Renesančná maľba. Veľkí talianski umelci Slávni talianski renesanční umelci
Nepochybným úspechom renesancie bol geometricky správny dizajn maľby. Umelec vytvoril obraz pomocou techník, ktoré vyvinul. Hlavnou vecou pre maliarov tej doby bolo zachovať proporcie predmetov. Aj príroda spadala pod matematické techniky výpočtu proporcionality obrazu s inými objektmi na obraze.
Inými slovami, umelci počas renesancie sa snažili sprostredkovať presný obraz napríklad človeka na pozadí prírody. Ak to porovnáme s modernými technikami obnovy videného obrazu na nejakom plátne, potom s najväčšou pravdepodobnosťou fotografia s následnými úpravami pomôže pochopiť, o čo sa renesanční umelci snažili.
Renesanční maliari verili, že majú právo napraviť nedostatky prírody, to znamená, že ak mal človek škaredé črty tváre, umelci ich opravili tak, že tvár sa stala sladkou a príťažlivou.
Leonardo da Vinci
Renesancia sa takou stala vďaka mnohým tvorivým osobnostiam, ktoré v tom čase žili. Svetoznámy Leonardo da Vinci (1452 - 1519) vytvoril obrovské množstvo majstrovských diel, ktorých náklady sa pohybujú v miliónoch dolárov, a znalci jeho umenia sú pripravení dlho rozjímať o jeho obrazoch.
Leonardo začal študovať vo Florencii. Jeho prvý obraz, namaľovaný okolo roku 1478, je „Benois Madonna“. Potom to boli také výtvory ako „Madonna v jaskyni“, „Mona Lisa“, vyššie spomínaná „Posledná večera“ a množstvo ďalších majstrovských diel napísaných rukou titána renesancie.
Prísnosť geometrických rozmerov a presná reprodukcia anatomickej štruktúry človeka - to je to, čo charakterizuje obraz Leonarda da Vinciho. Umenie zobrazovať určité obrazy na plátne je podľa jeho presvedčenia veda, a nie len nejaký koníček.
Rafael Santi
Raphael Santi (1483 - 1520), v umeleckom svete známy ako Raphael, vytvoril svoje diela v Taliansku. Jeho obrazy sú presiaknuté lyrizmom a gráciou. Raphael je predstaviteľom renesancie, ktorý zobrazoval človeka a jeho existenciu na zemi a rád maľoval steny vatikánskych katedrál.
Obrazy prezrádzali jednotu postáv, proporčnú korešpondenciu priestoru a obrazov a eufóniu farieb. Čistota Panny Márie bola základom mnohých Raffaelových obrazov. Jeho úplne prvým obrazom Panny Márie je Sixtínska Madona, ktorú slávny umelec namaľoval v roku 1513. Portréty, ktoré vytvoril Raphael, odrážali ideálny ľudský obraz.
Sandro Botticelli
Sandro Botticelli (1445 - 1510) je tiež renesančný umelec. Jedným z jeho prvých diel bol obraz „Klaňanie troch kráľov“. Jemná poézia a zasnenosť boli jeho počiatočné maniere na poli sprostredkúvania umeleckých obrazov.
Začiatkom 80. rokov 15. storočia veľký umelec pomaľoval steny Vatikánskej kaplnky. Fresky vyrobené jeho rukou sú stále úžasné.
Postupom času sa jeho obrazy vyznačovali pokojom starovekých budov, živosťou zobrazených postáv a harmóniou obrazov. Okrem toho je známa Botticelliho vášeň pre kresby slávnych literárnych diel, čo tiež len pridalo slávu jeho práci.
Michelangelo Buonarotti
Michelangelo Buonarotti (1475 – 1564) je taliansky umelec, ktorý pôsobil aj v období renesancie. Tento muž, ktorého mnohí z nás poznajú, urobil všetko, čo mohol. A sochárstvo, maliarstvo, architektúra a tiež poézia. Michelangelo, podobne ako Raphael a Botticelli, maľoval steny vatikánskych kostolov. Veď len tí najtalentovanejší maliari tých čias sa zaoberali takou zodpovednou prácou, akou bolo maľovanie obrazov na steny katolíckych katedrál. Viac ako 600 metrov štvorcových Sixtínskej kaplnky musel pokryť freskami zobrazujúcimi rôzne biblické výjavy. Najznámejšie dielo v tomto štýle je nám známe ako „Posledný súd“. Význam biblického príbehu je vyjadrený úplne a jasne. Takáto presnosť pri prenose obrazov je charakteristická pre všetky Michelangelove práce.
7. august 2014
Študenti umeleckých vysokých škôl a záujemcovia o dejiny umenia vedia, že na prelome 14. – 15. storočia nastala v maliarstve prudká zmena – renesancia. Okolo 20. rokov 14. storočia sa zrazu všetci stali oveľa lepšími v kreslení. Prečo sa obrazy zrazu stali tak realistickými a detailnými a prečo sa na obrazoch objavilo svetlo a objem? Nikto sa nad tým dlho nezamýšľal. Až kým David Hockney nezobral lupu.
Poďme zistiť, čo objavil...
Jedného dňa sa pozeral na kresby Jeana Augusta Dominique Ingresa, vodcu francúzskej akademickej školy 19. storočia. Hockney začal mať záujem vidieť svoje malé kresby vo väčšom meradle a zväčšil ich na kopírke. Tak narazil na tajnú stránku dejín maľby od renesancie.
Po vytvorení fotokópií Ingresových malých kresieb (asi 30 centimetrov) bol Hockney ohromený tým, aké realistické boli. A tiež sa mu zdalo, že Ingresove riadky sú pre neho niečo
pripomenúť. Ukázalo sa, že mu pripomínajú Warholove diela. A Warhol to urobil - premietol fotografiu na plátno a načrtol ju.
Vľavo: detail Ingresovej kresby. Vpravo: Warholova kresba Mao Ce-tunga
Zaujímavé veci, hovorí Hockney. Ingres zrejme použil Camera Lucida – zariadenie, ktoré je konštrukciou s hranolom, ktorý je pripevnený napríklad na stojane k tabletu. Umelec, ktorý sa pozerá na svoju kresbu jedným okom, vidí skutočný obraz a druhým - skutočnú kresbu a svoju ruku. Výsledkom je optická ilúzia, ktorá umožňuje presne preniesť skutočné proporcie na papier. A to je práve „záruka“ realizmu obrazu.
Kreslenie portrétu pomocou fotoaparátu lucida, 1807
Potom sa Hockney začal vážne zaujímať o tento „optický“ typ kresieb a malieb. Vo svojom ateliéri spolu so svojím tímom zavesil na steny stovky reprodukcií obrazov vytvorených v priebehu storočí. Diela, ktoré vyzerali „skutočne“ a tie, ktoré nie. Usporiadanie podľa času stvorenia a regiónu – sever hore, juh dole, Hockney a jeho tím zaznamenali na prelome 14. – 15. storočia prudkú zmenu v maliarstve. Vo všeobecnosti to vie každý, kto čo i len trochu pozná dejiny umenia – renesanciu.
Možno použili rovnaký fotoaparát-lucida? Patentoval ho v roku 1807 William Hyde Wollaston. Aj keď v skutočnosti takéto zariadenie opísal Johannes Kepler už v roku 1611 vo svojom diele Dioptrie. Potom možno použili iné optické zariadenie - cameru obscuru? Je známa už od čias Aristotela a je to tmavá miestnosť, do ktorej svetlo vstupuje cez malý otvor a tak sa v tmavej miestnosti získava projekcia toho, čo je pred otvorom, ale obrátené. Všetko by bolo v poriadku, ale obraz, ktorý sa získa pri premietaní dierkovou kamerou bez objektívu, mierne povedané, nie je kvalitný, nie je jasný, vyžaduje veľa jasného svetla, nehovoriac o veľkosti. projekcie. Ale kvalitné šošovky bolo takmer nemožné vyrobiť až do 16. storočia, pretože v tom čase neexistovali žiadne spôsoby, ako získať také kvalitné sklo. Obchod, pomyslel si Hockney, ktorý už v tom čase zápasil s problémom s fyzikom Charlesom Falcom.
Existuje však obraz od Jana Van Eycka, majstra z Brugg, flámskeho maliara ranej renesancie, ktorý obsahuje stopu. Obraz sa volá „Portrét páru Arnolfini“.
Jan Van Eyck "Portrét páru Arnolfini" 1434
Obraz jednoducho žiari obrovským množstvom detailov, čo je celkom zaujímavé, pretože bol namaľovaný až v roku 1434. A vodítkom, ako sa autorovi podarilo urobiť taký veľký krok vpred v realizme obrazu, je zrkadlo. A tiež svietnik - neuveriteľne zložitý a realistický.
Hockney prekypoval zvedavosťou. Zobral kópiu takéhoto lustra a pokúsil sa ho nakresliť. Umelec bol konfrontovaný so skutočnosťou, že taká zložitá vec je ťažké nakresliť perspektívne. Ďalším dôležitým bodom bola vecnosť obrazu tohto kovového predmetu. Pri zobrazovaní oceľového objektu je veľmi dôležité umiestniť zvýraznenia čo najrealistickejšie, pretože to dáva veľký realizmus. Problém týchto zvýraznení je však v tom, že sa pohybujú, keď sa hýbe oko diváka alebo umelca, čo znamená, že ich vôbec nie je ľahké zachytiť. A realistické zobrazenie kovu a oslnenia je charakteristickým znakom renesančných malieb predtým, umelci sa o to ani nepokúšali.
Tým, že Hockneyho tím vytvoril presný 3D model lustra, zabezpečil, že luster v Arnolfiniho portréte bol nakreslený presne v perspektíve s jediným úbežníkom. Problém bol ale v tom, že také presné optické prístroje ako camera obscura s objektívom neexistovali asi storočie po vytvorení obrazu.
Fragment obrazu Jana Van Eycka „Portrét páru Arnolfini“ 1434
Zväčšený fragment ukazuje, že zrkadlo na obraze „Portrét páru Arnolfini“ je konvexné. To znamená, že tam boli aj zrkadlá naopak - konkávne. Okrem toho sa v tých dňoch takéto zrkadlá vyrábali týmto spôsobom - vzala sa sklenená guľa a jej dno bolo pokryté striebrom, potom sa všetko okrem dna odrezalo. Zadná strana zrkadla nebola zatmavená. To znamená, že konkávne zrkadlo Jana Van Eycka by mohlo byť rovnakým zrkadlom, aké je zobrazené na obraze, len z opačnej strany. A každý fyzik vie, že takéto zrkadlo pri odraze premieta obraz toho, čo sa odráža. Práve tu jeho kamarát fyzik Charles Falco pomáhal Davidovi Hockneymu s výpočtami a výskumom.
Konkávne zrkadlo premieta obraz veže mimo okna na plátno.
Čistá, zaostrená časť projekcie meria približne 30 štvorcových centimetrov – čo je presne veľkosť hláv na mnohých renesančných portrétoch.
Hockney načrtáva projekciu muža na plátne
Toto je veľkosť napríklad portrétu „Dóža Leonarda Loredana“ od Giovanniho Belliniho (1501), portrét muža od Roberta Campina (1430), skutočný portrét Jana Van Eycka „muž v červenom turbane “ a mnoho ďalších raných holandských portrétov.
Renesančné portréty
Maľovanie bolo vysoko platenou prácou a prirodzene, všetky obchodné tajomstvá boli držané v najprísnejšej tajnosti. Pre umelca bolo prospešné, že všetci nezasvätení ľudia verili, že tajomstvá sú v rukách majstra a nedajú sa ukradnúť. Podnik bol pre cudzincov uzavretý - umelci boli členmi cechu a zahŕňali aj rôznych remeselníkov - od tých, ktorí vyrábali sedlá, až po tých, ktorí vyrábali zrkadlá. A v cechu svätého Lukáša, ktorý bol založený v Antverpách a prvýkrát sa spomína v roku 1382 (vtedy sa podobné cechy otvorili v mnohých severných mestách a jedným z najväčších bol cech v Bruggách, meste, kde žil Van Eyck), boli aj majstri vyrábajúci zrkadlá. .
Takto Hockney znovu vytvoril, ako by sa dal namaľovať zložitý luster z obrazu Van Eycka. Nie je vôbec prekvapujúce, že veľkosť premietaného lustra Hockney presne zodpovedá veľkosti lustra na obraze „Portrét páru Arnolfini“. A samozrejme, zvýraznenia na kove - na projekcii stoja na mieste a nemenia sa, keď umelec zmení polohu.
Problém však stále nie je úplne vyriešený, pretože nástup vysokokvalitnej optiky, ktorá je potrebná na použitie camery obscury, bol vzdialený 100 rokov a veľkosť projekcie získanej pomocou zrkadla je veľmi malá. Ako maľovať obrazy väčšie ako 30 štvorcových centimetrov? Vznikli ako koláž – z mnohých pohľadov to bolo ako sférické videnie s mnohými úbežníkmi. Hockney to pochopil, pretože sám robil takéto obrázky – urobil veľa fotografických koláží, ktoré dosahujú presne rovnaký efekt.
Takmer o storočie neskôr, v roku 1500, bolo konečne možné získať a spracovať sklo - objavili sa veľké šošovky. A mohli byť konečne vložené do camery obscury, ktorej princíp fungovania bol známy už od pradávna. Objektív camera obscura bol neuveriteľnou revolúciou vo vizuálnom umení, pretože projekcia mohla mať teraz akúkoľvek veľkosť. A ešte niečo, teraz nebol obraz „širokouhlý“, ale približne normálneho pomeru – teda približne taký, aký je dnes pri fotografovaní objektívom s ohniskovou vzdialenosťou 35-50 mm.
Problémom pri použití dierkovej kamery s objektívom je však to, že projekcia dopredu z objektívu je zrkadlový obraz. To viedlo k veľkému počtu ľavorukých maliarov v počiatočných štádiách používania optiky. Ako na tomto obraze z roku 1600 z Múzea Fransa Halsa, kde tancuje ľavoruký pár, ľavoruký starec im trasie prstom a ľavoruká opica sa pozerá pod šaty ženy.
Všetci na tomto obrázku sú ľaváci
Problém je vyriešený inštaláciou zrkadla, do ktorého je objektív nasmerovaný, čím sa získa správna projekcia. Ale zrejme dobré, hladké a veľké zrkadlo stálo veľa peňazí, takže ho nemal každý.
Ďalším problémom bolo zaostrenie. Faktom je, že niektoré časti obrazu v jednej polohe plátna pod projekčnými lúčmi boli neostré a nejasné. V dielach Jana Vermeera, kde je použitie optiky úplne zrejmé, jeho diela vo všeobecnosti vyzerajú ako fotografie, možno si všimnúť aj miesta, ktoré nie sú „zaostrené“. Môžete dokonca vidieť vzor, ktorý vytvára šošovka - notoricky známy „bokeh“. Ako napríklad tu na obraze „Mliečka“ (1658), košík, chlieb v ňom a modrá váza sú neostré. Ale ľudské oko nevidí „nezaostrené“.
Niektoré časti obrazu sú neostré
A vo svetle toho všetkého nie je vôbec prekvapujúce, že dobrým priateľom Jana Vermeera bol vedec a mikrobiológ Anthony Phillips van Leeuwenhoek, ako aj jedinečný majster, ktorý vytvoril vlastné mikroskopy a šošovky. Vedec sa stal umelcovým posmrtným správcom. To naznačuje, že Vermeer zobrazil svojho priateľa na dvoch plátnach - „Geograf“ a „Astronóm“.
Aby ste videli zaostrenú akúkoľvek časť, musíte zmeniť polohu plátna pod projekčnými lúčmi. Ale v tomto prípade sa objavili chyby v proporciách. Ako môžete vidieť tu: obrovské rameno „Anthea“ od Parmigianina (okolo 1537), malá hlava „Lady Genovese“ od Anthonyho Van Dycka (1626), obrovské nohy roľníka na obraze Georgesa de La Tour .
Chyby v proporciách
Samozrejme, všetci umelci používali šošovky inak. Niektoré boli na skice, niektoré sa skladali z rôznych častí – napokon, teraz bolo možné urobiť portrét a všetko ostatné dokončiť iným modelom alebo dokonca figurínou.
Po Velazquezovi nezostali takmer žiadne kresby. Jeho majstrovské dielo však zostalo – portrét pápeža Inocenta 10. (1650). Na pápežovom plášti je nádherná hra svetla – očividne hodváb. Blikov. A napísať toto všetko z jedného uhla pohľadu, to dalo veľa námahy. Ale ak urobíte projekciu, potom všetka táto krása nikam neutečie - svetlá sa už nehýbu, môžete maľovať tými širokými a rýchlymi ťahmi ako Velasquez.
Hockney reprodukuje Velazquezov obraz
Následne si mnoho umelcov mohlo dovoliť cameru obscuru a prestalo byť veľkým tajomstvom. Canaletto aktívne používal kameru na vytváranie svojich pohľadov na Benátky a netajil sa tým. Tieto maľby nám vďaka svojej presnosti umožňujú hovoriť o Canalettovi ako o dokumentaristovi. Vďaka Canaletto môžete vidieť nielen krásny obraz, ale aj samotný príbeh. Môžete vidieť, ako vyzeral prvý Westminsterský most v Londýne v roku 1746.
Canaletto "Westminsterský most" 1746
Britský umelec Sir Joshua Reynolds vlastnil cameru obscuru a zrejme o nej nikomu nepovedal, pretože jeho fotoaparát sa skladá a vyzerá ako kniha. Dnes je v Londýnskom vedeckom múzeu.
Camera obscura prezlečená za knihu
Nakoniec, začiatkom 19. storočia William Henry Fox Talbot pomocou kamery lucida – tej, v ktorej sa musíte pozerať jedným okom a kresliť rukami, preklial a rozhodol sa, že s takouto nepríjemnosťou treba raz a navždy skoncovať. všetkých a stal sa jedným z vynálezcov chemickej fotografie a neskôr popularizátorom, ktorý z nej urobil masu.
S vynálezom fotografie zmizol maliarsky monopol na realizmus obrazu, teraz sa fotografia stala monopolom. A tu sa maľba konečne oslobodila od objektívu a pokračovala v ceste, z ktorej sa odklonila v roku 1400, a Van Gogh sa stal predchodcom všetkého umenia 20. storočia.
Vľavo: Byzantská mozaika z 12. storočia. Vpravo: Vincent Van Gogh, Portrét monsieur Trabuc, 1889.
Vynález fotografie je to najlepšie, čo sa maľbe stalo v celej jej histórii. Už nebolo potrebné vytvárať výlučne skutočné obrazy, umelec sa stal slobodným. Samozrejme, verejnosti trvalo storočie, kým dobehli umelcov v ich chápaní vizuálnej hudby a prestali si myslieť, že ľudia ako Van Gogh sú „blázni“. Zároveň umelci začali aktívne používať fotografie ako „referenčný materiál“. Potom sa objavili ľudia ako Wassily Kandinsky, ruská avantgarda, Mark Rothko, Jackson Pollock. Po maľbe sa oslobodila aj architektúra, sochárstvo a hudba. Pravda, ruská akademická škola maľby uviazla v čase a dnes sa na akadémiách a školách stále považuje za hanbu používať fotografiu ako pomôcku a za najvyšší výkon sa považuje čisto technická schopnosť maľovať čo najrealistickejšie. holými rukami.
Vďaka článku novinára Lawrencea Weschlera, ktorý bol pri výskume Davida Hockneyho a Falca, sa odhaľuje ďalšia zaujímavosť: portrét manželov Arnolfiniovcov od Van Eycka je portrétom talianskeho obchodníka v Bruggách. Pán Arnolfini je Florenťan a navyše je predstaviteľom banky Medici (prakticky majstri Florencie počas renesancie, v Taliansku považovaní za patrónov vtedajšieho umenia). čo to znamená? Skutočnosť, že tajomstvo cechu svätého Lukáša - zrkadlo - mohol ľahko vziať so sebou do Florencie, v ktorej, ako sa verí v tradičnej histórii, začala renesancia a umelci z Brugg (a podľa toho aj ďalší majstri ) sú považovaní za „primitivistov“.
Okolo Hockney-Falcovej teórie je veľa kontroverzií. Ale určite je v tom zrnko pravdy. Pokiaľ ide o umeleckých kritikov, kritikov a historikov, je ťažké si predstaviť, koľko vedeckých prác o histórii a umení sa skutočne ukázalo ako úplný nezmysel, ale to mení celú históriu umenia, všetky ich teórie a texty.
Fakty používania optiky nijako neuberajú na talente umelcov – veď technika je prostriedkom na sprostredkovanie toho, čo umelec chce. A naopak, to, že tieto obrazy obsahujú tú najskutočnejšiu realitu, im len pridáva na váhe – veď presne takto vyzerali ľudia, veci, priestory, mestá. Toto sú skutočné dokumenty.
Prví predzvesti renesančného umenia sa objavili v Taliansku v 14. storočí. Umelci tejto doby, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) a (predovšetkým) Giotto
(1267-1337) pri tvorbe malieb s tradičnou náboženskou tematikou začali využívať nové výtvarné techniky: zostavenie trojrozmernej kompozície, využitie krajiny v pozadí, čo im umožnilo urobiť obrazy realistickejšími a animovanými. Tým sa ich tvorba ostro odlišovala od predchádzajúcej ikonografickej tradície, oplývajúcej konvenciami v obraze.
Tento výraz sa používa na označenie ich kreativity protorenesancia (1300 - "Trecento")
.
Giotto di Bondone
(okolo 1267-1337) – taliansky umelec a architekt doby renesancie. Jedna z kľúčových postáv v dejinách západného umenia. Po prekonaní byzantskej tradície maľby ikon sa stal skutočným zakladateľom talianskej maliarskej školy a vyvinul úplne nový prístup k zobrazovaniu priestoru. Giottove diela boli inšpirované Leonardom da Vincim, Raphaelom, Michelangelom.
Raná renesancia (1400 – Quattrocento).
Začiatkom 15. stor Filippo Brunelleschi
(1377-1446), florentský vedec a architekt.
Brunelleschi chcel urobiť vnímanie kúpeľov a divadiel, ktoré zrekonštruoval, vizuálnejšie a pokúsil sa vytvoriť geometricky perspektívne obrazy zo svojich plánov pre špecifický uhol pohľadu. Pri tomto hľadaní to bolo objavené priama perspektíva.
To umožnilo umelcom získať dokonalé obrazy trojrozmerného priestoru na plochom maliarskom plátne.
_________Ďalším dôležitým krokom na ceste k renesancii bol vznik nenáboženského, svetského umenia. Portrét a krajina sa etablovali ako samostatné žánre. Dokonca aj náboženské predmety nadobudli iný výklad – renesanční umelci začali vnímať svoje postavy ako hrdinov s výraznými individuálnymi črtami a ľudskou motiváciou k činom.
Najznámejšími umelcami tohto obdobia sú Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).
Masaccio
(1401-1428) - slávny taliansky maliar, najväčší majster florentskej školy, reformátor maľby éry Quattrocento.
 |
| Freska. Zázrak so statirom. |
 |
| Maľovanie. Ukrižovanie. |
 |
| Freska. Príbeh kráľovnej zo Sáby. Kostol San Francesco v Arezzo |
Sandro Botticelli(1445-1510) - veľký taliansky maliar, predstaviteľ florentskej maliarskej školy.
 |
| jar. |
 |
| Narodenie Venuše. |
Vrcholná renesancia („Cinquecento“).
Najvyšší rozkvet renesančného umenia nastal pre prvú štvrtinu 16. storočia.
funguje Sansovino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafael Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarotti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), Tizian (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) tvoria zlatý fond európskeho umenia.
Leonardo di Ser Piero da Vinci (Florencia) (1452-1519) - taliansky umelec (maliar, sochár, architekt) a vedec (anatom, prírodovedec), vynálezca, spisovateľ.
 |
| Autoportrét |
 |
| Dáma s hranostajom. 1490. Múzeum Czartoryského, Krakov |
 |
| Mona Lisa (1503-1505/1506) |
 |
| Madonna Litta. 1490-1491. Ermitáž. |
 |
| Madonna Benois (Madona s kvetom). 1478-1480 |
 |
| Madonna s karafiátom. 1478 |
Leonardo da Vinci počas svojho života urobil tisíce poznámok a kresieb o anatómii, ale svoje práce nepublikoval. Pri pitve tiel ľudí a zvierat presne sprostredkoval stavbu kostry a vnútorných orgánov vrátane malých detailov. Podľa profesora klinickej anatómie Petra Abramsa da Vinciho vedecká práca predbehla dobu o 300 rokov a v mnohom prekonala slávnu Gray's Anatomy.
Zoznam vynálezov, skutočných aj jemu pripisovaných:
Padák, doZámok Olestsovo, vbicykel, tank, lľahké prenosné mosty pre armádu, sprojektor, doatapult, robaja, dVuhlensov ďalekohľad.
Tieto inovácie boli následne vyvinuté Rafael Santi (1483-1520) - skvelý maliar, grafik a architekt, predstaviteľ umbrijskej školy.
| Autoportrét. 1483 |
Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) – taliansky sochár, výtvarník, architekt, básnik, mysliteľ.
Obrazy a sochy Michelangela Buonarottiho sú plné hrdinského pátosu a zároveň tragického pocitu krízy humanizmu. Jeho obrazy ospevujú silu a silu človeka, krásu jeho tela a zároveň zdôrazňujú jeho osamelosť vo svete.
Michelangelov génius zanechal stopu nielen v umení renesancie, ale aj v celej nasledujúcej svetovej kultúre. Jeho aktivity sú spojené najmä s dvoma talianskymi mestami – Florenciou a Rímom.
Svoje najambicióznejšie plány však umelec dokázal realizovať práve v maľbe, kde pôsobil ako skutočný inovátor farieb a formy.
Na objednávku pápeža Júliusa II. namaľoval strop Sixtínskej kaplnky (1508-1512), ktorý predstavuje biblický príbeh od stvorenia sveta po potopu a obsahuje viac ako 300 postáv. V rokoch 1534-1541 v tej istej Sixtínskej kaplnke namaľoval veľkolepú dramatickú fresku „Posledný súd“ pre pápeža Pavla III.
Sixtínska kaplnka 3D.
Diela Giorgioneho a Tiziana sa vyznačujú záujmom o krajinu a poetizáciou deja. Obaja umelci dosiahli veľké majstrovstvo v umení portrétovania, pomocou ktorého sprostredkovali charakter a bohatý vnútorný svet svojich postáv.
Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) - taliansky umelec, predstaviteľ benátskej maliarskej školy.
 |
||||
| Spiaci Venuša. 1510 |
 |
| Judita. 1504 g |
Tizian maľoval obrazy na biblické a mytologické námety, preslávil sa aj ako portrétista. Prijímal rozkazy od kráľov a pápežov, kardinálov, vojvodcov a kniežat. Tizian nemal ani tridsať rokov, keď ho uznali za najlepšieho maliara Benátok.
 |
| Autoportrét. 1567 |
 |
| Urbinská Venuša. 1538 |
 |
| Portrét Tommasa Mostiho. 1520 |
Neskorá renesancia.
Po vyplienení Ríma cisárskymi vojskami v roku 1527 vstúpila talianska renesancia do obdobia krízy. Už v diele neskorého Raphaela sa črtala nová umelecká línia, tzv manierizmus.
Toto obdobie je charakterizované nafúknutými a prerušovanými líniami, predĺženými alebo dokonca deformovanými postavami, často nahými, napätými a neprirodzenými pózami, nezvyčajnými alebo bizarnými efektmi spojenými s veľkosťou, osvetlením alebo perspektívou, používaním žieravej chromatickej stupnice, preťaženou kompozíciou atď. najprv ovláda manierizmus Parmigianino
, Pontormo
, Bronzino-
žil a pracoval na dvore vojvodov z rodu Medici vo Florencii. Manieristická móda sa neskôr rozšírila po celom Taliansku aj mimo neho.
Girolamo Francesco Maria Mazzola
(Parmigianino
- „obyvateľ Parmy“) (1503-1540) taliansky umelec a rytec, predstaviteľ manierizmu.
 |
| Autoportrét. 1540 |
 |
| Portrét ženy. 1530. |
Pontormo (1494-1557) – taliansky maliar, predstaviteľ florentskej školy, jeden zo zakladateľov manierizmu.
V 90. rokoch 16. storočia umenie nahradilo manierizmus barokový (prechodné čísla - Tintoretto A El Greco ).
Jacopo Robusti, známejší ako Tintoretto (1518 alebo 1519-1594) - maliar benátskej školy neskorej renesancie.
 |
| Posledná večera. 1592-1594. Kostol San Giorgio Maggiore, Benátky. |
El Greco ("gréčtina" Domenikos Theotokopoulos ) (1541-1614) – španielsky umelec. Pôvodom - Grék, rodák z ostrova Kréta.
El Greco nemal súčasných nasledovníkov a jeho genialita bola znovuobjavená takmer 300 rokov po jeho smrti.
El Greco študoval v Tizianovom ateliéri, no jeho maliarska technika sa výrazne líši od techniky jeho učiteľa. El Grecove diela sa vyznačujú rýchlosťou a expresivitou prevedenia, čím sa približujú modernej maľbe.
 |
| Kristus na kríži. OK. 1577. Súkromná zbierka. |
 |
| Trojica. 1579 Prado. |
Prví predzvesti renesančného umenia sa objavili v Taliansku v 14. storočí. Umelci tejto doby, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) a (predovšetkým) Giotto
(1267-1337) pri tvorbe malieb s tradičnou náboženskou tematikou začali využívať nové výtvarné techniky: zostavenie trojrozmernej kompozície, využitie krajiny v pozadí, čo im umožnilo urobiť obrazy realistickejšími a animovanými. Tým sa ich tvorba ostro odlišovala od predchádzajúcej ikonografickej tradície, oplývajúcej konvenciami v obraze.
Tento výraz sa používa na označenie ich kreativity protorenesancia (1300 - "Trecento")
.
Giotto di Bondone
(okolo 1267-1337) – taliansky umelec a architekt doby renesancie. Jedna z kľúčových postáv v dejinách západného umenia. Po prekonaní byzantskej tradície maľby ikon sa stal skutočným zakladateľom talianskej maliarskej školy a vyvinul úplne nový prístup k zobrazovaniu priestoru. Giottove diela boli inšpirované Leonardom da Vincim, Raphaelom, Michelangelom.
Raná renesancia (1400 – Quattrocento).
Začiatkom 15. stor Filippo Brunelleschi
(1377-1446), florentský vedec a architekt.
Brunelleschi chcel urobiť vnímanie kúpeľov a divadiel, ktoré zrekonštruoval, vizuálnejšie a pokúsil sa vytvoriť geometricky perspektívne obrazy zo svojich plánov pre špecifický uhol pohľadu. Pri tomto hľadaní to bolo objavené priama perspektíva.
To umožnilo umelcom získať dokonalé obrazy trojrozmerného priestoru na plochom maliarskom plátne.
_________Ďalším dôležitým krokom na ceste k renesancii bol vznik nenáboženského, svetského umenia. Portrét a krajina sa etablovali ako samostatné žánre. Dokonca aj náboženské predmety nadobudli iný výklad – renesanční umelci začali vnímať svoje postavy ako hrdinov s výraznými individuálnymi črtami a ľudskou motiváciou k činom.
Najznámejšími umelcami tohto obdobia sú Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).
Masaccio
(1401-1428) - slávny taliansky maliar, najväčší majster florentskej školy, reformátor maľby éry Quattrocento.
|
| Freska. Zázrak so statirom. |
|
| Maľovanie. Ukrižovanie. |
|
| Freska. Príbeh kráľovnej zo Sáby. Kostol San Francesco v Arezzo |
Sandro Botticelli(1445-1510) - veľký taliansky maliar, predstaviteľ florentskej maliarskej školy.
|
| jar. |
|
| Narodenie Venuše. |
Vrcholná renesancia („Cinquecento“).
Najvyšší rozkvet renesančného umenia nastal pre prvú štvrtinu 16. storočia.
funguje Sansovino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafael Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarotti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), Tizian (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) tvoria zlatý fond európskeho umenia.
Leonardo di Ser Piero da Vinci (Florencia) (1452-1519) - taliansky umelec (maliar, sochár, architekt) a vedec (anatom, prírodovedec), vynálezca, spisovateľ.
|
| Autoportrét |
|
| Dáma s hranostajom. 1490. Múzeum Czartoryského, Krakov |
|
| Mona Lisa (1503-1505/1506) |
|
| Madonna Litta. 1490-1491. Ermitáž. |
|
| Madonna Benois (Madona s kvetom). 1478-1480 |
|
| Madonna s karafiátom. 1478 |
Leonardo da Vinci počas svojho života urobil tisíce poznámok a kresieb o anatómii, ale svoje práce nepublikoval. Pri pitve tiel ľudí a zvierat presne sprostredkoval stavbu kostry a vnútorných orgánov vrátane malých detailov. Podľa profesora klinickej anatómie Petra Abramsa da Vinciho vedecká práca predbehla dobu o 300 rokov a v mnohom prekonala slávnu Gray's Anatomy.
Zoznam vynálezov, skutočných aj jemu pripisovaných:
Padák, doZámok Olestsovo, vbicykel, tank, lľahké prenosné mosty pre armádu, sprojektor, doatapult, robaja, dVuhlensov ďalekohľad.
Tieto inovácie boli následne vyvinuté Rafael Santi (1483-1520) - skvelý maliar, grafik a architekt, predstaviteľ umbrijskej školy.
| Autoportrét. 1483 |
Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) – taliansky sochár, výtvarník, architekt, básnik, mysliteľ.
Obrazy a sochy Michelangela Buonarottiho sú plné hrdinského pátosu a zároveň tragického pocitu krízy humanizmu. Jeho obrazy ospevujú silu a silu človeka, krásu jeho tela a zároveň zdôrazňujú jeho osamelosť vo svete.
Michelangelov génius zanechal stopu nielen v umení renesancie, ale aj v celej nasledujúcej svetovej kultúre. Jeho aktivity sú spojené najmä s dvoma talianskymi mestami – Florenciou a Rímom.
Svoje najambicióznejšie plány však umelec dokázal realizovať práve v maľbe, kde pôsobil ako skutočný inovátor farieb a formy.
Na objednávku pápeža Júliusa II. namaľoval strop Sixtínskej kaplnky (1508-1512), ktorý predstavuje biblický príbeh od stvorenia sveta po potopu a obsahuje viac ako 300 postáv. V rokoch 1534-1541 v tej istej Sixtínskej kaplnke namaľoval veľkolepú dramatickú fresku „Posledný súd“ pre pápeža Pavla III.
Sixtínska kaplnka 3D.
Diela Giorgioneho a Tiziana sa vyznačujú záujmom o krajinu a poetizáciou deja. Obaja umelci dosiahli veľké majstrovstvo v umení portrétovania, pomocou ktorého sprostredkovali charakter a bohatý vnútorný svet svojich postáv.
Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) - taliansky umelec, predstaviteľ benátskej maliarskej školy.
|
||||
| Spiaci Venuša. 1510 |
|
| Judita. 1504 g |
Tizian maľoval obrazy na biblické a mytologické námety, preslávil sa aj ako portrétista. Prijímal rozkazy od kráľov a pápežov, kardinálov, vojvodcov a kniežat. Tizian nemal ani tridsať rokov, keď ho uznali za najlepšieho maliara Benátok.
|
| Autoportrét. 1567 |
|
| Urbinská Venuša. 1538 |
|
| Portrét Tommasa Mostiho. 1520 |
Neskorá renesancia.
Po vyplienení Ríma cisárskymi vojskami v roku 1527 vstúpila talianska renesancia do obdobia krízy. Už v diele neskorého Raphaela sa črtala nová umelecká línia, tzv manierizmus.
Toto obdobie je charakterizované nafúknutými a prerušovanými líniami, predĺženými alebo dokonca deformovanými postavami, často nahými, napätými a neprirodzenými pózami, nezvyčajnými alebo bizarnými efektmi spojenými s veľkosťou, osvetlením alebo perspektívou, používaním žieravej chromatickej stupnice, preťaženou kompozíciou atď. najprv ovláda manierizmus Parmigianino
, Pontormo
, Bronzino-
žil a pracoval na dvore vojvodov z rodu Medici vo Florencii. Manieristická móda sa neskôr rozšírila po celom Taliansku aj mimo neho.
Girolamo Francesco Maria Mazzola
(Parmigianino
- „obyvateľ Parmy“) (1503-1540) taliansky umelec a rytec, predstaviteľ manierizmu.
|
| Autoportrét. 1540 |
|
| Portrét ženy. 1530. |
Pontormo (1494-1557) – taliansky maliar, predstaviteľ florentskej školy, jeden zo zakladateľov manierizmu.
V 90. rokoch 16. storočia umenie nahradilo manierizmus barokový (prechodné čísla - Tintoretto A El Greco ).
Jacopo Robusti, známejší ako Tintoretto (1518 alebo 1519-1594) - maliar benátskej školy neskorej renesancie.
|
| Posledná večera. 1592-1594. Kostol San Giorgio Maggiore, Benátky. |
El Greco ("gréčtina" Domenikos Theotokopoulos ) (1541-1614) – španielsky umelec. Pôvodom - Grék, rodák z ostrova Kréta.
El Greco nemal súčasných nasledovníkov a jeho genialita bola znovuobjavená takmer 300 rokov po jeho smrti.
El Greco študoval v Tizianovom ateliéri, no jeho maliarska technika sa výrazne líši od techniky jeho učiteľa. El Grecove diela sa vyznačujú rýchlosťou a expresivitou prevedenia, čím sa približujú modernej maľbe.
|
| Kristus na kríži. OK. 1577. Súkromná zbierka. |
|
| Trojica. 1579 Prado. |
Mená renesančných umelcov sú už dlho obklopené všeobecným uznaním. Mnohé úsudky a hodnotenia o nich sa stali axiómami. A predsa je kritické zaobchádzať s nimi nielen právom, ale aj povinnosťou dejín umenia. Len tak si ich umenie zachová svoj skutočný význam pre potomkov.
Z renesančných majstrov polovice a druhej polovice 15. storočia sa treba zastaviť pri štyroch: Piero della Francesca, Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci. Boli súčasníkmi rozšíreného zriadenia panstva a zaoberali sa kniežacími dvormi, ale to neznamená, že ich umenie bolo úplne kniežacie. Brali pánom, čo im mohli dať, platili svojim talentom a horlivosťou, no zostali pokračovateľmi „otcov renesancie“, pamätali si ich príkazy, zvyšovali svoje úspechy, snažili sa ich prekonať a niekedy ich dokonca aj prekonali. Počas rokov postupnej reakcie v Taliansku vytvorili nádherné umenie.
Piero della Francesca
Piero della Francesca bol donedávna najmenej známy a uznávaný. Vplyv florentských majstrov zo začiatku 15. storočia na Piera della Francesca, ako aj jeho vzájomný vplyv na jeho súčasníkov a pokračovateľov, najmä na benátsku školu, bol právom zaznamenaný. Výnimočné, výnimočné postavenie Piera della Francesca v talianskom maliarstve však ešte nie je dostatočne realizované. Je pravdepodobné, že časom sa jeho uznanie len zvýši.
Piero della Francesca (asi 1420-1492) taliansky umelec a teoretik, predstaviteľ ranej renesancie
Piero della Francesca vlastnil všetky výdobytky „nového umenia“ vytvoreného Florenťanmi, ale nezostal vo Florencii, ale vrátil sa do svojej vlasti, do provincie. To ho zachránilo pred patricijskými chúťkami. Svojím talentom si získal slávu a aj pápežská kúria mu dávala úlohy. Dvorným umelcom sa však nestal. Vždy zostal verný sebe, svojmu povolaniu, svojej očarujúcej múze. Zo všetkých svojich súčasníkov je jediným umelcom, ktorý nepoznal nesúlad, dualitu ani nebezpečenstvo skĺznutia na nesprávnu cestu. Nikdy sa nesnažil konkurovať sochárstvu ani sa neuchyľoval k sochárskym či grafickým výrazovým prostriedkom. Všetko je povedané v jeho maliarskom jazyku.
Jeho najväčším a najkrajším dielom je cyklus fresiek na tému „História kríža“ v Arezze (1452-1466). Práce prebiehali podľa vôle miestneho obchodníka Bacciho. Možno sa na vývoji programu podieľal duchovný, vykonávateľ vôle zosnulého. Piero della Francesca sa spoliehal na takzvanú „Zlatú legendu“ J. da Voragine. Predchodcov mal aj medzi výtvarníkmi. Hlavná myšlienka však očividne patrila jemu. Umelcova múdrosť, zrelosť a poetická citlivosť v ňom zreteľne presvitajú.
Sotva jediný obrazový cyklus v Taliansku tej doby, „História kríža“, má dvojaký význam. Na jednej strane je tu prezentované všetko, čo sa v povesti rozpráva o tom, ako strom, z ktorého bol vyrobený kríž Kalvárie, vyrástol a ako sa neskôr prejavila jeho zázračná moc. Ale keďže jednotlivé obrazy nie sú v chronologickom poradí, tento doslovný význam akoby ustupoval do úzadia. Umelec usporiadal obrazy tak, aby poskytovali predstavu o rôznych formách ľudského života: o patriarchálnom - v scéne smrti Adama a pri prenesení kríža Herakliom, o svetskom, súdnom , urban - v scénach Kráľovnej zo Sáby a v Nájdení kríža a napokon o vojenskom, boji - vo "Víťazstve Konštantína" a vo "Víťazstve Herakleia". Piero della Francesca v podstate pokrýval takmer všetky aspekty života. Jeho cyklus zahŕňal: históriu, legendy, život, dielo, obrazy prírody a portréty súčasníkov. V meste Arezzo, v kostole San Francesco, politicky podriadenom Florencii, sa nachádzal najpozoruhodnejší freskový cyklus talianskej renesancie.
Umenie Piera della Francesca je viac skutočné ako ideálne. Vládne v ňom racionálny princíp, nie však racionalita, ktorá dokáže prehlušiť hlas srdca. A v tomto ohľade Piero della Francesca zosobňuje najjasnejšie a najplodnejšie sily renesancie.
Andrea Mantegna
Meno Mantegna je spojené s myšlienkou humanistického umelca, zamilovaného do rímskych starožitností, vyzbrojeného rozsiahlymi znalosťami starovekej archeológie. Celý svoj život slúžil vojvodom z Mantovy d'Este, bol ich dvorným maliarom, plnil ich pokyny, slúžil im verne (hoci nie vždy mu dali to, čo si zaslúžil, ale hlboko v duši a v umení ním bol). nezávislý, oddaný svojmu vysokému ideálu starodávnej udatnosti, fanaticky verný svojej túžbe dať svojim dielam klenotnícku precíznosť To si vyžadovalo enormné úsilie duchovnej sily líši sa od umenia Piera della Francesca a približuje sa k Donatellovi.
Andrea Mantegna. Autoportrét v kaplnke Ovetari
Rané fresky od Mantegnu v kostole Eremitani v Padove na tému života sv. Jakub a jeho mučeníctvo sú nádhernými príkladmi talianskej nástennej maľby. Mantegna vôbec neuvažoval o vytvorení niečoho podobného rímskemu umeniu (obraz, ktorý sa stal známym na Západe po vykopávkach Herculaneum). Jeho starovek nie je zlatým vekom ľudstva, ale železným vekom cisárov.
Oslavuje rímsku udatnosť, takmer lepšie ako to robili samotní Rimania. Jeho hrdinovia sú obrnení a sochári. Jeho skalnaté hory sú precízne vytesané sochárskym dlátom. Dokonca aj oblaky plávajúce po oblohe sa zdajú byť odliate z kovu. Medzi týmito fosíliami a odliatkami pôsobia bojovne zocelení hrdinovia, odvážni, prísni, vytrvalí, oddaní zmyslu pre povinnosť, spravodlivosť a pripravení na sebaobetovanie. Ľudia sa voľne pohybujú v priestore, no keď sa zoradia do radu, tvoria niečo ako kamenné reliéfy. Tento svet Mantegna neočarí oko, zamrazí pri srdci. Nedá sa však nepripustiť, že to bolo vytvorené umelcovým duchovným impulzom. A preto tu bola rozhodujúca humanistická erudícia umelca, nie rady jeho učených priateľov, ale jeho silná predstavivosť, jeho vášeň spútaná vôľou a sebavedomá zručnosť.
Pred nami je jeden z významných fenoménov v dejinách umenia: veľkí majstri sa silou svojej intuície postavia do radu svojich vzdialených predkov a dokážu to, čo sa nepodarilo neskorším umelcom, ktorí študovali minulosť, ale nedokázali sa im vyrovnať.
Sandro Botticelli
Botticelliho objavili anglickí prerafaeliti. Ani na začiatku 20. storočia mu však napriek všetkému obdivu k jeho talentu „neodpustili“ odchýlky od všeobecne uznávaných pravidiel – perspektíva, svetlo a tieň, anatómia. Následne sa rozhodlo, že Botticelli sa vrátil späť ku gotike. Vulgárna sociológia zhrnula svoje vysvetlenie: „feudálna reakcia“ vo Florencii. Ikonologické interpretácie potvrdili Botticelliho spojenie s okruhom florentských novoplatonikov, čo je zjavné najmä v jeho slávnych obrazoch „Jar“ a „Zrodenie Venuše“.
Autoportrét Sandra Botticelliho, fragment oltárnej kompozície „Klaňanie troch kráľov“ (okolo 1475)
Jeden z najuznávanejších interpretov „Jar“ Botticelli priznal, že tento obraz zostáva šarádou, labyrintom. V každom prípade možno považovať za preukázané, že autor pri jej tvorbe poznal báseň „Turnaj“ od Poliziana, v ktorej je oslavovaná Simonetta Vespucci, milenka Giuliana de' Medici, ale aj starovekí básnici, najmä úvodné riadky o kráľovstve Venuše v Lucretiovej básni „O povahe vecí“. Zrejme poznal aj diela M. Vicina, ktoré boli v tých rokoch vo Florencii populárne. Motívy požičané zo všetkých týchto diel sú jasne rozpoznateľné na obraze, ktorý v roku 1477 získal L. de' Medici, bratranec Lorenza Veľkolepého. Otázkou však zostáva: ako sa tieto plody erudície dostali do obrazu? Neexistujú o tom žiadne spoľahlivé informácie.
Pri čítaní moderných odborných komentárov k tomuto obrazu je ťažké uveriť, že samotný umelec sa mohol tak hlboko ponoriť do mytologického deja, aby prišiel so všetkými druhmi jemností vo výklade postáv, ktoré ani dnes nemožno na prvý pohľad pochopiť. , ale za starých čias sa zrejme rozumeli iba v hrnčeku Medici. Je pravdepodobnejšie, že ich navrhol umelcovi nejaký erudovaný a podarilo sa mu dosiahnuť, že umelec začal interlineárne prekladať verbálnu sekvenciu do vizuálnej. Najrozkošnejšie na Botticelliho maľbe sú jednotlivé postavy a skupiny, najmä skupina Troch grácií. Napriek tomu, že bola nekonečne veľakrát reprodukovaná, dodnes nestratila svoje čaro. Zakaždým, keď ju uvidíte, zažijete nový záchvat obdivu. Botticellimu sa skutočne podarilo dodať svojim výtvorom večnú mladosť. Jeden z odborných komentátorov obrazu naznačil, že tanec milostí vyjadruje myšlienku harmónie a nesúladu, o ktorej často hovorili florentskí novoplatonici.
Botticelli vlastní neprekonateľné ilustrácie pre Božskú komédiu. Každý, kto videl jeho listy, si ich pri čítaní Danteho vždy pamätá. On, ako nikto iný, prenikal duchom Danteho básne. Niektoré kresby k Dantemu majú charakter presného grafického indexu k básni. Ale najkrajšie sú tie, kde si umelec predstavuje a skladá v duchu Danteho. Toto sú najbežnejšie ilustrácie neba. Zdalo by sa, že pre renesančných umelcov, ktorí tak milovali voňavú zem a všetko ľudské, bolo maľovanie raja to najťažšie. Botticelli sa nevzdáva renesančnej perspektívy, priestorových dojmov v závislosti od uhla pohľadu diváka. Ale v raji sa povznáša k prenosu neperspektívnej podstaty samotných predmetov. Jeho postavy sú bez tiaže, tiene miznú. Svetlo nimi preniká, priestor existuje mimo zemských súradníc. Telesá zapadajú do kruhu ako symbol nebeskej sféry.
Leonardo da Vinci
Leonardo je jedným zo všeobecne uznávaných géniov renesancie. Mnohí ho považujú za prvého umelca tej doby, v každom prípade sa jeho meno vybaví ako prvé, keď sa povie pozoruhodných ľudí renesancie. A preto je také ťažké odkloniť sa od zaužívaných názorov a zvážiť jeho umelecké dedičstvo s nezaujatou mysľou.
Autoportrét, kde sa Leonardo zobrazil ako starého mudrca. Kresba je uložená v Kráľovskej knižnici v Turíne. 1512
Aj jeho súčasníci obdivovali univerzálnosť jeho osobnosti. Vasari však už vyjadril ľútosť nad tým, že Leonardo venoval viac pozornosti svojim vedeckým a technickým vynálezom ako umeleckej tvorivosti. Leonardova sláva dosiahla vrchol v 19. storočí. Jeho osobnosť sa stala akýmsi mýtom, bol vnímaný ako stelesnenie „faustovského princípu“ celej európskej kultúry.
Leonardo bol skvelý vedec, bystrý mysliteľ, spisovateľ, autor Traktátu a vynaliezavý inžinier. Jeho komplexnosť ho vyzdvihla nad úroveň väčšiny vtedajších umelcov a zároveň mu dala neľahkú úlohu – spojiť vedecký analytický prístup s umelcovou schopnosťou vidieť svet a priamo sa odovzdať cíteniu. Táto úloha následne zamestnávala mnohých umelcov a spisovateľov. Pre Leonarda to nadobudlo charakter neriešiteľného problému.
Zabudnime na chvíľu na všetko, čo nám našepkáva nádherný mýtus o umelcovi-vedcovi, a posuďme jeho maľbu tak, ako posudzujeme maľbu iných majstrov svojej doby. Čím sa jeho práca odlišuje od ich? Predovšetkým ostražitosť vízie a vysoké umenie prevedenia. Nesú odtlačok vynikajúceho remeselného spracovania a najjemnejšej chuti. Na obraze svojho učiteľa Verrocchia „Krst“ namaľoval mladý Leonardo jedného anjela tak vznešene a vznešene, že vedľa neho sa pekný anjel Verrocchio zdá rustikálny a jednoduchý. V priebehu rokov sa „estetická aristokracia“ v Leonardovom umení ešte viac zintenzívnila. To neznamená, že na dvoroch panovníkov sa jeho umenie stalo dvorným a dvorným. V každom prípade jeho Madony nemožno nikdy nazvať sedliackymi ženami.
Patril k rovnakej generácii ako Botticelli, ale hovoril o ňom nesúhlasne, ba posmešne a považoval ho za zaostalého. Sám Leonardo sa snažil pokračovať v hľadaní svojich predchodcov v umení. Neobmedzujúc sa na priestor a objem, kladie si za úlohu zvládnuť svetlovzdušné prostredie, ktoré obklopuje predmety. To znamenalo ďalší krok v umeleckom chápaní reálneho sveta a do istej miery otvorilo cestu kolorizmu Benátčanov.
Bolo by nesprávne tvrdiť, že jeho vášeň pre vedu zasahovala do Leonardovej umeleckej tvorivosti. Genialita tohto muža bola taká obrovská, jeho zručnosť taká vysoká, že ani pokus „postaviť sa po hrdlo svojej piesne“ nemohol zabiť jeho kreativitu. Jeho dar umelca neustále prekračoval všetky obmedzenia. Na jeho výtvoroch zaujme nezameniteľná vernosť oka, čistota vedomia, poslušnosť štetca a virtuózna technika. Uchvacujú nás svojim šarmom, ako posadnutosť. Kto videl La Giocondu, pamätá si, aké ťažké je odtrhnúť sa od nej. V jednej zo sál Louvru, kde sa ocitla po boku najlepších majstrovských diel talianskej školy, triumfuje a hrdo kraľuje všetkému, čo sa okolo nej visí.
Leonardove obrazy netvoria reťaz, ako mnohí iní renesanční umelci. V jeho raných dielach, ako je Benoitova Madona, je viac vrúcnosti a spontánnosti, ale aj v nich je cítiť experiment. "Adorácia" v Uffizi - a to je vynikajúca podmaľba, temperamentný, živý obraz ľudí, ktorí sa s úctou obracajú k elegantnej žene s dieťaťom na lone. V „Madona of the Rocks“ je anjel, kučeravý mladík, ktorý sa pozerá z obrazu, očarujúci, ale zvláštna myšlienka preniesť idylku do temnoty jaskyne je odpudzujúca. Slávna „Posledná večera“ sa vždy tešila zo svojej výstižnej charakteristiky postáv: jemného Jána, prísneho Petra a darebáka Judáša. To, že sú takéto živé a vzrušené postavy usporiadané tri za sebou, na jednej strane stola, však vyzerá ako neopodstatnená konvencia, násilie na živej prírode. Napriek tomu je to veľký Leonardo da Vinci, a keďže obraz namaľoval týmto spôsobom, znamená to, že to tak zamýšľal a toto tajomstvo zostane po stáročia.
Pozorovanie a ostražitosť, ku ktorým Leonardo vo svojom Pojednaní nazval umelcov, neobmedzujú jeho tvorivé schopnosti. Zámerne sa snažil rozprúdiť svoju fantáziu pohľadom na vekom popraskané steny, v ktorých si divák dokáže predstaviť akúkoľvek zápletku. V slávnej Windsorskej kresbe sangvinika „Búrka“ od Leonarda bolo prenesené to, čo bolo odhalené jeho pohľadu z nejakého vrcholu hory. Séria windsorských kresieb na tému potopa je dôkazom skutočne brilantného pochopenia umelca-mysliteľa. Umelec vytvára znaky, ktoré nemajú odpoveď, no vyvolávajú pocit úžasu zmiešaného s hrôzou. Kresby vytvoril veľký majster v akomsi prorockom delíriu. Všetko je v nich povedané temným jazykom Jánových vízií.
Leonardov vnútorný rozpor v jeho upadajúcom období je cítiť v dvoch jeho dielach: Louvre „Ján Krstiteľ“ a turínsky autoportrét. Na neskoroturínskom autoportréte sa starobný umelec pozerá na seba do zrkadla s otvoreným pohľadom spoza zamračeného obočia – v jeho tvári vidí črty schátralosti, ale vidí aj múdrosť, znamenie „jesene života“.