Lukisan Renaisans. Seniman Besar Italia Artis Renaisans Italia yang terkenal
Pencapaian Renaisans yang tidak diragukan lagi adalah desain lukisan yang benar secara geometris. Seniman membangun gambar menggunakan teknik yang dikembangkannya. Hal utama bagi pelukis pada masa itu adalah menjaga proporsi objek. Bahkan alam pun termasuk dalam teknik matematika untuk menghitung proporsionalitas suatu gambar dengan objek lain dalam gambar.
Dengan kata lain, seniman pada masa Renaisans berusaha menyampaikan gambaran akurat, misalnya, seseorang dengan latar belakang alam. Jika kita membandingkannya dengan teknik modern dalam menciptakan kembali gambar yang terlihat pada beberapa kanvas, kemungkinan besar, fotografi dengan penyesuaian selanjutnya akan membantu untuk memahami apa yang diperjuangkan para seniman Renaisans.
Pelukis zaman Renaisans percaya bahwa mereka berhak memperbaiki kekurangan alam, yaitu jika seseorang mempunyai ciri wajah yang jelek maka para seniman mengoreksinya sedemikian rupa sehingga wajahnya menjadi manis dan menarik.
Leonardo da Vinci
Renaisans menjadi demikian berkat banyaknya tokoh kreatif yang hidup pada masa itu. Leonardo da Vinci yang terkenal di dunia (1452 - 1519) menciptakan sejumlah besar mahakarya, yang biayanya mencapai jutaan dolar, dan para penikmat seninya siap untuk merenungkan lukisannya untuk waktu yang lama.
Leonardo memulai studinya di Florence. Lukisan pertamanya, dilukis sekitar tahun 1478, adalah “Benois Madonna”. Lalu ada kreasi seperti "Madonna in the Grotto", "Mona Lisa", "Perjamuan Terakhir" yang disebutkan di atas dan sejumlah mahakarya lainnya yang ditulis oleh tangan seorang raksasa Renaisans.
Ketelitian proporsi geometris dan reproduksi akurat struktur anatomi seseorang - inilah yang menjadi ciri lukisan Leonard da Vinci. Menurut keyakinannya, seni melukiskan gambar-gambar tertentu di atas kanvas adalah suatu ilmu, bukan sekedar hobi.
Rafael Santi
Raphael Santi (1483 - 1520), yang dikenal di dunia seni rupa dengan nama Raphael, menciptakan karya-karyanya di Italia. Lukisannya dipenuhi dengan lirik dan keanggunan. Raphael adalah perwakilan Renaisans, yang menggambarkan manusia dan keberadaannya di bumi, dan suka melukis dinding Katedral Vatikan.
Lukisan-lukisan tersebut menunjukkan kesatuan figur, kesesuaian proporsional antara ruang dan gambar, serta harmoni warna. Kemurnian Perawan adalah dasar dari banyak lukisan Raphael. Gambar Bunda Maria yang pertama adalah Sistine Madonna, yang dilukis oleh seniman terkenal pada tahun 1513. Potret yang dibuat oleh Raphael mencerminkan citra manusia ideal.
Sandro Botticelli
Sandro Botticelli (1445 - 1510) juga seorang seniman Renaisans. Salah satu karya pertamanya adalah lukisan “Adoration of the Magi.” Puisi halus dan lamunan merupakan sikap awalnya dalam bidang penyampaian gambaran seni.
Pada awal tahun 80-an abad ke-15, seniman besar itu melukis dinding Kapel Vatikan. Lukisan-lukisan dinding yang dibuat oleh tangannya masih menakjubkan.
Seiring berjalannya waktu, lukisannya menjadi bercirikan ketenangan bangunan-bangunan kuno, keaktifan tokoh-tokoh yang digambarkan, dan keserasian gambar. Selain itu, kecintaan Botticelli terhadap menggambar untuk karya sastra terkenal juga diketahui, yang juga menambah ketenaran karyanya.
Michelangelo Buonarotti
Michelangelo Buonarotti (1475 – 1564) adalah seorang seniman Italia yang juga bekerja pada masa Renaisans. Pria ini, yang banyak kita kenal, melakukan segala yang dia bisa lakukan. Dan patung, lukisan, arsitektur, dan puisi. Michelangelo, seperti Raphael dan Botticelli, melukis dinding gereja-gereja Vatikan. Lagi pula, hanya pelukis paling berbakat pada masa itu yang terlibat dalam pekerjaan penting seperti melukis gambar di dinding katedral Katolik. Dia harus menutupi lebih dari 600 meter persegi Kapel Sistina dengan lukisan dinding yang menggambarkan berbagai adegan alkitabiah. Karya paling terkenal dalam gaya ini kita kenal sebagai “The Last Judgment.” Makna cerita alkitabiah diungkapkan secara lengkap dan jelas. Ketepatan dalam transfer gambar merupakan ciri khas dari semua karya Michelangelo.
7 Agustus 2014
Mahasiswa universitas seni dan orang-orang yang tertarik dengan sejarah seni mengetahui bahwa pada pergantian abad 14-15 terjadi perubahan tajam dalam seni lukis - Renaisans. Sekitar tahun 1420-an, semua orang tiba-tiba menjadi lebih baik dalam menggambar. Mengapa gambar tiba-tiba menjadi begitu realistis dan detail, dan mengapa cahaya dan volume muncul dalam lukisan? Tidak ada yang memikirkan hal ini untuk waktu yang lama. Sampai David Hockney mengambil kaca pembesar.
Mari kita cari tahu apa yang dia temukan...
Suatu hari dia sedang melihat gambar Jean Auguste Dominique Ingres, pemimpin sekolah akademik Perancis abad ke-19. Hockney menjadi tertarik melihat gambar kecilnya dalam skala yang lebih besar, dan dia memperbesarnya di mesin fotokopi. Begitulah cara dia menemukan sisi rahasia sejarah seni lukis sejak zaman Renaisans.
Setelah membuat fotokopi gambar kecil Ingres (sekitar 30 sentimeter), Hockney kagum dengan betapa realistisnya gambar tersebut. Dan dia juga merasa kalimat Ingres adalah sesuatu baginya
mengingatkan. Ternyata mereka mengingatkannya pada karya-karya Warhol. Dan Warhol melakukan ini - dia memproyeksikan foto ke kanvas dan menguraikannya.
Kiri: detail gambar Ingres. Kanan: Gambar Warhol karya Mao Zedong
Hal yang menarik, kata Hockney. Rupanya, Ingres menggunakan Kamera Lucida - perangkat berupa struktur dengan prisma yang dipasang, misalnya, pada dudukan tablet. Jadi, sang seniman, melihat gambarnya dengan satu mata, melihat gambar sebenarnya, dan dengan mata lainnya - gambar sebenarnya dan tangannya. Hasilnya adalah ilusi optik yang memungkinkan Anda mentransfer proporsi nyata secara akurat ke kertas. Dan justru inilah “jaminan” realisme gambar tersebut.
Menggambar potret menggunakan kamera lucida, 1807
Kemudian Hockney menjadi sangat tertarik dengan jenis gambar dan lukisan “optik” ini. Di studionya, ia dan timnya menggantungkan ratusan reproduksi lukisan yang dibuat selama berabad-abad di dinding. Karya yang terlihat “nyata” dan ada pula yang tidak. Disusun berdasarkan waktu penciptaan dan wilayah - utara di atas, selatan di bawah, Hockney dan timnya melihat perubahan tajam dalam lukisan pada pergantian abad ke-14-15. Secara umum, setiap orang yang mengetahui sedikit pun tentang sejarah seni mengetahui hal ini - Renaisans.
Mungkin mereka menggunakan kamera-lucida yang sama? Itu dipatenkan pada tahun 1807 oleh William Hyde Wollaston. Meskipun sebenarnya alat semacam itu dijelaskan oleh Johannes Kepler pada tahun 1611 dalam karyanya Dioptrice. Lalu mungkinkah mereka menggunakan perangkat optik lain - kamera obscura? Telah dikenal sejak zaman Aristoteles dan merupakan ruangan gelap yang di dalamnya cahaya masuk melalui lubang kecil sehingga di dalam ruangan gelap diperoleh proyeksi apa yang ada di depan lubang tersebut, namun terbalik. Semuanya akan baik-baik saja, tetapi gambar yang diperoleh ketika diproyeksikan oleh kamera lubang jarum tanpa lensa, secara halus, tidak berkualitas tinggi, tidak jelas, membutuhkan banyak cahaya terang, belum lagi ukurannya. dari proyeksi. Namun lensa berkualitas tinggi hampir tidak mungkin dibuat hingga abad ke-16, karena tidak ada cara untuk mendapatkan kaca berkualitas tinggi pada saat itu. Bisnis, pikir Hockney, yang saat itu sudah bergelut dengan fisikawan Charles Falco.
Namun, ada lukisan karya Jan Van Eyck, master dari Bruges, pelukis Flemish awal Renaisans, yang berisi petunjuk. Lukisan itu berjudul "Potret Pasangan Arnolfini".
Jan Van Eyck "Potret Pasangan Arnolfini" 1434
Lukisan itu bersinar dengan banyak detail, yang cukup menarik, karena baru dilukis pada tahun 1434. Dan petunjuk bagaimana penulis berhasil membuat langkah maju yang begitu besar dalam realisme gambar adalah cermin. Dan juga kandil - sangat rumit dan realistis.
Hockney dipenuhi rasa ingin tahu. Dia mendapatkan salinan lampu gantung tersebut dan mencoba menggambarnya. Seniman dihadapkan pada kenyataan bahwa hal rumit seperti itu sulit digambar dalam perspektif. Poin penting lainnya adalah materialitas gambar benda logam tersebut. Saat menggambarkan objek baja, sangat penting untuk memposisikan sorotan serealistis mungkin, karena ini memberikan realisme yang luar biasa. Namun permasalahannya adalah highlight ini bergerak ketika mata pemirsa atau artis bergerak, sehingga tidak mudah untuk ditangkap sama sekali. Dan penggambaran logam dan silau yang realistis juga merupakan ciri khas lukisan Renaisans; sebelumnya, para seniman belum pernah mencoba melakukan hal ini.
Dengan membuat ulang model lampu gantung 3D yang akurat, tim Hockney memastikan bahwa lampu gantung di Potret Arnolfini digambar secara akurat dalam perspektif dengan satu titik hilang. Namun masalahnya adalah instrumen optik yang presisi seperti kamera obscura dengan lensa belum ada sekitar satu abad setelah lukisan itu dibuat.
Fragmen lukisan Jan Van Eyck "Potret Pasangan Arnolfini" 1434
Fragmen yang diperbesar menunjukkan bahwa cermin pada lukisan “Potret Pasangan Arnolfini” berbentuk cembung. Artinya ada juga cermin sebaliknya – cekung. Apalagi pada masa itu cermin dibuat dengan cara ini - diambil bola kaca, bagian bawahnya dilapisi perak, lalu semuanya kecuali bagian bawahnya dipotong. Sisi belakang cermin tidak digelapkan. Artinya cermin cekung Jan Van Eyck bisa jadi sama dengan cermin yang digambarkan dalam lukisan, hanya saja dari sisi sebaliknya. Dan fisikawan mana pun tahu bahwa cermin seperti itu, ketika dipantulkan, memproyeksikan gambaran tentang apa yang dipantulkan. Di sinilah temannya fisikawan Charles Falco membantu David Hockney dalam perhitungan dan penelitian.
Cermin cekung memproyeksikan bayangan menara di luar jendela ke kanvas.
Bagian proyeksi yang jelas dan terfokus berukuran sekitar 30 sentimeter persegi - persis dengan ukuran kepala di banyak potret Renaisans.
Hockney menguraikan proyeksi seorang pria di atas kanvas
Ini misalnya ukuran potret “Doge Leonardo Loredan” karya Giovanni Bellini (1501), potret seorang pria karya Robert Campin (1430), potret sebenarnya Jan Van Eyck “seorang pria bersorban merah ” dan banyak potret awal Belanda lainnya.
Potret Renaisans
Melukis adalah pekerjaan bergaji tinggi, dan tentu saja, semua rahasia bisnis dijaga kerahasiaannya. Hal ini bermanfaat bagi sang seniman karena semua orang yang belum tahu percaya bahwa rahasianya ada di tangan sang master dan tidak dapat dicuri. Bisnis ini tertutup bagi orang luar - para seniman adalah anggota guild, dan juga mencakup berbagai pengrajin - mulai dari pembuat pelana hingga pembuat cermin. Dan di Guild of Saint Luke, yang didirikan di Antwerp dan pertama kali disebutkan pada tahun 1382 (kemudian guild serupa dibuka di banyak kota di utara, dan salah satu yang terbesar adalah guild di Bruges, kota tempat tinggal Van Eyck) ada juga ahli yang membuat cermin. .
Beginilah cara Hockney menciptakan kembali bagaimana lampu gantung rumit dari lukisan Van Eyck bisa dilukis. Sama sekali tidak mengherankan jika ukuran lampu gantung yang diproyeksikan Hockney sama persis dengan ukuran lampu gantung dalam lukisan “Potret Pasangan Arnolfini”. Dan tentu saja, sorotan pada logam - pada proyeksinya, mereka berdiri diam dan tidak berubah ketika artis mengubah posisi.
Namun masalahnya masih belum sepenuhnya terselesaikan, karena munculnya optik berkualitas tinggi, yang diperlukan untuk menggunakan kamera obscura, tinggal 100 tahun lagi, dan ukuran proyeksi yang diperoleh dengan menggunakan cermin masih sangat kecil. Bagaimana cara melukis lukisan berukuran lebih dari 30 sentimeter persegi? Mereka diciptakan seperti kolase - dari banyak sudut pandang, itu seperti visi bola dengan banyak titik hilang. Hockney memahami hal ini karena dia sendiri yang membuat gambar seperti itu - dia membuat banyak kolase foto yang menghasilkan efek yang persis sama.
Hampir satu abad kemudian, pada tahun 1500-an kaca akhirnya dapat diperoleh dan diproses dengan baik - lensa besar muncul. Dan akhirnya bisa dimasukkan ke dalam kamera obscura yang prinsip pengoperasiannya sudah dikenal sejak zaman dahulu. Lensa kamera obscura merupakan revolusi luar biasa dalam seni visual karena proyeksinya kini dapat berukuran berapa pun. Dan satu hal lagi, kini gambarnya bukan “wide-angle”, melainkan kira-kira dalam aspek normal - yaitu kurang lebih sama seperti saat ini jika difoto dengan lensa dengan panjang fokus 35-50mm.
Namun, masalah penggunaan kamera lubang jarum dengan lensa adalah proyeksi ke depan dari lensa dicerminkan. Hal ini menyebabkan sejumlah besar pelukis kidal pada tahap awal penggunaan optik. Seperti dalam lukisan tahun 1600-an dari Museum Frans Hals ini, di mana pasangan kidal sedang menari, seorang lelaki tua kidal sedang menggoyang-goyangkan jarinya ke arah mereka, dan seekor monyet kidal sedang melihat ke balik gaun wanita tersebut.
Semua orang di gambar ini kidal
Masalahnya diselesaikan dengan memasang cermin ke mana lensa diarahkan, sehingga diperoleh proyeksi yang benar. Namun ternyata cermin yang bagus, halus dan besar harganya mahal, sehingga tidak semua orang memilikinya.
Masalah lainnya adalah fokus. Faktanya, beberapa bagian gambar, pada satu posisi kanvas di bawah sinar proyeksi, tidak fokus dan tidak jelas. Dalam karya Jan Vermeer yang penggunaan optiknya cukup kentara, karyanya umumnya terlihat seperti foto, Anda juga dapat melihat tempat-tempat yang tidak “fokus”. Anda bahkan dapat melihat pola yang dihasilkan lensa - “bokeh” yang terkenal kejam. Seperti di sini misalnya pada lukisan “The Milkmaid” (1658), keranjang, roti di dalamnya, dan vas biru tidak fokus. Namun mata manusia tidak dapat melihat “di luar fokus”.
Beberapa bagian gambar tidak fokus
Dan mengingat semua ini, sama sekali tidak mengherankan bahwa teman baik Jan Vermeer adalah Anthony Phillips van Leeuwenhoek, seorang ilmuwan dan ahli mikrobiologi, serta seorang ahli unik yang menciptakan mikroskop dan lensanya sendiri. Ilmuwan menjadi pengurus anumerta sang seniman. Hal ini menunjukkan bahwa Vermeer menggambarkan temannya di dua kanvas - "Geographer" dan "Astronom".
Untuk melihat bagian mana pun dalam fokus, Anda perlu mengubah posisi kanvas di bawah sinar proyeksi. Namun dalam kasus ini, kesalahan proporsi muncul. Seperti yang Anda lihat di sini: bahu besar "Anthea" karya Parmigianino (sekitar tahun 1537), kepala kecil "Lady Genovese" karya Anthony Van Dyck (1626), kaki besar petani dalam lukisan Georges de La Tour .
Kesalahan dalam proporsi
Tentu saja, semua artis menggunakan lensa secara berbeda. Ada yang untuk sketsa, ada yang dibuat dari bagian yang berbeda - lagi pula, sekarang dimungkinkan untuk membuat potret, dan menyelesaikan yang lainnya dengan model lain atau bahkan dengan manekin.
Hampir tidak ada gambar yang ditinggalkan oleh Velazquez. Namun, mahakaryanya tetap ada - potret Paus Innosensius ke-10 (1650). Ada permainan cahaya yang indah pada mantel paus - jelas sutra. Blikov. Dan untuk menulis semua ini dari satu sudut pandang, dibutuhkan banyak usaha. Namun jika Anda membuat proyeksi, maka semua keindahan ini tidak akan hilang kemana-mana - highlight tidak lagi bergerak, Anda bisa melukis dengan sapuan lebar dan cepat seperti milik Velasquez.
Hockney mereproduksi lukisan Velazquez
Selanjutnya, banyak seniman yang mampu membeli kamera obscura, dan ini tidak lagi menjadi rahasia besar. Canaletto secara aktif menggunakan kamera untuk menciptakan pandangannya tentang Venesia dan tidak menyembunyikannya. Lukisan-lukisan ini, karena keakuratannya, memungkinkan kita berbicara tentang Canaletto sebagai seorang dokumenter. Berkat Canaletto, Anda tidak hanya dapat melihat gambar yang indah, tetapi juga cerita itu sendiri. Anda bisa melihat seperti apa Jembatan Westminster pertama di London pada tahun 1746.
Canaletto "Jembatan Westminster" 1746
Seniman Inggris Sir Joshua Reynolds memiliki kamera obscura dan rupanya tidak memberitahu siapa pun tentang hal itu, karena kameranya dapat dilipat dan terlihat seperti buku. Sekarang berada di Museum Sains London.
Kamera obscura menyamar sebagai buku
Akhirnya, pada awal abad ke-19, William Henry Fox Talbot, menggunakan kamera lucida - kamera di mana Anda harus melihat dengan satu mata dan menggambar dengan tangan, mengutuk, memutuskan bahwa ketidaknyamanan seperti itu harus diakhiri untuk selamanya. semuanya, dan menjadi salah satu penemu fotografi kimia, dan kemudian menjadi pemopuler yang menjadikannya massal.
Dengan ditemukannya fotografi, monopoli lukisan atas realisme suatu gambar lenyap; kini fotografi telah menjadi monopoli. Dan di sini, akhirnya, lukisan melepaskan diri dari lensa, melanjutkan jalur yang dilaluinya pada tahun 1400-an, dan Van Gogh menjadi cikal bakal semua seni abad ke-20.
Kiri: Mosaik Bizantium dari abad ke-12. Kanan: Vincent Van Gogh, Potret Monsieur Trabuc, 1889.
Penemuan fotografi adalah hal terbaik yang terjadi pada seni lukis sepanjang sejarahnya. Tidak perlu lagi menciptakan gambar-gambar nyata secara eksklusif; sang seniman menjadi bebas. Tentu saja, masyarakat membutuhkan waktu satu abad untuk bisa memahami pemahaman para seniman tentang musik visual dan berhenti menganggap orang-orang seperti Van Gogh itu “gila”. Pada saat yang sama, para seniman mulai aktif menggunakan foto sebagai “bahan referensi”. Kemudian orang-orang seperti Wassily Kandinsky, avant-garde Rusia, Mark Rothko, Jackson Pollock muncul. Mengikuti seni lukis, arsitektur, patung dan musik juga memerdekakan diri. Benar, sekolah seni lukis akademis Rusia terjebak dalam waktu, dan saat ini di akademi dan sekolah masih dianggap memalukan jika menggunakan fotografi sebagai alat bantu, dan prestasi tertinggi dianggap sebagai kemampuan teknis murni untuk melukis serealistis mungkin. dengan tangan kosong.
Berkat artikel jurnalis Lawrence Weschler yang hadir saat penelitian David Hockney dan Falco, terungkap fakta menarik lainnya: potret pasangan Arnolfini karya Van Eyck merupakan potret seorang saudagar Italia di Bruges. Tuan Arnolfini adalah seorang Florentine dan, terlebih lagi, dia adalah perwakilan dari bank Medici (praktis para ahli Florence selama Renaisans, yang dianggap sebagai pelindung seni pada waktu itu di Italia). Apa artinya ini? Fakta bahwa dia dapat dengan mudah membawa rahasia Persekutuan St. Luke - cermin - bersamanya ke Florence, di mana, seperti yang diyakini dalam sejarah tradisional, Renaisans dimulai, dan seniman dari Bruges (dan, karenanya, master lainnya ) dianggap “primitivis.”
Ada banyak kontroversi seputar teori Hockney-Falco. Tapi tentu saja ada benarnya juga. Bagi kritikus seni, kritikus, dan sejarawan, sulit membayangkan berapa banyak karya ilmiah tentang sejarah dan seni yang ternyata hanya omong kosong, namun hal ini mengubah keseluruhan sejarah seni, semua teori dan teksnya.
Fakta penggunaan optik sama sekali tidak mengurangi bakat para seniman - lagipula, teknologi adalah sarana untuk menyampaikan apa yang diinginkan seniman. Dan sebaliknya, fakta bahwa lukisan-lukisan ini mengandung realitas yang paling nyata hanya menambah bobotnya - lagipula, seperti inilah rupa orang-orang pada masa itu, benda-benda, tempat-tempat, kota-kota. Ini adalah dokumen aslinya.
Pertanda pertama seni Renaisans muncul di Italia pada abad ke-14. Seniman pada masa ini, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) dan (yang paling terkenal) Giotto
(1267-1337) ketika membuat lukisan bertema keagamaan tradisional, mereka mulai menggunakan teknik artistik baru: membangun komposisi tiga dimensi, menggunakan lanskap di latar belakang, yang memungkinkan mereka membuat gambar lebih realistis dan animasi. Hal ini secara tajam membedakan karya mereka dari tradisi ikonografi sebelumnya, yang sarat dengan konvensi dalam gambar.
Istilah yang digunakan untuk menunjukkan kreativitas mereka Proto-Renaisans (1300-an - "Trecento")
.
Giotto di Bondone
(c. 1267-1337) - Seniman dan arsitek Italia dari era Proto-Renaissance. Salah satu tokoh kunci dalam sejarah seni Barat. Setelah mengatasi tradisi lukisan ikon Bizantium, ia menjadi pendiri sejati aliran seni lukis Italia dan mengembangkan pendekatan yang benar-benar baru dalam menggambarkan ruang. Karya Giotto terinspirasi dari Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo.
Renaisans Awal (1400-an - Quattrocento).
Pada awal abad ke-15 Filippo Brunelleschi
(1377-1446), ilmuwan dan arsitek Florentine.
Brunelleschi ingin menjadikan persepsi pemandian dan teater yang direkonstruksinya lebih visual dan mencoba membuat lukisan perspektif geometris dari rencananya untuk sudut pandang tertentu. Dalam pencarian ini ditemukan perspektif langsung.
Hal ini memungkinkan seniman memperoleh gambaran sempurna ruang tiga dimensi di atas kanvas lukisan datar.
_________Langkah penting lainnya menuju Renaisans adalah munculnya seni sekuler non-religius. Potret dan lanskap memantapkan diri sebagai genre independen. Bahkan subjek agama memperoleh interpretasi yang berbeda - seniman Renaisans mulai menganggap karakter mereka sebagai pahlawan dengan ciri-ciri individu yang menonjol dan motivasi manusia untuk bertindak.
Artis paling terkenal pada periode ini adalah Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).
Masaccio
(1401-1428) - pelukis terkenal Italia, master terbesar sekolah Florentine, pembaharu seni lukis era Quattrocento.
 |
| Lukisan dinding. Keajaiban dengan statir. |
 |
| Lukisan. Penyaliban. |
 |
| Lukisan dinding. Kisah Ratu Sheba. Gereja San Francesco di Arezzo |
Sandro Botticelli(1445-1510) - pelukis besar Italia, perwakilan dari sekolah seni lukis Florentine.
 |
| Musim semi. |
 |
| Kelahiran Venus. |
Renaisans Tinggi ("Cinquecento").
Perkembangan seni Renaisans yang tertinggi terjadi untuk kuartal pertama abad ke-16.
Bekerja Sansovino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafael Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarotti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), Titian (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) merupakan dana emas seni Eropa.
Leonardo di Ser Piero da Vinci (Florence) (1452-1519) - Seniman Italia (pelukis, pematung, arsitek) dan ilmuwan (ahli anatomi, naturalis), penemu, penulis.
 |
| Potret diri |
 |
| Wanita dengan cerpelai. 1490. Museum Czartoryski, Krakow |
 |
| Mona Lisa (1503-1505/1506) |
 |
| Madonna Litta. 1490-1491. Pertapaan. |
 |
| Madonna Benois (Madonna dengan Bunga). 1478-1480 |
 |
| Madonna dengan Anyelir. 1478 |
Semasa hidupnya, Leonardo da Vinci membuat ribuan catatan dan gambar tentang anatomi, namun tidak mempublikasikan karyanya. Saat membedah tubuh manusia dan hewan, ia secara akurat menyampaikan struktur kerangka dan organ dalam, termasuk detail-detail kecil. Menurut profesor anatomi klinis Peter Abrams, karya ilmiah da Vinci 300 tahun lebih maju dari masanya dan dalam banyak hal lebih unggul dari Anatomi Gray yang terkenal.
Daftar penemuan, baik yang nyata maupun yang dikaitkan dengannya:
Parasut, keKastil Olestsovo, disepeda, tank, ljembatan portabel ringan untuk tentara, halproyektor, kekembali, rkeduanya, dTeleskop Vuhlens.
Inovasi-inovasi ini kemudian dikembangkan Rafael Santi (1483-1520) - seorang pelukis, seniman grafis dan arsitek hebat, perwakilan dari sekolah Umbria.
| Potret diri. 1483 |
Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) - Pematung, seniman, arsitek, penyair, pemikir Italia.
Lukisan dan patung Michelangelo Buonarotti penuh dengan kesedihan heroik dan, pada saat yang sama, perasaan tragis akan krisis humanisme. Lukisannya mengagungkan kekuatan dan kekuasaan manusia, keindahan tubuhnya, sekaligus menekankan kesepiannya di dunia.
Kejeniusan Michelangelo meninggalkan jejaknya tidak hanya pada seni Renaisans, tetapi juga pada seluruh budaya dunia berikutnya. Aktivitasnya terutama terkait dengan dua kota di Italia - Florence dan Roma.
Namun, sang seniman mampu mewujudkan rencananya yang paling ambisius justru dalam seni lukis, di mana ia berperan sebagai inovator sejati warna dan bentuk.
Atas perintah Paus Julius II, ia melukis langit-langit Kapel Sistina (1508-1512), yang mewakili kisah alkitabiah mulai dari penciptaan dunia hingga air bah dan mencakup lebih dari 300 tokoh. Pada tahun 1534-1541, di Kapel Sistina yang sama, ia melukis lukisan dinding megah dan dramatis “Penghakiman Terakhir” untuk Paus Paulus III.
Kapel Sistina 3D.
Karya-karya Giorgione dan Titian dibedakan berdasarkan ketertarikan mereka pada lanskap dan puisi plotnya. Kedua seniman tersebut mencapai penguasaan luar biasa dalam seni potret, yang dengannya mereka menyampaikan karakter dan kekayaan dunia batin karakter mereka.
Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) - Seniman Italia, perwakilan sekolah seni lukis Venesia.
 |
||||
| Venus yang sedang tidur. 1510 |
 |
| Judith. 1504g |
Titian melukis lukisan tentang subjek alkitabiah dan mitologi; ia juga menjadi terkenal sebagai pelukis potret. Raja dan Paus, kardinal, adipati dan pangeran memberikan perintah untuknya. Titian belum genap tiga puluh tahun ketika ia diakui sebagai pelukis terbaik Venesia.
 |
| Potret diri. 1567 |
 |
| Venus dari Urbino. 1538 |
 |
| Potret Tommaso Mosti. 1520 |
Renaisans Akhir.
Setelah penjarahan Roma oleh pasukan kekaisaran pada tahun 1527, Renaisans Italia memasuki masa krisis. Sudah dalam karya mendiang Raphael, garis artistik baru digariskan, yang disebut perangai.
Era ini ditandai dengan garis-garis yang membengkak dan putus-putus, sosok-sosok yang memanjang atau bahkan berubah bentuk, seringkali telanjang, pose-pose yang tegang dan tidak wajar, efek-efek yang tidak biasa atau aneh yang terkait dengan ukuran, pencahayaan atau perspektif, penggunaan skala kromatik kaustik, komposisi yang berlebihan, dll. tingkah laku tuan pertama Parmigianino
, Pontormo
, perunggu-
tinggal dan bekerja di istana rumah Adipati Medici di Florence. Mode tingkah laku kemudian menyebar ke seluruh Italia dan sekitarnya.
Girolamo Francesco Maria Mazzola
(Parmigianino
- “penduduk Parma”) (1503-1540) Seniman dan pengukir Italia, perwakilan Mannerisme.
 |
| Potret diri. 1540 |
 |
| Potret seorang wanita. 1530. |
Pontormo (1494-1557) - Pelukis Italia, perwakilan sekolah Florentine, salah satu pendiri tingkah laku.
Pada tahun 1590-an, seni menggantikan tingkah laku barok (angka transisi - Tintoretto Dan El Yunani ).
Jacopo Robusti atau lebih dikenal dengan sebutan Tintoretto (1518 atau 1519-1594) - pelukis sekolah Venesia pada akhir Renaisans.
 |
| Perjamuan Terakhir. 1592-1594. Gereja San Giorgio Maggiore, Venesia. |
El Yunani ("Orang yunani" Domenikos Theotokopoulos ) (1541-1614) - Artis Spanyol. Berdasarkan asal - Yunani, penduduk asli pulau Kreta.
El Greco tidak memiliki pengikut sezaman, dan kejeniusannya ditemukan kembali hampir 300 tahun setelah kematiannya.
El Greco belajar di studio Titian, namun teknik melukisnya sangat berbeda dengan gurunya. Karya-karya El Greco bercirikan kecepatan dan ekspresif eksekusi, yang mendekatkan mereka dengan lukisan modern.
 |
| Kristus di kayu salib. OKE. 1577. Koleksi pribadi. |
 |
| Trinitas. 1579 Prado. |
Pertanda pertama seni Renaisans muncul di Italia pada abad ke-14. Seniman pada masa ini, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) dan (yang paling terkenal) Giotto
(1267-1337) ketika membuat lukisan bertema keagamaan tradisional, mereka mulai menggunakan teknik artistik baru: membangun komposisi tiga dimensi, menggunakan lanskap di latar belakang, yang memungkinkan mereka membuat gambar lebih realistis dan animasi. Hal ini secara tajam membedakan karya mereka dari tradisi ikonografi sebelumnya, yang sarat dengan konvensi dalam gambar.
Istilah yang digunakan untuk menunjukkan kreativitas mereka Proto-Renaisans (1300-an - "Trecento")
.
Giotto di Bondone
(c. 1267-1337) - Seniman dan arsitek Italia dari era Proto-Renaissance. Salah satu tokoh kunci dalam sejarah seni Barat. Setelah mengatasi tradisi lukisan ikon Bizantium, ia menjadi pendiri sejati aliran seni lukis Italia dan mengembangkan pendekatan yang benar-benar baru dalam menggambarkan ruang. Karya Giotto terinspirasi dari Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo.
Renaisans Awal (1400-an - Quattrocento).
Pada awal abad ke-15 Filippo Brunelleschi
(1377-1446), ilmuwan dan arsitek Florentine.
Brunelleschi ingin menjadikan persepsi pemandian dan teater yang direkonstruksinya lebih visual dan mencoba membuat lukisan perspektif geometris dari rencananya untuk sudut pandang tertentu. Dalam pencarian ini ditemukan perspektif langsung.
Hal ini memungkinkan seniman memperoleh gambaran sempurna ruang tiga dimensi di atas kanvas lukisan datar.
_________Langkah penting lainnya menuju Renaisans adalah munculnya seni sekuler non-religius. Potret dan lanskap memantapkan diri sebagai genre independen. Bahkan subjek agama memperoleh interpretasi yang berbeda - seniman Renaisans mulai menganggap karakter mereka sebagai pahlawan dengan ciri-ciri individu yang menonjol dan motivasi manusia untuk bertindak.
Artis paling terkenal pada periode ini adalah Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).
Masaccio
(1401-1428) - pelukis terkenal Italia, master terbesar sekolah Florentine, pembaharu seni lukis era Quattrocento.
|
| Lukisan dinding. Keajaiban dengan statir. |
|
| Lukisan. Penyaliban. |
|
| Lukisan dinding. Kisah Ratu Sheba. Gereja San Francesco di Arezzo |
Sandro Botticelli(1445-1510) - pelukis besar Italia, perwakilan dari sekolah seni lukis Florentine.
|
| Musim semi. |
|
| Kelahiran Venus. |
Renaisans Tinggi ("Cinquecento").
Perkembangan seni Renaisans yang tertinggi terjadi untuk kuartal pertama abad ke-16.
Bekerja Sansovino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafael Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarotti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), Titian (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) merupakan dana emas seni Eropa.
Leonardo di Ser Piero da Vinci (Florence) (1452-1519) - Seniman Italia (pelukis, pematung, arsitek) dan ilmuwan (ahli anatomi, naturalis), penemu, penulis.
|
| Potret diri |
|
| Wanita dengan cerpelai. 1490. Museum Czartoryski, Krakow |
|
| Mona Lisa (1503-1505/1506) |
|
| Madonna Litta. 1490-1491. Pertapaan. |
|
| Madonna Benois (Madonna dengan Bunga). 1478-1480 |
|
| Madonna dengan Anyelir. 1478 |
Semasa hidupnya, Leonardo da Vinci membuat ribuan catatan dan gambar tentang anatomi, namun tidak mempublikasikan karyanya. Saat membedah tubuh manusia dan hewan, ia secara akurat menyampaikan struktur kerangka dan organ dalam, termasuk detail-detail kecil. Menurut profesor anatomi klinis Peter Abrams, karya ilmiah da Vinci 300 tahun lebih maju dari masanya dan dalam banyak hal lebih unggul dari Anatomi Gray yang terkenal.
Daftar penemuan, baik yang nyata maupun yang dikaitkan dengannya:
Parasut, keKastil Olestsovo, disepeda, tank, ljembatan portabel ringan untuk tentara, halproyektor, kekembali, rkeduanya, dTeleskop Vuhlens.
Inovasi-inovasi ini kemudian dikembangkan Rafael Santi (1483-1520) - seorang pelukis, seniman grafis dan arsitek hebat, perwakilan dari sekolah Umbria.
| Potret diri. 1483 |
Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) - Pematung, seniman, arsitek, penyair, pemikir Italia.
Lukisan dan patung Michelangelo Buonarotti penuh dengan kesedihan heroik dan, pada saat yang sama, perasaan tragis akan krisis humanisme. Lukisannya mengagungkan kekuatan dan kekuasaan manusia, keindahan tubuhnya, sekaligus menekankan kesepiannya di dunia.
Kejeniusan Michelangelo meninggalkan jejaknya tidak hanya pada seni Renaisans, tetapi juga pada seluruh budaya dunia berikutnya. Aktivitasnya terutama terkait dengan dua kota di Italia - Florence dan Roma.
Namun, sang seniman mampu mewujudkan rencananya yang paling ambisius justru dalam seni lukis, di mana ia berperan sebagai inovator sejati warna dan bentuk.
Atas perintah Paus Julius II, ia melukis langit-langit Kapel Sistina (1508-1512), yang mewakili kisah alkitabiah mulai dari penciptaan dunia hingga air bah dan mencakup lebih dari 300 tokoh. Pada tahun 1534-1541, di Kapel Sistina yang sama, ia melukis lukisan dinding megah dan dramatis “Penghakiman Terakhir” untuk Paus Paulus III.
Kapel Sistina 3D.
Karya-karya Giorgione dan Titian dibedakan berdasarkan ketertarikan mereka pada lanskap dan puisi plotnya. Kedua seniman tersebut mencapai penguasaan luar biasa dalam seni potret, yang dengannya mereka menyampaikan karakter dan kekayaan dunia batin karakter mereka.
Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) - Seniman Italia, perwakilan sekolah seni lukis Venesia.
|
||||
| Venus yang sedang tidur. 1510 |
|
| Judith. 1504g |
Titian melukis lukisan tentang subjek alkitabiah dan mitologi; ia juga menjadi terkenal sebagai pelukis potret. Raja dan Paus, kardinal, adipati dan pangeran memberikan perintah untuknya. Titian belum genap tiga puluh tahun ketika ia diakui sebagai pelukis terbaik Venesia.
|
| Potret diri. 1567 |
|
| Venus dari Urbino. 1538 |
|
| Potret Tommaso Mosti. 1520 |
Renaisans Akhir.
Setelah penjarahan Roma oleh pasukan kekaisaran pada tahun 1527, Renaisans Italia memasuki masa krisis. Sudah dalam karya mendiang Raphael, garis artistik baru digariskan, yang disebut perangai.
Era ini ditandai dengan garis-garis yang membengkak dan putus-putus, sosok-sosok yang memanjang atau bahkan berubah bentuk, seringkali telanjang, pose-pose yang tegang dan tidak wajar, efek-efek yang tidak biasa atau aneh yang terkait dengan ukuran, pencahayaan atau perspektif, penggunaan skala kromatik kaustik, komposisi yang berlebihan, dll. tingkah laku tuan pertama Parmigianino
, Pontormo
, perunggu-
tinggal dan bekerja di istana rumah Adipati Medici di Florence. Mode tingkah laku kemudian menyebar ke seluruh Italia dan sekitarnya.
Girolamo Francesco Maria Mazzola
(Parmigianino
- “penduduk Parma”) (1503-1540) Seniman dan pengukir Italia, perwakilan Mannerisme.
|
| Potret diri. 1540 |
|
| Potret seorang wanita. 1530. |
Pontormo (1494-1557) - Pelukis Italia, perwakilan sekolah Florentine, salah satu pendiri tingkah laku.
Pada tahun 1590-an, seni menggantikan tingkah laku barok (angka transisi - Tintoretto Dan El Yunani ).
Jacopo Robusti atau lebih dikenal dengan sebutan Tintoretto (1518 atau 1519-1594) - pelukis sekolah Venesia pada akhir Renaisans.
|
| Perjamuan Terakhir. 1592-1594. Gereja San Giorgio Maggiore, Venesia. |
El Yunani ("Orang yunani" Domenikos Theotokopoulos ) (1541-1614) - Artis Spanyol. Berdasarkan asal - Yunani, penduduk asli pulau Kreta.
El Greco tidak memiliki pengikut sezaman, dan kejeniusannya ditemukan kembali hampir 300 tahun setelah kematiannya.
El Greco belajar di studio Titian, namun teknik melukisnya sangat berbeda dengan gurunya. Karya-karya El Greco bercirikan kecepatan dan ekspresif eksekusi, yang mendekatkan mereka dengan lukisan modern.
|
| Kristus di kayu salib. OKE. 1577. Koleksi pribadi. |
|
| Trinitas. 1579 Prado. |
Nama-nama seniman Renaisans telah lama mendapat pengakuan universal. Banyak penilaian dan penilaian terhadap mereka telah menjadi aksioma. Namun memperlakukan mereka secara kritis bukan hanya hak, tetapi juga kewajiban sejarah seni rupa. Hanya dengan cara itulah karya seni mereka dapat mempertahankan makna sebenarnya bagi anak cucu.
Di antara para ahli Renaisans pada pertengahan dan paruh kedua abad ke-15, kita perlu memikirkan empat orang: Piero della Francesca, Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci. Mereka sezaman dengan meluasnya pendirian seigneuries dan berurusan dengan istana pangeran, tetapi ini tidak berarti bahwa seni mereka sepenuhnya bersifat pangeran. Mereka mengambil dari para penguasa apa yang bisa mereka berikan, membayar dengan bakat dan semangat mereka, namun tetap menjadi penerus “bapak Renaisans”, mengingat perintah mereka, meningkatkan prestasi mereka, berusaha untuk melampaui mereka, dan bahkan terkadang melampaui mereka. Selama tahun-tahun reaksi bertahap di Italia, mereka menciptakan karya seni yang menakjubkan.
Piero della Francesca
Piero della Francesca sampai saat ini adalah orang yang paling tidak dikenal dan dikenali. Pengaruh para master Florentine pada awal abad ke-15 terhadap Piero della Francesca, serta pengaruh timbal baliknya terhadap orang-orang sezaman dan penerusnya, terutama pada aliran Venesia, telah diperhatikan dengan tepat. Namun, posisi Piero della Francesca yang luar biasa dan luar biasa dalam seni lukis Italia belum cukup disadari. Agaknya, seiring berjalannya waktu, pengakuannya akan semakin meningkat.
Piero della Francesca (c. 1420-1492) seniman dan ahli teori Italia, perwakilan dari Renaisans Awal
Piero della Francesca memiliki semua pencapaian “seni baru” yang diciptakan oleh Florentines, namun tidak tinggal di Florence, melainkan kembali ke tanah airnya, ke provinsi tersebut. Ini menyelamatkannya dari selera bangsawan. Dia mendapatkan ketenaran karena bakatnya; para pangeran dan bahkan kuria kepausan memberinya tugas. Namun dia tidak menjadi artis istana. Dia selalu setia pada dirinya sendiri, panggilannya, inspirasi menawannya. Dari semua orang sezamannya, dialah satu-satunya seniman yang tidak mengenal perselisihan, dualitas, atau bahaya tergelincir ke jalan yang salah. Dia tidak pernah berusaha bersaing dengan patung atau menggunakan sarana ekspresi pahatan atau grafis. Semuanya diungkapkan dalam bahasa lukisannya.
Karya terbesar dan terindahnya adalah rangkaian lukisan dinding bertema “Sejarah Salib” di Arezzo (1452-1466). Pekerjaan itu dilakukan atas perintah pedagang setempat Bacci. Mungkin seorang pendeta, pelaksana wasiat almarhum, ikut serta dalam pengembangan program tersebut. Piero della Francesca mengandalkan apa yang disebut “Legenda Emas” J. da Voragine. Dia juga memiliki pendahulu di kalangan seniman. Tapi gagasan utamanya jelas miliknya. Kebijaksanaan, kedewasaan dan kepekaan puitis sang seniman terpancar jelas di dalamnya.
Hampir tidak ada satu-satunya siklus bergambar di Italia pada masa itu, “Sejarah Salib”, yang memiliki makna ganda. Di satu sisi, di sini disajikan segala sesuatu yang diceritakan dalam legenda tentang bagaimana pohon dari mana salib Golgota dibuat tumbuh, dan bagaimana kekuatan ajaibnya kemudian terwujud. Namun karena masing-masing lukisan tidak disusun secara kronologis, makna literal ini tampaknya memudar ke latar belakang. Sang seniman menata lukisan-lukisannya sedemikian rupa sehingga memberikan gambaran tentang berbagai bentuk kehidupan manusia: tentang patriarki - dalam adegan kematian Adam dan dalam pemindahan salib oleh Heraclius, tentang sekuler, istana , perkotaan - dalam adegan Ratu Sheba dan Penemuan Salib, dan akhirnya tentang militer, pertempuran - dalam "Kemenangan Konstantin" dan dalam "Kemenangan Heraclius". Intinya, Piero della Francesca mencakup hampir seluruh aspek kehidupan. Siklusnya meliputi: sejarah, legenda, kehidupan, karya, gambar alam dan potret orang-orang sezaman. Di kota Arezzo, di gereja San Francesco, yang secara politik berada di bawah Florence, terdapat siklus lukisan dinding paling luar biasa dari Renaisans Italia.
Seni Piero della Francesca lebih nyata daripada ideal. Prinsip rasional berkuasa dalam dirinya, tetapi bukan rasionalitas, yang mampu meredam suara hati. Dan dalam hal ini, Piero della Francesca melambangkan kekuatan Renaisans yang paling cemerlang dan paling bermanfaat.
Andrea Mantegna
Nama Mantegna dikaitkan dengan gagasan seorang seniman humanis, yang mencintai barang antik Romawi, berbekal pengetahuan luas tentang arkeologi kuno. Sepanjang hidupnya ia melayani Adipati Mantua d'Este, menjadi pelukis istana mereka, melaksanakan instruksi mereka, melayani mereka dengan setia (walaupun mereka tidak selalu memberikan apa yang pantas ia terima). mandiri, mengabdi pada cita-cita keberanian kuno yang tinggi, setia secara fanatik pada keinginannya untuk memberikan karya-karyanya ketepatan perhiasan. Hal ini membutuhkan upaya kekuatan spiritual yang sangat besar. Seni Mantegna keras, terkadang kejam hingga tanpa ampun, dan dalam hal ini ini berbeda dengan seni Piero della Francesca dan mendekati Donatello.
Andrea Mantegna. Potret diri di Kapel Ovetari
Lukisan dinding awal karya Mantegna di Gereja Eremitani di Padua mengenai kehidupan St. James dan kemartirannya adalah contoh lukisan mural Italia yang luar biasa. Mantegna sama sekali tidak berpikir untuk menciptakan sesuatu yang mirip dengan seni Romawi (lukisan yang mulai dikenal di Barat setelah penggalian Herculaneum). Jaman dahulu bukanlah zaman keemasan umat manusia, melainkan zaman besi para kaisar.
Dia mengagungkan keberanian Romawi, hampir lebih baik daripada yang dilakukan orang Romawi sendiri. Pahlawannya berlapis baja dan berpatung. Pegunungan berbatunya diukir secara presisi dengan pahat pematung. Bahkan awan yang melayang di langit sepertinya terbuat dari logam. Di antara fosil dan coran ini, pahlawan yang tangguh dalam pertempuran bertindak, berani, tegas, gigih, mengabdi pada rasa tanggung jawab, keadilan, dan siap berkorban. Manusia bergerak bebas di angkasa, namun bila berbaris membentuk sesuatu seperti relief batu. Dunia Mantegna ini tidak mempesona mata; namun membuat hati merinding. Namun kita tidak bisa tidak mengakui bahwa itu diciptakan oleh dorongan spiritual sang seniman. Oleh karena itu, yang paling penting di sini adalah pengetahuan humanistik sang seniman, bukan nasihat dari teman-teman terpelajarnya, tetapi imajinasinya yang kuat, hasratnya yang terikat oleh kemauan dan keterampilan yang percaya diri.
Di hadapan kita adalah salah satu fenomena penting dalam sejarah seni: para master hebat, dengan kekuatan intuisi mereka, berdiri sejajar dengan nenek moyang mereka yang jauh dan mencapai apa yang kemudian gagal dilakukan oleh para seniman yang mempelajari masa lalu tetapi tidak mampu menyamai mereka.
Sandro Botticelli
Botticelli ditemukan oleh Pra-Raphael Inggris. Namun, bahkan pada awal abad ke-20, dengan segala kekaguman atas bakatnya, mereka tidak “memaafkan” dia atas penyimpangan dari aturan yang berlaku umum - perspektif, chiaroscuro, anatomi. Selanjutnya, diputuskan bahwa Botticelli telah kembali ke Gotik. Sosiologi vulgar menyimpulkan penjelasannya mengenai hal ini: “reaksi feodal” di Florence. Interpretasi ikonologis membangun hubungan Botticelli dengan lingkaran Neoplatonis Florentine, terutama terlihat dalam lukisannya yang terkenal "Spring" dan "Birth of Venus".
Potret diri Sandro Botticelli, penggalan komposisi altar "Adoration of the Magi" (sekitar tahun 1475)
Salah satu penafsir paling otoritatif dari "Musim Semi" Botticelli mengakui bahwa gambar ini tetap merupakan sandiwara, sebuah labirin. Bagaimanapun, dapat dianggap pasti bahwa ketika membuatnya, penulis mengetahui puisi "Turnamen" oleh Poliziano, di mana Simonetta Vespucci, kekasih Giuliano de' Medici, dimuliakan, serta penyair kuno, khususnya, baris pembuka tentang kerajaan Venus dalam puisi Lucretius “On the Nature of Things” . Rupanya dia juga mengetahui karya-karya M. Vicino yang populer di Florence pada tahun-tahun itu. Motif yang dipinjam dari semua karya ini terlihat jelas dalam lukisan yang diperoleh pada tahun 1477 oleh L. de' Medici, sepupu Lorenzo the Magnificent. Namun pertanyaannya tetap: bagaimana buah pengetahuan ini bisa muncul? Tidak ada informasi yang dapat dipercaya mengenai hal ini.
Membaca komentar-komentar ilmiah modern tentang lukisan ini, sulit dipercaya bahwa sang seniman sendiri dapat mendalami alur mitologisnya begitu dalam hingga menghasilkan segala macam seluk-beluk dalam penafsiran tokoh-tokoh yang bahkan hingga saat ini tidak dapat dipahami secara sekilas. , tapi di masa lalu, rupanya, hanya dipahami di kalangan Medici. Kemungkinan besar mereka disarankan kepada seniman oleh beberapa orang terpelajar dan dia berhasil mencapai fakta bahwa seniman mulai menerjemahkan urutan verbal ke dalam visual secara interlinear. Hal yang paling menyenangkan dari lukisan Botticelli adalah figur dan kelompok individu, terutama kelompok Tiga Rahmat. Terlepas dari kenyataan bahwa ia telah direproduksi berkali-kali, ia tidak kehilangan pesonanya hingga hari ini. Setiap kali Anda melihatnya, Anda merasakan serangan kekaguman yang baru. Sungguh, Botticelli berhasil memberikan awet muda pada ciptaannya. Salah satu komentator ilmiah lukisan itu berpendapat bahwa tarian rahmat mengungkapkan gagasan harmoni dan perselisihan, yang sering dibicarakan oleh para Neoplatonis Florentine.
Botticelli memiliki ilustrasi yang tak tertandingi untuk Divine Comedy. Siapapun yang pernah melihat lembarannya pasti akan mengingatnya saat membaca Dante. Dia, tidak seperti orang lain, dijiwai dengan semangat puisi Dante. Beberapa gambar Dante merupakan subskrip grafis yang persis sama dengan puisi tersebut. Namun yang paling indah adalah tempat sang seniman berimajinasi dan mengarang dalam semangat Dante. Ini adalah ilustrasi yang paling umum mengenai surga. Tampaknya melukis surga adalah hal tersulit bagi seniman Renaisans, yang begitu mencintai wangi bumi dan segala sesuatu yang manusiawi. Botticelli tidak meninggalkan perspektif Renaisans, kesan spasial bergantung pada sudut pandang pemirsa. Namun di surga ia bangkit untuk menyampaikan esensi non-perspektif dari objek itu sendiri. Sosoknya tidak berbobot, bayangannya menghilang. Cahaya menembusnya, ruang ada di luar koordinat bumi. Benda-benda tersebut dimasukkan ke dalam lingkaran sebagai simbol bola langit.
Leonardo da Vinci
Leonardo adalah salah satu jenius Renaisans yang diakui secara umum. Banyak yang menganggapnya sebagai seniman pertama pada masa itu, bagaimanapun juga, namanya pertama kali terlintas dalam pikiran ketika berbicara tentang orang-orang Renaisans yang luar biasa. Dan itulah mengapa sangat sulit untuk menyimpang dari pendapat umum dan mempertimbangkan warisan seninya dengan pikiran yang tidak memihak.
Potret diri di mana Leonardo menggambarkan dirinya sebagai seorang bijak tua. Gambar itu disimpan di Perpustakaan Kerajaan Turin. 1512
Bahkan orang-orang sezamannya mengagumi universalitas kepribadiannya. Namun, Vasari sudah menyatakan penyesalannya karena Leonardo lebih memperhatikan penemuan ilmiah dan teknisnya daripada kreativitas seni. Ketenaran Leonardo mencapai puncaknya pada abad ke-19. Kepribadiannya menjadi semacam mitos; ia dipandang sebagai perwujudan “prinsip Faustian” dari seluruh budaya Eropa.
Leonardo adalah seorang ilmuwan besar, seorang pemikir yang berwawasan luas, seorang penulis, penulis Risalah, dan seorang insinyur yang inventif. Kelengkapannya mengangkatnya ke atas level sebagian besar seniman pada masa itu dan pada saat yang sama memberinya tugas yang sulit - untuk menggabungkan pendekatan analitis ilmiah dengan kemampuan seniman untuk melihat dunia dan langsung menyerah pada perasaan. Tugas ini kemudian menyibukkan banyak seniman dan penulis. Bagi Leonardo, hal itu bersifat masalah yang tak terpecahkan.
Mari kita lupakan sejenak segala mitos indah tentang seniman-ilmuwan yang dibisikkan kepada kita, dan mari kita menilai lukisannya seperti kita menilai lukisan master lain pada masanya. Apa yang membuat karyanya menonjol dari karya mereka? Pertama-tama, kewaspadaan visi dan seni eksekusi yang tinggi. Mereka memiliki jejak pengerjaan yang sangat indah dan rasa yang terbaik. Dalam lukisan “Pembaptisan” karya gurunya Verrocchio, Leonardo muda melukis seorang malaikat dengan begitu agung dan agung sehingga di sebelahnya malaikat cantik Verrocchio tampak kasar dan rendah hati. Selama bertahun-tahun, “aristokrasi estetika” semakin meningkat dalam karya seni Leonardo. Ini tidak berarti bahwa di istana para penguasa, karya seninya menjadi sopan dan santun. Bagaimanapun, Madonna-nya tidak akan pernah bisa disebut perempuan petani.
Dia berasal dari generasi yang sama dengan Botticelli, tetapi berbicara dengan tidak setuju, bahkan mengejek, tentang dia, karena menganggapnya ketinggalan zaman. Leonardo sendiri berusaha untuk melanjutkan pencarian pendahulunya di bidang seni. Tidak membatasi dirinya pada ruang dan volume, ia menetapkan tugas untuk menguasai lingkungan cahaya-udara yang menyelimuti objek. Ini berarti langkah selanjutnya dalam pemahaman artistik dunia nyata, dan sampai batas tertentu membuka jalan bagi colorism Venesia.
Salah jika mengatakan bahwa kecintaannya pada sains mengganggu kreativitas seni Leonardo. Kejeniusan pria ini begitu besar, keahliannya begitu tinggi, bahkan upaya untuk “bertahan dalam lagunya” tidak dapat mematikan kreativitasnya. Bakatnya sebagai seniman terus-menerus menerobos segala batasan. Apa yang menawan dalam ciptaannya adalah ketelitian mata, kejernihan kesadaran, ketaatan kuas, dan teknik virtuoso. Mereka memikat kita dengan pesonanya, seperti obsesi. Siapapun yang pernah melihat La Gioconda pasti ingat betapa sulitnya melepaskan diri darinya. Di salah satu aula Louvre, tempat dia menemukan dirinya berada di samping mahakarya terbaik sekolah Italia, dia menang dan dengan bangga menguasai segala sesuatu yang ada di sekitarnya.
Lukisan Leonardo tidak membentuk rantai, seperti banyak seniman Renaisans lainnya. Dalam karya-karya awalnya, seperti Madonna karya Benoit, ada lebih banyak kehangatan dan spontanitas, tetapi bahkan di dalamnya eksperimen itu tetap terasa. "Adorasi" dalam Uffizi - dan ini adalah lukisan bawah yang sangat bagus, gambaran orang-orang yang temperamental dan hidup dengan hormat beralih ke seorang wanita anggun dengan bayi di pangkuannya. Dalam "Madonna of the Rocks", malaikat, seorang pemuda berambut keriting yang melihat keluar dari gambar, sangat menawan, tetapi gagasan aneh untuk memindahkan keindahan ke dalam kegelapan gua sangat menjijikkan. “Perjamuan Terakhir” yang terkenal selalu senang dengan karakterisasi karakternya yang tepat: John yang lembut, Peter yang tegas, dan Yudas yang jahat. Namun, fakta bahwa sosok-sosok yang lincah dan heboh tersebut disusun tiga baris, di satu sisi meja, tampak seperti konvensi yang tidak dapat dibenarkan, kekerasan terhadap satwa liar. Namun demikian, inilah Leonardo da Vinci yang agung, dan karena dia melukis gambar itu dengan cara ini, itu berarti dia bermaksud demikian, dan misteri ini akan tetap ada selama berabad-abad.
Pengamatan dan kewaspadaan, yang disebut Leonardo sebagai seniman dalam Risalahnya, tidak membatasi kemampuan kreatifnya. Ia sengaja mencoba memacu imajinasinya dengan memandangi dinding-dinding yang retak karena usia, di mana penonton bisa membayangkan plot apa pun. Dalam gambar "Badai Petir" yang terkenal di Windsor karya Leonardo, apa yang terungkap dalam pandangannya dari suatu puncak gunung tersampaikan. Serangkaian gambar Windsor bertema Air Bah adalah bukti wawasan yang sungguh cemerlang dari seniman-pemikir. Seniman menciptakan tanda-tanda yang tidak ada jawabannya, namun membangkitkan perasaan takjub bercampur ngeri. Gambar-gambar itu diciptakan oleh sang guru besar dalam semacam delirium kenabian. Semuanya diungkapkan di dalamnya dalam bahasa gelap penglihatan Yohanes.
Perselisihan internal Leonardo di masa kemundurannya terlihat dalam dua karyanya: Louvre "John the Baptist" dan potret diri Turin. Dalam potret diri mendiang Turin, sang seniman, yang telah mencapai usia tua, memandang dirinya di cermin dengan tatapan terbuka dari balik alisnya yang mengerutkan kening - ia melihat di wajahnya ciri-ciri kebobrokan, tetapi ia juga melihat kebijaksanaan, a tanda “musim gugur kehidupan”.