Kostum teater sebagai sebuah karya seni. Kostum teater Eropa dari abad ke-16

Setelah Anda membuat setidaknya satu peran, itu akan menjadi jelas bagi Anda. apa arti wig, janggut, jas, barang penyangga bagi seorang seniman, yang diperlukan untuknya gambar panggung.

K.S.Stanislavsky

DI DALAM kostum teater Semuanya penting: komposisi, plastisitas, ritme, warna, garis. Dan warnanya banyak sekali nilai yang besar bahwa itu bisa disamakan dengan lukisan. Warna sangat penting dalam kostum teater sejarah dan fantasi, serta dalam berbagai kostum. Kostum menciptakan lingkungan tertentu yang telah ditentukan sebelumnya di sekitar orang tersebut, mikrokosmos khusus yang membantu aktor lebih mudah beradaptasi dengan lingkungan baru. kinerja, untuk yang baru lingkungan, kepada orang lain. Tidak seperti jenis seni lainnya, kostumnya sangat fleksibel dan mobile, dapat dengan mudah diubah sebagian atau bahkan seluruhnya. Properti setelan ini lebih dari sekali memungkinkan untuk direfleksikan dengan cepat peristiwa besar kehidupan publik atau informasi lain tentang peristiwa tersebut, terkadang sebelum peristiwa itu sendiri. Dalam hal ini, menarik untuk mengingat kostum periode Revolusi Sosialis Besar Oktober - celana berkuda merah, jaket kulit, budenovka, topi, rompi, syal merah. M. Gorky pernah mengatakan, jika revolusi menciptakan kostum warna-warni, berarti mereka membutuhkannya. Diawetkan kenangan yang menarik tentang tahun-tahun pertama kerja Cheka, tentang bagaimana pada tahun-tahun itu banyak “pembentuk” mencoba beradaptasi dengan penguasa baru negara tersebut. Mereka tidak bercukur, mengenakan tunik tentara yang kasar, dan ada pula yang memakainya jaket kulit. Jaket seperti itu adalah bukti terbaik pandangan politik. Tentu saja, Gorky benar - kostum kaum revolusioner bukanlah suatu kebetulan - kostum tersebut membantu menciptakan gambaran umum tentang orang-orang yang sangat berani, berani, dan tidak mementingkan diri sendiri. Kostum dapat dibuat berdasarkan bentuk atau warna. Setiap elemen dapat menjadi elemen pendukung, namun warna tetap menjadi yang pertama dalam kekuatan dampak emosionalnya. Cukup memberi nama warna apa saja, dan rangkaian asosiatif segera muncul. Tapi ada satu poin penting yang serius: hangat, khususnya warna cerah memperluas secara visual dan mendekatkan sosok aktor kepada pemirsa. Warna-warna dingin yang murni membuat gambar secara visual lebih kecil dan tampak bergerak lebih dalam ke dalam pemandangan.

Berbicara tentang kostum poster, kita bisa mengingat kembali masyarakat India, yang pada masa perjuangan kemerdekaan, atas saran Mahatma Gandhi, berhenti membeli barang-barang Inggris dan memperkenalkan pakaian sederhana yang terbuat dari bahan tenunan sendiri. Orang Inggris menganggap kostum ini sebagai pemberontakan, dan terkadang mereka bahkan ditembak karenanya. Dengan demikian, kostum tersebut mengusung bahasa visual tertentu.

Saat mulai membuat kostum untuk sebuah drama, variety show, sirkus, atau pertunjukan lainnya, sang seniman dihadapkan pada pertanyaan: apa yang akan saya wujudkan, untuk siapa dan bagaimana?

Pertanyaan pertama melibatkan sebuah ide. Konsep gambar dan suasana pertunjukan. Yang kedua adalah pemahaman tentang kewajiban terhadap khalayak dan pengetahuan khalayak.

Ide plot mengantisipasi komposisinya, menentukan karakter karakter, mereka karakter moral, dan karena itu penampilan mereka.

Proses pengerjaan kostum teater dibagi menjadi tiga tahap:

1)masa penimbunan dan pemahaman materi berdasarkan dramaturgi.

Seniman, berdasarkan pengetahuan tentang hukum komposisi, hukum teater, serta tujuan pertunjukan tertentu, menggunakannya dalam karyanya. Baik sutradara maupun aktor terlibat.

2)mengerjakan sketsa

3)terjemahan sketsa ini ke dalam volume dan materi.

Pencarian kebenaran tidak mungkin terjadi tanpa emosi. Oleh karena itu, emosi yang ditimbulkan oleh kostum dan pertunjukan tidak boleh acak, dan pemikiran serta pergaulan harus terorganisir dan terarah oleh seniman. Semuanya sangat saling berhubungan, karena pemirsa mempersepsikan tidak hanya melalui pendengaran dan penciuman, tetapi juga melalui penglihatan. Dan visi adalah sejenis dunia gambaran, yang berkembang karena asosiasi, karena pengalaman hidup. Seorang seniman harus sekaligus menjadi psikolog, yaitu. harus bisa memprediksi asosiasi pemirsanya. Setiap penulis-penulis drama memerlukan bentuk pertunjukannya sendiri-sendiri, oleh karena itu seniman, seperti halnya seorang aktor, harus memiliki kemampuan untuk “berubah” tergantung pada materi apa yang dihadapinya: apakah itu dramaturgi V. Shakespeare, A. Ostrovsky atau N. Pogodin.

Masuk akal secara eksternal tidak selalu menentukan kebenaran besar gambar. Shakespeare merupakan indikasi dalam hal ini. Anda dapat memindahkan prajurit Elsinore dan Denmark asli dengan baju besi berat ke panggung, tetapi dalam pemandangan dan kostum seperti itu Anda tidak dapat memainkan Hamlet, tetapi yang terbaik adegan sehari-hari era Abad Pertengahan utara. Shakespeare, dengan generalisasinya yang kuat, tidak mentolerir verbositas dan detail baik dalam interpretasi sutradara maupun dalam desain. Hal ini membutuhkan pemikiran artistik berskala besar, kesederhanaan dan perhatian maksimal dalam setiap detail. Inilah sebabnya mengapa mengerjakan drama Shakespeare merupakan batu ujian bagi semua orang artis teater.

Arah karya seniman teater juga bergantung pada kebutuhan genre.

Menghadapi teater drama, ia harus ingat bahwa dasar dari pertunjukan adalah aktor dan bahwa tugas utama dekorator adalah menyajikan “presentasi” aktor yang paling menguntungkan, untuk menciptakan keadaan khas untuk catatan dan l yang menekankan makna tindakan.

Dalam satu adegan, artis tampil dalam kesetaraan yang lebih besar dengan para pemainnya. Karena musik diasosiasikan dengan sensasi visual, maka pemandangan di sini berperan sebagai bentuk ekspresi visual musik. Bentuk ini harus mengesankan - oleh karena itu diperlukan permulaan opera yang spektakuler. Namun hiburan tidak boleh direduksi menjadi kehebohan, stensil, dan keindahan, yang bahkan dilakukan oleh para master panggung hebat sekalipun. Dekorator opera terbaik kami, William dan Dmitriev, selalu berjuang dengan kesan opera yang murni eksternal, mampu mengekspresikan semangat monumental sebuah pertunjukan opera dalam bentuk yang cukup singkat dan terkendali. Karena kenyataan bahwa dalam adegan keramaian mereka bertindak kelompok besar aktor, warna kostum mereka menjadi sangat penting. Pergerakan penonton melintasi panggung dapat menambah kekuatan dinamis yang luar biasa pada sebuah tontonan jika artis menemukan kunci warna yang tepat. Jadi, misalnya, seniman F. Fedorovsky dalam opera “Khovanshchina” karya M. Mussorgsky mampu menentukan suasana emosional pertunjukan sesuai dengan musiknya, dengan dramanya yang benar-benar tinggi, melalui gerakan paduan suara dalam warna hitam. dan baju merah serta perubahan warna tersebut di atas panggung.

Seniman teater, berbeda dengan pelukis, pematung, dan seniman grafis, yang dalam karyanya mengungkapkan apa yang ingin mereka sampaikan. saat ini, dapat mengungkapkan pikiran dan perasaannya kepada publik hanya melalui materi dramatis yang sesuai. Semakin tinggi kualitas bahan tersebut, semakin menarik bagi dekorator untuk mengerjakannya.

Drama Soviet memberikan peluang terkaya bagi kreativitas seniman teater. Setiap saat artis harus mencari bentuknya lagi kinerja modern, dan jika hal itu ternyata sedekat mungkin dengan esensi karya dramatis, sulit bagi semua sutradara berikutnya, bahkan yang paling berpengalaman sekalipun, untuk melepaskan diri darinya. Misalnya saja desain "Tragedi Optimis" Matahari. Vishnevsky di Negara Bagian Leningrad teater akademis drama dinamai A. S. Pushkin (1955) sampai batas tertentu mengulangi solusi dari drama yang sama di Chamber Theatre di Moskow (1933).

Peran serupa dalam teater Soviet dimainkan oleh desain V. Dmitriev atas “Egor Bulychev” karya M. Gorky (Teater Evg. Vakhtangov, 1932), serta “Fracture” karya N. Akimov oleh B. Lavrenev (Teater Evg. Vakhtangov, 1927;) dan N. Shifripym "Tanah Perawan Terbalik" oleh M. Sholokhov (Teater Tentara Soviet, 1957)

E.O elemen terpisah harus diposisikan seperti ini. sehingga mudah dan jelas dilihat oleh pemirsa.” Saat membuat kostum dan skenografi, seniman harus memikirkan pertunjukan secara keseluruhan. Untuk melakukan ini, Anda perlu memisahkan yang utama dari yang sekunder. Tugas utama seniman adalah mencapai kesatuan gagasan, rencana, dan pelaksanaannya.

Tentu saja kostum merupakan bagian yang sangat penting dalam sebuah pertunjukan, tidak hanya bagi pelaku peran tersebut, tetapi juga bagi rekan-rekannya. Kostum terkadang mengungkapkan beberapa ciri dari karakter itu sendiri, yang terselubung dalam lakon.

Namun kesulitannya terletak pada kenyataan bahwa seseorang harus memperhitungkan penampilan aktor itu sendiri dan karakternya, ciri-ciri karakternya. Kostum harus membantu aktor menyampaikan keadaan pikiran karakter selama pertunjukan. Untuk melakukan ini, perlu disediakan interaksinya dengan benda dan karakter lain. Selain itu, sangat penting bagaimana kostum berinteraksi dengan pemandangan, dengan efek pencahayaan yang berbeda.

Bukan rahasia lagi bahwa teater adalah sebuah konvensi, mis. seolah-olah dia “setuju” dengan penonton tentang aturan mainnya. Aturannya selalu berbeda-beda, tergantung tugasnya, namun tetap ada satu hal utama untuk setiap orang: harus ada keselarasan dan rasa. Sangat penting bagi teater bahwa konvensi yang diterapkan dalam pertunjukan ini dapat dipahami oleh penonton. Pelanggaran terhadap ketentuan permainan menyebabkan pelanggaran integritas pekerjaan.

Seiring kemajuan karyanya, seniman berkenalan dengan kostum sejarah, kehidupan pada masa yang akan ditampilkan dalam pertunjukan, dan membuat sketsa kostum yang paling sesuai. Dan, dengan menganalisisnya, kita perlu menemukannya pendekatan modern hingga pengungkapan drama tersebut, yang akan membuat pertunjukan tersebut dapat dimengerti oleh penonton saat ini. Dalam pencarian ini, sang seniman dipandu oleh pandangan dunia modernnya, pengetahuannya tentang estetika modern, dan persepsi yang tinggi terhadap segala sesuatu yang baru dan relevan.

Setelah mendefinisikan konsep dasar, kami beralih ke detail - pengembangan siluet, penyelesaian akhir, dan detail. Dan pada tahap ini terjadi pencarian individualitas masing-masing karakter. Untuk melakukan ini, sketsa kecil digambar berwarna. Mereka mencerminkan jalannya pemikiran dan pencarian.

Tahap selanjutnya adalah sketsa kerja yang disetujui oleh dewan seni dan para aktor. Sketsa kerja harus menjadi panduan yang baik untuk pekerjaan bengkel: sketsa harus dengan jelas mendefinisikan bentuk, siluet, proporsi, dan hasil akhir. Selain itu, sketsa seperti itu harus digambar tidak hanya dari depan, tetapi juga dari belakang, dan dalam kasus siluet yang rumit, dalam profil.

Ketika bagian grafis dari pekerjaan selesai dan sketsa disetujui, tahap penting terakhir pengerjaan kostum dimulai - menerjemahkan sketsa menjadi bahan, menjadi kostum. Bagi artis, yang penting pas. Meskipun setelannya belum siap, Anda perlu mengumpulkan semua kain dan hiasannya, lalu menyematkannya pada manekin terlebih dahulu. Kemudian periksa yang pertama di panggung kesan umum dan nyalakan manekin saat para aktor akan dinyalakan.

Selama pemasangan, para aktor mengatakan bagaimana perasaan mereka dalam kostum ini dan mengungkapkan keinginan mereka. Namun hal utama dalam proses semua sentuhan akhir dan ubahan adalah jangan sampai kehilangan ide pokok, ide. Peter Brook mengatakan ini karena suatu alasan. Apalah pujian yang setinggi-tingginya atas suatu pertunjukan jika dapat dikatakan tuntas. Hanya komposisi yang utuh dan utuh yang dapat disebut sebagai sebuah karya seni.

Dalam kostum teater, siluet tidak hanya ditentukan oleh gaya dominan dalam seni, tetapi juga oleh sifat gambar panggung, data psikofisik aktor.

Setiap setelan biasanya memiliki banyak garis: kontur - siluet, sisi, garis kuk, saku, dan dasi. Semuanya berbeda karakter dan arahnya. Tugas seniman adalah menggabungkannya sedemikian rupa sehingga menjadi sebuah karya dengan cara terbaik sajikan komposisinya. Misalnya, garis vertikal, seperti garis halus dan bulat, menciptakan perasaan tenang saat bergerak; diagonal - lebih hidup; horizontal - perasaan lambat, hampir statis; yang asimetris tampaknya aktif bergerak. Dalam ornamen kuno garis horizontal melambangkan Bumi, garis putus-putus - kekuatan yang tangguh alam (petir), bergelombang - air.

Warna

Kostum dapat dibuat berdasarkan bentuk atau warna. Setiap elemen dapat menjadi elemen pendukung, namun warna tetap menjadi yang pertama dalam hal kekuatan dampak emosionalnya. Cukup memberi nama warna apa saja, dan rangkaian asosiatif segera muncul. Namun ada satu poin penting yang serius: warna-warna hangat, terutama cerah secara visual memperluas dan mendekatkan sosok aktor kepada penonton. Warna-warna dingin yang murni membuat gambar secara visual lebih kecil dan tampak bergerak lebih dalam ke dalam pemandangan.

Diketahui bahwa di negara yang berbeda ah, masuk waktu yang berbeda preferensi diberikan pada warna apa pun atau apa pun skema warna. Preferensi seperti itu diciptakan oleh alasan sosial dan kualitas individu seseorang.

Misalnya, Pavel Ivanovich Chichikov (N.V. Gogol "Jiwa Mati") - "pemilik tanah sesuai dengan kebutuhannya" - tidak dapat mengenakan seragam atau seragam. Namun jas berekor hitam akan terlalu spesifik baginya, karena jas tersebut terlihat jelas pada saat puisi itu dibuat. Dan kemudian dia mengenakan “jas berekor berwarna lingonberry dengan kilauan” ketika dia pergi ke pesta gubernur, di mana “jas berekor hitam berkilat-kilat dan berkibar-kibar secara terpisah dan bertumpuk di sana-sini, seperti lalat yang beterbangan di atas gula rafinasi putih yang mengilap.” Pergantian nama warna Chichikov bukanlah suatu kebetulan. Kemampuan untuk berubah setara dengan ciri-ciri Chichikov seperti: “seseorang tidak dapat mengatakan bahwa dia tua, tetapi dia tidak terlalu muda”, “tidak tampan, tetapi tidak berpenampilan buruk" Dapat diasumsikan bahwa di sini warna Gogol memiliki konotasi emosional - ini adalah sarana karakteristik psikologis karakter. Karena jas berekor hitam menunjukkan kesembronoan pemiliknya, Chichikov, untuk memberikan kesan terhormat, lebih suka memakai jas berekor berwarna.

Dan sekarang tentang derajat saturasi warna, yaitu. tentang nada. Ini berisi kemampuan untuk membangkitkan emosi tertentu. Semua warna di satu sisi abu-abu tampak terang dan menyenangkan (ke arah putih), dan di sisi lain tampak lebih gelap. Terletak di antara keduanya, yang di tengah adalah yang paling tenang untuk mata kita.

Komposisi yang didominasi nada tengah dan dekat membangkitkan perasaan seimbang. Nada tengah menjadi lebih terang atau lebih gelap tergantung pada lingkungan. Putih dan hitam tetap tidak berubah di lingkungan apa pun. Midtone akromatik adalah tolok ukur terbaik untuk menentukan saturasi corak warna dengan tepat.

Untuk mengendalikan dirinya, sang seniman dapat membuat tikar abu-abu sedang untuk sketsanya, dan kemudian ia akan mendapatkan gambaran akurat tentang kelebihan dan kekurangan nada kostumnya.

Dalam kostum rumit dengan banyak detail, tiga nada mungkin tidak cukup. Anda dapat menggunakan satu atau dua warna tambahan, yang harus mengarah pada tiga warna utama agar kostum tidak kehilangan keterbacaan.

Dalam kostum teater, siluet sangat penting, terutama jika kostum sejarah digunakan sebagai dasarnya. Perlu dimodernisasi lebih hati-hati, karena dengan mengubahnya maka ciri-ciri gaya dominan dalam seni rupa pun berubah. Cukup mengubah volume, berat, tekstur, warna, hasil akhir. Namun siluet yang paling mengungkapkan semangat zaman, membawa aromanya, harus tetap dilestarikan pada ciri dasarnya. Meski di teater semuanya mungkin tidak sesuai aturan.

Dalam kostum teatrikal, siluet tidak hanya ditentukan oleh gaya dominan dalam seni. Seberapa besar karakter gambar panggung, data psikofisik aktornya. Namun apapun keputusannya, siluet tetap menjadi elemen terpenting dalam komposisi kostum. Dalam pemodelan, siluet dibagi menjadi siluet struktural, yang mengidentifikasi dan mengulangi bentuk tubuh manusia, serta menonjolkan kelebihannya. Begitu pula dengan ketidaksempurnaan dan dekoratif, yang menyimpang dari kontur alami gambar, menutupi bentuk dan garis. Siluet seperti itu secara visual mendistorsi proporsi. Mereka paling cocok untuk memecahkan masalah kostum yang kompleks: untuk mengidentifikasi gambar unik, untuk membuat kostum dongeng yang fantastis. Mungkin ada siluet yang rumit, yang biasanya terdiri dari satu atau beberapa bentuk geometris.

Garis siluet juga sama pentingnya. Ini mengungkapkan bentuk volume utama dan tambahan pakaian, menciptakan gagasan tentang plastisitas. Garis membantu pemirsa untuk memahami proporsi tidak hanya keseluruhan kostum secara keseluruhan, tetapi juga semua hubungan bentuk-bentuk kecil dan harmoni di dalamnya.

Analisis skenografi

5.a. Opsi pertama. Di tengahnya terdapat lingkaran (silinder berongga), sebagai simbol keniscayaan dan kefanaan. Di atasnya ada tangga tali berbentuk salib Katolik. Cross, bermain dalam drama itu peran besar, sebagai lambang keimanan, bukan yang dipaksakan oleh uskup agung, inkuisitor, dll, melainkan yang membangkitkan harapan. Dari lingkaran ke sisi yang berbeda tangga tali menyimpang dan turun dari panggung. Karena era yang kita pertimbangkan adalah era Inkuisisi, dan akibatnya, era kekejaman dan pengkhianatan, orang-orang muncul di sepanjang tangga ini dari berbagai sudut, seperti ular. Selain itu, dengan latar belakang lingkaran beludru merah terdapat tali serut. Ia turun pada saat terjadi pertumpahan darah, pada saat pecahnya permusuhan. Dan dengan demikian menentukan nadanya. Aku bisa menciptakan gambaran semangat Flanders dengan menggunakan tali gantung, yang dengannya dia bergerak seperti burung.

5.b. Pilihan kedua. Opsi ini didasarkan pada tiang kapal dengan layar dan tangga talinya. Di awal permainan, “layar” ditopang oleh “tiang”; seiring berkembangnya plot, layar diturunkan. Dan kemudian terbuka satu warna merah, lalu abu-abu, lalu oranye. Itu tergantung pada aksi yang terjadi di atas panggung. Silinder berfungsi sebagai tempat paling depan (di awal pertunjukan).

Metode untuk membangun koleksi

Koleksi kostum teater untuk pertunjukan ini

Metode yang digunakan dalam hal ini pekerjaan diploma:

1. komparatif dan analitis.

Berdasarkan metode ini, hal itu dilakukan pekerjaan penelitian tentang studi kostum sejarah Flanders abad ke-16. Berdasarkan hasil penelitian terungkap bahwa pakaian pada masa ini dipengaruhi oleh Perancis dan Spanyol. Dari segi warna, kostum para petani didominasi warna lebih gelap dan earthy dengan berbagai kombinasi menarik. Dan sebaliknya, pada kostum para bangsawan terdapat warna yang lebih cerah dan jenuh. Perbedaan ini adalah pengaruh Spanyol.

Namun dalam koleksi ini diputuskan untuk mengubah prinsip warna kostum sejarah tersebut. Raja, ratu, pengiring istana (semua orang Spanyol) - berpakaian hitam dan putih. Mereka hidup dengan prinsip catur. Dan cara hidup seperti ini tidak bisa disebut kehidupan. Ini adalah permainan. Sekakmat.

2. Metode asosiatif didasarkan pada asosiasi yang diterima dari sumber kreatif, yaitu dalam hal ini dari lakon G. Gorin “The Legend of Tila”.

Setiap karakter dalam drama ini memiliki ciri khas, masing-masing memiliki karakternya sendiri, citra uniknya sendiri. Selain itu, hampir semua karakter berubah sepanjang permainan, akibatnya kostum pun ikut berubah.

Perkenalan

Teater adalah salah satu jenis seni yang mewakili refleksi artistik kenyataan dengan bantuan aksi dramatis. Di teater, para aktor, yang bertransformasi menjadi pahlawan aksi, menciptakan kembali realitas buatan di depan penonton dan menunjukkan perkembangan situasi. Cara untuk mewujudkan karakter dalam produksi apa pun adalah: profesionalisme penampilan aktor, desain artistik adegan, dan hasilnya. aktivitas kreatif desainer kostum, yang mencerminkan gambar artistik karakter, dll.

“Kostum merupakan salah satu benda seni yang paling mulia. Berada di dalam arti tertentu, bagian penampilan manusia, dia membawa dalam dirinya materi pengetahuan yang sangat besar.” Kostum adalah pakaian yang dikenakan seseorang, riasannya, gaya rambut, sepatu, aksesoris (payung, syal, syal, tas kerja, tas, topi, perhiasan). Hanya dalam hal yang rumit itulah konsep kostum menjadi lengkap.

Sketsa kostum teater dapat menjadi ilustrasi yang begitu detail sehingga memungkinkan aktor untuk mengintip penampilan panggungnya dan gambar bagian dalam peran, dan penjahit - struktur dan bentuk pakaian. Sketsa yang bagus- setengah dari kesuksesan seorang aktor, dan pujian terbesar bagi seorang seniman adalah sketsa yang berdiri di depan aktor tersebut di atas meja rias.

Pendekatan untuk memecahkan sebuah sketsa sepenuhnya bergantung pada hati nurani artistik penulisnya. Sketsa memecahkan masalah struktur gambar - seniman memusatkan upayanya pada ketajaman karakter, siluet, sudut yang tidak biasa, keanehan gambar, dan suara warna yang dilebih-lebihkan. Sketsa seperti itu dalam ekspresi cadangannya mengandung esensi gambar panggung. Pada saat yang sama, sketsa mengungkapkan kredo artistik pengarang sebagai pelukis, seniman grafis, dan seniman pada masanya.

Karl Marx percaya bahwa seni hanya dapat dinikmati secara artistik orang terpelajar. Seberapa terdidiknya seorang seniman dalam hal ini, pencipta, pencipta karya seni? Tidak sia-sia artis terkenal Mereka mempelajari seluruh hidup mereka, dan pekerjaan mereka sendiri adalah pengetahuan tentang kehidupan dalam segala manifestasinya.

Ini pekerjaan kursus adalah sebuah karya penelitian. Tujuannya adalah untuk menguasai teknik dan metode gambar grafis sistem terpadu"pria adalah jas." Tugasnya adalah menganalisis sketsa artistik dan kostum di daerah tersebut seni teater dan menggunakannya sebagai sumber kreatif untuk membuat koleksi pakaian orisinal.

sketsa grafis kostum teater

Deskripsi singkat tentang kostum teater

Seperti disebutkan di atas, kostum teater merupakan salah satu elemen desain pertunjukan. Keunikan kostum apa pun adalah tujuan pembuatannya. Dan berdasarkan tujuannya, sebagai suatu peraturan - tujuan sutradara, sebuah gambar artistik dibangun, yang mewujudkan seluruh palet peran kostum, yang selanjutnya dimaksudkan untuk dilakukan.

Dalam sejarah teater, dikenal tiga jenis utama kostum teater: karakter, permainan, dan pakaian aktor. Ketiga jenis kostum utama ini ada di semua tahap seni pertunjukan - mulai dari pra-teater ritual dan cerita rakyat hingga praktik seni modern.

Dalam pertunjukan tradisional Opera Beijing, kostumnya mewakili gambar naga yang tangguh, di teater No Jepang - motif alam, dan di era Barok abad ke-17. - Adil atau Damai. Jika untuk ritual ritual dan aksi cerita rakyat kostum karakter (seperti semua elemen skenografi lainnya) adalah buah kreativitas seniman rakyat anonim, maka pada abad ke-20, seniman mulai menyusunnya sejak awal: I. Bilibin - in opera The Golden Cockerel oleh N. Rimsky-Korsakov (1909), K. Frych - dalam The Storm oleh W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - dalam Tsar Maximilian, P. Filonov - dalam tragedi Vladimir Mayakovsky, dan akhirnya, K. Malevich - dalam proyek Victory over the Sun (ketiga produksi tahun 1913). Dan kemudian, pada akhir tahun 1910-an - paruh pertama tahun 1920-an. serangkaian kostum karakter diciptakan oleh futuris Italia: E. Prampolini, F. Depero dan lainnya, O. Schlemmer dari Bauhaus Jerman, dan dalam balet - P. Picasso, yang menampilkan Manajer yang aneh di Parade.

Kostum permainan membentuk tren keseluruhan dalam skenografi dan digunakan oleh seniman dan sutradara sebagai elemen “palet” sarana ekspresi yang mereka miliki.

Kostum, seperti halnya pakaian seorang tokoh, seringkali menjadi dasar penyusunan jenis-jenis kostum yang dibahas di atas (karakter dan permainan), di semua periode. perkembangan sejarah teater, pada tingkat yang lebih besar atau lebih kecil, merupakan perwujudan di atas panggung dari apa yang dikenakan orang pada periode tertentu. Hal ini terjadi dalam tragedi kuno, dan tetap demikian dalam pertunjukan di zaman kita. Pada saat yang sama, evolusi umum dari jenis kostum ini ditandai dengan pergerakan dari bentuk pakaian asli yang konvensional (di era Barok dan Klasisisme) ke peningkatan keaslian sejarah, geografis, nasional, keakuratan dan keasliannya.

Dalam teater naturalisme dan realisme psikologis, kostum menjadi sepenuhnya sesuai dengan karakter tokohnya, tidak hanya mengekspresikan status sosialnya, tetapi juga statusnya. keadaan pikiran. Pada saat yang sama, baik saat ini maupun di abad-abad yang lalu, kostum tetap menjadi subjek kreativitas khusus para seniman (di antaranya adalah para master paling terkemuka. seni rupa dan skenografi) dan mereka mengarangnya (bahkan kostum yang terlihat sehari-hari yang digunakan sehari-hari, belum lagi yang fantastis), tidak hanya sebagai pekerjaan terpisah, tapi bagaimana caranya komponen penting pertunjukan.

KOSTUM Teater, elemen desain kinerja. Dalam sejarah teater, dikenal tiga jenis utama kostum teater: karakter, permainan, dan pakaian karakter. Ketiga jenis kostum utama ini ada di semua tahap seni pertunjukan - mulai dari pra-teater ritual dan cerita rakyat hingga praktik seni modern.

Kostum karakter adalah sejenis komposisi visual-plastik pada sosok pemain, yang digerakkan olehnya dan disuarakan (dengan mengucapkan teks atau nyanyian), terkadang menyembunyikan sosoknya sepenuhnya, mirip dengan topeng yang menutupi wajahnya. Contoh kostum karakter dalam ritual dan upacara di seluruh dunia. Siluet kostum India berbentuk lonceng adalah parafrase dari kuil menara-tenda Nagara Shakhara dan gunung suci Menu (pusat dan poros dunia dalam mitologi Hindu). Cina - dengan bentuk, desain, ornamen dan warnanya, mengekspresikan simbolisme kosmologis kuno tentang pergantian alami Terang dan Kegelapan, perpaduan Langit dan Bumi dalam tindakan penciptaan dunia. Kostum perdukunan masyarakat Utara mewujudkan gambar burung fantastis yang diasosiasikan dengan “dunia atas” dan seekor binatang (penghuni “dunia bawah”). Rusia Selatan adalah sejenis model Alam Semesta. Dalam pertunjukan tradisional Opera Beijing, kostumnya mewakili gambar naga yang tangguh, di teater No Jepang - motif alam, dan di era Barok abad ke-17. – Adil atau Damai. Jika untuk ritual ritual dan aksi cerita rakyat kostum karakter (seperti semua elemen skenografi lainnya) adalah buah kreativitas seniman rakyat anonim, maka pada abad ke-20, seniman mulai menyusunnya sejak awal: I. Bilibin - in opera Ayam Jantan Emas N. Rimsky-Korsakov (1909), K. Frych - masuk Tapi W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - masuk Tsar Maximilian, P. Filonov - dalam tragedi Vladimir Mayakovsky akhirnya, K. Malevich ada dalam proyek tersebut Kemenangan atas matahari(ketiga produksi tahun 1913). Dan kemudian, pada akhir tahun 1910-an - paruh pertama tahun 1920-an. serangkaian kostum karakter diciptakan oleh futuris Italia E. Prampolini, F. Depero dan lainnya, O. Schlemmer dari Bauhaus Jerman, dan dalam balet - P. Picasso, yang menampilkan Manajer yang aneh di Parade E. Satie dan F. Leger - Dewa Negro di Penciptaan dunia D.Millo. Akhirnya, "arsitektur" kostum kubisme A. Vesnin memperoleh makna karakter dalam penampilan A. Tairov - dalam Isyarat, komposisi Suprematisnya sendiri mengenai sosok pahlawan Phaedra. Pada adegan lainnya - "shell suit" oleh Yu Gas G. Kaiser dan A. Petritsky - masuk Viy, serta kolase fantastis sebagai kostum karakter untuk drama tersebut Inspektur, yang diciptakan oleh siswa P. Filonov (N. Evgrafov, A. Landsberg dan A. Sashin) dengan tema prangko, lambang, stempel, amplop, dll. - karakter Kepala Kantor Pos, resep, tanda tangan, jarum suntik, enema, termometer - karakter Dokter, botol, sosis, ham, semangka, dll. - karakter Manusia Kedai. Pada paruh kedua abad ke-20. kostum sebagai karakter visual independen, ditampilkan secara terpisah dari aktor, sebagai elemen skenografi, diciptakan oleh M. Kitaev dan S. Stavtseva, dan sebagai berbagai macam komposisi figur aktor - K. Shimanovskaya, D. Mataiten, Y. Kharikov.

Kostum akting merupakan sarana untuk mentransformasikan penampilan seorang aktor dan salah satu elemen penampilannya. Dalam aksi ritual dan cerita rakyat, transformasi paling sering memiliki karakter parodi yang aneh, ketika laki-laki berdandan seperti perempuan, perempuan sebagai laki-laki, laki-laki muda sebagai laki-laki tua, kecantikan sebagai penyihir, atau ketika mereka memerankan berbagai binatang. Pada saat yang sama, semua yang ada digunakan: jaket, mantel kulit domba, casing, kulit domba - selalu terbalik, lebih lucu dan lucu, serta pakaian "terbalik" lainnya, yang agak konyol, misalnya celana panjang yang sangat pendek, kemeja yang terlalu lebar, stoking berlubang, segala jenis kain perca, kain perca, kain perca, tas, tali; Segala sesuatu yang disediakan alam digunakan: rumput, bunga, jerami, dedaunan. Terakhir, berbagai dekorasi buatan juga digunakan untuk berdandan: kertas berwarna, kulit kayu birch, kertas timah, kaca, pita, cermin, lonceng, bulu, dll. Teknik penyamaran yang aneh diteruskan ke pertunjukan komedi Yunani kuno dan teater tradisional Timur, di mana teknik tersebut digabungkan dengan penampilan aktor yang bervariasi dengan elemen kostumnya: lengan panjang dan bulu burung pegar di Opera Peking, kereta api, handuk dan penggemar di Noh Jepang. Pertunjukan komedia dell'arte Italia, drama Shakespeare dan Lope de Vega didasarkan pada penyamaran dan penyamaran yang tak ada habisnya. Pada akhir abad ke-18. Emma Hart (Lady Hamilton) mendasarkan tariannya yang terkenal pada permainan selendang, setelah itu teknik serupa (manipulasi dengan syal, seprai, kerudung, dan elemen kostum serupa lainnya) banyak digunakan di teater balet abad ke-19, mencapai titik tertinggi. ketinggian artistik dalam karya L. .Bakst, yang sketsa gambar koreografinya mencakup dinamika berbagai kain terbang, ikat pinggang, selendang, rok, selendang, jubah, jubah, liontin, garter. Pada adegan dramatis tradisi kostum yang mengikuti gerak aktor dilanjutkan - melalui ekspresi kubo-futuris - oleh A. Exter dalam pertunjukan Chamber Theater Salome O. Wilde dan Romeo dan Juliet W. Shakespeare, dan setelahnya muridnya P. Chelishchev dan master lainnya di awal tahun 1920-an: V. Khodasevich dan I. Nivinsky, I. Rabinovich dan G. Yakulov, S. Eisenstein dan G. Kozintsev, akhirnya kembali tampil di panggung balet , dalam produksi oleh K. Goleizovsky - B. Erdman. Jika selama periode ini kostum permainan membentuk tren keseluruhan dalam skenografi, maka pada paruh kedua abad ke-20. mereka juga digunakan secara luas oleh para seniman dan sutradara, namun karena kebutuhan, sebagai sebuah elemen dari “palet” sarana ekspresi yang mereka miliki. Di antara penulis kostum drama modern adalah seniman Georgia Sameuli, G. Alexi-Meskhishvili dan N. Ignatov; contoh serupa dapat ditemukan di teater negara lain: di Polandia, Republik Ceko, Jerman, Italia.

Kostum, seperti halnya pakaian seorang tokoh, seringkali menjadi dasar penyusunan jenis-jenis kostum yang dibahas di atas (watak dan lakon), dalam semua periode perkembangan sejarah teater, pada tingkat yang lebih besar atau lebih kecil, itu adalah perwujudan di panggung apa yang dikenakan orang dalam periode tertentu. Hal ini terjadi dalam tragedi kuno, dan tetap demikian dalam pertunjukan di zaman kita. Pada saat yang sama, evolusi umum dari jenis kostum ini ditandai dengan pergerakan dari bentuk pakaian asli yang konvensional (di era Barok dan Klasisisme) ke peningkatan keaslian sejarah, geografis, nasional, keakuratan dan keasliannya. Dalam teater naturalisme dan realisme psikologis, kostum menjadi sepenuhnya sesuai dengan karakter tokohnya, tidak hanya mengekspresikan status sosialnya, tetapi juga keadaan pikirannya. Pada saat yang sama, baik saat ini maupun di abad-abad yang lalu, kostum tetap menjadi subjek kreativitas khusus para seniman (di antaranya adalah ahli seni rupa dan desain panggung yang paling menonjol) dan mereka menyusunnya (bahkan kostum sehari-hari yang digunakan sehari-hari, bukan untuk disebutkan fantastis ), tidak hanya sebagai karya tersendiri, tetapi sebagai komponen penting dari pertunjukan.

“Bagian set yang ada di tangan para aktor adalah kostumnya.”
Ensiklopedia Perancis.

“Kostum adalah cangkang kedua seorang aktor, itu adalah sesuatu yang tidak dapat dipisahkan dari keberadaannya, itu adalah wajah nyata dari gambar panggungnya, yang harus menyatu sepenuhnya dengannya agar menjadi tidak terpisahkan…”
A.Ya.

Teater adalah suatu bentuk seni sintetik yang memungkinkan kita tidak hanya mendengar, tidak hanya berimajinasi, tetapi juga menonton dan melihat. Teater memberi kita kesempatan untuk menyaksikan drama psikologis dan berpartisipasi dalam pencapaian dan peristiwa sejarah. Teater, pertunjukan teater tercipta melalui upaya banyak seniman, mulai dari sutradara dan aktor hingga desainer produksi, karena pertunjukan tersebut merupakan “konjugasi seni yang berbeda, yang masing-masing dalam rencana ini diubah dan memperoleh kualitas baru…”

Kostum teatrikal adalah komponen gambar panggung seorang aktor; ini adalah tanda dan karakteristik eksternal dari karakter yang digambarkan yang membantu transformasi aktor; cara pengaruh artistik pada penonton. Bagi seorang aktor, kostum adalah materi, suatu bentuk, yang diilhami oleh makna peran.

Sebagaimana seorang aktor, dalam perkataan dan gerak tubuh, gerak dan timbre suaranya, menciptakan wujud baru dari citra panggung, berdasarkan apa yang diberikan dalam lakonnya, demikian pula seniman, berpedoman pada data yang sama dari lakon tersebut, mewujudkan citra tersebut. melalui sarana seninya.

Sepanjang sejarah seni teater yang berusia berabad-abad, desain panggung secara konsisten mengalami transformasi evolusioner, yang disebabkan tidak hanya oleh peningkatan teknologi panggung, tetapi juga oleh semua perubahan gaya dan mode pada zamannya. Hal ini bergantung pada sifat struktur sastra lakon tersebut, pada genre drama, pada komposisi sosial penontonnya, pada tingkat teknologi panggung.

Periode stabilitas struktur arsitektur zaman kuno digantikan oleh tahap primitif Abad Pertengahan, yang pada gilirannya digantikan oleh teater istana kerajaan dengan kemewahan pertunjukan yang mandiri. Ada pertunjukan dalam balutan kain, dengan dekorasi konstruktif yang rumit, hanya dalam desain pencahayaan, tanpa dekorasi sama sekali - di panggung kosong, di atas panggung, hanya di trotoar.

Peran kostum sebagai dekorasi yang “bergerak” selalu dominan. Sudut pandang tentang "hubungannya" dengan aktor, waktu dan sejarah, dan akhirnya, dengan "mitra" langsungnya - desain artistik panggung - berubah.

Dalam proses perkembangan seni yang progresif teater modern, inovasi penyutradaraan, transformasi metode dekorasi Peran seni kostum tidak menurun justru sebaliknya. Dengan pertumbuhan saudara-saudaranya yang lebih muda dan lebih fleksibel - bioskop dan televisi - teater, tidak diragukan lagi, memperoleh bentuk-bentuk teknik spektakuler yang baru dalam pencarian dan penyiksaannya, tepatnya teknik-teknik yang akan mempertahankan dan mendefinisikan posisi teater sebagai nilai abadi dari sebuah seni independen. membentuk. Kostum, sebagai elemen pemandangan teatrikal yang paling mobile, mendapat tempat pertama dalam pencarian ini.

Tinggi budaya modern seni teater, karya penyutradaraan yang halus dan mendalam pada sebuah drama dan pertunjukan, akting berbakat membutuhkan dari perancang kostum yang merancang pertunjukan tersebut penetrasi yang sangat menyeluruh ke dalam dramaturgi pertunjukan, kontak dekat dengan sutradara. Desain modern tidak dikanonisasi oleh aturan. Ini bersifat individual dan spesifik dalam setiap kasus tertentu. “Karya seorang sutradara tidak bisa dipisahkan dari karya seorang seniman. Pertama, sutradara harus menemukan jawabannya sendiri atas permasalahan dasar himpunan. Seniman, pada gilirannya, harus merasakan tugas produksi dan terus mencari cara ekspresif…” Kostum teater pertama kali dibuat dengan menggunakan sarana visual, yaitu sketsa.

Melihat diri Anda mengenakan setelan akhir pekan dalam mimpi berarti Anda akan diundang pesta yang menyenangkan dengan banyak teman baik dan jumlah acar dan minuman keras yang tidak sedikit.

Mengenakan pakaian kerja kasual berarti gaji Anda akan tertunda.

Bermimpi tentang kamu jas pria menandakan kerugian moneter, yang pengisiannya akan memakan waktu lama.

Melihat kostum badut dalam mimpi - Anda akan menemukan bahwa Anda salah tentang seseorang yang dianggap serius dan wajib dalam hubungan bisnis.

Mengenakan kostum badut adalah bahaya menyerah pada godaan hidup mudah yang bernuansa kriminal.

Tafsir mimpi dari Tafsir Mimpi menurut abjad

Berlangganan saluran Tafsir Mimpi!

Interpretasi Mimpi - Setelan tiga potong dan nomor tiga

Mencoba setelan jas tiga potong dalam mimpi berarti Anda tidak berada pada posisi Anda dalam hidup.

Jika seorang wanita melihat mimpi ini, maka ini pertanda bahwa 3 bulan lagi dia akan memutuskan untuk menikah dengan orang yang tidak dia cintai, dan pernikahannya tidak akan bahagia.

Jika seorang anak sekolah mengalami mimpi ini, maka setelah 66 hari dia akan menunjukkan ketidaktahuannya sepenuhnya dalam ujian atau wawancara.

Bagi seorang pebisnis, mimpi seperti itu menjanjikan runtuhnya harapan ambisius dalam 3 minggu ke depan, karena ia memiliki cita-cita yang terlalu tinggi, ia harus menertibkan pikiran dan rencananya.

Tafsir mimpi dari