Stručný popis divadelného kostýmu.

Počiatky divadelného kostýmu ako takého siahajú do antiky. Od staroveku bol v divadle divadelný kostým Staroveký východ. V Číne, Indii a Japonsku je klasický divadelný kostým symbolický a konvenčný. V divadle je dôležitá aj symbolika dekorácií, vzory na látke a farba.

Kostýmy v divadle vznikajú väčšinou pre každé predstavenie a pre konkrétneho herca, no existujú aj také divadelné kostýmy, ktoré sú nezmenené v celom všeobecný prehľad rovnako pre všetky skupiny.

Európsky divadelný kostým sa prvýkrát objavil v starovekom Grécku, kde, ako každý vie, divadlo ako také vzniklo a následne sa rozvíjalo a mnohými zmenami sa stalo moderným. Hlavnou vecou v gréckom divadle bol kostým, ktorý kopíroval každodenné oblečenie Grékov. Pre divadelné predstavenia boli potrebné aj veľké masky s rôznou mimikou, aby diváci už z diaľky videli emócie hercov a topánky na vysokých tribúnach – buskins. Každý kostým v gréckom divadle mal špeciálnu farbu, ktorá napríklad značila príslušnosť k určitému druhu činnosti alebo postavenia. Divadelný kostým sa menil v závislosti od koncepcie hry.

Tu stojí za to odhaliť podstatu pojmu „divadelný kostým“.

Veľká sovietska encyklopédia uvádza nasledujúcu definíciu: „kostým v divadle (z talianskeho Kostým – zvyk) je jednou z dôležitých súčastí dizajnu predstavenia – oblečenie, topánky, klobúky, šperky a iné predmety, ktoré herec používa na charakterizovať scénický obraz, ktorý im vzniká na základe zámeru generálneho riaditeľa; nevyhnutným doplnkom kostýmu je make-up a účes.“ Kostým v divadle je špeciálnou oblasťou umelcovej kreativity, do ktorej sa môže vteliť obrovské množstvo obrázky na vyjadrenie charakteru postavy. Divadelný kostým utvára predstavu diváka o osobnosti postavy, pomáha preniknúť do ducha tej doby a pochopiť charakteristické črty odzrkadľujúce sa vo výzore herca.

Divadelný kostým podľa definície R. V. Zakharzhevskej ide o „súčasť hereckého javiskového obrazu, ide o vonkajšie znaky a charakteristiky zobrazovanej postavy, ktoré napomáhajú hercovej premene; znamená umelecký vplyv na divákovi“.

Postupom času sa v divadle objavili tri hlavné typy divadelného kostýmu: kostým postavy, kostým hry a oblečenie postavy. Existovali už od samotného vzhľadu divadla, aj keď nedostali jasné definície, tieto typy kostýmov prežili dodnes moderné divadlo.

„Kostým postavy Ide o vizuálnu a plastickú kompozíciu, ktorá je súčasťou obrazu herca-performera. Kostým je neoddeliteľnou súčasťou postavy, ktorú poháňa a vyjadruje herec.“ Primitívne prototypy kostýmov postáv boli neoddeliteľnou súčasťou obradov a rituálov v mnohých krajinách sveta. Niekedy dokáže oblek úplne skryť postavu herca.

Herný kostým- Je to prostriedok na transformáciu hercovho vzhľadu a dôležitý prvok pri hraní roly. V rituálnych a folklórnych vystúpeniach mal herný kostým najčastejšie groteskno-parodický charakter, napríklad vtedy, keď bolo potrebné zdôrazniť, zosmiešniť, defilovať alebo poukázať na absurdnosť situácie. Muži boli oblečení ako ženy a naopak, ľudia zobrazovali rôzne zvieratá. Na výrobu takéhoto kostýmu sú vhodné akékoľvek materiály, ktoré by mohli zvýrazniť imidž postavy. Použité rôzne materiály a časti odevu: klobúky - klapky na uši, kabátiky z ovčej kože, črevá, rôzne umelé šperky, korálky, zvončeky.

Kostým ako oblečenie postavy, je v predstavení hlavný, práve na základe tohto kostýmu vznikajú kostýmy postáv a hry; Moderná móda sa vždy odrážala v divadle. Napríklad v divadelnej praxi často používali kostýmy podobné dobovým odevom, v ktorých sa predstavenie uvádzalo. Táto technika pochádza ešte z čias starovekého gréckeho divadla a v divadle je prítomná až do r dnes. Vytvorenie tohto typu kostýmu sa uskutočnilo na základe prechodu od formy blízkej vzhľadu odevu (v renesančnom divadle) k väčšej podobnosti s historickými, národné kroje dosiahnutie presnosti a autentickosti. Neskôr, v divadle naturalizmu, kostým začína úplne zodpovedať charakteru postavy a sprostredkúva ho s najväčšou presnosťou stav mysle, vzhľad sprostredkúva zložky obrazu čoraz jasnejšie. Kostým vždy bol a zostáva špeciálnou oblasťou kreativity pre umelcov, ktorí vyvíjajú a vymýšľajú nielen fantastické kostýmy, ale dokonca, zdá sa, vytvárajú skutočne umelecké diela z najbežnejšieho domáceho oblečenia.

Divadelný kostým je dôležitý a integrálnou súčasťou akékoľvek divadelné predstavenie. Divadlo je možno najverejnejšou formou umenia, čo znamená, že je určené skôr na okázalosť. Zvyčajne diváci pri odchode zo sály charakterizujú predstavenie takto: bolo to veľkolepé, výborné herecké výkony, nádherné kulisy, výborná produkcia. Z toho všetkého vidíme, že takmer každý aspekt divadelného predstavenia je ovplyvnený prácou umelca.

V časoch folklórnych vystúpení a rituálov boli krojovými majstrami bezmennými majstrami, často si šašovia sami vymýšľali oblečenie a privádzali ho do života improvizovanými, lacnými a dostupnými prostriedkami. Divadlo nebolo vždy verejné, dlho sa rozvíjalo v tomto smere. Profesionálni herci bolo ich málo a na predstaveniach sa podieľali najmä herci samoukovia. Zákony, ktoré chránili bohatých, šľachtu a statkárov, bojovali proti tulákom vrátane hercov, aby zastavili úniky z nízkopríjmových zamestnaní. mzdy, to brzdilo rast divadelných profesionálov.

V ére feudalizmu sa divadelné umenie odráža vo vystúpeniach cestujúcich umelcov. Kostým, ktorý si predstavovali, vyzeral rovnako ako ich nebohých súčasníkov, no bol ozdobený pestrofarebnými stuhami a zvončekmi. V tomto čase vznikajú predstavenia zvané záhady, charakteristický znak Inscenácie boli pompézne, svetlé, dekoratívne a nedelili sa na akty a morálku. Predstavenia sa stávajú súdnou podívanou, krásnou a vzrušujúcou. Hrala sa len jedna výprava, ktorá sa na rozdiel od moderného divadelného predstavenia počas celého predstavenia nezmenila. Hlavnou požiadavkou na divadelný kostým v mysterióznej hre bolo bohatstvo, luxus a na hlavnej či vedľajšej úlohe nezáležalo, kostým bol konvenčný a vyhýbal sa detailom. Kostým pre hru o morálke bol vzhľadom na svoj poučný obsah skromnejší.

Tak ako všetky formy umenia, aj v období renesancie nastal obrovský skok vo vývoji divadla, výraznými zmenami prešiel aj divadelný kostým, ktorý do značnej miery ovplyvnila dobová móda, ale aj scénografia. Herci komédie zosmiešňovali páchateľov a dávali hrdinom predstavení vtipné, trefné a niekedy zlé charakteristiky. Neskôr, v druhej polovici 16. storočia, sa kostým v divadle približoval šľachtickému štýlu odevu, podľa roly to mohol byť klaunský odev. Divadelné kostýmy vyrábali už zruční remeselníci, ktorí získali vzdelanie: krajčíri, umelci, dekoratérky, po týchto profesiách bol dopyt.

Hlavný žáner klasické divadlo v 17. storočí došlo k tragédii, herci sa obliekali do kostýmov, ktoré kopírovali každodenné oblečenie dvoranov a sluhov, dizajn hry bol ovplyvnený vkusom a záujmami aristokracie. Ľudovít XIV. v roku 1662 svojím vystúpením na festivale vo Versailles dal vzniknúť novému typu kostýmu pre európske divadlo. tragických hrdinov sto rokov do budúcnosti vystupujúci v štylizovanom „rímskom“ kostýme, vytvorenom na základe dvorného kostýmu s prídavkom kyrysu a krátkej sukne. Ženské kroje boli odrazom moderny, avšak viac zdobené a vyšívané ako v bežnom živote.

Vo všetkých prácach o dejinách kroja je vyzdvihnuté obdobie Moliera a keďže móda sa vždy odrážala v divadle, stalo sa toto obdobie pre divadelný kostým významné. V divadelnom kostýme sa začali objavovať realistické tendencie, Moliere vo svojich inscenáciách obliekal hercov do moderných kostýmov rôzne vrstvy obyvateľov. Dôležitý úspech Herec D. Garrick pri vývoji divadelného kostýmu odmietol domýšľavosť a okázalosť, snažil sa kostým zmenšiť tak, aby vyhovoval hranej úlohe, odhaľoval charakter hrdinu, pomáhal pochopiť jeho podstatu.

Pre našu prácu je obzvlášť zaujímavý Voltairov príspevok k histórii divadelného kostýmu - túžba po historickej, národnej a etnografickej presnosti. Odmietnutie napudrovaných parochní a masívnych šperkov, v ktorých ho podporovala herečka Clairon. V procese reformy sa upravil štylizovaný „rímsky“ kostým, opustil sa tradičný tunel a odstránila sa prílišná okázalosť, ktorá brzdila pohyb.

V 18. storočí sa kostým konečne zmenil, porušil staré tradície, kostým sa stal historicky presným a vyrábal sa podľa výtvarných náčrtov, veľká pozornosť sa venovala líčeniu a účesu, no historická presnosť bola dosiahnutá len v jednotlivých detailoch. Iba do 19. storočia V súvislosti s rozvojom režijného umenia sa snažia prepojiť kostým s konceptom hry a pri tvorbe predstavenia sledovať ducha doby. Je známe, že na produkcii hry sa osobne podieľali dramaturgovia, ktorí sa starali o dodržanie zápletky, prevzali zodpovednosť aj za náčrty kulís a kostýmov, čím prilákali na pomoc známych umelcov. Medzi autorov kostýmových náčrtov patrili E. Delacroix, P. Gavarni, P. Delaroche L. a C. Boulanger, A. Deveria a iní. V tomto období sa s autenticitou a presnosťou zaobchádzali najmä s trémou, hoci nie všetci ju dosiahli.

V Anglicku venoval herec W.C veľkú pozornosť historickej presnosti divadelného kostýmu. Macready, herečka E. Vestris. Niektorí režiséri v historických predstaveniach sa snažili presne vykresliť dejisko, kostýmy vytvoriť presne v súlade s dobou a venovali veľkú pozornosť make-upu a účesu. Prirodzene, takáto cieľavedomá snaha o autenticitu, historickosť a presnosť nemohla viesť k vlne popierania. TO konca 19. storočia storočia sa mnohí významní režiséri a umelci snažia odmietnuť rutinu naturalizmu a bojovať proti realizmu v umení, čo vedie k návratu konvencie a štylizácie. Stalo sa tak preto, lebo sa verilo, že divadlo má priniesť do života niečo nové, rozprávkové, neskutočné a nie opakovať každodennosť ľudského života.

Neskôr, začiatkom dvadsiateho storočia, začali navrhovať divadelné kostýmy významní a slávni ľudia. slávnych umelcov, vnášajúc odraz svojej kreativity do tohto druhu umenia, formujúc zákony prevedenia kostýmov, pracujú ako priekopníci. Zapnuté moderná scéna Vo vývoji divadelného umenia sa umelci snažia nielen premietnuť koncepciu hry do svojich diel, ale aj urobiť z divadelných kostýmov samostatné umelecké dielo, prejaviť sa, dať voľný priechod fantázii, ukázať svoju víziu. tvorivosti.

Z histórie divadelného kostýmu vidíme, ako horlivo umelci zaobchádzali s týmto druhom umenia, takže o význame úlohy divadelného kostýmu v umení niet pochýb. Osobitnú pozornosť sme v našom výskume venovali týmto umelcom, ktorí tvorili skice pre divadelné predstavenia: L. Bakst, A. Benois, N. Roerich, A. Exter (pozri prílohu č. 1). Počas celého vývoja divadelného kostýmu vidíme ako slávnych umelcov a bezmenní majstri pracovali na vytvorení umelecký obraz, predvádzali umelecké diela aj z obyčajného kostýmu, pracovali kreatívne, snažili sa každým detailom povedať divákovi o jedinečnosti a dôležitosti tejto postavy. Divadelný kostým je fúziou mnohých umení, na jeho tvorbe sa podieľa množstvo remeselníkov rôznych smerov, jeden vytvára skicu, druhý zdobí výšivkou, tretí sa zaoberá doplnkami a rekvizitami. Pri vytváraní divadelného kostýmu existujú určité fázy práce.

Pred začatím tvorby divadelného kostýmu si umelec musí položiť otázku: čo potrebuje vytvoriť, pre koho a ako? Odpovede na tieto otázky si vyžadujú od skúseného umelca znalosť atmosféry a obrazu predstavenia, zodpovednosť voči publiku a výbornú znalosť publika, ako aj znalosť všetkých techník a techník, ktorými dokáže všetko vyjadriť. Napriek tomu, že divadelný kostým je samostatným umeleckým dielom, ako všetko ostatné v hre, je podriadený celkovej zápletke. Myšlienka, plán je v centre všetkého, diktuje obsah každej postavy, jeho spoločenské postavenie, morálna stránka jeho osobnosti a podľa toho aj jeho vzhľad, pretože toto všetko je vzájomne prepojené. V divadelnej praxi existujú tri fázy práce na vytvorení kostýmu: práca s literatúrou, hromadenie materiálu na všeobecná téma výkon, práca na skici a nakoniec prevedenie skice v materiáli, stelesnenie v textúre. Kostýmový výtvarník sa pri rozhodovaní o celkovom kostýmovom dizajne predstavenia, pri voľbe techniky pri práci na kostýmových náčrtoch a dokonca aj pri výbere materiálov a doplnkov riadi hlavnou myšlienkou predstavenia. Myšlienka vyjadrená v scenári podriaďuje všetko: kostýmy, kulisy, vlastnosti postáv.

Dôležitou podmienkou v práci kostýmového výtvarníka je dosiahnuť jednotu myšlienky predstavenia a jeho realizácie. Dôležité v divadelnom kostýme je vytvorenie javiskového obrazu. Javiskový obraz v divadelnom kostýme pozostáva z režijnej koncepcie, dramatického základu, dynamiky a rytmu. Dynamika obrazu a vývoj charakteru postavy a všetko, čo sa deje na javisku, núti umelca niekoľkokrát zmeniť vzhľad herca na javisku, nielen kostým, ale aj make-up a účes. Kostým by mal pomôcť sprostredkovať divákovi najmenšiu zmenu v hercovom obraze.

Kostým je najdôležitejšou súčasťou divadelného predstavenia, pretože je hercovi najbližšie. Nezabudnite, že kostým je vonkajším vyjadrením charakteru postavy, je neoddeliteľnou súčasťou javiskového obrazu a vytvára okolo hercov osobitnú atmosféru, ktorá je dôležitá nielen pre výkon roly, ale aj pre divákov. Často sú tu charakterové črty, ktoré ostávajú v podtexte hry, diváci ich spozná podľa kostýmu a jeho jednotlivých detailov. Niekedy by mal kostým splývať s obrazom vytvoreným hercom, no stáva sa aj to, že odporuje postave. Napríklad hneď na začiatku hry vidíme stvárňovať herca dobrý človek chová sa slušne a vysoko morálne, no jeho kostým diváka znepokojuje a skutočne sa na konci hry ukáže ako darebák alebo zradca. Tiež pri práci na náčrtoch nezabudnite na individualitu herca, všestrannosť a zložitosť jeho postavy.

teda výrazové prostriedky divadelný kostým má tieto vlastnosti:

Umelecký javiskový obraz pozostáva z režijnej koncepcie, dramatického základu, dynamiky a rytmu.

Je nezávislým umeleckým dielom

Usiluje sa o historickú, národnú a etnografickú presnosť

Je vonkajším vyjadrením charakteru postavy;

Navrhnuté skôr pre efektivitu.

DIVADELNÝ KOSTÝM, prvok dizajnu výkonu. V histórii divadla sú známe tri hlavné typy divadelného kostýmu: postava, hra a oblečenie postavy. Tieto tri hlavné typy kostýmov existujú vo všetkých štádiách divadelného umenia - od rituálnych a folklórnych preddivadiel až po modernú umeleckú prax.

Kostým postavy je akousi vizuálno-plastickou kompozíciou na postave umelca, ktorú sám uvádza do pohybu a vyjadruje (vyslovovaním textu alebo spevom), pričom niekedy úplne skrýva postavu, podobne ako maska ​​zakrývala jeho tvár. Príklady kostýmov postáv v rituáloch a obradoch rôznych krajinách mier. Zvonovitá silueta indického kostýmu bola parafrázou vežovo-stanového chrámu Nagara Shakhara a posvätnej hory Menu (stred a os sveta v hinduistickej mytológii). Číňan - svojou formou, dizajnom, ornamentikou a farbou vyjadruje starodávnu kozmologickú symboliku prirodzeného striedania Svetla a Tmy, splynutia Neba a Zeme v akte stvorenia sveta. Šamanský kostým národov Severu stelesňuje obrazy fantastického vtáka spojeného s „horným svetom“ a šelmou (obyvateľom „dolného sveta“). Južná ruština je akýmsi modelom vesmíru. V tradičných predstaveniach pekinskej opery kostým predstavoval obraz impozantného draka, v Japonské divadlo„Ale“ sú motívy prírody a v barokovej ére 17. storočia. – Spravodlivosť alebo mier. Ak pre rituálne rituály a folklórne akcie boli charakterové kostýmy (ako všetky ostatné prvky scénografie) ovocím tvorivosti anonymných ľudových umelcov, potom ich v 20. storočí od samého začiatku začali skladať umelci: I. Bilibin - v r. opera Zlatý kohútik N. Rimskij-Korsakov (1909), K. Frych - in Bure W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - v cár Maximilián, P. Filonov - v tragédii Vladimír Majakovskij nakoniec je v projekte K. Malevich Víťazstvo nad slnkom(všetky tri inscenácie 1913). A potom, koncom 10. rokov – prvá polovica 20. rokov 20. storočia. celý rad kostýmov postáv vytvorili talianski futuristi E. Prampolini, F. Depero a ďalší, O. Schlemmer z nemeckého Bauhausu a v balete P. Picasso, ktorý predviedol groteskných Manažérov v r. Paráda E. Satie a F. Leger – černošské božstvá v Stvorenie sveta D.Millo. Napokon kubistická kostýmová „architektúra“ A. Vesnina nadobudla charakterový význam v predstaveniach A. Tairova – v r. Zvestovanie, vlastné suprematistické kompozície na postavách hrdinov Phaedra. Zapnuté ďalšie scény - „škrupinové obleky“ od Yu Annenkov v hre Plyn G. Kaiser a A. Petrickij - v Viy, ako aj fantastické koláže ako kostýmy postáv pre hru inšpektor, ktoré vytvorili žiaci P. Filonova (N. Evgrafov, A. Landsberg a A. Sashin) na tému pečiatok, erbov, pečatí, obálok a pod. - postava prepošta, recepty, podpisy, striekačky, klystíry, teplomery - postava Doktora, fľaše, klobásy, šunky, melóny atď. - postava Krčmára. V druhej polovici 20. stor. kostýmy ako samostatné vizuálne postavy, zobrazené oddelene od hercov, ako prvok scénografie, vytvorili M. Kitaev a S. Stavceva a ako rôzne druhy kompozície na postavách hercov - K. Shimanovskaya, D. Mataiten, Y. Kharikov.

Herecký kostým je prostriedkom na premenu hercovho vzhľadu a jedným z prvkov jeho vystúpenia. V rituálnych a folklórnych aktoch mala premena najčastejšie groteskný parodický charakter, keď sa muži prezliekali za ženy, ženy za mužov, mládenci za starcov, krásky za čarodejnice, alebo keď stvárňovali rôzne zvieratá. Zároveň sa použilo všetko, čo bolo po ruke: bunda, kabát z ovčej kože, puzdro, ovčia koža - vždy obrátená naruby, zábavnejšia a zábavnejšia, ako aj akékoľvek iné, trochu smiešne, „obrátené“ oblečenie, napríklad extrémne skrátené nohavice, príliš široká košeľa, dierkové pančuchy, rôzne handry, handry, handry, tašky, povrazy; Využilo sa všetko, čo príroda poskytla: tráva, kvety, slama, lístie. Nakoniec sa na obliekanie používali aj rôzne umelé ozdoby: farebný papier, brezová kôra, fólia, sklo, stuhy, zrkadlá, zvončeky, pierka a pod. Techniky groteskného obliekania prešli do predstavení starogrécke komédie, a do tradičného divadla východu, kde sa spojili s pestrá hra herec s prvkami svojho kostýmu: dlhé rukávy a bažantie pierka - in Pekingská opera, vlaky, uteráky a ventilátory - - v japončine „Nie“. Predstavenia talianskej commedia dell'arte, hry Shakespeara a Lope de Vega boli založené na nekonečných prevlekoch a prevlekoch. Koncom 18. stor. Emma Hart (Lady Hamilton) založila svoj slávny tanec na hre so šatkou, po ktorej sa podobné techniky (manipulácie so šatkami, prikrývkami, závojmi a inými podobnými prvkami kostýmu) hojne využívali v baletnom divadle 19. storočia a dosiahli svoj vrchol. umelecké výšky v tvorbe L. .Baksta, ktorého náčrty choreografických obrazov obsahovali dynamiku rôznych lietajúcich látok, opaskov, šatiek, sukní, šatiek, plášťov, pelerín, príveskov, podväzkov. Zapnuté dramatická scéna v tradícii kostýmu hrajúceho spolu s pohybmi herca pokračoval - pomocou kubofuturistickej expresivity - A. Exter v predstaveniach Komorného divadla Salome O. Wilde a Rómeo a Júlia W. Shakespeare a po nej jej žiak P. Čeliščev a ďalší majstri začiatku 20. rokov: V. Chodasevič a I. Nivinskij, I. Rabinovič a G. Jakulov, S. Ejzenštejn a G. Kozincev, konečne opäť na baletnej scéne. , v inscenáciách K. Goleizovského - B. Erdmana. Ak v tomto období tvorili herné kostýmy celý trend v scénografii, tak v druhej polovici 20. storočia. umelci a režiséri ich používali pomerne široko, ale z núdze ako prvok „palety“ výrazových prostriedkov, ktoré mali k dispozícii. Medzi autorov moderných divadelných kostýmov patria gruzínski umelci Sameuli, G. Alexi-Meskhishvili a N. Ignatov príklady podobného druhu možno nájsť v divadlách iných krajín: v Poľsku, Česku, Nemecku, Taliansku.

Kostým, podobne ako oblečenie postavy, je často základom pre zostavenie vyššie uvedených typov kostýmov (postava a hra) vo všetkých obdobiach. historický vývoj divadlo je vo väčšej či menšej miere stelesnením toho, čo ľudia v danom období nosili na javisku. Bolo to tak v antickej tragédii a zostáva to tak aj v predstaveniach našich dní. Všeobecný vývoj tohto typu kostýmu bol zároveň charakterizovaný pohybom od konvenčných foriem skutočného odevu (v období baroka a klasicizmu) k jeho rastúcej historickej, geografickej, národnej autentickosti, presnosti a autentickosti. V divadle naturalizmu a psychologického realizmu sa kostým stáva úplne adekvátnym charakteru postavy, vyjadruje nielen jej sociálne postavenie, ale aj stav mysle. Zároveň dnes aj v minulých storočiach zostáva kostým predmetom osobitej tvorivosti umelcov (medzi ktorých patria najvýznamnejší majstri výtvarného a scénického výtvarníctva) a skladajú ho (aj zdanlivo každodenné kostýmy každodennej potreby, nie spomenúť fantastické ), nielen ako samostatné dielo, ale ako podstatnú zložku predstavenia.

V období renesancie sa v Európe začali objavovať prvé stále súbory pracujúce na profesionálnej báze. Túlajú sa alebo sa držia na jednom mieste. Ľudia sa radšej smejú ako plačú, a tak herci inscenujú svetlo, komické predstavenia, frašky a paródie. Potulní komedianti pokračovali v stredovekých tradíciách a (ako celá kultúra renesancie) sa obrátili k antickému dedičstvu. Najstaršie takéto skupiny vznikli v Taliansku. Tam sa objavilo divadlo commedia dell'arte, teda „komédia masiek“.

V commedia dell'arte bolo jedno prostredie – mestská ulica. Neexistoval žiadny konštantný dej: vedúci súboru (kapokomiko) to pripravil a herci improvizovali ako v starovekých atlanoch. Tieto triky a riadky, ktoré vzbudili súhlas verejnosti, sa opakovali a posilňovali. Akcia sa točila okolo lásky mladých, ktorej prekážali starí a pomáhalo služobníctvo.

Maska hrala v komédii najdôležitejšiu úlohu. Čierna maska ​​by mohla pokrývať celú tvár alebo jej časť. Niekedy to bol prelepený nos alebo hlúpe okuliare. Hlavná vec je vytvoriť typickú tvár, zaostrenú do karikatúry.

Na kostým boli dve požiadavky: pohodlie a komédia. Preto na jednej strane pripomínal odev stredovekých histriónov a na druhej bol doplnený o charakteristické vtipné detaily.

Napríklad Pantalone - lakomý obchodník - mal vždy svoju peňaženku. Jeho oblečenie bolo podobné ako u benátskych obchodníkov: sako previazané vlečkou, krátke nohavice, pančuchy, župan a okrúhla čiapka. Potom sa však jedného dňa umelec objavil na pódiu v širokých červených nohaviciach a publiku sa tento charakteristický detail zapáčil. Výsledkom bolo, že Pantalone a jeho nohavice sa tak zlúčili v mysliach ľudí, že časom sa z osobného mena vytvorilo spoločné podstatné meno pre dámsku spodnú bielizeň, pantaloony.

Doktor, ďalší hrdina commedia dell'arte, bol paródiou na vedca a objavil sa v čiernom akademickom rúchu s čipkovaným golierom a manžetami. Vždy mal v rukách papierové zvitky a na hlave široký klobúk.

Kapitán bol vojenský dobrodruh, mal na sebe kyrys, nohavice, čižmy s obrovskými ostruhami, krátky plášť a klobúk s perím. Jeho stálym atribútom bol drevený meč, ktorý sa v prípade potreby určite zasekol v pošve.

Najpočetnejšími a najrozmanitejšími postavami boli sluhovia (zanni), pretože boli „motormi pokroku“ v milostnom konflikte. Pulcinella mala obrovský zahnutý nos; Harlekýn má taký počet záplat, že sa časom štylizovali do šachovnicového vzoru, Pierrot má bielu širokú košeľu s strihovým golierom a dlhé nohavice; Brighella má širokú bielu blúzku a zodpovedajúce nohavice.

Toto ľudové divadlo, vďaka ich ľahké príbehy, bola oveľa populárnejšia ako divadlá Shakespeara alebo Lope de Vega, ktoré dávali väčšiu prednosť nie zábave, ale hĺbke obsahu. Napríklad pre diela Lope de Pega sa dokonca objavil názov „komédia plášťa a meča“, pretože umelci v nich hrali vlastne až v r. autorovi súčasné domáce obleky.

Súbežne s putovnými súbormi existovali aj dvorné divadlá, ktorých kostýmy sa rátali na stovky a vyznačovali sa vysokou cenou. Boli zobrazené oddelene od predstavenia hry.

V 17. – 18. storočí nastal úpadok vo vývoji divadelného kostýmu. Zapnuté popredia o slovo sa hlási, dialógy pohltia všetku pozornosť publika. Na javisku sa používa každodenný kostým zbavený historizmu. Toto je obvyklý módny kostým tej doby. Pravda, v hre neuvidíte otrhaného sluhu ani zle oblečenú pastierku. Oblek je rafinovaný. To je dôsledok teatralizácie života. Divadlo vstupuje tak hlboko do každodenného života, že sa stiera hranica medzi „divadelným a každodenným“ kostýmom. Treba poznamenať, že v XVII--XVIII storočia divadelný kostým často určuje módu (ako už bolo spomenuté v predchádzajúcich kapitolách). Umelci sa obliekali lepšie a extravagantnejšie ako ostatní. V 17. storočí pre Monsieur à la mode boli na pódiu špeciálne špeciály divácke miesta, kde ani tak nesledovali predstavenie, ako skôr diskutovali o umelcoch a ich kostýmoch.

V 17. – 18. storočí prekvitali syntetické žánre: opera, balet, cirkus (hoci boli známe už skôr). V týchto žánroch sú tiež dramatická akcia a triky, hudba a spev a jasný, nezabudnuteľný make-up. Syntetické žánre zahŕňajú prvky každodenného života. napr. spoločenský tanec Kankán (francúzsky kankán) s charakteristickým vysokým hádzaním nôh vznikol okolo 70. rokov 18. storočia. Postupne sa stáva neoddeliteľnou súčasťou operety – žánru hudobnej a tanečnej komédie.

V 19. storočí ožil záujem o históriu vo všetkých oblastiach kultúry. Vďaka archeologickým a literárne nálezy O kostýmoch staroveku bolo možné dozvedieť sa viac, a tak sa v historických hrách po prvýkrát objavujú pokusy o reprodukciu autentických kostýmov minulosti.

rozvoj kritický realizmus ako spôsob umenia a spôsob vnímania sveta vedie k tomu, že na javisku už neuvidíte sedliacke ženy v negližé a naškrobených sluhov. V divadle sa objavujú rekvizity, o ktorých sa v slušnej spoločnosti nikdy predtým nahlas nespomínalo. Hľadanie nových foriem vyjadrenia vedie k naturalistickému líčeniu. Toto píše V. A. Gilyarovsky vo svojich esejach o Moskve a Moskovčanoch:

„V roku 1879, ako chlapec v Penze, pod divadelným kaderníkom Shishkovom, bola malá Mitya študentkou, ktorá bola obľúbená u podnikateľa z Penzy V.P V.P Dalmatov mal na svojom benefičnom predstavení „Notes of a Madman“ a prikázal Mityovi pripraviť holohlavú parochňu. , herci odbehli na toaletu.

Si veľký umelec, Vasilij Panteleimonovič, ale dovoľ mi byť umelcom vo svojom odbore! - Zdvihol hlavu k vysokému V.P Dalmatovovi a ospravedlňoval sa. - Len to skúste!

V.P. Dalmatov nakoniec súhlasil - a po niekoľkých minútach bola bublina nasadená, tu a tam namazaná a oči B.P.

Zapnuté prelomu 19. storočia a 20. storočia, trend modernizmu dáva vznik novým formám divadelného kostýmu. Outfity sú štylizované, menia sa na symboly. Európania objavili divadlá východu, čo sa prejavilo aj na scénických kostýmoch.

V prvých rokoch po októbrovej revolúcii divadelný kostým úplne zmizol, nahradili ho „kombinézy“, keďže herci sú „divadelníci“.

Postupne sa všetko vrátilo do starých koľají a na javisko sa opäť vrátil divadelný kostým. Navyše v 20. stor. objavilo sa také nové divadlo ako módne divadlo. Prehliadky modelov sa zmenili na hudobné a dramatické predstavenia. Takže domáci kostým sa nakoniec otvorene „spojil“ s divadlom.

Aké nové trendy sa objavili v modernom ruskom divadle? Čím sú premietania divadelných festivalov výnimočné? Aká je úloha kritiky v modernom divadelnom svete? Alexander Privalov o tom hovorí v programe Angle of View s kandidátkou dejín umenia, divadelnou kritičkou Marina Davydovou.

– Každoročný proces festivalu Zlatá maska ​​sa blíži k vrcholu. Povedz mi, prosím, je niečo zvláštne na súčasnej „Zlatej maske“?

– Špeciálne v porovnaní s čím?

– Napríklad od minulého roka.

– Od minulého roka asi nie. Už minulý rok predstavila „Zlatá maska“ taký rozsiahly program, že už len ťažko dokáže konkurovať sama sebe. Tohtoročný program je teda tiež mimoriadne rozsiahly, no možno o niečo menej bohatý ako minulý rok.

– Ale stále sú to desiatky vystúpení.

- To nie je správne slovo. Vo všeobecnosti celá história „Zlatej masky“, ktorá vznikla v polovici 90. rokov, predstavuje taký nekonečný rast a expanziu. Najprv to bol moskovský súťažný program, súťažili moskovské predstavenia. Potom „Zlatá maska“ získala celoruskú škálu. Potom si jeho zakladatelia a tvorcovia uvedomili, že okrem činoherného divadla existuje aj opera a balet, potom im napadlo, že moderný tanec existuje, potom sa ukázalo, že existujú aj iné fenomény divadelného života, ktoré sa nehodia do žiadneho zo spomínaných. a tak prišli s touto nomináciou – „Inovácia“, teraz sa volá „Experiment“.

– Preboha, a tých pár ľudí, ktorí sa nazývajú porota „Zlatá maska“, medzi ktoré patríte aj vy, by to všetko malo sledovať?

- Nie. Po prvé, v Zlatej maske sú dve poroty. Jedným z nich je muzikál, títo ľudia sledujú divadelné hry, operu, balet a moderný tanec.

- Takže by ste nemali počúvať Dona Juana?

- Samozrejme, môžem a každý bude asi rád, keď tam prídem, ale vo všeobecnosti to nie je súčasťou súťažného programu činoherného divadla. Máme vlastný súťažný program. Vznikla teda nominácia „Novácia“ a potom „Zlatá maska“ začala získavať špeciálne programy. Koniec koncov, musíte pochopiť, že v tomto rozsiahlom zozname predstavení je súťažný program a v skutočnosti dva súťažné programy, hudobné divadlo a dráma, a je tu aj nesúťažný program.

– Nesúťažné, dokonca voliteľné, nemusíte naň chodiť.

– Ja – áno, samozrejme.

"Len mi ťa je ľúto kvôli tomu, čo si mi povedal." Niekoľko mesiacov po sebe...

– Neľutujte, existujem organicky. Nie niekoľko mesiacov - niekoľko týždňov za sebou. Ale aj keď sa pozriete len na súťažný program, aj tak sú tam pravdepodobne dve predstavenia denne. A aj samotný nesúťažný program sa delí na podprogramy. Jednou z nich je „Legendy divadla 20. storočia“, jedna z najzaujímavejších. Minulý rok v rámci tohto programu prišli tieto hviezdy: baletné divadlo ako William Forsyth, Jiri Kylian, Sylvie Guillem...

– Nie, to je, samozrejme, úžasné, ale bojím sa už od základu. Je za takýchto podmienok možná samotná súťaž? Nerozmazáva sa vám z takej hojnosti oko?

– Viete, keďže okrem toho, že som členom poroty, som aj divadelným kritikom a neustále sledujem predstavenia, tak túto otázku možno aplikovať na celý môj život – nemám rozmazané oko?

- No, nie je to rozmazané?

"Niekedy sa zdá, že je vymytý." A možno je to čiastočne pravda.

– Degustátori vína si v tomto prípade vypláchnu ústa vodou. čo to robíš?

- Nič nerobím, naďalej žijem tak, ako žijem. Nakoniec som dospel k záveru, že ak je predstavenie naozaj silné, ak je to silná umelecká výpoveď, aj tak sa ku mne dostane.

- Zasiahne vás to?

- Rozbije sa, áno.

– Ako sa vo všeobecnosti cítite, teraz nehovorím o „zlatej maske“, ale vo všeobecnosti? aktuálny stav ruské divadlo. Kvitnúce, ponižujúce – čo máme?

- Je dvojaký. Dá sa absolútne konštatovať, že určitý divadelný boom, samozrejme, je.

- V hlavnom meste.

– V prvom rade v hlavnom meste. Ale vo všeobecnosti, aj keď berieme krajinu ako celok, máme veľa divadla – to sa dá konštatovať. Je toho veľa, len kvantitatívne.

– Viac ako za sovietskych čias?

– Nie menej, samozrejme. A pravdepodobne teraz ešte viac, pretože sa objavilo niekoľko divadiel, je ich veľmi málo, ale napriek tomu sa už objavili: nezávislé divadlá moderný tanec- nič z toho v predchádzajúcich rokoch samozrejme neexistovalo. Otázkou je, že kvantita sa nie vždy premieta do kvality.

- Takže to možno neprejde.

– Ak sa ma teda pýtate na stav divadla ako celku, napriek tomu, že v ňom skutočne prebieha boom, tak by som povedal, že ak máme na mysli vrchol divadelnej kultúry, tak veľa dejú sa tam zaujímavé veci, musíme si to priznať. A vo všeobecnosti ruské divadlo mimoriadne rozmanité, dokáže uspokojiť vkus divadelných tradicionalistov.

Ak máte radi divadlo, kde sa hercom dobre darí...

- Milujem. Veľmi sa hanbím, ale milujem ťa.

– ....ktorý nemá agresívny smer, môžete ísť do divadelné štúdio Sergei Zhenovach, môžete ísť do Pyotra Fomenka - existuje veľa príležitostí. Ale je tu aj avantgardné a vizuálne divadlo, divadlo Dmitrija Krymova, úplne nezvyčajné formy a v Rusku je teraz silné hnutie „Nová dráma“, ktoré má tiež svojich fanúšikov, prívržencov, apologétov, amatérov atď. všetko, čo som práve vymenoval, napriek tomu, že sa mi za tých pár minút zdalo, že som vymenoval veľa mien, toto je stále najvyššia vrstva.

- Prepáčte, ale môže to byť inak? Nie je vždy dôležitá len menšina?

– Povedal by som toto: problém ruského divadla je v tom, že zlé divadlo je veľmi zlé. Teraz sa pokúsim vysvetliť. Keď pozerám priemerné, nie veľmi dobré, nie veľmi potešujúce poľské predstavenie, tak sa, samozrejme, ako divadelný kritik veľmi neteším, ale stav hrôzy z toho, čo som videl, nezažívam. Pretože je to stále v medziach slušnosti.

– A naši chlapi sa už naučili ísť za hranice, však?

- Určite. Keď sa pozriem na priemer Nemecký výkon– no, čo je to, ak je to zlý nemecký výkon? Toto je taká nudná reč aktuálne problémy modernosť. Napriek tomu v tom bude nejaký obsah, nejaký úžitok, ak sa toto slovo dá vôbec aplikovať na umenie, môžem z neho vyťažiť. Zlý ruský výkon Ruský výkon– toto je taká malina! Toto je analóg najvulgárnejších televíznych programov „Komediálny klub“.

– Môžete uviesť príklady z Moskvy?

- Volajú sa Légia. Choďte na nejaké predstavenia Divadla satiry alebo čohokoľvek: Divadlo Mossovet, Divadlo Majakovského, Divadlo Gogol...

- Pochopte. Čo je to profesionál - niekto, kto nebude robiť horšie ako niečo, keď existuje určitý štandard, ktorý nebude robiť horšie ako. Kto je horší – režiséri, dramaturgovia, herci? Kto zlyhá v priemernom divadle?

– Viac-menej spolu zlyhávajú. Nehovoriac o tom, že táto malina sa dá zinscenovať podľa nejakej broadwayskej hry, alebo môžete, čo je ešte horšie, pokaziť klasiku, vziať Goldoniho hru a urobiť z nej nejakú obscénnosť.

-No tak Goldoni, nehanbia sa ani Antona Pavloviča...

- Áno. Trik je v tom, že naše divadlá sú takmer všetky repertoárové a dotované...

– Pokiaľ chápem, nie každý bol dávno. Alebo som zle pochopil?

– Drvivá väčšina.

- Stále väčšina?

- Samozrejme, ale ktoré poznáte?

- No, existujú nejaké zábavné programy, však?

– Áno, existuje určitá suma. Dobre, toto existuje v každom západoeurópskom divadle. Samozrejme, existuje segment nazývaný „komerčné divadlo“, ktorý existuje na princípe sebestačnosti, ako napríklad West End of London. Ale divadlá, ktoré som vymenoval a o ktorých každý hovorí, sú, samozrejme, repertoárové a dotované divadlá, teda jednoducho povedané, existujú z peňazí daňových poplatníkov. A vlastne paradoxom ruského divadelného života je, že na javiskách týchto divadiel, ktoré existujú za peniaze štátu a vo všeobecnosti musia rozsievať rozumné, dobré, večné, taká je ich úloha – vyrábajú aj nejaký druh podnikateľsko-komerčného produktu. To znamená, že dostávajú peniaze zo štátnej pokladnice, aby dodali nejaký v podstate komerčný produkt.

– Existuje úplná analógia s televíznymi kanálmi.

– A to sa skutočne deje od Moskovského umeleckého divadla po to isté Majakovského divadlo.

– Čo robí ruská divadelná kritika v celom tomto nádhernom obraze?

– Snaží sa tomu nejako brániť.

- A ako to robí?

- Ako to môže urobiť? Ďalšia otázka je, že samozrejme z názoru Rusa divadelná kritika málo záleží...

- Prečo je to tak?

– Pretože to nemá vplyv na to, čo sa nazýva pokladňa.

– V skutočnosti sa teda pýtam, prečo to neovplyvňuje. Pokiaľ tomu rozumiem, kritika Londýna - ak na premiére vystrelí salvu, premiéra bude zrušená.

- Samozrejme, to znamená zlyhanie, samozrejme.

- Prečo je to tam tak, ale tu nie? Je to snáď úroveň kritiky?

- Nie. Po prvé, musíte jasne pochopiť, čo tam je - kde je „tam“? V Londýne to platí, v Nemecku, Maďarsku a Holandsku to už celkom neplatí. A negatívny názor kritikov tam tiež neznamená automatické zrušenie predstavenia. Lebo aj anglické divadlo je dosť špecifická vec.

– Čítali sme Maughama, áno.

– Krátky program, aby sme išli do detailov a odlíšili západoeurópsky divadelný život, ale tak či onak to v Anglicku vedie ku konkrétnym výsledkom, k smutným dôsledkom, no u nás to často vedie k opačnému výsledku. To znamená, že ak kritici začnú aktívne kritizovať predstavenie, pamätám si, že tam bol „Tartuffe“, ktorý naštudovala Nina Chusova, to isté Moskovské umelecké divadlo... Práve naopak: lístky sa začali vypredávať ešte aktívnejšie.

- O čo tu ide? Náš divák je predsa stále Sovietske časy Som zvyknutý na to, že ak sa niečo kritizuje, znamená to, že v tom niečo je.

- Určite.

- Takže táto podšívka zostane dlho.

– Vieš, aby som bol úprimný, sťažoval som sa na túto okolnosť, ale teraz som si myslel, že je to možno k lepšiemu. V každom prípade sa cítim dvakrát pohodlnejšie. Pretože by mi to bolo nepríjemnejšie. Aj ja som človek, môžem robiť chyby.

– Týmto spôsobom za nič nenesiete zodpovednosť.

– Som človek a môžem robiť chyby. A nie som si istý, či tí istí londýnski kritici majú vždy takú pravdu. Ale, žiaľ, áno a nakoniec aj Anton Pavlovič Čechov mal zlyhania, slávne zlyhania. Majú kritici a odborníci vždy pravdu? Niekedy sa kruto mýlia.

- Možno. Aj keď si myslím, že v bežných prípadoch by sa profesionálni kritici nemali mýliť.

– Medzi obyčajnými nie, ale medzi výnimočnými sa môžu pomýliť.

– A vo výnimočných prípadoch to môže byť aj tým najsmutnejším spôsobom, chápem. Aké sú vaše osobné pocity, v žiadnom prípade neovplyvňujete nikoho osud - aké sú vaše pocity z modernej úrovne herectvo v moskovských divadlách?

- Ťažká otázka...

– Aspoň za ten čas, čo sa venujete divadelnej kritike, je to už viac ako rok. Ako to ide – hore, dole, nemení sa?

– Nemôžem povedať, že sú to veľmi mnohostranné trendy, že pozorujem nejaký katastrofálny pokles úrovne herectva. Nie, v niektorých prípadoch ide o veľmi slušnú úroveň a treba povedať, že najsilnejšia vec, ktorú ruské divadlo má, je jeho škola – to je všeobecne uznávaný fakt.

– Zostane táto škola?

– Stále zostáva, nejako to zachovávajú. Ale pozorujeme ešte jeden zaujímavý fenomén. Veď osobných hercov, veľkých osobností je čoraz menej. Pozrite sa na plejádu umelcov 70. a 80. rokov. Netreba ich ani vyslovovať, každý ich pozná a za každým z nich je nielen profesionálny, ale aj nejaký ľudský, osobný obsah - a za Olegom Borisovom, za Smoktunovským a za Andrejom Popovom.

– Menujete veľkých umelcov.

- Volám velikánov...

– Nehovorím o velikánoch – pýtal som sa na školu. Nemusí nevyhnutne pozostávať z vrcholov.

– Samozrejme, ale musia byť aj vrcholy. Poznáte medzi generáciou veľa takýchto vrcholov, nehovorím o veľmi mladých, lebo ťažko povedať, ale o štyridsiatnikoch? Koniec koncov, toto je vrchol pre herca, 40 rokov, už by mali byť nejaké úspechy a miera osobnosti by už mala byť jasná. a kto presne? No, Zhenya Mironov je skutočne veľmi zaujímavá, mimoriadne nadaná osoba. Ale vo všeobecnosti to, samozrejme, nestačí. Dokonca aj skutočne talentovaní chlapci ako Kostya Khabensky - ale stále nemôžete pomenovať nikoho, kto by mohol stáť na rovnakej úrovni ako umelci tejto galaxie. A to je tiež ukazovateľ.

– Toto je ukazovateľ, ale tu začínajú otázky.

– Priemerný umelec sa stal oveľa vyšším, ale v priemere nie je možno vyšší, ale ani nižší.

- Vo všeobecnosti, ako sa hovorí v ruskej klasike, miesto umelca je v bufete. Herecké výšky predsa nemôžu vzniknúť, ak na to nie sú vytvorené dramaturgické a režisérske základy.

– Toto tiež nie je taká jednoduchá otázka. Maria Ermolova existovala v takom predrežisérskom divadle.

– Napriek tomu tam boli režiséri, len neboli celkom modernú úlohu hrali. Dramaturgia bola celkom slušná.

- Nie, dnu moderný zmysel samozrejme ziadne neboli. A stalo sa, že aj oni zažiarili nielen vo veľkej dráme, ale aj v dosť lacných melodrámach.

– Súhlasím, ale potom je tu aj druhá strana otázky. Alebo možno vtedy verejnosť viac inklinovala k vytváraniu atmosféry, v ktorej dozrievajú divadelní géniovia?

- Určite.

– Čo sa tu zmenilo?

– Opäť veľmi multifaktoriálna vec. Po prvé, samozrejme, konkurencia medzi kinom a televíziou je obrovská – ešte na začiatku storočia takpovediac vôbec neexistovala. Viete, že keď sa umelci Moskovského umeleckého divadla v roku 1924 vrátili z turné, sťažovali sa, že ich už v uliciach Moskvy nespoznávajú? To znamená, že to neboli filmové hviezdy, boli uznaní len preto, že sa objavili na javisku Moskovského umeleckého divadla - taký bol stav divadelného umelca. V dnešnej dobe je takmer nemožné získať také široké uznanie publika len hraním na divadelných doskách.

– Nepoznám také príklady, ale je to asi naozaj nemožné.

– Kontext sa v tomto zmysle veľmi zmenil, to je prvá vec.

Po druhé: samotný problém herecké divadlo. Vidíte, musíme, samozrejme, priamo priznať, že ak menujeme vynikajúcich režisérov našej doby, najmä západoeurópskych, nie vždy, ale veľmi často sa im podarí prejaviť nie cez umelcov, ale cez nejaké iné veci.

– Najmä keď sú vo vašom obľúbenom experimentálnom divadle, kde prakticky nie je žiadny text.

- Určite. Christophe Marthaler je pre mňa jednou z definujúcich postáv moderny divadelný proces. Ale jeho umelec vo všeobecnosti existuje ako prvok davu. Je veľmi ťažké vyjadriť sa týmto spôsobom.

– V Solovkách by boli takí samovyjadrovatelia.

– Áno, viem, ste mimoriadne konzervatívny.

– Je to strašne konzervatívne... Myslím, že by sme mali nechať ľudí hrať, pretože niektorí ľudia sú v tom takí dobrí. Takže ste pomenovali Evgeny Mironov. Stále sú tu chalani, ktorí vedia hrať, keď im to dovolíte, je radosť sa na to pozerať.

– Keď však Evgeny Mironov hral v Šukšinových príbehoch jedného z vynikajúcich predstaviteľov modernej réžie Alvisa Hermanisa, odviedol veľmi dobrú prácu. Takže takéto šťastné náhody sú možné.

– Nádherné, dúfajme... Sú nejaké trendy, ktorým by sme my, bežný divák, zastupujeme bežného diváka, mali všímať? Mám na mysli opäť ruské divadlo, moskovské divadlo.

– Je ich toľko, že ani neviem, ktorým začať.

– A čokoľvek vám prišlo na um, tam musíte začať.

– Vo všeobecnosti sa to, čomu sa hovorí divadelná krajina, veľmi mení. Zdá sa mi, že teraz prebiehajú tektonické zmeny v tomto zmysle. A to, že tak trháte, keď spomínam predstaviteľov moderného divadla...

- Áno, vôbec necukám, nech kvitnú všetky kvety!

– Ste konzervatívny a toto, mimochodom...

- Takže nežiadam, aby som ich zastrelil. Nechajte ich kvitnúť, prosím.

- Určite. To, čo bolo opísané slovom „divadlo“, povedzme pred 20-30 rokmi, a to, čo opisuje ten istý koncept dnes, je rôzne priestory. Teraz je to oveľa viac široký pojem. Nejaký paradox spočíva v tom, že divadlo aj napriek tomuto boomu, o ktorom sme hovorili atď., začalo hrať oveľa menšiu úlohu v živote spoločnosti, inteligencie, ak pripustíme, že ju ešte máme, je tam vzdelaná vrstva . To je neporovnateľné so starými časmi, keď sa v kuchyni diskutovalo o akejkoľvek premiére u Lyubimova a dokonca aj u Efrosa. Teraz je pre mňa ťažké povedať, ktorá premiéra sa stáva predmetom všeobecnej diskusie aj medzi moskovskou inteligenciou. Ale zároveň divadlo prekvapivo preniká do súvisiacich oblastí života. Vidím, ako je doslova všetko teatrálne, ako teatrálne výtvarného umenia. Veď ona, jej významná časť, existuje podľa divadelných zákonitostí, či sa nám to páči alebo nie. Dokonca, zdalo by sa, politika, ekonomika... Čítal som o provokatívnom marketingu - čítal som, ako to funguje...

– Marina Yuryevna, nemiestna hmota sa nazýva blato. Divadlo v divadle je skvelé, divadlo v cudzích sférach je nepríjemné.

– Môže to byť, samozrejme, veľmi nepríjemné, ale je to trend. Pýtali ste sa ma na trendy.

- Súhlasím.

– Požiadali ste ma, aby som nehovoril o príjemných veciach, ale aby som si všímal trendy. Toto je trend, určite. Divadlo – má pocit, že sa nejakým spôsobom snaží kompenzovať svoju stratu sociálna rola prienik seba samého do susedných sfér.

"Ak ma nechceš pustiť do dverí, vojdem dnu cez okno."

- Určite. A táto všeobecná teatrálnosť života ma do značnej miery rozčuľuje, ale nemôžem si nepripustiť, že sa to deje, podľa týchto divadelných zákonov začína existovať niečo, čo by vo všeobecnosti nemalo existovať a predtým neexistovalo. Ďalším trendom je, že sa všetko veľmi mení aj vo vnútri divadla. Napríklad v Rusku to donedávna neexistovalo, ale povedzme, že v západnom divadle existovalo, ale tiež vo veľmi obmedzenej forme. Objavuje sa to, čomu hovorím skladateľské divadlo. To znamená, že sme zvyknutí, že divadlo je vtedy, keď existuje určité literárne dielo, ktoré umelec a režisér vezmú a začnú ho rozoberať, nejako interpretovať a prezentovať na javisku. A potom si človek porovnáva svoje dojmy z čítania tohto diela a z toho, čo videl.

- Možno som to nečítal. Ale stále ide o interpretačné divadlo, stále ide o dialóg tohto režiséra a týchto umelcov s istým autorom. Ale je tu úplne iné divadlo, keď sa predstavenie skladá mimo akéhokoľvek literárne dielo. Zdá sa, že sa deje na javisku tak, ako Tadeusz Kantor, jeden z nich najväčších režisérov druhá polovica 20. storočia, ktorá sme v tom istom období jednoducho nemali obdoby – 60.-70.-80. Teraz však tento typ skladateľského divadla, veľmi často vychádzajúceho zo spomienok z detstva, chvíľkových dojmov a pod., naberá na obrátkach, je čoraz početnejší. Je rôznej kvality.

– Dosahuje samý vrchol, o ktorom ste hovorili na začiatku programu?

"Niekedy, samozrejme, existuje v nížinách a niekedy sa objaví." A myslím si, že sa za tým skrýva možno aj nejaká budúcnosť divadla, také skladateľské divadlo.

– Vidno to aj v Moskve? Nie je to len tak celosvetový trend ale už tu?

– Už je to tu. Treba povedať, že padli hranice.

– Samozrejme, s toľkými medzinárodnými festivalmi.

– Samozrejme, že hranice padli a ruské divadlo je opäť na jeho hornom toku súčasťou európske divadlo. K vami spomínanému festivalu asi treba poznamenať, že Moskva, teda Moskva, sa v posledných rokoch stala možno najfestivalovnejším mestom na svete.

- Skvelé. No vidíte, divadlo mutuje, ani náš hosť nevie, na čo mutuje. Ale dúfame v niečo dobré, sme najfestivalovejšie mesto na svete. Nech sa ti darí.

Odoslanie vašej dobrej práce do databázy znalostí je jednoduché. Použite nižšie uvedený formulár

Študenti, postgraduálni študenti, mladí vedci, ktorí pri štúdiu a práci využívajú vedomostnú základňu, vám budú veľmi vďační.

Uverejnené na http://www.allbest.ru/

Divadelný kostým

DIVADLO je syntetická forma umenia, ktorá nám umožňuje nielen počuť, nielen si predstaviť, ale aj pozerať a vidieť. Divadlo nám dáva možnosť byť svedkami psychologických drám a podieľať sa na historických úspechoch a udalostiach. divadlo, divadelné predstavenie vzniká úsilím mnohých umelcov, počnúc režisérom a hercom a končiac produkčným dizajnérom, pretože predstavenie je „konjugáciou rôzne umenia, z ktorých každá sa v tomto pláne premieňa a získava novú kvalitu...“

Divadelný kostým je súčasťou javiskového obrazu herca, ide o vonkajšie znaky a charakteristiky stvárňovanej postavy, ktoré napomáhajú hercovej premene; prostriedok umeleckého vplyvu na diváka. Kostým je pre herca hmota, forma, inšpirovaná zmyslom roly.

Tak ako herec slovom a gestom, pohybom a zafarbením hlasu vytvára novú bytosť javiskového obrazu, vychádzajúc z toho, čo je dané v hre, tak umelec, vedený rovnakými údajmi z hry, stelesňuje obraz. prostriedkami svojho umenia.

Scénografia počas stáročných dejín divadelného umenia neustále prechádzala evolučnou premenou, ktorú spôsobilo nielen zdokonaľovanie javiskovej techniky, ale aj všetky peripetie štýlov a módy zodpovedajúcich čias. Záviselo to od charakteru literárnej štruktúry hry, od žánru drámy, od sociálneho zloženia diváka, od úrovne javiskovej techniky.

Obdobia stabilných architektonických štruktúr staroveku ustúpili primitívnej etape stredoveku, ktorá zase ustúpila kráľovským dvorným divadlám so sebestačným luxusom predstavení. Vystúpenia boli v látke, v zložitých konštruktívnych dekoráciách, len v svetelnom dizajne, úplne bez dekorácie - na holom javisku, na pódiu, len na chodníku.

Úloha kostýmu ako „pohyblivej“ dekorácie bola vždy dominantná. Zmenil sa pohľad na jeho „vzťah“ s hercom, časom a históriou a napokon aj s jeho priamym „partnerom“ – výtvarným stvárnením scény.

V procese progresívneho rozvoja umenia moderného divadla, inovácie réžie, transformácie spôsobu výtvarného stvárnenia rola kostýmového umenia neupadá – práve naopak. S rastom svojich mladších a flexibilnejších bratov – kina a televízie – divadlo nepochybne pri svojom hľadaní a mučení získava nové formy veľkolepých techník, presne také, ktoré by bránili a definovali postavenie divadla ako trvalej hodnoty nezávislého umenia. formulár. Kostým ako najpohyblivejší prvok divadelnej kulisy sa v tomto hľadaní dostáva na prvé miesto. divadelný scénický kostým

Vysoká modernej kultúry divadelné umenie, subtílna a hlboká režijná práca na hre a predstavení, talentované herectvo vyžadujú od tvorcu predstavenia obzvlášť dôkladný prienik do dramaturgie predstavenia, úzky kontakt s režisérom. Moderný dizajn nie je kanonizovaný pravidlami. Je to individuálne a špecifické v každom konkrétnom prípade. „Práca režiséra je neoddeliteľná od práce umelca V prvom rade musí režisér nájsť svoje vlastné odpovede na hlavné nastolené problémy, umelec musí precítiť úlohy inscenácie a vytrvalo hľadať výrazové prostriedky. .“

Divadelný kostým vzniká najskôr vizuálnymi prostriedkami, teda skicou.

Uverejnené na Allbest.ru

...

Podobné dokumenty

Teoretické základy formovanie obrazu. Divadelný kostým a doplnky ako jeden zo spôsobov formovania vonkajšieho obrazu divadla. Divadelné doplnky, prax ich využitia pri formovaní obrazu divadla na príklade inscenácií divadla Roman Viktyuk.

diplomová práca, pridané 22.11.2008


Úloha a význam kostýmu v Staroveký svet: Egypt, Grécko, Rím, India a Byzancia. Kostým západnej Európe v stredoveku. Renesančný kostým: taliansky, španielsky, francúzsky, nemecký, anglický. Empírový štýl a romantizmus, rokoko a baroko.

kurzová práca, pridané 26.12.2013


Charakteristika divadelného kostýmu. Požiadavky na jeho náčrt. Analýza obrazu ľudskej postavy; techniky a nástroje používané v grafických zdrojoch. Použitie grafické techniky divadelný kostým vo vývoji kolekcie odevov.

kurzová práca, pridané 28.09.2013


Úloha ľudového odevu v dizajne moderné oblečenie pre mládež. Aktivizácia záujmu o ľudový odev ako zdroj nápadov pre moderného dizajnéra. Ľudový kroj je pre umelca bohatou zásobárňou nápadov. Tradičná súprava oblečenia.

kurzová práca, pridané 06.04.2008


Súčasné divadelné umenie. Inscenácia hry „Malý divadelný démon“ podľa rovnomennej hry Very Trofimovej. Herecké povolanie, osobnosť, dramaturgia. Režijné poňatie hry, obhajoba roly. Dizajn javiskového priestoru.

abstrakt, pridaný 20.01.2014


Kostým ako objekt sociokultúrnej analýzy: história vývoja, význam, úloha, funkcie a typológia. Charakteristika semiotických aspektov kostýmu, atribúty, doplnky, sociálne a psychologické základy. Analýza symboliky kostýmu „dandy“.

práca, pridané 24.01.2010


Zvláštnosti historickej éry Staroveké Grécko. Druhy, tvary a zloženie odevov. Charakteristika mužského a dámsky oblek. Analýza látok použitých na jej výrobu, ich farieb a vzorov. Pokrývky hlavy, účesy, šperky a doplnky Grékov.

kurzová práca, pridané 11.12.2016


K.S. Stanislavskij ako slávny Rus divadelný režisér, herec a učiteľ. Stanislavského systém ako teória javiskového umenia, metóda hereckej techniky, jej podstata a obsah, etapy a princípy vývoja. Životopis Meyerholda.

test, pridané 14.06.2011


Historický a kultúrny vývoj pohoria Mari. Kostýmy Mountain Mari ako súčasť národnej kultúry. Materiály a technológie na výrobu obleku. Formovanie vlasteneckého cítenia a etnografického sebauvedomenia. Strih, farebná schéma, hlavné detaily kostýmu.

kurzová práca, pridané 14.10.2013


Javisková akcia, jej rozdiel od skutočnej akcie. Vzťah medzi fyzickým a psychickým konaním. Hlavné časti akcie: hodnotenie, rozšírenie, skutočná akcia, dopad. Režisérsky náčrt podľa obrazu „Návšteva princeznej v kláštore“.