Sejarah teater adalah dunia umat manusia

Teater Yunani Kuno

Asal Usul Drama dan Teater Yunani Kuno.

Kemunculan drama di Yunani didahului oleh periode yang panjang, dimana tempat dominan pertama-tama ditempati oleh epik dan kemudian oleh liris. Kita semua tahu puisi epik heroik yang kaya “Iliad” dan “Odyssey”, puisi epik didaktik (instruktif) Hesiod (abad ke-7 SM); Ini adalah karya penyair lirik abad ke-6. SM

Kelahiran drama dan teater Yunani dikaitkan dengan permainan ritual yang didedikasikan untuk dewa pelindung pertanian: Demeter, putrinya Kore dan Dionysus. Dari permainan ritual dan lagu untuk menghormati Dionysus, tiga genre drama Yunani kuno tumbuh: tragedi, komedi, dan komedi satir (dinamai berdasarkan paduan suara yang terdiri dari satir).

• Tragedi tersebut mencerminkan sisi serius dari pemujaan Dionysian.
• Komedi - karnaval-satir.
• Drama satir sepertinya bergenre rata-rata. Karakternya yang ceria, ceria, dan akhir yang bahagia menentukan tempatnya di festival untuk menghormati Dionysus: drama satir dipentaskan sebagai penutup dari presentasi tragedi.

Peran ide-ide tragis dalam pendidikan sosio-politik dan etika sangat besar. Sudah di paruh kedua abad ke-6 SM. Tragedi ini telah mencapai perkembangan yang signifikan. Sejarah kuno melaporkan bahwa penyair tragis Athena pertama adalah Thespis (abad VI SM). Produksi pertama tragedinya (namanya tidak diketahui) terjadi pada musim semi tahun 534 SM. pada Pesta Dionysius Agung. Tahun ini dianggap sebagai tahun lahirnya teater dunia.

Dalam komedi, jauh lebih luas daripada tragedi, motif sehari-hari dicampur dengan motif mitologis, yang lambat laun menjadi dominan atau bahkan satu-satunya, meskipun secara umum komedi masih dianggap didedikasikan untuk Dionysus. Drama sandiwara improvisasi adalah bentuk dasar teater lelucon rakyat dan disebut pantomim (diterjemahkan sebagai “imitasi”, “reproduksi”; para pemain sandiwara ini juga disebut pantomim). Pahlawan pantomim adalah topeng teater rakyat tradisional: calon pejuang, pencuri pasar, ilmuwan penipu, orang bodoh yang membodohi semua orang, dll.

Teater Athena.

Seni teater Yunani kuno mencapai puncaknya dalam karya tiga tragedi besar abad ke-5 SM - Aeschylus, Sophocles, Euripides dan komedian Aristophanes, yang aktivitasnya berlangsung hingga awal abad ke-4. SM Penulis drama lain juga menulis pada saat yang sama, tetapi hanya sebagian kecil dari karya mereka yang sampai kepada kita, dan terkadang hanya nama dan sedikit informasi.

Teater era Helenistik.

Pada zaman Helenistik (abad VI-I SM), teater Yunani zaman klasik mengalami perubahan yang cukup signifikan dalam hal drama, akting, dan arsitektur gedung teater. Perubahan ini terkait dengan kondisi sejarah baru. Komedi dan tragedi masih dipentaskan di teater era Helenistik. Tapi dari tragedi abad ke-4. SM Hanya sebagian kecil yang bertahan, dan, tampaknya, manfaat artistik dari tragedi Helenistik itu kecil. Lebih banyak data tersedia untuk menilai komedi, karena hanya satu drama dan beberapa kutipan dari drama lain oleh komedian terhebat saat itu, Menander, yang bertahan.

Komedi era Helenistik disebut komedi Attic (atau neo-Attic) baru. Peran besar dalam komedi baru, motif cinta dimainkan. Penulis komedi Attic baru banyak menggunakan teori psikologis murid Aristoteles, Theophrastus, yang menyatakan bahwa semua ciri karakter dimanifestasikan dalam penampilan dan tindakan seseorang. Deskripsi fisiognomi Theophrastus tidak diragukan lagi memengaruhi desain topengnya, yang membantu pemirsa mengenali karakter ini atau itu. Pengaruh Euripides terlihat dalam komedi baru. Kedekatan banyak pahlawannya dengan kehidupan, pengungkapan pengalaman emosional mereka - inilah yang diambil komedi baru dari Euripides.

Arsitektur teater Yunani kuno.

Awalnya, tempat pertunjukan diatur dengan sangat sederhana: paduan suara, dengan nyanyian dan tariannya, tampil di platform-orkestra bulat yang dipadatkan (dari kata kerja orheomai - “Saya menari”), di mana penonton berkumpul. Namun seiring pentingnya seni teater di masyarakat dan kehidupan budaya Yunani, dan ketika drama menjadi lebih kompleks, perbaikan menjadi perlu. Lanskap perbukitan Yunani menunjukkan penataan panggung dan kursi penonton yang paling rasional: orkestra mulai ditempatkan di kaki bukit, dan penonton ditempatkan di sepanjang lereng.

Semua teater Yunani kuno terbuka dan dapat menampung jumlah yang sangat besar penonton. Teater Dionysus Athena, misalnya, dapat menampung hingga 17 ribu orang, teater di Epidaurus - hingga 10 ribu. Pada abad ke-5 SM Di Yunani, jenis struktur teater yang stabil berkembang, karakteristik seluruh zaman kuno. Teater memiliki tiga bagian utama: orkestra, teater (kursi untuk penonton, dari kata kerja teaomai - "Saya melihat") dan skene (skene - "tenda", kemudian struktur kayu atau batu).

Ukuran teater ditentukan oleh diameter orkestra (dari 11 hingga 30 m). Skene terletak bersinggungan dengan keliling orkestra. Dinding depan skene-proskenium yang biasanya berbentuk barisan tiang menggambarkan fasad candi atau istana. Di samping skene terdapat dua bangunan samping yang disebut paraskenia. Paraskenia berfungsi sebagai tempat menyimpan pemandangan dan properti teater lainnya. Di antara skene dan kursi penonton, yang menempati lebih dari setengah lingkaran, terdapat lorong di mana penonton memasuki teater sebelum pertunjukan dimulai, dan kemudian paduan suara dan aktor memasuki orkestra. Dalam teater era klasik, perhatian penonton terfokus pada perkembangan aksi, nasib para pahlawan, dan bukan pada efek luar. Tata letak teater Yunani memastikan kemampuan mendengar yang baik. Selain itu, di beberapa teater, bejana resonansi ditempatkan di antara kursi penonton untuk memperkuat suara. Tidak ada tirai di teater Yunani kuno, meskipun ada kemungkinan bahwa dalam beberapa drama beberapa bagian proskenium ditutup sementara untuk penonton.

teater Romawi

Asal usul teater Romawi.

Asal usul teater dan drama Romawi, seperti di Yunani, berasal dari permainan ritual yang kaya akan unsur karnaval. Misalnya saja, hari raya Saturnalia - untuk menghormati dewa Italia Saturnus. Keunikan hari raya ini adalah “pembalikan” hubungan sosial yang biasa: tuan untuk sementara menjadi “budak”, dan budak menjadi “tuan”.

Salah satu asal mula teater dan drama Romawi adalah festival panen pedesaan. Bahkan di masa lalu, ketika Roma masih merupakan komunitas kecil Latium, desa-desa merayakan hari libur sehubungan dengan berakhirnya panen. Pada hari libur ini, lagu-lagu fescennin yang ceria dan kasar dinyanyikan. Seperti di Yunani, dua kelompok semi-paduan suara biasanya tampil dan bertukar lelucon, terkadang bersifat pedas.

Berasal dari sistem klan, Fescennine ada pada abad-abad berikutnya, dan di dalamnya, menurut Horace, perjuangan sosial antara kaum plebeian dan bangsawan tercermin. Inilah bagaimana satura muncul (diterjemahkan sebagai “campuran”). Satura adalah adegan dramatis sehari-hari dan bersifat komikal, termasuk dialog, nyanyian, musik, dan tarian.

Jenis pertunjukan dramatis lainnya yang bersifat komik adalah atellans, yang dipinjam dari suku lain yang mendiami Semenanjung Apennine, yang dengannya Roma terus berperang. Kaum muda menjadi tertarik dengan permainan ini dan mulai menyelenggarakannya pada hari libur. Atellan menampilkan empat karakter komik permanen: Makk, Bukkon, Papp dan Dossin. Atellans tidak memiliki teks yang keras, jadi ketika menampilkannya, ada banyak ruang untuk improvisasi. Mime juga kembali ke drama rakyat. Seperti di Yunani, pantomim mereproduksi adegan-adegan dari kehidupan rakyat, dan terkadang memparodikan mitos, menggambarkan dewa dan pahlawan sebagai badut. Jadi, di Roma terdapat permainan ritual yang kurang lebih sama seperti di Yunani Kuno. Namun perkembangan teater rakyat tidak melampaui awal mula drama yang lemah. Hal ini dijelaskan oleh cara hidup Romawi yang konservatif dan perlawanan yang kuat dari para pendeta. Oleh karena itu, di Roma tidak ada mitologi independen, yang di Yunani berfungsi sebagai “tanah dan gudang” seni, termasuk drama.

Teater Romawi di era Republik.

Bangsa Romawi mengambil drama sastra dalam bentuk jadi dari Yunani dan menerjemahkannya ke dalam bahasa Latin, menyesuaikannya dengan konsep dan selera mereka. Setelah kemenangan Perang Punisia pertama, pada pesta meriah tahun 240 SM, diputuskan untuk menggelar pertunjukan dramatis. Produksinya dipercayakan kepada Livius Andronicus dari Yunani, yang diperbudak oleh seorang senator Romawi, yang memberinya nama Latin Livius. Setelah dibebaskan, ia tetap tinggal di Roma dan mulai mengajar bahasa Yunani dan Latin kepada putra bangsawan Romawi. Guru ini mementaskan sebuah tragedi dan mungkin juga komedi di pertandingan tersebut, direvisi olehnya dari model Yunani atau, mungkin, hanya diterjemahkan dari bahasa Yunani ke dalam bahasa Latin. Produksi ini memberikan dorongan pertama bagi perkembangan teater Romawi.

Sejak 235 SM Penulis naskah drama Gnaeus Nevius mulai mementaskan dramanya di atas panggung. Titus Maccius Plautus sezaman dengan Naevius yang lebih muda. Karyanya dimulai pada periode ketika Roma bertransformasi dari komunitas pertanian menjadi negara terkuat - pertama di Semenanjung Apennine, dan kemudian di seluruh cekungan. Laut Tengah. Publius Terentius Afr, yang, seperti Plautus, menggarap genre palliata, termasuk dalam generasi penulis naskah berikutnya. Terence bisa disebut sebagai cikal bakal drama baru Eropa. Teater Eropa telah berulang kali beralih ke karyanya. Pengaruh komedinya "Formion" dan "Saudara" sangat terasa dalam karya Moliere.

Teater Romawi di era kekaisaran.

Pada abad ke-1 SM, republik di Roma jatuh. Setelah pembunuhan Caesar dan kemenangan atas Antony pada tahun 31 SM. Oktavianus menjadi kaisar di Roma, dan kemudian menerima julukan kehormatan Augustus (“Suci”). August mengerti dengan baik kepentingan publik teater dan berkontribusi dengan segala cara untuk perkembangannya. Pertama-tama, Augustus ingin menghidupkan kembali tragedi tipe Yunani di panggung Romawi, melihat di dalamnya sebagai sarana untuk meningkatkan dan mendidik moral warganya. Aspirasi Augustus ini didukung oleh salah satu penyair Romawi terkemuka, Horace, dan tercermin dalam “Ilmu Puisi” miliknya. Namun, semua upaya Augustus untuk menghidupkan kembali genre serius di panggung Romawi tidak berhasil.

Dari tragedi zaman kekaisaran, tidak ada yang sampai kepada kita kecuali tragedi filosof Seneca. Lucius Annaeus Seneca adalah guru Kaisar Nero, pernah memegang posisi tertinggi di negara bagian, tetapi kemudian dia dituduh melakukan konspirasi melawan kaisar dan, atas perintah Nero, bunuh diri dengan memotong pembuluh darahnya. Seneca mulai menulis tragedi beberapa tahun terakhir kehidupan, ketika sikap Nero terhadapnya berubah dan dia terpaksa lebih hati-hati mengungkapkan pandangannya terhadap tatanan yang ada.

Organisasi pertunjukan teater.

Pertunjukan diadakan di Roma selama berbagai hari libur. Drama tersebut dipentaskan di festival para bangsawan - Pertandingan Romawi, yang diadakan pada bulan September untuk menghormati Jupiter, Juno dan Minerva; di Olimpiade Apollo - pada bulan Juli. Tidak ada gedung teater permanen di Roma sampai pertengahan abad ke-1. SM; Senat konservatif menentang pembangunannya. Untuk pertunjukan, platform kayu setinggi setengah manusia biasanya didirikan di forum. Sebuah tangga sempit sebanyak 4-5 anak tangga menuju ke area panggung, di mana para aktor naik ke atas panggung.

Dalam tragedi tersebut, aksi terjadi di depan istana. Dalam komedi, pemandangan hampir selalu menggambarkan jalan kota dengan fasad dua atau tiga rumah menghadapnya, dan aksi berlangsung di depan rumah tersebut. Penonton duduk di bangku depan panggung. Namun terkadang Senat melarang pengaturan kursi di teater sementara ini: duduk di pertunjukan, menurut pendapat Senat, adalah tanda banci. Semua bangunan yang dibangun untuk permainan teater segera rusak setelah selesai dibangun.

Salah satu peristiwa bagi Roma adalah munculnya teater permanen pertama yang dibangun dari batu. Teater ini dibangun pada tahun 55 SM. Gnaeus Pompey the Great dan mampu menampung hingga 40 ribu orang. Pada akhir abad ke-1. SM Dua teater batu lagi dibangun di Roma: Teater Balbus dan Teater Marcellus. Dari yang terakhir, sisa-sisa tembok luar, dibagi menjadi tiga lantai, yang sesuai dengan tiga tingkat internal, masih bertahan hingga hari ini.

Teater Abad Pertengahan

Drama liturgi dan semi liturgi.

Salah satu bentuk seni teater awal Abad Pertengahan adalah drama gereja. Berjuang melawan sisa-sisa teater kuno, melawan permainan pedesaan, gereja berusaha menggunakan efektivitas propaganda teater untuk tujuannya sendiri.

Sudah di abad ke-9, Misa didramatisasi, dan ritual membaca episode legenda tentang kehidupan Kristus, penguburan dan kebangkitannya dikembangkan. Dari dialog-dialog inilah lahirlah drama liturgi awal. Ada dua siklus drama tersebut - siklus Natal, yang menceritakan tentang kelahiran Kristus, dan siklus Paskah, yang menyampaikan kisah kebangkitannya. Dalam drama liturgi Natal, sebuah salib diletakkan di tengah-tengah candi, kemudian dibungkus dengan bahan berwarna hitam yang melambangkan penguburan jenazah Tuhan.

Seiring berjalannya waktu, drama liturgi menjadi lebih kompleks, kostum para “aktor” semakin beragam, dan “instruksi sutradara” diciptakan dengan indikasi yang tepat mengenai ujian dan gerakan. Para pendeta sendiri yang melakukan semua ini. Penyelenggara pertunjukan liturgi mengumpulkan pengalaman pementasan dan mulai dengan terampil menunjukkan kepada orang-orang tentang kenaikan Kristus dan mukjizat Injil lainnya. Mendekati kehidupan dan menggunakan efek produksi, drama liturgi tidak lagi menarik, tetapi mengalihkan perhatian umat paroki dari kebaktian. Perkembangan genre menyembunyikan kehancuran dirinya. Karena tidak ingin melepaskan pelayanan teater dan tidak mampu mengatasinya, otoritas gereja memindahkan drama liturgi dari bawah lengkungan gereja ke beranda. Sebuah drama semi-liturgi lahir. Dan di sini teater gereja, yang secara resmi berada di bawah kekuasaan pendeta, jatuh di bawah pengaruh kerumunan kota. Sekarang dia sudah mendiktekan seleranya kepadanya, memaksanya untuk tampil di pameran, bukan hari libur gereja, dan sepenuhnya beralih ke bahasa ibunya, yang dapat dimengerti oleh orang banyak. Prihatin dengan kesuksesan, para anggota gereja mulai memilih lebih banyak subjek sehari-hari, dan subjek alkitabiah yang ditafsirkan sehari-hari menjadi bahan drama semi-liturgi. Legenda-legenda alkitabiah tunduk pada perlakuan puitis dari waktu ke waktu. Inovasi teknis juga diperkenalkan: prinsip pemandangan simultan akhirnya ditetapkan, ketika beberapa adegan aksi ditampilkan secara bersamaan; jumlah trik bertambah. Namun, terlepas dari semua ini, drama gereja tetap menjaga hubungan erat dengan gereja. Drama ini dipentaskan di beranda, dengan dana gereja, repertoarnya disusun oleh para ulama (walaupun peserta pementasannya bersama para pendeta dan awam). Jadi, dengan menggabungkan unsur-unsur yang saling eksklusif secara rumit, drama gereja ada sejak lama.

Drama sekuler.

Awal dari gerakan realistis

Tunas pertama dari gerakan realistis baru dikaitkan dengan nama trouvère (troubadour) Adam de La Halle (sekitar 1238-1287) dari kota Arras di Prancis. De La Al sangat menyukai puisi, musik, dan teater. Dia tinggal di Paris dan Italia (di istana Charles dari Anjou) dan dikenal luas sebagai penyair, musisi, dan penulis drama.

Pada abad ke-13, arus komedi sudah ditenggelamkan oleh teater keajaiban yang juga mengangkat tema peristiwa kehidupan, namun beralih ke agama.

Keajaiban.

Nama "keajaiban" berasal dari kata Latin "keajaiban". Dan memang, semua konflik, terkadang sangat mencerminkan kontradiksi kehidupan, dalam genre ini diselesaikan berkat campur tangan kekuatan ilahi - St. Nicholas, Perawan Maria, dll. Waktu itu sendiri - abad ke-14, yang penuh dengan peperangan, kerusuhan rakyat, dan pembantaian yang tidak manusiawi - menjelaskan perkembangan genre kontroversial seperti keajaiban. Bukan suatu kebetulan bahwa mukjizat, yang biasanya dimulai dengan gambaran realitas yang memberatkan, selalu diakhiri dengan kompromi, tindakan pertobatan dan pengampunan, yang secara praktis berarti rekonsiliasi dengan kekejaman yang hanya ditunjukkan, karena itu mengandaikan kemungkinan adanya orang benar di setiap. penjahat. Hal ini cocok bagi kesadaran warga burgher dan gereja.

Misteri.

Masa kejayaan teater misteri adalah abad ke 15-16, masa pertumbuhan kota yang pesat dan semakin parahnya kontradiksi sosial. Kota ini sebagian besar telah mengatasi ketergantungan feodal, tetapi belum berada di bawah kekuasaan raja absolut. Misteri tersebut merupakan ekspresi perkembangan kota abad pertengahan dan budayanya. Itu tumbuh dari apa yang disebut "misteri mimik" - prosesi kota untuk menghormati hari raya keagamaan, untuk menghormati perjalanan seremonial raja. Dari perayaan ini, sebuah misteri persegi perlahan-lahan terbentuk, menggunakan pengalaman awal teater abad pertengahan. Pertunjukan misteri diselenggarakan bukan oleh gereja, tetapi oleh bengkel kota dan pemerintah kota. Penulisnya adalah tokoh tipe baru - teolog, pengacara, dokter. Terlepas dari kenyataan bahwa pertunjukan tersebut disutradarai oleh kaum borjuis atas kota, drama misteri adalah seni amatir publik yang massal. Ratusan orang ambil bagian dalam pertunjukan tersebut.

Misteri tersebut menunjukkan penciptaan dunia, pemberontakan Lucifer melawan Tuhan, dan mukjizat alkitabiah. Misteri memperluas jangkauan tematik teater abad pertengahan dan mengumpulkan pengalaman panggung yang luas, yang digunakan oleh genre Abad Pertengahan berikutnya. Pelaku misteri itu adalah masyarakat kota. Episode individu dari pertunjukan teater besar itu dibawakan oleh perwakilan dari berbagai bengkel kota. Pada saat yang sama, misteri memberikan kesempatan kepada setiap profesi untuk mengekspresikan dirinya semaksimal mungkin. Misteri mengembangkan teknik teater, membentuk selera masyarakat terhadap teater, dan mempersiapkan beberapa ciri drama Renaisans. Namun pada tahun 1548, perkumpulan misteri, terutama yang tersebar luas di Prancis, dilarang menampilkan drama misteri: alur komedi kritis dari teater misteri menjadi terlalu mencolok. Alasan kematiannya juga karena dia tidak menerima dukungan dari kekuatan masyarakat yang baru dan progresif.

Gerakan reformasi

Karakter anti-feodal

Reformasi terjadi di Eropa pada abad ke-16. Sifatnya anti-feodal dan berbentuk perjuangan melawan dukungan ideologis feodalisme - Gereja Katolik.

Gerakan Reformasi meneguhkan prinsip “komunikasi pribadi dengan Tuhan”, prinsip kebajikan pribadi. Di tangan kaum burgher yang kaya, moralitas menjadi senjata perjuangan baik melawan tuan tanah feodal maupun melawan massa miskin perkotaan. Keinginan untuk memberikan kekudusan pada pandangan dunia borjuis memunculkan teater moralitas.

Moralitas.

Moralit membebaskan moralisasi dari subjek agama dan gangguan sehari-hari dan, setelah menjadi terisolasi, memperoleh kesatuan gaya dan orientasi didaktik yang lebih besar.

Lelucon.

Lelucon daerah menonjol sebagai daerah yang independen genre teater dari paruh kedua abad ke-15. Namun, dia telah melalui jalur perkembangan tersembunyi yang panjang sebelum ini. Namanya sendiri berasal dari bahasa Latin farta (“isian”). Dan memang, penyelenggara misteri sering menulis: “Masukkan lelucon di sini.” Pertunjukan Maslenitsa yang ceria dan pertunjukan rakyat memunculkan “perusahaan bodoh” - sebuah asosiasi pejabat peradilan kecil, beragam bohemia perkotaan, anak sekolah, dan seminaris. Pada abad ke-15, masyarakat badut menyebar ke seluruh Eropa. Ada empat organisasi besar di Paris dan parade pertunjukan lucu mereka diadakan secara rutin. Dalam parade ini, pidato para uskup, perdebatan para hakim, dan masuknya raja ke kota diejek. Menanggapi hal ini, otoritas sekuler dan spiritual menganiaya kaum Farser, mengusir mereka dari kota, dan menjebloskan mereka ke penjara. Lelucon diarahkan dengan segala isi dan struktur artistiknya menuju kenyataan. Dia mengolok-olok tentara yang merampok, biksu yang menjual surat pengampunan dosa, bangsawan yang sombong, dan pedagang yang pelit. Ciri-ciri karakter yang diperhatikan dengan tajam dan digariskan membawa kesan yang menyindir materi penting. Prinsip utama akting para pemain sandiwara adalah penokohan, yang dibawa ke karikatur parodi, dan dinamisme, yang mengekspresikan keaktifan dan keceriaan para pelaku itu sendiri. Otoritas monarki dan gereja semakin menyerang pemikiran bebas perkotaan dan salah satu bentuknya - teater lucu.

Lelucon mempunyai pengaruh yang besar terhadap perkembangan teater selanjutnya di Eropa Barat. Di Italia, commedia dell'arte lahir dari lelucon; di Spanyol - karya "bapak teater Spanyol" Lope de Rueda; dan di Inggris John Heywood menulis selingannya sebagai lelucon; di Jerman, Hans Sachs; di Prancis, tradisi lucu memupuk seni Moliere yang brilian dan Shakespeare yang agung.

Lelucon itulah yang menjadi penghubung antara teater lama dan teater baru.

Teater baru

Teater (dari bahasa Yunani theatron - tempat tontonan, tontonan). Konsep umum teater dibagi menjadi jenis seni teater: teater drama, opera, balet, teater pantomim, dll. Asal usul istilah ini dikaitkan dengan teater Yunani kuno, di mana ini adalah nama yang diberikan untuk tempat duduk di auditorium. Namun, saat ini arti istilah ini sangat beragam.

Era Pencerahan menandai selesainya transisi menuju budaya modern. Cara hidup dan berpikir baru mulai terbentuk, yang berarti kesadaran diri artistik terhadap jenis budaya baru juga ikut berubah. Nama “Pencerahan” dengan baik mencirikan semangat umum gerakan ini di bidang kehidupan budaya dan spiritual, yang bertujuan untuk menggantikan pandangan yang didasarkan pada otoritas agama atau politik dengan pandangan yang dihasilkan dari tuntutan pikiran manusia.

abad ke-18 memberi budaya dunia seniman dan ahli teori seni teater yang luar biasa seperti Sheridan di Inggris, Voltaire, Diderot, Beaumarchais di Prancis, Lessing, Goethe, Schiller di Jerman, Goldoni di Italia. Dominasi akal budi mengarah pada fakta bahwa seni Pencerahan menderita karena rasionalitas; analisis rasional tentang kehidupan memerlukan bentuk-bentuk yang teratur.

Namun para pencerahan, yang melihat cita-cita manusia dalam kepribadian yang harmonis, tidak bisa mengabaikan tuntutan perasaan dalam seni. Teater Pencerahan dengan luar biasa mengungkapkan, baik dalam isi maupun metode, pandangan baru tentang dunia yang sesuai dengan zamannya.

Teater di Era Pencerahan di Inggris.

Penonton teater abad ke-18 menjadi lebih demokratis. Bangku sederhana dipasang di kios-kios untuk warga kota. Rak-rak itu dipenuhi para pelayan, pelajar, dan pengrajin kecil. Selama pertunjukan, penonton sangat aktif, bereaksi dengan penuh semangat terhadap apa yang ditampilkan di atas panggung.

Jadi, di Inggris, teater Pencerahan mengkritik keburukan sistem borjuis yang sedang berkembang. Doktrin ideologis baru tentang teater muncul: publik dan Pendidikan moral penonton. Doktrin ini sangat cocok dengan tradisi Puritan di Inggris - kemudian kaum Puritan melunakkan posisi mereka dalam kaitannya dengan seni teater, dan tidak lagi berperang melawan teater, tetapi untuk reformasinya: pemberantasan amoralitas dan transformasi teater menjadi teater. lembaga yang berguna secara sosial.

Dokumen program reformasi teater adalah risalah teolog Puritan Jeremy Collier melawan teater aristokrat, A Brief Review of the Immorality and Impiety of the English Stage (1698). Risalah ini mendefinisikan penekanan pada moralisasi dan didaktikisme teater Inggris hampir sepanjang abad ke-18. Karya penulis drama seperti Joseph Addison (Cato, The Drummer), Richard Steele (The Liar Lover, atau Women's Friendship; The Carefree Husband), Samuel Johnson (Irene), Colley Cibber (The Carefree Husband; The Wife's Last Bid; The Suami yang Marah) berkembang ke arah ini.

Pada tahun 1731, dalam kata pengantar dramanya The London Merchant, atau History of George Barnwell, penulis naskah George Lillo menerbitkan sebuah manifesto program estetika baru - teori realistis drama borjuis. Dia menentang pembatasan kelas dalam tragedi tersebut, yang hanya menampilkan individu berpangkat tinggi sebagai pahlawannya. Tanpa menyembunyikan permusuhannya terhadap aristokrasi, ia menuntut agar tragedi menjadi konduktor ide-ide moral kaum borjuis. Sepuluh tahun sebelumnya, pada tahun 1721, drama anonim “Fatal Madness” muncul di Inggris, ditulis dengan salah satu tema favorit drama borjuis - tentang konsekuensi buruk dari hasrat berjudi. Kemudian drama tersebut hampir tidak diperhatikan - waktu untuk genre baru belum tiba. Namun kini isu-isu borjuis menjadi banyak diminati oleh pemirsa.

Kecenderungan satir dalam drama berhasil dikembangkan oleh Henry Fielding (“Don Quixote in England”; “Grabstreet's Opera, or Under the Shoe of the Wife”; “Historical Calendar for 1736”). Beratnya kecaman satir menyebabkan pada tahun 1737 diterbitkannya undang-undang pemerintah tentang sensor teater, yang mengakhiri sindiran politik. Perhatian penulis naskah drama dan pendidik terfokus pada komedi tata krama, yang setidaknya memberikan kesempatan untuk sindiran sosial. Paling karya yang menarik komedi tata krama periode ini ditulis oleh Oliver Goldsmith (Good; The Night of Errors) dan Richard Sheridan (The Rivals; The School for Scandal).

Perwakilan terbaik bahasa Inggris seni artistik muncul David yang terkenal Garrick (1717-1779), humanis dan pendidik di atas panggung. Ia berhasil mempromosikan dramaturgi Shakespeare, memainkan peran Hamlet, Lear dan lain-lain.

Akhir abad ke-18 ditandai di Inggris dengan munculnya genre baru - tragedi "mimpi buruk dan kengerian", yang merupakan cikal bakal gerakan estetika baru - romantisme. Pencipta genre ini adalah Horace Walpole. Meskipun ia hanya menulis satu drama, “The Mysterious Mother” (1768), yang menggambarkan kisah gairah inses, penulisnya memiliki pengaruh yang besar pada drama pra-romantis dan romantis.

Teater Perancis abad ke-18.

Proses demokratisasi masyarakat pada masa Pencerahan menghidupkan genre drama baru - drama borjuis, yang penciptanya di Prancis adalah D. Diderot, M. J. Seden, L. S. Mercier.

Kekurangan drama borjuis dan “komedi penuh air mata” diatasi dalam komedi P. O. Beaumarchais “The Barber of Seville” (1775) dan “The Marriage of Figaro” (1784), di mana tradisi Moliere dihidupkan kembali dengan semangat baru dan fitur terbaik dari estetika pendidikan diwujudkan.

Aspirasi heroik dan sipil dari drama pendidikan terungkap dengan kekuatan terbesar selama periode Perancis revolusi borjuis akhir abad ke-18. Tragedi M. J. Chenier yang diwarnai dengan kesedihan anti-feodal (Charles IX, 1789, Henry VIII, 1791, Jean Calas, 1791, Caius Gracchus, 1792), adalah contoh dramaturgi klasisisme revolusioner.

Di Prancis, filsuf pencerahan Voltaire, yang dalam dramanya membahas isu-isu sosial yang mendesak dan mencela despotisme, terus mengembangkan genre tragedi.

Pada saat yang sama, tradisi komedi-sindiran tetap dipertahankan di panggung Prancis. Jadi, Lesage (1668-1747) dalam komedi “Turcare” tidak hanya mengkritik kaum bangsawan yang membusuk, tetapi juga kaum borjuis yang riba. Dia berusaha membuat komedi untuk teater populer massal.

Pendidik dan penulis drama lainnya, Denis Diderot (1713-1784), membela kebenaran dan kealamian di atas panggung. Selain sejumlah drama (“Bad Son”, “Bapak Keluarga”, dll.), Diderot menulis sebuah risalah “The Paradox of the Actor”, di mana ia mengembangkan teori akting.

Dalam produksi tragedi pendidikan Voltaire, muncul tipe aktor baru yang mampu mengekspresikan kesedihan sipil dengan tema heroik dan menuduh.

Teater pekan raya dan boulevard menempati tempat penting dalam perkembangan teater pada masa Pencerahan di Prancis. Genre teater adil adalah pantomim, lelucon, drama moralitas, dan fastachtspiles, yang pertunjukannya didasarkan pada seni improvisasi. Ini adalah pertunjukan yang sering kali menyindir, dengan unsur aneh dan lawak, penuh dengan humor kasar. Penari tali, pemain sulap, dan hewan terlatih—prototipe aktor sirkus—juga tampil di pameran tersebut. Mereka banyak menggunakan parodi dan sindiran. Sifat demokratis dari seni ini menyebabkan serangan dari teater-teater istimewa.

Pembentukan teater Jerman.

Pencipta sebenarnya teater nasional Jerman adalah penulis pencerahan Jerman paling terkemuka Gotthold-Ephraim Lessing (1729 -1781). Ia menciptakan komedi nasional Jerman pertama “Minna von Barnholm”, tragedi anti-feodal “Emilia Galotti” dan sejumlah karya dramatis lainnya. Dalam tragedi pendidikan “Nathan the Wise,” penulis berbicara menentang fanatisme agama.

Dalam buku terkenal “Hamburg Drama,” Lessing menguraikan pendapatnya tentang estetika dan teori drama. G. E. Lessing adalah pencipta drama sosial, komedi nasional dan tragedi pendidikan, ahli teori teater, pendiri gerakan realistik di teater Jerman abad ke-18.

Ide-ide Pencerahan mempunyai pengaruh besar terhadap akting Jerman, membawanya lebih dekat ke realisme. Aktor paling menonjol di Jerman pada tahun-tahun ini adalah Friedrich Ludwig Schröder (1744-1816), yang terkait dengan gagasan “benturan dan stres”. Di tahun 70an abad ke-18 Sebuah gerakan baru yang disebut “Storm and Drang” muncul dalam seni Jerman.

Hal ini mencerminkan gerakan dari kalangan borjuasi yang paling maju dan berpikiran revolusioner, yang berjuang melawan feodalisme dan absolutisme. Penyair dan penulis drama terbesar Jerman, Goethe dan Schiller, berpartisipasi dalam gerakan ini. Pada tahun 1777, Teater Nasional Mannheim dibuka, yang menjadi salah satu teater Jerman terbesar pada tahun 80-90an. Pada abad ke-18, aktivitas aktor, sutradara dan penulis naskah A.V. Iffland berkembang di sana. Dia menanamkan dramaturgi borjuis-filistin di panggung Mannheim (dramanya sendiri, serta lakon A. Kotzebue), yang menentukan wajah kreatif teater.

DI DALAM akhir XVII abad saya Perkembangan teater Jerman dikaitkan dengan aktivitas penulis drama besar Jerman J. W. Goethe dan F. Schiller di teater Weimar. Di sini untuk pertama kalinya di Jerman mereka tampil karya-karya besar dramaturgi klasik dunia (Goethe, Schiller, Lessing, Voltaire dan lain-lain), dasar-dasar seni penyutradaraan diletakkan, prinsip ansambel akting yang berada di bawah satu desain artistik.

Goethe, dalam program teoretis dan praktik artistiknya, menegaskan prinsip-prinsip penciptaan teater monumental yang memenuhi standar ketat seni kuno. "Sekolah Weimar" akting berlawanan dengan teori Mannheim dan lebih dekat dengan teori klasik.

teater Italia.

Meskipun mengalami keterbelakangan ekonomi dan politik, Italia dibedakan oleh kekayaan dan keragaman kehidupan teaternya. Pada abad ke-18 Italia memiliki yang terbaik di dunia teater musikal, di mana dua jenis dibedakan - opera serius dan opera komik (opera buffe). Ada teater boneka, dan pertunjukan commedia dell'arte dipentaskan di mana-mana.

Namun, reformasi teater drama telah berlangsung sejak lama. Di Era Pencerahan, komedi improvisasi tidak lagi memenuhi tuntutan zaman. Kami membutuhkan yang baru dan serius, teater sastra. Komedi Topeng tidak bisa eksis dalam bentuk sebelumnya, namun prestasinya harus dilestarikan dan dipindahkan dengan hati-hati ke teater baru.

Penetrasi ide-ide pencerahan ke dalam teater Italia disertai dengan perjuangan panjang melawan formalisme dan kurangnya ide panggung teater. Seorang inovator di Italia adalah penulis drama hebat Carlo Goldoni (1707 -1793). Dia menciptakan komedi baru karakter. Alih-alih improvisasi, pertunjukannya didasarkan pada teks sastra.

Paruh kedua abad ke-18 tercatat dalam sejarah Italia sebagai masa perang teatrikal. Kepala Biara Chiari, seorang penulis drama yang biasa-biasa saja dan karena itu tidak berbahaya, menentangnya, tetapi lawan utamanya, yang setara dengannya dalam hal bakat, adalah Carlo Gozzi. Gozzi membela teater topeng, menetapkan tugas untuk menghidupkan kembali tradisi komedi improvisasi. Dan pada tahap tertentu tampaknya dia berhasil. Dan meskipun Goldoni memberikan ruang untuk improvisasi dalam komedinya, dan Gozzi sendiri akhirnya menulis hampir semua karya dramatisnya, perselisihan mereka sangat kejam dan tanpa kompromi. Karena inti utama konfrontasi antara dua orang besar Venesia ini adalah ketidakcocokan posisi sosial mereka, maka di pandangan yang berbeda pada dunia dan manusia.

Carlo Gozzi (1720-1806) adalah seorang penulis drama berbakat. Dalam upaya untuk membedakan repertoarnya dengan komedi Goldoni, Gozzi mengembangkan genre dongeng teatrikal. Ini adalah dramanya “Cinta untuk Tiga Jeruk”, “Raja Rusa”, “Putri Turandot” yang terkenal, “Wanita Ular” dan lain-lain. Berkat ironi yang kaya dan humor yang kaya, dongeng berbakat Gozzi untuk panggung masih populer hingga saat ini.

Penulis tragedi terbesar adalah Vittorio Alfieri. Lahirnya repertoar tragedi Italia dikaitkan dengan namanya. Dia menciptakan tragedi sipil sendirian. Seorang patriot yang bersemangat yang bermimpi untuk membebaskan tanah airnya, Alfieri menentang tirani. Semua tragedinya dipenuhi dengan kesedihan heroik perjuangan kemerdekaan.

Alfieri berpendapat bahwa rakyat harus menerima kebebasan dari tangan aristokrasi; ia menegaskan kebebasan pribadi manusia, yang kehendaknya hanya tunduk pada akal dan rasa kewajiban. Dalam risalahnya “On the Prince and Literature” (1778-86), Alfieri mendefinisikan tugas puisi dramatis sebagai membangkitkan perasaan kebajikan dan cinta kebebasan. Tragedi Alfieri Saul, Philip, Virginia, Brutus I dan Brutus II berkontribusi pada perkembangan teater Italia.

Teater Pencerahan Denmark.

Teater profesional di Denmark muncul pada abad ke-18, penciptaannya disebabkan oleh perkembangan ekonomi dan budaya negara tersebut. Pada tanggal 23 September 1722, teater Panggung Denmark dibuka di Kopenhagen dengan drama "The Miser", dan pemutaran perdana komedi pertama L. Holberg "The Tin Man-Politician" segera berlangsung.

Pada tahun 1728, perwakilan dari kalangan istana mencapai penutupan Panggung Denmark. Teater kembali bekerja hanya pada tahun 1748 (di lokasi di Royal Square). Pada tahun 1770 ia menerima nama Royal dan berada di bawah yurisdiksi Kementerian Pengadilan. Pada paruh kedua abad ke-18. Teater ini mementaskan singspiels, komedi oleh J. Ewald, tragedi oleh Voltaire dan epigon Denmark-nya, tetapi repertoar teater tetap didasarkan pada dramaturgi Holberg.

Peran penting dalam mempromosikan ide-ide Pencerahan di Denmark dimainkan oleh karya I. X. Wessel, penulis tragedi parodi “Love Without Stockings” (1772), yang melanjutkan tradisi Holberg.

Teater Pencerahan adalah salah satu fenomena paling mencolok dan signifikan dalam sejarah kebudayaan dunia; ini adalah sumber seni teater Eropa yang kuat - sepanjang masa. Teater baru lahir dari kebutuhan untuk menuangkan energi muda ke dalam aksi. Dan jika Anda bertanya pada diri sendiri pertanyaan ke dalam bidang seni apa aksi ini, lautan kesenangan ini, seharusnya dihasilkan, maka jawabannya jelas: tentu saja, ke dalam bidang teater.

Selama abad ke-18 teater Eropa menjalani kehidupan yang panjang dan kompleks. Norma estetika yang dianggap mutlak pada masa ini kehilangan makna sebelumnya. Selama satu abad, opini dan selera terus-menerus berkonflik, dan auditorium lebih dari satu kali berubah menjadi arena bentrokan publik. Para penulisnya adalah lawan politik yang, untuk pertama kalinya, mengetahui bahwa mungkin ada perjuangan sengit dalam karya seni mereka.

Teater sebagai suatu bentuk seni tidak dilestarikan dalam monumen material seperti lukisan dan patung, serta karya sastra dan musik. Namun sejarah teater menceritakan tentang aktor-aktor besar di masa lalu, cara mereka bermain, aspirasi orang-orang sezaman apa yang mereka wujudkan dalam akting mereka, tuntutan zaman apa yang mereka tanggapi.

Kehidupan teater Rusia pada abad ke-19.

Pada awal abad ke-19, jaringan teater Kekaisaran Rusia dibentuk dan dikelola
"Kementerian Pengadilan Yang Mulia Kaisar." Bawahan pengadilan ada tiga teater di St. Petersburg - Alexandrinsky, Mariinsky dan Mikhailovsky - dan dua di Moskow - teater Bolshoi dan Maly.

Dengan munculnya drama oleh A.N. Ostrovsky, I.S. Turgenev, prosa oleh F.M. Dostoevsky, puisi Nekrasov, realisme datang ke budaya Rusia.

Seni akting berubah seiring dengan dramaturgi, mematahkan gagasan lama tentang kebenaran di atas panggung. 16 November 1859 adalah hari pemutaran perdana drama Ostrovsky “The Thunderstorm” di Teater Maly. Badai meletus di sekitar pertunjukan. Penampil pertama dari peran Katerina adalah aktris luar biasa L.P. Nikulin - Kositskaya. Dengan drama Ostrovsky, unsur-unsur kehidupan Rusia, bahasa baru, kaya dan modern, muncul ke atas panggung. Aktor Maly bersinar dalam drama Ostrovsky selama beberapa dekade berikutnya. G.N. Fedotova, M.N. Ermolova adalah aktris luar biasa dari Teater Maly.

Seniman Rusia pada paruh pertama abad ke-19 M.S. Shchepkin, P.S. Mochalov, V.A. Karatygin tetap dikenang oleh keturunannya sebagai tokoh legenda. Shchepkin memainkan hampir 600 peran dalam drama Shakespeare, Moliere, Gogol, Ostrovsky, dan Turgenev. Dia adalah salah satu orang pertama yang menegaskan realisme di teater Rusia; dia menciptakan kebenaran di panggung Rusia.

Mochalov adalah kebalikan dari Shchepkin. Dia memainkan peran utama dalam drama drama Rusia dan Barat - Hamlet karya Shakespeare, Karl Moor dalam drama Schiller The Robbers, Chatsky dalam Woe from Wit.

Dalam produksi drama, aktor-aktor Rusia menciptakan gambar-gambar yang tercatat dalam sejarah seni teater. Publik mengagumi Ekaterina Semyonova dan Alexei Yakovlev. Para aktor ini sepenuhnya bertransformasi menjadi orang yang mereka wakili. Lambat laun, Teater Maly mulai mengkhususkan diri pada produksi drama, dan Teater Bolshoi mulai mengkhususkan diri pada produksi opera dan balet.

Teater Bolshoi Petrovsky 1825-1853

Pembukaan Teater Bolshoi Petrovsky pada 6 Januari 1825 berlangsung sangat khidmat. Penonton yang mengunjungi teater baru malam itu dikejutkan oleh keagungan desain arsitektur dan implementasinya, skala bangunan yang belum pernah terjadi sebelumnya, dan keindahan dekorasi auditoriumnya.

Penulis Sergei Aksakov mengenang: “Teater Bolshoi Petrovsky, yang muncul dari reruntuhan tua yang hangus... membuat saya takjub dan senang... Bangunan besar yang megah, yang secara eksklusif didedikasikan untuk seni favorit saya, hanya dengan penampilannya membawa saya ke dalam kegembiraan yang menggembirakan. ..”

Sebelum pertunjukan dimulai, penonton memanggil pembangun teater Osip Bove ke atas panggung dan memberinya tepuk tangan.

Pada suatu pagi yang berawan dan dingin pada tanggal 11 Maret 1853, karena alasan yang tidak diketahui, kebakaran terjadi di teater. Nyala api langsung melahap seluruh gedung, namun api berkobar dengan kekuatan terbesar di panggung dan di auditorium. “Sungguh menakutkan melihat raksasa yang dilalap api ini,” seorang saksi mata menggambarkan api tersebut. “Ketika api itu menyala, bagi kami tampaknya seseorang yang kami sayangi, yang memberi kami pikiran dan perasaan yang paling indah, sedang sekarat. di depan mata kita…”

Selama dua hari warga Moskow memadamkan api, dan pada hari ketiga gedung teater menyerupai reruntuhan Colosseum Romawi. Sisa-sisa bangunan membara selama sekitar satu minggu. Kostum teater yang dikumpulkan sejak akhir abad ke-18, pemandangan pertunjukan yang sangat bagus, arsip rombongan, bagian dari perpustakaan musik, dan alat musik langka hilang dalam api.

Desain gedung teater baru, yang dibuat oleh Profesor A. Mikhailov, disetujui oleh Kaisar Alexander I pada tahun 1821, dan pembangunannya dipercayakan kepada arsitek Osip Bova.

Salah satu teater terbesar di Eropa, dibangun di lokasi gedung teater yang terbakar, tetapi fasadnya menghadap ke Lapangan Teatralnaya...

Teater Bolshoi (1856-1917)

Pada tanggal 20 Agustus 1856, Teater Bolshoi yang telah dipugar dibuka di hadapan keluarga kerajaan dan perwakilan semua negara bagian dengan opera V. Bellini "The Puritans" yang dibawakan oleh rombongan Italia. Balet Moskow pada periode ini berkat keberhasilannya berkat bakat orang Prancis Marius Petipa, yang menetap di St. Koreografer datang ke Moskow beberapa kali untuk mementaskan pertunjukan. Karyanya yang paling penting di Moskow adalah “Don Quixote” oleh L. Minkus, pertama kali ditampilkan pada tahun 1869. Petipa kemudian memindahkan balet edisi Moskow ini ke panggung St.

Nilai yang bagus karya P. Tchaikovsky berperan dalam pengembangan budaya pertunjukan. Debut komposer dalam musik opera - "The Voevoda" (1869) dan musik balet - " Danau Angsa"(1877) berlangsung di panggung Teater Bolshoi. Di sini opera “Eugene Onegin” (1881) menerima kelahiran aslinya, upaya pertama di panggung besar setelah produksi Konservatorium tahun 1879; Opera “Mazeppa” (1884), salah satu puncak kreativitas opera komposer, pertama kali dirilis; versi terakhir dari opera "Pandai Besi Vakula", yang menerima nama baru "Cherevichki" pada pertunjukan tahun 1887.

Pertunjukan yang mengesankan dalam sejarah teater adalah pertunjukan pertama drama rakyat I. Mussorgsky “Boris Godunov” pada 16 Desember 1888. Opera pertama N. Rimsky-Korsakov yang tampil di panggung Teater Bolshoi adalah The Snow Maiden (1893), dan kemudian The Night Before Christmas (1898). Pada tahun 1898 yang sama, teater pertama kali menampilkan opera "Pangeran Igor" karya A. Borodin kepada penonton, dan dua tahun kemudian para penggemar seni koreografi berkenalan dengan balet A. Glazunov "Raymonda".

Rombongan opera teater pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20 mencakup banyak penyanyi terkemuka. Di antara nama-nama gemilang beberapa tahun terakhir adalah Eulalia Kadmina, Anton Bartsal, Pavel Khokhlov, Nadezhda Salina, Ivan Gryzunov, Margarita Gunova, Vasily Petrov, dll. Penyanyi muncul di panggung teater pada tahun-tahun ini, yang namanya segera dikenal luas tidak hanya di Rusia, tetapi dan luar negeri - Leonid Sobinov, Fyodor Chaliapin, Antonina Nezhdanova.

Kegiatan di teater Sergei Rachmaninov, yang juga memantapkan dirinya sebagai konduktor, membuahkan hasil seorang musisi yang brilian. Rachmaninov meningkatkan kualitas suara opera klasik Rusia di teater. Ngomong-ngomong, nama Rachmaninov dikaitkan dengan pemindahan konsol konduktor ke tempatnya sekarang;

Pada tahun 1899, The Sleeping Beauty dipentaskan untuk pertama kalinya di Teater Bolshoi. Produksi balet ini, yang menjalin kemitraan musik dan tari di teater balet Rusia, adalah awal dari kerja panjang dan bahagia di Moskow bagi koreografer, pustakawan, dan guru Alexander Gorsky. Saya bekerja dengannya kelompok besar seniman berbakat - Ekaterina Geltser, Vera Caralli, Sofya Fedorova, Alexandra Balashova, Vasily Tikhomirov, Mikhail Mordkin, konduktor dan komposer Andrei Arende, dll. Untuk merancang produksi baru balet "Don Quixote" (1900), Gorsky untuk pertama kalinya mengundang seniman muda Konstantin Korovin dan Alexander Golovin, calon master seni lukis teater.

1911 Rencana yang diajukan oleh Albert Kavos memenangkan kompetisi restorasi gedung teater.

Kavos, dengan tetap mempertahankan tata letak dan volume bangunan Beauvais, menambah ketinggian, mengubah proporsi, dan mendesain ulang dekorasi arsitektur. Secara khusus, galeri besi cor ramping dengan lampu dibangun di sisi bangunan. Orang-orang sezaman memperhatikan penampakan barisan tiang ini, terutama indahnya di malam hari, jika dilihat dari kejauhan, dan deretan lampu yang menyala tampak seperti benang berlian yang membentang di sepanjang teater.

Kelompok Apollo pualam yang menghiasi Teater Beauvais hancur dalam kebakaran. Untuk membuat yang baru, Kavos mengundang pematung terkenal Rusia Pyotr Klodt (1805-1867), penulis empat kelompok berkuda terkenal di Jembatan Anichkov di atas Sungai Fontanka di St.

Klodt menciptakan grup patung yang sekarang terkenal di dunia bersama Apollo. Itu dibuat di pabrik Duke of Lichtenberg dari paduan logam yang dilapisi dengan tembaga merah.

Selama rekonstruksi auditorium, Kavos mengubah bentuk aula, mempersempitnya ke arah panggung, memperdalamnya lubang orkestra. Di belakang kios-kios yang dulunya merupakan galeri, ia membangun sebuah amfiteater. Dimensi auditorium menjadi: kedalaman dan lebar hampir sama - sekitar 30 meter, tinggi - sekitar 20 meter. Auditorium mulai menampung lebih dari 2000 penonton.

Dalam bentuk ini, Teater Bolshoi bertahan hingga hari ini, dengan pengecualian rekonstruksi kecil internal dan eksternal.

Teater adalah keajaiban dunia manusia.

Tren dominan dalam sastra dan seni pada paruh kedua abad ke-19. adalah metode realisme kritis, prinsip dasar yang merupakan cerminan sebenarnya dari realitas dan pemahaman fenomena yang digambarkan dari sudut pandang kesesuaiannya dengan kemajuan sosial. Jangkauan sosial yang luas, semangat yang menyerang dan menuduh, serta daya tarik terhadap permasalahan yang bersifat topikal - inilah yang mendefinisikan kesusastraan pada periode pasca-reformasi. Sastra Rusia tidak hanya dibedakan oleh sikap kritisnya terhadap kenyataan, tetapi juga mengungkap kejahatan, mencari cara untuk memerangi kejahatan ini, dan menjalankan misi transformatif sosial. Kelengkapan ideologis, penetrasi mendalam pada fenomena kehidupan, penolakan terhadap ketidakadilan, kekayaan ekspresi seni karya sastra menentukan peran utama sastra dalam perkembangan jenis seni lainnya.

Pada paruh kedua abad ke-19. dan dekade pertama abad ke-20. menyumbang kreativitas pikiran dan perkataan seniman L.N. tebal ( 1828-1910), yang menciptakan karya agung seperti cerita " Masa kecil. Masa remaja. Pemuda", "Hadji Murat", "Kematian Ivan Ilyich", "Kreutzer Sonata", novel" Perang dan Damai", "Anna Karenina", "Kebangkitan", drama" Kekuatan Kegelapan", "Buah Pencerahan", "Mayat Hidup" dll.

Rusia literatur dekade pasca reformasi dapat dianggap sebagai fenomena seni budaya Eropa abad ke-19. Tidak ada negara di dunia pada saat itu yang memiliki literatur yang benar dan sangat spiritual. Kediktatoran realistis Rusia mencerminkan seluruh rangkaian masalah yang bersifat historis dan keagamaan, yang dipahami dengan akurasi ilmiah dan kedalaman filosofis.

Masing-masing galaksi penulis hebat melihat masa depan Rusia secara berbeda. Namun semuanya dipersatukan oleh rasa cinta terhadap Tanah Air, kehausan akan kesejahteraannya melalui kerja bebas dan jujur ​​seluruh anggota masyarakat. Banyak yang telah menulis tentang perlunya meningkatkan kesejahteraan kaum tani - V.G. Belinsky, N.G. Chernyshevsky, N.A. Dobrolyubov, D.I. Pisarev. Master puisi populis yang diakui pada tahun-tahun ini adalah N.A. Nekrasov ( 1821-1877). Dia memasuki budaya Rusia sebagai “orang yang berduka atas kesedihan rakyat”, pembela petani biasa melawan penindas dari semua kalangan. Puisi Nekrasov realistis dan sampai batas tertentu sebanding dengan prosa realistis. Hal ini ditandai dengan kemampuan penyair untuk menilai secara obyektif dan akurat fakta ini atau itu, peristiwa ini atau itu:

Seorang penulis brilian memainkan peran berbeda dalam budaya Rusia F.M. Dostoevsky ( 1821-1881). Menurut definisi yang tepat dari M.E. Saltykov-Shchedrin, Dostoevsky mencari jawaban atas pertanyaan-pertanyaan mendesak di zaman kita “dalam pencarian umat manusia yang paling jauh.” Memiliki karunia kenabian yang unik dan kemampuan menganalisis pergerakan jiwa manusia, penulis menganut gagasan yang melampaui gagasan periode waktu sejarah tertentu ke dalam lingkup kepentingan tertinggi kehidupan masyarakat yang tak lekang oleh waktu. Ia melukiskan gambaran manusia sesuai dengan logika karakter dan kebenaran hidup, menghubungkan kebaikan dan kejahatan.

Chekhov membuka jalur baru dalam pengembangan dramaturgi domestik dan dunia. Dalam lakonnya, ia meninggalkan tradisi membagi karakter menjadi “positif” dan “negatif”. Karakter pahlawan Chekhov berkembang berdasarkan analisis beragam motif perilaku. Chekhov dengan sensitif memahami tanda-tanda zaman yang mengkhawatirkan - kurangnya saling pengertian di antara manusia. Karakternya dipagari oleh tembok tak terlihat, mereka mendengarkan, tapi sepertinya tidak mendengar satu sama lain, terjun ke dunia pengalaman mereka sendiri.

Titik balik sejarah dalam perkembangan teater Rusia dikaitkan dengan drama Chekhov "The Seagull", "Three Sisters", "The Cherry Orchard", yang dipentaskan di Teater Seni Moskow oleh K.S. Stanislavsky dan Vl.I. Nemirovich-Danchenko Dan - " The Seagull" (1895-1896) membuat kagum orang-orang sezamannya dengan lirik dan simbolismenya yang halus. Perubahan cinta yang mendasari drama ini berkembang secara tajam dan dramatis.

seni rupa Masa pasca reformasi, seperti halnya sastra, erat kaitannya dengan proses yang penuh gejolak kehidupan publik. Hal ini mencerminkan perdebatan tentang cara-cara untuk mentransformasi Rusia, penilaian kritis yang keras terhadap realitas sosial, pandangan populis terhadap kaum tani, dan kerinduan abadi Rusia akan kesempurnaan dan cita-cita moral. Fitur umum lukisan dan sastra adalah penilaian jurnalistik dan realistis terhadap fenomena sehari-hari dan pribadi melalui prisma tipifikasi umum dan analisis sosial. Masalah moral dan pendidikan yang coba dipecahkan oleh sastra dan seni rupa juga umum terjadi.

Fungsi sosial seni lukis pada masa ini berubah drastis. Jika seni klasisisme tunduk pada gagasan mendekorasi kehidupan, maka dalam seni tahun 60an - 70an. momen estetika tidak lagi dianggap sebagai hal yang utama. Tampaknya jauh lebih penting bagi para seniman untuk melakukan refleksi yang jujur masalah sosial, pemikiran dan perasaan perwakilan dari berbagai golongan. Keinginan untuk mengikuti perkembangan zaman, keyakinan dan ilusi pendidikan memunculkan lukisan kritis yang menyoroti situasi kemalangan nasional. Kepercayaan terhadap signifikansi sosial seni berkontribusi pada pembentukan galaksi seniman yang menemukan panggilan mereka dalam mencerminkan dunia kemiskinan, penindasan, dan pelanggaran hukum. Di antara mereka adalah seorang master yang luar biasa V.G. Perov ( 1834-1882).

Peka terhadap perubahan iklim sosial, seniman dalam karyanya merefleksikan perkembangan mentalitas tahun 60an - 80an. Rapatskaya LA Budaya artistik Rusia. M.: Kemanusiaan. ed. Pusat VLADOS, 1998. - 608 hal., hal

Perkembangan teater pada paruh kedua abad ke-19 tidak dapat dilepaskan dari nama A.N. Ostrovsky. Ia menciptakan teater nasional Rusia, yang menjadi “tanda kedewasaan bangsa, serta akademi, universitas, dan museum.” Drama realistis karya A.N., penuh psikologi mendalam. Ostrovsky berkontribusi pada pembentukan realisme kritis di panggung Rusia. Pusat utama budaya teater adalah Teater Maly di Moskow dan Teater Alexandrinsky di St.

Seni opera Rusia ditingkatkan. Budaya. Sejarah kebudayaan dunia. Ed. aku. Voskresenskaya. - M.: UNITY-DANA, Unity, 2003. - 759 hal., Hal.434

Musik, seni lukis, dan teater tidak dapat dipisahkan dengan perkembangan sastra. Akhir XIX - awal abad XX. - periode pencapaian budaya musik Rusia yang terkait dengan nama P.I. Tchaikovsky, M.P. Mussorgsky, N.A. Rimsky-Korsakov, M.A. Balakirev, Ts.A. Cui, SV. Rachmaninov, A.K. Glazunova, SI. Taneeva, A.N. Skryabina, I.F. Stravinsky, dll.

DI DALAM budaya musik paruh kedua abad ke-19 menempati tempat khusus" Kelompok perkasa" atau " Sekolah musik Rusia baru". Ini adalah grup yang terdiri dari lima komposer Rusia - MA. Balakirev ( 1837-1910), AP Borodino ( 1833-1887), Ts.A. Cui ( 1835-1918), anggota parlemen Mussorsky ( 1839-1881) dan PADA. Rimsky-Korsakov, - terbentuk pada akhir tahun 50an dan awal tahun 60an. Tugas dan posisi estetis anggota lingkaran dibentuk di bawah pengaruh pandangan seni Rusia dan kritikus musik V.V. Stasov ( 1834-1906).

Komposer" Kelompok yang perkasa“dalam karyanya mereka mengembangkan tradisi musik klasik M.I. Glinka dan A.S. Dargomyzhsky, memperluas batas-batas genre musik simfoni, opera, instrumental, memperkayanya dengan bentuk-bentuk baru, mendekatkan mereka pada isu-isu mendesak kehidupan publik. periode aktivitas "Mighty Handful" beberapa karya terbaik dari anggota lingkaran diciptakan: fantasi oriental " Islami", puisi simfoni" Rusia" M. Balakirev; Simfoni Pertama A.Borodina; opera William Ratcliff" Dan " Anak Mandarin" C.Cui; gambar simfoni " Malam di Gunung Botak" opera" Boris Godunov" M.Mussorgsky; Simfoni Pertama dan Kedua, opera" Pskovite" N.Rimsky-Korsakov.

Menurut Stasov, ada tiga ciri terpenting yang menjadi ciri khas musik aliran baru ini: tidak adanya prasangka dan keyakinan buta, keinginan untuk kebangsaan, dan “kecenderungan ekstremnya terhadap musik program”. Para komposer menyerukan penciptaan musik nasional, menggambar melodi dari lagu-lagu daerah dan beralih ke subjek sejarah sosial. Budaya artistik Rusia pada paruh kedua abad ke-19. /V.G. Kisunko, M.N. Cepat dan sebelumnya. M.: Nauka, 1988. - 388 hal., hal

Meskipun terdapat kontrol negara totaliter atas semua bidang perkembangan budaya masyarakat, seni Uni Soviet pada tahun 30-an abad ke-20 tidak ketinggalan dari tren dunia pada masa itu. Pengenalan kemajuan teknologi, serta tren baru dari Barat, berkontribusi pada berkembangnya sastra, musik, teater, dan sinema.

Ciri khas proses sastra Soviet pada periode ini adalah konfrontasi para penulis menjadi dua kelompok yang berlawanan: beberapa penulis mendukung kebijakan Stalin dan mengagungkan revolusi sosialis dunia, yang lain dengan segala cara menentang rezim otoriter dan mengutuk kebijakan pemimpin yang tidak manusiawi. .

Sastra Rusia tahun 30-an mengalami masa kejayaannya yang kedua, dan memasuki sejarah sastra dunia sebagai suatu periode Zaman Perak. Saat ini mereka sedang berkreasi master yang sempurna kata-kata: A. Akhmatova, K. Balmont, V. Bryusov, M. Tsvetaeva, V. Mayakovsky.

Prosa Rusia juga menunjukkan kekuatan sastranya: karya-karya I. Bunin, V. Nabokov, M. Bulgakov, A. Kuprin, I. Ilf dan E. Petrov telah dengan kuat memasuki perkumpulan khazanah sastra dunia. Sastra pada periode ini mencerminkan realitas kehidupan bernegara dan bermasyarakat seutuhnya.

Karya-karya tersebut menyoroti persoalan-persoalan yang meresahkan masyarakat pada masa yang tidak dapat diprediksi itu. Banyak penulis Rusia terpaksa melarikan diri dari penganiayaan totaliter oleh pihak berwenang di negara lain, namun mereka tidak menghentikan aktivitas menulis mereka di luar negeri.

Pada tahun 30-an, teater Soviet mengalami masa kemunduran. Pertama-tama, teater dipandang sebagai instrumen utama propaganda ideologis. Seiring waktu, produksi abadi Chekhov digantikan oleh pertunjukan pseudo-realistis yang mengagungkan pemimpin dan Partai Komunis.

Aktor-aktor terkemuka yang berusaha dengan segala cara untuk melestarikan orisinalitas teater Rusia menjadi sasaran penindasan parah oleh bapak rakyat Soviet, di antaranya V. Kachalov, N. Cherkasov, I. Moskvin, M. Ermolova. Nasib yang sama menimpa sutradara paling berbakat V. Meyerhold, yang mendirikan sekolah teaternya sendiri, yang merupakan kompetisi yang layak bagi kaum Barat yang progresif.

Dengan berkembangnya radio, era musik pop dimulai di Uni Soviet. Lagu-lagu yang disiarkan di radio dan direkam dalam rekaman menjadi tersedia untuk banyak pendengar. Lagu massal di Uni Soviet diwakili oleh karya D. Shostakovich, I. Dunaevsky, I. Yuryev, V. Kozin.

Pemerintah Soviet sepenuhnya menolak arah jazz, yang populer di Eropa dan Amerika Serikat (jadi di Uni Soviet, karya L. Utesov, pemain jazz Rusia pertama, diabaikan). Sebaliknya, karya musik yang mengagungkan sistem sosialis dan menginspirasi bangsa untuk bekerja dan melakukan eksploitasi atas nama revolusi besar justru disambut baik.

Seni film di Uni Soviet

Para ahli sinema Soviet pada periode ini mampu mencapai ketinggian yang signifikan dalam pengembangan bentuk seni ini. D. Vetrov, G. Alexandrov, A. Dovzhenko memberikan kontribusi besar terhadap perkembangan sinema. Aktris yang tak tertandingi - Lyubov Orlova, Rina Zelenaya, Faina Ranevskaya - menjadi simbol sinema Soviet.

Banyak film, serta karya seni lainnya, digunakan untuk tujuan propaganda kaum Bolshevik. Tapi tetap saja, berkat kemampuan akting, pengenalan suara, pemandangan berkualitas tinggi film Soviet dan di zaman kita, mereka membangkitkan kekaguman yang tulus dari orang-orang sezamannya. Film-film seperti "Jolly Fellows", "Spring", "Foundling" dan "Earth" menjadi harta karun sinema Soviet.

Pertanyaan 1. Tema apa yang menjadi unggulan dalam seni musik Rusia?

Menjawab. Realisme juga hadir dalam musik. Dalam karya “Mighty Handful” (Milia Alekseevich Balakirev, Modest Petrovich Mussorgsky, Caesar Antonovich Cui, Alexander Porfiryevich Borodin dan Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov) jelas betapa mereka ingin menyampaikan kebenaran kehidupan dalam karya mereka. Secara khusus, mereka banyak menulis tentang topik yang diambil dari kesenian rakyat. Selain itu, topik diambil dari sejarah, paling sering dari sejarah Rusia. Seringkali kedua sumber ini saling terkait dan menciptakan satu kesatuan yang menginspirasi penciptanya.

Pertanyaan 2. Apa ciri khas teater Rusia pada paruh kedua abad ke-19?

Menjawab. Teater ini juga dijiwai dengan semangat realisme. Serangkaian gerak tubuh konvensional yang digunakan para aktor sebelum meninggalkan panggung. Sekarang mereka berusaha untuk memainkan peran, seolah-olah menjalaninya. Penonton seakan-akan melihat apa yang terjadi melalui dinding transparan - kehidupan yang berjalan seperti biasa, seolah-olah bukan untuk penontonnya, melainkan untuk dirinya sendiri. Fenomena ini disebut “dinding keempat” (dinding antara penonton dan aktor, yang tidak ada untuk penonton, tetapi harus ada untuk para aktor, menyembunyikan aula bagi mereka sehingga mereka bertindak tanpa dibimbing olehnya. Bagaimanapun). Tema dramanya sesuai. Mereka kebanyakan mementaskan cerita-cerita dari kehidupan modern, mengungkap permasalahan masyarakat, permasalahan yang menghancurkan nasib masyarakat. Ini adalah drama A.N. Ostrovsky, A.P. Chekhov.

Pertanyaan 3. Siapkan laporan tentang seorang komposer atau aktor paruh kedua abad ke-19.

Menjawab. Konstantin Sergeevich Stanislavsky, garis besar pesan:

1) tahun-tahun pertama kehidupan - putra seorang industrialis besar yang menjadi aktor;

2) di panggung amatir di rumah A. A. Karzinkin di Pokrovsky Boulevard;

3) anggota direktorat dan bendahara Masyarakat Musik Rusia cabang Moskow dan konservatorinya;

4) lahirnya nama panggung;

5) kreasi dan kreativitas Masyarakat Seni dan Sastra Moskow;

6) pekerjaan akting - pengalaman yang menjadi dasar sistem pelatihan aktor terkenal Stanislavsky;

7) pertemuan dengan Nemirovich-Danchenko dan pendirian Teater Seni Moskow.

Pertanyaan 4. Mengapa pada paruh kedua abad ke-19. Apakah ada kebangkitan kerajinan rakyat?

Menjawab. Kerajinan rakyat kehilangan makna utilitariannya selama periode ini. Produk industri ternyata jauh lebih murah. Namun produk industri bersifat standar dan tidak berwajah. Pada saat yang sama, mereka menjadi populer di berbagai jenis seni. motif rakyat, fashion dimulai dari mereka. Dengan demikian, beberapa kerajinan rakyat dihidupkan kembali di daerah tertentu, yang pengrajinnya bekerja dengan gaya khas tertentu. Sekarang kerajinan tangan pertama-tama menjadi karya seni.

Pertanyaan 5. Gagasan umum apa yang dapat dilihat di antara para pengarang karya berbagai jenis seni?

Menjawab. Berbagai jenis seni bercirikan realisme, menampilkan kehidupan apa adanya, dengan segala permasalahannya, dengan ketidakkonsistenannya. Begitulah lukisan, musik, dan teater pada tahun-tahun itu. Gagasan tentang kehidupan yang tidak menentu dan kompleksitas kepribadian manusia terlihat di mana-mana, yang semakin kompleks karena sifat kehidupan yang tidak menentu.

PERKEMBANGAN SASTRA TAHUN 1700 – 1730

(SASTRA ERA PETER)

Sastra Rusia abad ke-18 tumbuh di atas tanah yang disiapkan oleh tulisan Rusia kuno dan seni rakyat lisan. Sastra Rusia abad ke-18, baik secara kronologis maupun hakikatnya, dimulai pada era Peter I. Perubahan besar-besaran ekonomi dan sosial yang terjadi di negara Rusia pada awal abad ini tidak bisa tidak mempengaruhi kebutuhan spiritual masyarakat. Seni dan sastra abad pertengahan yang mendominasi Rus tidak dapat lagi memenuhi tuntutan tersebut. Dekade-dekade pertama abad ini adalah masa terbentuknya seni baru, masa terciptanya karya sastra yang secara kualitatif berbeda dari karya sastra Rusia kuno.

Tanda terpenting akan adanya sesuatu yang baru dalam kreativitas sastra adalah pandangan pengarang terhadap realitas dalam sudut pandang nasional. Cakrawala visi penulis semakin luas. Pahlawan sastra Sekarang mereka tidak hanya tinggal di Rusia - mereka sering pergi ke “negara asing”, dan citra negara lain secara bertahap terbebas dari sentuhan fantasi. Jumlah terjemahan dari sastra Eropa Barat modern terus bertambah. Semakin sering kita mendengar dalam sastra Rusia kata-kata bahwa setiap orang adalah anggota masyarakat, bahwa hal ini membebankan tanggung jawab tertentu padanya: seseorang harus membawa manfaat nyata bagi masyarakat, negara (salah satu gagasan sindiran Kantemirov). Institusi negara menjadi subjek puitis (“Tilemakhida” oleh Trediakovsky, odes khidmat Lomonosov).

Pada awal abad ini, tren mendalam lainnya muncul dalam seni verbal: sebuah upaya dilakukan untuk mencerminkan psikologi manusia. Upaya serupa juga dilakukan dalam bentuk prosa (“Ride to the Island of Love” oleh Trediakovsky berdasarkan novel karya Talman). Namun hasil yang sangat signifikan adalah perkembangan lirik cinta. Seluruh bidang kehidupan manusia, yang sebelumnya hampir tidak dikenal dalam sastra, kini dapat diakses oleh penggambaran artistik.

Tren sastra baru ini sebagian besar bertentangan satu sama lain, saling bertentangan dan tidak selalu menemukan wajah gaya yang utuh. Seiring dengan upaya untuk menggambarkan kenyataan sejujur ​​​​dan seakurat mungkin, muncul pula keinginan untuk terjun ke dunia fantasi (biasanya diambil dari cerita rakyat), ke alam yang eksotik, ganjil, dan tak terduga (dalam lakon-lakon). Teater Kunst, sebagian dalam cerita - “sejarah”).

Jika sastra Rusia abad ke-18 secara keseluruhan dapat secara kondisional disebut sebagai laboratorium kreatif yang mempersiapkan pencapaian artistik abad ke-19, maka prinsip eksperimental sangat kuat dalam sastra dekade pertama abad tersebut. Ciri proses sastra ini paling terwujud pada tahun 1700-1730. diungkapkan dalam karyanya oleh V.K.

Dengan demikian, karya para penulis awal abad ini tidak disatukan oleh satu atau bahkan beberapa orang tren sastra dalam pemahaman modern tentang kata ini (seperti yang akan menjadi ciri sastra paruh kedua abad ke-18 dan masa-masa berikutnya). Seperti pada abad ke-17, kehidupan sastra masih berkembang secara spontan. Menulis belum menjadi bagian besar dan terorganisir secara internal dalam perjuangan ideologi, belum menjadi sebuah profesi. Juga tidak ada program teoretis sastra yang dipahami dengan jelas, tidak ada manifesto sastra (yang secara umum ditakdirkan untuk memainkan peran yang lebih kecil dalam sejarah sastra Rusia dibandingkan dalam sejarah sastra Barat). Namun, ada berbagai tren ideologis dan gaya, yang secara keseluruhan mempersiapkan landasan bagi klasisisme sastra Rusia.

Dengan latar belakang sejarah dan budaya apa sastra Rusia berkembang pada awal abad ini? Bagaimana kondisi umum kebudayaan negara pada saat itu?

Kali ini tercatat dalam sejarah sebagai “era reformasi Peter”. Peter I, seperti yang Anda tahu, berbuat banyak untuk mendekatkan budaya Rusia dengan budaya Eropa. A.S. Pushkin mengatakan hal ini dengan baik: “Rusia memasuki Eropa seperti kapal yang kempes, dengan suara kapak dan gemuruh meriam.” Dan kapal besar ini dibangun berkat upaya Peter I. Meskipun di Rusia, seperti yang dicatat oleh D.S. Likhachev, tidak ada kebangkitan, kebangkitan, dalam arti kata Eropa, namun demikian, akhir tanggal 17 dan awal tanggal 18 berabad-abad. dapat dianggap setara dengan Renaisans Eropa bagi Rusia. Dari monarki tipe lama, dari negara yang terikat oleh prasangka kelas yang sudah ketinggalan zaman, dari negara di mana para bangsawan menjadi kelas penguasa, masyarakat Rusia berubah menjadi negara kuat dengan tipe Eropa yang berbeda, hingga monarki yang “tercerahkan”, di mana tuannya adalah kaum bangsawan, menyatukan bangsawan klan kuno - para bangsawan dengan bangsawan baru, yang muncul relatif baru atau bahkan baru muncul, dengan bangsawan dalam arti kata yang sebenarnya.

Negara baru terdiri dari pemilik tanah yang memiliki tanah, dan petani, yang akhirnya diperbudak, yang tinggal di tanah tersebut. Yang terakhir adalah para pedagang, yang kini, dalam masa pemulihan ekonomi yang pesat, pertanian dan industri, yang telah menjadi kekuatan penting perkembangan sosial, dan pendeta.

Barat, yang sebagian besar berorientasi pada negara Rusia awal abad ini, tentu saja juga heterogen. Di Eropa Barat ada kontra-reformasi, tapi ada juga pencerahan, ada juga humanisme Renaisans. Jika Simeon dari Polotsk pada abad ke-17 belum secara jelas mendefinisikan posisinya: apakah dia lebih dekat dengan Pencerahan, atau dengan humanisme Renaisans (ini mungkin juga tidak jelas baginya), maka Peter I dalam transformasinya, dalam reformasinya jelas dan tentu saja tertarik pada dunia Barat yang mendidik dan humanis. Hal ini tidak bisa dihindari secara historis.

Sesuai dengan tren baru ini, pandangan dunia yang benar-benar baru mulai terbentuk di Rusia. Ketertarikan terhadap ilmu pengetahuan, yang sebelumnya dianggap berbatasan dengan ilmu sihir, ilmu sihir, dan mistisisme, terwujud dengan kekuatan yang sangat besar; Minat terhadap ilmu eksakta semakin meningkat. Sehubungan dengan hal tersebut, kepercayaan terhadap kekuatan pikiran manusia secara bertahap mulai ditegakkan. Akal menjadi ukuran segalanya (begitulah landasan dipersiapkan bagi munculnya klasisisme). Dan kriteria ini secara bertahap, tanpa terasa, mengesampingkan banyak gagasan keagamaan tradisional. Kekuasaan gereja digantikan oleh kekuasaan negara, suatu negara yang menundukkan kekuasaan gereja pada dirinya sendiri. Mengabdi kepada negara menjadi tolak ukur nilai dan kualitas moral seseorang. Manfaat sosial secara bertahap menjadi standar etika tertinggi. Dan ide-ide baru ini, yang awalnya muncul di Barat, bersama dengan konsep-konsep baru memasuki kehidupan sehari-hari Rusia: kepentingan publik, kepentingan publik, warga negara, patriot. Timbul keyakinan bahwa hukum perdata tidak ditulis berdasarkan ilham dari atas, namun diciptakan berdasarkan hukum akal budi, ditentukan oleh “hukum alam” dan bukan oleh “pemeliharaan ilahi”.

Koneksi dengan Eropa terjalin dengan sangat cepat. Bendungan yang telah memisahkan Rusia dari budaya Barat selama berabad-abad telah jebol. Masyarakat Rusia, terutama generasi muda, segera “dikirim” oleh pemerintah ke “negeri asing”; cukup banyak buku pendidikan yang bermunculan, baik terjemahan maupun buku mereka sendiri dalam bahasa Rusia. L. Magnitsky menulis Aritmatika, yang luar biasa pada masanya, dengan sisipan puitis. Arti penting buku ini (1703) melampaui studi matematika. Surat kabar cetak Rusia pertama, Vedomosti, diterbitkan, yang sirkulasinya terkadang meningkat hingga beberapa ribu eksemplar. Diperkenalkan kalender baru(1700). Font sipil baru telah disetujui, yang sangat memudahkan pencetakan buku dan meningkatkan kemungkinan penyebaran literasi di kalangan masyarakat luas.

Sangat mementingkan penerbitan buku-buku pendidikan dan pengembangan ilmu-ilmu eksakta, Peter I dan rekan-rekannya mendorong pengembangan tersebut seni terapan. Gimnasium pertama, yang jumlahnya masih sedikit, muncul. Maka, pada tahun 1703, gimnasium Ernst Gluck didirikan di Moskow. Peter I secara luas, terkadang bertindak ekstrem, menarik orang asing untuk tujuan tersebut. Cukup banyak “sekolah digital” yang didirikan – sekolah yang pengajaran ilmu-ilmu eksakta menempati tempat utama. Zaikonospasskoe sekolah Moskow berubah menjadi lebih tinggi lembaga pendidikan– Akademi Slavia-Yunani-Latin. Guru-guru baru yang lebih berkualitas tertarik ke sini dan pelatihan meningkat ke tingkat yang lebih tinggi.

Ketertarikan terhadap budaya kuno semakin meningkat. Dalam hal ini, pada tahun 1705, sebuah buku aneh dengan judul Latin “Simbol dan Lambang” diterbitkan. Buku ini berisi lebih dari delapan ratus lambang dan simbol alegoris yang paling umum digunakan Sastra Eropa Barat dan sebagian besar terkait dengan mitologi Yunani dan Romawi. Buku semacam itu adalah semacam ABC mitologi, pengenalan dunia gambaran konvensional, yang menjadi ciri khas budaya Barok dan Klasisisme Eropa, dan ternyata sangat berguna bagi pembaca Rusia. Buku "Perpustakaan, atau tentang para dewa" oleh Apollodorus juga diterbitkan. Terjemahannya ke dalam bahasa Rusia memiliki tujuan yang sama dan juga membantu membiasakan masyarakat Rusia dengan budaya kuno.

Timbul kebutuhan untuk menerbitkan kumpulan aturan sopan santun dan buku-buku lain yang dapat memperkenalkan budaya Eropa Barat kepada rata-rata orang Rusia. Buku-buku semacam itu terkadang mengandung kesan satir. Contohnya adalah kumpulan “Cermin Jujur Pemuda”, yang berisi banyak nasihat tentang perilaku di tempat umum; kehidupan orang Rusia dibawa keluar dari kamar ke pertemuan dan ke publik. “Jangan meludah ke lantai di masyarakat,” “Zertsalo” mengajari seorang pemuda Rusia yang mengenakan kaftan Eropa, “jangan membuang ingus dengan keras, tahan cegukan di depan para wanita,” dll.

Semua ini mutlak perlu ditanamkan pada generasi muda yang belum pernah menghadiri pertemuan ramai di hadapan perempuan dan belum mengenal aturan perilaku sopan Eropa. Nasihat seperti itu tidak merugikan bagian masyarakat perempuan.

Masyarakat Rusia juga harus belajar banyak hal baru tentang aturan korespondensi pos, terutama korespondensi cinta. “Butts, betapa berbedanya pujian yang ditulis” – itulah judul koleksinya contoh teks korespondensi pos, yang dijelaskan secara rinci rumus apa yang harus digunakan untuk memulai surat, bagaimana menyampaikan pesan tentang perasaan Anda terhadap seorang wanita, dan bagaimana mengakhiri surat.

Contoh surat bisnis, pesan suami kepada istri, surat istri kepada suami, dll juga diberikan. Perlu ditekankan keinginan untuk menegaskan martabat manusia, karakteristik Butts. Di sini kita menemukan pernyataan tegas terhadap tanda tangan yang menghina, yang sangat umum di Rus pra-Petrine, seperti "pengantin laki-laki Anda", "Ivashko Anda".

Pada tahun 1724, “Akademi Ilmu Pengetahuan dan Seni Penasaran” didirikan, sehingga perkembangan ilmu pengetahuan di Rusia akhirnya terpusat dan berada di bawah pengawasan negara. Sastra memperoleh karakter yang murni sekuler. Dari 600 buku yang dicetak pada masa pemerintahan Peter I, hanya 48 yang merupakan buku gereja.

Reformasi ekonomi Peter, reformasi administrasinya, pengenalan kementerian, pembangunan armada, pengembangan industri sangatlah penting - sepanjang hidup, semua ide rakyat Rusia dijungkirbalikkan, diubah secara radikal. Adat istiadat baru, cara hidup baru memerlukan kata lain untuk tercermin dalam sastra, bahasa sastra baru, genre baru, bentuk baru. Di bawah Peter, kaum intelektual baru, meskipun jumlahnya kecil, tetapi sangat aktif, dengan cepat muncul. Di antara mereka adalah rakyat jelata, yaitu. berasal dari golongan ketiga, serta dari pendeta kecil. Tokoh yang sangat menonjol di antara orang-orang ini adalah Ivan Tikhonovich Pososhkov, yang meninggal pada tahun 1726, seorang petani otodidak, seorang ilmuwan-ekonom yang sangat berbakat, yang dengan luar biasa mempelajari struktur perekonomian Rusia pada masanya, cara hidupnya, dan dalam di masa tuanya ia menulis “Buku Kemiskinan dan Kekayaan” yang terkenal, yang di dalamnya terdapat gagasan-gagasan yang benar-benar baru, terkadang sangat berani, tentang transformasi ekonomi dan politik dengan sisa-sisa dan tradisi patriarki yang secara mengejutkan saling terkait. Untuk buku ini, "penghasut" (penulis) dipenjarakan di Benteng Peter dan Paul, di mana dia meninggal. Buku Pososhkov baru diterbitkan pada abad ke-19.

Tokoh budaya utama lainnya di awal abad ini adalah Vasily Nikitich Tatishchev, seorang sejarawan terkenal, yang terkenal dengan “Sejarah Rusia dari zaman paling kuno” dalam lima buku. Seorang pria dengan pola pikir yang benar-benar baru, pada prinsipnya dia menentang perbudakan, meskipun dia belum mengetahui cara khusus untuk menghilangkan perbudakan.

Sejumlah tokoh gereja besar juga harus dimasukkan di antara orang-orang yang dengan penuh semangat mendukung kegiatan reformasi Petrus. Inilah Uskup Ryazan Gabriel Buzhinsky, orang yang sangat berpengetahuan dengan pandangan yang sangat progresif, inilah Uskup Agung Novgorod Feofan Prokopovich, terpelajar ensiklopedis, yang juga mendukung penuh reformasi Peter I, khususnya reformasi pemerintahan gereja yang dilakukan oleh yang terakhir. (penghapusan patriarkat dan pembentukan Sinode), dan siapa yang menjadi “anggota pertama Sinode" Feofan Prokopovich mengembangkan “peraturan spiritual” yang menentukan aktivitas Gereja Ortodoks Rusia di bawah Peter I.

Tokoh besar lain yang mendukung Peter I adalah Theophilus Rabbit. Hasil dari upaya perwakilan utama budaya Rusia ini adalah munculnya kelompok intelektual tingkat lanjut dari berbagai tingkatan, yang tradisinya dilanjutkan pada tahun 60an oleh penerbit majalah satir dan penulis cerita yang ditujukan untuk generasi ketiga. pembaca kelas (M. Chulkov, V. Levshin). Pada tahun 20-an dan 30-an, kaum intelektual seperti itu berkumpul di sekitar Feofan Prokopovich menjadi “Pasukan Ilmiah” yang terkenal. “Pasukan Ilmiah” juga termasuk penyair satiris Rusia yang luar biasa, Antiokhia Dmitrievich Kantemir.

Yang sangat penting adalah penciptaan surat kabar cetak Rusia Vedomosti, yang diterbitkan dari akhir tahun 1702 hingga 1727. Surat kabar itu dipenuhi dengan film berita dan juga menerbitkan dokumen resmi. Fiksi, artikel, dan esai tidak dimuat di surat kabar. Volume surat kabar tidak stabil dan berkisar antara dua hingga dua puluh dua. Sirkulasinya juga berfluktuasi tajam dari tiga puluh menjadi empat ribu. Surat kabar ini menerbitkan berbagai laporan tentang perang, pemberontakan rakyat, kerusuhan, kegiatan skismatis, dan apa yang dikatakan dan ditulis tentang Rusia di luar negeri. Editornya adalah Polikarpov, penerjemahnya adalah Volkov dan Sinyavich. "Vedomosti" ada selama seperempat abad, "hidup lebih lama" dari Peter I selama dua tahun. Setelah 1727, "Vedomosti" digantikan oleh surat kabar lain, "Petersburg Vedomosti".

Pada abad ke-17, sebuah upaya dilakukan untuk memberikan gambaran kepada pembaca Rusia tentang apa yang mereka pikirkan di luar negeri tentang negara Rusia. Itu adalah surat kabar tulisan tangan, Kuranty, yang ditulis dalam satu salinan, dengan tangan, dan hanya didistribusikan di antara rekan-rekan dekat tsar, sehingga cakupan tindakannya jauh lebih sempit daripada cakupan Vedomosti.

Pada akhir tahun 1702, seorang Johann Kunst, seorang Jerman dari Danzig, seorang yang berpengetahuan luas di bidang teater dan memiliki keterampilan organisasi yang terkenal, atas inisiatif Peter, merekrut sekelompok “komedian” dan menyiapkan beberapa drama. Lakon-lakon ini dipentaskan sesuai dengan tradisi rombongan akting keliling. Drama tersebut awalnya dipentaskan dalam bahasa Jerman, kemudian dalam bahasa Rusia. Namun Teater Kunst tidak bertahan lama: tahun berikutnya Kunst meninggal dan pertunjukannya terhenti. Pertunjukan ini penuh dengan episode yang aneh dan spektakuler; menampilkan karakter penuh warna dengan nasib yang tidak biasa, dirancang untuk menangkap imajinasi penonton. Plot melodramatis penuh dengan horor, pembunuhan dan duel, serta aksi yang tak terduga. Aturan pementasannya sangat unik. Peran perempuan dimainkan oleh aktor laki-laki. Para aktor sendiri saling memperkenalkan satu sama lain kepada penonton. Karena pemandangannya sangat sederhana, dan terkadang tidak ada, para aktor mengumumkan nama tempat kejadian dan kotanya. Tirai sebagian besar tidak digunakan. Teater-teater ini tidak bertahan lama. Pada akhir dekade pertama abad ke-18. popularitas mereka menurun.

Teater profesional Rusia baru muncul dan akhirnya menguat pada awal paruh kedua abad ini melalui upaya Feodor Volkov. Hanya kelahiran teater profesional di Rus yang pada tahun 50-60an akan mengarah pada pembentukan sepenuhnya jenis seni baru dalam kehidupan budaya Rusia.

Lirik puisi kali ini, lemah dalam secara artistik, sangat penting dalam arti sejarah dan sastra, karena membuka bagi pembaca, membuka bagi seni kata Rusia bidang kehidupan manusia yang benar-benar baru dan sebelumnya tidak diketahui - bidang pengalaman pribadi. Dalam sastra Rusia kuno dan Rusia abad pertengahan, serta dalam cerita rakyat (dengan pengecualian lagu-lagu cinta yang “berlama-lama”), tema liris, dalam arti sebenarnya, pengalaman tidak ada. Deskripsi pengalaman cinta para karakter tidak menarik tempat penting. Jika ada pembicaraan tentang cinta, maka yang digambarkan bukanlah perasaan cinta itu sendiri, melainkan yang ditekankan kepentingan ekonomi persatuan pernikahan. Cinta biasanya digantikan oleh takdir, takdir yang menghubungkan nasib manusia. Dalam literatur pra-Petrine, kita berbicara tentang ketertarikan duniawi, ketertarikan sinis, tanpa spiritualitas apa pun. Perasaan cinta tidak digambarkan secara utuh maknanya, yakni. sebagai perasaan yang mengubah seluruh dunia spiritual seseorang, sebagai perasaan yang berperan besar dalam kehidupan seseorang. Beginilah, dengan cara baru, hanya penyair abad ke-18 yang berbicara tentang cinta. Dalam “lagu” dan “arias” mereka, cinta tidak hanya menjadi kekuatan pendorong karya, dasar konfliknya, tetapi cinta di sini diagungkan dalam arti artistik, dipuitiskan, hampir didewakan. Namun lirik buku masih belum berdaya secara artistik dan menarik pembaca hanya dengan konten inovatifnya.

bahasa sastra berada dalam keadaan kacau karena kenyataan bahwa kehidupan berubah secara radikal, banyak konsep baru muncul, yang ekspresi bahasa lama kelas, kasta Rus abad pertengahan sama sekali tidak cocok. Baik gaya bahasa Slavonik Gereja Lama, gaya dokumen bisnis, maupun gaya cerita rakyat tidak cocok di sini. Penting untuk mencari perpaduan elemen verbal yang benar-benar baru. Tentu saja ini sangat luar biasa tugas yang sulit tidak dapat segera diselesaikan. Pada awal abad ini, tugas seperti itu baru saja diajukan.

Yang sangat penting bagi perkembangan puisi di Rusia adalah kegemaran menulis puisi suku kata dan pra-suku kata - puisi, ciri khas kehidupan seminari pada waktu itu. Penulisan puisi dimasukkan dalam kurikulum seminari, dan pada akhir abad ke-17 dan awal abad ke-18 perhatian utama diberikan pada hal-hal yang murni eksternal, tampilan grafis karya puitis. Diasumsikan bahwa simetri visual dari teks yang dituangkan di atas kertas merupakan manifestasi dari penguasaan artistik dan puitis tertinggi. Makanya puisi-puisi itu berbentuk salib, hati atau bentuk lainnya. Puisi seperti ini disebut puisi berpola. Ayat acro dan meso juga ditulis, dimana huruf awal barisnya, dibaca dari atas ke bawah, atau huruf tengah dari ayat tersebut, diberi huruf kapital, dibentuk menjadi suatu kata yang bermakna, nama orang yang akan dituju. kepada siapa puisi ini dipersembahkan. Banyak perhatian juga diberikan pada penulisan apa yang disebut “puisi udang karang”, atau puisi manusia serigala, yang dapat dibaca dalam urutan biasa, dari kiri ke kanan, dan sebaliknya, dan makna ayat tersebut tidak berubah.

Kreativitas sastra mempunyai hambatan internal yang besar dan sulit untuk diperbarui. Sangat tahan lama di sastra Rusia kuno tradisi gaya hidup sejak lama dalam sastra abad ke-18. Dalam dekade-dekade pertama, genre-genre yang menjadi ciri khas abad 16-17 juga tetap mempertahankan arti pentingnya. Pada abad ke-17, genre cerita paling banyak tersebar luas dalam sastra Rusia. Ini tetap populer di dekade pertama abad baru. Dalam genre lama yang sudah dikenal, yang lama, baik dalam isi maupun bentuk gaya, mulai berkonflik dengan yang baru, sekaligus secara umum terus hidup berdampingan dengan yang baru. Fenomena ini dapat ditelusuri melalui contoh kisah yang paling tersebar luas pada masa Peter Agung - “Sejarah pelaut Rusia Vasily Koriotsky, tentang putri cantik Irakli dari tanah Florensky.” Kata modis "historia" atau "sejarah" sangat sering dimasukkan ke dalam judul karya-karya tersebut. Ini, tentu saja, adalah semangat zaman, dan bukan hanya leksikal: dengan kata ini, para penulis cerita anonim ingin menekankan keaslian, kebenaran, dan kekhasan peristiwa-peristiwa yang digambarkan dalam karya-karya tersebut. Karya ini mengembangkan konflik yang akrab dengan kisah-kisah abad ke-17. Di sini kita juga mengalami benturan gagasan lama dan baru tentang tujuan hidup, tentang nilai-nilai moral, tentang landasan moral masyarakat, tentang benturan ideologi ayah dan anak. Namun jika dalam cerita-cerita abad ke-17 bentrokan seperti itu biasanya bersifat sangat akut dan digambarkan sebagai konflik antagonis, maka di sini tidak ada bentrokan langsung, konflik plot antara ayah dan anak, pahlawan karya tersebut. Sebaliknya pahlawan cerita, Vasily, selalu mengingat ayahnya, mengiriminya uang dari luar negeri, tidak ada permusuhan antara ayah dan anak. Terlebih lagi, sang ayah tidak menghalangi anaknya untuk hidup dengan pikirannya sendiri dan bahkan bersimpati dengan perilaku berbakti tersebut. Tetapi konten ideologis cerita secara keseluruhan mencerminkan ketidakmungkinan hidup dengan cara lama, mewakili penolakan terhadap segalanya kehidupan lama, seluruh cara hidupnya, moralitasnya. Dan sang pahlawan, yang hidup dengan cara baru, secara aktif membangun takdirnya, menang dan mencapai anak tangga tertinggi dalam tangga sosial. Hal ini tidak terjadi dalam cerita-cerita abad ke-17. Ini adalah solusi fundamental baru terhadap konflik tersebut - sesuai dengan semangat masa-masa penuh gejolak Peter the Great. Vasily mendapat simpati yang besar dari penulisnya. Citranya terutama menekankan tujuan, inisiatif, sikap aktif untuk hidup, kemampuan untuk "hidup dengan pikiranmu sendiri" (keterampilan yang sebelumnya menghancurkan pahlawan cerita "Tentang Duka-Kemalangan"). Dengan mudah memperlakukan “orang-orang terkemuka” dengan hormat. Namun sekaligus memiliki karakter mandiri dan selalu menjaga harkat dan martabat kemanusiaan. Pahlawan di akhir cerita mencapai kedudukan tertinggi dalam masyarakat bukan karena jasa ayahnya, bukan karena kebangsawanan keluarganya, tetapi semata-mata karena sifat-sifatnya yang luar biasa. Akhir cerita juga berbeda dengan akhir cerita abad ke-17 - yang tanpa harapan - bukan kepergiannya ke biara, bukan kematian sang pahlawan, melainkan kemenangannya sebagai pemenang dalam perjuangan hidup, dan pemenang dalam perjuangan hidup. istilah moral. Konflik cinta memainkan peran besar; dialah yang mendorong aksi di seluruh bagian utama plot. Pada saat yang sama, cinta diidealkan dan bukannya dikutuk sebagai prinsip setan atau antisosial dalam cerita-cerita abad ke-17.

Secara komposisi, “The History of Vasily Koriotsky” mungkin adalah kisah paling sempurna di masa Peter the Great. Karya-karya lain dalam genre ini dibedakan berdasarkan kompleksitas konflik dan komposisi yang tidak terkoordinasi. Pada tingkat lebih rendah, hal ini berlaku untuk parodi “The Story of pedagang Rusia Joanna”, yang pahlawannya bukanlah seorang bangsawan, melainkan seorang saudagar. Dia pergi ke Paris untuk “mencicipi kenikmatan kehidupan sosial.” Banyak perhatian dalam cerita ini diberikan pada deskripsi godaan cinta, perubahan pacaran John dengan Eleanor. Catatan cinta dimasukkan ke dalam teks untuk pertama kalinya. Tapi semuanya dicat dengan nada ironis. Kemunculan sebuah karya yang jelas-jelas diwarnai parodi menjadi bukti bahwa genre “sejarah” sudah mulai ketinggalan jaman.

Yang paling signifikan dalam hal volume, dan pada saat yang sama paling tidak koheren secara komposisi, dari semua kisah pada masa Peter Agung, tidak diragukan lagi adalah “Kisah Alexander, Bangsawan Rusia”. Di sini orang dapat merasakan pengaruh kuat dari novel cetak populer, serta novel Rusia karya cerita rakyat, khususnya dongeng petualangan Rusia.

Alexander, pahlawan karya ini, seperti Vasily dan John, pergi ke Eropa, yang bagi pembaca tampak sebagai negeri kesenangan dan kegagahan, dan di bagian kedua karya tersebut - sebagai dunia petualangan dan turnamen ksatria. Di kota Lille, Alexander jatuh cinta dengan Eleanor yang cantik, romansa mereka berlanjut untuk waktu yang lama, tetapi para pahlawan kehilangan satu sama lain lebih dari sekali, sementara penyamaran para pahlawan, yang dilakukan penulis, tidak memungkinkan. pahlawan untuk saling mengenali. Alexander adalah pria yang agak sembrono dan Eleanor, setelah mengetahui pengkhianatannya, meninggal karena kesedihan. Alexander jatuh cinta pada Hedwig-Dorothea, lalu pada Tirra, yang di akhir cerita menikam dirinya sendiri sampai mati di atas tubuh mendiang Alexander karena kesedihan.

Komik yang sejajar dengan tokoh utama cerita, Alexander dan Eleanor, adalah Vladimir dengan banyak kekasihnya.

Kisah Putra Prancis menikmati popularitas tertentu. Semua cerita ini menggambarkan pria Rusia sebagai orang Eropa, memberinya kualitas yang asing dengan cerita Rusia lama: kemandirian, akal, keberanian - hal yang sangat dituntut oleh cara hidup baru, realitas baru.

Yang agak berbeda dari “cerita” tersebut adalah “Kutipan dari Novel dalam Syair”, yang merupakan kisah otobiografi seorang wanita muda tentang runtuhnya harapannya untuk bersatu dalam pernikahan dengan orang yang dicintainya. Untuk pertama kalinya dalam sastra Rusia, atas nama seorang wanita, cinta bebas diucapkan secara terbuka, tanpa rasa takut, dan kekuatan domostroev orang tua, yang menentang perasaan ini dan akhirnya menghancurkannya, dikutuk secara terbuka.

Semua karya ini lebih dekat dengan cerita rakyat daripada buku tradisi sastra. Mereka tidak diterbitkan, tetapi, untuk menyenangkan pembaca, didistribusikan dalam daftar dan bervariasi, yang membawa mereka lebih dekat ke cerita rakyat dan berkontribusi pada gambar mereka yang memperoleh sentuhan tradisionalisme dan memenuhi karya-karya dengan hal-hal biasa.

Kuliah 2

FEOFAN PROKOPOVYCH

(1681 – 1736)

Salah satu orang paling terpelajar pada masanya, Feofan Prokopovich adalah orang pertama yang merasakan dan memahami perlunya negara Rusia melakukan perubahan mendasar di bidang politik, ideologi dan seni, serta memperjuangkan implementasi reformasi Peter. Feofan Prokopovich, menurut N.K. Gudziya, “pencerah berjubah” ini mengabdikan seluruh energinya dan seluruh bakatnya untuk tujuan pencerahan Rusia.

Putra seorang pedagang kecil di Kyiv, Feofan Prokopovich mengalami kemiskinan di masa kanak-kanak, tetapi berhasil menjadi murid di Akademi Kiev-Mohyla. Namun, pengetahuan yang diterimanya tidak cukup, dan dia, tanpa ragu-ragu, menerima Unianisme (Gereja Uniate adalah asosiasi Kristen yang dibentuk oleh Union of Brest pada tahun 1596, di bawah Paus, mengakui dogma-dogma dasar Gereja Katolik sementara melestarikan Ritus ortodoks) untuk dapat melanjutkan pendidikannya di Barat. Ia belajar selama beberapa waktu di Polandia, dan kemudian di Roma, di Kolese St. Athanasius (dibuka khusus untuk pelatihan para propagandis Katolik di kalangan Slavia dan Yunani). Jalannya menuju pengetahuan berbicara tentang ketelitian pengetahuannya dan independensi penilaian serta toleransinya. Hal ini merupakan ciri khas era reformasi Peter Agung - masa revisi semua gagasan tradisional.

Pada tahun 1704, dia kembali ke Kyiv dan mengajar puisi dan retorika selama beberapa waktu di Akademi Kiev-Mohyla. Setelah menjadi teman pribadi tsar, Prokopovich dikukuhkan pada posisi "prefek" - rektor Akademi Kyiv. Dia dibedakan oleh minatnya yang luar biasa; dia tertarik pada sejarah, filologi, teologi, filsafat, dan bahkan matematika. Bersama dengan Kantemir, Tatishchev dan Golitsyn, ia memasuki "pasukan ilmiah" yang dibentuk pada akhir tahun 20-an dan menjadi pemimpin lingkaran pencerahan Rusia - pembela urusan Peter I.

Prokopovich memasuki sastra Rusia sebagai penulis puisi liris dan pencipta komedi tragis "Vladimir", di mana, dengan menggunakan materi yang dipinjam dari kronik, upaya dilakukan untuk menunjukkan perjuangan raja yang tercerahkan dengan pendeta yang bodoh, dan juga sebagai penulis risalah "De arte poetica" - buku teks tentang puisi.

Dia adalah seorang pembicara yang luar biasa dan meninggalkan banyak khotbah yang mengagungkan kebijakan luar negeri dan dalam negeri pemerintahan Peter I. Sebagai tokoh gereja terkemuka (dia memegang pangkat Uskup Agung Novgorod), Theophanes secara aktif mendukung Peter I dalam reorganisasi gereja Rusia. Atas dukungan inilah Peter I sebagian besar berutang keberhasilannya dalam menghilangkan patriarkat, yang selalu bersaing dengan kekuasaan kerajaan, dan menciptakan semacam kolegium untuk mengatur urusan gereja - Sinode Suci. Prokopovich menjadi anggota terkemuka Sinode. Dia menulis apa yang disebut “Peraturan Spiritual”, yang menentukan aktivitas Gereja Rusia selama beberapa dekade. Dalam karyanya dan khotbahnya, Prokopovich mengungkapkan ideologi kaum bangsawan maju dan berbagai intelektual pada masa Peter Agung. Dalam “Firman tentang berakhirnya perdamaian dengan Swedia,” Prokopovich dengan penuh arti berharap “beban rakyat dapat dikurangi.” Seorang pembicara yang hebat, Feofan tahu bagaimana membuat bahasa khotbahnya penuh warna dan bervariasi.

Di bidang bentuk puisi, Prokopovich memperkenalkan oktaf ke dalam puisi Rusia, yang cukup sering ia gunakan. Seringkali dalam puisinya ia menggunakan perkiraan sajak dan konsonan: terlihat - sangat buruk, pemirsa adalah kebajikan. Prokopovich menulis puisi lirisnya dalam syair suku kata, yang kemudian tersebar luas di Ukraina dan Belarus. Namun pengaruh unsur lagu daerah juga terasa. Hal ini dijelaskan oleh liriknya yang melekat secara organik. Seolah-olah menyadari kurangnya organisasi ritmis dari sebuah syair suku kata yang panjang, Prokopovich sering mengganti syair-syair dengan panjang yang berbeda-beda dalam karya-karyanya dan banyak menggunakan syair-syair pendek tanpa suku kata yang terdengar hampir seperti syair-tonik suku kata.

Misalnya: “Di Balik Kuburan Bopeng”:

Di belakang kuburan bopeng

Di atas Sungai Prutova

Ada tentara dalam pertempuran yang mengerikan.

Pada hari kerja mulai siang hari

Saatnya menjadi sangat sulit bagi kami -

Turchin yang penuh sesak tiba.

Atau “Cossack yang bertobat”:

Saya tidak tahu harus berbuat apa.

Dan aku mati tanpa diketahui:

Berkeliaran di hutan yang tidak bisa ditembus,

Ke negara-negara yang mulus dan tanpa air;

Ataman dan hetman,

Aku jatuh ke dalam tipu dayamu.

Anda akan menghilang melewati ambang batas,

Hanya saja, agar tidak tersesat.

Saya berharap saya tidak bisa jatuh ke tangan yang kuat,

Saya tidak akan menerima siksaan yang mengerikan itu.

Ini adalah syair suku kata pendek (oktilabik), yang tekanannya sering kali ditempatkan dalam urutan suku kata-tonik (trochaic - seperti dalam lagu tarian rakyat). Terkadang ada Ukrainaisme. Beberapa puisinya bersifat otobiografi. Misalnya, “Anak gembala menangis dalam cuaca buruk yang berkepanjangan.” Puisi ini ditulis pada peringatan lima tahun kematian Peter I (“hari kelima telah berlalu”) dan membuktikan hubungan erat yang ada dalam pikiran penyair antara pengalaman pribadi dan kehidupan politik negaranya, betapa dia mencamkan reaksi politik dan runtuhnya harapan pendidikannya.

Prokopovich juga beralih ke genre odik. Ini adalah puisinya “Epinikion, atau lagu kemenangan tentang kemenangan gemilang yang sama.” Di sini, dengan menggunakan Slavonisme Gereja Lama secara luas, Prokopovich mengagungkan kemenangan atas “tentara Svei” yang dimenangkan di dekat Poltava. Dalam karya ini, Prokopovich berperan sebagai master gaya tinggi. Kami menemukan perbedaan tegas antara gaya tinggi dan biasa, gaya non-tinggi yang sudah ada dalam karya Feofan Prokopovich.

Komedi tragis Prokopovich “Vladimir” adalah salah satu karya dramatis paling signifikan di awal abad ini. Di sini penulis beralih ke masa pembaptisan Rus di bawah Vladimir Svyatoslavich, menggunakan informasi kronik tentang peristiwa ini sebagai sumber sejarah. Tentang ini dasar plot ia mengumpulkan materi sosio-politik kontemporer, mengungkapkan dua tema utama yang selalu mengkhawatirkannya: perjuangan penyebaran pendidikan di Rusia dan perjuangan di dalam gereja antara pemimpin gereja progresif dan reaksioner. Pada masa Prokopovich, kedua aspek kehidupan ideologis ini berkaitan erat.

Gambaran aneh tentang pendeta yang membosankan, bodoh, dan serakah nama karakteristik: Zherivol, Kuroyad, Piyar - tidak diragukan lagi digambarkan oleh tangan seorang master yang berbakat. Kelompok pendeta yang bodoh ini (melambangkan segala sesuatu yang tidak ada dalam kehidupan Rusia) sangat menentang niat Vladimir untuk menerima agama Kristen, yang membawa serta moralitas yang lebih tinggi, budaya yang lebih tinggi. Bayangan Yaropolk, yang tewas di tangan Vladimir, juga membantu para pendeta dalam perjuangan mereka untuk zaman kuno. Namun Vladimir, terlepas dari segalanya, didukung oleh putra-putranya dan orang-orang yang berpikiran sama, menerima agama Kristen dan menghancurkan berhala-berhala kafir. Di sini Prokopovich juga berupaya menunjukkan inkonsistensi karakter manusia. Jadi, Vladimir-nya ragu-ragu: menerima agama Kristen atau tidak, karena sulit baginya untuk melepaskan kebiasaan poligaminya. Tapi Vladimir mengatasi keragu-raguan ini kelemahan manusia. Di sini kita sudah bisa membicarakan beberapa kecenderungan realistis dalam karya penulis.

Komedi tragis ini dibawakan pada tahun yang sama 1705 oleh para siswa Akademi Kiev-Mohyla. Ini adalah satu-satunya pertunjukan drama tersebut.

Prokopovich bertindak sebagai penulis satiris, pendahulu Antiokhia Cantemir. Kesedihan satir Prokopovich muncul di beberapa bagian dalam “Peraturan Spiritual.” Di sini terdapat sketsa jelas tentang moral orang-orang yang menentang restrukturisasi kehidupan Rusia dengan cara baru dan pembaruan gereja Rusia. Tentang para penyanjung istana, ia menulis: “Ketika beredar rumor bahwa Kaisar menunjukkan cintanya kepada seseorang yang istimewa, semua orang pergi ke istana, semua orang memberi selamat, memberikan hadiah, membungkuk dan mati untuknya seolah-olah siap.”

“Puisi” Prokopovich menarik. Piitik tulisan tangan seperti itu sering dibuat di akademi teologi pada waktu itu. Risalah Prokopovich baru diterbitkan pada akhir abad ke-18, tetapi hal itu memengaruhi karya Cantemir. Sejumlah ketentuannya mengantisipasi pandangan para ahli teori romantisme dan realisme, meskipun secara umum puisi Feofan erat kaitannya dengan kecenderungan praklasik dalam seni Eropa kata-kata.

Risalah Prokopovich “On Poetic Art” terdiri dari tiga buku, volumenya kecil.

Buku pertama membahas tentang asal usul dan kekhususan puisi, makna keterampilan puitis. Bagian yang paling menarik dikhususkan untuk fiksi puitis, di mana Prokopovich menyoroti fitur spesifik utama kreativitas seni– penggunaan konvensi puitis, pemikiran dalam gambar. Masalah-masalah lain dibahas dalam buku pertama dengan semangat idealis. Misalnya, asal muasal puisi ditegaskan, tetapi kreativitas puisi dianggap sebagai jenis pekerjaan biasa yang tidak memiliki perbedaan kualitatif dengan jenis pekerjaan lain, misalnya dari pekerjaan fisik. Jika “inspirasi yang kuat” masih dianggap perlu untuk menciptakan karya yang bersifat heroik, maka penciptaan karya yang isinya kurang “signifikan” dapat diakses oleh setiap penulis yang rajin. Jadi, inspirasi yang hebat sama dengan hebatnya kerja fisik diperlukan untuk menulis karya heroik dalam jumlah besar. Perkembangan pemikiran serupa, yang merupakan ciri khas para ahli teori praklasisisme dan zaman kuno, selanjutnya akan kita temukan dalam “Retorika” Lomonosov. Pembesar-besaran klasik atas peran peniruan membuat Prokopovich meremehkan kreativitas, hingga meremehkan orisinalitas penulis. Namun pada saat yang sama, ia menentang peniruan dan plagiarisme “kecil” dan menuntut asimilasi secara sadar terhadap cara penulisnya.

Buku kedua membahas puisi epik dan dramatis. Sebagai seorang tokoh di gereja Kristen, ia menentang penggunaan gambar-gambar mitologis yang berlebihan, dan memberikan hak kepada penyair untuk menggunakan gambar-gambar tersebut dalam pengertian metonimik murni. Menyinggung perbedaan sejarawan dan penyair, Prokopovich kembali menekankan fiksi sebagai penentu utama kreativitas puisi. Prokopovich menulis: “Sejarawan menceritakan tentang peristiwa nyata, bagaimana hal itu terjadi: dengan seorang penyair, keseluruhan cerita itu fiktif, atau, bahkan jika dia menggambarkan peristiwa nyata, dia membicarakannya bukan seperti yang terjadi dalam kenyataan, tetapi sebagai itu bisa atau seharusnya terjadi."