Bermain ansambel merupakan suatu bentuk kegiatan yang membuka peluang paling besar bagi pengenalan sastra musik secara menyeluruh dan luas. Laporan dengan topik: “Pentingnya bermain dalam ansambel untuk perkembangan individu seorang pemain biola

Tidak ada kebahagiaan yang lebih besar bagi seorang musisi selain bermain musik bersama, dan derajat profesionalisme setiap musisi berbanding lurus dengan kepiawaiannya bermain dalam sebuah ansambel. Ya, dia bisa menjadi solois hebat yang menyenangkan untuk didengarkan, tetapi Anda hanya bisa mengapresiasinya sepenuhnya sebagai musisi dengan mendengarkan cara dia bermain dalam grup.

Ansambel- sebuah kata yang familiar bagi semua orang. Kata ini sering digunakan untuk merujuk pada hal-hal yang tidak ada hubungannya dengan musik. Misalnya ansambel arsitektur. Diterjemahkan dari Perancis, “ensemble” artinya: koherensi dan koherensi. Inilah komponen terpentingnya. Melakukan sesuatu bersama-sama dan melakukannya secara sinkron. Dalam sinkronisitas terletak rahasia utama dan kesuksesan ansambel yang berkelanjutan.

Ansambelnya berbeda-beda, dan bergantung pada jumlah musisi, mereka punya nama sendiri. Kata-kata seperti duet, trio, kuartet dikenal bahkan oleh orang-orang yang jauh dari musik.

Kondisi apa yang harus diperhatikan saat bermain dalam ansambel? Bagaimana mencapai koherensi dan dengan demikian mengembangkan keterampilan yang tanpanya seorang musisi tidak dapat disebut seorang musisi? Ada beberapa kehalusan dan nuansa yang perlu diperhatikan hingga menjadi kebiasaan.

Pertama-tama, permainan yang bagus! Pertunjukan yang salah akan meniadakan segala usaha baik dan menimbulkan ketidakpuasan penonton. Anda harus bekerja pada sistem dan bekerja keras.
Semua anggota ansambel harus benar-benar mematuhi satu hal genre musik atau cara bermain. Pemahaman yang berbeda tidak dapat diterima karya musik dari sudut pandang musikal. Misalnya, waltz harus terdengar persis seperti waltz, dan jika, tiba-tiba, seseorang kehilangan karakter waltz dan memainkan sesuatu yang mirip dengan pawai, ansambelnya akan “berantakan”.
Pemahaman yang sama tentang tempo dan ritme. Semua musisi adalah manusia, bukan metronom, dan ada yang cenderung memperlambat tempo, sementara yang lain cenderung mempercepat. Hal ini perlu diwaspadai seperti halnya ritme, karena pemahaman ritme yang menyimpang juga akan menyebabkan kurangnya koherensi dan sinkronisitas.
Bermain dalam ansambel membutuhkan sentuhan performa yang sama. Sepintas memang terlihat tidak begitu signifikan, namun nyatanya perbedaan guratan merupakan ketidakharmonisan suatu musik, yang dapat dihindari jika kita menganalisis secara cermat sebuah karya musik.
Kami tidak meninggalkan “ekor” apa pun! Selesaikan saat Anda memulai frase musik diperlukan secara bersamaan, kecuali, tentu saja, pada awalnya dimaksudkan sesuatu yang berbeda. Ending yang tidak diselesaikan secara bersama-sama oleh seluruh anggota ansambel sangat jelek dan ceroboh untuk didengarkan.
Konsistensi dinamis. Penampilan solo sebaiknya dilupakan saat bermain dalam ansambel. Jika musisi memimpin topik utama, dia harus bermain lebih terang, tetapi selama counterpoint atau pengiring, suaranya harus dikurangi.

Tampaknya semua teknik di atas tidak begitu rumit. Faktanya, bermain dalam ansambel membutuhkan kerja dan kerja keras selama bertahun-tahun, tetapi kerja keras yang mendatangkan kesenangan. Di sini Anda harus saling bertatapan dan bergerak dengan rakus, karena takut ketinggalan apa pun. Di sinilah pentingnya kepekaan dan perhatian, sifat-sifat yang akan sangat berguna dalam kehidupan. Oleh karena itu, tidak ada keraguan bahwa ansambel adalah kegiatan yang bermanfaat dan menyenangkan tidak hanya bagi pendengar, tetapi juga bagi para pemainnya!

Sekarang mari kita mendengarkan musik! Musiknya akan menjadi ansambel.

L. van Beethoven Sonata untuk biola dan piano No. 5 “Spring”

Bermain dalam ansambel menyatukan, mengembangkan keterampilan komunikasi, berkontribusi dalam pembentukan tim, mendisiplinkan anggota ansambel, dan menanamkan rasa cinta terhadap berbagai genre budaya musik.

Memangnya kenapa - tidak semua orang harus menjadi musisi? Musisi adalah orang-orang spesial, individu yang menonjol dalam cara berpakaian, cara berbicara, dan mentalitasnya. Tentu saja, tidak semua orang dapat mempelajari musik secara profesional, tetapi tidak perlu berusaha keras untuk melakukannya - setiap orang memiliki jalannya sendiri! Banyak orang tua yang bermimpi mengajari anaknya musik. Hanya sedikit yang yakin akan kebutuhannya pendidikan musik anak-anak dan siap melakukan segala kemungkinan untuk ini, yang lain ragu kemampuan musik anak mereka dan takut menyakitinya. Pada umumnya, faktor penentunya bukanlah keinginan orang tua, namun bakat dan keinginan anak terhadap musik.

Jadi, apa yang diberikan sekolah seni kepada seorang anak? Apa gunanya? Mari kita daftar secara singkat poin-poin utamanya.
Musik mengembangkan emosi.
Rasa ritme berkembang.
Pendengaran musik menjadi lebih halus.
Permainan dimulai alat musik mengembangkan koordinasi dan keterampilan motorik halus tangan (yang memiliki efek positif pada perkembangan otak).
Bernyanyi memperluas kemampuan sistem pernapasan dan mengurangi jumlah pilek.
Indera perasa berkembang.
Pertunjukan ansambel memberikan keterampilan praktis untuk aktivitas kolektif dan mengajarkan Anda untuk mendengarkan orang lain. Memori berkembang.
Ketekunan terbentuk (Anda perlu berolahraga secara teratur!).
Memperkenalkan Anda pada budaya dunia.

Ketika bayi tumbuh besar, orang tua memiliki pertanyaan - ke mana harus mengirim anak untuk perkembangan menyeluruhnya.

Namun seringkali orang tua memilih bagian olahraga, tanpa berpikir bahwa bayi membutuhkan pendidikan tambahan.

DI DALAM masa lalu anak-anak bangsawan diajari literasi, aritmatika, bahasa, tari dan musik. Belajar memainkan alat musik dianggap sebagai indikator pendidikan yang baik.

Wajar saja, tidak semua anak yang lulus dari “sekolah musik” akan memilih profesi musisi. Beberapa orang akan melupakan semua yang telah diajarkan kepada mereka selama beberapa tahun. Orang tua mungkin merasa bahwa tahun-tahun yang dihabiskan di sekolah musik, terbuang sia-sia.

Banyak orang tua yang khawatir anaknya akan terlalu sibuk belajar di sekolah musik anak. Itu tidak bisa dihindari. Tapi itu tidak buruk. Anak akan sibuk belajar dan tidak akan sia-sia berkeliaran bersama teman-teman yang meragukan. Dia akan mengembangkan selera musik. Musik, menggambar, dan menari mengembangkan disiplin diri, dan dengan perencanaan waktu yang tepat, anak akan memiliki waktu untuk mengerjakan pekerjaan rumah, bermain musik, dan berkumpul dengan teman-temannya. Hal pertama yang pertama tahap awal banyak tergantung pada orang tua. Tampaknya baru-baru ini anak itu membara dengan keinginan untuk menguasai alat musik tersebut, tetapi dia sudah tidak ada lagi. Anak cenderung malas dan tugas orang tua adalah mengenalkannya pada musik dan tidak membiarkan semuanya berjalan begitu saja. Perlu dicatat bahwa tidak semua anak usia prasekolah tahu apa yang ingin mereka lakukan. Orang tua harus meyakinkan anak bahwa belajar musik itu bergengsi dan keren. Selain itu, dia akan mampu melakukan apa yang tidak bisa dilakukan oleh teman-teman jalanannya, yang berkeliaran tanpa tujuan di sepanjang jalan dan tidak tahu harus berbuat apa, dan dia akan bisa memainkan alat musik.

Belajar di sekolah musik mengembangkan keterampilan komunikasi dan cita rasa estetika, serta memperluas wawasan seseorang. Dan untuk telinga musik, maka beberapa anak mengidapnya sejak lahir, sementara yang lain perlu mengembangkannya.

Pelajaran musik mengembangkan koordinasi

Penelitian menunjukkan bahwa anak-anak yang belajar memainkan alat musik (terutama alat musik gesek dan keyboard) meningkatkan koordinasi dan keterampilan motorik halus. Tidak heran. Saat bermain, baik jari maupun seluruh tangan melakukan banyak gerakan, termasuk gerakan yang sangat kecil. Selain itu, hak dan tangan kiri Terkadang mereka melakukan gerakan yang sangat berbeda. Bermain dengan kekuatan yang berbeda(yang satu bisa bermain dengan keras dan yang lainnya dengan tenang), in karakter yang berbeda dan dengan kecepatan yang berbeda. Semua ini membantu meningkatkan hubungan antara pusat otak yang mengontrol gerakan. Mengembangkan pemikiran spasial.

Pelajaran musik berkembang secara intelektual

Di bawah pengaruh tayangan musik, anak-anak yang paling lembam dengan perkembangan mental yang lambat, yang tampaknya tidak dapat digerakkan oleh kekuatan apa pun, mulai berbicara.

Seperti yang ditunjukkan oleh penelitian bersama oleh ilmuwan Hongaria dan Jerman, anak-anak yang belajar musik memiliki reaksi yang lebih baik dan belajar berhitung dengan lebih mudah. Hubungan langsung juga terlihat antara kemampuan musik dan matematika anak. Guru kelas junior Mereka mengatakan bahwa setelah pelajaran musik, pelajaran membaca berjalan dengan sangat baik. Persepsi anak-anak meningkat. Mereka berpikir lebih baik.

Mendengarkan musik meningkatkan asimilasi materi kognitif dalam mata pelajaran lain dan mengurangi perasaan “kelebihan beban”. Pelajaran musik dengan milik mereka elemen permainan, pengalaman artistik, yang merupakan penyeimbang dari penelitian disiplin ilmu, menjalankan fungsi relaksasi, sehingga memudahkan pengembangan materi kognitif pada mata pelajaran lain.

Pelajaran musik mendekatkan anak dan orang tua

Yang kami maksud bukan hanya proses belajar memainkan alat musik saja, tapi juga mendengarkan musik bersama dan bernyanyi bersama. Dan, mungkin, khususnya bermain musik bersama. Ada berbagai macam kemungkinan di sini: bermain dengan empat tangan, bermain dalam ansambel instrumen yang berbeda. Atau, misalnya, pilihan ketika orang tua yang pandai bermain menemani pemain biola atau penyanyi cilik.

Konser rumah bersama juga menyatukan orang-orang. Tidak semua anak suka menjadi solois. Jauh lebih menyenangkan tampil dalam ansambel bersama ayah, ibu, atau nenek Anda.

Bernyanyi dalam paduan suara berkontribusi pada perkembangan spiritual anak

Kami rasa tidak ada salahnya jika Anda mendaftarkan anak Anda di paduan suara. Selama nyanyian paduan suara anak-anak merasa bertanggung jawab atas keseluruhan bunyi lagu, kegembiraan kreativitas kolektif, dan pengaruh mulia dari lagu itu sendiri.

Menariknya, di antara mereka yang bernyanyi dalam satu paduan suara, baik anak-anak maupun orang dewasa, biasanya ada suasana hangat, hubungan persahabatan. Suasana emosional setiap anggota paduan suara ditularkan satu sama lain. Suasana khusus yang penuh gairah terhadap musik, kegembiraan, dan kreativitas bersama tercipta.

Pada pelajaran koreografi anak-anak belajar merasakan musik secara kompeten. Kelas membantu menguatkan otot punggung, mengembangkan postur tubuh yang benar, membentuk posisi tubuh, mengembangkan kemampuan fisik alami seperti: melangkah (peregangan), mengangkat, kelenturan, melompat bahkan seni.

Setelah pelajaran pertama Anda akan dapat mengamati bagaimana hal itu terjadi pertumbuhan kreatif dan bakat anak-anak Anda terungkap. Kelas koreografi tidak hanya mengajarkan anak Anda disiplin dan mengaturnya, tetapi juga memberikan efek menguntungkan bagi perkembangan mental, karena sambil belajar komposisi koreografi anak terus-menerus harus mengingat urutan gerakan - ini membuat anak berpikir, sementara memori otot berkembang, koordinasi gerakan dan alat vestibular mulai bekerja dengan baik.

Menggambar sangat penting dalam membentuk kepribadian anak. Hubungan antara menggambar dan berpikir sangatlah penting. Selain itu, menggambar mengembangkan daya ingat, perhatian, motorik halus, mengajarkan anak berpikir dan menganalisis, mengukur dan membandingkan, menyusun dan berimajinasi. Untuk perkembangan mental anak memilikinya sangat penting perluasan bertahap dari stok pengetahuan. Itu mempengaruhi pembentukan kosakata dan ucapan yang koheren pada anak.

Sepuluh alasan untuk menyekolahkan anak Anda ke sekolah musik

Terlepas dari kenyataan bahwa anak tersebut meneriakkan lagu-lagu Cheburashka secara tidak selaras dan tidak dapat mendengar; terlepas dari kenyataan bahwa tidak ada tempat untuk meletakkan piano, dan nenek tidak dapat mengajak anak itu “menonton musik”; terlepas dari kenyataan bahwa anak tersebut tidak punya waktu sama sekali - bahasa Inggris, Spanyol, kelas renang, Sekolah Minggu dan seterusnya dan seterusnya...

Makan alasan bagus mengatasi semua ini dan tetap mengajarkan musik, dan orang tua modern harus mengetahui alasan berikut:

1. Bermain adalah mengikuti tradisi. Semua bangsawan, Rusia dan Eropa, diajari musik. Memainkan musik itu berkilau, cemerlang dan anggun, pendewaan perilaku sekuler. Duke Ellington mulai bermain piano karena perempuan selalu berkumpul di sekitar lelaki yang bermain. Lalu apa yang bisa kita katakan tentang gadis yang sedang bermain?

2. Kelas musik menumbuhkan kemauan dan disiplin: Anda perlu melatih instrumen secara terus-menerus, teratur dan tanpa gangguan. Hampir dengan kegigihan yang sama dengan para juara berlatih di gym dan di arena skating. Namun, tidak seperti pahlawan olahraga, saat bermain piano, leher, kaki, atau bahkan lengan Anda tidak boleh patah.

Musik adalah pembentukan karakter tanpa risiko cedera.

3. Dengan bermain musik, seorang anak berkembang keterampilan matematika. Ia berpikir secara spasial, menekan tombol yang tepat, memanipulasi figur suara abstrak, menghafal teks musik, dan mengetahuinya karya musik seperti dalam pembuktian matematis: jangan mengurangi atau menambah! Bukan kebetulan bahwa Albert Einstein memainkan biola, dan profesor fisika dan matematika Oxford merupakan 70% dari anggota klub musik universitas.

Perhatian, orang tua dari calon matematikawan dan insinyur! Membuat musik lebih menyenangkan daripada memutuskan tugas-tugas sulit dari bawah tongkat tutor.

4. Musik dan bahasa adalah saudara kembar. Mereka dilahirkan satu demi satu: yang pertama adalah musik; kemudian - ucapan verbal, dan di otak kita mereka terus hidup berdampingan.
Frasa dan kalimat, koma dan titik, pertanyaan dan seruan ditemukan dalam musik dan ucapan.
Mereka yang bermain dan menyanyi berbicara dan menulis lebih baik serta mengingat lebih mudah kata-kata asing, belajar tata bahasa lebih cepat. Pecinta dan penulis musik Turgenev dan Stendhal, Pasternak dan Tolstoy, Jean-Jacques Rousseau dan Romain Rolland, yang masing-masing mengenal lebih dari satu bahasa asing, merekomendasikan pelajaran musik kepada semua poliglot di masa depan.

5. Musik bersifat struktural dan hierarkis: karya-karya besar memecah menjadi bagian-bagian yang lebih kecil. Pemahaman spontan tentang hierarki musik membuatnya lebih mudah untuk memahami komputer, yang juga sepenuhnya bersifat hierarkis dan struktural.

Psikolog telah membuktikan bahwa musisi cilik, murid Shinichi Suzuki yang terkenal, meskipun mereka tidak terlalu berhasil dalam pengembangan pendengaran dan ingatan musik, berada di depan rekan-rekan mereka dalam hal pemikiran struktural. Perhatian, orang tua dari calon insinyur TI, administrator sistem, dan pemrogram! Musik mengarah langsung ke puncak ilmu komputer; Bukan suatu kebetulan jika Microsoft lebih memilih karyawan dengan pendidikan musik.

6. Kelas musik mengembangkan keterampilan komunikasi. Selama bertahun-tahun belajar, seorang musisi cilik akan berkenalan dengan Mozart yang gagah berani, Prokofiev yang kasar, Bach yang filosofis, dan tokoh musik lain yang sangat berbeda. Saat bermain, dia harus meniru mereka dan menyampaikan karakter dan perasaan mereka kepada publik.

Sekarang tinggal satu langkah lagi menuju bakat manajer. Bagaimanapun, hal utama baginya adalah memahami orang dan, dengan menggunakan pemahamannya, mengelola mereka. Perhatian, orang tua dari calon pendiri kerajaan bisnis! Musik mengarah dari hati ke hati, dan sebagian besar senjata yang tangguh manajer puncak - senyuman yang melemahkan dari "pria baik".

7. Musisi adalah orang yang baik hati dan berani di saat yang bersamaan. Menurut para psikolog, musisi pria adalah orang yang sensual, sama seperti wanita, dan musisi wanita adalah orang yang gigih dan berkemauan keras, seperti pria. Musik melembutkan moral, tetapi untuk berhasil, Anda harus berani. Perhatian, orang tua mengharapkan bantuan dan dukungan di hari tua! Anak-anak yang telah belajar musik bersimpati dan sabar pada saat yang sama, dan oleh karena itu lebih sering siap untuk memberikan “segelas air” yang sama kepada orang tua mereka yang sudah lanjut usia.

8. Musisi tidak terlalu takut dengan ungkapan yang menakutkan – batas waktu penyerahan karya. Di sekolah musik, Anda tidak dapat menjadwalkan ulang tes tangga nada atau konser kelas hingga besok atau seminggu sebelumnya. Posisi artis di atas panggung mengajarkan kesiapan maksimal, dan seorang anak dengan pengalaman seperti itu tidak akan gagal dalam ujian serius, wawancara kerja, atau laporan penting.

9. Kelas musik membesarkan “Caesar” kecil yang tahu bagaimana melakukan banyak hal sekaligus. Musik membantu menavigasi beberapa proses secara bersamaan: misalnya, seorang pianis yang membaca sekilas melakukan beberapa hal sekaligus - mengingat masa lalu, melihat ke masa depan, dan mengendalikan masa kini.

Musik mengalir dengan kecepatannya sendiri, dan pembaca tidak dapat berhenti, beristirahat, atau mengambil napas. Demikian pula, pengontrol lalu lintas udara, operator komputer, atau pialang saham memantau beberapa layar dan secara bersamaan mendengarkan dan mengirimkan informasi melalui beberapa telepon. Musik mengajarkan Anda untuk berpikir dan hidup dalam beberapa arah.

10. Ilmuwan yang melakukan penelitian sosiologi, sampai pada kesimpulan bahwa di antara orang-orang yang berakhir di penjara, tidak ada satu pun orang yang lulus sekolah musik di masa kanak-kanak.

Tak heran jika banyak selebritis yang memiliki latar belakang musik:

Agatha Christie menulis cerita pertamanya tentang mengapa dia merasa kesulitan bermain piano di atas panggung;

Condoleezza Rice, di sisi lain, sangat suka tampil di depan umum dengan gaun konsernya yang mempesona.

Bill Clinton yakin tanpa saksofon dia tidak akan pernah menjadi presiden.

Melihat orang sukses di bidang apa pun, tanyakan apakah mereka terlibat dalam musik sejak kecil, meskipun hanya sebentar, meskipun tidak dengan semangat yang besar? Tentu saja kami melakukannya. Dan kami memiliki 10 alasan untuk mengikuti teladan inspiratif mereka.

Maksud dan tujuan pembuatan koleksi ini adalah untuk memikat anak-anak dengan materi musik yang populer dan mudah diakses serta menanamkan minat dalam permainan ansambel.

Koleksinya mencakup 10 lagu dari film tersebut, yang familiar bagi anak-anak anak usia dini, disusun untuk empat tangan pada satu atau dua piano.

Transkripsi dilengkapi dengan puisi dan gambar, yang membantu anak menciptakan gambar tertentu, dan penampilan melodi dengan kata-kata secara simultan membantu menguasai pernapasan, ungkapan, dan ekspresi melodi.

Materi ini dirancang untuk digunakan dalam kelas piano khusus dan umum.

Setiap guru mengetahui kecintaan anak-anak terhadap permainan empat tangan. Anak-anak biasanya suka bermain drama sederhana dengan gurunya. Dari pengalaman pribadi, saya yakin bahwa anak-anak menampilkan melodi yang familiar dengan senang hati. Namun dalam memilih repertoar, guru seringkali dihadapkan pada aransemen musik populer yang sulit dan rumit. Mempertimbangkan minat yang besar Untuk jenis pembuatan musik ini dan manfaatnya yang tidak diragukan lagi, saya membuat kumpulan ansambel yang terdiri dari transkripsi lagu-lagu dari kartun yang dikenal oleh anak-anak. Itu termasuk sepuluh bagian, ditempatkan dengan nyaman - setiap bagian menempati satu halaman, dengan teks lagu dan gambar terlampir (lihat. Lampiran 1).

Kebanyakan karya empat tangan sengaja diberikan penyajian bagian siswa yang paling mudah, sehingga siswa dapat mengarahkan perhatiannya terutama pada tugas-tugas pertunjukan ansambel. Drama ini, mis. bagian siswa, juga disarankan untuk digunakan untuk membaca sekilas dengan anak-anak SMP dan SMA. Beberapa ansambel dirancang agar siswa dapat bermain bersama. Misalnya, “Nyanyian Bayi Mammoth”, “Antoshka”, “Nyanyian Buaya Gena” (lihat. Lampiran 1 , Lampiran 2).

Penting untuk mengembangkan pada siswa kemampuan untuk memahami ekspresi musik dengan persepsi yang lebih halus dan pendengaran secara bertahap dari struktur musik (kemampuan untuk mendengarkan suara dengan penuh perhatian dan mencapai ungkapan melodi yang benar, setiap suara secara individu dan dalam kombinasinya, kemerduan yang diinginkan saat memainkan melodi dengan iringan, dll. ).

Saat mengerjakan sebuah karya dengan siswa, guru harus mengajar siswa untuk mendengarkan dengan penuh perhatian struktur musik dari komposisi tersebut, mencapai tidak hanya eksekusi yang akurat dari teks musik dan ungkapan yang benar, tetapi juga transmisi konten dan karakter yang bermakna. musik. Pemenuhan tugas-tugas ini sangat bergantung pada kemampuan guru untuk secara jelas, imajinatif dan jelas memberi tahu siswa tentang isi karya tersebut, menarik perhatiannya pada cara-cara ekspresif yang dengannya gambaran musik dari drama tersebut diungkapkan.

Hasil pembelajaran tahun pertama (kelas 1-3), siswa harus belajar memainkan melodi dengan iringan sederhana secara ekspresif, dengan suara yang cukup penuh dan merdu, mampu menyampaikan gambaran musik dan karakter lagu. dibawakan dengan menggunakan warna-warna dinamis (terutama teknik kontras forte dan piano) dan berbagai teknik produksi suara: legato, non legato, staccato.

Dalam kumpulan aransemen “Ensembles for Children”, kesederhanaan bagian-bagian siswa memastikan kenyamanan dan kealamian sentuhan anak terhadap instrumen tersebut. Mendistribusikan melodi di antara dua tangan, yang masing-masing tangan mengambil jumlah suara minimum, meredakan ketegangan, membantu menggunakan beban tangan, dan mencapai kedalaman suara. Di sini siswa menguasai teknik bermain seperti menggerakkan “legato” dari tangan ke tangan.

Perhatian utama diberikan pada penampilan ekspresif melodi lagu. Penting untuk mengajar anak untuk mendengar dan merasakan sifat vokalnya dalam suara instrumental melodi - garis perkembangan, intonasi cerah, melodi

napas. Alur melodi hendaknya disampaikan bukan dalam bunyi-bunyian tersendiri, melainkan dalam bentuk motif-motif musik yang diformalkan – ungkapan-ungkapan yang mempunyai intonasi cerah tersendiri.

Tidak ada instruksi yang dapat menyampaikan semua nuansa artikulasi dengan lebih akurat dan halus selain ucapan yang hidup dan gambar tertentu. Peran teks selama masa pembelajaran sulit ditaksir terlalu tinggi. Ini menentukan kealamian pernapasan, kejelasan ungkapan, dan ekspresi melodi.

Bentuk pengenalan musik yang paling mudah diakses dan dipahami anak adalah bernyanyi dengan kata-kata. Setiap bagian dalam kumpulan tersebut diberikan teks puisi dan siswa dapat menyanyikan melodi terlebih dahulu dengan iringan guru, kemudian bernyanyi dan memainkannya sendiri. Anak-anak sangat menyukainya. Hal ini dapat menimbulkan kecenderungan untuk mengulanginya berkali-kali, dan konsekuensinya adalah peningkatan kualitas kinerja.

Kebermaknaan intonasi ucapan ditransfer ke intonasi musik, membantu menemukan warna suara yang diinginkan dan juga metode produksi suara itu sendiri. Melodi yang terkait dengan teks lebih jelas dirasakan dan diingat lebih baik, dan oleh karena itu lebih mudah masuk ke area pendengaran batin, mengaktifkannya dan menjadi inti di mana logika pembentukan dibangun.

Koleksinya berfungsi untuk mengembangkan inisiatif kreatif musisi muda. Bentuk manifestasinya yang pertama dan paling sederhana adalah pencarian opsi baru untuk distribusi suara di antara kedua tangan. Di masa depan, Anda dapat mempraktikkan tugas-tugas yang lebih kompleks - anak mencari versinya sendiri dari permainan pertama, dan kemudian permainan kedua, dan membuat versinya sendiri. Misalnya saja mengganti register. Seringkali saya sendiri mengajak siswa untuk “berfantasi” dengan register. Ini cukup menyenangkan dan lucu. Pada masa ini, anak-anak sering kali memunculkan adegannya sendiri dengan tokoh kartun.

Kembali ke potongan yang sebelumnya ditutupi dengan empat tangan, Anda dapat mengajak anak untuk menggabungkan kedua bagian menjadi satu. Materi ini juga dapat digunakan dalam pelajaran musik.

Saat ini, pendidikan musik anak mendorong pedagogi untuk mencari jalur pembelajaran yang memungkinkan proses pengenalan musik dan penguasaan keterampilan memainkan alat musik dapat diakses oleh anak dengan kemampuan paling biasa. Kita harus ingat bahwa proses pembelajaran harus dapat dilaksanakan dan menyenangkan, karena jika memahami dasar-dasar seni musik membutuhkan usaha yang sangat keras, maka minat anak terhadap kelas biasanya akan memudar.

Tugas utama saya adalah membuat kelas musik menarik dan menyenangkan. Ini harus difasilitasi oleh segala sesuatu yang membangkitkan imajinasi anak: materi musik dan gambar, teks lagu - subteks, cerita pengiring permainan. Semua ini membantu mewujudkan citra musik dan bahkan menemukan gerakan tangan yang diperlukan.

D. Kabalevsky sangat benar ketika dia mengatakan bahwa “ketertarikan pada musik, hasrat terhadap musik, kecintaan terhadap musik merupakan prasyarat agar musik dapat mengungkapkan dan memberikan keindahannya secara luas kepada anak-anak, sehingga dapat memenuhi peran pendidikan dan kognitifnya.”

“Nyalakan, “infeksi” seorang anak dengan keinginan untuk menguasai bahasa musik - tugas awal terpenting seorang guru. Di masa kanak-kanak, tidak hanya dasar-dasar pengetahuan yang diletakkan, tetapi juga pemikiran musikal dan kemampuan untuk bekerja,” kata A. Artobolevskaya “Hanya dengan mampu mencapai minat terhadap musik pada pertemuan pertama, Anda secara bertahap dapat mengenalkan anak pada lebih banyak hal lingkaran sempit keterampilan profesional."

Anna Danilovna sering mengulangi: “Kenangan masa kecil adalah kenangan yang paling berharga. Apa yang Anda pelajari di masa kanak-kanak akan tetap Anda ingat sepanjang hidup Anda. Anak harus segera “tenggelam” dalam musik, memberinya kesempatan sejak pertemuan pertama untuk aktif bertindak, menciptakan citra musikal. Semua orang, bahkan sebagian besar orang potongan kecil, hendaknya terpatri dalam benak siswa sebagai gambaran holistik yang dapat menarik dan membangkitkan imajinasi anak. Dan setiap gambar menentukan teknik pertunjukan tertentu. Apalagi dari kecemerlangan gambaran yang muncul, terkadang anak seolah-olah terlahir dengan sendirinya kemampuan untuk menyampaikannya dengan gerakan tangan yang diperlukan untuk itu.

Seperti yang telah saya sebutkan, salah satu tugas terpenting bagi saya adalah membangkitkan minat anak terhadap musik, menggabungkan musik dengan kehidupannya, dengan permainannya. Jika anak itu memahaminya gambar cerah, dia memiliki kebutuhan untuk menyampaikan gambaran ini sendiri.

Permainan ansambel sangat bermanfaat bagi anak-anak dan sangat direkomendasikan. Bermain dalam ansambel dengan seorang guru adalah komponen wajib dalam pelatihan. Pengajaran permainan ansambel diaktifkan perkembangan musik, memperluas persepsi gambar musik, unsur pidato musikal, sarana pertunjukan ekspresif. Saat mempelajari ansambel, anak mendengarkan suara latar harmonis baru di pihak guru, warna ekspresif dan visual dari pengiringnya, prinsip ritme dan pengorganisasiannya. Selanjutnya perhatian siswa diarahkan untuk mendengarkan unsur polifoni, irama tajam dan warna-warni.

Saya aktif menggunakan aransemen ini dalam pelajaran piano umum. Hal ini membantu anak-anak dengan cepat menguasai notasi musik dan keyboard, serta mempertahankan minat terhadap subjeknya.

Jika respons emosional terhadap musik tidak mencukupi, disarankan untuk menggunakan literatur lagu lebih sering selama pelajaran awal, yang memiliki dampak lebih spesifik pada kesan musik anak dan mengaktifkan minatnya pada musik. Sifat persiapan anak untuk menguasai karya yang dibawakan tergantung pada tingkat kepekaan musik mereka. Berguna untuk membiasakan anak-anak dengan pekerjaan yang diusulkan untuk didengarkan terlebih dahulu (sebelum pertunjukan). Penyusunan tersebut meliputi penjelasan tentang teks lisan, sifat musik dan isi kiasannya, persamaan dan perbedaan bagian-bagian bentuk, ciri-ciri ekspresif melodi, ritme, register, dinamika, guratan. Koleksi ini dimaksudkan untuk membantu lebih sederhana dan dengan cara yang dapat diakses, menggunakan materi yang dapat dipahami anak, menjelaskan bentuk, ritme, dinamika, register, guratan.

Pengembangan dan stimulasi kualitas yang paling penting - kemampuan mendengarkan musik dengan baik dan berpartisipasi aktif dalam pertunjukan - disajikan dengan bermain dalam ansambel, di mana kualitas-kualitas ini ditingkatkan karena kebutuhan untuk mendengarkan pasangan, mengoordinasikan kemerduan dan kesinambungan kedua bagian tersebut.

Ansambel memperkaya penampilan musik siswa dengan mode cerah - suara harmonis, karakteristik figuratif dari berbagai sketsa genre.

Prishchepa Natalya Aleksandrovna

Institut Kebudayaan dan Seni Negeri Lugansk

Peran permainan ansambel di sekolah dasar dan menengah untuk pelajaran piano

Permainan ansambel merupakan suatu bentuk kegiatan yang membuka peluang yang paling menguntungkan bagi perkenalan yang menyeluruh dan luas sastra musik. Musisi menampilkan berbagai karya gaya artistik, penulis, berbagai adaptasi opera dan musik simfoni. Akumulasi sejumlah ide pendengaran yang jelas dan banyak merangsang imajinasi artistik.

Bermain dalam ansambel mendorong pengembangan intensif semua jenis pendengaran musik (nada, harmonik, polifonik, timbre-dinamis, internal).

Sedikit menyentuh sejarah ansambel piano, perlu dicatat bahwa genre ini mulai berkembang pesat pada paruh kedua abad ke-18 dengan munculnya piano hammer dan kemampuan barunya: jangkauan yang diperluas, kemampuan untuk secara bertahap menambah dan mengurangi kemerduan, resonator pedal tambahan. Kepenuhan dan kekuatan suaranya meningkat secara signifikan, dan warna register yang tidak diketahui terungkap SAYA Pada abad ke-10, ansambel piano memantapkan dirinya sebagai bentuk pembuatan musik yang independen. Literatur yang kaya dan beragam bermunculan. Hampir semua komposer menulis empat tangan untuk piano. SAYA Abad X dan XX.

Ada dua jenis ansambel piano - dengan satu atau dua piano. Duet piano pada dua grand piano paling luas digunakan dalam praktik konser profesional. Kedua instrumen ini memberi pemain kebebasan yang lebih besar, kemandirian dalam penggunaan register, pedal, dll. Kemungkinan piano, berkat kehadiran dua pemain dan dua instrumen, semakin diperluas.

Memainkan empat tangan pada satu piano dipraktikkan terutama di bidang bermain musik rumahan, pendidikan mandiri musik, dan kegiatan pendidikan. Kedekatan para pianis pada keyboard yang sama meningkatkan kesatuan internal dan empati. Berkat ansambel yang mendidik dan repertoar konser diisi ulang dengan karya-karya cerah dan menarik yang diciptakan oleh komposer dari berbagai era.

Setiap guru mengetahui kecintaan anak-anak terhadap permainan empat tangan. Siswa menunjukkan minat yang besar terhadap jenis pembuatan musik ini, yaitu sebuah komponen penting proses pendidikan, dan memberi mereka kesenangan besar.

Bermain dalam ansambel, siswa pertama kali menemukan konsep-konsep seperti sinkronisitas, pukulan identik, keseimbangan dinamis. Berkenalan dengan konsep-konsep seperti denyut auftakt dan intralobar. Penguasaan keterampilan ini diperlukan bagi pemain ansambel untuk memulai permainan bersama secara akurat, untuk memasuki bagian-bagian pekerjaan, dan juga untuk mencapai kinerja yang tersinkronisasi dalam permainan. dengan kecepatan lambat dan saat jeda.

Anak tersebut memperoleh keterampilan bermain ansambel selama pelajaran piano pertamanya. Di sini kita dapat mengingat kata-kata G. Neuhaus yang mengatakan: “Sejak pelajaran pertama, siswa dilibatkan dalam pembuatan musik secara aktif. Bersama gurunya, ia memainkan lakon sederhana yang sudah memiliki makna seni. Anak-anak langsung merasakan nikmatnya mengamati bahkan sebutir karya seni. Meminta siswa memainkan musik yang mereka kenal akan mendorong mereka untuk melakukan tugas musik pertama mereka dengan kemampuan terbaik mereka. Dan ini adalah awal pengerjaan citra artistik, yang harus dimulai bersamaan dengan pelatihan awal bermain piano.”

Jadi, pada awal pelatihan, ketika seorang anak baru belajar membuat suara individu atau nyanyian kecil pada suatu alat musik, berbagai bagian musik terdengar di bagian guru: tanda panggilan untuk siaran musik di radio, atau tiruan dari suatu musik. kotak, dering bel, dll. Dengan demikian, anak segera mengembangkan imajinasi suara: mereka dengan mudah meniru suara jam menara, panggilan kukuk, efek gema, dan banyak lagi. Misalnya, D. Shostakovich “Tanah Air Mendengar”, E. Zakharov “Gema di Pegunungan”, “Malam Senja”, “Jam di Menara”, A. Alexandrov “Bintang”, V. Ovchinnikov “Lonceng Berdering” dalam koleksi I. Ryabov “ Langkah demi langkah".

Siswa juga dapat menampilkan beberapa bunyi yang dirancang secara ritmis, seolah-olah mengiringi, mendukung melodi yang dibunyikan pada bagian guru. Misalnya, pengiring lagu rakyat Rusia “Kalinka” dan Ada pohon birch di ladang”, E. Krylatov “ Ayunan bersayap"dalam koleksi L.A. Barenboim "Jalan Menuju Musik". Karena kaya iringan, kaya warna melodi dan harmonis, pertunjukan menjadi penuh warna dan hidup.

Untuk beberapa waktu, ketika seorang anak belajar memainkan melodi yang paling sederhana, guru akan memunculkan dan memainkan iringan sederhana bersamanya. Selain itu, materi ansambel dapat berupa kutipan dari kartun atau lagu populer. Bagaimanapun, melodi yang terkait dengan teks lebih jelas dirasakan dan diingat lebih baik. Misalnya, “Song of the Lion Cub and the Turtle” oleh G. Gladkov, “Tired Toys Are Sleeping” oleh A. Ostrovsky atau “Winnie the Pooh's Noisemaker”, R. Borisov, E. Krylatov “Lullaby of the Bear”.

Mula-mula siswa cukup menyanyikan melodi tersebut dengan iringan guru. Momen pendidikan juga penting di sini: anak-anak berpartisipasi proses kreatif bersama dengan gurunya.

Perlu dicatat bahwa bermain dalam ansambel pada tahap ini dapat membantu mengkonsolidasikan tata bahasa notasi dan memperoleh keterampilan artikulasi - legato, staccato, non-legato. Misalnya, D. Watt "The Three Little Pigs" - pukulan staccato diperbaiki, sebagai serta tanda reprise dan tanda perpindahan satu oktaf ke atas. Berkat teks puisi, kalimat musik dan suara perkusi terdengar jelas. Vansembles “Santa Claus” dan “Kitty” oleh V. Vitlin – kami memperbaiki pukulan legato.

Jika pada tahap awal pelatihan, seorang anak, bermain dalam ansambel, mendengarkan suara latar harmonis baru di bagian guru, warna ekspresif dan kiasan dari pengiring, maka pada tahap pelatihan berikutnya, di kelas menengah, perhatian siswa diarahkan untuk mendengarkan unsur polifoni, ritme tajam dan warna, suara modal dan harmonis yang menjadi ciri berbagai sketsa genre. Misalnya, M. Glinka “Kamarinskaya”, N. Smirnova “Bolero”, M. Mussorgsky “Gopak” dari opera “Sorochinskaya Fair”, K. Weber “March”.

Ketika tantangan artistik menjadi lebih kompleks, tantangan teknis dalam permainan kooperatif pun semakin kompleks. Siswa, yang bermain dalam ansambel, harus menguasai ritme yang lebih kompleks, belajar mengisolasi hal utama dari keseluruhan suara, memindahkan garis melodi dari satu bagian ke bagian lain, mengayuh dengan benar, dll.

Jadi, teknik ansambel memberikan tuntutan khusus pada pemainnya. Kesulitan utama adalah kemampuan untuk mendengarkan tidak hanya apa yang Anda mainkan sendiri, tetapi pada saat yang sama keseluruhan suara dari kedua bagian, menyatu menjadi satu kesatuan yang utuh secara organik. Saat menampilkan karya ansambel, serta karya solo, diperlukan studi teks penulis yang cermat dan mendetail.

Tugas, kemampuan, dan keterampilan apa yang termasuk dalam permainan ansambel dalam pelajaran piano? Metode dan metode apa yang ada saat mengerjakan koherensi dalam duet piano?

Definisi " ansambel yang bagus" berarti keterpaduan penampilan dan kesatuan aspirasi kreatif para peserta ansambel.

Pertama-tama, kita perlu membicarakan tentang duduk di belakang instrumen. Berbeda dengan penampilan solo, pianis hanya memiliki setengah dari keyboard yang dimilikinya. Pasangan harus bisa “berbagi” keyboard dan menahan siku agar tidak saling mengganggu, terutama saat suara mendekat atau bersilang.

Masalah mengayuh tidak kalah pentingnya dalam permainan ansambel. Seringkali siswa tidak mengetahui hal ini. Perlu dijelaskan apa yang dikayuh pemain bagian kedua, karena biasanya berfungsi sebagai dasar melodi. Dalam hal ini, Anda perlu mendengarkan dengan cermat apa yang terjadi dalam melodi. Efek pedal harus dirancang dengan sangat jelas, karena penggunaan pedal yang tidak tepat, tekstur garis bass, yang seringkali cukup padat, bisa menjadi lebih berat. Jika seorang siswa sedang melakukan bagian kedua, ada baiknya untuk menyarankan agar dia tidak memainkan apa pun, tetapi hanya mengayuh pedal sementara guru atau siswa lain memainkan bagian pertama. Pada saat yang sama, segera menjadi jelas bahwa hal ini tidak mudah dan memerlukan perhatian dan keterampilan khusus.

Kualitas penting lainnya dari permainan ansambel adalah sinkronisitas pertunjukan, yaitu. pemahaman dan perasaan yang sama oleh pasangan tentang tempo dan denyut ritmis. Sepertinya hal paling sederhana adalah mulai bermain bersama. Namun memainkan dua suara secara bersamaan secara akurat tidaklah mudah; hal ini membutuhkan banyak pelatihan dan saling pengertian. Guru harus menjelaskan kepada siswa bahwa untuk masuknya anggota ansambel secara bersamaan, dapat digunakan isyarat yang tidak mencolok dari salah satu pemain ansambel, yang disebut ayunan konduktor atau auftaque. Dengan isyarat ini, ada gunanya menasihati pelakunya untuk mengambil nafas secara bersamaan. Ini akan membuat awal pertunjukan menjadi alami dan organik. Akord yang tidak digabungkan menghasilkan kesan tidak menyenangkan yang sama seperti akord yang tidak digabungkan.

Penting untuk segera membicarakan jeda, yang memiliki makna ekspresif yang sangat besar. Dan meremehkannya adalah kelemahan umum di kalangan siswa. Jeda adalah pernapasan dalam musik, yang bisa pendek atau lebih lama, tetapi selalu bertahan lama waktu tertentu. Yang paling sederhana dan metode yang efektif Untuk mengatasi ketegangan yang timbul pada jeda dan rasa takut ketinggalan momen perkenalan, caranya dengan memutar musik yang diputar dari pasangan. Maka jeda itu tidak lagi menjadi penantian yang menyakitkan dan akan diisi dengan kehidupan. perasaan musik. Dari bar pertama pertunjukan dalam sebuah ansambel, mengharuskan para peserta untuk sepakat sepenuhnya tentang metode produksi suara.

Penting juga untuk mencatat keterampilan ansambel seperti transfer bagian, melodi, iringan, dll oleh mitra satu sama lain "dari tangan ke tangan". Ansambel harus belajar untuk "mengambil" frase yang belum selesai dan menyebarkannya kepada pasangannya tanpa merusak jalinan musiknya. Untuk melakukan ini, siswa harus mampu mendistribusikan perhatiannya: memusatkan perhatian, membaginya, atau mengalihkannya pada saat yang tepat.

Bekerja pada ansambel tempat penting sibuk dengan pertanyaan-pertanyaan yang berkaitan dengan ritme. Membentuk rasa ritme merupakan tugas terpenting seorang guru. Bermain dalam ansambel memungkinkan Anda berhasil mengembangkan rasa ritme. Ansambel menuntut siswa untuk memiliki ritme yang percaya diri dan sempurna, yang memiliki kualitas khusus: harus kolektif, tetapi pada saat yang sama alami dan organik. Kekurangan siswa yang paling umum adalah kurangnya kejelasan ritme dan stabilitasnya. Distorsi pola ritme paling sering terjadi pada ritme titik-titik, saat mengubah durasi, saat mengubah tempo. Kurangnya stabilitas ritme sering dikaitkan dengan kecenderungan untuk berakselerasi. Hal ini biasanya terjadi ketika kemerduan meningkat dalam kekuatan atau dalam lintasan yang cepat.

Saat bermain dengan seorang guru, siswa berada dalam batas ritme metro tertentu. Bermain ansambel tidak hanya memberikan kesempatan kepada guru untuk mendiktekan tempo yang benar, tetapi juga membentuk rasa tempo yang benar dalam diri siswa. Hal ini diperlukan untuk mencapai keakuratan dan kejelasan pola ritme.

Perlu disebutkan dinamika eksekusi. Rentang dinamis permainan empat tangan tidak boleh lebih sempit, tetapi lebih luas dibandingkan bermain solo, karena Kehadiran dua pianis memungkinkan Anda menggunakan keyboard secara lebih maksimal dan menciptakan suara instrumen yang lebih lengkap dan kaya.

Repertoar ansambel piano dapat dibagi menjadi komposisi asli yang dibuat khusus dan transkripsi musik simfoni. DI DALAM proses pendidikan Kedua jenis ini dapat digunakan. Karya orkestra merupakan bahan yang sangat baik untuk membaca sekilas, kegiatan untuk mengembangkan keterampilan orientasi cepat teks musik. Karya duet orisinal memerlukan pemolesan penampilan yang cermat dan menyeluruh.

Panduan modern untuk siswa piano pemula mencakup berbagai materi untuk memainkan empat tangan. Koleksi berikut banyak digunakan dalam praktik pedagogi: V. Ignatiev, L. Ignatiev “Saya ingin menjadi seorang musisi”, M. Sokolov “The Little Pianist”, L. Barenboim, N. Perunova “The Path to Music”, dll .

Di sekolah menengah, ketika siswa sudah menguasai keterampilan dasar memainkan alat musik, musik jazz dapat ditambahkan ke dalam khasanahnya. Anak-anak sangat menyukainya, mereka mengembangkan ritme siswa, memperkaya kesan pendengaran mereka dengan bahasa musik baru dan harmoni jazz. Misalnya, M. Schmitz “Orange Boogie”, S. Joplin “Variety Artist”, N. Smirnova “In the Rain” dan “Ragtime”.

Gaya permainan jazz dibedakan dari produksi suaranya yang sangat aktif dan memerlukan sentuhan khusus dan spesifik dari pemainnya.

Oleh karena itu, peranan permainan ansambel dalam pembelajaran bermain piano sangatlah penting. Dia mengajarkan segalanya: ritme, pembelajaran cepat notasi musik, memahami strukturnya bentuk musik, sikap sadar terhadap bisnis, tanggung jawab. Inilah seni melakukan dialog dengan pasangan, yaitu. saling memahami, mampu mengalah tepat waktu dan mengalah tepat waktu. Jika seorang anak menguasai seni ini dalam proses pembelajarannya, maka diharapkan ia berhasil menguasai seluk-beluk bermain piano.

literatur

1. Alekseev A.D. Metode belajar bermain piano / A.D. Alekseev -M.:Musik,

1978. – 289 hal.

2. Neuhaus G.G. Tentang seni bermain piano / G.G. Neuhaus - M.: Musik, 1982. - 299 hal.

3. Sorokina mis. Duet piano: Sejarah genre / E.G. Sorokina. – M.: Musik,

1988. - 319 detik

4. Gottlieb A.D. Pelajaran pertama dari ansambel piano / A.D. Gottlieb // Masalah pedagogi piano [di bawah redaksi umum V. Nathanson.] – Edisi 3. – M.: Musik, 1971. -DENGAN. 91-98.

Ensemble adalah kata yang familiar bagi semua orang. Kata ini sering digunakan untuk merujuk pada hal-hal yang tidak ada hubungannya dengan musik. Misalnya ansambel arsitektur. Diterjemahkan dari bahasa Perancis, “ensemble” berarti koherensi dan koherensi. Inilah komponen terpentingnya. Melakukan sesuatu bersama-sama dan melakukannya secara sinkron.

Rahasia utama dan kesuksesan konstan ansambel ini terletak pada sinkronisitas. Ansambelnya berbeda-beda, dan bergantung pada jumlah musisi, mereka punya nama sendiri. Kata-kata seperti duet, trio, kuartet dikenal bahkan oleh orang yang jauh dari musik.

Ada beberapa kehalusan dan nuansa yang perlu diperhatikan hingga menjadi kebiasaan.

Pertama-tama, permainan yang bagus! Pertunjukan yang salah akan meniadakan segala usaha baik dan menimbulkan ketidakpuasan penonton. Anda harus bekerja pada sistem dan bekerja keras.

Semua anggota ansambel harus benar-benar mengikuti genre atau gaya permainan musik yang sama. Pemahaman yang berbeda tentang sebuah karya musik dari sudut pandang orientasi musik tidak dapat diterima. Misalnya, waltz harus terdengar persis seperti waltz, dan jika, tiba-tiba, seseorang kehilangan karakter waltz dan memainkan sesuatu yang mirip dengan pawai, ansambelnya akan “berantakan”.

Pemahaman yang sama tentang tempo dan ritme. Semua musisi adalah manusia, bukan metronom, dan ada yang cenderung memperlambat tempo, sementara yang lain cenderung mempercepat. Hal ini perlu diwaspadai seperti halnya ritme, karena pemahaman ritme yang menyimpang juga akan menyebabkan kurangnya koherensi dan sinkronisitas.

Bermain dalam ansambel membutuhkan sentuhan performa yang sama. Sepintas memang terlihat tidak begitu signifikan, namun nyatanya perbedaan guratan merupakan ketidakharmonisan suatu musik, yang dapat dihindari jika kita menganalisis secara cermat sebuah karya musik.

Kami tidak meninggalkan “ekor” apa pun! Frase musikal harus diakhiri dan dimulai pada saat yang sama, kecuali, tentu saja, ada hal lain yang dimaksudkan pada awalnya. Ending yang tidak diselesaikan secara bersama-sama oleh seluruh anggota ansambel sangat jelek dan ceroboh untuk didengarkan.

Konsistensi dinamis. Penampilan solo sebaiknya dilupakan saat bermain dalam ansambel. Jika musisi memimpin tema utama, ia harus bermain lebih cerah, tetapi pada saat counterpoint atau iringan, suaranya harus dikurangi.