"konser dan pertunjukan kompetitif". Mempersiapkan siswa untuk pertunjukan konser
Pratinjau:
1. Pertunjukan konser sebagai tahapan tertinggi dalam sebuah karya musik;
2. Landasan psikologis dari kegembiraan konser. Cara dan teknik mengatasinya;
3. Mempersiapkan siswa untuk mengikuti kompetisi. Beberapa tip metodologis.
Perkenalan
Pengungkapan hakikat tahapan persiapan pemain untuk pertunjukan konser, ciri-cirinya, ciri-ciri metode dan teknik utama mengatasi kecemasan panggung.
1. Pertunjukan konser sebagai karya panggung tertinggi
atas sebuah musik
Tahapan tertinggi dalam menggarap sebuah karya musik adalah konser dan penampilan panggungnya. Presentasi publik tentang hasil kerja keras dan panjang merupakan tanggung jawab tersendiri, tetapi juga merupakan kesempatan untuk menunjukkan kepada pendengar sebuah karya yang mereka sukai sejak pertama kali mengenalnya, kesempatan untuk menyampaikan kegembiraan emosional mereka. desain artistik dan seputar gambar karya ini, perasaan dan pemahaman Anda tentang musik ini. Tanggung jawab berbicara di depan umum meningkat dalam kondisi tersebut proses pendidikan, jika ini adalah konser pelaporan di mana pencapaian periode pelaporan dinilai dan diberi nilai.
Metode persiapan pertunjukan konser menjadi perhatian utama para guru musisi. Mereka telah mengembangkan berbagai teknik yang efektif digunakan dalam praktik pedagogi musik. Diketahui bahwa pertunjukan konser memerlukan konsentrasi energi mental yang cepat dan maksimal selama satu kali pertunjukan, ketahanan emosi dan fisik selama pertunjukan publik suatu karya musik, mobilisasi khusus sumber daya mental, fisik dan intelektual serta disiplin internal yang ketat.
Tidak berlebihan jika dikatakan bahwa persiapan pertunjukan konser diawali dengan pemilihan program. Tentu saja, berbaikan repertoar pendidikan siswa, guru memperhitungkan persyaratan program, tugas langsung dan paling mendesak untuk mengembangkan kualitas profesional siswanya, keinginannya. Tetapi dalam repertoar siswa, pada tahap kedua pengerjaan karya, perlu untuk menandai karya-karya yang memungkinkan dengan cara terbaik menyajikan pencapaiannya selama periode pelaporan. Siswa diharapkan menyukai karya-karya ini dan membangkitkan dalam dirinya keinginan untuk menguasainya, sehingga kualitas pribadi terbaiknya dapat terlihat jelas di dalamnya. Tingkat kompleksitas teknis dan artistik dari karya-karya ini tidak boleh melebihi kemampuan pertunjukan siswa pada tahap perkembangannya, tetapi pada saat yang sama, akan berguna jika kinerja karya-karya tersebut dapat menunjukkan pertumbuhan profesionalnya secara bertahap.
Karya-karya seperti itulah yang memungkinkan pemain pada setiap tahap pelatihannya mendengar kebebasan improvisasi, yang merupakan indikator utama kesiapan artistik dan teknis program. Kebebasan improvisasi ini memungkinkan Anda untuk menikmati pertunjukan panggung apa suatu kondisi yang diperlukan pelaku pendidikan profesional. Kami ingin menambahkan bahwa karya yang membutuhkan usaha ekstrim dari siswa tidak disarankan untuk ditampilkan dalam konser pertunjukan, meskipun sangat berguna untuk memasukkannya ke dalam repertoar, terutama jika sesuai dengan keinginan pribadi siswa. Dengan cara ini, guru menghilangkan terlebih dahulu bagian kegembiraan panggung yang muncul karena kompleksitas yang tak terkalahkan.
Tentu saja, pertunjukan konser tidak hanya mengungkapkan bakat dan bakat pribadi siswa, namun, yang terpenting, tingkat kemandirian profesionalnya. Oleh karena itu, sangat penting bahwa selama persiapan pertunjukan konser dan pada pertunjukan itu sendiri, siswa dapat mengatur dirinya sendiri, mengendalikan dirinya dan, setelah konser, memberikan penilaian independen terhadap penampilannya.
Bagian terpenting dari pertunjukan konser: latihan akhir, perilaku pada hari pertunjukan, masuk dan keluar panggung, awal pertunjukan. Mari kita perhatikan beberapa rekomendasi metodologis mengenai hal tersebut.
Latihan terakhirdiadakan di ruangan tempat pertunjukan akan berlangsung agar lebih mengenal ruangan itu sendiri dan akustiknya. Untuk meningkatkan tanggung jawab pelaku, sangat berguna untuk mengundang masyarakat (guru lain, siswa di kelas Anda, teman) untuk menghadiri latihan ini. Latihan terakhir melibatkan pelaksanaan seluruh program satu kali yang paling bertanggung jawab sesuai urutan penampilan karya di konser. Sebelum latihan terakhir, perlu dilakukan latihan pendahuluan dalam jumlah yang sesuai (reproduksi holistik dari keseluruhan program), yang dapat dilakukan baik di rumah maupun di ruangan lain. Dan ada prasangka bahwa pertunjukan konser selalu lebih buruk daripada pertunjukan latihan. Namun pada kenyataannya, latihan yang sukses memungkinkan Anda menilai tingkat persiapan pemain dan menunjukkan potensi kinerja yang lebih sukses jika pemain bergerak dan tidak berpuas diri.
Pada hari konser Sebagian besar pemain dan musisi mengalami “kecemasan sebelum konser.” Intensitas kecemasan tidak berhubungan langsung dengan kualitas pertunjukan: bahkan dengan kecemasan yang sangat kuat, hasil yang baik dapat dicapai, dan tanpa adanya kecemasan, Anda dapat mencapai hasil yang baik. bisa santai dan bermain buruk.
Pedoman perilaku pada hari pertunjukan hampir sama. Penting untuk menjaga energi saraf dan mental, tidak banyak membaca, tidak berbicara, tidak menonton TV. Disarankan untuk bermain sedikit, dan berhasil program konser kalah dengan lambat, terkendali secara emosional. Diketahui bahwa pada hari konser, ada gunanya bermain sebanyak memikirkan lagu-lagu dengan not di tangan Anda. Terakhir, berguna untuk memutar bahan ajar, serta karya-karya yang telah dipelajari dengan baik dan telah berhasil dimainkan satu kali dalam sebuah konser. Pemulihan koordinasi elemen permainan yang dicapai sebelumnya memiliki efek yang bermanfaat pada implementasi program baru.
Tidak disarankan melakukan percakapan yang tidak berarti di kamar artis. Juga tidak perlu berjalan mengelilingi ruangan secara diam-diam. Sebaiknya duduk dengan tenang dalam posisi yang nyaman, dengan otot rileks (guru harus mengajarkan hal ini terlebih dahulu). Jika perlu “bermain tangan”, dimungkinkan untuk memainkan tangga nada, etudes, atau dengan kecepatan lambat episode individu dari karya konser. Namun yang paling berguna adalah memilah-milah episode program yang berbeda dalam memori tanpa alat. (Pada saat yang sama, pemeriksaan semacam itu tidak boleh berubah menjadi “pencarian tautan lemah”!).
Momen yang sangat penting muncul sebelum penampilan di atas panggungmemasuki gambar.Meskipun pada hari konser pemain hidup dalam gambaran program konsernya, sebelum pertunjukan dimulai, perlu untuk membangkitkan suasana hati yang kreatif dan bersemangat secara emosional. Hal ini dicapai dengan mengingat yang paling intens secara emosional dan episode cerah karya, detail karakteristik musik. Mengingat karakteristik verbal sangat berguna tema musik dan episode (itulah mengapa sangat penting untuk menggunakannya dalam pekerjaan sehari-hari!).
Hal ini diperlukan untuk berlatih dengan siswa beberapa kalimasuk dan keluar panggung.Yang paling dapat diterima di sini adalah energi dan daya tahan, rasa bermartabat dan kesopanan. Tidak perlu lama-lama mencari tempat duduk yang nyaman, menggosok-gosok tangan, beraktivitas sia-sia, melihat-lihat aula, mencari microphone, dll. - semua ini harus dilakukan dengan cepat, tanpa menunjukkan kegembiraan yang berlebihan.
Hal ini berguna untuk mengajar siswa menggunakan beberapa detik yang berlalu antara naik ke panggung dan mulai bermain untuk memeriksa keadaan peralatan pertunjukan, menciptakan attunement emosional dan otot yang diperlukan, dan menetapkan tempo awal dari lagu pertama.
Setelah menyelesaikan program, Anda tidak perlu meninggalkan tempat Anda. Penting untuk berhenti sejenak, membiarkan musik “berhenti”, lalu berdiri dengan bermartabat, membungkuk kepada penonton dan meninggalkan panggung dengan kecepatan yang tenang.
Mari kita tambahkan bahwa tidak, yang paling dekat pekerjaan persiapan tidak membebaskan pelaku dari aktivitas yang intens selama pidato. Aktivitas kreatif Pada saat yang sama, hal itu harus dikombinasikan dengan pengendalian diri dan pengendalian diri, memungkinkan Anda mengelola kinerja Anda dan mencapai hasil artistik yang paling bermanfaat.
Sedangkan bagi para siswa, banyak dari mereka yang sama-sama kurang dalam kedua hal tersebut: mereka tidak cukup terlibat dan tidak cukup sadar baik dalam mengerjakan pekerjaan rumah maupun di atas panggung. Hal ini memaksa kita untuk memberikan perhatian khusus kepada guru pada pembentukannya kualitas yang diperlukan sepanjang waktu bekerja dengan siswa.
2. Fondasi psikologis dari kegembiraan konser. Cara dan teknik untuk mengatasinya
Latihan panggung menimbulkan masalah dalam mengatasi kecemasan panggung yang berbahaya. Menciptakan kondisi yang menguntungkan untuk kegiatan konser yang bermanfaat, dan oleh karena itu pengembangan setiap bakat musik dengan kesuksesan maksimal, adalah salah satu tugas penting teknik musik. Oleh karena itu, tidak mengherankan jika musisi, artis, dan guru terkenal terbaik mencurahkan banyak halaman untuk mengatasi masalah kecemasan panggung.
Kemeriahan saat tampil di konser menandakan tingginya tanggung jawab sang musisi.
Jika kegembiraan tidak melampaui batas-batas alam, hal itu berkontribusi pada pertunjukan yang diilhami ilahi. G. Neuhaus mencatat hal itu alasan utama kegembiraan seperti itu: ... “intensitas spiritual yang tinggi, yang tanpanya mustahil membayangkan seseorang dipanggil untuk “berjalan di depan orang lain”, kesadaran bahwa ia harus memberi tahu orang-orang yang berkumpul untuk mendengarkannya sesuatu yang penting, signifikan, yang sangat berbeda dari pengalaman, pikiran, dan perasaan sehari-hari. Kegembiraan seperti itu, - tegas G. Neuhaus, - adalah kegembiraan yang baik dan perlu, dan mereka yang tidak mampu, yang naik ke panggung saat pejabat mulai bekerja, yakin. bahwa hari ini dia akan memenuhi tugasnya - dia tidak mungkin menjadi seniman sejati."
Namun terkadang ada kasus kecemasan yang melampaui batas yang dapat diterima dan menyerupai penyakit. Kecemasan ini sangat umum terjadi di kalangan remaja dan musisi yang tidak memiliki cukup latihan panggung. Sesaat sebelum konser, tangan terasa dingin atau sebaliknya tangan berkeringat, ada yang terasa ringan, ada yang terasa berat, ada yang mengantuk, merasa tidak aman, takut, sesak napas, timbul gangguan ingatan, dan sebagainya. Kecemasan seperti itu menghalangi pemain untuk menunjukkan bakatnya, sehingga tugasnya psikologi musik dan pedagogi untuk mengetahui penyebab kecemasan ini, dan metode untuk menunjukkan cara mengatasinya.
Di antara alasan-alasan kehebohan pop, ia akan menunjukkan hal-hal berikut:
- ketidaksesuaian karya dengan kemampuan musik dan teknis siswa;
- ketidakpastian karena siswa tidak mengerjakan pekerjaannya secara otomatis, tanpa disadari;
- teksnya belum dipelajari dengan baik “dengan ingatan”;
- peningkatan kritik diri, perhatian berlebihan terhadap kepribadian seseorang;
- sistem saraf lemah, nyeri.
Alasan-alasan yang tercantum di atas memungkinkan kami mengembangkan metode dan teknik untuk memerangi kecemasan pop. Ini termasuk:
Yang pertama adalah penguasaan karya musik yang terkenal dan percaya diri, pemahaman yang jelas tentang karya tersebut secara keseluruhan, sebagai perkembangan alami pemikiran musik.
Kedua: Penguasaan secara sadar atas episode-episode yang secara teknis rumit.
Ketiga: Belajar secara sadar dan aktif atas suatu karya dengan sepenuh hati. Dalam hal ini, perlu dibangun hubungan yang tepat antara kesadaran dan otomatisitas, yang bergantung pada tingkat kompleksitas teks.
Keempat: Latihan sadar dalam tampil di depan penonton, yang menjamin keberanian, pengendalian diri, pemikiran jernih, dan konsentrasi.
Kelima Dukungan sadar tubuh - peningkatan jumlah vitamin, diet seimbang, latihan fisik, penguasaan keterampilan self-hypnosis, tidur yang cukup, rekreasi luar ruangan.
3. Mempersiapkan siswa untuk mengikuti kompetisi.
Beberapa tip metodologis.
Sejarah kompetisi musik membuktikan peran penting mereka, terkadang menentukan nasib para pemainnya era yang berbeda. Dan berlebihan jika dikatakan bahwa setiap guru memimpikan kesuksesan karir profesional muridnya yang paling berbakat. Saat ini, cara paling tradisional dan efektif untuk mencapai tujuan tersebut adalah dengan berpartisipasi dan memenangkan kompetisi musik bergengsi. Hal ini mungkin menjadi alasan mengapa jumlah pekerja musik di dunia terus bertambah setiap tahunnya. Dan hal ini tidak mengherankan, karena kompetisi musik adalah salah satu peluang paling meyakinkan untuk membuktikan nilai profesional dan kedewasaan seseorang.
Kegiatan konser sangat berbeda dengan kegiatan kompetitif, yang pertama-tama disebabkan oleh tidak adanya unsur perbandingan. Setiap musisi yang berpartisipasi dalam sebuah konser, terlepas dari kualitas penampilannya, dapat mengandalkan simpati penonton, yang disebabkan oleh salah satu kualitasnya: keberanian, emosionalitas, keahlian, spontanitas, dll. Dan begitulah reaksi penonton (termasuk anggota komisi, jika konser tersebut merupakan laporan ujian). Karena selama konser kriteria utama keberhasilan adalah reaksi penonton, dapat dikatakan bahwa dalam pertunjukan konser tidak ada tanggung jawab tingkat tinggi dan ketegangan maksimum yang merupakan atribut wajib dari audisi kompetitif. Intinya adalah itu tujuan utama peserta kompetisi - untuk membuktikan keunggulan pribadinya atas lawannya, untuk mencapai keunggulan yang diberikan oleh juri tinggi. Dan keputusan juri adalah musisi terbaik tanah air dan dunia. - Dibuat sesuai dengan sistem pemeringkatan yang tidak memberikan konsesi (dengan mempertimbangkan pencapaian pesaing di masa lalu, kondisi fisik dan mentalnya, kompensasi atas kesalahan teknis dalam musikalitas, emosionalitas, dll.). Mengingat spontanitas tertentu dalam melakukan aktivitas, bisa dibayangkan gelar tertinggi ketegangan saraf, sebagai menyertai kinerja kompetitif. Ketidaknyamanan mental dan fisik semakin dalam karena faktor-faktor lain: perubahan kondisi kehidupan, kompleksitas perpindahan, kebutuhan untuk segera menyelesaikan banyak masalah organisasi, kurangnya dukungan dari anggota keluarga dan teman, dll.
Agar proses persiapan kompetisi dapat membuahkan hasil, dan partisipasi itu sendiri dapat berhasil, guru dan siswa harus memiliki pribadi dan kualitas profesional. Interaksi mereka harus didasarkan pada pedagogi kerja sama, yang menyediakan hubungan kepercayaan yang cukup demokratis. Selain itu, dukungan dari kerabat pesaing juga diperlukan.
Keunikan metodologi persiapan kompetisi musik, pertama-tama, terletak pada kegiatan terorganisir(dokumen, organisasi relokasi, dll.), pengaturan kesejahteraan fisik dan mental musisi, menguasai cara-cara untuk menciptakan kondisi bermain yang optimal bagi kontestan. Sedangkan untuk pemilihan dan persiapan program, peningkatan tanggung jawab yang terkait dengan kegiatan kompetitif memerlukan perhatian khusus dari guru pada setiap tahapan pekerjaan siswa pada karya musik.
Suasana psikologis seorang musisi bergantung pada fase spesifik dari kegembiraan pop, serta karakteristik pribadinya. Selama masa persiapan kompetisi, berbagai metode (pelatihan autogenik, percakapan, sugesti, hipnosis) dapat digunakan, yang banyak digunakan dalam praktik pekerja olahraga saat ini. Segera sebelum pertunjukan, metode yang paling efektif adalah self-hypnosis, karena pada saat ini informasi apa pun dari luar hampir tidak dirasakan. Perbedaan mendasar kompetitif persiapan psikologis dari tune-up sebelum pertunjukan konser tidak boleh menenangkan, tetapi malah menimbulkan aktivitas yang maksimal, menimbulkan “suasana juang”, keinginan bermain dan keinginan untuk menang, dengan memperhatikan distribusinya. kekuatan dan energi untuk semua putaran kompetisi.
Pemeriksaan mendetail terhadap struktur kompetisi musik modern memberikan alasan untuk menegaskan bahwa keserbagunaan dan keragamannya memberikan pilihan kepada musisi dari tingkat mana pun. Prestasi Penampil Belarusia di kancah musik internasional, mereka aktif aktivitas kreatif, tingkat tinggi pelatihan kejuruan- semua ini menunjukkan kebutuhan mendesak untuk menciptakan metodologi khusus yang ditargetkan untuk mempersiapkan kompetisi musik di semua tingkat pendidikan musik.
Kesimpulan
Titik tertinggi dari proses pertunjukan adalah pertunjukan konser, di mana pemain, sebagaimana rekan-rekannya tampil, berada bersama pencipta komposer, dan bukan sekadar perantara antara dirinya dan penonton. Pemahaman pendengar terhadap sebuah karya musik bergantung pada bagaimana pelaku memahami ide artistik pengarangnya dan bagaimana ia mampu mewujudkannya.
Tanggung jawab terhadap misi yang tinggi menentukan kegembiraan panggung alami dari pemain, yang membantunya dan mendorong pertunjukan yang diilhami secara ilahi.
Semua kasus kecemasan yang berbahaya dan “destruktif” dikaitkan dengan kurangnya kesadaran pelaku terhadap pekerjaan tersebut dan harga dirinya yang meningkat.
Antara konser dan pertunjukan kompetitif Ada banyak perbedaan yang mendasar dan terwujud pada tingkat tujuan dan sasaran, serta pada tingkat organisasi, emosional dan psikologis. Oleh karena itu, metode mempersiapkan siswa untuk satu kali pertunjukan konser dan untuk berpartisipasi dalam kompetisi kompetitif akan berbeda.
Konsep kunci: pertunjukan konser, kegembiraan pop, kesejahteraan panggung, kompetisi, kompetisi musik.
Referensi:
1. Barenboim L. Pedagogi dan pertunjukan musik, Leningrad: Musik, 2000.
2. Vicinskiy A. Ragam pertunjukan // Vicinskiy A. Proses seorang pianis-pemain menggarap sebuah karya musik. - M.: Klasik, 2004.
3. Hoffman I.. Permainan publik // Hoffman I.. Permainan piano. Jawaban atas pertanyaan tentang bermain piano. - M. : Gosmuzidat, 2010
4. Kogan G. Di gerbang penguasaan. - M.: Klasik, 2004.
5. Maykapar S. Bacaan pertama // Maykapar S. Cara mengerjakan royalti. - L.: Muzgiz, 2010.
6Neigauz G. Tentang kegiatan konser // Neuhaus G. Tentang seni bermain piano. - M.: Musik, 2012.
Departemen Kebudayaan Kota Kursk
lembaga pendidikan anggaran kota
"Sekolah Seni Anak No. 2 dinamai I.P. Grinev" di Kursk
“Mempersiapkan pianis muda untuk tampil di depan umum”
Disusun oleh:
guru
kategori kualifikasi tertinggi
MBOU DODSHI No.2 dinamai menurut namanya. I.P.GrinevaShapovalova Elina Gennadievna
Kursk, 2014
Artikulasi
Salah satu sarana ekspresi utama dalam musik adalah artikulasi - cara mengucapkan pidato musik.
Sayangnya harus diakui bekal teknik artikulatoris di kalangan siswa Sekolah Seni Anak masih kurang dan monoton, sedangkan pewarnaan bunyi legato, non-legato, dan staccato memerlukan variasi dan fleksibilitas. Seberapa sering, ketika dibawakan oleh siswa sekolah, Anda mendengar melodi ringan yang membutuhkan cantilena yang dalam; kelembutan di mana suaranya harus kering, ditandai; staccato selalu memiliki warna yang sama; non legato tanpa memperhatikan durasi catatan atau fungsinya dalam konteks. Akibat dari kemiskinan teknik motorik tersebut adalah bunyi karya yang monoton dan, yang lebih parah lagi, keseragaman penampilan karya-karya komposer. era yang berbeda dan gaya.
Siswa harus menguasai jenis artikulasi berikut:legatocantabile- yaitu, dalam, merdulegatoDanlegatobenarticolato- yaitu, jelas, artikulasilegato; nonlegato- berat yang dalamportamento, di mana sulit untuk menangkap akhir suara yang tepat, dannonlegatoakurat secara metrik, di mana suara sama dengan setengah durasinya; lembutstaccato, Danstaccato, mirip dengan suara biolapedas, dilakukan tanpa gerakan pergelangan tangan, dan sangat singkatstaccato, mirip dengan biolapizzacato.
Tugas guru adalah mengajar siswa untuk menghidupkan kelompok otot yang diinginkan, membangun kembali pekerjaan mereka, mematikan, katakanlah, otot-otot besar dan termasuk otot-otot kecil yang terletak di pergelangan tangan, mengajar mereka untuk menggunakan lebih banyak atau lebih sedikit beban tangan, kurang lebih massanya - yaitu, mengajarkan segala sesuatu yang membentuk teknik permainan yang diperlukan untuk benar-benar mewujudkan suara yang diinginkan.
Analisis pekerjaan
Bagaimana cara mempelajari sebuah karya musik? Tentunya dalam mempelajari sebuah karya musik membutuhkan pembagian.
Nathan Perelman dalam bukunya “In the Piano Class” menulis:
“Belajar dengan baik berarti terampil membedah materi; dibedah, kemudian dengan mudah diartikulasikan.
Belajar menghancurkan materi tanpa berpikir panjang adalah hal yang buruk: jika dihancurkan, sulit baginya untuk mengejarnya.”
Anak-anak sering kali belajar dari awal sebuah baris, tidak memperhatikan fakta bahwa ini adalah bagian tengah dari sebuah frasa, atau mereka belajar dari ketukan pertama suatu takaran, tidak memahami bahwa frasa tersebut dimulai dengan nada yang ceria, dan berhenti sebelum nada tersebut. garis bar, meskipun frasa tersebut berakhir pada takaran berikutnya. Ketika menugaskan untuk mempelajari sebuah drama di rumah dalam beberapa bagian, Anda harus meminta siswa untuk menunjukkan bagaimana dia berpikir untuk membagi drama tersebut, dan, jika perlu, memperbaiki kesalahannya, menjelaskan mengapa demikian dan bukan sebaliknya.
Belum sepenuhnya mengetahui keseluruhan teks, siswa biasanya memainkan bar-bar awal lakon dengan cukup cepat, dan kemudian menjadi semakin buruk. Hal ini dijelaskan oleh fakta bahwa setiap hari, ketika anak-anak belajar di rumah, mereka mulai belajar dari awal, mereka berhasil mempelajari beberapa frasa, tetapi tidak ada waktu tersisa untuk sisa pekerjaan. Dalam kasus seperti itu, ada gunanya meminta pekerjaan rumah untuk dipelajari dalam urutan terbalik - yaitu, dimulai dengan bagian terakhir atau tersulit dari permainan tersebut. Dan pastikan untuk memainkan bagian-bagian yang dipelajari bersama-sama atau seluruh bagian yang dihafal setidaknya sekali sehari.
Bentuk musik
Kemampuan membedah sebuah karya dengan benar memerlukan pemahaman tentang batasan frasa dan bentuk karya musik. Batasan frase, tanya jawab, bentuk dua dan tiga bagian paling sederhana - konsep sudah tersedia 6 - 7 anak berusia satu tahun. Pada tahun-tahun studi berikutnya, akumulasi pengetahuan yang sistematis memungkinkan siswa untuk memahami dan mengingat aturan dasar rencana nada dari bentuk tiga bagian: hubungan antara nada suara bagian ekstrim dan tengah; dan rencana nada sonata allegro: eksposisi tidak berakhir pada kunci utama. Kami mengenali awal perkembangan dengan munculnya kunci baru; perkembangannya mengarah pada reprise, yang diawali dengan tema utama pada kunci utama; hubungan nada antara bagian utama dan sekunder dalam eksposisi dan reprise.
Anda juga harus mengembangkan pendengaran yang harmonis secara konsisten dan sistematis. Memahami Bentuk dan Bidang Tonal karya musik mempromosikan pendidikan dan pengembangan memori logis.
Ingatan
Pentingnya memori untuk kesejahteraan percaya diri selama tampil di depan umum tidak diragukan lagi merupakan salah satu...
Bagaimana cara belajar dengan ingatan? Setiap pianis mengajar karya musik pada piano dengan nada dan pada piano tanpa nada. Anak-anak, terutama mereka yang memiliki memori pendengaran atau motorik musik yang lemah, menghabiskan banyak waktu untuk belajar dengan hati. Dalam pekerjaan rumah, kesadaran tidak banyak berpartisipasi, pekerjaannya sebagian besar bersifat mekanis, prosesnya lama, dan hasilnya sedikit. Pekerjaan seperti ini membosankan, dan kebosanan adalah musuh pembelajaran.
Selain mempelajari suatu karya dari not dan tanpa not, I. Hoffman juga menawarkan metode berikut: dari not tanpa piano dan tanpa not dan tanpa piano. Metode yang dikemukakan Hoffman mengutamakan kerja aktif kesadaran dan pendengaran batin.
Cara pertama - dengan not-not tanpa piano - dapat dibagi menjadi 2 tahap: menutup piano, memainkan tutup sesuai not-notnya: melepaskan tangan dari tutup piano, bermain secara mental, melihat not-notnya.
Cara kedua - tanpa not dan tanpa piano - jauh lebih sulit dan membutuhkan persiapan bertahap. Untuk memulainya, siswa memainkan bagian atas piano tanpa nada. Paling sering, ini dicapai tanpa banyak kesulitan, karena area tutup piano sesuai dengan area keyboard, dan kesan spasial dari interval tidak berubah. Kemudian tugasnya menjadi lebih rumit: bermain berlutut tanpa nada. Dengan memantau pergantian jari, guru akan dengan mudah mendeteksi kesalahan jika terjadi. Anda tidak dapat mengabaikan kesalahan. Anda harus menghentikan siswa tersebut, menawarkan untuk melihat catatannya dan, mengingatnya, ulangi bagian yang diingat dengan kuat tanpa catatan.
Setelah menguasai metode tambahan seperti itu, Anda dapat mencoba memainkan lagu tersebut secara mental. Tidak sulit untuk memeriksa apakah seorang siswa dapat memainkan sebuah karya secara mental. Siswa memainkan sebuah karya pada piano dengan tempo tertentu. Pada saat yang sama, 2 drama ditulis dengan tempoAlegroatauPresto, bermainlah secara mental lebih cepat daripada tempomoderatoritu dilarang. Setelah beberapa bar, guru memberikan tanda yang telah diatur sebelumnya, misalnya bertepuk tangan, dan siswa terus bermain secara mental. Kemudian tepuk tangan lagi, dan piano kembali dimainkan. Jadi, bergantian antara permainan nyata dan mental, mainkan keseluruhan permainan. Jika siswa, setelah memainkan bagian itu secara mental, memasuki piano dengan irama yang sama dengan gurunya, maka dia bermain secara mental dengan benar. Tentu saja bisa saja terjadi selisih 2-3 lembar. Hal ini tidak berarti bahwa siswa tersebut melakukan kesalahan. Dia bisa saja melambat sedikit.
Cara menghafal ini tentu yang paling bisa diandalkan. Seorang siswa yang dapat memainkan seluruh bagian secara mental merasa jauh lebih tenang di atas panggung dibandingkan mereka yang mengajar secara mekanis.
Perlu ditambahkan bahwa untuk anak-anak yang masih memiliki ingatan fotografis masa kanak-kanak, metode ini tidak diperlukan, tetapi bagi remaja yang memasuki masa remaja, metode ini sangat berharga.
Namun, mungkin ada siswa di kelas guru yang tidak dapat memainkan sebuah karya tanpa nada dan tanpa piano. Ini paling sering adalah anak-anak dengan pendengaran internal yang belum berkembang. Siswa tersebut dapat ditawari teknik mekanis: setelah memecah bagian tersebut, tandai setiap bagian dengan nomor dan tanyakan dari nomor mana pun tanpa catatan - “dalam rincian,” seperti yang dikatakan anak-anak.
Kadang-kadang dalam etudes terdapat rangkaian bagian atau konstruksi stereotip yang dapat diperlihatkan kepada siswa sehingga ia dapat memainkannya bahkan sebelum dianalisis, tanpa melihat catatannya. Banyak contoh yang dapat diberikan.
Mari batasi diri kita pada dua sketsa.
Behrens Etude No.26, bar 33-40.
Mainkan sepertiga dalam urutan yang sama dengan jari kedua dan ketiga:
Alternatif keenam dan ketiga:
Ajaklah siswa untuk memainkan nada keenam dengan jari pertama dan kelima pada tuts putih dalam jarak dua oktaf:
Susun akordnya, yaitu mainkan seperti yang tertulis di not. Anda juga dapat mempelajari bagian menurun yang dibangun di atas tiga serangkai yang diperkecil.
Etude oleh K. Czerny op. 299, No. 5, ukuran 39-42. Guru memainkan melodi:
Caranya cukup sederhana sehingga siswa kelas lima atau enam bisa langsung menghafalnya dan memainkannya dengan fingering yang agak tidak biasa – masing-masing berbunyi dengan jari pertama tangan kanan.
Kemudian, dari setiap bunyi melodi, mainkan tangga nada menaik satu oktaf pada tuts putih, seperti yang tertulis dalam nada, tetapi tanpa melihat nadanya.
Dengan tangan kiri Anda, mainkan tangga nada menurun dari C mayor dari “C” pada oktaf pertama hingga “C” pada oktaf minor, dengan setiap bunyi dimainkan dengan jari kelima. Kemudian, dari setiap bunyi tangga nada, mainkan tangga nada menaik satu oktaf pada tuts putih.
Setelah menguasai bagian masing-masing tangan dengan cara ini, siswa biasanya berhasil memainkan bagian yang sulit ini dengan kedua tangan sekaligus tanpa nada.
Dengan cara yang sama, Anda dapat menunjukkan bagian tangan kiri pada empat hitungan sebelumnya (35-38), yang memungkinkan, dengan menganalisis nada, untuk mengarahkan perhatian pada dua suara yang sulit di bagian tangan kanan. tangan.
Etude dengan tekstur seperti ini, seperti arpeggio pendek, sangat berguna untuk dianalisis terlebih dahulu dengan akord. Berikut adalah beberapa contoh sebagai contoh:
Jika siswa belum dapat memainkan akord empat nada, Anda dapat membatasi diri pada akord dua nada.
Studi Czerny - Germer No.35:
Studi oleh Czerny op. 299, No.3:
Leshhorn, op. 66, studi no.9:
Kemampuan untuk “melihat ke depan”, untuk meliput sekelompok catatan sekaligus tidak hanya membantu lebih banyak menghafal cepat, mengembangkan keterampilan membaca lembaran, tetapi, yang paling penting, menggeneralisasi sejumlah suara individu menjadi satu kesatuan (akord), mengubah persepsi mental terhadap tekstur memiliki efek menguntungkan pada kelancaran, karena otak mengirimkan perintah bukan ke setiap individu. jari, tetapi pada gerakan tangan untuk menutupi seluruh posisi atau bagian.
Tentu saja, semua yang telah dikatakan tentang metode bekerja pada memori tidak mengecualikan atau menggantikan pekerjaan jangka panjang dan sistematis pada teknik, pada otomatisme motorik. Namun harus diingat bahwa otomatisme yang dikembangkan melalui penyadapan yang tidak berarti, tanpa partisipasi kesadaran, adalah rapuh.
Konsep “teknik” sama sekali tidak direduksi menjadi konsep permainan cepat, cekatan dan keras. Konsep pertama jauh lebih luas, lebih luas, karena teknologi pada dasarnya adalah metode ekspresi artistik. Ini tidak hanya mencakup kecepatan dan ketangkasan, yang merupakan prasyarat penting untuk setiap teknik yang baik, tetapi juga ritme eksekusi, dinamika, artikulasi, dll. Pengembangan keterampilan teknis data datang seiring dengan perkembangan pendengaran dan pemahaman musik. Bagaimanapun, yang satu tidak boleh dipisahkan dari yang lain.
Seringkali dalam diskusi setelah penampilan siswa yang gagal, Anda dapat mendengar “alasan” berikut dari guru: “Dia bermain sangat bagus, tapi sekarang dia mulai mengobrol (bermain).” Fenomena yang disebut “celoteh” ini tidak boleh dilawan secara post factum, namun tidak boleh terjadi. Apa akar penyebab dari “celoteh”? Dalam aktivitas rumah yang salah.
Mengapa bekerja menyelesaikan tempat tertentu, untuk mencapai yang terbaik? Cukup memutar program Anda dua atau tiga kali di rumah sebagai kenang-kenangan. Dan mereka bermain seperti automata, tanpa partisipasi pengendalian diri, atau, seperti yang dikatakan G. Neuhaus, “mereka membuat musik tanpa musik.” Jika Anda bertanya kepada siswa seperti itu bagaimana dia mengerjakan sebuah karya di rumah - dengan atau tanpa catatan? Tidak ada keraguan bahwa jawabannya adalah - tanpa catatan.
Pertama gejala yang mengkhawatirkan Aktivitas di rumah seperti itu tidak muncul satu atau dua hari sebelum pertunjukan, melainkan jauh lebih awal. Entah ada ketidakakuratan dalam artikulasi, lalu ada fingering acak yang merayap di suatu tempat, lalu rasio dinamikanya terganggu, atau bahkan muncul nada palsu. Guru yang berpengalaman segera menangkap buah dari kecerobohan pekerjaan rumah dan mengambil tindakan tanpa menunggu kesalahan mengakar di alam bawah sadar dan menjadi kebiasaan. Untuk memastikan bahwa siswa di rumah akan belajar dengan cermat dan bermakna, pelajaran harus dikhususkan untuk pembacaan baru dari catatan. Ini seperti analisis pada tingkat baru yang lebih tinggi, dengan sikap lebih memperhatikan segala sesuatu yang ada di balik teks. Area individu yang memerlukan pengamplasan perlu dikerjakan agar siswa memiliki gambaran yang jelas tentang cara mengerjakannya sendiri di rumah. Siswa harus menemukan sendiri kesalahan dalam teks. Setelah menemukan kesalahan (baik itu nada yang salah, ketidaktepatan artikulasi, mengayuh), guru tidak menunjukkan kesalahan tersebut, tetapi menghentikan permainan siswa, mengajaknya untuk menemukan dan memperbaikinya sendiri. Koreksi diri atas suatu kesalahan tertanam dalam ingatan jauh lebih kuat daripada komentar berulang-ulang dari guru.
“Obrolan” juga bisa dalam bentuk lain: tidak ada kesalahan, semuanya benar, tetapi lakon dilakukan secara formal, tanpa partisipasi emosional, gambaran yang diinginkan telah memudar. Untuk menghidupkan kembali pertunjukan, mengembalikan kesegaran aslinya persepsi emosional, ada banyak cara: di suatu tempat untuk sedikit mengubah dinamika, mengayuh, di suatu tempat untuk memikirkan kembali intonasi, menemukan sentuhan baru, detail baru dalam konten, suasana karya, dll. Tidak mungkin untuk menghitung semuanya cara yang mungkin, yang akan membangkitkan pemikiran dan imajinasi serta membantu menghindari pelaksanaan formal yang membosankan.
Alasan kegagalan pesanan teknis juga berakar pada pekerjaan rumah yang salah. Seperti disebutkan di atas, memori motorik lebih ulet dan tahan lama dibandingkan memori pendengaran. Anak-anak dengan kemampuan musik yang lemah seringkali memiliki kekurangan seperti kemampuan beradaptasi yang buruk terhadap keyboard dan koordinasi gerakan yang buruk. Anehnya dengan cepat, anak-anak menjadi terbiasa dengan gerakan-gerakan yang berlawanan dengan teknik rasional yang diperlukan.
Penting untuk memeriksa secara berkala dengan cara apa dan teknik apa siswa mencapai hasil yang diinginkan dalam pembelajaran di rumah.
Saat mempraktekkan sebuah etude atau bagian tersendiri, siswa harus memahami jenis teknik apa yang dia kerjakan, apakah itu diatonis atau skala berwarna, arpeggio pendek atau panjang, dll., dan gunakan keterampilan yang ditanamkan yang sudah familiar baginya. Teknik bermain piano merupakan konsep yang sangat luas. DI DALAM dalam hal ini kita berbicara tentang teknik kefasihan. Dalam karya-karya yang termasuk dalam program sekolah seni, siswa terutama dihadapkan pada jenis-jenis teknik klasik. Keterampilan motorik yang diperlukan untuk melakukan berbagai jenis teknik klasik ditanamkan dan dikembangkan selama melewati tangga nada.
Siswa yang lebih tua, lebih “maju”, yang ingin mengembangkan daya tahan, sering kali memainkan karya teknis atau etude di rumah dengan tempo cepat beberapa kali sehari sebelum karya tersebut “matang” untuk tempo tersebut. Hasilnya adalah keluhan tangan menjadi lelah. Diketahui bahwa cukup dengan “mencoreng” suatu bagian dua atau tiga kali, yang sebelumnya berfungsi dengan baik, sehingga sangat sulit untuk memperbaikinya.
Eksperimen seperti itu tidak boleh diizinkan dalam latihan di rumah. Setelah mempelajari bagian etude secara menyeluruh (8-12 bar), sangat penting untuk meningkatkan tempo, memaksimalkannya untuk karya tertentu dan untuk siswa tertentu. Tapi hanya sebagian sketsanya, bukan keseluruhannya...
Etude seperti K. Cherny op. 299, op. 740, M. Clementi “Gradus ad Parnassum” (“Langkah Menuju Parnassus”), memerlukan daya tahan, dan tentunya perlu dikembangkan, namun lebih baik melatih daya tahan di hadapan seorang guru. Seorang guru yang berpengalaman akan mendeteksi munculnya kelelahan dan sesak di hadapan siswanya dan akan mengganggu kinerjanya, menyadari bahwa ia harus menunggu lebih lama lagi dan untuk saat ini membatasi dirinya pada kecepatan yang tidak terlalu cepat. Lambat laun, kecepatan dan kebebasan yang diinginkan akan datang, tetapi siswa hanya akan bermain sesuai kecepatan tersebut di dalam kelas di bawah pengawasan guru. Di rumah, guru akan mengizinkan Anda memainkan etude dengan tempo nyata selama beberapa hari dan tampil tiga atau empat kali dalam sehari.
Untuk transfer atau ujian akhir, yang programnya mencakup pelaksanaan wajib sebuah etude, sebaiknya menyiapkan dua atau tiga etudes. Saat menyiapkan satu sketsa, terkadang Anda menemukan diri Anda dalam situasi tanpa harapan sebelum “selesai”.
Guru sering mengulangi ungkapan stereotip kepada siswa: “Dengarkan dirimu sendiri.” Persyaratannya benar sekali. Namun apakah hal ini selalu dipahami dengan benar? Siswa yang tidak diajar dengan baik sering kali memahami tugas ini sebagai kegagalan pencatatan, yaitu mendengarkan penampilan mereka setelah kejadiannya.
Kemampuan mendengarkan diri sendiri merupakan proses tiga tahap. Ini mencakup tiga fase:
gambaran mental suara;
perintah dari otak untuk mengambil tindakan yang diperlukan untuk mewujudkan gagasan;
pengendalian eksekusi.
Kemampuan untuk “berpikir ke depan”, mendengar suara sebelum implementasi sebenarnya, penguasaan sarana yang diperlukan untuk implementasi, keharusan (kerja) otak yang tiada henti dan pengendalian diri tidak membiarkan kecemasan menghancurkan kerja besar yang dihabiskan untuk mempersiapkan diri. kinerja.
Tidak mungkin diharapkan setiap anak atau remaja yang tidak memiliki kemampuan bermusik dapat tampil cemerlang, menampilkan individualitas musik yang menarik. Namun belajar bermain secara bermakna, dengan pemahaman tentang karakter, mood, gaya musik yang dibawakan Bisa; Dimungkinkan untuk menanamkan budaya bunyi dan selera musik pada setiap siswa.
Tergantung pada karakteristik individu siswa, bentuk penyajian, takaran, dan bertahapnya pengetahuan dan keterampilan yang disajikan berubah. Prinsip pedagogi guru adalah nilai yang konstan. Esensinya tidak berubah tergantung pada kualitas materi atau tingkat bakat siswa.
Hari Berbicara di Depan Umum
Hari pertunjukan publik semakin dekat, acara sudah siap, dan saatnya mempersiapkan jiwa siswa untuk ujian penting.
Anak-anak punya sangat usia dini, dari usia dua hingga tiga tahun, ada kecenderungan demikian pertunjukan teater. Bukankah teater adalah permainan boneka dan tentara, di mana anak sekaligus menjadi penulis, sutradara, dan aktor? Siswa yang lebih muda menganggap tampil di ujian atau konser sebagai permainan yang menarik di mana mereka bersedia berpartisipasi. Bagi siswa sekolah dasar, betapapun bertanggung jawabnya mereka terhadap tugasnya, kegembiraan (dengan pengecualian yang jarang terjadi) bersifat antisipasi terhadap suatu acara yang meriah dan menyenangkan. Kecemasan semacam ini tidak menghambat fungsi memori pendengaran atau motorik.
Sejak tahun pertama sekolah, anak harus dibiasakan untuk berbagi karya seninya dengan orang lain.Konsernya adalah festival musik , yang diharapkan dan untuk itu seseorang harus rajin mempersiapkan pertunjukannya. Partisipasi dalam konser ini merupakan suatu kehormatan dan tanggung jawab. Jika seorang siswa mengetahui bahwa karya yang dipelajarinya akan dibawakan di depan penonton, ia bekerja lebih tekun dan penuh perhatian. Praktik pedagogi menunjukkan bahwa salah satu permasalahan yang harus diselesaikan dalam proses persiapan adalah mengatasi rasa cemas yang kuat sebelum tampil yang dialami sebagian besar siswa.Kegembiraan yang beragammemiliki karakteristik usia dan memanifestasikan dirinya lebih kuat di sekolah menengah pertama dan atas dengan meningkatnya rasa tanggung jawab dan tuntutan diri sendiri. Salah satu penyebab kehebohan di atas panggung adalah apa yang disebut “hati nurani yang buruk”, takut melupakan teks, tidak mampu mengatasi bagian-bagian yang sulit, dll. Kata-kata N.A. terkenal. Rimsky-Korsakov bahwa tingkat kegembiraan berbanding terbalik dengan tingkat persiapan. “Yang terutama menghambat kebebasan mental saya dalam sebuah konser terkadang hanyalah kesadaran (walaupun tidak selalu dibenarkan) bahwa saya tidak punya waktu untuk bekerja sebanyak dan sebanyak yang saya inginkan dan anggap perlu” (G. Neuhaus). Baik guru maupun siswa harus yakin bahwa permainannya sudah benar-benar siap.
Bagi pemain yang tidak berpengalaman, kegembiraan panggung adalah hal yang menakutkan karena membuatnya tidak siap menghadapi intervensi faktor-faktor baru, emosi baru yang tidak biasa yang “mengaburkan kesadarannya” dan membuatnya sulit untuk berkonsentrasi. Aula yang terang benderang, sejumlah besar penonton, akustik, perilaku "konser" tertentu (naik ke panggung, membungkuk) - semua ini adalah lingkungan yang tidak biasa bagi seorang pemain. Membuat empuk pengaruh negatif Dalam lingkungan seperti itu, beberapa saat sebelum konser, ada gunanya menciptakan lingkungan yang mirip dengan konser di atas panggung.
Biasanya, sebelum pertunjukan, guru menegur siswanya - “jangan khawatir.” Coba kita renungkan apa reaksi wajar terhadap teguran semacam ini? Bagi siapa pun yang berada dalam situasi serupa, peringatan ini akan menimbulkan kewaspadaan, kecemasan, dan antisipasi terhadap sesuatu yang tidak menyenangkan dan menggairahkan. Ketika kami menasihati siswa untuk tidak khawatir sebelum tampil, dengan demikian kami mendukung dalam dirinya rasa antisipasi terhadap suatu peristiwa yang seharusnya menimbulkan kecemasan dan ketakutan.
Praktek telah menunjukkan bahwa hasil yang jauh lebih baik diperoleh dari instruksi dengan urutan sebaliknya: “Apakah Anda khawatir? Bagus sekali, begitulah seharusnya. Jika Anda tidak khawatir, Anda akan bermain pucat dan membosankan. Dengarkan diri Anda sendiri, “berpikir ke depan dan khawatir, maka Anda akan bermain dengan baik dan menarik.” Di dalam kelas, ada gunanya untuk memberi tahu siswa tentang kecemasan sebagai pendamping yang sangat diperlukan dalam pertunjukan apa pun: bahwa seniman terhebat selalu merasa gugup ketika mereka naik ke panggung; tentang bagaimana artis hebat Yablochkina, ketika dia sudah berusia 90 tahun, berkata: “Jika saya berhenti khawatir saat tampil di atas panggung, maka saya berhenti menjadi seorang aktris dan saya harus meninggalkan panggung.” Atlet juga khawatir sebelum pertandingan, tetapi mobilisasi kemauan dan ketenangan membantu mereka meraih kemenangan, dan kecemasan tidak mengganggu. Berkat percakapan seperti itu, kegembiraan tidak hilang, tetapi mengambil karakter yang berbeda: ketakutan buta hilang, dan sebagai gantinya muncul perasaan gembira sebagai perasaan yang normal, alami dalam situasi tertentu, dan bahkan mungkin berguna dalam beberapa situasi. jalan.
Tapi ini tidak cukup. Anda perlu mengembangkan keterampilan tampil dalam keadaan penuh kegembiraan. Untuk melakukan ini, “gladi bersih” diselenggarakan satu setengah minggu sebelum pertunjukan. Ada baiknya jika hadir juga siswa atau orang tua yang berperan sebagai “komisi”. Guru memperingatkan siswanya: “Sekarang kamu akan bermain dalam ujian (konser, ujian, tergantung apa yang akan datang). Saya tidak akan bisa membantu Anda dengan apa pun, saya tidak akan bisa menyarankan apa pun, saya tidak akan bisa memperbaiki apa pun. Anda bertanggung jawab atas diri Anda sendiri. Bersemangatlah dan tetap berpikir jernih." Kemudian ada jeda dan nama siswa, kelas, program diumumkan dengan nada resmi - sehingga terciptalah suasana pertunjukan. Sangat menarik untuk mengamati bagaimana, setelah peringatan seperti itu, siswa tersebut mulai merasa khawatir, ekspresi wajahnya menjadi serius, dan dia merasa seperti telah menenangkan diri secara internal. Namun, begitu guru tidak dapat menahan diri selama permainan dan membuat komentar kecil dengan berbisik, konsentrasi dan kegembiraan menghilang di depan mata kita, dan kinerjanya memudar. Dengan satu kata yang diucapkan pada waktu yang salah, guru menghancurkan rasa tanggung jawab pribadi siswa, dan pelatihan dianggap tidak berhasil. Disarankan untuk mengadakan pelatihan seperti itu tidak hanya di dalam kelas. Tiga atau empat hari sebelum pertunjukan, ajaklah siswa untuk membayangkan sekali sehari di rumah aula tempat dia akan bermain, penonton, keseluruhan suasana, merasa seperti berada di atas panggung, bersemangat dan memainkan keseluruhan acara. Jarang sekali ada siswa yang mengaku tidak tahu cara menyulap situasi sebuah pertunjukan. Dalam kasus ini, perlu sekali lagi dilakukan “gladi bersih” di dalam kelas.
Sebelum naik ke atas panggung, Anda perlu duduk dengan tenang dalam posisi yang nyaman, melakukan beberapa latihan fisik sederhana untuk lengan dan tubuh yang akan membantu meredakan ketegangan otot, dan menarik napas dalam-dalam. Anda bisa makan beberapa potong gula. Sebelum presentasi, Anda tidak boleh membebani siswa dengan banyak komentar; Anda perlu membantunya berkonsentrasi konten artistik bermain, mengalihkan perhatian dari kecemasan yang berlebihan dan beralih ke tugas-tugas kreatif. Keluarlah dengan tenang, membungkuk, sesuaikan kursi jika perlu, dan duduklah di depan instrumen.
Beristirahatlah sejenak dan mainkan bagian awal secara mental, maka akan lebih mudah untuk memulainya karakter yang tepat. Setelah pidato, membungkuk lagi dan mengucapkan terima kasih kepada hadirin. Setelah menjadi kebiasaan selama latihan, tindakan terukur ini menenangkan siswa dan membantunya menyesuaikan diri dengan gambaran emosional dari karya tersebut. Selama pertunjukan, Anda tidak dapat mengoreksi atau mengulangi apa pun. Jika kesalahan sesekali terjadi, bahkan kesalahan dalam teks, siswa harus terus bermain, mengingat bahwa yang paling penting adalah persepsi holistik pendengar terhadap karya tersebut. Jika sebuah karya dibawakan dengan jiwa, penonton akan selalu memaafkan beberapa orang catatan palsu. Dalam hal ini, kita dapat memberikan contoh dari sejarah. Misalnya saja permainan A.G. Rubinstein dalam bukunya tahun-tahun berikutnya bukan tanpa beberapa sisi kasar. Tapi itu tidak menguranginya kekuatan yang sangat besar dia pengaruh artistik kepada publik.
Tidak sulit untuk memprediksi pertanyaan: apa yang harus dilakukan terhadap siswa yang malas, tidak bertanggung jawab, sembrono yang sedang mempersiapkan programnya di hari-hari terakhir, dan mereka hanya ingin bermain-main. Dimana gladi bersihnya selama seminggu, jika tersandung dua hari sebelum ujian. Siswa yang berharap memiliki waktu untuk mempelajari segala sesuatu dalam beberapa hari terakhir biasanya melakukan kesalahan saat bermain di kelas, menjadi bingung dan, kesal dan bingung, membuat alasan: “Semuanya berjalan di rumah, saya tidak tahu mengapa tidak berhasil. keluar sekarang.” Sekaranglah waktunya untuk membahas tentang perbedaan antara kelas musik dan kelas di sekolah menengah, dimana pekerjaan tes Anda dapat mempersiapkannya dalam tiga hingga empat hari. Pelajaran musik memiliki aritmatikanya sendiri - “jika Anda bermain selama dua puluh hari selama satu jam sehari, Anda akan bermain jauh lebih baik dan lebih percaya diri dibandingkan jika Anda berlatih selama empat jam dalam lima hari terakhir.” Perlu juga dijelaskan dampak perubahan lingkungan terhadap kinerja memori, misalnya: “jika di kelas Anda bermain lebih buruk daripada di rumah, maka di aula dengan guru asing, tidak ada keraguan bahwa Anda akan bermain lebih buruk lagi. ”
Mengintimidasi siswa sedikit memang berguna, tetapi Anda tidak dapat menghilangkan rasa percaya diri, dan setelah pelajaran yang sibuk Anda perlu mengungkapkan keyakinan bahwa siswa di rumah akan mampu, dengan hati-hati seperti dalam pelajaran, mengkonsolidasikan segala sesuatu yang dia telah mencapai prestasi bersama gurunya, dan akan mampu memainkan seluruh program dengan baik.
Anak-anak, terutama mereka yang kurang bermusik, paling mengkhawatirkan ingatan. Yang utama, dan terkadang satu-satunya indikator keberhasilan kinerja mereka adalah memainkan program tanpa lupa di mana pun. Rasa takut lupa menghambat siswa. Tentu saja, tidak diinginkan untuk melupakan di atas panggung, tetapi gangguan seperti itu dapat terjadi pada orang dewasa, pianis sejati, dan pendengar tidak akan mencela dia karena hal ini jika pianis tidak mengoreksi apa pun, tetapi terus bermain dengan percaya diri. Hal utama yang perlu diingat adalah saat bermain di depan umum, tidak ada yang bisa diperbaiki. Kadang-kadang pada saat latihan kejadian berikut dapat menimpa seorang siswa - dia lupa, tersandung, meleset dari sasaran, tetapi dia tidak mencarinya, tidak memperbaikinya, tidak mengulanginya, tetapi dengan tenang terus bermain. Anda pasti perlu memuji dia untuk ini dan dengan demikian menanamkan kepercayaan diri dan ketenangan dalam dirinya. Berkat ini, rasa takut akan lupa tidak akan menjadi pikiran yang mengganggu dan mengganggu.
Ada banyak lakon yang teksturnya tidak terlalu rumit dan dapat diakses oleh siswa, namun di suatu tempat di bagian kecil teks terdapat “perangkap” yang tersembunyi. Ini bisa berupa perubahan jenis teknik (seperti arpeggio panjang di antara gerakan seperti tangga nada, yang sering ditemukan dalam etudes K. Czerny), lompatan, lintasan sulit dalam durasi pendek di antara “lanskap tenang” dari teknik tersebut. keseluruhan teks, dll. Dengan mengisolasi tempat yang sulit dan menghabiskan banyak waktu dan tenaga di dalamnya, siswa akhirnya mencapai kemurnian dan kemerataan.
Namun betapa mengecewakannya ketika, ketika memainkan sebuah karya secara keseluruhan, seorang siswa menemukan bahwa sebuah bagian yang telah dipelajari dengan baik itu “berubah-ubah” - terkadang berhasil, terkadang tidak berhasil. Alasan kegagalannya jelas: ketika melakukan bagian yang kompleks di luar konteks, siswa dihadapkan pada tugas yang bersifat lokal - kemauan diarahkan untuk mengatasi kesulitan ini, otak memberikan perintah yang jelas untuk bertindak dan - “ itu berhasil.” Saat memainkan keseluruhan permainan, siswa tidak punya waktu untuk mempersiapkan tugas yang akan datang, otak tidak memberikan sinyal yang diperlukan, dan hasilnya menyedihkan - “tidak berhasil.”
Dalam kasus seperti itu, Anda harus memberi tahu siswa: Anda dapat mempelajari bagian ini untuk waktu yang sangat lama, dan itu tidak akan berhasil, tetapi Anda tidak dapat belajar terlalu banyak dan itu akan berhasil. Anda harus mampu berkeinginan, artinya ketika mendekati suatu tempat yang berbahaya, persiapkanlah secara internal terlebih dahulu, gerakkan kemauan Anda, konsentrasikan perhatian Anda semaksimal mungkin dan punya waktu untuk mempersiapkan tangan Anda untuk posisi dan gerakan yang diinginkan, yang sudah ada. telah dihafal dengan kuat. Setelah menyelesaikan percobaan seperti itu dan memperoleh hasil yang diinginkan, Anda harus mengulanginya beberapa kali untuk mengkonsolidasikan dorongan kemauan dan sensasi otot. Tidak perlu mengulangi seluruh bagian beberapa kali; cukup memainkan bagian dari bagian yang mendahului bagian yang sulit. Berkat pelatihan seperti itu, tempat-tempat sulit tidak membuat siswa tidak siap secara internal, dan mereka menanamkan kemampuan untuk memobilisasi kemauan.
Percakapan tentang kemauan, tentang perlunya kemauan untuk berpartisipasi dalam bermain piano, mempunyai efek yang baik, dan tidak ada salahnya untuk melakukannya sesekali, tidak hanya sebelum pertunjukan. Namun, ada juga bahaya dalam kemampuan memobilisasi kemauan untuk tampil: ketika momen penting tertinggal, tanpa sadar, hampir tanpa disadari, seseorang menjadi rileks, dan di tempat yang paling tidak diharapkan, terjadi kesalahan, permainan bagian yang berkualitas buruk. , bagian pekerjaan yang secara teknis sulit.
Penting untuk menanamkan pada siswa bahwa mereka dapat bersantai dan bersantai hanya ketika seluruh permainan selesai. Segera setelah Anda berpikir pada hitungan kedua dari belakang: "Itu saja, saya sudah selesai", Anda pasti akan "mengolesi" akord atau bagian terakhir. Dan ini sangat disayangkan - seperti tenggelam di dekat pantai setelah berenang jauh.
Kiat untuk orang tua
Orang tua perlu memperhatikan pengaturan dan pemeliharaan rutinitas harian anak di hari penting ujian atau konser. Sejak kita musisi muda- pianis masih anak-anak, dan setiap momen dapat memberi mereka keuntungan sekecil apa pun, maka pada malam konser Anda perlu membuka lembaran musik dan melihat teks musik: segarkan ingatanmu akan perkataan guru, apa yang kamu perhatikan, lihat saja “ketukanmu sendiri” yang dulu bermasalah, nada suara, perkenalan, corak, dll. Mainkan seluruh program dengan ketahanan, bayangkan situasi konser di rumah (imajinasi sudah berkembang untuk ini). Lakukan pengendalian diri: perhatikan pikiran dan pendengaran terhadap penampilan Anda, sertakan posisi pengamat luar (mendengar diri sendiri dari luar, pendengaran akustik) dan secara mandiri menghilangkan kerugian yang terjadi.
Pada hari konser, setiap detail kecil penting: sebelum meninggalkan rumah, periksa apakah Anda telah membawa sepatu konser dan lembaran musik pengganti; Anda perlu menyediakan banyak waktu untuk perjalanan ke tempat pertunjukan agar tidak menimbulkan situasi kecemasan tambahan.
Jika pertunjukan dijadwalkan pada pagi hari, Anda perlu memiliki waktu untuk bermain (sekitar dua puluh menit), regangkan jari dan cuci tangan dengan air hangat sebelum berangkat. Jika pertunjukannya malam hari, maka datanglah dari sekolah Menengah, makan siang, bersantai dan duduk di depan instrumen untuk berlatih. Tidak perlu memutar acara “bersih, sesuai mood”, seperti kata anak-anak, seperti di konser. Pemain yang tidak berpengalaman tidak dapat memainkan program yang sama dua kali dalam waktu singkat. dampak emosional. Jika diulangi, “derajat panas” akan lebih rendah.
Untuk alasan yang sama, mengulangi seluruh program di kelas sebelum pertunjukan hampir tidak dapat dianggap berguna. Hal ini lebih mungkin dilakukan demi ketenangan pikiran guru dibandingkan demi kepentingan siswa. Cukup dengan meminta memainkan bar pembuka setiap lagu untuk memeriksa apakah temponya benar. Ngomong-ngomong, Anda tidak memerlukan piano untuk ini; Anda dapat memeriksa temponya di meja mana pun atau di pangkuan Anda. Piano diperlukan jika ada “perangkap” dalam permainan. Mintalah siswa untuk memainkan beberapa bar awal, beberapa bar terakhir, sebuah bagian dari tengah dan di antara bagian-bagian kecil dari sebuah lagu, dan sebuah bagian yang sulit, dimulai dengan beberapa bar sebelumnya, yaitu agar siswa dapat memainkannya. tidak mengerti apa sebenarnya itu tempat berbahaya kamu ingin mendengar.
Perilaku di atas panggung harus dipersiapkan dan dikonsolidasikan pada latihan pendahuluan “umum”, di mana siswa belajar memainkan tepat dua atau tiga bar awal sebelum setiap permainan untuk menetapkan tempo yang benar dan membangkitkan suasana hati yang sesuai dengan permainan yang diberikan. Namun, sebelum tampil, tidak ada salahnya untuk mengingatkan Anda lagi: “Jika Anda berpikir setengah menit ekstra sebelum setiap permainan, tidak ada yang akan menilai Anda karenanya. Tetapi jika Anda memainkan satu demi satu, tanpa punya waktu untuk mengatur ulang dan mendengarkannya, semua orang akan mengatakan bahwa Anda bermain buruk.” Kerja kesadaran yang aktif menyebabkan konsentrasi perhatian dan kemauan yang lebih besar serta membantu menetralisir pengaruh kecemasan.
Setelah pertunjukan, siswa menunggupenilaian permainan Anda, pertama-tama, dari guru. Kita pasti harus mendukungnya, menemukan sesuatu untuk memujinya, meskipun tidak semuanya berhasil, membuat dia merasa bahwa gurunya senang dengan usahanya, kesuksesannya. Sebaiknya pidato tersebut dibahas lebih detail nanti di kelas, dalam suasana yang tenang. Analisis keberhasilan dan kegagalan, temukan penyebabnya, ekstrak pelajaran yang bermanfaat untuk mempersiapkan pertunjukan lainnya. Semua ini mengembangkan kemampuan anak untuk bekerja dengan tujuan.
Siswa tersebut pergi setelah pidato publik. Ketakutan dan kekhawatiran ada di belakang kita. Guru jarang memikirkan seberapa dalam kata-kata pertama yang mereka ucapkan kepada siswa meresap ke dalam jiwa mereka. Seberapa pentingkah ekspresi wajah, cara berkomunikasi, dan intonasi suara mentor? Ada baiknya jika semuanya berjalan dengan baik. Bagaimana jika tidak? Jika guru tidak puas, jengkel, putus asa? Satu hal yang bisa dikatakan: tidak ada tempat untuk celaan, klaim, atau keluhan di sini. Efek pendidikan dan praktisnya akan menjadi nol. Konsekuensi negatif sangat mungkin terjadi. Oleh karena itu, pada saat-saat seperti ini guru harus sangat peka dan toleran.
Anda tidak boleh mendiskusikan secara rinci dengan siswa penampilan programnya segera setelah pertunjukan, ketika kegembiraan belum mereda. Sebaiknya keesokan harinya dalam suasana yang tenang untuk mencari tahu bersama apa yang tidak berhasil, mengapa tidak berhasil, apa yang baik, dan memuji atas kemauan yang ditunjukkan untuk tampil (bila memang benar). Tidak perlu menghibur siswa malas yang kinerjanya tidak berhasil, betapapun kesalnya dia. Sebaliknya, ada gunanya untuk menekankan sekali lagi bahwa keajaiban tidak terjadi, bahwa kinerja yang buruk dalam ujian adalah sebuah pola, akibat alami dari sikapnya yang sembrono dan tidak bertanggung jawab terhadap kelas, dan untuk menakut-nakuti dia dengan pengulangan kegagalan seperti itu. lain kali kalau dia terus bermalas-malasan.
Baik bagi siswa yang malas maupun siswa yang kurang memiliki kemampuan bermusik, hasil yang memuaskan dapat dicapai jika ia mengetahui apa yang harus diperjuangkan dalam setiap pekerjaan, jika ia dipersenjatai dengan sarana yang diperlukan untuk mencapai tujuan; jika guru tidak membatasi dirinya pada tugas verbal, tetapi berupaya mengasimilasi dan mengkonsolidasikan metode atau teknik yang ditunjukkan di kelas; jika bertahap diamati dalam mengatasi kesulitan; jika guru mengajarkan siswa berpikir aktif.
Hal lain yang sangat penting adalah mengajari siswa cara memperlakukankegagalan , menganggapnya sebagai fenomena sementara, dan bukan bencana, sebagai pelajaran yang tidak menyenangkan namun berlalu begitu saja. Mari kita ingat kata-kata M. Long: “Jangan berkecil hati, itulah dukungan saya dalam hidup.” Kegagalan seharusnya tidak menimbulkan pemikiran panjang tentangnya, putus asa dan apatis, tetapi menimbulkan keinginan untuk bermain lebih baik di lain waktu. Oleh karena itu, guru hendaknya menghindari memusatkan perhatian siswa pada pemikiran yang tidak menyenangkan tentang kegagalan masa lalu, dan lebih sering membicarakan penampilan ketika siswa bermain dengan sukses.
Setelah konser, ada baiknya bertanya kepada orang tuamu: “Bagaimana perasaanmu saat duduk di aula? Dan jika Anda sekarang bermain di atas panggung, dapatkah Anda membayangkan diri Anda sendiri? Setelah mendengarkan ekspresi emosi tersebut, mintalah orang tua untuk mengagumi anaknya, festival musik di sekolah, yang akan dilanjutkan di rumah dengan meja manis. Berikan waktu istirahat untuk kehidupan sehari-hari, berikan liburan kepada anak Anda dan diri Anda sendiri, dan kemudian keadaan pikiran batin melahirkan kemenangan yang sangat diperlukan dalam kehidupan kita yang bermasalah. Pada saat yang sama, anak sedang dibesarkan: hasil baik yang diperoleh dari kerja bagus dihargai dengan dorongan.
Kesimpulan
Metodologi pengajaran musik tidak boleh dan tidak boleh bersifat dogmatis. Jalan menuju kebenaran bermacam-macam. Hanya ada satu nilai yang tidak dapat disangkal dan tidak dapat diubah - ketenangan guru (tetapi bukan ketidakpedulian), sikap ramah terhadap siswa, kemampuan untuk menanamkan rasa percaya diri pada kemampuannya, sekecil apapun kemampuannya. Mengulangi program tersebut sebelum pertandingan di depan penonton, membujuk agar tidak khawatir tidak akan memberikan kepercayaan diri kepada siswa bahwa satu ungkapan yang diucapkan dengan tenang akan memberikan: “Apakah kamu khawatir? Bagus sekali, artinya kalian akan bermain dengan menarik. Kamu khawatir, tapi aku tenang untukmu.”
Kegembiraan dan kegembiraan - apakah ini konsep yang jelas? Bagi saya, mereka tampak berbeda baik dari segi waktu maupun isi emosionalnya. Kegembiraan berumur pendek dan disebabkan oleh satu tindakan, peristiwa, dorongan hati, itu adalah komponen wajib dari pertunjukan konser, inilah yang meningkatkan nada emosional pertunjukan, dan membuka angin kedua, memberikan dorongan kreatif yang tidak biasa, dan mengungkapkan individualitas pemainnya. Dan kegembiraan mencakup gairah – sebuah kualitas yang tanpanya pekerjaan mengajar tidak terpikirkan, sebuah kualitas yang menulari mereka yang kita ajar.
Tampil di atas panggung tidak hanya menguji kekuatan seorang siswa, tetapi juganikmatnya berkomunikasi dengan masyarakat , inspirasi kreatif dan pertumbuhan profesional. Tidak ada yang bisa menandingi perasaan gembira dan kepuasan kreatif setelah penampilan yang sukses, yang merupakan insentif besar untuk studi musik intensifnya lebih lanjut. Sekolah musik anak-anak, yang melibatkan siswa dalam pertunjukan konser, memecahkan masalah mempersiapkan mereka untuk aktivitas musik aktif secara maksimal berbagai bentuk, termasuk yang profesional, bermain musik bersama keluarga dan teman, mengatur waktu senggang yang bermakna, berpartisipasi dalam pertunjukan amatir, membentuk keterampilan yang diperlukan dan kebutuhan akan komunikasi musik.
Referensi:
Alekseev A. “Metode pengajaran bermain piano.” Moskow: "Musik". - 1971.
Beilina S. “Di kelas V. Kh. Leningrad: "Musik". - 1982.
Kogan G. “Di gerbang penguasaan. Karya seorang pianis." Moskow: "Musik". - 1969.
Kremenstein B. “Pedagogi G.G. Neuhaus", Moskow: "Musik". - 1984.
Neuhaus G. “Tentang seni bermain piano.” Moskow: "Musik". - 1982.
Nikolaev A. “Esai tentang sejarah pedagogi piano dan teori pianisme.” Moskow: "Musik". - 2000.
Perelman N. “Di kelas piano.” Moskow: "Musik". - 2000.
Terentyeva N. “Karl Czerny dan sketsanya.” SPb : “Komposer”. - 1999.
Feigin M. "Individualitas siswa dan seni guru", Moskow: "Musik". - 1975.
Persiapan psikologis untuk pertunjukan konser dan masalah kecemasan konser
PERKENALAN
Berbicara di depan umum adalah momen krusial kehidupan kreatif penampil, ini adalah hasil kerja jangka panjang seorang musisi (baik yang matang maupun pemula) pada sebuah karya. Dan tentu saja, ini adalah tahapan penting dalam sistem pelatihan dan menjadi seorang musisi, di mana semuanya saling berhubungan: pendidikan pemikiran musikal, imajinasi kreatif, pendengaran, keterampilan teknis, memori, konsentrasi saat mengerjakan suatu karya dan budaya umum.
Sudah selama masa belajar di taman kanak-kanak sekolah musik, siswa harus terbiasa dengan kenyataan bahwa pertunjukan adalah suatu hal yang serius, yang karenanya ia bertanggung jawab kepada pendengar, kepada pencipta karya, kepada dirinya sendiri dan kepada gurunya, yang sekaligus merupakan hari libur, hari libur. momen terbaik dalam hidupnya, ketika ia dapat menerima kepuasan artistik yang luar biasa. Hasil berbicara di depan umum memiliki dampak besar pada jiwa siswa dan sangat mempengaruhi kemajuan dan pekerjaannya selanjutnya.
Terlepas dari seluruh proses pendidikan, yang berlangsung di bawah kendali kuat seorang guru, sebuah pertunjukan konser di ke tingkat yang lebih besar tergantung pada kemampuan individu musisi. Tingkah laku di atas panggung, kesejahteraan selama pertandingan, reaksi terhadap sikap penonton - semua ini terungkap pada setiap pemain dengan caranya masing-masing.
Seringkali pada tahap ini terjadi gangguan yang menyebabkan trauma mental yang serius bahkan pada pemain yang sangat berbakat, yang terkadang menyebabkan mereka menolak tampil di panggung.
Mempertimbangkan alasan gangguan yang terjadi pada pemain di atas panggung, saya ingin membahas lebih detail masalah kegembiraan pop - masalah pembebasan internal "di depan umum", kemampuan untuk membebaskan diri dari belenggu ketegangan saraf. K. Stanislavsky, dengan pengamatan psikologis yang halus, menggambarkan keadaan menyakitkan dan tidak wajar yang dialami oleh seorang aktor di atas panggung: “Ketika seseorang - seorang seniman naik panggung di depan ribuan orang, dia kehilangan kendali dirinya karena rasa takut, rasa malu. , tanggung jawab, dan kesulitan. Pada saat-saat seperti ini dia tidak dapat berbicara, melihat, mendengarkan, berpikir, menginginkan, merasa seperti manusia.”
Kegembiraan seorang musisi-pemain tidak berbeda dengan gambaran kesejahteraan seorang aktor; kesadaran akan tanggung jawab, lingkungan yang tidak biasa, ketakutan akan kegagalan - semua ini membuat tidak teratur kreativitas.
Bagi banyak pianis dan (terlebih lagi) pelajar, pertunjukan konser bukanlah hal yang baik masalah sederhana. Diketahui bahwa ada virtuoso hebat yang takut dengan panggung dan biasanya bermain di depan penonton yang jauh lebih rendah dari level mereka sebenarnya.
G. Neuhaus dalam bukunya “On the Art of Piano Playing” mengenang betapa gugupnya orang-orang tersebut sebelum konser. artis terkenal, seperti A. Rubinstein, L. Godovsky dan lain-lain. A. Goldenweiser menulis bahwa kecemasan sebelum pertunjukan adalah ciri kebanyakan seniman hebat. Dia berbicara tentang I. Hoffman, yang sama sekali tidak khawatir sebelum konser, sebagai pengecualian yang jarang terjadi pada aturan ini.
EKSITASI KONSER
Masalah kecemasan konser tidak diabaikan oleh lebih dari satu peneliti di bidang pedagogi musik dan psikologi serta metode privat dalam pengajaran memainkan alat musik. Memang, masalah ini, masalah kemeriahan panggung, dan pertanyaan-pertanyaan seperti itu - bagaimana cara menghilangkan rasa cemas yang berlebihan saat tampil di konser, bagaimana cara mengatasi kecemasan di atas panggung saat mempersiapkan pertunjukan - adalah kuncinya. pedagogi musik dan psikologi. Karena pengembangan kemampuan seni, khususnya kemampuan mengendalikan diri pada saat pertunjukan, merupakan salah satu tugas seorang guru dalam pembentukan musisi pertunjukan.
Kegembiraan konser harus dianggap sebagai jenis keadaan emosional yang bergantung pada karakteristik pribadi individu. Ada dua jenis kegembiraan pop: “kegembiraan-kegembiraan” dan “kegembiraan-panik”. Karena karakteristik individu dari organisasi mental masing-masing pemain, keadaan kegembiraan memiliki dampak yang berbeda-beda terhadap kualitas pekerjaan yang dilakukan.
Bagi sebagian orang, kecemasan membantu mereka mengatasi masalah mereka dengan baik tugas kreatif, berkontribusi pada kecerahan kinerja yang lebih besar, kontak yang lebih baik pelaku dan pendengar, maka pihak lain harus mengeluarkan banyak tenaga ekstra untuk mengatasi kecemasan dan pada saat yang sama pelaku tidak selalu mencapai prestasi. hasil yang diinginkan, bagi banyak orang, kecemasan mencapai keadaan yang menyakitkan. Paling sering hal ini memanifestasikan dirinya dalam pelanggaran kontrol kecepatan, rasa tempo hilang, seringkali pemain berpikir bahwa dia bermain dengan sangat pelan, bahwa dia tidak dapat didengar, dan dia mulai
memainkan nuansa yang lebih tinggi. Yang terjadi justru sebaliknya: temperamen memudar, permainan menjadi tidak berwarna, tidak bersuara. Yang terburuk adalah jika ingatan Anda tiba-tiba hilang. Terkadang hal ini tidak hanya memengaruhi memori motorik, tetapi juga memori musik. Dalam kasus pertama, musikal dapat membantu, dan yang kedua - motor. Jika hal ini tidak terjadi, penghentian tidak bisa dihindari. Seringkali, kecemasan-panik menyebabkan gangguan, yang menyebabkan trauma mental bagi pelakunya. Kondisi ini disebut “variasi penyakit”. Kinerja yang tidak berhasil menimbulkan keraguan pada diri sendiri, terhadap kekuatan dan kemampuan seseorang,<боязнь» плохо сыграть, забыть текст, остановиться.
ALASAN KEGIATAN KONSER DAN
CARA UNTUK MELAWAN MEREKA
Rimsky-Korsakov mengatakan dengan sangat tepat tentang kecemasan konser, yang diderita banyak orang: hal ini berbanding terbalik dengan tingkat persiapan. Penting untuk mempersiapkan siswa untuk konser sebaik mungkin dan tidak mengirimkan mereka dengan karya yang “mentah”, karena kegagalan dalam pertunjukan menyebabkan ketakutan terhadap panggung.
Daya tahan panggung diperkuat dengan latihan panggung. Membiarkan siswa memainkan karya musik dalam jumlah yang lebih sedikit dalam satu pertunjukan, namun membiarkannya tampil di panggung lebih sering. Mengulangi karya musik yang sama berkali-kali di depan penonton juga akan membawa manfaat yang sangat besar.
“Banyak siswa memerlukan latihan psikologis sebelum tampil,” dan mereka mulai menguasai sebuah karya musik hanya untuk kedua kalinya. Penting untuk mengajari siswa untuk berkonsentrasi sebelum menghasilkan suara pada instrumen tersebut.
Apa yang harus dilakukan seorang guru untuk menanamkan budaya pop yang baik pada siswanya? Bagaimana dan kapan perkenalannya ke panggung harus dilakukan? Guru dan psikolog yang berpengalaman percaya bahwa perlu membiasakan seorang anak dengan tahapan sedini mungkin, dari langkah pertama pembelajaran. Diketahui bahwa di masa kanak-kanak, kualitas kepribadian masa depan seorang musisi-pemain terbentuk. Dan sangat penting untuk tidak melewatkan saat ini ketika jiwa anak terutama ditujukan untuk mengekspresikan emosi positif, yang merupakan prasyarat serius untuk pembentukan perasaan puas dari permainannya sendiri, kesenangan berkomunikasi dengan pendengar.
Sangat penting bagi perkembangan siswa selanjutnya agar penampilan pertamanya berhasil. Pilihan program dan kemampuan teknis sangat penting bagi siswa. Namun kinerja yang kurang berhasil pun tidak boleh menimbulkan reaksi negatif dari guru kepada siswa. Dan seiring berjalannya waktu, kepercayaan terhadap kekuatan diri sendiri dan keinginan untuk berkomunikasi dengan publik harus terbentuk. Hal inilah yang penting dalam keberhasilan selanjutnya dan terbentuknya seorang musisi pertunjukan.
Kembali ke alasan kemeriahan konser, kita harus mempertimbangkan lingkungan yang tidak biasa.
Lingkungan yang berubah menimbulkan perasaan tidak nyaman dan ketidakpastian. Oleh karena itu, sebelum konser perlu dilakukan latihan pendahuluan di atas panggung, karena setiap hall memiliki ciri akustiknya masing-masing.
Pengamatan Yankelevich tentang kekhasan pertunjukan di aula menarik: “lukisan kecil bagus untuk sebuah ruangan, tetapi poster diperlukan dalam bentuk persegi. Untuk memikat dan menarik minat audiens terhadap ide Anda, Anda perlu membayangkan dengan jelas kesan apa yang ingin Anda buat. Permainan teknis cepat di aula tidak memberi kesan menyatu dan menjadi dangkal. Di aula Anda membutuhkan permainan yang besar dan cembung, tajam... suara yang kuat, kejelasan bagian teknis. Untuk melakukan ini, Anda perlu bermain piano lebih besar dan lebih menonjol, tetapi dengan tempo yang agak lambat, ketika semuanya terkendali. Kemudian tercipta perasaan tenang di atas panggung. Saat bermain cepat menciptakan ketidakstabilan.”
Fitur lain yang tidak boleh dilupakan. Saat bekerja, di rumah atau di kelas, kita membiarkan diri kita bermain “tidak dengan kekuatan spiritual penuh”, seolah-olah sedang berlatih, memberikan pelajaran. Saya tidak mengecualikan tahapan pengajaran karya tersebut, tetapi agar karya musik tersebut tidak berubah menjadi latihan atau etude, maka di akhir pembelajaran perlu dimainkan dengan tempo yang sama seperti di konser. yaitu di hadapan pendengar imajiner.
G. Neuhaus: “Sebelum karya tersebut terungkap, saya pasti akan menampilkannya berkali-kali di rumah, sendirian, seolah-olah saya sedang memainkannya di depan penonton. (Benar, saya tidak menetapkan tujuan ini untuk diri saya sendiri, tetapi karena saya terbawa oleh komposisinya, saya “melakukannya” - untuk diri saya sendiri dan orang lain, meskipun mereka tidak hadir.)”
A. Barenboim menceritakan bagaimana salah satu pianis terkemuka Soviet sedang berlatih program baru yang akan segera ia bawakan:
“Apa yang dia lakukan mungkin tampak seperti permainan anak-anak dari luar... dia keluar dari ruangan lain (“ruang artistik”) menuju piano, membayangkan bahwa dia berada di ruang konser, membungkuk ke arah penonton dan mulai memainkannya. program."
Banyak musisi percaya bahwa sebuah karya tidak dapat dianggap lengkap kecuali telah ditampilkan di depan umum beberapa kali. Pada tahap awal, di sekolah musik, siswa dapat diajari bermain di hadapan siswa lain. Berguna juga untuk menampilkan program ini kepada kerabat dan teman. Pertunjukan bermain seperti itu mengajarkan siswa untuk segera terlibat dalam penggambaran karya, membangkitkan keseimbangan emosional yang diperlukan dalam dirinya, mencapai konsentrasi penuh selama proses bermain, dll.
Rekaman uji penampilan Anda sangat diinginkan - bahkan rekaman amatir yang tidak sempurna. Dalam proses verifikasi itulah Anda dapat mengidentifikasi kekurangan Anda, yang memerlukan penjabaran terpisah selanjutnya.
Sangat berguna untuk memainkan sebuah lagu dari titik tertentu. Contoh lain: memainkan sebuah lagu di kepala Anda tanpa nada, Anda bahkan dapat menggabungkannya dengan berjalan-jalan.
Namun, banyak contoh serupa dapat diberikan... Semua ini adalah pelatihan proses saraf, sebagai akibatnya resistensi terhadap rangsangan eksternal yang asing dikembangkan, dan pertunjukan konser menjadi kebiasaan.
Kesenjangan dalam pelatihan teknis berdampak negatif terhadap kualitas kinerja. Misalnya, jika sebelum pertunjukan masih terjadi ketegangan otot yang berlebihan, maka kegembiraan saat pertunjukan meningkat berkali-kali lipat, muncul kekakuan pada otot-otot seluruh tubuh, tangan mulai gemetar, dan tidak patuh pada pemain. Sehat. Dimanapun keadaan tegang itu muncul dan dimanapun pengaruhnya, selalu mempunyai efek penghambatan terhadap kebebasan tangan pemain.
Pernyataan K. Stanislavsky membantu untuk melihat lebih luas masalah fiksasi otot: “penjepit” tubuh, meskipun hal itu tidak secara jelas mempengaruhi teknik pianis, membelenggu pengalaman emosional dan imajinasi kreatifnya. Selama ada ketegangan fisik,” tulis Stanislavsky tentang aktor tersebut, “tidak ada pembicaraan tentang perasaan yang benar dan kehidupan mental yang normal untuk peran tersebut.” untuk membantu siswa menghilangkan ketegangan otot, Anda dapat memilih jalan ini: untuk sementara meninggalkan pertunjukan "ekspresif". Kurangi menjadi lambat dan kembangkan dalam diri Anda, seperti yang disarankan K. Stanislavsky, “pengendali otot”. Dengan perhatian terus-menerus, pastikan tidak ada ketegangan berlebihan, ketegangan otot, atau kram yang muncul di mana pun. Proses pemeriksaan diri dan pelepasan ketegangan otot ini harus dibawa ke “pembiasaan mekanis yang tidak disadari”.
Tentu saja, kerumitan ketidaksempurnaan teknis muncul ketika memilih program yang “terlalu mahal”. Oleh karena itu, sebaiknya pilih program berdasarkan kemampuan mental individu dan kemampuan teknis siswa.
Nasihat lain yang diberikan A. Alekseev adalah “mulai mempelajari bagian yang paling sulit terlebih dahulu, sehingga dipersiapkan terlebih dahulu”.
Ada juga poin psikologisnya: usahakan untuk tidak memusatkan perhatian pada masalah teknis siswa, agar tidak membentuk kerumitan dalam dirinya, karena seiring berjalannya waktu, dalam proses mempelajari karya tersebut, masalah tersebut akan hilang.
Juga, salah satu alasan munculnya kecemasan konser adalah intensifikasi kontrol sadar atas proses yang terjadi secara otomatis.
Kinerja suatu karya merupakan rangkaian gerakan otomatis, yang dalam psikologi disebut keterampilan dan dikembangkan dalam proses aktivitas sadar. L. Barenboim: “Rasa tanggung jawab memaksa pianis..., bertentangan dengan keinginan mereka, untuk menguji sebelum pertunjukan dan di atas panggung itu sendiri aspek-aspek dari proses pertunjukan yang berjalan dengan baik tanpa perhatian khusus diarahkan kepada mereka. Proses yang terjadi secara otomatis menjadi tidak terorganisir karena hal ini, dan dia lupa bahwa dia perlu terus bermain.” Bagaimana cara menghindarinya? Stanislavsky percaya: “... satu-satunya hal yang mungkin dapat menjadi lengkap - tanpa gangguan sedikit pun - konsentrasi perhatian pada karya seni itu sendiri; konsentrasi yang terus menerus dan tak kenal lelah pada pengembangan citra artistik. Konsentrasi ekstrem semacam ini akan “memikat” gairah, kesejahteraan kreatif, dan membantu menjaga ketenangan di atas panggung.”
Ketenangan dan konsentrasi seperti itu sangat bergantung pada metode kerja artistik dan pedagogis dengan siswa dan pada pelatihan sistematis perhatiannya sehari-hari. Namun, terlepas dari semua itu, kepanikan terkadang menyapu segala sesuatu yang menghalanginya, termasuk keinginan untuk berkonsentrasi.
K. Stanislavsky membuat pengendalian diri pop bergantung pada karakter moral pemainnya.
“Kita harus menjelaskan,” tulisnya, “bahwa semua kekhawatiran ini… berasal dari kesombongan, kesombongan dan kesombongan, dari rasa takut menjadi lebih buruk dari orang lain.” Para musisi mengungkapkan gagasan yang sama. Menanggapi pertanyaan tentang bagaimana mengatasi kegugupan di atas panggung, I. Hoffman antara lain menyatakan: “Anda harus belajar melupakan “aku” Anda yang berharga, serta “aku” pendengar Anda dan mereka. sikap terhadapmu…”.
Pertunjukan yang bervariasi memerlukan kemauan dan daya tahan yang tinggi, karena sang musisi mengerahkan seluruh tenaganya. Anda harus mampu mengerahkan seluruh energi Anda dan sekaligus terampil membelanjakannya. Untuk “melatih” mereka, ada gunanya memutar seluruh program beberapa kali berturut-turut, sambil berusaha mempertahankan perhatian, konsentrasi, dan kendali atas biaya energi.
Seringkali, ingatan seorang pemain gagal di atas panggung. Berfungsinya memori sangat bergantung pada karakteristik individu: pada perkembangan pendengaran, indera ritme, pada perkembangan teknologi dan kemampuan untuk mengalami pengalaman emosional.
Jika proses menghafal dibangun dengan benar, dan komponen memori pendengaran, visual, motorik, dan logis terlibat dalam menghafal, maka momen lupa tidak akan menjadi bencana.
Ada beberapa cara untuk menghafal permainan, yang dengannya Anda dapat mencapai hafalan yang lebih tahan lama dan bermakna. Anda harus mulai belajar sedini mungkin, dengan menghafal bagian-bagian individual, setelah menganalisis, mengidentifikasi episode-episode yang lebih merepotkan secara teknis dan harmonis. Biasanya sebuah karya dihafalkan pada suatu instrumen, dengan atau tanpa nada. Hal ini juga berguna untuk belajar dari catatan tanpa instrumen. Beberapa guru dan pemain menyarankan belajar tanpa catatan dan tanpa instrumen, misalnya sambil berjalan, memikirkan komposisi.
Berguna untuk menganalisis struktur melodi dan harmonik suatu karya, untuk menghafal tidak hanya bunyinya, tetapi juga teks itu sendiri, instruksi penulis dan struktur melodi-harmonik, serta sensasi otot. Saat menghafal sebuah lakon, sangat penting untuk tidak melupakan sisi artistiknya. Segala upaya yang bertujuan untuk menghafal harus dipadukan dengan upaya yang bertujuan untuk meningkatkan kualitas permainan.
Berfungsinya memori, sampai batas tertentu, bergantung pada signifikansi emosional dari materi yang dirasakan. Bukan rahasia lagi bahwa materi yang membangkitkan minat lebih mudah diingat dan lebih kuat daripada materi yang enggan dipelajari. Intinya di sini adalah ketika kita bersemangat, semua indera kita menjadi lebih tajam, kita melihat dan mendengar lebih tajam, dan ketika kita melihat dan mendengar lebih tajam, kita mengingat lebih baik.
“Dalam jiwa yang dingin,” kata G. Kogan, “meninggalkan bekas yang dalam sama sulitnya dengan membuang sesuatu dari besi tuang dingin.” Saat menghafal, penting untuk fokus pada kekuatan menghafal. Jika seseorang diberi tugas untuk mengingat materi “untuk waktu yang lama”, “selamanya”, maka ia biasanya mengingat materi tersebut dalam jangka waktu yang lebih lama dibandingkan saat diinstruksikan.
- ingat untuk "jangka pendek".
Bermain dengan tempo lambat sangat bermanfaat, tidak hanya pada saat gending masih dipelajari, tetapi juga pada saat sudah dipelajari bahkan dipentaskan di atas panggung. Bermain dengan tempo lambat diperlukan untuk meletakkan “fondasi mental” yang kokoh, mendalami bagian yang dipelajari, mendengarkan intonasi, “memeriksa” semua ini, seperti yang dikatakan G. Kogan dengan kaca pembesar,” dan “letakkan itu ke dalam otak”<надрессировать» нервную систему на определенную последовательность звукодвижений, развить и украсить психический процесс торможения.
Saat mempersiapkan pertunjukan konser, sangat penting untuk mengalokasikan waktu dengan baik agar tidak ada penyelesaian studi yang terburu-buru pada malam pertunjukan. Pekerjaan itu harus dihafal dengan kuat jauh sebelum itu. Namun jika terjadi gangguan di atas panggung, tidak perlu mengulang sesuatu, mulai dari awal. Yang terbaik adalah berkonsentrasi dan terus bermain dengan tenang, mengingat pentingnya persepsi holistik pendengar terhadap karya tersebut. Saat mempersiapkan pertunjukan konser, sebaiknya jangan mengarahkan perhatian Anda pada emosi negatif. Cara utama untuk memerangi “kegembiraan – kepanikan” adalah semangat terhadap pekerjaan Anda. Seperti yang dikatakan K. Stanislavsky: “rahasianya ternyata cukup sederhana: untuk mengalihkan pikiran Anda dari penonton, Anda perlu terbawa oleh apa yang ada di atas panggung.”
Dorongan yang tidak sehat terkadang datang dari guru itu sendiri. Pertanyaan dan komentar dari guru: “Apakah kamu tidak khawatir? “Apakah kamu tidak takut?”, atau “Jangan khawatir, tidak ada yang menakutkan di sini” - sering kali, alih-alih memberi semangat, malah menimbulkan kegembiraan yang menyakitkan bagi beberapa siswa. Jika seorang guru khawatir, maka dia harus dengan cerdik menyembunyikan kegembiraannya agar tidak menulari siswanya. Tentu saja, metode pengaruh psikologis pada siswa sebelum konser bergantung pada karakter dan kesejahteraannya saat itu. Dalam beberapa kasus, Anda perlu menghibur siswa, menanamkan kepercayaan pada kekuatan permainannya, menghilangkan kekurangannya, dalam kasus lain, meredakan ketegangan yang berlebihan dengan lelucon, tetapi jika siswa telah mengendurkan sarafnya, bahkan teriakan mungkin untuk menyadarkannya. Tugas utama guru dalam memberikan dampak psikologis pada siswa adalah mengalihkan dan mengorientasikan kembali “kegembiraan-panik” menjadi “kegembiraan-kegembiraan”.
Penting untuk membicarakan kecemasan sebagai bagian penting dari kinerja yang baik. Banyak artis yang mengatakan jika penampilnya tidak khawatir sebelum konser, belakangan ternyata konsernya tidak sukses. Berkat percakapan seperti itu, kecemasan mengambil karakter yang berbeda: ketakutan buta hilang, dan sebagai gantinya muncullah kesadaran akan kecemasan sebagai perasaan yang normal, alami dalam situasi tertentu, dan bahkan berguna.
Setelah konser, Anda harus memperhatikan aspek positif dari pertunjukan dan mendukung siswa tersebut. Apalagi jika menyangkut remaja, keadaan emosinya tidak stabil dan segala reaksi meningkat. Pembahasan mendetail tentang penampilan konser sebaiknya dilakukan tidak segera setelah konser, tetapi pada hari-hari berikutnya, untuk memuji keberhasilan, dan menguraikan cara untuk memperbaiki kekurangan. Dengan memperhatikan aspek positif dari permainan ini, kami berkontribusi pada perilaku siswa yang lebih bebas di atas panggung dan pengembangan seninya. Penting untuk mengajari musisi masa depan cara mengatasi kegagalan sementara.
Mari kita ingat kata-kata M. Long: “Jangan putus asa - itulah dukungan saya dalam hidup.”
Setelah mempertimbangkan penyebab kecemasan konser, kita dapat mengatakan bahwa sikap psikologis musisi yang benar memainkan peran penting dalam keberhasilan pertunjukan, yang mempengaruhi efisiensi kerja dan stabilitas pertunjukan.
Menurut G. Kogan, sikap psikologis “...memiliki arti yang sangat penting, lebih dari yang biasanya diperkirakan, seringkali lebih dari yang biasanya dipikirkan, seringkali menentukan...menentukan keberhasilan atau kegagalan... Ini tidak berarti bahwa pengaturan yang benar sudah cukup untuk mencapai kesuksesan di kelas: ini berarti bahwa ini adalah kondisi yang diperlukan untuk mencapai kesuksesan terbesar, suatu kondisi, yang pelanggarannya terkadang cukup untuk menyebabkan kegagalan.”
Faktor terpenting dalam keberhasilan pekerjaan adalah tujuan tindakan. G. Kogan mengemukakan tiga aspek utama yang berkontribusi terhadap produktivitas terbesar kerja mandiri: mengarahkan perhatian pada tujuan, konsentrasi, semangat mengejar tujuan – keinginan. Ia juga menambahkan cara kerja - sebagai salah satu jenis aktivitas kreatif manusia, diperlukan kemampuan untuk mendistribusikan tenaga dan waktu seseorang.
Jadi, “mengarahkan perhatian pada tujuan adalah syarat pertama keberhasilan dalam bekerja”...“Tujuan yang didefinisikan dengan jelas, tujuan yang dinyatakan dengan jelas, dan dirasakan dengan jelas adalah syarat pertama untuk sukses dalam pekerjaan apa pun.” Dalam pertunjukan, artinya: “Dengarkan dalam benak Anda musik yang akan Anda bawakan, bayangkan suara yang ingin Anda hasilkan.” Tapi Anda tidak bisa hanya melihat tujuan akhir - kinerja keseluruhan pekerjaan. Kebutuhan seperti itu hanya muncul pada periode pertama “berkenalan” dengan pekerjaan dan pada periode terakhir - periode “pemolesan”. Periode pertengahan membutuhkan pemotongan struktur musik menjadi “potongan-potongan” yang lebih kecil.
Tujuan yang tidak jelas dan tidak stabil “...membebani permainan dengan banyak gerakan yang tidak perlu... mencegah konsolidasi otomatisasi yang diperlukan dari rantai gerakan yang dikembangkan... Dengan pedoman yang goyah (selama latihan) di otak, bukannya satu “jalan untuk jari” ditempati, katakanlah, dalam satu bagian, Dua puluh jalur seperti itu terbentuk... Dari dua puluh jalur, ada baiknya jika ada yang diarahkan dengan benar: sisanya mengarah ke tempat yang salah. Akibatnya, kerja keras yang sangat besar yang dikeluarkan oleh pemain untuk meletakkan dua puluh jalur alih-alih jalur yang dibutuhkan ternyata tidak hanya sembilan persepuluh jalur yang tidak perlu, tetapi juga berbahaya, karena pada saat yang tepat jari-jari “tidak tahu” jalur mana yang harus diambil. teruskan.”
Aspek kedua yang mendorong kerja produktif:
konsentrasi. Tujuan yang diinginkan harus diwujudkan selama pengerjaan langsung pada instrumen, dan di sinilah kondisi kedua untuk keberhasilan kerja terungkap - konsentrasi. Diketahui bahwa perbedaan pekerjaan yang dilakukan dengan konsentrasi penuh, ketika pelaku tidak melihat atau mendengar apa pun di sekitar dirinya atau aktivitasnya, berbeda dengan pekerjaan yang “semi konsentrasi”. Pikiran yang berlebihan menyebabkan ketidakhadiran pikiran dan menimbulkan gerakan-gerakan yang tidak perlu, sehingga menimbulkan hasil yang buruk.
Namun durasi berkarya dengan konsentrasi penuh memiliki batasan tersendiri bagi setiap musisi dan bergantung pada kualitas individunya (usia, tingkat keterampilan, kesejahteraan fisik dan mental, lingkungan, keadaan acak). Batasan ini seolah-olah merupakan sinyal untuk berganti pekerjaan, perlunya istirahat. “Pikiran, seperti mata, menjadi lelah jika Anda fokus pada satu subjek dalam waktu yang lama... tidak semua orang menyadari bahwa perhatian yang berlebihan kehilangan ketajaman persepsi, dan keadaan ini, pada gilirannya, dapat menyebabkan distorsi pada gambar. gambar."
I. Hoffman berkata: Konsentrasi adalah huruf pertama dalam alfabet kesuksesan. Hanya orang yang mampu memulihkan ketertiban dalam otaknya sendiri, menenangkan sejenak kerumunan gambaran yang berkerumun dalam imajinasi, dan tetap berada dalam “antrian” para pemohon perwujudan yang tidak sabar, yang akan menjadi seorang master.” Penting “... tidak hanya untuk dapat melihat, tetapi juga untuk tidak dapat melihat, untuk dapat menutup mata untuk sementara terhadap banyak hal... untuk mempersempit lingkaran perhatian Anda, untuk mengumpulkan yang terakhir ke dalam “fokus”, untuk berkonsentrasi pada tujuan “kecil” terdekat.”
Tetapi penetapan tujuan yang paling akurat dan konsentrasi tertinggi pun tidak akan diperlukan jika tidak ada keinginan untuk mencapai tujuan akhir. Oleh karena itu, keinginan merupakan syarat ketiga untuk sukses dalam bekerja. Keinginan tidak boleh terwujud sebagai dorongan jangka pendek. Keinginan untuk menang hanya akan terwujud jika memiliki ketekunan. Keinginan seperti itu tidak takut akan kesulitan dan rintangan, dan, meskipun ada sejumlah alasan obyektif yang ternyata benar-benar tidak dapat diatasi, sebagian besar kegagalan dalam seni (dan tidak hanya dalam seni) berasal dari penilaian yang berlebihan terhadap hambatan eksternal dan kegagalan. meremehkan manfaat internal. “Jika Anda berhenti dalam ketakutan dan keraguan di depan rintangan hidup, Anda hampir selalu kalah,” kata K. Stanislavsky. “Keinginan adalah tatanan kesadaran, memobilisasi, mengerahkan semua kekuatan tubuh ke dalam pertempuran, mewujudkan cadangan tersembunyi dari sejumlah besar
kekuatan yang tanpa diketahui mengintai setiap orang dan membuka jalan tak terduga menuju kemenangan.” Keinginan untuk sukses bukanlah kriteria seseorang yang berkinerja baik. “Gairah yang penuh gairah, cinta yang penuh gairah tidak hanya untuk suatu tujuan, tetapi juga untuk pekerjaan yang mengarah pada tujuan ini adalah salah satu ciri paling cemerlang dari bakat,” kata I. Hoffman. “Hanya gairah seperti itu, gairah yang telah berubah menjadi kerja terkonsentrasi, menjadi latihan paling metodis, ketenangan yang kuat yang disuplai oleh saluran tinggi dari “Saya ingin” yang abadi - hanya gairah seperti itu yang memiliki nilai dalam seni, hanya itu yang melahirkan untuk keterampilan.”
Hal yang utama dalam proses persiapan suatu pertunjukan adalah kemampuan mengembangkan rasa percaya diri dan ketenangan. “Anda perlu membiasakan diri dengan panggung dengan cara pelatihan sistematis yang tepat, sikap yang benar terhadap musik” - B. Strune.
Berbicara tentang rezim umum sebelum konser, kita dapat mengatakan bahwa itu tidak boleh berbeda jauh dari ritme kehidupan dan karya pemainnya. Yang terbaik adalah menyendiri dan memikirkan program dengan tenang, karena obrolan kosong itu berbahaya. Beberapa pemain menggunakan latihan pernapasan; B. Strune memberikan nasihat yang sama, dengan menyatakan bahwa kecemasan disertai dengan peningkatan impuls dan peningkatan pernapasan.
Kita tidak boleh melupakan pola makan, yang utama jangan bermain di konser dalam keadaan kenyang, karena aktivitas secara keseluruhan menurun dan aktivitas otot mengganggu pencernaan. Sedangkan untuk latihan di hari konser sebaiknya hanya sedikit bermain-main dengan jari. Menjejali tanpa henti pada hari pertunjukan menyebabkan pertunjukan tidak berhasil.
Ya, kami sedang mencari cara untuk mengatasi kecemasan, tetapi yang terpenting adalah, saat naik ke panggung, pemainnya percaya pada dirinya sendiri, pada penampilannya. Kita perlu mengembangkan sikap gembira terhadap pertunjukan konser sehingga menjadi hari libur dan bukan “penghakiman yang buruk.” Tidak perlu takut dengan ucapan yang emosional, karena takut berarti takut akan kehidupan. Emosi adalah ekspresi kehidupan dan tidak memilikinya berarti tidak hidup.
KESIMPULAN
Sebagai kesimpulan, saya ingin mengatakan bahwa, tentu saja, mendapatkan kepercayaan diri di atas panggung adalah pekerjaan jangka panjang bagi seorang musisi. Namun seringkali, karena meningkatnya rasa tanggung jawab, kerusakan terjadi di atas panggung. Pemain biola dan guru yang luar biasa V.V. Borisovsky menasihati murid-muridnya sebelum pertunjukan: “Jangan bermain lebih baik dari yang Anda bisa,” sehingga menghilangkan fokus berlebihan pada kinerja maksimal, yang menyebabkan ketegangan.
Dedikasi penuh pada perwujudan citra musik, proses penemuan, menampilkan keindahan dalam karya, kepedulian terhadap setiap detail dan keinginan untuk mengungkapkannya dalam suara nyata - inilah cara mengatasi demam panggung.
REFERENSI
1. Alekseev A. Metode pengajaran bermain piano. M.1961.
2.Barenboim L. Masalah pedagogi dan pertunjukan piano. L.
1969.
Z. Blinova M. Kreativitas musik dan pola saraf yang lebih tinggi
sistem. L.1974.
4.Hoffman I. Bermain piano. M.1961.
5. Kogan G. Di gerbang penguasaan. M.1977.
6. Neuhaus G. Tentang seni bermain piano. M.1987.
7. Stanislavsky K. Karya seorang aktor pada dirinya sendiri. M.1938.
8. Struve B. Jalur perkembangan awal pemain biola dan pemain cello muda.
M.1959
PERKENALAN
Pertunjukan publik merupakan momen penentu dalam kehidupan kreatif seorang seniman, merupakan hasil jerih payah seorang musisi (baik yang matang maupun pemula) dalam sebuah karya. Dan, tentu saja, ini adalah tahap penting dalam sistem pelatihan dan pengembangan seorang musisi, di mana semuanya saling berhubungan: pendidikan pemikiran musik, imajinasi kreatif, pendengaran, keterampilan teknis, memori, konsentrasi saat mengerjakan sebuah karya dan umum budaya.
Sudah selama masa belajar di sekolah musik anak, siswa harus terbiasa dengan kenyataan bahwa pertunjukan adalah hal yang serius, yang menjadi tanggung jawabnya kepada pendengar, kepada penulis karya, kepada dirinya sendiri dan kepada gurunya. , yang sekaligus merupakan hari libur, momen terbaik dalam hidupnya, saat ia bisa mendapatkan kepuasan artistik yang luar biasa.
Terlepas dari seluruh proses pendidikan, yang berlangsung di bawah kendali kuat guru, pertunjukan konser sangat bergantung pada kemampuan individu musisi. Tingkah laku di atas panggung, kesejahteraan selama pertandingan, reaksi terhadap sikap penonton - semua ini terungkap pada setiap pemain dengan caranya masing-masing.
Seringkali pada tahap ini terjadi gangguan yang menyebabkan trauma mental yang serius bahkan pada pemain yang sangat berbakat, yang terkadang menyebabkan mereka menolak tampil di panggung.
Mempertimbangkan alasan gangguan yang terjadi pada pemain di atas panggung, saya ingin membahas lebih detail masalah kegembiraan pop - masalah pembebasan internal "di depan umum", kemampuan untuk membebaskan diri dari belenggu ketegangan saraf. K. Stanislavsky, dengan pengamatan psikologis yang halus, menggambarkan keadaan menyakitkan dan tidak wajar yang dialami oleh seorang aktor di atas panggung: “Ketika seseorang - seorang seniman naik panggung di depan ribuan orang, dia kehilangan kendali dirinya karena rasa takut, rasa malu. , tanggung jawab, kesulitan. Pada saat-saat seperti ini dia tidak dapat berbicara, melihat, mendengarkan, berpikir, menginginkan, merasa seperti manusia.”
Kegembiraan seorang musisi-pemain tidak berbeda dengan gambaran kesejahteraan seorang aktor; kesadaran akan tanggung jawab, lingkungan yang tidak biasa, ketakutan akan kegagalan - semua ini mengacaukan kemampuan kreatif.
Bagi banyak pianis dan (terlebih lagi) pelajar, pertunjukan konser bukanlah hal yang sederhana. Diketahui bahwa ada virtuoso hebat yang takut dengan panggung dan biasanya bermain di depan penonton yang jauh lebih rendah dari level mereka sebenarnya.
G. Neuhaus dalam bukunya “On the Art of Piano Playing” mengenang bagaimana artis terkenal seperti A. Rubinstein, L. Godovsky dan lainnya merasa gugup sebelum konser. A. Goldenweiser menulis bahwa kecemasan sebelum pertunjukan adalah ciri kebanyakan seniman hebat. Dia berbicara tentang I. Hoffman, yang sama sekali tidak khawatir sebelum konser, sebagai pengecualian yang jarang terjadi pada aturan ini.
Kegembiraan konser
Masalah kecemasan konser tidak diabaikan oleh lebih dari satu peneliti di bidang pedagogi musik dan psikologi serta metode privat dalam pengajaran memainkan alat musik. Memang, masalah ini, masalah kecemasan panggung, dan pertanyaan-pertanyaan seperti itu - bagaimana menghilangkan kecemasan yang berlebihan selama pertunjukan konser, bagaimana mengatasi kecemasan panggung selama persiapan pertunjukan - adalah kunci dalam pedagogi dan psikologi musik. Karena pengembangan kemampuan seni, khususnya kemampuan mengendalikan diri dalam suatu pertunjukan, merupakan salah satu tugas seorang guru dalam pembentukan seorang musisi pertunjukan.
Kegembiraan konser harus dianggap sebagai jenis keadaan emosional yang bergantung pada karakteristik pribadi individu. Ada dua jenis kegembiraan pop: “kegembiraan-kegembiraan” dan “kegembiraan-panik”. Karena karakteristik individu dari organisasi mental masing-masing pemain, keadaan kegembiraan mempengaruhi kualitas pekerjaan yang dilakukan secara berbeda.
Bagi sebagian orang, kecemasan membantu mereka mengatasi tugas kreatif mereka dengan cemerlang, berkontribusi pada kecerahan pertunjukan yang lebih besar, kontak yang lebih baik antara pemain dan pendengar, sementara bagi yang lain mereka harus menghabiskan banyak energi ekstra untuk mengatasi kecemasan dan pada saat yang sama. pelaku tidak selalu mencapai hasil yang diinginkan; bagi banyak orang, kecemasan mencapai keadaan yang menyakitkan. Paling sering hal ini memanifestasikan dirinya dalam pelanggaran pengaturan kecepatan, rasa tempo hilang, seringkali pemain tampak bermain sangat pelan, sehingga dia tidak dapat didengar, dan dia mulai memainkan nuansa yang lebih tinggi. Yang terjadi justru sebaliknya: temperamen memudar, permainan menjadi tidak berwarna, tidak bersuara. Yang terburuk adalah jika ingatan Anda tiba-tiba hilang. Terkadang hal ini tidak hanya memengaruhi memori motorik, tetapi juga memori musik. Dalam kasus pertama, musikal dapat membantu, dan dalam kasus kedua, motor. Jika hal ini tidak terjadi, penghentian tidak bisa dihindari. Seringkali, kecemasan-panik menyebabkan gangguan, yang menyebabkan trauma mental bagi pelakunya. Kondisi ini disebut “variasi penyakit”. Kinerja yang tidak berhasil menimbulkan keraguan pada diri sendiri, terhadap kekuatan dan kemampuan seseorang,<боязнь» плохо сыграть, забыть текст, остановиться.
Penyebab kecemasan konser dan cara mengatasinya
Setiap penampil harus mengetahui penyebab kehebohan musik pop dan mampu mengatasinya.
Ada beberapa alasan yang menyebabkan ketakutan terhadap pertunjukan konser: lingkungan yang tidak biasa, peralatan teknis yang tidak memadai, repertoar yang dipilih dengan buruk, kurang percaya diri, pengaruh mental yang tidak tepat dari guru dan lain-lain.
Mari kita fokus pada yang terakhir, karena menurut saya ini tentang menanamkan rasa tanggung jawab dan rasa tanggung jawab pada siswa.<концертного выступления» – одна из задач педагога в момент прихода его в музыкальную школу.
Apa yang harus dilakukan seorang guru untuk menanamkan budaya pop yang baik pada siswanya? Bagaimana dan kapan perkenalannya ke panggung harus dilakukan? Guru dan psikolog yang berpengalaman percaya bahwa perlu membiasakan seorang anak dengan tahapan sedini mungkin, dari langkah pertama pembelajaran. Diketahui bahwa di masa kanak-kanak, kualitas kepribadian masa depan seorang musisi-pemain terbentuk. Dan sangat penting untuk tidak melewatkan saat ini ketika jiwa anak terutama ditujukan untuk mengekspresikan emosi positif, yang merupakan prasyarat serius untuk pembentukan perasaan puas dari permainannya sendiri, kesenangan berkomunikasi dengan pendengar.
Sangat penting bagi perkembangan siswa selanjutnya agar penampilan pertamanya berhasil. Pilihan program dan kemampuan teknis sangat penting bagi siswa. Namun kinerja yang kurang berhasil pun tidak boleh menimbulkan reaksi negatif dari guru kepada siswa. Dan seiring berjalannya waktu, kepercayaan terhadap kekuatan diri sendiri dan keinginan untuk berkomunikasi dengan publik harus terbentuk. Hal inilah yang penting dalam keberhasilan selanjutnya dan terbentuknya seorang musisi pertunjukan.
Kembali ke alasan kemeriahan konser, kita harus mempertimbangkan lingkungan yang tidak biasa.
Lingkungan yang berubah menimbulkan perasaan tidak nyaman dan ketidakpastian. Oleh karena itu, sebelum konser perlu dilakukan latihan pendahuluan di atas panggung, karena setiap hall memiliki ciri akustiknya masing-masing.
Pengamatan Yankelevich tentang kekhasan pertunjukan di aula menarik: “lukisan kecil bagus untuk sebuah ruangan, tetapi poster diperlukan dalam bentuk persegi. Untuk memikat dan menarik minat audiens terhadap ide Anda, Anda perlu membayangkan dengan jelas kesan apa yang ingin Anda buat. Permainan teknis cepat di aula tidak memberi kesan menyatu dan menjadi dangkal. Di aula Anda membutuhkan permainan yang besar dan cembung, tajam... suara yang kuat, kejelasan bagian teknis. Untuk melakukan ini, Anda perlu bermain piano lebih besar dan lebih menonjol, tetapi dengan tempo yang agak lambat, ketika semuanya terkendali. Kemudian tercipta perasaan tenang di atas panggung. Saat bermain cepat menciptakan ketidakstabilan.”
Fitur lain yang tidak boleh dilupakan. Saat bekerja, di rumah atau di kelas, kita membiarkan diri kita bermain “tidak dengan kekuatan spiritual penuh”, seolah-olah sedang berlatih, memberikan pelajaran. Saya tidak mengecualikan tahapan pengajaran karya tersebut, tetapi agar karya musik tersebut tidak berubah menjadi latihan atau etude, maka di akhir pembelajaran perlu dimainkan dengan tempo yang sama seperti di konser. yaitu di hadapan pendengar imajiner.
G. Neuhaus: “Sebelum karya tersebut terungkap, saya pasti akan menampilkannya berkali-kali di rumah, sendirian, seolah-olah saya sedang memainkannya di depan penonton. (Benar, saya tidak menetapkan tujuan ini untuk diri saya sendiri, tetapi karena saya terbawa oleh komposisinya, saya “melakukannya” - untuk diri saya sendiri dan orang lain, meskipun mereka tidak hadir.)”
A. Barenboim menceritakan bagaimana salah satu pianis terkemuka Soviet sedang berlatih program baru yang akan segera ia bawakan:
“Apa yang dia lakukan mungkin tampak seperti permainan anak-anak dari luar... dia keluar dari ruangan lain (<артистической») к роялю, представляет себе, что находится в концертном зале, раскланивается перед аудиторией и начинает играть программу».
Banyak musisi percaya bahwa sebuah karya tidak dapat dianggap lengkap kecuali telah ditampilkan di depan umum beberapa kali. Pada tahap awal, di sekolah musik, siswa dapat diajari bermain di hadapan siswa lain. Berguna juga untuk menampilkan program ini kepada kerabat dan teman. Pertunjukan bermain seperti itu mengajarkan siswa untuk segera terlibat dalam penggambaran karya, membangkitkan keseimbangan emosional yang diperlukan dalam dirinya, mencapai konsentrasi penuh selama proses bermain, dll.
Rekaman uji kinerja Anda sangat diinginkan - bahkan rekaman amatir yang tidak sempurna. Dalam proses verifikasi itulah Anda dapat mengidentifikasi kekurangan Anda, yang memerlukan penjabaran terpisah selanjutnya.
Sangat berguna untuk memainkan sebuah lagu dari titik tertentu. Contoh lain: memainkan sebuah lagu di kepala Anda tanpa nada, Anda bahkan dapat menggabungkannya dengan berjalan-jalan.
Namun, banyak contoh serupa dapat diberikan... Semua ini adalah pelatihan proses saraf, sebagai akibatnya resistensi terhadap rangsangan eksternal yang asing dikembangkan, dan pertunjukan konser menjadi kebiasaan.
Kesenjangan dalam pelatihan teknis berdampak negatif terhadap kualitas kinerja. Misalnya, jika sebelum pertunjukan masih terjadi ketegangan otot yang berlebihan, maka kegembiraan saat pertunjukan meningkat berkali-kali lipat, muncul kekakuan pada otot-otot seluruh tubuh, tangan mulai gemetar, dan tidak patuh pada pemain. Sehat. Dimanapun keadaan tegang itu muncul dan dimanapun pengaruhnya, selalu mempunyai efek penghambatan terhadap kebebasan tangan pemain.
Pernyataan K. Stanislavsky membantu untuk melihat lebih luas masalah fiksasi otot: “penjepit” tubuh, meskipun hal itu tidak secara jelas mempengaruhi teknik pianis, membelenggu pengalaman emosional dan imajinasi kreatifnya. Selama ada ketegangan fisik,” tulis Stanislavsky tentang aktor tersebut, “tidak ada pembicaraan tentang perasaan yang benar dan kehidupan mental yang normal untuk peran tersebut.” untuk membantu siswa menghilangkan ketegangan otot, Anda dapat memilih jalan ini: untuk sementara meninggalkan pertunjukan "ekspresif". Kurangi menjadi lambat dan kembangkan dalam diri Anda, seperti yang disarankan K. Stanislavsky, “pengendali otot”. Dengan perhatian terus-menerus, pastikan tidak ada ketegangan berlebihan, ketegangan otot, atau kram yang muncul di mana pun. Proses pemeriksaan diri dan pelepasan ketegangan otot ini harus dibawa ke “pembiasaan mekanis yang tidak disadari”.
Tentu saja, kerumitan ketidaksempurnaan teknis muncul ketika memilih program yang “terlalu mahal”. Oleh karena itu, sebaiknya pilih program berdasarkan kemampuan mental individu dan kemampuan teknis siswa.
Nasihat lain yang diberikan A. Alekseev adalah “mulai mempelajari bagian yang paling sulit terlebih dahulu, sehingga dipersiapkan terlebih dahulu”.
Ada juga poin psikologisnya: usahakan untuk tidak memusatkan perhatian pada masalah teknis siswa, agar tidak membentuk kerumitan dalam dirinya, karena seiring berjalannya waktu, dalam proses mempelajari karya tersebut, masalah tersebut akan hilang.
Juga, salah satu alasan munculnya kecemasan konser adalah intensifikasi kontrol sadar atas proses yang terjadi secara otomatis.
Kinerja suatu karya merupakan rangkaian gerakan otomatis, yang dalam psikologi disebut keterampilan dan dikembangkan dalam proses aktivitas sadar. L. Barenboim: “Rasa tanggung jawab memaksa pianis..., bertentangan dengan keinginan mereka, untuk menguji sebelum pertunjukan dan di atas panggung itu sendiri aspek-aspek dari proses pertunjukan yang berjalan dengan baik tanpa perhatian khusus diarahkan kepada mereka. Proses yang terjadi secara otomatis menjadi tidak terorganisir karena hal ini, dan dia lupa bahwa dia perlu terus bermain.” Bagaimana cara menghindarinya? Stanislavsky percaya: “... satu-satunya hal yang mungkin adalah yang lengkap – tanpa gangguan sedikit pun – konsentrasi perhatian pada karya seni itu sendiri; konsentrasi yang terus menerus dan tak kenal lelah pada pengembangan citra artistik. Konsentrasi ekstrem semacam ini akan “memikat” gairah, kesejahteraan kreatif, dan membantu menjaga ketenangan di atas panggung.”
Ketenangan dan konsentrasi seperti itu sangat bergantung pada metode kerja artistik dan pedagogis dengan siswa dan pada pelatihan sistematis perhatiannya sehari-hari. Namun, terlepas dari semua itu, kepanikan terkadang menyapu segala sesuatu yang menghalanginya, termasuk keinginan untuk berkonsentrasi.
K. Stanislavsky membuat pengendalian diri pop bergantung pada karakter moral pemainnya.
“Kita harus menjelaskan,” tulisnya, “bahwa semua kekhawatiran ini… berasal dari kesombongan, kesombongan dan kesombongan, dari rasa takut menjadi lebih buruk dari orang lain.” Para musisi mengungkapkan gagasan yang sama. Menanggapi pertanyaan tentang bagaimana mengatasi kegugupan di atas panggung, I. Hoffman antara lain menyatakan: “Anda harus belajar melupakan “aku” Anda yang berharga, serta “aku” pendengar Anda dan mereka. sikap terhadapmu…”.
Pertunjukan yang bervariasi memerlukan kemauan dan daya tahan yang tinggi, karena sang musisi mengerahkan seluruh tenaganya. Anda harus mampu mengerahkan seluruh energi Anda dan sekaligus terampil membelanjakannya. Untuk “melatih” mereka, ada gunanya memutar seluruh program beberapa kali berturut-turut, sambil berusaha mempertahankan perhatian, konsentrasi, dan kendali atas biaya energi.
Seringkali, ingatan seorang pemain gagal di atas panggung. Berfungsinya memori sangat bergantung pada karakteristik individu: pada perkembangan pendengaran, indera ritme, pada perkembangan teknologi dan kemampuan untuk mengalami pengalaman emosional.
Jika proses menghafal dibangun dengan benar, dan komponen memori pendengaran, visual, motorik, dan logis terlibat dalam menghafal, maka momen lupa tidak akan menjadi bencana.
Ada beberapa cara untuk menghafal permainan, yang dengannya Anda dapat mencapai hafalan yang lebih tahan lama dan bermakna. Anda harus mulai belajar sedini mungkin, dengan menghafal bagian-bagian individual, setelah menganalisis, mengidentifikasi episode-episode yang lebih merepotkan secara teknis dan harmonis. Biasanya sebuah karya dihafalkan pada suatu instrumen, dengan atau tanpa nada. Hal ini juga berguna untuk belajar dari catatan tanpa instrumen. Beberapa guru dan pemain menyarankan belajar tanpa catatan dan tanpa instrumen, misalnya sambil berjalan, memikirkan komposisi.
Berguna untuk menganalisis struktur melodi dan harmonik suatu karya, untuk menghafal tidak hanya bunyinya, tetapi juga teks itu sendiri, instruksi penulis dan struktur melodi-harmonik, serta sensasi otot. Saat menghafal sebuah lakon, sangat penting untuk tidak melupakan sisi artistiknya. Segala upaya yang bertujuan untuk menghafal harus dipadukan dengan upaya yang bertujuan untuk meningkatkan kualitas permainan.
Berfungsinya memori, sampai batas tertentu, bergantung pada signifikansi emosional dari materi yang dirasakan. Bukan rahasia lagi bahwa materi yang membangkitkan minat lebih mudah diingat dan lebih kuat daripada materi yang enggan dipelajari. Intinya di sini adalah ketika kita bersemangat, semua indera kita menjadi lebih tajam, kita melihat dan mendengar lebih tajam, dan ketika kita melihat dan mendengar lebih tajam, kita mengingat lebih baik.
“Dalam jiwa yang dingin,” kata G. Kogan, “meninggalkan bekas yang dalam sama sulitnya dengan membuang sesuatu dari besi tuang dingin.” Saat menghafal, penting untuk fokus pada kekuatan menghafal. Jika seseorang diberi tugas untuk mengingat materi “dalam waktu lama”, “selamanya”, maka ia biasanya mengingat materi tersebut dalam jangka waktu yang lebih lama dibandingkan ketika disuruh mengingatnya dalam “waktu singkat”.
Bermain dengan tempo lambat sangat bermanfaat, tidak hanya pada saat gending masih dipelajari, tetapi juga pada saat sudah dipelajari bahkan dipentaskan di atas panggung. Bermain dengan tempo lambat diperlukan untuk meletakkan “fondasi mental” yang kokoh, mendalami bagian yang dipelajari, mendengarkan intonasi, “memeriksa” semua ini, seperti yang dikatakan G. Kogan dengan kaca pembesar,” dan “letakkan itu ke dalam otak”<надрессировать» нервную систему на определенную последовательность звукодвижений, развить и украсить психический процесс торможения.
Saat mempersiapkan pertunjukan konser, sangat penting untuk mengalokasikan waktu dengan baik agar tidak ada penyelesaian studi yang terburu-buru pada malam pertunjukan. Pekerjaan itu harus dihafal dengan kuat jauh sebelum itu. Namun jika terjadi gangguan di atas panggung, tidak perlu mengulang sesuatu, mulai dari awal. Yang terbaik adalah berkonsentrasi dan terus bermain dengan tenang, mengingat pentingnya persepsi holistik pendengar terhadap karya tersebut. Saat mempersiapkan pertunjukan konser, sebaiknya jangan mengarahkan perhatian Anda pada emosi negatif. Cara utama untuk memerangi “kepanikan-kegembiraan” adalah semangat terhadap pekerjaan Anda. Seperti yang dikatakan K. Stanislavsky: “rahasianya ternyata cukup sederhana: untuk mengalihkan pikiran Anda dari penonton, Anda perlu terbawa oleh apa yang ada di atas panggung.”
Dorongan yang tidak sehat terkadang datang dari guru itu sendiri. Pertanyaan dan komentar dari guru: “Apakah kamu tidak khawatir? “Apakah kamu tidak takut?”, atau “Jangan khawatir, tidak ada yang menakutkan di sini” - sering kali, alih-alih memberi semangat, malah menimbulkan kegembiraan yang menyakitkan bagi beberapa siswa. Jika seorang guru khawatir, maka dia harus dengan cerdik menyembunyikan kegembiraannya agar tidak menulari siswanya. Tentu saja, metode pengaruh psikologis pada siswa sebelum konser bergantung pada karakter dan kesejahteraannya saat itu. Dalam beberapa kasus, Anda perlu menghibur siswa, menanamkan kepercayaan pada kekuatan permainannya, menghilangkan kekurangannya, dalam kasus lain, meredakan ketegangan yang berlebihan dengan lelucon, tetapi jika siswa telah mengendurkan sarafnya, bahkan teriakan mungkin untuk menyadarkannya. Tugas utama guru dalam memberikan dampak psikologis pada siswa adalah mengalihkan dan mengorientasikan kembali “kegembiraan-panik” menjadi “kegembiraan-kegembiraan”.
Penting untuk membicarakan kecemasan sebagai bagian penting dari kinerja yang baik. Banyak artis yang mengatakan jika penampilnya tidak khawatir sebelum konser, belakangan ternyata konsernya tidak sukses. Berkat percakapan seperti itu, kecemasan mengambil karakter yang berbeda: ketakutan buta hilang, dan sebagai gantinya muncullah kesadaran akan kecemasan sebagai perasaan yang normal, alami dalam situasi tertentu, dan bahkan berguna.
Setelah konser, Anda harus memperhatikan aspek positif dari pertunjukan dan mendukung siswa tersebut. Apalagi jika menyangkut remaja, keadaan emosinya tidak stabil dan segala reaksi meningkat. Pembahasan mendetail tentang penampilan konser sebaiknya dilakukan tidak segera setelah konser, tetapi pada hari-hari berikutnya, untuk memuji keberhasilan, dan menguraikan cara untuk memperbaiki kekurangan. Dengan memperhatikan aspek positif dari permainan ini, kami berkontribusi pada perilaku siswa yang lebih bebas di atas panggung dan pengembangan seninya. Penting untuk mengajari musisi masa depan cara mengatasi kegagalan sementara. Mari kita ingat kata-kata M. Long: “Jangan putus asa - itulah dukungan saya dalam hidup.”
Setelah mempertimbangkan penyebab kecemasan konser, kita dapat mengatakan bahwa sikap psikologis musisi yang benar memainkan peran penting dalam keberhasilan pertunjukan, yang mempengaruhi efisiensi kerja dan stabilitas pertunjukan.
Menurut G. Kogan, sikap psikologis “...memiliki arti yang sangat penting, lebih dari yang biasanya diperkirakan, seringkali lebih dari yang biasanya dipikirkan, seringkali menentukan...menentukan keberhasilan atau kegagalan... Ini tidak berarti bahwa pengaturan yang benar sudah cukup untuk mencapai kesuksesan di kelas: ini berarti bahwa ini adalah kondisi yang diperlukan untuk mencapai kesuksesan terbesar, suatu kondisi, yang pelanggarannya terkadang cukup untuk menyebabkan kegagalan.”
Faktor terpenting dalam keberhasilan pekerjaan adalah tujuan tindakan. G. Kogan mengemukakan tiga aspek utama yang berkontribusi terhadap produktivitas terbesar kerja mandiri: mengarahkan perhatian pada tujuan, konsentrasi, semangat mengejar tujuan – keinginan. Ia juga menambahkan cara kerja - sebagai salah satu jenis aktivitas kreatif manusia, diperlukan kemampuan untuk mendistribusikan tenaga dan waktu seseorang.
Jadi, “mengarahkan perhatian pada tujuan adalah syarat pertama keberhasilan dalam bekerja”... “tujuan yang didefinisikan dengan jelas, tujuan yang dinyatakan dengan jelas, dipahami dengan jelas adalah syarat pertama keberhasilan dalam pekerjaan apa pun.” Dalam pertunjukan, artinya: “Dengarkan dalam benak Anda musik yang akan Anda bawakan, bayangkan suara yang ingin Anda hasilkan.” Tapi Anda tidak bisa hanya melihat tujuan akhir - kinerja keseluruhan pekerjaan. Kebutuhan seperti itu hanya muncul pada periode pertama “pengenalan” dengan karya tersebut dan pada periode terakhir – periode “pemolesan”. Periode pertengahan membutuhkan pemotongan struktur musik menjadi “potongan-potongan” yang lebih kecil.
Tujuan yang tidak jelas dan tidak stabil “...membebani permainan dengan banyak gerakan yang tidak perlu... mencegah konsolidasi otomatisasi yang diperlukan dari rantai gerakan yang dikembangkan... Dengan pedoman yang goyah (selama latihan) di otak, bukannya satu “jalan untuk jari” ditempati, katakanlah, dalam satu bagian, Dua puluh jalur seperti itu terbentuk... Dari dua puluh jalur, ada baiknya jika ada yang diarahkan dengan benar: sisanya mengarah ke tempat yang salah. Akibatnya, kerja keras yang sangat besar yang dikeluarkan oleh pemain untuk meletakkan dua puluh jalur alih-alih jalur yang dibutuhkan ternyata tidak hanya sembilan persepuluh jalur yang tidak perlu, tetapi juga berbahaya, karena pada saat yang tepat jari-jari “tidak tahu” jalur mana yang harus diambil. teruskan.”
Aspek kedua yang mendorong produktivitas: fokus. Tujuan yang diinginkan harus diwujudkan selama pengerjaan langsung pada instrumen, dan di sini kondisi kedua untuk keberhasilan kerja terungkap - konsentrasi. Diketahui bahwa perbedaan pekerjaan yang dilakukan dengan konsentrasi penuh, ketika pelaku tidak melihat atau mendengar apa pun di sekitar dirinya atau aktivitasnya, berbeda dengan pekerjaan yang “semi konsentrasi”. Pikiran yang berlebihan menyebabkan ketidakhadiran pikiran dan menimbulkan gerakan-gerakan yang tidak perlu, sehingga menimbulkan hasil yang buruk.
Namun durasi berkarya dengan konsentrasi penuh memiliki batasan tersendiri bagi setiap musisi dan bergantung pada kualitas individunya (usia, tingkat keterampilan, kesejahteraan fisik dan mental, lingkungan, keadaan acak). Batasan ini seperti sinyal untuk berganti pekerjaan. kebutuhan istirahat. “Pikiran, seperti mata, menjadi lelah jika Anda fokus pada satu subjek dalam waktu yang lama... tidak semua orang menyadari bahwa perhatian yang berlebihan kehilangan ketajaman persepsi, dan keadaan ini, pada gilirannya, dapat menyebabkan distorsi pada gambar. gambar."
I. Hoffman berkata: Konsentrasi adalah huruf pertama dalam alfabet kesuksesan. Hanya orang yang mampu memulihkan ketertiban dalam otaknya sendiri, menenangkan sejenak kerumunan gambaran yang berkerumun dalam imajinasi, dan tetap berada dalam “antrian” para pemohon perwujudan yang tidak sabar, yang akan menjadi seorang master.” Penting “... tidak hanya untuk dapat melihat, tetapi juga untuk tidak dapat melihat, untuk dapat menutup mata untuk sementara terhadap banyak hal... untuk mempersempit lingkaran perhatian Anda, untuk mengumpulkan yang terakhir ke dalam “fokus”, untuk berkonsentrasi pada tujuan “kecil” terdekat.”
Tetapi penetapan tujuan yang paling akurat dan konsentrasi tertinggi pun tidak akan diperlukan jika tidak ada keinginan untuk mencapai tujuan akhir. Oleh karena itu, keinginan merupakan syarat ketiga untuk sukses dalam bekerja. Keinginan tidak boleh terwujud sebagai dorongan jangka pendek. Keinginan untuk menang hanya akan terwujud jika memiliki ketekunan. Keinginan seperti itu tidak takut akan kesulitan dan rintangan, dan, meskipun ada sejumlah alasan obyektif yang ternyata benar-benar tidak dapat diatasi, sebagian besar kegagalan dalam seni (dan tidak hanya dalam seni) berasal dari penilaian yang berlebihan terhadap hambatan eksternal dan kegagalan. meremehkan manfaat internal. “Jika Anda berhenti dalam ketakutan dan keraguan saat menghadapi rintangan dalam hidup, Anda hampir selalu kalah,” kata K. Stanislavsky. “Keinginan adalah tatanan kesadaran yang memobilisasi dan melemparkan semua kekuatan tubuh ke dalam pertempuran, mengaktifkan cadangan kekuatan yang sangat besar yang tersembunyi, yang tidak diketahui dalam diri setiap orang dan membuka jalan yang tidak terduga menuju kemenangan.” Keinginan untuk sukses bukanlah kriteria seseorang yang berkinerja baik. “Gairah yang penuh gairah, cinta yang penuh gairah tidak hanya untuk suatu tujuan, tetapi juga untuk pekerjaan yang mengarah pada tujuan ini adalah salah satu ciri paling cemerlang dari bakat,” kata I. Hoffman. “(Hanya gairah seperti itu, gairah yang telah berubah menjadi kerja terkonsentrasi, menjadi latihan paling metodis, ketenangan yang kuat yang disuplai oleh saluran tinggi dari “Saya ingin” yang abadi - hanya gairah seperti itu yang memiliki nilai dalam seni, hanya itu yang memberi lahirnya keterampilan."
Hal yang utama dalam proses persiapan suatu pertunjukan adalah kemampuan mengembangkan rasa percaya diri dan ketenangan. “Anda perlu membiasakan diri dengan panggung dengan cara pelatihan sistematis yang tepat, sikap yang benar terhadap musik” - B. Strune.
Berbicara tentang rezim umum sebelum konser, kita dapat mengatakan bahwa itu tidak boleh berbeda jauh dari ritme kehidupan dan karya pemainnya. Yang terbaik adalah menyendiri dan memikirkan program dengan tenang, karena obrolan kosong itu berbahaya. Beberapa pemain menggunakan latihan pernapasan; B. Strune memberikan nasihat yang sama, dengan menyatakan bahwa kecemasan disertai dengan peningkatan impuls dan peningkatan pernapasan.
Kita tidak boleh melupakan pola makan, yang utama jangan bermain di konser dalam keadaan kenyang, karena aktivitas secara keseluruhan menurun dan aktivitas otot mengganggu pencernaan. Sedangkan untuk kegiatan di hari konser, murni perorangan. Beberapa orang mendapatkan kepercayaan diri dengan belajar selama enam jam pada hari konser, sementara yang lain tidak memerlukan waktu sama sekali.
Ya, kami sedang mencari cara untuk mengatasi kecemasan, tetapi yang terpenting adalah, saat naik ke panggung, pemainnya percaya pada dirinya sendiri, pada penampilannya. Kita perlu mengembangkan sikap gembira terhadap pertunjukan konser sehingga menjadi hari libur dan bukan “penghakiman yang buruk.” Tidak perlu takut dengan ucapan yang emosional, karena takut berarti takut akan kehidupan. Emosi adalah ekspresi kehidupan dan tidak memilikinya berarti tidak hidup.
KESIMPULAN
Sebagai kesimpulan, saya ingin mengatakan bahwa, tentu saja, mendapatkan kepercayaan diri di atas panggung adalah pekerjaan jangka panjang bagi seorang musisi. Namun seringkali, karena meningkatnya rasa tanggung jawab, kerusakan terjadi di atas panggung. Pemain biola dan guru yang luar biasa V.V. Borisovsky menasihati murid-muridnya sebelum pertunjukan: “Jangan bermain lebih baik dari yang Anda bisa,” sehingga menghilangkan fokus berlebihan pada kinerja maksimal, yang menyebabkan ketegangan.
Dedikasi penuh pada perwujudan citra musik, proses penemuan, menampilkan keindahan dalam karya, kepedulian terhadap setiap detail dan keinginan untuk mengungkapkannya dalam suara nyata - inilah cara mengatasi demam panggung.
Referensi
- Alekseev A.
M.1959.
Pertunjukan konser dan kompetisi
Perbedaan antara pertunjukan konser dan pertunjukan kompetitif
Kompetisi musik adalah kesempatan untuk membuktikan kemampuan profesional Anda. Tujuan utama dari kompetisi ini adalah untuk membuktikan keunggulan pribadi Anda atas lawan. Raih keunggulan yang diberikan oleh juri. Sistem penilaian juri tidak memberikan kelonggaran atau pertimbangan terhadap kondisi fisik dan mental peserta, atau kesalahan teknisnya. Dalam sebuah kompetisi, pemain mengalami ketegangan saraf tingkat tertinggi.
Tidak ada unsur perbandingan dalam kegiatan konser. Setiap peserta, terlepas dari kualitas penampilannya, dapat mengandalkan simpati penonton, yang disebabkan oleh salah satu kualitasnya: keberanian, keahlian. Kriteria utama sebuah konser adalah reaksi penonton, tidak adanya tingkat tanggung jawab yang sangat tinggi dan ketegangan yang maksimal, dibandingkan dengan sebuah kompetisi.
Suatu pertunjukan merupakan hasil kerja kreatif yang intens dari seorang siswa dan seorang guru, yang bagi mereka merupakan tindakan bertanggung jawab yang merangsang pertumbuhan kreatif lebih lanjut. Kompetisi semacam itu mengembangkan kemauan, daya tahan panggung, keterampilan, dan banyak kualitas lain yang membentuk musisi masa depan.
Perlu dididik seorang siswa – seorang “pejuang”, mampu berpikir mandiri, mampu bekerja keras dan mengatasi kesalahan, menahan tekanan fisik dan moral yang besar, tidak kehilangan rasa optimisme, dan juga mampu menunjukkan ilmunya, keterampilan dan kemampuan dalam praktek. Penampilan yang sukses dibarengi dengan semangat yang tinggi, keinginan untuk bermain baik, semangat juang yang istimewa, tidak adanya rasa lelah, hubungan yang baik dengan orang lain, dan kesehatan fisik yang normal.
Kompetisi apa pun adalah kerja keras tim: siswa dan guru.
Tugas setiap guru:
Atur pekerjaan dengan benar;
Pilih repertoar Anda dengan bijak;
Pelajari programnya;
Pendekatan sosial dalam mengerjakan program (bentuk, fitur harmonik dan ritme, dll.);
Bekerja sebagian, bekerja dengan kecepatan lambat;
Kumpulkan bagian-bagiannya dan tingkatkan kecepatannya, kerjakan bagian-bagian yang sulit;
Pemutaran ganda;
Menemukan saling pengertian, berada pada “panjang gelombang” emosional yang sama - ini adalah komponen kesuksesan, memenangkan kompetisi.
Seperti yang Anda ketahui, status kompetisi musik bermacam-macam:
Dingin;
Sekolah;
Perkotaan;
Daerah;
Kompetisi - festival;
Semua-Rusia;
Internasional.
Setiap guru berkepentingan agar siswanya tampil sebaik mungkin di atas panggung.
Persiapan pertunjukan konser
Kesiapan pertunjukan seorang musisi untuk kegiatan konser terdiri dari beberapa faktor: persiapan teknis dan persiapan pertunjukan, serta persiapan psikologis untuk suatu pertunjukan.
Semua pekerjaan yang telah dilakukan oleh siswa pada sebuah karya musik di kelas dan di rumah “diuji kekuatannya” dalam pertunjukan publik; Hanya pertunjukan konser yang menentukan tingkat penguasaan materi, tingkat bakat pemain, kestabilan psikologisnya, dan masih banyak lagi.
Tentu saja, kesuksesan penampilan terbuka seorang musisi-pemain muda tidak bisa disamakan dengan kualitas penampilannya. Situasi mungkin terjadi ketika siswa yang terlatih dan bahkan berbakat mengalami kegagalan panggung karena satu dan lain alasan; atau situasi muncul ketika seorang siswa yang tidak terlalu berbakat dapat menunjukkan dirinya dengan baik. Dan pada saat yang sama, selama pertunjukan itulah segalanya diuji: kompleksnya kemampuan pertunjukan musik alami, potensi "teknis", pengetahuan, keterampilan dan kemampuan yang diperoleh, dan stabilitas mental.
Aktivitas konser mempunyai pengaruh yang besar terhadap kepribadian musisi yang tampil; untuk pembentukan kondisi mental peningkatan kreatif selama pertunjukan, kebutuhan berikut ini adalah yang paling berharga:
Kebutuhan untuk merasakan keindahan dengan berpartisipasi dalam proses pertunjukan;
Perlunya komunikasi kreatif dengan mitra ansambel dan dengan masyarakat,
Kebutuhan akan ekspresi diri, keinginan untuk menangkap, melestarikan, dan menyampaikan kepada orang lain idenya tentang citra seni musik.
Pembelajaran merupakan bentuk utama mempersiapkan siswa untuk tampil dalam konser.
Pembelajaran merupakan bentuk utama dari proses panjang komunikasi pedagogis antara siswa dan guru. Di sinilah tugas pokok pembelajaran ditetapkan dan sebagian besar diselesaikan, interaksi kreatif antara dua individu terjadi, prestasi dan kekurangan dinilai, tujuan ditetapkan, laju kemajuan ditentukan, rencana jangka panjang dibuat, dll.
Berikut ini adalah bentuk dan metode kerja yang paling umum di dalam kelas:
1) pencarian kreatif bersama , diungkapkan dalam karya mendalam tentang konsep kreatif komposisi, citranya, sifat suara yang diperlukan, solusi masalah teknologi tertentu;
2) mendengarkan dengan penyesuaian selanjutnya;
3) menciptakan citra pertunjukan ketika episode ini atau itu, frasa ini atau itu dibawa ke keadaan kualitatif yang ideal dan memperoleh karakter referensi tertentu yang membantu untuk memahami esensi dari tugas yang dilakukan;
4) demonstrasi oleh guru tentang tingkat permainan yang diperlukan untuk komposisi atau teknik tertentu;
5) pelatihan (“pelatihan”) - pengulangan berulang ,
6) instruksi verbal dengan analisis spesifik baik keseluruhan maupun detailnya,
7) karya mandiri siswa di bawah bimbingan seorang guru,
8) kegiatan kolektif.
Hal penting dalam melaksanakan pembelajaran adalah menumbuhkan rasa tanggung jawab siswa terhadap permainannya, pelaksanaan tugas guru, dan pengembangan kreatifnya.
Suasana kreatif yang mendukung memainkan peran besar: keramahan, senyuman guru, beberapa kata yang dia ucapkan tentang kesiapan dan kesejahteraan siswa. “Penyesuaian” psikologis ini memberikan kontribusi besar dalam menghilangkan rasa malu yang berlebihan, kecemasan siswa, dan emansipasinya.
Bagian paling penting dari pertunjukan konser
- Latihan terakhir
- Suasana psikologis sebelum pertunjukan
- Keluar dan meninggalkan panggung
- Awal pertunjukan
- Fokus dan konsentrasi yang terus menerus dan tak kenal lelah pada pengembangan citra artistik karya
Penyebab berbagai kegembiraan
- Lingkungan yang tidak biasa;
- Inkonsistensi karya dengan kemampuan musik dan teknis siswa;
- Ketidakpastian karena siswa mengerjakan pekerjaan secara otomatis, tanpa disadari;
- Teks tersebut belum dipelajari dengan baik “dengan mengingat”;
- Meningkatnya harga diri, perhatian berlebihan terhadap kepribadian seseorang;
- Sistem saraf lemah, nyeri.
Bagaimana cara menghindarinya?
- Penguasaan sebuah karya musik secara sadar dan percaya diri;
- Gagasan yang jelas tentang karya secara keseluruhan, sebagai perkembangan alami pemikiran musik;
- Penguasaan secara sadar atas episode-episode yang terkoordinasi secara teknis;
- Menghafal sebuah karya musik secara aktif dan sadar;
- Penting untuk membangun hubungan yang tepat antara kesadaran dan otomatisme, yang bergantung pada tingkat kompleksitas teks musik;
- Latihan di depan penonton yang memberikan keberanian, ketenangan, pemikiran jernih, fokus;
- Menjaga tubuh dalam kondisi fisik yang baik (vitamin, nutrisi, keterampilan self-hypnosis, tidur, istirahat).
Pentingnya kegiatan konser dalam perkembangan musisi muda
Karena berbicara di depan umum dapat mencakup semua bentuk pertunjukan di hadapan satu atau lebih pendengar, maka setiap siswa, apa pun spesialisasi yang ia pelajari, harus terus-menerus menghadapi acara semacam ini selama konser akademik, ujian, tes, audisi, festival atau kompetisi. Berbicara di depan umum, yang merupakan elemen penting dari proses pendidikan, berkontribusi pada pengembangan kualitas kinerja tertentu pada siswa.
Memperoleh keterampilan agar berhasil tampil di atas panggung merupakan syarat penting bagi banyak siswa untuk melanjutkan aktivitas pertunjukan musik di masa depan. Namun dalam bidang seni musik apa pun - baik itu pertunjukan solo, keterampilan pengiring, bekerja dalam kelompok atau mengajar - pengalaman panggung yang dikumpulkan selama bertahun-tahun belajar, kepemilikan pengetahuan teoretis yang diperlukan dan keterampilan praktis dalam mempersiapkan pertunjukan sangatlah penting. . Oleh karena itu, pada masa pelatihan sudah perlu diberikan kesempatan kepada siswa untuk mengaktualisasikan diri secara kreatif dalam melakukan kegiatan.
Persiapan pertunjukan yang berkualitas merupakan dasar keberhasilan kegiatan konser artis cilik dan salah satu syarat utama untuk memotivasinya untuk melanjutkan studi. Persiapan psikologis berarti kemampuan seorang pemain untuk berhasil mengimplementasikan niat kreatifnya dalam situasi stres saat tampil di depan penonton.