Apa perbedaan antara lukisan, sketsa, sketsa, dan sketsa? Mana yang lebih baik, kanvas atau karton? Jika lukisan tersebut memuat komposisi multi figur, banyak orang, benda, motif Kristiani dan surealis, inilah Bosch. Perbedaan antara melukis dan menggambar
- Wow, gambarnya bagus! – memuji karya tersebut dan langsung menyinggung artis dengan terminologi yang salah
Anda mungkin tahu, teman-teman, bahwa artis yang baik namun mudah dipengaruhi bisa tersinggung jika Anda memberi tahu dia bahwa dia “melukis” fotonya. Itu sama dengan mengatakan bahwa kapal berlayar di laut... tapi kita semua tahu bahwa kapal berlayar di laut!
Namun, seseorang yang jauh dari seni rupa seringkali tidak bisa mengatakan secara pasti apa itu lukisan, apa itu gambar, dan apa perbedaannya satu sama lain. Oleh karena itu, baik “menggambar” maupun “menulis” adalah satu dan sama baginya. Tapi coba beri tahu sang master bahwa dia memiliki “gambar” yang bagus di atas kanvas!
Tidak ada cara yang lebih mudah untuk melukai sifat kreatif yang sensitif, meskipun pemirsa biasa tidak akan langsung memahami apa yang salah dan menyinggung di sini.
Melukis dan menggambar merupakan konsep yang erat bahkan berkaitan, namun jelas terpisah satu sama lain. Sebagaimana diketahui kapan gambar dilukis dan kapan gambar digambar.
Mari kita coba mencari tahu terminologi di seni rupa . Percayalah, ini tidak hanya penting bagi mereka yang kreatif, tapi juga menarik.
Perbedaan antara melukis dan menggambar
Dalam bahasa formal yang ketat, menggambar - ini adalah gambar dari segala gambar, objek, dan fenomena di pesawat. Anda dapat menggambar dengan kapur, pena, pensil, cat - apa pun yang meninggalkan bekas pada permukaan tertentu.
Secara umum, menggores kaca dengan berlian atau, misalnya, menggambar dengan pena di kelas dan membuat tato juga termasuk menggambar.
Tetapi lukisan - ini juga merupakan gambaran objek dan fenomena, tetapi hanya dengan menggunakan cat. Artinya, secara kering dan formal, seni lukis adalah salah satu pilihan gambar yang menggunakan kuas sebagai alatnya, dan cat sebagai media pembentuk gambarnya.
Dengan kata lain, gambar adalah grafik dan dianggap Secara resmi, segala sesuatu yang dilakukan di atas kertas dianggap grafis, dan anehnya, cat air juga dianggap grafis. Meski banyak juga karya yang dianggap sebagai lukisan di atas kertas
Jadi, semua yang ada di atas kertas adalah grafik, dan yang lainnya adalah lukisan... di atas kanvas, kayu, kaca, dinding
Ingat pelajaran menggambar di sekolah? Di sana seluruh subjeknya disebut demikian: seni rupa. Tidak ada pelajaran tersendiri dalam melukis atau menggambar, hanya suatu hari mereka diajarkan cara bekerja dengan minyak, dan hari lainnya - dengan pensil.
Oleh karena itu ada anggapan umum bahwa lukisan hanyalah salah satu varian dari menggambar. Secara formal memang demikian, kenyataannya berbeda.
Seni Rupa - Seni Menangkap Gambar = Seni Rupa, Persatuan berbagai jenis lukisan, grafik, patung
Faktanya, hierarki seperti itu adalah birokrasi yang nyata. Dalam seni rupa saat ini terdapat pembagian yang jelas: lukisan- ini bekerja dengan kuas dan cat pada bahan padat, menggambar- ini adalah penggunaan semua bahan lain di atas kertas.
Mungkin tidak terlalu ketat dan ilmiah, tetapi dunia seni disukai banyak orang karena tidak tunduk pada sains, dan oleh karena itu hukumnya tidak harus sesuai dengan klasifikasi dan terminologi yang ketat.
Ada nuansa lain: pikirkan tentang kata itu sendiri "lukisan"- terdiri dari dua bagian: "hidup" Dan "menulis". Hal ini dapat diartikan dengan berbagai cara, namun banyak seniman yang mengatakan bahwa berkarya dengan cat itu hidup justru karena cat itu sendiri, setelah diaplikasikan pada kanvas, mengering dan agak berubah sifatnya, yaitu menjalani kehidupannya sendiri.
Dan gambar itu sendiri memperoleh kehidupan dinamisnya sendiri, gambar itu menjadi hidup. Atau penggambaran- menulis secara hidup... Secara umum, kata melukis terdengar luhur dan indah menurut saya
Melihat dan merenungkan lukisan hidup
Jadi, kita sudah mengetahui bagian ini: melukis adalah bekerja dengan cat, menggambar adalah menggunakan cara lain. Lebih-lebih lagi lukisan kuda-kuda, baik monumental maupun dekoratif juga berbeda dengan bentuk gambar serupa.
Cat diaplikasikan ke dinding - yang sedang kita bicarakan tentang melukis, mereka menghiasinya dengan krayon - ini sudah menggambar.
Apakah mereka melukis atau menggambar?
Lainnya, tidak kurang pertanyaan pelik- apa yang disebut proses pembuatan gambar. Nampaknya jika suatu gambar tercipta, berarti ia digambar. Dan jika mereka berbicara tentang surat, biasanya yang mereka maksud adalah teks.
Di sini terminologi tersebut memiliki akar sejarah yang dalam. Lukisan di Rus berangsur-angsur berkembang dari lukisan ikon, ketika para empu mulai mencoba menghidupkan kembali dan membuat motif alkitabiah lebih jelas, dengan menggunakan teknik yang sama, dan kemudian sepenuhnya beralih ke lukisan yang tidak ada hubungannya dengan agama.
Tapi karena ikon itu awalnya "menulis", kemudian kata ini berpindah ke seni lukis dan saat ini lukisan cat minyak juga dilukis.
Saya sering berbuat dosa dan biasanya “melukis” gambar saya
Jika kita berbicara tentang menggambar, maka semua karya di sini digambar, betapapun pentingnya karya itu. Tentu saja kita dapat mengatakan bahwa sang seniman “menulis” kanvas epik dengan pensil, tetapi ini tidak lebih dari kebebasan.
Apakah mungkin melukis di atas kanvas?
Secara umum, mereka dikatakan melukis di atas kanvas dengan minyak, tetapi, misalnya, mereka hanya menggambar di atas kertas. Namun ini bukanlah aturan mutlak.
Misalnya, Sebelum melukis dengan cat, seniman bisa membuat sketsa pensil di atas kanvas. Ini adalah gambar, penulis yang menggambarnya. Dan hanya ketika cat diterapkan pada gambar ini barulah gambar itu mulai dilukis.
Meskipun, tidak ada yang melarang menggambar dengan pensil atau arang di atas kanvas... satu-satunya pertanyaan adalah bahwa menggambar di atas kanvas kain tidak sepenuhnya nyaman untuk teknik kering, kecuali, tentu saja, ini bukan tempat yang memungkinkan untuk menggunakan semuanya.
Hal yang sama berlaku untuk dasar-dasar lainnya; tidak hanya lukisan kuda-kuda yang memungkinkan Anda melukis gambar. Misalnya, lukisan monumental melibatkan pengecatan gambar dengan cat pada berbagai objek arsitektur fasad, lukisan dekoratif - ini surat untuk berbagai mata pelajaran dan detail interiornya adalah mengecat dinding di dalam ruangan dengan berbagai lukisan dinding dan lukisan palsu
Pada saat yang sama, jika kita mengambil gelas atau kendi dan mengecatnya, misalnya dengan tinta, ini sudah menjadi lukisan dekoratif . Artinya, sama sekali tidak bergantung pada dasar apakah kita melukis atau menggambar. Ini semua tentang bahan yang digunakan untuk membuat gambar.
Dan terakhir: jangan berasumsi bahwa melukis untuk para profesional, dan menggambar untuk amatir. Sama sekali tidak! Seringkali pensil, pastel, atau krayon menghasilkan karya yang tidak kalah megah dan megahnya dengan lukisan cat minyak atau akrilik.
Dan kesulitan dalam menciptakan karya, misalnya hanya dengan pensil, sangat besar. Oleh karena itu, jika Anda suka menggambar, Anda tidak perlu menyiksa diri dan memaksakan diri melukis dengan cat - sangat mungkin untuk membuat karya agung dengan apa yang paling Anda sukai.
Ahli potret dalam grafis
Hanya dalam kasus ini, omong-omong, Anda akan dapat mengekspresikan diri dan emosi Anda sepenuhnya dalam pekerjaan Anda, baik di atas kanvas, kertas, kaca atau di dinding! Merekalah yang utama, dan bahan serta teknik hanyalah alat, di antaranya Anda pilih yang paling nyaman bagi Anda.
Teman-teman, untuk artikelnya tidak hilang di antara banyak artikel lain di Internet,simpan ke bookmark Anda.Dengan cara ini Anda dapat kembali membaca kapan saja.
Ajukan pertanyaan Anda di bawah di komentar, saya biasanya menjawab semua pertanyaan dengan cepat
Memulai dialog dengan budaya dunia, manusia modern tidak menyia-nyiakan usaha untuk naik ke levelnya, tetapi sebaliknya, mencoba menurunkannya ke levelnya. (seseorang yang pintar)
Sebelum ditemukannya fotografi, lukisan dipandang sebagai alat untuk merefleksikan lingkungan sekitar dengan lebih jelas. Lukisan itu dianggap lebih baik jika diperlihatkan lebih otentik dunia nyata. Dengan munculnya fotografi pada tahun 1839, dan sinema pada tahun 1895, kesadaran akan seni lukis berkembang secara signifikan, meskipun yang lain menganut bisnis yang fungsinya sempit pada saat itu.
Apa perbedaan antara foto dan lukisan?
Bato Dugarzhapov "Natal".
Sebuah foto menangkap suatu momen, dengan kata lain, keadaan suatu objek yang sangat spesifik dan sesaat. Pelukis, betapapun hati-hati dan dapat dipercayanya dia menuliskan detailnya, pertama-tama menulis hal UMUM yang dia lihat dalam model, dengan kata lain, yang paling khas dan ekspresif.
Oleh karena itu, sebuah foto (kecuali karya seniman foto yang sangat langka) adalah ilustrasi yang mirip dengan gambar di ensiklopedia: beginilah rupa seekor tupai, Nak, dan beginilah rupa pemilik album foto itu 20 tahun yang lalu ketika dia dimandikan di bak mandi.
Bato Dugarzhapov "Krimea".
Pelukis modern telah meninggalkan penyalinan alam - fotografi dan pembuatan film akan membuatnya lebih baik dan lebih cepat. Naturalisme mendorong lukisan ke jalan buntu pengulangan dan banalitas. Terlebih lagi, alam tidak dapat direproduksi. Ketika pemirsa hanya menerima nuansa paling dangkal dari lukisan itu - transmisi informasi “di mana segala sesuatunya berdiri”, maka kesadaran akan lukisan itu akan menjadi sangat miskin dan terdistorsi.
Lukisan pada dasarnya berbeda dari foto karena tidak identik, dan inilah perbedaan mendasar antara gambar berwarna dan gambar fotografi. Pelukis memutuskan atas kemauannya sendiri, apa dan bagaimana meninggalkannya, apa dan bagaimana menyorotnya, apa yang dikecualikan dari gambar, dari waktu ke waktu bahkan bertentangan dengan akal sehat yang dangkal.
Bato Dugarzhapov "Teras".
Lukisan warna-warni di atas kanvas diklaim sebagai tampilan objek yang dilukis secara lengkap dan universal serta menyampaikan kenangan darinya. Dengan cara yang tidak dapat dipahami, sebuah volume muncul di kanvas datar, hidup dan dunia yang indah, dibuat oleh seniman.
Kita dapat masuk ke dalam gambar dan mendengar kicauan burung, mencium aroma padang rumput yang mekar, merasakan hangatnya air yang dipanaskan oleh matahari, melihat gerakannya - memahami dengan jelas bahwa semua ini terjadi secara eksklusif dalam kesadaran kita dan di depan kita, dan bahwa sang pencipta memberikan semuanya kepada kita.
Apa itu "alla prima"?
Bato Dugarzhapov “Pagi”.
Jika sebelumnya gaya perhiasan yang menuliskan detail hingga ke detail terkecil disambut baik, ketika gambar itu dilukis selama berbulan-bulan, atau bahkan bertahun-tahun, dan kemudian dengan susah payah dipernis, maka pada abad ke-19-20 muncul konsep “alla prima”. - dari bahasa latin “all prima vista” (pada tanggal 1 - y gaze) dan berarti lukisan spontan dengan cat impasto.
Lukisan itu siap setelah sesi pertama. Warna-warna tersebut sebagian besar dicampur pada skala yang tampak segar dan bercahaya. Saat mengecat en plein air, ini adalah metode kerja yang sangat cocok.
Pastisitas diwujudkan dalam relief, konveksitas lapisan terang, dalam sapuan kuas plastik dan berfungsi untuk menekankan sisi material objek dan memberikan dinamisme. Lukisan lebih besar dan lebih informatif daripada foto; lukisan dapat memengaruhi pemirsa secara sensual dengan titik warna lokal, tanpa klarifikasi dan spesifikasi detail yang tidak perlu. Dari waktu ke waktu, bahkan karena tidak adanya spesifikasi ini.
Bato Dugarzhapov “Siang. Perahu."
Pergantian guratan dan titik cahaya yang tampaknya acak pada pandangan pertama jauh lebih emosional daripada foto, dan cara kuno yang menjilat menyampaikan gerakan - permainan bintik matahari di rumput, silau di air, goyangan dedaunan, dll.
Sayangnya, penonton yang benar-benar liar dalam arti budaya warna-warni, setelah melihat karya alla prima, dilukis dengan sapuan dan garis-garis yang menyapu, tidak mau berhenti dan melihat lebih dekat, melainkan membusungkan pipinya dan, dengan tulisan “Saya bisa. melukisnya seperti itu juga,” dengan kesadaran akan keuntungannya sendiri, ia melangkah lebih jauh mencari kreasi tulisan keriting yang dipernis, di mana tidak diperlukan karya imajinasi dan empati.
Mari kita lepaskan dia, dan nanti kita akan melihat, misalnya, lukisan “Plein Air” karya seniman Bato Dugarzhapov. Apa yang kita lihat dalam gambar menarik ini?
Bato Dugarzhapov "Plein Udara".
Mereka yang ingin melihat bagaimana sepatu karakter dibuat - tidak ada. Pemirsa, yang mengikuti gelombang kesadaran, pertama kali melihat banyak hal sinar matahari. Kemudian kita melihat beberapa artis masuk gaun musim panas di kuda-kuda dan seniman berjanggut dengan jeans dan kuas di tangannya. Kemudian muncul dinding batu yang hangat dengan panjatan pohon wisteria yang diterangi matahari di atasnya, langit biru di celah dedaunan, tembok pembatas tanggul dan laut di belakangnya. Itulah sebabnya dedaunan tidak tertulis secara detail dan urat, karena ia bergerak, bergoyang, cahaya juga bergerak, bayangan bergerak, dan pantulan laut di kejauhan berubah setiap menit...
Suasana gambarnya benar-benar fenomenal, hanya memancarkan cahaya dan kepositifan. Dan pada saat yang sama, tidak mungkin menunjuk dengan penunjuk dan menjelaskan - ini dia, dan ini dia. Anda hanya perlu melihatnya dengan menjauh sedikit dari gambar dan melihatnya dalam waktu yang cukup lama. Terlebih lagi, ini hanya sebuah file, saya dapat membayangkan sendiri bagaimana seharusnya file tersebut aslinya!
Bato Dugarzhapov "Pada sketsa".
Lukisan “On Etudes” “muncul” dengan cara serupa. Pada awalnya - titik-titik sinar matahari yang kacau dan pantulan laut. Kemudian pelukis berambut abu-abu itu mencondongkan tubuh ke arah kuda-kuda. Lalu - laut itu sendiri: laut yang menganga, ia bergerak, ia khawatir, silau matahari ombaknya benar-benar membutakan mata (cara pembuatannya tidak mungkin dipahami), di laut ada gunung, kerikil dan perahu, di sebelah kiri lagi ada tanaman merambat, mungkin anggur.
Suasana pagi yang terik (dan ini pagi hari, karena saat matahari sedang tinggi, air laut tidak terlalu berkilau, berubah menjadi biru), keindahan pantai selatan dan kekaguman akan keindahan tersebut tak terlukiskan tersampaikan.
Bato Dugarzhapov “Malam Selatan”
Lukisan-lukisan Bato Dugarzhapov terbenam dalam lingkungan bercahaya yang luar biasa, yang berbicara tentang budaya warna-warni tertinggi sang seniman, tentang kesadaran sempit akan warna dan hubungan spasial. Karya-karyanya dibedakan oleh kesegaran, ritme garis dan bintik warna yang cepat, kegembiraan romantis, dan persepsi sempit tentang hubungan cahaya-spasial.
Dengan sangat mudah, dengan sapuan besar, ia menciptakan gambaran alam yang utuh dan utuh dalam warna, cahaya, dan dinamika aktual... semuanya berkilau di bawah sinar matahari, bahkan di tempat yang ada bayangan, pantulan berkilau, yang sangat mencolok dan menyenangkan. Dilempar bebas, warna-warna terletak di atas satu sama lain dan membentuk harmoni dan ritme multi-warna, di mana permainan warna menjadi sangat penting.
Bato Dugarzhapov “Danau Como”.
Bato Dugarzhapov lahir pada tahun 1966 di Chita. Dia lulus dari sekolah seni di Tomsk dan Institut Seni Akademik Kota Metropolitan dinamai demikian. V.I. Surikov. Karya seniman ada dalam koleksi pribadi di Rusia, Amerika Serikat, Prancis, Italia, dan Spanyol.
K.Yu.Starokhamskaya
Lukisan genre apa pun (dari still life hingga lukisan keagamaan) adalah gambar artistik, dibuat dengan bantuan imajinasi seniman dan pandangan dunia pribadi. Pandangan dunia dan sikap seniman terbentuk di bawah pengaruh lingkungan - zaman, negara, masyarakat, keluarga, gaya hidup, dll. Seni rupa seniman-seniman besar selalu merupakan potret suatu zaman melalui prisma potret diri, kepribadian yang melewati realitas di sekitarnya dan semangat zaman. 
Ikon adalah fenomena abadi, merupakan wahyu Tuhan, yang direpresentasikan dengan bantuan seni visual. Prinsip terpenting dalam lukisan ikon adalah mengikuti kanon yang sudah ada. Kanon lukisan ikon begitu unik sehingga orang yang tidak terbiasa dengan sejarah dan teologi Gereja mungkin bingung: mengapa harus berpegang pada prinsip-prinsip penggambaran kuno? Mungkin para ahli yang berdiri di awal mula lukisan ikon tidak menguasai teknik yang berkembang selama Renaisans? Dan mungkin kita harus mengubah pencapaiannya peradaban Eropa untuk ini seni kuno?
Jadi, bagaimana ikonnya sangat berbeda dari lukisan klasik? Dan dengan bantuan apa sarana teknis apakah perbedaan ini tercapai?
Pelukis ikon tidak mentransfer ke dalam ikon apa pun dari pandangan dunia pribadinya yang berbeda dengan pandangan dunia Gereja Kristus. Pelukis ikon menjadi pedoman pandangan dunia Gereja. Ikon tersebut tidak berusaha mencerminkan realitas sementara di sekitarnya; ia tidak peduli dengan permasalahan zaman kita, keresahan sementara di dunia ini. Ikon adalah jendela menuju dunia lain yang abadi. 
Lukisan itu pasti mencerminkan individualitas pengarangnya; karya tersebut mencerminkan ciri-ciri pribadinya yang unik; terlebih lagi, setiap seniman berusaha untuk mencapai gaya uniknya sendiri. Salah satu pencapaian tertinggi karya pengarang adalah terciptanya gaya dan arah baru dalam seni lukis. Kanvas sang master terkait erat dengan nama, gambar, dan biografinya.
Lukisan itu bersifat spiritual, yaitu sensual, menyampaikan emosi, karena seni mewakili cara memahami dunia melalui perasaan.
Ikonnya bersifat spiritual, tidak emosional, dan tidak memihak. Menyukai nyanyian gereja dan membaca, ikon tidak menerima cara emosional dampak.
Lukisan adalah cara berinteraksi dengan kepribadian pengarangnya. Ikon adalah sarana komunikasi dengan Tuhan dan orang-orang kudus-Nya.
Ikon, berbeda dengan lukisan, secara langsung melayani keselamatan jiwa manusia.
Kami telah menyoroti perbedaan internal antara ikon dan lukisan, namun perbedaan eksternal apa yang dapat kami telusuri?
Pertama-tama, ikon adalah kesaksian akan Tuhan yang benar; itu adalah fenomena keagamaan murni. Ikon kanonik tidak memiliki dekorasi acak tanpa makna semantik.
Perbedaan utama antara ikon dan lukisan:
1. Konvensionalitas, beberapa distorsi bentuk nyata dan simbolisme.
Yang duniawi dihilangkan dalam ikon, dan yang spiritual terungkap. Proporsi gambar memanjang, kurang volume. Ikon tersebut tidak memiliki bobot, bobot yang melekat pada objek-objek di dunia kita.
2. Perspektif terbalik.
Gambar dibangun menurut hukum perspektif langsung, titik hilang terletak di garis cakrawala, dan selalu sama. Ikon tersebut bercirikan perspektif terbalik, dimana titik hilang terletak bukan di kedalaman bidang, melainkan pada orang yang berdiri di depan ikon. Beginilah gagasan kemunculan dunia surgawi ke dunia kita, dunia bawah, menemukan ekspresinya. DAN garis sejajar pada ikon mereka tidak menyatu, tetapi sebaliknya, mereka meluas di ruang ikon.
3. Tidak ada sumber cahaya eksternal.
Cahaya seolah-olah dari dalam ikon, dari wajah dan sosok itu sendiri, dari kedalamannya adalah intisari kekudusan. Ikonnya bercahaya, dan asas ini didasarkan pada kesaksian teologis Injil tentang Transfigurasi Tuhan kita di Gunung Tabor. Halo Ortodoks adalah cahaya Ilahi yang tidak diciptakan, lahir di hati orang suci dan membentuk satu kesatuan dengan tubuhnya yang telah diubah.
4. Warna pada ikon mempunyai fungsi simbolis semata.
Warna merah pada ikon para syuhada melambangkan pengorbanan, atau kekuasaan kerajaan. Emas merupakan simbol cahaya non-komoditas, yang memiliki sifat yang sangat berbeda dengan zat fisik lainnya. Mengapa tidak bisa disampaikan dengan cat. Emas pada ikon adalah kebalikan dari gagasan tentang emas dan kekayaan duniawi. Ada juga warna yang menggantikan kehadiran emas pada ikon - oker, merah dan warna putih. Warna hitam pada ikon hanya digunakan jika diperlukan untuk menunjukkan kekuatan jahat atau dunia bawah.
6. Tidak ada waktu di ikon. Semua peristiwa terjadi pada waktu yang sama.
Seringkali satu ikon menggambarkan beberapa adegan berbeda, terkadang ini adalah adegan dari kehidupan seorang suci, yang menggambarkan seluruh perjalanannya dari lahir hingga istirahat. Begitulah cara keterlibatan ikon dalam dunia keabadian tersampaikan, di mana segala sesuatu terbuka pada satu waktu, atau lebih tepatnya, waktu tidak ada. Dalam gambar, sebaliknya, hal itu terjadi dalam satu bidang waktu.
Jadi, perbedaan antara ikon kanonik dan lukisan sudah jelas.
Tugas utama ikon, berbeda dengan lukisan, yang menyampaikan sisi sensual dunia, - untuk mengungkapkan realitas dunia spiritual, membantu untuk merasakan kehadiran nyata seorang suci, Bunda Allah atau Tuhan, berkontribusi pada terbukanya hati dan lahirnya doa pertobatan atau doksologi, yang melaluinya pikiran, hati dan seluruh hidup seseorang disucikan.
Dalam Workshop Lukisan Ikon "Ikon Terukur" hal ini dimungkinkan
Lakukan pekerjaan yang diperlukan. Jelajahi karyanya, lihat karya penulis lainnya, bandingkan teksnya, lihat dari dekat. Meningkatkan pengetahuan Anda sangat penting untuk mengevaluasi sebuah lukisan dan memahami apa yang harus dicari untuk menentukan keasliannya.
Kunjungi museum dan lihat patinanya. Jika Anda meminta untuk melihat bagian belakang lukisan itu, staf akan membantu Anda melakukannya. Menghargai nuansa dan tampilan karya seni lama. Evaluasi kedalaman dan jumlah lapisan yang diperlukan untuk mencapai warna yang diinginkan seniman.
Lihatlah patina kayunya untuk mengetahui apakah kayu itu kuno. Tentukan bagaimana bingkai dirakit dan paku serta pengencang apa yang digunakan.
Carilah bulu sikat. Salinan lukisan terkadang memiliki sisa rambut dari kuas murahan di kanvas itu sendiri.
Gunakan indra penciuman Anda. Jika Anda berhasil mendekatinya, cium baunya. Cat membutuhkan waktu lama untuk mengering; perlu waktu bertahun-tahun agar lukisan benar-benar berhenti berbau.
Putuskan bagaimana perasaan Anda terhadap lukisan itu. Analisis semuanya bersama-sama. Misalnya, banyak produk palsu yang tidak memiliki kedalaman atau lapisan warna yang memadai. Memfotokopi suatu karya bisa saja dilakukan dengan mudah, namun lapisan cat dalam sebuah lukisan tidak mungkin tersampaikan.
Semuanya harus cocok satu sama lain. Periksa apakah semuanya cocok dengan lukisan - misalnya, bingkai dan kanvas juga sulit untuk memalsukan patina.
Memesan evaluasi pekerjaan. Jika Anda memang menyukai sebuah karya seni, Anda perlu melibatkan pihak ketiga yang bisa menilai lukisan tersebut secara tidak memihak. Bagaimana Anda bisa yakin bahwa penilai dapat dipercaya? Harus disertifikasi oleh satu atau lebih asosiasi penilai seni profesional dan memiliki pengalaman bekerja dengan seniman tertentu. Sebaiknya dia bukan pedagang atau broker seni. Contohnya adalah http://www.bernardewell.com yang merupakan pakar Salvador Dali yang lukisannya sering ditiru. Teliti bagaimana lukisan seniman ini dijual - di balai lelang mana lukisan tersebut dijual, berapa ukurannya, kapan dijual dan dengan agen apa?
Harap dicatat bahwa beberapa dealer, khususnya yang berada di kapal pesiar, mungkin mencoba menipu pembeli dengan menjual lukisan secara berlebihan.
Cari tanda tangan dan nomornya - harus selalu ada. Lukisan tanpa tanda tangan kurang diminati, karena banyak salinan yang dapat dibuat. Banyak bagian yang memiliki stiker galeri atau informasi di bagian belakang. Periksa galeri untuk melihat apakah ini benar. Dalam beberapa kasus, bingkai dan kanvas akan menunjukkan tanda-tanda keausan. Tepian kayu mungkin tidak lagi tajam setelah 50 atau 100 tahun; rangkanya sendiri akan menjadi lebih kering. Teliti reputasi artis. Cari tahu bahwa beberapa penulis menandatangani formulir kosong, setelah itu tanda tangan mereka disalin ke lukisan. Ini pertanda negatif, oleh karena itu lukisan mereka semakin sedikit harga tinggi. Diketahui bahwa Salvador Dali terkadang melakukan hal ini.
“Saya sudah lama menyadari bahwa bagi kritikus seni, ekspresi diri lebih penting daripada substansi.”
Penatua Ryazanov
“Mengapa saya, putra seorang pelukis terkenal Moskow, menghabiskan masa kecil dan masa muda saya di antara para seniman, yang koleksinya lebih banyak lukisan dan grafis, dibandingkan museum regional lainnya, haruskah saya mendengarkan sejarawan seni yang bahkan tidak pernah memegang kuas?”
Alexander Gremitskikh
Wikipedia mendefinisikan istilah “gambar” dalam kaitannya dengan lukisan sebagai “sebuah karya seni yang memiliki karakter lengkap (bukan sketsa atau sketsa) dan makna artistik yang independen.” Konsep “studi”, “sketsa” dan “sketsa” dalam kaitannya dengan lukisan umumnya disatukan di Wikipedia dan direduksi menjadi satu konsep - sketsa, bahan persiapan untuk lukisan sebenarnya dari seniman.
Mari kita lihat apakah ini benar dalam praktiknya:
Harus dikatakan bahwa semua terminologi artistik berkembang pada abad ke-19, bahkan lebih awal. Pada masa itu, tidak hanya di sini, tetapi di seluruh Eropa, orang-orang baik hanya boleh berbicara bahasa Prancis, sebagaimana dibuktikan dengan terminologi yang masih digunakan dalam seni lukis. Jadi kata "studi" berasal dari bahasa Perancis "étude", dan "sketsa" - dari bahasa Perancis "esquisse", misalnya. Klien para pelukis sebagian besar tinggal di ruangan yang sangat luas, setidaknya, ruangan yang memerlukan dekorasi dengan kanvas besar, yang tentu saja tidak mungkin untuk dilukis dari alam. Jelas bahwa dalam kondisi seperti itu, hanya produk akhir yang dinilai - gambaran besarnya (tetapi, omong-omong, dibayar secara eksklusif). Karena tidak pernah terpikir oleh siapa pun untuk menggantungkan karya-karya dari alam, yang sebenarnya milik sketsa-sketsa itu, di dinding, maka tidak mungkin mendapatkan uang untuk itu, oleh karena itu, jika dilukis, itu hanya sebagai pendukung visual. bahan untuk beberapa orang gambaran besar dan bahkan kurang penting dibandingkan sketsa, yang ditulis dengan hati-hati karena harus diserahkan kepada pelanggan untuk disetujui.
Di sinilah, sejak “zaman Ochakov dan penaklukan Krimea,” definisi-definisi yang sudah lama ketinggalan zaman bermigrasi istilah artistik ke Wikipedia! Ya, dan ke kamus lain, sayangnya, juga, dan dari sana - ke dalam kepala kita.
Namun, oleh akhir abad ke-19 Abad ini, seiring dengan demokratisasi masyarakat, pandangan tentang seperti apa hasil akhir seni lukis, bisa dikatakan, telah berubah secara dramatis. Jika kaum impresionis Perancis masih disalahkan atas sketsa karya mereka, maka A.K. Savrasov mendorong murid-muridnya untuk “belajar dari alam.” Di antara seniman Rusia, Konstantin Korovin, misalnya, menjadi terkenal justru karena sketsa-sketsanya dari alam; ia praktis tidak melukis lukisan tematik sama sekali. Kita sudah hidup di abad ke-21, namun dalam kaitannya dengan seni lukis kita tetap menggunakan pemahaman terminologinya dari 200 tahun yang lalu, sebuah paradoks, dan itu saja!
Kesalahpahaman tentang yang paling sederhana yang digunakan ucapan sehari-hari, istilah seni lukis, berdasarkan pemahaman kuno tentangnya, yang sengaja dipaksakan kepada masyarakat umum oleh para kritikus seni rupa ternama yang, jelas terlihat, secara PROFESIONAL tidak memahami apa pun tentang seni, mampu menempatkan orang biasa ke jalan buntu. Oleh karena itu, dalam artikel ini saya ingin membahas istilah-istilah utama yang umum digunakan dalam seni lukis dalam kaitannya dengan situasi kita saat ini.
ARTI KATA “TULIS”(tentu saja dengan penekanan pada suku kata kedua)
Dalam bahasa Rusia, kata “menulis” memiliki arti dasar “menulis huruf dan angka”. Dalam seni lukis, para profesional menggunakan kata “melukis gambar” sebagai istilah. Jika seorang seniman berkata: “Saya melukis sebuah gambar,” maka dalam hal ini dia tidak menggunakan terminologi profesional, tetapi hanya mengatakannya bahasa sehari-hari, Bagaimana orang biasa, tidak ada hubungannya aktivitas seni. Secara terminologi mereka melukis dengan arang, optimis, pensil, pastel, tetapi bukan lukisan cat minyak. “Lukisan karya seniman ini dilukis dengan minyak,” hanya orang yang jauh dari seni lukis yang bisa berkata. Dan tidak ada yang buruk tentang hal itu, itu tidak terlalu penting. Tidak masalah juga jika Anda tidak tahu apa itu kraplak merah atau kuning kadmium dan Anda belum pernah mendengar tentang sienna yang banyak atau terbakar. Nama-nama cat artistik, yang secara akurat menunjukkan warna-warna tertentu (bagaimanapun juga, merah, kuning, dan biru berbeda), sama sekali tidak perlu diketahui oleh non-spesialis, dan sejarawan seni tidak melanggar batas istilah profesional yang sempit tersebut.
Namun orang-orang yang “mengetahui seni”, atau, lebih sederhananya, para kritikus, yaitu para jurnalis yang menulis tentang topik seni, telah berhasil memberikan gagasan yang salah kepada semua orang bahwa seni, kata mereka, “perlu dipahami. ” Siapa yang tahu tentang seni? Tentu saja, tidak seorang pun kecuali kritikus seni!
Dengan demikian, mereka berhasil menjelaskan kepada kita bahwa dalam seni rupa kita mengetahui dan tidak memahami apa pun. Dan yang paling menarik adalah kami sepenuhnya setuju dengan ini! Siapa yang bisa bertanya: “Saya tidak mengerti seni lukis”, “Saya tidak mengerti seni”…, dan sebagainya.
Sebenarnya, apa yang perlu dipahami? Seni, termasuk seni rupa, diciptakan untuk kita, orang biasa, dan bukan untuk “spesialis”, ini menarik bagi estetika yang melekat pada diri kita semua secara alami. Dalam seni, bagi pemirsa, pembaca, pendengar, hanya ada dua kriteria - suka dan tidak suka. Apakah Anda akan membaca buku yang membosankan? Lihat film yang buruk atau sandiwara? Maukah Anda mendengarkan opera, musik, lagu yang tidak Anda sukai? Apakah menurut Anda Kazimir Malevich seorang seniman yang brilian, dan Velimir Khlebnikov - seorang penyair yang brilian? TIDAK? Bagus sekali! Anda memiliki pemahaman yang luar biasa tentang seni!
Namun agar Anda dan saya dapat, seperti yang dikatakan Peter I, “dapat dikenali dari orang-orang bodoh lainnya”, masih perlu dipahami beberapa istilah umum yang sering dijumpai dalam percakapan sehari-hari, yang dalam hal ini berkaitan dengan lukisan. .
BAHAN LUKISAN SENIMAN
Orang-orang non-profesional, atas saran kritikus seni yang sama, biasanya mempercayai hal itu gambaran nyata lukisan cat minyak harus dilukis secara eksklusif di atas kanvas, dan alas lain seperti karton seni umumnya tidak perlu diperhatikan. Maka “Mona Lisa” bahkan tidak boleh dianggap sebagai lukisan, karena Leonardo menggunakan papan linden untuk karyanya.
Karton, dipoles agar cat tidak terserap ke dalamnya, dengan senyawa putih, yang disebut primer yang terdiri dari kapur dan lem, atau primer berwarna jika seniman memerlukannya, yaitu karton seni khusus, ternyata sangat nyaman untuk digunakan. bekerja, terutama di udara plein. Karton adalah bahan kompak dan cukup padat yang tidak akan muncul kembali di bawah tekanan kuas, tidak seperti kanvas. Kanvas, di bawah pengaruh perubahan suhu dan kelembaban di dalam ruangan, melorot atau meregang; oleh karena itu, cat di atasnya akan hancur seiring waktu, tetapi tidak pada karton. Lukisan di atas karton sama tahan lamanya dengan karton itu sendiri, dan daya tahan karton bahkan melebihi kanvas.
Hal yang sama berlaku untuk hardboard, meskipun jauh lebih berat daripada karton. Seniman Soviet sering kali menyiapkan hardboardnya sendiri, atau bahkan sederhananya, agar lebih nyaman untuk melukis dan kuasnya tidak muncul kembali, mereka secara khusus merekatkan kanvas yang sudah disiapkan ke hardboard. Ini dia contoh cemerlang, lukisan alam benda dengan bunga lilac ukuran gambar cukup:
Bagaimana dengan kanvas? Seniman secara eksklusif bersamanya Kekaisaran Rusia bekerja hingga tahun 1862, ketika industri Rusia mulai memproduksi karton artistik.
Kanvas tersebut membutuhkan tandu yang berat ditambah bentangan kanvas yang baik di atasnya. Dalam hal ini, Anda harus menunggu lama hingga cat mengering setelah pekerjaan selesai, jika tidak kanvas tidak dapat digulung, karena cat basah akan saling menempel dan lukisan akan rusak total. Catnya bisa memakan waktu sebulan penuh untuk mengering. Di sinilah artis mulai mengalami downtime yang dipaksakan. Untuk pengangkutan, lukisan jika berukuran besar dikeluarkan dari tandu dan digulung hati-hati ke atas babbin besar dengan lukisan menghadap ke atas agar tidak merusak lukisan. Tahap selanjutnya setelah pengiriman ke lokasi, regangkan kembali kanvas ke atas tandu, dengan benar, tanpa distorsi, kerutan di sudut dan kendur, tetapi juga tanpa ketegangan yang berlebihan (semua ini juga dapat merusak lapisan lukisan). Dan seiring berjalannya waktu, kanvas yang direntangkan di atas tandu, karena pengaruh perubahan kelembapan dan suhu, dapat melorot atau sebaliknya terlalu meregang, bahkan dapat mengancam akan pecahnya kanvas. Hal ini selanjutnya dapat menyebabkan lapisan cat hancur sehingga merusak atau merusak lukisan. Itulah sebabnya di aula dan gudang museum seni mereka memantau dengan ketat keteguhan kelembapan dan suhu.
Karton artistik memiliki banyak keunggulan. Ringan, dan saat keluar rumah dapat ditempatkan dalam bingkai kayu khusus dengan penjepit, yang memiliki pegangan tali di atasnya untuk dibawa. Gagasan tentang perangkat yang berguna ini diberikan oleh gambar bingkai sketsa yang disimpan di kertas ayah saya, yang dipesan ayah saya dari seorang tukang kayu. Berikut gambarnya:
Terkadang seorang pelukis membawa dua karton untuk membuat sketsa. Satu digunakan terlebih dahulu dan kemudian jika
pencahayaan atau suasana berubah, atau motif lain menarik perhatian, seniman mengambil karton kedua dan menulis di atasnya. Setelah menyelesaikan pekerjaannya, ia membalik karton, yang masih mentah dengan lukisan, ke dalam bingkai dan mengencangkannya dengan penjepit. Karton tidak saling bersentuhan. Lukisan itu tetap utuh dan tidak rusak. Itu akan mengering di bengkel.
Oleh karena itu, setelah tahun 1862, ketika produksi industri karton seni prima didirikan, para pelukis secara bertahap mulai semakin banyak menggunakan karton.
Para kritikus seni yang terhormat, yang tidak tahu apa-apa tentang semua ini, dan yang belum pernah menulis satu sketsa pun, meremehkan hal ini. karton seni, entah kenapa menganggap lukisan di atas karton jelas-jelas belum selesai, hanya berdasarkan kenyataan bahwa sebagian besar sketsa ditulis di atas karton, yang seperti akan kita lihat di bawah, selalu merupakan pekerjaan yang sudah selesai, dikerjakan dengan cermat, seringkali membutuhkan banyak pekerjaan. Selain itu, kata “belajar” juga ditemukan, digunakan sebagai sinonim untuk ketidaklengkapan, kelalaian dan… ketidaklengkapan! Namun izinkan saya bertanya, apa hubungannya kecerobohan pelaksanaan atau ketidaklengkapan gambar dengan apa yang dilukis? Dan bukankah ada sketsa di atas kanvas?
Ngomong-ngomong, lukisan itu bergaya realisme sosialis artis soviet Nikolai Ovchinnikov “Di Lantai Toko”, yang pada bulan September 2016 V.V. Putin memberi D.A. Medvedev ditulis di karton.
Sebenarnya ini bukanlah lukisan, melainkan sketsa skala penuh yang dibuat oleh seniman langsung di bengkel pabrik, namun terminologi ini akan dibahas di bawah ini.
Yang terpenting bukanlah bahan yang digunakan lukisan itu, melainkan bagaimana sang seniman mampu merefleksikan kenyataan, suasana hati, perasaannya dan menyampaikannya kepada yang melihatnya. Bahan dasarnya, baik itu kanvas, karton, hardboard, kertas, papan atau bahkan besi galvanis tipis, tidak ada hubungannya dengan hal ini. Yang penting bakat, pengalaman, bagus sekolah seni. Mereka mengatakan itu di Abramtsevo S.I. Mamontov pernah mengganti atap rumahnya. MA. Vrubel mengambil sepotong besi atap dan menulis warna ungu di atasnya. Jadi sekarang, ini bukan Vrubel?
Ini adalah “Potret D.P. Smirnova, pekerja pabrik Trekhgornaya, wakil Soviet Tertinggi Uni Soviet”
karya seniman Soviet Sergei Fedorovich Solovyov. Itu juga dibuat dari besi galvanis. Potret tersebut, karena dimensinya yang lebih sederhana yaitu 37,5 x 31,5 cm dan judul resminya, jelas merupakan studi skala penuh untuk potret besar yang ditugaskan dari seorang tokoh terkemuka dalam produksi. Rupanya, ketika sang model datang ke studio artis untuk berpose, dia tidak punya apa-apa lagi, jadi dia melukis lukisan kecil yang sudah jadi. potret wanita, yang kemudian, mungkin dengan beberapa perubahan kecil, dipindahkan ke kanvas besar.Kadang-kadang, karena kekurangan segala sesuatu pada waktu itu, seniman Soviet melukis dengan cat minyak bahkan di atas kertas yang sama sekali tidak dimaksudkan untuk itu. Inilah yang kadang-kadang dilakukan ayah saya, khususnya. Kemudian, setelah ayah saya meninggal, saya harus merekatkan kertas ini ke karton. (“Snow Fell” kertas di atas karton, minyak; 61,5x82; 1969)
Wah, mereka bahkan menulis di goni dari tas yang robek! Dan itu berhasil dengan baik!
Misalnya, pekerjaan ayah saya adalah “Ketua”. Kisahnya begini: ayahnya menerima perjalanan bisnis ke salah satu pertanian kolektif di Altai, di suatu tempat dekat Biysk, dengan tugas menulis ketua di sana, Pahlawan Buruh Sosialis. Di pertanian kolektif, tentu saja, tidak ada kanvas, apalagi kanvas prima, jadi ayah saya membuka beberapa karung besar, merentangkannya ke tandu improvisasi yang segera dipasang, menyiapkan goni dan melukis potret ketua. Selanjutnya, 50 tahun setelah kejadian tersebut, saya harus menyeret pekerjaan ini ke tandu biasa.
Atau di sini lanskap musim gugur“Crimson Autumn,” yang ditulis oleh ayah saya di suatu tempat di desa terpencil, juga menggunakan teknologi serupa:
Jadi: JIKA ANDA MELUKISAN GAMBAR MULTI-METER BESAR, mau tidak mau Anda harus melukisnya di atas kanvas SECARA EKSKLUSIF UNTUK PERTIMBANGAN TRANSPORTASI SELANJUTNYA, dan bukan untuk memiliki nilai seni!
Dalam kasus lain, tidak masalah apa yang harus ditulis, jika tidak, yang pertama dibeli oleh P.M. Tretyakov dua ETUDES oleh M.A. Vrubel DI KARTON, tidak masalah nilai seni tidak tahu.
SKETSA DAN SKETSA
Bagaimanapun juga, sketsa adalah apa pun yang Anda katakan, sudah selesai sepenuhnya, ukurannya relatif kecil skala penuh karya yang dilakukan di udara terbuka (lanskap) atau, katakanlah, di studio (masih hidup, potret) dan merupakan karya yang sepenuhnya mandiri. Namun, sketsa juga dapat digunakan di masa depan untuk melukis gambar besar, terkadang bahkan kanvas multi-meter yang sangat besar, yang hanya dapat dilakukan di bengkel. Sketsa, terutama untuk lanskap, paling sering memiliki dimensi, secara kasar, tidak melebihi 60 kali 80 cm, yaitu ukuran yang nyaman untuk dibawa oleh satu orang. Berikut adalah contoh sketsa skala penuh:
Sketsa tersebut dapat berupa pembelajaran satu sesi, ditulis dalam satu sesi, yaitu dalam satu hari. Namun hal ini jarang terjadi, lebih sering etude memerlukan beberapa, atau bahkan banyak sesi. Sketsa multi-sesi, terutama jika lanskap berskala penuh, terkadang memerlukan pengerjaan beberapa tahun. Hal ini biasanya terjadi ketika cuaca berubah secara tiba-tiba dan dalam waktu yang lama, dan kondisi yang diinginkan kini akan muncul tahun depan. Misalnya, Anda menulis musim gugur emas Di bawah terik matahari, masih ada beberapa sesi lagi, tapi di sini hujan turun sebulan penuh, dan mau tidak mau kami harus datang ke tempat ini tahun depan.
Dengan demikian, sketsa adalah karya skala penuh, sebuah karya seni yang telah selesai dimana pelukisnya menghabiskan banyak tenaga kerja, yaitu, dalam bahasa sehari-hari, lukisan cat minyak yang telah selesai relatif ukuran besar.
Tentu saja ada juga sketsa yang belum selesai, namun lukisan berukuran multi meter juga bisa saja belum selesai. Jadi, seperti yang bisa kita lihat, ini sudah lama ketinggalan jaman, kehilangan maknanya selama lebih dari 100 tahun nilai sebelumnya, gagasan para kritikus seni ternama bahwa sketsa tentu saja adalah sesuatu yang belum selesai dan memiliki nilai seni yang tidak berarti, yang sayangnya, mereka tertanam kuat di kepala kita, dan, sayangnya, tercermin bahkan dalam kamus, saat ini sudah lama tidak ada lagi. didukung tidak sedikit pun alasan.
SKETSA
Sketsa berbeda dengan sketsa karena selalu dibuat semata-mata sebagai persiapan untuk lukisan tematik besar (komposisi multi-gambar dengan topik tertentu. “Pagi Eksekusi Streltsy” oleh Surikov, misalnya). Kelengkapan tidak selalu terdapat dalam sketsa, dan dalam hal ini bersifat sketsa. Mari kita bandingkan dua sketsa untuk karya besar seniman Soviet Claudia Tutevol. Dalam kasus pertama, sketsa dibuat untuk diri sendiri, sebagai bahan kerja (Sketsa panel untuk paviliun Luar Angkasa di VDNKh)
Dalam kasus kedua (Sketsa langit-langit Opera Abay dan Teater Balet di Almaty), sketsa dibuat untuk disetujui oleh dewan kesenian, dibuktikan dengan tanda tangan dan stempel di kiri bawah dan atas sketsa. Oleh karena itu, sudah selesai dan selesai seluruhnya, tidak ada sketsa, mis. Tidak ada bau kelalaian atau pekerjaan yang belum selesai di sini. Dalam arsitektur, misalnya, ini akan menjadi model struktur arsitektur yang sesuai.
Sketsa untuk sebuah lukisan dapat berupa gambar tangan, kaki, telinga, wajah, gambar atau kepala seseorang, kuda, anjing, hewan lain, atau bahkan traktor, truk, yang sudah selesai seluruhnya, dan bahkan digambar atau digambar dengan cermat. benda apa pun, atau sepotong pakaian, segala sesuatu yang saat ini menarik minat pelukis, secara umum, segala sesuatu yang mungkin disertakan di masa depan gambaran besar artis. Selain itu, semua ini terkadang dapat ditampung pada selembar kanvas, karton, atau hardboard yang sama.
Sketsa seperti itu, kadang-kadang belum selesai, dibuat sembarangan, tergesa-gesa, disebut juga sketsa, yaitu apa yang “dibuat sketsa” oleh seniman, dalam proses menyusun komposisi multi-gambar yang besar, pada selembar kertas, karton, kanvas, dll.
Selain itu, sketsa disebut juga sketsa cepat yang dibuat oleh senimannya secara spontan, di bawah pengaruh momen. Contohnya adalah sketsa karya V.G. Gremitskikh kertas "Jauh" 25,5x17, pensil; tahun 1940-an.
V.G. Kertas Gremitskikh "Jauh", pensil; 25,5x17; tahun 1940-an |
Seperti yang bisa kita lihat, sang seniman, pada selembar kertas kado pertama yang ada, hanya untuk dirinya sendiri, membuat sketsa dengan pensil sederhana, rupanya juga menemukan adegan bergenre yang dia amati.
Namun seniman Moskow Igor Radoman melukis ayah saya yang sedang beristirahat di tempat tidur di suatu tempat di rumah seniman “Academic Dacha”:
Para seniman di berbagai pertemuan dan sesi yang banyak diadakan di masa Soviet selalu merasa bosan dan terhibur dengan membuat sketsa pensil satu sama lain. Saya memiliki banyak sketsa serupa dalam koleksi saya dari berbagai seniman.
Sketsa tidak hanya dapat dibuat dengan pensil, tetapi juga dengan cat minyak, optimis, pastel, arang, pulpen, dan apa saja, bahkan pulpen, karena seniman sejati tidak bisa hidup semenit pun tanpa profesinya. Bagi seniman realis, ini hanyalah semacam mania profesional pada tingkat refleks terkondisi, yang membutuhkan pelatihan terus-menerus, peningkatan keterampilan, yang, pada kenyataannya, membedakan seorang seniman sejati, yang mengabdikan seluruh hidupnya untuk seni setiap hari dan setiap jam. , dari apa yang disebut seniman “modern” dan seniman avant-garde yang Anda tidak perlu bisa melakukan apa pun, dan oleh karena itu tidak diperlukan pelatihan - tidak ada keterampilan, tidak ada yang perlu diasah, cukup mengecat kotak dan segitiga!
Ngomong-ngomong, sebuah sketsa, tergantung waktu yang dimiliki seniman untuk menyelesaikannya, bisa berubah menjadi gambar yang benar-benar selesai. Di sini kita telah selesai sepenuhnya potret anak dengan pensil “Volodya sedang bermain” oleh pelukis Murom Vasily Vasilyevich Serov, namun demikian, ini adalah sketsa!
Sketsa merupakan suatu bantuan dalam proses berkarya seniman secara besar-besaran gambar tematik. Sketsa dibuat tidak hanya dengan minyak, tetapi juga dengan arang atau pensil, tempera, dll. Selain itu, seluruh lukisan multi-figur besar masa depan karya seniman dapat dirangkai dalam sketsa.
Sebagai contoh, kita dapat mengutip dua sketsa untuk lukisan tematik besar “Komandan Perang saudara"oleh seniman Soviet Grigory Gordon, yang merupakan potret kelompok komandan merah paling terkenal dalam Perang Saudara.
Pada awalnya, sang pelukis memutuskan untuk menyusun semuanya dengan latar belakang spanduk merah,
tapi kemudian komposisi ini terasa membosankan baginya, dan dia memutuskan untuk memperumitnya:
Seperti yang dapat kita lihat, dalam hal ini sketsa dibuat dalam tempera, dan selain itu, meskipun kedua karya tersebut memiliki sketsa, yaitu. ketidaklengkapan dan eksekusi yang tampak ceroboh, semua pahlawan gambaran besar masa depan cukup dikenali. Kami dengan jelas melihat Voroshilov, Budyonny, Shchors, Frunze, Chapaev, Parkhomenko, dll.
Dan ini adalah sketsa lukisan tematik besar “Penangkapan Alexander Ulyanov” oleh seniman Murom yang telah disebutkan, V.V. Serova:
Tentu saja, hasilnya kemungkinan besar akan berbeda dari rencana awal. Seorang seniman sejati, pada umumnya, tidak pernah memikirkan hal baru. Dia terus-menerus mempelajari topik yang menarik minatnya. Dia memikirkannya, berubah pikiran, banyak mengamati, membaca literatur yang relevan. Jika lukisan tematik masa depan berisi pemandangan alam, sketsa-sketsa yang sesuai dari alam ditulis, yang kemudian, biasanya dalam bentuk yang sedikit dimodifikasi, dipindahkan ke lukisan itu. Terkadang detail individual dari beberapa sketsa skala penuh dipindahkan ke gambar yang lebih besar sekaligus.
Akan tetapi, sketsa skala penuh, berbeda dengan sketsa dan sketsa, adalah sebuah karya, seperti telah kita lihat, mandiri dan harus selesai sepenuhnya. Ini adalah contoh nyata untuk Anda. Setelah menerima pesanan lukisan tematik besar “Lenin dan Gorky di Gorki”, ayah saya khususnya pada musim semi tahun 1952 sering bepergian ke Leninskie Gorki dekat Moskow dan melukis dua sketsa besar di sana, keduanya di atas kanvas. Pertama, “Gorki. Musim semi. minyak di atas kanvas; 60x80cm",
dan kemudian - “Di Gorki Leninsky, minyak di atas kanvas; 78,5x57 cm."
Selanjutnya, pada lukisan besar terakhir, ayah saya mengambil sketsa kedua sebagai dasar, mundur sedikit, dan menempatkan Maxim Gorky yang sedang berbicara dengan Lenin di depan mereka. Dari sketsa “Gorki. Musim semi." ia mengambil keadaan alam sebelumnya sebagai latar belakang, secara signifikan mengurangi lanskap itu sendiri dengan gazebo dibandingkan dengan tokoh sentral. Namun, kedua sketsa tersebut, masing-masing, mewakili lanskap taman mandiri yang lengkap, tidak berbeda dengan banyak lanskap alam milik ayah saya yang lain. Seandainya saya tidak menceritakan kisah ini di sini, Anda, walaupun sudah tiga kali menjadi kritikus seni, tidak akan pernah menyangka bahwa kedua karya ini digunakan untuk membuat lukisan realisme sosialis, bukan? Jadi bagaimana kita dapat mengatakan bahwa sketsa tersebut tidak memiliki karakter yang lengkap dan makna artistik yang independen? (Ingat definisi di Wikipedia).
Lukisan multi figur tematik berukuran besar membutuhkan pengerjaan yang sangat besar dan panjang, kehadirannya jumlah yang sangat besar sketsa dan sketsa. Itu dilukis secara eksklusif di studio, seringkali selama bertahun-tahun. Ambil contoh, A. A. Ivanov dengan lukisan besarnya “Penampakan Kristus kepada Rakyat,” yang dikerjakan sang seniman selama dua puluh tahun - dari tahun 1837 hingga 1857, atau Vasily Surikov, yang mengerjakan setiap lukisannya selama tiga hingga lima tahun. bertahun-tahun.
APA PERBEDAAN GAMBAR dan STUDI?
Sketsanya, mandiri dan selesai seluruhnya sebuah karya seni, berbeda dari lukisan terutama karena lukisan itu dilukis dari kehidupan. Gambar itu dilukis secara eksklusif di studio berdasarkan sejumlah besar bahan - studi, sketsa, sketsa, sketsa pensil, dan foto. Terkadang Anda harus belajar jumlah besar sastra dan majalah, sedangkan alur cerita, yaitu tema gambar, diciptakan oleh senimannya sendiri, atau ditentukan oleh pelanggan. Dan yang terpenting, lukisan selalu mewujudkan NIAT AWAL SENIMAN, sedangkan sketsa TERUTAMA DITULIS SECARA SPONTAN – seniman mengambil buku sketsa dan pergi mencari motif, yaitu. jenis yang akan dia tulis. Di mana pun dia melihatnya, dia berhenti di situ dan menulis.
Tidak terkecuali etudes yang ditulis khusus untuk pembuatan lukisan tematik berukuran besar. Dalam kasus yang saya bicarakan di atas, ayah saya pertama kali menemukan gazebo di Leninsky Gorki, memutuskan bahwa dia akan menempatkan Lenin dan Gorky di depannya, dan baru kemudian melukis dua sketsa kehidupan dengan gazebo ini.
Pada dasarnya dapat dikatakan demikian segala sesuatu yang ditulis dari kehidupan adalah sketsa, baik itu lanskap, still life atau potret, dan segala sesuatu yang memerlukan rencana awal, pengerjaan jangka panjang dengan banyak dan beragam bahan persiapan- ini adalah gambar.
Sebuah lukisan pasti bisa disebut sebagai kanvas zaman yang berukuran besar, dan terkadang sangat besar. Ada seorang seniman Henryk Ippolitovich Semiradsky. Jadi dia melukis lukisan-lukisan yang begitu besar sehingga di studio lukisan-lukisan itu digantung di langit-langit dan mencapai lantai, dan, ingatlah, ini tidak terjadi di Khrushchev. Oleh karena itu, akademisi dan profesor Akademi Seni Kekaisaran harus terus-menerus menaiki tangga, terkadang ia memiliki karya yang begitu besar. Di G.I. Lukisan Semiradsky sebagian besar merupakan lukisan fantasi besar dengan tema kuno, yang subjeknya ia ambil dari kepalanya, karena kehidupan nyata Yunani Kuno Tentu saja, dia tidak dapat mengamati Roma pada masa Kaisar Nero dengan matanya sendiri.
Namun lukisan tersebut bisa berukuran cukup sederhana, terutama untuk lukisan bergenre, yaitu lukisan karya seniman yang menggambarkan pemandangan sehari-hari. Misalnya, “Perjodohan Seorang Mayor” yang terkenal oleh Pavel Fedotov memiliki ukuran sketsa yang cukup besar - hanya 58,3x75 cm, tetapi, seperti yang Anda pahami, itu jelas tidak dilukis dari kehidupan langsung di ruang tamu seorang pedagang.
Gambaran sejarah pada umumnya hanya bersifat fantasi. Kedua saudara Vasnetsov, misalnya, menulis tentang materi sejarah, tetapi sangat berbeda. Seseorang menciptakan kembali kehidupan dan arsitektur Moskow pada abad ke-14 dan abad ke-17, yang lain mengambil Rusia sebagai basisnya cerita rakyat dan epos. Tetapi jika Apollinaris, secara serius, pada tingkat ilmiah, terlibat dalam sejarah dan arkeologi, adalah anggota dari berbagai masyarakat sejarah dan arkeologi, menjadi pendukung setia penyebaran pengetahuan sejarah, berusaha untuk menciptakan kembali kehidupan dan pandangan Moskow abad pertengahan “sebagaimana adanya” berdasarkan dokumen dan hasil kuno penggalian arkeologi, di mana dia kadang-kadang ambil bagian secara pribadi, lukisan kakak laki-lakinya, Victor, sudah murni bersifat fantasi.
Lukisan pertempuran termasuk dalam kategori yang sama. Melukis mereka dari kehidupan langsung di medan perang, seperti yang dibayangkan beberapa wanita dari sejarah seni, sungguh konyol. Pelukis pertempuran terkenal Rusia V.V. Vereshchagin, yang secara pribadi mengamati banyak pertempuran, dan kadang-kadang bahkan mengambil bagian langsung di dalamnya, menulis lukisannya hanya dari ingatan, tentu saja di studio, mengandalkan banyak sketsa yang dibuatnya di teater operasi militer. Selain itu, Vasily Vasilyevich banyak membaca, mewawancarai saksi mata, menghabiskan banyak uang untuk alat peraga - ia membeli senjata, seragam, peralatan, yang kemudian ia gambar dari alam, sehingga menyiapkan sketsa untuk lukisan yang ada dalam pikirannya.
Lukisan besar yang menggambarkan pemandangan alam juga bukan merupakan benda nyata, melainkan diciptakan oleh seniman dari kepalanya dan dibuat berdasarkan sketsa dari alam. Suatu ketika saya kebetulan melihat sebuah sketsa berukuran kira-kira 60 kali 80 cm, yang menjadi dasar karya I.I. Shishkin melukis lukisan besarnya yang terkenal “Rye” berukuran 107 kali 187 cm. Sketsa itu di atas kanvas dan menggambarkan semuanya sama seperti di gambar, hanya saja jalan dari penonton tidak langsung menuju ke pohon-pohon pinus, melainkan agak menyamping dan. jumlah pohon pinus berbeda-beda. Dalam hal ini, sketsa dari alam jelas menjadi dasar pembuatan lukisan besar dengan pemandangan alam, namun sketsa itu sendiri merupakan karya yang telah selesai dan dikerjakan dengan cermat.
Dengan demikian, kita tidak hanya berbicara tentang sketsa untuk sebuah lukisan, tetapi juga tentang sketsa untuk sebuah lukisan, jika sketsa itu ditulis khusus untuk itu. Paling sering ini menyangkut lanskap. Jika I.I. Shishkin membatasi dirinya pada sketsa yang disebutkan di atas, dan karena alasan tertentu tidak menulis karya berskala besar berdasarkan sketsa tersebut, kini kritikus seni akan Galeri Tretyakov membual tentang lukisan karya I.I. Shishkina “Rye” 60x80 cm, tanpa curiga ini adalah sketsa skala penuh.
Mari kita simpulkan:
Sebuah lukisan, tidak seperti sketsa, memerlukan rencana awal dari senimannya, pemikiran jangka panjang, dan selalu dibedakan dengan pelaksanaan dan penyelesaian yang cermat, bisa dikatakan, dituliskan. Lukisan dengan ukuran berapa pun selalu dilukis oleh seniman di studio berdasarkan berbagai macam bahan: foto, sketsa dan sketsa persiapan, dan, jika perlu, berdasarkan sketsa yang telah ditulis sebelumnya dari alam. Sebuah lukisan, meskipun kecil, apalagi besar, selalu dilukis bukan di udara terbuka, meskipun itu lanskap (cobalah membawa raksasa seperti itu ke ladang atau hutan!), tetapi di studio seniman. . Sebuah lukisan besar tentu saja dilukis di atas kanvas, hal ini disebabkan oleh kenyamanan luar biasa dari kanvas besar untuk transportasi.
Lukisan tematik - seperti istilahnya sendiri, adalah lukisan dengan topik tertentu. Paling sering ini adalah komposisi multi-angka yang besar. Istilah ini sudah muncul dalam sejarah seni rupa Soviet, sehingga paling sering diterapkan pada karya-karya yang disebut realisme sosialis, misalnya bertema Civil, Great Perang Patriotik, atau, katakanlah, “Lenin di bulan Oktober”. Karena ukuran karya semacam itu seringkali sangat besar, sang seniman tentu saja mengerjakan lukisan semacam itu di studionya dan melukisnya di atas kanvas. “Keluarga Cossack menulis surat kepada Sultan Turki” I.E. Repin yang berukuran 2,03 x 3,58 meter pada prinsipnya dapat juga disebut lukisan tematik, meskipun realisme sosialis tidak ada bau disana. Itu juga ditulis oleh Ilya Efimovich di bengkel berdasarkan banyak sketsa dan sketsa, serta, misalnya, “Pengangkut Tongkang di Volga” (1,31 kali 2,81 m).
Lukisan bergenre - namanya berasal kata Perancis"genre" biasanya berhasil
Kecil potongan percakapan dapat dibuat tidak hanya di atas kanvas, tetapi juga di atas karton atau hardboard. Bahan ini mulai menyebar luas pada abad ke-20.
Ada juga yang namanya potret bergenre. Potret hanyalah potret seseorang dengan latar belakang netral, namun bila ada latar belakang yang menggambarkan objek, orang, atau bahkan lanskap industri yang memberi kesan kepada yang melihatnya, misalnya pekerjaan orang yang digambarkan, maka ini adalah sudah menjadi potret genre. Sebagai contoh, kita dapat mengutip potret perempuan bergenre “Veteran Buruh Pertambangan” oleh seniman Soviet Klavdia Aleksandrovna Tutevol, yang telah disebutkan di sini:
Sketsa, seperti yang kami katakan di atas, adalah karya mandiri yang telah selesai sepenuhnya, tetapi tentunya dari alam. Ini adalah karya seni yang sepenuhnya independen, tetapi juga dapat berfungsi sebagai bahan tambahan untuk lukisan besar karya seniman, yang sama sekali tidak mengurangi nilai seninya. Ini bisa berupa benda mati, potret, lanskap, interior. Sketsa tersebut, karena ukurannya yang relatif kecil, dilukis di atas semua bahan di atas, namun yang utama di dalamnya tentu saja adalah kualitas karya pelukisnya, kemampuannya dalam membangun komposisi dalam benda mati, mencerminkan. karakter model dalam potret, menyampaikan kegembiraan atau kedamaian laut, dinginnya hutan musim dingin, keindahan matahari terbenam, pesona musim gugur emas atau suasana musim semi alam dalam lanskap.
Sketsa merupakan suatu karya pembantu, tujuannya untuk mencatat gagasan komposisi masa depan
gambar tematik. Sebagai contoh, mari kita ambil sketsa lukisan “Virgin Lands” karya E. D. Ishmametov. Di dalamnya, seniman mengembangkan komposisi dan pewarnaan, karakter, pose karakter, dan kemudian melukis lukisan besar tentang topik ini. Pelukis selalu memikirkan sketsa untuk sebuah lukisan dengan sangat hati-hati. Biasanya sebuah sketsa dicirikan oleh beberapa ketidaklengkapan, ketidaklengkapan. Hal ini disebabkan oleh kenyataan bahwa seniman seringkali tidak perlu menyelesaikannya; ada tugas lain - mengembangkan pilihan komposisi lukisan masa depan, penyempurnaan dari rencana awalnya. Oleh karena itu, sketsa paling sering bersifat sketsa. Namun bisa juga merupakan karya yang telah selesai seluruhnya, digambar dengan cermat, apalagi jika sketsa tersebut hendak disetujui oleh panitia seleksi, seperti yang telah kita lihat pada contoh sketsa langit-langit teater. Abai di Almaty oleh Claudia Tutevol.Sketsa, jika dibuat dalam proses pengerjaan lukisan, juga merupakan karya pembantu semata, belum selesai, tidak digambar secara detail.
Ditulis atau digambar dengan cepat, tetapi kecerobohan seniman yang baik tidak terjadi di dalamnya. Anda dapat dengan cepat membuat sketsa, misalnya, kepala seorang model, yang nantinya akan berubah menjadi potret akhir yang megah, atau Anda dapat membuat sketsa cepat dari beberapa gambar yang nantinya mungkin diperlukan untuk membuat komposisi lukisan besar, dan sketsa akan tetap menjadi karya independen, menarik bagi kolektor dan amatir. Di sini, misalnya, adalah sketsa karya V.G. Gremitsky "Menari":Namun, seperti yang kita lihat di atas, sketsa juga bisa sepenuhnya independen.
Sketsa juga biasanya bersifat sketsa, tetapi sketsa pada hakikatnya adalah rencana lukisan yang akan datang, susunannya secara keseluruhan, sedangkan sketsa untuk lukisan adalah sketsa singkat tentang sesuatu yang pada prinsipnya dapat dimasukkan ke dalam suatu masa depan. lukisan.
TENTANG BEBERAPA ISTILAH UMUM LAINNYA DALAM LUKISAN :
Saya pernah sangat terkejut mengetahui bahwa staffage adalah “sebuah lukisan cat minyak tanpa gambaran yang jelas tentang sosok manusia atau hewan.” Faktanya, staf adalah figur kecil manusia atau hewan, yang diukir oleh seniman ke dalam lanskap untuk menghidupkannya kembali.
Istilah lain dari lukisan pemandangan- garpu tala. Ini adalah titik terang yang kontras dengan latar belakang lanskap secara umum. Biasanya ini semacam staf. Contohnya adalah karya seniman Tashkent
V.M. Kovinina" Pemandangan gunung dengan sosok gadis berbaju nasional berwarna merah cerah.
Aneh jika mereka menelepon siapa pun lukisan cat minyak, meski ukurannya kecil, dan bahkan ditulis di karton. “linen adalah kain linen halus dan padat dengan tenunan paling sederhana; varietas terbaik disebut cambric, yang paling kasar disebut kanvas, kanvas, equalduc, dll.” (Wikipedia). Jadi, kanvas tidak bisa berupa karton atau hardboard; dalam kaitannya dengan lukisan, sudah pasti kanvas.
Dalam seni lukis, kanvas adalah lukisan berukuran sangat besar, dan biasanya bertemakan zaman tertentu. Jadi, kita dapat mengatakan bahwa hanya kanvas yang keluar dari kuas Vasily Surikov, tetapi Konstantin Korovin menjadi terkenal terutama karena karya sketsanya. Jika "Gelombang Kesembilan" oleh Aivazovsky dapat sepenuhnya disebut kanvas, maka sehubungan dengan karya kecil "Fresh Cavalier" yang telah disebutkan oleh Fedotov, itu akan menjadi lucu, meskipun faktanya itu juga dilukis di atas kanvas.
Sedikit lebih banyak tentang tanah: Apa itu gesso? Ini adalah primer khusus, juga berbahan dasar kapur, yang digunakan untuk menutupi papan kayu. Sebelumnya di Eropa Barat Gambar sering kali dilukis di papan, dan di Rus' - ikon, dan selalu. Ini adalah bahan yang sangat tidak nyaman. Di Belanda, pada suatu waktu, papan dikeringkan selama 50 tahun, baru setelah itu digunakan. Saat ini, seniman jarang menggunakan gesso, karena cat, bersama dengan lapisan primer yang tebal, mudah terkelupas seiring waktu atau karena benturan ringan. Dan pelukis ikon modern semakin jarang menggunakannya.
Sebagai kesimpulan, berikut beberapa ilustrasi lagi untuk kejelasan:
Karya oleh V.G. Gremitskikh, yang disebut "Etude". Ini pada dasarnya, seperti namanya, adalah potret bergenre satu sesi skala penuh dari seorang pekerja, yang dilukis tepat di tempat kerjanya di pembangunan pembangkit listrik tenaga air Kuibyshev.
Dan inilah potret genre karya seniman Tashkent Valery Kovinin:
Ini jelas bukan potret satu sesi; di sini sang seniman jelas menyiksa rekannya yang berperan sebagai modelnya dengan beberapa sesi, yang terlihat dari ketelitian pengerjaan karyanya dan ukurannya. Namun demikian, potret laki-laki ini bukanlah sebuah lukisan, melainkan sketsa multi-sesi dari alam, yang sama sekali tidak mengurangi nilai seninya.
Untuk membuktikan pernyataan terakhir ini, perhatikan potret wanita terkenal “Gadis yang Diterangi Matahari”. Sepupunya, Maria Simonovich V.A. Serov melukis dari alam sepanjang musim panas tahun 1888, memotret setiap hari yang cerah (pada hari berawan ia melukis pemandangan “Kolam yang Ditumbuhi Tanaman”). Rencana awal (kami katakan di atas bahwa kami punya artis terkenal juga tidak hadir, dia hanya ingin, dalam kata-katanya, “menulis sesuatu yang menyenangkan.”
Jadi, di sini kita berhadapan dengan tidak lebih dari sketsa multi-sesi khas dari alam, yang ditulis sesuai keinginan, sesuai dengan keinginan yang muncul seketika. Beruntung bagi P.M. Tretyakov, yang memperoleh karya ini, belum mengetahui bahwa “Studi seni rupa adalah sketsa persiapan untuk karya masa depan.” (Wikipedia) Dan Valentin Serov menunjukkan tingkat ketidakprofesionalan yang ekstrim, menghabiskan waktu sebanyak 90 hari hanya untuk dua sketsa persiapan - potret seorang gadis dan pemandangan dengan kolam!
Saya dapat memberikan lebih banyak contoh serupa, tetapi saya khawatir saya sudah sangat melelahkan pembaca. Saya harap saya masih bisa memberikan kontribusi sederhana saya untuk menjelaskan kepada masyarakat umum beberapa istilah artistik yang paling umum digunakan, yang terkadang, sejujurnya, bahkan para senimannya sendiri pun bingung.
Alexander Gremitskikh
Avatar: V.M. Kovinin "Ke pasar Minggu. Karakalpakstan." minyak di atas kanvas 98x178. 1971 (Ini adalah tipikal gambar bergenre besar)