Topeng pelayan di teater Italia. Commedia dell'arte

Commedia dell'arte muncul di Italia pada abad ke-16, pada pergantian Abad Pertengahan dan budaya modern, dan menyerap ciri-ciri kedua periode tersebut. Pertama-tama, teater ini lahir sebagai teater rakyat, yang berfungsi sebagai panggung. alun-alun kota selama perayaan karnaval, dimana penonton telah lama dihibur oleh pemain sulap dan pantomim. Perwakilan dari berbagai strata sosial bersinggungan di sini, kebangsaan yang berbeda dan profesi.

Alun-alun ini adalah tempat kelahiran commedia dell'arte, dan penduduk kota sendiri adalah pahlawannya. Pada saat yang sama, mereka dapat dianggap sebagai “peta hidup” khusus kota-kota Italia, karena masing-masing kota berbicara dengan dialek daerah asal mereka dan mewakili gambaran khas penduduknya. Tak heran, di atas panggung teater topeng, pemandangan jalan yang menghadap ke alun-alun luas, dengan dua rumah milik para pahlawan, direproduksi sebagai pemandangan. ke berbagai pihak. Di alun-alun inilah ia menempatkan karakter-karakter dalam rangkaian ukirannya “Balli di Sfessania” (“Tarian Orang Tanpa Ass/Tanpa Tulang”) dari tahun 1622.

0 /0

Dalam setiap skenario, skema presentasi singkat, karakter akting adalah serangkaian gambar tetap - topeng, yang diwujudkan dalam kostum, bahasa tubuh, dan pola bicara, berdasarkan dialek nasional Italia. Rombongan biasanya terdiri dari dua lelaki tua, misalnya pedagang Venesia yang pelit Pantalone dan dokter bodoh yang bertele-tele dari Bologna, empat atau dua Pecinta, Kapten yang sombong - gambar satir tentara Spanyol, pembual pengecut, dan topeng zanni - pelayan. Peran komik mencakup semua topeng kecuali para Pecinta, yang tidak memakai atribut ini. Plot naskah biasanya didasarkan pada pasangan karakter yang kontras: ayah melawan putra dan putri; tuan versus pelayan; Kapten menentang siapa pun yang menghalangi mereka.

Dalam skrip zanni biasanya ada dua. Yang pertama, paling sering disebut Brighella, berasal dari Bergamo, sebuah pusat industri di Lombardy. Setelah runtuhnya industri di daerah ini, masyarakat Bergamo tersebar di seluruh Italia untuk mencari pekerjaan, paling sering sebagai buruh. Brighella licik dan pintar. Yang kedua, Harlequin, berasal dari desa, dari dataran, ia dianggap berpikiran sederhana dan naif. Dia selalu mendapat banyak pukulan atas apa yang dia lakukan dan atas apa yang tidak dia lakukan. Ciri khas Harlequin adalah cerah, ditutupi tambalan yang seharusnya menutupi lubang pada setelan itu. Perilaku topeng zanni selalu dikaitkan dengan lapisan masyarakat bawah. Berbeda dengan para Lovers, mereka tidak berbicara dengan benar, mengubah bahasanya, berperilaku tidak jujur, penuh nafsu dan sering terobsesi dengan rasa lapar.

Zanni-lah yang paling sering menggunakan lazzi dalam komedi dell'arte - trik komik yang tidak berhubungan langsung dengan plot. Contohnya adalah adegan dua orang pelayan yang diikat saling membelakangi sedang berusaha meraih sepiring makanan dan saling mengangkat ke udara. Atau Harlequin, karena lapar, menyambar dan menelan lalat. Ada juga adegan perkelahian dan demonstrasi hasrat seksual. Mereka dicirikan oleh gerakan roda (ketika kepala berusaha menggantikan punggung dan sebaliknya), berlebihan, aneh, ekspresif ekstrim: jika seorang zanni menangis, maka air mata selalu mengalir pada orang-orang di sekitarnya. Lazzi adalah cara tetap tertentu dalam menggunakan dan mewakili tubuh, yang asal usulnya terletak pada budaya karnaval abad pertengahan.

Tubuh manusia aktor komedi dell'arte di atas panggung dan dalam ukiran Callot sungguh aneh, demikian M. Bakhtin menyebutnya. Menjadi, tidak lengkap, selalu menyerap dan diserap oleh dunia, oleh karena itu semua bagian yang menonjol berperan penting di dalamnya: hidung, lingga, rahim, pantat, mulut menganga. Bakhtin menulis bahwa “peristiwa utama dalam kehidupan tubuh yang aneh, tindakan drama tubuh - makan, minum, buang air besar (dan sekresi lainnya: berkeringat, membuang ingus, bersin), persetubuhan, kehamilan, persalinan, pertumbuhan, usia tua , penyakit, kematian, terkoyak, terpotong-potong, penyerapan oleh tubuh lain - terjadi pada batas tubuh dan dunia atau pada batas tubuh lama dan baru; dalam semua peristiwa drama tubuh ini, awal dan akhir kehidupan saling terkait erat.” Lazzi praktis tidak memiliki kesopanan, mereka sangat naturalistik dan dekat dengan tradisi tubuh Abad Pertengahan, yang tercermin dalam “Gargantua dan Pantagruel” karya Rabelais.

Sementara para Pecinta mewujudkan kanon perilaku baru yang melekat pada orang-orang dari masyarakat bangsawan tertinggi. Mereka kurang menyukai topeng, pakaian mereka kostum mewah dengan banyak perhiasan, karena para pahlawan ini berasal dari lapisan masyarakat kaya, berbicara dengan dialek Tuscan, diakui sebagai bahasa sastra, dan dalam pidato mereka sering menggunakan selingan puisi Petrarch dan Pietro Bembo. The Lovers juga dibedakan oleh perilaku halus yang melekat pada masyarakat kelas atas.

Pada periode awal modern, tradisi yang terkait dengan ekspresi emosi manusia mulai berubah. Ratapan kekerasan atas kematian kerabat atau kekasih kini dianggap tidak dapat diterima; kegilaan kehilangan makna sakralnya terkait dengan gambaran “orang bodoh” yang bijaksana, dan berubah menjadi penyakit yang membutuhkan isolasi. Gagasan tentang tubuh dalam kedokteran sedang berubah: teori humoral kehilangan makna sebelumnya, sains mulai mengandalkan observasi dan eksperimen sebagai metode utama yang diterapkan pada pasien. Air mata tidak lagi dikaitkan dengan rahmat ilahi, tetapi hanya dengan emosi negatif, sehingga tangisan di depan umum dikutuk. Bahkan tawa pun mulai terbagi menjadi tawanan yang disebabkan oleh lawakan - tawa pelan - dan tawa yang disebabkan oleh lelucon yang sukses.

Seluruh bagian tubuh, yang menonjol dalam gambaran yang aneh, tidak hanya berhenti memainkan peran utama, tetapi demonstrasi mereka sendiri bergerak ke dalam zona amoralitas dan menjadi memalukan. Perut, mulut, hidung kehilangan makna simbolisnya, tubuh ini tertutup dan utuh, diam, statis, hiperbolisasi asing baginya. Semua tindakan tubuh berpindah ke dalam lingkup psikologis individu dan kehidupan sehari-hari. Dan perhatian kini tertuju lebih banyak kepala, wajah, mata. Kanon tubuh baru ini dibuat di istana dengan bantuan risalah tentang sopan santun, misalnya, Galateo, atau on Customs (1558) karya Giovanni della Casa, dan Norbert Elias menyebutnya sebagai “proses pembudayaan moral”.

Pada abad ke-16, jenis masyarakat baru muncul - masyarakat istana aristokrat, di mana para bangsawan menggantikan tuan tanah feodal. Bangsawan berpangkat tinggi dan rumahnya memberlakukan aturan perilaku yang ditentukan oleh hierarki dan etiket yang ketat, yang semakin penting pentingnya. Kemewahan dalam masyarakat ini mendapat nilai yang mewakili secara sosial, dan “selera yang baik” dikembangkan sebagai mekanisme pembeda dari kelas-kelas lain. Ternyata mengoleksi benda-benda seni, sekaligus patronase seniman dan penyair, sudah menjadi bagian dari gaya hidup para punggawa. Ini juga termasuk penandatanganan kontrak dengan kelompok komedi dell'arte, yang kehadirannya di istana berubah menjadi simbol prestise yang sama dengan pesanan potret pribadi atau patung dari master terkenal. Pada abad ke-18, tren ini semakin intensif dan menyebar jauh melampaui Italia.

Kelompok terkenal, seperti Jelosi, selalu dikaitkan dengan istana dengan satu atau lain cara atau berusaha mencapainya untuk memastikan pendapatan yang stabil dan rumah untuk jangka waktu yang lama. Aktor-aktor terkenal, setelah mendapatkan ketenaran dan perlindungan, mencoba melepaskan diri dari teater jalanan. Mereka tidak lagi tampil di hadapan masyarakat kota di alun-alun, melainkan di teater yang dibangun khusus di hadapan penonton yang diundang, dan juga berusaha mendekatkan diri dengan tradisi sastra, khususnya dengan komedi terpelajar. Contohnya adalah keluarnya kumpulan naskah, yang pertama adalah koleksi Flaminio Scala (1611). Selain komedi, yang merupakan sebagian besar repertoar para aktor, koleksinya juga mencakup pastoral dan tragedi. Pencetakan naskah menjadi sarana periklanan dan upaya beralih dari bahasa tubuh ke bahasa sastra.

Awalnya, teater topeng menggabungkan tradisi tubuh abad pertengahan dan aturan perilaku yang muncul dalam masyarakat modern. Namun pada akhirnya, dualitas yang tercermin dalam naskah, tindakan, dan tubuh aktor tersebut menyebabkan punahnya commedia dell'arte di akhir XVII Abad ke-1, karena mustahil membayangkan teater rakyat Italia tanpa zanni, topeng, improvisasi, atau lazzi akrobatik yang gila.

TEATER RENAISSANCE - Teater Eropa pada era sejarah akhir Abad Pertengahan (abad 16-17). Saat itulah terbentuknya sistem sosial baru, penggantian formasi sosial feodal dengan kapitalis. Renaisans tidak hanya ditandai dengan terbentuknya pandangan dunia humanistik baru, tetapi juga dengan banyaknya penemuan dan penemuan besar, serta lonjakan pesat perkembangan kebudayaan dan hampir semua jenis seni.

Istilah "Renaissance" atau "Renaissance" (Renaissance Perancis - kelahiran kembali) diperkenalkan ke dalam konteks budaya oleh Giorgio Vasari. Istilah ini mencerminkan tren utama seni pada masa itu - orientasi terhadap contoh klasik seni kuno, yang selama sepuluh abad (setelah jatuhnya Kekaisaran Romawi pada abad ke-5) sebenarnya dilarang.

Jika pada Abad Pertengahan pandangan dunia yang dominan ditentukan oleh konflik antara spiritual dan duniawi, antara Tuhan dan iblis, maka pada zaman Renaisans doktrin utamanya adalah harmoni, kebebasan, dan perkembangan individu secara menyeluruh. Cita-cita abad pertengahan tentang asketisme fanatik digantikan oleh cita-cita humanistik, yang di tengahnya adalah gambaran seseorang yang bebas dalam pikiran dan perasaannya, penguasa takdirnya, memancarkan kegembiraan hidup yang penuh darah.

Teater Renaisans di berbagai negara di Eropa Barat memiliki ciri khas tersendiri yang terintegrasi kuat ke dalam aspek sosiokultural perkembangan negaranya dan secara tajam membedakannya dengan teater Renaisans di negara lain. Perkembangan teater Renaisans yang paling menarik dan signifikan terjadi di tiga negara di Eropa Barat, dan jalur utama perkembangannya hanya memiliki sedikit kesamaan satu sama lain.

Prinsip-prinsip seni Renaisans - termasuk teater - ditetapkan di Italia. Daya tarik cita-cita zaman kuno dalam seni Italia dimulai hampir beberapa abad lebih awal dibandingkan di Eropa Barat lainnya - pertama dalam sastra, kemudian di seni rupa(Abad ke-13 - Dante Alighieri; abad ke-14 - Francesco Petrarca dan Giovanni Boccaccio; abad ke-15 - Michelangelo Buonarroti dan Raphael Santi). Bagi orang Italia, Renaisans adalah kebangkitan tradisi mereka sendiri, warisan budaya mereka sendiri.

Namun, sejarah Renaisans teater Italia sangat paradoks: Renaisans Italia, dengan mahakarya seni visualnya yang tak tertandingi - lukisan, patung - tidak menghasilkan satu pun penulis naskah drama yang skalanya setara dengan Shakespeare (Inggris), Lope de Vega atau Calderon (Spanyol). Alasan paradoks ini telah dipelajari secara luas dalam literatur sejarah budaya dan seni. Yang utama dianggap ada dua – sebagian besar saling terkait.

Yang pertama menjelaskan fenomena ini dari sudut pandang ciri-ciri khusus teater. Inti dari pertunjukan teater selalu ada konflik – kekuatan pendorong mendasar dari sebuah karya teater, baik lakon maupun pertunjukan. Namun, konsep konflik itu sendiri bertentangan dengan idealisme pandangan dunia tentang harmoni, yang sangat kuat terdengar dalam sastra dan seni rupa Italia.

Alasan kedua didasarkan pada prinsip fungsi sosial seni teater. Agar bisa berkembang, diperlukan gagasan tertentu yang menyatukan berbagai lapisan masyarakat, jati diri bangsa, yang disebut-sebut. "latar belakang rakyat yang luas". Namun pada abad 14-15. Orang Italia merasa lebih seperti warga kota masing-masing dibandingkan warga negara secara keseluruhan.

Namun di sini, tepatnya di Italia, fondasi teater humanistik baru telah diletakkan: komedi, tragedi, pastoral dihidupkan kembali; sebuah opera telah dibuat; gedung teater pertama dibangun; prinsip-prinsip panggung profesional dan teater publik dikembangkan, dan dorongan diberikan pada pemahaman teoretis tentang kanon dramaturgi.

Perkembangan teater Italia Renaisans pada dasarnya mengikuti dua jalur: yang disebut. "komedi ilmiah" - la commedia erudite (tragedi sastra juga dapat dikaitkan dengan baris yang sama) dan teater improvisasi rakyat - Commedia dell'arte, yang memiliki pengaruh besar terhadap perkembangan seni teater seluruh dunia.

“Komedi ilmiah” Italia, yang diciptakan oleh para penulis dan pemikir besar abad ke-15-16 (Ludovico Ariosto, Niccolò Machiavelli, Pietro Aretino, Giordano Bruno), sebagian besar merupakan pengulangan dogmatis dari cerita-cerita kuno dan lebih ditujukan untuk kepentingan akademis. lingkaran sempit ilmuwan dan pendidik. Tren yang sama juga menjadi ciri tragedi Renaisans Italia (Gian Giorgio Trissino, Giovanni Rucellan, Luigi Alamanca, Torquato Tasso, dll.). Pada akhir abad ke-16. Perkembangan komedi dan tragedi Renaisans Italia hampir selesai. Namun saat ini, genre drama Italia ketiga, pastoral, telah memperoleh kekuatan dan mendapatkan popularitas yang besar.

Halaman paling cemerlang dari Renaisans Italia pada saat itu dan tetap menjadi teater topeng jalanan improvisasi - komedi dell'arte, pada dasarnya membentuk teater profesional pertama dalam sejarah.

Perkembangan semua genre teater sastra Renaisans Italia disertai dengan titik balik dalam arsitektur teater dunia: pengembangan dan implementasi praktis gedung teater khusus tipe baru, teater “berperingkat” atau “berjenjang”. Berdasarkan prinsip arsitektur teater Vitruvius (abad ke-1 SM), arsitek-reformator Italia Sebastian Serlio dalam bukunya On Architecture (1545) menciptakan konsep umum konstruksi teater, termasuk penataan panggung dan auditorium sebagai satu kesatuan yang harmonis. . Prinsip-prinsip inovatif seni teater dan dekoratif juga diuraikan di sini, termasuk penciptaan pemandangan indah dengan perspektif. Penelusuran Serlio pada abad 16-17. dilanjutkan oleh arsitek Andrea Palladio, Vincenzo Scamozzi, Giovanni Battista Aleotti, Bernardo Buontaletti.

KOMEDI DEL ARTE(commedia dell"arte); nama lain - komedi topeng - adalah teater jalanan improvisasi Renaisans Italia, yang muncul pada pertengahan abad ke-16 dan, pada kenyataannya, membentuk teater profesional pertama dalam sejarah.

Commedia dell'arte muncul dari festival jalanan dan karnaval. Tokoh-tokohnya adalah gambaran-gambaran sosial tertentu yang di dalamnya tidak ditumbuhkan ciri-ciri individual, melainkan ciri-ciri khas. Tidak ada lakon seperti itu di commedia dell'arte; hanya skema plot, naskah yang dikembangkan, yang selama pertunjukan diisi dengan replika langsung yang bervariasi tergantung komposisi penonton. Metode kerja improvisasi inilah yang mengarahkan para komedian pada profesionalisme - dan, pertama-tama, pada pengembangan ansambel dan meningkatkan perhatian pada pasangannya. Faktanya, jika aktor tidak hati-hati mengikuti isyarat improvisasi dan garis perilaku pasangannya, ia tidak akan mampu menyesuaikan diri dengan konteks pertunjukan yang berubah secara fleksibel. Pertunjukan ini adalah hiburan favorit massa, penonton yang demokratis. Commedia dell'arte menggabungkan pengalaman teater lucu, tetapi karakter umum "komedi ilmiah" juga diparodikan di sini. Topeng tertentu diberikan kepada aktor tertentu untuk selamanya, tetapi perannya - meskipun kerangka tipikalnya kaku - bervariasi tanpa henti dan berkembang selama setiap pertunjukan.

Jumlah topeng yang muncul di commedia dell'arte sangat banyak - lebih dari seratus. Namun sebagian besar merupakan variasi dari beberapa topeng dasar.

Commedia dell'arte memiliki dua pusat utama - Venesia dan Napoli. Sejalan dengan itu, muncullah dua kelompok topeng. Bagian Utara (Venesia) terdiri dari Dokter, Pantalone, Brighella dan Harlequin; selatan (Neapolitan) - Coviello, Pulcinella, Scaramuccia dan Tartaglia. Gaya pertunjukan komedia dell'arte Venesia dan Neapolitan juga agak berbeda: topeng Venesia terutama bekerja dalam genre sindiran; orang Neapolitan lebih banyak menggunakan trik, lelucon badut yang kasar. Menurut kelompok fungsinya, topeng dapat dibagi menjadi beberapa kategori berikut: orang tua (gambar satir Pantalone, Dokter, Tartaglia, Kapten); pelayan (karakter komedi zanni: Brighella, Harlequin, Coviello, Pulcinella dan pelayan fantasi - Smeraldina, Francesca, Columbina); kekasih (gambar yang paling dekat dengan para pahlawan drama sastra, hanya diperankan oleh aktor muda). Berbeda dengan orang tua dan pelayan, sepasang kekasih tidak memakai topeng, berpakaian mewah, memiliki seni plastik yang indah dan dialek Tuscan yang digunakan Petrarch untuk menulis soneta. Para aktor yang memainkan peran kekasihlah yang pertama kali meninggalkan improvisasi dan mulai menuliskan teks karakter mereka.

Penulis naskah paling sering adalah aktor utama rombongan (capo commico). Kumpulan naskah cetakan pertama diterbitkan pada tahun 1611 oleh aktor Flaminio Scala, yang mengarahkan rombongan Gelosi yang terkenal. Grup paling terkenal lainnya adalah Confidenti dan Fedeli.

Commedia dell'arte Italia menghasilkan seluruh konstelasi aktor-aktor brilian (banyak di antaranya adalah ahli teori seni panggung pertama): Isabella dan Francesco Andreini, Giulio Pasquati, Bernardino Lombardi, Marc Antonio Romagnesi, Nicolo Barbieri, Tristano Martinelli, Teresa, Catarina dan Domenico Biancolelli, Tiberio Fiorilli dan lain-lain. Rombongan mulai melakukan tur secara luas ke seluruh Eropa - di Prancis, Spanyol, Inggris. Popularitasnya mencapai puncaknya. Namun, pada pertengahan abad ke-17. Commedia dell'arte mulai menurun. Pengetatan kebijakan gereja terhadap teater pada umumnya, dan commedia dell'arte pada khususnya, menyebabkan para komedian menetap di negara lain untuk mendapatkan tempat tinggal permanen. Jadi, katakanlah, di Paris, atas dasar rombongan Italia, teater Komedi Italia dibuka.

Commedia dell'arte mempunyai pengaruh yang sangat besar terhadap perkembangan seni teater dunia. Gemanya terlihat jelas dalam dramaturgi Moliere, Goldoni, Gozzi; pada abad ke-20 – dalam karya sutradara V. Meyerhold,

KOMEDI DEL ARTE(commedia dell"arte); nama lain - komedi topeng - adalah teater jalanan improvisasi Renaisans Italia, yang muncul pada pertengahan abad ke-16 dan, pada kenyataannya, membentuk teater profesional pertama dalam sejarah.

Commedia dell'arte muncul dari festival jalanan dan karnaval. Tokoh-tokohnya adalah gambaran-gambaran sosial tertentu yang di dalamnya tidak ditumbuhkan ciri-ciri individual, melainkan ciri-ciri khas. Tidak ada lakon seperti itu di commedia dell'arte; hanya skema plot, naskah yang dikembangkan, yang selama pertunjukan diisi dengan replika langsung yang bervariasi tergantung komposisi penonton. Metode kerja improvisasi inilah yang mengarahkan para komedian menuju profesionalisme - dan, pertama-tama, pada pengembangan ansambel dan meningkatkan perhatian pada pasangannya. Faktanya, jika aktor tidak hati-hati mengikuti isyarat improvisasi dan garis perilaku pasangannya, ia tidak akan mampu menyesuaikan diri dengan konteks pertunjukan yang berubah secara fleksibel. Pertunjukan ini adalah hiburan favorit massa, penonton yang demokratis. Commedia dell'arte menyerap pengalaman teater lucu, tetapi karakter umum "komedi ilmiah" juga diparodikan di sini. Topeng tertentu diberikan kepada aktor tertentu untuk selamanya, tetapi perannya - meskipun kerangka tipikalnya kaku - bervariasi tanpa henti dan berkembang selama setiap pertunjukan.

Jumlah topeng yang muncul di commedia dell'arte sangat banyak - lebih dari seratus. Namun sebagian besar merupakan variasi dari beberapa topeng dasar.

Commedia dell'arte memiliki dua pusat utama - Venesia dan Napoli. Sejalan dengan itu, muncullah dua kelompok topeng. Bagian Utara (Venesia) terdiri dari Dokter, Pantalone, Brighella dan Harlequin; selatan (Neapolitan) - Coviello, Pulcinella, Scaramuccia dan Tartaglia. Gaya pertunjukan komedia dell'arte Venesia dan Neapolitan juga agak berbeda: topeng Venesia terutama bekerja dalam genre sindiran; orang Neapolitan lebih banyak menggunakan trik, lelucon badut yang kasar. Menurut kelompok fungsinya, topeng dapat dibagi menjadi beberapa kategori berikut: orang tua (gambar satir Pantalone, Dokter, Tartaglia, Kapten); pelayan (karakter komedi zanni: Brighella, Harlequin, Coviello, Pulcinella dan pelayan fantasi - Smeraldina, Francesca, Columbina); pecinta (gambar yang paling dekat dengan pahlawan drama sastra, hanya diperankan oleh aktor muda). Berbeda dengan orang tua dan pelayan, sepasang kekasih tidak memakai topeng, berpakaian mewah, memiliki seni plastik yang indah dan dialek Tuscan yang digunakan Petrarch untuk menulis soneta. Para aktor yang memainkan peran kekasihlah yang pertama kali meninggalkan improvisasi dan mulai menuliskan teks karakter mereka.

Penulis naskah paling sering adalah aktor utama rombongan (capo commico). Kumpulan naskah cetakan pertama diterbitkan pada tahun 1611 oleh aktor Flaminio Scala, yang mengarahkan rombongan Gelosi yang terkenal. Grup paling terkenal lainnya adalah Confidenti dan Fedeli.

Commedia dell'arte Italia menghasilkan seluruh konstelasi aktor-aktor brilian (banyak di antaranya adalah ahli teori seni panggung pertama): Isabella dan Francesco Andreini, Giulio Pasquati, Bernardino Lombardi, Marc Antonio Romagnesi, Nicolo Barbieri, Tristano Martinelli, Teresa, Catarina dan Domenico Biancolelli, Tiberio Fiorilli dan lain-lain. Rombongan mulai melakukan tur secara luas ke seluruh Eropa - di Prancis, Spanyol, Inggris. Popularitasnya mencapai puncaknya. Namun, pada pertengahan abad ke-17. Commedia dell'arte mulai menurun. Pengetatan kebijakan gereja terhadap teater pada umumnya, dan commedia dell'arte pada khususnya, menyebabkan para komedian menetap di negara lain untuk mendapatkan tempat tinggal permanen. Jadi, katakanlah, di Paris, atas dasar rombongan Italia, teater Komedi Italia dibuka.

Commedia del Arte, juga dikenal sebagai komedi Italia atau komedi topeng, adalah pertunjukan teater komik yang dibawakan oleh aktor keliling profesional yang melakukan perjalanan ke seluruh Italia pada abad ke-16. Pertunjukan berlangsung di panggung sementara, kebanyakan di jalan-jalan kota, namun terkadang warga kaya mengundang mereka untuk tampil di rumah mereka. Rombongan terbaik memberikan pertunjukan di istana dan bahkan menjadi terkenal di luar Italia dan melakukan tur ke luar negeri. Musik, tarian, dialog jenaka, dan segala macam trik yang diatur oleh karakter satu sama lain menciptakan efek komik yang unik. Bentuk ini kemudian menyebar ke seluruh Eropa, dan beberapa unsurnya masih dapat ditemukan dalam teater modern hingga saat ini.

Apa yang dia katakan di sana?

Dengan tur, semuanya tidak sesederhana itu. Mengingat banyaknya dialek Italia, timbul pertanyaan: bagaimana orang-orang di berbagai belahan Italia, dan juga negara-negara lain, memahami para aktornya? Tidak mungkin untuk setiap pertunjukan teks lakon diterjemahkan ke dalam dialek yang diinginkan, terutama karena komedi topeng sebagian besar merupakan improvisasi. Semuanya jauh lebih sederhana: agar tidak menyinggung siapa pun, bahkan jika grup tersebut tampil di wilayah asalnya, setengah dari dialog tidak mungkin dipahami. Mengapa? Dan karena, di wilayah mana pun, sang Kapten berbicara dalam bahasa Spanyol, sang Dokter dalam bahasa Bolognese, Pantalone dalam bahasa Venesia, Pulcinella dalam dialek Neapolitan, Brighella dalam dialek Bergamo, dan Harlequin adalah yang paling mudah, dia berbicara omong kosong. Dalam komedi Del Arte, aksi diutamakan, bukan teks sama sekali. Comedy Del Arte adalah permainan tubuh, permainan emosi. Semua gerakannya disengaja, cembung dan dilebih-lebihkan secara maksimal, sehingga tidak mungkin tertukar apakah tokohnya senang atau takut, apakah ia diliputi nafsu atau diliputi amarah.

Alat peraga dari apa yang Anda miliki

Meskipun ada lompatan dalam bahasa, komedi Del Arte sangat cocok untuk tur. Tidak perlu mengangkut set dan kostum dalam jumlah besar, karena kostumnya selalu sama, dan set tersebut dirakit dari apa yang ada. Semua perlengkapan dikumpulkan dari apa saja yang menarik perhatian: beberapa perabot lokal, peralatan dapur, buah-buahan, sapu, sekop, bahkan hewan peliharaan. Harlequin membawa tongkat yang diikat menjadi satu, yang menimbulkan banyak suara. Dari suara tepuk tangan tersebut lahirlah kata “slapstick” yang memberi nama pada komedi “slapstick” yang dikenal juga dengan istilah farce comedy.

Kembali ke belakang

Meskipun terdapat anarki dan ketidakteraturan eksternal, komedi Del Arte adalah seni yang sangat disiplin dan terorganisir, membutuhkan kemampuan untuk berimprovisasi dan merasakan mitra panggung Anda. Keunikan komedi topeng terletak pada pementasannya yang tidak mendefinisikan secara jelas tindakan, adegan, dan perkataan para tokohnya. Lakon tersebut dibangun berdasarkan naskah yang dibuat sketsa secara skematis, yaitu sudah diketahui sebelumnya tentang apa lakon tersebut. Keindahan pertunjukan tersebut terletak pada keunikan masing-masing pertunjukan. Pada saat yang sama, semua aktor menyimpan apa yang disebut lazzi di tempat sampah mereka - rangkaian garis dan gerakan yang telah dilatih sebelumnya yang dapat mereka masukkan ke dalam pertunjukan, tergantung pada reaksi penonton, untuk membuat drama tersebut menarik. mungkin bagi pemirsa. Namun, tidak ada dua pertunjukan yang sama, sehingga permainan yang sama dapat disaksikan berulang kali.

Pengaruh Commedia Del Arte terhadap drama Eropa dapat dilihat pada pantomim Prancis dan harlequinade Inggris. Teater komedi Italia bahkan didirikan di Paris pada tahun 1661. Dan pada awal abad ke-18, komedi topeng bertahan karena pengaruhnya yang sangat besar terhadap bentuk drama tertulis.

Pencipta topeng komedi rakyat adalah para aktornya sendiri, yang sangat aktif di wilayah Venesia. Dalam karyanya itulah para pengunjuk rasa dan sentimen oposisi dari strata demokrasi perkotaan, yang menyikapi menguatnya reaksi feodal-Katolik dengan sindiran tajam dan seni yang dijiwai dengan semangat ceria dan optimistis masyarakat, mendapat ekspresi yang paling gamblang.

Sentimen-sentimen ini tidak tercermin dalam drama sastra yang sedang berada dalam masa kemunduran yang parah, tetapi ketika ada di kalangan masyarakat, mereka mengambil alih. panggung teater dan mendefinisikan semangat pertunjukan panggung.

Realisme dan sindiran di teater ini dipersiapkan karena hubungannya dengan lelucon rakyat, pemeran karakter permanen - topeng- ditentukan oleh jenis karnaval kota yang paling populer, dan repertoar muncul dari perubahan plot komedi tertulis di skenario, diisi dengan materi verbal langsung dari improvisasi aktor.

Jadi, kekurangannya dekat dengan masyarakat drama sastra telah menentukan ciri khas utama komedi dell'arte - improvisasi, yang sebelumnya merupakan ciri khas tontonan rakyat, tetapi dalam komedi dell'arte mendapat perwujudan yang luar biasa dan virtuoso. Improvisasi menunjukkan kemandirian kreatif para aktor; kehilangan dukungan drama, mereka sendiri mengerjakan ulang plot sastra untuk panggung, menjadikan konflik utama sebagai perjuangan antara cara hidup lama dan kekuatan muda baru, menghadirkan galeri gambar satir modern dan kontras dengan arogansi mulia, kepuasan borjuis. dan kecerdikan skolastik dengan semangat, kecerdasan dan energi masyarakat.

Penyebutan commedia dell'arte terus muncul sejak pertengahan tahun 50-an abad ke-16. Kita semakin sering mendengar tentang masker ciri khas teater baru ini. Dokumen memberi tahu kita bahwa pada tahun 1560 pertunjukan topeng berlangsung di Florence; pada tahun 1565 pertunjukan yang sama ditampilkan di Ferrara pada kesempatan kedatangan Pangeran Bavaria, dan pada tahun 1566 - di Mantua di istana; pada tahun 1567 kita pertama kali mendengar nama Pantalone. Dan pada tahun 1568, sudah berada di negeri asing, di Munich, di istana Bavaria, pada kesempatan pernikahan Putra Mahkota, orang Italia yang tinggal di Bavaria menggelar pertunjukan amatir - komedi improvisasi dengan topeng.

Jika para amatir bisa mementaskan komedi improvisasi di suatu tempat di luar negeri, maka tampaknya komedi semacam itu di Italia sendiri sudah menjadi hal yang lumrah. Pantas saja Massimo Troiano, penyelenggara utama dan peserta pertunjukan di Munich, mengenang: “Tidak peduli berapa banyak film komedi yang saya tonton, saya belum pernah melihat orang tertawa seperti itu.” Artinya, Anda cukup sering melihat film komedi saat ini. Rupanya setidaknya beberapa kelompok sudah ada di Italia aktor profesional, yang memberikan pertunjukan dengan topeng dan improvisasi.

Pada pertunjukan commedia dell'arte, suasana santai dan menyenangkan merajai, penonton terus-menerus tertawa melihat kejenakaan dan lelucon para pelayan favorit mereka, pada kejenakaan konyol dan kebodohan yang nyata dari para lelaki tua komik, pada kesombongan yang sombong dan kebohongan yang diucapkan oleh para pelayan. Kapten; dia dengan antusias mengikuti perubahan nasib para kekasih muda dan dengan suara bulat memuji segala macam trik lazzi dan nomor musik, yang dengan murah hati memenuhi aksinya.

Pertunjukan Commedia dell'arte menjadi tontonan favorit khalayak ramai. Teater ini, karena kebangsaan aslinya, memiliki muatan ideologis tertentu: dalam pertunjukannya, kealamian perasaan dan akal sehat masyarakat menang atas keserakahan orang kaya, atas keriuhan kosong “orang-orang bangsawan”, atas keriuhan. filosofi yang dibesar-besarkan dari ilmuwan palsu. Dengan demikian, seolah-olah dengan sendirinya moralitas yang sehat merasuk ke dalam penampilan komedi dell'arte yang ceria dan riang, ditentukan “tugas super” aksinya, yang menjadikan penampilan komedi dell'arte bukan sekadar hiburan yang menyenangkan. , melainkan tontonan yang ceria dan ceria, mengandung makna etika dan sosial tertentu.

Mendefinisikan tujuan ideologis unik dari komedi rakyat topeng, salah satu tokoh terkenalnya, Niccolo Barbieri, yang dijuluki Beltrame, menulis: “Komedi adalah hiburan yang menyenangkan, tetapi tidak badut, instruktif, tetapi tidak senonoh, main-main, tetapi tidak sombong... Pemahaman tentang tujuan komedi ini diungkapkan lebih jelas lagi dalam rumusan Beltrame: “Tujuan seorang aktor adalah mendapatkan keuntungan dengan cara menghibur.”

Manfaat dalam hal ini harus dipahami sebagai mengikuti tugas sosial dan pendidikan tertentu, yang dilakukan dengan sangat baik oleh commedia dell'arte pada saat terbaik dalam perkembangannya.

Popularitas komedi dell'arte yang luas justru ditentukan oleh kebermaknaan genre ini, dan bukan hanya bentuk aslinya. Kritik borjuis terus-menerus menekan persoalan ini. Sengaja mengebiri konten realistik komedi dell'arte, kritik ini mempercantik genre folk, menyatakannya sebagai satu-satunya contoh seni "murni", ketika sang aktor, seolah-olah lolos dari tawanan drama, bertindak secara mandiri dan ketika seni akting muncul dalam bentuknya yang "murni", independen.

Berdasarkan posisi yang salah seperti itu, kritik borjuis menganggap seni khas para aktor komedi dell'arte sebagai properti dari temperamen nasional mereka, kemudahan mereka, kegembiraan murni dari selatan, sementara mengabaikan fakta bahwa aktor-aktor dari negara-negara Eropa selatan lainnya, yang secara etnis dekat dengan Orang Italia, misalnya, Spanyol, atau Prancis, tidak menjadikan improvisasi sebagai dasar keahliannya. Oleh karena itu, gaya akting improvisasi Italia bukan sekedar milik temperamen nasional, tetapi hasil dari kondisi sejarah tertentu yang memaksa aktor Italia untuk menerapkan metode kreativitas ini dalam teater mereka, yang selama periode tertentu, dari Abad 16 hingga 18, menjadi cara bertindak yang benar-benar spesifik secara nasional.

Sifat realistis commedia dell'arte paling banyak diwujudkan dalam topeng-topeng yang muncul dari materi realitas sosial, senantiasa diisi dengan observasi kehidupan baru dan penilaian satir yang tajam terhadap fenomena kehidupan.

Alur cerita commedia dell'arte telah ditentukan sebelumnya oleh penciptaan skenario, di mana para aktornya sendiri, dengan menggunakan alur-alur karya sastra, mencari metode untuk membangun tindakan yang paling menarik, bermakna logis, dan holistik.

Dan akhirnya improvisasi in commedia dell'arte adalah metode di mana para aktor memiliki kesempatan untuk secara mandiri menciptakan tidak hanya sebuah pertunjukan, tetapi juga semacam dramaturgi, bertindak secara bersamaan sebagai pemain dan penulis teater mereka.

Topeng Commedia dell'arte berasal dari karnaval rakyat. Di sinilah jenis-jenis komik mulai bermunculan, yang muncul tahun demi tahun di pesta topeng jalanan, mengungkapkan humor rakyat dan ejekan terhadap kaum bangsawan dan kaya. Tidak mungkin untuk mengetahui secara pasti penampakan topeng karnaval ini, tetapi informasi pertama yang sampai kepada kita tentang topeng tersebut berasal dari tahun 50-an abad ke-16. Misalnya, penyair Prancis Joachim Du Bellay, selama tinggal di Italia pada tahun 1555, mengagungkan topeng karnaval Italia dalam syair-syair lucu - Zanni (topeng pelayan) yang populer dan Venetian Magnifico (nama awal untuk topeng Pantalone). Penulis drama A.F. Grazzini (Laska) juga menamai topeng yang sama dalam “Lagu Karnaval” miliknya.

Lambat laun, topeng karnaval menyerap pengalaman teater lucu: karakter favorit lelucon, terutama tipe petani yang licik dan berpikiran sederhana, bodoh, tampaknya menyatu dengan karakter karnaval, memberi mereka kepastian psikologis dan sosial yang lebih besar. Pada saat topeng naik ke panggung, mereka juga merasakan pengaruh gambar-gambar satir “komedi ilmiah”. Namun, betapapun berbedanya asal usul topeng commedia dell'arte, tren utamanya sama: nada optimis dan sindiran yang menjadi ciri karakter karnaval juga merupakan ciri pahlawan lucu dan, sampai batas tertentu, tipe menuduh. komedi sastra; Oleh karena itu, sintesa yang muncul di panggung commedia dell'arte ternyata cukup organik.

Konsep “topeng” dalam commedia dell'arte memiliki makna ganda. Pertama, ada bahan topeng yang menutupi wajah sang aktor. Biasanya terbuat dari karton atau kain minyak dan menutupi seluruh atau sebagian wajah aktor. Kebanyakan karakter komik memakai topeng; Ada juga di antara mereka yang seharusnya menaburkan tepung di wajah sebagai pengganti masker atau mengecat kumis dan jenggot dengan arang. Terkadang topengnya diganti dengan hidung yang direkatkan atau kacamata besar. Sepasang kekasih itu tidak memakai topeng.

Arti kedua dan lebih penting dari kata "topeng" adalah bahwa itu mempunyai arti tertentu tipe sosial, diberkahi dengan mapan sekali dan untuk selamanya ciri-ciri psikologis, penampilan tidak berubah dan dialek yang sesuai. Hal ini menunjukkan keinginan untuk tipifikasi yang realistis, yang meskipun ciri-ciri individu dari gambar tersebut dikecualikan, namun ciri-ciri tersebut jelas menonjol sifat umum karakter yang dikembangkan oleh orang-orang tertentu status sosial dan profesi.

Setelah memilih topeng, aktor tersebut biasanya tidak berpisah dengannya sepanjang kariernya. kehidupan panggung. Keunikan komedi dell'arte adalah aktornya selalu tampil dengan topeng yang sama. Dramanya bisa berubah setiap hari, tetapi karakternya tetap tidak berubah, sama seperti para pemain karakter ini tetap tidak berubah. Sama sekali tidak ada kemungkinan bahwa aktor tersebut

hari ini dia memainkan satu peran, dan besok dia memainkan peran lain. Hukum panggung ini bertahan sepanjang sejarah teater topeng. Jadi, pada abad ke-18 Antonio yang terkenal Sacchi memainkan topeng pelayan Truffaldino hingga usia yang sangat tua, dan Collalto mulai memainkan Pantalone dari awal. anak muda. Jika rombongan tidak memiliki pemain topeng, topeng tersebut dikeluarkan dari naskah atau aktor menolak plot yang diberikan. Jadi, para aktor komedi dell'arte memainkan peran yang sama sepanjang hidup mereka. Namun peran ini bervariasi dan berkembang tanpa henti dalam setiap pertunjukan yang diberikan. Tugas aktor adalah memerankan sejelas mungkin melalui improvisasi. aktor terkenal karakter, menunjukkan apa yang dilakukan karakter ini, apa yang dia katakan dalam kondisi yang ditentukan oleh naskah dan yang baru saja muncul sebagai hasil improvisasi pasangannya. Tentu saja, dalam kondisi seperti itu para aktor tidak dapat menciptakan penggambaran peran yang mendalam secara psikologis; ciri-cirinya tetap bersifat eksternal, tetapi bersifat berlebihan, tendensius yang diungkapkan secara terbuka, dan sandiwara yang jelas. Yang utama adalah sindiran sosial, yang kekuatannya ditentukan oleh ketajaman dan ketepatan ciri-ciri realistik topeng, serta inisiatif kreatif sang aktor.

Jumlah topeng yang tampil di panggung commedia dell'arte sangat banyak: lebih dari seratus. Namun sebagian besar hanyalah modifikasi dari beberapa topeng dasar. Untuk mendapatkan gambaran tentang topeng, cukup menyebutkan dua kuartet topeng: yang utara - Venesia, dan yang selatan - Neapolitan. Kuartet utara terdiri dari Pantalone, Doctor, Brighella dan Harlequin; selatan - Coviello, Pulcinella, Scaramuccia dan Tartaglia. Kedua kuartet tersebut sering kali terdiri dari Kapten, Servetta (atau Fantesca), dan Pecinta. Dalam praktik commedia dell'arte, topeng-topeng ini muncul dalam berbagai kombinasi. Perbedaan antara kuartet utara dan selatan terletak pada fakta bahwa topeng utara dicirikan oleh pengekangan dibandingkan dengan lawakan topeng selatan. Dalam skenario di wilayah utara, terdapat logika tindakan yang lebih besar; penyimpangan dari skenario utama tidak begitu umum terjadi alur cerita, yang terjadi di kalangan orang selatan, yang mengisi pertunjukan dengan lelucon dan trik yang sewenang-wenang.

Produksi opera "Andromeda" di Ferrara. 1639

Semua topeng commedia dell'arte dapat dibagi menjadi tiga kelompok:

1. Topeng pelayan komedi rakyat, mendefinisikan kesedihan optimis, kekuatan satir komedi dell'arte dan dinamika aksi. Topeng ini termasuk Zanni dan Servetta pertama dan kedua.

2. Topeng satir yang menuduh tuan-tuan, yang menjadi dasar aksi badut. Kelompok ini meliputi Pantalone, Dokter, Kapten, Tartaglia; Pada awalnya juga terdapat topeng Biksu, yang karena kondisi sensor, dengan cepat menghilang *.

* (Dalam "Lagu Karnaval" karya A.F. Grazzini (1559) disebutkan tentang topeng Biksu. Tetapi selama periode reaksi feodal-Katolik, Inkuisisi secara ketat memantau pelestarian prestise para pendeta, dan oleh karena itu sosok satir biarawan, yang begitu sering muncul dalam komedi sastra paruh pertama abad ini, segera menghilang. dari panggung.)

3. Topeng Liris Pecinta, yang memuat ciri-ciri pandangan dunia Renaisans yang sehat, yang kemudian agak dilemahkan oleh pengaruh pastoral. Dalam proses pengembangan commedia dell'arte, pasangan kedua ditambahkan ke pasangan single pertama Lovers.

Set desain oleh G. Torelli untuk opera "Bellerophon" di Venesia. 1642

Seperti telah disebutkan, kelompok komedi dell'arte dengan jumlah topeng minimum yang diperlukan untuk membangun aksi kompleks dibentuk pertama-tama di utara, di wilayah Venesia, dan di wilayah Lombard yang berdekatan. Komposisi yang sangat diperlukan ini termasuk para Pecinta, yang perkembangan hubungan di antaranya merupakan intrik plot, Orang Tua, yang berperan menghalangi tindakan kaum muda, dan Zanni, yang, dalam pertarungan dengan orang tua, seharusnya untuk mengakhiri intrik ini dengan bahagia dan membuat lawan mereka malu. Untuk memperdalam sindiran dan memperumit plot, Servetta muncul di samping wanita dari pasangan Pecinta; Mengikuti Zanni, seorang wanita tua, Sang Mak comblang, naik ke atas panggung; dan segera, sambil memutar-mutar kumisnya dan mengayunkan pedangnya yang panjang namun tidak berbahaya, sang Kapten melangkah melintasi panggung. Sekarang pemeran karakter untuk drama tiga babak besar itu sudah siap.

Zanni adalah pengucapan nama Giovanni (Ivan) di Bergamo dan Venesia. Padanan bahasa Rusia untuk Zanni adalah "Vanka".

Zanni paling sering disebut "pelayan", tetapi nama ini murni sembarangan. Mereka menjadi pelayan hanya seiring waktu, tetapi pada awalnya mereka adalah anak-anak petani dari pinggiran Bergamo, di Lombardy, jika kita berbicara tentang topeng utara, atau dari Cava atau Acerra, jika topeng itu berasal dari selatan. Mengapa komedian menempatkan mereka di kota-kota ini?

Para petani di pinggiran Bergamo tidak dapat mencari makan sendiri dari tanah tersebut. Daerah tempat tinggal mereka bergunung-gunung. Bumi akan melahirkan sedikit saja. Oleh karena itu, seluruh pemuda desa harus pergi ke kota untuk mencari uang. Kota kecil Bergamo tidak mampu memuaskan semua orang. Industri saat ini sudah mengalami kemunduran: Italia sedang mengalami masa reaksi feodal. Satu-satunya tempat di mana pekerjaan dapat ditemukan adalah di kota-kota pelabuhan besar: di Genoa dan khususnya di Venesia. Di sinilah para petani Bergamo berjuang. Di sana mereka melakukan pekerjaan tersulit. Mereka adalah buruh, pemuat di pelabuhan, dll. Gambaran yang sama terjadi di selatan. Cava dan Acerra mengirimkan kelebihan populasi di sekitarnya kota-kota besar selatan, dan yang paling penting ke Napoli, di mana mereka mendapatkan penghasilan dari Lazzaroni lokal. Persaingan pasar tenaga kerja ini menyebabkan sikap penduduk perkotaan yang tidak ramah terhadap petani pendatang. Oleh karena itu, petani telah lama menjadi objek sindiran perkotaan: dalam cerita pendek, lelucon, komedi. Penulis cerita pendek terkenal Matteo Bandello, dalam kata-kata tinta Bergamo ini: “Mereka sebagian besar curiga, iri, keras kepala, siap memulai perkelahian dan pertengkaran pada setiap kesempatan; mereka adalah informan, sepatu kets dan selalu penuh dengan hal-hal baru ide... Mereka menyinggung orang-orang di sekitar mereka dengan santai dan mengatur segala macam hal atas lelucon semua orang. Mereka sama menyebalkannya seperti lalat di musim gugur, dan pemiliknya tidak akan pernah bisa berbicara dengan siapa pun secara rahasia tanpa mereka ikut campur dalam percakapan.”

Dalam potret orang Bergame yang digariskan secara tendensius ini, ciri-ciri aslinya masih terlihat jelas karakter rakyat- energi, kemandirian, akal, tidak adanya kecerobohan. Semua ini menjadi dasar topeng Zanni, yang, meski tetap mempertahankan jejak asal usul petaninya, cukup menyesuaikan diri dengan kota dan menjadi juru bicara kepentingan massa perkotaan yang paling luas. Oleh karena itu, penampilan panggung topeng Zanni memperoleh pesona yang selalu menjadi ciri khas para pahlawan pertunjukan lucu dan cerita pendek perkotaan yang cekatan, cerdas, dan jenaka. Zanni diberkahi dengan sisi cahaya dan bayangan dari karakter mereka, dan ini berhasil tipe ini secara realistis cukup meyakinkan.

Di utara, yang paling populer adalah dua topeng Zanni - Brighella dan Harlequin. Mencirikan mereka, Andrea Perrucci, seorang ahli teori komedi dell'arte terkemuka, menulis: “Kedua pelayan itu disebut Zanni pertama dan kedua; yang pertama harus licik, cepat, lucu dan jenaka: dia harus mampu membuat intrik, mengejek, menggiring hidung orang dan menipu orang. Peran hamba yang kedua haruslah bodoh, kikuk, dan gegabah, sehingga dia tidak tahu mana sisi kanan dan mana sisi kiri.”

Brighella adalah Zanni yang cerdas, licik, banyak akal, pemarah, banyak bicara, tidak henti-hentinya mengatur urusannya dan memanfaatkan segalanya. Dia sudah melakukan tugasnya di kota ini, dan dia tidak bisa dibodohi. Dalam semua skenario di mana Brighella bertindak, dialah yang menjadi sumber utama intrik. Harlequin, tidak seperti Brighella, bersifat pedesaan dan naif; dia tetap ceria, tidak malu dengan kesulitan hidup apa pun. Di selatan, Zanni paling populer adalah Pulcinella. Pulcinella lebih sarkastik dibandingkan Zanni lainnya; dia mengenakan topeng setengah hitam dengan hidung bengkok besar dan berbicara dengan suara sengau. Menjadi favorit publik Neapolitan, Pulcinella memperluas jangkauannya, tampil baik sebagai pelayan atau sebagai orang tua yang lucu. Dia segera menjadi pahlawan pertunjukan khusus yang disebut pulcinellata, di mana dia memainkan berbagai peran, menanggapi topik hari itu. Di luar Itali, Pulcinella nampaknya mempengaruhi penciptaan Polichinelle Perancis dan Ponch Inggeris.

Paralel perempuan Zanni adalah Servetta, atau Fantesca, seorang pelayan yang memiliki berbagai nama: Columbina, Smeraldina, Franceschina, Coralline, dll.

Kostum Zanni pertama kali ditata sebagai pakaian petani. Terdiri dari blus panjang yang diikat dengan selempang, celana panjang, sepatu sederhana dan hiasan kepala, juga sangat sederhana. Semua ini terbuat dari linen kasar. Perbedaannya adalah Brighella memiliki kepang kuning yang dijahit di blusnya, menandakan corak bujang. Harlequin mengenakan topi dengan ekor kelinci, simbol sifat pengecutnya, dan tambalan warna-warni pada blus dan celananya, yang seharusnya menunjukkan kepada publik bahwa dia sangat miskin dan bahkan tidak mampu mendapatkan pakaian lengkap untuk dirinya sendiri. Pulcinella memiliki topi runcing dan, seperti Harlequin, pedang kayu yang disebut batocchio. Selanjutnya, Harlequin di Prancis mengubah karakternya - ia menjadi seorang intrik yang anggun dan jahat. Kemudian kainnya yang berwarna-warni berubah menjadi segitiga beraneka warna yang teratur secara geometris dan berlian yang menutupi celana ketat yang memeluk erat sosoknya. Servette, seperti Harlequin, awalnya memakainya pakaian petani dalam tambalan, yang kemudian berubah menjadi setelan soubrette yang elegan: blus warna-warni dengan rok pendek warna-warni.

Korban terus-menerus dari tipu muslihat Zanni dan Servetta adalah Pantalone, sang Dokter dan Kapten.

Pantalone adalah seorang pedagang Venesia, kaya, penuh arogansi dan kesombongan, yang suka mengejar gadis-gadis muda, namun pelit, sakit dan sial. Ia mengenakan jaket merah, celana panjang merah, topi merah, jubah hitam, dan topeng berjanggut abu-abu. Pantalone terus-menerus mencoba untuk menggambarkan dirinya sebagai orang penting, tetapi dia selalu mendapat masalah, karena satu-satunya keunggulannya dibandingkan orang lain - dompet tebal - sama sekali tidak menggantikan kurangnya kelebihan pribadi dari orang bodoh, penuh nafsu, dan egois ini. orang tua.

Topeng Pantalone dipenuhi dengan semangat anti-borjuis, sindiran rakyat, yang menjadi sangat jahat dan tepat pada saat borjuasi Italia berada dalam kondisi kemunduran total. Pedagang Venesia menjadi sasaran sindiran pada paruh kedua abad ke-16; ini tidak akan terjadi dalam empat abad sebelumnya. Pada masa itu, saudagar Venesia itu merupakan sosok heroik di mata orang-orang sezamannya. Dengan kapal-kapal dayungnya, ia menaklukkan Levant, mengubah tentara salib yang angkuh menjadi tentara bayaran, menjalin hubungan dengan kaum Muslim, melakukan perjalanan ke Laut Hitam dan Laut Azov, dan menemukan jalan jauh ke Asia. Dia penuh dengan kehidupan dan semangat juang. Dia masih muda dan berani. Pada pertengahan abad ke-15, karena alasan sejarah yang kita ketahui, kemunduran Italia dimulai. Kekayaannya mulai berkurang. Semangat sebelumnya telah memudar. Keberanian, ruang lingkup, inisiatif luas, kepercayaan diri hilang. Pedagang Venesia itu menjadi tua. Seorang pedagang tua, masih kaya, tetapi sudah kehilangan sumber pengayaan terus-menerus dan karena itu pelit, pada paruh kedua abad ke-16 jatuh ke dalam cengkeraman sindiran. Seolah-olah mengejek kehebatannya yang dulu, ia disebut Magnifico ("luar biasa") dan diabadikan sebagai tokoh komik.

Tokoh satir populer kedua dari commedia dell'arte adalah sang Dokter, seorang pengacara Bolognese, profesor di universitas kuno di sana. Dia memamerkan omelan Latin, tapi salah menafsirkannya tanpa ampun. Pidatonya disusun menurut semua aturan retorika; dia benar-benar mencurahkan kata-kata mutiara yang lumrah, tanpa makna yang paling mendasar. Pada saat yang sama, Dokter selalu dipenuhi dengan rasa hormat yang terdalam terhadap dirinya sendiri. Kepentingan akademis orang ini ditekankan oleh pakaiannya yang ketat. Jubah ilmuwan kulit hitam adalah aksesori utama kostum Dokter. Di bawah jubahnya ia mengenakan jaket hitam, celana pendek hitam, stoking hitam, sepatu hitam dengan pita hitam, dan di kepalanya ada topi hitam dengan pinggiran besar terangkat di kedua sisinya. Setelan simfoni hitam ini sedikit diramaikan dengan kerah putih, manset putih, dan syal putih yang diselipkan di ikat pinggang. Masker Dokter paling sering hanya menutupi dahi dan hidung. Dia juga berkulit hitam. Pipi yang tidak tertutup topeng memerah secara berlebihan - sebuah indikasi bahwa Dokter sering dihangatkan oleh anggur.

Topeng Dokter adalah sindiran terhadap pemikiran skolastik yang mematikan. Topeng ini dalam perkembangannya telah mengalami evolusi yang sama dengan topeng Pantalone.

Masa lalu para profesor Bolognese cukup terhormat. Bologna telah menjadi pusat pembelajaran di Italia sejak abad ke-12. Universitasnya adalah yang tertua di Eropa. Para pengacaranya telah menciptakan reputasi yang baik untuk diri mereka sendiri. Otoritas mereka, reputasi mereka, dan kesadaran akan kebutuhan sosial dari aktivitas mereka memastikan bahwa para pengacara, hingga abad ke-15, memiliki kedudukan yang tinggi di mata masyarakat. Di Florence, sejak abad ke-13, tujuh perusahaan kota “senior” dipimpin oleh sekelompok pengacara. Belakangan, ketika pentingnya peran pengacara secara sosial mulai berkurang, ketika kaum humanis berjuang keras melawan mereka, para ahli hukum sering kali menjadi bahan cemoohan dalam cerita pendek dan “komedi terpelajar”. The Doctor juga menjadi topeng yang cukup populer di commedia dell'arte. Singkat kata, pengacara Bolognese, seperti halnya saudagar Venesia, berubah dari sosok terhormat menjadi sosok komikal. Arus kehidupan menyusulnya. Dia mandek secara biasa-biasa saja dan tak berdaya. Dalam sains, yang pernah ia ciptakan dan kuasai, ia menjadi seorang pengrajin. Satir sosial tidak bisa melewatkan objek yang begitu bersyukur, dan komedi topeng menggunakannya dengan caranya sendiri.

Namun topeng sang Dokter tidak hanya mengolok-olok tipe ilmuwan yang sudah ketinggalan zaman, makna sebenarnya dari topeng tersebut adalah bahwa selama tahun-tahun reaksi feodal-Katolik, pemikiran skolastik yang mati jelas-jelas menjadi dominan. Pemikiran humanistik, yang pernah menang atas skolastisisme abad pertengahan, kini mendapati dirinya terbelenggu oleh dogmatisme ganas para ideolog reaksioner. Sosok komik sang Dokter memperoleh cita rasa yang benar-benar suram, terutama jika kita ingat bahwa pada tahun-tahun ketika obrolan sombong dari orang bodoh bersertifikat ini terdengar, sejumlah ilmuwan semu, skolastik, dan ahli metafisika yang reaksioner dengan kejam menganiaya Galileo yang agung dan, dengan bantuan Inkuisisi Suci, mengangkat Giordano Bruno yang abadi ke tiang pancang.

Topeng Kapten memiliki makna sosial yang tajam. Mendekam di bawah intervensi Spanyol, orang-orang Italia yang menyamar sebagai Kapten menciptakan sindiran yang terang-terangan dan jahat tentang para budak di sebagian besar negara. Evolusi topeng ini menarik: awalnya sosok “pejuang sombong”, yang ditemukan dalam lelucon rakyat dan “pertunjukan sakral” di depan umum, melambangkan protes rakyat terhadap militer setempat. Prajurit itu belum menjadi kapten, tetapi seorang prajurit sederhana, asal Italia, tetapi pada saat commedia dell'arte terbentuk, topeng ini memperoleh ciri-ciri utamanya. Peneliti komedi dell'arte yang terkenal, aktor dan penulis drama Luigi Riccoboni, menulis: "Kapten Italia kuno diikuti oleh Kapten Spanyol, berpakaian sesuai dengan gaya nasionalnya. Kapten Spanyol sedikit demi sedikit menghancurkan Kapten Italia kuno kampanye Charles V di Italia, karakter ini telah merambah ke kancah kita. Inovasi disetujui, Kapten Italia terpaksa tetap diam, dan Kapten Spanyol tetap menang di medan perang semuanya berakhir dengan pukulan tongkat Harlequin yang menghujaninya.”

Sang kapten mewujudkan ciri-ciri khas para penakluk Spanyol: rasa haus yang berlebihan akan "dominasi dunia", gagasan arogan tentang pilihan bangsanya, peninggian ekstrem atas jasa militer dan pribadinya, dan pada saat yang sama - kepengecutan dan bualan kosong. Pembuatan topeng Kapten di bawah intervensi Spanyol adalah usaha yang sangat berani dan berisiko. Oleh karena itu, para aktor commedia dell'arte harus berhati-hati dalam beberapa kasus. Jadi, berbicara di Napoli, pusat pemerintahan Spanyol; mereka mengubah Kapten menjadi orang Italia atau melunakkan ketajaman karikaturnya. Menunjukkan perlunya tindakan pencegahan seperti itu, Perrucci menulis: “Ketika dia (Kapten) digambarkan sebagai orang Spanyol, kesopanan harus diperhatikan, karena negara ini, yang sangat ambisius, tidak menoleransi ejekan.”

Topeng Kapten memang bisa menimbulkan kemarahan di kalangan penakluk yang sombong. Bukan tanpa alasan bahwa gubernur Milan pada tahun 1582 mengusir para komedian dari kota dan seluruh wilayah karena hukuman cambuk dan galai.

Kapten muncul di tempat kejadian dengan teriakan yang menakutkan: “Darah dan api! Dia berteriak bahwa Italia gemetar di hadapan nama Kapten Teror dari Lembah Neraka (Spavento della Balle Inferna), bahwa dia menakuti seluruh Prancis, bahwa, lahir di tepi Guadalquivir, dia menyerang seluruh pasukan dengan pedangnya, bahwa dengan tatapannya yang layu dia menghancurkan tembok benteng dan dengan satu nafas menyapu Pegunungan Alpen dan Pyrenees dari muka bumi. Dia menyatakan dirinya sebagai pemilik segalanya bola dunia. Dia tidak akan melewatkan satu hari pun tanpa membunuh orang Moor, menghancurkan bidah, atau merayu seorang putri. Dia disajikan tiga hidangan untuk makan malam: yang pertama - dari daging Yahudi, yang kedua - dari daging Turki dan yang ketiga - dari daging Lutheran.

Dia khususnya senang berbicara tentang kemenangannya yang gagah berani atas bangsa-bangsa bukan Yahudi. Suatu ketika, selama pengepungan Trebizond, dia secara pribadi memasuki tenda Sultan dan, sambil menjambak janggutnya, menyeretnya ke kampnya, mengalahkan seluruh pasukan musuh dengan tangannya yang bebas. Ketika dia memasuki kota, lapisan lapisannya dipenuhi anak panah yang sangat banyak sehingga dia disangka sebagai landak. Sejak saat itu, perisainya mempunyai lambang berbentuk landak. Semua kebanggaan Kapten ini sepenuhnya arti sebenarnya: ini adalah karikatur yang dilebih-lebihkan mengenai “keberanian” sebenarnya dari militer Spanyol yang reaksioner, sebuah penggambaran yang berlebihan mengenai kebijakan-kebijakan aktual monarki feodal Katolik.

Diliputi oleh khayalan keagungan, Kapten memperkenalkan dirinya kepada publik sebagai berikut: “Saya Kapten Teror Lembah Neraka, dijuluki Iblis, Pangeran Ordo Kavaleri, Termigis, yaitu pengganggu terhebat, mutilator terhebat, pengganggu terhebat, pembunuh terhebat, penjinak dan penguasa alam semesta, putra gempa bumi dan kilat, kerabat kematian dan sahabat karib iblis neraka yang agung."

Teriakan mengerikan dari “penjinak dan penguasa alam semesta”, dengan segala bentuknya yang fantastis, memiliki makna yang nyata jika kita mengingat bahwa mereka diucapkan pada masa pemerintahan Philip II, yang menyatakan dirinya sebagai penguasa seluruh dunia kolonial, merebut tanah Portugal, Belanda, Italia, Jerman, membuat takut Perancis dan Inggris dan mengakhiri pemerintahannya dengan keruntuhan politik dan ekonomi Spanyol sepenuhnya.

Sisi lain dari "kehebatan" Spanyol ini diekspresikan dalam karakter Kapten yang karikatur, tetapi nyata, dan bukan fiktif.

Kaptennya adalah seorang pengecut yang menyedihkan, pembohong dan orang miskin. Setelah banyak omelan tentang kekayaan luar biasa yang dimilikinya, ternyata dia bahkan tidak mengenakan kaos dalam. Setelah cerita fantasi tentang kemenangannya yang tak terhitung jumlahnya, diketahui bahwa pedang Kapten bahkan tidak memiliki bilah dan bahwa dia tidak hanya menahan pukulan Harlequin, tetapi juga berlari cepat bahkan dari lelaki tua Pantalone, yang mengancamnya. Benar, saat dia melarikan diri, dia berteriak bahwa dia akan menyiapkan kuburan untuk musuhnya, atau dia menjelaskan kemundurannya yang memalukan dengan mengatakan bahwa dia sendiri yang akan pergi ke Mars untuk meminta izin membunuh musuhnya.

Terlepas dari semua kemeriahannya, Kapten memainkan peran paling menyedihkan di atas panggung dan mengalami segala macam penghinaan. Perrucci berbicara tentang dia sebagai karakter yang selalu ditertawakan oleh wanita, pelayan, dan pelayan. Satir rakyat sangat kejam dalam kasus ini. Sifat realistis dari topeng Kapten ditekankan oleh pakaian luarnya. Topeng ini tidak memiliki kostum teater standar seperti topeng lainnya. Kapten harus mengenakan setelan militer modern yang sangat mencolok. Paling sering, Kapten berpakaian hitam, mengenakan topi besar bertepi lebar dan pedang panjang disolder ke sarungnya sehingga tidak bisa ditarik.

Karakter satir juga termasuk Tartaglia - topeng Neapolitan yang menggambarkan seorang notaris, hakim, polisi atau orang lain yang berwenang. Tartaglia memakai kacamata besar untuk kepentingan dan tergagap; Kegagapan ini terus-menerus memunculkan permainan kata-kata cabul yang tidak disengaja, yang mana Tartaglia dengan murah hati dihadiahi dengan pukulan dengan tongkat.

Alur liris pertunjukan commedia dell'arte dibawakan oleh The Lovers. Berbeda dengan pelayan dan tokoh satir, mereka tidak memakai topeng. Sementara dalam komedi sastra paruh kedua abad ke-16 citra pahlawan Renaisans benar-benar hilang, commedia dell'arte adalah satu-satunya genre di mana moralitas alami yang sehat, tanpa prasangka kelas dan properti, dipertahankan dalam citra sepasang kekasih muda. . Para pemuda, dalam mengejar kekasih mereka, terus-menerus terlibat dalam pertempuran dengan lawan yang kaya dan mulia, tetapi bodoh, tua dan pelit dan, dengan bantuan para pelayan yang usil, mengalahkan mereka. Kemenangan para Pecinta dan hamba-hambanya adalah kemenangan perasaan dan usaha yang tulus dan bersemangat. Para pecinta diberkahi dengan puisi, keanggunan sopan santun, dan daya tarik eksternal. Mereka mengenakan pakaian modis modern; wanita bersinar dengan perhiasan, dalam kasus lain asli. Mereka berbicara bahasa sastra, tahu banyak puisi, sering memainkan berbagai alat musik dan bernyanyi. Dialog liris The Lovers biasanya terlalu luhur, dan monolognya sesuai dengan semangat soneta Petrarch. Pidato The Lovers agak sombong secara retoris, dan ini sampai batas tertentu membawa garis liris commedia dell'arte lebih dekat ke lirik pastoral. Namun perlu dicatat bahwa stilisasi seperti itu menjadi sangat jelas selama tahun-tahun kemunduran genre ini. Pada periode awal, topeng The Lovers diberkahi dengan kesederhanaan perasaan dan dialog yang ringan dan komedi. Meskipun ada beberapa idealisasi, para Pecinta, seperti semua topeng lainnya, dianggap sebagai karakter yang mewujudkan ciri-ciri realitas yang hidup.

Hubungan antara topeng dan kehidupan menjadi bukti bahwa commedia dell'arte, di masa terbaiknya, berupaya keras untuk merefleksikan realitas secara realistis. Kecenderungan realisme ini tidak hanya tercermin pada penampilan sosial dan psikologis topeng, tetapi juga dalam tutur katanya. Setiap topeng berbicara dengan dialek (kata keterangan) yang sesuai.

Hingga saat ini, para sejarawan teater menganggap dialek hanya sebagai detail yang lucu, padahal perannya jauh lebih signifikan.

Dialek di Italia masih menjadi alat komunikasi utama antar manusia. Orang Italia sendiri percaya bahwa sembilan per sepuluh penduduknya berbicara dengan dialek dalam kehidupan pribadi, sebagai suatu peraturan, tentu saja, juga mengetahui bahasa sastra. Pada abad ke-16, dialek tetap mempertahankan vitalitas penuhnya, terdengar di mana-mana - dalam percakapan, tulisan, dalam pertunjukan badut di depan umum di karnaval - dan, tentu saja, berpindah ke commedia dell'arte. Topeng itu berbicara dengan dialek tempat asalnya.

Segala macam lelucon, ucapan-ucapan aneh, ucapan, teka-teki, dongeng, lagu-lagu terdengar di atas panggung sepanjang waktu dan memberikan aksi ciri-ciri pertunjukan rakyat. Pada periode pertama perkembangan commedia dell'arte, dialek menghubungkannya dengan kesenian rakyat dan menghubungkannya dengan masyarakat. Tentu saja, ciri-ciri dialek hanya merupakan ciri khas topeng komik. Pantalone berbicara bahasa Venesia, Zanni berbicara bahasa Bergamo, Dokter berbicara bahasa Bolognese, dan Kapten berbicara bahasa Neapolitan. Para pecinta berbicara dalam bahasa sastra (dialek Tuscan).

Ciri khas lain dari commedia dell'arte adalah tidak adanya drama tertulis yang digantikan oleh naskah. Menurut definisi Perrucci, naskah adalah “tidak lebih dari sketsa serangkaian adegan pada topik tertentu, dan tindakannya ditunjukkan secara singkat, yaitu apa yang harus dikatakan dan dilakukan oleh pemain improvisasi, dibagi menjadi babak dan adegan.”

Karena kehilangan manfaat sastra dan sama sekali tidak menetapkan tugas untuk menciptakan gambaran psikologis, naskah commedia dell'arte tetap memiliki arti yang sangat signifikan bagi perkembangan tidak hanya Italia, tetapi juga seluruh seni teater Eropa Barat. Kelebihan sejarah utama penulis naskah adalah bahwa merekalah yang pertama kali menetapkan hukum pertunjukan panggung. Mendefinisikan kekuatan menarik dari komedi dell'arte, N. Barbieri menunjukkan bahwa “plot yang dibangun dengan baik adalah kesenangan sejati bagi pikiran yang tajam... Kenikmatan yang disampaikan oleh drama-drama semacam itu terletak pada daya tarik dari kecelakaan-kecelakaan yang dapat dijelaskan dengan baik, di mana, bahkan tanpa adanya lelucon-lelucon lucu, orang dapat menemukan kesatuan plot dan kohesi adegan-adegan yang ditampilkan dalam kebutuhan yang sangat mendesak."

Penetapan alur pertunjukan yang efektif sebagai syarat terpenting untuk pertunjukan panggung merupakan manfaat yang tak terbantahkan dari commedia dell'arte, ketika teater itu sendiri, yang berjuang untuk ekspresi maksimal, membangun plot sedemikian rupa sehingga menjadi yang paling mengesankan. hal pertunjukan panggung.

Komedian Italia, setelah menguasai pengalaman komedi sastra dan melaluinya pencapaian komedi kuno, menghasilkan pertunjukan yang sangat efektif dan menawan di panggung nasional. Benar, plot-plot komedi dell'arte sering kali memiliki tipe yang sama dan secara tematis kurang kontennya, namun tetap saja proses pemupukan komedi tersebut teater rakyat drama sastra.

Naskahnya tetap menjadi monumen material perjalanan komedi dell'arte selama dua abad. Tidak semuanya ditemukan, dan sangat sedikit yang dipublikasikan. Sejumlah besar skrip tersedia dalam bentuk tulisan tangan di koleksi perpustakaan besar Italia. Kumpulan skrip cetak pertama diterbitkan pada tahun 1611 oleh aktor Flaminio Scala, yang merupakan direktur grup komedi dell'arte terbaik saat itu - "Gelosi". Dalam bentuk tulisan tangan terdapat koleksi Locatelli (1618 - 1622), Gherardi (1694), dan koleksi Count Casamarchano (1700). Menarik untuk dicatat kumpulan komedi dan pertunjukan sampingan yang dipresentasikan di istana Anna Ioannovna selama tur orang Italia di Rusia, yang diterbitkan oleh Akademisi V. N. Peretz pada tahun 1916. Banyak skrip individual dicetak waktu yang berbeda oleh berbagai peneliti*. Total jumlah skenario yang kita ketahui mencapai kurang lebih seribu.

* (Dalam terjemahan Rusia, sejumlah naskah diterbitkan dalam "Antologi Sejarah Teater Eropa Barat" ed. S.S.Mokulsky, jilid 1, ed. 2, “Seni”, M, 1953, dan dalam buku karya A.K. Dzhivelegov “Italian Folk Comedy”, Akademi Ilmu Pengetahuan Uni Soviet, M., 1954.)

Sumber plot naskah awalnya adalah “komedi ilmiah”. Belakangan, ketika para aktor mulai melakukan tur ke berbagai negara, mereka mulai menggunakan dramaturgi Eropa; Komedi Spanyol, yang kaya akan plot, sangat populer di kalangan mereka. Oleh karena itu, banyak cerita drama dunia yang diangkat ke panggung melalui naskah komedi dell'arte. Namun, ada juga hubungan sebaliknya. Jadi, setelah orang Italia menggunakan komedi dramawan Spanyol Tirso de Molina “The Mischief of Seville” sebagai naskahnya, naskah ini menjadi dasar plot untuk komedi Moliere “Don Juan”. Selain plot komedi tertulis, penulis naskah dengan murah hati menggunakan plot cerita pendek dan bahkan karya puisi, misalnya, "Roland the Furious" oleh Ariosto.

Naskah Commedia dell'arte sebagian besar bersifat komedi, namun terkadang juga terdapat tragedi, pastoral, dan ekstravaganza. Jadi, dalam koleksi Flaminio Scala ada empat puluh komedi, satu tragedi dan satu pastoral. Teks naskah biasanya didahului dengan daftar karakter dan daftar alat peraga yang diperlukan. Selain itu, ringkasan singkat tentang peristiwa-peristiwa dalam drama tersebut dapat diberikan. Sebelum setiap babak, dan dalam naskah selalu ada tiga babak, diberikan indikasi tempat dan waktu aksi.

Terus menambahkan materi baru ke dalam peran mereka, para aktor commedia dell'arte hanya bisa menggunakan metode improvisasi, hanya teknik akting di mana mereka mempertahankan kemandirian kreatif sepenuhnya.

Improvisasi sebagai sebuah metode tentu saja telah dipraktikkan sebelumnya; itu menjadi dasar dari setiap teater yang awalnya berkembang di era cerita rakyat. Improvisasi tidak terbatas pada atelan dan pantomim kuno; itu ditemukan di antara para sejarahwan dan bahkan dalam misteri dalam peran setan. Namun, kecuali komedi dell'arte, tidak ada improvisasi yang menjadi esensi dan dasar pertunjukan teater.

Alasan munculnya improvisasi adalah karena di Italia dramaturgi tidak dapat menciptakan teater profesional; Teater ini diciptakan oleh Commedia dell'Arte. Ia harus membangun sebuah pertunjukan, mengganti lakon dengan naskah yang tidak didasarkan pada dramaturgi, tetapi pada seni akting, yang dasarnya adalah metode improvisasi. Alasan lain untuk transisi ke improvisasi adalah keinginan untuk membebaskan diri dari sensor, yang sangat ketat pada masa reaksi feodal-Katolik. Bagaimanapun, pertunjukan improvisasi tidak dapat disensor terlebih dahulu, karena drama tersebut tidak memiliki teks tertulis.

Improvisasi telah menjadi sekolah keunggulan profesional yang unggul. Metode improvisasi membutuhkan aktivasi besar-besaran dari setiap orang kemungkinan kreatif aktor. Aktor commedia dell'arte, selain mempelajari dengan cermat kehidupan di sekitarnya, tanpa lelah harus menambah bekal pengetahuan sastranya. Dalam risalah teater pada masa itu, yang berisi instruksi kepada para aktor, seringkali ditemukan indikasi bahwa seorang aktor harus semakin banyak mengambil materi baru untuk perannya dari buku. Dan jika para pemeran topeng komik mengisi akalnya dengan membaca segala macam kumpulan lelucon dan segi, maka para pemeran yang berperan sebagai sepasang kekasih dituntut untuk menguasai puisi. Mencirikan karya aktor improvisasi, N. Barbieri menulis: “Tidak ada buku bagus yang belum mereka baca, tidak ada pemikiran baik yang tidak mereka gunakan, tidak ada deskripsi yang tidak mereka tiru, tidak ada pepatah yang tidak mereka ambil. keuntungan karena mereka banyak membaca dan mencuri buku.” Namun, dengan memasukkan potongan-potongan puisi ke dalam peran mereka, para aktor mampu menggabungkannya dengan sangat terampil sehingga menciptakan kesan lengkap tentang sebuah kata hidup yang berasal dari jiwa mereka sendiri. Metode improvisasi tidak hanya membutuhkan pengetahuan yang baik tentang teks sastra, tetapi juga menentukan perkembangan bakat puitis sang aktor. Menekankan aspek ini, aktris komedian dell'arte terkenal Isabella Andreini menulis: “Betapa banyak upaya yang harus dilakukan alam untuk memberikan dunia seorang aktor Italia. Dia dapat menciptakan aktor Prancis dengan mata tertutup, menggunakan bahan yang sama dari mana burung beo dibuat, yang hanya bisa mengatakan bahwa mereka dipaksa untuk mengucapkannya dengan sepenuh hati. Betapa lebih unggulnya orang Italia, yang melakukan improvisasi segalanya sendiri dan yang, berbeda dengan orang Prancis, dapat disamakan dengan burung bulbul, yang mengarang. getarannya sesuai dengan keinginan sesaat dari “sikap” aktor Italia.

Ini sama aktivitas kreatif menemani sang aktor saat hadir langsung di atas panggung. Tanpa keadaan seperti itu, tindakan improvisasi tidak akan mungkin terjadi. Namun improvisasi yang menggerakkan aksi pertunjukan secara keseluruhan memerlukan, dalam kata-kata A. Perrucci, “koordinasi orang-orang yang berbeda”; improvisasi yang terisolasi dan independen oleh satu aktor akan segera menghancurkan alur aksi dan bahkan logika plotnya. Oleh karena itu untuk manajemen yang benar Dalam dialog improvisasi, aktor perlu memantau dengan cermat improvisasi rekannya, mencari insentif untuk pengembangan lebih lanjut improvisasinya sendiri dalam pernyataannya yang segera muncul. Dengan cara ini, salah satu hukum terpenting kreativitas panggung didefinisikan - hubungan yang tidak dapat dipisahkan dengan pasangan, atau, dalam istilah modern, prinsip komunikasi dalam seni akting, sebagai akibatnya ansambel telah dibuat.

Namun improvisasi dalam commedia dell'arte tidak hanya berupa penciptaan teks verbal. Metode ini juga menentukan garis pertunjukan pantomimik yang efektif secara langsung, yang diekspresikan dalam semua jenis lawak.

Unsur badut awalnya terkonsentrasi pada dua momen pertunjukan: di akhir babak pertama dan di akhir babak kedua. Inilah yang disebut "lazzi". Kata "lazzo" adalah manja latto - tindakan, dan "lazzi" - jamak kata yang sama. Lazzo artinya trik badut, tidak ada hubungannya dengan plot dan paling sering dilakukan oleh satu atau dua Zanni. Ada daftar panjang lazzi - lazzo dengan lalat, lazzo dengan kutu, dll, sayangnya, tidak selalu disertai dengan penjelasan yang diperlukan. Oleh karena itu, arti dari beberapa lazzi hilang bagi kita.

Buffoonery merupakan salah satu unsur teknik panggung commedia dell'arte, namun pada masa kejayaan teater tidak pernah memenuhi keseluruhan pertunjukan. Badut tersebut dialokasikan pada waktu yang berbeda-beda sebanyak yang diperlukan untuk mengungkapkan tujuan utama pertunjukan; hal itu seharusnya tidak mengganggu rangkaian perkembangan intrik. Semakin mendekati akhir abad ke-17, lawak mulai berubah menjadi tujuan itu sendiri.

Pertunjukan commedia dell'arte menampilkan sintesis musik, tarian, dan kata-kata. Perpaduan yang harmonis dari seni-seni ini tidak selalu dapat dicapai sampai akhir, namun inilah yang diperjuangkan oleh teater.

Dasar dari pertunjukan itu adalah seni aktornya. Segala sesuatu yang lain tunduk pada hal ini. Oleh karena itu kesederhanaan dalam desain. Setnya tidak berubah (kesatuan tempat dipertahankan dalam naskah): dua rumah di sisi panggung, backdrop dengan beberapa bentang, di belakang panggung - itulah keseluruhan settingnya. Aksi selalu terjadi di jalan depan rumah atau di balkon dan loggia. Dan jika rombongannya lebih miskin, maka dekorasinya sangat minim; semua perlengkapan teater ditempatkan dalam satu mobil van, para aktor melakukan perjalanan dari kota ke kota, dari desa ke desa dan menampilkan pertunjukan di panggung yang didirikan dengan tergesa-gesa.

Tugas-tugas yang ditetapkan oleh komedian dell'arte menuntut banyak hal dari aktornya. Dia harus memiliki teknik virtuoso, akal, dan imajinasi yang patuh.

Dalam pertunjukan komedi dell'arte, sifat kolektif akting terungkap, aktivitas kreatif seniman panggung dikembangkan, mereka sensasi akut mitra, membuat gambar topeng. Semua ini terjadi hal yang positif dalam perkembangan commedia dell'arte, pengabdian sejarahnya yang luar biasa terhadap seni pertunjukan Eropa Barat.

Teater Italia-lah yang menghasilkan ahli seni panggung pertama yang luar biasa dan menciptakan grup teater pertama. Kelompok aktor yang paling terkenal adalah rombongan "Gelosi" (1568), dipimpin oleh Zan Ganassa (Alberto Naselli), "Confidenti" (1574), dipimpin pada tahun-tahun terakhir keberadaannya oleh Flaminio Scala, "Fedeli" (1601), dipimpin oleh perwakilan generasi kedua dari keluarga akting Andreini - Giovanni Battista Andreini.

Rombongan ini mempertemukan aktor-aktor terbaik Italia, pencipta topeng komedi dell'arte yang populer, ahli improvisasi dan lawakan yang tiada tara. Aktor-aktor luar biasa ini menjadi terkenal karena karya seni mereka tidak hanya di negara asal mereka, Italia, tetapi juga di hampir semua negara di Eropa Barat. Nama Isabella Andreini (1562 - 1604), pencipta citra anggun pahlawan liris, dikenal luas. Dia tampil tidak hanya di komedi dell'arte, tetapi juga di pastoral, dan terlibat di dalamnya

puisi. Suaminya Francesco Andreini (1548 - 1624) adalah salah satu orang pertama yang mengkonsolidasikan gaya lawak di teater Commedia dell'Arte, akhirnya menyelesaikan karakterisasi topeng satir sang Kapten. Dia menerbitkan kumpulan dialog antara Kapten dan pelayannya (Venice, 1607).

Pencipta topeng Pantalone dan Dokter adalah Giulio Pascuati dan Bernardino Lombardi, yang pada akhir abad ke-17 digantikan oleh Marc Antonio Romagnesi. Yang paling populer adalah para aktor yang menciptakan topeng para pelayan - Zanni. Yang paling terkenal di antara mereka adalah Niccolò Barbieri, yang bermain dengan nama Beltrame (meninggal setelah tahun 1640). N. Barbieri, yang sangat mencintai teater topeng, membela hak-hak sipil para aktor dan, mencoba memberikan makna dan logika yang lebih besar pada improvisasi, mengarang drama yang merupakan bentuk unik dari rekaman sastra improvisasi aktor. Yang terbaik adalah komedi “The Foolish, or the Torments of Mezzetino and the Interferences of Scapino” (1629), yang digunakan oleh Moliere saat menyusun komedi pertamanya “Madcap”.

Topeng pelayan Harlequin mendapatkan ketenaran seluruh Eropa dalam karya Tristano Martinelli. Di tahun-tahun berikutnya, Domenico Biancolelli yang terkenal (1618 - 1688) memberikan hasil akhir yang luar biasa pada gambar ini, menggabungkan fitur Zanni pertama dan kedua. Nama Biancolelli, yang tampil terutama di Teater Komedi Italia Paris, dikaitkan dengan awal estetika topeng ini dan Perancisisasinya.

Di antara para pemain topeng Pembantu, perlu disebutkan pencipta gambar Columbina, Teresa Biancolelli, Silvia Roncagli, dan terutama putri Domenico Biancolelli, Catarina Biancolelli, yang dibedakan oleh temperamennya yang cerah dan menular.

Tiberio Fiorilli (1608 - 1696), pencipta topeng Scaramucci - versi baru topeng Kapten, yang berubah menjadi pembual sosial - juga merupakan aktor yang sangat berbakat. Dalam gambar ini, ciri-ciri realisme lebih terasa dibandingkan gambar lainnya. Fiorilli, seperti semua pemain peran Kapten, tampil tanpa topeng, menutupi wajahnya dengan riasan yang aneh, yang tidak menghalanginya untuk menunjukkan ekspresi wajah yang cemerlang.

Namun dengan segenap bakat luar biasa dari para pemain individu, dengan komposisi rombongan yang paling cemerlang, teater komedi dell'arte memiliki kekurangan mendasar yang tidak mampu dihilangkan. Hal ini disebabkan karena commedia dell'arte tidak pernah mampu memberikan penokohan individu yang mendalam terhadap tokoh tersebut. Topeng hampir pasti diasosiasikan dengan klise, improvisasi hampir pasti disertai dengan tekanan dan petikan.

Penulis naskah drama mencari ciri ciri gambar dalam analisis batinnya. Hal ini tidak terjadi pada aktor improvisasi. Karakteristiknya bersifat eksternal. Analisis psikologis hampir tidak ada, dan kedalaman pengalaman manusia tidak dapat diakses olehnya.

Pada masa terbaik perkembangannya - pada paruh kedua abad ke-16 dan dekade pertama abad ke-17 - commedia dell'arte penuh daya hidup. Mengumpulkan banyak penonton di sekitar panggungnya, dia tidak hanya menghibur orang-orang, tetapi juga mengungkapkan kebencian mereka terhadap kejahatan sosial. Menekankan hal ini peran publik Commedia dell'arte, N. Barbieri mencela mereka yang tidak memahami tugas serius yang dihadapi teater rakyat. Dalam sebuah buku dengan judul khas “Permintaan yang ditujukan kepada mereka yang berbicara secara lisan atau tertulis tentang aktor, mengabaikan manfaat dari tindakan gagah berani mereka” (1634), Barbieri mengemukakan pandangannya tentang tugas teater sebagai berikut: “The Penonton, yang menonton pertunjukan, melihat kekurangannya sendiri, yang diekspos dan diejek dalam aksinya. Komedi adalah sebuah kronik yang dapat diakses oleh masyarakat, sebuah narasi bergambar, sebuah episode yang disajikan dengan sangat jelas menunjukkan kronik tanpa mengatakan yang sebenarnya? , hanya hal-hal yang baik, itu akan menjadi kata-kata pujian, bukan kehidupan, bukan cerminan moral."

Singkatnya, kecenderungan utama teater adalah vitalitas gambar dan plot, yaitu cerminan realitas yang realistis. Dalam commedia dell'arte ini melanjutkan tren umum yang menjadi ciri seni Renaisans. Namun dengan menguatnya reaksi feodal-Katolik di teater ini, ideologi humanistik, sindiran dan realisme mulai menghilang.

Kemunduran perkembangan commedia dell'arte dimulai kira-kira pada pertengahan abad ke-17. Tur berkelanjutan ke luar negeri dicuri dari Italia aktor terbaik, terpaksa melarikan diri dari sensor yang kejam dan tergoda oleh biaya yang tinggi. Perpisahan dari tanah sosial asli, dari kehidupan asli berdampak negatif terhadap seni teater. Lingkungan yang memberinya kehidupan menghilang, cerita rakyat, fitur rakyat teater, topeng kehilangan orientasi satir dan pewarnaan sehari-hari dan mengambil tampilan yang lebih abstrak, aksi diisi dengan komedi tanpa alur, teater hilang yayasan nasional, dalam seni akting penekanannya mulai ditempatkan pada aspek eksternal yang murni formal. Commedia dell'arte mulai menunjukkan tanda-tanda aristokratisasi.

Proses kelahiran kembali teater rakyat ini terjadi terutama secara intensif selama tur panjang Commedia dell'Arte di Prancis, di mana, ketika tampil di istana, ia mau tidak mau harus tunduk pada norma estetika selera aristokrat.

Buffoonery kini mulai mendominasi panggung. Akrobat, menari, dan menyanyi mulai menempati tempat yang lebih signifikan. Para aktor tidak lagi memiliki, seperti sebelumnya, cadangan penemuan dan akal yang tidak ada habisnya. Sekarang hampir setiap aktor memilikinya buku catatan(jibaldone), di mana mereka memperkenalkan monolog dan dialog individual, yang mudah dihafal. Pertunjukan periode terakhir tidak hanya penuh dengan lawakan dan akrobat, tetapi juga mulai memupuk situasi yang meragukan, tarian cabul dan pantomim.

Cara bermain improvisasi juga kehilangan makna progresifnya secara historis. Dengan latar belakang pencapaian besar drama Renaisans pada akhir abad ke-16 dan ke-17, metode teater non-sastra jelas menjadi konservatif. Para aktor yang tampil dengan topeng dan mengucapkan teks sesuai kebijaksanaannya, tentu saja tidak bisa menyampaikan ide-ide besar maupun karakter psikologis yang kompleks.

Pada abad ke-18, reformasi Goldoni, yang menetapkan karakter komedi realistis dalam dramaturginya, mewarisi fitur-fitur terbaik dari komedi dell'arte, memberikan pukulan terakhir pada genre itu sendiri, karena pada saat itu komedi dell'arte telah berubah. ke dalam teater bentuk-bentuk yang ketinggalan jaman, mencegah pengembangan lebih lanjut seni teater nasional.

Komedian Italia membawa karya seni mereka ke Pegunungan Alpen sejak awal. Sudah pada tahun 1571, Zan Ganassa, bersama beberapa rekannya, tampil di istana Prancis. Ini terjadi pada masa pemerintahan Charles IX. Henry III mengundang rombongan Gelosi ke Paris, termasuk Francesco Andreini, Isabella Andreini dan Simone da Bologna, yang berperan sebagai Zanni kedua. Tristano Martinelli - Harlequin menghibur istana Henry IV untuk waktu yang lama. Sepanjang abad ke-17, tur komedian Italia di Prancis tidak berhenti. Italia memberi Paris sejumlah aktor hebat, yang tidak hanya belajar dari aktor Prancis, tetapi juga penulis drama Prancis, yang dipimpin oleh Molière sendiri. Pencipta "Tartuffe" mengambil pelajaran seni panggung dari Tiberio Fiorilli - Scaramucci yang terkenal. Tak kalah populer di Prancis pada abad ke-17 adalah Domenico Biancolelli - Harlequin, favorit publik Paris, dan sejumlah aktor lainnya.

Selain Prancis, komedian Italia melakukan tur di Spanyol, tempat Ganassa yang sama menjadi pionirnya, di Inggris, tempat Drusiano Martinelli, kakak laki-laki Tristano, bekerja, dan di Jerman, tempat setelah Perang Tiga Puluh Tahun, yang hampir menghancurkan teater nasional, komedian Italia yang sama membantu memulihkannya. Mereka juga berada di Rusia (1733, 1734 dan 1735).

Tradisi commedia dell'arte yang demokratis dan realistis membuat dirinya terasa di teater boulevard Prancis abad ke-18, mempengaruhi pembentukan opera komik Favard, mendorong perkembangan teater rakyat di Austria, menginspirasi Joseph Stranitsky untuk menciptakan gambaran khas teater rakyat. petani Salzburg, mereka hidup dalam seni aktor jalanan Prancis yang luar biasa Abad XIX Debureau dan dalam banyak manifestasi lain dari kreativitas komedi-badut para aktor dari berbagai negara dan generasi yang berbeda.

Di tanah airnya, tradisi realistik commedia dell'arte dilestarikan tidak hanya dalam perkembangan cabang drama dan teater dialektal, tetapi juga dalam bentuk langsungnya. Pertunjukan dadakan dengan topeng tradisional masih dapat ditemukan di Italia saat ini sebagai salah satu jenis teater rakyat kecil. Sindiran baru memenuhi topeng-topeng lama, Harlequin, yang dicintai masyarakat, menyempurnakan lelucon-lelucon baru, dan mereka mencapai sasaran dengan sangat akurat sehingga Vatikan hingga hari ini mengucilkan para pelaku peran Harlequin.

Rahasia vitalitas commedia dell'arte yang tiada habisnya terletak pada kewarganegaraannya. Itu diciptakan oleh orang-orang Italia setelah mereka juga menggembar-gemborkan awal mula dramaturgi, desain panggung, arsitektur bangunan teater, dan teori drama. Tidak dalam segala hal kreativitas teater Orang-orang Italia pada masa Renaisans juga sama-sama berhasil. Teater Italia tidak menciptakan mahakarya drama tragis dan komedi, tetapi teater inilah yang mengajarkan para aktor untuk mengambil langkah mandiri pertama di bidang akting dan menjadikan kreativitas panggung sebagai jenis seni khusus.