Portal pendidikan. Mengerjakan ritme pada tahap awal pembelajaran
Kriventsova Tatyana Vitalievna
Sarana dasar ekspresi musik, bersama dengan struktur nada melodi, hubungan modal, warna timbre, nuansa dinamis adalah IRAMA . Ketika seorang anak bertanya apa itu ritme, saya jelaskan: dalam musik itu adalah pergantian durasi yang berbeda. suara musik, dipesan tepat waktu. Saat mendengarkan, kita secara aktif bereaksi terhadap musik dengan gerakan tubuh kita tanpa kita sadari. Gerakan-gerakan itu muncul seolah-olah secara naluriah (mengetuk dengan kaki, tangan, jari, menggelengkan kepala, seluruh tubuh, dll). Kemampuan yang mendasari pengalaman aktif (motorik) musik disebut pengertian ritme musik.
Psikolog B. M. Teplov, yang memperhatikan sifat motorik dari rasa ritme, menunjukkan bahwa ritme dalam musik adalah pembawa konten emosional tertentu. Oleh karena itu, indera ritme tidak hanya bersifat motorik, tetapi juga emosional. Hal ini dicirikan oleh B. M. Teplov sebagai “kemampuan untuk secara aktif mengalami (merenungkan gerakan) musik dan, sebagai hasilnya, merasakan secara halus ekspresi emosional perjalanan waktu sebuah karya musik" (B.M. Teplov. Masalah perbedaan individu. M., 1961, hal. 214).
Tanpa rasa ritme, tidak ada yang mungkin aktivitas musik: baik itu menyanyi, memainkan alat musik, menari, mengamati atau mengarang musik. Artinya suatu kondisi yang diperlukan Perkembangan rasa ritme pada anak adalah partisipasi aktifnya dalam setiap kegiatan musik. Baik dalam aktivitas mendengarkan maupun melakukan siswa harus ada momen ketika isolasi dan kesadaran akan hubungan ritmis merupakan tugas khusus. Pada pelajaran pertama, tidak ada pengetahuan teoretis yang boleh mendahului perasaan langsung terhadap ritme musik. Tahap pertama dalam proses mengembangkan rasa ritme (hanya ada dua) - mendengarkan ritme musik dan langsung mereproduksinya dalam gerakan (berlari, berjalan, bertepuk tangan, mengetuk, dll). Tahap kedua transisi dari sensasi otot langsung terhadap ritme ke kesadaran dan akumulasi pengetahuan teoretis, terkait erat dengan keterampilan praktis. Gerakan musik merupakan alat bantu, karena dengan mengandalkan keterampilan motorik, anak mempersepsi dan memahami lebih dalam masing-masing pihak sebuah karya musik, sampai batas tertentu menyampaikan sifat umumnya: pada pawai yang ceria ia bergerak dengan langkah yang jelas dan energik, pada polka yang ceria ia bergerak dengan lari yang mudah, dengan musik yang liris dan merdu, gerakannya menjadi lembut dan halus . V.Surgautaite, dosen Departemen Musik Institut Pedagogis Siauliai dalam artikelnya “Pada tahap awal perkembangan rasa ritme” menulis bahwa “gerakan memaksa anak-anak untuk mempersepsikan musik lebih intens dan lebih lengkap. bekerja, karena pada saat yang sama mereka tidak hanya mendengarkan musik, tetapi juga mengkoordinasikan gerakan mereka dengan karakternya.” ( Pendidikan musik di sekolah. Edisi 6. ed. "Musik", Moskow. 1970, hal.19). Dengan menyelesaikan tugas yang saya usulkan, siswa belajar membedakan dengan telinga dan mereproduksi secara akurat elemen individu ritme: ketukan genap, denyut ketukan yang kuat dalam tanda birama dua perempat dan tiga perempat, tempo, durasi (nada seperempat, nada kedelapan, nada setengah), pola ritme sederhana, frasa.
Pemilihan materi musik yang tepat akan membantu Anda berhasil mengembangkan keterampilan ini. Unsur-unsur ekspresi ritmis yang harus dikuasai siswa dalam gerakan harus diungkapkan secara cukup jelas dalam sebuah karya musik. Untuk “berjalan mengikuti musik”, pertama-tama anak akan mendengarkan dengan cermat MARET TENTARA KAYU dari “ Album anak-anak» hal.i. Tchaikovsky, bertepuk tangan untuk menunjukkan kecepatan gerakan, akan menentukan karakter musiknya. Saat mendengarkan lagi, dia akan berjalan di tempat dengan langkah yang jelas dan energik. Saya memberikan perhatian khusus untuk memastikan bahwa siswa memulai dan mengakhiri gerakan bersamaan dengan musik. Latihan ini benar-benar berguna untuk semua anak dengan kemampuan musik apa pun, terlebih lagi bagi mereka yang secara alami (seperti yang mereka katakan sekarang) hiperaktif: tidak sabar, perhatian teralihkan, tidak dapat berkonsentrasi pada apapun selama lebih dari lima sampai tujuh menit, mengalami masalah dalam koordinasi (dalam hal ini perlu lebih sering mengubah jenis kegiatan selama pembelajaran). Keterampilan yang diperoleh sebagai hasil dari latihan “berjalan mengikuti musik” sangatlah penting, karena ini adalah dasar untuk pembentukan semua keterampilan berikutnya.
Ketika menjadi pelajar atau mahasiswa (dengan kata lain anak-anak) telah belajar berbaris dengan cukup baik, saya sarankan mereka mendengarkan POLKA P.I. Tchaikovsky (ini dapat dilakukan dalam pelajaran yang sama) dan membandingkan kedua karya tersebut, dengan memperhatikan perbedaan gerakannya: berjalan kaki dalam pawai akan lebih mudah, sementara bergerak ringan ke polka adalah hal yang baik. Berdasarkan sensasi ini, gagasan tentang durasi musik dan ritme seperempat dan seperdelapan terbentuk. Mencoba untuk lebih akurat membentuk ide-ide ini pada anak-anak (sekitar seperempat dan delapan), saya menyarankan untuk mengubah gerakan (berlari dan berjalan) menjadi bertepuk tangan ketika mendengarkan lagu anak-anak sederhana dalam waktu dua ketukan: misalnya, “Pohon Natal Kecil itu Dingin di Musim Dingin” oleh M. Krasev, “Bayangan Bayangan” oleh V. Kalinnikov, dll. Pertama kali kami mendengarkan dan bertepuk tangan dengan ketukan yang sama, kemudian kami bernyanyi dengan tepukan yang sama dan dengan cermat memperhatikan bahwa ada suara yang bertahan lebih lama (1 per tepukan) dan ada yang lebih pendek (kami berhasil menyanyikan 2 suara per tepukan). Kami mencoba bernyanyi lagi, tapi kami akan bertepuk tangan sesuai pengucapannya. Sangat penting untuk mencapai nyanyian bebas kesalahan disertai dengan tepuk tangan sepanjang teks. Setelah ini, saya mengusulkan untuk menuliskan pola ritme untuk pengucapan Anda sendiri (buku catatan kotak-kotak adalah yang terbaik untuk ini, karena kami akan mewakili bunyi panjang (seperempat) dengan tongkat panjang, dan bunyi pendek (perdelapan) dengan tongkat setengah panjangnya dan sambungkan mereka berpasangan di atas). Di bawah ini adalah pola ritme lagu V. Kalinnikov "Shadow Shadow", akhiran frasa ditandai dengan koma. Contoh selanjutnya adalah dikte ritmis dari permainan anak-anak terkenal Cossack." Ngomong-ngomong, anak-anak suka menulis dikte berirama.
Sebagai penutup, saya sarankan bertepuk tangan sesuai rekaman dengan pengucapan suku kata atau nyanyian: nada seperempat “TA”, nada kedelapan “TI - TI”. Inti dari teknik metodologis ini adalah bahwa setiap unit ritme menerima nama suku kata sendiri-sendiri. Penunjukan suku kata berkontribusi pada pengembangan sisi analitis pendengaran ritmis hanya jika dikaitkan dengan sensasi motorik dan representasi ritmis. Berdasarkan pengalaman praktis mereka sendiri, anak-anak menjadi lebih sadar akan unsur-unsur individual ritme musik. Mari kita kembali ke gerakannya: Saya memainkan "POLKA" DAN "MARCH" secara bergantian, memastikan siswa beralih dari berlari ke berjalan dan sebaliknya, seakurat mungkin. Untuk memperkuat skill ini (perubahan langkah dan lari), kamu bisa menggunakan yang baru materi musik. Mari kita memperumit tugas: ketika bergerak mengikuti musik, anak harus mereproduksi dua atau tiga elemen ritme sekaligus: misalnya, bergerak ke pawai atau polka dengan ketukan yang merata, tandai yang kuat dengan tepukan; atau, sambil berjalan, ketukan yang kuat, tepuk tangan yang genap dan pada saat yang sama menyanyikan sebuah melodi. Latihan-latihan ini mengembangkan pada anak-anak suatu kualitas yang sangat penting untuk studi musik - kemampuan untuk mendistribusikan perhatian dengan benar. Sekali lagi kita catat dalam ingatan anak bahwa bunyi yang berhubungan dengan satu langkah disebut suku kata “TA” (nada seperempat), dan bunyi yang “berlari” disebut “TI - TI” (nada kedelapan).
Latihan yang sangat bermanfaat adalah iringan lagu yang berirama (dalam dua ketukan) yang sangat dikenal anak-anak. Yang paling sederhana adalah dengan mengiringi tepukan menjadi ketukan yang genap, tugas selanjutnya adalah bertepuk tangan hanya pada ketukan yang kuat atau lemah, kemudian dalam motif dua birama - kita membagi ketukan kuat pertama (not seperempat) menjadi dua perdelapan, dan membiarkan sisanya sebagai seperempat genap; opsi berikut: kami tidak membagi ketukan kuat pertama, tetapi ketukan kuat kedua, membiarkan sisanya menjadi empat bagian, dll. Saat mengiringi lagu secara ritmis dalam waktu tiga ketukan, urutan kerjanya sama: tepuk ketukan genap; hanya yang kuat; hanya lemah keduanya; tepuk yang kuat dan yang ketiga lemah, lewati yang lemah kedua; Pilihan lainnya adalah membagi ketukan kedua menjadi dua perdelapan, bertepuk tangan pada ketukan pertama dan ketiga menjadi empat bagian, dan seterusnya. Jika anak telah menguasai nada seperempat dan kedelapan dengan baik, Anda dapat melanjutkan ke durasi setengah; ini menggabungkan dua ketukan - kuat dan lemah, yang disebut "TA A". Penggunaan notasi suku kata memberikan kontribusi yang besar terhadap pengembangan keterampilan pendengaran-ritmik siswa, setelah beberapa pelajaran seperti itu, mereka secara akurat membedakan suku cadang, perdelapan, dan bagian dalam kombinasi yang berbeda, dan secara sadar mereproduksinya menggunakan nama suku kata.
Pelatihan ritme pendengaran bagi musisi cilik pemula merupakan dasar yang diperlukan, yang atas dasar itu, di masa depan, mereka membentuk konsep tentang durasi nada, meteran, ketukan, dan elemen ritme lainnya. Teknik metodologis ini mirip dengan notasi musik; pada kenyataannya, yang tersisa hanyalah mengganti satuan ritme dengan nada yang sesuai, dan siswa memahami bunyi tersebut panjang yang berbeda Anda tidak hanya dapat bertepuk tangan, mengetuk, atau menyanyikan suku kata, tetapi juga menuliskannya dengan catatan.
Sifat aktivitasnya sendiri yang sangat menentukan keberhasilan perkembangan ritme musik seorang anak, oleh karena itu perlu senantiasa merangsang minatnya terhadap aktivitas musik baik di kelas maupun di rumah, untuk mengembangkannya. aktivitas kreatif, menumbuhkan kemandirian. Hanya minat yang terus-menerus pada musik, keinginan terus-menerus mempelajari dan menguasai sesuatu yang baru, akan menimbulkan kebutuhan akan pekerjaan rumah yang sistematis dan kerja aktif selama pembelajaran, yang akan menjadi kunci dan hasil keberhasilan pendidikan musik dan pertunjukan pada umumnya.
Irina Aleksandrovna Efremova
MBOU DOD "Sekolah Seni Anak dinamai. ", Megion
Bekerja pada tempo dan ritme meteran
Syarat penting yang memberikan kepercayaan diri terhadap pertunjukan suatu karya musik adalah ketepatan dan perkembangan ritme. Irama yang tidak akurat, akselerasi yang tidak dapat dibenarkan, jeda yang terlalu sedikit, nada yang panjang - semua kekurangan selama pertunjukan ini memiliki kekhasan yang menyebabkan kegembiraan, ketenangan, dan ketenangan menghilang di bawah pengaruh ketidakteraturan ini. Pekerjaan ini berupa rekomendasi metodologis, membantu mengembangkan kemampuan tempo-ritmik siswa, menguasai kesulitan-kesulitan tertentu dan mengimplementasikannya dalam mengerjakan karya. dari kompleksitas yang berbeda-beda. Rekomendasi untuk menumbuhkan rasa ritme, rasa ekspresif, kecenderungan intonasi ritme dan, pada saat yang sama, akurasi dalam membaca notasi metroritmik menjadi dasar karya ini, yang didasarkan pada teknik pertunjukan tradisional, literatur metodologi populer, dan pengalaman penulis sendiri. Rekomendasi ini dapat mencakup seluruh proses pelatihan musik dan pianistik untuk siswa junior, menengah, dan senior Kelas Sekolah Musik Anak dan DSHI. Kesatuan tempo. Cakupan pengerjaan tempo dan ritme meteran sangatlah luas. Sarana utama untuk menjaga kesatuan kecepatan adalah agar siswa pada tahap awal pembelajaran mempunyai perasaan yang jelas satuan penghitungan . Apa yang bisa membantu kepada seorang musisi muda masuk ke tempo yang diperlukan? Dalam karya-karya dengan permulaan metroritmik yang diungkapkan dengan jelas: akan berguna untuk memperkuat perasaan ini dari waktu ke waktu dengan menghitung dengan suara keras dan tanpa suara atau dengan “melakukan”. “Siswa menyadari hakikat gerak musik hanya sejak ia dapat mendengar hentakan denyut ritmis suatu karya dan mampu merasakan sensasi tersebut, ia percaya bahwa merasakan denyut dalam musik adalah hal yang utama.” Dan dia menyarankan untuk memimpin karya kreatif dari pengertian satuan dasar gerak. Siswa yang lebih aktif harus diberikan konsep denyut ritmis, yang kesadarannya penting untuk menampilkan banyak komposisi. Satuan pulsa adalah durasi yang menjadi dasar struktur pekerjaan ini. Perasaan denyut ritmis, bersama dengan unit penghitungan, sangat penting dalam beberapa formasi yang menimbulkan kesulitan ritmis. Kesalahan yang ditemui selama pertunjukan biasanya dijelaskan oleh fakta bahwa siswa salah paham ekspresi jeda . Anda tidak dapat memperpendek durasi not atau istirahat. Salah satu cara untuk mengisinya secara emosional adalah menjenuhkannya dengan denyut berirama , membantu siswa merasakan hubungan organik antara jeda dengan perkembangan pemikiran musik sebelumnya dan selanjutnya. Siswa dapat menemukan sendiri percepatan dan perlambatan yang tidak disengaja dengan bantuan metronom, dengan mendengarkan perbedaan antara denyut metronom dan bunyi lagu yang sedang dipelajari. Ini sangat penting di sini pengendalian diri , bila bukan guru atau metronom yang akan menunjukkan perubahan tempo, melainkan otak siswa itu sendiri, indra ritme siswa itu sendiri. Jika Anda tidak yakin, kembali ke metronom. Pekerjaan harus benar-benar seimbang dan tercapai kesatuan tempo . Hal ini sangat sulit dicapai dalam karya besar: sonata dan sonata, drama bervolume besar. Sangat penting untuk secara teratur membandingkan tempo dalam formasi tertentu dengan tempo awal, memainkannya segera setelah frasa pertama dari lagu tersebut. Pada tahap akhir pekerjaan yang dibutuhkan pada bagian itu menyelesaikan tempo lagu tersebut . Meskipun temponya ditunjukkan dalam teks, tentu saja tidak bisa sama untuk semua pemain; Namun, gambaran umum tentang tempo komposisi ini kurang lebih masih stabil. Penentuan tempo difasilitasi oleh petunjuk penulis, pemahaman tentang sifat karya, gaya, teknis dan kemungkinan musik murid. Di setiap kasus khusus Bersama siswa, Anda harus menemukan tempo yang memungkinkan dia merasa nyaman saat membawakan lagu tersebut. Pemutaran yang lambat, mengamati semua detail rencana pertunjukan, memungkinkan dia mewujudkan niatnya dengan sangat jelas dan membuatnya sangat jelas baginya. Perlu ditekankan bahwa pemutaran seperti itu membutuhkan perhatian maksimal. Namun, pekerjaan dalam gerakan lambat dapat menyebabkan hilangnya kesadaran akan kecepatan yang diinginkan. Setelah menemukan dan merasakannya, siswa harus mengamankannya agar selalu dapat kembali lagi. Unsur “kerugian” sering ditemukan pada kelas SD dan SMP, seringkali harus dikerjakan secara khusus, namun tidak terkecuali pada siswa SMA. menulis itu konsep "pianis" termasuk konsep "konduktor" ». Konduktor ini, bagaimanapun, tersembunyi, namun bagaimanapun, dia adalah mesin dari segalanya. Neuhaus sangat menganjurkan agar siswa, ketika mempelajari suatu karya dan menguasai aspek terpentingnya, struktur ritme, yaitu pengorganisasian proses waktu, membuat catatan dan memimpin karya tersebut dari awal hingga akhir. “Konduktor” ini menginspirasi pianis dengan kemauannya, temponya dan, tentu saja, semua detail pertunjukannya. Teknik ini membantu “mengatur waktu”, juga merupakan cara terbaik untuk “membagi kerja”, memfasilitasi proses penguasaan suatu pekerjaan. Pada awalnya, ketika siswa bermain dengan tempo yang lebih lambat, durasi yang lebih kecil dapat dipertimbangkan. Saat Anda mempelajari karya tersebut, Anda perlu beralih ke unit penghitungan yang dimaksudkan oleh penulis. Misalnya dalam sonata klasik W. Mozart Dengan tahan berukuran 1 jam DENGAN Satuan penghitungan berubah dari not seperempat menjadi penghitungan dengan takaran. Jika komposisinya sudah cukup dipelajari, maka dengan cara ini biasanya dimungkinkan untuk mencapai percepatan tempo yang alami dan integritas pertunjukan yang lebih besar. Unit pulsa - sel komposisi utama dalam struktur ritme komposisi tidak boleh bingung dengan sel penghitungan - satuan pelaksana (konduktor). Mereka mungkin bertepatan, tetapi mungkin juga berbeda. Jadi satu denyut dalam 1 jam sonata karya W. Mozart Dengan tahan akan kedelapan , dan satuan penghitungan kebijaksanaan. Dalam sonata oleh W. Mozart C tahan lama, yang ingin kami mainkan dengan cepat, mudah, main-main, kami harus memilih tempo di nada keenam belas di akhir permainan terakhir. Hanya saja latihannya tidak berhasil, meskipun saya dan murid saya melakukan pekerjaan dengan baik di sini secara teknis dan menghasilkan latihan. Saya harus mengambil tempo sedikit lebih terkendali, tetapi sedemikian rupa sehingga ringan, ceria, dan makna ekspresif dari karya tersebut tidak hilang. Pada masa pra konser, siswa sudah mampu bermain tepat pada tempo yang diinginkan. Sebelum lagu dimulai, dia secara mental memainkan nada keenam belas, mendengar denyutnya, dan baru kemudian mulai memainkan sonata.
Kebebasan gerakan musik dan ritme. Irama sebuah musik sering kali, dan bukan tanpa alasan, disamakan dengan denyut nadi organisme hidup. Bukan dengan ayunan pendulum, bukan dengan detak jam atau ketukan metronom (semua ini meteran, bukan ritme), tetapi dengan fenomena seperti denyut nadi, pernafasan, goyangan bulir jagung di ladang. Dalam musik, ritme dan meteran hampir semuanya menjadi identik dalam gerakan berbaris, sama seperti langkah seorang prajurit yang sangat mirip dengan ketukan mekanis dan presisi dalam jangka waktu yang sama. Denyut nadi orang sehat berdetak secara merata, tetapi bertambah cepat atau lambat karena pengalaman. Hal yang sama terjadi dalam musik. Sama seperti setiap organisme sehat yang dicirikan oleh keteraturan ritme, maka ketika memainkan sebuah musik, ritme secara umum harus lebih dekat ke meteran daripada ke aritmia, lebih seperti denyut nadi yang sehat daripada rekaman seismograf saat gempa bumi. mengatakan: “Sungguh menyakitkan untuk mendengarkan pertunjukan yang tidak berirama, tetapi menjadi sangat tidak tertahankan jika dimainkan secara metronomik!” Pertama, teks harus ditempatkan pada “jalur berirama” yang tepat, dan kemudian dilanjutkan dengan ritme yang bebas dan hidup. Jika tidak, kekacauan dan anarki tidak bisa dihindari. Sebelum Anda menyimpang dari skema, Anda perlu memahaminya. Adapun pemain pemula - seorang anak, Anda tidak boleh berbicara dengannya tentang ritme "bebas" sama sekali: Anda perlu memastikan bahwa dia sendiri yang merasakannya dengan tenang, tunduk pada perasaan ini. Pada awal mempelajari suatu karya, tentu saja perlu bekerja secara ketat secara metrik, dalam cengkeraman “kisi metrik”. Dalam proses kerja hal ini dimungkinkan dan bahkan diterima. Masalah ritme tidak bisa diselesaikan dengan segera. Ada terlalu banyak gangguan pada bagian yang belum dipelajari. Penundaan yang disebabkan oleh ketidaktahuan terhadap teks bisa menjadi kebiasaan. Baru setelah menguasai materi Anda bisa mulai bermain-main dengan suasana hati Anda. Ketika teks telah dipelajari dengan baik, Anda perlu mencari ekspresi ritme, seolah-olah berdasarkan ritme yang netral. Ini adalah nasihat yang sangat menarik, seperti sebagian besar nasihat kerja Neuhaus. Dengan mematikan intonasi ritmis dengan upaya sadar, kita sebenarnya “mematikan” sisi emosional persepsi untuk sementara. Bagaimanapun, Anda dapat membuat keputusan yang tepat hanya jika Anda mengetahui teks dramanya dengan baik. Dengan demikian, kesatuan tempo tidak bertentangan dengan penyimpangan-penyimpangan kecil akibat tugas seni tertentu (yang disebut agogik ). Jika tidak, performanya akan menjadi tidak ekspresif dan otomatis. Pelambatan dan percepatan kecil dalam frasa diperlukan untuk mengidentifikasi dengan jelas intonasi melodi yang paling signifikan.
Agogi (dari kamus ensiklopedis musik): penyimpangan durasi sebenarnya bunyi dan jeda dari rasio yang ditunjukkan dalam nada, digunakan untuk tujuan ekspresif pertunjukan musik. Biasanya, mereka tidak direkam dalam notasi musik. Penyimpangan-penyimpangan tersebut tidak mengubah makna nada-nada pembentuk pola ritme tersebut, meskipun besarannya bisa sangat besar, terutama pada musik romantisme.
Semua orang akrab dengan penyimpangan tempo: fermato, ritenuto, accelerando. Fermato membutuhkan perhatian pada dirinya sendiri dan selalu dikaitkan dengan ritenuto. Cara termudah untuk menentukan durasi fermata setelah ritenuto adalah dengan terus memperlambat secara mental suara yang ditahan di bawah fermata. Fermata dengan demikian merupakan kesimpulan logis dari ritenuto yang mengarah ke sana. Selain yang tertera di catatan keledaiaku. hampir tidak terlihat percepatan tempo sering kali cocok untuk formasi tengah yang memiliki karakter relatif kurang stabil. Saat menyelesaikan bentuk, perlu sekali lagi memperjelas perkembangan gambar utama, yang karakternya secara bertahap berubah. Dalam hal ini, penting untuk memikirkan kecepatan eksekusi.
Salah satu contoh accelerando adalah coda dari Impromptu Es-dur karya Schubert. Gambar musik berkembang sangat intens. Ini menggabungkan intensitas emosional yang besar dan dinamis, fortissimo yang konstan, aksen dan motif yang berulang tidak memungkinkan ketegangan keluar. Akselerando yang diungkapkan dengan kuat membantu menemukan jalan keluar dan membangun gambaran yang diungkapkan dengan jelas.
Bekerja dengan seorang siswa dalam drama “Melody” karya A. Rubinstein, kami menganggapnya sebagai pekerjaan vokal. Lagi pula, tidak mungkin membayangkan penyanyi itu akan menampilkan cantilena secara ketat secara metrik. Dalam setiap frase terdapat gerakan karena ekspresifnya bahasa musik. Akan menyenangkan untuk mendengar perkembangan frasa dengan puncaknya dan napas penyanyi di akhir frasa, sebelum dimulainya frasa berikutnya; Di sini perlu didengarkan aspirasi gerakan metroritmik, sehingga siswa menjadi terbiasa dengan kemampuan tampil bukan “dengan bar”, tetapi “dengan frase”, yaitu berdasarkan pembagian bentuk yang bermakna secara musikal. Di sinilah pelaksanaan, dibandingkan pengaturan waktu, lebih tepat. Sangat sering saya membiarkan anak saya mendengarkan rekaman dimana "Virtuoso Moskow" melakukan "Melodi"sangat fleksibel, ekspresif, dengan lebih banyak gerakan di bagian tengah dibandingkan di bagian ekstrem. Namun lebih baik siswa berpikir sendiri. Saya membayangkan penyanyi itu tidak bisa membawakan ketiga bait secara monoton, saya merasa tidak perlu mempercepat, melainkan sedikit menambahkan gerakan di bagian tengah setelah menarik napas dalam-dalam dan mendengarkan jeda di akhir bagian pertama, dan untuk reprise perlu mengembalikan gerakan sebelumnya dengan bantuan ritenuto, fermata, jeda dan pernafasan yang baik (caesura). Kebebasan ritme juga diperlukan untuk lakon dengan karakter tari yang diungkapkan dengan jelas. Saat menampilkannya, penting untuk merasakan karakteristik periodisitas metroritmik dari tarian tertentu, yaitu urutan pergantian ketukan yang kuat, dan terkadang sinkopasi. Produksi suara-suara ini dikaitkan dengan perubahan ritme. Genrikh Gustavovich berbicara tentang perlunya penyimpangan kecil dari ritme dalam hal yang paling berirama. Misalnya tentang kebebasan dalam ritme tari: “irama dan meteran adalah hal yang berbeda. Sekalipun ini adalah irama tarian, namun masih terdapat hambatan antimetrik kecil di dalamnya, bergerak sedikit saja, sedikit saja..." dan penyimpangan dari kemerataan ini menambah pesona tarian tersebut. Dalam beberapa kasus, misalnya dalam waltz cepat, gerakan tersebut harus minimal dan biasanya tidak memerlukan perhatian khusus dari siswa. Namun, “penundaan” ritme seringkali cukup signifikan. Mereka dikaitkan dengan lompatan dan jongkok berikutnya atau tarian khas lainnya PA. Misalnya: dalam “Italian Polka” karya S. Rachmaninov, setelah nada keenam belas yang ringan, berlari, terbang, Anda hanya ingin memainkan tarikan yang lebih cerah dan cemerlang pada nada kedelapan beraksen di bar 33 dan 41. Namun not keenam belas pada birama terakhir harus dimainkan dengan jelas, merata, tanpa menyimpang dari meterannya. Pada tempo Allegro, dengan iringan lompat-lompat dengan bass yang jauh tertinggal, hal ini tidak mudah dilakukan. Kami harus bekerja keras secara teknis. Dan bahkan mempelajari keseluruhan bagian dengan kedua tangan mata tertutup, mencapai pukulan akurat. Tapi akhiran ini memberikan kecerahan dan kilau pada polka. Pada awal keberadaannya, pedagogi instrumental menentukan cara bermain musik yang berirama bebas, santai, dan penuh perasaan kepada para pemain. Hubungan antara suara dan ritme menjadi sangat jelas dalam beberapa kasus " rubato " . Seni bermain rubato mencapai puncaknya di era romantisme. Perwakilan terbaik dari arah ini, seniman dan guru, memupuk “kisah” pertunjukan yang bersifat plastis, bersifat improvisasi, dan diselimuti oleh nafas berirama yang gemetar. F. Liszt, salah satu ahli piano rubato yang tak tertandingi, menggambarkannya sebagai “tempo yang mengelak dan terputus-putus, meteran yang fleksibel, jernih dan gemetar, berfluktuasi seperti nyala api, seperti puncak pohon yang bergoyang sisi yang berbeda hembusan angin angin kencang". Rubato harus menyebutkan instalasi fundamental utama kealamian gerakan berirama, keaslian gaya , yang seharusnya “konsonan” individualitas kreatif penulis karya, warna estetika zaman, ciri-ciri genre. Rubare berarti "mencuri" dalam bahasa Italia - jika Anda mencuri waktu dan tidak segera mengembalikannya, Anda akan menjadi pencuri; jika Anda mempercepat langkah pada awalnya, kemudian memperlambatnya; tinggal seorang pria yang jujur- mengembalikan keseimbangan dan harmoni. Inilah yang diajarkan G. Nighaus. Musik tanpa inti ritme hanya dapat dianggap sebagai kebisingan musik, di mana ucapan musik terdistorsi hingga tidak dapat dikenali lagi. Rangkaian “momen” yang tidak terkoordinasi ini menyerupai gerakan kejang, bencana alam, dan bukan gelombang megah laut yang tenang dan terombang-ambing oleh angin. Perlambatan dan akselerasi yang konstan, rubato dalam tanda kutip, memberikan kesan monoton dan kebosanan yang lebih besar daripada performa yang terlalu metrik. Dalam rubato terampil, pedagogi musik mengajarkan, harus ada logika, harmoni, dan keseimbangan artistik dari semua percepatan dan perlambatan dalam pertunjukan. “Sebanyak yang kamu pinjam, bayarlah sebanyak-banyaknya,” Igumnov suka mengulangi. Terakhir, banyak pianis yang merekomendasikan agar permainan rubato didahului dengan penampilan yang berirama. Rubato yang baik dicapai hanya melalui ritme yang tepat. Kerjakan tempo rubato sudah ditemukan di kurikulum sekolah. DI DALAM Nocturne oleh J.Field B - tahan lama ritme dan suara saling membantu dan hanya bersama-sama menyelesaikan masalah pertunjukan artistik dan ekspresif. Ekspresi ritme di dalamnya harus dicari secara sadar dan musiklah yang memperkuat nuansa ritme ini atau itu Menyentuh tutsnya bergantung pada sifat gambar artistiknya. Dari nada pertama di nocturne, tutsnya harus “dibelai, disentuh, dan tidak dipukul”. “meniup.” Mendengarkan diri kita sendiri sambil menyanyikan nocturne, saya dan murid saya sampai pada kesimpulan bahwa tidak mungkin melakukannya secara metrik, meskipun teksnya tidak berisi instruksi yang tepat seperti: mempercepat di sini, memperlambat di sana, pelanggaran ritme disebabkan oleh kebutuhan untuk mendengarkan dan mengikuti. untuk merasakan intonasi dalam melodi. Terkadang penyimpangannya tidak terlihat jelas, tetapi halus, hampir tidak terlihat penundaannya terdengar jelas, mereka membantu Anda mendengarkan bukan hanya satu frasa, tetapi seluruh periode, dan bergerak melalui napas dengan fleksibel ke aliran melodi berikutnya. Aksen (ukuran 8.17) dan akord arpeggi dengan jarak yang lebar (ukuran 22.43) membantu di sini. Namun disarankan untuk membuat dekorasi secara halus dan indah, tanpa membedakannya dari garis ritme dan melodi pada umumnya. Memainkannya seperti menenun renda sutra yang tipis dan halus. Sambil mempelajari sebuah karya, Anda dapat memimpin, menyanyi, bermain, berbicara tentang karakter, membayangkan secara mental sebuah gambar atau hanya warnanya, nadanya (misalnya, merah muda lembut dalam 1 bagian, tebal, merah anggur dalam 2 jam). Tujuan guru adalah membantu anak menemukan harmoni ritme yang sama, merasakan gerakannya, dan tidak mengubah nocturne menjadi lagu yang “terlalu manis”. Salah satu kesulitan dalam menguasai ritme secara penuh adalah poliritme . Pendekatan "aritmatika" hanya mengizinkan kasus yang paling sederhana (menggabungkan doublet dan triplet). Saat melakukan jenis poliritme yang kompleks, pertama-tama Anda harus memainkannya berkali-kali, secara terpisah dengan masing-masing tangan, dengan perhitungan mental. Kemudian belajar dalam waktu lama dengan kedua tangan, melewatkan nada-nada dari bagian tangan kanan atau kiri dalam poliritme. Hanya ketika telinga sudah terbiasa dengan suara masing-masing bagian secara terpisah, barulah mereka dapat digabungkan, secara teratur memantau kemerataan ritme dengan telinga sambil bermain secara terpisah. Sekali lagi, Anda bisa bermain dengan kedua tangan, memusatkan perhatian pendengaran Anda pada bagian tersebut tangan kanan, lalu pergi. Performa fleksibel dari poliritme apa pun membutuhkan waktu untuk membiasakannya. Misalnya, ketika mengerjakan cis-moll “Nocturne” karya F. Chopin, ketidaksesuaian “metode aritmatika” terlihat jelas. Di sini siswa menemukan contoh khas tempo gubato, yang menjadi ciri khas Chopin. Melakukan perluasan yang mulus di sini tidaklah mudah. Irama pengiringnya sangat rusak. Hal penting yang perlu diperhatikan di sini adalah; sehingga perlambatan dan selanjutnya kembalinya tempo nada kedelapan di bagian tangan kiri menjadi mulus dan tidak wajar. Untuk kombinasi yang lebih organik dari bagian tangan kanan dan kiri, akan berguna untuk menguraikan bunyi bagian yang bertepatan (atau hampir bertepatan) dengan nada kedelapan yang menyertainya. Ketika membantu siswa memahami maksud pengarang suatu karya musik, mengerjakan berbagai tugas tertentu, mencapai keragaman dan warna-warni bunyi, harus dipastikan tidak ada kesengajaan dalam pementasannya, sehingga teknik ekspresi yang digunakan siswa secara organik. menyatu dengan musik. Sejak tahun-tahun pertama pendidikan, seseorang harus menumbuhkan keyakinan bahwa apapun warna ekspresif, nuansa tidak terlepas dari musik itu sendiri, dari isinya. Tidak mungkin untuk mengikuti instruksi penulis secara formal. Ada juga kasus ketika siswa berusaha untuk membuat karya mereka ekspresif dan semenarik mungkin, tanpa memperhitungkan bahwa niat baik, yang dilebih-lebihkan dan berubah menjadi tujuan dalam diri mereka sendiri, menyebabkan distorsi. rencana dan membuat pelaksanaannya dibuat-buat. Pertunjukan hanya bisa menjadi baik dan artistik bila semua pertunjukan yang sangat bervariasi berarti kita mari kita setuju sepenuhnya dengan esai, artinya , isi, komposisi, dengan materi suara yang terorganisir secara nyata yang harus kita olah sebagai seorang pemain. Anda dapat menambahkan sesuatu milik Anda ke dalam esai, tetapi tidak menghilangkan milik penulisnya. Semua berpikir berlebihan itu kejam , mereka mendistorsi konten.
Oleh karena itu, saya ingin menuliskan beberapa ATURAN "irama sehat":
1. Bermain cepat dan cepat bukanlah hal yang sama.
2. Сresch – tidak selalu disertai dengan percepatan, namun berkurang dengan perlambatan.
3. Perubahan tempo sebaiknya diawali dengan ketukan yang lemah, agar tidak mengubah accel menjadi piu mosso, dan ritard menjadi meno mosso.
4. Irama triplet tidak boleh berubah menjadi ritme bersela.
5. Salah satu syarat ritme yang “sehat” adalah jumlah percepatan dan perlambatan harus sama dengan suatu konstanta tertentu, sehingga rata-rata aritmatika ritme tersebut konstan dan sama dengan satu durasi metrik.
Kita tidak boleh lupa bahwa kitab suci musisi dimulai dengan kata-kata:
AWALNYA ADA RITMA
LEMBAGA PENDIDIKAN TAMBAHAN ANGGARAN KOTA
SEKOLAH SENI ANAK
STREZHEVOY KABUPATEN KOTA
WILAYAH TOMSK
Buka pelajaran tentang topik:
Disiapkan dan dilaksanakan:
guru piano khusus – Uraltsev K.N.
2014
Jenis pelajaran: kompleks.
Tujuan pelajaran:
umum: berusaha mengembangkan rasa ritme
sesuai dengan prinsip-prinsip pendidikan perkembangan dalam pedagogi musik.
mendidik : untuk mengajari siswa permainan dan pengetahuan teoretis, keterampilan dan kemampuan yang diperlukan untuk melatih ritme; memperluas cakrawala musiknya.
berkembang : mengembangkan keterampilan dan kemampuan bermain siswa, reaksi, perhatian, pemikiran dan imajinasinya, serta kemandirian dan pengendalian diri.
mengasuh : untuk membangkitkan minat pada permainan musik berirama yang benar.
Perlengkapan pelajaran:
piano, 2 kursi;
lembaran musik: A. Artobolevskaya “Pertemuan Pertama dengan Musik”, N. Vetlugina “Musical Primer”, L. Barenboim, N. Perunova “Jalan Menuju Musik”;
materi didaktik: lingkaran diameter 4 cm (4 merah, 12 merah muda), tongkat irama (panjang - 10 cm, lebar - 1 cm - 10 buah, panjang - 5 cm, lebar - 1 cm - 10 buah);
instrumen kebisingan (gendang, rebana, kerincingan).
Bentuk dan metode yang digunakan dalam pembelajaran:
Formulir yang disesuaikan bekerja dengan seorang siswa; metode visual, penjelasan, percakapan, survei, studi bersama latihan ritmik, konsolidasi.
Kemajuan pelajaran:
- pesan metodologis tentang topik pelajaran;
Pekerjaan langsung dengan siswa:
1. Bekerja pada meteran:
1.1. Definisi denyut di telinga - pergantian ketukan kuat dan lemah secara intuitif saat guru melanjutkan permainan instrumen kebisingan di - 2-, 3-, 4-kelipatan meter;
1.2. Siswa mengulangi meteran yang didengarnya pada instrumen kebisingan setelah guru;
1.3. Bekerja dengan materi didaktik: meletakkan lingkaran meteran di atas meja: merah - ketukan kuat, merah muda - ketukan lemah;
1.4. Penentuan meteran telinga (denyut nadi, ketukan) dalam drama “March” oleh S. Prokofiev, “Bear” oleh G. Galynin, “Waltz” oleh F. Schubert;
1.5. Memainkan alat musik dengan seorang siswa: guru - bidak, siswa - ketukan. (berdasarkan koleksi L. Barenboim “The Path to Music”).
2. Kerjakan ritme.
2.1. Mengulangi nilai not.
2.2. Permainan ritme:
“Gema berirama” (guru bertepuk tangan, siswa mengulangi, bertepuk tangan atau (pilihan 1) memainkan alat musik dengan satu nada, atau (pilihan 2) memainkan alat musik yang berisik);
pola ritme tepuk tangan menurut “Musical Primer” karya N. Vetlugina;
Bekerja dengan materi didaktik:
meletakkan ritme di atas meja dengan tongkat ritme.
3. Latihan ritmik.
3.1. Menepuk rumus ritme, memainkan alat musik, bersama guru.
3.2. Koleksi oleh A. Nikolaev “Sekolah Bermain Piano”. Kerjakan ritme berdasarkan lagu mudah No. 15,16,17,18,23,24.
Tepuk irama melodi;
Tampar ritme pada lutut Anda dengan masing-masing tangan;
Memainkan lagu pada suatu alat musik dengan berhitung (beat), tanpa menghitung, merasakan denyutan meterannya.
Di akhir pelajaran, berikan pekerjaan rumah: konsolidasi dan terus kerjakanketerampilan dan teknik untuk mengerjakan ritme yang diperoleh dalam pelajaran, menggunakan keterampilan yang diperoleh dalam contoh musik dan latihan ritme lainnya, berlatih dengan penuh perhatian dengan dampak dan pendengaran yang baik kontrol.
Kesimpulan dari pelajaran.
Maksud dan tujuan pembelajaran telah tercapai sepenuhnya. Hal ini difasilitasi oleh hasil kerja yang bermanfaat dan suasana kreatif dalam pembelajaran, serta xKepekaan siswa yang baik, kemampuan mendengarkan dan berpikir. Pelajarannya adalah fokus pada pembentukan aktivitas mandirisiswa saat menyiapkan pekerjaan rumah.
Aspek psikologis dan didaktik berikut terjadi dalam pembelajaran:
orientasi terhadap terbentuknya kegiatan;
penataan ruang pengembangan;
penerapan pendekatan individual;
memperbarui dan memperkaya pengalaman subjektif siswa;
pengembangan aktivitas siswa dalam kegiatan pendidikan;
perwujudan sikap berbasis nilai terhadap kepribadian siswa;
penciptaan yang menguntungkan iklim psikologis dalam pembelajaran, suasana niat baik dan nyaman, serta gaya komunikasi antara guru dan siswa memungkinkan tercapainya hasil yang positif dan merangsang minat belajar. pekerjaan lebih lanjut atas penampilan karya yang berirama.
Aplikasi
untuk pelajaran terbuka: “Formasi
rasa ritme siswa"
LAPORAN METODOLOGI
“PEMBENTUKAN RASA Irama PADA SISWA”
"Alkitab Musisi"
dimulai dengan kata-kata:
“Pada awalnya ada ritme.”
GG.
RHYTHM adalah elemen musik yang paling penting, yang mencirikan kehidupan bunyi, pergerakan bunyi dalam waktu.
Irama sebagai pengorganisasian bunyi dalam waktu merambah ke berbagai elemen jalinan musik suatu karya. Persepsi pendengaran terhadap pola ritme dalam komposisi musik adalah salah satu kondisi terpenting untuk interpretasi kinerja penuhnya.
Irama seperti sarana ekspresi musik dirasakan oleh anak-anak dengan spontanitas tertentu. Hal ini paling terlihat ketika mereka menampilkan lagu, tarian, dan permainan.
Dalam literatur piano terbaik untuk anak-anak, kehidupan ritme sebuah karya musik begitu jelas dirasakan sehingga paling sering melalui ritme itulah anak-anak merasakannya. konten figuratif umumnya. Hal ini terutama berlaku untuk karya-karya bergenre motorik, di mana kemungkinan ekspresif ritme diwujudkan dengan kekuatan terbesar.
Apa yang harus menjadi dasar untuk mengembangkan rasa ritme musik sejak langkah pertama pendidikan anak? Pengungkapan esensi figuratif dan emosional ritme adalah prinsip panduan utama dalam mengembangkan keterampilan persepsi pendengaran ritme pada anak.
Bagaimana pengertian irama musik terbentuk pada anak?
Saat mempelajari melodi satu suara, keterampilan awal akurasi metrik dan ekspresi ritme pertunjukan ditanamkan. Pada cuplikan lagu pertama, anak-anak bersentuhan dengan durasi yang berbeda-beda. Seringkali mereka dijelaskan secara aritmatika murni tentang apa itu not utuh, dan kemudian mereka diberitahu tentang pembagiannya menjadi not setengah dan seperempat. Penjelasan skematis seperti itu sama sekali tidak konsisten dengan aspek utama pengetahuan ritme - mendengarkan durasi yang berbeda dalam hubungannya satu sama lain. Bagaimanapun, persepsi ritme karya anak-anak, dimulai dengan lagu bersuara tunggal, dikaitkan terutama dengan mendengarkan gerakan ritmis alami ketika durasi paling sederhana bergantian - seperempat, seperdelapan, setengah nada.
Not seperempat bukanlah bagian dari keseluruhan not untuk telinga, tetapi merupakan unit ritme independen yang menjadi tempat dimulainya perbedaan durasi pendengaran. Bunyi durasi waktu dapat diasosiasikan pada anak dengan representasi waktu visual berikut: seperempat langkah, kedelapan - lari santai, setengah berhenti.
Akan mendekati persepsi siswa jika kita subteksnya seperti ini: “langkah, langkah, langkah; be-zha-li, be-zha-li, berhenti, berhenti.”
Bagaimana cara menyelaraskan pendengaran ritme dengan sistem penghitungan durasi yang ada?
Menghitung, dalam bentuk yang paling sering digunakan (yaitu, menghitung segala sesuatu secara harfiah, termasuk durasi kecil), tidak selalu membantu anak-anak mengontrol keakuratan suara dalam waktu berbagai pengelompokan metrik. Seringkali dalam praktik ada kasus ketika skor tidak memberikan kinerja yang berirama, dan, karena ketidakteraturan ritme dan teknis permainan siswa, skor itu sendiri menjadi tidak berirama.
Sebenarnya tahap awal belajar, untuk beberapa waktu siswa di kelas saya hanya menghitung pecahan, mengembangkan dan mengkonsolidasikan keterampilan denyut. Secara bertahap, dalam denyut nadi ini, mereka belajar mendengarkan nada setengah dan keseluruhan, lalu bertepuk tangan (seolah-olah “melapisi”) 2 nada kedelapan dalam satu hitungan.
Sangat berguna untuk menuliskan dan bertepuk tangan bersama siswa berbagai latihan metrik dalam 4-8 takaran, yang intinya adalah meteran, dan baris atas adalah ritme. Murid-murid saya dan saya menelepon mereka"skor berirama". Ada banyak sekali pilihan untuk mengerjakan latihan seperti itu, mulai dari bertepuk tangan bersama guru hingga penampilan mandiri oleh siswa sendiri, di mana tangan kiri meteran akan mengetuk, yang kanan akan mengetuk ritme.
Berdasarkan kenyataan bahwa mendengarkan not seperempat sebagai satuan waktu utama merupakan cara yang paling alami untuk mengukur durasi, oleh karena itu sejak awal latihan penghitungannya sendiri sebaiknya dilakukan dalam not seperempat.
Hampir semua anak mengalami kesulitan dalam berhitung.jika mereka menghitung "satu-dua-dan". Hal ini sangat merepotkan dan, terlebih lagi, akun ini menyulitkan untuk “mencakup” karya musik secara keseluruhan. G. Neuhaus menyebut ciri penciptaan bentuk dan komposisi ini sebagai “pemikiran yang panjang dan horizontal” dan, mengagumi ritme S. Richter, menulis: “Terasa jelas Xia, bahwa keseluruhan pekerjaan - meskipun ukurannya sangat besar,terbentang di hadapannya seperti pemandangan luas, terlihat secara keseluruhan sekaligusdan dalam setiap detail dari penerbangan elang, dari ketinggian yang luar biasa dan darikejelasan yang luar biasa." Untuk mengembangkan kemampuan ini,Anda perlu melakukan sebuah karya musik dari awal sampai akhir untuk “mengenal diri sendiri”, niat kreatif Anda tanpa menyesuaikan dengan penampilan, yang karena berbagai keadaanPemerintah mungkin tidak cukup sempurna.
Juga dalam mengerjakan ritme dalam periode awal pelatihan, Anda dapat menggunakan penghitungan ritme suku kata ke "ti-ti-ta" yang mana lebih nyaman untuk musisi pemula.
Selain berhitung, ada gunanya menggunakan metode lain dalam mengerjakan ritme yang secara tegas menentukan keakuratan denyut nada seperempat. Misalnya, guru memainkan melodi satu suara dengan nada seperempat, seperdelapan, dan setengah bergantian, dan siswa bertepuk tangan atau menghitung denyut nada seperempat; Bahkan sebelum memainkan melodi pada instrumen, siswa, setelah terlebih dahulu melihat pola ritme melodi, menghitung nada seperempat dengan bertepuk tangan dan pada saat yang sama, berbicara dengan suku kata berirama, mereproduksi semua durasi secara penuh.
Pertunjukan melodi yang stabil secara ritmis, dan kemudian karya-karya sederhana, difasilitasi oleh tekstur karya, di mana gerakan pengelompokan metrik berulang yang seragam secara ritmis mendominasi.
Mengatasi kesulitan ritme pada anak potongan piano berkontribusi pada penggunaan subteks verbal. Dalam koleksi A. Artobolevskaya “Pertemuan Pertama dengan Musik” terdapat banyak drama yang subteks dan kata-katanya ditulis untuk membantu mengingat ritme karya tersebut. Ini adalah “Minuet” oleh L. Mozart, “Sparrow” oleh A. Rubbach, “Lullaby” oleh I. Philip, “Chicken” oleh N. Lyubarsky dan banyak lainnya.
Sudah di periode sebelum catatan Selama belajar, anak harus merasakan dan mempersepsikan ritme contoh musik yang diberikan kepadanya. Kemudian Anda harus menjelaskan apa arti gambar durasi nada, jeda, titik di dekat nada, dll. Bagi seorang anak, garis besar tanda-tanda ini harus dikaitkan dengan panjang suara atau keheningan tertentu. Guru hendaknya selalu mengilustrasikan gambaran ketukan ritmis yang ditangkap dalam notasi musik dengan contoh. menarik bagi anak lagu dan melodi.
Informasi dari bidang ritme harus masuk ke dalam kesadaran anak tidak dapat dipisahkan dari pengertian waktu.
Asisten pertama dalam mempelajari ritme adalah pendengaran dan memori musik, sensasi fisik gerakan. Sudah di masa bayi, anak-anak tanpa sadar menjadi terbiasa dengan ritme. Kami menghibur anak dengan suara menderu-deru, bermain “oke” dengannya, dan anak tertidur di buaian mengikuti irama goyang. Di masa depan, goyangan ayunan anak-anak, “detak” jam, penekanan pedal sepeda yang seragam - semua ini membantu anak merasakan denyut waktu yang jernih, terbagi menjadi ketukan berirama.
Selama periode ini, bantuan besar dalam pekerjaan akan datang materi didaktik:
lingkaran warna kontras untuk meletakkan meteran (pulsa);
tongkat ritme untuk mengidentifikasi suara panjang dan pendek;
kartu ritmik dengan durasi tertulis untuk menentukan ritme dan mengkonsolidasikan pengetahuan tentang durasi nada (yaitu, semacam “dikte ritmik”).
Jenis pekerjaan ini harus dilakukan terus-menerus dalam pembelajaran, mengembangkan dan mengkonsolidasikan keterampilan pendengaran dalam menentukan meteran dan ritme.
Seorang anak juga dapat memahami melodi dengan lebih baik, dengan berbagai pembagian ritmenya, berdasarkan kesan kehidupan.
Ada lusinan cara untuk menjelaskan ritme. Beginilah cara A. Artobolevskaya bercerita tentang muridnya:
Hari ini saya mengerti bagaimana Anda menjelaskan akun tersebut kepada saya. Ketika kami berjalan pulang setelah berjalan-jalan dan menaiki tangga, nenek saya menghela nafas empat kali di setiap langkah. Ibu berjalan dan menghela nafas dua kali, dan ayah berjalan seperempat - satu desahan per langkah. Saya berlari dua langkah untuk setiap langkah yang diambil ayah, dan ada seekor anjing bersama kami, dia berlari dua kali lebih cepat, berlari empat langkah untuk setiap langkah yang diambil ayah. Ini berarti saya naik ke posisi kedelapan, dan anjing saya ke posisi keenam belas!
Sejak awal, ketika menjelaskan durasi bunyi, kita perlu membicarakan tentang jeda. Yang penting anak harus paham bahwa jeda adalah tanda diam, pecahnya suara, tapi tidak pada gerakan! Ini seperti bernapas dalam pidato musikal. A. Artobolevskaya membandingkan jeda dengan tirai renda, dengan mengatakan bahwa jeda itu seperti lubang pada pola renda. Sebuah “pola” musik juga terdiri dari periode waktu yang penuh suara dan bebas suara. Pergantian keheningan, keheningan dengan suara, pada kenyataannya, menciptakan jalinan musik itu sendiri.
Siswa sering gagal mempertahankan catatan dan jeda yang panjang. Apa alasannya? Seringkali, arti berhenti pada nada panjang atau jeda tidak jelas bagi anak. Ia menganggap berhenti sebagai persyaratan formal dari pihak guru dan dengan kehadirannya ia akan mengisi “ruang kosong”. Dan tanpa seorang guru, dia akan kembali bermain sesuai dengan “pemahamannya” terhadap musik. Tugas guru adalah mengajarinya untuk tidak menghitung jeda secara formal, tetapi merasakan denyutnya bahkan tanpa adanya suara, melodi.
Bermain secara ansambel dengan seorang guru mempunyai pengaruh yang signifikan terhadap perkembangan rasa ritme musik. Langkah pertama adalah permainan ansambel adalah penampilan siswaSAYApesta, dan sebagai guru -IIpesta. Pada saat yang sama, siswa harus secara aktif mendengarkan berbagai manifestasi ritme yang berbeda-beda di pihak guru. Misalnya, "Our Land" oleh D. Kabalevsky adalah karakteristik denyut waltz dari pengiringnya, dalam drama "Sleep, Child" oleh K. Orff - ritme figuratif dari "ayunan" setengah ketukan; dalam tarian Ukraina "Hujan" - dengan ringan, di seperdelapan, "tetesan" yang jatuh.
Sensasi pendengaran siswa pada jeda seperempat dalam melodi “kutipan gerakan pertama simfoni dalam G minor” karya W. Mozart terkontrol dengan baik dengan mendengarkan nada kedelapan pengiring (di bagian guru), seolah mengisi lamanya jeda. Pada tahap pelatihan lebih lanjut, akan berguna untuk menggunakan bentuk permainan ansambel yang lain - memainkan melodi dalam suatu bagianpertamaguru, dan pengiring dalam pestaseDengansegera- seorang siswa. Di sini kendali aktif ritme sebagian besar akan diberikan kepada siswa.
Dalam menumbuhkan rasa ritme musik dan mengembangkan keterampilan bermain ekspresif secara ritmis, seseorang harus melanjutkan dari persepsi pendengaran sensitif siswa tentang pola ritme dalam sebuah karya dan perwujudan penampilan alaminya dalam teknik pianistik yang dapat diakses oleh anak-anak. Semua karya dan penemuan harus datang dari perasaan intuitif psikologi perkembangan anak dan reaksi individualnya terhadap musik.
REFERENSI YANG DIGUNAKAN
Artobolevskaya A.D. "Pertemuan pertama dengan musik."
Barenboim L., N. Perunova “Jalan Menuju Musik.”
Cara mengajar bermain piano. Langkah pertama. - M.: Penerbit"Klasik-XXI", 2009. Kompilasi oleh S.V. Gorokhov.
Milich B. Pendidikan seorang pianis pelajar. M, “Kifara” 2002.
Nikolaev A. "Sekolah bermain piano."
Metode dasar untuk mengembangkan rasa ritme
RENCANA:
1.Pendahuluan
2. Bagian utama:
- mengerjakan durasi nada dan merekam dikte berirama
- mengembangkan rasa ritme
- mengerjakan isyarat konduktor
- pengembangan figur ritmis
3.Kesimpulan
4. Literatur pendidikan dan metodologi
Dalam musik, hubungan nada bunyi tidak dapat dipisahkan dari organisasi temporal, oleh karena itu pengembangan pendengaran intonasi dan rasa metritme harus dilakukan secara bersamaan. Segala proses fisiologis baik di alam maupun di dalam tubuh manusia terjadi dalam ritme tertentu. Dalam bukunya Psikologi kemampuan musik“Teplov menulis bahwa pengertian metroritme didasarkan pada persepsi organisasi musik sementara tidak hanya oleh pendengaran, tetapi juga oleh sel fisik tubuh. Mendengarkan musik, seseorang memiliki kebutuhan untuk bergerak, yaitu. tanpa sadar menggelengkan kepala atau kaki Anda. Telah diketahui bahwa denyut nadi bahkan berubah dan pernapasan menjadi tidak merata tergantung pada kesan yang dibuat oleh musik.
Dalam metode pengajaran solfeggio, ketika melatih indera ritme, perlu menerapkan dan menggunakan beberapa manifestasi fisik tubuh manusia. Ketika saya mulai bekerja dengan siswa kelas 1, saya sering menggunakan tepuk tangan, ketukan pensil, dan terkadang berjalan dan memimpin. Pada awalnya, itu hanya gerakan yang jelas dalam musik pawai, kemampuan untuk melakukan setiap ketukan, “langkah” dengan tepuk tangan. Di bawah musik dansa Anak-anak belajar berlari dengan mudah pada hitungan kedelapan dengan mengucapkan kata “lari”. Saya menampilkan ritme dengan bertepuk tangan, dan anak-anak membacanya dengan kata-kata: “Langkah, langkah, lari, langkah,” sambil bertepuk tangan. Ketika anak-anak mulai lebih leluasa memahami ritme paling sederhana yang terdiri dari seperempat dan seperdelapan, saya memberikan nama kelompok ritme ini: seperempat - untuk suku kata "ta", seperdelapan - untuk suku kata "ti-ti", setengah - "ta-a ”, lalu saya tunjukkan cara pencatatannya. Anda dapat membuat banyak kombinasi dengan ritme ini. Siswa menyanyikan sebuah lagu dengan kata-kata dan kemudian suku kata, kemudian saya meminta mereka menuliskan ritme lagu tersebut secara grafis. Awalnya lagu-lagunya adalah: “Cockerel”, “Sunshine”, “Like Under a Hill”. Setelah pekerjaan tersebut, siswa mulai memahami bahwa figur berirama dalam lagu tidak bergantian secara kacau. tetapi dalam urutan tertentu, kombinasi ritme tertentu dari figur-figur tersebut diulangi, bahwa ada hubungan tertentu di antara keduanya.
Sangat berguna permainan ritme, ketika siswa mengikuti motif yang dimainkan guru, membaca pola ritme dengan suku kata “ta, ti-ti” dan bertepuk tangan. Secara bertahap, saya memasukkan setengah durasi ke dalam contoh dan mengkonsolidasikan hubungan ini dengan contoh berikut: “Pohon Natal” oleh Krasev, “Jolly Geese” dan lainnya. Saya menggunakan kartu flash dengan siswa di kelas. Mula-mula siswa menuliskan irama tanpa garis bar. Setelah melewati konsep ketukan kuat suatu bar, contoh-contohnya sudah dituliskan dengan membaginya menjadi bar-bar. Saya mulai mengajari anak-anak untuk merasakan denyut lobus, mis. pergantian ketukan kuat dan lemah dalam musik. Pembiasaan pendengaran dengan kuat dan ketukan lemah Anda bisa memulainya dengan mengenal pawai. Perintah dalam pawai adalah ketukan yang kuat, ditekankan pada hitungan “Raz-i”. Kemudian, mendengarkan lagu-lagu seperti “Jolly Geese”, “Savka and Grishka” dan banyak lainnya, siswa hanya menandai nada suram di bar baik dengan bertepuk tangan atau menggunakan pensil di atas meja. Setelah membagi siswa menjadi 2 kelompok, saya menyarankan agar satu kelompok hanya menandai ketukan yang kuat, dan kelompok kedua masing-masing memukul. Misalnya, dalam lagu “Bayangan-Bayangan” yang dipelajari dengan baik, sekelompok anak menyanyikan lagu tersebut sementara kelompok anak lainnya bertepuk tangan mengikuti iramanya. Kami menulis contoh musik untuk menempatkan garis batang di papan. Sangat berguna untuk mengajak anak-anak menuliskan berbagai dikte ritmis.
Pengerjaan ritme pada materi lagu yang sudah pada pelatihan awal menyebabkan munculnya gagasan yang jelas dan benar pada anak tentang motivasi dan pengulangan. Di kelas-kelas yang lebih rendah, Anda dapat secara bertahap memperkenalkan anak-anak pada berbagai jenis pengulangan: literal, kontras, bervariasi. Contohnya termasuk Belarusia lagu rakyat“Savka dan Grishka”, lagu rakyat Rusia “Di sana di belakang sungai, di sana di belakang celah” dan lainnya.
Tabel ritme sangat berguna dalam mengkonsolidasikan keterampilan, karena membantu melatih keterampilan membaca penglihatan, memori visual, dan kemampuan untuk mempertahankan tempo yang seragam. Pertama, anak membaca ritme yang tertulis pada tabel pertama, kemudian mengulanginya dalam hati. Kali ini saya mengganti meja dan anak-anak membaca irama meja kedua tanpa henti. Saya juga menyertakan lagu reprise.
Hal terpenting dalam pengembangan ritme meteran adalah penanaman rasa metrik. Itu terletak pada kemampuan untuk menjaga keseragaman pada kecepatan tertentu. Kita terbiasa dengan kenyataan bahwa dalam solfeggio semuanya dinyanyikan dengan tempo rata-rata, tetapi kita perlu bekerja pada tempo berapa pun untuk menampilkan contoh yang sama (lebih cepat atau lebih lambat). Perasaan akan tempo yang tepat, kemampuan mempertahankannya, sama “tuning” dengan tuning pada ketinggian tertentu. Tempo mempengaruhi tingkat kesulitan contoh dan musikalitas pertunjukan. Satu melodi harus dibawakan dengan sangat cepat, mudah, yang lain - berlarut-larut.
Latihan seperti itu bermanfaat. Saya menyarankan agar siswa menghitung saja “satu, dua, tiga, dst.” pada kecepatan tertentu. Penghitungan dilakukan dengan suara keras dan tanpa suara, tempo dan aksen berubah selama penghitungan, dan jeda dibuat.
Yang sangat penting adalah kemampuan untuk menjaga kecepatan dalam diri sendiri dan menumbuhkan memori pada kecepatan tertentu. Biasanya pada solfegeing, temponya dipercepat jika contohnya mudah dan sebaliknya melambat jika durasinya pendek dan ritmenya lebih sulit.
Lebih sering daripada tidak, siswa mempercepat langkah mereka daripada memperlambatnya. Penting untuk bekerja secara terpisah untuk mengembangkan rasa meteran dengan kecepatan yang berbeda. Untuk itu, sangat penting bagi guru untuk menunjukkan tempo ketika melakukan dengan benar. Agar suatu isyarat menjadi jelas dan meyakinkan, pertama-tama diperlukan penyesuaian internal. Sebelum Anda mulai bernyanyi, Anda perlu menyetel tempo dan kunci yang tepat.
Melakukan, atau lebih tepatnya pengaturan waktu, mempunyai arti dan manfaat jika gerakan tangan bersifat alami, otomatis, dan mencerminkan sensasi fisik dari tempo dan ukuran. Penting bagi siswa untuk merasakan hentakan yang kuat dalam birama tersebut. Penting untuk menumbuhkan dalam diri siswa suatu meteran artistik yang hidup, sikap yang jelas dan bebas. Meteran juga tidak terlepas dari pengertian meteran musik. Oleh karena itu, dasar untuk menumbuhkan rasa ritme meteran adalah, pertama-tama, menumbuhkan rasa terhadap meteran dan ukuran.
Saat merekam dikte, beberapa siswa menulis meteran dua ketukan dengan seperempat dan seperdelapan dalam seperempat dan dua. Mengapa demikian? Dengan persepsi pendengaran, siswa menuliskan ritme aritmatika dengan benar, tetapi tidak merasakan sisi ekspresif dari meteran tersebut. Di sini mereka dihadapkan pada kenyataan bahwa ekspresi ukuran aritmatika sangat mudah dipahami, direkam secara visual, namun mereka harus bekerja secara khusus pada persepsi pendengarannya.
Selain bilobed dan trilobed, ukurannya ditentukan oleh sifat lobus dan pergantiannya. Mudah dibedakan dengan telinga bar sederhana dan kompleks. Ketukan pertama kuat, ketukan lainnya relatif kuat. Bagaimana cara membedakan ukuran “tiga perempat” dan “tiga per delapan”? Bukan soal tempo, tapi karakter tiap ketukannya. Saat menampilkan musik dalam meteran ini, fitur ekspresif dari masing-masing meter harus ditekankan dengan berbagai cara: dalam ukuran “tiga perempat”, setiap ketukan jelas, bertubuh penuh, misalnya: “Lagu rakyat Ceko”; dalam ukuran “tiga perdelapan” ketukan pertama sedikit ditekankan, dua lainnya dibawakan dengan lebih mudah, misalnya: chorus dari opera Glinka “Ruslan dan Lyudmila” Babak V.
Banyak hal bergantung pada kecepatannya. Tanda birama enam per delapan dengan tempo lambat paling sering dianggap sebagai tiga perempat. Ketukannya dibagi menjadi 2 bagian dan masing-masing menjadi relatif mandiri. DI DALAM langkah cepat tanda birama ini dianggap sebagai "nada dua perempat" dengan gerakan nada kedelapan triplet. Misalnya, lagu rakyat Rusia “Steppe and steppe all around.” Anda harus mencapai performa sebesar ini sehingga Anda dapat merasakan pergerakan dari satu ketukan kuat ke ketukan lainnya. Ukuran ini khas untuk melodi dengan frase besar. Saya mencoba untuk terus mengembangkan keterampilan siswa untuk bereaksi cepat terhadap ritme yang terdengar.
Langkah penting berikutnya adalah mempelajari durasi satu ketukan memasuki ketukan lainnya - ini adalah seperempat dengan titik dan seperdelapan. Kelompok ritme ini mewakili peralihan awal ketukan kedua ke ketukan pertama; penekanan pada ketukan 2 bersifat internal, yaitu. hanya ada dalam representasi internal. Saat bernyanyi, Anda bisa memberi sedikit penekanan pada titik. Misalnya, lagu rakyat Rusia “Ada pohon birch di ladang” adalah frasa ketiga, lagu rakyat Rusia “Musim dingin sudah berlalu”.
Dengan memperkuat ritme ini, Anda dapat memainkan permainan dengan siswa Anda yang melibatkan dua orang. Yang pertama - "pelatih" - tampaknya menunjukkan tugasnya, dan yang kedua - "kuda" - saat ini melakukan ritme gerakannya sendiri.
Dalam waktu tiga ketukan, grup “seperempat dengan titik dan seperdelapan” dirasakan dan direproduksi dengan susah payah. Untuk memudahkan mendemonstrasikan ritme, sebaiknya pilih lagu dengan figur berirama yang berulang. Misalnya, “Di sana, jauh sekali, di seberang sungai…”, paduan suara “gadis, cantik” dari opera “Eugene Onegin”.
Kesulitan ritme titik-titik terletak pada kenyataan bahwa nada keenam belas terhubung dalam pikiran siswa bukan dengan nada sebelumnya, tetapi dengan nada berikutnya. Untuk menguasai ritme ini, kami menyanyikan tangga nada dalam ritme ini. Mengetuk ritme dan merekam dikte ritme berguna. Contohnya di sini termasuk “Lagu Tanah Air” oleh Dunaevsky, “Eaglet” oleh Bely dan lagu-lagu revolusioner: “Dubinushka”, “Varshavyanka”, “Boldly, kawan, dalam langkah”. Di sekolah menengah, grup ritme baru "not seperempat titik dan dua nada keenam belas" muncul. Untuk menguasai grup ini, Anda dapat mempelajari lagu Glinka “Lark” dengan lirik dan iringan.
Untuk menguasai grup empat belas, Anda dapat mengambil lagu rakyat Ceko. Mudah diingat karena pengulangan yang berulang-ulang, dan siswa menyukai contoh ini. Untuk menguasai keenambelas, ada gunanya menghafal contoh-contoh yang mudah dan nyaman. Banyak contoh dipelajari dalam pelajaran khusus, serta solfeggio. Ini adalah tarian rakyat Belarusia “Kryzhachok”, “Bagpipes” oleh Bach, “Polka” oleh Glinka.
Untuk menguasai angka dua per enam belas dan delapan, Anda dapat mengambil lagu rakyat Rusia “Saya memilikinya di taman kecil saya.” Untuk menguasai kombinasi kedua figur dengan nada kedelapan, contoh “Hunter Chorus” dari opera Weber “ Penembak ajaib" Dalam contoh Krasev "Mirror" ada ketiga grup dengan nada keenam belas.
Sangatlah penting untuk menanamkan pada siswa pengertian pengelompokan yang benar dan, tentu saja, mengkonsolidasikannya dalam keterampilan menulis. Dalam grup mana pun, awal ketukan ditekankan, dan nada-nada lainnya diucapkan bersamaan dengannya.
Saat berupaya mengembangkan rasa ritme, pertama-tama Anda harus mengumpulkan kesan pendengaran. Oleh karena itu, setiap figur ritme harus dikuasai terlebih dahulu dengan telinga, kemudian digarap dalam notasi musik. Saya memilih contoh tidak hanya dari buku teks solfeggio, tetapi juga bagian-bagian yang diiringi dari sastra musik. Saya mengajak anak-anak untuk menemukan ritme yang mereka pelajari dalam musik ini.
Sinkopasi adalah peralihan tekanan dari ketukan yang lebih kuat ke ketukan yang lemah sebelumnya. Siswa biasanya mengidentifikasi kelompok ritme ini dengan baik melalui telinga, tetapi sulit untuk menuliskannya dalam dikte. Itu sebabnya grup ini Saya sedang mengerjakan materi lagu yang familier dan sederhana. Contoh yang cocok adalah lagu rakyat Ceko “The Shepherd”, lagu rakyat Polandia “Slovak Song”.
Saat mengerjakan kembar tiga, kombinasi gambar pendengaran dan visual sangatlah penting. Ini berguna ketika nada kembar tiga dan kedelapan serta ritme titik-titik digabungkan dalam satu melodi. Misalnya saja dalam lagu Muradeli “Partai Adalah Juru Mudi Kita”.
Di sekolah menengah, kesulitan ritme sering dikaitkan dengan ketidakmampuan untuk membandingkan kelompok ritme yang berbeda tanpa kesulitan dan penghentian, dan untuk berpindah dari satu kelompok ritme ke kelompok ritme lainnya. Untuk mengembangkan reaksi terhadap perbandingan semacam itu, menurut pendapat saya, diperlukan latihan yang akan mengembangkan otomatisme tertentu dalam persepsi dan reproduksi figur berirama. Latihan ini terdiri dari pertunjukan guru bantuan visual tokoh-tokoh berirama dalam kombinasi yang berbeda-beda secara terus-menerus, dengan tempo dan ukuran tertentu, dan seorang siswa atau sekelompok siswa harus memperbanyak tokoh-tokoh tersebut secara bersamaan dengan peragaannya. Saya meminta penggunaan yang paling umum adalah mengetuk dengan pensil atau bertepuk tangan. Saat mengerjakan meja, gambar visual digabungkan dengan refleks pendengaran dan motorik. Hal ini juga berguna untuk menawarkan latihan kepada siswa untuk melengkapi komposisi ritme, untuk berimprovisasi pada ritme tertentu.
Latihan ritmik seharusnya tidak menjadi tujuan akhir. Mereka harus membantu mengkonsolidasikan keterampilan intonasi dan pendengaran, mempersiapkan telinga untuk persepsi, rekaman dan pertunjukan musik dalam pelajaran khusus.
Referensi:
1. Konorova E. Panduan metodis pada ritme, vol. 1, 2.M., 1972, 1973.
2. Metallidi Zh., Pertsovskaya A. Kami bermain, mengarang, dan bernyanyi. Solfeggio untuk 1-2 sekolah anak kelas. Panduan belajar. S.-P.: Komposer Soviet, 1992.
3. Solfeggio. Bagian 1. Monofoni. Komp. B.Kalmykov, G.Fridkin. M.: Muzyka, 1987.
4. Solfeggio suara tunggal / D.I. Shaikhutdinova.- Ed. ke-2 - Rostov tidak ada: Phoenix, 2008.
5. Dari prima ke oktaf: Sat. melodi untuk nyanyian dan analisis musik dalam pelajaran solfeggio di kelas dasar / Komp. Andreeva M.- M.: Sov. Komposer, 1972.
6. Solfeggio untuk sekolah musik anak. Kelas I-IV / komp. Baraboshkina A.-L.: Musik, 1981.
7. Shainsky V. Lagu untuk anak-anak. - M.: Musik, 1984.
8. Solfeggio. Ikl. DMS/ Komp. Antoshina A., Nadezhina N. - M.: Muzyka, 1970.
9. Fridkin G. Membaca sekilas. M., 1966.
10. Solfeggio. Kelas persiapan: buku teks / Yu.V. Frolova.- Ed. 13 - Rostov tidak ada: Phoenix, 2011.
11. Solfeggio. Kelas satu: buku teks / Yu.V. Frolova.- Ed. 13 - Rostov tidak ada: Phoenix, 2011.
12. Solfeggio. Kelas dua: buku teks / Yu.V. Frolov.- Ed. 13 - Rostov tidak ada: Phoenix, 2011.
13. Solfeggio. Kelas tiga: buku teks / Yu.V. Frolov.- Ed. 13 - Rostov tidak ada: Phoenix, 2011.
14. Solfeggio. Kelas empat: buku teks / Yu.V. Frolova.- Ed. 13 - Rostov tidak ada: Phoenix, 2011.
15. Alfabet musik / Komp. Otskheli N. - Tbilisi, 1972.
16. Fridkin G. Dikte musik. M., 1973.
17. Metode pengajaran solfeggio. / Davydova E.V. - M.: Musik, 1975.
Toporkova V.A.
kota Skopin, 2012