je hnutie v avantgardnom umení v Rusku, založené v 1. polovici 10. rokov 20. storočia. K. S. Malevič. Je to druh abstraktného umenia. Názov „suprematizmus“ znamenal prvenstvo, nadradenosť farby nad inými vlastnosťami maľby. Suprematizmus je charakterizovaný kombináciami viacfarebných rovín najjednoduchších geometrických tvarov bez obrazového významu, kombináciou viacfarebných a rôznych veľkostí geometrických útvarov.

Surrealizmus

S. Dali „Geopolitické dieťa“

Surrealizmus (z franc. surrealisme lit. superrealizmus) je smer v maliarstve, ktorého inšpiračným zdrojom bola sféra podvedomia (sny, halucinácie). Surrealizmus vznikol vo Francúzsku začiatkom 20. rokov. XX storočia Umelci používali rôzne protichodné a absurdné kombinácie naturalistických obrazov a za hlavné hodnoty sa hlásala sloboda a iracionalita. Často používanými témami v dielach boli mágia, erotika, podvedomie a irónia. Umelci sa snažili vytvárať obrazy s fotografickou presnosťou, no zároveň sa obraz ukázal ako nelogický a odpudivý; alebo použili nekonvenčné maliarske techniky, aby pomohli sprostredkovať podvedomie. Boli prípady, keď surrealisti tvorili pod vplyvom hladu, drog, hypnózy a narkózy.

Tachisme

Tachisme – európska odroda abstraktný expresionizmus. Tento termín prvýkrát použil v roku 1950 belgicko-francúzsky kritik M. Sefort na označenie maliarskej techniky skupiny umelcov, ktorých metóda práce spočívala v impulzívnom a spontánnom nanášaní farieb na plátno a bola blízka tomu, čo v USA v r. v tom istom čase sa nazývala akčná maľba (akčná maľba).

Primitivizmus

A. Rousseau „Prechádzka lesom“

Primitivizmus je smer v maľbe charakterizovaný zámerným zjednodušovaním vizuálnych prostriedkov a napodobňovaním primitívnych etáp vývoja umenia – primitívneho, stredovekého, ľudového, umenia starých mimoeurópskych civilizácií, detskej tvorivosti. Primitivizmus formy však neznamená primitivizmus obsahu. Pojem „primitivizmus“ sa aplikoval aj na takzvané „naivné“ umenie, t. tvorivosť umelcov, ktorí nemajú špecializované vzdelanie.

Futurizmus

Sentimentalizmus

D.D. Burliuk "Bleskový kôň"

Futurizmus (z latinského futurum - budúcnosť) je hnutie v umení charakterizované odmietaním a ničením predtým existujúcich tradícií a stereotypov kultúry, namiesto toho sa navrhovalo chváliť technológiu a urbanizmus ako hlavné znaky súčasnosti a budúcnosti. Futurizmus sa vyhlasoval za prototyp umenia budúcnosti.

Najvýraznejšie sa prejavila v maliarstve a poézii Talianska a Ruska vznikla začiatkom 20. storočia. Futurizmus charakterizujú energické kompozície s figúrami roztrieštenými na fragmenty a ostrými uhlami, ktoré ich pretínajú. Hlavnou myšlienkou futurizmu bolo hľadanie odrazu rýchlosti pohybu ako najdôležitejšieho znaku tempa moderného života.

V Rusku existoval smer kubo-futurizmus(D. Burliuk, O. Rozanova), ktorý vychádzal z kombinácie plastických princípov francúzskeho kubizmu a európskych všeobecných estetických princípov futurizmu.

Maliarstvo je jedno zo starých umení, ktoré v priebehu mnohých storočí prešlo vývojom od paleolitických skalných malieb až po najnovšie trendy 20. a dokonca aj 21. storočia. Toto umenie sa zrodilo takmer s príchodom ľudstva. Starovekí ľudia, bez toho, aby si sami seba plne uvedomovali ako ľudia, cítili potrebu zobraziť svet okolo seba na povrchu. Maľovali všetko, čo videli: zvieratá, prírodu, poľovnícke výjavy. Na maľovanie používali niečo podobné ako farby z prírodných materiálov. Boli to zemné farby, drevené uhlie, čierne sadze. Štetce boli vyrobené zo zvieracích chlpov alebo boli jednoducho maľované prstami.

V dôsledku zmien vznikli nové typy a žánre maľby. Po staroveku nasledovalo obdobie antiky. Medzi maliarmi a umelcami bola túžba reprodukovať skutočný život okolo nás, ako sa javí ľuďom. Túžba po presnosti prenosu spôsobila vznik základov perspektívy, základov svetelných a tieňových konštrukcií rôznych obrazov a ich štúdium umelcami. A predovšetkým študovali, ako zobraziť objemový priestor v rovine steny vo freskovej maľbe. Niektoré umelecké diela, ako objemový priestor, šerosvit, sa začali používať na zdobenie miestností, náboženských centier a pohrebísk.

Ďalej dôležité obdobie Minulosťou maľby je stredovek. V tejto dobe mala maľba viac náboženský charakter a svetonázor sa začal odrážať aj v umení. Kreativita umelcov bola zameraná na maľbu ikon a iné melódie náboženstva. Hlavnými dôležitými bodmi, ktoré musel umelec zdôrazniť, nebolo ani tak presné odzrkadlenie reality, ale skôr prenos spirituality aj v širokej škále obrazov. Plátna vtedajších majstrov udivovali výraznosťou kontúr, farebnosťou a farebnosťou. Stredoveká maľba sa nám zdá plochá. Všetky postavy umelcov tej doby sú na rovnakej línii. A preto sa nám mnohé diela zdajú akési štylizované.

Obdobie šedého stredoveku vystriedalo svetlejšie obdobie renesancie. Renesancia opäť priniesla zlom v historickom vývoji tohto umenia. Nové nálady v spoločnosti, nový svetonázor začali umelcovi diktovať: aké aspekty maľby odhaliť úplnejšie a jasnejšie. Žánre maľby ako portrét a krajina sa stanú nezávislými štýlmi. Umelci vyjadrujú ľudské emócie a ich vnútorný svet prostredníctvom nových spôsobov maľby. Ešte výraznejší rozmach maliarstva zaznamenalo 17. a 18. storočie. V tomto období katolícka cirkev stráca na význame a umelci vo svojich dielach čoraz viac zobrazujú pravdivé pohľady na ľudí, prírodu, každodenný život. V tomto období sa formujú aj žánre ako baroko, rokoko, klasicizmus, manierizmus. Vzniká romantizmus, ktorý neskôr vystrieda veľkolepejší štýl – impresionizmus.

Začiatkom dvadsiateho storočia sa maľba dramaticky zmenila a objavil sa nový smer moderného umenia - abstraktná maľba. Myšlienkou tohto smeru je sprostredkovať zhodu medzi človekom a umením, vytvoriť harmóniu v kombináciách línií a farebných odleskov. Toto je umenie bez objektivity. Nesnaží sa o presné stvárnenie skutočného obrazu, ale naopak, sprostredkúva to, čo je v umelcovej duši, jeho emócie. Tvary a farby zohrávajú v tejto umeleckej forme dôležitú úlohu. Jeho podstatou je sprostredkovať predtým známe predmety novým spôsobom. Tu majú umelci úplnú slobodu svojej fantázie. To dalo impulz vzniku a rozvoju moderných trendov ako avantgarda, underground, abstraktné umenie. Od konca dvadsiateho storočia až po súčasnosť sa maľba neustále menila. Napriek všetkým novým úspechom a moderným technológiám však umelci stále zostávajú verní klasickému umeniu - olejomaľbe a akvarelu a vytvárajú svoje majstrovské diela pomocou farieb a plátien.

Natália Martynenko

Dejiny výtvarného umenia

História maľby je nekonečná reťaz, ktorá sa začala úplne prvými obrazmi. Každý štýl vyrastá zo štýlov, ktoré mu predchádzali. Každý veľký umelec pridáva niečo k úspechom skorších umelcov a ovplyvňuje neskorších umelcov.

Maľovanie si môžeme vychutnať pre jeho krásu. Jeho línie, tvary, farby a kompozícia (usporiadanie dielov) dokáže osloviť naše zmysly a utkvie v našich spomienkach. Ale radosť z umenia sa zvyšuje, keď sa dozvieme, kedy, prečo a ako bolo vytvorené.

Dejiny maliarstva ovplyvnilo mnoho faktorov. Geografia, náboženstvo, národné charakteristiky, historické udalosti, vývoj nových materiálov – to všetko pomáha formovať umelcovu víziu. V priebehu histórie maľba odrážala meniaci sa svet a naše predstavy o ňom. Umelci zase poskytli niektoré z najlepších záznamov o vývoji civilizácie, ktoré niekedy odhaľujú viac ako písané slovo.

Prehistorická maľba

Obyvatelia jaskýň boli prvými umelcami. Na stenách jaskýň v južnom Francúzsku a Španielsku sa našli farebné kresby zvierat z obdobia 30 000 až 10 000 pred Kristom. Mnohé z týchto malieb sú pozoruhodne dobre zachované, pretože jaskyne boli po mnoho storočí zapečatené. Prví ľudia kreslili obrázky divých zvierat, ktoré videli okolo seba. V Afrike a východnom Španielsku sa našli veľmi hrubé ľudské postavy vyrobené v životných polohách.

Jaskynní umelci zaplnili steny jaskyne kresbami v bohatých, žiarivých farbách. Niektoré z najkrajších malieb sú v jaskyni Altamira v Španielsku. Jeden detail ukazuje zraneného byvola, ktorý už nie je schopný stáť - pravdepodobne obeť lovca. Je namaľovaný červenohnedou farbou a lemovaný jednoduchou, ale šikovnou čiernou farbou. Pigmenty používané jaskynnými umelcami sú okrová (oxidy železa vo farbe od svetložltej po tmavooranžovú) a mangán (tmavý kov). Boli rozomleté ​​na jemný prášok, zmiešané s lubrikantom (prípadne mastným olejom) a nanesené na povrch nejakým druhom štetca. Niekedy mali pigmenty podobu tyčiniek, podobných pastelkám. Tuk zmiešaný s práškovými pigmentmi vytvoril tekutú farbu a častice pigmentu sa zlepili. Jaskyniari vyrábali štetce zo zvieracích chlpov alebo rastlín a ostré nástroje z kremíka (na kreslenie a škrabanie).

Už pred 30 000 rokmi ľudia vynašli základné nástroje a materiály na maľovanie. Metódy a materiály sa v priebehu nasledujúcich storočí zdokonaľovali a zdokonaľovali. Ale objavy obyvateľa jaskyne zostávajú základom maľby.

Egyptské a mezopotámske maliarstvo (3400 – 332 pred Kr.)

Jedna z prvých civilizácií sa objavila v Egypte. O ich živote je veľa známe z písomných záznamov a umenia, ktoré zanechali Egypťania. Verili, že telo treba zachovať, aby duša mohla po smrti žiť ďalej. Veľké pyramídy boli prepracované hrobky bohatých a mocných egyptských vládcov. Veľa egyptského umenia bolo vytvorené pre pyramídy a hrobky kráľov a iných dôležitých ľudí. Aby si boli úplne istí, že duša bude naďalej existovať, vytvorili umelci obrazy mŕtveho človeka z kameňa. Výjavy z ľudského života reprodukovali aj na nástenných maľbách v pohrebných komorách.

Egyptské umelecké techniky zostali po stáročia nezmenené. V jednej metóde sa akvarelová farba nanášala na hlinené alebo vápencové povrchy. V inom procese boli obrysy vytesané do kamenných stien a maľované vodovými farbami. Na priľnutie farby k povrchu bol pravdepodobne použitý materiál zvaný arabská guma. Našťastie suché podnebie a zapečatené hrobky zabránili zničeniu niektorých akvarelových malieb vlhkosťou. Veľa poľovníckych výjavov z hrobových múrov v Thébach z obdobia okolo roku 1450 pred Kristom je dobre zachovaných. Ukazujú, ako poľovníci prenasledujú vtáky či ryby. Tieto predmety možno identifikovať aj dnes, pretože boli starostlivo a starostlivo namaľované.

Mezopotámska civilizácia, ktorá trvala od roku 3200 do roku 332 pred Kristom, sa nachádzala v údolí medzi riekami Tigris a Eufrat na Blízkom východe. Domy v Mezopotámii sa stavali prevažne z hliny. Keď hlina zmäkla dažďom, ich budovy sa rozpadli na prach a zničili všetky nástenné maľby, ktoré mohli byť veľmi zaujímavé. Čo prežilo, je zdobená keramika (maľovaná a pálená) a farebné mozaiky. Mozaiky síce nemožno považovať za maľbu, no často na ňu majú vplyv.

Egejská civilizácia (3000 – 1100 pred Kr.)

Tretí skvelý raná kultúra existovala egejská civilizácia. Egejci žili na ostrovoch pri pobreží Grécka a na polostrove Malá Ázia približne v rovnakom čase ako starí Egypťania a Mezopotámčania.

V roku 1900 začali archeológovia s vykopávkami paláca kráľa Minosa v Knossose na ostrove Kréta. Vykopávky odkryli umelecké diela namaľované okolo roku 1500 pred Kristom. v neobyčajne slobodnom a ladnom štýle tej doby. Kréťania boli zrejme bezstarostný, prírodu milujúci národ. Medzi ich obľúbené témy v umení patril morský život, zvieratá, kvety, šport a masové sprievody. V Knóssose a ďalších egejských palácoch sa na stenách mokrej omietky maľovalo farbami vyrobenými z minerálnych látok, piesku a hlinených okrov. Farba sa vsiakla do vlhkej omietky a stala sa trvalou súčasťou steny. Tieto maľby sa neskôr nazývali fresky (z talianskeho slova pre „čerstvé“ alebo „nové“). Kréťania mali radi jasne žlté, červené, modré a zelené farby.

Grécke a rímske klasické maliarstvo (1100 pred Kristom – 400 po Kr.)

Starí Gréci zdobili steny chrámov a palácov freskami. Z antických literárnych prameňov a z rímskych kópií gréckeho umenia možno povedať, že Gréci maľovali malé obrázky a vyrábali mozaiky. Mená gréckych majstrov a málo z ich životov a diel sú známe, hoci len veľmi málo gréckej maľby prežilo stáročia a následky vojen. Gréci do hrobiek veľa nepísali, takže ich diela neboli chránené.

Z gréckeho maliarstva dnes zostali maľované vázy. Hrnčiarstvo bolo v Grécku, najmä v Aténach, veľkým priemyslom. Nádoby boli veľmi žiadané, vyvážali sa, ako aj olej a med, aj na domáce účely. Najstaršia maľba váz bola vykonaná v geometrických obrazcoch a ornamentoch (1100-700 pred Kristom). Vázy boli zdobené aj ľudskými postavami v hnedej glazúre na svetlej hline. V 6. storočí umelci váz často maľovali čierne ľudské postavy na prírodnú červenú hlinu. Detaily boli vytesané do hliny ostrým nástrojom. To umožnilo, aby sa červená objavila v hĺbke reliéfu.

Červeno-figurový štýl nakoniec nahradil čierny. To znamená, že naopak: postavy sú červené a pozadie je čierne. Výhodou tohto štýlu bolo, že umelec mohol pomocou štetca vytvárať obrysy. Štetec vytvára voľnejšiu líniu ako kovový nástroj používaný na čiernych tvarovaných vázach.

Rímske nástenné maľby sa našli najmä vo vilách ( vidiecke domy) v Pompejách a Herculaneu. V roku 79 nášho letopočtu tieto dve mestá úplne pochovala erupcia Vezuvu. Archeológovia, ktorí túto oblasť vykopali, sa mohli z týchto miest dozvedieť veľa o živote starovekých Rimanov. Takmer každý dom a vila v Pompejách mal na stenách obrazy. Rímski maliari starostlivo pripravili povrch steny nanesením zmesi mramorového prachu a omietky. Povrchy vyleštili do mramoru. Mnohé z obrazov sú kópiami gréckych malieb zo 4. storočia pred Kristom. Pôvabné pózy postáv namaľovaných na stenách vily záhad v Pompejách inšpirovali umelcov v 18. storočí, keď bolo mesto vykopané.

Portréty maľovali aj Gréci a Rimania. Malý počet z nich, väčšinou portréty múmií vyhotovených v gréckom štýle egyptskými umelcami, prežíva v okolí Alexandrie v severnom Egypte. Alexandria, založená v 4. storočí pred Kristom Alexandrom Veľkým z Grécka, sa stala popredným centrom gréckej a rímskej kultúry. Portréty boli maľované technikou enkaustiky na drevo a inštalované v podobe múmie po smrti zobrazovanej osoby. Enkaustické maľby robené farbou zmiešanou s roztopeným včelím voskom vydržia veľmi dlho. V skutočnosti tieto portréty stále vyzerajú sviežo, aj keď boli urobené v druhom storočí pred naším letopočtom.

Ranokresťanské a byzantské maliarstvo (300 – 1300)

Rímska ríša zanikla v 4. storočí nášho letopočtu. Zároveň kresťanstvo naberalo na sile. V roku 313 rímsky cisár Konštantín toto náboženstvo oficiálne uznal a sám konvertoval na kresťanstvo.

Vznik kresťanstva výrazne ovplyvnil umenie. Umelci boli poverení vyzdobiť steny kostolov freskami a mozaikami. Vyrábali panely v kostolných kaplnkách, ilustrovali a zdobili cirkevné knihy. Pod vplyvom Cirkvi sa od umelcov očakávalo, že budú čo najjasnejšie komunikovať učenie kresťanstva.

Prví kresťania a byzantskí umelci pokračovali v technike mozaiky, o ktorej sa naučili od Grékov. Malé ploché kúsky farebného skla alebo kameňa sa ukladali na vlhký cement alebo omietku. Niekedy sa používali aj iné tvrdé materiály, ako napríklad kúsky vypálenej hliny alebo mušle. V talianskej mozaike sú farby obzvlášť hlboké a plné. Talianski umelci vytvorili pozadie s kúskami pozláteného skla. Zobrazovali ľudské postavy v bohatých farbách na pozadí trblietavého zlata. Celkový efekt bol plochý, dekoratívny a nerealistický.

Mozaiky byzantských umelcov boli často ešte menej realistické a ešte dekoratívnejšie ako motívy raných kresťanov. „Byzantský“ je názov pre umelecký štýl, ktorý sa rozvinul okolo starobylého mesta Byzancia (dnes Istanbul, Turecko). Technika mozaiky bola ideálne prispôsobená byzantskému vkusu pre nádherne zdobené kostoly. Slávne mozaiky Theodora a Justinian, vyrobené okolo roku 547 nášho letopočtu, demonštrujú chuť bohatstva. Šperky na postavách sa trblietajú a farebné dvorné šaty sa trblietajú na pozadí trblietavého zlata. Byzantskí umelci používali zlato aj na fresky a panely. Zlato a iné vzácne materiály sa v stredoveku používali na oddelenie duchovných predmetov od každodenného sveta.

Stredoveké maliarstvo (500 – 1400)

Prvá časť stredoveku, približne od 6. do 11. storočia nášho letopočtu, sa zvyčajne nazýva doba temna. V tomto období nepokojov sa umenie uchovávalo najmä v kláštoroch. V 5. storočí nášho letopočtu Po kontinente sa potulovali kmene Warranov zo severnej a strednej Európy. Stovky rokov dominovali v západnej Európe. Títo ľudia produkovali umenie, v ktorom je hlavným prvkom vzor. Fascinovali ich najmä štruktúry prepletených drakov a vtákov.

To najlepšie z keltského a saského umenia nájdeme v rukopisoch zo 7. a 8. storočia. Knižné ilustrácie, osvetlenie a miniatúrna maľba, praktizovaný od neskorých rímskych čias, sa rozšíril v stredoveku. Osvetlenie je ozdobou textu, veľkých písmen a okrajov. Použité boli zlaté, strieborné a svetlé farby. Miniatúra je malý obrázok, často portrét. Tento výraz sa pôvodne používal na opis dekoratívneho bloku okolo začiatočných písmen v rukopise.

Karol Veľký, ktorý bol začiatkom 9. storočia korunovaný za cisára Svätej ríše rímskej, sa pokúsil oživiť klasické umenie neskorého rímskeho a raného kresťanstva. Počas jeho vlády maliari miniatúr napodobňovali klasické umenie, no prostredníctvom námetov sprostredkúvali aj osobné pocity.

Zo stredoveku sa zachovalo veľmi málo nástenných malieb. Kostoly postavené v románskom období (11. – 13. storočie) mali niekoľko skvelých fresiek, ale väčšina z nich zmizla. V kostoloch gotického obdobia (XII-XVI storočia) nebolo dosť miesta na nástenné maľby. Hlavným dielom gotického maliara bola knižná ilustrácia.

Medzi najlepšie ilustrované rukopisy patrili knihy hodín – zbierky kalendárov, modlitieb a žalmov. Na stránke talianskeho rukopisu sú prepracované iniciály a jemne detailná okrajová scéna sv. Juraja zabíjajúceho draka. Farby sú žiarivé a pripomínajú drahokam, ako farebné sklo a zlato sa na stránke trblieta. Pôvabne jemné listové a kvetinové vzory ohraničujú text. Umelci pravdepodobne používali zväčšovacie okuliare na výrobu takýchto zložitých a detailných diel.

Taliansko: Cimabue a Giotto

Talianski umelci na konci 13. storočia stále pracovali v byzantskom štýle. Ľudské postavy boli vyrobené ploché a dekoratívne. Tváre mali málokedy výraz. Telá boli bez tiaže a zdalo sa, že sa skôr vznášajú, než by stáli pevne na zemi. Vo Florencii sa umelec Cimabue (1240-1302) pokúsil zmodernizovať niektoré staré byzantské techniky. Anjeli v Madonne na tróne sú na vtedajších obrazoch aktívnejší ako zvyčajne. Ich gestá a tváre ukazujú o niečo viac ľudské pocity. Cimabue dodal svojim obrazom nový zmysel pre monumentálnosť či nádheru. Naďalej však dodržiaval mnohé byzantské tradície, ako napríklad zlaté pozadie a vzorované usporiadanie predmetov a postáv.

Bol to veľký florentský umelec Giotto (1267-1337), ktorý v skutočnosti porušil byzantskú tradíciu. Jeho séria fresiek v kaplnke Arena v Padove necháva byzantské umenie ďaleko za sebou. V týchto scénach zo života Márie a Krista sú skutočné emócie, napätie a naturalizmus. Sú prítomné všetky kvality ľudského tepla a sympatie. Ľudia sa nezdajú úplne neskutoční alebo nebeskí. Giotto vytieňoval obrysy postáv a do záhybov šiat umiestnil hlboké tiene, aby dodali pocit guľatosti a pevnosti.

Pre svoje malé panely použil Giotto čistú vajcovú temperu, médium, ktoré zdokonalili Florenťania v 14. storočí. Čistota a jas jeho farieb museli veľmi ovplyvniť ľudí, na ktoré boli zvyknutí tmavé farby byzantské panely. Temperové maľby vyvolávajú dojem, že na scénu dopadá mäkké denné svetlo. Majú takmer plochý vzhľad, na rozdiel od lesku olejomaľby. Vaječná tempera zostala hlavnou farbou, kým ju v 16. storočí takmer úplne nenahradil olej.

Neskorostredoveká maľba severne od Álp

Na začiatku 15. storočia tvorili umelci v severnej Európe štýl úplne odlišný od talianskej maľby. Severskí umelci dosiahli realizmus pridaním nespočetných detailov do svojich obrazov. Všetky vlasy boli elegantne definované a každý detail závesu alebo podlahy bol presne umiestnený. Vynález olejomaľby zjednodušil detailovanie.

K rozvoju olejomaľby výrazne prispel flámsky umelec Jan van Eyck (1370-1414). Pri použití tempery je potrebné farby nanášať oddelene. Nemôžu sa navzájom dobre tieniť, pretože farba rýchlo schne. S olejom, ktorý schne pomaly, môže umelec dosiahnuť viac komplexné efekty. Jeho portréty z rokov 1466-1530 boli vyhotovené flámskou olejovou technikou. Všetky detaily a dokonca aj zrkadlové odrazy sú jasné a presné. Farba je odolná a má tvrdý povrch podobný smaltu. Drevený panel so základným náterom bol pripravený rovnakým spôsobom, akým Giotto pripravoval svoje panely na tempery. Van Eyck vytvoril obraz s vrstvami jemnej farby nazývanej glazúra. Tempera sa pravdepodobne používala v pôvodnom podraste a na melír.

talianska renesancia

V čase, keď van Eyck pracoval na Severe, Taliani prechádzali do zlatého veku umenia a literatúry. Toto obdobie sa nazýva renesancia, čo znamená znovuzrodenie. Talianski umelci sa inšpirovali sochárstvom starých Grékov a Rimanov. Taliani chceli oživiť ducha klasického umenia, ktoré oslavuje ľudskú nezávislosť a šľachtu. Renesanční umelci pokračovali v maľovaní náboženských scén. Ale aj zdôraznili pozemský život a úspechy ľudí.

Florencia

Giottove úspechy na začiatku 14. storočia znamenali začiatok renesancie. Pokračovali v nej talianski umelci 17. storočia. Masaccio (1401-1428) bol jedným z vodcov prvej generácie renesančných umelcov. Žil vo Florencii, bohatom obchodnom meste, kde sa začalo renesančné umenie. V čase svojej smrti koncom dvadsiatych rokov spôsobil revolúciu v maľbe. Vo svojej slávnej nástennej maľbe „The Tribute Money“ umiestňuje impozantné sochárske postavy do krajiny, ktorá sa zdá byť roztiahnutá ďaleko do diaľky. Masaccio sa možno naučil perspektívu Florentský architekt a sochár Brunelleschi (1377-1414).

Technika fresky bola veľmi populárna v období renesancie. Bol vhodný najmä pre veľké nástenné maľby, pretože farby na freske sú suché a dokonale ploché. Obraz je možné sledovať z akéhokoľvek uhla bez odleskov a odrazov. Prístupné sú aj fresky. Umelci mali zvyčajne niekoľko asistentov. Práce prebiehali po častiach, pretože sa museli dokončiť ešte za vlhka omietky.

Masacciov úplný „trojrozmerný“ štýl bol typický pre nové progresívne hnutie 15. storočia. Štýl Fra Angelico (1400-1455) predstavuje tradičnejší prístup, ktorý používali mnohí umelci ranej renesancie. Menej sa zaujímal o budúcnosť a viac sa o ňu zaujímal ozdobný vzor. Jeho „Korunovácia Panny Márie“ je ukážkou tej najkrajšej tempery. Zábavné sýte farby v kontraste so zlatom a zvýraznené zlatom. Obrázok vyzerá ako zväčšená miniatúra. Dlhé úzke postavy nemajú s Masacciom veľa spoločného. Kompozícia je organizovaná v širokých pohybových líniách okolo ústredných postáv Krista a Márie.

Ďalším Florenťanom, ktorý pracoval v tradičnom štýle, bol Sandro Botticelli (1444-1515). Plynulé rytmické línie spájajú úseky Botticelliho prameňa. Sprava sa preháňa postava Jara, ktorú nesie západný vietor. Tri Grácie tancujú v kruhu, splývavé záhyby šiat a ladné pohyby rúk vyjadrujú rytmy tanca.

Leonardo da Vinci (1452-1519) študoval maliarstvo vo Florencii. Je známy svojimi vedeckými výskumami a vynálezmi, ako aj svojimi obrazmi. Len veľmi málo jeho obrazov sa zachovalo, čiastočne preto, že často experimentoval s rôznymi spôsobmi vytvárania a nanášania farby, namiesto toho, aby používal osvedčené a skutočné metódy. Posledná večera (maľovaná v rokoch 1495 až 1498) bola urobená olejom, ale nanešťastie ju Leonardo namaľoval na vlhkú stenu, čo spôsobilo popraskanie farby. Ale aj v zlom stave (pred reštaurovaním) mal obraz schopnosť vzbudiť emócie v každom, kto ho vidí.

Jednou z charakteristických čŕt Leonardovho štýlu bola jeho metóda zobrazovania svetiel a tmy. Taliani jeho slabé osvetlenie nazývali „sfumato“, čo znamená zadymené alebo zahmlené. Postavy v Madone of the Rocks sú zahalené v atmosfére sfumato. Ich tvary a vlastnosti sú jemne tieňované. Leonardo tieto efekty dosiahol pomocou veľmi jemných gradácií svetlých a tmavých tónov.

Rím

Vrchol renesančného maliarstva nastal v 16. storočí. Centrum umenia a kultúry sa zároveň presunulo z Florencie do Ríma. Za pápeža Sixta IV. a jeho nástupcu Júliusa II. bolo mesto Rím slávne a bohato vyzdobené renesančnými umelcami. Niektoré z najambicióznejších projektov tohto obdobia sa začali počas pápežstva Júliusa II. Július poveril veľkého sochára a maliara Michelangela (1475-1564), aby namaľoval strop Sixtínskej kaplnky a vyrezal sochu pre pápežovu hrobku. Július pozval na výzdobu Vatikánu aj maliara Rafaela (1483-1520). Raphael so svojimi pomocníkmi vymaľoval štyri izby pápežových apartmánov vo Vatikánskom paláci.

Michelangelo, rodený Florenťan, vyvinul monumentálny štýl maľby. Postavy na jeho obraze sú také silné a objemné, že vyzerajú ako sochy. Sixtínsky strop, ktorého dokončenie Michelangelovi trvalo 4 roky, pozostáva zo stoviek ľudských postáv z Starý zákon. Aby Michelangelo dokončil túto grandióznu fresku, musel si ľahnúť na chrbát na lešenie. Zamyslená tvár Jeremiáša medzi prorokmi, ktorí obklopujú strop, niektorí odborníci považujú za autoportrét Michelangela.

Raphael prišiel do Florencie z Urbina ešte ako veľmi mladý muž. Vo Florencii absorboval myšlienky Leonarda a Michelangela. V čase, keď Raphael odišiel do Ríma pracovať vo Vatikáne, jeho štýl sa stal jedným z najkrajších v oblasti popravy. Obzvlášť sa mu páčili jeho krásne portréty Madony s dieťaťom. Boli reprodukované po tisícoch a možno ich vidieť všade. Jeho Madonna del Granduca je úspešná vďaka svojej jednoduchosti. Nadčasový vo svojom pokoji a čistote, je pre nás príťažlivý rovnako ako pre Talianov z Raphaelovej éry.

Benátky

Benátky boli hlavným severotalianskym mestom renesancie. Navštívili ho umelci z Flámska a iných regiónov, ktorí vedeli o flámskych experimentoch s olejovými farbami. To podnietilo skoré používanie ropnej technológie v talianskom meste. Benátčania sa naučili maľovať na pevne natiahnuté plátno, a nie na drevené dosky bežne používané vo Florencii.

Najväčším bol Giovanni Bellini (1430-1515). Benátsky umelec 15. storočia. Bol tiež jedným z prvých talianskych umelcov, ktorí použili olej na plátne. Giorgione (1478-1151) a Tizian (1488-1515), ktorý je najznámejším zo všetkých benátskych umelcov, boli učni v Belliniho ateliéri.

Majster olejomaľby Titian maľoval obrovské plátna v teplých sýtych farbách. Vo svojich zrelých obrazoch obetoval detaily, aby vytvoril ohromujúce efekty, ako napríklad v Madone z Pesaro. Na veľké ťahy používal veľké štetce. Jeho farby sú obzvlášť sýte, pretože trpezlivo vytváral glazúry kontrastných farieb. Typicky sa na hnedý temperovaný povrch nanášali glazúry, ktoré dodali maľbe jednotný tón.

Ďalším veľkým benátskym umelcom 16. storočia bol Tintoretto (1518-1594). Na rozdiel od Tiziana zvyčajne pracoval priamo na plátne bez predbežných náčrtov a obrysov. Svoje formy často skresľoval (prekrúcal) kvôli kompozícii a dramatičnosti deja. Jeho technika, ktorá zahŕňa široké ťahy štetcom a dramatické kontrasty svetla a tmy, pôsobí veľmi moderne.

Umelec Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) bol známy ako El Greco ("Grék"). El Greco, ktorý sa narodil na ostrove Kréta, ktorý obsadila benátska armáda, trénovali talianski umelci. Ako mladý odišiel študovať do Benátok. Spojený vplyv byzantské umenie ktoré videl okolo seba na Kréte, a talianske umenie Renesancia urobila El Grecovo dielo výnimočným.

Vo svojich obrazoch deformoval prírodné formy a používal ešte podivnejšie, nadpozemskejšie farby ako Tintoretto, ktorého obdivoval. Neskôr sa El Greco presťahoval do Španielska, kde temnota španielskeho umenia ovplyvnila jeho tvorbu. V jeho dramatickej vízii Toleda zúri búrka nad smrteľným tichom mesta. Chladná modrá, zelená a modro-biele odtiene šíria po krajine mráz.

Renesancia vo Flámsku a Nemecku

Zlatým vekom maliarstva vo Flámsku (dnes súčasť Belgicka a severného Francúzska) bolo 15. storočie, čas van Eycka. V 16. storočí mnohí flámski umelci napodobňovali talianskych umelcov renesancie. Niektorí Flámovia však pokračovali vo flámskej tradícii realizmu. Potom sa rozšírila žánrová maľba – výjavy z každodenného života, ktoré boli niekedy očarujúce a niekedy fantastické. Hieronymus Bosch (1450-1515), ktorý predchádzal žánrovým maliarom, mal neobyčajne živú fantáziu. Pre film Pokušenie sv. Anthony." Pieter Bruegel starší (1525-1569) tiež pracoval vo flámskej tradícii, no svojim žánrovým scénam pridal perspektívu a ďalšie renesančné charakteristiky.

Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein mladší (1497-1543) a Lucas Cranach starší (1472-1553) boli traja z najvýznamnejších nemeckých umelcov 16. storočia. Urobili veľa pre zmiernenie pochmúrneho realizmu ranej nemeckej maľby. Dürer aspoň raz navštívil Taliansko, kde naňho zapôsobili obrazy Giovanniho Belliniho a ďalších severných Talianov. Prostredníctvom tejto skúsenosti vštepil nemeckej maľbe znalosť perspektívy, zmysel pre farbu a svetlo a nové chápanie kompozície. Holbein absorboval ešte viac talianskych úspechov. Jeho citlivá kresba a schopnosť vybrať len tie najdôležitejšie detaily z neho urobili majstra portrétistu.

Baroková maľba

17. storočie je v umení známe ako obdobie baroka. V Taliansku umelci Caravaggio(1571-1610) a Annibale Carracci (1560-1609) predstavovali dva protichodné pohľady. Caravaggio (vlastným menom Michelangelo Merisi) vždy čerpal inšpiráciu priamo zo životnej reality. Jednou z jeho hlavných starostí bolo čo najtesnejšie kopírovať prírodu bez toho, aby ju akýmkoľvek spôsobom oslavoval. Carracci na druhej strane nasledoval renesančný ideál krásy. Študoval antické sochárstvo a diela Michelangela, Raphaela a Tiziana. Caravaggiov štýl obdivoval mnoho umelcov, najmä Španiela Riberu a mladého Velazqueza. Carracci inšpiroval Nicolasa Poussina (1594-1665), slávneho francúzskeho maliara 17. storočia.

Španielsko

Diego Velazquez (1599-1660), dvorný maliar španielskeho kráľa Filipa IV., bol jedným z najväčších španielskych umelcov. Fanúšik Tizianovej tvorby bol majstrom v používaní sýtej, harmonickej farby. Žiadny umelec nedokázal lepšie vytvoriť ilúziu bohatého tkaniva alebo ľudskej kože. Túto zručnosť ukazuje Prosperov Portrét malého princa Philipa.

Flámsko

Obrazy flámskeho umelca Petra Paula Rubensa (1577-1640) predstavujú stelesnenie plnofarebného barokového štýlu. Prekypujú energiou, farbami a svetlom. Rubens prerušil flámsku tradíciu maľovania malých obrázkov. Jeho plátna sú obrovské, plné ľudských postáv. Na veľké obrazy dostal viac objednávok, ako mohol zvládnuť. Preto často kreslil len malý farebný náčrt. Jeho asistenti potom preniesli skicu na veľké plátno a dokončili obraz pod vedením Rubensa.

Holandsko

Úspechy holandského maliara Rembrandta (1606-1669) patria k najvýraznejším v histórii. Mal úžasný dar presne zachytiť a sprostredkovať ľudské emócie. Rovnako ako Tizian dlho pracoval na vytváraní viacvrstvových obrazov. Farby zeme – žltá okrová, hnedá a hnedočervená – boli jeho obľúbené. Jeho obrazy sú robené prevažne v tmavých farbách. Dôležitosť tmavých viacvrstvových častí robí jeho techniku ​​nezvyčajnou. Dôraz je prenášaný jasným osvetlením v relatívne svetlých oblastiach.

Jan Vermeer (1632-1675) bol jedným zo skupiny holandských umelcov, ktorí maľovali skromné ​​výjavy každodenného života. Bol majstrom v maľovaní akejkoľvek textúry – satén, perzské koberce, chlebové kôrky, kov. Celkový dojem z Vermeerovho interiéru je slnečná, veselá miestnosť plná ikonických predmetov pre domácnosť.

Maľba 18. storočia

V 18. storočí ich Benátky vyrobili niekoľko úžasných umelcov. Najznámejším bol Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Interiéry palácov a iných budov vyzdobil veľkolepými farebnými freskami zobrazujúcimi výjavy bohatstva. Francesco Guardi (1712-1793) bol veľmi zručný so štetcom a len s niekoľkými farebnými škvrnami dokázal vykúzliť predstavu drobnej postavičky v člne. Nádherný výhľad na Antonia Canaletta (1697-1768) oslavoval minulú slávu Benátok.

Francúzsko: rokokový štýl

Vo Francúzsku chuť pastelových farieb a zložitá dekorácia viedli na začiatku 18. storočia k rozvoju rokokového štýlu. Jean Antoine Watteau (1684-1721), dvorný maliar kráľa Ľudovíta XV., neskôr François Boucher (1703-1770) a Jean Honoré Fragonard (1732-1806) boli spájaní s rokokovými trendmi. Watteau napísal snové vízie, život, v ktorom je všetko zábavné. Štýl je založený na piknikoch v parkoch a lesných párty, kde sa v prírode zabávajú veselí páni a elegantné dámy.

Iní umelci z 18. storočia zobrazovali scény bežný život stredná trieda. Rovnako ako Holanďan Vermeer, aj Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) ocenil jednoduché domáce námety a zátišia. Jeho farby sú striedme a pokojné v porovnaní s Watteau.

Anglicko

V 18. storočí Briti prvýkrát vyvinuli samostatnú maliarsku školu. Jadro tvorili najmä portrétisti, ovplyvnení umelcami benátskej renesancie. Najznámejšími sú Sir Joshua Reynolds (1723-1792) a Thomas Gainsborough (1727-1788). Reynolds, ktorý odcestoval do Talianska, nasledoval ideály renesančného maliarstva. Jeho portréty, hoci sú očarujúce a dojímavé, nie sú nijako zvlášť zaujímavé farbou ani textúrou. Na druhej strane Gainsborough mal talent na brilantnosť. Plochy jeho obrazov žiaria žiarivou farbou.

Maľba 19. storočia

19. storočie je niekedy vnímané ako obdobie, počas ktorého sa začalo formovať moderné umenie. Jeden z dôležité dôvody Takzvanou revolúciou v umení v tejto dobe bol vynález fotoaparátu, ktorý prinútil umelcov prehodnotiť účel maľby.

Dôležitejším vývojom bolo rozšírené používanie vopred pripravených farieb. Až do 19. storočia si väčšina umelcov alebo ich pomocníkov vyrábala vlastné farby brúsením pigmentu. Skoré komerčné farby boli horšie ako ručné farby. Umelci na konci 19. storočia zistili, že tmavomodré a hnedé farby skorších malieb v priebehu niekoľkých rokov vybledli na čiernu alebo sivú. Znovu začali používať čisté farby, aby zachovali svoju prácu a niekedy preto, že sa snažili presnejšie odrážať slnečné svetlo v pouličných scénach.

Španielsko: Goya

Francisco Goya (1746-1828) bol prvým velikánom Španielsky umelec, ktorý sa objavuje od 17. storočia. Ako obľúbený umelec španielskeho dvora vytvoril množstvo portrétov kráľovskej rodiny. Kráľovské postavy sú vybavené elegantným oblečením a jemnými šperkami, no na niektorých ich tvárach sa odráža len márnomyseľnosť a chamtivosť. Okrem portrétov maľoval Goya aj dramatické scény, ako napríklad Tretí máj 1808. Tento obraz zobrazuje popravu skupiny španielskych rebelov francúzskymi vojakmi. Odvážne kontrasty svetlých a tmavých a pochmúrnych farieb, lemované kvapkami červenej, evokujú ponurú hrôzu predstavenia.

Hoci Francúzsko bolo v 19. storočí veľkým centrom umenia, anglickí krajinárski umelci John Constable (1776 – 1837) a Joseph Mallord William Turner (1775 – 1851) hodnotne prispeli k maľbe 19. storočia. Obaja sa zaujímali o maľovanie svetla a vzduchu, dvoch aspektov prírody, ktoré umelci 19. storočia naplno preskúmali. Strážnik použil metódu známu ako rozdelenie, alebo zlomená farba. Použil kontrastné farby cez hlavnú farbu pozadia. Na pevné nanášanie farby často používal paletový nôž. Obraz „Hay Wain“ ho preslávil po tom, čo bol predstavený v Paríži v roku 1824. Toto je jednoduchá scéna na dedinské seno. Mraky sa vznášajú nad lúkami pokrytými škvrnami slnečného svetla. Turnerove obrazy sú dramatickejšie ako obrazy Constabla, ktorý maľoval majestátne prírodné pamiatky - búrky, morské scenérie, žiariace západy slnka, vysoké hory. Často zlatý opar čiastočne zakrýva predmety na jeho obrazoch, takže sa zdajú, že sa vznášajú v nekonečnom priestore.

Francúzsko

Obdobie Napoleonovej vlády a francúzskej revolúcie znamenalo vznik dvoch protichodných smerov vo francúzskom umení – klasicizmu a romantizmu. Jacques Louis David (1748-1825) a Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) sa inšpirovali starovekým gréckym a rímskym umením a renesanciou. Zdôraznili detail a použili farbu na vytvorenie pevných tvarov. Ako obľúbený umelec revolučnej vlády David často maľoval historické udalosti toho obdobia. Vo svojich portrétoch, ako napríklad Madame Recamier, sa snažil dosiahnuť klasickú jednoduchosť.

Théodore Guéricault (1791-1824) a romantický Eugene Delacroix (1798-1863) sa vzbúrili proti Dávidovmu štýlu. Pre Delacroixa bola farba najdôležitejším prvkom maľby a nemal trpezlivosť na napodobňovanie klasických sôch. Namiesto toho obdivoval Rubena a Benátčanov. Pre svoje obrazy si vybral farebné, exotické námety, ktoré žiaria svetlom a sú plné pohybu.

Barbizonskí umelci boli tiež súčasťou všeobecného romantického hnutia, ktoré trvalo približne od roku 1820 do roku 1850. Pracovali pri dedine Barbizon na okraji lesa Fontainebleau. Inšpiráciu našli v prírode a obrazy dotvárali vo svojich ateliéroch.

Iní umelci experimentovali s každodennými, obyčajnými predmetmi. Krajiny Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) odrážajú jeho lásku k prírode a jeho štúdie ľudského tela ukazujú akýsi vyrovnaný pokoj. Gustave Courbet (1819-1877) sa nazýval realistom, pretože zobrazoval svet tak, ako ho videl – aj jeho drsnú, nepríjemnú stránku. Svoju paletu obmedzil len na niekoľko tmavých farieb. Edouard Manet (1832-1883) preberal základ pre svojich poddaných aj z okolitého sveta. Ľudia boli šokovaní jeho farebnými kontrastmi a nezvyčajnými technikami. Povrchy jeho obrazov majú často plochú, vzorovanú textúru ťahov štetca. Manetove metódy aplikovania účinkov svetla na formu ovplyvnili mladých umelcov, najmä impresionistov.

Skupina umelcov známych ako impresionisti, ktorí pracovali v 70. a 80. rokoch 19. storočia, chcela zobraziť prírodu presne takú, aká bola. V skúmaní účinkov svetla vo farbe zašli oveľa ďalej ako Constable, Turner a Manet. Niektorí z nich vyvinuli vedecké teórie farieb. Claude Monet (1840-1926) často maľoval rovnaký pohľad v rôznych časoch dňa, aby ukázal, ako sa mení za rôznych svetelných podmienok. Bez ohľadu na tému, jeho obrazy sú tvorené stovkami drobných ťahov štetcom umiestnených vedľa seba, často v kontrastných farbách. Na diaľku sa ťahy prelínajú a vytvárajú dojem celistvých tvarov. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) použil impresionistické techniky na zachytenie oslavy parížskeho života. V jeho Tanci v Moulin de la Galette sa ľudia v pestrofarebnom oblečení tlačili k sebe a veselo tancovali. Renoir namaľoval celý obraz malými ťahmi. Bodky a ťahy farby vytvárajú na povrchu maľby textúru, ktorá jej dodáva výrazný vzhľad. Zdá sa, že davy ľudí sa rozpúšťajú v slnečné svetlo a trblietavej farby.

maľba 20. storočia

Viacerí umelci boli čoskoro nespokojní s impresionizmom. Umelci ako Paul Cézanne (1839-1906) sa domnievali, že impresionizmus nepopisuje pevnosť foriem v prírode. Cézanne miloval maľovanie zátiší, pretože mu umožňovali zamerať sa na tvar ovocia či iných predmetov a ich usporiadanie. Námety jeho zátiší pôsobia solídne, pretože ich zredukoval na jednoduché geometrické tvary. Jeho technika umiestňovania striekancov farby a krátkych ťahov sýtych farieb vedľa seba ukazuje, že sa veľa naučil od impresionistov.

Vincent Van Gogh (1853-90) a Paul Gauguin (1848-1903) reagovali na realizmus impresionistov. Na rozdiel od impresionistov, ktorí tvrdili, že sa na prírodu pozerajú objektívne, Van Gogh dbal len na presnosť. Často skresľoval predmety, aby tvorivejšie vyjadroval svoje myšlienky. Použil impresionistické princípy na umiestnenie kontrastných farieb vedľa seba. Niekedy vytláčal farbu zo skúmaviek priamo na plátno, ako vo filme „Žlté kukuričné ​​pole“.

Gauguin sa nestaral o strakaté farby impresionistov. Farbu nanášal plynule vo veľkých plochých plochách, ktoré od seba oddeľoval líniami alebo tmavými okrajmi. Farebné tropické národy poskytli veľa z jeho tém.

Cezannovu metódu vytvárania priestoru pomocou jednoduchých geometrických tvarov vyvinuli Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) a ďalší. Ich štýl sa stal známym ako kubizmus. Kubisti maľovali predmety tak, ako keby ich bolo vidieť z viacerých uhlov naraz, alebo akoby boli rozobrané a znovu poskladané na plochom plátne. Často sa ukázalo, že objekty sa nepodobajú ničomu, čo existuje v prírode. Kubisti niekedy vystrihovali figúrky z látky, kartónu, tapiet alebo iných materiálov a prilepili ich na plátno, aby vytvorili koláž. Textúry sa tiež menili pridávaním piesku alebo iných látok do farby.

Najnovším trendom je klásť na túto tému menší dôraz. Väčší dôraz sa začal klásť na kompozíciu a obrazovú techniku.