ประวัติศาสตร์การละครคือโลกแห่งมนุษยชาติ

โรงละครแห่งกรีกโบราณ

ต้นกำเนิดของละครและละครกรีกโบราณ

การปรากฏตัวของละครในกรีซนำหน้าด้วยช่วงเวลาอันยาวนานในระหว่างที่สถานที่ที่โดดเด่นถูกครอบครองโดยมหากาพย์ก่อนแล้วจึงตามด้วยเนื้อเพลง เราทุกคนรู้จักบทกวีมหากาพย์ผู้กล้าหาญ "Illiad" และ "Odyssey" บทกวีมหากาพย์การสอน (ให้คำแนะนำ) ของ Hesiod (ศตวรรษที่ 7 ก่อนคริสต์ศักราช); นี่เป็นผลงานของกวีบทกวีแห่งศตวรรษที่ 6 พ.ศ

การกำเนิดของละครและละครกรีกมีความเกี่ยวข้องกับเกมพิธีกรรมที่อุทิศให้กับเทพเจ้าผู้อุปถัมภ์แห่งการเกษตร: Demeter, Kore ลูกสาวของเธอและ Dionysus จากเกมพิธีกรรมและเพลงเพื่อเป็นเกียรติแก่ Dionysus ละครกรีกโบราณสามประเภทได้เติบโตขึ้น: โศกนาฏกรรม ตลก และตลกเซเทอร์ (ตั้งชื่อตามนักร้องที่ประกอบด้วยเซเทอร์)

• โศกนาฏกรรมครั้งนี้สะท้อนถึงด้านที่จริงจังของลัทธิไดโอนิเซียน
• ตลก - งานรื่นเริงเสียดสี
• ละคร Satirovskaya ดูเหมือนจะเป็นประเภททั่วไป ตัวละครที่ขี้เล่นร่าเริงและการจบลงอย่างมีความสุขเป็นตัวกำหนดสถานที่ในงานเทศกาลเพื่อเป็นเกียรติแก่ Dionysus: ละครเทพารักษ์ถูกจัดฉากเพื่อเป็นบทสรุปของการนำเสนอโศกนาฏกรรม

บทบาทของแนวคิดที่น่าเศร้าในการศึกษาด้านสังคม-การเมืองและจริยธรรมนั้นมีมากมายมหาศาล ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 6 ก่อนคริสต์ศักราช โศกนาฏกรรมครั้งนี้มีพัฒนาการที่สำคัญ ประวัติศาสตร์สมัยโบราณรายงานว่ากวีโศกนาฏกรรมชาวเอเธนส์คนแรกคือ Thespis (ศตวรรษที่ 6 ก่อนคริสต์ศักราช) โศกนาฏกรรมครั้งแรกของเขา (ไม่ทราบชื่อ) เกิดขึ้นในฤดูใบไม้ผลิปี 534 ปีก่อนคริสตกาล ในงานฉลองมหาไดโอนิซิอัส ปีนี้ถือเป็นปีเกิดของละครโลก

ในงานตลกที่กว้างกว่าเรื่องโศกนาฏกรรมมาก ลวดลายในชีวิตประจำวันผสมผสานกับงานในตำนาน ซึ่งค่อยๆ กลายเป็นงานที่โดดเด่นหรือแม้แต่งานเดียว แม้ว่าในงานตลกทั่วไปยังคงถือว่าอุทิศให้กับไดโอนิซูสก็ตาม การละเล่นชั่วคราวเป็นรูปแบบหนึ่งของละครตลกพื้นบ้านและถูกเรียกว่าละครใบ้ (แปลว่า "การเลียนแบบ" "การสืบพันธุ์" นักแสดงของการละเล่นเหล่านี้เรียกอีกอย่างว่าละครใบ้) วีรบุรุษของละครใบ้คือหน้ากากละครพื้นบ้านแบบดั้งเดิม เช่น ผู้ที่อยากเป็นนักรบ หัวขโมยตลาด นักวิทยาศาสตร์เจ้าเล่ห์ คนธรรมดาที่หลอกทุกคน ฯลฯ

โรงละครแห่งเอเธนส์

ศิลปะการแสดงละครกรีกโบราณมีความเจริญรุ่งเรืองสูงสุดในผลงานของโศกนาฏกรรมผู้ยิ่งใหญ่สามคนของศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสต์ศักราช ได้แก่ Aeschylus, Sophocles, Euripides และ Aristophanes นักแสดงตลกซึ่งมีกิจกรรมตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 4 พ.ศ นักเขียนบทละครคนอื่น ๆ ก็เขียนในเวลาเดียวกัน แต่มีเพียงข้อความที่ตัดตอนมาจากผลงานของพวกเขาเพียงเล็กน้อยเท่านั้นที่มาถึงเรา และบางครั้งก็มีเพียงชื่อและข้อมูลเพียงเล็กน้อยเท่านั้น

โรงละครแห่งยุคขนมผสมน้ำยา

ในยุคขนมผสมน้ำยา (VI-I ศตวรรษก่อนคริสต์ศักราช) โรงละครกรีกในยุคคลาสสิกได้รับการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญเกี่ยวกับการละคร การแสดง และสถาปัตยกรรมของอาคารโรงละคร การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้เกี่ยวข้องกับเงื่อนไขทางประวัติศาสตร์ใหม่ ละครตลกและโศกนาฏกรรมยังคงจัดแสดงอยู่ในโรงละครแห่งยุคขนมผสมน้ำยา แต่จากโศกนาฏกรรมของศตวรรษที่ 4 พ.ศ มีเพียงเศษเล็กเศษน้อยเท่านั้นที่รอดชีวิตมาได้ และเห็นได้ชัดว่าข้อดีทางศิลปะของโศกนาฏกรรมขนมผสมน้ำยานั้นมีขนาดเล็ก มีข้อมูลอีกมากมายสำหรับการตัดสินตลก เนื่องจากมีละครเพียงเรื่องเดียวและข้อความที่ตัดตอนมาจากละครอื่นๆ ของเมนันเดอร์ นักแสดงตลกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้นเท่านั้นที่รอดชีวิตมาได้

หนังตลกในยุคขนมผสมน้ำยาเรียกว่าหนังตลกเรื่อง Attic (หรือนีโอห้องใต้หลังคา) ใหม่ บทบาทที่ยิ่งใหญ่ในภาพยนตร์ตลกเรื่องใหม่เรื่องแรงจูงใจของความรัก ผู้เขียนเรื่องตลกเรื่อง Attic เรื่องใหม่ใช้ทฤษฎีทางจิตวิทยาของ Theophrastus นักเรียนของอริสโตเติลอย่างกว้างขวางตามที่ลักษณะนิสัยทั้งหมดแสดงออกมาในรูปลักษณ์ของบุคคลและในการกระทำของเขา คำอธิบายทางสรีรวิทยาของ Theophrastus มีอิทธิพลต่อการออกแบบหน้ากากอย่างไม่ต้องสงสัยซึ่งช่วยให้ผู้ชมจดจำตัวละครตัวนี้หรือตัวนั้นได้ อิทธิพลของยูริพิดีสนั้นเห็นได้ชัดเจนในหนังตลกเรื่องใหม่ ความใกล้ชิดของฮีโร่หลายคนในชีวิต การเปิดเผยประสบการณ์ทางอารมณ์ของพวกเขา - นี่คือสิ่งที่คอเมดีเรื่องใหม่ได้รับจากยูริพิดีส

สถาปัตยกรรมของโรงละครกรีกโบราณ

ในขั้นต้นสถานที่สำหรับการแสดงได้รับการจัดตั้งขึ้นอย่างเรียบง่ายอย่างยิ่ง: คณะนักร้องประสานเสียงที่มีการร้องเพลงและการเต้นรำแสดงบนวงออเคสตราแบบกลมที่มีขนาดกะทัดรัด (จากคำกริยา orheomai - "ฉันเต้นรำ") ซึ่งผู้ชมมารวมตัวกัน แต่เป็นความสำคัญของศิลปะการแสดงละครในที่สาธารณะและ ชีวิตทางวัฒนธรรมกรีซ และเมื่อละครมีความซับซ้อนมากขึ้น การปรับปรุงจึงจำเป็นต้องมี ภูมิทัศน์ที่เป็นเนินเขาของกรีซแนะนำให้จัดเวทีและที่นั่งผู้ชมอย่างมีเหตุผลที่สุด: วงออเคสตราเริ่มตั้งอยู่ที่ตีนเขาและผู้ชมก็ตั้งอยู่ตามทางลาด

โรงละครกรีกโบราณทุกแห่งเปิดและสามารถรองรับได้ จำนวนมากผู้ชม ตัวอย่างเช่นโรงละคร Dionysus แห่งเอเธนส์สามารถรองรับคนได้มากถึง 17,000 คนโรงละครใน Epidaurus - มากถึง 10,000 คน ในศตวรรษที่ 5 พ.ศ ในกรีซมีการพัฒนาโครงสร้างโรงละครประเภทที่มั่นคงซึ่งเป็นลักษณะของยุคโบราณทั้งหมด โรงละครมีสามส่วนหลัก: วงออเคสตรา โรงละคร (ที่นั่งสำหรับผู้ชม จากคำกริยา teaomai - "ฉันดู") และ skene (skene - "เต็นท์" ต่อมาเป็นโครงสร้างไม้หรือหิน)

ขนาดของโรงละครถูกกำหนดโดยเส้นผ่านศูนย์กลางของวงออเคสตรา (ตั้งแต่ 11 ถึง 30 ม.) โครงกระดูกนั้นอยู่ในแนวสัมผัสกับเส้นรอบวงของวงออเคสตรา ผนังด้านหน้าของ skene-proskenium ซึ่งโดยปกติจะมีลักษณะเป็นเสาหินเป็นภาพด้านหน้าของวัดหรือพระราชวัง ที่อยู่ติดกันคืออาคารสองด้านที่เรียกว่าพาราสเคเนีย Paraskenia ทำหน้าที่เป็นสถานที่จัดเก็บทิวทัศน์และทรัพย์สินทางการแสดงละครอื่นๆ ระหว่าง Skene และที่นั่งสำหรับผู้ชมซึ่งกินพื้นที่มากกว่าครึ่งวงกลมเล็กน้อยมีทางเดินที่ผู้ชมเข้าไปในโรงละครก่อนเริ่มการแสดงจากนั้นคณะนักร้องประสานเสียงและนักแสดงก็เข้าสู่วงออเคสตรา ในโรงละครแห่งยุคคลาสสิก ความสนใจของผู้ชมมุ่งเน้นไปที่การพัฒนาของแอ็คชั่น ชะตากรรมของฮีโร่ ไม่ใช่ผลกระทบภายนอก เค้าโครงของโรงละครกรีกช่วยให้ได้ยินเสียงได้ดี นอกจากนี้ ในโรงละครบางแห่ง ยังมีการวางภาชนะที่มีเสียงสะท้อนไว้บนที่นั่งผู้ชมเพื่อขยายเสียง ไม่มีม่านในโรงละครกรีกโบราณ แม้ว่าจะเป็นไปได้ว่าในละครบางบท โพรสคีเนียมบางส่วนจะถูกปิดจากผู้ชมชั่วคราว

โรงละครโรมัน

ต้นกำเนิดของโรงละครโรมัน

ต้นกำเนิดของโรงละครและละครโรมันย้อนกลับไปเช่นเดียวกับในกรีซ ย้อนกลับไปสู่เกมพิธีกรรมที่เต็มไปด้วยองค์ประกอบของงานรื่นเริง ตัวอย่างเช่นเป็นวันหยุดของ Saturnalia - เพื่อเป็นเกียรติแก่เทพเจ้าดาวเสาร์ของอิตาลี ลักษณะเฉพาะของวันหยุดนี้คือ "การพลิกกลับ" ของความสัมพันธ์ทางสังคมที่เป็นนิสัย: เจ้านายกลายเป็น "ทาส" ชั่วคราวและทาสกลายเป็น "เจ้านาย"

ต้นกำเนิดหนึ่งของโรงละครและละครโรมันคือเทศกาลเก็บเกี่ยวในชนบท แม้ในสมัยที่ห่างไกล เมื่อกรุงโรมยังเป็นชุมชนเล็กๆ ของ Latium หมู่บ้านต่างๆ ก็เฉลิมฉลองวันหยุดที่เกี่ยวข้องกับการสิ้นสุดของการเก็บเกี่ยว ในช่วงวันหยุดเหล่านี้มีการร้องเพลง - fescennins ที่ร่าเริงและหยาบกร้าน เช่นเดียวกับในกรีซ นักร้องประสานเสียงสองคนมักจะแสดงและแลกเปลี่ยนเรื่องตลก บางครั้งมีลักษณะกัดกร่อน

เมื่อมีต้นกำเนิดในระบบเผ่า Fescennines ดำรงอยู่ในศตวรรษต่อ ๆ มาและในพวกเขาตามที่ฮอเรซกล่าวไว้การต่อสู้ทางสังคมระหว่างพวกเพลเบียนและผู้รักชาติก็สะท้อนให้เห็น นี่คือวิธีที่ความอิ่มตัวเกิดขึ้น (แปลว่า "ส่วนผสม") Saturas เป็นฉากที่น่าทึ่งในชีวิตประจำวันและมีลักษณะเป็นการ์ตูน รวมถึงบทสนทนา การร้องเพลง ดนตรี และการเต้นรำ

การแสดงละครที่มีลักษณะเป็นการ์ตูนอีกประเภทหนึ่งคือ Atellans ซึ่งยืมมาจากชนเผ่าอื่นที่อาศัยอยู่ในคาบสมุทร Apennine ซึ่งโรมทำสงครามอย่างต่อเนื่อง คนหนุ่มสาวเริ่มสนใจเกมเหล่านี้และเริ่มจัดกิจกรรมในช่วงวันหยุด Atellan มีตัวละครการ์ตูนถาวรสี่ตัว: Makk, Bukkon, Papp และ Dossin Atellans ไม่มีข้อความที่ยาก ดังนั้นในการแสดง จึงมีขอบเขตกว้างสำหรับการแสดงด้นสด มีมก็กลับไปเล่นละครพื้นบ้านด้วย เช่นเดียวกับในกรีซ การแสดงละครใบ้สร้างฉากจาก ชีวิตชาวบ้านและบางครั้งก็ล้อเลียนตำนานโดยวาดภาพเทพเจ้าและวีรบุรุษเป็นตัวตลก ดังนั้นในกรุงโรมจึงมีเกมพิธีกรรมแบบเดียวกับในกรีกโบราณโดยประมาณ แต่การพัฒนาละครพื้นบ้านไม่ได้ไปไกลกว่าจุดเริ่มต้นที่อ่อนแอของละคร สิ่งนี้อธิบายได้ด้วยวิถีชีวิตแบบอนุรักษ์นิยมและการต่อต้านอย่างเข้มแข็งของนักบวช ดังนั้นในโรมจึงไม่มีเทพนิยายอิสระซึ่งในกรีซทำหน้าที่เป็น "ดินและคลังแสง" ของงานศิลปะ รวมถึงการละครด้วย

โรงละครโรมันในยุครีพับลิกัน

ชาวโรมันนำบทละครวรรณกรรมในรูปแบบสำเร็จรูปจากชาวกรีกมาแปลเป็นภาษาละติน โดยปรับให้เข้ากับแนวคิดและรสนิยมของพวกเขา หลังจากชัยชนะของสงครามพิวนิกครั้งแรกสิ้นสุดลง ในเกมรื่นเริงเมื่อ 240 ปีก่อนคริสตกาล ก็มีการตัดสินใจให้แสดงละคร การผลิตได้รับความไว้วางใจจากชาวกรีก Livius Andronicus ซึ่งตกเป็นทาสของวุฒิสมาชิกชาวโรมันซึ่งตั้งชื่อภาษาละตินให้เขาว่า Livius หลังจากที่เขาได้รับการปล่อยตัว เขาก็ยังคงอยู่ในกรุงโรมและเริ่มสอนภาษากรีกและละตินให้กับบุตรชายของขุนนางชาวโรมัน ครูคนนี้จัดฉากโศกนาฏกรรมและอาจเป็นการแสดงตลกในเกมด้วย แก้ไขโดยเขาจากแบบจำลองภาษากรีกหรืออาจแปลง่ายๆจาก ภาษากรีกเป็นภาษาละติน การผลิตครั้งนี้เป็นแรงผลักดันแรกในการพัฒนาโรงละครโรมัน

ตั้งแต่ 235 ปีก่อนคริสตกาล นักเขียนบทละคร Gnaeus Nevius เริ่มแสดงละครบนเวที Titus Maccius Plautus ร่วมสมัยรุ่นน้องของ Naevius งานของเขาย้อนกลับไปในสมัยที่โรมกำลังเปลี่ยนจากชุมชนเกษตรกรรมไปสู่สภาวะที่แข็งแกร่งที่สุด - เริ่มจากคาบสมุทร Apennine จากนั้นจึงเปลี่ยนจากลุ่มน้ำทั้งหมด ทะเลเมดิเตอร์เรเนียน- Publius Terentius Afr ผู้ซึ่งทำงานในรูปแบบของ pallata เช่นเดียวกับ Plautus เป็นของนักเขียนบทละครรุ่นต่อไป เทอเรนซ์เรียกได้ว่าเป็นผู้บุกเบิกละครยุโรปเรื่องใหม่ โรงละครยุโรปหันมาทำงานของเขาซ้ำแล้วซ้ำเล่า อิทธิพลของคอเมดี้ของเขา "Formion" และ "Brothers" สัมผัสได้จากผลงานของ Moliere

โรงละครโรมันในสมัยจักรวรรดิ

ในศตวรรษที่ 1 ก่อนคริสต์ศักราช สาธารณรัฐในกรุงโรมล่มสลาย หลังจากการลอบสังหารซีซาร์และชัยชนะเหนือแอนโทนีใน 31 ปีก่อนคริสตกาล ออคตาเวียนขึ้นเป็นจักรพรรดิในโรม และต่อมาได้รับฉายากิตติมศักดิ์ ออกัสตัส (“ศักดิ์สิทธิ์”) สิงหาคมก็เข้าใจดี ความสำคัญของสาธารณะและมีส่วนช่วยในการพัฒนาทุกวิถีทางที่เป็นไปได้ ก่อนอื่นออกัสตัสต้องการรื้อฟื้นโศกนาฏกรรมแบบกรีกบนเวทีโรมันโดยมองว่าเป็นวิธีการปรับปรุงและให้ความรู้ด้านศีลธรรมของพลเมืองของเขา แรงบันดาลใจของออกัสตัสเหล่านี้ได้รับการสนับสนุนจากฮอเรซ กวีชาวโรมันผู้โดดเด่นคนหนึ่ง และสะท้อนให้เห็นใน "วิทยาศาสตร์แห่งกวีนิพนธ์" ของเขา อย่างไรก็ตามความพยายามทั้งหมดของออกัสตัสในการฟื้นฟูแนวเพลงที่จริงจังบนเวทีโรมันไม่ประสบความสำเร็จ

จากโศกนาฏกรรมแห่งยุคจักรวรรดิ ไม่มีอะไรมาถึงเราเลย ยกเว้นโศกนาฏกรรมของนักปรัชญาเซเนกา Lucius Annaeus Seneca เป็นครูสอนพิเศษของจักรพรรดิ Nero ครั้งหนึ่งเขาดำรงตำแหน่งสูงสุดในรัฐภายใต้เขา แต่แล้วเขาถูกกล่าวหาว่าสมคบคิดต่อต้านจักรพรรดิและตามคำสั่งของ Nero เขาจึงฆ่าตัวตายด้วยการตัดเส้นเลือดของเขา เซเนกาเริ่มเขียนโศกนาฏกรรมใน ปีที่ผ่านมาชีวิตเมื่อทัศนคติของ Nero ที่มีต่อเขาเปลี่ยนไปและเขาถูกบังคับให้แสดงความคิดเห็นของเขาเกี่ยวกับระเบียบที่มีอยู่อย่างรอบคอบมากขึ้น

องค์กร การแสดงละคร.

การแสดงจัดขึ้นที่กรุงโรมในช่วงวันหยุดนักขัตฤกษ์ต่างๆ บทละครได้แสดงในเทศกาลของผู้รักชาติ - เกมโรมันซึ่งจัดขึ้นในเดือนกันยายนเพื่อเป็นเกียรติแก่ดาวพฤหัสบดีจูโนและมิเนอร์วา ที่ Apollo Games – ในเดือนกรกฎาคม ไม่มีอาคารโรงละครถาวรในโรมจนกระทั่งกลางศตวรรษที่ 1 ก่อนคริสต์ศักราช; วุฒิสภาอนุรักษ์นิยมคัดค้านการก่อสร้าง สำหรับการแสดง โดยปกติแล้วจะมีการสร้างแท่นไม้ซึ่งมีความสูงครึ่งหนึ่งของผู้ชายในฟอรัม บันไดแคบๆ 4-5 ขั้นนำไปสู่บริเวณเวที ซึ่งนักแสดงก็ปีนขึ้นไปบนเวที

โศกนาฏกรรมครั้งนี้เกิดขึ้นที่หน้าพระราชวัง ในละครตลก ทิวทัศน์มักจะแสดงให้เห็นถนนในเมืองโดยหันหน้าไปทางด้านหน้าของบ้านสองหรือสามหลัง และการกระทำดังกล่าวจะเกิดขึ้นที่หน้าบ้าน ผู้ชมนั่งอยู่บนม้านั่งหน้าเวที แต่บางครั้งวุฒิสภาก็ห้ามการจัดที่นั่งในโรงละครชั่วคราวเหล่านี้ การนั่งชมการแสดงตามความเห็นของวุฒิสภาถือเป็นสัญญาณของความอ่อนน้อมถ่อมตน โครงสร้างทั้งหมดที่สร้างขึ้นสำหรับเกมละครพังทลายลงทันทีหลังจากเสร็จสิ้น

งานสำคัญสำหรับโรมคือการมีโรงละครถาวรแห่งแรกที่สร้างด้วยหิน โรงละครแห่งนี้สร้างขึ้นใน 55 ปีก่อนคริสตกาล Gnaeus Pompey the Great และสามารถรองรับผู้คนได้มากถึง 40,000 คน ในช่วงปลายศตวรรษที่ 1 พ.ศ มีการสร้างโรงละครหินอีกสองแห่งในโรม ได้แก่ โรงละคร Balbus และโรงละคร Marcellus จากหลังนี้ ซากของผนังด้านนอกซึ่งแบ่งออกเป็นสามชั้นซึ่งสอดคล้องกับสามชั้นภายใน ยังคงหลงเหลือมาจนถึงทุกวันนี้

โรงละครแห่งยุคกลาง

ละครพิธีกรรมและกึ่งพิธีกรรม

รูปแบบหนึ่งของศิลปะการแสดงละครในยุคกลางตอนต้นคือละครในโบสถ์ เพื่อต่อสู้กับซากของโรงละครโบราณ ต่อต้านเกมในชนบท คริสตจักรพยายามใช้ประสิทธิภาพของการโฆษณาชวนเชื่อทางละครเพื่อจุดประสงค์ของตนเอง

ในศตวรรษที่ 9 พิธีมิสซาได้ถูกสร้างเป็นละครและมีการพัฒนาพิธีกรรมการอ่านตอนจากตำนานเกี่ยวกับชีวิตของพระคริสต์ การฝังศพและการฟื้นคืนพระชนม์ของพระองค์ได้รับการพัฒนา จากบทสนทนาเหล่านี้ ละครพิธีกรรมยุคแรกจึงถือกำเนิดขึ้น ละครดังกล่าวมีสองรอบ - วันคริสต์มาสเล่าเรื่องการประสูติของพระคริสต์และอีสเตอร์ที่ถ่ายทอดเรื่องราวการฟื้นคืนพระชนม์ของพระองค์ ในละครพิธีกรรมคริสต์มาส มีการวางไม้กางเขนไว้ตรงกลางพระวิหาร จากนั้นจึงห่อด้วยวัสดุสีดำ ซึ่งหมายถึงการฝังศพของพระเจ้า

เมื่อเวลาผ่านไป ละครพิธีกรรมมีความซับซ้อนมากขึ้น เครื่องแต่งกายของ "นักแสดง" ก็มีความหลากหลาย และ "คำสั่งของผู้กำกับ" ก็ถูกสร้างขึ้นโดยมีข้อบ่งชี้การทดสอบและการเคลื่อนไหวที่แม่นยำ พวกปุโรหิตเองก็ทำทั้งหมดนี้ ผู้จัดงานพิธีกรรมสะสมประสบการณ์การแสดงละครและเริ่มแสดงให้ผู้คนเห็นถึงการเสด็จขึ้นสู่สวรรค์ของพระคริสต์และปาฏิหาริย์พระกิตติคุณอื่น ๆ อย่างชำนาญ การเข้าใกล้ชีวิตและการใช้เอฟเฟกต์การผลิต ละครพิธีกรรมไม่ดึงดูดอีกต่อไป แต่ทำให้นักบวชฟุ้งซ่านจากการบริการ การพัฒนาแนวเพลงปกปิดการทำลายตนเอง ด้วยความไม่ต้องการละทิ้งการบริการของโรงละครและไม่สามารถรับมือกับมันได้ เจ้าหน้าที่ของคริสตจักรจึงนำละครพิธีกรรมออกมาจากใต้ซุ้มโค้งของโบสถ์มาสู่ระเบียง ละครกึ่งพิธีกรรมถือกำเนิดขึ้น และที่นี่โรงละครของโบสถ์ซึ่งอย่างเป็นทางการอยู่ในอำนาจของนักบวชตกอยู่ภายใต้อิทธิพลของฝูงชนในเมือง ตอนนี้เธอกำหนดรสนิยมของเธอให้เขาแล้วโดยบังคับให้เขาแสดงในงานแสดงสินค้าไม่ใช่วันหยุดของโบสถ์และเปลี่ยนมาเป็นภาษาแม่ของเขาโดยสิ้นเชิงเพื่อให้ฝูงชนเข้าใจได้ ด้วยความกังวลเกี่ยวกับความสำเร็จ คริสตจักรจึงเริ่มเลือกหัวข้อในชีวิตประจำวันมากขึ้น และหัวข้อในพระคัมภีร์ที่ต้องตีความทุกวันก็กลายเป็นเนื้อหาสำหรับละครกึ่งพิธีกรรม ตำนานในพระคัมภีร์ไบเบิลอยู่ภายใต้การดูแลของบทกวีเมื่อเวลาผ่านไป นอกจากนี้ ยังมีการนำเสนอนวัตกรรมทางเทคนิค: ในที่สุดหลักการของทิวทัศน์พร้อมกันก็ถูกสร้างขึ้น เมื่อมีการแสดงฉากแอ็คชั่นหลายฉากพร้อมกัน จำนวนลูกเล่นเพิ่มขึ้น อย่างไรก็ตาม แม้จะมีเรื่องทั้งหมดนี้ ละครในโบสถ์ยังคงรักษาความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับคริสตจักรต่อไป ละครเรื่องนี้จัดแสดงที่ระเบียงโดยใช้เงินทุนของโบสถ์ การแสดงละครรวบรวมโดยนักบวช (แม้ว่าผู้เข้าร่วมในการแสดง พร้อมด้วยนักบวชและฆราวาส) ดังนั้น ละครของคริสตจักรจึงดำรงอยู่มาเป็นเวลานานโดยผสมผสานองค์ประกอบที่แยกจากกันอย่างประณีต

ละครฆราวาส.

จุดเริ่มต้นของการเคลื่อนไหวที่สมจริง

การถ่ายทำครั้งแรกของการเคลื่อนไหวที่สมจริงแบบใหม่มีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ trouvère (คณะนักร้องประสานเสียง) Adam de La Halle (ประมาณปี 1238-1287) จากเมือง Arras ของฝรั่งเศส De La Al มีความหลงใหลในบทกวี ดนตรี และการละคร เขาอาศัยอยู่ในปารีสและอิตาลี (ในราชสำนักของชาร์ลส์แห่งอองชู) และกลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในฐานะกวี นักดนตรี และนักเขียนบทละคร

ในศตวรรษที่ 13 กระแสแห่งการแสดงตลกได้จมหายไปแล้วโดยโรงละครแห่งปาฏิหาริย์ ซึ่งมีเหตุการณ์ในชีวิตเป็นธีมด้วย แต่หันไปนับถือศาสนา

ความมหัศจรรย์.

ชื่อ "ปาฏิหาริย์" มาจากคำภาษาละตินว่า "ปาฏิหาริย์" และแน่นอนว่าความขัดแย้งทั้งหมดซึ่งบางครั้งก็สะท้อนถึงความขัดแย้งของชีวิตอย่างรุนแรงในประเภทนี้ได้รับการแก้ไขด้วยการแทรกแซงของพลังศักดิ์สิทธิ์ - นักบุญนิโคลัส, พระแม่มารี ฯลฯ ไทม์เอง - ศตวรรษที่ 14 เต็มไปด้วยสงคราม ความไม่สงบที่ได้รับความนิยม และการสังหารหมู่ที่ไร้มนุษยธรรม - อธิบายการพัฒนาของประเภทที่มีการโต้เถียงเช่นปาฏิหาริย์ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ปาฏิหาริย์ซึ่งโดยปกติจะเริ่มต้นด้วยภาพความจริงที่ปรักปรำมักจบลงด้วยการประนีประนอมเสมอ การกลับใจและการให้อภัย ซึ่งในทางปฏิบัติหมายถึงการคืนดีกับความโหดร้ายที่แสดงไว้เท่านั้น เพราะมันสันนิษฐานว่าอาจมีคนชอบธรรมในแต่ละคน คนร้าย สิ่งนี้เหมาะสมกับทั้งจิตสำนึกของชาวเมืองและคริสตจักร

ความลึกลับ.

ความมั่งคั่งของโรงละครลึกลับคือศตวรรษที่ 15-16 ซึ่งเป็นช่วงเวลาแห่งการเติบโตอย่างรวดเร็วของเมืองและความเลวร้ายของความขัดแย้งทางสังคม เมืองนี้เอาชนะการพึ่งพาระบบศักดินาไปเป็นส่วนใหญ่แล้ว แต่ยังไม่ตกอยู่ภายใต้การปกครองของระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ ความลึกลับคือการแสดงออกถึงความเจริญรุ่งเรืองของเมืองในยุคกลางและวัฒนธรรมของเมือง มันงอกออกมาจากสิ่งที่เรียกว่า "การเลียนแบบความลึกลับ" - ขบวนแห่ในเมืองเพื่อเป็นเกียรติแก่วันหยุดทางศาสนาเพื่อเป็นเกียรติแก่การเดินทางของกษัตริย์ จากเทศกาลเหล่านี้ ความลึกลับสี่เหลี่ยมค่อยๆ เป็นรูปเป็นร่างขึ้นโดยใช้ประสบการณ์ยุคแรกๆ ของโรงละครในยุคกลาง การแสดงลึกลับไม่ได้จัดขึ้นโดยคริสตจักร แต่โดยสมาคมเมืองและเทศบาล ผู้เขียนเป็นบุคคลประเภทใหม่ - นักศาสนศาสตร์ นักกฎหมาย แพทย์ แม้ว่าการแสดงจะกำกับโดยชนชั้นกระฎุมพีระดับสูงของเมือง แต่บทละครลึกลับก็เป็นศิลปะสมัครเล่นในที่สาธารณะ มีผู้คนหลายร้อยคนเข้าร่วมการแสดง

ความลึกลับแสดงให้เห็นการสร้างโลก การกบฏของลูซิเฟอร์ต่อพระเจ้า และปาฏิหาริย์ในพระคัมภีร์ ความลึกลับได้ขยายขอบเขตของโรงละครยุคกลางและสั่งสมประสบการณ์บนเวทีมากมาย ซึ่งถูกใช้ในประเภทต่อมาของยุคกลาง ผู้แสดงอาถรรพ์คือชาวเมือง การแสดงละครครั้งใหญ่แต่ละตอนดำเนินการโดยตัวแทนจากเวิร์กช็อปในเมืองต่างๆ ในขณะเดียวกันความลึกลับก็เปิดโอกาสให้แต่ละอาชีพได้แสดงออกอย่างเต็มที่ที่สุด ความลึกลับได้พัฒนาเทคนิคการแสดงละคร สร้างรสนิยมของผู้คนในการละคร และเตรียมลักษณะบางอย่างของละครเรอเนซองส์ แต่ภายในปี 1548 สมาคมลึกลับโดยเฉพาะอย่างยิ่งที่แพร่หลายในฝรั่งเศส ถูกห้ามไม่ให้แสดงละครลึกลับ แนวตลกเชิงวิพากษ์วิจารณ์ของโรงละครลึกลับเริ่มสังเกตเห็นได้ง่ายเกินไป สาเหตุของการเสียชีวิตของเธอก็คือเธอไม่ได้รับการสนับสนุนจากพลังใหม่ที่ก้าวหน้าของสังคม

ขบวนการปฏิรูป

ตัวละครต่อต้านศักดินา

การปฏิรูปเกิดขึ้นในยุโรปในศตวรรษที่ 16 มันเป็นการต่อต้านระบบศักดินาโดยธรรมชาติและอยู่ในรูปแบบของการต่อสู้กับการสนับสนุนทางอุดมการณ์ของระบบศักดินา - คริสตจักรคาทอลิก

ขบวนการปฏิรูปยืนยันหลักการของ "การสื่อสารส่วนตัวกับพระเจ้า" ซึ่งเป็นหลักการของคุณธรรมส่วนบุคคล ในมือของกลุ่มคนรวย ศีลธรรมกลายเป็นอาวุธในการต่อสู้ทั้งต่อขุนนางศักดินาและต่อมวลชนที่ยากจนในเมือง ความปรารถนาที่จะมอบความศักดิ์สิทธิ์ให้กับโลกทัศน์ของชนชั้นกลางทำให้เกิดโรงละครแห่งศีลธรรม

คุณธรรม.

คุณธรรมทำให้ศีลธรรมเป็นอิสระจากทั้งเรื่องศาสนาและสิ่งรบกวนในชีวิตประจำวัน และเมื่อแยกตัวออกไป ได้รับเอกภาพด้านโวหารและแนวทางการสอนที่มากขึ้น

เรื่องตลก.

เรื่องตลกขบขันในพื้นที่โดดเด่นเป็นอิสระ ประเภทละครตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 อย่างไรก็ตาม ก่อนหน้านี้เขาเคยผ่านเส้นทางการพัฒนาที่ซ่อนอยู่มายาวนาน ชื่อนี้มาจากภาษาละติน farta (“การเติม”) และแท้จริงแล้วผู้จัดงานความลึกลับมักเขียนว่า: "ใส่เรื่องตลกที่นี่" การแสดง Maslenitsa ที่ร่าเริงและการแสดงพื้นบ้านก่อให้เกิด "บริษัท โง่" ซึ่งเป็นสมาคมของเจ้าหน้าที่ศาลผู้น้อยโบฮีเมียนในเมืองที่หลากหลาย เด็กนักเรียน และนักสัมมนา ในศตวรรษที่ 15 สังคมตัวตลกแพร่กระจายไปทั่วยุโรป มีองค์กรขนาดใหญ่สี่องค์กรในปารีสและมีการจัดขบวนพาเหรดการแสดงตลกขบขันเป็นประจำ ในขบวนพาเหรดเหล่านี้ สุนทรพจน์ของบาทหลวง การอภิปรายของผู้พิพากษา และการที่กษัตริย์เข้ามาในเมืองถูกเยาะเย้ย เพื่อตอบสนองต่อสิ่งนี้ เจ้าหน้าที่ฝ่ายฆราวาสและจิตวิญญาณได้ข่มเหงชาวฟาร์เซอร์ ไล่พวกเขาออกจากเมือง และโยนพวกเขาเข้าคุก เรื่องตลกมุ่งสู่ความเป็นจริงด้วยเนื้อหาและโครงสร้างทางศิลปะทั้งหมด เขาเยาะเย้ยทหารที่เที่ยวปล้นสะดม พระภิกษุขายน้ำใจ ขุนนางที่หยิ่งผยอง และพ่อค้าที่ตระหนี่ ลักษณะตัวละครที่สังเกตเห็นได้ชัดเจนและสรุปได้นั้นมีลักษณะเสียดสี วัสดุที่สำคัญ- หลักการสำคัญของการแสดงให้กับนักแสดงตลกคือการแสดงลักษณะเฉพาะ นำไปสู่ล้อเลียนล้อเลียน และการเคลื่อนไหวที่แสดงออกถึงกิจกรรมและความร่าเริงของนักแสดงเอง หน่วยงานกษัตริย์และคริสตจักรได้โจมตีความคิดอิสระในเมืองมากขึ้นเรื่อยๆ และรูปแบบหนึ่งของมัน - โรงละครตลก

เรื่องตลกมีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาโรงละครในยุโรปตะวันตก ในอิตาลี commedia dell'arte เกิดจากเรื่องตลก ในสเปน - ผลงานของ "บิดาแห่งโรงละครสเปน" Lope de Rueda; และในอังกฤษ John Heywood เขียนบทสลับฉากของเขาเป็นเรื่องตลก ในเยอรมนี Hans Sachs; ในฝรั่งเศส ประเพณีอันตลกขบขันได้หล่อเลี้ยงศิลปะของโมลิแยร์ผู้ปราดเปรื่องและเช็คสเปียร์ผู้ยิ่งใหญ่

เป็นเรื่องตลกที่กลายเป็นตัวเชื่อมระหว่างโรงละครเก่าและโรงละครใหม่

โรงละครใหม่

โรงละคร (จากโรงละครกรีก - สถานที่สำหรับการแสดง, การแสดง) แนวคิดทั่วไปของการละครแบ่งออกเป็นประเภทศิลปะการแสดงละคร ได้แก่ ละคร โอเปร่า บัลเล่ต์ ละครใบ้ ฯลฯ ที่มาของคำนี้เกี่ยวข้องกับโรงละครกรีกโบราณ ซึ่งนี่คือสิ่งที่เรียกว่าที่นั่งในหอประชุม อย่างไรก็ตาม ในปัจจุบัน ความหมายของคำนี้มีความหลากหลายอย่างมาก

ในช่วงยุคแห่งการตรัสรู้ การเปลี่ยนผ่านสู่วัฒนธรรมสมัยใหม่ได้เสร็จสิ้นลง วิถีชีวิตและความคิดแบบใหม่กำลังเป็นรูปเป็นร่าง ซึ่งหมายความว่าการตระหนักรู้ในตนเองเชิงศิลปะเกี่ยวกับวัฒนธรรมรูปแบบใหม่ก็เปลี่ยนไปเช่นกัน ชื่อ "การตรัสรู้" แสดงให้เห็นลักษณะเฉพาะของจิตวิญญาณทั่วไปของการเคลื่อนไหวนี้ในด้านวัฒนธรรมและชีวิตทางจิตวิญญาณ ซึ่งตั้งเป้าหมายในการเปลี่ยนมุมมองที่อิงตามอำนาจทางศาสนาหรือการเมืองด้วยมุมมองที่เป็นผลมาจากข้อกำหนดของจิตใจมนุษย์

ศตวรรษที่สิบแปด มอบวัฒนธรรมโลกให้กับศิลปินและนักทฤษฎีศิลปะการละครที่น่าทึ่งเช่น Sheridan ในอังกฤษ, Voltaire, Diderot, Beaumarchais ในฝรั่งเศส, Lessing, Goethe, Schiller ในเยอรมนี, Goldoni ในอิตาลี การครอบงำของเหตุผลนำไปสู่ความจริงที่ว่าศิลปะแห่งการตรัสรู้ได้รับความทุกข์ทรมานจากความมีเหตุผล การวิเคราะห์ชีวิตอย่างมีเหตุผลจำเป็นต้องมีรูปแบบที่เป็นระเบียบ

อย่างไรก็ตาม ผู้รู้แจ้งซึ่งมองเห็นอุดมคติของมนุษย์ในบุคลิกภาพที่กลมกลืนกัน ไม่สามารถละเลยความต้องการด้านความรู้สึกเมื่อมาถึงงานศิลปะได้ โรงละครแห่งการตรัสรู้ได้แสดงออกมาอย่างน่าทึ่งทั้งในด้านเนื้อหาและวิธีการเป็นมุมมองใหม่ของโลกที่เพียงพอต่อยุคสมัย

ละครในยุคแห่งการตรัสรู้ในอังกฤษ

ผู้ชมละครในศตวรรษที่ 18 มีความเป็นประชาธิปไตยมากขึ้น มีการติดตั้งม้านั่งเรียบง่ายในแผงขายของสำหรับชาวเมือง ชั้นวางเต็มไปด้วยคนรับใช้ นักเรียน และช่างฝีมือเล็กๆ ในระหว่างการแสดง ผู้ชมมีพฤติกรรมที่กระตือรือร้นและมีปฏิกิริยาตอบสนองต่อสิ่งที่แสดงบนเวทีอย่างมีชีวิตชีวา

ดังนั้น ในอังกฤษ โรงละครแห่งการตรัสรู้จึงวิพากษ์วิจารณ์ความชั่วร้ายของระบบชนชั้นกลางที่กำลังเกิดขึ้น หลักคำสอนเชิงอุดมการณ์ใหม่ของโรงละครปรากฏ: สาธารณะและ การศึกษาคุณธรรมผู้ดู หลักคำสอนนี้เข้ากันได้อย่างสมบูรณ์แบบกับประเพณีที่เคร่งครัดของอังกฤษ - ต่อมาพวกพิวริตันได้ลดตำแหน่งของตนที่เกี่ยวข้องกับศิลปะการแสดงละคร และไม่ต่อสู้กับโรงละครเช่นนี้อีกต่อไป แต่เพื่อการปฏิรูป: การกำจัดการผิดศีลธรรมและการเปลี่ยนแปลงของโรงละครให้กลายเป็น สถาบันที่เป็นประโยชน์ต่อสังคม

เอกสารเชิงโปรแกรมของการปฏิรูปโรงละครคือบทความของนักศาสนศาสตร์ผู้เคร่งครัด เจเรมี คอลลิเออร์ ต่อต้านโรงละครชนชั้นสูง, A Brief Review of the Immorality and Impiety of the English Stage (1698) บทความนี้กำหนดเน้นเรื่องศีลธรรมและการสอน โรงละครอังกฤษตลอดเกือบตลอดศตวรรษที่ 18 ผลงานของนักเขียนบทละครเช่น โจเซฟ แอดดิสัน (Cato, The Drummer), ริชาร์ด สตีล (The Liar Lover, or Women's Friendship; The Carefree Husband), ซามูเอล จอห์นสัน (Irene), คอลลีย์ ซิบเบอร์ (The Carefree Husband; The Wife's Last Bid; The สามีหงุดหงิด) พัฒนาไปในทิศทางนี้)

ในปี 1731 ในคำนำของละครเรื่อง The London Merchant หรือ History of George Barnwell นักเขียนบทละคร George Lillo ได้ตีพิมพ์รายการสุนทรียภาพใหม่ ซึ่งเป็นทฤษฎีที่สมจริงของละครชนชั้นกลาง เขาต่อต้านข้อจำกัดทางชนชั้นของโศกนาฏกรรมครั้งนี้ ซึ่งนำเฉพาะบุคคลระดับสูงเท่านั้นที่เป็นวีรบุรุษ เขาเรียกร้องให้โศกนาฏกรรมกลายเป็นตัวนำแนวคิดทางศีลธรรมของชนชั้นกระฎุมพีโดยไม่ซ่อนความเป็นศัตรูต่อชนชั้นสูง เมื่อสิบปีก่อนในปี 1721 ละครเรื่อง Fatal Madness ที่ไม่ระบุชื่อปรากฏในอังกฤษซึ่งเขียนขึ้นในหนึ่งในประเด็นที่ชื่นชอบของละครชนชั้นกลาง - เกี่ยวกับผลที่ตามมาของความหายนะของความหลงใหลในการพนัน จากนั้นบทละครก็แทบจะไม่มีใครสังเกตเห็น - เวลาสำหรับแนวใหม่ยังไม่มา แต่ตอนนี้ประเด็นชนชั้นกระฎุมพีกลายเป็นที่ต้องการอย่างมากในหมู่ผู้ชม

แนวโน้มการเสียดสีในละครได้รับการพัฒนาอย่างประสบความสำเร็จโดย Henry Fielding (“Don Quixote ในอังกฤษ”; “Grabstreet’s Opera, or Under the Shoe of the Wife”; “Historical Calendar for 1736”) ความร้ายแรงของการประณามการเสียดสีนำไปสู่การตีพิมพ์กฎหมายรัฐบาลเกี่ยวกับการเซ็นเซอร์การแสดงละครในปี ค.ศ. 1737 ซึ่งยุติลง การเสียดสีทางการเมือง- ความสนใจของนักเขียนบทละครและนักการศึกษามุ่งเน้นไปที่การแสดงตลกซึ่งเปิดโอกาสให้อย่างน้อยเสียดสีสังคม ที่สุด ผลงานที่น่าสนใจคอเมดี้ที่มีมารยาทในยุคนี้เขียนโดย Oliver Goldsmith (Good; The Night of Errors) และ Richard Sheridan (The Rivals; The School for Scandal)

ตัวแทนที่ดีที่สุดของภาษาอังกฤษ ศิลปะศิลปะปรากฏขึ้น เดวิดผู้โด่งดัง Garrick (1717-1779) นักมนุษยนิยมและนักการศึกษาบนเวที เขาประสบความสำเร็จในการโปรโมตละครของเช็คสเปียร์ โดยรับบทเป็นแฮมเล็ต เลียร์ และคนอื่นๆ

ปลายศตวรรษที่ 18 ทำเครื่องหมายในอังกฤษโดยการเกิดขึ้นของประเภทใหม่ - โศกนาฏกรรมของ "ฝันร้ายและความน่าสะพรึงกลัว" ซึ่งเป็นบรรพบุรุษของขบวนการสุนทรียภาพใหม่ - แนวโรแมนติก ผู้สร้างประเภทนี้คือ Horace Walpole แม้ว่าเขาจะเขียนละครเรื่องเดียวเรื่อง "The Mysterious Mother" (1768) ซึ่งบรรยายถึงเรื่องราวของความหลงใหลในการร่วมประเวณีระหว่างพี่น้อง แต่ผู้เขียนก็มีอิทธิพลอย่างมากต่อละครก่อนโรแมนติกและโรแมนติก

โรงละครฝรั่งเศสแห่งศตวรรษที่ 18

กระบวนการทำให้สังคมเป็นประชาธิปไตยในช่วงการตรัสรู้ทำให้ละครแนวใหม่มีชีวิตขึ้นมา - ละครชนชั้นกลางซึ่งผู้สร้างในฝรั่งเศส ได้แก่ D. Diderot, M. J. Seden, L. S. Mercier

ข้อบกพร่องของละครชนชั้นกลางและ "ตลกน้ำตาไหล" ถูกเอาชนะในคอเมดีของ P. O. Beaumarchais "The Barber of Seville" (1775) และ "The Marriage of Figaro" (1784) ซึ่งประเพณีของ Moliere ได้รับการฟื้นฟูด้วยความเข้มแข็งและ คุณลักษณะที่ดีที่สุดของสุนทรียภาพทางการศึกษาได้รวบรวมไว้

ความปรารถนาอันกล้าหาญและพลเมืองของละครเพื่อการศึกษาได้รับการเปิดเผยอย่างมีพลังสูงสุดในสมัยของฝรั่งเศส การปฏิวัติชนชั้นกลางปลายศตวรรษที่ 18 โศกนาฏกรรมของ M. J. Chenier ซึ่งเต็มไปด้วยความน่าสมเพชต่อต้านระบบศักดินา (Charles IX, 1789, Henry VIII, 1791, Jean Calas, 1791, Caius Gracchus, 1792) เป็นตัวอย่างของละครของลัทธิคลาสสิกที่ปฏิวัติ

ในฝรั่งเศส นักปรัชญาการรู้แจ้ง วอลแตร์ เปลี่ยนละครของเขาไปสู่การกดดันประเด็นทางสังคมและประณามลัทธิเผด็จการ ยังคงพัฒนาประเภทของโศกนาฏกรรมต่อไป

ในเวลาเดียวกัน ประเพณีการแสดงตลกเสียดสียังคงอยู่บนเวทีฝรั่งเศส ดังนั้น Lesage (1668-1747) ในภาพยนตร์ตลกเรื่อง "Turcare" จึงวิพากษ์วิจารณ์ไม่เพียง แต่ขุนนางผู้เสื่อมโทรมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชนชั้นกระฎุมพีที่ร่ำรวยด้วย เขาพยายามสร้างคอเมดี้ให้กับละครยอดนิยม

นักการศึกษาและนักเขียนบทละครอีกคน Denis Diderot (1713-1784) ปกป้องความจริงและความเป็นธรรมชาติบนเวที นอกเหนือจากบทละครหลายเรื่อง (“ Bad Son”, “ Father of the Family” ฯลฯ ) Diderot ยังเขียนบทความเรื่อง The Paradox of the Actor ซึ่งเขาได้พัฒนาทฤษฎีการแสดง

ในการผลิตโศกนาฏกรรมทางการศึกษาของวอลแตร์มีนักแสดงประเภทใหม่เกิดขึ้นซึ่งสามารถแสดงความน่าสมเพชของพลเมืองในรูปแบบที่กล้าหาญและกล่าวหาได้

โรงละครที่ยุติธรรมและบนถนนครอบครองพื้นที่ขนาดใหญ่ในการพัฒนาโรงละครในช่วงการตรัสรู้ในฝรั่งเศส ประเภทของละครที่ยุติธรรม ได้แก่ ละครใบ้ เรื่องตลก ละครคุณธรรม และการแสดงแบบเร็ว ซึ่งการแสดงมีพื้นฐานมาจากศิลปะแห่งการแสดงด้นสด การแสดงเหล่านี้เป็นการแสดงที่มักเป็นการเสียดสี โดยมีองค์ประกอบที่แปลกประหลาดและตลกขบขัน เต็มไปด้วยอารมณ์ขันที่หยาบคาย นักเต้นเชือก นักเล่นกล และสัตว์ที่ได้รับการฝึกฝนซึ่งเป็นต้นแบบของนักแสดงละครสัตว์ก็แสดงในงานเช่นกัน พวกเขาใช้การล้อเลียนและการเสียดสีอย่างกว้างขวาง ลักษณะที่เป็นประชาธิปไตยของศิลปะนี้ทำให้เกิดการโจมตีจากโรงละครที่มีสิทธิพิเศษ

การก่อตัวของโรงละครเยอรมัน

ผู้สร้างโรงละครแห่งชาติเยอรมันอย่างแท้จริงคือ Gotthold-Efraim Lessing นักเขียนผู้รู้แจ้งชาวเยอรมันที่มีชื่อเสียงที่สุด (1729 -1781) เขาสร้างภาพยนตร์ตลกระดับชาติเรื่องแรกของเยอรมันเรื่อง Minna von Barnholm โศกนาฏกรรมต่อต้านระบบศักดินาเรื่อง Emilia Galotti และผลงานละครอื่นๆ อีกมากมาย ในโศกนาฏกรรมทางการศึกษาเรื่อง “Nathan the Wise” ผู้เขียนได้กล่าวถึงการต่อต้านความคลั่งไคล้ทางศาสนา

ในหนังสือชื่อดังเรื่อง “Hamburg Drama” Lessing ได้สรุปความคิดเห็นของเขาเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์และทฤษฎีการละคร G. E. Lessing เป็นผู้สร้างละครสังคม ตลกระดับชาติและโศกนาฏกรรมทางการศึกษา นักทฤษฎีการละคร และเป็นผู้ก่อตั้งการเคลื่อนไหวที่สมจริงในโรงละครเยอรมันแห่งศตวรรษที่ 18

แนวคิดเรื่องการตรัสรู้มีอิทธิพลอย่างมากต่อการแสดงของชาวเยอรมัน และทำให้เข้าใกล้ความสมจริงมากขึ้น นักแสดงที่โดดเด่นที่สุดในเยอรมนีในช่วงหลายปีที่ผ่านมาคือ ฟรีดริช ลุดวิก ชโรเดอร์ (1744-1816) ซึ่งเกี่ยวข้องกับแนวคิดเรื่อง "ความปั่นป่วนและความเครียด" ในยุค 70 ศตวรรษที่สิบแปด การเคลื่อนไหวใหม่ที่เรียกว่า "Storm and Drang" เกิดขึ้นในงานศิลปะเยอรมัน

มันสะท้อนให้เห็นถึงการเคลื่อนไหวของกลุ่มกระฎุมพีที่มีความคิดปฏิวัติและก้าวหน้าที่สุดซึ่งต่อสู้กับระบบศักดินาและลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์ เกอเธ่และชิลเลอร์ กวีและนักเขียนบทละครชาวเยอรมันที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เข้าร่วมในขบวนการนี้ ในปี พ.ศ. 2320 โรงละครแห่งชาติ Mannheim ได้เปิดขึ้น ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นหนึ่งในโรงละครเยอรมันที่ใหญ่ที่สุดในยุค 80-90 ในศตวรรษที่ 18 กิจกรรมของนักแสดง ผู้กำกับ และนักเขียนบทละคร A.V. Iffland ได้ถูกเปิดเผยที่นั่น เขาปลูกฝังละครชนชั้นกลาง - ฟิลิสเตียบนเวที Mannheim (ละครของเขาเองรวมถึงบทละครของ A. Kotzebue) ซึ่งกำหนดหน้าตาที่สร้างสรรค์ของโรงละคร

ใน ปลาย XVIIฉันศตวรรษ การพัฒนาโรงละครเยอรมันมีความเกี่ยวข้องกับกิจกรรมของนักเขียนบทละครชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ เจ. ดับเบิลยู. เกอเธ่ และ เอฟ. ชิลเลอร์ในโรงละครไวมาร์ ที่นี่เป็นครั้งแรกในเยอรมนีที่พวกเขาจัดแสดง ผลงานที่สำคัญละครคลาสสิกระดับโลก (เกอเธ่, ชิลเลอร์, เลสซิง, วอลแตร์ และอื่น ๆ ) วางรากฐานของศิลปะการกำกับ หลักการของวงดนตรีการแสดงที่อยู่ใต้บังคับบัญชาของเดี่ยว การออกแบบทางศิลปะ.

ในโปรแกรมทางทฤษฎีและการปฏิบัติทางศิลปะเกอเธ่ยืนยันหลักการของการสร้างโรงละครที่ยิ่งใหญ่ซึ่งตรงตามมาตรฐานที่เข้มงวดของศิลปะโบราณ "โรงเรียนไวมาร์" การแสดงอยู่ตรงข้ามกับ Mannheim และใกล้กับ Classicist มากขึ้น

โรงละครอิตาลี

แม้จะมีความล้าหลังทางเศรษฐกิจและการเมือง แต่อิตาลีก็โดดเด่นด้วยความร่ำรวยและความหลากหลายของชีวิตการแสดงละคร เมื่อถึงศตวรรษที่ 18 อิตาลีมีดีที่สุดในโลก โรงละครดนตรีซึ่งแบ่งออกเป็นสองประเภท - โอเปร่าที่จริงจังและโอเปร่าการ์ตูน (โอเปร่าบัฟ) มีโรงละครหุ่นกระบอกและมีการแสดงตลก dell'arte ทุกที่

อย่างไรก็ตาม การปฏิรูปละครมีมายาวนานแล้ว ในยุคแห่งการรู้แจ้ง การแสดงตลกแบบด้นสดไม่เป็นไปตามข้อกำหนดของยุคนั้นอีกต่อไป เราต้องการอันใหม่ที่จริงจัง โรงละครวรรณกรรม- Comedy of Masks ไม่สามารถดำรงอยู่ได้ในรูปแบบก่อนหน้านี้ แต่ความสำเร็จจะต้องได้รับการอนุรักษ์และถ่ายโอนไปยังโรงละครใหม่อย่างระมัดระวัง

การแทรกซึมของแนวคิดการตรัสรู้เข้าสู่ โรงละครอิตาลีมาพร้อมกับการต่อสู้อันยาวนานกับลัทธิแบบแผนและขาดแนวคิดมา เวทีละคร- ผู้ริเริ่มในอิตาลีคือนักเขียนบทละครที่ยอดเยี่ยม Carlo Goldoni (1707 -1793) เขาสร้าง ตลกใหม่ตัวอักษร แทนที่จะเป็นการแสดงด้นสด การแสดงมีพื้นฐานมาจากข้อความวรรณกรรม

ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ถือเป็นช่วงเวลาแห่งสงครามการแสดงละครในประวัติศาสตร์อิตาลี Abbot Chiari นักเขียนบทละครธรรมดาๆ ที่ไม่เป็นอันตรายต่อต้านเขา แต่ Carlo Gozzi เป็นคู่ต่อสู้หลักของเขาในแง่ของความสามารถที่เท่าเทียมเขา Gozzi ปกป้องโรงละครแห่งหน้ากากโดยกำหนดภารกิจในการฟื้นฟูประเพณีการแสดงตลกด้นสด และดูเหมือนว่าเขาจะทำสำเร็จในช่วงหนึ่ง และแม้ว่า Goldoni จะออกจากพื้นที่สำหรับการแสดงด้นสดในคอเมดีของเขา และในที่สุด Gozzi เองก็เขียนผลงานละครของเขาเกือบทั้งหมด แต่ข้อพิพาทของพวกเขาก็โหดร้ายและไม่ยอมประนีประนอม เนื่องจากเส้นประสาทหลักของการเผชิญหน้าระหว่างชาวเวนิสผู้ยิ่งใหญ่ทั้งสองคือความไม่ลงรอยกันของตำแหน่งทางสังคมของพวกเขาค่ะ มุมมองที่แตกต่างกันบนโลกและมนุษย์

Carlo Gozzi (1720-1806) เป็นนักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์ ในความพยายามที่จะเปรียบเทียบละครของเขากับคอเมดีของ Goldoni Gozzi ได้พัฒนาประเภทของเทพนิยายละคร นี่คือบทละครของเขาเรื่อง "The Love for Three Oranges", "The Deer King", "Princess Turandot" อันโด่งดัง, "The Snake Woman" และอื่น ๆ ต้องขอบคุณการประชดและอารมณ์ขันที่เข้มข้นนิทานที่มีพรสวรรค์ของ Gozzi บนเวทีจึงยังคงได้รับความนิยมมาจนถึงทุกวันนี้

ผู้เขียนโศกนาฏกรรมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคือ Vittorio Alfieri การกำเนิดของโศกนาฏกรรมละครเพลงของอิตาลีมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของเขา เขาสร้างโศกนาฏกรรมทางแพ่งโดยลำพัง ผู้รักชาติผู้หลงใหลซึ่งใฝ่ฝันที่จะปลดปล่อยบ้านเกิดของเขา Alfieri ต่อต้านระบบเผด็จการ โศกนาฏกรรมทั้งหมดของเขาเต็มไปด้วยความน่าสมเพชที่กล้าหาญของการต่อสู้เพื่ออิสรภาพ

Alfieri แย้งว่าประชาชนควรได้รับอิสรภาพจากมือของชนชั้นสูง เขายืนยันเสรีภาพของมนุษย์ซึ่งเจตจำนงจะขึ้นอยู่กับเหตุผลและสำนึกในหน้าที่เท่านั้น ในบทความของเขาเรื่อง "On the Prince and Literature" (1778-86) Alfieri นิยามงานกวีนิพนธ์เชิงละครว่าเป็นการปลุกความรู้สึกถึงคุณธรรมและความรักในอิสรภาพ โศกนาฏกรรมของ Alfieri Saul, Philip, Virginia, Brutus I และ Brutus II มีส่วนช่วยในการพัฒนาโรงละครของอิตาลี

โรงละครแห่งการตรัสรู้ของเดนมาร์ก

โรงละครมืออาชีพในเดนมาร์กเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 18 การสร้างมีสาเหตุมาจากการพัฒนาเศรษฐกิจและวัฒนธรรมของประเทศ เมื่อวันที่ 23 กันยายน ค.ศ. 1722 โรงละครเวทีของเดนมาร์กเปิดในโคเปนเฮเกนด้วยละครเรื่อง "The Miser" และในไม่ช้าก็มีการฉายรอบปฐมทัศน์ของภาพยนตร์ตลกเรื่องแรกของ L. Holberg เรื่อง "The Tin Man-Politician"

ในปี ค.ศ. 1728 ตัวแทนของแวดวงศาลประสบความสำเร็จในการปิดเวทีเดนมาร์ก โรงละครกลับมาทำงานต่อในปี 1748 เท่านั้น (ในบริเวณ Royal Square) ในปี พ.ศ. 2313 ได้รับชื่อ Royal และอยู่ภายใต้เขตอำนาจของกระทรวงศาล ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 โรงละครแห่งนี้จัดแสดงเพลงร้องเพลง ตลกโดย J. Ewald โศกนาฏกรรมของวอลแตร์และมหากาพย์ภาษาเดนมาร์กของเขา แต่พื้นฐานของละครของโรงละครยังคงเป็นละครของโฮลเบิร์ก

บทบาทที่โดดเด่นในการส่งเสริมแนวคิดเรื่องการตรัสรู้ในเดนมาร์กแสดงโดยผลงานของ I. X. Wessel ผู้เขียนโศกนาฏกรรมล้อเลียนเรื่อง Love without Stockings (1772) ซึ่งสืบสานประเพณีของ Holberg

โรงละครแห่งการตรัสรู้เป็นหนึ่งในปรากฏการณ์ที่โดดเด่นและสำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก นี่คือแหล่งอันทรงพลังของศิลปะการแสดงละครยุโรป - ตลอดกาล โรงละครแห่งใหม่เกิดขึ้นจากความต้องการที่จะทุ่มเทพลังของเยาวชนไปสู่การปฏิบัติ และถ้าคุณถามตัวเองด้วยคำถามว่าการกระทำนี้น่าสนุกแค่ไหน คำตอบก็ชัดเจน: แน่นอน เข้าสู่ขอบเขตของโรงละคร

ในช่วงศตวรรษที่ 18 โรงละครยุโรปมีชีวิตที่ยืนยาวและซับซ้อน บรรทัดฐานด้านสุนทรียศาสตร์ซึ่งถือเป็นสัมบูรณ์ได้สูญเสียความหมายเดิมไปในช่วงเวลานี้ ตลอดระยะเวลาหนึ่งศตวรรษ ความคิดเห็นและรสนิยมมีความขัดแย้งกันอย่างต่อเนื่อง และหอประชุมก็กลายเป็นเวทีแห่งการปะทะกันในที่สาธารณะมากกว่าหนึ่งครั้ง ผู้เขียนเป็นฝ่ายตรงข้ามทางการเมืองซึ่งเป็นครั้งแรกที่ได้เรียนรู้ว่าอาจมีการต่อสู้อันขมขื่นในงานศิลปะของพวกเขาเช่นกัน

โรงละครในฐานะรูปแบบศิลปะไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้ในอนุสรณ์สถานทางวัตถุเช่นภาพวาดและประติมากรรมตลอดจนผลงานวรรณกรรมและดนตรี แต่ประวัติศาสตร์ของโรงละครบอกเล่าเกี่ยวกับนักแสดงผู้ยิ่งใหญ่ในอดีต วิธีการเล่นของพวกเขา แรงบันดาลใจของคนรุ่นราวคราวเดียวกันที่พวกเขารวบรวมไว้ในการแสดง สิ่งที่ต้องการในเวลาที่พวกเขาตอบสนอง

ชีวิตการแสดงละครของรัสเซียในศตวรรษที่ 19

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 เครือข่ายโรงละครจักรวรรดิรัสเซียได้ก่อตั้งขึ้นซึ่งได้รับการจัดการ
“กระทรวงราชสำนักของพระองค์” ผู้ใต้บังคับบัญชาของศาลมีโรงละครสามแห่งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - อเล็กซานเดรีย, มาริอินสกีและมิคาอิลอฟสกี้ - และอีกสองแห่งในมอสโก - โรงละครบอลชอยและมาลี

ด้วยการมาของบทละครของ A.N. ออสตรอฟสกี้, I.S. Turgenev ร้อยแก้วโดย F.M. Dostoevsky บทกวีของ Nekrasov ความสมจริงมาถึงวัฒนธรรมรัสเซีย

ศิลปะการแสดงเปลี่ยนไปพร้อมกับการแสดงละคร ทำลายความคิดเก่าๆ เกี่ยวกับความจริงที่อยู่บนเวที วันที่ 16 พฤศจิกายน พ.ศ. 2402 เป็นวันเปิดตัวละครเรื่อง The Thunderstorm ของ Ostrovsky ที่โรงละคร Maly พายุปะทุขึ้นรอบการแสดง นักแสดงคนแรกในบทบาทของ Katerina คือนักแสดงที่ยอดเยี่ยม L.P. นิคูลินา - โคซิทสกายา ด้วยบทละครของ Ostrovsky องค์ประกอบของชีวิตชาวรัสเซียซึ่งเป็นภาษาใหม่ที่สมบูรณ์และทันสมัยก็พุ่งขึ้นมาบนเวที นักแสดงของ Maly ฉายแววในบทละครของ Ostrovsky ตลอดทศวรรษต่อ ๆ มา จี.เอ็น. Fedotova, M.N. Ermolova เป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยมของ Maly Theatre

ศิลปินชาวรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 M.S. Shchepkin, ป.ล. โมชาลอฟ, วี.เอ. Karatygin ยังคงอยู่ในความทรงจำของลูกหลานในฐานะบุคคลจากตำนาน Shchepkin มีบทบาทเกือบ 600 บทในละครของ Shakespeare, Moliere, Gogol, Ostrovsky และ Turgenev เขาเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่ยืนยันความสมจริงในโรงละครรัสเซีย เขาสร้างความจริงบนเวทีรัสเซีย

Mochalov เป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับ Shchepkin เขาเล่นบทนำในละครรัสเซียและตะวันตก - Hamlet ของเช็คสเปียร์, Karl Moor ในละครของ Schiller เรื่อง The Robbers, Chatsky ใน Woe from Wit

ในการผลิตละคร นักแสดงชาวรัสเซียได้สร้างภาพที่ลงไปในประวัติศาสตร์ศิลปะการแสดงละคร ประชาชนชื่นชม Ekaterina Semyonova และ Alexei Yakovlev นักแสดงเหล่านี้แปลงร่างเป็นคนที่พวกเขาเป็นตัวแทนไปโดยสิ้นเชิง โรงละคร Maly เริ่มมีความเชี่ยวชาญด้านการแสดงละครและโรงละครบอลชอยในโอเปร่าและบัลเล่ต์ทีละน้อย

โรงละครบอลชอยเปตรอฟสกี้ 2368-2396

การเปิดโรงละครบอลชอยเปตรอฟสกี้เมื่อวันที่ 6 มกราคม พ.ศ. 2368 ถือเป็นพิธีการอย่างยิ่ง ผู้ชมที่มาเยี่ยมชมโรงละครแห่งใหม่ในเย็นวันนั้นต่างตกตะลึงกับความสง่างามของการออกแบบสถาปัตยกรรมและการนำไปใช้ ขนาดของอาคารที่ไม่เคยมีมาก่อน และความสวยงามของการตกแต่งหอประชุม

นักเขียน Sergei Aksakov เล่าว่า: “โรงละคร Bolshoi Petrovsky ซึ่งโผล่ออกมาจากซากปรักหักพังเก่าแก่ที่ไหม้เกรียม... ทำให้ฉันประหลาดใจและยินดี... อาคารขนาดใหญ่อันงดงามแห่งนี้อุทิศให้กับงานศิลปะที่ฉันชื่นชอบโดยเฉพาะ เพียงแค่รูปลักษณ์ภายนอกก็ทำให้ฉันตื่นเต้นอย่างสนุกสนาน …”

ก่อนเริ่มการแสดง ผู้ชมเรียกผู้สร้างโรงละคร Osip Bove ขึ้นไปบนเวทีและปรบมือให้เขา

ในเช้าวันที่ 11 มีนาคม พ.ศ. 2396 มีเมฆมากและหนาวจัด เกิดเพลิงไหม้ในโรงละครโดยไม่ทราบสาเหตุ เปลวไฟลุกท่วมทั้งอาคารทันที แต่ไฟโหมกระหน่ำอย่างแรงที่สุดบนเวทีและในหอประชุม “ มันน่ากลัวที่ได้เห็นยักษ์ตัวนี้ถูกกลืนหายไปในไฟ” ผู้เห็นเหตุการณ์บรรยายถึงไฟนั้น “ เมื่อมันกำลังลุกไหม้ดูเหมือนว่าคนที่เรารักซึ่งมอบความคิดและความรู้สึกที่สวยงามที่สุดให้กับเรานั้นกำลังจะตาย ต่อหน้าต่อตาเรา...”

ชาวมอสโกต่อสู้กับเปลวไฟเป็นเวลาสองวันและในวันที่สามอาคารโรงละครมีลักษณะคล้ายกับซากปรักหักพังของโคลีเซียมโรมัน ซากอาคารถูกเผาอยู่ประมาณหนึ่งสัปดาห์ เครื่องแต่งกายละครที่รวบรวมมาตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 ทัศนียภาพที่ยอดเยี่ยมสำหรับการแสดง หอจดหมายเหตุของคณะละคร ส่วนหนึ่งของคลังเพลง และเครื่องดนตรีหายาก สูญหายไปในกองไฟอย่างไม่อาจแก้ไขได้

การออกแบบอาคารโรงละครใหม่ซึ่งวาดโดยศาสตราจารย์เอ. มิคาอิลอฟได้รับการอนุมัติจากจักรพรรดิอเล็กซานเดอร์ที่ 1 ในปี พ.ศ. 2364 และได้รับความไว้วางใจในการก่อสร้างโดยสถาปนิก Osip Bova

โรงละครที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งในยุโรป สร้างขึ้นบนพื้นที่ของอาคารโรงละครที่ถูกไฟไหม้ แต่ส่วนหน้าหันหน้าไปทางจัตุรัส Teatralnaya...

โรงละครบอลชอย (พ.ศ. 2399-2460)

เมื่อวันที่ 20 สิงหาคม พ.ศ. 2399 โรงละครบอลชอยที่ได้รับการบูรณะได้เปิดขึ้นต่อหน้าราชวงศ์และตัวแทนของทุกรัฐพร้อมโอเปร่าเรื่อง The Puritans ของ V. Bellini ซึ่งแสดงโดยคณะชาวอิตาลี บัลเล่ต์มอสโกในยุคนี้เป็นหนี้ความสำเร็จของความสามารถของ Marius Petipa ชาวฝรั่งเศสผู้ตั้งรกรากในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก นักออกแบบท่าเต้นมามอสโคว์หลายครั้งเพื่อแสดงบนเวที ผลงานที่สำคัญที่สุดในมอสโกของเขาคือ "Don Quixote" โดย L. Minkus ซึ่งแสดงครั้งแรกในปี พ.ศ. 2412 ต่อมา Petipa ได้ย้ายบัลเล่ต์นี้ฉบับมอสโกไปที่เวทีเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

คุ้มค่ามากงานของ P. Tchaikovsky มีบทบาทในการพัฒนาวัฒนธรรมการแสดง นักแต่งเพลงเปิดตัวในเพลงโอเปร่า - "The Voevoda" (1869) และเพลงบัลเล่ต์ - " ทะเลสาบสวอน"(พ.ศ. 2420) เกิดขึ้นบนเวทีโรงละครบอลชอย ที่นี่โอเปร่า "Eugene Onegin" (พ.ศ. 2424) ได้รับการกำเนิดที่แท้จริงซึ่งเป็นความพยายามครั้งแรกบนเวทีใหญ่หลังจากการผลิตเรือนกระจกในปี พ.ศ. 2422; โอเปร่า "Mazeppa" (1884) หนึ่งในจุดสูงสุดของความคิดสร้างสรรค์โอเปร่าของนักแต่งเพลงเปิดตัวครั้งแรก ฉบับสุดท้ายของโอเปร่า "Blacksmith Vakula" ซึ่งได้รับชื่อใหม่ "Cherevichki" ในการแสดงปี 1887

การแสดงที่น่าจดจำในพงศาวดารของโรงละครคือการแสดงครั้งแรกเมื่อวันที่ 16 ธันวาคม พ.ศ. 2431 ของละครพื้นบ้านของ I. Mussorgsky เรื่อง "Boris Godunov" โอเปร่าเรื่องแรกของ N. Rimsky-Korsakov ที่เห็นแสงสว่างจากเวทีโรงละครบอลชอยคือ "The Snow Maiden" (1893) และ "The Night Before Christmas" (1898) ในปีเดียวกัน พ.ศ. 2441 โรงละครได้แสดงโอเปร่าเรื่อง Prince Igor ของ A. Borodin แก่ผู้ชมเป็นครั้งแรกและแฟน ๆ อีกสองปีต่อมา ศิลปะการออกแบบท่าเต้นทำความคุ้นเคยกับบัลเล่ต์ "Raymonda" ของ A. Glazunov

คณะโอเปร่าของโรงละครในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 มีนักร้องที่โดดเด่นมากมาย ในบรรดาชื่ออันรุ่งโรจน์ในปีที่ผ่านมา ได้แก่ Eulalia Kadmina, Anton Bartsal, Pavel Khokhlov, Nadezhda Salina, Ivan Gryzunov, Margarita Gunova, Vasily Petrov เป็นต้น นักร้องปรากฏตัวบนเวทีละครในช่วงหลายปีที่ผ่านมาซึ่งในไม่ช้าชื่อก็เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางไม่เพียง แต่ใน รัสเซียและต่างประเทศ - Leonid Sobinov, Fyodor Chaliapin, Antonina Nezhdanova

กิจกรรมในโรงละครของ Sergei Rachmaninov ผู้ซึ่งสถาปนาตัวเองเป็นผู้ควบคุมวงก็ประสบผลสำเร็จ นักดนตรีที่ยอดเยี่ยม- Rachmaninov ปรับปรุงคุณภาพเสียงของโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซียในโรงละคร อย่างไรก็ตามชื่อของ Rachmaninov มีความเกี่ยวข้องกับการย้ายคอนโซลของผู้ควบคุมวงไปยังสถานที่ที่อยู่ตอนนี้ ก่อนหน้านี้ ผู้ควบคุมวงยืนอยู่ด้านหลังวงออเคสตราโดยหันหน้าไปทางเวที

ในปีพ.ศ. 2442 The Sleeping Beauty ได้รับการจัดแสดงเป็นครั้งแรกที่โรงละครบอลชอย การผลิตบัลเล่ต์ชุดนี้ซึ่งก่อให้เกิดความร่วมมือด้านดนตรีและการเต้นรำในโรงละครบัลเล่ต์ของรัสเซีย ถือเป็นจุดเริ่มต้นของการทำงานที่ยาวนานและมีความสุขในมอสโกสำหรับนักออกแบบท่าเต้น นักเขียนบท และอาจารย์ Alexander Gorsky ฉันทำงานร่วมกับเขา กลุ่มใหญ่ศิลปินที่มีความสามารถ - Ekaterina Geltser, Vera Caralli, Sofya Fedorova, Alexandra Balashova, Vasily Tikhomirov, Mikhail Mordkin, วาทยกรและนักแต่งเพลง Andrei Arende ฯลฯ เพื่อออกแบบผลงานใหม่ของบัลเล่ต์ "Don Quixote" (1900), Gorsky เป็นครั้งแรก เชิญศิลปินรุ่นเยาว์ Konstantin Korovin และ Alexander Golovin ปรมาจารย์ด้านการวาดภาพละครผู้ยิ่งใหญ่ในอนาคต

พ.ศ. 2454 แผนการที่ส่งโดย Albert Kavos ชนะการแข่งขันเพื่อบูรณะอาคารโรงละคร

Kavos ยังคงรักษารูปแบบและปริมาตรของอาคาร Beauvais ไว้ โดยเพิ่มความสูง เปลี่ยนสัดส่วน และออกแบบการตกแต่งทางสถาปัตยกรรมใหม่ โดยเฉพาะอย่างยิ่งแกลเลอรีเหล็กหล่อเรียวยาวพร้อมโคมไฟถูกสร้างขึ้นที่ด้านข้างของอาคาร ผู้ร่วมสมัยสังเกตเห็นลักษณะของเสานี้โดยเฉพาะอย่างยิ่งสวยงามในตอนเย็นเมื่อคุณมองจากระยะไกลและโคมไฟที่ลุกเป็นแถวดูเหมือนด้ายเพชรวิ่งไปตามโรงละคร

กลุ่มเศวตศิลาอพอลโลที่ตกแต่งโรงละคร Beauvais ถูกทำลายด้วยไฟ เพื่อสร้างกลุ่มใหม่ Kavos ได้เชิญ Pyotr Klodt ประติมากรชื่อดังชาวรัสเซีย (พ.ศ. 2348-2410) ผู้เขียนกลุ่มนักขี่ม้าชื่อดังสี่กลุ่มบนสะพาน Anichkov เหนือแม่น้ำ Fontanka ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

Klodt ได้สร้างกลุ่มประติมากรรมที่มีชื่อเสียงระดับโลกร่วมกับ Apollo มันถูกหล่อที่โรงงานของ Duke of Lichtenberg จากโลหะผสมที่ชุบด้วยทองแดงสีแดง

ในระหว่างการสร้างหอประชุมขึ้นใหม่ Kavos ได้เปลี่ยนรูปร่างของห้องโถงให้แคบลงสู่เวทีลึกลง หลุมวงออเคสตรา- ด้านหลังแผงขายของที่เคยเป็นแกลเลอรี เขาได้สร้างอัฒจันทร์ ขนาดของหอประชุมคือ: ความลึกและความกว้างเกือบเท่ากัน - ประมาณ 30 เมตร, สูง - ประมาณ 20 เมตร หอประชุมเริ่มรองรับผู้ชมได้มากกว่า 2,000 คน

ในรูปแบบนี้ โรงละครบอลชอยยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ ยกเว้นการบูรณะใหม่ทั้งภายในและภายนอกเล็กน้อย

ละครเป็นสิ่งมหัศจรรย์ของโลกมนุษย์

กระแสที่โดดเด่นทางวรรณกรรมและศิลปะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 เคยเป็น วิธีการของความสมจริงเชิงวิพากษ์หลักการพื้นฐานซึ่งเป็นการสะท้อนความจริงของความเป็นจริงและความเข้าใจในปรากฏการณ์ที่บรรยายจากมุมมองของการโต้ตอบกับความก้าวหน้าทางสังคม การเข้าถึงทางสังคมอย่างมหาศาล จิตวิญญาณแห่งการกล่าวหา และการอุทธรณ์ต่อปัญหาเฉพาะประเด็น - นี่คือสิ่งที่กำหนดวรรณกรรมในยุคหลังการปฏิรูป วรรณกรรมรัสเซียมีความโดดเด่นไม่เพียงแค่ทัศนคติเชิงวิพากษ์ต่อความเป็นจริงเท่านั้น แต่ยังเปิดโปงความชั่วร้าย มองหาวิธีต่อสู้กับความชั่วร้ายนี้ และดำเนินภารกิจด้านการเปลี่ยนแปลงทางสังคม ความสมบูรณ์ทางอุดมการณ์, การเจาะลึกเข้าไปในปรากฏการณ์ชีวิต, การปฏิเสธความอยุติธรรม, ความมีชีวิตชีวาของการแสดงออกทางศิลปะ งานวรรณกรรมกำหนดบทบาทนำของวรรณกรรมในการพัฒนางานศิลปะประเภทอื่น

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 และทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 อธิบายถึงความคิดสร้างสรรค์ของความคิดและคำพูดของศิลปิน แอล.เอ็น. ตอลสตอย (พ.ศ. 2371-2453) ผู้สร้างผลงานชิ้นเอกเช่นเรื่องราว " วัยเด็ก. วัยรุ่น. เยาวชน", "Hadji Murat", "ความตายของ Ivan Ilyich", "Kreutzer Sonata",นวนิยาย" สงครามและสันติภาพ", "Anna Karenina", "การฟื้นคืนชีพ",ละคร พลังแห่งความมืด", "ผลแห่งการตรัสรู้", "ศพที่มีชีวิต"ฯลฯ

ภาษารัสเซีย วรรณกรรม ทศวรรษหลังการปฏิรูปถือได้ว่าเป็นปรากฏการณ์ของวัฒนธรรมศิลปะยุโรปในศตวรรษที่ 19 ไม่มีประเทศใดในโลกในเวลานั้นที่มีวรรณกรรมที่ถูกต้องและมีจิตวิญญาณสูงเช่นนี้ เผด็จการที่สมจริงของรัสเซียสะท้อนให้เห็นถึงปัญหาที่หลากหลายทั้งในด้านประวัติศาสตร์และศาสนาซึ่งตีความด้วยความแม่นยำทางวิทยาศาสตร์และเชิงลึกทางปรัชญา

ดาราจักรนักเขียนผู้ยิ่งใหญ่แต่ละแห่งมองเห็นอนาคตของรัสเซียแตกต่างกัน แต่พวกเขาทั้งหมดรวมกันด้วยความรักต่อปิตุภูมิ ความกระหายเพื่อความเจริญรุ่งเรืองผ่านการทำงานที่เสรีและซื่อสัตย์ของสมาชิกทุกคนในสังคม หลายคนเขียนเกี่ยวกับความจำเป็นในการเพิ่มความเป็นอยู่ที่ดีของชาวนา - V.G. เบลินสกี้, เอ็น.จี. Chernyshevsky, N.A. โดโบรลยูบอฟ, D.I. ปิซาเรฟ. ปรมาจารย์ด้านกวีนิพนธ์ประชานิยมที่ได้รับการยอมรับในช่วงหลายปีที่ผ่านมาคือ เอ็น.เอ. เนคราซอฟ ( พ.ศ. 2364-2420) เขาเข้าสู่วัฒนธรรมรัสเซียในฐานะ "ผู้โศกเศร้าจากความเศร้าโศกของประชาชน" ผู้พิทักษ์ชาวนาธรรมดาที่ต่อต้านผู้กดขี่ทุกแถบ บทกวีของ Nekrasov มีความสมจริงและเทียบได้กับร้อยแก้วที่สมจริงในระดับหนึ่ง เป็นลักษณะของความสามารถของกวีในการประเมินข้อเท็จจริงนี้หรือเหตุการณ์นั้นอย่างเป็นกลางและแม่นยำ:

นักเขียนที่เก่งกาจมีบทบาทที่แตกต่างในวัฒนธรรมรัสเซีย เอฟ.เอ็ม. ดอสโตเยฟสกี ( พ.ศ. 2364-2424) ตามคำจำกัดความที่เหมาะสมของ M.E. Saltykov-Shchedrin, Dostoevsky มองหาคำตอบสำหรับคำถามเร่งด่วนในยุคของเรา "ในภารกิจที่ห่างไกลที่สุดของมนุษยชาติ" ด้วยพรสวรรค์ในการพยากรณ์ที่เป็นเอกลักษณ์และความสามารถในการวิเคราะห์การเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณมนุษย์ ผู้เขียนยอมรับแนวคิดที่นอกเหนือไปจากแนวคิดเกี่ยวกับช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์ที่เฉพาะเจาะจง ไปสู่ขอบเขตของผลประโยชน์เหนือกาลเวลาสูงสุดในชีวิตของผู้คน เขาวาดภาพผู้คนตามตรรกะของตัวละครและความจริงของชีวิตที่เชื่อมโยงความดีและความชั่ว

Chekhov เปิดเส้นทางใหม่ในการพัฒนาละครในประเทศและระดับโลก ในบทละครของเขา เขาละทิ้งประเพณีการแบ่งตัวละครออกเป็น "บวก" และ "ลบ" ตัวละครของฮีโร่ของ Chekhov พัฒนาขึ้นบนพื้นฐานของการวิเคราะห์แรงจูงใจของพฤติกรรมที่หลากหลาย เชคอฟจับสัญญาณที่น่าตกใจของเวลาอย่างละเอียดอ่อน - การขาดความเข้าใจซึ่งกันและกันระหว่างผู้คน ตัวละครของเขาถูกกั้นด้วยกำแพงที่มองไม่เห็น พวกเขาฟัง แต่ดูเหมือนจะไม่ได้ยินซึ่งกันและกัน และกระโจนเข้าสู่โลกแห่งประสบการณ์ของพวกเขาเอง

จุดเปลี่ยนทางประวัติศาสตร์ในการพัฒนาโรงละครรัสเซียมีความเกี่ยวข้องกับบทละครของ Chekhov เรื่อง "The Seagull", "Three Sisters", "The Cherry Orchard" ซึ่งจัดแสดงที่ Moscow Art Theatre โดย K.S. Stanislavsky และ Vl.I. เนมิโรวิช-ดันเชนโก้ และ - " The Seagull" (พ.ศ. 2438-2439) ทำให้คนรุ่นราวคราวเดียวกันประหลาดใจด้วยเนื้อร้องและสัญลักษณ์ที่ละเอียดอ่อน ความผันผวนของความรักที่เป็นรากฐานของบทละครพัฒนาขึ้นอย่างรวดเร็วและน่าทึ่ง

วิจิตรศิลป์ ยุคหลังการปฏิรูป เช่นเดียวกับวรรณกรรม มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับกระบวนการที่ปั่นป่วน ชีวิตสาธารณะ- โดยสะท้อนให้เห็นถึงการอภิปรายเกี่ยวกับวิธีการเปลี่ยนแปลงรัสเซีย การประเมินเชิงวิพากษ์วิจารณ์ความเป็นจริงทางสังคม มุมมองประชานิยมเกี่ยวกับชาวนา และความปรารถนาชั่วนิรันดร์ของรัสเซียเพื่อความสมบูรณ์แบบและอุดมคติทางศีลธรรม คุณสมบัติทั่วไปภาพวาดและวรรณกรรมเป็นงานนักข่าว การประเมินปรากฏการณ์ในชีวิตประจำวันและส่วนบุคคลตามความเป็นจริงผ่านปริซึมของการจำแนกประเภททั่วไปและการวิเคราะห์ทางสังคม ปัญหาด้านศีลธรรมและการศึกษาที่ทั้งวรรณกรรมและวิจิตรศิลป์พยายามแก้ไขก็เป็นเรื่องปกติเช่นกัน

หน้าที่ทางสังคมของการวาดภาพในยุคนี้เปลี่ยนไปอย่างสิ้นเชิง หากศิลปะแห่งความคลาสสิกอยู่ภายใต้แนวคิดในการตกแต่งชีวิตแล้วในศิลปะแห่งยุค 60 - 70 ช่วงเวลาแห่งสุนทรียภาพไม่ถือเป็นสิ่งสำคัญอีกต่อไป ดูเหมือนศิลปินจะสำคัญกว่ามากที่จะต้องไตร่ตรองตามความเป็นจริง ปัญหาสังคมความคิดและความรู้สึกของตัวแทนชนชั้นต่างๆ ความปรารถนาที่จะตามทันเวลา ความเชื่อทางการศึกษาและภาพลวงตาทำให้เกิดการวาดภาพเชิงวิพากษ์วิจารณ์ โดยเน้นถึงสถานการณ์แห่งความโชคร้ายในชาติ ความเชื่อในความสำคัญทางสังคมของศิลปะมีส่วนทำให้เกิดกาแล็กซีของศิลปินที่ค้นพบความต้องการของตนในการสะท้อนโลกแห่งความยากจน การกดขี่ และความไร้กฎหมาย ในหมู่พวกเขามีปรมาจารย์ที่โดดเด่น วี.จี. เปรอฟ ( 1834-1882).

ศิลปินมีความอ่อนไหวต่อการเปลี่ยนแปลงบรรยากาศทางสังคมสะท้อนให้เห็นถึงการพัฒนาความคิดในยุค 60 - 80 ในงานของเขา Rapatskaya LA วัฒนธรรมศิลปะรัสเซีย อ.: มีมนุษยธรรม. เอ็ด ศูนย์ VLADOS, 1998. - 608 p., p. 393

การพัฒนาโรงละครในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 มีความเชื่อมโยงกับชื่อของ A.N. ออสตรอฟสกี้ เขาสร้างโรงละครแห่งชาติรัสเซีย ซึ่งกลายเป็น "สัญลักษณ์แห่งความเป็นผู้ใหญ่ของประเทศ ตลอดจนสถาบันการศึกษา มหาวิทยาลัย และพิพิธภัณฑ์" บทละครสมจริงโดย A.N. เต็มไปด้วยจิตวิทยาเชิงลึก ออสตรอฟสกี้มีส่วนในการสร้างความสมจริงเชิงวิพากษ์บนเวทีรัสเซีย ศูนย์กลางหลักของวัฒนธรรมการแสดงละครคือโรงละคร Maly ในมอสโกและโรงละคร Alexandrinsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ปรับปรุงศิลปะโอเปร่าของรัสเซีย วัฒนธรรมวิทยา ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก เอ็ด ไอโอ วอสเกรเซนสกายา - อ.: UNITY-DANA, Unity, 2003. - 759 p., P. 434

ดนตรี ภาพวาด และละครมีความเชื่อมโยงกับการพัฒนาวรรณกรรมอย่างแยกไม่ออก ปลาย XIX - ต้นศตวรรษที่ XX - ช่วงเวลาแห่งความสำเร็จของวัฒนธรรมดนตรีรัสเซียที่เกี่ยวข้องกับชื่อของ P.I. ไชคอฟสกี ส.ส. Mussorgsky, N.A. ริมสกี-คอร์ซาคอฟ, M.A. บาลาคิเรวา, Ts.A. กุย, SV. รัชมานินอฟ, A.K. กลาซูโนวา, SI. Taneyeva, A.N. สกริบินา, I.F. Stravinsky และอื่น ๆ

ใน วัฒนธรรมดนตรีครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ครอบครองสถานที่พิเศษ" พวงอันทรงพลัง"หรือ " โรงเรียนดนตรีแห่งใหม่ของรัสเซีย"นี่คือกลุ่มที่ประกอบด้วยนักแต่งเพลงชาวรัสเซียห้าคน - ศศ.ม. บาลาคิเรวา ( 1837-1910), เอ.พี. โบโรดิน ( 1833-1887), Ts.A. ชุย ( 1835-1918), ส.ส. มุสซอร์สกี้ (พ.ศ. 2382-2424) และ บน. ริมสกี-คอร์ซาคอฟ -ก่อตัวขึ้นในช่วงปลายทศวรรษที่ 50 และต้นทศวรรษที่ 60 งานและ ตำแหน่งที่สวยงามสมาชิกของวงกลมก่อตั้งขึ้นภายใต้อิทธิพลของมุมมองของศิลปะรัสเซียและ นักวิจารณ์เพลง วี.วี. สตาโซวา ( 1834-1906).

ผู้แต่ง" พวงอันยิ่งใหญ่"ในงานของพวกเขาพวกเขาพัฒนาประเพณีของดนตรีคลาสสิกโดย M.I. Glinka และ A.S. Dargomyzhsky ขยายขอบเขตของประเภทของดนตรีไพเราะ โอเปร่า ดนตรีบรรเลงอย่างกว้างขวาง เสริมคุณค่าด้วยรูปแบบใหม่ ทำให้พวกเขาเข้าใกล้ปัญหาเร่งด่วนของชีวิตสาธารณะมากขึ้น ในช่วง ช่วงเวลาของกิจกรรม "Mighty Handful" ผลงานที่ดีที่สุดของสมาชิกวงบางส่วนได้ถูกสร้างขึ้น: แฟนตาซีตะวันออก " อิสลามี”บทกวีไพเราะ" มาตุภูมิ"ม. บาลาคิเรวา; ซิมโฟนีครั้งแรกอ. โบโรดินา; โอเปร่า" วิลเลียม แรตคลิฟฟ์”และ " ลูกชายชาวแมนดาริน”ซี. ชุย; ภาพซิมโฟนี” คืนบนภูเขาหัวโล้น"โอเปร่า" บอริส โกดูนอฟ"ม. มุสซอร์กสกี้; ซิมโฟนีที่หนึ่งและสอง โอเปร่า" ปัสโควิท"เอ็น. ริมสกี-คอร์ซาคอฟ

จากข้อมูลของ Stasov คุณลักษณะที่สำคัญที่สุดสามประการคือลักษณะของดนตรีของโรงเรียนใหม่: การไม่มีอคติและความศรัทธาที่มืดบอด ความปรารถนาในสัญชาติ และ "ความโน้มเอียงที่รุนแรงต่อดนตรีรายการ" นักแต่งเพลงเรียกร้องให้มีการสร้างสรรค์ดนตรีประจำชาติ วาดท่วงทำนองจากเพลงพื้นบ้านและหันไปสนใจหัวข้อประวัติศาสตร์สังคม วัฒนธรรมศิลปะรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 /วีจี Kisunko, M.N. เร็วและก่อน อ.: Nauka, 1988. - 388 หน้า, หน้า 167

แม้ว่ารัฐเผด็จการจะควบคุมการพัฒนาวัฒนธรรมทุกด้านของสังคม แต่ศิลปะของสหภาพโซเวียตในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 20 ก็ไม่ได้ล้าหลังกระแสโลกในยุคนั้น การแนะนำความก้าวหน้าทางเทคโนโลยีตลอดจนกระแสใหม่จากตะวันตก มีส่วนทำให้วรรณกรรม ดนตรี ละครและภาพยนตร์มีความเจริญรุ่งเรือง

คุณลักษณะที่โดดเด่นของกระบวนการวรรณกรรมของสหภาพโซเวียตในยุคนี้คือการเผชิญหน้าของนักเขียนออกเป็นสองกลุ่ม: นักเขียนบางคนสนับสนุนนโยบายของสตาลินและยกย่องการปฏิวัติสังคมนิยมโลก คนอื่น ๆ ต่อต้านระบอบเผด็จการในทุกวิถีทางที่เป็นไปได้และประณามนโยบายที่ไร้มนุษยธรรมของผู้นำ .

วรรณกรรมรัสเซียในยุค 30 ประสบกับความรุ่งเรืองครั้งที่สองและเข้าสู่ประวัติศาสตร์วรรณกรรมโลกในช่วงเวลาหนึ่ง ยุคเงิน- ในเวลานี้พวกเขากำลังสร้าง ปรมาจารย์ที่สมบูรณ์คำ: A. Akhmatova, K. Balmont, V. Bryusov, M. Tsvetaeva, V. Mayakovsky

ร้อยแก้วรัสเซียยังแสดงให้เห็นถึงพลังทางวรรณกรรม: ผลงานของ I. Bunin, V. Nabokov, M. Bulgakov, A. Kuprin, I. Ilf และ E. Petrov ได้เข้าสู่กิลด์แห่งสมบัติวรรณกรรมโลกอย่างมั่นคง วรรณกรรมในช่วงเวลานี้สะท้อนให้เห็นถึงความเป็นจริงของชีวิตของรัฐและสาธารณะอย่างสมบูรณ์

ผลงานดังกล่าวเน้นประเด็นที่สร้างความกังวลให้กับประชาชนในช่วงเวลาที่ไม่อาจคาดเดาได้ นักเขียนชาวรัสเซียจำนวนมากถูกบังคับให้หนีจากการกดขี่ข่มเหงเผด็จการโดยทางการไปยังรัฐอื่น อย่างไรก็ตาม พวกเขาไม่ได้ขัดขวางกิจกรรมการเขียนในต่างประเทศ

ในช่วงทศวรรษที่ 30 โรงละครโซเวียตประสบกับช่วงเวลาตกต่ำ ประการแรก โรงละครถูกมองว่าเป็นเครื่องมือหลักในการโฆษณาชวนเชื่อทางอุดมการณ์ เมื่อเวลาผ่านไป ผลงานที่เป็นอมตะของเชคอฟถูกแทนที่ด้วยการแสดงที่สมจริงเสมือนเชิดชูผู้นำและพรรคคอมมิวนิสต์

นักแสดงที่โดดเด่นที่พยายามทุกวิถีทางเพื่อรักษาความคิดริเริ่มของโรงละครรัสเซียถูกพ่อของชาวโซเวียตปราบปรามอย่างรุนแรงซึ่งรวมถึง V. Kachalov, N. Cherkasov, I. Moskvin, M. Ermolova ชะตากรรมเดียวกันนี้เกิดขึ้นกับผู้กำกับที่มีความสามารถมากที่สุด V. Meyerhold ผู้สร้างโรงเรียนการละครของตัวเองซึ่งเป็นการแข่งขันที่คุ้มค่าสำหรับกลุ่มตะวันตกที่ก้าวหน้า

ด้วยการพัฒนาของวิทยุ ยุคของดนตรีป๊อปเริ่มขึ้นในสหภาพโซเวียต เพลงที่ออกอากาศทางวิทยุและบันทึกไว้ในแผ่นเสียงนั้นมีผู้ฟังจำนวนมาก เพลงมวลชนในสหภาพโซเวียตแสดงโดยผลงานของ D. Shostakovich, I. Dunaevsky, I. Yuryev, V. Kozin

รัฐบาลโซเวียตปฏิเสธทิศทางดนตรีแจ๊สโดยสิ้นเชิงซึ่งได้รับความนิยมในยุโรปและสหรัฐอเมริกา (ดังนั้นในสหภาพโซเวียต งานของ L. Utesov นักแสดงแจ๊สชาวรัสเซียคนแรกจึงถูกมองข้าม) ในทางกลับกัน ผลงานดนตรีที่เชิดชูระบบสังคมนิยมและเป็นแรงบันดาลใจให้ประเทศทำงานและหาประโยชน์ในนามของการปฏิวัติครั้งใหญ่

ศิลปะภาพยนตร์ในสหภาพโซเวียต

ปรมาจารย์แห่งภาพยนตร์โซเวียตในยุคนี้สามารถบรรลุความสูงที่สำคัญในการพัฒนารูปแบบศิลปะนี้ D. Vetrov, G. Alexandrov, A. Dovzhenko มีส่วนช่วยอย่างมากในการพัฒนาภาพยนตร์ นักแสดงหญิงที่ไม่มีใครเทียบได้ - Lyubov Orlova, Rina Zelenaya, Faina Ranevskaya - กลายเป็นสัญลักษณ์ของภาพยนตร์โซเวียต

ภาพยนตร์หลายเรื่องตลอดจนงานศิลปะอื่นๆ มีจุดประสงค์ในการโฆษณาชวนเชื่อของพวกบอลเชวิค แต่ถึงกระนั้นก็ต้องขอบคุณทักษะการแสดง การนำเสียง ฉากคุณภาพสูงมาใช้ ภาพยนตร์โซเวียตและในสมัยของเราสิ่งเหล่านี้ทำให้เกิดความชื่นชมอย่างแท้จริงจากคนรุ่นเดียวกัน ภาพยนตร์เช่น "Jolly Fellows", "Spring", "Foundling" และ "Earth" กลายเป็นสมบัติที่แท้จริงของภาพยนตร์โซเวียต

คำถามที่ 1. หัวข้อใดที่เป็นผู้นำในศิลปะดนตรีรัสเซีย?

คำตอบ. ความสมจริงก็มาพร้อมกับดนตรีด้วย ในผลงานของ "Mighty Handful" (Milia Alekseevich Balakirev, Modest Petrovich Mussorgsky, Cesar Antonovich Cui, Alexander Porfiryevich Borodin และ Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov) เป็นที่ชัดเจนว่าพวกเขาต้องการถ่ายทอดความจริงของชีวิตในงานของพวกเขามากแค่ไหน โดยเฉพาะอย่างยิ่งพวกเขาเขียนหัวข้อที่นำมาจากศิลปะพื้นบ้านมากมาย นอกจากนี้ หัวข้อต่างๆ ยังนำมาจากประวัติศาสตร์ ซึ่งส่วนใหญ่มักเป็นประวัติศาสตร์ของรัสเซีย บ่อยครั้งที่แหล่งข้อมูลทั้งสองนี้เชื่อมโยงกันและสร้างสิ่งที่เป็นหนึ่งเดียวกันซึ่งเป็นแรงบันดาลใจให้กับผู้แต่ง

คำถามที่ 2. โรงละครรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 มีลักษณะอย่างไร?

คำตอบ. โรงละครยังเต็มไปด้วยจิตวิญญาณแห่งความสมจริง การแสดงท่าทางทั่วไปที่นักแสดงใช้ก่อนลงจากเวที ตอนนี้พวกเขามุ่งมั่นที่จะมีบทบาทราวกับว่ากำลังดำเนินชีวิตอยู่ ผู้ชมดูเหมือนจะมองเห็นสิ่งที่เกิดขึ้นผ่านกำแพงโปร่งใส - ชีวิตซึ่งดำเนินต่อไปตามปกติ ราวกับไม่ใช่เพื่อผู้ชม แต่เพื่อตัวมันเอง ปรากฏการณ์นี้เรียกว่า "กำแพงที่สี่" (กำแพงระหว่างผู้ชมกับนักแสดง ซึ่งไม่มีอยู่สำหรับผู้ชม แต่จำเป็นต้องมีสำหรับนักแสดง เพื่อซ่อนห้องโถงไว้ให้พวกเขาทำโดยไม่ได้รับคำแนะนำจากมัน ). หัวข้อละครมีความเหมาะสม พวกเขาจัดแสดงเรื่องราวจากชีวิตสมัยใหม่เป็นหลัก เผยให้เห็นปัญหาของสังคม ปัญหาที่ทำลายชะตากรรมของผู้คน นี่คือละครของ A.N. ออสตรอฟสกี้, A.P. เชคอฟ

คำถามที่ 3 เตรียมรายงานเกี่ยวกับนักแต่งเพลงหรือนักแสดงหนึ่งคนในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19

คำตอบ. Konstantin Sergeevich Stanislavsky โครงร่างข้อความ:

1) ปีแรกของชีวิต - ลูกชายของนักอุตสาหกรรมรายใหญ่ซึ่งกลายเป็นนักแสดง

2) บนเวทีสมัครเล่นในบ้านของ A. A. Karzinkin บน Pokrovsky Boulevard;

3) สมาชิกของผู้อำนวยการและเหรัญญิกของ Russian Musical Society สาขามอสโกและเรือนกระจก

4) การเกิดของชื่อบนเวที;

5) การสร้างและความคิดสร้างสรรค์ของสมาคมศิลปะและวรรณกรรมมอสโก

6) การแสดง - ประสบการณ์ที่สร้างพื้นฐานของระบบการฝึกอบรมนักแสดงชื่อดังของ Stanislavsky

7) พบกับ Nemirovich-Danchenko และการสร้าง Moscow Art Theatre

คำถามที่ 4 ทำไมในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 งานหัตถกรรมพื้นบ้านมีการฟื้นตัวหรือไม่?

คำตอบ. งานฝีมือพื้นบ้านหมดความสำคัญในการใช้ประโยชน์ในช่วงเวลานี้ สินค้าอุตสาหกรรมมีราคาถูกกว่ามาก แต่สินค้าอุตสาหกรรมก็มีมาตรฐานและไม่มีหน้าตา ในขณะเดียวกันก็กำลังได้รับความนิยมในงานศิลปะประเภทต่างๆ แรงจูงใจพื้นบ้าน, แฟชั่นเริ่มต้นจากพวกเขา นี่คือวิธีที่งานฝีมือพื้นบ้านบางส่วนได้รับการฟื้นคืนชีพในบางพื้นที่ซึ่งช่างฝีมือทำงานในลักษณะเฉพาะบางอย่าง ในปัจจุบัน งานหัตถกรรมกลายเป็นงานศิลปะเป็นประการแรก

คำถามที่ 5. ผู้แต่งผลงานศิลปะประเภทต่าง ๆ สามารถมองเห็นแนวคิดทั่วไปอะไรบ้าง?

คำตอบ. ศิลปะประเภทต่างๆ มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความสมจริง แสดงให้เห็นชีวิตตามที่เป็นอยู่ ท่ามกลางปัญหาทั้งหมด ด้วยความไม่สอดคล้องกัน นั่นคือภาพวาด ดนตรี และละครในสมัยนั้น ความคิดเกี่ยวกับธรรมชาติของชีวิตที่ไม่มั่นคงและความซับซ้อนของบุคลิกภาพของมนุษย์นั้นสามารถมองเห็นได้ทุกที่ซึ่งเนื่องจากธรรมชาติของชีวิตที่ไม่มั่นคงจึงมีความซับซ้อนมากขึ้นเท่านั้น

การพัฒนาวรรณกรรมใน พ.ศ. 2243 – 2273

(วรรณกรรมแห่งยุคปีเตอร์)

วรรณกรรมรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 18 เติบโตบนพื้นดินที่จัดเตรียมโดยงานเขียนของรัสเซียโบราณและศิลปะพื้นบ้านแบบปากเปล่า วรรณกรรมรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 18 ตามลำดับเวลาและโดยพื้นฐานเริ่มต้นด้วยยุคของ Peter I การเปลี่ยนแปลงทางเศรษฐกิจและสังคมครั้งใหญ่ที่เกิดขึ้นในรัฐรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษไม่สามารถส่งผลกระทบต่อความต้องการทางจิตวิญญาณของสังคมได้ ศิลปะและวรรณคดีประเภทยุคกลางที่ครอบงำมาตุภูมิไม่สามารถตอบสนองความต้องการเหล่านี้ได้อีกต่อไป ทศวรรษแรกของศตวรรษเป็นช่วงเวลาของการก่อตัวของงานศิลปะใหม่ช่วงเวลาของการสร้างวรรณกรรมที่มีคุณภาพแตกต่างจากผลงานวรรณกรรมรัสเซียโบราณ

สัญญาณที่สำคัญที่สุดของสิ่งใหม่ ๆ ในการสร้างสรรค์วรรณกรรมคือมุมมองของนักเขียนเกี่ยวกับความเป็นจริงจากมุมมองของระดับชาติ ขอบเขตวิสัยทัศน์ของผู้เขียนกำลังขยายออกไป วีรบุรุษวรรณกรรมตอนนี้พวกเขาอาศัยอยู่ไม่เพียง แต่ในรัสเซียเท่านั้น แต่ยังมักจะไปที่ "ต่างประเทศ" และภาพลักษณ์ของประเทศอื่น ๆ ก็ค่อยๆ หลุดพ้นจากการสัมผัสแห่งจินตนาการ จำนวนการแปลจากวรรณคดียุโรปตะวันตกสมัยใหม่มีเพิ่มมากขึ้น บ่อยครั้งที่เราได้ยินในวรรณคดีรัสเซียถึงคำพูดที่ว่าทุกคนเป็นสมาชิกของสังคมซึ่งสิ่งนี้กำหนดความรับผิดชอบบางอย่างให้กับเขา: บุคคลจะต้องนำผลประโยชน์ที่แท้จริงมาสู่สังคมรัฐ (หนึ่งในแนวคิดของการเสียดสีของ Kantemirov) สถาบันของรัฐกลายเป็นหัวข้อของการประพันธ์บทกวี ("Tilemakhida" โดย Trediakovsky บทกวีอันศักดิ์สิทธิ์ของ Lomonosov)

ในตอนต้นของศตวรรษ แนวโน้มที่ฝังลึกอื่นๆ ปรากฏในศิลปะวาจา: มีความพยายามที่จะสะท้อนจิตวิทยาของมนุษย์ ความพยายามดังกล่าวยังทำในรูปแบบร้อยแก้ว (“ Ride to the Island of Love” โดย Trediakovsky จากนวนิยายของ Talman) แต่ผลลัพธ์ที่สำคัญอย่างยิ่งคือการพัฒนาเนื้อเพลงรัก ทรงกลมทั้งหมด ชีวิตมนุษย์ซึ่งก่อนหน้านี้แทบไม่มีใครรู้จักในวรรณคดี ปัจจุบันกลายมาเป็นการแสดงภาพเชิงศิลปะแล้ว

กระแสวรรณกรรมใหม่เหล่านี้ขัดแย้งกันเป็นส่วนใหญ่ต่อสู้กันและไม่พบหน้าโวหารที่สมบูรณ์เสมอไป นอกจากความพยายามที่จะถ่ายทอดความเป็นจริงให้เป็นจริงและถูกต้องที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้แล้ว ยังเกิดความปรารถนาที่จะเข้าไปในโลกแห่งจินตนาการ (ซึ่งมักมาจากนิทานพื้นบ้าน) เข้าสู่อาณาจักรแห่งความแปลกใหม่ ความแปลกประหลาด และสิ่งที่คาดไม่ถึง (ในบทละครของ Kunst Theatre ส่วนหนึ่งในเรื่อง - "ประวัติศาสตร์")

หากวรรณกรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 18 โดยรวมสามารถเรียกได้ว่าเป็นห้องปฏิบัติการสร้างสรรค์ที่เตรียมความสำเร็จทางศิลปะของศตวรรษที่ 19 ตามเงื่อนไขแล้วหลักการทดลองก็มีความแข็งแกร่งเป็นพิเศษในวรรณคดีของทศวรรษแรกของศตวรรษ คุณลักษณะของกระบวนการวรรณกรรมนี้ได้รับการตระหนักรู้อย่างเต็มที่ที่สุดในปี ค.ศ. 1700-1730 แสดงในงานของเขาโดย V.K. Trediakovsky

ดังนั้นงานของนักเขียนแห่งต้นศตวรรษจึงไม่ได้รวมเป็นหนึ่งเดียวหรือหลาย ๆ คน แนวโน้มวรรณกรรมในความเข้าใจสมัยใหม่ของคำนี้ (เนื่องจากจะเป็นลักษณะของวรรณกรรมในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 และครั้งต่อ ๆ ไป) เช่นเดียวกับในศตวรรษที่ 17 ชีวิตวรรณกรรมยังคงพัฒนาไปตามธรรมชาติ การเขียนยังไม่ได้กลายเป็นส่วนสำคัญและจัดระเบียบภายในของการต่อสู้ทางอุดมการณ์ แต่ยังไม่ได้กลายเป็นอาชีพ นอกจากนี้ยังไม่มีโปรแกรมทฤษฎีวรรณกรรมที่เข้าใจอย่างชัดเจนไม่มีรายการวรรณกรรม (ซึ่งโดยทั่วไปถูกกำหนดให้มีบทบาทน้อยกว่าในประวัติศาสตร์วรรณคดีรัสเซียมากกว่าในประวัติศาสตร์วรรณคดีตะวันตก) อย่างไรก็ตามมีแนวโน้มทางอุดมการณ์และโวหารที่หลากหลายซึ่งในจำนวนทั้งสิ้นได้เตรียมพื้นฐานสำหรับวรรณกรรมคลาสสิกของรัสเซีย

วรรณกรรมรัสเซียพัฒนาขึ้นเมื่อต้นศตวรรษเมื่อเทียบกับภูมิหลังทางประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมอย่างไร สถานะโดยรวมของวัฒนธรรมของประเทศในขณะนั้นเป็นอย่างไร?

คราวนี้ลงไปในประวัติศาสตร์ว่าเป็น “ยุคแห่งการปฏิรูปของเปโตร” อย่างที่คุณทราบ Peter I ได้ทำอะไรมากมายเพื่อให้วัฒนธรรมรัสเซียใกล้ชิดกับวัฒนธรรมยุโรปมากขึ้น A.S. Pushkin พูดไว้อย่างดีว่า “รัสเซียเข้าสู่ยุโรปเหมือนเรือที่พังทลาย ด้วยเสียงขวานและเสียงปืนใหญ่ดังฟ้าร้อง” และเรือขนาดใหญ่ลำนี้ถูกสร้างขึ้นด้วยความพยายามของ Peter I. แม้ว่าในรัสเซียดังที่ D.S. Likhachev ตั้งข้อสังเกตว่าไม่มีการฟื้นฟูและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในความหมายของคำแบบยุโรปอย่างไรก็ตามถึงจุดสิ้นสุดของวันที่ 17 และต้นของวันที่ 18 ศตวรรษ ถือได้ว่าเทียบเท่ากับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของยุโรปสำหรับรัสเซียอย่างถูกต้อง จากระบอบกษัตริย์แบบเก่า จากรัฐที่ถูกผูกมัดด้วยอคติทางชนชั้นที่ล้าสมัย จากรัฐที่โบยาร์เป็นชนชั้นปกครอง สังคมรัสเซียได้มาถึงรัฐที่มีอำนาจในรูปแบบที่แตกต่างออกไปของยุโรป ไปสู่ระบอบกษัตริย์ที่ "รู้แจ้ง" โดยที่ปรมาจารย์คือขุนนางที่รวมกลุ่มขุนนางโบราณเข้าด้วยกัน - พวกโบยาร์กับขุนนางใหม่ซึ่งเกิดขึ้นเมื่อไม่นานมานี้หรือเพิ่งเกิดขึ้นพร้อมกับขุนนางในความหมายที่เหมาะสมของคำ

รัฐใหม่ประกอบด้วยเจ้าของที่ดินที่เป็นเจ้าของที่ดิน และชาวนาซึ่งในที่สุดก็ตกเป็นทาสอาศัยอยู่ในดินแดนนี้ ในที่สุด คนเหล่านี้ก็เป็นพ่อค้า ในช่วงที่เศรษฐกิจฟื้นตัวอย่างรวดเร็ว เกษตรกรรมและอุตสาหกรรมซึ่งกลายเป็นกำลังสำคัญ การพัฒนาสังคมและคณะสงฆ์.

ตะวันตกซึ่งส่วนใหญ่มุ่งไปทาง รัฐรัสเซียแน่นอนว่าต้นศตวรรษก็มีความหลากหลายเช่นกัน ในยุโรปตะวันตกมีการต่อต้านการปฏิรูป แต่ก็มีการตรัสรู้ด้วย และยังมีมนุษยนิยมยุคเรอเนซองส์ด้วย หาก Simeon แห่ง Polotsk ในศตวรรษที่ 17 ยังไม่ได้กำหนดตำแหน่งของเขาอย่างชัดเจน: ไม่ว่าเขาจะเข้าใกล้การตรัสรู้หรือมนุษยนิยมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามากขึ้น (สิ่งนี้อาจไม่ชัดเจนสำหรับเขาเช่นกัน) จากนั้น Peter I ในการเปลี่ยนแปลงของเขาในการปฏิรูปของเขาอย่างชัดเจน และมุ่งไปทางตะวันตกด้านการศึกษาและเห็นอกเห็นใจอย่างแน่นอน นี่เป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ในอดีต

เพื่อให้สอดคล้องกับเทรนด์ใหม่เหล่านี้ โลกทัศน์ใหม่จึงก่อตัวขึ้นในรัสเซีย ความสนใจในวิทยาศาสตร์ซึ่งก่อนหน้านี้ถือเป็นสิ่งที่อยู่ติดกับเวทมนตร์คาถา เวทมนตร์คาถา และเวทย์มนต์ ปรากฏออกมาด้วยพลังอันมหาศาล ความสนใจในวิทยาศาสตร์ที่แน่นอนเพิ่มขึ้นเป็นพิเศษ ด้วยเหตุนี้ ศรัทธาในพลังของจิตใจมนุษย์จึงค่อยๆ ได้รับการสถาปนาขึ้น เหตุผลกลายเป็นตัวชี้วัดของทุกสิ่ง (นี่คือวิธีที่พื้นดินเตรียมพร้อมสำหรับการเกิดขึ้นของลัทธิคลาสสิก) และเกณฑ์นี้จะค่อย ๆ ผลักดันแนวคิดทางศาสนาดั้งเดิมหลาย ๆ อย่างจนมองไม่เห็น อำนาจของคริสตจักรถูกแทนที่ด้วยอำนาจของรัฐ ซึ่งเป็นรัฐที่มีอำนาจรองของคริสตจักรในตัวมันเอง การให้บริการของรัฐกลายเป็นเกณฑ์แห่งคุณค่าและคุณสมบัติทางศีลธรรมของบุคคล ผลประโยชน์ทางสังคมค่อยๆ กลายเป็นมาตรฐานทางจริยธรรมสูงสุด และแนวคิดใหม่เหล่านี้ ซึ่งเริ่มแรกเกิดขึ้นในตะวันตก พร้อมด้วยแนวคิดใหม่ ๆ เข้ามาในชีวิตประจำวันของรัสเซีย: สาธารณประโยชน์ สาธารณประโยชน์ พลเมือง ผู้รักชาติ ความเชื่อมั่นเกิดขึ้นว่ากฎหมายแพ่งไม่ได้เขียนขึ้นโดยการดลใจจากเบื้องบน แต่ถูกสร้างขึ้นตามกฎแห่งเหตุผล ซึ่งกำหนดโดย "กฎธรรมชาติ" และไม่ใช่โดย "ความรอบคอบอันศักดิ์สิทธิ์"

การเชื่อมต่อกับยุโรปกำลังถูกสร้างขึ้นอย่างรวดเร็ว เขื่อนที่แยกรัสเซียออกจากวัฒนธรรมตะวันตกมานานหลายศตวรรษได้ถูกทำลายลง ชาวรัสเซียซึ่งส่วนใหญ่เป็นคนหนุ่มสาวถูกรัฐบาล "ส่ง" ไปยัง "ดินแดนต่างประเทศ" อย่างเร่งด่วนมีหนังสือการศึกษาจำนวนมากปรากฏขึ้นทั้งที่แปลและเป็นภาษารัสเซีย L. Magnitsky เขียนเลขคณิตซึ่งมีความโดดเด่นในช่วงเวลานั้นพร้อมส่วนแทรกบทกวี ความสำคัญของหนังสือเล่มนี้ (1703) นอกเหนือไปจากการศึกษาคณิตศาสตร์ หนังสือพิมพ์ Vedomosti ฉบับพิมพ์ของรัสเซียฉบับแรกได้รับการตีพิมพ์ ซึ่งบางครั้งก็เพิ่มขึ้นเป็นหลายพันเล่ม แนะนำตัว ปฏิทินใหม่(1700) แบบอักษรทางแพ่งใหม่ได้รับการอนุมัติ ซึ่งอำนวยความสะดวกอย่างมากในการพิมพ์หนังสือ และเพิ่มความเป็นไปได้ในการเผยแพร่ความรู้ในประชากรในวงกว้าง

ปีเตอร์ที่ 1 และพรรคพวกของเขาให้ความสำคัญกับการตีพิมพ์หนังสือเพื่อการศึกษาและการพัฒนาวิทยาศาสตร์อย่างแท้จริงโดยให้ความสำคัญกับการตีพิมพ์หนังสือเพื่อการศึกษาและสนับสนุนการพัฒนาดังกล่าว ศิลปะประยุกต์- โรงยิมแห่งแรกซึ่งยังมีจำนวนไม่มากนักก็ปรากฏตัวขึ้น ดังนั้นในปี 1703 โรงยิม Ernst Gluck จึงก่อตั้งขึ้นในกรุงมอสโก ปีเตอร์ฉันอย่างกว้างขวางบางครั้งก็ไปสุดขั้วดึงดูดชาวต่างชาติเพื่อจุดประสงค์ดังกล่าว มีการสร้าง "โรงเรียนดิจิทัล" จำนวนมาก ซึ่งเป็นโรงเรียนที่สอนวิทยาศาสตร์แบบตรงประเด็นเป็นหลัก ไซโคนอสพาสโคเอ โรงเรียนมอสโกแปรเปลี่ยนเป็นสูงขึ้น สถาบันการศึกษา– สถาบันสลาฟ-กรีก-ลาติน ครูใหม่ที่มีคุณสมบัติเหมาะสมจะถูกดึงดูดมาที่นี่ และการฝึกอบรมก็ยกระดับขึ้นไปอีกระดับหนึ่ง

ความสนใจในวัฒนธรรมโบราณกำลังเพิ่มขึ้น ในเรื่องนี้ในปี 1705 มีการตีพิมพ์หนังสือที่น่าสนใจซึ่งมีชื่อภาษาละตินว่า "Symbols and Emblems" หนังสือเล่มนี้มีตราสัญลักษณ์และสัญลักษณ์เชิงเปรียบเทียบมากกว่าแปดร้อยสัญลักษณ์ที่ใช้บ่อยที่สุด วรรณคดียุโรปตะวันตกและส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับเทพนิยายกรีกและโรมัน หนังสือเล่มนี้เป็น ABC ของเทพนิยายซึ่งเป็นการแนะนำโลกแห่งภาพทั่วไปซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมของบาโรกและคลาสสิกของยุโรปและกลายเป็นประโยชน์มากสำหรับผู้อ่านชาวรัสเซีย หนังสือ “The Library, or about the gods” ของ Apollodorus ก็กำลังได้รับการตีพิมพ์เช่นกัน การแปลเป็นภาษารัสเซียบรรลุเป้าหมายเดียวกัน และยังมีส่วนทำให้ประชาชนชาวรัสเซียคุ้นเคยกับวัฒนธรรมโบราณอีกด้วย

มีความจำเป็นที่จะต้องเผยแพร่ชุดกฎเกณฑ์มารยาทที่ดีและหนังสืออื่น ๆ ที่สามารถแนะนำคนทั่วไปของรัสเซียให้รู้จักกับวัฒนธรรมยุโรปตะวันตก หนังสือ​เหล่า​นี้​บาง​ครั้ง​มี​รอย​พิมพ์​เสียดสี. ตัวอย่างคือคอลเลกชัน "The Honest Mirror of Youth" ซึ่งมีคำแนะนำมากมายเกี่ยวกับพฤติกรรมในที่สาธารณะ ชีวิตของบุคคลชาวรัสเซียถูกนำออกจากห้องและห้องต่างๆ ในการประชุมและสู่สาธารณะ “อย่าถ่มน้ำลายลงบนพื้นในสังคม” “Zertsalo” สอนชายหนุ่มชาวรัสเซียที่สวมชุดคาฟทันแบบยุโรป “อย่าสั่งจมูกเสียงดัง ระงับอาการสะอึกต่อหน้าผู้หญิง” ฯลฯ

ทั้งหมดนี้จำเป็นอย่างยิ่งที่จะปลูกฝังให้เยาวชนที่ไม่เคยเข้าร่วมการประชุมที่แออัดต่อหน้าผู้หญิงมาก่อนและไม่คุ้นเคยกับกฎเกณฑ์พฤติกรรมสุภาพของยุโรป คำแนะนำดังกล่าวไม่เป็นอันตรายต่อสตรีในสังคม

คนรัสเซียยังต้องเรียนรู้สิ่งใหม่ๆ มากมายเกี่ยวกับกฎของการติดต่อทางไปรษณีย์ โดยเฉพาะอย่างยิ่งการโต้ตอบด้วยความรัก “ก้น คำชมนั้นเขียนต่างกันยังไง” นั่นคือชื่อของคอลเลกชั่นนี้ ข้อความตัวอย่างจดหมายทางไปรษณีย์ซึ่งมีการอธิบายรายละเอียดว่าควรใช้สูตรใดในการขึ้นต้นจดหมาย วิธีพูดในข้อความเกี่ยวกับความรู้สึกของคุณที่มีต่อผู้หญิง และวิธีลงท้ายจดหมาย

ตัวอย่างจดหมายธุรกิจ ข้อความจากสามีถึงภรรยาของเขา จดหมายจากภรรยาถึงสามี ฯลฯ ก็ได้รับเช่นกัน คุ้มค่าที่จะเน้นย้ำถึงความปรารถนาที่จะยืนยันศักดิ์ศรีความเป็นมนุษย์ซึ่งเป็นลักษณะของ Butts ที่นี่เราพบคำกล่าวที่ชี้ขาดต่อลายเซ็นที่เสื่อมเสียซึ่งพบเห็นได้ทั่วไปในยุคก่อน Petrine Rus เช่น "เจ้าบ่าวของคุณ" "อิวาชโกของคุณ"

ในปี 1724 “Academy of Sciences and Curious Arts” ได้ถูกก่อตั้งขึ้น และด้วยเหตุนี้การพัฒนาวิทยาศาสตร์ในรัสเซียจึงถูกรวมศูนย์และอยู่ภายใต้การดูแลของรัฐในที่สุด วรรณกรรมได้มาซึ่งตัวละครทางโลกล้วนๆ จากหนังสือ 600 เล่มที่จัดพิมพ์ในรัชสมัยของปีเตอร์ที่ 1 มีเพียง 48 เล่มเท่านั้นที่เป็นหนังสือของคริสตจักร

การปฏิรูปเศรษฐกิจของปีเตอร์, การปฏิรูปการบริหาร, การแนะนำกระทรวง, การสร้างกองเรือ, การพัฒนาอุตสาหกรรมมีความสำคัญอย่างยิ่ง - ทั้งชีวิต, ความคิดทั้งหมดของชาวรัสเซียกลับหัวกลับหาง, เปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรง ประเพณีใหม่ วิถีชีวิตใหม่ จำเป็นต้องมีคำอื่น ๆ ที่จะสะท้อนให้เห็นในวรรณคดี ภาษาวรรณกรรมใหม่ ประเภทใหม่ รูปแบบใหม่ ภายใต้ปีเตอร์ ปัญญาชนคนใหม่ แม้ว่าจะมีจำนวนน้อย แต่มีความกระตือรือร้นมาก แต่ก็ปรากฏตัวขึ้นอย่างรวดเร็ว ในหมู่พวกเขามีสามัญชนเช่น มาจากฐานันดรที่ 3 และจากภิกษุน้อยด้วย บุคคลที่โดดเด่นมากในหมู่คนเหล่านี้คือ Ivan Tikhonovich Pososhkov ซึ่งเสียชีวิตในปี 1726 เป็นชาวนาที่เรียนรู้ด้วยตนเอง นักวิทยาศาสตร์ - นักเศรษฐศาสตร์ที่มีพรสวรรค์อย่างมาก ผู้ศึกษาโครงสร้างของเศรษฐกิจรัสเซียในยุคของเขา วิถีชีวิต และในอย่างดีเยี่ยม วัยชราของเขาเขียน "หนังสือแห่งความยากจนและความมั่งคั่ง" ที่มีชื่อเสียงซึ่งมีแนวคิดใหม่ที่สมบูรณ์และบางครั้งก็กล้าหาญมากเกี่ยวกับการเปลี่ยนแปลงทางเศรษฐกิจและการเมืองพร้อมกับเศษซากและประเพณีของปิตาธิปไตยที่เกี่ยวพันกันอย่างน่าประหลาดใจ สำหรับหนังสือเล่มนี้ "ผู้ปลุกปั่น" (ผู้เขียน) ถูกจำคุกในป้อมปีเตอร์และพอลซึ่งเขาเสียชีวิต หนังสือของ Pososhkov ตีพิมพ์ในศตวรรษที่ 19 เท่านั้น

บุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมอีกคนหนึ่งของต้นศตวรรษคือ Vasily Nikitich Tatishchev นักประวัติศาสตร์ที่มีชื่อเสียงซึ่งมีชื่อเสียงจาก "ประวัติศาสตร์รัสเซียตั้งแต่สมัยโบราณที่สุด" ในหนังสือห้าเล่ม คนที่มีความคิดใหม่โดยสิ้นเชิง โดยหลักการแล้วเขาเป็นศัตรูกับทาส แม้ว่าเขาจะยังไม่ทราบวิธีที่เฉพาะเจาะจงในการกำจัดทาสก็ตาม

ควรรวมคริสตจักรหลักจำนวนหนึ่งไว้ในหมู่คนที่สนับสนุนกิจกรรมการปฏิรูปของเปโตรอย่างกระตือรือร้น นี่คือ Ryazan Bishop Gabriel Buzhinsky คนที่มีความรู้มากและมีมุมมองที่ก้าวหน้ามากนี่คืออาร์คบิชอปแห่ง Novgorod Feofan Prokopovich ผู้ได้รับการศึกษาสารานุกรมซึ่งสนับสนุนการปฏิรูปของ Peter I อย่างเต็มที่โดยเฉพาะการปฏิรูปรัฐบาลคริสตจักรที่ดำเนินการโดยฝ่ายหลัง (การยกเลิกปิตาธิปไตยและการสถาปนาเถร) และกลายเป็น "สมาชิกคนแรกของเถร" Feofan Prokopovich พัฒนา "กฎเกณฑ์ทางจิตวิญญาณ" ซึ่งกำหนดกิจกรรมของคริสตจักรออร์โธดอกซ์รัสเซียภายใต้ Peter I.

บุคคลสำคัญอีกคนหนึ่งที่สนับสนุน Peter I คือ Theophilus Rabbit ผลของความพยายามของตัวแทนที่สำคัญของวัฒนธรรมรัสเซียคือการเกิดขึ้นของกลุ่มปัญญาชนขั้นสูงในระดับต่างๆ ซึ่งประเพณีดังกล่าวยังคงดำเนินต่อไปในยุค 60 โดยผู้จัดพิมพ์นิตยสารเสียดสีและผู้แต่งเรื่องราวที่มุ่งเป้าไปที่กลุ่มที่สาม ผู้อ่านชั้นเรียน (M. Chulkov, V. Levshin) ในช่วงทศวรรษที่ 20 และ 30 ปัญญาชนดังกล่าวได้รวบรวม Feofan Prokopovich เข้าสู่ "Scientific Squad" ที่มีชื่อเสียง “ทีมวิทยาศาสตร์” ยังรวมถึงนักเสียดสีชาวรัสเซียชื่อ Antioch Dmitrievich Kantemir อีกด้วย

สิ่งที่สำคัญที่สุดคือการสร้างหนังสือพิมพ์ Vedomosti ของรัสเซียซึ่งตีพิมพ์ตั้งแต่ปลายปี 1702 ถึง 1727 หนังสือพิมพ์เต็มไปด้วยข่าวและเผยแพร่เอกสารราชการด้วย นิยาย บทความ และบทความไม่ได้รับการตีพิมพ์ในหนังสือพิมพ์ ปริมาณหนังสือพิมพ์ไม่คงที่และมีตั้งแต่สองถึงยี่สิบสองฉบับ การหมุนเวียนก็ผันผวนอย่างรวดเร็วจากสามหมื่นเป็นสี่พัน หนังสือพิมพ์ฉบับนี้ตีพิมพ์รายงานต่างๆ เกี่ยวกับสงคราม การลุกฮือของประชาชน ความไม่สงบ กิจกรรมของความแตกแยก และสิ่งที่พูดและเขียนเกี่ยวกับรัสเซียในต่างประเทศ บรรณาธิการคือ Polikarpov ผู้แปลคือ Volkov และ Sinyavich “Vedomosti” ดำรงอยู่เป็นเวลาหนึ่งในสี่ของศตวรรษ “มีอายุยืนยาวกว่า” Peter I เป็นเวลาสองปี หลังจากปี 1727 “Vedomosti” ถูกแทนที่ด้วยหนังสือพิมพ์อีกฉบับ “Petersburg Vedomosti”

ในศตวรรษที่ 17 มีความพยายามที่จะให้ผู้อ่านชาวรัสเซียทราบถึงสิ่งที่พวกเขาคิดในต่างประเทศเกี่ยวกับรัฐรัสเซีย มันเป็นหนังสือพิมพ์ที่เขียนด้วยลายมือ Kuranty ซึ่งเขียนด้วยลายมือฉบับเดียวและแจกจ่ายให้กับผู้ใกล้ชิดของซาร์เท่านั้นเพื่อให้ขอบเขตการดำเนินการแคบกว่าขอบเขตของ Vedomosti อย่างไม่มีใครเทียบได้

ในตอนท้ายของปี 1702 Johann Kunst ชาวเยอรมันจาก Danzig ชายผู้มีความรู้ด้านละครและมีทักษะในการจัดองค์กรที่มีชื่อเสียงตามความคิดริเริ่มของ Peter ได้คัดเลือกคณะ "นักแสดงตลก" และเตรียมบทละครหลายเรื่อง ละครเหล่านี้แสดงตามประเพณีคณะละครท่องเที่ยว บทละครเริ่มแรกเป็นภาษาเยอรมัน จากนั้นเป็นภาษารัสเซีย แต่ Kunst Theatre อยู่ได้ไม่นานนัก Kunst เสียชีวิตในปีหน้าและการแสดงก็หยุดลง การแสดงเหล่านี้เต็มไปด้วยตอนที่แปลกประหลาดและน่าตื่นตาตื่นใจ โดยนำเสนอตัวละครหลากสีสันแห่งโชคชะตาที่ไม่ธรรมดา ซึ่งออกแบบมาเพื่อดึงดูดจินตนาการของผู้ชม โครงเรื่องอันไพเราะเต็มไปด้วยความสยองขวัญ การฆาตกรรม และการดวล และการพลิกผันของการกระทำที่ไม่คาดคิด กฎเกณฑ์ในการดำเนินการแสดงมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวมาก บทบาทหญิงเล่นโดยนักแสดงชาย นักแสดงเองก็แนะนำกันและกันให้ผู้ชมรู้จัก เนื่องจากความเรียบง่ายของทิวทัศน์ และบางครั้งก็ไม่มีเลย นักแสดงจึงประกาศชื่อสถานที่เกิดเหตุและเมือง ผ้าม่านส่วนใหญ่ไม่ได้ใช้ โรงละครเหล่านี้อยู่ได้ไม่นาน ในช่วงปลายทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 18 ความนิยมของพวกเขาลดลง

โรงละครมืออาชีพของรัสเซียกำลังจะเกิดขึ้นและในที่สุดก็แข็งแกร่งขึ้นในช่วงต้นครึ่งหลังของศตวรรษผ่านความพยายามของ Feodor Volkov เฉพาะการกำเนิดโรงละครมืออาชีพในมาตุภูมินี้เท่านั้นที่จะนำไปสู่ยุค 50-60 ในการสร้างงานศิลปะรูปแบบใหม่ในชีวิตทางวัฒนธรรมของรัสเซียโดยสมบูรณ์

บทกวีบทกวีของเวลานี้อ่อนแอใน ในทางศิลปะมีความสำคัญอย่างยิ่งในแง่ประวัติศาสตร์และวรรณกรรมเพราะมันเปิดกว้างต่อผู้อ่านเปิดกว้างให้กับศิลปะคำศัพท์ภาษารัสเซียซึ่งเป็นพื้นที่ใหม่ในชีวิตมนุษย์ที่ไม่รู้จักมาก่อน - ขอบเขตของประสบการณ์ส่วนตัว ในวรรณคดีรัสเซียโบราณและรัสเซียยุคกลางตลอดจนในนิทานพื้นบ้าน (ยกเว้นเพลงรัก "เอ้อระเหย") ธีมของโคลงสั้น ๆ ในความหมายที่เหมาะสมของคำนั้นขาดประสบการณ์ คำอธิบายประสบการณ์ความรักของตัวละครไม่สนใจเลย สถานที่สำคัญ- หากมีการพูดถึงความรัก มันก็ไม่ใช่ความรู้สึกของความรักที่บรรยายไว้ แต่เน้นไปที่ ความสำคัญทางเศรษฐกิจสหภาพการแต่งงาน ความรักมักจะถูกแทนที่ด้วยโชคชะตา โชคชะตา ซึ่งเชื่อมโยงชะตากรรมของผู้คน ในวรรณคดีก่อน Petrine เรากำลังพูดถึงแรงดึงดูดทางกามารมณ์ ความดึงดูดใจเหยียดหยาม ปราศจากจิตวิญญาณใดๆ ความรู้สึกของความรักไม่ได้อธิบายไว้ในความหมายทั้งหมดเช่น เป็นความรู้สึกที่เปลี่ยนแปลงโลกฝ่ายวิญญาณทั้งโลกของบุคคล เป็นความรู้สึกที่มีบทบาทอย่างมากในชีวิตของบุคคล นี่เป็นวิธีที่กวีแห่งศตวรรษที่ 18 เท่านั้นที่พูดถึงความรักในรูปแบบใหม่ ใน "เพลง" และ "อาเรีย" ของพวกเขา ความรักไม่เพียงแต่กลายเป็นแรงผลักดันของงานซึ่งเป็นพื้นฐานของความขัดแย้งเท่านั้น แต่ความรักที่นี่ได้รับการยกย่องในความหมายทางศิลปะของคำ บทกวี เกือบจะศักดิ์สิทธิ์ แต่เนื้อเพลงในหนังสือยังคงไร้ประโยชน์ทางศิลปะและดึงดูดผู้อ่านด้วยเนื้อหาที่เป็นนวัตกรรมเท่านั้น

ภาษาวรรณกรรมเข้าสู่สภาวะวุ่นวายเนื่องจากชีวิตเปลี่ยนแปลงไปอย่างรุนแรงจึงมีแนวคิดใหม่มากมายปรากฏขึ้นเพื่อแสดงออกถึงภาษาเก่าของชนชั้นวรรณะ รัสเซียยุคกลางไม่เหมาะสมอย่างยิ่ง ทั้งรูปแบบภาษาสลาโวนิกของ Old Church หรือรูปแบบของเอกสารทางธุรกิจหรือสไตล์คติชนก็ไม่เหมาะกับที่นี่ จำเป็นต้องมองหาองค์ประกอบทางวาจาที่หลอมรวมใหม่ทั้งหมด แน่นอนว่านี่เป็นอย่างยิ่ง งานที่ยากลำบากไม่สามารถแก้ไขได้ทันที ในตอนต้นของศตวรรษมีเพียงงานดังกล่าวเกิดขึ้นเท่านั้น

สิ่งที่สำคัญที่สุดสำหรับการพัฒนาบทกวีในรัสเซียคือความคลั่งไคล้ในการเขียนบทกวีพยางค์และก่อนพยางค์ - โองการซึ่งเป็นลักษณะของชีวิตเซมินารีในเวลานั้น การเขียนบทกวีรวมอยู่ในหลักสูตรของเซมินารีและในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 ความสนใจหลักมุ่งเน้นไปที่ภายนอกล้วนๆ มุมมองกราฟิกงานบทกวี สันนิษฐานว่าเป็นความสมมาตรทางสายตาของข้อความที่แสดงบนกระดาษซึ่งเป็นการแสดงให้เห็นถึงความเชี่ยวชาญทางศิลปะและบทกวีสูงสุด ดังนั้นบทกวีที่เป็นรูปไม้กางเขน หัวใจ หรือรูปทรงอื่นๆ บทกวีดังกล่าวเรียกว่าบทกวีที่คิด มีการเขียนอักษรอะโครและเมโสโองการด้วย โดยอักษรเริ่มต้นของบรรทัดที่อ่านจากบนลงล่าง หรืออักษรกลางของข้อที่เน้นด้วยตัวพิมพ์ใหญ่ จะประกอบขึ้นเป็นคำที่มีความหมาย ซึ่งเป็นชื่อของบุคคลที่ ผู้ที่อุทิศบทกวีนี้ มีการให้ความสนใจอย่างมากกับการเขียนสิ่งที่เรียกว่า "บทกวีกุ้งน้ำจืด" หรือบทกวีของมนุษย์หมาป่าซึ่งสามารถอ่านได้ตามลำดับปกติจากซ้ายไปขวาและในทางกลับกันและความหมายของกลอนก็ไม่เปลี่ยนแปลง

ความคิดสร้างสรรค์ทางวรรณกรรมมีการต่อต้านภายในอย่างมากและยากต่อการปรับปรุง ทนทานมากใน วรรณคดีรัสเซียโบราณประเพณีโวหารมีชีวิตอยู่เป็นเวลานานในวรรณคดีของศตวรรษที่ 18 ในทศวรรษแรก ลักษณะเฉพาะของศตวรรษที่ 16-17 ยังคงมีความสำคัญเช่นกัน ในศตวรรษที่ 17 ประเภทของเรื่องแพร่หลายมากที่สุดในวรรณคดีรัสเซีย ยังคงได้รับความนิยมในทศวรรษแรกของศตวรรษใหม่ ในแนวเพลงเก่าที่คุ้นเคย แนวเก่าทั้งในเนื้อหาและรูปแบบโวหารเริ่มขัดแย้งกับแนวใหม่ ในขณะเดียวกันก็ยังคงอยู่ร่วมกับแนวใหม่นี้ต่อไป ปรากฏการณ์นี้สามารถติดตามได้จากตัวอย่างเรื่องราวที่แพร่หลายที่สุดในสมัยของปีเตอร์ - "ประวัติศาสตร์ของกะลาสีเรือชาวรัสเซีย Vasily Koriotsky เกี่ยวกับเจ้าหญิง Irakli ที่สวยงามแห่งดินแดน Florensky" คำว่า "ประวัติศาสตร์" หรือ "ประวัติศาสตร์" ที่ทันสมัยมักถูกนำมาใช้ในชื่อของผลงานดังกล่าว แน่นอนว่านี่คือจิตวิญญาณแห่งกาลเวลา และไม่เพียงแต่เป็นศัพท์เท่านั้น: ด้วยคำนี้ ผู้เขียนเรื่องราวที่ไม่ระบุชื่อต้องการเน้นย้ำถึงความถูกต้อง ความจริง และลักษณะเฉพาะของเหตุการณ์ที่ปรากฎในผลงาน งานนี้พัฒนาความขัดแย้งที่คุ้นเคยกับเรื่องราวของศตวรรษที่ 17 ที่นี่เรายังมีความขัดแย้งระหว่างแนวคิดเก่าและใหม่เกี่ยวกับจุดประสงค์ของชีวิต เกี่ยวกับคุณค่าทางศีลธรรม เกี่ยวกับรากฐานทางศีลธรรมของสังคม เกี่ยวกับความขัดแย้งของอุดมการณ์ของพ่อและลูก แต่ถ้าในเรื่องราวของศตวรรษที่ 17 การปะทะกันดังกล่าวมักจะกลายเป็นตัวละครที่เฉียบแหลมมากและถูกมองว่าเป็นความขัดแย้งที่เป็นปรปักษ์กันนี่ก็ไม่มีการปะทะกันโดยตรงซึ่งเป็นพล็อตเรื่องความขัดแย้งระหว่างพ่อกับลูกชายซึ่งเป็นฮีโร่ของงาน ในทางตรงกันข้ามพระเอกของเรื่อง Vasily จำพ่อของเขาอยู่เสมอส่งเงินจากต่างประเทศให้เขาไม่มีความเป็นปฏิปักษ์ระหว่างพ่อกับลูกชาย ยิ่งกว่านั้นผู้เป็นพ่อไม่ได้กีดกันลูกชายจากการดำเนินชีวิตตามใจตนเองและยังเห็นใจกับพฤติกรรมกตัญญูดังกล่าวด้วย แต่ เนื้อหาเชิงอุดมคติเรื่องราวโดยรวมสะท้อนถึงความเป็นไปไม่ได้ในการใช้ชีวิตแบบเก่า แสดงถึงการปฏิเสธทุกสิ่ง ชีวิตเก่าวิถีชีวิตทั้งหมด ศีลธรรมของมัน และฮีโร่ที่ใช้ชีวิตในรูปแบบใหม่สร้างโชคชะตาของเขาอย่างแข็งขันได้รับชัยชนะและก้าวไปสู่จุดสูงสุดของบันไดทางสังคม สิ่งนี้ไม่ได้เกิดขึ้นในเรื่องราวของศตวรรษที่ 17 นี่เป็นวิธีแก้ปัญหาความขัดแย้งแบบใหม่โดยพื้นฐาน - ค่อนข้างอยู่ในจิตวิญญาณของช่วงเวลาปั่นป่วนของพระเจ้าปีเตอร์มหาราช Vasily ได้รับความเห็นอกเห็นใจอย่างมากจากผู้เขียน ภาพลักษณ์ของเขาเน้นย้ำถึงความเด็ดเดี่ยว ความคิดริเริ่ม ทัศนคติที่กระตือรือร้นสู่ชีวิตความสามารถในการ "ใช้ชีวิตด้วยจิตใจของตัวเอง" (ทักษะที่ก่อนหน้านี้ทำลายพระเอกของเรื่อง "About Grief-Misfortune") Vasily ปฏิบัติต่อ “บุคคลที่มีชื่อเสียง” ด้วยความเคารพ แต่ในขณะเดียวกันเขาก็มีบุคลิกที่เป็นอิสระและรักษาศักดิ์ศรีความเป็นมนุษย์อยู่เสมอ ฮีโร่ในตอนท้ายของเรื่องได้รับตำแหน่งสูงสุดในสังคมไม่ใช่เพราะบุญคุณของพ่อของเขา ไม่ใช่ความสูงส่งของครอบครัวของเขา แต่เป็นเพราะคุณสมบัติที่โดดเด่นของเขาเองเท่านั้น จุดจบของเรื่องยังแตกต่างจากจุดจบของเรื่องราวของศตวรรษที่ 17 - เรื่องที่สิ้นหวัง - ไม่ใช่การไปอารามไม่ใช่การตายของฮีโร่ แต่เป็นชัยชนะของเขาในฐานะผู้ชนะในการต่อสู้แห่งชีวิตและเป็นผู้ชนะใน เงื่อนไขทางศีลธรรม ความขัดแย้งเรื่องความรักมีบทบาทสำคัญ เธอคือผู้ขับเคลื่อนการดำเนินการตลอดทั้งเรื่อง ในเวลาเดียวกัน ความรักได้รับการทำให้เป็นอุดมคติซึ่งตรงข้ามกับการประณามว่าเป็นหลักการที่ชั่วร้ายหรือต่อต้านสังคมในเรื่องราวของศตวรรษที่ 17

ในแง่ของการเรียบเรียง "The History of Vasily Koriotsky" อาจจะสมบูรณ์แบบที่สุดในบรรดาเรื่องราวทั้งหมดในยุคของ Peter the Great ผลงานอื่นๆ ประเภทนี้โดดเด่นด้วยความซับซ้อนของความขัดแย้งและองค์ประกอบที่ไม่สอดคล้องกัน ในขอบเขตที่น้อยกว่า สิ่งนี้ใช้กับงานล้อเลียน “เรื่องราวของ พ่อค้าชาวรัสเซียโจอันนา" ฮีโร่ที่ไม่ใช่ขุนนาง แต่เป็นพ่อค้า เขาไปปารีสเพื่อ "ลิ้มรสความสุขของชีวิตทางสังคม" เรื่องราวนี้ให้ความสนใจอย่างมากกับคำอธิบายของการเกี้ยวพาราสีความรัก ความผันผวนของการเกี้ยวพาราสีของจอห์นกับเอลีนอร์ มีการนำบันทึกความรักเข้ามาในข้อความเป็นครั้งแรก แต่ทุกอย่างถูกทาสีด้วยโทนสีแดกดัน การปรากฏตัวของงานที่แต่งแต้มด้วยล้อเลียนอย่างชัดเจนเป็นข้อพิสูจน์ว่าประเภทของ "ประวัติศาสตร์" เริ่มล้าสมัยไปบ้างแล้ว

ปริมาณที่สำคัญที่สุดและในขณะเดียวกันก็มีองค์ประกอบที่สอดคล้องกันน้อยที่สุดในบรรดาเรื่องราวทั้งหมดในสมัยของปีเตอร์มหาราชคือ "The Tale of Alexander, the Russian Nobleman" อย่างไม่ต้องสงสัย ที่นี่เราสัมผัสได้ถึงอิทธิพลอันแข็งแกร่งของนวนิยายสิ่งพิมพ์ยอดนิยมและภาษารัสเซีย งานคติชนวิทยาโดยเฉพาะเทพนิยายรัสเซียแนวผจญภัย

อเล็กซานเดอร์ฮีโร่ของงานนี้เช่น Vasily และ John ไปยุโรปซึ่งปรากฏต่อผู้อ่านว่าเป็นดินแดนแห่งความเพลิดเพลินและความกล้าหาญและในส่วนที่สองของงาน - เป็นโลกแห่งการผจญภัยและการแข่งขันของอัศวิน ในเมืองลีล อเล็กซานเดอร์ตกหลุมรักเอลีนอร์ที่สวยงาม ความรักของพวกเขายังคงดำเนินต่อไปเป็นเวลานาน แต่เหล่าฮีโร่สูญเสียกันมากกว่าหนึ่งครั้ง ในขณะที่การปลอมตัวของเหล่าฮีโร่ซึ่งผู้เขียนใช้นั้นไม่อนุญาตให้ ฮีโร่ที่จะรู้จักกัน อเล็กซานเดอร์เป็นสุภาพบุรุษที่ค่อนข้างเหลาะแหละและเอลีนอร์เมื่อได้เรียนรู้เกี่ยวกับการทรยศของเขาก็เสียชีวิตด้วยความเศร้าโศก อเล็กซานเดอร์ตกหลุมรักเฮดวิก-โดโรเธีย จากนั้นกับทีร์รา ซึ่งในตอนท้ายของเรื่องแทงตัวเองตายบนร่างของอเล็กซานเดอร์ผู้ตายด้วยความเศร้าโศก

การ์ตูนคู่ขนานกับตัวละครหลักของเรื่องคือ Alexander และ Eleanor คือ Vladimir กับคนรักมากมายของเขา

เรื่องราวของลูกชายชาวฝรั่งเศสได้รับความนิยมบ้าง เรื่องราวทั้งหมดนี้แสดงให้เห็นว่าคนรัสเซียเป็นชาวยุโรป ทำให้เขามีคุณสมบัติที่แตกต่างจากเรื่องราวของรัสเซียเก่า: ความเป็นอิสระ ความมีไหวพริบ ความกล้าหาญ - วิถีชีวิตใหม่ ความเป็นจริงใหม่เรียกร้องอย่างทรงพลัง

สิ่งที่แตกต่างจาก "เรื่องราว" เล็กน้อยคือ "ข้อความที่ตัดตอนมาจากนวนิยายในกลอน" ซึ่งเป็นเรื่องราวอัตชีวประวัติของหญิงสาวคนหนึ่งเกี่ยวกับการล่มสลายของความหวังของเธอในการแต่งงานกับคนที่เธอรัก เป็นครั้งแรกในวรรณคดีรัสเซียในนามของผู้หญิงที่มีการพูดความรักอย่างเปิดเผยอย่างเปิดเผยอย่างไม่เกรงกลัวและอำนาจของผู้ปกครองโดโมสโตรเยฟซึ่งต่อต้านความรู้สึกนี้และทำลายความรู้สึกนี้ในท้ายที่สุดถูกประณามอย่างเปิดเผย

งานทั้งหมดนี้ใกล้เคียงกับนิทานพื้นบ้านมากกว่าหนังสือ ประเพณีวรรณกรรม- พวกเขาไม่ได้ตีพิมพ์ แต่ด้วยความยินดีแก่ผู้อ่าน จึงมีการแจกจ่ายเป็นรายการและหลากหลาย ซึ่งทำให้พวกเขาใกล้ชิดกับนิทานพื้นบ้านมากขึ้น และมีส่วนทำให้ภาพของพวกเขาได้รับสัมผัสของลัทธิดั้งเดิมและทำให้งานอิ่มตัวด้วยสิ่งธรรมดาสามัญ

การบรรยายครั้งที่ 2

ฟีฟาน โปรโคโปวิช

(1681 – 1736)

Feofan Prokopovich เป็นหนึ่งในผู้ที่มีการศึกษามากที่สุดในสมัยของเขา เป็นคนแรกที่รู้สึกและเข้าใจถึงความจำเป็นที่รัฐรัสเซียต้องทำการเปลี่ยนแปลงขั้นพื้นฐานในด้านการเมือง อุดมการณ์ และศิลปะ และต่อสู้เพื่อการดำเนินการตามการปฏิรูปของ Peter Feofan Prokopovich ตามคำบอกเล่าของ N.K. Gudziya "ผู้รู้แจ้งใน Cassock" คนนี้อุทิศพลังงานอันแข็งแกร่งและความสามารถทั้งหมดของเขาให้กับการให้ความกระจ่างแก่รัสเซีย

ลูกชายของพ่อค้าชาวเคียฟรายเล็ก Feofan Prokopovich ประสบกับความยากจนในวัยเด็ก แต่เขาก็สามารถเป็นนักเรียนที่ Academy ofเคียฟ-Mohyla ได้ อย่างไรก็ตาม ความรู้ที่เขาได้รับนั้นไม่เพียงพอ และเขาก็ยอมรับลัทธิเอกภาพโดยไม่ลังเลเลย (โบสถ์ Uniate เป็นสมาคมคริสเตียนที่ก่อตั้งโดย Union of Brest ในปี 1596 ซึ่งอยู่ใต้บังคับบัญชาของสมเด็จพระสันตะปาปา ยอมรับหลักคำสอนพื้นฐานของคริสตจักรคาทอลิกในขณะที่ การเก็บรักษา พิธีกรรมออร์โธดอกซ์) เพื่อให้สามารถศึกษาต่อในประเทศตะวันตกได้ เขาศึกษาในโปแลนด์มาระยะหนึ่งแล้วในโรมที่ Collegium of St. Athanasius (เปิดโดยเฉพาะสำหรับการฝึกอบรมผู้โฆษณาชวนเชื่อของนิกายโรมันคาทอลิกในหมู่ชาวสลาฟและกรีก) เส้นทางสู่ความรู้ของเขาพูดถึงความรอบรู้ของความรู้และความเป็นอิสระของการตัดสินและความอดทนของเขา นี่เป็นเรื่องปกติสำหรับยุคของการปฏิรูปของพระเจ้าปีเตอร์มหาราชซึ่งเป็นช่วงเวลาแห่งการแก้ไขแนวคิดดั้งเดิมทั้งหมด

ในปี 1704 เขากลับมาที่เคียฟและสอนวรรณกรรมและวาทศิลป์ที่สถาบันเคียฟ-โมฮีลาเป็นระยะเวลาหนึ่ง หลังจากเป็นเพื่อนส่วนตัวของซาร์ Prokopovich ได้รับการยืนยันในตำแหน่ง "นายอำเภอ" - อธิการบดีของ Kyiv Academy เขาโดดเด่นด้วยความสนใจที่หลากหลายเป็นพิเศษ เขาสนใจในประวัติศาสตร์ ปรัชญา เทววิทยา ปรัชญา และแม้แต่คณิตศาสตร์ ร่วมกับ Kantemir, Tatishchev และ Golitsyn เขาเข้าสู่ "ทีมวิทยาศาสตร์" ที่ก่อตั้งขึ้นเมื่อปลายทศวรรษที่ 20 และกลายเป็นผู้นำของกลุ่มผู้รู้แจ้งชาวรัสเซีย - แชมป์เปี้ยนของกิจการของ Peter I.

Prokopovich เข้าสู่วรรณคดีรัสเซียในฐานะผู้แต่งบทกวีโคลงสั้น ๆ และเป็นผู้สร้างโศกนาฏกรรม - คอมเมดี้ "วลาดิเมียร์" ซึ่งใช้เนื้อหาที่ยืมมาจากพงศาวดารมีความพยายามที่จะแสดงให้เห็นถึงการต่อสู้ของกษัตริย์ผู้รู้แจ้งกับนักบวชที่โง่เขลาและยัง ในฐานะผู้เขียนบทความ "De arte Poetica" - หนังสือเรียนเกี่ยวกับบทกวี .

เขาเป็นวิทยากรที่โดดเด่นและได้เทศนาหลายครั้งซึ่งเขายกย่องนโยบายต่างประเทศและในประเทศของรัฐบาลของปีเตอร์ที่ 1 ในฐานะบุคคลสำคัญของคริสตจักร (เขาดำรงตำแหน่งอาร์ชบิชอปแห่งนอฟโกรอด) ธีโอฟาเนสสนับสนุนปีเตอร์ที่ 1 อย่างแข็งขันในการปรับโครงสร้างองค์กรของ โบสถ์รัสเซีย จากการสนับสนุนนี้ทำให้ Peter I เป็นหนี้ความสำเร็จของเขาเป็นส่วนใหญ่ในการกำจัดปรมาจารย์ซึ่งแข่งขันกับพระราชอำนาจมาโดยตลอดและสร้างวิทยาลัยประเภทหนึ่งสำหรับจัดการกิจการของคริสตจักร - Holy Synod Prokopovich กลายเป็นสมาชิกชั้นนำของ Synod เขาเขียนสิ่งที่เรียกว่า "กฎเกณฑ์ทางจิตวิญญาณ" ซึ่งกำหนดกิจกรรมของคริสตจักรรัสเซียมานานหลายทศวรรษ ในงานของเขาและในการเทศนา Prokopovich ได้แสดงอุดมการณ์ของชนชั้นสูงขั้นสูงและปัญญาชนต่างๆ ในสมัยของ Peter the Great ใน “ถ้อยคำแห่งการสรุปสันติภาพกับสวีเดน” โพรโคโปวิชปรารถนาอย่างมีความหมายว่า “ให้ภาระของประชาชนลดน้อยลง” เฟโอฟานเป็นนักพูดที่ยอดเยี่ยม รู้วิธีทำให้ภาษาเทศนาของเขามีสีสันและหลากหลาย

ในด้านรูปแบบบทกวี Prokopovich ได้แนะนำอ็อกเทฟในบทกวีรัสเซียซึ่งเขาใช้ค่อนข้างบ่อย บ่อยครั้งในบทกวีของเขาเขาใช้สัมผัสและความสอดคล้องโดยประมาณ: มองเห็นได้ - มันแย่มากผู้ดูมีคุณธรรม Prokopovich เขียนบทกวีโคลงสั้น ๆ ของเขาในบทกวีพยางค์ซึ่งต่อมาแพร่หลายในยูเครนและเบลารุส แต่ยังรู้สึกถึงอิทธิพลขององค์ประกอบเพลงพื้นบ้านด้วย สิ่งนี้อธิบายได้ด้วยบทกวีโดยธรรมชาติของเขา ราวกับว่าตระหนักถึงการจัดเรียงจังหวะที่ไม่เพียงพอของท่อนพยางค์ยาว Prokopovich มักจะสลับท่อนที่มีความยาวต่างกันในงานของเขาและท่อนสั้น ๆ ที่ไม่มีพยางค์ที่ใช้กันอย่างแพร่หลายซึ่งฟังดูเกือบจะคล้ายกับท่อนพยางค์ - โทนิค

ตัวอย่างเช่น: “เบื้องหลังหลุมศพ Pockmarked”:

ด้านหลังหลุมศพที่ถูกเจาะ

เหนือแม่น้ำพรูโทวา

มีกองทัพในการสู้รบอันเลวร้าย

ในวันธรรมดาตั้งแต่เที่ยงวัน

ชั่วโมงนี้กลายเป็นเรื่องยากมากสำหรับเรา -

พวก Turchin ที่อัดแน่นมาถึงแล้ว

หรือ "คอซแซคกลับใจ":

ฉันไม่รู้ว่าจะทำอย่างไร

และฉันก็ตายโดยไม่มีใครรู้:

หลงเข้าไปในป่าที่ไม่สามารถเข้าถึงได้

สู่ประเทศที่ราบเรียบและไร้น้ำ

อาตามานและเฮตมัน

ฉันตกอยู่ในการหลอกลวงของคุณ

คุณจะหายไปเกินเกณฑ์

เพียงแต่อย่าให้หลงทาง

ฉันหวังว่าฉันจะไม่ตกอยู่ในมือที่แข็งแกร่ง

ฉันจะไม่ยอมรับความทรมานอันเลวร้ายนี้

นี่คือกลอนพยางค์สั้น (octyllabic) ซึ่งมักเน้นความเครียดในลำดับพยางค์ - โทนิค (trochaic - เช่นเดียวกับในเพลงเต้นรำพื้นบ้าน) บางครั้งก็มีชาวยูเครน บทกวีบางบทของเขาเป็นอัตชีวประวัติ ตัวอย่างเช่น “เด็กเลี้ยงแกะร้องไห้ในสภาพอากาศเลวร้ายเป็นเวลานาน” บทกวีนี้เขียนขึ้นในวันครบรอบปีที่ห้าของการเสียชีวิตของ Peter I ("วันที่ห้าผ่านไป") และเป็นพยานถึงความสัมพันธ์อันใกล้ชิดที่มีอยู่ในจิตใจของกวีระหว่างประสบการณ์ส่วนตัวกับ ชีวิตทางการเมืองประเทศ เขาใส่ใจปฏิกิริยาทางการเมืองและการล่มสลายของความหวังทางการศึกษาของเขามากเพียงใด

Prokopovich ก็หันมาใช้แนวเพลงโอดิกด้วย นี่คือบทกวีของเขา "Epinikion หรือเพลงแห่งชัยชนะเกี่ยวกับชัยชนะอันรุ่งโรจน์เดียวกัน" ที่นี่โดยใช้ Old Church Slavonicisms อย่างกว้างขวาง Prokopovich เชิดชูชัยชนะเหนือ "กองทัพ Svei" ที่ได้รับชัยชนะใกล้กับ Poltava ในงานนี้ Prokopovich ทำหน้าที่เป็นผู้เชี่ยวชาญ สไตล์สูง- เราพบความแตกต่างที่เข้มงวดระหว่างสไตล์สูงและธรรมดาและไม่สูงอยู่แล้วในผลงานของ Feofan Prokopovich

ภาพยนตร์ตลกโศกนาฏกรรมของ Prokopovich เรื่อง "Vladimir" เป็นหนึ่งในผลงานละครที่สำคัญที่สุดของต้นศตวรรษ ที่นี่ผู้เขียนหันไปหาช่วงเวลาแห่งการรับบัพติศมาของ Rus ภายใต้ Vladimir Svyatoslavich โดยใช้ข้อมูลพงศาวดารเกี่ยวกับเหตุการณ์นี้เป็นแหล่งประวัติศาสตร์ เกี่ยวกับเรื่องนี้ พื้นฐานพล็อตเขารวบรวมเนื้อหาทางสังคมและการเมืองร่วมสมัย โดยเผยให้เห็นสองประเด็นหลักที่ทำให้เขากังวลอยู่เสมอ: การต่อสู้เพื่อการเผยแพร่การศึกษาในรัสเซีย และการต่อสู้ภายในคริสตจักรระหว่างผู้นำคริสตจักรที่ก้าวหน้าและปฏิกิริยา ในสมัยของ Prokopovich ชีวิตในอุดมคติทั้งสองด้านนี้มีความเชื่อมโยงกันอย่างใกล้ชิด

ภาพนักบวชที่โง่เขลา โง่เขลา และโลภด้วย ชื่อลักษณะ: Zherivol, Kuroyad, Piyar - วาดภาพด้วยมือของปรมาจารย์ที่มีพรสวรรค์อย่างไม่ต้องสงสัย นักบวชที่โง่เขลากลุ่มนี้ (เป็นสัญลักษณ์ของทุกสิ่งที่เฉื่อยชาในชีวิตรัสเซีย) ต่อต้านความตั้งใจของวลาดิเมียร์ที่จะยอมรับศาสนาคริสต์ซึ่งนำมาซึ่งคุณธรรมที่สูงกว่าวัฒนธรรมที่สูงกว่า เงาของ Yaropolk ซึ่งเสียชีวิตด้วยน้ำมือของ Vladimir ก็มาช่วยเหลือนักบวชในการต่อสู้เพื่อสมัยโบราณเช่นกัน แต่วลาดิมีร์แม้จะมีทุกอย่างที่ได้รับการสนับสนุนจากลูกชายและคนที่มีใจเดียวกัน แต่ก็ยอมรับศาสนาคริสต์และบดขยี้รูปเคารพนอกรีต ที่นี่ Prokopovich ยังพยายามที่จะแสดงให้เห็นถึงความไม่สอดคล้องกันของลักษณะนิสัยของมนุษย์ ดังนั้นวลาดิมีร์ของเขาจึงลังเลที่จะยอมรับศาสนาคริสต์หรือไม่เพราะมันเป็นเรื่องยากสำหรับเขาที่จะละทิ้งการมีภรรยาหลายคนเป็นนิสัย แต่วลาดิเมียร์ก็เอาชนะความลังเลใจเหล่านี้ได้ ความอ่อนแอของมนุษย์- ที่นี่เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับแนวโน้มที่เป็นจริงในงานของนักเขียนได้แล้ว

หนังตลกโศกนาฏกรรมถูกนำเสนอในปีเดียวกันปี 1705 โดยนักเรียนของ Academy ofเคียฟ-Mohyla นี่เป็นเพียงการแสดงละครเท่านั้น

Prokopovich ทำหน้าที่เป็นนักเขียนเสียดสีซึ่งเป็นบรรพบุรุษของ Antioch Cantemir ความน่าสมเพชเสียดสีของ Prokopovich ปรากฏใน "กฎเกณฑ์ทางจิตวิญญาณ" ต่อไปนี้เป็นภาพร่างที่ชัดเจนเกี่ยวกับคุณธรรมของผู้คนที่ต่อต้านการปรับโครงสร้างชีวิตชาวรัสเซียในรูปแบบใหม่และการต่ออายุคริสตจักรรัสเซีย เกี่ยวกับคำประจบสอพลอในราชสำนัก เขาเขียนว่า: “เมื่อมีข่าวลือแพร่สะพัดว่าจักรพรรดิแสดงความรักต่อคนพิเศษ ทุกคนไปที่ศาล ทุกคนแสดงความยินดี มอบของขวัญ คำนับ และสิ้นพระชนม์เพื่อพระองค์ราวกับพร้อม”

“ กวีนิพนธ์” ของ Prokopovich เป็นที่สนใจ ปิติติกที่เขียนด้วยลายมือดังกล่าวมักถูกสร้างขึ้นในสถาบันศาสนศาสตร์ในสมัยนั้น บทความของ Prokopovich ได้รับการตีพิมพ์เมื่อปลายศตวรรษที่ 18 เท่านั้น แต่มีอิทธิพลต่องานของ Cantemir บทบัญญัติจำนวนหนึ่งของเขาคาดการณ์มุมมองของนักทฤษฎีแนวโรแมนติกและความสมจริง แม้ว่าโดยทั่วไปบทกวีของ Feofan จะเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับแนวโน้มก่อนคลาสสิกใน ศิลปะยุโรปคำ.

บทความ "On Poetic Art" ของ Prokopovich ประกอบด้วยหนังสือสามเล่มซึ่งมีปริมาณน้อย

หนังสือเล่มแรกเกี่ยวข้องกับต้นกำเนิดและความเฉพาะเจาะจงของกวีนิพนธ์ ซึ่งก็คือความหมายของทักษะบทกวี ส่วนที่น่าสนใจที่สุดนั้นอุทิศให้กับนิยายเชิงกวีโดยที่ Prokopovich เน้นย้ำถึงคุณลักษณะเฉพาะหลัก ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ– การใช้แบบแผนบทกวี การคิดในภาพ ปัญหาอื่นๆ ได้รับการปฏิบัติในหนังสือเล่มแรกด้วยจิตวิญญาณแห่งอุดมคติ ตัวอย่างเช่น มีการยืนยันต้นกำเนิดอันศักดิ์สิทธิ์ของบทกวี แต่ความคิดสร้างสรรค์เชิงบทกวีถือเป็นงานประเภทหนึ่งธรรมดาที่ไม่มีความแตกต่างเชิงคุณภาพจากงานประเภทอื่น เช่น จากงานทางกายภาพ หากยังถือว่า "แรงบันดาลใจอันทรงพลัง" จำเป็นต่อการสร้างสรรค์ผลงานที่มีลักษณะเป็นวีรบุรุษ นักเขียนที่ขยันขันแข็งทุกคนก็สามารถเข้าถึงการสร้างสรรค์ผลงานที่มีเนื้อหา "สำคัญ" น้อยกว่าได้ ดังนั้นแรงบันดาลใจที่ยิ่งใหญ่ย่อมยิ่งใหญ่เช่นกัน แรงงานทางกายภาพจำเป็นสำหรับการเขียนผลงานวีรชนที่มีปริมาณมาก ต่อมาเราจะพบพัฒนาการของความคิดที่คล้ายกันซึ่งเป็นคุณลักษณะของนักทฤษฎียุคก่อนคลาสสิกและสมัยโบราณใน "วาทศาสตร์" ของ Lomonosov การพูดเกินจริงแบบคลาสสิกเกี่ยวกับบทบาทของการเลียนแบบทำให้ Prokopovich ดูถูกดูแคลน ความคิดสร้างสรรค์เพื่อประเมินความคิดริเริ่มของผู้เขียนต่ำไป แต่ในขณะเดียวกัน เขาก็ต่อต้านการลอกเลียนแบบและการลอกเลียนแบบ "เล็กๆ น้อยๆ" และเรียกร้องให้มีการรับรู้ถึงท่าทางของนักเขียน

หนังสือเล่มที่สองเกี่ยวข้องกับบทกวีมหากาพย์และละคร ในฐานะบุคคลในคริสตจักรคริสเตียน เขาต่อต้านการใช้ภาพในตำนานมากเกินไป โดยสงวนสิทธิ์ของกวีในการใช้ภาพเหล่านี้ในความหมายเชิงนามนัยล้วนๆ เมื่อสัมผัสกับความแตกต่างระหว่างนักประวัติศาสตร์และกวี Prokopovich เน้นย้ำอีกครั้งว่านิยายเป็นปัจจัยหลักของความคิดสร้างสรรค์บทกวี Prokopovich เขียนว่า:“ นักประวัติศาสตร์เล่าถึงเหตุการณ์จริงว่ามันเกิดขึ้นได้อย่างไร: กับกวีเรื่องราวทั้งหมดเป็นเรื่องสมมติหรือแม้ว่าเขาจะอธิบายเหตุการณ์จริงเขาก็พูดถึงเรื่องนี้ไม่ใช่อย่างที่เกิดขึ้นในความเป็นจริง แต่เป็น มันอาจเกิดขึ้นได้” หรือควรจะเกิดขึ้น”