Mawar biru dan setumpuk berlian. Abstrak: "Mawar Biru" dan "Jack of Diamonds"

Studi budaya dan sejarah seni

: Dunia Seni, Persatuan Seniman Rusia. Dunia seni, kelompok tempat lahirnya gerakan budaya dan estetika yang kuat dan berpengaruh ini, muncul di Sankt Peterburg pada awal tahun 1890-an. Diaghilev - inspirator dan pemimpin masa depan kegiatan praktisâDunia seniâ. Peristiwa penting dalam jalur ini adalah penerbitan edisi pertama majalah “World of Art”.

Jawaban atas pertanyaan No. 58 “Lukisan Rusia dari abad ke-19 hingga ke-20: Persatuan Seniman Dunia Seni Rusia. Mawar biru. Jack Berlian."

Dunia Seni - kelompok tempat lahirnya gerakan budaya dan estetika yang kuat dan berpengaruh ini muncul di Sankt Peterburg pada awal tahun 1890-an. Intinya adalah lingkaran mahasiswa muda yang bersatu dengan tujuan pendidikan mandiri yang sederhana. Pemuda itu mengikuti A.N. Benoit. Juga peran utama K. A. Somov, seorang mahasiswa di Akademi Seni, calon seniman grafis dan pelukis, bermain dalam lingkaran; D. V. Filosofov, yang kemudian menjadi penulis dan humas; V.F.Nouvel, pemula kritikus musik. Pada tahun 1890, S.P. Diaghilev, inspirator masa depan dan pemimpin kegiatan praktis “Dunia Seni”, memasuki lingkaran ini. Segera kelompok ini bergabung dengan para seniman: L. S. Rosenberg muda (yang kemudian mengambil nama Bakst) dan E. E. Lanceray yang masih sangat muda. Bakat serba guna dan budaya yang sangat tinggi membedakan para anggota lingkaran ini. Peristiwa penting dalam perjalanan ini adalah penerbitan edisi pertama majalah World of Art. Majalah ini terbit pada awal tahun 1898. Itu diterbitkan selama 6 tahun hingga 1904 di bawah redaksi Diaghilev dan dengan partisipasi erat dari seluruh kelompok St. Petersburg. Sejak tahun 1901, I. E. Grabar bergabung, yang segera menjadi salah satu kritikus paling aktif dan berpengaruh. Para pemimpin majalah, yang dipimpin oleh Diaghilev, setiap tahun menyelenggarakan pameran seni dengan judul yang sama “Dunia Seni”. Petersburg terlibat di dalamnya: K. A. Somov, B. M. Kustodiev, M. V. Dobuzhinsky, N. K. Roerich, V. A. Serov, M. V. Nesterov, M. A. Vrubel dan lain-lain namanya - panorama seni yang luas terbentang di hadapan penonton dan pembaca. Pada pertengahan tahun sembilan ratus tahun, kehidupan seniman dunia menjadi sangat rumit. Kontradiksi estetika dan “perbedaan pemikiran” para seniman yang termasuk di dalamnya menyebabkan penerbitan majalah dan pameran bersama terhenti. Namun Diaghilev yang tak kenal lelah mengalihkan perhatian orang-orang yang berpikiran sama ke bisnis baru yang terkait dengan implementasi praktis dari ide menarik sintesis seni. Bagi kalangan Diaghilev, teater menjadi kawasan persemakmuran para renungan. Pada saat ini, lukisan teater dan dekoratif Rusia, yang pernah mengalami masa kemakmuran besar, telah mengalami kemunduran yang menyedihkan, karena sebagian besar telah kehilangan kontak dengan fenomena seni modern yang maju. seni nasional. Di luar kendali seniman hebat itu jatuh ke tangan "profesional" yang tidak tahu apa pun di luar spesialisasi mereka yang sempit, dan bahkan di dalamnya mereka jarang melampaui tingkat keahlian. Hampir tidak mungkin untuk menyebutkan bidang seni rupa lain yang telah mengumpulkan begitu banyak rutinitas dan stensil. Akibat keadaan ini, peran seniman dalam solusi figuratif pertunjukannya menurun tajam. Pekerjaan dekorator direduksi hanya menjadi pembuatan “latar belakang” template, konvensional atau sehari-hari, di mana para aktor seharusnya bertindak; pemandangannya bisa dan sering kali berubah dari satu permainan ke permainan lainnya. Di Opera Mamontov, praktik ini ditinggalkan. Pelukis-pelukis hebat kembali beralih ke karya teater - pertama Pengembara V. M. Vasnetsov dan V. D. Polenov, dan setelah mereka para master generasi muda - Vrubel dan K. Korovin. Akibat aktivitasnya, peran seniman dalam teater kembali meningkat, dan dalam komunitas kreatif semakin kuat keyakinan bahwa latar dan kostum merupakan elemen yang tidak terpisahkan. gambar artistik diciptakan oleh pertunjukan. Pada tahun 1908-1909, sebuah perusahaan teater baru muncul, dipimpin oleh Diaghilev di luar Rusia. Diaghilev mempersiapkan dan menggelar konser musik Rusia pertama di Paris, kemudian produksi opera “Boris Godunov”, dan akhirnya, mulai tahun 1909, serangkaian opera Rusia yang megah dan pertunjukan balet. Antara tahun 1908 dan 1914, Diaghilev mementaskan sepuluh opera dan dua puluh dua balet di Paris. Desain semua pertunjukan ini dikerjakan oleh para seniman “Dunia Seni”. Terlepas dari semua perbedaan individual yang terkadang menjadi ciri karya para seniman, lukisan teatrikal dan dekoratif mereka mengungkapkan kesatuan gaya tertentu; itu mengimplementasikan yang utama prinsip artistik, umum untuk seluruh kelompok “Dunia Seni”. Mereka semua sama-sama memahami tugas mereka, yang di satu sisi dapat didefinisikan sebagai mencapai kesatuan artistik organik dari semua elemen kreatif yang membentuk pertunjukan, dan di sisi lain, sebagai menciptakan tontonan yang memukau dengan kemegahan dan kemegahan. dan membawa imajinasi penonton ke dalam dunia teatrikal yang surealis, romantis, konvensional, sama sekali tidak mirip dengan kehidupan sehari-hari. Pertama perang dunia mengakhiri periode puncak tertinggi lukisan teater dan dekoratif “Dunia Seni”. Selanjutnya, para seniman dari asosiasi ini hanya sesekali, secara sporadis mengambil bagian dalam aktivitas perusahaan Diaghilev. Pada tahun 1914-1916 mereka digantikan oleh perwakilan generasi muda N. S. Goncharova dan M. F. Larionov. Belakangan, Diaghilev menarik pelukis terbesar Prancis dan Eropa Barat ke karya teater. Setiap seniman memiliki “dunia seni” sendiri-sendiri, dan oleh karena itu karya dunia seni secara keseluruhan dibedakan oleh citra yang menakjubkan, “orkestra” polifonik dari bentuk dan subjek. Karya-karya mereka mengandung ironi pahit dan mimpi romantis, energi muda yang optimis dan skeptisisme yang melelahkan, gundukan pemakaman Scythian dan asap. kota-kota modern, kehidupan Versailles, kehidupan pedagang Moskow dan masih banyak lagi.

“Jack of Diamonds” awalnya menerima nama ini pameran seniman (1910 1911 ), kemudian dimasukkan dalam eponymousasosiasi kreatif. Asal usul nama pameran dan asosiasi ini disebabkan oleh dua asosiasi, dan didasarkan pada permainan kata yang jelas: hingga tahun 1917, “jack of diamonds” disebut narapidana ; petunjuk kedua menyiratkan interpretasi yang bersumber dari kartu Prancis kuno jargon : "jack" - "penipu", "nakal". Semua ini seharusnya menimbulkan reaksi tertentu di antara orang-orang biasa yang terhormat: siapa lucu , bagi yang lain - rasa gemetar yang tidak disengaja, bagi yang lain - kejengkelan dan kemarahan. Para seniman “Jack of Diamonds” menolak tradisi seperti akademisme dan realisme abad ke-19 . Karya mereka dicirikan oleh solusi gaya bergambar dan plastik P. Cézanne, Fauvisme dan Kubisme , serta kembalinya teknik Rusia cetakan populer dan mainan rakyat . Ciri khasnya adalah deformasi dan generalisasi bentuk. DI DALAM 1912 sejumlah artis yang tertarik primitivisme, kubo-futurisme dan seni abstrak(saudara laki-laki V.D. dan D.D. Burlyuk, N.S. Goncharova, M.F. Larionov, K.S. Malevich dan lain-lain), yang menyelenggarakan pameran bernama ekor keledai . Asosiasi itu bubar pada tahun 1917 , tak lama kemudian 1916 "Jack of Diamonds" kiriP.P.Konchalovsky dan I.I.Mashkov.

Pameran "Mawar Biru" diadakan di 1907 , di mana para pelukis berpartisipasi P. Kuznetsov, N. Sapunov, S. Sudeikin, N. Krymov, M. Saryan , pematung A. Matveev dan lain-lain. Nama pameran dan asosiasi seni, serta gaya karya peserta sangat erat kaitannya dengan estetika simbolisme.

Serta karya-karya lain yang mungkin menarik minat Anda
64155.		Pinjaman hipotek perumahan, masalah dan prospek pembangunan	7,28 MB
	Landasan teori pinjaman hipotek Model pinjaman hipotek. Keadaan pasar pinjaman hipotek perumahan saat ini di Rusia Analisis tren utama pasar pinjaman hipotek perumahan di Rusia pada tahap saat ini.
64156.		Kajian motivasi personel sebagai fungsi manajemen di MVideo Management LLC	6,6 MB
	Landasan teori sistem motivasi dan stimulasi personel organisasi. Konsep dan hakikat stimulasi dan motivasi personel organisasi. Sistem motivasi dan insentif modern untuk personel menggunakan contoh MVideo Management LLC.
64157.		Personil organisasi. Analisis pembentukan dan cara meningkatkan efisiensi penggunaan dalam program pembangunan sosial ekonomi 2011-2015 (berdasarkan materi dari SvetlogorskKhimvolokno OJSC)	1,12 MB
	Untuk mencapai tujuan ini, tugas-tugas berikut telah ditetapkan: untuk mengungkapkan isi pekerjaan karyawan suatu organisasi industri dan indikator-indikator yang mencirikannya; pertimbangkan indikator penggunaan sumber daya tenaga kerja organisasi dan pendekatan metodologis untuk menentukan potensi tenaga kerja personel.
64158.		Modul pemrosesan statistik untuk penganalisis Tenzotrem	5,01MB
	Tujuan dari pekerjaan ini adalah penelitian dan pengembangan modul perangkat lunak pengolahan statistik mengukur informasi dari tremorograph strain gauge. Objek penelitiannya adalah alat tremorograph strain gauge. Tremorograf pengukur regangan dirancang untuk menilai aktivitas sistem motorik manusia...
64159.		Pengembangan perintah tes dan sistem pengujian otomatis untuk verifikasi dan penilaian pengetahuan siswa yang tepat dalam disiplin ilmu “Informatika. Matematika komputasi dan pemrograman" dan "Pengukuran komputer"	1,44MB
	Penggunaan komputer untuk memantau pengetahuan adalah hemat biaya dan akan menjamin peningkatan efisiensi proses awal. Yak artinya aku. Bulakh, pengujian keberhasilan komputer memungkinkan penerapan prinsip-prinsip didaktik dasar pengendalian pembelajaran: prinsip sifat individu dari verifikasi dan penilaian pengetahuan...
64160.		Pengembangan dan penelitian algoritma yang dipercepat untuk mengkalibrasi model jaringan besar dengan koefisien pengelompokan	1,56 MB
	Tujuan dari pekerjaan ini adalah untuk mempelajari algoritma untuk menghasilkan grafik acak, mengembangkan algoritma baru, mengimplementasikannya, dan melakukan tes yang diperlukan. Karya ini menguraikan konsep-konsep yang diperlukan dari teori grafik acak, dan mengkaji secara rinci metode untuk menghasilkan grafik Barabási-Albert, Erdös-Rényi, Watts-Strohats...
64162.		Analisis dan peramalan arus korespondensi input dan output di Pabrik Pengolahan Pusat Shiryaevsky No. 4 Direktorat Odessa “Ukrposhta”	2,65MB
	Penggantian catatan penjelasan tentang gizi yang perlu dikembangkan Metode dasar analisis deret jam Tren dan fluktuasi deret jam Periodisasi dinamika deret jam Stabilitas deret dan tren Analisis regresi Analisis spektral tunggal...
64163.		Penentuan cara optimal untuk memastikan keselamatan di perlintasan kereta api Kereta Api Negara cabang Izhevsk	9,19MB
	Pengendara tidak menyadari bahwa pembatas tersebut bukan sekedar penghalang yang dipasang oleh pekerja kereta api dalam perjalanannya, namun sebuah alat yang tujuan langsungnya adalah untuk melindungi mobil dan orang-orang di dalamnya dari pengaruh dana yang diinvestasikan dalam kereta api perlindungan penyeberangan akan minimal.

"Dunia Seni" - (1898 -1910) asosiasi seniman yang didirikan di St. Petersburg pada akhir XIX c., yang mengumumkan dirinya dengan majalah dan pameran, dari mana ia mendapatkan namanya. Pada tahun 1898, di museum Sekolah Baron Stieglitz, melalui upaya S. DYAGILEV, pameran seni pertama “seniman Rusia dan Finlandia” diselenggarakan, dan pada tahun 1898 yang sama majalah “Dunia Seni” muncul. Peran utama dalam asosiasi ini dimainkan oleh A. BENOIT (artis, sejarawan seni, kritikus, ideologis dan ahli teori “Dunia Seni”) dan S. DYAGILEV (seorang musisi berbakat, tokoh seni terkemuka dan organisator berbakat).

“DIAGILEV SEASONS” yang terkenal adalah salah satu halaman paling cemerlang dalam seni Rusia abad kedua puluh. Slogan “miriskusniks” adalah “seni untuk seni”, dalam arti kreativitas seni itu sendiri mempunyai nilai tertinggi dan tidak memerlukan pembenaran ideologis. Idola Dunia Seni adalah: Wagner dan Dostoevsky, Ibsen dan Tchaikovsky, Glinka, Chopin, Bizet. Mereka mengapresiasi prosa romantisme Jerman dan mengidolakan Pushkin. Mereka adalah pembela Eropanisme Rusia. Kultus Peter I, pendiri budaya baru Eropa yang di-Eropakan, berkembang di antara mereka. Kultus St. Petersburg adalah pusat budaya ini. Kultus Pushkin - sebagai eksponen paling signifikan dan khas dari seluruh “periode St. Petersburg” dalam sejarah Rusia. Dari sudut pandang metode artistik, mahasiswa Dunia Seni lebih bersifat sintetik dibandingkan analis dan pelukis. Oleh karena itu rasionalitas, ironi, permainan, dekorativisme. Menggambar dan melukis tunduk pada prinsip grafis dekoratif. Hal ini juga menjelaskan kecenderungan sintesis berbagai jenis dan genre seni: menggabungkan lanskap, still life, potret atau sketsa sejarah dalam satu komposisi; dimasukkannya lukisan, patung, relief dalam arsitektur, keinginan untuk menggunakan material baru, “ exit” dalam grafik buku dan teater musikal. Kelompok pertama yang memulai hitungan mundur arah baru dalam lukisan Rusia. Abad XX. Dengan nama ini, sebuah pameran dibuka di Moskow pada tahun 1907, di mana N.P. Krymov, P.V. Kuznetsov, N.N. Sapunov, M.S. Di antara mereka adalah mereka yang memainkan peran penting dalam perkembangan seni lukis Rusia - Kuznetsov, Saryan, Sapunov. Karya-karya anggota Blue Rose dicirikan oleh bentuk datar dan stilisasi dekoratif, lirik gambar, suasana sedih dan melankolis, dan terkadang pencarian mistis dan simbolis. "Mawar Biru" paling dekat dengan puisi simbolisme. Benar, penyair simbolis (Bryusov, Blok, Bely, Ivanov), tidak seperti seniman, menciptakan teori simbolisme mereka sendiri. Landasan kedekatan puisi simbolisme para seniman Mawar Biru adalah fokus pada transformasi, penciptaan kembali gambaran realitas.

Teater adalah tempat bertemunya lukisan Mawar Biru dan simbolisme puitis secara langsung. N.S. Sapunov, S. Sudeikin adalah desainer pertama drama simbolik karya M. Maeterlinck, Ibsen, dan Blok. Jalan “Goluborozovites” bukanlah jalan meninggalkan sistem gambar sebelumnya, melainkan pengembangan dan perbaikan yang logis.

"Jack of Diamonds" (1910-1916)- asosiasi seniman Moskow.

Inti dari asosiasi ini adalah: M.F. Larionov, N.S. Konchalovsky, I.I.Mashkov, A.V. Lentulov, R.R. Falk, A.V. Kuprin dan lain-lain. Gegernya aktivitas “Jack of Diamonds”, yang dikelilingi aura skandal, diwarnai dengan semangat mengejutkan kaum borjuis. Para seniman dari asosiasi ini memiliki piagam, pameran, dan koleksi artikel sendiri. Impresionisme adalah titik awal dan metode kreatif, yang dalam mengatasinya para seniman “Jack of Diamonds” melihat tugas utama mereka. Mereka mengembangkan sistem lukisan baru yang “anti-psikologis”: penegasan subjek dan objektivitas. Masih hidup dalam pekerjaan mereka menempati tempat terdepan(I. Mashkov “Plum Biru”, 1910). Jack of Diamonds mencari inspirasi dalam cerita rakyat, mainan rakyat, gambar anak-anak, cetakan populer, kerajinan tanda primitif dengan pretzel, roti gula, dan melon palsu. Kritikus sering kali mendefinisikan gaya lukisan “Jack of Diamonds” sebagai “gaya tanda” dan mencatat hubungannya dengan Cézanne. Kubisme dan futurisme juga mempengaruhi lukisan "Jack of Diamonds". Teknik utama futurisme - "montase" suatu objek pada bidang dengan menggabungkan "pemandangan" dalam satu gambar secara simultan, digunakan dalam karyanya oleh A. Lentulov ("St. Basil's", 1913). Kreativitas pemimpin "Jack of Diamonds" M. Larionov adalah ciri khas gaya primitif, gaya tanda, cetakan populer, mainan rakyat, dan gambar anak-anak ("Happy Autumn", 1912). Pada tahun 1912, untuk memprotes “Cézanneisme”, M. Larionov dan N. Goncharova meninggalkan asosiasi “Jack of Diamonds”. Mereka menyelenggarakan pameran "Ekor Keledai" dan "Target". Mereka segera diikuti oleh Konchalovsky, Mashkov, Kuprin, Lentulov, Falk. Pada tahun 1916, asosiasi tersebut sebenarnya sudah tidak ada lagi

"MAwar BIRU" DAN "JACK OF DIAMONDS"

"Mawar Biru"

Yang terbesar pendidikan seni setelah "Dunia Seni" dan "Persatuan Seniman Rusia" muncullah "Mawar Biru". Dengan nama ini, sebuah pameran diadakan di Moskow pada tahun 1907, mempertemukan sekelompok seniman muda, mahasiswa baru Sekolah Seni Lukis, Patung, dan Arsitektur Moskow - pengikut Borisov-Musatov. Meski pameran ini satu-satunya, namun memperlihatkan kesamaan dengan aslinya prinsip kreatif dan teknik visual dari para master yang diwakilinya, yang membentuk arah khusus dalam lukisan Rusia. Pameran Blue Rose sendiri hanya menandai momen singkat dalam evolusi kreatif mereka, namun merupakan momen yang signifikan. Itu adalah masa kebingungan yang mencengkeram sebagian besar masyarakat Rusia dalam suasana reaksi setelah kekalahan revolusi, masa yang tercermin dalam seni dengan kejelasan tujuan. Sensitivitas yang meningkat terhadap corak dan nuansa suasana hati yang samar-samar memunculkan gambar yang tidak stabil dan sulit dipahami, menggambar seniman untuk mencari hubungan warna yang halus dan canggih, ritme melodi dekoratif dan ornamen yang halus, dan efek kompleks dari tekstur gambar berkilauan matte.

Contoh khas dari lukisan semacam ini adalah “The Blue Fountain” (1905) - sebuah lukisan awal oleh salah satu ahli gerakan terkemuka P.V. Kuznetsova (1878-1968). Evolusi selanjutnya dari seniman ini merupakan ciri khas kebanyakan seniman Blue Rose. Itu terdiri dari mengatasi psikologi hipertrofi, dalam keinginan untuk kembali ke kesederhanaan awal sensasi realitas. Namun, ini bukanlah jalan untuk meninggalkan sistem gambar sebelumnya, namun pengembangan dan perbaikan logisnya. Beginilah serangkaian lukisan yang didedikasikan untuk stepa Volga dan Asia Tengah muncul. Perenungan terhadap hamparan luas, pengamatan terhadap kehidupan suku-suku nomaden yang terukur dan tenang membawa serta pembebasan dari kekuatan suasana hati yang samar-samar, dan mengubah sang seniman dari yang selalu sulit dipahami menjadi yang selalu ada.

"Mirage in the Steppe" (1912) adalah salah satu karya paling sempurna dalam siklus ini. Langit tinggi, garis cakrawala yang tenang, garis-garis lembut tenda tersebar bebas di angkasa, menyatu dengan tanah dan mengulangi garis-garis kubah surgawi, sederhana dan gerakan berirama orang-orang yang mencukur bulu domba, menyiapkan makanan, tidur - semua ini, berkat rima yang sangat halus, kesesuaian warna, bentuk, dan kontur, membentuk gambaran dunia yang secara puitis holistik, yang tidak dapat dikendalikan oleh waktu. Di hadapan kita adalah idyll patriarki primitif, “zaman keemasan”, mimpi keharmonisan antara manusia dan alam, yang menjadi kenyataan.

Lukisan kanvas ini didasarkan pada nuansa halus permukaan warna-warni, yang memperoleh kekayaan dan kemerduan corak warna yang sebelumnya keruh dan kabur. Kontur yang fleksibel dan hidup tampak terlihat melalui gelombang transparan udara yang dipanaskan oleh matahari. Berkat ini, objek-objek tetap berada di kanvas seolah-olah dalam keadaan tersuspensi, menjadi spiritual, dan memperoleh semacam bobot magis. Tampaknya keseluruhan gambar diresapi dengan satu ritme yang hidup, seolah-olah gelombang kegembiraan liris yang tenang, mengubah gambaran realitas menjadi semacam "visi surgawi". Lirik lukisan yang halus dan penuh perasaan dipadukan dengan ritme komposisi yang khusyuk, seimbang dan simetris.

Tema oriental secara organik masuk ke dalam karya peserta lain dari "Mawar Biru", yang belajar di Sekolah Moskow bersama dengan Kuznetsov, M.S. Saryan (1880-1972). Metode melukis Saryan mendapat bentuk yang halus pada tahun 10-an abad ke-20. terinspirasi oleh perjalanan ke Turki, Iran dan Mesir. Seniman tidak meniru segala sesuatu yang dilihat mata dari alam, tetapi mencari gambaran bergambar yang holistik, formula yang penuh warna. Sama seperti Kuznetsov, ekspresi kanvasnya didasarkan pada titik warna dan susunan ornamen dan dekoratif gambar pada bidang. Karya Saryan seperti “Street.

Constantinople" (1910), "Woman Walking" (1911), "Date Palm" (1911), dibedakan berdasarkan apa yang bisa disebut dinamisme penglihatan. Ini bukan kontemplasi yang berkepanjangan, tetapi fiksasi cepat dari hubungan warna-warni utama dalam perbandingan yang sangat kontras.

Jika lukisan Kuznetsov ibarat curahan liris, maka lukisan Saryan merupakan pepatah warna-warni tentang apa yang dilihatnya. Saryan lebih menyukai cahaya yang intens, terang, dan terarah, menyembunyikan corak warna dan memperlihatkan kontras, dengan tajam menggambarkan batas terang dan gelap. Dalam hal ini, lukisannya menyerupai grafis berwarna; terkadang, seperti misalnya dalam “Walking Woman”, lukisannya menyerupai applique.

Realitas dalam kanvas Saryan tampak terkondensasi menjadi hiperbola warna-warni, mencapai nada yang menyedihkan. Pohon palemnya, ditempatkan di tengah kanvas, dengan bangga mengangkat daunnya di atas tempat tinggal kumuh, yang menyerupai air mancur warna-warni yang subur, mengalir deras ke atas dan ke luar dari batangnya, tampaknya merupakan personifikasi dari kekuatan unsur alam, sungguh. “pohon kehidupan.” Jadi, dengan caranya sendiri, melalui aktivasi spesifik dari bentuk gambar, Saryan sampai pada kondensasi yang nyata sehari-hari menjadi yang abadi. simbol puitis.

Sebagai arah seni lukis Rusia pada awal abad ke-20. "Mawar Biru" paling dekat dengan puisi simbolisme. Dasar dari kedekatan ini adalah fokus mendasar pada transformasi gambaran realitas untuk mengecualikan kemungkinan persepsi literal tentang sesuatu dan fenomena, membangkitkan di dalamnya hubungan dan makna yang tidak biasa dan tinggi.

Dalam seni visual, hal ini menghasilkan hasrat untuk segala macam transformasi dalam bidang persepsi visual - potongan perspektif yang tajam dan sudut tak terduga yang mengubah bentuk objek, hingga pantulan di air, di kaca, di cermin, hingga cahaya- getaran udara yang melarutkan kontur, dll. .p.

Pada saat itu, teater menjadi bidang yang paling efektif tidak hanya dalam transformasi visual, tetapi juga transformasi realitas universal. Dialah yang ternyata menjadi tempat bertemunya lukisan “Mawar Biru” dan simbolisme secara langsung. Paling pilihan yang menarik Dialog antara seni lukis dan simbolisme dalam teater diwakili oleh karya N.N. Sapunov (1880-1912).

Bersama dengan master Mawar Biru lainnya - S.Yu. Sudeikin (1882-1946) ia menjadi desainer drama simbolik pertama di Rusia karya M. Maeterlinck (di Studio Teater Seni Moskow di Povarskaya, 1905). Dari sinilah kolaborasi Sapunov dengan Vs dimulai. Meyerhold - dalam produksi Hedda Gabler karya Ibsen dan Showcase Blok.

Di sisi lain, “keajaiban teater”, yang membuat seseorang merasakan sesuatu yang artifisial, fiktif, dan fantastis sebagai sesuatu yang nyata dan hidup, ditransfer oleh Sapunov ke dalam lukisan kuda-kuda. Ini adalah bagaimana seluruh kelompok karya muncul, ditulis “tentang” yang bersangkutan produksi teater.

Seniman romantis, yang terisolasi di dunia yang diciptakan oleh imajinasi, mulai salah mengira ciptaan fantasinya sendiri sebagai kenyataan. Ada transformasi simbolik " dunia magis"ke dalam "stan" - inilah "tesis" dan "antitesis" simbolisme, yang dicatat oleh Blok pada tahun 1910, dan bahkan lebih awal, pada tahun 1906, yang menjadi tema drama liris "Balaganchik", yang produksinya adalah dirancang oleh Sapunov. Sejak saat pengerjaan Dengan pertunjukan ini, unsur-unsur lawakan pasar malam, stilisasi cetakan yang populer, dan keanehan terus-menerus hadir dalam karya Sapunov. Tren ini mencapai puncaknya dalam lukisan “Tea Party” (1912) yang belum selesai.

"Jack Berlian"

Perbatasan 1910-1911 ditandai dengan penampilan di arena kehidupan artistik grup baru dengan nama provokatif "Jack of Diamonds". Inti permanen masyarakat, yang sebenarnya ada hingga tahun 1916, terdiri dari seniman P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, A. Kuprin, R. Falk, yang kemudian menjadi seniman terkemuka seni Soviet. “The Jack of Diamonds”, yang memiliki piagam, pameran, dan koleksi artikelnya sendiri, menjadi tren baru yang berpengaruh dalam seni Rusia pada awal abad ke-20.

Impresionisme dalam segala modifikasinya sekaligus menjadi titik tolak perkembangan seni, dan metode kreatif itu, dalam mengatasinya para seniman “Jack of Diamonds” melihat tugas utama mereka. Sejak awal, mereka bertindak sebagai penentang keras seni sebelumnya - gaya "Dunia Seni", psikologi canggih dari lukisan "Mawar Biru" ditolak begitu saja. Inti dari ketidakpuasan seniman muda terhadap keadaan di seni kontemporer ada motif sosial - krisis tsarisme di Rusia, yang terwujud dengan kekuatan khusus selama revolusi 1905-1907, dan tahun-tahun reaksi berikutnya (1907 - 1910). Ketidakpuasan terhadap era “senja” ini terungkap dalam penolakan terhadap segala sesuatu yang samar, misterius, dan tidak terucapkan dalam seni.

Berbeda dengan lukisan simbolis "Mawar Biru", para seniman "Jack of Diamonds" berusaha mengekspresikan gerakan secara paling radikal dari fokus pada sensasi subjektif dan tidak jelas menuju pencapaian stabilitas. gambar visual, suara penuh warna, hingga logika konstruktif konstruksi gambar. Penegasan subjek dan objektivitas dibandingkan spasialitas merupakan prinsip awal seni mereka.

Dalam hal ini, lukisan benda - benda mati - yang dikedepankan. Tugas polemik lukisan “Jack of Diamonds” terutama diwujudkan dengan jelas dalam karya salah satu pendiri kelompok, I.I. Mashkova (1881 - 1944). “Blue Plums” miliknya (1910) dapat dianggap sebagai semacam slogan untuk arah ini. Citra buah-buahan yang disusun dalam komposisi dekoratif statis seolah membeku separuh dari substansi mentah warna palet menuju warna alam sesungguhnya. Seniman mengibaratkan karyanya dengan karya seorang perajin yang membuat sesuatu. DI DALAM dalam hal ini benda itu adalah lukisan itu sendiri. Sang seniman mendekatkan lukisannya seni rakyat dengan nuansa yang melekat pada bahan sumber.

Dalam ketelanjangan proses penciptaan sebuah lukisan dan dalam kegembiraan yang menyedihkan dari suara warna-warni, Mashkov tampaknya merumuskan prinsip awalnya. seni rakyat: kombinasi dua sisi kehidupan rakyat- tenaga kerja dan hari libur.

Sama deklaratifnya dengan “Blue Plums” oleh Mashkov, pendekatan baru terhadap pengembangan alam, yang disetujui oleh “Jack of Diamonds,” diungkapkan oleh P.P. Konchalovsky (1876-1956) dalam “Potret G. Yakulov” (1910). Seniman memperkenalkan kehidupan diam, prinsip yang menguatkan ke dalam bidang tradisional dominasi tugas-tugas psikologis. Dia melenyapkan segala sesuatu yang bersifat sementara keadaan internal orang, menekankan segala sesuatu yang membentuk tanda-tanda individu yang paling stabil, cerah, dalam arti kata yang tepat, dan indah penampilan. Di sini kita berhadapan dengan sistem penyederhanaan spesifik yang menjadi ciri cetakan, mainan, dan tanda populer. Bukan suatu kebetulan bahwa para kritikus terkadang mendefinisikan gaya lukisan “Jack of Diamonds” secara keseluruhan sebagai “gaya tanda”. Kritik yang sama telah berulang kali mencatat hubungan langsung generasi baru pelukis Moskow dengan seni kontemporer. Lukisan Perancis, yang berasal dari Cezanne. Namun lukisan Cézanne diadopsi oleh The Jack of Diamonds melalui versi dekoratif Cézanneisme yang dihadirkan oleh kaum Fauvists, khususnya Matisse.

Kultus dekorativisme, yang pada awalnya berkuasa di kalangan seniman “Jack of Diamonds,” menyimpang dari lukisan Cezanne dalam satu hal yang sangat penting: dalam melemahnya rasa bentuk pahatan. Kesan materialitas suatu benda yang ingin dicapai oleh para seniman pada karya pertamanya, muncul bukan karena konstruksi bentuknya yang bersifat pahatan-volumetrik, melainkan karena teksturnya yang masif, sedangkan ruangnya tampak menyebar secara dekoratif dan seringkali, karena ini, amorf. Dalam mengatasi kekurangan ini, peran tertentu dimainkan oleh kubisme - sebuah gerakan seni lukis yang menemukan motivasi teoretis untuk eksperimennya dalam rekomendasi yang pernah diberikan oleh Cézanne untuk menghasilkan analisis mental bentuk yang kompleks dengan mendekatkannya pada konfigurasi geometri dasar - kubus, kerucut, dan bola. Para master “Jack of Diamonds” menggunakan teknik serupa. Jadi, “Agave” (1916) karya Konchalovsky adalah varian dari asimilasi pengalaman kubisme, melewati pemisahan bentuk skematis yang ekstrem. Seniman melihat kubisme sebagai cara menganalisis hubungan spasial. Ruang gambar dianggap sebagai suatu objek tertentu, dari mana objek-objek yang digambarkan tersebut dikristalkan dengan usaha, yang bentuknya seolah-olah pecah, berubah bentuk, dengan usaha menaklukkan lingkungan hidup yang diperlukan untuk dirinya sendiri. Segala sesuatu secara aktif dimasukkan ke dalam ruang di sekitar mereka, seolah-olah mengatasi perlawanannya. Oleh karena itu kesan drama. Hal-hal tampaknya menjaga wilayah yang mereka taklukkan; hal-hal tersebut tidak mudah jatuh ke tangan, hal-hal tersebut tampak memusuhi manusia, terasing dari manusia.

Genre still life sendiri mampu menyampaikan konten baru, selaras dengan modernitas dengan kontradiksinya dan rasa akan terjadinya pergolakan. Dalam lukisan "Jack of Diamonds" still life diberikan kembali maknanya seni tinggi.

Seiring dengan kubisme, komponen penting gaya yang bagus Sejak pertengahan tahun 10-an, futurisme menjadi “Jack of Diamonds” - gerakan melukis lain yang muncul di Italia pada tahun yang sama. Dengan memproklamasikan ritme industri era revolusi ilmu pengetahuan dan teknologi sebagai bahasa masa depan yang sebenarnya, mereka menuntut pengenalan ritme-ritme tersebut ke dalam strukturnya. karya seni. Salah satu tekniknya adalah “montase” objek atau bagian objek, yang diambil seolah-olah di dalam waktu yang berbeda dan dari sudut pandang yang berbeda. Pergerakan subjek, mis. pemirsa dipindahkan ke objek yang diberkahi dengan dinamika spontan dan kemampuan untuk membentuk modifikasi yang aneh. Kita melihat efek ini, dikombinasikan dengan “pergeseran” kubik bentuk dan stratifikasi rencana tata ruang, dalam lukisan dekoratif dan panel karya A.V. Lentulov (1882-1943) "St. Basil" (1913) dan "Dering" (1915).

Permukaan gambar di sini dianggap sebagai sesuatu yang bergetar dan terbelah oleh suatu kekuatan gelombang suara cermin yang mencerminkan arsitektur Moskow yang penuh warna. Ada sejumlah ironi dalam sikap seniman Rusia terhadap teknik seni modern Eropa Barat. Di Lentulov, hal itu tercermin, misalnya, dalam pengalihan teknik futurisme, yang dimaksudkan untuk mengekspresikan ritme era industri, ke objek yang esensinya sama sekali berbeda - arsitektur patriarki kuno. Dari kombinasi paradoks antara bahasa kiasan modern dengan gambaran zaman kuno Moskow, muncullah sebuah pencerahan yang tak terduga efek artistik - arsitektur kuno, seolah-olah bersemangat dengan serbuan ritme industri, ditarik ke dalam orbit persepsi manusia modern, yang merasakan dirinya dan segala sesuatu di sekitarnya terus bergerak.

Karya-karya perwakilan lain dari “Jack of Diamonds” R.R. Falk (1886 - 1958) tidak dicirikan oleh cakupan dekoratif kanvas Lentulov atau warna brutal dan materialitas lukisan Mashkov. Seorang penulis lirik dengan temperamen kreatif, Falk menghindari bentuk yang kasar, berusaha untuk elaborasi halus dari permukaan gambar, dan mencapai harmoni warna-warni yang indah. Diresapi dengan suasana konsentrasi spiritual dan keheningan, lukisan Falk dibedakan oleh psikologi khasnya dan diberkahi dengan kemampuan untuk mereproduksi nuansa suasana hati yang halus. Bukan suatu kebetulan di antara karya-karyanya tempat yang signifikan mengambil potret itu. Salah satu lukisan terbaik Karya pra-revolusioner Falk - "Di piano. Potret E.S. Potekhina-Falk" (1917). Gaya yang mirip dengan lukisan Falk adalah karya A. Kuprin dan V. Rozhdestvensky, seniman “Jack of Diamonds” yang bekerja terutama dalam genre still life.

Semacam pemberontakan permanen menjadi ciri karya salah satu penyelenggara “Jack of Diamonds” M.F. Larionov (1881 - 1964). Sudah pada tahun 1911, ia memutuskan hubungan dengan kelompok ini dan menjadi penyelenggara pameran baru dengan nama mengejutkan “Donkey’s Tail” dan “Target”. Dalam karya Larionov, kecenderungan primitivis seni Jack of Diamonds, yang terkait dengan asimilasi, menemukan perkembangannya yang paling konsisten. seni profesional gaya tanda, cetakan populer, mainan rakyat, gambar anak-anak. Berbeda dengan kebanyakan seniman tahun 10-an, Larionov secara konsisten membela hak-hak lukisan bergenre, tanpa meninggalkan cerita naratif dalam gambar. Namun kehidupan dalam genre Larionov adalah kehidupan “primitif” yang istimewa di jalanan provinsi, kafe, penata rambut, dan tentara. ' barak.

Salah satu karya Larionov yang paling khas adalah lukisan “The Resting Soldier” (1911). Ciri khas pose anak sehat yang aneh dan berlebihan, asyik merenung dengan rona merah di sekujur pipinya, tak pelak terinspirasi dari kenaifan gambar anak-anak. Pada saat yang sama, sifat gambar yang berskala besar dan durasi berbaring malas yang disampaikan dengan terampil di depan pemirsa mengubah gambar tersebut menjadi potret seremonial yang diparodikan secara halus. Tetapi pada saat yang sama - bukan bayangan ejekan. Sikap artis terhadap modelnya terlihat seperti “ironi cinta”. Jika para artis "Jack of Diamonds", khususnya di periode awal kreativitas, lebih menyukai palet cerah, kontras warna yang kuat, kemudian Larionov, pada umumnya, beralih ke objek yang biasa-biasa saja dan kasar, kusam dan tidak berwarna, mengembangkan corak warna yang serupa, menghasilkan warna perak yang indah dan warna yang harmonis. Dekat dengan karya seniman ini adalah lukisan teman tetap Larionov dan orang yang berpikiran sama dalam pencariannya, N.S. Goncharova (1881 - 1962). Dalam lukisan “Mencuci Kanvas” (1910), sosok dua wanita dengan latar belakang pemandangan pedesaan yang dilukis secara populer, jongkok, dengan kaki yang berat, dilukis dengan simpati yang menyentuh secara naif terhadap yang digambarkan, yang membedakan gambar anak-anak, terutama ketika anak mereproduksi objek dan situasi yang dikenal dan familiar. Di sini kita tidak lagi berurusan dengan stilisasi kehidupan masyarakat umum yang estetis dan lucu, seperti misalnya dalam Kustodiev, tetapi dengan upaya, melalui seni primitif, untuk menemukan jalan keluar dari labirin psikologi dan spekulasi modern, untuk menemukan yang hilang. sumber pandangan dunia yang naif dan holistik.

Kecenderungan yang sama muncul dalam bentuk yang sedikit berbeda pada seni M.3. Chagal (1887-1985). Chagall memadukan ketelitian yang luar biasa dalam mereproduksi detail paling membosankan dari latar kehidupan kota kecil provinsi, diubah oleh warna pelangi yang bersinar dari palet yang pedas dan subur, dengan motif luar biasa dari penerbangan fantastis, tanda-tanda surgawi, dll. Semua ini mirip dengan imajinasi fiksi romantis, yang secara aneh memadukan hal-hal luhur dan mendasar, membangkitkan kenangan akan kisah-kisah romantis Gogol.

Karya pra-revolusioner pelukis paling orisinal, P.N., bersentuhan dengan garis primitivis dalam seni Rusia. Filonov (1883-1941). Primitivisme modern dipahami olehnya hanya sebagai sarana “pemodelan” dalam melukiskan gambaran holistik tertentu tentang dunia, suatu jenis pandangan dunia yang memberikan pengalaman visual modern gambaran tentang mitos budaya umat manusia. Bagi seniman abad ke-20, ini adalah cara untuk mengingat kembali apa yang merupakan sisi lain dari peradaban mesin, apa yang telah didorong ke pinggiran perhatian publik, yaitu, hal-hal yang bersifat alamiah dan generik dalam diri manusia, tentang “bagian” dari manusia tersebut. yang dengannya ia menyatu dengan alam, dengan kekuatan nokturnalnya yang gelap, tidak fleksibel, dan misterius, “kontak” yang dengannya membentuk isi penting kehidupan kerja, khususnya kehidupan petani. Jadi, dalam “Cowshells” karya Filonov (1914), segala sesuatunya menyatu seolah-olah dalam kekacauan yang kacau balau. Sintaks yang sulit dari sebuah frase bergambar mengajak pemirsa untuk mencari makna dan konsistensi dalam kombinasi bentuk dan figur obyektif, mengikuti jalur menebak, mengingat cincin itu dalam satu tandan. ingatan manusia, di mana kunci enkripsi gambar ini berada. Namun arah pencarian tersebut ditentukan oleh gambaran itu sendiri, yang mengarah ke wilayah mitos alam purba.

Hubungan yang biasa antara atas dan bawah dibalik di sini: rumah mainan dianggap terlihat dari kejauhan dari atas, sehingga sosok binatang dan kandang sapi “menggantung” di langit gelap di atas dunia dan digambarkan dalam zoomorfik dan bentuk antropomorfik dengan perkiraan yang paradoks dan tepat secara sudut yang dengannya figur-figur zodiak diuraikan dalam kaleidoskop konstelasi di langit malam. Adegan yang murni duniawi ditampilkan sebagai prasejarah mistis yang terjadi di surga, tetapi pemandangan surgawi ini pada saat yang sama adalah sesuatu yang sangat primitif, mengingatkan pada keterlibatan awal manusia dalam dunia binatang, pada masa itu dan pada keadaan kesadaran ketika dewa tertinggi surga muncul dalam bentuk "sapi surgawi", dan pekerjaan peternakan adalah ritual sakral, sebuah "pelayanan surgawi". Inilah kehidupan yang terlihat dari kedalaman gelap ingatan leluhur. “Untuk menjadikan manusia yang impersonal” - formula Blok ini dapat menentukan metode dan sekaligus tema seni Filonov, yang menciptakan kembali jalan, proses, tahapan humanisasi impersonal ini dalam bentuk “hieroglif” yang akrab bagi seni Rusia. -alami ke dalam manusia-spiritual.

Sifat metaforis spesifik dari bahasa kiasan, yang berasal dari simbolik, membagi dua persepsi bentuk dan kualitas yang terlihat dari dunia objektif antara makna langsung dan makna kiasan. Jadi, “kegelapan” dalam lukisan pra-revolusioner Filonov adalah “kegelapan” malam dan metafisik, “kegelapan” prasejarah; sosok jongkok primitif berukuran besar dan halus; cahaya dan warna menyatu menjadi satu kualitas warna terang, mengingatkan pada efek kaca patri; sosok-sosok tersebut mengingatkan kita pada berhala-berhala primitif dan juga “chimera” abad pertengahan. Banyak kualitas sistem gambar Filonov, serta cara menciptakan "sikap baru terhadap kenyataan dengan merevisi serangkaian pandangan dunia yang terlupakan", memiliki prototipe terdekat dalam seni Vrubel.

Kecenderungan seniman era 10-an untuk bereksperimen, menguraikan kesan artistik yang holistik ke dalam kumpulan pengaruh-pengaruh elementer demi mengenal prinsip-prinsip utama ekspresi artistik menyebabkan pemisahan bidang penciptaan bentuk ini menjadi bidang seni yang mandiri. Pada tahun 1913 Larionov menerbitkan bukunya "Rayism", yang merupakan salah satu manifesto pertama seni abstrak. Namun, pemimpin sejati - ahli teori dan praktisi seni abstrak di Rusia adalah V.V. Kandinsky (1866-1944) dan K.S. Malevich (1878-1935).

Sejak awal berdirinya lukisan abstrak berkembang dalam dua arah: bagi Kandinsky ini adalah permainan bintik-bintik warna yang spontan dan tidak rasional, bagi Malevich ini adalah kemunculan konstruksi rasional-geometris yang diverifikasi secara matematis. Abstraksionisme diklaim, dalam praktik artistik, semacam teori yang mewujudkan prinsip-prinsip dasar seni lukis secara umum. Tugas melukis direduksi menjadi mempelajari kemungkinan kombinasi elemen primer - garis, warna, bentuk.

Jika seni abstrak Malevich dan Kandinsky pada awalnya berkembang secara eksklusif di dalam lukisan kuda-kuda, kemudian dalam karya V.E. Tatlin (1885-1953), elemen lukisan lainnya - tekstur - menjadi objek eksperimen abstrak. Tatlin mengubah kualitas sentuhan yang dimiliki oleh satu bahan dalam lukisan - cat - menjadi kombinasi tekstur berbagai bahan- timah, kayu, kaca, mengubah bidang gambar menjadi semacam relief pahatan. Dalam apa yang disebut counter-relief Tatlin, "pahlawan" bukanlah objek nyata, tetapi kategori tekstur abstrak - kasar, rapuh, kental, lembut, berkilau - memasuki hubungan yang kompleks satu sama lain tanpa mediasi plot gambar tertentu.

Dalam arsitektur kita dihadapkan pada kemampuan seni untuk berekspresi tanpa menggambarkan, tanpa meniru “fakta kehidupan”. Sifat-sifat permukaan gambar sebagai bidang arsitektur antara lain kemungkinan ekspresif, bukan data, tetapi diberikan pada gambar, seperti halnya hukum gravitasi diberikan pada gerak benda atau ritme, ukuran, urutan rima diberikan pada syair. Studi tentang kemungkinan-kemungkinan ini adalah eksperimen yang dilakukan seni abstrak. Dalam perjalanan menuju prinsip-prinsip primordial pengaruh artistik, yang tersembunyi dalam struktur ingatan manusia, seni abad ke-20 mau tidak mau harus menghadapi dunia artistik di mana hukum ekspresi yang dicari pernah diwujudkan dalam kepenuhan prinsip tersebut. . Yang baru memberikan bantuan kepada yang lama yang sudah terlupakan - dan hampir semua ahli yang disebut avant-garde dalam seni abad ke-20 melewati kontak seperti itu.

Di antara mereka, tempat yang menonjol adalah milik K. S. Petrov-Vodkin (1878 - 1939). Sebuah perjalanan panjang, kaya akan pencarian yang rumit pengembangan kreatif Master ini dimahkotai dengan kreasi lukisan “Pemandian Kuda Merah” pada tahun 1912. Karya ini penting tidak hanya karena isi internalnya, tetapi juga karena memusatkan banyak perhatian masalah pelik seni awal abad ke-20. Itu sendiri terdengar seperti panggilan dan pertanyaan, dan terutama karena ketajaman dan ekspresi bentuk, penciptaan kembali, transformasi gambaran realitas, yang dengan susah payah diperjuangkan oleh seni abad ke-20, dicapai di sini melalui penguasaan pelajaran dari lukisan Rusia kuno. Secara langsung menyatakan kesinambungan dengan lukisan ikon, karya ini sekaligus mengingatkan kita pada “Pemerkosaan Eropa” karya Serov, yang belajar bersama Petrov-Vodkin di Sekolah Moskow. Gambaran seorang penunggang kuda, mengalihkan pemikirannya ke ide-ide cerita rakyat, dalam kelesuan gerakan yang membeku menimbulkan sebuah pertanyaan. Kegembiraan warna-warni yang meriah dan ritme garis yang mengantuk dan menyihir, seekor kuda yang kuat dan seorang remaja laki-laki yang membeku dalam pikiran yang samar-samar, dengan lemas melepaskan kendali, menyerah pada kekuatan kekuatan yang menariknya ke tujuan yang tidak diketahui. , ingatan akan masa lalu dan firasat samar-samar tentang masa depan - kombinasi elemen-elemen yang berlawanan ini bersifat simbolis dalam struktur batinnya. Oleh karena itu, orang-orang sezaman menganggapnya sebagai simbol momen yang dialami.

Petrov-Vodkin beralih ke gambar dengan lebih konsisten seni Rusia kuno dalam karya-karya seperti "Mother", "Girls on the Volga" (1915), "Morning Bathers" (1917). Ada gema di sini gambar ikonografi- dalam gerakan-gerakan yang direkam, dalam pencelupan diri para tokoh, dalam kontemplasi yang diilhami oleh para pahlawan wanita dalam lukisan-lukisan ini. Dalam karya Petrov-Vodkin, pentingnya gambaran dan tema abadi meningkat: tidur dan kebangkitan, tahapan usia kehidupan - remaja, remaja, menjadi ibu, siklus kehidupan antara kelahiran dan kematian - begitulah cakupan tema-tema ini. Dalam penafsiran tema-tema semacam ini, setiap era baru mengungkapkan tema-temanya sendiri pertunjukan yang ideal tentang tempat manusia dalam keseluruhan kosmis. Dalam dunia seni, mereka memainkan peran universal dalam tatanan filosofis, mengatasi variabilitas realitas cair. Oleh karena itu, dalam sistem gambar Petrov-Vodkin, semua kualitas dunia yang diamati cenderung pada keadaan absolutnya: warna condong ke arah spektral murni, bebas dari fluktuasi atmosfer, cahaya memiliki karakter "sinar matahari abadi" astral, cakrawala garis mereproduksi kelengkungan permukaan planet bumi sesuai dengan prinsip yang disebut perspektif bola, yang mengubah segala sesuatu yang terjadi di ruang intra-gambar menjadi fenomena dalam skala kosmik. Dalam keberagaman bentuk modern generalisasi artistik, Petrov-Vodkin memilih yang memiliki alamat historis dan artistik tertentu - ikon dan lukisan dinding Rusia Kuno, serta Quattrocento Italia, yaitu. tepatnya fenomena-fenomena dalam skala tradisi seni nasional dan Eropa yang secara langsung mendekati ambang diferensiasi dan fragmentasi analitis, tetapi di mana dunia seni dan gambaran dunia dalam seni masih dianggap dan disajikan sebagai suatu integritas tertentu, memberikan metode ekspresi artistik cap keagungan monumentalnya. Perenungan dunia secara keseluruhan dalam arti hubungan universal antara waktu dan fenomena - inilah yang ingin diungkapkan dan dihidupkan kembali oleh Petrov-Vodkin dalam seni modern. Menarik secara terprogram kemampuan asosiatif memori artistiknya, seolah mengajak seseorang untuk menebak seperti apa rupa dan gambaran dunia modern serta apa ciri khasnya perasaan artistik sebanding dengan alam dan sejarah dalam ruang pengalaman budaya global.

Pada saat yang sama, hal tersebut ditentukan oleh perlunya pendekatan ilmiah yang cukup obyektif dan wawasan yang komprehensif terhadap permasalahan setiap museum; 6) memungkinkan tidak hanya untuk mengidentifikasi SSC, tetapi untuk terus-menerus melakukan pemeriksaan (revaluasi) nilai warisan budaya Rusia. BAB 2. MUSEUM NEGARA RUSIA Referensi: MUSEUM RUSIA Negara, didirikan. 13.4.1895 dengan dekrit Kaisar. Nicholas II sebagai "...

Rus', proses Eropaisasi budaya spiritual Rusia dimulai, yang tidak berakhir bahkan pada saat revolusi 1917. Plekhanov ternyata benar dalam penilaian ini. Peristiwa revolusi Rusia abad kedua puluh membawa budaya Rusia ke dalam kondisi keberadaan sejarah yang benar-benar baru, yang secara paradoks menggabungkan ciri-ciri Barat dan Timur. 4. Kebudayaan selama tahun-tahun revolusi Rusia pertama Ciri-ciri...

Di suatu tempat di sudut, seperti Andreevsky Gogol. Mungkin kita dapat mengatakan bahwa apa yang paling dirasakan dalam sejarah kota bukanlah hak untuk melahirkan sesuatu yang baru, meskipun sama sekali tidak biasa bagi Moskow, tetapi ancaman atau kenyataan kehancuran yang lama. Anehnya, saat ini, ketika semuanya terbuka untuk kritik, kritik terhadap New Arbat, yang diberi label sebagai “gigi palsu Moskow”, justru menurun...

"MAwar BIRU" DAN "JACK OF DIAMONDS"

"Mawar Biru"

Formasi seni terbesar setelah Dunia Seni dan Persatuan Seniman Rusia adalah Mawar Biru. Dengan nama ini, sebuah pameran diadakan di Moskow pada tahun 1907, mempertemukan sekelompok seniman muda, mahasiswa baru Sekolah Seni Lukis, Patung, dan Arsitektur Moskow - pengikut Borisov-Musatov. Meskipun pameran ini adalah satu-satunya, pameran ini mengungkapkan kesamaan prinsip kreatif asli dan teknik visual dari para empu yang diwakilinya, yang membentuk arah khusus dalam seni lukis Rusia. Pameran Blue Rose sendiri hanya menandai momen singkat dalam evolusi kreatif mereka, namun merupakan momen yang signifikan. Itu adalah masa kebingungan yang mencengkeram sebagian besar masyarakat Rusia dalam suasana reaksi setelah kekalahan revolusi, masa yang tercermin dalam seni dengan kejelasan tujuan. Sensitivitas yang meningkat terhadap corak dan nuansa suasana hati yang samar-samar memunculkan gambar yang tidak stabil dan sulit dipahami, menggambar seniman untuk mencari hubungan warna yang halus dan canggih, ritme melodi dekoratif dan ornamen yang halus, dan efek kompleks dari tekstur gambar berkilauan matte.

"Mirage in the Steppe" (1912) adalah salah satu karya paling sempurna dalam siklus ini. Langit yang tinggi, garis cakrawala yang tenang, garis-garis lembut tenda yang bertebaran bebas di angkasa, menyatu dengan tanah dan mengulangi garis-garis kubah surgawi, gerakan-gerakan sederhana dan berirama orang-orang yang mencukur bulu domba, menyiapkan makanan, tidur - semuanya berkat rima yang luar biasa halus, harmoni warna, bentuk, dan kontur berkembang menjadi gambaran dunia yang holistik dan puitis, yang tidak dapat dikendalikan oleh waktu. Di hadapan kita adalah idyll patriarki primitif, “zaman keemasan”, mimpi keharmonisan antara manusia dan alam, yang menjadi kenyataan.

Realitas dalam kanvas Saryan tampak terkondensasi menjadi hiperbola warna-warni, mencapai nada yang menyedihkan. Pohon palemnya, ditempatkan di tengah kanvas, dengan bangga mengangkat daunnya di atas tempat tinggal kumuh, yang menyerupai air mancur warna-warni yang subur, mengalir deras ke atas dan ke luar dari batangnya, tampaknya merupakan personifikasi dari kekuatan unsur alam, sungguh. “pohon kehidupan.” Jadi, dengan caranya sendiri, melalui aktivasi spesifik bentuk gambar, Saryan sampai pada kondensasi realitas sehari-hari menjadi simbol-simbol puisi yang abadi.

Pada saat itu, teater menjadi bidang yang paling efektif tidak hanya dalam transformasi visual, tetapi juga transformasi realitas universal. Dialah yang ternyata menjadi tempat bertemunya lukisan “Mawar Biru” dan simbolisme secara langsung. Versi paling menarik dari dialog antara lukisan dan simbolisme dalam teater diwakili oleh karya N.N. Sapunov (1880-1912).

Seniman romantis, yang terisolasi di dunia yang diciptakan oleh imajinasi, mulai salah mengira ciptaan fantasinya sendiri sebagai kenyataan. Ada transformasi “dunia magis” simbolis menjadi “bilik” - inilah “tesis” dan “antitesis” simbolisme, yang dicatat oleh Blok pada tahun 1910, dan bahkan lebih awal lagi, pada tahun 1906, yang menjadi tema liriknya. drama "Balaganchik", yang produksinya dirancang oleh Sapunov. Sejak ia mengerjakan pertunjukan ini, unsur-unsur slapstick pasar malam, stilisasi cetakan populer, dan keanehan terus-menerus hadir dalam karya Sapunov. Tren ini mencapai puncaknya dalam lukisan yang belum selesai "The Tea Party" (1912)

"Jack Berlian"

Perbatasan 1910-1911 ditandai dengan kemunculan grup baru di kancah kehidupan seni dengan nama provokatif “Jack of Diamonds”. Inti permanen masyarakat, yang sebenarnya ada hingga tahun 1916, terdiri dari seniman P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, A. Kuprin, R. Falk, yang kemudian menjadi ahli seni Soviet terkemuka. “The Jack of Diamonds”, yang memiliki piagam, pameran, dan koleksi artikelnya sendiri, menjadi tren baru yang berpengaruh dalam seni Rusia pada awal abad ke-20.

Impresionisme dalam semua modifikasinya merupakan titik awal perkembangan artistik dan metode kreatif dalam mengatasinya yang oleh para seniman “Jack of Diamonds” dianggap sebagai tugas utama mereka. Sejak awal, mereka bertindak sebagai penentang keras seni sebelumnya - gaya "Dunia Seni", psikologi canggih dari lukisan "Mawar Biru" ditolak begitu saja. Ketidakpuasan seniman muda terhadap keadaan seni kontemporer didasarkan pada motif sosial - krisis tsarisme di Rusia, yang memanifestasikan dirinya dengan kekuatan khusus selama revolusi 1905-1907, dan tahun-tahun reaksi berikutnya (1907 - 1910). Ketidakpuasan terhadap era “senja” ini terungkap dalam penolakan terhadap segala sesuatu yang samar, misterius, dan tidak terucapkan dalam seni.

Berbeda dengan lukisan simbolis “Mawar Biru”, para seniman “Jack of Diamonds” berusaha mengekspresikan gerakan secara paling radikal dari fokus pada sensasi subjektif dan tidak jelas hingga mendapatkan stabilitas dalam gambar visual, warna yang terdengar penuh, dan untuk logika konstruktif konstruksi gambar. Penegasan subjek dan objektivitas dibandingkan spasialitas merupakan prinsip awal seni mereka.

Dalam hal ini, lukisan benda - benda mati - yang dikedepankan. Tugas polemik lukisan “Jack of Diamonds” terutama diwujudkan dengan jelas dalam karya salah satu pendiri kelompok, I.I. Mashkova (1881 - 1944). “Blue Plums” miliknya (1910) dapat dianggap sebagai semacam slogan untuk arah ini. Citra buah-buahan yang disusun dalam komposisi dekoratif statis seolah membeku separuh dari substansi mentah warna palet menuju warna alam sesungguhnya. Seniman mengibaratkan karyanya dengan karya seorang perajin yang membuat sesuatu. Dalam hal ini yang dimaksud adalah lukisan itu sendiri. Seniman membawa lukisan lebih dekat ke seni rakyat dengan pemahaman yang melekat pada bahan sumbernya.

Dalam ketelanjangan proses penciptaan lukisan dan dalam kegembiraan yang menyedihkan dari suara warna-warni, Mashkov tampaknya merumuskan prinsip awal seni rakyat: kombinasi dua sisi kehidupan rakyat - kerja dan perayaan.

Sama deklaratifnya dengan “Blue Plums” oleh Mashkov, pendekatan baru terhadap pengembangan alam, yang disetujui oleh “Jack of Diamonds,” diungkapkan oleh P.P. Konchalovsky (1876-1956) dalam “Potret G. Yakulov” (1910). Seniman memperkenalkan kehidupan diam, prinsip yang menguatkan ke dalam bidang tradisional dominasi tugas-tugas psikologis. Ini menghilangkan segala sesuatu yang berhubungan dengan keadaan internal sementara seseorang, menekankan segala sesuatu yang membentuk tanda-tanda paling stabil, cerah, dalam arti kata yang tepat, dan indah dari penampilan eksternal individu. Di sini kita berhadapan dengan sistem penyederhanaan spesifik yang menjadi ciri cetakan, mainan, dan tanda populer. Bukan suatu kebetulan bahwa para kritikus terkadang mendefinisikan gaya lukisan “Jack of Diamonds” secara keseluruhan sebagai “gaya tanda”. Kritik yang sama telah berulang kali mencatat hubungan langsung antara generasi baru pelukis Moskow dengan lukisan Prancis kontemporer, yang berasal dari Cezanne. Namun lukisan Cézanne diadopsi oleh The Jack of Diamonds melalui versi dekoratif Cézanneisme yang dihadirkan oleh kaum Fauvists, khususnya Matisse.

Kultus dekorativisme, yang pada awalnya berkuasa di kalangan seniman “Jack of Diamonds,” menyimpang dari lukisan Cezanne dalam satu hal yang sangat penting: dalam melemahnya rasa bentuk pahatan. Kesan materialitas suatu benda yang ingin dicapai oleh para seniman pada karya pertamanya, muncul bukan karena konstruksi bentuknya yang bersifat pahatan-volumetrik, melainkan karena teksturnya yang masif, sedangkan ruangnya tampak menyebar secara dekoratif dan seringkali, karena ini, amorf. Dalam mengatasi kekurangan ini, peran tertentu dimainkan oleh kubisme - sebuah gerakan seni lukis yang menemukan motivasi teoretis untuk eksperimennya dalam rekomendasi yang pernah diberikan oleh Cézanne untuk melakukan analisis mental terhadap bentuk-bentuk kompleks dengan mendekatkannya ke konfigurasi geometris dasar - kubus, kerucut dan bola. Para master “Jack of Diamonds” menggunakan teknik serupa. Jadi, “Agave” (1916) karya Konchalovsky adalah varian dari asimilasi pengalaman kubisme, melewati pemisahan bentuk skematis yang ekstrem. Seniman melihat kubisme sebagai cara menganalisis hubungan spasial. Ruang gambar dianggap sebagai suatu objek tertentu, dari mana objek-objek yang digambarkan tersebut dikristalkan dengan usaha, yang bentuknya seolah-olah pecah, berubah bentuk, dengan usaha menaklukkan lingkungan hidup yang diperlukan untuk dirinya sendiri. Segala sesuatu secara aktif dimasukkan ke dalam ruang di sekitar mereka, seolah-olah mengatasi perlawanannya. Oleh karena itu kesan drama. Hal-hal tampaknya menjaga wilayah yang mereka taklukkan; hal-hal tersebut tidak mudah jatuh ke tangan, hal-hal tersebut tampak memusuhi manusia, terasing dari manusia.

Seiring dengan kubisme, futurisme, gerakan melukis lain yang muncul di Italia pada tahun yang sama, menjadi komponen penting gaya visual “Jack of Diamonds” dari pertengahan tahun 10-an. Mencanangkan ritme industri era revolusi ilmu pengetahuan dan teknologi sebagai bahasa masa depan yang sebenarnya, menuntut masuknya ritme tersebut ke dalam desain sebuah karya seni. Salah satu tekniknya adalah “montase” objek atau bagian objek, yang diambil seolah-olah pada waktu berbeda dan dari sudut pandang berbeda. Pergerakan subjek, mis. pemirsa dipindahkan ke objek yang diberkahi dengan dinamika spontan dan kemampuan untuk membentuk modifikasi yang aneh. Kita melihat efek ini, dikombinasikan dengan “pergeseran” kubik bentuk dan stratifikasi rencana tata ruang, dalam lukisan dekoratif dan panel karya A.V. Lentulov (1882-1943) "St. Basil" (1913) dan "Dering" (1915).

Permukaan gambar di sini dianggap sebagai semacam cermin yang berderak dan terbelah oleh gelombang suara yang kuat, yang mencerminkan arsitektur Moskow yang penuh warna. Ada sejumlah ironi dalam sikap seniman Rusia terhadap teknik seni modern Eropa Barat. Di Lentulov, hal itu tercermin, misalnya, dalam pengalihan teknik futurisme, yang dimaksudkan untuk mengekspresikan ritme era industri, ke objek yang esensinya sama sekali berbeda - arsitektur patriarki kuno. Dari kombinasi paradoks antara bahasa visual modern dengan gambaran zaman kuno Moskow, muncul efek artistik yang jelas dan tak terduga - arsitektur kuno, seolah-olah digerakkan oleh invasi ritme industri, ditarik ke dalam orbit persepsi manusia modern, yang merasakan dirinya sendiri dan segala sesuatu di sekitarnya. dia dalam gerakan konstan.

Karya-karya perwakilan lain dari “Jack of Diamonds” R.R. Falk (1886 - 1958) tidak dicirikan oleh cakupan dekoratif kanvas Lentulov atau warna brutal dan materialitas lukisan Mashkov. Seorang penulis lirik dengan temperamen kreatif, Falk menghindari bentuk yang kasar, berusaha untuk elaborasi halus dari permukaan gambar, dan mencapai harmoni warna-warni yang indah. Diresapi dengan suasana konsentrasi spiritual dan keheningan, lukisan Falk dibedakan oleh psikologi khasnya dan diberkahi dengan kemampuan untuk mereproduksi nuansa suasana hati yang halus. Bukan suatu kebetulan jika potret menempati tempat penting di antara karya-karyanya. Salah satu lukisan terbaik karya pra-revolusioner Falk adalah “At the piano. Portrait of E. S. Potekhina-Falk” (1917). Gaya yang mirip dengan lukisan Falk adalah karya A. Kuprin dan V. Rozhdestvensky, seniman “Jack of Diamonds” yang bekerja terutama dalam genre still life.

Semacam pemberontakan permanen menjadi ciri karya salah satu penyelenggara “Jack of Diamonds” M.F. Larionov (1881 - 1964). Sudah pada tahun 1911, ia memutuskan hubungan dengan kelompok ini dan menjadi penyelenggara pameran baru dengan nama mengejutkan “Donkey’s Tail” dan “Target”. Dalam karya Larionov, kecenderungan primitivis seni "Jack of Diamonds", yang terkait dengan asimilasi gaya tanda, cetakan populer, mainan rakyat, dan gambar anak-anak oleh seni profesional, menemukan perkembangannya yang paling konsisten. Berbeda dengan kebanyakan seniman tahun 10-an, Larionov secara konsisten membela hak-hak lukisan bergenre, tanpa meninggalkan cerita naratif dalam gambar. Namun kehidupan dalam genre Larionov adalah kehidupan “primitif” yang istimewa di jalanan provinsi, kafe, penata rambut, dan tentara. ' barak.

Salah satu karya Larionov yang paling khas adalah lukisan “The Resting Soldier” (1911). Ciri khas pose anak sehat yang aneh dan berlebihan, asyik merenung dengan rona merah di sekujur pipinya, tak pelak terinspirasi dari kenaifan gambar anak-anak. Pada saat yang sama, sifat gambar yang berskala besar dan durasi berbaring malas yang disampaikan dengan terampil di depan pemirsa mengubah gambar tersebut menjadi potret seremonial yang diparodikan secara halus. Tetapi pada saat yang sama - bukan bayangan ejekan. Sikap artis terhadap modelnya terlihat seperti “ironi cinta”. Jika para seniman "Jack of Diamonds", terutama pada periode awal kreativitas, lebih menyukai palet cerah dan kontras warna yang kuat, maka Larionov, pada umumnya, beralih ke objek yang biasa-biasa saja dan kasar, kusam dan tidak berwarna, menumbuhkan corak warna yang serupa, mencapai keperakan yang indah dan warna yang harmonis. Dekat dengan karya seniman ini adalah lukisan teman tetap Larionov dan orang yang berpikiran sama dalam pencariannya, N.S. Goncharova (1881 - 1962). Dalam lukisan “Mencuci Kanvas” (1910), sosok dua wanita dengan latar belakang pemandangan pedesaan yang dilukis secara populer, jongkok, dengan kaki yang berat, dilukis dengan simpati yang menyentuh secara naif terhadap yang digambarkan, yang membedakan gambar anak-anak, terutama ketika anak mereproduksi objek dan situasi yang dikenal dan familiar. Di sini kita tidak lagi berurusan dengan stilisasi kehidupan masyarakat umum yang estetis dan lucu, seperti misalnya dalam Kustodiev, tetapi dengan upaya, melalui seni primitif, untuk menemukan jalan keluar dari labirin psikologi dan spekulasi modern, untuk menemukan yang hilang. sumber pandangan dunia yang naif dan holistik.

Karya pra-revolusioner pelukis paling orisinal, P.N., bersentuhan dengan garis primitivis dalam seni Rusia. Filonov (1883-1941). Primitivisme modern dipahami olehnya hanya sebagai sarana “pemodelan” dalam melukiskan gambaran holistik tertentu tentang dunia, suatu jenis pandangan dunia yang memberikan pengalaman visual modern gambaran tentang mitos budaya umat manusia. Bagi seniman abad ke-20, ini adalah cara untuk mengingat kembali apa yang merupakan sisi lain dari peradaban mesin, apa yang telah didorong ke pinggiran perhatian publik, yaitu, hal-hal yang bersifat alamiah dan generik dalam diri manusia, tentang “bagian” dari manusia tersebut. yang dengannya ia menyatu dengan alam, dengan kekuatan nokturnalnya yang gelap, tidak fleksibel, dan misterius, “kontak” yang dengannya membentuk isi penting kehidupan kerja, khususnya kehidupan petani. Jadi, dalam “Cowshells” karya Filonov (1914), segala sesuatunya menyatu seolah-olah dalam kekacauan yang kacau balau. Sintaks rumit dari frasa bergambar mengajak pemirsa untuk mencari makna dan konsistensi dalam kombinasi bentuk dan figur obyektif, dilanjutkan dengan menebak, mengingat cincin dalam bungkusan memori manusia di mana kunci kode gambar ini berada. Namun arah pencarian tersebut ditentukan oleh gambaran itu sendiri, yang mengarah ke wilayah mitos alam purba.

Hubungan yang biasa antara atas dan bawah dibalik di sini: rumah mainan dianggap terlihat dari kejauhan dari atas, sehingga sosok binatang dan kandang sapi “menggantung” di langit gelap di atas dunia dan digambarkan dalam zoomorfik dan antropomorfik. bentuk-bentuk dengan perkiraan yang paradoks dan tepat secara sudut yang dengannya mereka diuraikan dengan melihat figur-figur zodiak dalam kaleidoskop konstelasi di langit malam. Adegan yang murni duniawi ditampilkan sebagai prasejarah mistis yang terjadi di surga, tetapi pemandangan surgawi ini pada saat yang sama adalah sesuatu yang sangat primitif, mengingatkan pada keterlibatan awal manusia dalam dunia binatang, pada masa itu dan pada keadaan kesadaran ketika dewa tertinggi surga muncul dalam bentuk "sapi surgawi", dan pekerjaan peternakan adalah ritual sakral, sebuah "pelayanan surgawi". Inilah kehidupan yang terlihat dari kedalaman gelap ingatan leluhur. “Untuk menjadikan manusia yang impersonal” - formula Blok ini dapat menentukan metode dan sekaligus tema seni Filonov, yang menciptakan kembali jalan, proses, tahapan humanisasi impersonal ini dalam bentuk “hieroglif” yang akrab bagi seni Rusia. -alami ke dalam manusia-spiritual.

Kecenderungan seniman era 10-an untuk bereksperimen, menguraikan kesan artistik holistik ke dalam penjumlahan pengaruh-pengaruh elementer demi mengenal landasan-landasan utama ekspresi seni, menyebabkan terpecahnya bidang penciptaan bentuk ini menjadi sebuah bidang seni yang mandiri. Pada tahun 1913 Larionov menerbitkan bukunya "Rayism", yang merupakan salah satu manifesto pertama seni abstrak. Namun, pemimpin sejati - ahli teori dan praktisi seni abstrak di Rusia adalah V.V. Kandinsky (1866-1944) dan K.S. Malevich (1878-1935).

Sejak awal, lukisan abstrak telah berkembang dalam dua arah: bagi Kandinsky, itu adalah permainan bintik-bintik warna yang spontan dan tidak rasional, bagi Malevich itu adalah penampilan konstruksi geometris rasional yang diverifikasi secara matematis. Abstraksionisme diklaim, dalam praktik artistik, semacam teori yang mewujudkan prinsip-prinsip dasar seni lukis secara umum. Tugas melukis direduksi menjadi mempelajari kemungkinan kombinasi elemen primer - garis, warna, bentuk.

Jika seni abstrak Malevich dan Kandinsky pada awalnya berkembang secara eksklusif dalam lukisan kuda-kuda, maka dalam karya V.E. Tatlin (1885-1953), elemen lukisan lainnya - tekstur - menjadi objek eksperimen abstrak. Tatlin mengubah kualitas sentuhan yang dimiliki oleh satu bahan dalam lukisan - cat - menjadi kombinasi tekstur berbagai bahan - timah, kayu, kaca, mengubah bidang gambar menjadi semacam relief pahatan. Dalam apa yang disebut counter-relief Tatlin, "pahlawan" bukanlah objek nyata, tetapi kategori tekstur abstrak - kasar, rapuh, kental, lembut, berkilau - memasuki hubungan yang kompleks satu sama lain tanpa mediasi plot gambar tertentu.

Dalam arsitektur kita dihadapkan pada kemampuan seni untuk berekspresi tanpa menggambarkan, tanpa meniru “fakta kehidupan”. Sifat-sifat permukaan gambar sebagai bidang arsitektonis mengandung kemungkinan-kemungkinan ekspresif yang tidak diberikan, tetapi diberikan kepada gambar, seperti halnya hukum gravitasi yang diberikan pada pergerakan benda atau ritme, ukuran, dan urutan sajak diberikan kepada ayat. Kajian terhadap kemungkinan-kemungkinan tersebut merupakan eksperimen yang dilakukan oleh seni abstrak. Dalam perjalanan menuju prinsip-prinsip primordial pengaruh artistik, yang tersembunyi dalam struktur ingatan manusia, seni abad ke-20 mau tidak mau harus menghadapi dunia artistik di mana hukum ekspresi yang dicari pernah diwujudkan dalam kepenuhan prinsip tersebut. . Yang baru memberikan bantuan kepada yang lama yang sudah terlupakan - dan hampir semua ahli yang disebut avant-garde dalam seni abad ke-20 melewati kontak seperti itu.

Di antara mereka, tempat yang menonjol adalah milik K. S. Petrov-Vodkin (1878 - 1939). Perjalanan panjang perkembangan kreatif master ini, yang kaya akan pencarian kompleks, berpuncak pada penciptaan lukisan “Pemandian Kuda Merah” pada tahun 1912. Karya ini penting tidak hanya karena isi internalnya, tetapi juga karena fokusnya pada banyak isu seni mendesak di awal abad ke-20. Itu sendiri terdengar seperti panggilan dan pertanyaan, dan terutama karena ketajaman dan ekspresi bentuk, penciptaan kembali, transformasi gambaran realitas, yang dengan susah payah diperjuangkan oleh seni abad ke-20, dicapai di sini melalui penguasaan pelajaran dari lukisan Rusia kuno. Secara langsung menyatakan kesinambungan dengan lukisan ikon, karya ini sekaligus mengingatkan kita pada “Pemerkosaan Eropa” karya Serov, yang belajar bersama Petrov-Vodkin di Sekolah Moskow. Gambaran seorang penunggang kuda, mengalihkan pemikirannya ke ide-ide cerita rakyat, dalam kelesuan gerakan yang membeku menimbulkan sebuah pertanyaan. Kegembiraan warna-warni yang meriah dan ritme garis yang mengantuk dan menyihir, seekor kuda yang kuat dan seorang remaja laki-laki yang membeku dalam pikiran yang samar-samar, dengan lemas melepaskan kendali, menyerah pada kekuatan kekuatan yang menariknya ke tujuan yang tidak diketahui. , ingatan akan masa lalu dan firasat samar-samar tentang masa depan - kombinasi elemen-elemen yang berlawanan ini bersifat simbolis dalam struktur batinnya. Oleh karena itu, orang-orang sezaman menganggapnya sebagai simbol momen yang dialami.

Petrov-Vodkin bahkan lebih konsisten beralih ke gambar seni Rusia kuno dalam karya-karya seperti “Mother”, “Girls on the Volga” (1915), “Pagi. Di sini Anda dapat mendengar gema gambar ikonografis - dalam rekaman gerakan, dalam pencelupan diri para karakter, dalam kontemplasi yang diilhami oleh para pahlawan wanita dalam lukisan-lukisan ini. Dalam karya Petrov-Vodkin, pentingnya gambaran dan tema abadi meningkat: tidur dan kebangkitan, tahapan usia kehidupan - remaja, remaja, menjadi ibu, siklus kehidupan antara kelahiran dan kematian - begitulah cakupan tema-tema ini. Dalam penafsiran tema-tema semacam ini, setiap era baru mengungkapkan gagasan idealnya tentang tempat manusia dalam keseluruhan kosmis. Dalam dunia seni, mereka memainkan peran universal dalam tatanan filosofis, mengatasi variabilitas realitas cair. Oleh karena itu, dalam sistem gambar Petrov-Vodkin, semua kualitas dunia yang diamati cenderung pada keadaan absolutnya: warna condong ke arah spektral murni, bebas dari fluktuasi atmosfer, cahaya memiliki karakter "sinar matahari abadi" astral, cakrawala garis mereproduksi kelengkungan permukaan planet bumi sesuai dengan prinsip yang disebut perspektif bola, yang mengubah segala sesuatu yang terjadi di ruang intra-gambar menjadi fenomena dalam skala kosmik. Dalam berbagai bentuk generalisasi artistik modern, Petrov-Vodkin memilih bentuk-bentuk yang memiliki daya tarik sejarah dan artistik tertentu - ikon dan lukisan dinding Rusia Kuno, serta Quattrocento Italia, yaitu. tepatnya fenomena-fenomena dalam skala tradisi seni nasional dan Eropa yang secara langsung mendekati ambang diferensiasi dan fragmentasi analitis kemudian, tetapi dunia seni dan gambaran dunia dalam seni masih dianggap dan disajikan sebagai semacam integritas. yang memberikan cap kehebatan monumentalnya pada metode ekspresi artistik. Perenungan dunia secara keseluruhan dalam arti hubungan universal antara waktu dan fenomena - inilah yang ingin diungkapkan dan dihidupkan kembali oleh Petrov-Vodkin dalam seni modern. Secara terprogram menarik kemampuan asosiatif memori artistik, ia tampaknya menyerukan untuk menebak seperti apa penampilan dan citra dunia modern dan perasaan artistik yang melekat dalam kaitannya dengan alam dan sejarah dalam ruang pengalaman budaya global.

Petrov-Vodkin, seperti sejumlah master lain di generasinya, pada tahun-tahun pasca-revolusioner menjadi salah satu master lukisan Soviet yang terkemuka, membawa bersamanya era baru tradisi seni yang hidup, ide-ide tinggi dan keahlian yang sempurna.

Mawar biru dan setumpuk berlian. Abstrak: "Mawar Biru" dan "Jack of Diamonds"

Serta karya-karya lain yang mungkin menarik minat Anda

"Mawar Biru"

"Jack Berlian"