วิทยาศาสตร์ วรรณกรรม ศิลปะ ในยุคหลังสงคราม ต้นกำเนิดของละครและละครกรีกโบราณ

หน่วยงานสื่อสารกลาง

มหาวิทยาลัยโทรคมนาคมและสารสนเทศแห่งรัฐไซบีเรีย

ภาควิชาปรัชญาและประวัติศาสตร์

ทดสอบ

เกี่ยวกับประวัติศาสตร์ชาติ

ในหัวข้อ “วิทยาศาสตร์ วรรณกรรม ศิลปะ ในยุคหลังสงคราม”

เสร็จสิ้นโดย: st-ka gr. จีเอส-41

ดราชัก เอ็น.เอ

ตรวจสอบโดย: I.V. โนโซวา

โนโวซีบีสค์ 2014

การแนะนำ

4.1 จิตรกรรม

4.2 กราฟิก

4.3 ประติมากรรม

4.4 สถาปัตยกรรม

4.5 โรงละคร

4.6 ดนตรี

บทสรุป

อ้างอิง

การแนะนำ

เมื่อพูดถึงบทบาทของวัฒนธรรมแล้ว สังคมสมัยใหม่ตามกฎแล้วงานจะต้องคำนึงถึง นิยาย, ภาพวาดที่สวยงาม- แต่ทั้งหมดนี้เป็นเพียงอนุภาคเล็กๆ ของวัฒนธรรม แม้ว่าจะมีความสำคัญมากก็ตาม วัฒนธรรมเป็นส่วนที่สำคัญมาก ชีวิตมนุษย์ซึ่งแทรกซึมไปทุกหนทุกแห่งแสดงออกมาในรูปแบบต่างๆ เธอครองตำแหน่งที่ไม่ชัดเจนในชีวิตมนุษย์ ในด้านหนึ่ง วัฒนธรรมรวบรวมรูปแบบพฤติกรรมที่มีคุณค่าและมีประโยชน์ที่สุดและส่งต่อไปยังรุ่นต่อๆ ไป สร้างโลกแห่งจิตวิญญาณของมนุษย์ ยกระดับเขาให้อยู่เหนือโลกของสัตว์ แต่ในทางกลับกัน มันสามารถรักษาความอยุติธรรม ความเชื่อโชคลาง และพฤติกรรมที่ไร้มนุษยธรรมได้ด้วยความช่วยเหลือจากบรรทัดฐานทางศีลธรรม คนทันสมัยจะไม่เป็นเช่นนั้นหากเขาปฏิบัติต่อมรดกของโลกและวัฒนธรรมในประเทศด้วยความไม่แยแสและไม่เคารพ บุคคลหนึ่งจะได้รับการเพาะเลี้ยงอย่างแท้จริงก็ต่อเมื่อเขามุ่งมั่นที่จะได้รับการศึกษาอย่างกว้างขวางเท่านั้น

ในงานของฉัน ฉันต้องการสะท้อนชีวิตทางวัฒนธรรมของชาวโซเวียตในช่วงหลังสงคราม หัวข้อนี้มีความเกี่ยวข้องเนื่องจากในช่วงหลังสงครามประชาชนโดยรวมขาดความรู้สึกใหม่ๆ ที่ไม่เกี่ยวข้องกับหัวข้อทางทหาร นอกจากนี้ ศิลปินยังได้รับมอบหมายงานในการจูงใจผู้คนให้มีชีวิตอยู่ต่อไปแม้จะมีความยากลำบากในเวลานี้ เนื่องจากมหาสงครามแห่งความรักชาติทำให้การพัฒนาทางวัฒนธรรมในประเทศของเราเสื่อมถอยลง การสูญเสียที่ไม่อาจแก้ไขได้คือการทำลายล้างของคนเกือบทั้งรุ่นที่เกิดในวัยยี่สิบต้นๆ สงครามได้กวาดล้างอนุสรณ์สถานทางวัฒนธรรมหลายแห่ง มหาวิหารนอฟโกรอดและสโมเลนสค์ พระราชวังในเขตชานเมืองเลนินกราด ห้องอำพัน พิพิธภัณฑ์ โรงภาพยนตร์ นิทรรศการและคอนเสิร์ตฮอลล์หลายพันแห่ง และส่งผลให้การศึกษาในรัสเซียลดลง

นอกจากนี้ฉันยังเชื่อเช่นนั้น คนรุ่นใหม่ฉันสนใจความจริงที่ว่าผู้คนในสมัยนั้น ปู่ย่าตายายของเรา ซึ่งมีเงินเกือบเพนนีในกระเป๋า ยังคงไปชมละคร คอนเสิร์ต และสมัครเข้าชมรมกวีนิพนธ์ต่างๆ

วัตถุประสงค์ของงานของฉันคือเพื่อศึกษาและประเมินวัฒนธรรมและศิลปะในยุคหลังสงครามซึ่งถ่ายทอดความเจ็บปวดของผู้คนที่มีชีวิตอยู่ในขณะนั้นตลอดจนจิตวิญญาณแห่งชัยชนะแห่งความรักชาติ

ภารกิจที่ผมตั้งไว้สำหรับตัวเองคือศึกษาพัฒนาการด้านวิทยาศาสตร์ วรรณกรรม และศิลปะในยุคหลังสงคราม

วรรณกรรมที่ช่วยให้ฉันเขียนเรียงความกลับกลายเป็นว่ามีประโยชน์อย่างยิ่ง ฉันชอบหนังสือของ A.N. Sakharov มากที่สุด “ ชีวิตในรัสเซียในยุคหลังสงคราม” เนื่องจากในหนังสือเล่มนี้ฉันพบข้อมูลที่จำเป็นที่สุดสำหรับเรียงความของฉัน แหล่งข้อมูลอื่นมีประโยชน์ไม่น้อย แต่ฉันได้รับข้อมูลที่จำเป็นเพียงพอจากหนังสือของ Sakharov

1. การพัฒนาวิทยาศาสตร์ในยุคหลังสงคราม

ในช่วงเวลานี้สถาบันใหม่ปรากฏในระบบของ USSR Academy of Sciences: เคมีกายภาพ ธรณีเคมี และเคมีวิเคราะห์ ตั้งชื่อตาม V.I. Vernadsky สารประกอบโมเลกุลสูง กลศาสตร์ที่แม่นยำและเทคโนโลยีคอมพิวเตอร์ กิจกรรมทางประสาทที่สูงขึ้น วิศวกรรมวิทยุและอิเล็กทรอนิกส์ทางวิทยุ ข้อมูลทางวิทยาศาสตร์ ภาษาศาสตร์ การศึกษาสลาฟ

ฐานที่วางอยู่ใต้สตาลิน ความสำเร็จทางวิทยาศาสตร์สหภาพโซเวียตในด้านการวิจัยอวกาศ พลังงานนิวเคลียร์ และอิเล็กทรอนิกส์ได้รับการต่ออายุ ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1940 และต้นทศวรรษ 1950 องค์กรต่างๆ ถูกสร้างขึ้นเพื่อผลิตผลิตภัณฑ์ที่มีเทคโนโลยีสูงซึ่งไม่ด้อยกว่าตัวอย่างที่ดีที่สุดในโลก

ในตอนท้ายของทศวรรษที่ 50-60 สหภาพโซเวียตเข้าสู่ยุคของการปฏิวัติทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยี ประเทศสนใจในการวิจัยทางวิทยาศาสตร์ ไม่เพียงแต่สถาบันวิจัยใหม่เท่านั้น แต่ยังเปิดเมืองวิทยาศาสตร์ทั้งหมดด้วย มีการจัดตั้งภาควิชาวิทยาศาสตร์ไซบีเรียและเมืองวิชาการโนโวซีบีร์สค์ รวมถึงสถาบันฟิสิกส์นิวเคลียร์ในเมือง Dubna (ภูมิภาคมอสโก)

ศูนย์กลางหลักแห่งหนึ่งของโลกในสาขาวิทยาศาสตร์คือสถาบันพลังงานปรมาณูซึ่งสร้างขึ้นโดยนักวิทยาศาสตร์ชาวรัสเซีย I.V. Kurchatov ในปี 1943 นักวิทยาศาสตร์ชาวรัสเซียได้สร้างสาขาวิทยาศาสตร์ที่สำคัญ - ฟิสิกส์พลังงานสูงและสูงเป็นพิเศษซึ่งพบว่ามีการใช้งานทางอุตสาหกรรมที่กว้างที่สุดในการก่อสร้างโรงไฟฟ้านิวเคลียร์และอุปกรณ์ทางเทคนิคที่ทำงานบนเครื่องยนต์นิวเคลียร์ เมื่อปลายปี พ.ศ. 2500 เรือตัดน้ำแข็งลำแรกของโลกด้วย เครื่องยนต์นิวเคลียร์(ได้รับชื่อ "เลนิน") ในปีพ.ศ. 2501 โรงไฟฟ้านิวเคลียร์ที่มีกำลังการผลิต 100,000 กิโลวัตต์ได้เปิดดำเนินการในไซบีเรีย ในปีพ.ศ. 2500 สถาบันร่วมเพื่อการวิจัยนิวเคลียร์ภายใต้การนำของ D.I. Blokhintsev สร้างซินโครฟาโซตรอนที่ใหญ่ที่สุดในโลก (ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา)

ในปี พ.ศ. 2489-2498 มีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญในการวิจัยวิทยาศาสตร์จรวดในประเทศของเรา โดยทั่วไปแล้ว รัสเซียเป็นรากฐานสำหรับวิทยาศาสตร์จรวดยุคใหม่ จำนวน ประเภทต่างๆจรวดกำลังดำเนินการโปรแกรมที่สอดคล้องกันในการศึกษาบรรยากาศชั้นบนโดยใช้จรวดที่มีเสียง ภายใต้การนำของ S.P. Korolev นำแนวคิดและการพัฒนามากมายมาใช้ในทฤษฎีอวกาศในอุตสาหกรรม ตั้งแต่ต้นทศวรรษ 1950 วิทยาศาสตร์ของรัสเซียได้เริ่มพัฒนาในด้านการสร้างขีปนาวุธข้ามทวีป (ICBM) และยานปล่อย ในการเปิดตัว การก่อสร้าง Baikonur Cosmodrome อันโด่งดังได้เริ่มต้นขึ้น โดยเมื่อวันที่ 21 สิงหาคม พ.ศ. 2500 ได้มีการทดสอบขีปนาวุธข้ามทวีปลำแรกของโลก ซึ่งมีความสำคัญทางทหาร รัสเซียจึงเริ่มเข้าสู่ยุคอวกาศ

เมษายน พ.ศ. 2504 นักบินอวกาศ Yu.A. ชาวรัสเซีย ได้ทำการโคจรรอบโลก กาการินบนเรือดาวเทียมวอสตอค นักวิจัยนักบินอวกาศชาวรัสเซียในยุคนั้นได้ทำงานหลากหลายด้านเกี่ยวกับการสำรวจอวกาศ ดังนั้นจึงรักษาความเป็นอันดับหนึ่งของรัสเซียในด้านเทคโนโลยีจรวดได้อย่างมั่นคง และพิสูจน์ให้เห็นถึงความเหนือกว่าของวิทยาศาสตร์รัสเซียในหลายๆ ด้าน

นักวิทยาศาสตร์ของเราเป็นผู้บุกเบิกในการสร้างอุปกรณ์อิเล็กทรอนิกส์ควอนตัม อุปกรณ์อิเล็กทรอนิกส์ควอนตัมซึ่งพัฒนาโดยนักวิทยาศาสตร์ชาวรัสเซียมีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาฟิสิกส์โดยรวม เลเซอร์พบการประยุกต์ใช้ในสเปกโทรสโกปี การวิจัยพลาสมา การตรวจจับบรรยากาศ ตำแหน่ง การสื่อสารในอวกาศ เทคโนโลยีคอมพิวเตอร์ และการแพทย์

ในปี พ.ศ. 2489 มีการสร้างเครื่องบินเจ็ท MiG-9 และ Yak-15 ในปี พ.ศ. 2490 การผลิตเครื่องบินขับไล่ MiG-15 อย่างต่อเนื่องได้เริ่มขึ้น ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1940 - ค.ศ. ในช่วงทศวรรษที่ 50 นักวิทยาศาสตร์ชาวรัสเซียได้รับผลลัพธ์ที่สำคัญในด้านการวิจัยความเร็วสูง การพัฒนาทางทฤษฎีและปฏิบัติโดย M.V. เคลดิช, G.I. นพ. เปโตรวา มิลเลียนชิโควา G.P. Svishchev และนักวิทยาศาสตร์ชาวรัสเซียคนอื่นๆ ทำให้สามารถสร้างปีกและการควบคุมเครื่องบินรูปแบบใหม่ๆ ได้ A.I. ทำงานในด้านความแข็งแกร่งของโครงสร้างเครื่องบิน มาคาเรฟสกี, V.N. Belyaev, A. M. Cheremukhin และคนอื่นๆ ในทศวรรษ 1950 การบินของรัสเซียมีความเร็วเหนือเสียง เครื่องบินความเร็วเหนือเสียงอนุกรมลำแรกของรัสเซีย MiG-19 มีความเร็วสูงสุด 1,450 กม./ชม.

นักวิทยาศาสตร์ชาวรัสเซียประสบความสำเร็จ ระดับความสูงและในด้านวิทยาศาสตร์อื่นๆ

นักชีววิทยาชาวรัสเซีย A.I. โอภาริน, ยู.เอ. Ovchinnikov และคนอื่นๆ ได้รับผลลัพธ์ที่สำคัญมากและได้ค้นพบสิ่งใหม่ๆ ในสาขาทฤษฎีทางพันธุกรรม ในการศึกษาโครงสร้างและกลไกการทำงานของเซลล์ พื้นฐานทางเคมีกายภาพและชีวภาพ และรูปแบบของกระบวนการชีวิตของสิ่งมีชีวิต ปัญหาสิ่งแวดล้อม และการใช้เหตุผล ของทรัพยากรชีวภาพ

ในช่วงกลางทศวรรษ 1950 มีการค้นพบวิธีสร้างสารใหม่ที่มีคุณสมบัติทางเคมีที่ระบุ ทฤษฎีลูกโซ่ ปฏิกิริยาเคมีเอ็น.เอ็น. Semenova เป็นรากฐานสำหรับการสร้างโพลีเมอร์ใหม่ๆ ที่มาแทนที่วัสดุธรรมชาติที่มีราคาแพง การมีส่วนร่วมของเขาในด้านวิทยาศาสตร์โลกได้รับการยอมรับในปี 1956 โดยการมอบรางวัลให้เขา รางวัลโนเบล.

นักมานุษยวิทยามีปัญหามากมายรออยู่ โดยเฉพาะนักประวัติศาสตร์ Mints I.I., Razgon I.M. ซึ่งต่อมาคือ A. Nekrich และ N. Eidelman อยู่ภายใต้การทำอย่างละเอียดต่อสาธารณะ และกลายเป็นหน่วยงานที่ไม่อาจโต้แย้งได้สำหรับเพื่อนร่วมงานและผู้อ่านในทันที และหนังสือของพวกเขาก็ขาดแคลน ปัจจุบันชื่อเหล่านี้เป็นชื่อประวัติศาสตร์โซเวียตคลาสสิกที่ไม่มีปัญหา นักวิทยาศาสตร์หลายคนและก่อนอื่นนักปรัชญา G.F. Aleksandrov ถูกกล่าวหาว่าบูชาชาวตะวันตก

วิทยาศาสตร์ในประเทศถูกจัดให้อยู่ในระดับแนวหน้า ต้องขอบคุณความสำเร็จของนักวิทยาศาสตร์ชาวรัสเซีย ประเทศได้รับความสำคัญจากการแข่งขันหลายด้านด้วย ประเทศตะวันตกในด้านการพัฒนาวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีระดับโลก

2. วรรณกรรมยุคหลังสงคราม

วรรณกรรมเรื่องแรก ปีหลังสงครามหรือค่อนข้างจะเป็นพื้นฐานทางจิตวิญญาณนั้นถูกสร้างขึ้นจากโลกทัศน์ที่ต้องทนทุกข์และพิชิตโดยผู้คนที่ได้รับชัยชนะ ประเทศจำเป็นต้องกำจัดบาดแผลที่เกิดจากสงครามอย่างรวดเร็ว ดังนั้นวรรณกรรมในช่วงหลายปีที่ผ่านมาจึงมุ่งเป้าไปที่อุดมการณ์ทางอุดมการณ์ในการสร้างบรรยากาศทางศีลธรรมและจิตวิทยาอันเอื้ออำนวยต่อการเพิ่มขึ้นของแรงงานทั่วประเทศ รัสเซียในฐานะประเทศแห่งการปลดปล่อยได้ครอบครองสถานที่พิเศษในโลกดังนั้นจึงได้ขยายขอบเขตของประเด็นและขอบเขตของงานทางสังคมและการเมืองสำหรับวรรณกรรมโซเวียต นักเขียนในยุคนั้นส่งเสริมสันติภาพของโลก ความสุขของมนุษย์ วิถีชีวิตของชาวโซเวียต และความเป็นสากล (วงจรบทกวีของ Bazhan, Vurgun, Rustam, Simonov, Surkov, Tikhonov) นักเขียนโซเวียตพยายามที่จะเปิดเผยความขัดแย้งหลักในยุคนั้น - การเผชิญหน้าระหว่างลัทธิฟาสซิสต์และการต่อต้านลัทธิฟาสซิสต์

การพัฒนาวรรณกรรมสารคดีอย่างเข้มข้นมีสาเหตุมาจากละครที่แท้จริง ความถูกต้องอันน่าตื่นเต้นที่สั่งสมมาในช่วงสงคราม ข้อมูลสำคัญและวรรณกรรมสารคดีซึ่งเต็มไปด้วยความปรารถนาอันสูงส่งที่จะแจ้งให้มาตุภูมิทราบถึงคุณธรรมของวีรบุรุษพรรคพวก ตัวอย่างผลงาน เช่น “บุคคลผู้มีจิตสำนึกที่ชัดเจน” (พ.ศ. 2489) โดย พี.พี. Vershigory “จาก Putivl สู่ Carpathians” (1945) S.A. Kovpak “คณะกรรมการภูมิภาคใต้ดินกำลังทำหน้าที่” (เล่ม 1-2, 1949) A.F. Fedorov "ในใต้ดินไครเมีย" (2490) I.A. Kozlova, “มันอยู่ใกล้ Rovno” (1948) D.N. เมดเวเดฟ. ผู้เขียนได้เปิดเผยความหมายเชิงปรัชญาอันลึกซึ้งของชัยชนะเหนือลัทธิฟาสซิสต์ตามความเป็นจริง ชะตากรรมของมนุษย์. ฮีโร่ตัวจริงมหาสงครามแห่งความรักชาติหรือรูปภาพของพวกเขาถูกบรรยายในนวนิยายเรื่อง The Tale of a Real Man (1946) โดย B.N. โพลวอย. ความทรงจำชั่วนิรันดร์ของผู้ตายความเจ็บปวดในเลือดจากความทุกข์ทรมานของมาตุภูมิ - หัวข้อเหล่านี้ได้ยินในงานของ Tvardovsky (บทกวี "บ้านบนถนน", 2489, บทกวี "ฉันถูกฆ่าตายใกล้ Rzhev"), Isakovsky (บทกวี "ศัตรู" เผาบ้านของฉัน”) การทดลองในช่วงสงครามได้รับการถวายในบทกวี “Prometheus” (1947) โดย A.S. Malyshko "เหนือเลนินกราด" (2491) M. Ragim การค้นหาอย่างสร้างสรรค์ของนักเขียนมือใหม่ K.Ya. อุทิศให้กับประเด็นทางการทหาร Vanshenkina, E.M. วิโนคุโรวา, S.P. Gudzenko, V. Davtyan, Yu.V. ดรูนินา, M.A. ดูดินา, เอ็ม.เค. ลูโคนีนา, A.P. Mezhirova, S.S. Narovchatov และคนอื่น ๆ

ในแต่ละขั้นตอนวรรณกรรมของสหภาพโซเวียตได้กำหนดภารกิจซึ่งก็คือการสร้างภาพลักษณ์ ฮีโร่เชิงบวก- ผลงานของนักเขียนหลายคนกล่าวถึงหัวข้อการกลับคืนสู่การทำงานอย่างสันติ (นวนิยาย "ความสุข" (1947) โดย Pavlenko, "ลมแห่งหุบเขาทองคำ" (1950) โดย Aibek, "เศรษฐี" (1948) โดย Mustafina, "Spring in Saken" (1948) โดย G.D. Gulia, "Cavalier of the Golden Star" (เล่ม 1-2, 1947-48) โดย S.P. Babaevsky ในบทกวี "The Flag over the Village Council" (1947) โดย A.I. Nedogonov, "Spring in Victory" "(1948) โดย N.M. Gribacheva, "วันทำงาน" (1948) โดย Lukonin, "Morning over Minsk" โดย M. Tank, "New Channel" (1948) โดย A. Kuleshov)

วรรณกรรมของสหภาพโซเวียตดำเนินการในช่วงหลายปีที่ผ่านมาในชุมชนข้ามชาติที่เข้มแข็ง ภาพพหุภาคีของโลกภายในและ ประชาสัมพันธ์ชาวโซเวียตเต็มไปด้วยนวนิยายเรื่อง "Kruzhilika" (1947) โดย V.F. Panova “เก็บเกี่ยว” (1950) G.E. Nikolaeva, “วันแห่งชีวิตของเรา” (1952) V.K. Ketlinskaya, "Zhurbins" (1952) V.A. Kochetova "พายุ" (2488-48) Latsis

ความยิ่งใหญ่ระดับมหากาพย์และการแต่งบทเพลงที่ละเอียดอ่อนเป็นลักษณะเฉพาะของนวนิยายเรื่อง "First Joys" (1945) และ "An Extraordinary Summer" (1947-48) โดย Fedin ตัวละครของวีรบุรุษในนวนิยายเหล่านี้เต็มไปด้วยความมีชีวิตชีวา ลักษณะเฉพาะ และความลึก

ประเภทที่ได้รับความนิยมคือพงศาวดารครอบครัว เหล่านี้เป็นนวนิยายเช่น "The Strogoffs" (1939-46) โดย G.M. Markov, "เทือกเขาซายัน" (2483-54) S.V. Sartakova, "Dauria" (2485-48) K.F. Sedykh "พ่อคิวปิด" (2484-46) N.P. Zadornova "ชนชั้นสูงไปบนภูเขา" (2490-48) T.Z. Syomushkina และคนอื่น ๆ รับบทโดย Selvinsky, I. Kocherga, Shanshchiashvili และคนอื่น ๆ ; บทกวี "หนึ่งพันแปดร้อยสี่สิบแปด" (1948) โดย Antokolsky, "Pervorossiysk" (1950) โดย Berggolts, "Pavlik Morozov" (1950) โดย S.P. Shchipachev, "The Fisherman's Hut" (1947) โดย Y. Kolas, "Diary of the World" โดย Tank, "Lenin" (1950) โดย Rasul Rza มีส่วนสำคัญต่อพงศาวดารทางประวัติศาสตร์ ในบทกวี ผู้คนใหม่ๆ ปรากฏตัวขึ้นซึ่งนำประเด็นระดับชาติและประเพณีบทกวีมาสู่เนื้อหาใหม่ๆ ที่แสดงถึงหลักการของความเป็นสากล แต่ละครั้งความจำเป็นในการสังเคราะห์ทางศิลปะของกระบวนการใหม่ ๆ ของความทันสมัยมีความสำคัญมากขึ้นเรื่อย ๆ ในนวนิยายเรื่อง "Russian Forest" ผู้เขียนได้ตรวจสอบความซับซ้อนของช่วงเวลาที่ประเทศกำลังประสบอยู่ในเวลานั้นในด้านประวัติศาสตร์และปรัชญาเชิงลึก

การสิ้นสุดของยุค 50 เกิดจากการเกิดขึ้นของคนรุ่นใหม่ (Baklanov, Bondarev, Bykov, Bogomolov) นอกจากนี้ในช่วงหลายปีที่ผ่านมายังมีการสร้างผลงานวรรณกรรมฝ่ายค้านที่สำคัญมากซึ่งเผยแพร่ซ้ำจากมือหนึ่งไปอีกมือหนึ่งและตีพิมพ์ในช่วงครึ่งหลังของยุค 80 เท่านั้น ("Gulag" โดย A. Solzhenitsyn เรื่องราวโดย V. Shalamov, "ใหม่ นัด" โดย เอ.เบ็ค) . ลักษณะสำคัญของวรรณกรรมในยุค 60 คือความเจริญทางบทกวี กวีดั้งเดิมที่แตกต่างปรากฏตัวขึ้น เหล่านี้คือ R. Rozhdestvensky, B. Akhmadulina, I. Brodsky, E. Yevtushenko, A. Voznesensky, O. Suleimenov นอกจากบทกวีที่เฟื่องฟูแล้ว เพลงต้นฉบับก็ได้รับความนิยมอีกด้วย ตัวแทนคือ A. Galich, B. Okudzhava, Yu. Vizbor, V. Vysotsky

วรรณกรรมในช่วงหลายปีที่ผ่านมาสะท้อนให้เห็นถึงโลกแห่งจิตวิญญาณซึ่งเป็นคนที่มีจิตใจเข้มแข็งที่ยืนหยัดต่อการโจมตีของศัตรูและสามารถเอาชนะได้ไม่ว่าจะเกิดอะไรขึ้นก็ตาม

3. ศิลปะแห่งยุคหลังสงคราม

ในช่วงหลังสงคราม เศรษฐกิจฟื้นตัวอย่างรวดเร็ว และธีมของศิลปะคืองานที่กล้าหาญและการเชิดชู "ชัยชนะอันยิ่งใหญ่"

4.1 จิตรกรรม

ในภาพวาดในช่วงหลายปีที่ผ่านมาประเภทประวัติศาสตร์และการปฏิวัติประวัติศาสตร์ได้รับความนิยม

ในปี 1950 ศิลปินกลุ่มหนึ่งได้สร้างภาพวาดขนาดใหญ่ "Speech by V.I. Lenin ที่ III Komsomol Congress" เกี่ยวกับสุนทรพจน์ในปี 1920 ในอาคาร Lenkom ภาพนี้เป็นมาตรฐาน Vladimir Serov ยังสร้างภาพวาด "Walkers at Lenin's" - เหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ได้รับตัวละครประเภทเฉดสีของธรรมชาติและการถ่ายภาพ

ความรู้สึกที่เกิดจากมหาสงครามแห่งความรักชาติกระตุ้นความสนใจในประวัติศาสตร์ของมาตุภูมิ ประเภทประวัติศาสตร์และในชีวิตประจำวันเข้ามาใกล้กันมากขึ้น ตัวอย่างนี้คือภาพยนตร์ของ Yuri Neprintsev เรื่อง "Rest after the Battle" (1951) เกี่ยวกับ Vasily Terkin ภาพวาดที่สำคัญที่สุดชิ้นหนึ่งในช่วงหลังสงครามในธีมทางการทหารคือ “The Return” โดย Vladimir Kostetsky (1947) ในเวลาเดียวกันภาพวาด "จดหมายจากด้านหน้า" ของ Alexander Laktionov ก็ปรากฏขึ้น

สถานที่สำคัญในการพัฒนาภาพวาดในยุคนั้นถูกครอบครองโดยภาพวาดของศิลปินบอลติกและลัตเวีย - Eduards Kalnins ("New Sails", 1945) และ Janich Osis ("Latvian Fishermen", 1956) ภาพที่นี่

แรงงานประมง, ฉากที่คิดในทิวทัศน์ - ภาพวาดมีความโดดเด่นด้วยความยับยั้งชั่งใจ, สัมผัสถึงความรุนแรง ( คุณสมบัติลักษณะและสำหรับการวาดภาพลัตเวียต่อไป)

ภาพลักษณ์ของธรรมชาติที่เต็มไปด้วยความสุขและความกลมกลืนเป็นที่แพร่หลาย" ภูมิทัศน์โคลงสั้น ๆ ได้รับการพัฒนาใหม่ ผลงานดังกล่าวของ Sergei Gerasimov ในชื่อ "Winter", 1959, "Landscape with a River", 1959, "Spring", 1954 แนวคิดนี้อุทิศให้กับความรักชาติ งานของ Vasily Meshkov อุทิศให้กับหัวข้อนี้ - "The Tale of the Urals" (1949), "Kama", "The Expanses of the Kama" (1950)

ความสำเร็จของศิลปินแสดงให้เห็นว่าส่วนใหญ่ในการพัฒนาการวาดภาพในยุคนั้นเล่นโดยปรมาจารย์แห่งรุ่นที่ก่อตั้งขึ้นในปีที่แล้ว

4.2 กราฟิก

ในทางกลับกัน กราฟิกในสมัยนั้นประกอบด้วยผลงานของปรมาจารย์แห่งสงครามและยุคหลังสงคราม

หนึ่งในประเภทโซเวียตที่แพร่หลายและ "ต่อสู้" วิจิตรศิลป์กราฟิกเสียดสีปรากฏขึ้น การ์ตูนการเมืองที่อุทิศให้กับหัวข้อต่างประเทศซึ่งใช้ได้กับ Pravda และหนังสือพิมพ์กลางอื่น ๆ ได้รับการพัฒนาอย่างแข็งขัน Kukryniksy ได้สร้างผลงานสำคัญที่มีลักษณะเสียดสี - "Wall Haircut" (1948), "At the Bedside" (1948), "Donna Franco" (1949) พวกเขายังสร้างภาพประกอบ เช่น “Lady with a Dog” (1941-8) ภาพสีน้ำสำหรับ “Foma Gordeev” (1949) David Dubinsky จัดทำภาพประกอบสำหรับเรื่องราวของ Gaidar เรื่อง "R.V.S." และ "ชุกกับเก๊ก" ต่อมาเป็น "Duel" ของคุปริญ (พ.ศ. 2502-60) ความคิดสร้างสรรค์ของ Favorite สิ้นสุดลงในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เขาสร้างสรรค์ผลงานโดยใช้เทคนิคงานไม้ (“The Tale of Igor’s Campaign,” 1950; “Little Tragedies,” 1961)

4.3 ประติมากรรม

หลังสงคราม แนวโน้มที่ยิ่งใหญ่ทวีความรุนแรงมากขึ้น Nikolai Tomsky สร้างอนุสาวรีย์ให้กับนายพล Apanasenko (เบลเกรด, 1949) และ Chernyakhovsky (Vilnius, 1950 - ขนส่งไปยัง Voronezh) พวกเขาผสมผสานการวัดความคล้ายคลึงและการสร้างแบบจำลอง ความกลมกลืนของประติมากรรมเข้ากับฐานทางสถาปัตยกรรม ความชัดเจน และการแสดงออก

ไม่เพียงแต่มีการสร้างอนุสรณ์สถานสำหรับวีรบุรุษสงครามเท่านั้น แต่ยังรวมถึงบุคคลสำคัญทางประวัติศาสตร์และบุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมด้วย ในปี 1953 อนุสาวรีย์ของ Yuri Dolgoruky ถูกสร้างขึ้นในปี 1958 - ถึง Mayakovsky มิคาอิล อานิคุชินสร้างอนุสาวรีย์ของพุชกิน (พ.ศ. 2500) ซึ่งปรากฎในท่าทางของผู้อ่าน ในช่วงทศวรรษที่ 1940-50 มีการสร้างอนุสาวรีย์ไชคอฟสกีใกล้กับเรือนกระจก

เมื่อกลับไปยังบ้านเกิดของเขาประติมากร Sergei Konenkov สร้างงาน "The Liberated Man" (1947) และในปี 1949 “ภาพเหมือนของเกษตรกรกลุ่มที่เก่าแก่ที่สุดของหมู่บ้าน Karakovichi, I.V. Zuev” ชาวบ้านและเพื่อนสมัยเด็กของเขา ประติมากรในยุคนั้นได้สร้างผลงานมากมายจนกลายเป็นสมบัติของประเทศเรา

4.4 สถาปัตยกรรม

สถาปนิกในยุคหลังสงครามมีส่วนร่วมในการบูรณะอาคารที่ถูกทำลายและในขณะเดียวกันก็สร้างอาคารใหม่ขึ้นมา พวกเขาฟื้นฟูเมืองต่างๆ โดยพยายามแก้ไขข้อบกพร่องเก่าๆ

มีการให้ความสนใจอย่างมากกับยีนใหม่ที่สมบูรณ์ แผนพัฒนาสตาลินกราด (โวลโกกราด) ซึ่งถูกทำลายอย่างสิ้นเชิงในช่วงสงคราม Alabyan และ Simbirtsev เสนอแนวคิดของพวกเขา วงดนตรีกลางปรากฏบนผังเมือง - Struggle Square, Alley of Heroes, Propylaea พร้อมบันไดขนาดใหญ่สู่แม่น้ำโวลก้า พื้นที่อุตสาหกรรมถูกรวมเป็นหนึ่งระบบ ความหมายของความสำเร็จของประชาชนแสดงออกมาในรูปแบบใหม่ของเมืองที่ได้รับการฟื้นฟู อาคารใหม่ผสมผสานกับผลงานชิ้นเอกของรัสเซียโบราณ - นี่ดูเหมือนจะเป็นคุณลักษณะหลักของแผนการฟื้นฟูเมืองโดยนักวิจารณ์โซเวียตในปี 1970 กล่าวว่า: "ในกระบวนการที่ซับซ้อนของการพัฒนาสถาปัตยกรรมสำหรับการฟื้นฟูเมืองซึ่งโดยรวมแล้วเป็นไปในเชิงบวกอย่างแน่นอน อันตรายของภาพลวงตาแห่งความยิ่งใหญ่บางอย่างที่ "ยึดถือกระบอง" กำลังก่อตัวขึ้นจากลักษณะของงานสถาปัตยกรรมยุคก่อนสงครามจำนวนหนึ่ง แนวโน้มไปสู่การตกแต่งที่มากเกินไป ซึ่งต่อมามีคุณสมบัติเป็นการตกแต่งก็พัฒนาขึ้นเช่นกัน” เหล่านี้คือตึกระฟ้าในมอสโกอาคารที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดได้รับการยอมรับว่าเป็นอาคารของมหาวิทยาลัยแห่งรัฐมอสโก สถาปนิกคือ Boris Iofan (ถูกถอดออกจากตำแหน่งหัวหน้าสถาปนิก), Lev Rudnev, Sergei Chernyshev, Pavel Abrosimov, Alexander Khryakov V.N. นาโซนอฟ การตกแต่งด้านหน้าอาคารด้วยประติมากรรมดำเนินการโดยเวิร์คช็อปของ Mukhina

ในเวลานั้นปัญหาหลักยังคงเป็นที่อยู่อาศัยธรรมดาซึ่งถูกทำลายโดยสงคราม มีการเปิดตัวการก่อสร้างที่อยู่อาศัยจำนวนมาก ในตอนแรกเป็นอาคารแนวราบเนื่องจากไม่มีฐานการผลิตและเทคนิคที่จำเป็น สถาปนิกกำลังทดลองการพัฒนาแบบทีละบล็อก ตัวอย่างเช่นพื้นที่ถนน Sandy สถาปนิก Zinovy ​​​​Rosenfeld, V. Sergeev ต่อมาเมืองอื่นๆ ได้นำการทดลองนี้ไปใช้

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เช่นเดียวกับในช่วงสงคราม การก่อสร้างรถไฟใต้ดินมอสโกยังคงดำเนินต่อไป และเริ่มการก่อสร้างรถไฟใต้ดินเลนินกราด สถานีซึ่งได้รับการตกแต่งโดยนักจิตรกรรมฝาผนังและประติมากรที่มีชื่อเสียง

4.5 โรงละคร

โรงละครในเมืองหลวงต้องผ่านเส้นทางสร้างสรรค์ที่ยิ่งใหญ่และซับซ้อนในขณะนั้น

ความคิดสร้างสรรค์ของโรงละครมอสโกโดยรวมในช่วงหลังสงครามครั้งแรกไม่สามารถตอบสนองความต้องการทางอุดมการณ์และศิลปะของผู้ชมได้อย่างเต็มที่ ตามมติคณะกรรมการกลางพรรค เรื่อง ละครและมาตรการปรับปรุงละคร ลงวันที่ 26 ส.ค. 2489 จำนวนละครในโรงภาพยนตร์ลดลงอย่างรวดเร็ว นักเขียนชาวโซเวียตในหัวข้อที่ทันสมัย ที่โรงละคร. จากการแสดง 9 ครั้งของ Mossovet มีเพียง 2 รายการเท่านั้นที่อุทิศให้กับประเด็นชีวิตโซเวียตสมัยใหม่ที่โรงละครที่ตั้งชื่อตาม เฉลี่ย Vakhtangov - 3 จาก 10 ใน Kamerny - 3 จาก 11 ในบรรดาละครสมัยใหม่ที่จัดแสดงในปีหลังสงครามครั้งแรกบนเวทีมอสโกก็มีละครที่มีระดับศิลปะต่ำเช่นกัน

งานปาร์ตี้เรียกร้องให้บุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมและศิลปะเสริมสร้างการติดต่อใกล้ชิดกับชีวิตมากขึ้น เตือนนักเขียนบทละคร ผู้กำกับ และนักแสดงว่า "โรงละครโซเวียตสามารถบรรลุบทบาทสำคัญในการให้ความรู้แก่คนทำงานได้ก็ต่อเมื่อมันส่งเสริมนโยบายของรัฐโซเวียตอย่างแข็งขันเท่านั้น ซึ่งเป็นพื้นฐานสำคัญของระบบโซเวียต" งานปาร์ตี้มอบหมายให้โรงละครสร้างสรรค์ผลงานบนเวทีเกี่ยวกับชีวิตที่สดใสและมีคุณค่าทางศิลปะ สังคมโซเวียตเกี่ยวกับชายโซเวียตในขั้นตอนใหม่ของการพัฒนาของเขา “นักเขียนบทละครและละครจะต้องสะท้อนให้เห็นในละครและการแสดงชีวิตของสังคมโซเวียตในการขับเคลื่อนไปข้างหน้าอย่างต่อเนื่องและในทุกวิถีทางที่เป็นไปได้มีส่วนในการพัฒนาต่อไป ด้านที่ดีที่สุดตัวละครของบุคคลโซเวียตซึ่งปรากฏตัวด้วยพลังพิเศษในช่วงมหาสงครามแห่งความรักชาติ" นี่เป็นรายการสำหรับกิจกรรมสร้างสรรค์ของโรงละครจริงๆ

นอกเหนือจากโรงละครที่มีอยู่ก่อนหน้านี้แล้ว โรงละครใหม่ก็ปรากฏตัวในมอสโกหลังสงคราม ในปี พ.ศ. 2488 โรงละครมอสโกและโรงละครละครและตลกได้ถูกสร้างขึ้น ในปี 1951 โรงละครมอสโกซึ่งตั้งชื่อตาม A.S. พุชกิน ในปี 1957 Theatre-Studio of Young Actors ซึ่งต่อมาเปลี่ยนชื่อเป็น Sovremennik Theatre-Studio ได้เข้าร่วมกับครอบครัวโรงละครมอสโก

ละครรวมถึงโปรดักชั่นที่อุทิศให้กับ ความสำเร็จของอาวุธ คนโซเวียต- ในการจัดการกับธีมทหารพื้นบ้านและวีรบุรุษของโรงละคร กระแสใหม่ ๆ ปรากฏขึ้นอย่างเห็นได้ชัด - ความปรารถนาพร้อมด้วย ตัวละครสมมตินำผู้เข้าร่วมจริงที่เจาะจงตามประวัติศาสตร์มาสู่เวที เหตุการณ์ล่าสุดเพื่อแสดงให้เห็นถึงการต่อสู้อย่างหาญกล้าของประชาชนต่อลัทธิฟาสซิสต์ในทุกด้าน ถือเป็นการต่อสู้ระดับชาติอย่างแท้จริง โรงละครเผยให้เห็นความขัดแย้งระหว่างโลกทัศน์ของชาวฟิลิสเตียซึ่งเป็นชนชั้นกลางซึ่งขัดขวางการพัฒนาของสังคมโซเวียตและจิตสำนึกที่ก้าวหน้าของผู้คนมุ่งมั่นอย่างสุดความสามารถเพื่ออนาคตทำงานเพื่อประโยชน์ของมาตุภูมิไม่ใช่ด้วยความกลัว แต่เกิดจากจิตสำนึก ในการทำซ้ำบทกวีของความเป็นจริงทางทหาร การแสดงของโรงละครที่ตั้งชื่อตาม มอสโซเวต.

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 50 โรงภาพยนตร์ในมอสโกหลายแห่งประสบกับวิกฤตการณ์เชิงสร้างสรรค์ ทฤษฎีการไม่ขัดแย้งซึ่งแพร่หลายในละครโซเวียตส่งผลเสียต่อกิจกรรมของโรงละคร กิจกรรมทางอุดมการณ์ที่อ่อนแอลงย่อมส่งผลให้ทักษะทางศิลปะลดลงและการปรากฏตัวของความคิดโบราณในการแสดงและการกำกับอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้

การค้นหาและการทดลองเชิงสร้างสรรค์ที่น่าสนใจที่สุดเกี่ยวกับโรงละครในช่วงเปลี่ยนทศวรรษที่ 40-50 นั้นมีความเกี่ยวข้องเป็นหลักกับการผลิตผลงานคลาสสิกของรัสเซียรวมถึงละครโซเวียตเรื่องแรก ๆ ความสนใจในละครของ M. Gorky เพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัด บทละครของ M. Gorky แสดงบนเวทีของ Moscow Art Theatre ("Summer Residents", "Phishmen"), Maly Theatre ("Phishmen", "Vassa Zheleznova") โรงละครที่ตั้งชื่อตาม เฉลี่ย Vakhtangov (เวอร์ชันใหม่ของ Yegor Bulychev), โรงละคร ("Zykovs"), โรงละครตั้งชื่อตาม มน. Ermolova ("Summer Residents" และ "Dostigaev and Others") โรงละครตั้งชื่อตาม Mossovet ("Somov และคนอื่น ๆ "), Transport Theatre (" The Last"), โรงละครละครตั้งชื่อตาม K.S. Stanislavsky ("The Eccentric") ละครของ M. Gorky ดังเช่นเคยมากกว่าหนึ่งครั้งในประวัติศาสตร์ของโรงละครโซเวียตกลายเป็นโรงเรียนสำคัญสำหรับการสร้างตัวละครบนเวทีที่สมจริงอีกครั้ง

โรงละครสะท้อนให้เห็นถึงกระบวนการรวมตัวใหม่ พลังสร้างสรรค์ของศิลปะโซเวียตทั้งหมดที่ให้บริการประชาชน - ผู้สร้างลัทธิคอมมิวนิสต์

4.6 ดนตรี

ความหลากหลายหลากหลายแนวคือสิ่งที่ทำให้ดนตรีโซเวียตโดดเด่นในยุคหลังสงคราม นักแต่งเพลงเริ่มสนใจธีมสมัยใหม่ ผลงานที่มีชีวิตชีวาปรากฏว่าเชิดชูพรรคคอมมิวนิสต์และผู้นำ V.I. เลนิน. ผลงานส่วนใหญ่ในยุคนั้นเติมเต็มกองทุนทองคำของวัฒนธรรมดนตรีโซเวียต รางวัลเลนินมอบให้กับซิมโฟนีครั้งที่ 7 ของ S. Prokofiev และซิมโฟนีครั้งที่ 11 ของ D. Shostakovich, "Pathetic Oratorio" โดย G. Sviridov, บัลเล่ต์ "Spartacus" โดย A. Khachaturian และผลงานอื่น ๆ อีกมากมาย

ในเวลานั้น ดนตรีโซเวียตถูกทำเครื่องหมายด้วยกระบวนการใหม่ที่เกิดจากชีวิตและความต้องการของชีวิต การโฆษณาชวนเชื่อทางศิลปะรูปแบบใหม่ในหมู่มวลชนวงกว้างเกิดขึ้น ผู้คนนับหมื่นแห่กันไปที่มหาวิทยาลัยวัฒนธรรมของประชาชนและชมรมดนตรีสมัครเล่น กระบวนการนี้ทำให้เกิดการเติบโตอย่างรวดเร็วของ ศิลปะพื้นบ้านการปรับปรุงรูปแบบนำไปสู่การสร้างสายสัมพันธ์ของศิลปะพื้นบ้านและวิชาชีพในทางกลับกันมีส่วนทำให้การขยายความสัมพันธ์กับชีวิตกับผู้คน ความสำคัญทางสังคมของกิจกรรมของนักแต่งเพลงเพิ่มขึ้น งานของพวกเขาก็เข้าถึงได้มากขึ้นและใกล้ชิดกับมวลชนในวงกว้าง ศิลปะได้ใกล้ชิดกับผู้คนมากขึ้น และผู้คนก็ใกล้ชิดกับศิลปะมากขึ้น

ผลลัพธ์ที่สร้างสรรค์ของการพัฒนาดนตรีโซเวียตในยุคหลังสงครามนั้นยิ่งใหญ่มาก ดนตรีเป็นผู้สอนรสนิยมทางสุนทรีย์ของผู้คน และจิตสำนึกของคอมมิวนิสต์ มีส่วนสนับสนุนที่โดดเด่นในการพัฒนาไม่เพียงแต่ของเราเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวัฒนธรรมดนตรีโลกด้วย

แต่ถึงกระนั้นช่วงเวลานี้ก็มีการพัฒนาที่ไม่สม่ำเสมอ ศิลปะดนตรี.

ประเภทของดนตรีโอเปร่าและบัลเล่ต์ประสบความสำเร็จ ผลงานประเภทเหล่านี้ครองตำแหน่งที่ดีในการละครและประสบความสำเร็จอย่างมากในหมู่ผู้ฟัง ตัวอย่างของสิ่งนี้คือ "Free Wind" โดย I. Dunaevsky (1947), "Chanita's Kiss" โดย Yu. Milyutin (1956) ธีมและภาพของเยาวชนโซเวียตผู้กล้าหาญสมัยใหม่ - ผู้สร้างชีวิตใหม่ - รวบรวมไว้อย่างชัดเจนในบทละคร "Trembita" โดย Y. Milyutin (1949), "White Acacia" โดย I. Dunaevsky (1955), "Spring is Singing" โดย D. Kabalevsky (1957 ก.), "Moscow - Cheryomushki" โดย D. Shostakovich (1958), "One Hundred Devils and One Girl" โดย T. Khrennikov (1965) ฯลฯ ฉันอยากจะทราบว่าการแสดงเช่น "โคมไฟ" ได้รับความนิยมอย่างมาก -โคมไฟ" (2501), "ละครสัตว์จุดไฟ" (2503) โดย Yu. Milyutin และคนอื่น ๆ

ดนตรีบัลเล่ต์พัฒนาขึ้นอย่างยอดเยี่ยม บริษัทบัลเล่ต์ของประเทศเราและ ต่างประเทศและตอนนี้พวกเขาหันไปหาผลงานของนักประพันธ์เพลงในสมัยนั้น บัลเล่ต์ "Spartacus" โดย A. Khachaturian (1954), "Joan of Arc" โดย N. Peiko (1958) และ "The Tale of the Stone Flower" โดย S. Prokofiev (1954) อุทิศให้กับธีมที่กล้าหาญ

ในช่วงหลังสงคราม แนวเพลงซิมโฟนิกอาจเข้ามามีบทบาทที่สำคัญที่สุด มันเป็นขอบเขตของความคิดสร้างสรรค์ที่ถูกทำเครื่องหมายด้วยการค้นหาที่น่าสนใจที่สุดซึ่งเป็นโซลูชั่นที่เป็นนวัตกรรมในด้านโปรแกรมดนตรีไพเราะการผสมผสานภายในประเภทขององค์ประกอบของการแต่งเพลงในวงกว้างที่มีความสมบูรณ์ การพัฒนาไพเราะ- แนวเพลงไพเราะในช่วงหลังสงครามได้รับการเสริมแต่งด้วยผลงานที่โดดเด่นมากมายที่ได้รับ การรับรู้ของโลกและรวมอยู่ในบทเพลงของวาทยากรและออเคสตร้าที่ดีที่สุดในโลก เหล่านี้คือซิมโฟนีที่ 7 (1952) และ oratorio "On Guard of the World" (1950) โดย S. Prokofiev, ซิมโฟนีที่ 27 โดย N. Myaskovsky (1950), ซิมโฟนีที่ 10, 11, 12 และ 13 ของ D. Shostakovich (1953, 1957, 1961 และ 1963) ผลงาน Cantata-oratorio ของเขา "Song of the Forests" (1949) และ "The Sun Shines Over Our Homeland" (1952), คอนเสิร์ตสำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา (1954), บทกวีร้องประสานเสียง "สเตนกา ราซิน" (2508); บทกวีร้องประสานเสียง "In Memory of Sergei Yesenin" (1955) และ "Pathetic Oratorio" (1959) โดย G. Sviridov; ซิมโฟนีที่ 4 (1957) คอนแชร์โตสำหรับไวโอลิน เปียโน และเชลโล (พ.ศ. 2492-2495) แคนทาทา "เลนินนิสต์" (2502) อุทิศให้กับเยาวชนโซเวียต และ "บังสุกุล" (2506) D. Kabalevsky คอนแชร์โตสำหรับไวโอลิน (2504) ) และเชลโล (1964) โดย T. Khrennikov และอีกมากมาย

หลังสงครามรักชาติ การพัฒนาแนวเพลงมีความเข้มข้นมากขึ้น: เพลงมวลชนยอดนิยม, แชมเบอร์ เพลงแกนนำ, การร้องเพลงประสานเสียงและ cantata-oratorio. ความสำเร็จในด้านนี้ยิ่งยิ่งใหญ่มากขึ้น เพราะที่นี่สะท้อนให้เห็นประเด็นที่น่าตื่นเต้นในยุคสมัยของเราได้อย่างเต็มที่ที่สุด: การต่อสู้เพื่อสันติภาพ ความกล้าหาญของแรงงาน หัวข้อของการปฏิวัติ เพลงเช่น "Hymn of Democratic Youth" ที่มีชื่อเสียงโดย A. Novikov (ข้อความโดย L. Oshanin), "Song of Peace" โดย D. Shostakovich (ข้อความโดย E. Dolmatovsky), "Fly, Doves" โดย I. Dunaevsky ( ข้อความโดย M. Matusovsky), " เราอยู่เพื่อสันติภาพ" โดย S. Tulikov (ข้อความโดย A. Zharov), "ในการป้องกันสันติภาพ" โดย V. Bely (ข้อความโดย I. Frenkel) กำหนดทิศทางในช่วงระยะเวลาหนึ่ง ของการพัฒนาแนวเพลงไม่เพียง แต่เพลงโซเวียตเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเพลงต่างประเทศด้วย ในช่วงหลังสงครามผลงานเพลงของ V. Solovyov-Sedoy ซึ่งได้รับรางวัล Lenin Prize รวมถึงนักแต่งเพลง M. Blanter, I. Dunaevsky, Zakharov, B. Mokrousov, A. Novikov, V. Muradeli, S. Kapa, ​​​​S. Tulikov เจริญรุ่งเรืองอย่างรวดเร็ว

เครื่องดนตรีทำให้การสร้างสรรค์ของพวกเขาเป็นประชาธิปไตยอย่างเห็นได้ชัด ในเวลานั้นกระบวนการสำคัญในการสร้างสายสัมพันธ์ของแนวดนตรีและการแทรกซึมเกิดขึ้น

ความสำเร็จของนักแต่งเพลงในสาขาดนตรีประสานเสียงส่วนใหญ่สัมพันธ์กับความสนใจที่เพิ่มขึ้นในวงกว้างของสาธารณชนโซเวียต

ในช่วงเดือนแรกหลังสิ้นสุดสงครามมีการจัดการแข่งขันนักดนตรีการแสดง All-Union เยาวชนนักดนตรี - นักดนตรีและนักร้อง - มีส่วนร่วมในการแข่งขันครั้งนี้ นักดนตรีหนุ่มชาวมอสโกหลายคนเข้าร่วมด้วย การแข่งขันระดับนานาชาติโดยคว้าอันดับหนึ่งในการแข่งขันความสามารถที่ยากที่สุด สำหรับ ทศวรรษที่ผ่านมานักแสดงรุ่นเยาว์ชาวโซเวียตเข้าร่วมการแข่งขันระดับนานาชาติมากกว่า 25 รายการสำหรับนักไวโอลิน นักเปียโน นักเชลโล นักร้อง วงดนตรีในห้องซึ่งมักจะเกิดขึ้นเป็นที่หนึ่งที่นั่น

การแสดงดนตรีสมัครเล่นได้รับความสำคัญอย่างมากในช่วงหลายปีที่ผ่านมา มีการวางประเพณีการจัดการแข่งขันศิลปะสมัครเล่นและ "เทศกาลร้องเพลง" ซึ่งมีส่วนทำให้เกิดคนจำนวนมาก กลุ่มนักร้องประสานเสียงซึ่งต่อมาได้กลายเป็นมืออาชีพ

คนงานและพนักงานหลายล้านคนมีส่วนร่วมในแวดวงสมัครเล่นและ กลุ่มดนตรีที่เกี่ยวข้อง. วิทยาศาสตร์ดนตรีก็ประสบความสำเร็จอย่างมากในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ในทุกประเภท: ประเภทการวิจัย, วิจารณ์เพลง , สิ่งพิมพ์ มีการตีพิมพ์ผลงานหลายชิ้นที่อุทิศให้กับประวัติศาสตร์ดนตรีคลาสสิกของรัสเซียและต่างประเทศ, ประวัติศาสตร์ดนตรีโซเวียตรัสเซีย, ดนตรีของประชาชนในสหภาพโซเวียต, ปัญหาเรื่องสัญชาติ, ความสมจริง, ประเด็นทางทฤษฎีของดนตรีและสุนทรียภาพทางดนตรี

ชีวิตทางดนตรีในช่วงหลังสงครามโดดเด่นด้วยความสำเร็จที่สำคัญในทุกด้านของความคิดสร้างสรรค์ การแสดง ชีวิตทางดนตรีและละคร การแสดงดนตรีสมัครเล่น การศึกษา กิจกรรมทางการศึกษาและกิจกรรมที่มีความสำคัญทางวิทยาศาสตร์

วรรณคดีวิทยาศาสตร์หลังสงคราม

บทสรุป

เราแต่ละคนนอกเหนือจากพ่อแม่ของเราก็ต้องมี ประวัติศาสตร์พื้นเมือง, ดินแดนพื้นเมือง, ภาษาพื้นเมือง, วัฒนธรรมพื้นเมือง การรู้วัฒนธรรมในประเทศของคุณเป็นสิ่งสำคัญ เช่นเดียวกับการรู้และศึกษาประวัติศาสตร์ก็เป็นสิ่งสำคัญ ท้ายที่สุดโดยไม่รู้และบางครั้งก็ไม่อยากรู้อดีตมันเป็นไปไม่ได้ที่จะเข้าใจและเข้าใจปัจจุบันได้อย่างน่าเชื่อถือและมองไปสู่อนาคตน้อยมาก วัฒนธรรมวางรากฐานทางจิตวิญญาณในบุคคล ต้องขอบคุณวัฒนธรรมที่ทำให้เรามีความเย้ายวนมากขึ้น

ในช่วงหลังสงครามที่มีการปฏิวัติทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีเกิดขึ้นในรัสเซีย วิทยาศาสตร์ที่แน่นอนของรัสเซียอาศัยอยู่ ปีที่ดีที่สุดตลอดจนการเรียนรู้ประวัติศาสตร์และภาษาของตนเอง ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา จรวดมีการพัฒนามากขึ้นเรื่อยๆ การสำรวจอวกาศได้เริ่มขึ้น และพลังงานนิวเคลียร์และอิเล็กทรอนิกส์ก็กลับมาดำเนินต่อ ในช่วงเปลี่ยนผ่านของทศวรรษที่ 50 และ 60 ศูนย์วิทยาศาสตร์แห่งใหม่เริ่มเปิดขึ้น รวมถึง Novosibirsk Academy Town Baikonur cosmodrome อันโด่งดังได้ถูกสร้างขึ้น และในวันที่ 12 เมษายน พ.ศ. 2504 นักบินอวกาศ Yu.A. กาการินบนเรือดาวเทียมวอสตอค และนักชีววิทยาชาวรัสเซียได้ค้นพบสิ่งใหม่ๆ มากขึ้นเรื่อยๆ

วรรณกรรมในช่วงปีหลังสงครามแรกหรือพื้นฐานทางจิตวิญญาณนั้นถูกสร้างขึ้นจากโลกทัศน์ที่ต้องทนทุกข์ทรมานและได้รับชัยชนะจากผู้คนที่ได้รับชัยชนะ นักเขียนโซเวียตพยายามที่จะเปิดเผยความขัดแย้งหลักในยุคนั้น - การเผชิญหน้าระหว่างลัทธิฟาสซิสต์และการต่อต้านลัทธิฟาสซิสต์ การพัฒนาวรรณกรรมสารคดีอย่างเข้มข้นนั้นเกิดจากละครที่แท้จริงความน่าเชื่อถือที่น่าตื่นเต้นของข้อมูลสำคัญและวรรณกรรมสารคดีที่สะสมในช่วงสงครามซึ่งเต็มไปด้วยความปรารถนาอันสูงส่งที่จะแจ้งให้มาตุภูมิทราบถึงคุณธรรมของวีรบุรุษพรรคพวก ในแต่ละขั้นตอนวรรณกรรมของสหภาพโซเวียตได้กำหนดภารกิจซึ่งก็คือการสร้างภาพลักษณ์ของฮีโร่เชิงบวก ผลงานของนักเขียนหลายคนกล่าวถึงหัวข้อการกลับคืนสู่การทำงานอย่างสันติ วรรณกรรมของสหภาพโซเวียตดำเนินการในช่วงหลายปีที่ผ่านมาในชุมชนข้ามชาติที่เข้มแข็ง วรรณกรรมในช่วงหลายปีที่ผ่านมาสะท้อนให้เห็นถึงโลกแห่งจิตวิญญาณซึ่งเป็นคนที่มีจิตใจเข้มแข็งที่ยืนหยัดต่อการโจมตีของศัตรูและสามารถเอาชนะได้ไม่ว่าจะเกิดอะไรขึ้นก็ตาม ในช่วงหลังสงคราม เศรษฐกิจฟื้นตัวอย่างรวดเร็ว และธีมของศิลปะคืองานที่กล้าหาญและการเชิดชู "ชัยชนะอันยิ่งใหญ่"

ในภาพวาดในช่วงหลายปีที่ผ่านมาประเภทประวัติศาสตร์และประวัติศาสตร์ - ปฏิวัติ, สงคราม, ชัยชนะ, ภาพลักษณ์ของทหารและคนเรียบง่าย, ความกลมกลืนของธรรมชาติและมนุษย์ได้รับความนิยม ในทางกลับกัน กราฟิกในสมัยนั้นประกอบด้วยผลงานของปรมาจารย์แห่งสงครามและยุคหลังสงคราม วิจิตรศิลป์ของโซเวียตประเภทหนึ่งที่แพร่หลายและ "ต่อสู้" คือกราฟิกเสียดสี การ์ตูนการเมืองที่อุทิศให้กับประเด็นระหว่างประเทศได้รับการพัฒนาอย่างแข็งขัน ในช่วงปีเดียวกันนี้ ประติมากรรมของโซเวียตก็มุ่งไปในทิศทางของการปฏิวัติและการทหารด้วย สถาปนิกในยุคหลังสงครามมีส่วนร่วมในการบูรณะอาคารที่ถูกทำลายและในขณะเดียวกันก็สร้างอาคารใหม่ขึ้นมา พวกเขาฟื้นฟูเมืองต่างๆ โดยพยายามแก้ไขข้อบกพร่องเก่าๆ ในเวลานั้นปัญหาหลักยังคงเป็นที่อยู่อาศัยธรรมดาซึ่งถูกทำลายโดยสงคราม มีการเปิดตัวการก่อสร้างที่อยู่อาศัยจำนวนมาก ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เช่นเดียวกับในช่วงสงคราม การก่อสร้างรถไฟใต้ดินมอสโกยังคงดำเนินต่อไป และเริ่มการก่อสร้างรถไฟใต้ดินเลนินกราด สถานีซึ่งได้รับการตกแต่งโดยนักจิตรกรรมฝาผนังและประติมากรที่มีชื่อเสียง โรงละครในเมืองหลวงต้องผ่านเส้นทางสร้างสรรค์ที่ยิ่งใหญ่และซับซ้อนในขณะนั้น โรงละครสะท้อนให้เห็นถึงกระบวนการรวมพลังสร้างสรรค์ของศิลปะโซเวียตทั้งหมดที่ให้บริการประชาชน - ผู้สร้างลัทธิคอมมิวนิสต์ ผลลัพธ์ที่สร้างสรรค์ของการพัฒนาดนตรีโซเวียตในยุคหลังสงครามนั้นยิ่งใหญ่มาก ดนตรีเป็นผู้สอนรสนิยมทางสุนทรีย์ของผู้คน และจิตสำนึกของคอมมิวนิสต์ มีส่วนสนับสนุนที่โดดเด่นในการพัฒนาไม่เพียงแต่ของเราเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวัฒนธรรมดนตรีโลกด้วย แต่ถึงกระนั้นช่วงเวลานี้ก็ยังโดดเด่นด้วยการพัฒนาศิลปะดนตรีที่ไม่สม่ำเสมอ ชีวิตทางดนตรีในช่วงหลังสงครามโดดเด่นด้วยความสำเร็จที่สำคัญในทุกด้านของความคิดสร้างสรรค์ การแสดง ชีวิตทางดนตรีและละคร การแสดงดนตรีสมัครเล่น การศึกษา กิจกรรมทางการศึกษาและกิจกรรมที่มีความสำคัญทางวิทยาศาสตร์

ในช่วงสงครามรักชาติ ศิลปะของโซเวียตปฏิบัติหน้าที่รักชาติอย่างมีเกียรติ ศิลปิน นักดนตรี สถาปนิก นักวิทยาศาสตร์ นักเขียน กวี และบุคคลในวงการศิลปะได้รับชัยชนะหลังจากผ่านประสบการณ์ที่ยากลำบาก ซึ่งทำให้พวกเขาสามารถสร้างสรรค์ผลงานที่มีเนื้อหาซับซ้อนและหลากหลายแง่มุมได้ ประเทศจำเป็นต้องได้รับการฟื้นฟูและฟื้นคืนชีพขึ้นมาจากหัวเข่า สิ่งนี้ได้รับการอำนวยความสะดวกอย่างมากจากชีวิตทางวัฒนธรรม ฉันเชื่อว่าศิลปะในสมัยนั้นเป็นสมบัติล้ำค่าอย่างแน่นอน และเราทุกคนควรชื่นชมผลงานของศิลปินในยุคหลังสงคราม

อ้างอิง

1. อิลลีนา ทีวี “ประวัติศาสตร์ศิลปะ ศิลปะบ้าน” - ม., 1994

- "ประวัติศาสตร์มอสโกในช่วงมหาสงครามแห่งความรักชาติและหลังสงคราม" สำนักพิมพ์ "Nauka", M. , 2510

ซาคารอฟ เอ.เอ็น. “ ชีวิตของรัสเซียในยุคหลังสงคราม” - M.: Russian Word, 2549

กวดวิชา

ต้องการความช่วยเหลือในการศึกษาหัวข้อหรือไม่?

ผู้เชี่ยวชาญของเราจะแนะนำหรือให้บริการสอนพิเศษในหัวข้อที่คุณสนใจ
ส่งใบสมัครของคุณระบุหัวข้อในขณะนี้เพื่อค้นหาความเป็นไปได้ในการรับคำปรึกษา

หัวข้อที่ 11 อัตถิภาวนิยมและการพัฒนาวรรณกรรมฝรั่งเศส

"อัตถิภาวนิยมโรแมนติก" โดย Camus กามูและดอสโตเยฟสกี. Sisyphus ในฐานะวีรบุรุษแห่งโลกไร้สาระ (“ The Myth of Sisyphus”) Meursault เป็นวีรบุรุษของยูโทเปียแนวอัตถิภาวนิยมโรแมนติกของ Camus (นวนิยายเรื่อง "The Stranger") พฤติกรรม "ไร้แรงจูงใจ" ของฮีโร่อิสระและการปะทะกับศีลธรรมอย่างเป็นทางการ

กามูกับประเพณีวรรณกรรมคลาสสิก ศิลปะเป็นหนทางเอาชนะโชคชะตา

สงครามโลกครั้งที่สองและลัทธิฟาสซิสต์เป็นปัจจัยในการเปลี่ยนแปลงจุดยืนของนักเขียน การค้นหาความสมดุลทางสังคมและศีลธรรมต่อการปฏิบัติตามความยินยอม พื้นฐานทางประวัติศาสตร์ของการเปรียบเทียบในนวนิยายเรื่อง "The Plague" ประเภทของนวนิยายเรื่องนี้คือพงศาวดาร - อุปมา แนวคิดเรื่องความรับผิดชอบของชุมชนมนุษย์

กามูเป็นนักวิจารณ์ศิลปะที่ "บริสุทธิ์" และศิลปะการเมือง ลัทธิเผด็จการและการปฏิวัติทางการเมือง ("The Rebel Man") หารือกับซาร์ตร์

ซาร์ตร์ ต้นกำเนิดปรัชญา: ปรากฏการณ์วิทยาเยอรมัน (Husserl) และอัตถิภาวนิยม (Heidegger) “ความเป็นอยู่และความว่างเปล่า” เป็นงานปรัชญาหลักของซาร์ตร์ “ความตั้งใจ” เป็นวิธีการเอาชนะความเพ้อฝันและวัตถุนิยมด้านเดียว

ความคิดริเริ่ม นวนิยายเชิงปรัชญาซาร์ตร์ "คลื่นไส้" Roquentin เป็นวีรบุรุษของโลกที่ไร้สาระ อาการคลื่นไส้เป็นสถานะของฮีโร่ที่ได้ค้นพบความไร้ความหมายของความเป็นจริงและอิสรภาพที่แท้จริงของเขา

สงคราม การต่อต้าน และความตระหนักในการกำหนดระดับและความรับผิดชอบส่วนบุคคล "อัตถิภาวนิยมมีส่วนร่วม" โดยซาร์ตร์ ไตรภาค "Roads of Freedom" เป็นเรื่องราวของปัญญาชนสมัยใหม่ที่เคลื่อนตัวจากยูโทเปียแห่งอิสรภาพอันสมบูรณ์ไปสู่การยอมรับทางเลือกในสถานการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่เฉพาะเจาะจง

ซาร์ตร์เป็นนักการเมือง นักประชาสัมพันธ์ และนักทฤษฎีของ "อัตถิภาวนิยมที่มีส่วนร่วม" การค้นหาการสังเคราะห์ความรู้สากลสมัยใหม่ที่รวมวรรณกรรมและปรัชญาเข้าด้วยกัน

Ibsen เป็นผู้สร้าง "โรงละครแห่งปัญหา" ความน่าสมเพชของความคิดสร้างสรรค์ที่ต่อต้านชนชั้นกลาง เปลี่ยนจาก “ละครเพื่อการอ่าน” มาเป็น “ละครแห่งความคิด” จิตวิทยาที่เพิ่มขึ้น อิบเซ่นตอนปลายและสัญลักษณ์ อิบเซ่น และเชคอฟ

แสดง: เหตุการณ์สำคัญ ชีวประวัติที่สร้างสรรค์- แสดงเกี่ยวกับอิบเซ่น การแสดงเกี่ยวกับความเป็นไปได้ของละครวิเคราะห์ ประเภทของละครคือการอภิปราย ความขัดแย้งของชอว์ วิธีที่ยอดเยี่ยม อุปกรณ์เสียดสี- การแสดงและ "โรงละครมหากาพย์" ของ Brecht Brecht และความสมจริงของศตวรรษที่ 20 เบรชต์กับขบวนการวรรณกรรมของชนชั้นกรรมาชีพ ทฤษฎี “มหากาพย์ละคร” แตกต่างจากละคร “อริสโตเติ้ล” "ความแปลกแยก" เช่น แนวคิดกลางโรงละคร "มหากาพย์" “การสอนให้คนคิด” เป็นแนวคิดดั้งเดิมของ Brecht การเมือง, นักข่าว, ละครเสียดสีเบรชท์. ละครประวัติศาสตร์. อุทธรณ์ประเด็นปรัชญาและศีลธรรม บทละครอุปมา

การพัฒนาและการเปลี่ยนแปลงหลักการของ Brechtian ในละครสวิส - Dürrenmatt และ Frisch ใบหน้าและหน้ากากของ Frisch สุนทรียศาสตร์ของ "ตัวแปร" บทละครเป็นการซ้อม ("Don Juan หรือ Love of Geometry")

การประชุมใน Brecht และการประชุมใน "โรงละครหน้ากาก" ของ Pirandello ความแตกต่างของพวกเขา ภาพลักษณ์ของบุคคลที่แปลกแยกและสังคมไร้หน้าในปิรันเดลโล ความคิดสร้างสรรค์และการดำรงอยู่ในฐานะ "ด้นสด" การทำลายภาพลวงตาทางละคร ประเภทของ "โรงละครในโรงละคร" ปิรันเดลโลและอัตถิภาวนิยม อัตถิภาวนิยมของฝรั่งเศสในละคร Camus: จากตำนานแห่งอิสรภาพอันสมบูรณ์ (“คาลิกูลา”) ไปจนถึงแนวคิดเรื่องความรับผิดชอบทางศีลธรรม ซาร์ตร์: การได้รับอิสรภาพ (“แมลงวัน”) การตระหนักถึงความจำเป็นและศีลธรรมของการดำเนินการทางการเมือง (“ปีศาจและพระเจ้า” “ฤาษีแห่งอัลโทนา”) Anouilh: จากนางเอกอัตถิภาวนิยม (“ Antigone”) ไปจนถึงฮีโร่แห่งกลุ่มต่อต้าน (“ Lark”)

"ตำนานนีโอ"ละครสมัยใหม่

โปรโมชั่นในยุค 50 วรรณกรรม "ปลดประจำการ" "ต่อต้านละคร" และ "ต่อต้านนวนิยาย"

"Antitheater" และประเพณีของละคร Dadaist-surrealist "โรงละครแห่งความไร้สาระ" วิธีการแสดงละครที่รวบรวมความไร้สาระ ล้อเลียนความเป็นจริงทางสังคม พัฒนาแนวโน้มการเสียดสีที่แปลกประหลาด การเปลี่ยนแปลงของประเภทละคร สุนทรียภาพแห่งความเงียบและความเกียจคร้าน (Ionesco, Beckett)

ละคร “กวี”, “พลาสติก” ของที. วิลเลียมส์ และบทบาทของประเพณีโรแมนติก

ทรัพย์สินที่มีอายุย้อนไปถึงศตวรรษที่ 17 ตอนนั้นเองที่การก่อตัวของหลักการพื้นฐานของการแสดงละครเริ่มขึ้นและวางรากฐานของรูปแบบศิลปะนี้ในรัสเซีย

ต้นกำเนิดของโรงละครรัสเซีย

ชาวรัสเซียมีชื่อเสียงมาโดยตลอดในด้านความสามารถในการกระจายเวลาว่างของตน ตั้งแต่สมัยโบราณมีการจัดงานแสดงสินค้าและเทศกาลใน Rus ซึ่งเป็นงานหลัก นักแสดงกลายเป็นตัวตลก นี่คือสิ่งที่ผู้คนเรียกว่าศิลปิน ซึ่งในจำนวนนี้มีนักร้อง นักดนตรี และนักแสดง

โดยทั่วไปการแสดงละครจะจัดเวลาให้ตรงกับคริสตจักรบางแห่งหรืออย่างไรก็ตาม เมื่อเวลาผ่านไปก็สามารถจัดงานเฉลิมฉลองได้โดยไม่มีเหตุผลใดๆ พวกควายคือคนที่ไม่มีที่พักพิงหรือเงิน พวกเขามักจะรวมตัวกันเป็นกลุ่มๆ และเดินไปรอบๆ เมืองและหมู่บ้านเพื่อหารายได้ ในการแสดงพวกเขาใช้เพลงสดุดี ตุ๊กตา และเครื่องแต่งกายแบบโฮมเมดต่างๆ

หลังจากนั้นไม่นาน เมื่อศิลปินมาถึงเมืองใหม่ พวกเขาได้สร้างอาคารพิเศษบนจัตุรัสซึ่งเป็นที่ที่พวกเขาอาศัยและรับผู้ชม อาคารดังกล่าวเริ่มถูกเรียกว่าบูธและต่อมาการแสดงละครทั้งหมดก็มีชื่อเดียวกัน การแสดงตลกมีทั้งการล้อเลียนสังคม เรื่องตลก เพลงบัลลาด และเทพนิยาย

และถึงแม้ว่าจะมีการถือกำเนิดของโรงละครจริง ทัศนคติต่อบูธก็กลายเป็นเชิงลบและเชิงลบอย่างรวดเร็ว แต่เราต้องไม่ลืมเกี่ยวกับอิทธิพลที่ความบันเทิงของรัสเซียโบราณมีต่อการพัฒนาโรงละคร

องค์ประกอบของละครที่เกิดจากการแสดงพื้นบ้าน

เนื่องจากโรงละครในศตวรรษที่ 17 ในรัสเซียเพิ่งเริ่มต้นการเดินทางอันยาวนาน องค์ประกอบและรายละเอียดมากมายจึงถูกนำมาใช้จากตัวตลกและนำมาจากการแสดงพื้นบ้าน

ประการแรก เหล่านี้เป็นสถานที่โรงละคร ห้องโถงแรกคือ Amusement Chamber ซึ่งได้รับการเชิญให้แสดงควายตั้งแต่ปี 1613 การแสดงดังกล่าวไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นโรงละครได้อย่างสมบูรณ์เนื่องจากมีลักษณะเป็นละครสัตว์ซึ่งมีอารมณ์ขันและกลอุบายมากมาย

ประการที่สอง เวที. ในระหว่างการแสดง ตัวตลกได้รวบรวมผู้คนจำนวนมากอยู่รอบตัวพวกเขา และมีความจำเป็นต้องแสดงความสามารถของพวกเขาในความโดดเด่นบางประเภทเพื่อให้ทุกคนสามารถมองเห็นได้ ขั้นแรกสร้างเพื่อแสดงหุ่นเชิด การแสดงละคร.

ประการที่สาม ละครปากเปล่า พวกควายแสดงผลงานที่เขียนโดยประชาชน จึงบังเกิด ฮีโร่ที่มีชื่อเสียงผักชีฝรั่ง

โรงละครศาลในศตวรรษที่ 17

แม้แต่ในรัชสมัยของพระองค์ กษัตริย์ยังทรงมีความคิดที่จะสร้างโรงละครในราชสำนัก อย่างไรก็ตาม เพื่อที่จะนำแนวคิดนี้ไปใช้ จำเป็นต้องมีผู้เชี่ยวชาญจากต่างประเทศ เนื่องจากในรัสเซียยังไม่มีนักเขียนบทละครและศิลปินผู้สูงศักดิ์ที่สามารถรับใช้ Melpomene อย่างมีศักดิ์ศรีได้

ในปี 1644 คณะนักแสดงเดินทางจากสตราสบูร์กมาถึงรัสเซียและใช้เวลาหนึ่งเดือนในการเตรียมการแสดง อย่างไรก็ตาม พวกเขาถูกไล่ออกจากประเทศโดยไม่ทราบสาเหตุ

โรงละครเต็มรูปแบบปรากฏในรัสเซียในศตวรรษที่ 17 เมื่อความคิดนี้ถูกเปล่งออกมาโดยโบยาร์ Artamon Matveev ซึ่งมักจะไปเยือนยุโรปและเห็นว่าศิลปะสามารถเป็นอย่างไร โรงละครรัสเซียแห่งแรกแห่งศตวรรษที่ 17 เริ่มทำงานในปี 1672

Johann Gottfried Gregory ศิษยาภิบาลจากชุมชนชาวเยอรมันตามคำสั่งของ Matveev ได้รวบรวมคณะนักแสดงซึ่งประกอบด้วยชายและเด็กชายในเวลาไม่กี่สัปดาห์ และให้บทเรียนเกี่ยวกับศิลปะการละครแก่พวกเขา นอกจากนี้เขายังเขียนบทละครเรื่องแรกโดยอิงจากนิทานในพระคัมภีร์ของเอสเธอร์

เวทีละครที่แท้จริงถูกสร้างขึ้นในหมู่บ้าน Preobrazhenskoye การแสดงเปิดตัวครั้งแรกในวันที่ 17 ตุลาคม การแสดงใช้เวลาสิบชั่วโมง แต่ซาร์ โบยาร์ และซาร์พร้อมกับผู้ติดตามนั่งดูจนจบ

ในปี ค.ศ. 1673 ได้ถูกย้ายไปที่เครมลิน นักเขียนบทละครได้รับรางวัลอย่างดีจากผลงานของเขาและรีบเริ่มเขียน การเล่นใหม่- คราวนี้เขาเขียนเกี่ยวกับจูดิธ โดยใช้เรื่องราวในพระคัมภีร์ด้วย โรงละครในศตวรรษที่ 17 ในรัสเซียกลายเป็นความบันเทิงหลักของซาร์

หลังจากการตายของเกรกอรีในปี 1675 ผู้ช่วยของเขา Givner กลายเป็นหัวหน้าโรงละครในศาลซึ่งสร้างผลงานละครที่ประสบความสำเร็จหลายเรื่อง อย่างไรก็ตามโรงละครศาลรัสเซียในศตวรรษที่ 17 หยุดอยู่ในปี 1676 หลังจากการสิ้นพระชนม์ของซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิช

โรงละครของโรงเรียน

โรงละครในศตวรรษที่ 17 ในรัสเซียเพิ่งเริ่มมีการพัฒนาอย่างรวดเร็วรวมถึงด้านจิตวิญญาณด้วย สถาบันการศึกษา- สิ่งนี้เกิดขึ้นได้ด้วยการมีส่วนร่วมที่เป็นไปได้ของคริสตจักร ซึ่งพยายามเสริมสร้างจุดยืนของตนในหมู่ประชาชน

โรงละครของโรงเรียนแห่งแรกเปิดทำการที่สถาบันเคียฟ-โมฮีลาและสลาฟ-กรีก-ลาติน ละครมีพื้นฐานมาจากการแสดงเกี่ยวกับศาสนา แต่ก็มีพื้นที่สำหรับการแสดงประกอบด้วย การเสียดสีส่งผลกระทบต่อผลประโยชน์ของนักบวช และในที่สุด โรงละครของโรงเรียนก็เลิกมีอยู่ในศตวรรษที่ 18

ละครของโรงเรียนยังมีอิทธิพลต่อประเพณีอีกด้วย การแสดงโชว์กลายเป็นต้นแบบ ตลกสมัยใหม่- นักแสดงปฏิบัติตามหลักการของความคลาสสิคในการผลิต และยังใช้สัญลักษณ์รวมถึงเสื้อผ้าด้วย

ทัวร์ต่างประเทศ

โรงละครในศตวรรษที่ 17 ในรัสเซียได้รับประสบการณ์อันล้ำค่าจากคณะทัวร์ต่างประเทศจากอิตาลี ปรัสเซีย และฝรั่งเศส ต้องขอบคุณพวกเขาที่ทำให้ความคิดทางจิตวิญญาณประสบความสำเร็จ พวกเขาเป็นแหล่งที่มาของการพัฒนาทางสังคมและความคิดสร้างสรรค์

เมื่ออำนาจเข้ามา โรงละคร ภาพวาด และดนตรีแห่งศตวรรษที่ 17 ก็ต้องหยุดชะงักไปนานแล้ว เนื่องจากกษัตริย์องค์ใหม่แทบไม่สนใจงานศิลปะเลย แต่โชคชะตากำหนดว่าการครองราชย์ของพระองค์จะอยู่ได้ไม่นาน

พระเจ้าปีเตอร์มหาราชผู้เสด็จขึ้นครองบัลลังก์ประทาน รอบใหม่การพัฒนาการละครและศิลปะโดยทั่วไปในรัสเซีย

ประวัติศาสตร์การละครคือโลกแห่งมนุษยชาติ

โรงละครแห่งกรีกโบราณ

ต้นกำเนิดของละครและละครกรีกโบราณ

การปรากฏตัวของละครในกรีซนำหน้าด้วยช่วงเวลาอันยาวนานในระหว่างที่สถานที่ที่โดดเด่นถูกครอบครองโดยมหากาพย์ก่อนแล้วจึงตามด้วยเนื้อเพลง เราทุกคนรู้จักบทกวีมหากาพย์ที่กล้าหาญ "Illiad" และ "Odyssey" บทกวีมหากาพย์การสอน (ให้คำแนะนำ) ของ Hesiod (ศตวรรษที่ 7 ก่อนคริสต์ศักราช); นี่เป็นผลงานของกวีบทกวีแห่งศตวรรษที่ 6 พ.ศ

การกำเนิดของละครและละครกรีกมีความเกี่ยวข้องกับเกมพิธีกรรมที่อุทิศให้กับเทพเจ้าผู้อุปถัมภ์แห่งการเกษตร: Demeter, Kore ลูกสาวของเธอและ Dionysus จากเกมพิธีกรรมและเพลงเพื่อเป็นเกียรติแก่ Dionysus ละครกรีกโบราณสามประเภทได้เติบโตขึ้น: โศกนาฏกรรม ตลก และตลกเซเทอร์ (ตั้งชื่อตามคอรัสที่ประกอบด้วยเซเทอร์)

• โศกนาฏกรรมครั้งนี้สะท้อนถึงด้านที่จริงจังของลัทธิไดโอนิเซียน
• ตลก - งานรื่นเริงเสียดสี
• ละคร Satirovskaya ดูเหมือนจะเป็นประเภททั่วไป ตัวละครที่ขี้เล่นร่าเริงและการจบลงอย่างมีความสุขเป็นตัวกำหนดสถานที่ในงานเทศกาลเพื่อเป็นเกียรติแก่ Dionysus: ละครเทพารักษ์ถูกจัดฉากเพื่อเป็นบทสรุปของการนำเสนอโศกนาฏกรรม

บทบาทของแนวคิดที่น่าเศร้าในการศึกษาด้านสังคม-การเมืองและจริยธรรมนั้นมีมากมายมหาศาล ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 6 ก่อนคริสต์ศักราช โศกนาฏกรรมครั้งนี้มีพัฒนาการที่สำคัญ ประวัติศาสตร์สมัยโบราณรายงานว่ากวีโศกนาฏกรรมชาวเอเธนส์คนแรกคือ Thespis (ศตวรรษที่ 6 ก่อนคริสต์ศักราช) โศกนาฏกรรมครั้งแรกของเขา (ไม่ทราบชื่อ) เกิดขึ้นในฤดูใบไม้ผลิปี 534 ปีก่อนคริสตกาล ในงานฉลองมหาไดโอนิซิอัส ปีนี้ถือเป็นปีเกิดของละครโลก

ในงานตลกที่กว้างกว่าเรื่องโศกนาฏกรรมมาก ลวดลายในชีวิตประจำวันผสมผสานกับงานในตำนาน ซึ่งค่อยๆ กลายเป็นงานที่โดดเด่นหรือแม้แต่งานเดียว แม้ว่าในงานตลกทั่วไปยังคงถือว่าอุทิศให้กับไดโอนิซูสก็ตาม การละเล่นชั่วคราวเป็นรูปแบบหนึ่งของละครตลกพื้นบ้านและถูกเรียกว่าละครใบ้ (แปลว่า "การเลียนแบบ" "การสืบพันธุ์" นักแสดงของการละเล่นเหล่านี้เรียกอีกอย่างว่าละครใบ้) วีรบุรุษแห่งละครใบ้คือหน้ากากแบบดั้งเดิม โรงละครพื้นบ้าน: ผู้จะเป็นนักรบ, หัวขโมยตลาด, นักวิทยาศาสตร์เจ้าเล่ห์, คนธรรมดาที่หลอกทุกคน ฯลฯ

โรงละครแห่งเอเธนส์

ศิลปะการแสดงละครกรีกโบราณมีความเจริญรุ่งเรืองสูงสุดในผลงานของโศกนาฏกรรมผู้ยิ่งใหญ่สามคนของศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสต์ศักราช ได้แก่ Aeschylus, Sophocles, Euripides และ Aristophanes นักแสดงตลกซึ่งมีกิจกรรมตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 4 พ.ศ นักเขียนบทละครคนอื่น ๆ ก็เขียนในเวลาเดียวกัน แต่มีเพียงข้อความที่ตัดตอนมาจากผลงานของพวกเขาเพียงเล็กน้อยเท่านั้นที่มาถึงเรา และบางครั้งก็มีเพียงชื่อและข้อมูลเพียงเล็กน้อยเท่านั้น

โรงละครแห่งยุคขนมผสมน้ำยา

ในยุคขนมผสมน้ำยา (VI-I ศตวรรษก่อนคริสต์ศักราช) โรงละครกรีกในยุคคลาสสิกได้รับการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญเกี่ยวกับการละคร การแสดง และสถาปัตยกรรมของอาคารโรงละคร การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้เกี่ยวข้องกับเงื่อนไขทางประวัติศาสตร์ใหม่ ละครตลกและโศกนาฏกรรมยังคงจัดแสดงอยู่ในโรงละครแห่งยุคขนมผสมน้ำยา แต่จากโศกนาฏกรรมของศตวรรษที่ 4 พ.ศ มีเพียงเศษเล็กเศษน้อยเท่านั้นที่รอดชีวิตมาได้ และเห็นได้ชัดว่าข้อดีทางศิลปะของโศกนาฏกรรมขนมผสมน้ำยานั้นมีขนาดเล็ก มีข้อมูลอีกมากมายสำหรับการตัดสินตลก เนื่องจากมีละครเพียงเรื่องเดียวและข้อความที่ตัดตอนมาจากละครอื่นๆ ของเมนันเดอร์ นักแสดงตลกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้นเท่านั้นที่รอดชีวิตมาได้

หนังตลกในยุคขนมผสมน้ำยาเรียกว่าหนังตลกเรื่อง Attic (หรือนีโอห้องใต้หลังคา) ใหม่ แรงจูงใจของความรักมีบทบาทสำคัญในภาพยนตร์ตลกเรื่องใหม่ ผู้เขียนของใหม่ ตลกใต้หลังคาใช้กันอย่างแพร่หลายทฤษฎีทางจิตวิทยาของ Theophrastus นักเรียนของอริสโตเติลตามที่ลักษณะนิสัยทั้งหมดปรากฏในรูปลักษณ์ของบุคคลและในการกระทำของเขา คำอธิบายทางสรีรวิทยาของ Theophrastus มีอิทธิพลต่อการออกแบบหน้ากากอย่างไม่ต้องสงสัยซึ่งช่วยให้ผู้ชมจดจำตัวละครตัวนี้หรือตัวนั้นได้ อิทธิพลของยูริพิดีสนั้นเห็นได้ชัดเจนในหนังตลกเรื่องใหม่ ความใกล้ชิดของฮีโร่หลายคนในชีวิต การเปิดเผยประสบการณ์ทางอารมณ์ของพวกเขา - นี่คือสิ่งที่คอเมดีเรื่องใหม่ได้รับจากยูริพิดีส

สถาปัตยกรรมของโรงละครกรีกโบราณ

ในขั้นต้นสถานที่สำหรับการแสดงได้รับการจัดเตรียมอย่างเรียบง่ายอย่างยิ่ง: คณะนักร้องประสานเสียงที่มีการร้องเพลงและการเต้นรำแสดงบนวงออเคสตราแบบกลมขนาดกะทัดรัด (จากคำกริยา orheomai - "ฉันเต้นรำ") ซึ่งผู้ชมมารวมตัวกัน แต่เมื่อความสำคัญของศิลปะการแสดงละครเพิ่มขึ้นในชีวิตทางสังคมและวัฒนธรรมของกรีซ และเมื่อละครมีความซับซ้อนมากขึ้น ความจำเป็นในการปรับปรุงก็เกิดขึ้น ภูมิทัศน์ที่เป็นเนินเขาของกรีซชี้ให้เห็นถึงการจัดพื้นที่เวทีอย่างมีเหตุผลที่สุดและ ที่นั่งผู้ชม: วงออเคสตราเริ่มตั้งอยู่ที่ตีนเขาและผู้ชมก็ตั้งอยู่ตามทางลาด

โรงละครกรีกโบราณทุกแห่งเปิดทำการและสามารถรองรับผู้ชมได้จำนวนมาก ตัวอย่างเช่นโรงละคร Dionysus แห่งเอเธนส์สามารถรองรับคนได้มากถึง 17,000 คนโรงละครใน Epidaurus - มากถึง 10,000 คน ในศตวรรษที่ 5 พ.ศ ในกรีซมีการพัฒนาโครงสร้างโรงละครประเภทที่มั่นคงซึ่งเป็นลักษณะของยุคโบราณทั้งหมด โรงละครมีสามส่วนหลัก: วงออเคสตรา โรงละคร (ที่นั่งสำหรับผู้ชม จากคำกริยา teaomai - "ฉันดู") และ skene (skene - "เต็นท์" ต่อมาเป็นโครงสร้างไม้หรือหิน)

ขนาดของโรงละครถูกกำหนดโดยเส้นผ่านศูนย์กลางของวงออเคสตรา (ตั้งแต่ 11 ถึง 30 ม.) โครงกระดูกนั้นอยู่ในแนวสัมผัสกับเส้นรอบวงของวงออเคสตรา ผนังด้านหน้าของ skene-proskenium ซึ่งโดยปกติจะมีลักษณะเป็นเสาหินเป็นภาพด้านหน้าของวัดหรือพระราชวัง ที่อยู่ติดกันคืออาคารสองด้านที่เรียกว่าพาราสเคเนีย Paraskenia ทำหน้าที่เป็นสถานที่จัดเก็บทิวทัศน์และทรัพย์สินทางการแสดงละครอื่นๆ ระหว่าง Skene และที่นั่งสำหรับผู้ชมซึ่งกินพื้นที่มากกว่าครึ่งวงกลมเล็กน้อยมีทางเดินที่ผู้ชมเข้าไปในโรงละครก่อนเริ่มการแสดงจากนั้นคณะนักร้องประสานเสียงและนักแสดงก็เข้าสู่วงออเคสตรา ในโรงละครแห่งยุคคลาสสิก ความสนใจของผู้ชมมุ่งเน้นไปที่การพัฒนาของแอ็คชั่น ชะตากรรมของฮีโร่ ไม่ใช่ผลกระทบภายนอก เค้าโครงของโรงละครกรีกช่วยให้ได้ยินเสียงได้ดี นอกจากนี้ ในโรงละครบางแห่ง ยังมีการวางภาชนะที่มีเสียงสะท้อนไว้บนที่นั่งผู้ชมเพื่อขยายเสียง ไม่มีม่านในโรงละครกรีกโบราณ แม้ว่าจะเป็นไปได้ว่าในละครบางบท โพรสคีเนียมบางส่วนจะถูกปิดจากผู้ชมชั่วคราว

โรงละครโรมัน

ต้นกำเนิดของโรงละครโรมัน

ต้นกำเนิดของโรงละครและละครโรมันย้อนกลับไปเช่นเดียวกับในกรีซ ไปสู่เกมพิธีกรรมที่เต็มไปด้วยองค์ประกอบของงานรื่นเริง ตัวอย่างเช่นเป็นวันหยุดของ Saturnalia - เพื่อเป็นเกียรติแก่เทพเจ้าดาวเสาร์ของอิตาลี ลักษณะเฉพาะของวันหยุดนี้คือ "การพลิกกลับ" ของความสัมพันธ์ทางสังคมที่เป็นนิสัย: เจ้านายกลายเป็น "ทาส" ชั่วคราวและทาสกลายเป็น "เจ้านาย"

ต้นกำเนิดหนึ่งของโรงละครและละครโรมันคือเทศกาลเก็บเกี่ยวในชนบท แม้ในสมัยที่ห่างไกล เมื่อกรุงโรมยังเป็นชุมชนเล็กๆ ของ Latium หมู่บ้านต่างๆ ก็เฉลิมฉลองวันหยุดที่เกี่ยวข้องกับการสิ้นสุดของการเก็บเกี่ยว ในช่วงวันหยุดเหล่านี้มีการร้องเพลง - fescennins ที่ร่าเริงและหยาบกร้าน เช่นเดียวกับในกรีซ นักร้องประสานเสียงสองคนมักจะแสดงและแลกเปลี่ยนเรื่องตลก บางครั้งมีลักษณะกัดกร่อน

เมื่อมีต้นกำเนิดในระบบเผ่า Fescennines ดำรงอยู่ในศตวรรษต่อ ๆ มาและในพวกเขาตามที่ฮอเรซกล่าวไว้การต่อสู้ทางสังคมระหว่างพวกเพลเบียนและผู้รักชาติก็สะท้อนให้เห็น นี่คือวิธีที่ความอิ่มตัวเกิดขึ้น (แปลว่า "ส่วนผสม") Saturas เป็นฉากที่น่าทึ่งในชีวิตประจำวันและเป็นการ์ตูน รวมถึงบทสนทนา การร้องเพลง ดนตรี และการเต้นรำ

การแสดงละครที่มีลักษณะเป็นการ์ตูนอีกประเภทหนึ่งคือ Atellans ซึ่งยืมมาจากชนเผ่าอื่นที่อาศัยอยู่ในคาบสมุทร Apennine ซึ่งโรมต่อสู้ด้วย สงครามต่อเนื่อง- คนหนุ่มสาวเริ่มสนใจเกมเหล่านี้และเริ่มจัดระเบียบในช่วงวันหยุด Atellan มีสี่ถาวร ตัวละครการ์ตูน: มักค์, บุคคอน, ปั๊บ และดอสเซ่น ชาว Atellans ไม่มีข้อความที่ชัดเจน ดังนั้นเมื่อทำการแสดง จึงมีขอบเขตกว้างสำหรับการแสดงด้นสด มีมก็กลับไปเล่นละครพื้นบ้านด้วย เช่นเดียวกับในกรีซ การแสดงละครใบ้สร้างฉากจากชีวิตชาวบ้าน และบางครั้งก็ล้อเลียนตำนาน โดยวาดภาพเทพเจ้าและวีรบุรุษเป็นตัวตลก ดังนั้นในกรุงโรมจึงมีเกมพิธีกรรมแบบเดียวกับในโรม กรีกโบราณ- แต่การพัฒนาละครพื้นบ้านไม่ได้ไปไกลกว่าจุดเริ่มต้นที่อ่อนแอของละคร สิ่งนี้อธิบายได้ด้วยวิถีชีวิตของชาวโรมันแบบอนุรักษ์นิยมและการต่อต้านอย่างเข้มแข็งของนักบวช ดังนั้นในโรมจึงไม่มีเทวตำนานอิสระ ซึ่งในกรีซทำหน้าที่เป็น "ดินและคลังแสง" ของงานศิลปะ รวมถึงการละครด้วย

โรงละครโรมันในยุครีพับลิกัน

ชาวโรมันก็รับ ละครวรรณกรรมในรูปแบบสำเร็จรูปจากชาวกรีกและแปลเป็นภาษาละติน ปรับให้เข้ากับแนวคิดและรสนิยมของพวกเขา หลังจากชัยชนะของสงครามพิวนิกครั้งแรกสิ้นสุดลง เกมวันหยุด 240 ปีก่อนคริสตกาล มีการตัดสินใจให้แสดงละคร การผลิตได้รับความไว้วางใจจากชาวกรีก Livius Andronicus ซึ่งตกเป็นทาสของวุฒิสมาชิกชาวโรมันซึ่งตั้งชื่อภาษาละตินให้เขาว่า Livius หลังจากที่เขาได้รับการปล่อยตัว เขาก็ยังคงอยู่ในกรุงโรมและเริ่มสอนภาษากรีกและละตินให้กับบุตรชายของขุนนางชาวโรมัน ครูคนนี้จัดฉากโศกนาฏกรรมและอาจเป็นการแสดงตลกในเกมด้วย แก้ไขโดยเขาจากแบบจำลองภาษากรีกหรือบางทีอาจแปลง่ายๆจาก ภาษากรีกเป็นภาษาละติน การผลิตครั้งนี้เป็นแรงผลักดันแรกในการพัฒนาโรงละครโรมัน

ตั้งแต่ 235 ปีก่อนคริสตกาล นักเขียนบทละคร Gnaeus Nevius เริ่มแสดงละครของเขาบนเวที Titus Maccius Plautus ร่วมสมัยรุ่นน้องของ Naevius งานของเขาย้อนกลับไปในสมัยที่โรมกำลังเปลี่ยนจากชุมชนเกษตรกรรมไปสู่สภาวะที่แข็งแกร่งที่สุด - เริ่มจากคาบสมุทร Apennine จากนั้นจึงเปลี่ยนจากลุ่มน้ำทั้งหมด ทะเลเมดิเตอร์เรเนียน- Publius Terentius Afr ผู้ซึ่งทำงานในรูปแบบของ pallata เช่นเดียวกับ Plautus เป็นของนักเขียนบทละครรุ่นต่อไป เทอเรนซ์เรียกได้ว่าเป็นผู้บุกเบิกละครยุโรปเรื่องใหม่ โรงละครยุโรปหันมาทำงานของเขาซ้ำแล้วซ้ำเล่า อิทธิพลของคอเมดี้ของเขา "Formion" และ "Brothers" สัมผัสได้จากผลงานของ Moliere

โรงละครโรมันในสมัยจักรวรรดิ

ในศตวรรษที่ 1 ก่อนคริสต์ศักราช สาธารณรัฐในกรุงโรมล่มสลาย หลังจากการลอบสังหารซีซาร์และชัยชนะเหนือแอนโทนีใน 31 ปีก่อนคริสตกาล ออคตาเวียนขึ้นเป็นจักรพรรดิในโรม และต่อมาได้รับฉายากิตติมศักดิ์ ออกัสตัส (“ศักดิ์สิทธิ์”) ออกัสตัสเข้าใจถึงความสำคัญทางสังคมของโรงละครเป็นอย่างดีและมีส่วนช่วยในการพัฒนาทุกวิถีทางที่เป็นไปได้ ก่อนอื่นออกัสตัสต้องการรื้อฟื้นโศกนาฏกรรมแบบกรีกบนเวทีโรมันโดยมองว่าเป็นวิธีการปรับปรุงและให้ความรู้ด้านศีลธรรมของพลเมืองของเขา แรงบันดาลใจของออกัสตัสเหล่านี้ได้รับการสนับสนุนจากฮอเรซ กวีชาวโรมันผู้โดดเด่นคนหนึ่ง และสะท้อนให้เห็นใน "วิทยาศาสตร์แห่งกวีนิพนธ์" ของเขา อย่างไรก็ตามความพยายามทั้งหมดของออกัสตัสในการฟื้นฟูแนวเพลงที่จริงจังบนเวทีโรมันไม่ประสบความสำเร็จ

จากโศกนาฏกรรมแห่งยุคจักรวรรดิ ไม่มีอะไรมาถึงเราเลย ยกเว้นโศกนาฏกรรมของนักปรัชญาเซเนกา Lucius Annaeus Seneca เป็นครูสอนพิเศษของจักรพรรดิ Nero ครั้งหนึ่งเขาดำรงตำแหน่งสูงสุดในรัฐ แต่แล้วเขาถูกกล่าวหาว่าสมคบคิดต่อต้านจักรพรรดิ และตามคำสั่งของ Nero เขาจึงฆ่าตัวตายด้วยการตัดเส้นเลือดของเขา เซเนกาเริ่มเขียนโศกนาฏกรรมใน ปีที่ผ่านมาชีวิตเมื่อทัศนคติของ Nero ที่มีต่อเขาเปลี่ยนไปและเขาถูกบังคับให้แสดงความคิดเห็นของเขาเกี่ยวกับระเบียบที่มีอยู่อย่างรอบคอบมากขึ้น

การจัดการแสดงละคร

การแสดงจัดขึ้นที่กรุงโรมในช่วงวันหยุดนักขัตฤกษ์ต่างๆ บทละครได้แสดงในเทศกาลของผู้รักชาติ - เกมโรมันซึ่งจัดขึ้นในเดือนกันยายนเพื่อเป็นเกียรติแก่ดาวพฤหัสบดีจูโนและมิเนอร์วา ที่ Apollo Games – ในเดือนกรกฎาคม ไม่มีอาคารโรงละครถาวรในโรมจนกระทั่งกลางศตวรรษที่ 1 ก่อนคริสต์ศักราช; วุฒิสภาอนุรักษ์นิยมคัดค้านการก่อสร้าง สำหรับการแสดง โดยปกติแล้วจะมีการสร้างแท่นไม้ซึ่งมีความสูงครึ่งหนึ่งของผู้ชายในฟอรัม บันไดแคบๆ 4-5 ขั้นนำไปสู่บริเวณเวที ซึ่งนักแสดงก็ปีนขึ้นไปบนเวที

โศกนาฏกรรมครั้งนี้เกิดขึ้นที่หน้าพระราชวัง ในละครตลก ทิวทัศน์มักจะแสดงให้เห็นถนนในเมืองโดยหันหน้าไปทางด้านหน้าของบ้านสองหรือสามหลัง และการกระทำดังกล่าวจะเกิดขึ้นที่หน้าบ้าน ผู้ชมนั่งอยู่บนม้านั่งหน้าเวที แต่บางครั้งวุฒิสภาก็ห้ามการจัดที่นั่งในโรงละครชั่วคราวเหล่านี้ การนั่งชมการแสดงตามความเห็นของวุฒิสภาถือเป็นสัญญาณของความอ่อนน้อมถ่อมตน โครงสร้างทั้งหมดที่สร้างขึ้นสำหรับเกมละครพังทันทีหลังจากเสร็จสิ้น

งานสำคัญสำหรับโรมคือการมีโรงละครถาวรแห่งแรกที่สร้างด้วยหิน โรงละครแห่งนี้สร้างขึ้นใน 55 ปีก่อนคริสตกาล Gnaeus Pompey the Great และสามารถรองรับผู้คนได้มากถึง 40,000 คน ในช่วงปลายศตวรรษที่ 1 พ.ศ มีการสร้างโรงละครหินอีกสองแห่งในโรม ได้แก่ โรงละคร Balbus และโรงละคร Marcellus จากหลังนี้ ซากของผนังด้านนอกซึ่งแบ่งออกเป็นสามชั้นซึ่งสอดคล้องกับสามชั้นภายใน ยังคงหลงเหลือมาจนถึงทุกวันนี้

โรงละครแห่งยุคกลาง

ละครพิธีกรรมและกึ่งพิธีกรรม

รูปแบบหนึ่งของศิลปะการแสดงละครในยุคกลางตอนต้นคือละครในโบสถ์ เพื่อต่อสู้กับซากของโรงละครโบราณ ต่อต้านเกมในชนบท คริสตจักรพยายามใช้ประสิทธิภาพของการโฆษณาชวนเชื่อทางละครเพื่อจุดประสงค์ของตนเอง

ในศตวรรษที่ 9 พิธีมิสซาได้ถูกสร้างเป็นละครและมีการพัฒนาพิธีกรรมการอ่านตอนจากตำนานเกี่ยวกับชีวิตของพระคริสต์ การฝังศพและการฟื้นคืนพระชนม์ของพระองค์ได้รับการพัฒนา จากบทสนทนาเหล่านี้ ละครพิธีกรรมยุคแรกจึงถือกำเนิดขึ้น ละครดังกล่าวมีสองรอบ - วันคริสต์มาสเล่าเรื่องการประสูติของพระคริสต์และอีสเตอร์ที่ถ่ายทอดเรื่องราวการฟื้นคืนพระชนม์ของพระองค์ ในละครพิธีกรรมคริสต์มาส มีการวางไม้กางเขนไว้ตรงกลางพระวิหาร จากนั้นจึงห่อด้วยวัสดุสีดำ ซึ่งหมายถึงการฝังศพของพระเจ้า

เมื่อเวลาผ่านไป ละครพิธีกรรมมีความซับซ้อนมากขึ้น เครื่องแต่งกายของ "นักแสดง" ก็มีความหลากหลาย และ "คำสั่งของผู้กำกับ" ก็ถูกสร้างขึ้นโดยมีข้อบ่งชี้การทดสอบและการเคลื่อนไหวที่แม่นยำ พวกปุโรหิตเองก็ทำทั้งหมดนี้ ผู้จัดงานพิธีกรรมสะสมประสบการณ์การแสดงละครและเริ่มแสดงให้ผู้คนเห็นถึงการเสด็จขึ้นสู่สวรรค์ของพระคริสต์และปาฏิหาริย์พระกิตติคุณอื่น ๆ อย่างชำนาญ การเข้าใกล้ชีวิตและการใช้เอฟเฟกต์การผลิต ละครพิธีกรรมไม่ดึงดูดอีกต่อไป แต่ทำให้นักบวชฟุ้งซ่านจากการบริการ การพัฒนาแนวเพลงปกปิดการทำลายตนเอง ด้วยความไม่ต้องการละทิ้งการบริการของโรงละครและไม่สามารถรับมือกับมันได้ เจ้าหน้าที่ของคริสตจักรจึงนำละครพิธีกรรมออกมาจากใต้ซุ้มโค้งของโบสถ์มาสู่ระเบียง ละครกึ่งพิธีกรรมถือกำเนิดขึ้น แล้ว โรงละครของโบสถ์ซึ่งอยู่ในอำนาจของคณะสงฆ์อย่างเป็นทางการตกอยู่ภายใต้อิทธิพลของฝูงชนในเมือง ตอนนี้เธอกำลังกำหนดรสนิยมของเธอให้เขาแล้วโดยบังคับให้เขาแสดงในวันที่ยุติธรรมไม่ใช่ วันหยุดของคริสตจักรเปลี่ยนไปใช้ภาษาแม่ที่คนทั่วไปเข้าใจได้โดยสิ้นเชิง ด้วยความกังวลเกี่ยวกับความสำเร็จ พระสงฆ์จึงเริ่มเลือกวิชาในชีวิตประจำวันมากขึ้น และเนื้อหาสำหรับละครกึ่งพิธีกรรมก็กลายมาเป็น เรื่องราวในพระคัมภีร์ขึ้นอยู่กับการตีความในชีวิตประจำวัน ตำนานในพระคัมภีร์ไบเบิลจะต้องผ่านการประมวลผลบทกวีเมื่อเวลาผ่านไป นอกจากนี้ ยังมีการนำเสนอนวัตกรรมทางเทคนิค: ในที่สุดหลักการของทิวทัศน์พร้อมกันก็ถูกสร้างขึ้น เมื่อมีการแสดงฉากแอ็คชั่นหลายฉากพร้อมกัน จำนวนลูกเล่นเพิ่มขึ้น อย่างไรก็ตาม แม้จะมีเรื่องทั้งหมดนี้ ละครในโบสถ์ยังคงรักษาความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับคริสตจักรต่อไป ละครเรื่องนี้จัดแสดงที่ระเบียงโดยใช้เงินทุนของโบสถ์ การแสดงละครรวบรวมโดยนักบวช (แม้ว่าผู้เข้าร่วมในการแสดง พร้อมด้วยนักบวชและฆราวาส) ดังนั้น ละครของคริสตจักรจึงดำรงอยู่มาเป็นเวลานานโดยผสมผสานองค์ประกอบที่แยกจากกันอย่างประณีต

ละครฆราวาส.

จุดเริ่มต้นของการเคลื่อนไหวที่สมจริง

การถ่ายทำครั้งแรกของการเคลื่อนไหวที่สมจริงแบบใหม่มีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ trouvère (คณะนักร้องประสานเสียง) Adam de La Halle (ประมาณปี 1238-1287) จากเมือง Arras ของฝรั่งเศส De La Al มีความหลงใหลในบทกวี ดนตรี และการละคร เขาอาศัยอยู่ในปารีสและอิตาลี (ในราชสำนักของชาร์ลส์แห่งอองชู) และกลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในฐานะกวี นักดนตรี และนักเขียนบทละคร

ในศตวรรษที่ 13 กระแสของการแสดงตลกได้จมหายไปแล้วโดยโรงละครแห่งปาฏิหาริย์ซึ่งมีเหตุการณ์ในชีวิตเป็นธีมด้วย แต่จ่าหน้าถึงศาสนา

ความมหัศจรรย์.

ชื่อ "ปาฏิหาริย์" มาจากคำภาษาละตินว่า "ปาฏิหาริย์" และแน่นอนว่าความขัดแย้งทั้งหมดซึ่งบางครั้งก็สะท้อนถึงความขัดแย้งของชีวิตอย่างรุนแรงในประเภทนี้ได้รับการแก้ไขด้วยการแทรกแซงของพลังศักดิ์สิทธิ์ - นักบุญนิโคลัส, พระแม่มารี ฯลฯ เวลาเอง - ศตวรรษที่ 14 เต็มไปด้วยสงครามความไม่สงบที่ได้รับความนิยมและการตอบโต้อย่างไร้มนุษยธรรม - อธิบายการพัฒนาประเภทที่มีการโต้เถียงเช่นปาฏิหาริย์ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ปาฏิหาริย์ซึ่งโดยปกติจะเริ่มต้นด้วยภาพความจริงที่ปรักปรำมักจบลงด้วยการประนีประนอมเสมอ การกลับใจและการให้อภัย ซึ่งในทางปฏิบัติหมายถึงการคืนดีกับความโหดร้ายที่แสดงไว้เท่านั้น เพราะมันสันนิษฐานว่าอาจมีคนชอบธรรมในแต่ละคน คนร้าย สิ่งนี้เหมาะสมกับทั้งจิตสำนึกของชาวเมืองและคริสตจักร

ความลึกลับ.

ความมั่งคั่งของโรงละครลึกลับคือศตวรรษที่ 15-16 ซึ่งเป็นช่วงเวลาแห่งการเติบโตอย่างรวดเร็วของเมืองและความเลวร้ายของความขัดแย้งทางสังคม เมืองนี้เอาชนะการพึ่งพาระบบศักดินาไปเป็นส่วนใหญ่แล้ว แต่ยังไม่ตกอยู่ภายใต้การปกครองของระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ ความลึกลับคือการแสดงออกถึงความเจริญรุ่งเรืองของเมืองในยุคกลางและวัฒนธรรมของเมือง มันงอกออกมาจากสิ่งที่เรียกว่า "การเลียนแบบความลึกลับ" - ขบวนแห่ในเมืองเพื่อเป็นเกียรติแก่ วันหยุดทางศาสนาเพื่อเป็นเกียรติแก่พระราชพิธีเสด็จสวรรคตของกษัตริย์ จากเทศกาลเหล่านี้ ความลึกลับสี่เหลี่ยมค่อยๆ เป็นรูปเป็นร่างขึ้นโดยใช้ประสบการณ์ยุคแรกๆ ของโรงละครในยุคกลาง การแสดงลึกลับไม่ได้จัดขึ้นโดยคริสตจักร แต่โดยการประชุมเชิงปฏิบัติการในเมืองและเทศบาล ผู้เขียนเป็นบุคคลประเภทใหม่ - นักศาสนศาสตร์ นักกฎหมาย แพทย์ แม้ว่าการแสดงจะกำกับโดยชนชั้นกระฎุมพีระดับสูงของเมือง แต่บทละครลึกลับก็เป็นศิลปะสมัครเล่นในที่สาธารณะ มีผู้คนหลายร้อยคนเข้าร่วมการแสดง

ความลึกลับแสดงให้เห็นการสร้างโลก การกบฏของลูซิเฟอร์ต่อพระเจ้า และปาฏิหาริย์ในพระคัมภีร์ ความลึกลับได้ขยายขอบเขตของโรงละครยุคกลางออกไปและสะสมไว้มากมาย ประสบการณ์บนเวทีซึ่งถูกใช้โดยประเภทต่อมาของยุคกลาง ผู้แสดงอาถรรพ์คือชาวเมือง การแสดงละครครั้งใหญ่แต่ละตอนดำเนินการโดยตัวแทนจากเวิร์กช็อปในเมืองต่างๆ ในขณะเดียวกันความลึกลับก็เปิดโอกาสให้แต่ละอาชีพได้แสดงออกอย่างเต็มที่ที่สุด ความลึกลับได้พัฒนาเทคนิคการแสดงละคร สร้างรสนิยมของผู้คนในการละคร และเตรียมลักษณะบางอย่างของละครเรอเนซองส์ แต่ภายในปี 1548 สมาคมลึกลับโดยเฉพาะอย่างยิ่งที่แพร่หลายในฝรั่งเศส ถูกห้ามไม่ให้แสดงละครลึกลับ แนวตลกเชิงวิพากษ์วิจารณ์ของโรงละครลึกลับเริ่มสังเกตเห็นได้ง่ายเกินไป สาเหตุของการเสียชีวิตของเธอก็คือเธอไม่ได้รับการสนับสนุนจากพลังใหม่ที่ก้าวหน้าของสังคม

ขบวนการปฏิรูป

ตัวละครต่อต้านศักดินา

การปฏิรูปเกิดขึ้นในยุโรปในศตวรรษที่ 16 มันเป็นการต่อต้านระบบศักดินาโดยธรรมชาติและอยู่ในรูปแบบของการต่อสู้กับการสนับสนุนทางอุดมการณ์ของระบบศักดินา - คริสตจักรคาทอลิก

ขบวนการปฏิรูปยืนยันหลักการของ "การสื่อสารส่วนตัวกับพระเจ้า" ซึ่งเป็นหลักการของคุณธรรมส่วนบุคคล ในมือของกลุ่มคนรวย ศีลธรรมกลายเป็นอาวุธในการต่อสู้ทั้งต่อขุนนางศักดินาและต่อมวลชนที่ยากจนในเมือง ความปรารถนาที่จะมอบความศักดิ์สิทธิ์ให้กับโลกทัศน์ของชนชั้นกลางทำให้เกิดโรงละครแห่งศีลธรรม

คุณธรรม.

คุณธรรมทำให้ศีลธรรมเป็นอิสระจากทั้งเรื่องศาสนาและสิ่งรบกวนในชีวิตประจำวัน และเมื่อแยกตัวออกไป ได้รับเอกภาพด้านโวหารและแนวทางการสอนที่มากขึ้น

เรื่องตลก.

เรื่องตลกขบขันกลายเป็นประเภทละครอิสระตั้งแต่ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 อย่างไรก็ตาม เขาได้ผ่านเส้นทางการพัฒนาที่ซ่อนเร้นมานานมาก่อนหน้านี้แล้ว ชื่อนี้มาจากภาษาละติน farta (“การเติม”) และแท้จริงแล้วผู้จัดงานความลึกลับมักเขียนว่า: "ใส่เรื่องตลกที่นี่" การแสดง Maslenitsa ที่ร่าเริงและการแสดงพื้นบ้านก่อให้เกิด "บริษัท โง่" ซึ่งเป็นสมาคมของเจ้าหน้าที่ศาลผู้น้อยโบฮีเมียนในเมืองที่หลากหลาย เด็กนักเรียน และนักสัมมนา ในศตวรรษที่ 15 สังคมตัวตลกแพร่กระจายไปทั่วยุโรป มีองค์กรขนาดใหญ่สี่องค์กรในปารีสและมีการจัดขบวนพาเหรดการแสดงตลกเป็นประจำ ในขบวนพาเหรดเหล่านี้ คำปราศรัยของบาทหลวง การอภิปรายของผู้พิพากษา และการที่กษัตริย์เข้ามาในเมืองถูกเยาะเย้ย เพื่อตอบสนองต่อสิ่งนี้ เจ้าหน้าที่ฝ่ายฆราวาสและจิตวิญญาณได้ข่มเหงชาวฟาร์เซอร์ ไล่พวกเขาออกจากเมือง และโยนพวกเขาเข้าคุก เรื่องตลกมุ่งสู่ความเป็นจริงด้วยเนื้อหาและโครงสร้างทางศิลปะทั้งหมด เขาเยาะเย้ยทหารที่เที่ยวปล้นสะดม พระภิกษุขายน้ำใจ ขุนนางที่หยิ่งผยอง และพ่อค้าที่ตระหนี่ ลักษณะตัวละครที่สังเกตเห็นได้ชัดเจนและโครงร่างมีเนื้อหาในชีวิตที่เหน็บแนมอย่างเหน็บแนม หลักการสำคัญของการแสดงให้กับนักแสดงตลกคือการแสดงลักษณะเฉพาะ นำไปสู่ล้อเลียนล้อเลียน และการเคลื่อนไหวที่แสดงออกถึงกิจกรรมและความร่าเริงของนักแสดงเอง หน่วยงานกษัตริย์และคริสตจักรได้โจมตีความคิดเสรีนิยมในเมืองมากขึ้นเรื่อยๆ และรูปแบบหนึ่งของมัน - โรงละครตลก

เรื่องตลกมีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาโรงละครในยุโรปตะวันตก ในอิตาลี commedia dell'arte เกิดจากเรื่องตลก ในสเปน - ผลงานของ "บิดาแห่งโรงละครสเปน" Lope de Rueda; และในอังกฤษ John Heywood เขียนบทสลับฉากของเขาเป็นเรื่องตลก ในเยอรมนี Hans Sachs; ในฝรั่งเศส ประเพณีอันตลกขบขันได้หล่อเลี้ยงศิลปะของโมลิแยร์ผู้ปราดเปรื่องและเช็คสเปียร์ผู้ยิ่งใหญ่

เป็นเรื่องตลกที่กลายเป็นความเชื่อมโยงระหว่างโรงละครเก่าและโรงละครใหม่

โรงละครใหม่

โรงละคร (จากโรงละครกรีก - สถานที่สำหรับการแสดง, การแสดง) แนวคิดทั่วไปของการละครแบ่งออกเป็นประเภทของศิลปะการแสดงละคร ได้แก่ ละคร โอเปร่า บัลเล่ต์ ละครใบ้ ฯลฯ ที่มาของคำนี้เกี่ยวข้องกับภาษากรีกโบราณ โรงละครโบราณซึ่งเป็นชื่อที่นั่งในหอประชุม อย่างไรก็ตาม ในปัจจุบัน ความหมายของคำนี้มีความหลากหลายอย่างมาก

ในช่วงยุคแห่งการตรัสรู้ การเปลี่ยนผ่านสู่วัฒนธรรมสมัยใหม่ได้เสร็จสิ้นลง วิถีชีวิตและความคิดแบบใหม่กำลังเป็นรูปเป็นร่าง ซึ่งหมายความว่าการตระหนักรู้ในตนเองเชิงศิลปะเกี่ยวกับวัฒนธรรมรูปแบบใหม่ก็เปลี่ยนไปเช่นกัน ชื่อ "การตรัสรู้" แสดงให้เห็นลักษณะเฉพาะของจิตวิญญาณทั่วไปของการเคลื่อนไหวนี้ในด้านวัฒนธรรมและชีวิตทางจิตวิญญาณ ซึ่งตั้งเป้าหมายในการเปลี่ยนมุมมองที่อิงตามอำนาจทางศาสนาหรือการเมืองด้วยมุมมองที่เป็นผลมาจากข้อกำหนดของจิตใจมนุษย์

ศตวรรษที่สิบแปด มอบวัฒนธรรมโลกให้กับศิลปินและนักทฤษฎีศิลปะการละครที่น่าทึ่งเช่น Sheridan ในอังกฤษ, Voltaire, Diderot, Beaumarchais ในฝรั่งเศส, Lessing, Goethe, Schiller ในเยอรมนี, Goldoni ในอิตาลี การครอบงำของเหตุผลนำไปสู่ความจริงที่ว่าศิลปะแห่งการตรัสรู้ได้รับความทุกข์ทรมานจากความมีเหตุผล การวิเคราะห์ชีวิตอย่างมีเหตุผลจำเป็นต้องมีรูปแบบที่เป็นระเบียบ

อย่างไรก็ตาม ผู้รู้แจ้งซึ่งมองเห็นอุดมคติของมนุษย์ในบุคลิกภาพที่กลมกลืนกัน ไม่สามารถละเลยความต้องการด้านความรู้สึกเมื่อมาถึงงานศิลปะได้ โรงละครแห่งการตรัสรู้ได้แสดงออกมาอย่างน่าทึ่งทั้งในด้านเนื้อหาและวิธีการเป็นมุมมองใหม่ของโลกที่เพียงพอต่อยุคสมัย

ละครในยุคแห่งการตรัสรู้ในอังกฤษ

ผู้ชมละครในศตวรรษที่ 18 มีความเป็นประชาธิปไตยมากขึ้น มีการติดตั้งม้านั่งเรียบง่ายในแผงขายของสำหรับชาวเมือง ชั้นวางเต็มไปด้วยคนรับใช้ นักเรียน และช่างฝีมือเล็กๆ ในระหว่างการแสดง ผู้ชมมีพฤติกรรมที่กระตือรือร้นและมีปฏิกิริยาตอบสนองต่อสิ่งที่แสดงบนเวทีอย่างกระตือรือร้น

ดังนั้น ในอังกฤษ โรงละครแห่งการตรัสรู้จึงวิพากษ์วิจารณ์ความชั่วร้ายของระบบชนชั้นกลางที่กำลังเกิดขึ้น หลักคำสอนทางอุดมการณ์ใหม่ของโรงละครเกิดขึ้น: การศึกษาทางสังคมและศีลธรรมของผู้ชม หลักคำสอนนี้เข้ากันได้อย่างสมบูรณ์แบบกับประเพณีที่เคร่งครัดของอังกฤษ - ต่อมาพวกพิวริตันได้ลดตำแหน่งของตนที่เกี่ยวข้องกับศิลปะการแสดงละคร และไม่ต่อสู้กับโรงละครเช่นนี้อีกต่อไป แต่เพื่อการปฏิรูป: การกำจัดการผิดศีลธรรมและการเปลี่ยนแปลงของโรงละครให้กลายเป็น สถาบันที่เป็นประโยชน์ต่อสังคม

เอกสารเชิงโปรแกรมของการปฏิรูปโรงละครคือบทความของนักศาสนศาสตร์ผู้เคร่งครัด เจเรมี คอลลิเออร์ ต่อต้านโรงละครชนชั้นสูง, A Brief Review of the Immorality and Impiety of the English Stage (1698) บทความนี้กำหนดเน้นย้ำถึงศีลธรรมและการสอนของโรงละครอังกฤษตลอดเกือบศตวรรษที่ 18 ผลงานของนักเขียนบทละครเช่น โจเซฟ แอดดิสัน (Cato, The Drummer), ริชาร์ด สตีล (The Liar Lover, or Women's Friendship; The Carefree Husband), ซามูเอล จอห์นสัน (ไอรีน), คอลลีย์ ซิบเบอร์ (The Carefree Husband; The Wife's Last Bid; The สามีขี้หงุดหงิด) พัฒนาไปในทิศทางนี้)

ในปี ค.ศ. 1731 ในคำนำของละครของเขาเรื่อง The Merchant of London หรือ the History of George Barnwell นักเขียนบทละคร George Lillo ได้ตีพิมพ์แถลงการณ์ของโปรแกรมสุนทรียภาพใหม่ - ทฤษฎีสัจนิยม ละครชนชั้นกลาง- เขาต่อต้านข้อจำกัดทางชนชั้นของโศกนาฏกรรมครั้งนี้ ซึ่งนำเฉพาะบุคคลระดับสูงเท่านั้นที่เป็นวีรบุรุษ เขาเรียกร้องให้โศกนาฏกรรมกลายเป็นตัวนำแนวคิดทางศีลธรรมของชนชั้นกระฎุมพีโดยไม่ซ่อนความเป็นศัตรูต่อชนชั้นสูง เมื่อสิบปีก่อนในปี 1721 ละครเรื่อง Fatal Madness ที่ไม่ระบุชื่อปรากฏในอังกฤษซึ่งเขียนขึ้นในหนึ่งในประเด็นที่ชื่นชอบของละครชนชั้นกลาง - เกี่ยวกับผลที่ตามมาของความหายนะของความหลงใหลในการพนัน จากนั้นบทละครก็แทบจะไม่มีใครสังเกตเห็น - เวลาสำหรับแนวเพลงใหม่ยังไม่มา แต่ตอนนี้ประเด็นชนชั้นกระฎุมพีกลายเป็นที่ต้องการอย่างมากในหมู่ผู้ชม

แนวโน้มการเสียดสีในละครได้รับการพัฒนาอย่างประสบความสำเร็จโดย Henry Fielding (“Don Quixote ในอังกฤษ”; “Grabstreet’s Opera, or Under the Shoe of the Wife”; “Historical Calendar for 1736”) ความเข้มงวดของการประณามการเสียดสีทำให้เกิดการตีพิมพ์กฎหมายรัฐบาลเกี่ยวกับการเซ็นเซอร์การแสดงละครในปี ค.ศ. 1737 ซึ่งยุติการเสียดสีทางการเมือง ความสนใจของนักเขียนบทละครและนักการศึกษามุ่งเน้นไปที่การแสดงตลกซึ่งเปิดโอกาสให้อย่างน้อยเสียดสีสังคม ผลงานตลกที่น่าสนใจที่สุดเกี่ยวกับมารยาทในยุคนี้เป็นของ Oliver Goldsmith (Good; Night of Errors) และ Richard Sheridan (The Rivals; The School for Scandal)

ตัวแทนที่ดีที่สุดของศิลปะอังกฤษคือ David Garrick ผู้โด่งดัง (1717-1779) นักมนุษยนิยมและนักการศึกษาบนเวที เขาประสบความสำเร็จในการโปรโมตละครของเช็คสเปียร์ โดยรับบทเป็นแฮมเล็ต เลียร์ และคนอื่นๆ

ปลายศตวรรษที่ 18 ทำเครื่องหมายในอังกฤษโดยการเกิดขึ้นของประเภทใหม่ - โศกนาฏกรรมของ "ฝันร้ายและความน่าสะพรึงกลัว" ซึ่งเป็นบรรพบุรุษของขบวนการสุนทรียภาพใหม่ - แนวโรแมนติก ผู้สร้างประเภทนี้คือ Horace Walpole แม้ว่าเขาจะเขียนละครเรื่องเดียวเรื่อง "The Mysterious Mother" (1768) ซึ่งบรรยายถึงเรื่องราวของความหลงใหลในการร่วมประเวณีระหว่างพี่น้อง แต่ผู้เขียนก็มีอิทธิพลอย่างมากต่อละครก่อนโรแมนติกและโรแมนติก

โรงละครฝรั่งเศสศตวรรษที่สิบแปด

กระบวนการทำให้สังคมเป็นประชาธิปไตยในช่วงการตรัสรู้ทำให้ละครแนวใหม่มีชีวิตขึ้นมา - ละครชนชั้นกลางซึ่งผู้สร้างในฝรั่งเศส ได้แก่ D. Diderot, M. J. Seden, L. S. Mercier

ข้อบกพร่องของละครชนชั้นกลางและ "ตลกน้ำตาไหล" ถูกเอาชนะในคอเมดีของ P. O. Beaumarchais "The Barber of Seville" (1775) และ "The Marriage of Figaro" (1784) ซึ่งประเพณีของ Moliere ได้รับการฟื้นฟูด้วยความเข้มแข็งและ คุณลักษณะที่ดีที่สุดของสุนทรียศาสตร์ทางการศึกษาได้รวบรวมไว้

ความปรารถนาอันกล้าหาญและความเป็นพลเมืองของละครเพื่อการศึกษาได้รับการเปิดเผยอย่างมีพลังสูงสุดในช่วงการปฏิวัติชนชั้นกลางฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 โศกนาฏกรรมของ M. J. Chenier ซึ่งเต็มไปด้วยความน่าสมเพชต่อต้านระบบศักดินา (Charles IX, 1789, Henry VIII, 1791, Jean Calas, 1791, Caius Gracchus, 1792) เป็นตัวอย่างของละครของลัทธิคลาสสิกที่ปฏิวัติ

ในฝรั่งเศส นักปรัชญาการรู้แจ้ง วอลแตร์ เปลี่ยนละครของเขาไปสู่การกดดันประเด็นทางสังคมและประณามลัทธิเผด็จการ ยังคงพัฒนาประเภทของโศกนาฏกรรมต่อไป

ในเวลาเดียวกัน ประเพณีการแสดงตลกเสียดสียังคงอยู่บนเวทีฝรั่งเศส ดังนั้น Lesage (1668-1747) ในภาพยนตร์ตลกเรื่อง "Turcare" จึงวิพากษ์วิจารณ์ไม่เพียง แต่ขุนนางผู้เสื่อมโทรมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชนชั้นกระฎุมพีที่ร่ำรวยด้วย เขาพยายามสร้างคอเมดี้ให้กับละครยอดนิยม

นักการศึกษาและนักเขียนบทละครอีกคน Denis Diderot (1713-1784) ปกป้องความจริงและความเป็นธรรมชาติบนเวที นอกเหนือจากบทละครหลายเรื่อง (“ Bad Son”, “ Father of the Family” ฯลฯ ) Diderot ยังเขียนบทความเรื่อง The Paradox of the Actor ซึ่งเขาได้พัฒนาทฤษฎีการแสดง

ในการผลิตโศกนาฏกรรมทางการศึกษาของวอลแตร์มีนักแสดงประเภทใหม่เกิดขึ้นซึ่งสามารถแสดงความน่าสมเพชของพลเมืองในรูปแบบที่กล้าหาญและกล่าวหาได้

โรงละครที่ยุติธรรมและบนถนนครอบครองพื้นที่ขนาดใหญ่ในการพัฒนาโรงละครในช่วงการตรัสรู้ในฝรั่งเศส ประเภทของละครที่ยุติธรรม ได้แก่ ละครใบ้ เรื่องตลก ละครคุณธรรม และการแสดงแบบเร็ว ซึ่งการแสดงมีพื้นฐานมาจากศิลปะแห่งการแสดงด้นสด การแสดงเหล่านี้เป็นการแสดงที่มักเป็นการเสียดสี โดยมีองค์ประกอบที่แปลกประหลาดและตลกขบขัน เต็มไปด้วยอารมณ์ขันที่หยาบคาย นักเต้นเชือก นักเล่นกล และสัตว์ที่ได้รับการฝึกฝนซึ่งเป็นต้นแบบของนักแสดงละครสัตว์ก็แสดงในงานเช่นกัน พวกเขาใช้การล้อเลียนและการเสียดสีอย่างกว้างขวาง ลักษณะที่เป็นประชาธิปไตยของศิลปะนี้ทำให้เกิดการโจมตีจากโรงละครที่มีสิทธิพิเศษ

การก่อตัวของโรงละครเยอรมัน

ผู้สร้างโรงละครแห่งชาติเยอรมันอย่างแท้จริงคือ Gotthold-Ephraim Lessing นักเขียนผู้รู้แจ้งชาวเยอรมันที่มีชื่อเสียงที่สุด (1729 -1781) เขาสร้างภาพยนตร์ตลกระดับชาติเรื่องแรกของเยอรมันเรื่อง "Minna von Barnholm", โศกนาฏกรรมต่อต้านระบบศักดินา "Emilia Galotti" และเรื่องอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่ง ผลงานละคร- ในโศกนาฏกรรมทางการศึกษาเรื่อง “Nathan the Wise” ผู้เขียนได้กล่าวถึงการต่อต้านความคลั่งไคล้ทางศาสนา

ในหนังสือชื่อดังเรื่อง “Hamburg Drama” Lessing ได้สรุปความคิดเห็นของเขาเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์และทฤษฎีการละคร G.E. Lessing - ผู้สร้าง ละครทางสังคม, ตลกแห่งชาติและโศกนาฏกรรมทางการศึกษา, นักทฤษฎีการละคร, ผู้ก่อตั้งการเคลื่อนไหวที่สมจริงในโรงละครเยอรมันแห่งศตวรรษที่ 18

แนวคิดเรื่องการตรัสรู้มีอิทธิพลอย่างมากต่อการแสดงของชาวเยอรมัน และทำให้เข้าใกล้ความสมจริงมากขึ้น นักแสดงที่โดดเด่นที่สุดในเยอรมนีในช่วงหลายปีที่ผ่านมาคือ ฟรีดริช ลุดวิก ชโรเดอร์ (1744-1816) ซึ่งเกี่ยวข้องกับแนวคิดเรื่อง "ความปั่นป่วนและความเครียด" ในยุค 70 ศตวรรษที่สิบแปด การเคลื่อนไหวใหม่ที่เรียกว่า "Storm and Drang" เกิดขึ้นในงานศิลปะเยอรมัน

มันสะท้อนให้เห็นถึงการเคลื่อนไหวของกลุ่มกระฎุมพีที่มีความคิดปฏิวัติและก้าวหน้าที่สุดซึ่งต่อสู้กับระบบศักดินาและลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์ คนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดมีส่วนร่วมในการเคลื่อนไหวนี้ กวีชาวเยอรมันและนักเขียนบทละครเกอเธ่และชิลเลอร์ ในปี พ.ศ. 2320 โรงละครแห่งชาติ Mannheim ได้เปิดขึ้น ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นหนึ่งในโรงละครเยอรมันที่ใหญ่ที่สุดในยุค 80-90 ในศตวรรษที่ 18 กิจกรรมของนักแสดง ผู้กำกับ และนักเขียนบทละคร A.V. Iffland ได้ถูกเปิดเผยที่นั่น เขาปลูกฝังละครชนชั้นกลาง - ฟิลิสเตียบนเวที Mannheim (ละครของเขาเองรวมถึงบทละครของ A. Kotzebue) ซึ่งกำหนดหน้าตาที่สร้างสรรค์ของโรงละคร

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 การพัฒนาโรงละครเยอรมันมีความเกี่ยวข้องกับกิจกรรมของนักเขียนบทละครชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ เจ. ดับเบิลยู. เกอเธ่ และ เอฟ. ชิลเลอร์ในโรงละครไวมาร์ ที่นี่เป็นครั้งแรกในเยอรมนีที่พวกเขาจัดแสดง ผลงานที่สำคัญละครคลาสสิกระดับโลก (เกอเธ่, ชิลเลอร์, เลสซิง, วอลแตร์ และอื่น ๆ ) วางรากฐานของศิลปะการกำกับ หลักการของวงดนตรีการแสดงที่อยู่ใต้บังคับบัญชาของเดี่ยว การออกแบบทางศิลปะ.

ในโปรแกรมทางทฤษฎีและการปฏิบัติทางศิลปะเกอเธ่ยืนยันหลักการของการสร้างโรงละครที่ยิ่งใหญ่ซึ่งตรงตามมาตรฐานที่เข้มงวดของศิลปะโบราณ "โรงเรียนไวมาร์" การแสดงอยู่ตรงข้ามกับ Mannheim และใกล้กับ Classicist มากขึ้น

โรงละครอิตาลี

แม้จะมีความล้าหลังทางเศรษฐกิจและการเมือง แต่อิตาลีก็โดดเด่นด้วยความร่ำรวยและความหลากหลายของชีวิตการแสดงละคร เมื่อถึงศตวรรษที่ 18 อิตาลีมีดีที่สุดในโลก โรงละครดนตรีซึ่งแบ่งออกเป็นสองประเภท - โอเปร่าที่จริงจังและโอเปร่าการ์ตูน (โอเปร่าบัฟ) มีโรงละครหุ่นกระบอกและมีการแสดงตลก dell'arte ทุกที่

อย่างไรก็ตาม การปฏิรูปละครมีมายาวนานแล้ว ในยุคแห่งการรู้แจ้ง การแสดงตลกแบบด้นสดไม่เป็นไปตามข้อกำหนดของยุคนั้นอีกต่อไป จำเป็นต้องมีโรงละครวรรณกรรมใหม่ที่จริงจัง ความตลกขบขันของหน้ากากไม่สามารถดำรงอยู่ได้ในรูปแบบก่อนหน้านี้ แต่ความสำเร็จของมันจะต้องได้รับการอนุรักษ์และส่งต่ออย่างระมัดระวัง โรงละครใหม่.

การแทรกซึมของแนวคิดเรื่องการตรัสรู้ในโรงละครของอิตาลีนั้นมาพร้อมกับการต่อสู้อันยาวนานกับลัทธิแบบแผนและการขาดแนวคิดบนเวทีละคร ผู้ริเริ่มในอิตาลีคือนักเขียนบทละครที่โดดเด่นอย่าง Carlo Goldoni (1707 -1793) เขาสร้างตัวละครตลกตัวใหม่ แทนที่จะเป็นการแสดงด้นสด การแสดงมีพื้นฐานมาจากข้อความวรรณกรรม

ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ถือเป็นช่วงเวลาแห่งสงครามการแสดงละครในประวัติศาสตร์อิตาลี Abbot Chiari นักเขียนบทละครธรรมดาๆ ที่ไม่เป็นอันตรายพูดต่อต้านเขา แต่คู่ต่อสู้หลักของเขาซึ่งเท่าเทียมกับเขาในแง่ของความสามารถกลายเป็น คาร์โล กอซซี่- Gozzi ปกป้องโรงละครแห่งหน้ากากโดยกำหนดภารกิจในการฟื้นฟูประเพณีการแสดงตลกด้นสด และดูเหมือนว่าเขาจะทำสำเร็จในช่วงหนึ่ง และแม้ว่า Goldoni จะออกจากพื้นที่สำหรับการแสดงด้นสดในคอเมดีของเขา และในที่สุด Gozzi เองก็เขียนผลงานละครของเขาเกือบทั้งหมด แต่ข้อพิพาทของพวกเขาก็โหดร้ายและไม่ยอมประนีประนอม เนื่องจากเส้นประสาทหลักของการเผชิญหน้าระหว่างชาวเวนิสผู้ยิ่งใหญ่ทั้งสองคือความไม่ลงรอยกันของพวกเขา ตำแหน่งสาธารณะในทัศนะที่แตกต่างกันต่อโลกและมนุษย์

Carlo Gozzi (1720-1806) เป็นนักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์ ในความพยายามที่จะเปรียบเทียบละครของเขากับคอเมดีของ Goldoni Gozzi ได้พัฒนาประเภทของเทพนิยายละคร นี่คือบทละครของเขาเรื่อง "The Love for Three Oranges", "The Deer King", "Princess Turandot" อันโด่งดัง, "The Snake Woman" และอื่น ๆ ต้องขอบคุณการประชดและอารมณ์ขันที่เข้มข้นนิทานที่มีพรสวรรค์ของ Gozzi บนเวทีจึงยังคงได้รับความนิยมมาจนถึงทุกวันนี้

ผู้เขียนโศกนาฏกรรมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคือ Vittorio Alfieri การกำเนิดของโศกนาฏกรรมละครเพลงของอิตาลีมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของเขา เขาสร้างโศกนาฏกรรมทางแพ่งโดยลำพัง ผู้รักชาติผู้หลงใหลซึ่งใฝ่ฝันที่จะปลดปล่อยบ้านเกิดของเขา Alfieri ต่อต้านระบบเผด็จการ โศกนาฏกรรมทั้งหมดของเขาเต็มไปด้วยความน่าสมเพชที่กล้าหาญของการต่อสู้เพื่ออิสรภาพ

Alfieri แย้งว่าประชาชนควรได้รับอิสรภาพจากมือของชนชั้นสูง เขายืนยันเสรีภาพของมนุษย์ซึ่งเจตจำนงจะขึ้นอยู่กับเหตุผลและสำนึกในหน้าที่เท่านั้น ในบทความของเขาเรื่อง "On the Prince and Literature" (1778-86) Alfieri นิยามงานกวีนิพนธ์เชิงละครว่าเป็นการปลุกความรู้สึกถึงคุณธรรมและความรักในอิสรภาพ โศกนาฏกรรมของ Alfieri Saul, Philip, Virginia, Brutus I และ Brutus II มีส่วนช่วยในการพัฒนาโรงละครของอิตาลี

โรงละครแห่งการตรัสรู้ของเดนมาร์ก

โรงละครมืออาชีพในเดนมาร์กเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 18 การสร้างมีสาเหตุมาจากการพัฒนาเศรษฐกิจและวัฒนธรรมของประเทศ เมื่อวันที่ 23 กันยายน ค.ศ. 1722 โรงละครเวทีของเดนมาร์กเปิดในโคเปนเฮเกนด้วยละครเรื่อง "The Miser" และในไม่ช้าก็มีการฉายรอบปฐมทัศน์ของภาพยนตร์ตลกเรื่องแรกของ L. Holberg เรื่อง "The Tin Man-Politician"

ในปี ค.ศ. 1728 ตัวแทนของแวดวงศาลประสบความสำเร็จในการปิดเวทีเดนมาร์ก โรงละครกลับมาทำงานต่อในปี 1748 เท่านั้น (ในบริเวณ Royal Square) ในปี พ.ศ. 2313 ได้รับชื่อ Royal และอยู่ภายใต้เขตอำนาจของกระทรวงศาล ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 โรงละครแห่งนี้จัดแสดงเพลงร้องเพลง ตลกโดย J. Ewald โศกนาฏกรรมของวอลแตร์และมหากาพย์ภาษาเดนมาร์กของเขา แต่พื้นฐานของละครของโรงละครยังคงเป็นละครของโฮลเบิร์ก

บทบาทที่โดดเด่นในการส่งเสริมแนวคิดเรื่องการตรัสรู้ในเดนมาร์กแสดงโดยผลงานของ I. X. Wessel ผู้เขียนโศกนาฏกรรมล้อเลียนเรื่อง Love without Stockings (1772) ซึ่งสืบสานประเพณีของ Holberg

โรงละครแห่งการตรัสรู้เป็นหนึ่งในปรากฏการณ์ที่โดดเด่นและสำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก นี่คือแหล่งอันทรงพลังของศิลปะการแสดงละครยุโรป - ตลอดกาล โรงละครแห่งใหม่เกิดขึ้นจากความต้องการที่จะทุ่มเทพลังของเยาวชนไปสู่การปฏิบัติ และถ้าคุณถามตัวเองด้วยคำถามว่าการกระทำนี้น่าสนุกแค่ไหน คำตอบก็ชัดเจน: แน่นอน เข้าสู่ขอบเขตของโรงละคร

ในช่วงศตวรรษที่ 18 โรงละครยุโรปมีชีวิตที่ดีและ ชีวิตที่ยากลำบาก- บรรทัดฐานด้านสุนทรียศาสตร์ซึ่งถือเป็นสัมบูรณ์ได้สูญเสียความหมายเดิมไปในช่วงเวลานี้ ตลอดระยะเวลาหนึ่งศตวรรษ ความคิดเห็นและรสนิยมมีความขัดแย้งกันอย่างต่อเนื่อง และหอประชุมก็กลายเป็นเวทีแห่งการปะทะกันในที่สาธารณะมากกว่าหนึ่งครั้ง ผู้เขียนเป็นฝ่ายตรงข้ามทางการเมืองซึ่งเป็นครั้งแรกที่ได้เรียนรู้ว่าอาจมีการต่อสู้อันขมขื่นในงานศิลปะของพวกเขาเช่นกัน

โรงละครในฐานะรูปแบบศิลปะไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้ในอนุสรณ์สถานทางวัตถุเช่นภาพวาดและประติมากรรมตลอดจนผลงานวรรณกรรมและดนตรี แต่ประวัติศาสตร์ของโรงละครบอกเล่าเกี่ยวกับนักแสดงผู้ยิ่งใหญ่ในอดีต วิธีการเล่นของพวกเขา แรงบันดาลใจของคนรุ่นราวคราวเดียวกันที่พวกเขารวบรวมไว้ในการแสดง สิ่งที่ต้องการในเวลาที่พวกเขาตอบสนอง

ชีวิตการแสดงละครของรัสเซียในศตวรรษที่ 19

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 เครือข่ายชาวรัสเซียได้ก่อตั้งขึ้น โรงละครอิมพีเรียลซึ่งได้รับการจัดการ
“กระทรวงราชสำนักของพระองค์” ผู้ใต้บังคับบัญชาของศาลมีโรงละครสามแห่งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - Alexandrinsky, Mariinsky และ Mikhailovsky - และอีกสองแห่งในมอสโก - โรงละคร Bolshoi และ Maly

ด้วยการมาของบทละครของ A.N. ออสตรอฟสกี้, I.S. Turgenev ร้อยแก้วโดย F.M. Dostoevsky บทกวีของ Nekrasov ความสมจริงมาถึงวัฒนธรรมรัสเซีย

ศิลปะการแสดงเปลี่ยนไปพร้อมกับการแสดงละคร ทำลายความคิดเก่าๆ เกี่ยวกับความจริงที่อยู่บนเวที วันที่ 16 พฤศจิกายน พ.ศ. 2402 เป็นวันเปิดตัวละครเรื่อง The Thunderstorm ของ Ostrovsky ที่โรงละคร Maly พายุปะทุขึ้นรอบการแสดง นักแสดงคนแรกในบทบาทของ Katerina คือนักแสดงที่ยอดเยี่ยม L.P. นิคูลินา - โคซิทสกายา ด้วยบทละครของ Ostrovsky องค์ประกอบของชีวิตชาวรัสเซียซึ่งเป็นภาษาใหม่ที่สมบูรณ์และทันสมัยก็พุ่งขึ้นมาบนเวที นักแสดงของ Maly ฉายแววในบทละครของ Ostrovsky ตลอดทศวรรษต่อ ๆ มา จี.เอ็น. Fedotova, M.N. Ermolova เป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยมของ Maly Theatre

ศิลปินชาวรัสเซียในยุคแรก ครึ่งหนึ่งของศตวรรษที่ 19ศตวรรษ MS Shchepkin, ป.ล. โมชาลอฟ, วี.เอ. Karatygin ยังคงอยู่ในความทรงจำของลูกหลานในฐานะบุคคลจากตำนาน Shchepkin มีบทบาทเกือบ 600 บทในละครของ Shakespeare, Moliere, Gogol, Ostrovsky และ Turgenev เขาเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่ยืนยันความสมจริงในโรงละครรัสเซีย เขาสร้างความจริงบนเวทีรัสเซีย

Mochalov เป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับ Shchepkin เขาเล่นบทนำในละครรัสเซียและตะวันตก - Hamlet ของเช็คสเปียร์, Karl Moor ในละครของ Schiller เรื่อง The Robbers, Chatsky ใน Woe from Wit

ในการผลิตละคร นักแสดงชาวรัสเซียได้สร้างภาพที่ลงไปในประวัติศาสตร์ศิลปะการแสดงละคร ประชาชนชื่นชม Ekaterina Semyonova และ Alexei Yakovlev นักแสดงเหล่านี้แปลงร่างเป็นคนที่พวกเขาเป็นตัวแทนไปโดยสิ้นเชิง โรงละคร Maly เริ่มเชี่ยวชาญในการแสดงละครและโรงละครบอลชอยในโอเปร่าและบัลเล่ต์ทีละน้อย

โรงละครบอลชอยเปตรอฟสกี้ 2368-2396

การเปิดโรงละครบอลชอยเปตรอฟสกี้เมื่อวันที่ 6 มกราคม พ.ศ. 2368 ถือเป็นการเปิดฉากอย่างเคร่งขรึมมาก ผู้ชมที่มาเยี่ยมชมโรงละครแห่งใหม่ในเย็นวันนั้นต่างตกตะลึงกับความสง่างามของการออกแบบสถาปัตยกรรมและการนำไปใช้ ขนาดของอาคารที่ไม่เคยมีมาก่อน และความสวยงามของการตกแต่งหอประชุม

นักเขียน Sergei Aksakov เล่าว่า: “โรงละคร Bolshoi Petrovsky ซึ่งโผล่ออกมาจากซากปรักหักพังเก่าแก่ที่ไหม้เกรียม... ทำให้ฉันประหลาดใจและยินดี... อาคารขนาดใหญ่อันงดงามแห่งนี้อุทิศให้กับงานศิลปะที่ฉันชื่นชอบโดยเฉพาะ เพียงแค่รูปลักษณ์ภายนอกก็ทำให้ฉันตื่นเต้นอย่างสนุกสนาน …”

ก่อนเริ่มการแสดง ผู้ชมเรียกผู้สร้างโรงละคร Osip Bove ขึ้นไปบนเวทีและปรบมือให้เขา

ในเช้าวันที่ 11 มีนาคม พ.ศ. 2396 มีเมฆมากและหนาวจัด เกิดเพลิงไหม้ในโรงละครโดยไม่ทราบสาเหตุ เปลวไฟลุกท่วมทั้งอาคารทันที แต่ไฟโหมกระหน่ำอย่างแรงที่สุดบนเวทีและในหอประชุม “ มันน่ากลัวที่ได้เห็นยักษ์ตัวนี้ถูกกลืนหายไปในไฟ” ผู้เห็นเหตุการณ์บรรยายถึงไฟนั้น “ เมื่อมันกำลังลุกไหม้ดูเหมือนว่าคนที่เรารักซึ่งมอบความคิดและความรู้สึกที่สวยงามที่สุดให้กับเรานั้นกำลังจะตาย ต่อหน้าต่อตาเรา...”

ชาวมอสโกต่อสู้กับเปลวไฟเป็นเวลาสองวันและในวันที่สามอาคารโรงละครมีลักษณะคล้ายกับซากปรักหักพังของโคลีเซียมโรมัน ซากอาคารถูกเผาอยู่ประมาณหนึ่งสัปดาห์ เครื่องแต่งกายละครที่รวบรวมมาตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 ทัศนียภาพที่ยอดเยี่ยมสำหรับการแสดง หอจดหมายเหตุของคณะละคร ส่วนหนึ่งของคลังเพลง และเครื่องดนตรีหายาก สูญหายไปในกองไฟอย่างไม่อาจแก้ไขได้

การออกแบบอาคารโรงละครใหม่ซึ่งวาดโดยศาสตราจารย์เอ. มิคาอิลอฟได้รับการอนุมัติจากจักรพรรดิอเล็กซานเดอร์ที่ 1 ในปี พ.ศ. 2364 และได้รับความไว้วางใจในการก่อสร้างโดยสถาปนิก Osip Bova

โรงละครที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งในยุโรป สร้างขึ้นบนพื้นที่ของอาคารโรงละครที่ถูกไฟไหม้ แต่ส่วนหน้าหันหน้าไปทางจัตุรัส Teatralnaya...

โรงละครบอลชอย(พ.ศ. 2399-2460)

เมื่อวันที่ 20 สิงหาคม พ.ศ. 2399 โรงละครบอลชอยที่ได้รับการบูรณะใหม่ได้เปิดขึ้นต่อหน้า ราชวงศ์และตัวแทนของทุกรัฐด้วยโอเปร่าเรื่อง The Puritans ของวี. เบลลินี แสดงโดยคณะละครชาวอิตาลี บัลเล่ต์มอสโกในยุคนี้เป็นหนี้ความสำเร็จของความสามารถของ Marius Petipa ชาวฝรั่งเศสผู้ตั้งรกรากในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก นักออกแบบท่าเต้นมามอสโคว์หลายครั้งเพื่อแสดงบนเวที ผลงานที่สำคัญที่สุดในมอสโกของเขาคือ "Don Quixote" โดย L. Minkus ซึ่งแสดงครั้งแรกในปี พ.ศ. 2412 ต่อมา Petipa ได้ย้ายบัลเล่ต์นี้ฉบับมอสโกไปที่เวทีเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

งานของ P. Tchaikovsky มีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนาวัฒนธรรมการแสดง นักแต่งเพลงเปิดตัวในดนตรีโอเปร่า - "The Voevoda" (2412) และเพลงบัลเล่ต์ - "Swan Lake" (2420) เกิดขึ้นบนเวทีของโรงละครบอลชอย ที่นี่โอเปร่า "Eugene Onegin" (พ.ศ. 2424) ได้รับการกำเนิดที่แท้จริงซึ่งเป็นความพยายามครั้งแรกบนเวทีใหญ่หลังจากการผลิตเรือนกระจกในปี พ.ศ. 2422; โอเปร่า "Mazeppa" เปิดตัวครั้งแรก (พ.ศ. 2427) ซึ่งเป็นหนึ่งในยอดเขา ความคิดสร้างสรรค์โอเปร่านักแต่งเพลง; ฉบับสุดท้ายของโอเปร่า "Blacksmith Vakula" ซึ่งได้รับชื่อใหม่ "Cherevichki" ในการแสดงปี 1887

การแสดงที่น่าจดจำในพงศาวดารของโรงละครคือการแสดงครั้งแรกเมื่อวันที่ 16 ธันวาคม พ.ศ. 2431 ของละครพื้นบ้านของ I. Mussorgsky เรื่อง "Boris Godunov" โอเปร่าเรื่องแรกของ N. Rimsky-Korsakov ที่เห็นแสงสว่างจากเวทีโรงละครบอลชอยคือ "The Snow Maiden" (1893) และ "The Night Before Christmas" (1898) ในปีเดียวกัน พ.ศ. 2441 โรงละครได้แสดงโอเปร่าเรื่อง "Prince Igor" ของ A. Borodin แก่ผู้ชมเป็นครั้งแรกและอีกสองปีต่อมาผู้ชื่นชอบศิลปะการออกแบบท่าเต้นก็เริ่มคุ้นเคยกับบัลเล่ต์ "Raymonda" ของ A. Glazunov

คณะโอเปร่าของโรงละครในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 มีนักร้องที่โดดเด่นมากมาย ในบรรดาชื่ออันรุ่งโรจน์ในปีที่ผ่านมา ได้แก่ Eulalia Kadmina, Anton Bartsal, Pavel Khokhlov, Nadezhda Salina, Ivan Gryzunov, Margarita Gunova, Vasily Petrov เป็นต้น นักร้องปรากฏตัวบนเวทีละครในช่วงหลายปีที่ผ่านมาซึ่งในไม่ช้าชื่อก็เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางไม่เพียง แต่ใน รัสเซียและต่างประเทศ - Leonid Sobinov, Fyodor Chaliapin, Antonina Nezhdanova

กิจกรรมในโรงละครของ Sergei Rachmaninov ผู้ซึ่งสถาปนาตัวเองเป็นผู้ควบคุมวงก็ประสบผลสำเร็จ นักดนตรีที่ยอดเยี่ยม- Rachmaninov ปรับปรุงคุณภาพเสียงของโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซียในโรงละคร อย่างไรก็ตามชื่อของ Rachmaninov มีความเกี่ยวข้องกับการย้ายคอนโซลของผู้ควบคุมวงไปยังสถานที่ที่อยู่ตอนนี้ ก่อนหน้านี้ ผู้ควบคุมวงยืนอยู่ด้านหลังวงออเคสตราโดยหันหน้าไปทางเวที

ในปีพ.ศ. 2442 The Sleeping Beauty ได้รับการจัดแสดงเป็นครั้งแรกที่โรงละครบอลชอย การผลิตบัลเล่ต์ชุดนี้ซึ่งก่อให้เกิดความร่วมมือด้านดนตรีและการเต้นรำในโรงละครบัลเล่ต์ของรัสเซีย ถือเป็นจุดเริ่มต้นของการทำงานที่ยาวนานและมีความสุขในมอสโกสำหรับนักออกแบบท่าเต้น นักเขียนบท และอาจารย์ Alexander Gorsky ศิลปินที่มีความสามารถกลุ่มใหญ่ทำงานร่วมกับเขา - Ekaterina Geltser, Vera Caralli, Sofia Fedorova, Alexandra Balashova, Vasily Tikhomirov, Mikhail Mordkin, วาทยกรและนักแต่งเพลง Andrei Arende ฯลฯ สำหรับการตกแต่ง การผลิตใหม่สำหรับบัลเล่ต์ Don Quixote (1900) Gorsky เชิญศิลปินรุ่นเยาว์เป็นครั้งแรก Konstantin Korovin และ Alexander Golovin ซึ่งเป็นปรมาจารย์ด้านการวาดภาพละครผู้ยิ่งใหญ่ในอนาคต

พ.ศ. 2454 แผนการที่ส่งโดย Albert Kavos ชนะการแข่งขันเพื่อบูรณะอาคารโรงละคร

Kavos ยังคงรักษารูปแบบและปริมาตรของอาคาร Beauvais ไว้ โดยเพิ่มความสูง เปลี่ยนสัดส่วน และออกแบบการตกแต่งทางสถาปัตยกรรมใหม่ โดยเฉพาะอย่างยิ่งแกลเลอรีเหล็กหล่อเรียวยาวพร้อมโคมไฟถูกสร้างขึ้นที่ด้านข้างของอาคาร ผู้ร่วมสมัยสังเกตเห็นลักษณะของเสานี้โดยเฉพาะอย่างยิ่งสวยงามในตอนเย็นเมื่อคุณมองจากระยะไกลและโคมไฟที่ลุกเป็นแถวดูเหมือนด้ายเพชรวิ่งไปตามโรงละคร

กลุ่มเศวตศิลาอพอลโลที่ตกแต่งโรงละคร Beauvais ถูกทำลายด้วยไฟ เพื่อสร้างกลุ่มใหม่ Kavos ได้เชิญ Pyotr Klodt ประติมากรชื่อดังชาวรัสเซีย (พ.ศ. 2348-2410) ผู้เขียนกลุ่มนักขี่ม้าชื่อดังสี่กลุ่มบนสะพาน Anichkov เหนือแม่น้ำ Fontanka ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

Klodt ได้สร้างกลุ่มประติมากรรมที่มีชื่อเสียงระดับโลกร่วมกับ Apollo มันถูกหล่อในโรงงานของ Duke of Lichtenberg จากโลหะผสมที่ชุบด้วยทองแดงสีแดง

เมื่อสร้างหอประชุมขึ้นใหม่ Kavos ได้เปลี่ยนรูปทรงของห้องโถง โดยแคบลงจนเหลือเวที และทำให้หลุมวงออเคสตราลึกขึ้น ด้านหลังแผงขายของที่เคยเป็นแกลเลอรี เขาได้สร้างอัฒจันทร์ ขนาดของหอประชุมคือ: ความลึกและความกว้างเกือบเท่ากัน - ประมาณ 30 เมตร, สูง - ประมาณ 20 เมตร หอประชุมเริ่มรองรับผู้ชมได้กว่า 2,000 คน

ในรูปแบบนี้ โรงละครบอลชอยยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ ยกเว้นการบูรณะใหม่ทั้งภายในและภายนอกเล็กน้อย

ละครเป็นสิ่งมหัศจรรย์ของโลกมนุษย์

คำถามที่ 1. หัวข้อใดที่เป็นผู้นำในศิลปะดนตรีรัสเซีย?

คำตอบ. ความสมจริงก็มาพร้อมกับดนตรีด้วย ในผลงานของ "Mighty Handful" (Milia Alekseevich Balakirev, Modest Petrovich Mussorgsky, Cesar Antonovich Cui, Alexander Porfiryevich Borodin และ Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov) เป็นที่ชัดเจนว่าพวกเขาต้องการถ่ายทอดความจริงของชีวิตในงานของพวกเขามากแค่ไหน โดยเฉพาะอย่างยิ่งพวกเขาเขียนหัวข้อที่นำมาจากศิลปะพื้นบ้านมากมาย นอกจากนี้ หัวข้อต่างๆ ยังนำมาจากประวัติศาสตร์ ซึ่งส่วนใหญ่มักเป็นประวัติศาสตร์ของรัสเซีย บ่อยครั้งที่แหล่งข้อมูลทั้งสองนี้เชื่อมโยงกันและสร้างสิ่งที่เป็นหนึ่งเดียวกันซึ่งเป็นแรงบันดาลใจให้กับผู้แต่ง

คำถามที่ 2. โรงละครรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 มีลักษณะอย่างไร?

คำตอบ. โรงละครยังเต็มไปด้วยจิตวิญญาณแห่งความสมจริง การแสดงท่าทางทั่วไปที่นักแสดงใช้ก่อนลงจากเวที ตอนนี้พวกเขามุ่งมั่นที่จะมีบทบาทราวกับว่ากำลังดำเนินชีวิตอยู่ ผู้ชมดูเหมือนจะมองเห็นสิ่งที่เกิดขึ้นผ่านกำแพงโปร่งใส - ชีวิตซึ่งดำเนินต่อไปตามปกติ ราวกับไม่ใช่เพื่อผู้ชม แต่เพื่อตัวมันเอง ปรากฏการณ์นี้เรียกว่า "กำแพงที่สี่" (กำแพงระหว่างผู้ชมกับนักแสดง ซึ่งไม่มีอยู่สำหรับผู้ชม แต่จำเป็นต้องมีสำหรับนักแสดง เพื่อซ่อนห้องโถงไว้ให้พวกเขาทำโดยไม่ได้รับคำแนะนำจากมัน ). หัวข้อละครมีความเหมาะสม พวกเขาจัดแสดงเรื่องราวจากชีวิตสมัยใหม่เป็นหลัก เผยให้เห็นปัญหาของสังคม ปัญหาที่ทำลายชะตากรรมของผู้คน นี่คือละครของ A.N. ออสตรอฟสกี้, A.P. เชคอฟ

คำถามที่ 3 เตรียมรายงานเกี่ยวกับนักแต่งเพลงหรือนักแสดงหนึ่งคนในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19

คำตอบ. Konstantin Sergeevich Stanislavsky แผนข้อความ:

1) ปีแรกของชีวิต - ลูกชายของนักอุตสาหกรรมรายใหญ่ซึ่งกลายเป็นนักแสดง

2) บนเวทีสมัครเล่นในบ้านของ A. A. Karzinkin บน Pokrovsky Boulevard;

3) สมาชิกของผู้อำนวยการและเหรัญญิกของ Russian Musical Society สาขามอสโกและเรือนกระจก

4) การเกิดของชื่อบนเวที;

5) การสร้างและความคิดสร้างสรรค์ของสมาคมศิลปะและวรรณกรรมมอสโก

6) งานการแสดง - ประสบการณ์ที่สร้างพื้นฐานของระบบการฝึกอบรมนักแสดงชื่อดังของ Stanislavsky

7) พบกับ Nemirovich-Danchenko และการสร้าง Moscow Art Theatre

คำถามที่ 4 ทำไมในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 งานหัตถกรรมพื้นบ้านมีการฟื้นตัวหรือไม่?

คำตอบ. งานฝีมือพื้นบ้านหมดความสำคัญในการใช้ประโยชน์ในช่วงเวลานี้ สินค้าอุตสาหกรรมมีราคาถูกกว่ามาก แต่สินค้าอุตสาหกรรมก็มีมาตรฐานและไม่มีหน้าตา ในขณะเดียวกัน ลวดลายพื้นบ้านก็ได้รับความนิยมในงานศิลปะประเภทต่างๆ และแฟชั่นก็เริ่มต้นขึ้นด้วย นี่คือวิธีที่งานฝีมือพื้นบ้านบางส่วนได้รับการฟื้นคืนชีพในบางพื้นที่ซึ่งช่างฝีมือทำงานในลักษณะเฉพาะบางอย่าง ในปัจจุบัน งานหัตถกรรมกลายเป็นงานศิลปะเป็นประการแรก

คำถามที่ 5. ผู้เขียนผลงานสามารถเห็นแนวคิดทั่วไปอะไรบ้าง? ประเภทต่างๆศิลปะ?

คำตอบ. ศิลปะประเภทต่างๆ มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความสมจริง แสดงให้เห็นชีวิตตามที่เป็นอยู่ ท่ามกลางปัญหาทั้งหมด ด้วยความไม่สอดคล้องกัน นั่นคือภาพวาด ดนตรี และละครในสมัยนั้น ความคิดเกี่ยวกับธรรมชาติของชีวิตที่ไม่มั่นคงและความซับซ้อนของบุคลิกภาพของมนุษย์นั้นสามารถมองเห็นได้ทุกที่ซึ่งเนื่องจากธรรมชาติของชีวิตที่ไม่มั่นคงจึงมีความซับซ้อนมากขึ้นเท่านั้น