Mempersiapkan siswa untuk kegiatan kompetitif. Persiapan psikologis untuk pertunjukan konser dan masalah kecemasan konser

PERKENALAN

Berbicara di depan umum adalah momen yang menentukan kehidupan kreatif penampil, ini adalah hasil kerja jangka panjang seorang musisi (baik yang matang maupun pemula) pada sebuah karya. Dan, tentu saja, ini adalah tahap penting dalam sistem pelatihan dan pengembangan seorang musisi, di mana semuanya saling berhubungan: pendidikan pemikiran musik, imajinasi kreatif, pendengaran, keterampilan teknis, memori, konsentrasi saat mengerjakan sebuah karya dan umum budaya.

Sudah selama masa belajar di taman kanak-kanak sekolah musik, siswa harus terbiasa dengan kenyataan bahwa pertunjukan adalah suatu hal yang serius, yang karenanya ia bertanggung jawab kepada pendengar, kepada pencipta karya, kepada dirinya sendiri dan kepada gurunya, yang sekaligus merupakan hari libur, hari libur. momen terbaik dalam hidupnya, ketika ia dapat menerima kepuasan artistik yang luar biasa.

Meskipun seluruh proses pendidikan berlangsung di bawah kendali yang kuat dari guru, pertunjukan konser V ke tingkat yang lebih besar tergantung pada kemampuan individu musisi. Tingkah laku di atas panggung, kesejahteraan selama pertandingan, reaksi terhadap sikap penonton - semua ini terungkap pada setiap pemain dengan caranya masing-masing.

Seringkali pada tahap ini terjadi gangguan yang menyebabkan trauma mental yang serius bahkan pada pemain yang sangat berbakat, yang terkadang menyebabkan mereka menolak tampil di panggung.

Mempertimbangkan alasan gangguan yang terjadi pada pemain di atas panggung, saya ingin membahas lebih detail masalah kegembiraan pop - masalah pembebasan internal "di depan umum", kemampuan untuk membebaskan diri dari belenggu ketegangan saraf. K. Stanislavsky, dengan pengamatan psikologis yang halus, menggambarkan keadaan menyakitkan dan tidak wajar yang dialami oleh seorang aktor di atas panggung: “Ketika seseorang - seorang seniman naik panggung di depan ribuan orang, dia kehilangan kendali dirinya karena rasa takut, rasa malu. , tanggung jawab, dan kesulitan. Pada saat-saat seperti ini dia tidak dapat berbicara, melihat, mendengarkan, berpikir, menginginkan, merasa seperti manusia.”

Kegembiraan seorang musisi-pemain tidak berbeda dengan gambaran kesejahteraan seorang aktor; kesadaran akan tanggung jawab, lingkungan yang tidak biasa, ketakutan akan kegagalan - semua ini mengacaukan kemampuan kreatif.

Bagi banyak pianis dan (terlebih lagi) pelajar, pertunjukan konser bukanlah hal yang baik masalah sederhana. Diketahui bahwa ada virtuoso hebat yang takut dengan panggung dan biasanya bermain di depan penonton yang jauh lebih rendah dari level mereka sebenarnya.

G. Neuhaus dalam bukunya “On the Art of Piano Playing” mengenang betapa gugupnya orang-orang tersebut sebelum konser. artis terkenal, seperti A. Rubinstein, L. Godovsky dan lain-lain. A. Goldenweiser menulis bahwa kecemasan sebelum pertunjukan adalah ciri kebanyakan seniman hebat. Dia berbicara tentang I. Hoffman, yang sama sekali tidak khawatir sebelum konser, sebagai pengecualian yang jarang terjadi pada aturan ini.

Kegembiraan konser

Masalah kecemasan konser tidak diabaikan oleh lebih dari satu peneliti di bidang pedagogi musik dan psikologi serta metode privat dalam pengajaran memainkan alat musik. Memang, masalah ini, masalah kemeriahan panggung, dan pertanyaan-pertanyaan seperti itu - bagaimana cara menghilangkan rasa cemas yang berlebihan saat tampil di konser, bagaimana cara mengatasi kecemasan di atas panggung saat mempersiapkan pertunjukan - adalah kuncinya. pedagogi musik dan psikologi. Karena pengembangan kemampuan seni, khususnya kemampuan mengendalikan diri dalam suatu pertunjukan, merupakan salah satu tugas seorang guru dalam pembentukan seorang musisi pertunjukan.

Kegembiraan konser harus dianggap sebagai jenis keadaan emosional yang bergantung pada karakteristik pribadi individu. Ada dua jenis kegembiraan pop: “kegembiraan-kegembiraan” dan “kegembiraan-panik”. Karena karakteristik individu dari organisasi mental masing-masing pemain, keadaan kegembiraan mempengaruhi kualitas pekerjaan yang dilakukan secara berbeda.

Bagi sebagian orang, kegembiraan membantu mereka mengatasi tugas kreatif mereka dengan cemerlang, berkontribusi pada kecerahan kinerja yang lebih besar, kontak yang lebih baik antara pemain dan pendengar, maka pihak lain harus mengeluarkan banyak energi ekstra untuk mengatasi kecemasan, dan pada saat yang sama, pemain tidak selalu mencapai hasil yang diinginkan bagi banyak orang, kecemasan mencapai keadaan yang menyakitkan. Paling sering hal ini memanifestasikan dirinya dalam pelanggaran pengaturan kecepatan, rasa tempo hilang, seringkali pemain tampak bermain sangat pelan, sehingga dia tidak dapat didengar, dan dia mulai memainkan nuansa yang lebih tinggi. Yang terjadi justru sebaliknya: temperamen memudar, permainan menjadi tidak berwarna, tidak bersuara. Yang terburuk adalah jika ingatan Anda tiba-tiba hilang. Terkadang hal ini tidak hanya memengaruhi memori motorik, tetapi juga memori musik. Dalam kasus pertama, musikal dapat membantu, dan dalam kasus kedua, motor. Jika hal ini tidak terjadi, penghentian tidak bisa dihindari. Seringkali, kecemasan-panik menyebabkan gangguan, yang menyebabkan trauma mental bagi pelakunya. Kondisi ini disebut “variasi penyakit”. Kinerja yang tidak berhasil menimbulkan keraguan pada diri sendiri, terhadap kekuatan dan kemampuan seseorang,<боязнь» плохо сыграть, забыть текст, остановиться.

Penyebab kecemasan konser dan cara mengatasinya

Setiap penampil harus mengetahui penyebab kehebohan musik pop dan mampu mengatasinya.

Ada beberapa alasan yang menyebabkan ketakutan terhadap pertunjukan konser: lingkungan yang tidak biasa, peralatan teknis yang tidak memadai, repertoar yang dipilih dengan buruk, kurang percaya diri, pengaruh mental yang tidak tepat dari guru dan lain-lain.

Mari kita fokus pada yang terakhir, karena menurut saya ini tentang menanamkan rasa tanggung jawab dan rasa tanggung jawab pada siswa.<концертного выступления» – одна из задач педагога в момент прихода его в музыкальную школу.

Apa yang harus dilakukan seorang guru untuk menanamkan budaya pop yang baik pada siswanya? Bagaimana dan kapan perkenalannya ke panggung harus dilakukan? Guru dan psikolog yang berpengalaman percaya bahwa perlu membiasakan seorang anak dengan tahapan sedini mungkin, dari langkah pertama pembelajaran. Diketahui bahwa di masa kanak-kanak, kualitas kepribadian masa depan seorang musisi-pemain terbentuk. Dan sangat penting untuk tidak melewatkan momen ini ketika jiwa anak terutama ditujukan untuk mengekspresikan emosi positif, yang merupakan prasyarat serius untuk pembentukan perasaan puas dari permainannya sendiri, kesenangan berkomunikasi dengan pendengar.

Sangat penting bagi perkembangan siswa selanjutnya agar penampilan pertamanya berhasil. Pilihan program dan kemampuan teknis sangat penting bagi siswa. Namun kinerja yang kurang berhasil pun tidak boleh menimbulkan reaksi negatif dari guru kepada siswa. Dan seiring berjalannya waktu, kepercayaan terhadap kekuatan diri sendiri dan keinginan untuk berkomunikasi dengan publik harus terbentuk. Hal inilah yang penting dalam keberhasilan dan pembentukan lebih lanjut seorang musisi pertunjukan.

Kembali ke alasan kemeriahan konser, kita harus mempertimbangkan lingkungan yang tidak biasa.

Lingkungan yang berubah menimbulkan perasaan tidak nyaman dan ketidakpastian. Oleh karena itu, sebelum konser perlu dilakukan latihan pendahuluan di atas panggung, karena setiap hall memiliki ciri akustiknya masing-masing.

Pengamatan Yankelevich tentang kekhasan pertunjukan di aula menarik: “lukisan kecil bagus untuk sebuah ruangan, tetapi poster diperlukan dalam bentuk persegi. Untuk memikat dan menarik minat audiens terhadap ide Anda, Anda perlu membayangkan dengan jelas kesan apa yang ingin Anda buat. Permainan teknis cepat di aula tidak memberi kesan menyatu dan menjadi dangkal. Di aula Anda membutuhkan permainan yang besar dan cembung, tajam... suara yang kuat, kejelasan bagian teknis. Untuk melakukan ini, Anda perlu bermain piano lebih besar dan lebih menonjol, tetapi dengan tempo yang agak lambat, ketika semuanya terkendali. Kemudian tercipta perasaan tenang di atas panggung. Saat bermain cepat menciptakan ketidakstabilan.”

Fitur lain yang tidak boleh dilupakan. Saat bekerja, di rumah atau di kelas, kita membiarkan diri kita bermain “tidak dengan kekuatan spiritual penuh”, seolah-olah sedang berlatih, memberikan pelajaran. Saya tidak mengecualikan tahapan pengajaran karya tersebut, tetapi agar karya musik tersebut tidak berubah menjadi latihan atau etude, maka di akhir pembelajaran perlu dimainkan dengan tempo yang sama seperti di konser. yaitu di hadapan pendengar imajiner.

G. Neuhaus: “Sebelum karya tersebut terungkap, saya pasti akan menampilkannya berkali-kali di rumah, sendirian, seolah-olah saya sedang memainkannya di depan penonton. (Benar, saya tidak menetapkan tujuan ini untuk diri saya sendiri, tetapi karena saya terbawa oleh komposisinya, saya “melakukannya” - untuk diri saya sendiri dan orang lain, meskipun mereka tidak hadir.)”

A. Barenboim menceritakan bagaimana salah satu pianis terkemuka Soviet sedang berlatih program baru yang akan segera ia bawakan:

“Apa yang dia lakukan mungkin tampak seperti permainan anak-anak dari luar... dia keluar dari ruangan lain (<артистической») к роялю, представляет себе, что находится в концертном зале, раскланивается перед аудиторией и начинает играть программу».

Banyak musisi percaya bahwa sebuah karya tidak dapat dianggap lengkap kecuali telah ditampilkan di depan umum beberapa kali. Pada tahap awal, di sekolah musik, siswa dapat diajari bermain di hadapan siswa lain. Berguna juga untuk menampilkan program ini kepada kerabat dan teman. Pertunjukan bermain seperti itu mengajarkan siswa untuk segera terlibat dalam penggambaran karya, membangkitkan keseimbangan emosional yang diperlukan dalam dirinya, mencapai konsentrasi penuh selama proses bermain, dll.

Rekaman uji kinerja Anda sangat diinginkan - bahkan rekaman amatir yang tidak sempurna. Dalam proses verifikasi itulah Anda dapat mengidentifikasi kekurangan Anda, yang memerlukan penjabaran terpisah selanjutnya.

Sangat berguna untuk memainkan sebuah lagu dari titik tertentu. Contoh lain: memainkan sebuah lagu di kepala Anda tanpa nada, Anda bahkan dapat menggabungkannya dengan berjalan-jalan.

Namun, banyak contoh serupa yang dapat dikutip... Semua ini adalah pelatihan proses saraf, sebagai akibatnya resistensi terhadap rangsangan eksternal yang asing dikembangkan, dan pertunjukan konser menjadi kebiasaan.

Kesenjangan dalam pelatihan teknis berdampak negatif terhadap kualitas kinerja. Misalnya, jika sebelum pertunjukan masih terjadi ketegangan otot yang berlebihan, maka kegembiraan saat pertunjukan meningkat berkali-kali lipat, muncul kekakuan pada otot-otot seluruh tubuh, tangan mulai gemetar, dan tidak patuh pada pemain. Sehat. Dimanapun keadaan tegang itu muncul dan dimanapun pengaruhnya, selalu mempunyai efek menghambat kebebasan tangan pemain.

Pernyataan K. Stanislavsky membantu untuk melihat lebih luas masalah fiksasi otot: “penjepit” tubuh, meskipun hal itu tidak secara jelas mempengaruhi teknik pianis, membelenggu pengalaman emosional dan imajinasi kreatifnya. Selama ada ketegangan fisik,” tulis Stanislavsky tentang aktor tersebut, “tidak ada pembicaraan tentang perasaan yang benar dan kehidupan mental yang normal untuk peran tersebut.” untuk membantu siswa menghilangkan ketegangan otot, Anda dapat memilih jalan ini: untuk sementara meninggalkan pertunjukan "ekspresif". Kurangi menjadi lambat dan kembangkan dalam diri Anda, seperti yang disarankan K. Stanislavsky, “pengendali otot”. Dengan perhatian terus-menerus, pastikan tidak ada ketegangan berlebihan, ketegangan otot, atau kram yang muncul di mana pun. Proses pemeriksaan diri dan pelepasan ketegangan otot ini harus dibawa ke “pembiasaan ketidaksadaran mekanis”.

Tentu saja, kerumitan ketidaksempurnaan teknis muncul ketika memilih program yang “terlalu mahal”. Oleh karena itu, sebaiknya pilih program berdasarkan kemampuan mental individu dan kemampuan teknis siswa.

Nasihat lain yang diberikan A. Alekseev adalah “mulai mempelajari bagian yang paling sulit terlebih dahulu, sehingga dipersiapkan terlebih dahulu”.

Ada juga poin psikologisnya: usahakan untuk tidak memusatkan perhatian pada masalah teknis siswa, agar tidak membentuk kerumitan dalam dirinya, karena seiring berjalannya waktu, dalam proses mempelajari karya tersebut, masalah tersebut akan hilang.

Selain itu, salah satu penyebab munculnya kecemasan konser adalah intensifikasi kendali sadar atas proses yang terjadi secara otomatis.

Kinerja suatu karya merupakan rangkaian gerakan otomatis, yang dalam psikologi disebut keterampilan dan dikembangkan dalam proses aktivitas sadar. L. Barenboim: “Rasa tanggung jawab memaksa pianis..., bertentangan dengan keinginan mereka, untuk menguji sebelum pertunjukan dan di atas panggung itu sendiri aspek-aspek dari proses pertunjukan yang berjalan dengan baik tanpa perhatian khusus diarahkan kepada mereka. Proses yang terjadi secara otomatis menjadi tidak terorganisir karena hal ini, dan dia lupa bahwa dia perlu terus bermain.” Bagaimana cara menghindarinya? Stanislavsky percaya: “... satu-satunya hal yang mungkin adalah yang lengkap – tanpa gangguan sedikit pun – konsentrasi perhatian pada karya seni itu sendiri; konsentrasi yang terus menerus dan tak kenal lelah pada pengembangan citra artistik. Konsentrasi ekstrem semacam ini akan “memikat” gairah, kesejahteraan kreatif, dan membantu menjaga ketenangan di atas panggung.”

Ketenangan dan konsentrasi seperti itu sangat bergantung pada metode kerja artistik dan pedagogis dengan siswa dan pada pelatihan sistematis perhatiannya sehari-hari. Namun, terlepas dari semua itu, kepanikan terkadang menyapu segala sesuatu yang menghalanginya, termasuk keinginan untuk berkonsentrasi.

K. Stanislavsky membuat pengendalian diri pop bergantung pada karakter moral pemainnya.

“Kita harus menjelaskan,” tulisnya, “bahwa semua kekhawatiran ini… berasal dari kesombongan, kesombongan dan kesombongan, dari rasa takut menjadi lebih buruk dari orang lain.” Para musisi mengungkapkan gagasan yang sama. Menanggapi pertanyaan tentang bagaimana mengatasi kegugupan di atas panggung, I. Hoffman antara lain menyatakan: “Anda harus belajar melupakan “aku” Anda yang berharga, serta “aku” pendengar Anda dan mereka. sikap terhadapmu…”.

Pertunjukan yang bervariasi memerlukan kemauan dan daya tahan yang tinggi, karena sang musisi mengerahkan seluruh tenaganya. Anda harus mampu mengerahkan seluruh energi Anda dan sekaligus terampil membelanjakannya. Untuk “melatih” mereka, ada gunanya memutar seluruh program beberapa kali berturut-turut, sambil berusaha mempertahankan perhatian, konsentrasi, dan kendali atas biaya energi.

Seringkali, ingatan seorang pemain gagal di atas panggung. Berfungsinya memori sangat bergantung pada karakteristik individu: pada perkembangan pendengaran, indera ritme, pada perkembangan teknologi dan kemampuan untuk mengalami pengalaman emosional.

Jika proses menghafal dibangun dengan benar, dan komponen memori pendengaran, visual, motorik, dan logis terlibat dalam menghafal, maka momen lupa tidak akan menjadi bencana.

Ada beberapa cara untuk menghafal permainan, yang dengannya Anda dapat mencapai hafalan yang lebih tahan lama dan bermakna. Anda harus mulai belajar sedini mungkin, dengan menghafal bagian-bagian individual, setelah menganalisis, mengidentifikasi episode-episode yang lebih merepotkan secara teknis dan harmonis. Biasanya sebuah karya dihafalkan pada suatu instrumen, dengan atau tanpa nada. Hal ini juga berguna untuk belajar dari catatan tanpa instrumen. Beberapa guru dan pemain menyarankan belajar tanpa catatan dan tanpa instrumen, misalnya sambil berjalan, memikirkan komposisi.

Berguna untuk menganalisis struktur melodi dan harmonik suatu karya, untuk menghafal tidak hanya bunyinya, tetapi juga teks itu sendiri, instruksi penulis dan struktur melodi-harmonik, serta sensasi otot. Saat menghafal sebuah lakon, sangat penting untuk tidak melupakan sisi artistiknya. Segala upaya yang bertujuan untuk menghafal harus dipadukan dengan upaya yang bertujuan untuk meningkatkan kualitas permainan.

Berfungsinya memori, sampai batas tertentu, bergantung pada signifikansi emosional dari materi yang dirasakan. Bukan rahasia lagi bahwa materi yang membangkitkan minat lebih mudah diingat dan lebih kuat daripada materi yang enggan dipelajari. Intinya di sini adalah ketika kita bersemangat, semua indera kita menjadi lebih tajam, kita melihat dan mendengar lebih tajam, dan ketika kita melihat dan mendengar lebih tajam, kita mengingat lebih baik.

“Dalam jiwa yang dingin,” kata G. Kogan, “meninggalkan bekas yang dalam sama sulitnya dengan membuang sesuatu dari besi tuang dingin.” Saat menghafal, penting untuk fokus pada kekuatan menghafal. Jika seseorang diberi tugas untuk mengingat materi “dalam waktu lama”, “selamanya”, maka ia biasanya mengingat materi tersebut dalam jangka waktu yang lebih lama dibandingkan ketika disuruh mengingatnya dalam “waktu singkat”.

Bermain dengan tempo lambat sangat bermanfaat, tidak hanya pada saat gending masih dipelajari, tetapi juga pada saat sudah dipelajari bahkan dipentaskan di atas panggung. Bermain dengan tempo lambat diperlukan untuk meletakkan “fondasi mental” yang kokoh, mendalami bagian yang dipelajari, mendengarkan intonasi, “memeriksa” semua ini, seperti yang dikatakan G. Kogan dengan kaca pembesar,” dan “letakkan itu ke dalam otak”<надрессировать» нервную систему на определенную последовательность звукодвижений, развить и украсить психический процесс торможения.

Saat mempersiapkan pertunjukan konser, sangat penting untuk mengalokasikan waktu dengan baik agar tidak ada penyelesaian studi yang terburu-buru pada malam pertunjukan. Pekerjaan itu harus dihafal dengan kuat jauh sebelum itu. Namun jika terjadi gangguan di atas panggung, tidak perlu mengulang sesuatu, mulai dari awal. Yang terbaik adalah berkonsentrasi dan terus bermain dengan tenang, mengingat pentingnya persepsi holistik pendengar terhadap karya tersebut. Saat mempersiapkan pertunjukan konser, sebaiknya jangan mengarahkan perhatian Anda pada emosi negatif. Cara utama untuk memerangi “kepanikan-kegembiraan” adalah semangat terhadap pekerjaan Anda. Seperti yang dikatakan K. Stanislavsky: “rahasianya ternyata cukup sederhana: untuk mengalihkan pikiran Anda dari penonton, Anda perlu terbawa oleh apa yang ada di atas panggung.”

Dorongan yang tidak sehat terkadang datang dari guru itu sendiri. Pertanyaan dan komentar dari guru: “Apakah kamu tidak khawatir? “Apakah kamu tidak takut?”, atau “Jangan khawatir, tidak ada yang menakutkan di sini” - sering kali, alih-alih memberi semangat, malah menimbulkan kegembiraan yang menyakitkan bagi beberapa siswa. Jika seorang guru khawatir, maka dia harus dengan cerdik menyembunyikan kegembiraannya agar tidak menulari siswanya. Tentu saja, metode pengaruh psikologis pada siswa sebelum konser bergantung pada karakter dan kesejahteraannya saat itu. Dalam beberapa kasus, Anda perlu menghibur siswa, menanamkan kepercayaan pada kekuatan permainannya, menghilangkan kekurangannya, dalam kasus lain, meredakan ketegangan yang berlebihan dengan lelucon, tetapi jika siswa telah mengendurkan sarafnya, bahkan teriakan mungkin untuk menyadarkannya. Tugas utama guru dalam memberikan dampak psikologis pada siswa adalah mengalihkan dan mengorientasikan kembali “kegembiraan-panik” menjadi “kegembiraan-kegembiraan”.

Penting untuk membicarakan kecemasan sebagai bagian penting dari kinerja yang baik. Banyak artis yang mengatakan jika penampilnya tidak khawatir sebelum konser, belakangan ternyata konsernya tidak sukses. Berkat percakapan seperti itu, kecemasan mengambil karakter yang berbeda: ketakutan buta hilang, dan sebagai gantinya muncullah kesadaran akan kecemasan sebagai perasaan yang normal, alami dalam situasi tertentu, dan bahkan berguna.

Setelah konser, Anda harus memperhatikan aspek positif dari pertunjukan dan mendukung siswa tersebut. Apalagi jika menyangkut remaja, keadaan emosinya tidak stabil dan segala reaksi meningkat. Pembahasan mendetail tentang penampilan konser sebaiknya dilakukan tidak segera setelah konser, tetapi pada hari-hari berikutnya, untuk memuji keberhasilan, dan menguraikan cara untuk memperbaiki kekurangan. Dengan memperhatikan aspek positif dari permainan ini, kami berkontribusi pada perilaku siswa yang lebih bebas di atas panggung dan pengembangan seninya. Penting untuk mengajari musisi masa depan cara mengatasi kegagalan sementara. Mari kita ingat kata-kata M. Long: “Jangan putus asa - itulah dukungan saya dalam hidup.”

Setelah mempertimbangkan penyebab kecemasan konser, kita dapat mengatakan bahwa sikap psikologis musisi yang benar memainkan peran penting dalam keberhasilan pertunjukan, yang mempengaruhi efisiensi kerja dan stabilitas pertunjukan.

Menurut G. Kogan, sikap psikologis “...memiliki arti yang sangat penting, lebih dari yang biasanya diperkirakan, seringkali lebih dari yang biasanya dipikirkan, seringkali menentukan...menentukan keberhasilan atau kegagalan... Ini tidak berarti bahwa pengaturan yang benar sudah cukup untuk mencapai kesuksesan di kelas: ini berarti bahwa ini adalah kondisi yang diperlukan untuk mencapai kesuksesan terbesar, suatu kondisi, yang pelanggarannya terkadang cukup untuk menyebabkan kegagalan.”

Faktor terpenting dalam keberhasilan pekerjaan adalah tujuan tindakan. G. Kogan mengemukakan tiga aspek utama yang berkontribusi terhadap produktivitas terbesar kerja mandiri: mengarahkan perhatian pada tujuan, konsentrasi, semangat mengejar tujuan – keinginan. Ia juga menambahkan cara kerja - sebagai salah satu jenis aktivitas manusia yang kreatif, diperlukan kemampuan untuk mendistribusikan tenaga dan waktu seseorang.

Jadi, “mengarahkan perhatian pada tujuan adalah syarat pertama keberhasilan dalam bekerja”... “tujuan yang didefinisikan dengan jelas, tujuan yang dinyatakan dengan jelas, dipahami dengan jelas adalah syarat pertama keberhasilan dalam pekerjaan apa pun.” Dalam pertunjukan, artinya: “Dengarkan dalam benak Anda musik yang akan Anda bawakan, bayangkan suara yang ingin Anda hasilkan.” Tapi Anda tidak bisa hanya melihat tujuan akhir - kinerja keseluruhan pekerjaan. Kebutuhan seperti itu hanya muncul pada periode pertama “pengenalan” dengan karya tersebut dan pada periode terakhir – periode “pemolesan”. Periode pertengahan membutuhkan pemotongan struktur musik menjadi “potongan-potongan” yang lebih kecil.

Tujuan yang tidak jelas dan tidak stabil “...membebani permainan dengan banyak gerakan yang tidak perlu... mencegah konsolidasi otomatisasi yang diperlukan dari rantai gerakan yang dikembangkan... Dengan pedoman yang goyah (selama latihan) di otak, bukannya satu “jalan untuk jari” ditempati, katakanlah, dalam satu bagian, Dua puluh jalur seperti itu terbentuk... Dari dua puluh jalur, ada baiknya jika ada yang diarahkan dengan benar: sisanya mengarah ke tempat yang salah. Akibatnya, kerja keras yang sangat besar yang dikeluarkan oleh pemain untuk meletakkan dua puluh jalur alih-alih jalur yang dibutuhkan ternyata tidak hanya sembilan persepuluh jalur yang tidak perlu, tetapi juga berbahaya, karena pada saat yang tepat jari-jari “tidak tahu” jalur mana yang harus diambil. teruskan.”

Aspek kedua yang mendorong produktivitas: fokus. Tujuan yang diinginkan harus diwujudkan selama pengerjaan langsung pada instrumen, dan di sini kondisi kedua untuk keberhasilan kerja terungkap - konsentrasi. Diketahui bahwa perbedaan pekerjaan yang dilakukan dengan konsentrasi penuh, ketika pelaku tidak melihat atau mendengar apa pun di sekitar dirinya atau aktivitasnya, berbeda dengan pekerjaan yang “semi konsentrasi”. Pikiran yang berlebihan menyebabkan ketidakhadiran pikiran dan menimbulkan gerakan-gerakan yang tidak perlu, sehingga menimbulkan hasil yang buruk.

Namun durasi berkarya dengan konsentrasi penuh memiliki batasan tersendiri bagi setiap musisi dan bergantung pada kualitas individunya (usia, tingkat keterampilan, kesejahteraan fisik dan mental, lingkungan, keadaan acak). Batasan ini seperti sinyal untuk berganti pekerjaan. kebutuhan istirahat. “Pikiran, seperti mata, menjadi lelah jika Anda fokus pada satu subjek dalam waktu yang lama... tidak semua orang menyadari bahwa perhatian yang berlebihan kehilangan ketajaman persepsi, dan keadaan ini, pada gilirannya, dapat menyebabkan distorsi pada gambar. gambar."

I. Hoffman berkata: Konsentrasi adalah huruf pertama dalam alfabet kesuksesan. Hanya orang yang mampu memulihkan ketertiban dalam otaknya sendiri, menenangkan sejenak kerumunan gambaran yang berkerumun dalam imajinasi, dan tetap berada dalam “antrian” para pemohon perwujudan yang tidak sabar, yang akan menjadi seorang master.” Penting “... tidak hanya untuk dapat melihat, tetapi juga untuk tidak dapat melihat, untuk dapat menutup mata untuk sementara terhadap banyak hal... untuk mempersempit lingkaran perhatian Anda, untuk mengumpulkan yang terakhir ke dalam “fokus”, berkonsentrasi pada tujuan “kecil” terdekat.”

Tetapi penetapan tujuan yang paling akurat dan konsentrasi tertinggi pun tidak akan diperlukan jika tidak ada keinginan untuk mencapai tujuan akhir. Oleh karena itu, keinginan merupakan syarat ketiga untuk sukses dalam bekerja. Keinginan tidak boleh terwujud sebagai dorongan jangka pendek. Keinginan untuk menang hanya akan terwujud jika memiliki ketekunan. Keinginan seperti itu tidak takut akan kesulitan dan rintangan, dan, meskipun ada sejumlah alasan obyektif yang ternyata benar-benar tidak dapat diatasi, sebagian besar kegagalan dalam seni (dan tidak hanya dalam seni) berasal dari penilaian yang berlebihan terhadap hambatan eksternal dan kegagalan. meremehkan manfaat internal. “Jika Anda berhenti dalam ketakutan dan keraguan di depan rintangan hidup, Anda hampir selalu kalah,” kata K. Stanislavsky. “Keinginan adalah tatanan kesadaran yang memobilisasi dan melemparkan semua kekuatan tubuh ke dalam pertempuran, mengaktifkan cadangan kekuatan yang sangat besar yang tersembunyi, yang tidak diketahui dalam diri setiap orang dan membuka jalan yang tidak terduga menuju kemenangan.” Keinginan untuk sukses bukanlah kriteria seseorang yang berkinerja baik. “Gairah yang penuh gairah, cinta yang penuh gairah tidak hanya untuk suatu tujuan, tetapi juga untuk pekerjaan yang mengarah pada tujuan ini adalah salah satu ciri paling cemerlang dari bakat,” kata I. Hoffman. “(Hanya gairah seperti itu, gairah yang telah berubah menjadi kerja terkonsentrasi, menjadi latihan paling metodis, ketenangan yang kuat yang disuplai oleh saluran tinggi dari “Saya ingin” yang abadi - hanya gairah seperti itu yang memiliki nilai dalam seni, hanya itu yang memberi lahirnya keterampilan."

Hal yang utama dalam proses persiapan suatu pertunjukan adalah kemampuan mengembangkan rasa percaya diri dan ketenangan. “Anda perlu membiasakan diri dengan panggung dengan cara pelatihan sistematis yang tepat, sikap yang benar terhadap musik” - B. Strune.

Berbicara tentang rezim umum sebelum konser, kita dapat mengatakan bahwa itu tidak boleh berbeda jauh dari ritme kehidupan dan karya pemainnya. Yang terbaik adalah menyendiri dan memikirkan program dengan tenang, karena obrolan kosong itu berbahaya. Beberapa pemain melakukan latihan pernapasan; B. Strune memberikan nasihat yang sama, dengan menyatakan bahwa kecemasan disertai dengan peningkatan impuls dan peningkatan pernapasan.

Kita tidak boleh melupakan pola makan, yang utama jangan bermain konser dalam keadaan kenyang, karena aktivitas secara keseluruhan menurun dan aktivitas otot mengganggu pencernaan. Sedangkan untuk kegiatan di hari konser, murni perorangan. Beberapa orang mendapatkan kepercayaan diri dengan belajar selama enam jam pada hari konser, sementara yang lain tidak memerlukan waktu sama sekali.

Ya, kami sedang mencari cara untuk mengatasi kecemasan, tetapi yang terpenting adalah, saat naik ke panggung, pemainnya percaya pada dirinya sendiri, pada penampilannya. Kita perlu mengembangkan sikap gembira terhadap pertunjukan konser sehingga menjadi hari libur dan bukan “penghakiman yang buruk.” Tidak perlu takut dengan ucapan yang emosional, karena takut berarti takut akan kehidupan. Emosi adalah ekspresi kehidupan dan tidak memilikinya berarti tidak hidup.

KESIMPULAN

Sebagai kesimpulan, saya ingin mengatakan bahwa, tentu saja, mendapatkan kepercayaan diri di atas panggung adalah pekerjaan jangka panjang bagi seorang musisi. Namun seringkali, karena meningkatnya rasa tanggung jawab, kerusakan terjadi di atas panggung. Pemain biola dan guru yang luar biasa V.V. Borisovsky menasihati murid-muridnya sebelum pertunjukan: “Jangan bermain lebih baik dari yang Anda bisa,” sehingga menghilangkan fokus berlebihan pada kinerja maksimal, yang menyebabkan ketegangan.

Dedikasi penuh pada perwujudan citra musik, proses penemuan, menampilkan keindahan dalam karya, kepedulian terhadap setiap detail dan keinginan untuk mengungkapkannya dalam suara nyata - inilah cara mengatasi demam panggung.

Referensi

1. Alekseev A.

Metode belajar bermain piano. M., 1961.

Barenboim L.Sejarah pertemuanBarenboim L.

Masalah pedagogi dan pertunjukan piano. L., 1969.

Blinova M.

Kreativitas musik dan pola sistem saraf yang lebih tinggi. L., 1974.

Goffman I.

Permainan piano. M., 1961.

Kogan G.

Di gerbang penguasaan. M., 1977.

Neuhaus G.Sejarah pertemuanNeuhaus G.

Tentang seni bermain piano. M., 1987.

Stanislavsky K.

Karya seorang aktor pada dirinya sendiri. M., 1938.

Berjuang B.

Jalur perkembangan awal pemain biola dan cello muda.

M.1959.

Sosial dan pedagogis

proyek

Persiapan siswa

untuk pertunjukan konser

Danilova Natalya Nikolaevna

Ibresi

Subjek:

Rencana

Perkenalan

Kesimpulan.

Tujuan proyek:

- Tujuan proyek:.

Adaptasi panggung

Proyek ini bertujuan untuk

Relevansi proyek

Garis waktu pelaksanaan proyek:

7 tahun (dari kelas 1 hingga kelas 7)

Hasil yang diharapkan:

-P

Implementasi proyek

Kegiatan konser,

Kegiatan ekstrakurikuler

Rencana

ujian pindahan.

2. Pelajaran - sebagai bentuk utama mempersiapkan siswa untuk pertunjukan konser.

Mengenai pemilihan bentuk-bentuk tertentu penyelenggaraan pembelajaran, guru cukup bebas dan dapat memvariasikannya sesuai dengan tujuan yang dimaksudkan, keadaan siswa (serta keadaannya sendiri). Berikut ini adalah bentuk dan metode kerja yang paling umum di dalam kelas:

1) pencarian kreatif bersama, diekspresikan dalam karya mendalam tentang konsep kreatif komposisi, citranya, sifat suara yang diperlukan, solusi masalah teknologi tertentu;

3) menciptakan gambar pertunjukan, ketika episode ini atau itu, frasa ini atau itu dibawa ke keadaan kualitatif yang ideal dan memperoleh karakter referensi tertentu yang membantu untuk memahami esensi dari tugas yang dilakukan;

4) demonstrasi oleh guru tentang tingkat permainan yang diperlukan untuk komposisi atau teknik tertentu;

5) pelatihan ("pelatihan") - pengulangan berulang, "menjejalkan" di kelas;

6) instruksi verbal dengan analisis spesifik baik keseluruhan maupun detailnya, terutama penting saat menjelaskan tugas pekerjaan rumah;

8) kegiatan kolektif.

Tahap kedua adalah kontak awal antara guru dan siswa selama pembelajaran, yang juga harus terorganisir. Suasana kreatif yang mendukung memainkan peran besar: keramahan, senyuman guru, beberapa kata yang dia ucapkan tentang kesiapan dan kesejahteraan siswa. “Penyesuaian” psikologis ini memberikan kontribusi besar dalam menghilangkan rasa malu yang berlebihan, kecemasan siswa, dan emansipasinya.

Tahap ketiga adalah mendengarkan dan mengevaluasi apa yang telah dilakukan siswa di rumah dan membandingkannya dengan apa yang diharapkan guru untuk dengar. Adalah berguna untuk sesekali meminta siswa mengevaluasi permainannya sendiri, memberikan analisisnya dan menunjukkan cara-cara yang diperlukan untuk memecahkan masalah.

Tahap pembelajaran kelima dan terakhir adalah menyimpulkan hasil tertentu, merumuskan persyaratan dasar baik yang bersifat umum maupun khusus, dan memberikan pekerjaan rumah. Pembagian ke dalam tahapan-tahapan seperti itu tentu saja tidak mutlak. Dalam pelajaran “langsung” mereka selalu terjalin. Namun, harus diingat bahwa pada setiap tahap, tujuan dan sasarannya sendiri ditetapkan, yang memerlukan pilihan tindakan, kata-kata, instruksi dari guru, dan metode komunikasi yang tepat dengan siswa.

Variasi kegembiraan memiliki banyak aspek dalam manifestasinya: ia menginspirasi dan dalam hal ini memungkinkan seseorang untuk mengungkapkan potensi yang sangat tersembunyi dari siswa dan seniman. Namun yang terpenting, hal ini mengkhawatirkan para pemain dan guru karena efeknya yang menekan dan pengendalian yang buruk. Semua, atau setidaknya sebagian besar seniman, dosen, atlet, pelajar, dan mahasiswa merasa khawatir. Pengakuan seperti itu dapat ditemukan dalam pernyataan banyak seniman terkemuka.

Jenis kegembiraan

1. Kegembiraan - apatis – anak merasa enggan keluar ke penonton, enggan bermain.

2. Kegembiraan - panik – permainan anak kurang kreativitas, daya ingat pelakunya menurun.

3. Kegembiraan - bangkit – seorang pemain muda dapat mengubah kegembiraan panggung menjadi inspirasi kreatif.

6. Kesimpulan

‹ ›

Untuk mendownload materi, masukkan E-mail Anda, sebutkan siapa Anda, dan klik tombol

Dengan mengklik tombol tersebut, Anda setuju untuk menerima buletin email dari kami

Jika pengunduhan materi belum dimulai, klik lagi “Unduh Materi”.

• Lainnya

Keterangan:

Lembaga pendidikan anggaran kota

pendidikan tambahan untuk anak-anak

"Sekolah Seni Anak Ibresin"

M.1959.

Sosial dan pedagogis

proyek

Persiapan siswa

Guru departemen musik

untuk pertunjukan konser

Danilova Natalya Nikolaevna

Proyek sosial dan pedagogis

Subjek:Mempersiapkan siswa untuk pertunjukan konser

Subjek:

Rencana

1 Pentingnya kegiatan konser dalam perkembangan musisi muda.

2 Pelajaran - sebagai bentuk utama persiapan pertunjukan konser

3 Ketergantungan ragam kegembiraan pada karakteristik psikologis siswa.

4 Metode mengatasi kecemasan panggung.

5 Metode kerja untuk mengurangi kecemasan konser.

6 Kesimpulan.

Kesimpulan.

Pengendalian diri dan pengendalian diri saat berbicara di depan umum.

Realisasi kemampuan seni musisi muda.

Tujuan proyek:

- Adaptasi panggung.

Mengatasi kecemasan panggung

Adaptasi panggung

- penampilan konser yang sukses,

- pengembangan kemampuan artistik siswa,

- propaganda budaya massa pada umumnya.

Proyek ini bertujuan untuk

Karena perlunya kajian yang lebih mendalam dan mencari sumber daya tambahan serta peluang dalam proses mempersiapkan siswa untuk tampil dalam konser.

Relevansi proyek

Garis waktu pelaksanaan proyek:

7 tahun (dari kelas 1 hingga kelas 7)

P mengatasi rasa takut berbicara di depan umum,

Adaptasi psikologis di depan umum (merasa lebih bebas, santai, percaya diri di atas panggung).

-P

Implementasi proyek

Kegiatan konser,

Tes akademik, teknis,

Kegiatan ekstrakurikuler

Rencana

Kesiapan pertunjukan seorang musisi untuk kegiatan konser terdiri dari beberapa faktor: persiapan teknis dan persiapan pertunjukan, serta persiapan psikologis untuk suatu pertunjukan.

Semua pekerjaan yang telah dilakukan oleh siswa pada sebuah karya musik di kelas dan di rumah “diuji kekuatannya” dalam pertunjukan publik; Hanya pertunjukan konser yang menentukan tingkat penguasaan materi, tingkat bakat pemain, kestabilan psikologisnya, dan masih banyak lagi. Tentu saja, kesuksesan penampilan terbuka seorang musisi-pemain muda tidak bisa disamakan dengan kualitas penampilannya. Situasi mungkin terjadi ketika seorang siswa yang terlatih dan bahkan berbakat mengalami kegagalan panggung karena satu dan lain alasan; atau situasi muncul ketika seorang siswa yang tidak terlalu berbakat dapat menunjukkan sisi baiknya. Dan pada saat yang sama, selama pertunjukan itulah segalanya diuji: kompleksnya kemampuan pertunjukan musik alami, potensi "teknis", pengetahuan, keterampilan dan kemampuan yang diperoleh, dan stabilitas mental.

Kegiatan konser mempunyai pengaruh yang besar terhadap kepribadian musisi yang tampil, dan menurut kami, untuk pembentukan mental peningkatan kreativitas selama pertunjukan, kebutuhan berikut ini yang paling berharga: kebutuhan untuk merasakan keindahan dengan berpartisipasi dalam pertunjukan. melakukan proses; kebutuhan akan komunikasi kreatif dengan mitra dalam ansambel dan dengan publik, serta kebutuhan akan ekspresi diri, keinginan untuk menangkap, melestarikan, dan menyampaikan gagasan seseorang tentang citra seni musik kepada orang lain.

1. Pentingnya kegiatan konser dalam perkembangan musisi muda

Sebagaimana diketahui, dalam proses pembinaan musisi, pembentukan penguasaan dalam bentuk yang paling terkonsentrasi dilakukan dalam kondisi pertunjukan publik, yang memberikan kesempatan unik kepada siswa untuk menunjukkan potensi seni dan kreatifnya dalam kegiatan pertunjukan musik.

Karena berbicara di depan umum dapat mencakup semua bentuk pertunjukan di hadapan satu atau lebih pendengar, maka setiap siswa, apa pun spesialisasi yang ia pelajari, harus terus-menerus menghadapi acara semacam ini selama konser akademik, ujian, tes, audisi, festival atau kompetisi. Berbicara di depan umum, yang merupakan elemen penting dari proses pendidikan, berkontribusi pada pengembangan kualitas kinerja tertentu pada siswa.

Memperoleh keterampilan agar berhasil tampil di atas panggung merupakan syarat penting bagi banyak siswa untuk melanjutkan aktivitas pertunjukan musik di masa depan. Tentu saja, kita tidak berbicara tentang fakta bahwa setelah lulus dari lembaga pendidikan, semua lulusan menjadi pemain konser - dari ratusan, mungkin hanya sedikit yang mencapai pengakuan universal. Namun dalam bidang seni musik apa pun - baik itu pertunjukan solo, keterampilan pengiring, bekerja dalam kelompok atau mengajar - pengalaman panggung yang dikumpulkan selama bertahun-tahun belajar, kepemilikan pengetahuan teoretis yang diperlukan dan keterampilan praktis dalam mempersiapkan pertunjukan sangatlah penting. . Oleh karena itu, selama pelatihan, siswa perlu diberi kesempatan untuk realisasi diri yang kreatif dalam melakukan kegiatan, menciptakan kondisi psikologis dan pedagogis khusus dalam proses mempersiapkan mereka untuk tampil, dan berkontribusi pada pembentukan “bagasi” tertentu. pengetahuan profesional di dalamnya.

Persiapan pertunjukan yang berkualitas merupakan dasar keberhasilan kegiatan konser artis cilik dan salah satu syarat utama untuk memotivasinya untuk melanjutkan studi. Namun selain tugas profesional dalam pertunjukan musik, ada aspek lain yang sama pentingnya - psikologis, yang berkaitan langsung dengan persiapan pemain untuk pertunjukan publik dan melibatkan pengaturan diri musisi berdasarkan kemauan, berdasarkan kontrol obyektif atas karyanya. tindakannya sendiri, koreksi fleksibel jika diperlukan. Persiapan psikologis, dengan kata lain, berarti kemampuan pemain untuk berhasil mengimplementasikan niat kreatifnya dalam situasi stres saat tampil di depan penonton.

Sayangnya, dalam proses pendidikan, persiapan semacam ini, karena berbagai alasan, kurang mendapat perhatian dibandingkan dengan penampilan sebenarnya, kesiapan profesional dan teknis untuk tampil, meskipun bagi musisi muda yang belum berpengalaman hal ini sangat penting.

Sedangkan bagi musisi muda yang baru mulai menguasai dasar-dasar seni pertunjukan, memerlukan bantuan dan dukungan profesional.

Berkaitan dengan hal tersebut, semakin pentingnya peran guru, yang selain pendampingan kreatif, juga harus mampu mempengaruhi sikap positif terhadap public speaking, meletakkan dasar-dasar budaya panggung, dan membantu siswa dalam memilih sarana persiapan psikologis untuk pidato. sebuah konser. Jadi, menurut G.G. Neuhaus, “pengaruh seorang guru-seniman-pemain biasanya lebih luas daripada seorang guru “murni”. Bagaimanapun, hasilnya akan lebih efektif jika ada kontak kreatif yang erat dengan seorang guru yang mengetahui seluk-beluk kegiatan konser dan pertunjukan.

Dalam sejarah pedagogi musik, ada banyak contoh yang menunjukkan interaksi kreatif yang hidup antara guru dan siswa selama persiapan pertunjukan publik. Master luar biasa seperti T. Leshetitsky, G.G. Neuhaus, V.I. Safonov, P.S. Stolyarsky, A.Ya. Yampolsky dengan sengaja dan konsisten membentuk kecintaan siswanya terhadap panggung dengan melibatkan mereka secara aktif dalam pertunjukan konser. Biografi kreatif musisi terkenal mengandung banyak konfirmasi mengenai hal ini.

Perlu diperhatikan satu aspek penting lagi dari masalah yang sedang dipertimbangkan. Tentu saja, penampilan di acara kurikulum reguler secara psikologis dekat dengan acara konser terbuka. Namun, di sini, sebagai suatu peraturan, persyaratan akademik yang ketat dikedepankan, diperkuat oleh ketakutan akan tingginya tingkat komisi evaluasi dan ketakutan menerima nilai rendah untuk pelaksanaan program seseorang. Oleh karena itu, ketika menghadapi ujian atau ulangan, banyak anak terkadang tidak memiliki kesempatan untuk mengekspresikan kepribadian kreatifnya secara maksimal. Dengan demikian, tes kontrol seringkali menjadi stimulus yang mempunyai efek ambigu dan tidak selalu memberikan kontribusi terhadap motivasi positif internal anak dan menjaga minatnya dalam melakukan aktivitas.

Sebaliknya, mengundang calon musisi untuk tampil di depan umum dalam suasana konser yang tidak terbebani dengan persyaratan ujian akan lebih kondusif bagi pertumbuhan kreatif mereka dan membangkitkan keinginan mereka untuk tampil. Jika dalam kasus pertama pekerjaan hanya didasarkan pada pelaksanaan pekerjaan wajib yang disediakan oleh kurikulum, maka dalam kasus kedua fokusnya adalah pada partisipasi aktif dalam konser dengan program gratis, yang merupakan cara terbaik untuk mengaktifkan motivasi kreatif. musisi masa depan.

2. Pelajaran - sebagai bentuk utama mempersiapkan siswa untuk pertunjukan konser.

Pembelajaran merupakan bentuk utama dari proses panjang komunikasi pedagogis antara siswa dan guru. Di sinilah tugas pokok pembelajaran ditetapkan dan sebagian besar diselesaikan, interaksi kreatif antara dua individu terjadi, prestasi dan kekurangan dinilai, tujuan ditetapkan, laju kemajuan ditentukan, rencana jangka panjang dibuat, dll.

Mengenai pemilihan bentuk-bentuk tertentu penyelenggaraan pembelajaran, guru cukup bebas dan dapat memvariasikannya sesuai dengan tujuan yang dimaksudkan, keadaan siswa (serta keadaannya sendiri). Berikut ini adalah bentuk dan metode kerja yang paling umum di dalam kelas:

1) pencarian kreatif bersama, diekspresikan dalam karya mendalam tentang konsep kreatif komposisi, citranya, sifat suara yang diperlukan, solusi masalah teknologi tertentu;

2) mendengarkan dengan penyesuaian selanjutnya;

3) menciptakan gambar pertunjukan, ketika episode ini atau itu, frasa ini atau itu dibawa ke keadaan kualitatif yang ideal dan memperoleh karakter referensi tertentu yang membantu untuk memahami esensi dari tugas yang dilakukan;

4) demonstrasi oleh guru tentang tingkat permainan yang diperlukan untuk komposisi atau teknik tertentu;

5) pelatihan ("pelatihan") - pengulangan berulang, "menjejalkan" di kelas;

6) instruksi verbal dengan analisis spesifik baik keseluruhan maupun detailnya, terutama penting saat menjelaskan tugas pekerjaan rumah;

7) karya mandiri siswa di bawah bimbingan seorang guru, termasuk membaca sekilas atau menganalisis esai baru;

8) kegiatan kolektif.

Hal penting dalam melaksanakan pembelajaran adalah menumbuhkan rasa tanggung jawab siswa terhadap permainannya, pelaksanaan tugas guru, dan pengembangan kreatifnya.

Dengan demikian, tahap pertama pembelajaran adalah persiapan guru menghadapi pembelajaran.

Tahap kedua adalah kontak awal antara guru dan siswa selama pembelajaran, yang juga harus terorganisir. Suasana kreatif yang mendukung memainkan peran besar: keramahan, senyuman guru, beberapa kata yang dia ucapkan tentang kesiapan dan kesejahteraan siswa. “Penyesuaian” psikologis ini memberikan kontribusi besar dalam menghilangkan rasa malu yang berlebihan, kecemasan siswa, dan emansipasinya.

Tahap ketiga adalah mendengarkan dan mengevaluasi apa yang telah dilakukan siswa di rumah dan membandingkannya dengan apa yang diharapkan guru untuk dengar. Adalah berguna untuk sesekali meminta siswa mengevaluasi permainannya sendiri, memberikan analisisnya dan menunjukkan cara-cara yang diperlukan untuk memecahkan masalah.

Tahap keempat pembelajaran adalah mengulang beberapa bagian karangan, memperhatikan komentar yang diberikan dan mengerjakannya bersama guru.

Tahap pembelajaran kelima dan terakhir adalah menyimpulkan hasil tertentu, merumuskan persyaratan dasar baik yang bersifat umum maupun khusus, dan memberikan pekerjaan rumah. Pembagian ke dalam tahapan-tahapan seperti itu tentu saja tidak mutlak. Dalam pelajaran “langsung” mereka selalu terjalin. Namun, harus diingat bahwa pada setiap tahap ditetapkan tujuan dan sasarannya sendiri, yang memerlukan pilihan tindakan, kata-kata, instruksi dari guru, dan metode komunikasi yang tepat dengan siswa.

3. Ketergantungan ragam kegembiraan terhadap karakteristik psikologis siswa.

Keanekaragaman kegembiraan memiliki banyak wajah dalam manifestasinya: menginspirasi dan, dalam hal ini, memungkinkan seseorang untuk mengungkapkan potensi yang sangat tersembunyi dari siswa dan seniman. Namun yang paling mengkhawatirkan para pelaku dan guru adalah efeknya yang menekan dan pengendalian yang buruk. Semua, atau setidaknya sebagian besar seniman, dosen, atlet, pelajar, dan mahasiswa merasa khawatir. Pengakuan seperti itu dapat ditemukan dalam pernyataan banyak seniman terkemuka.

Tapi setiap orang khawatir dengan caranya masing-masing. Tidak ada perbedaan individu siswa yang lebih ekspresif daripada di lingkungan pra-konser dan konser. Ini berarti bahwa seorang guru yang bijaksana mempunyai peluang yang baik untuk mempelajari dengan lebih baik karakteristik psikologis siswanya dan menguji mereka dalam kondisi ekstrim.

Pertunjukan yang akan datang dan pertunjukan itu sendiri di depan penonton menciptakan beban psikologis yang berlebihan yang setara dengan stres. Namun sifat kegembiraan pop sangat bergantung pada usia, temperamen, pelatihan dan pendidikan, baik dalam keluarga maupun di dalam institusi pendidikan.

1 Biasanya, sebagian besar siswa muda tidak tahu apa-apa tentang kecemasan variasi dan tidak mengalaminya. Mengapa? Pertama, banyak dari mereka yang belum merumuskan kriteria estetika sendiri dan belum menguasai skala penilaian keberhasilan dan kegagalan pertunjukan. Mendengarkan pemain lain, bahkan rekan-rekan mereka, tidak memberi tahu mereka apa pun tentang pengeluaran tenaga, perhatian, dan waktu yang diperlukan untuk mengerjakan sebuah karya musik untuk mencapai hasil tertentu.

Kedua, belum terbentuknya tingkat aspirasi yang merupakan resultan antara persyaratan yang diberikan guru dengan kemampuan diri sendiri dalam memenuhinya. Kecuali siswa yang sangat berbakat, motif utama anak belajar musik adalah keinginan orang tuanya. Hanya dalam proses belajarlah kecintaan terhadap musik, didukung oleh keberhasilan dan penilaian positif dari guru dan orang dewasa, terbentuk menjadi motivasi yang stabil untuk berlatih musik. Bagi siswa sekolah dasar (6-9 tahun), tampil dalam sebuah konser dikaitkan dengan antisipasi kemeriahan yang ditangkap di masa kanak-kanak dari menghadiri pertunjukan siang di klub, perkumpulan philharmonic dengan artis-artis berpakaian indah dan luar biasa, yang mendapat tepuk tangan dan hadiah dari penonton. . Kemeriahan dan keanehan ini sudah lama mendominasi pikiran anak-anak sekolah yang lebih muda tentang konser tersebut.

Paling sering, anak sekolah yang lebih muda tampil dengan senang hati. Seorang anak sekolah menengah pertama tertarik pada pertunjukan konser karena suasana pesta dan atribut yang terkait dengannya - panggung, pengumuman program oleh pembawa acara, keluar ke publik, pengalaman positif dari perhatian umum, tepuk tangan, ucapan selamat, dll. .

Pada masa remaja, gejala-gejala berbagai kecemasan yang muncul pada masa remaja terutama muncul. Stabilitas mental, tingkat aspirasi yang terbentuk, dan akumulasi pengalaman pertunjukan konser berkembang menjadi reaksi dan pengalaman stereotip yang sulit diubah. Posisi hidup saat ini dan pilihan profesi musik membentuk pengalaman pop yang kompleks dan memaksa remaja yang lebih tua dan pemuda untuk mengembangkan kualitas pop mereka. Namun pada usia ini, selain penyebab kecemasan yang tidak jelas, terdapat pula perjuangan untuk mendapatkan pengakuan, yang seringkali merupakan keinginan bawah sadar untuk menegaskan kemampuan artistik seseorang. Menariknya, sang pemain tidak peduli dengan jenis penontonnya - "miliknya sendiri" atau "orang lain" di mana ia tampil. Hingga masa remaja, siswa lebih suka tampil di lingkungan “mereka”, “sekolah”, di hadapan guru, orang tua, teman, dan kenalannya.

Di sini mereka tidak terlalu khawatir dibandingkan dengan audiensi orang lain. Sebaliknya, remaja putra dan orang dewasa tidak terlalu khawatir berada di lingkungan asing dan lebih peka terhadap pendapat teman sebaya, guru, dan pendengar yang mereka kenal.

Temperamen memiliki dampak yang signifikan terhadap kinerja akademik, kesejahteraan dan perilaku. Keturunan dan kondisi kehidupan adalah alasan utama untuk manifestasi berbeda dari jenis temperamen yang sama dan, terlebih lagi, berbeda.

4 Metode untuk mengatasi kecemasan panggung

Jadi bagaimana Anda bisa menyetel ritme yang tepat sebelum pertunjukan dan menyampaikan kepada pendengar sebaik mungkin, mekanisme apa yang harus disertakan untuk mencapai kesuksesan di atas panggung dan bagaimana menumbuhkan kecintaan berkomunikasi dengan publik? Pertanyaan-pertanyaan tersebut menjadi perhatian banyak musisi saat ini, baik yang masih berstatus pelajar maupun pemain konser yang sudah lama tampil di depan publik. Solusinya tentu terletak pada tahap persiapan. Tidak diragukan lagi, setiap pemain akan tertarik untuk mempelajari tips berharga dalam mempersiapkan seorang pemain untuk pertunjukan konser. Dalam karya musisi dan guru luar biasa - L.A. Barenboim, GG Neuhaus, GM Kogan, S.I. Savshinsky dan lain-lain. Namun sayangnya, rekomendasi tersebut tidak sistematis, tidak digabungkan menjadi sebuah buku independen, dan yang terpenting, tidak memberikan analisis yang jelas tentang periodisasi waktu dalam persiapan pidato publik.

Dalam praktiknya, guru dan siswa dihadapkan pada kebutuhan untuk memecahkan masalah peningkatan performa dan kesiapan psikologis seorang musisi untuk berkomunikasi dengan masyarakat.

Kesulitan utama dari pertunjukan konser adalah pemainnya mengalami stres - kecemasan panggung. Ada pendapat bahwa tidak mungkin mengatasi kecemasan, tetapi Anda bisa terganggu dan beralih ke momen pertunjukan yang kreatif. Mari kita lihat jenis-jenis kecemasan dan cara mengatasinya.

Keadaan konser yang optimal ditentang oleh dua kondisi yang tidak menguntungkan bagi penampilan: demam panggung dan sikap apatis. Kecemasan yang parah dapat memanifestasikan dirinya dalam gerakan tegang dan demam, gemetar pada lengan dan kaki, ucapan tergesa-gesa dengan menelan kata-kata dan suku kata individu, serta ekspresi wajah dan gerak tubuh yang menonjol.

Jenis kegembiraan

1. Kegembiraan - apatis - anak merasa enggan keluar ke penonton, enggan bermain.

2. Kegembiraan - panik - permainan anak-anak kehilangan kreativitas, ingatan pemain gagal.

3. Kegembiraan - kegembiraan - seorang pemain muda dapat menerjemahkan kegembiraan panggung menjadi inspirasi kreatif.

Segala bentuk kecemasan diperburuk oleh kelelahan. Tidak mungkin, terutama selama masa persiapan konser, membiarkan keadaan lelah - baik fisik maupun emosional. Seringkali penyebab sindrom kecemasan panggung adalah kurangnya budaya panggung secara umum, metodologi yang jelas dan tepat untuk mempersiapkan pertunjukan, dan akibatnya, pemahaman seniman muda yang buruk tentang sifat kegiatannya, dan akibatnya, kebingungan. . Penting bagi seorang musisi untuk melatih ketahanan terhadap gangguan mental yang biasa terjadi pada aktivitas pertunjukan.

5 Metode kerja untuk mengurangi kecemasan konser

1. Studi rumahan yang sistematis tentang karya-karya yang bersifat teknis dan repertoar. Elemen penting di awal latihan sehari-hari adalah bertindak. Hal ini diperlukan tidak hanya untuk pemanasan otot-otot yang terlibat dalam permainan, tetapi juga untuk peralatan mental musisi secara keseluruhan.

2. Kelas reguler dengan metode “mental playback of a piece”.

3. Masa awal persiapan suatu pertunjukan atau kompetisi penting dapat berupa momen ketika musisi telah mempelajari keseluruhan program dan secara konsisten menampilkannya berdasarkan ingatan. Disarankan untuk mengatakan bahwa program tersebut perlu dipelajari selambat-lambatnya sebulan sebelum tanggal konser yang ditentukan, karena materi musik harus “menetap, berakar” dalam sensasi refleksif dan persepsi pendengaran seseorang.

4. Memperoleh pengalaman berbicara di depan umum: menampilkan repertoar musik di konser, malam kelas, ruang musik. Memutar program di tempat konser yang berbeda.

5. Meningkatkan “kesejahteraan panggung” (Stanislavsky), kesatuan lingkungan intelektual dan emosional seniman muda, yang bertujuan untuk memenuhi tugas kreatif dengan lebih baik: mempertahankan rutinitas harian tertentu sebelum pertunjukan, distribusi waktu yang kompeten sebelum pertunjukan. , mengatur pekerjaan rumah pada hari ini, bergantian bekerja dan istirahat dll. Mengetahui waktu penampilannya, pemain muda itu, beberapa hari sebelumnya,

setiap hari, pada waktu yang sama mendengarkan konser. Dia duduk di depan instrumennya, secara mental membayangkan panggung, penonton, dan dengan jelas menampilkan program konsernya. Dengan demikian, pemain mengembangkan refleks terkondisi, yang berkontribusi pada pelaksanaan program yang lebih bebas, serta suasana emosional untuk pertunjukan tersebut.

6. Persiapan fisik yang baik, yang memberikan rasa sehat, kuat, daya tahan dan suasana hati yang baik, membuka jalan menuju keadaan emosi yang baik pada saat berbicara di depan umum, dan mempunyai pengaruh positif terhadap jalannya proses mental yang berhubungan dengan konsentrasi, berpikir dan memori. , yang sangat diperlukan selama pidato. Dengan kesehatan jasmani yang baik, bila timbul rasa sehat di sekujur tubuh, maka tubuh tampak kuat, lentur dan patuh. Pelatihan fisik seorang musisi dapat mencakup olahraga seperti lari, berenang, dan sepak bola. Latihan yang melibatkan ketegangan kuat pada lengan dan bahu tidak terlalu disarankan, karena ketegangan otot fleksor yang berlebihan pada olahraga seperti senam atau angkat beban dapat membentuk ketegangan otot pada tangan, bahu, dan otot.

7. Pelatihan peran. Arti dari teknik ini adalah bahwa pemain muda, yang mengabstraksi dari kualitas pribadinya, memasuki citra seorang musisi terkenal dengan pengalaman sukses dalam berbicara di depan umum, atau seorang guru, dan mulai bermain seolah-olah dalam citra orang lain. . Kekuatan magis imajinasi, keajaiban “seandainya” dapat memungkinkan seseorang untuk melihat kembali keadaan emosinya. Citra orang yang bertalenta dapat membantu meningkatkan tingkat potensi kreatif.

8. Mempersiapkan kesuksesan. Mengembangkan kepercayaan diri terhadap penampilan Anda di atas panggung.

9. Pertunjukan repertoar dalam ansambel.

Penggunaan metode di atas untuk mengurangi kecemasan konser membantu meningkatkan kecemasan ke tingkat yang baru dan berkembang menjadi inspirasi kreatif, yaitu musisi memperoleh kemudahan dan kebebasan bergerak selama pertunjukan. Penting untuk dijelaskan kepada anak bahwa setiap musisi harus ingat bahwa di atas panggung semua pemikirannya harus diarahkan pada pemahaman musik yang akan dimainkan. Pemikiran utamanya adalah pertunjukan musik, ia harus bertindak sebagai perantara antara komposer dan pendengar.

Semangat terhadap proses pertunjukan, tugas kreatif, dan gambaran artistik dari komposisi musik membantu pemain muda menyalurkan kegembiraannya ke arah yang benar. Dan bukan tanpa alasan bahwa di ruang belakang panggung Aula Kecil Konservatorium Leningrad pernah digantung poster “Jangan khawatir tentang dirimu sendiri, khawatirkan komposernya!”

K.S. Stanislavsky, berbicara dengan para aktor Teater Bolshoi, mencatat: "Seorang seniman yang tenggelam dalam tugas-tugas kreatif tidak punya waktu untuk mengurus dirinya sendiri sebagai pribadi dan kegembiraannya!" Dan musisi luar biasa di zaman kita, pianis S.T. Richter pernah menggambarkan sensasi yang dialaminya selama pertunjukan konser: “Elemen musik, yang telah menaklukkan Anda, tidak memberikan ruang untuk pikiran kosong. Pada saat-saat seperti ini Anda melupakan segalanya – tidak hanya penonton, penonton, tapi juga diri Anda sendiri.”

6. Kesimpulan

Pentingnya aktivitas konser dalam perkembangan musisi muda tidak bisa diremehkan. Dalam persiapannya, penting bagi musisi pertunjukan untuk menentukan cara memecahkan masalah pertunjukan dan kesiapan emosional untuk aktivitas publik yang kreatif, pembentukan kualitas psikologis yang signifikan, dan pengembangan teknik perilaku di atas panggung.

Selama kegiatan pendidikan, guru memecahkan masalah membantu anak merasakan kegembiraan sebagai inspirasi kreatif, dalam mengembangkan algoritma untuk meningkatkan kesejahteraan musisi selama persiapan dan selama pertunjukan itu sendiri.

Persiapan pertunjukan konser oleh siswa di lembaga pendidikan tambahan mencakup berbagai teknik dan metode yang bertujuan membantu anak meningkatkan tingkat keterampilan pertunjukan, kinerja pendidikan, dan pembentukan sikap positif terhadap respons emosionalnya sendiri dalam konteks kegiatan konser. .

Daftar literatur bekas

1. Barenboim L. Pedagogi dan pertunjukan musik. – M.: “Musik”, 1974.

2. Bochkarev L. Aspek psikologis penampilan publik oleh seorang musisi pertunjukan. // Pertanyaan psikologi. –– 1975. – ? 1. –– Hal.68 – 79.

3. Bochkarev L. Psikologi aktivitas musik. – M.: “Institut Psikologi RAS”, 1997.

4. Petrushin V. Psikologi musik. – M.: “Proyek Akademik”, 2008.

5. Fedorov E. Tentang masalah kegembiraan pop. / Karya terpilih. – Jil. 43. – M.: “GMPI dinamai demikian. Gnessin", 1979. – hlm. 107–118

“Perahu di pelabuhan lebih aman daripada di laut,

tapi bukan itu tujuan pembuatannya"

A. Sheffer

Tidak perlu dibuktikan bahwa keterampilan pertunjukan seorang musisi, penampilan artistiknya secara keseluruhan, dan interpretasi sebuah karya musik diselesaikan bukan dalam pelajaran atau latihan di rumah atau di kelas, tetapi di ruang konser yang dipenuhi penonton. Di sanalah kesuksesan pertama datang, pembentukan kepribadian kreatif datang - bekerja pada perwujudan gambar, dalam proses komunikasi langsung dengan pendengar, rantai “komposer-pemain-pendengar” dipahami.

Dan pemainnya sendiri, selama pertunjukan konser, menemukan dirinya berada dalam lingkungan yang sama sekali berbeda - lingkungan yang belum pernah dia tindakan atau rasakan sebelumnya. Bagaimana tidak kehilangan di atas panggung segala sesuatu yang telah dipikirkan dan dilatih berkali-kali.

Tujuan dari karya yang saya presentasikan adalah upaya untuk mempertimbangkan beberapa aspek berbicara di depan umum, metode dan metode mengatasi kecemasan panggung yang diuji dalam kegiatan mengajar saya.

Kegembiraan adalah suasana hati yang diperlukan sebelum konser. Apa yang harus dilakukan agar kegembiraan tidak berkembang menjadi kepanikan; Bagaimana cara mengatasi rasa cemas berlebihan agar tidak mengganggu kinerja? Ingatlah, satu topik tidak menimbulkan banyak kontroversi dari pernyataan-pernyataan seperti tentang kegembiraan panggung, kesejahteraan dan perilaku pemain selama pertunjukan konser - tahap terakhir yang paling penting dari persiapan artis.

Robert Schumann menulis: “Bayangkan berapa banyak kondisi yang harus dipenuhi agar keindahan dapat tampil dengan segala martabat dan kemegahannya!” Pertunjukan konser juga memberikan artisnya keadaan pikiran yang istimewa dan tertinggi - inspirasi, yang tidak ada tanpa panggung.

Pada saat yang sama, sang seniman mengalami kegembiraan yang intens di atas panggung karena kompleksitas dan tanggung jawab yang sangat besar dalam memecahkan masalah artistik dan pertunjukan. Dia menghadapi masalah psikologis yang sulit untuk diatasi: dia perlu mengatasi ketakutannya, rasa tidak amannya dan pada saat yang sama menegaskan dirinya sendiri - Saya seorang Seniman, membawa keindahan dan kesenangan kepada orang-orang dengan seni.

Beberapa penampil unggulan, karena ketidakmampuannya mengatasi kemeriahan panggung yang meningkat, bahkan terpaksa meninggalkan aktivitas konser. Di antara mereka juga terdapat pemain biola terkemuka seperti P. Rode, K. Lipiński. K. Igumnov dan S. Knushevitsky juga mengalami kecemasan yang kuat, menurut para musisi itu sendiri, yang menghalangi mereka untuk menyadari potensi besar yang mereka miliki.

Dilihat dari pernyataan para musisi hebat, terdapat garis yang jelas antara keterampilan tampil secara umum dan keragaman pengalaman bermain.

Chopin mengatakan kepada Liszt: “Saya tidak mampu mengadakan konser; penonton membuat saya takut, napasnya yang cepat mencekik saya, tatapan penasaran melumpuhkan saya, saya mati rasa di depan wajah orang lain.” Brahms menulis dengan getir: “Saya menyadari dengan ngeri bahwa ketakutan saya terhadap publik telah meningkat pesat. Bagaimana saya bisa sukses? Saya terkadang sangat takut dengan konser dan terlalu terbiasa bermain hanya untuk diri saya sendiri.”

Mengingat betapa besarnya kompleksitas masalah pengendalian diri dalam konser, banyak musisi mencari cara untuk mempersiapkan penampilan konser dan perilaku di atas panggung yang akan membantu menghilangkan stres yang berlebihan, memungkinkan mereka untuk menggunakan kemampuan alami mereka dengan paling efektif, sekaligus mencapai tujuan. pengaturan diri yang diperlukan selama pertunjukan.

Pelajar modern saat ini berada dalam ruang informasi yang luas di mana terdapat ketegangan yang besar; Kehidupan itu sendiri menentukan gaya ini.

Dan musisi pada dasarnya adalah orang-orang dengan organisasi mental yang baik. Dan saat ini pemenangnya sering kali adalah orang yang lebih tangguh, lebih efisien, lebih kuat secara fisik dan mental. Dan betapa sulitnya seorang musisi cilik untuk berkonsentrasi dan berpikir dengan sistem sarafnya.

Data para psikolog dapat dibuktikan bahwa apa yang juga diperlukan bagi seseorang yang kreatif, seperti tenaga, aktivitas, dan daya tahan dalam bekerja, dibangkitkan oleh adanya tujuan tertentu, keyakinan pada kekuatan sendiri, dan tentu saja. , emosi positif. Musisi yang tidak dapat berkonsentrasi pada tugas-tugas kreatif, dan ini adalah mayoritas, dan asisten terbaik dalam hal ini, menurut para ahli, adalah pelatihan otomatis. Pelatihan otomatis adalah istilah yang menunjukkan berbagai pengaruh diri manusia: self-hypnosis, koreksi diri terhadap kondisi mental. Pelatihan otomatis mengajarkan seseorang untuk rileks. Secara umum, pelatihan otomatis terdiri dari tiga komponen utama:

Seseorang menenangkan dirinya dengan bantuan self-hypnosis khusus, membersihkan dirinya dari ketegangan negatif:

Entah dia hanya beristirahat, atau dia memberikan saran khusus dan berguna pada dirinya sendiri.

Keluar dari keadaan relaksasi

Untuk meringkas 3 tahap tersebut, kita dapat mengatakan: normalisasi pernapasan, relaksasi otot sukarela, self-hypnosis figuratif verbal - ini adalah pelatihan.

Tidak perlu dikatakan lagi betapa pentingnya pernapasan yang “teratur” untuk seluruh aktivitas hidup kita. Bernapas secara terukur, merata, dan tenang dalam banyak hal berarti menetralisir berbagai macam stres, ketegangan, tekanan, dan menghilangkan rangsangan yang berlebihan. Pernapasan yang tepat diperlukan bagi penyanyi alat musik tiup, serta pemain akordeon. Konsep penyusunan kata, pernapasan, dan pergantian bulu sangat terkait. Hal ini sangat penting karena mempengaruhi kualitas kinerja.

Yang tidak kalah pentingnya dalam keseluruhan struktur adalah pelatihan otomatis dan teknik yang ditujukan untuk melawan ketegangan otot dan “kekencangan”. Pembebasan dari ketegangan otot dan ketegangan otot, dengan demikian, kita, dari ketegangan neuropsik, nada otot kita adalah nada mental dan sebaliknya. Indikator ketegangan otot yang berlebihan adalah getaran yang dirasakan pada tangan, serta tingkat pengencangan otot-otot seluruh tubuh yang tinggi. Dalam karyanya, Levy menulis: “Nada wajah adalah hal yang sangat licik, sangat halus... Wajah adalah konsentrasi otot-otot mental. Latihan relaksasi untuk ekspresi wajah, seperti otot-otot tubuh, didasarkan pada kontras ketegangan dengan relaksasi dan menangkap sensasi.”

Pendiri pelatihan otomatis modern, psikiater I.G. Schultz, yang buku pertamanya diterbitkan pada tahun 1932, menganggap salah satu tugas utamanya adalah pembebasan dari tekanan sisa. Ketegangan yang tidak ditangkap oleh kesadaran, namun menimbulkan rasa sejahtera. Pelepasan ketegangan ini adalah pelepasan otot. Dari memudahkan untuk tertidur hingga kebebasan dalam berkomunikasi.

Schultz dengan pasiennya, dan Stanislavsky dengan aktor-muridnya, masing-masing dengan caranya sendiri, mencoba mengembangkan “perasaan otot”. “Saya percaya,” tulis Schultz, “bahwa keadaan saraf adalah suatu kompleks ketegangan otot yang tidak teratur yang dengannya seseorang, secara sukarela atau tidak, merespons iritasi dari lingkungan luar.” Dan Stanislavsky menuntut agar para siswa memperkenalkan “pengendali otot” ke dalam sifat fisik mereka, menjadikannya sifat kedua, dan mendesak mereka untuk mempelajari hal ini dari kucing, dari anak kecil, yang bersantai dengan sempurna.

Dasar sebenarnya dari pelatihan otomatis adalah sugesti diri secara verbal dan verbal-figuratif. Pada tingkat tertentu, semua orang akrab dengan self-hypnosis, ketika kita perlu mempersiapkan diri untuk suatu aktivitas, sehingga menanamkan kepercayaan diri. Kita secara sadar dan tidak sadar berusaha membuang “hal-hal negatif yang tidak perlu yang mengganggu diri kita saat ini atau di masa depan sebagai orang yang paling sensitif.

Semua ini, pada tingkat tertentu, dapat ditanamkan dan dicapai. Dan yang terpenting, dengan kata-kata, yang memiliki pengaruh kuat pada jiwa manusia.

Bagaimana menyetel ritme yang tepat sebelum pertunjukan dan menyampaikan kepada pendengar sebaik mungkin. Faktor apa saja yang mempengaruhi keberhasilan suatu pertunjukan, mekanisme apa yang harus disertakan untuk mencapai kesuksesan di atas panggung. Pertanyaan-pertanyaan ini telah dan akan terus menjadi kekhawatiran para musisi, baik mereka baru memulai atau tampil di depan penonton.

Tujuan dari pekerjaan ini adalah:

Pengenalan teknik psikoteknik yang kompleks yang membantu memperbaiki kecemasan panggung musisi dan berkontribusi pada kinerja yang sukses.

Bagi seorang musisi-pemain pemula, kehadiran seorang guru yang peka sangatlah penting, dan saya melihat tugas saya tidak hanya mengajarkan bagaimana menguasai “keahlian musik”, tetapi juga secara kompeten, berdasarkan karakteristik individu siswa, mempersiapkan diri. untuk pertunjukan publik, sebagai bagian dari proses pertunjukan yang panjang dan kompleks. Ajarkan pendekatan “filosofis” terhadap kegagalan di masa depan, yang entah bagaimana muncul dalam berbicara di depan umum, dan tanamkan keinginan siswa untuk naik ke panggung. Mengutip kata-kata A. Yampolsky tentang pertunjukan pop: “Seharusnya memberikan perasaan meriah, bukan ujian.” Melanjutkan ide ini menurut V.Yu. Grigoriev - “Menanamkan rasa percaya diri adalah hal yang perlu ditanamkan pada siswa dan mereka takut akan kesalahan yang tidak disengaja. Satu frase musik yang berhasil dimainkan lebih penting daripada selusin kesalahan acak kesalahan bisa dimaafkan.” Memahami kebenaran sederhana ini memudahkan persiapan psikologis untuk pertunjukan yang akan datang.

1. Bagian utama.

Sifat Kegembiraan Panggung

Saat pertunjukan semakin dekat, banyak pemain, berapa pun usianya, mengalami kecemasan dan terkadang bahkan rasa tidak enak badan. Keadaan serupa tidak hanya terjadi pada para artis, tetapi juga pada atlet, segala sesuatu yang berkaitan dengan kegiatan sosial. Banyak musisi terkenal yang tertindas oleh keadaan panggung ini, mencapai titik kritis, dan dianggap oleh mereka sebagai hambatan serius tidak hanya dalam aktivitas pertunjukan, tetapi juga dalam kehidupan sehari-hari. Bukan tanpa alasan banyak pemain mencirikan keadaan seperti “pra-infark” (D. Oistrakh), “hampir sekarat” (M. Polyakin), “penyiksaan di kursi listrik” (G. Pyatigorsky). “Pengendalian diri diperoleh,” tegas pianis Prancis terkenal M. Long, sambil menekankan bahwa “Anda harus mampu mengendalikan diri sendiri dalam keadaan apa pun. Untuk mengendalikan publik, pertama-tama Anda harus mengendalikan diri sendiri.” Namun panggungnya bukan hanya ketakutan dan kegembiraan, tetapi juga kegembiraan yang luar biasa dalam berkomunikasi dengan seni, “kegembiraan musik”, dan perasaan yang sama dialami oleh penonton yang bersyukur. Musisi-musisi hebat ini terus-menerus mencari dan terkadang menemukan cara-cara umum dan unik untuk mengatasi kecemasan panggung.

Bagi seorang musisi yang tampil, kecemasan membantu untuk mengatasi tugasnya, yaitu di sini kecemasan berperan sebagai keadaan yang penting, mutlak diperlukan untuk keberhasilan pertunjukan, bagi yang lain dapat berkembang menjadi panik, menjadi keadaan yang menyakitkan, sehingga menimbulkan ketakutan akan pertunjukan konser. .

Apa yang dapat menghambat kesuksesan pertunjukan konser?

Kurangnya pengetahuan sebenarnya tentang sebuah karya atau bagian-bagiannya. Program ini terlalu mahal sesuai dengan kemampuan teknis pelakunya. Pemilihan repertoar yang tidak sesuai dengan individualitasnya adalah berbahaya, karena kesalahpahaman memaksa siswa untuk menghafal teks secara mekanis, dan ini tidak mengungkapkan citra artistik, sehingga pertunjukan tidak ekspresif dan, sebagai akibatnya, ketidakpastian dan kendala di atas panggung. K. Flesch menulis tentang hal itu sebagai berikut: “... akibat dari pembatasan kebebasan perasaan tersebut adalah ketidakpuasan internal karena ketidakmungkinan kesatuan yang utuh dengan muatan spiritual dari komposisi yang dibawakan, dan ini diikuti oleh kegagalan eksternal. .”

Masalah pelatihan fisiologis berdampak negatif pada kualitas kinerja.

Jika sebelum pertunjukan terjadi ketegangan yang berlebihan, tangan terkepal, atau keadaan pikiran yang tidak biasa. Hal ini tentu saja akan berdampak negatif terhadap kualitas kinerja. Dalam hal ini, saya menyarankan siswa bermain dengan suara yang lebih kuat, di tempat yang ditempatkan dengan buruk di mana ada kegagalan, dan kemudian segera meningkatkan aktivitas, elastisitas otot, dan menghilangkan “kapas” pada tangan.

Menilai kembali tanggung jawab Anda untuk berbicara. Dalam hal ini, disarankan untuk meyakinkan siswa untuk fokus pada kualitas suara, fokus pada ekspresi pertunjukan, dan menekankan apa yang membuat siswa menarik.

Pemilihan repertoar

Saat memilih drama untuk pertunjukan publik, saya mencoba memilih drama yang levelnya agak lebih rendah dari level teknis siswa, namun bermakna secara emosional dan jelas.

Berbicara di depan umum adalah panggung, cahaya, penonton. Dan selama pertunjukan konser, pemain menemukan dirinya berada dalam realitas keberadaan yang sama sekali berbeda - lingkungan yang belum pernah dia jalani, pikirkan, atau rasakan sebelumnya. Karena fitur akustik, siswa mungkin mengalami ketidaknyamanan. Pertama-tama, di atas panggung, karena penampilan pendengar yang sebenarnya dan ruang aula yang khusus dan bergema, interpretasi artistik dan suara dari komposisi itu sendiri muncul dalam cahaya baru dan membutuhkan lebih banyak usaha dari pemain saat bermain. “Di aula kita membutuhkan permainan yang lebih menonjol, kejelasan bagian, kekuatan suara, tekanan di kelas,” tulis T. Dokshitser.

Tampaknya juga otot dan alat permainan bekerja karena munculnya keadaan stres. Perasaan terhadap ruang disekitarnya dan besarnya tidak diragukan lagi mempengaruhi jiwa siswa karena kecepatannya.

Periode persiapan langsung dan pertunjukan konser sangat penting dan bertanggung jawab dalam aktivitas seorang musisi pertunjukan dan bersifat individual, namun sejumlah teknik dan metode umum dapat diidentifikasi yang paling efektif berkontribusi terhadap keberhasilan persiapan dan pertunjukan. Berdasarkan pendapat psikolog L. Bocharov, S. Kleshchov dan lain-lain, mereka menunjukkan bahwa kegembiraan panggung dimulai tiga hari sebelum pertunjukan, pada saat inilah seseorang harus mempersiapkan konser dengan matang.

Dalam hal ini, pengalaman karya pedagogi V. Grigoriev, yang secara serius menangani masalah pemain dan panggung, menjadi menarik.

Latihan yang cermat saat latihan unsur-unsur ritual pop: keluar dan membungkuk, perilaku saat jeda, bahkan tersenyum saat membungkuk, bermanfaat bagi kondisi mental.

Latihan di aula tempat pertunjukan seharusnya berlangsung.

Pada tahap pra-konser, penting untuk memilih jam untuk kelas dan latihan. Jika pertunjukannya dilakukan pada siang hari, Anda perlu berlatih tepat pada waktu itu, yang memungkinkan Anda memperhitungkan keadaan psikofisiologis Anda.

Cara efektif untuk persiapan pra-konser adalah apa yang disebut “metode rekaman eksperimental” penampilan Anda, dengan gagasan bahwa ini adalah pertunjukan yang sangat nyata di atas panggung, mikrofon berdiri tepat di depan pemain, dan penonton mendengarkan dengan napas tertahan. Dalam hal ini, semacam latihan melatih negara - “perhatian ganda”

Memainkan program secara mental atau “memainkan mata Anda” sesuai dengan nada, membayangkan suara yang cerah. Dalam praktik saya, saya menggunakan metode ini terutama pada siswa sekolah menengah, karena mata pelajaran solfeggio sulit bagi mereka. Membaca karya Anda sendiri dari musik hanya mungkin dilakukan di sekolah menengah.

Dengan mempertimbangkan kekhasan ruang konser, persyaratannya berubah - eksekusi ide artistik yang lebih menonjol, serta corak dinamis, guratan dengan tujuan latihan di aula. Menurut Yu.Yankelevich:

“Selama periode ini, para pemain harus mengembangkan rasa penguasaan ekonomi terhadap instrumen dan rasa penguasaan ekonomi atas karya seni dan diri mereka sendiri – pengaturan psikologis terbaik untuk panggung.”

Instalasi pada singularitas eksekusi. Biaya memerlukan pengeluaran tenaga dan pemusatan tenaga pada saat latihan tidak boleh melebihi kemampuan pelaku. Di sanalah, di atas panggung, “puncak” pertunjukan harus dicapai.

Pada latihan sebelum konser, saya menegur murid-murid saya dengan kata-kata A. Yampolsky, yang sangat menarik bagi saya:

“Khawatir, bermainlah dengan bebas dan mudah, jangan khawatir, jangan terburu-buru.”

“Demam” pra-konser: sarana untuk mengatasi.

Menjelang pertunjukan, banyak pemain mulai merasakan sensasi nyeri, hal ini disebabkan oleh perubahan biologis: kehilangan energi, gangguan tidur, kehilangan nafsu makan, kelemahan otot. Di kelas, beberapa hari sebelum ujian atau pertunjukan konser, terkadang saya sulit memusatkan perhatian siswa. Tampaknya kekurangan teknik dan ekspresi yang sudah lama ada kembali ke tingkat semula. Dan maksudnya tentu saja bukan siswa tersebut belum siap, karena intensitas dan kejenuhan kelas menghadapi ujian malah semakin meningkat. Alasan terjadinya “demam” ini terletak pada reaksi psikologis, seperti ketakutan akan pertunjukan yang akan datang. Tidak mungkin menghilangkan kondisi ini, sensasi nyeri, rasa tegang di tangan, dengan usaha kemauan, tanpa menekan sumber “penyakit” tersebut.

Menurut V. Grigoriev, pertama, kelas yang monoton, pengulangan materi yang berulang-ulang, dan monoton harus dihindari. Dengan ritme ini, siswa mendekati pertunjukan tanpa siap menghadapi tekanan fisik dan psikologis. Pengeluaran di kelas harus mengikuti ritme beban kerja maksimum dan beberapa kelebihan beban.

Terus memperdalam sisi artistik permainan. Karya tersebut harus memikat dan menggairahkan pemainnya sendiri, kemudian sebagian besar kegembiraan akan ditransfer ke musikal.

Jika, selama latihan pra-konser, guru melihat tanda-tanda jelas dari peningkatan keadaan saraf, penurunan tingkat permainan yang dicapai sebelumnya, Anda dapat menggunakan metode psikologis "mengalihkan perhatian", mengalihkannya ke detail kecil. Metode ini berhasil digunakan oleh A. Yampolsky; menurut memoar I. Bezrodny, dia “terkadang membuat pernyataan sepele dan bersikeras untuk menerapkannya... Abram Ilyich adalah seorang psikolog yang luar biasa. Ia seolah mengalihkan perhatian dari tempat-tempat sulit, mengalihkannya ke hal-hal sekunder, sehingga “menghilangkan” ketegangan yang berlebihan.

Di antara alasan-alasan yang mengembangkan keadaan gugup mungkin adalah alasan-alasan berikut: esai yang kurang dipelajari, terlalu melebih-lebihkan tanggung jawab seseorang terhadap kinerja. Melebih-lebihkan pentingnya "peristiwa" tersebut, skala tanggung jawabnya, pelaku yang khawatir pada saat yang sama takut tidak mampu mengatasinya, dengan cara apa pun ia mengevaluasi dirinya sendiri. Seorang pemain yang cemas tidak fokus pada karyanya, tetapi pada dirinya sendiri, pada kesan yang akan dia buat pada penonton, apakah dia akan berhasil dalam bagian ini atau itu, ini adalah pemikiran yang mengalihkan perhatian dari hal utama. Pikiran yang terus-menerus tentang diri Anda ini adalah penyebab kecemasan.

Timbul pertanyaan: jika Anda mencoba untuk tidak memikirkannya, apakah itu berarti Anda perlu mengarahkan seluruh pikiran Anda ke hal lain?

Berkonsentrasi pada pekerjaan yang sedang dilakukan inilah yang akan membuat Anda melupakan diri sendiri dan hanya pekerjaan, yang harus Anda sajikan secara memadai kepada pemirsa, dan pada saatnya ia akan menikmati penampilannya.

Mentransfer kegembiraan Anda dari panggung ke “kegembiraan dalam karakter” adalah hal yang harus diarahkan oleh pikiran pemain. “Kegembiraan dalam Gambar” adalah keadaan ketika pemain bersemangat dengan perasaan dan pikiran orang yang dimainkannya, ketika dia khawatir terhadap komposernya. Kegembiraan “di luar gambar” terjadi ketika pemain mengkhawatirkan dirinya sendiri, tentang kesan yang akan dia buat pada penonton” (Stanislavsky)

Ketenangan kreatif ternyata menjadi kondisi kehidupan dalam gambar, dan karenanya kegembiraan di dalamnya. Di sisi lain, “kegembiraan dalam gambar”, sebagai bentuk konsentrasi tertinggi pada apa yang sedang dilakukan, adalah cara terbaik untuk mengalihkan perhatian pemain dari pikiran panik tentang dirinya dan menanamkan ketenangan kreatif ke dalam jiwanya. (Stanislavsky)

Sangat penting bahwa sikap psikologis terhadap kesuksesan, bukan sekedar hasil yang tinggi, tetapi yang tertinggi, tidak memberatkan. Sikap psikologis pelaku terhadap kesuksesan harus realistis. Tujuan untuk mencapai bukan hanya hasil yang tinggi, tetapi hasil yang tertinggi, bisa gagal. (V.Lewi)

Hal ini diperlukan untuk mampu melewati tekanan psikologis “Saya harus, saya harus…”. Beban tanggung jawab yang tak tertahankan membebani, membelenggu, memperbudak emosi, permainan kehilangan ringan dan kealamiannya (G. Tsybin). Dalam hal ini, saya ingin mengutip ungkapan dari buku V. Grigoriev kepada siswa saya bahwa mereka tidak boleh melebih-lebihkan tugas mereka, menetapkan tujuan yang terlalu tinggi untuk diri mereka sendiri (ini bagus ketika bekerja di rumah, tetapi tidak di atas panggung), tetapi mereka disarankan untuk “mendiskon” klaim mereka di sebuah konser. Rupanya, A. Yampolsky benar ketika dia terkadang memberi tahu murid-muridnya: “Jangan bermain lebih baik dari yang Anda bisa.”

Meskipun demikian, hal ini tidak hanya menentukan sikap kita terhadap dunia, terhadap segala sesuatu yang terjadi di sekitar kita, hal ini juga mempengaruhi secara signifikan arah, aliran, dan sifat karya kreatif (Levi)

Dan orang yang fokus pada proses kreatif itu sendiri bekerja lebih baik. Segala minat terhadap pekerjaan harus diarahkan pada proses kerja itu sendiri (Stanislavsky)

Kesejahteraan panggung

Semua konser dan ujian berlangsung di atas panggung. Dan kata ini tidak selalu dikaitkan dengan perasaan gembira dan suksesnya suatu pertunjukan. Murid-murid saya secara umum tampil baik di atas panggung, kecuali tiga siswa yang mengalami demam panggung. Kerusakan terus-menerus, bagian yang belum selesai dalam ujian, meskipun bagian tersebut terdengar bagus di kelas. Kategori anak-anak ini menjadi objek pekerjaan saya - untuk menghilangkan demam panggung.

Ada keraguan apakah saya akan berhasil, apakah saya bisa membantu mereka mengatasi ketakutan ini. Bagi saya sendiri, saya menyebut metode ini - penguasaan adegan secara bertahap. Di kelas kami terus mempelajari spesialisasi kami, mempelajari drama yang disediakan oleh program. Pada konser kelas, pada awalnya siswa kategori ini tidak menampilkan lagu-lagu pada instrumen tersebut karena kegembiraan yang kuat, dan agar berada di atas panggung tidak membuat mereka stres, mereka bertindak sebagai pembaca, mengumumkan nomor, dan bernyanyi dalam ansambel.

Saya sangat terkejut bahwa beberapa dari anak-anak yang sangat khawatir ini menulis puisi. Dan kami memasukkannya di antara angka-angka. Aksenov Vladimir, seorang siswa kelas 4, memainkan “Tango” karya Petersburg, dan Irina Kutepova, bertindak sebagai presenter, membacakan puisinya; ini salah satunya:

Malam yang tenang. Melati mekar

Memenuhi taman dengan aromanya.

Suara tango - hanya untuk mereka

Bagi mereka menari saat matahari terbenam.

Perpisahan tango...dan berpisah selamanya!

Tanggal, bunga, janji yang terlupakan.

Perpisahan tango dan perpisahan selamanya.

Oh, kenapa ada bunga, janji...

Mengembangkan arah ini, kami mementaskan dongeng berkostum kecil bersama siswa kami: "Kolobok", "Lobak" - dengan cara baru, dongeng Tahun Baru "Ratu Salju" (dengan iringan musik). Para siswa harus bertransformasi menjadi karakter yang berbeda, bernyanyi, dan melafalkan teks. Dengan setiap penampilan, penampilan menjadi lebih percaya diri, mereka khawatir, tetapi tidak ada rasa takut panik. Orang-orang menemukan bakat baru dalam diri mereka.

Kami menampilkan pertunjukan mini kami tidak hanya di depan orang tua kami selama jam pelajaran, tetapi juga mengundang kelas-kelas dari sekolah menengah ke pertunjukan kami, dan tampil di panti asuhan di kota kami.

Permainannya menjadi semakin natural, dan yang terpenting, ada kepuasan dari pekerjaan yang dilakukan, dari penampilannya. Pekerjaan ini membuahkan hasil positif: siswa mulai merasa lebih percaya diri di atas panggung.

Siswa dari kategori ini, yang mengalami demam panggung, seperti semua siswa lainnya, mulai berpartisipasi dalam konser sebagai pemain instrumental enam bulan kemudian. Mereka tampil pada kompetisi review di Pusat Kebudayaan Anak Druzhba, membela kehormatan sekolah. Demam panggung panik yang menghambat saya telah hilang. Tentu saja, ada kegembiraan, tetapi juga kepuasan bahwa “Saya mampu, saya berhasil,” yang kemudian mengokohkan “perasaan konser yang ditangkap” (V. Grigoriev). “Seorang seniman yang tenggelam dalam tugas-tugas kreatif tidak punya waktu untuk mengurus dirinya sendiri sebagai pribadi dan emosinya!” (Stanislav). Keberuntungan inilah yang secara sadar akan mereproduksi keadaan sebelum pertunjukan berikutnya. Ini adalah bagaimana Anda mendapatkan pengalaman panggung.

oke

Berbicara di depan umum memahkotai kerja keras yang luar biasa dari pemain - pekerja keras. Dan ini berarti tidak hanya memainkan alat musik secara profesional, memiliki pemahaman musik yang kompeten, tetapi juga mampu menyampaikan seluruh keahlian Anda kepada pendengar, baik itu konser maupun ujian. Seorang musisi perlu berada dalam kondisi kesiapan konser yang optimal.

OKS adalah kesatuan dari tiga komponen:

1. Fisik

2. Emosional

3. Mental

Tidak ada yang akan membantah fakta bahwa dengan kesehatan fisik yang baik, ketika ada perasaan sehat di seluruh tubuh, tubuh tampak kuat, fleksibel dan patuh. Menurut filosofinya, “di dalam tubuh yang sehat terdapat pikiran yang sehat”, dan sistem saraf yang sehat. Saya mendorong siswa saya untuk melakukan olahraga - berenang, sepak bola, sambil menjaga lengan dan tangan mereka.

Ada juga yang lari bersama saya di pagi hari, dan di musim dingin kami pergi ke gym bersama mereka. Pelatihan fisik yang baik berarti daya tahan, suasana hati yang baik, kemauan keras. Lagi pula, betapa pentingnya kualitas-kualitas ini untuk lulus ujian, ujian, dan audisi. Dengan kesehatan yang baik dan kesiapan alat eksekutif, musisi mengalami sensasi fisik khusus pada lengan, tangan dan jari, yang ditandai dengan sensasi khusus pada keyboard dan fretboard. Pianis berbicara tentang “jari ringan”, yang juga berlaku untuk akordeon.

Adaptasi psikologis terhadap situasi pertunjukan konser (auto-training).

Dalam praktik mengajar saya, saya mengandalkan penelitian dan teknik Doktor Ilmu Pedagogis, Profesor Psikologi V.I. Petrushin, yang teknik psikologis dan rekomendasi metodologisnya saya anggap berguna untuk penggunaan praktis instrumen rakyat (akordeon) di kelas saya. Saya mulai mempelajari metode penguasaan keadaan konser yang optimal pada siswa usia 12-13 tahun.

Sebagai contoh, seorang siswa di kelas saya, Lydia Zadorozhnaya (14 tahun), mengalami kecemasan yang luar biasa sebelum pertunjukan konser. Saat memainkan akordeon, tangannya terasa gemetar, dan ini memengaruhi bagian-bagian dan tempat-tempat yang secara teknis sulit lainnya, jari-jarinya menjadi lemah, "berat" - pada kedua keyboard - tempo dan karakter lagu tersebut tidak mungkin lagi. Untuk memperbaiki situasi ini, saya mulai menggunakan teknik ini, yang saya gunakan selama dua tahun.

Beberapa hari sebelum pertunjukan, siswa harus membayangkan secara mental tempat di mana ia akan tampil agar terbiasa dengan kondisi di mana pertunjukan yang akan datang akan berlangsung. Pada tahap pertama, pemain dibenamkan dalam keadaan autogenik, pada tahap kedua, gambaran figuratif dari pertunjukan konser dibuat.

TAHAP PERTAMA.

Relaksasi otot-otot tubuh. Ketika seseorang secara sukarela berelaksasi dengan bantuan representasi figuratif dari otot-otot tubuhnya, korteks serebral secara refleks memasuki keadaan peralihan antara tidur dan terjaga.

Saya tenang, tenang, dan fokus.

Saya memulai dengan percaya diri dan gembira.

Saya suka bermain...

Saya membuat setiap suara dengan senang hati. Semuanya terdengar bagus bagi saya, saya punya teknik hebat...

Aku melakukan semua yang kuinginkan...

Saya bermain sebaik di kelas...

aku bisa bermain dengan baik...

Saya tahu bahwa saya akan melakukan semua yang saya putuskan. Aku melihat dengan jelas dan melakukan semua tindakanku...

Saya memberikan diri saya sepenuhnya pada penampilan saya yang menginspirasi...

Betapa menyenangkannya bermain dengan indah dan baik...

Saya dapat dengan cepat beralih dari menampilkan satu karya ke karya berikutnya...

Sangat mudah dan menyenangkan bagi saya untuk mengingat seluruh program di kepala saya...

Saya melepaskan kecemasan negatif saya dan menggantinya dengan antisipasi penuh kegembiraan terhadap pertunjukan...

Setelah ini, saya meminta siswa tersebut untuk menceritakan perasaan dan kesan yang dimilikinya.

1. Bermain di depan penonton imajiner.

Ketika program sudah siap, siswa memutarnya secara keseluruhan dari awal sampai akhir, dan membayangkan dirinya sedang bermain di depan panitia atau penonton yang sangat menuntut.

Kami merekam pertunjukan ini pada tape recorder, kemudian mendengarkannya bersama-sama dan memperbaikinya. Alih-alih sebagai pendengar, kursi dapat ditempatkan dan boneka serta mainan dapat diletakkan di atasnya. Selama pertunjukan, Anda harus bersiap menghadapi kejutan apa pun dan ketika Anda menghadapinya, jangan berhenti, tetapi lanjutkan, bermain seolah-olah di konser.

Teknik ini memungkinkan kita untuk memeriksa tingkat pengaruh kegembiraan panggung terhadap kualitas pertunjukan, dan untuk mengidentifikasi terlebih dahulu titik-titik lemah yang muncul dalam situasi ketika kegembiraan meningkat. Pemutaran berulang-ulang lagu menggunakan teknik ini mengurangi pengaruh kecemasan pada pertunjukan.

2. Perendaman meditatif

Teknik ini dikaitkan dengan penerapan prinsip “di sini dan saat ini”. Pertunjukan berdasarkan teknik ini dikaitkan dengan kesadaran dan perasaan yang mendalam terhadap segala sesuatu yang berhubungan dengan penggalian suara dari suatu alat musik. Di sini saya meminta siswa untuk memusatkan perhatiannya sepenuhnya pada momen saat ini, yang sedang terjadi saat ini, pada saat ini, sebagai sebuah partikel dari keberadaan yang tidak akan pernah terulang kembali. Ketika memusatkan perhatian pada sensasi pendengaran, semua transisi suara dari satu suara ke suara lainnya, semua makna yang diucapkan yang muncul dari hubungan suara satu sama lain, ditangkap. Suara seolah-olah dicicipi, keras dan lembutnya, dihirup seperti aroma dupa, dirasakan dicat dengan warna berbeda. Penting untuk dapat mengulang secara vokal nada demi nada, suara demi suara, keseluruhan lagu sampai akhir.

• ...Bernyanyi (solfege) tanpa dukungan alat musik;
• ...Bernyanyi bersama instrumennya, yang suaranya seolah-olah mendahului suara aslinya;
• ...Bernyanyi untuk diri sendiri (secara mental);
• ...Bernyanyi bersama dengan pemutaran mental;

Saat memusatkan perhatian pada sensasi motorik, sifat sentuhan jari pada katup instrumen diwujudkan, kebebasan bergerak dan adanya klem yang tidak perlu pada otot diperiksa, yang harus segera dilepaskan. Saya bertanya kepada siswa: “Apa yang dirasakan sendi, ujung jari, otot lengan, bahu, wajah? Apakah permainan itu nyaman atau tidak?

Pemutaran meditatif sebuah karya dengan perendaman total di dalamnya pertama-tama dilakukan dengan kecepatan lambat dengan harapan tidak ada satu pun pikiran asing yang mengunjungi pemain pada saat bermain. Saya memusatkan perhatian siswa pada konsentrasi karya yang dibawakan dan memintanya untuk tidak terganggu.

Perendaman mendalam dalam pertunjukan membentuk lingkaran perhatian yang sangat kecil yang K.S. Stanislavsky merekomendasikannya untuk aktor yang rentan terhadap kecemasan yang kuat. Gagasan bahwa tidak ada seorang pun di atas panggung kecuali Anda dan musiknya, hanya berfokus pada elemen suara.

Profesor Petrushin V.I. mencatat dalam karyanya bahwa perendaman meditatif membentuk apa yang disebut sintesis sensorik, yang merupakan salah satu tanda utama dari keterampilan yang dibentuk dengan benar. Sensasi pendengaran, motorik dan otot, representasi mental mulai bekerja tidak secara terpisah, tetapi dalam kesatuan yang berkesinambungan. Dalam hal ini, ada perasaan bahwa pelaku dan karya yang disuarakan mewakili satu kesatuan. Permainan lambat dengan dinamika pp (piannissimo) tidak hanya melatih keterampilan penyerapan meditatif, tetapi juga meningkatkan proses penghambatan. Melemahnya mereka saat berbicara di depan umum memicu permainan yang terlalu keras dan tidak terkendali dengan kecepatan yang cepat.

3. Bertindak

Menurut Profesor Petrushin V.I. Dalam metode persiapan psikologis ini, musisi-pemain secara bertahap mendekati situasi pertunjukan publik, dimulai dari latihan mandiri dan diakhiri dengan bermain bersama teman. Memainkan sebuah program atau karya harus dilakukan sesering mungkin dan berusaha mencapainya, seperti yang dikatakan Stanislavsky K.S.: “Yang sulit menjadi akrab, yang akrab menjadi mudah, dan yang mudah menjadi menyenangkan.” Para ahli fisiologi menyebut fase keadaan ini. Ciri terpentingnya adalah hal ini sangat meningkatkan kemampuan seseorang untuk sugesti dan self-hypnosis. Proses pemulihan dalam keadaan ini berlangsung dua hingga dua setengah kali lebih cepat dibandingkan dalam keadaan tidur.

Perendaman dalam keadaan autogenik

Semua teknik yang dikemukakan oleh psikolog V.I Petrushin saya lakukan bersama para siswa atau memantau kondisi mereka dengan cermat.

instruksi. Saya melafalkan teks perendaman autogenik dengan lantang, dan siswa tersebut mengulangi teks ini untuk dirinya sendiri.

"Duduklah dengan tegak. Pernapasan harus benar-benar tenang. Tutup mata Anda. Fokus pada sensasi batin Anda yang akan ditimbulkan oleh kata-kata saya. Fokuskan perhatian Anda pada tangan Anda.

Ulangi pada diri Anda sendiri setelah saya:

Tanganku menjadi hangat. Otot-otot lengan, tangan dan jari mengendur... Saya membayangkan saya membenamkannya dalam air hangat yang menyenangkan, dan mereka rileks, menjadi hangat dan fleksibel... Kehangatan dari tangan naik ke bahu. Lengan bawah dan bahu rileks. Saya merasakan kehangatan yang menyenangkan di lengan dan bahu saya. Bahuku diturunkan dengan tenang... Sekarang perhatianku beralih ke kakiku... Aku membayangkan otot-otot kakiku rileks dengan nyaman. Panas dari kaki naik... Otot-otot paha dan perut mengendur. Saya merasakan kehangatan yang menyenangkan di daerah ulu hati... Perut dan dada saya rileks dan dipenuhi kehangatan yang menyenangkan... Sekarang perhatian saya dialihkan ke wajah saya... Dahi saya menjadi halus, otot-otot wajah saya rileks... Rahang bawah saya dengan mudah bergerak ke bawah. Bibirku sedikit terbuka... Aku bernapas dengan mudah dan tenang... Jantungku berdetak dengan tenang dan merata."

TAHAP KEDUA.

Sekarang saya melihat aula tempat saya akan tampil. Saya dapat dengan jelas membayangkan panggung, piano, penonton, dan tugas yang harus saya bawakan.

Pelatihan peran

Saya menggunakan teknik ini dengan anak-anak paruh baya dan lebih tua berusia 12-16 tahun. Arti dari teknik ini adalah bahwa pemain, yang mengabstraksi dari kualitas pribadinya, memasuki citra seorang musisi terkenal yang tidak takut berbicara di depan umum, dan mulai bermain seolah-olah dalam citra orang lain. Dalam psikoterapi, teknik ini disebut imagoterapi, yaitu terapi dengan menggunakan gambar. Inti dari pelatihan role-playing adalah seorang pemain yang terlalu gugup sebelum tampil mulai memainkan peran sebagai orang yang percaya diri dan tidak takut pada apapun. Pada saat yang sama, Anda perlu membayangkan citra seorang pemain konser yang percaya diri dan berani dan mencoba membiasakan diri dengan citra ini semaksimal mungkin. Anda perlu meniru cara dia duduk di depan instrumen di atas panggung, meniru sikap emosionalnya yang percaya diri dan optimis, yaitu suasana hati dari keadaan “eksternal” ke keadaan internal.

Untuk melakukan ini, kami menonton rekaman bersama siswa, terutama pemain akordeon, sehingga siswa tidak hanya dapat menyesuaikan diri secara emosional, tetapi juga mempelajari keterampilan profesional: penguasaan tiupan, musikalitas pertunjukan, pengenalan teknik teknis, dan sikap di atas panggung.

Kemampuan, melalui self-hypnosis yang ditargetkan, untuk menerima “peran” baru selengkap dan sedalam mungkin, mungkin merupakan tahap persiapan psikologis tertinggi.

Tidak diragukan lagi, kesejahteraan siswa sangat bergantung pada kondisi mental gurunya. Saya berusaha menanamkan keceriaan dan semangat pada siswa saya, dan saya sering menegur mereka dengan kata-kata A. Yampolsky: “Khawatir, bermainlah dengan bebas dan santai, jangan khawatir, jangan terburu-buru.”

Mengidentifikasi potensi kesalahan.

Bahkan ketika sebuah program pertunjukan tampaknya dihafal dengan sempurna dan dapat dilakukan di atas panggung, saya menyarankan beberapa teknik untuk mengidentifikasi titik lemah. Tidak peduli seberapa baik suatu karya dipelajari, mungkin selalu ada kesalahan yang tidak terdeteksi di dalamnya, yang biasanya terungkap selama pertunjukan publik yang bertanggung jawab.

Untuk mendeteksi kemungkinan kesalahan, saya menyarankan beberapa teknik:

1. Jangan melihat keyboard sama sekali. mainkan lagu itu dengan tempo lambat atau sedang, dengan tujuan bermain bebas kesalahan. Pastikan tidak ada ketegangan otot di mana pun dan pernapasan Anda tetap lancar dan rileks.

2. Bermain dengan interferensi dan gangguan (untuk perhatian konser). Guru memainkan bagian lain dengan tenang, siswa harus mencoba memainkan program tersebut. Tugas yang lebih sulit adalah melakukan tugas yang sama dengan mata tertutup. Latihan semacam ini membutuhkan banyak ketegangan saraf, sehingga banyak musisi mungkin merasa sangat lelah setelah melakukannya, mungkin karena kurangnya pengetahuan tentang program tersebut.

3. Pada saat pelaksanaan program di tempat yang sulit, guru atau orang lain mengucapkan kata traumatis “Error”, namun siswa harus mampu untuk tidak melakukan kesalahan.

4. Lakukan beberapa putaran pada porosnya hingga Anda merasa sedikit pusing. Kemudian, setelah mengumpulkan perhatian Anda, mulailah bermain dengan kekuatan penuh.

5. Setelah beberapa latihan fisik, mulailah memainkan programnya. Keadaan serupa terjadi pada saat naik panggung. Latihan ini akan membantu Anda mengatasinya.

Kami menghilangkan kesalahan yang teridentifikasi dengan memutar program secara hati-hati dengan kecepatan lambat. Kami juga menguraikan tempat-tempat pendukung dalam pekerjaan di mana siswa, jika terjadi gangguan, dapat dengan mudah melanjutkan permainan.

Komponen emosional dari keadaan konser yang optimal, dicatat oleh V.I. Petrushin, terdiri dari perasaan peningkatan emosi, antisipasi gembira atas pertunjukan yang akan datang, keinginan untuk bermain untuk orang lain dan membuat mereka gembira dengan karya seninya.

Komponen kognitif mental dari keadaan konser optimal terdiri dari kejelasan dan kecepatan berpikir gerakan permainan dan perwujudan gambar artistik. Penerjemahan program gagasan mental yang terkandung dalam kesadaran dan peralatan teknis siswa dilakukan dengan bantuan kehendak eksekutif yang bertujuan, yang mencakup, melalui aktivitas pengendalian perhatian, semua proses mental - pemikiran, ingatan, imajinasi. Konsentrasi perhatian yang disengaja memungkinkan siswa untuk mentransfer segala sesuatu yang telah dilakukan di bidang mental, dalam proses pekerjaan pendahuluan, ke bidang eksternal, yaitu menunjukkan karyanya kepada pendengar.

Kemampuan memusatkan perhatian dan menahannya dalam waktu lama pada suatu objek merupakan salah satu komponen penting OCS, serta menjaga kebugaran jasmani dan kemampuan mengatur. Oleh karena itu, latihan konsentrasi harian harus dimasukkan dalam program pelatihan siswa. Dengan penampilan yang cukup sering dan teratur, tubuh beradaptasi, kemudian kegairahan pop yang muncul pada setiap konser sebelumnya tidak sempat hilang dan kemeriahan pop dalam hal ini diwujudkan dalam bentuk yang ringan.

KESIMPULAN.

Tidak ada resep universal untuk mengatasi bentuk-bentuk negatif kecemasan panggung. Mungkin tidak ada musisi yang mau memberikan resep yang jelas untuk membuat penampilan Anda sukses. Setiap orang adalah individu, yang berarti metode persiapan akan didasarkan pada kualitas individu dari musisi yang tampil.

Saat menganalisis penampilan Anda, penting untuk mengingat perasaan yang mendahului penampilan yang sukses, sehingga kita dapat memprogram diri kita sendiri untuk sukses sebelum penampilan berikutnya. Tugas guru adalah mempersiapkan siswa dengan baik untuk konser, mengarahkan seluruh perhatiannya untuk memahami musik yang akan ia bawakan.

Dalam karya saya, saya mencoba mengajukan pertanyaan: sifat kecemasan panggung dan cara mengatasinya. Di bagian “Pembentukan OKS”, berdasarkan penelitian para ilmuwan, saya menggunakan teknik dan rekomendasi metodologis dalam praktik saya. Saya menganggapnya efektif untuk digunakan dalam pekerjaan saya, di kelas akordeon, karena... Teknik dan rekomendasi di atas membantu siswa sampai batas tertentu mengatasi ketakutan mereka terhadap pertunjukan konser dan memperoleh kepercayaan diri terhadap kemampuan mereka. Hal ini tercermin dari kualitas pekerjaan yang dilakukan, secara positif yang berarti mereka percaya pada diri sendiri. Proses persiapan pertunjukan konser ini panjang dan sulit, serta hasilnya tidak selalu sukses seratus persen. Psikolog I. Vagin mengatakan: “Pengalaman membuktikan bahwa bukan orang terpintar yang mencapai kesuksesan, tetapi orang yang paling stabil secara emosional yang percaya pada diri mereka sendiri.”

Siswa di kelas saya tidak hanya bermain dalam ujian, tetapi juga menjadi peserta aktif dalam konser sekolah dan kelas. Bagaimanapun, panggung adalah guru terbaik bagi seorang pemain. Ada aturan terkenal: kegagalan bisa terjadi secara tidak sengaja di atas panggung, tetapi kesuksesan tidak pernah terjadi.

Mempersiapkan pertunjukan konser merupakan proses kompleks yang tidak hanya mempengaruhi keterampilan pertunjukan, tetapi juga masalah persiapan psikologis seorang musisi yang tampil untuk pertunjukan konser. Latihan telah menunjukkan bahwa semakin sering Anda naik panggung, semakin banyak kepercayaan diri yang Anda kembangkan. Panggung adalah obat terbaik untuk kecemasan.

Literatur

1. Grigoriev V.Yu. “Pemain dan Variasi” - M, 2006
2. Grigoriev V.Yu. - "Spesifik pertunjukan kreativitas dan karya musik" Novosibirsk 1987
3. Dokshitser T.F. - “Jalan Menuju Kreativitas” - M, 1999
4. Kleschov S.V. - “Kecemasan seorang musisi di atas panggung dan cara menghilangkannya”, Sov.muzyka, 1936
5. Petrushin V.I - “Psikologi Musikal” - M, 1993
6. Stanislavsky K.S. - “Karya seorang aktor pada dirinya sendiri” Volume No. 2, - M, 1954
7. Flash Karl - “Memoar Seorang Pemain Biola” - M, 1977
8. Yampolsky A.I. - “Tentang metode bekerja dengan siswa” - M, 1968
9. Yankelevich Yu - “Warisan Pedagogis” - M, 1993

Abstrak

Guru Sekolah Anak Prasekolah MBOU "Sekolah Paduan Suara Podlipki" dinamai menurut namanya. B.A. Tolochkova

Semenova N.F.

Mempersiapkan siswa untuk berbicara di depan umum

G.Korolev

Rencana . Masalah saat ini, tujuan kerja.

Bab 1. Berbicara di depan umum sebagai elemen penting dalam pengembangan keterampilan profesional di kalangan pianis masa depan.

ayat 1.1 Jenis dan bentuk kemeriahan panggung.

Bab 2. Adaptasi psikologis siswa terhadap situasiberbicara di depan umum.

ayat 2.2 Tahapan pencapaian kesiapan varietas.

Perkenalan

Referensi.

Tujuan utama pekerjaan: untuk mengajar musisi muda untuk menghilangkan aspek negatif dari kecemasan panggung, berbicara tentang serangkaian teknik psikoteknik yang membantu memperbaiki kecemasan panggung, dan mengidentifikasi tugas langkah demi langkah tertentu untuk mencapai kesiapan panggung.

Perkenalan:

Pertunjukan publik adalah suatu bentuk khusus dari kegiatan musik, hasil karya kreatif yang intens. Dia adalah stimulator utama pertumbuhan kreatifnya selanjutnya.

Pertunjukan publik membantu mengidentifikasi kemampuan musikal dan dinamika perkembangan siswa secara lebih akurat, sekaligus membangkitkan keberanian, kemauan, imajinasi dan imajinasi kreatif, menumbuhkan daya tahan ragam, kedalaman emosi, dan kesenian.

Pembelajaran tidak terbatas pada ruang kelas; partisipasi aktif anak-anak dalam kehidupan kreatif di sekolah mengembangkan selera untuk tampil. Sejak tahun pertama sekolah, anak harus dibiasakan untuk berbagi karya seninya dengan orang lain.

Konser adalah perayaan musik yang dinanti-nantikan, dan orang-orang mempersiapkan pertunjukannya dengan cermat. Partisipasi dalam konser ini merupakan suatu kehormatan dan tanggung jawab. Jika seorang siswa mengetahui bahwa karya yang dipelajarinya akan dibawakan di depan penonton, dia bekerja lebih gigih. Praktik pedagogi menunjukkan bahwa salah satu permasalahan yang harus diselesaikan dalam proses persiapan adalah mengatasi rasa cemas yang kuat sebelum tampil yang dialami sebagian besar siswa. Variasi kegembiraan memiliki karakteristik yang berkaitan dengan usia dan memanifestasikan dirinya lebih kuat di sekolah menengah pertama dan atas dengan meningkatnya rasa tanggung jawab dan tuntutan diri.

Banyak siswa membutuhkan koreksi atas perilaku tahapan yang salah. Gejala seperti tangan gemetar, bibir, lutut gemetar, kehilangan suara atau pendengaran, ketidakmampuan berkonsentrasi saat membawakan suatu karya hanyalah rasa takut naik ke panggung. “Hati nurani yang buruk”, takut melupakan teks, tidak mampu mengatasi bagian-bagian yang sulit – semua ini adalah manifestasi utama dari sindrom kecemasan panggung.

Bab 1 Pertunjukan publik sebagai elemen penting dalam pengembangan keterampilan profesional di kalangan pianis masa depan.

ayat 1.1 Jenis dan bentuk kemeriahan panggung

Kita semua tahu betul kenikmatan estetis apa yang dapat dihadirkan oleh penampilan profesional dan penuh inspirasi dari seorang musisi muda kepada pendengarnya. Seringkali kita tidak menyadari betapa banyak pekerjaan, yang tidak terlihat oleh mata kita, sangat melelahkan dan sulit, yang dilakukan seorang pianis untuk memberikan kegembiraan berkomunikasi dengan musik kepada orang-orang. Bagi kami, jari-jarinya tampak bergerak-gerak di atas tuts dengan sendirinya, tetapi sebenarnya tidak demikian. Terkadang, sebaliknya, kita merasa tidak nyaman di sebuah konser - karena suara yang terlalu keras, karena ketidakpastian musisi, ketika dia tiba-tiba mulai melupakan teksnya.

Pertunjukan adalah proses yang sangat rumit dan kompleks yang secara langsung bergantung pada keadaan fisik dan moral mereka yang berada di atas panggung, baik pada saat pertunjukan itu sendiri maupun jauh sebelum pertunjukan. Berdasarkan karakteristiknya, public speaking yang dilakukan siswa tergolong dalam situasi stres. Penekanan utama bagi mereka adalah penonton, kesadaran bahwa setiap tindakan mereka diawasi dan dievaluasi oleh orang lain. Oleh karena itu, timbul kesulitan psikologis. Seringkali, penampilan publik menjadi ujian “kekuatan” yang nyata bahkan bagi para pemain konser, tak terkecuali siswa sekolah musik anak-anak. Persiapan siswa untuk pentas harus dimulai dari tahap awal pelatihan. Baik guru maupun siswa harus yakin bahwa permainannya sudah benar-benar siap.

Saat menyusun rencana repertoar dan memilih karya untuk berpartisipasi dalam acara kreatif di berbagai tingkatan, perlu untuk memberikan perkiraan periode untuk menyelesaikan semua tugas teknis dan pelaksanaan agar memiliki waktu untuk melalui semua tahapan pembelajaran dengan cermat dari analisis yang menyeluruh. teks untuk menguasai kesulitan ritmis, teknis, artikulatoris, dan lainnya, melatih karya bagian-bagian dan menggabungkannya menjadi satu karya utuh dengan satu konsep artistik. Karya yang dipelajari harus dibawakan oleh siswa dengan bebas, cerah dan menyenangkan.

Kebanyakan psikolog dan praktisi pendidikan sepakat bahwa kecemasan pertama kali dirasakan pada usia 10-11 tahun, bagi sebagian orang kemudian, bagi sebagian lainnya lebih awal. Namun rata-rata, tonggak usia ini dianggap tipikal.

Kegembiraan panggung datang dalam berbagai bentuk dan bentuk. Hal ini dapat memanifestasikan dirinya dalam bentuk ketakutan, keadaan panik, atau dapat berubah menjadi suasana hati yang tertekan, apatis, kurangnya kemauan, dan kurangnya kepercayaan pada kekuatan sendiri.

Dalam kasus lain, sebaliknya, kegembiraan membangkitkan perasaan meriah, gembira, bersemangat, dan gembira dalam diri seseorang. Hampir semua orang yang keluar ke tempat umum merasa khawatir, namun ada yang memiliki kemauan yang cukup, ada pula yang tersesat karena lemahnya kemauan. Sangatlah penting untuk menumbuhkan kemauan siswa yang mengarah pada kemenangan. Banyak sekali pencapaian kita dalam perjalanan hidup, hasil akhirnya adalah kemenangan atas diri kita sendiri, atas kemampuan mengatasi kelemahan kita, beberapa ketidaksempurnaan alamiah.

Siswa yang berkemauan keras dapat memaksakan dirinya untuk melakukan apa yang dianggap perlu, sedangkan siswa yang berkemauan lemah mundur dalam keadaan yang sama. M. Norbekov menulis: “Ketika beberapa orang melihat jurang yang dalam di depan mereka, mereka berpikir tentang jurang tersebut, yang lain berpikir tentang bagaimana membangun jembatan yang melintasinya.” Oleh karena itu perlu dipupuk ketekunan, keteguhan hati, ketekunan, keberanian, inisiatif, dan pengendalian diri.

Segala bentuk kecemasan diperburuk oleh kelelahan. Apalagi dalam masa persiapan konser, seseorang tidak boleh membiarkan diri menjadi lelah, baik secara fisik maupun emosional. Bukan tanpa alasan Nathan Efimovich Perelman berkata: "Seorang musisi sejati tidak bersandar pada musik, tetapi pada musik."

Pertama, saya ingin memberikan pertanyaan survei yang ditanyakan kepada siswa dari berbagai usia:

1) Apa penampilan terbaik dan paling berkesan Anda?

2) Hal terburuk? Mengapa?

3) Apakah Anda ingin memutar ulang? Mengulang?

4) Di aula mana, di hadapan pendengar seperti apa Anda ingin bermain?

5) Apa yang Anda perlukan hari ini untuk tampil hebat?

6) Kapan kegembiraannya lebih kuat - dalam sehari, dalam satu jam, pada saat naik panggung?

7) Apakah Anda suka tampil?

Pertanyaan sederhana ini menghasilkan kesimpulan yang menarik. Semua anak khawatir 5-6 jam sebelum pertunjukan, lebih takut dengan episode teknis, tidak suka bermain di ruangan yang sangat besar, dan memimpikan konser untuk teman sebayanya. Anak-anak yang lebih kecil mengharapkan dukungan dari orang tuanya. Para senior suka mendengarkan sendirian. Mereka khawatir akan kegagalan karena mengecewakan guru dan orang tua.

ayat 1.2 Penyebab utama kecemasan panggung.

Apa penyebab kecemasan dan kepanikan masa kanak-kanak?

Cara komunikasi antara orang tua dan anak (tuntutan berlebihan);

Gaya interaksi antara guru dan anak.

Meningkatkan kualitas penampilan sebuah karya di konser, kompetisi, dan mengurangi tingkat kecemasan dapat dilakukan dalam satu kompleks:

Siswa – orang tua – guru.

Terkadang tingkat kontrol yang tidak memadai dari orang tua atau sekadar sikap acuh tak acuh terhadap remaja juga berkontribusi terhadap kecemasan pribadi. Minat siswa terhadap musik dan keefektifan kelas dapat dibangkitkan jika semangat cinta dan rasa hormat terhadap musik merajalela di rumah siswa. Guru dan orang tua adalah mitra dan orang yang berpikiran sama.

Alasan dari ketakutan ini mungkin terletak pada program yang dibesar-besarkan, ketika semua kesenjangan muncul akibat lompatan-lompatan pembangunan yang disalahpahami. Lebih baik memainkan lagu-lagu sederhana dengan benar dan baik daripada memainkan lagu-lagu sulit secara biasa-biasa saja.

Seringkali, kecemasan diilhami oleh pemikiran seperti: “Apa yang akan mereka katakan tentang saya?” “Bagaimana penilaian kinerja saya?” dll.

Harus dikatakan sejujurnya bahwa kepedulian pianis muda terhadap reputasinya adalah hal yang wajar dan wajar. Pada saat yang sama, ketakutan yang berlebihan untuk mendapatkan penilaian kritis dari pihak luar hanya akan meningkatkan kecemasan dan memperburuk situasi siswa. Salah satu akar penyebab kegembiraan panggung:

Ketakutan siswa melupakan teks. Mereka khawatir ketika melakukan pekerjaan di depan umum karena takut lupa; Biasanya mereka lupa justru karena mereka terlalu khawatir. Paradoksnya adalah hilangnya ingatan di atas panggung tidak selalu disebabkan oleh kurangnya hafalan teks. Namun, karya tersebut harus dipelajari bukan 100%, tetapi 150%. Perasaan “hati nurani yang bersih” dari seorang pemain akan membuatnya percaya diri dan sebaliknya.

Banyak musisi menggunakan metode menghafal teks yang dikemukakan oleh pianis Polandia I. Hoffman.

Teknik ini terdiri dari “memainkan” komposisi secara mental dan diam-diam, pertama dengan nada, dan kemudian tanpa melihatnya. Jari-jari menekan tombol imajiner, otot-otot lengan dan tubuh melakukan gerakan-gerakan yang diperlukan untuk proses pertunjukan, tetapi musik hanya terdengar dalam gagasan suara siswa pemain. Jika seorang musisi berhasil memainkan seluruh karyanya dengan cara ini, biasanya dia tidak lagi takut melupakan teksnya.

Namun kurangnya kegembiraan bahkan lebih tidak diinginkan bagi sang pemain. Profesor N.V. Trull mencatat: “jika seseorang tidak gugup sebelum naik panggung, dia bukanlah seorang seniman, dan dia tidak ada hubungannya di atas panggung.”

Kegembiraan merupakan syarat mutlak bagi siswa untuk memusatkan seluruh kekuatannya – fisik dan mental.

Menganalisis masalah kecemasan panggung, guru musik mencatat bahwa banyak hal di sini bergantung pada konstitusi psikofisiologis pemain, jenis sistem sarafnya. Siswa yang satu tidak takut pada apa pun, siswa yang lain gemetar seperti daun, mengalami gairah neuromuskular yang berlebihan, siswa ketiga sujud, siswa keempat tidak dapat mengatasi gairah emosi yang berlebihan. Secara umum, ada siswa yang bermain bagus di kelas dan “berantakan” di atas panggung. Hal ini juga terjadi sebaliknya: seorang siswa yang tidak terlalu Anda harapkan, tampil di panggung dan bermain jauh lebih baik dari yang Anda harapkan.

Itu tergantung pada jenis sistem saraf dan karakter orang tersebut. Sistem saraf, dalam keadaan ini, mulai cepat terkuras, dan tubuh memasuki keadaan ketidakpedulian total, ketidakpedulian. Hal ini terjadi pada kompetisi dan konser ketika seseorang harus menunggu lama untuk tampil. Mereka mengatakan tentang siswa seperti itu: “kelelahan”.

Dalam kondisi ekstrim, inkontinensia penderita kolik akan semakin parah. Orang yang optimis cepat terbawa suasana, tetapi menjadi tenang lebih awal; mereka bermain dengan ceria, sombong, tetapi tidak cenderung mendalam. Mereka tidak tersinggung oleh kritik dan cepat melupakannya. Teksnya tidak diedit. Orang koleris bermain dengan antusias jika dia menyukai permainannya, dan bahkan bisa bermain lebih baik daripada saat latihan. Orang yang apatis adalah orang yang gila kerja. Seimbang, gigih, pekerja keras. Tapi sedikit emosional. Dia menerima komentar dengan sikap bisnis dan tidak membantah. Orang yang melankolis tidak mampu bekerja, cepat lelah, menerima komentar yang menyakitkan, dan emosional. Kegagalan membutuhkan waktu lama untuk bertahan.

Musisi terkenal, psikolog musik A. Gotsdiener mencatat 5 fase kegembiraan:

1) kegembiraan pra-konser yang jauh, yang meningkat pada saat pertunjukan;

2) kegembiraan, sedikit euforia, representasi mental ideal dari kinerja seseorang. "Kepanikan-kegembiraan", kegembiraan berlebihan yang parah, "apatis-kegembiraan" - Saya lebih suka menderita, keadaan tertekan;

3) sudah di atas panggung ada “kabut di mata”. Siswa seolah-olah melayang - pada saat ini sudah sepantasnya guru menggoyang siswa - memberikan tugas untuk menata ulang kursi, melepas tempat musik;

4) "awal". Temukan tutsnya, rasakan pedalnya, rasakan sensasinya, kekuatan di ujung jari Anda, nyanyikan 2-3 bar, ingat teks musiknya, tersenyum ramah pada diri sendiri;

5) akhir pidato. Ini bisa berupa kegembiraan yang menggembirakan, atau kelelahan, atau kekecewaan atau kehampaan. Saat ini, dukungan guru sangat dibutuhkan.

Berapa banyak yang perlu Anda pelajari? Ada dua prinsip operasi:

1) ketika seorang siswa belajar dalam jumlah jam sehari-hari tanpa melebihi norma, meskipun ada sesuatu yang belum selesai.

2) ketika dia mencapai apa yang dia inginkan, misalnya, dia mempelajari sebagian besar suatu pekerjaan dalam sehari.

Dalam kasus pertama, kelebihannya adalah dalam memupuk kemauan dan ketekunan, namun kekurangannya adalah secara formal menghabiskan waktu yang ditentukan, ketika karya tersebut dimainkan, tetapi tidak benar-benar dipelajari.

Dalam kasus kedua, kelebihannya adalah tekad, dan kekurangannya adalah terburu-buru.

Ahli fisiologi menyarankan untuk beristirahat setelah 45 menit bekerja tidak lebih dari 15 menit, karena keadaan perkembangannya hilang.

Kinerja kompetitif adalah tahapan pertumbuhan. Siswa harus mendapatkan kekuatan dan keyakinan dari kepercayaan dan rasa hormat terhadap gurunya. Perilaku seorang guru yang bijaksana dan seimbang dalam situasi apa pun adalah wajib.

Guru harus mengetahui bahwa siswa yang puas dengan dirinya sendiri tidak terlalu khawatir; yang sederhana, pendiam, bermain lamban, takut-takut; seseorang yang terlalu impulsif tidak dapat menahan diri, orang tersebut memerlukan nada yang tegas, keharusan untuk berkonsentrasi sebelum naik ke panggung, untuk tetap diam.

Psikolog dari semua bidang terlibat dalam masalah peningkatan daya ingat. Kita harus mengandalkan jenis-jenis berikut:

1) Motorik – kinerja menjadi lebih virtuoso dan lebih halus.

2) Figuratif dan asosiatif - untuk transmisi gambar, nuansa, warna, agogik yang lebih baik.

3) Emosional – untuk penampilan yang cerah dan spiritual.

4) Verbal-logis - pengertian bentuk, pemahaman tentang simetri bentuk, gaya, hubungan bagian-bagian.

5) Spesies langka - eidetik (Toscanini). Siswa melihat catatan (seperti foto).

Dari waktu ke waktu, bahkan di antara musisi hebat, timbul perselisihan tentang “apakah layak bermain tanpa nada” (Richter)

Memori musik adalah konsep yang kompleks. Ini adalah permainan pendengaran, visual dan otot, yaitu. memori telinga, mata, sentuhan dan gerakan. Penghafalan aktif suatu karya terjadi selama analisis awal, termasuk nada suara. rencana, struktur internal dan hubungan bagian-bagian. Tanpa mempelajari struktur materi, menghafal akan berujung pada perolehan keterampilan teknis murni dan inilah yang disebut pembelajaran “mekanis” hanya dengan jari, dan tentu saja, dengan kegembiraan yang kuat, hal itu mengarah pada kegagalan.

Anda harus mengulangi kepada teman-teman Anda dan diri Anda sendiri: “Saya menantikan konsernya.”

Dan jika Anda sering mengulanginya dengan suara keras atau kepada diri sendiri, rasa takut untuk berbicara akan digantikan oleh rasa percaya diri. Ada gunanya mengasosiasikan self-hypnosis dengan gambaran kesuksesan di masa depan, mengingat hal itu pantas dan adil.

Psikolog menawarkan pelatihan otomatis untuk siswa:

Sekarang saya melihat aula di mana saya akan tampil... Saya membayangkan dengan jelas panggung, piano, penonton dan komisi yang akan saya tampilkan... Saya tenang, tenang, fokus... Saya suka bermain. Semuanya terdengar hebat bagi saya, saya memiliki teknik yang hebat... Saya melakukan semua yang saya putuskan... Saya bermain sebaik di kelas... Saya bisa bermain dengan baik... Saya tahu bahwa saya akan melakukan semua yang saya lakukan pikiran saya untuk... Saya memberikan segalanya untuk penampilan saya yang menginspirasi... Betapa menyenangkannya bermain dengan indah dan bagus... Saya dapat berubah dari menampilkan satu bagian ke bagian lainnya... Sangat mudah dan menyenangkan bagi saya untuk menyimpannya seluruh program di kepalaku... Setiap kali self-hypnosis akan semakin membantu saya... Saya dengan mudah berpisah dengan kecemasan negatif saya dan menggantinya dengan antisipasi gembira atas pertunjukan…

Sesi pertama pelatihan otomatis ini dilakukan bersama siswa oleh guru, dan di masa depan, orang tua memberikan bantuan yang sangat diperlukan dalam hal ini. Biasanya, sebelum tidur, saat remaja bisa bersantai di lingkungan yang tenang, terbebas dari kekhawatiran hari itu.

Saya dapat mengatakan dengan penuh keyakinan bahwa kekuatan self-hypnosis adalah hal yang hebat, dan manfaatnya jauh lebih besar daripada semua pil.

Bukan di hari-hari terakhir, perlu latihan rukuk, keluar dan meninggalkan panggung, menanamkan dalam diri mereka bahwa tidak mungkin memperbaiki kesalahan, terburu-buru maju mundur. Namun terus maju, tanpa menyerah, tanpa menjadi lemas.

Mengamati penampilan siswa lain, artis, dan guru akan membantu siswa bertahan dalam kemeriahan panggung.

Perkembangan kesenian difasilitasi dengan mengunjungi kompetisi, festival, konser, dan ujian akhir, yang intensitas kemeriahan popnya sangat tinggi.

Guru yang sensitif tidak akan langsung mendiskusikan penampilan siswanya setelah pertunjukan. Pujian yang berisik, penuh badai, dan antusias dari guru dan kerabat tidak dapat diterima. Perilaku guru yang tenang dan ramah segera setelah siswa tampil akan menjamin keadaan nyaman sebelum pertunjukan berikutnya. Anda tidak boleh terlalu memuji orang yang malas, meskipun dia bermain bagus.

Analisis pidato, ketika gairah sudah mereda, diperlukan. Ini adalah analisis profesional dari semua tugas yang selesai dan belum selesai.

Bab 2 Adaptasi psikologis siswa terhadap situasi public speaking.

klausa 2.1 Persiapan psikologis seorang pianis muda untuk pertunjukan.

Persiapan psikologis seorang siswa untuk sebuah pertunjukan tidak kalah pentingnya dengan pelatihan pertunjukan profesional - sebagian besar guru sekolah musik menyetujui posisi ini. Semua pekerjaan yang dilakukan siswa pada sebuah karya musik di kelas dan di rumah “diuji kekuatannya” dalam pertunjukan publik. Upaya mengembangkan stabilitas panggung pada seorang musisi pertunjukan pada prinsipnya harus dilakukan sejak masa kanak-kanak.

Menurut pendapat saya, cara dan sarana utama berikut untuk mengembangkan stabilitas panggung pada seorang pianis muda dapat diidentifikasi:

a) Mengidentifikasi potensi kesalahan.

Sekalipun program pertunjukannya tampak dihafal dengan sempurna dan dapat dimainkan di atas panggung, setiap musisi ingin mengasuransikan kesalahan untuk berjaga-jaga. Tidak peduli seberapa baik karya tersebut dipelajari, beberapa teknik dapat diusulkan untuk mendeteksi kemungkinan kesalahan, yang intinya adalah sebagai berikut:

1. Ikat mata Anda dengan penutup mata. Mainkan lagu yang dipilih dengan tempo lambat atau sedang, dengan sentuhan yang percaya diri dan kuat, dengan tujuan bermain bebas kesalahan. Pastikan tidak ada ketegangan otot di mana pun dan pernapasan Anda tetap lancar dan rileks.

2. Bermain dengan interferensi dan distraksi (untuk memusatkan perhatian). Nyalakan radio dengan volume sedang dan coba putar programnya. Jika, dengan radio dihidupkan, seorang pemain dapat dengan mudah memutar programnya, maka konsentrasinya dapat membuat iri, dan kejutan yang tidak menyenangkan tidak mungkin terjadi padanya di atas panggung.

3. Pada saat membawakan acara di tempat yang sulit, guru atau orang lain mengucapkan kata traumatis “Error”, namun pemusik harus mampu untuk tidak melakukan kesalahan.

4. Lakukan beberapa putaran pada porosnya hingga Anda merasa sedikit pusing. Kemudian, setelah mengumpulkan perhatian Anda, mulailah permainan dengan kekuatan penuh dengan daya angkat maksimal.

5. Lakukan 50 lompatan atau 30 squat hingga detak jantung Anda meningkat dan mulai memainkan programnya. Keadaan serupa terjadi pada saat naik panggung. Latihan ini akan membantu Anda mengatasinya. Kesalahan yang teridentifikasi kemudian harus dihilangkan dengan memutar program secara hati-hati dengan kecepatan lambat.

b) Memusatkan perhatian.

Terdiri dari kejernihan dan kecepatan berpikir, kemampuan membayangkan dengan jelas program gerakan permainan yang dilakukan dan mewujudkan gambaran pendengaran. Konsentrasi perhatian yang disengaja memungkinkan musisi untuk mentransfer segala sesuatu yang telah dilakukan di bidang mental, dalam proses pekerjaan pendahuluan, ke bidang eksternal, yaitu. tunjukkan karya Anda kepada pendengar. Apa yang paling kita takuti saat naik panggung? Saya pikir semua orang akan setuju dengan jawaban ini: sebagai aturan, kita takut akan kesalahan, takut berhenti, takut lupa.

Perhatian! Buatlah kesalahan, berhenti dan lupakan- ini adalah hal yang berbeda, dan tidak selalu berhubungan satu sama lain, karena:

Anda bisa membuat kesalahan, tapi Anda tidak bisa berhenti dan melupakan;

Kita bisa berhenti, tapi bukan karena kesalahan atau sesuatu yang kita lupakan;

-Anda bisa lupa, tapi tidak membuat kesalahan dan tidak berhenti (omong-omong, ini cukup sering terjadi dalam praktik - lebih sering daripada yang kita kira). Banyak siswa yang, hanya karena tidak melakukan kesalahan dan tidak berhenti, mengira bahwa mereka mengetahui teks tersebut, padahal sebenarnya mereka tidak mengetahuinya dengan benar dan memeriksanya adalah hal yang mudah bagi guru.
Agar tidak membuat kesalahan, tidak berhenti dan tidak lupa, kita perlu berupaya meningkatkan konsentrasi perhatian, karena hanya kemampuan kita untuk memotivasi perhatian dan kualitas konsentrasinya yang memungkinkan kita, ketika kita pergi ke luar. publik, untuk menampilkan komposisi musik seperti yang kita tahu bagaimana melakukannya saat ini.

Kemampuan fokus pada diri sendiri sebagai yang paling banyak metode yang efektif untuk memerangikecemasan panggung dapat dan harus dikembangkan dalam proses persiapan pra-konser atau pra-kompetisi siswa.

c) Berpikir ke depan.

Selama konser, beberapa kejutan, kecelakaan, dan titik sulit mungkin muncul. Pada akhirnya, tidak mengherankan jika “mencoreng” suatu bagian di suatu tempat atau “memukul” nada yang salah. Penting untuk belajar untuk tidak menganggap penting hal ini, sehingga kepalsuan yang sekilas tidak mengganggu alur pemikiran. Hal utama adalah menjaga musik tetap mengalir.

Di atas panggung, mungkin saja pemainnya bingung dengan teksnya dan tidak tahu apa yang harus dimainkan selanjutnya. Momen-momen ini menjadi ujian serius bagi jiwa dan saraf sang solois. Di sini penting untuk tidak bingung, tidak mengubah kecelakaan menjadi bencana.

Penting untuk menumbuhkan dalam diri pemain kemampuan untuk "melupakan" kesalahan apa pun selama pertunjukan, jika tidak, karena noda kecil, Anda dapat menggagalkan seluruh pertunjukan. Dalam praktiknya, terlihat seperti ini: pemain, setelah melakukan satu kesalahan (nada yang salah, bagian yang dimainkan salah, dll.), mulai secara aktif mengalami kegagalannya, yaitu. secara mental kembali ke sana, yang, tentu saja, mengalihkan perhatian dari pemecahan masalah yang murni kreatif. Dia berhenti memikirkan frasa, fragmen, dll. berikutnya, dan dengan demikian membuat kesalahan kedua, karena gerakan permainan pemain, yang tidak didukung oleh pikiran, pasti akan menyebabkan kerusakan - penghentian. Oleh karena itu, sangatlah penting untuk mengembangkan keterampilan berpikir jangka panjang musisi di balik instrumen tersebut, yang membantu mengatasi kesalahan dan berkontribusi pada kesuksesan penampilan di atas panggung.

pasal 2.2 Tahapan mencapai kesiapan tahap (dari pengalaman pribadi pekerjaan saya).

a) memainkan bukan bagian individu, tetapi keseluruhan program, seperti di konser;

b) latihan harus dilaksanakan dengan penuh dedikasi dan tanggung jawab;

c) berlatih di depan pendengar yang diundang secara khusus;

d) jangan memutar program dua kali berturut-turut, karena pemutaran kedua lebih baik dari yang pertama dan menimbulkan kesan kesiapan yang salah.

Latihan tidak boleh dilakukan setiap hari - latihan ini menghabiskan banyak energi. Biasanya diyakini bahwa bermain di latihan selalu lebih baik daripada di konser, namun pengamatan menunjukkan bahwa kebermaknaan yang lebih besar dari pertunjukan datang dari kontak dengan penonton - mereka adalah teman dan asisten yang datang bukan untuk melihat kekurangan dari pertunjukan, tapi untuk mendengarkan musik. “Jangan khawatir tentang dirimu sendiri, khawatirkan komposernya!” - sebuah poster digantung di belakang layar Aula Kecil Konservatorium St. Petersburg. Penting untuk mengajar siswa untuk bereaksi baik terhadap masyarakat, dan ini akan bersifat timbal balik.

Pada hari-hari sebelum konser, jangan memaksakan perhatian Anda, lakukan lebih sedikit. Jika programnya belum siap, sudah terlambat untuk mengajarkannya. Secara umum, seorang guru yang berpengalaman tidak akan pernah membiarkan siswa yang tidak siap naik ke panggung; dia tahu betul bahwa hal ini memiliki konsekuensi buruk bagi musisi muda.

2 hari sebelum konser, istirahatlah dari kekhawatiran dan kekhawatiran, anjurkan siswa untuk pergi ke bioskop, teater, atau membaca buku yang menarik.

Menjelang konser, mainkan semuanya dengan kecepatan terkendali, simpan kekuatan dan emosi Anda; melihat lagu yang dimainkan dengan nada; pergi tidur lebih awal dan tidur malam yang nyenyak; tidak berbuat banyak, sehingga, dalam kata-kata G. Neuhaus, tidak terjadi “kerusakan mental” akibat terlalu banyak bekerja.

Hari konser:

Elemen penting adalah akting. Hal ini diperlukan untuk menghangatkan otot. Lebih baik memainkan tangga nada, latihan, atau permainan yang dilakukan secara perlahan satu kali, tanpa membaginya menjadi beberapa bagian.

Faktor penting dalam keberhasilan kinerja adalah kondisi tangan. Untuk tangan yang dingin, saya dapat merekomendasikan sejumlah latihan senam:

1) Pukul dengan ujung jari terlebih dahulu pada “bantalan” sendi pertama, kemudian pada bagian tengah telapak tangan, kemudian pada bagian bawah telapak tangan. Anda dapat memukul setiap jari secara terpisah.

2) tarik jari ke-5 sedekat mungkin ke tangan sambil menyentuhkannya ke telapak tangan, lalu dengan gerakan membelai, gerakkan ujungnya sepanjang telapak tangan, ke pangkal jari, dan lakukan hal yang sama dengan jari lainnya. berbelok.

Beberapa saat sebelum naik panggung, guru harus menghentikan semua komentar. Siswa harus percaya bahwa dia bermain bagus, dan dia akan bermain bagus. Masalahnya ada hubungannya dengan kepercayaan diri. Itu semacam teater. Siswa menjadi bersemangat, gugup, tetapi keluar bermain sebagai pemberani, mengubah dirinya sendiri.

Untuk menghilangkan stres, Anda dapat mengajak siswa untuk makan 2-3 potong gula pasir atau sebatang kecil coklat, dicuci dengan teh atau air hangat yang lemah. Metode ini digunakan oleh S. Richter dan D. Oistrakh.

Nasihat dari seorang guru kepada siswa sebelum pertunjukan:

Saat naik panggung, tarik napas dalam-dalam beberapa kali lalu keluar, detak jantung kembali normal, ketenangan muncul;

Penting untuk beradaptasi dengan alat ini;

Sebuah pertunjukan dapat dirusak oleh kursi yang tinggi atau rendah;

Pencahayaan itu penting - keyboard yang gelap mengganggu, begitu pula silau pada mata;

Sepatu hak tinggi menyulitkan penggunaan pedal;

Pakaian yang nyaman sangat penting. Tingkah laku dan posenya menimbulkan kesan menjijikkan. Anda harus berperilaku alami. Jangan melihat ke arah penonton di aula!

Sangat mudah untuk naik panggung secara perlahan, melangkah dengan gaya oriental;

Sebelum Anda mulai bermain, Anda perlu memainkannya secara mental dari awal;

Untuk murid-murid saya, sebelum tampil, saya selalu mengulang kata-kata A. Schaeffer: “Perahu lebih aman di pelabuhan daripada di laut, tapi bukan untuk itu perahu itu dibuat.”

Perkenalan

Telah diketahui dengan baik bahwa nasib musik seorang anak dan pembentukan selera musiknya bergantung pada kontak praktis pertama siswa dengan musik. Tugas utama seorang guru sekolah musik adalah mengembangkan dalam diri siswa perasaan musik yang hidup dan langsung, pemahaman tentang ekspresi dan ungkapannya. Keberhasilan sangat bergantung pada keterampilan profesional guru dan tingkat bakat musisi masa depan.
Mungkin tidak ada ahli metodologi dan guru yang mau memberikan resep yang jelas untuk memastikan bahwa setiap penampilan pemain muda selalu sukses. Setiap orang adalah individu yang unik, oleh karena itu arahan, bentuk dan metode persiapan harus selalu didasarkan pada kualitas individu dari lingkungan internal dan eksternal musisi.

Komunikasi dengan publik, penonton, selalu merupakan proses kreatif dan mengandaikan adanya hubungan timbal balik: pemain-musisi tidak hanya mempengaruhi penonton, tetapi juga merasakan pengaruhnya terhadap dirinya sendiri. Bagi seorang penampil, musik merupakan penghubung sekaligus sarana komunikasi dengan penontonnya. Mengatasi kegairahan pop harus mengikuti jalur keinginan kreatif untuk berkomunikasi dengan pendengar. Komunikasilah yang membawa makna sejati dan abadi dari seluruh pekerjaan persiapan seorang musisi pertunjukan.

Dedikasi penuh pada perwujudan citra musik, proses dialektis yang berkelanjutan dalam menemukan keindahan dalam apa yang dibawakan, keinginan untuk mengungkapkan semua ini dalam suara nyata - inilah cara mengatasi demam panggung, adaptasi psikologis pianis muda terhadap kinerja publik.

Daftar literatur bekas

1. Barenboim L.A. “Pedagogi dan pertunjukan musik” L.:Musik
2. "Psikologi. Kamus" Di bawah redaksi umum A.V. Petrovsky
3. V.I.Petrushin "Psikologi Musik": Buku Teks. Panduan untuk siswa dan guru.-M.: Humanitarian Publishing Center VLADOS, 1997
4. Busoni F. “Tentang Keterampilan Pianis” - Dalam buku: Seni Pertunjukan Luar Negeri, Edisi 1
5. Grinberg M.I. “Artikel. Memori. Bahan" komp. AG Inger. M.: Burung hantu. Komposer, 1987.
6. Goldenweiser P. “Pada pertunjukan piano. Isu seni musik dan pertunjukan" edisi 2
7. Kogan K. “Di gerbang penguasaan” M.; Musik, 1969,
8. Kapustin Yu.V. “Musisi-pemain dan penonton” Research-L.Music, 1985.
9. Neuhaus G.G. Tentang seni bermain piano: Catatan dari seorang guru. M.: Klasik-XXI, 1999
10. Savshinsky K.S. “Rezim dan kebersihan karya seorang pianis” L.: Sov. komposer, 1963
11. Tsypin G.M. Musisi dan karyanya: Masalah psikologi kreativitas. M.: Burung hantu. komposer, 1988
12. Feinberg S.E. "Pianisme sebagai seni." M.: Muzyka, 1969
13. Litvinenko Yu.A. “Peran public speaking dalam proses pengajaran musik” M.; “Pedagogi Seni” No.1, 2010

Sebagian besar musisi selama aktivitas kreatif mereka dihadapkan pada kebutuhan untuk mengatasi keadaan panggung yang negatif.

Pertanyaan ini relevan tidak hanya bagi para musisi-artis, tetapi juga bagi para guru.

Pertunjukan adalah hasil kerja kreatif yang intens dari seorang seniman dan merupakan tindakan yang bertanggung jawab baginya, yang merangsang pertumbuhan kreatifnya lebih lanjut. Berbagai kualitas sifat, kemauan, kecerdasan, kedalaman emosi, imajinasi kreatif pemain - semua ini, pada tingkat tertentu, memanifestasikan dirinya selama pertunjukan publik.

Perkenalan.

1. Analisis psikologi pertunjukan konser.

“Eksekusi suatu program tanpa inspirasi kreatif tidak lebih dari sekedar organisasi matematis suara dalam waktu.”

Masalah persiapan psikologis seorang musisi pertunjukan untuk pertunjukan konser merupakan salah satu topik terpenting dalam seni pertunjukan musik.

Tidak ada artis yang tidak pernah menderita bentuk kecemasan panggung yang negatif.

Grand Liszt menyatakan: “Teknologi lahir dari semangat.” Studi progresif yang menafsirkan pertunjukan musik sebagai tindakan psikofisiologis mengevaluasi peran psikologi sebagai faktor yang lebih signifikan dalam pembentukan keterampilan seorang musisi.

N.A. Rimsky-Korsakov sering mengulangi bahwa semakin buruk komposisinya dihafal, semakin besar kegembiraan di atas panggung.

Namun, kondisi panggung pemain tidak hanya bergantung pada seberapa andal dan kuatnya karya musik tersebut dipelajari.

Perasaan cemas dan gelisah yang dialami sebagian musisi saat naik ke panggung diiringi dengan perubahan-perubahan pada tubuh yang khas dari setiap situasi stres. Sebagaimana dicatat oleh para psikolog, pada saat-saat seperti itu, proses di korteks serebral tidak dapat menahan eksitasi; perilaku menjadi rewel, perhatian tersebar, tingkat kekebalan kebisingan dan kemampuan adaptif menurun, stres emosional meningkat dengan cepat dan tidak selalu sesuai dengan situasi.

Kegembiraan selalu memiliki penjelasan tertentu. Untuk belajar mengendalikan diri di depan umum, Anda perlu memulainya dengan menjaga diri di rumah, di mana Anda dapat melatih perhatian dan konsentrasi setiap hari dan setiap jam. Menurut pendidik psikologi musik (seperti Lilias MacKinnon), kebiasaan gaya hidup buruk seseorang berdampak negatif terhadap performanya. Oleh karena itu, dengan selalu menunda sampai besok apa yang perlu dilakukan hari ini, seorang musisi dapat mengganggu fungsi ingatannya, karena keragu-raguan melemahkan karakternya. Seorang musisi yang tampil tidak bisa, seperti seorang penyair atau seniman, memilih momen paling sukses untuk berkarya; dia dipaksa bermain pada hari yang telah ditentukan sebelumnya, apapun suasana hatinya. Hal ini memerlukan fleksibilitas, kemampuan untuk fokus pada apa yang penting saat ini. Kualitas-kualitas ini dikembangkan melalui pelatihan harian selama bertahun-tahun.

Salah satu penyebab paling umum dari kecemasan adalah pemikiran eksternal tentang kemungkinan kegagalan. Begitu berada dalam kondisi yang menguntungkan karena kesadaran yang kurang waspada, hal itu dapat berkembang menjadi self-hypnosis yang berbahaya. Jarang sekali individu muda yang merupakan psikolog berpengalaman mampu membayangkan bahaya penuh dari sugesti yang bermusuhan atau memahami motifnya. Kritik yang bermanfaat adalah satu hal, kritik yang merusak adalah sesuatu yang lain. Natan

Perelman sering mengulangi kepada murid-muridnya: “Di atas panggung, kritik diri adalah gergaji yang memotong kursi tempat pemain duduk.”

Oleh karena itu, persiapan pertunjukan konser menjadi tahapan terpenting dalam pembentukan seorang musisi pertunjukan, dan keberhasilan penampilannya di atas panggung secara langsung tidak hanya bergantung pada kualitas dan keandalan karya yang dipelajari, tetapi juga pada levelnya. kesiapan psikologisnya untuk berkomunikasi dengan masyarakat. Pekerjaan seorang musisi profesional adalah salah satu jenis aktivitas manusia yang paling sulit, membutuhkan kerja sehari-hari selama bertahun-tahun, seringkali melelahkan secara fisik dan mental.

Beban kerja terus bertambah karena semakin ketatnya persaingan antar musisi muda yang memasuki dunia. Dan saat ini pemenangnya sering kali adalah orang yang lebih tangguh, lebih efisien, lebih tenang, lebih kuat secara fisik dan mental. Selama umat manusia dan aktivitasnya ada, masalah abadi mengenai penilaian obyektif terhadap kondisi manusia telah ada. Sayangnya, kekuatannya terbatas, dan peningkatan beban (mental atau psikomotorik) melebihi apa yang dimungkinkan oleh alam menyebabkan keadaan kelelahan yang mendalam: musisi kehilangan kesegaran dan rasa gembira saat tampil. Dalam keadaan seperti itu, sia-sia mengharapkan hasil yang baik. Kecemasan yang berlebihan tidak memungkinkan Anda untuk menggunakan kemampuan sisi aktif pikiran atau potensi energi, dan terkadang menyebabkan runtuhnya segala sesuatu yang direncanakan dan dikembangkan dalam jangka waktu yang lama, dan yang terburuk adalah hal ini dapat terjadi dalam jangka waktu yang lama. kinerja yang bertanggung jawab.

Kurangnya kesegaran, yaitu kondisi mental yang optimal – terbaik, akan berdampak negatif pada kualitas berpikir, perasaan dan imajinasi, dan jika terlalu banyak bekerja, fungsinya akan berada di ambang hilangnya. Namun, kegembiraan dan kegembiraan itu berbeda. Kegembiraan atau semacam “kegembiraan” dalam suasana hati sebelum pertunjukan tidak hanya wajar dan diinginkan, seperti yang ditunjukkan oleh latihan, sering kali hal ini menyelamatkan pertunjukan dari kehidupan sehari-hari.

Jika seorang pemain bermain dengan jiwa, publik dan kritikus akan selalu memaafkannya atas beberapa nada yang salah dan sedikit kesalahan ingatan. Ada banyak contoh sikap merendahkan masyarakat seperti itu; Ambil contoh, pertunjukan konser program A.G. Rubinstein: terkadang permainannya bukannya tanpa “titik berkabut” dan sisi kasar (terutama di tahun-tahun terakhir aktivitas konsernya). Namun kekasaran tersebut tidak meninggalkan bekas yang nyata pada persepsi pendengar - karena kekuatan pengaruh artistik seniman besar tersebut.

Musisi harus mengabaikan kesalahan apa pun yang dibuat di atas panggung, jika tidak, menjadi bersemangat karena satu nada yang salah dapat merusak keseluruhan program.

Sesuatu bisa dilakukan dengan baik, sesuatu yang lebih buruk; Anda perlu belajar mendengarkan diri sendiri dengan tenang dan berharap yang terbaik. Kesalahan yang dilakukan banyak orang adalah mencoba “melawan” kecemasan. Namun upaya untuk menekan rasa takut hanya akan memperburuk situasi, dan mereka yang telah mempelajari hukum upaya sebaliknya akan lebih memilih untuk menggunakan hukum “non-perlawanan” dari Tolstoy. Alih-alih memikirkan kenangan kegagalan yang tidak menyenangkan, musisi yang bijaksana akan mengalihkan pikirannya ke saat-saat ketika ia tampil dengan kesuksesan tertentu. Hanya emosi menyenangkan yang secara bertahap akan menggantikan rasa takut, karena sekarang perhatian terfokus pada hal lain, yang lebih penting. Segalanya menjadi lebih baik hanya jika kegagalan di masa lalu dilihat sebagai pelajaran yang bermanfaat. Refleksi tanpa akhir tidak membawa kebaikan: pengulangan memperkuat asosiasi, kenangan menyakitkan sulit dihilangkan. Jika Anda secara sadar mengarahkan pikiran Anda pada sesuatu yang menyenangkan, perasaan percaya diri muncul.

Penyebab umum sindrom kecemasan panggung adalah kurangnya budaya panggung secara umum, metodologi yang jelas dan tepat untuk mempersiapkan pertunjukan, dan akibatnya, pemahaman artis yang buruk tentang sifat aktivitasnya, dan akibatnya, kebingungan. Penting bagi seorang musisi untuk melatih ketahanan terhadap gangguan mental yang biasa terjadi pada aktivitas pertunjukan.

Meskipun kecemasan dapat disebabkan oleh faktor fisik (misalnya tangan dingin) dan akibat fisik (sekali lagi, termasuk tangan dingin), dasar dari kecemasan selalu bersifat psikologis. Bahkan musisi paling berpengalaman pun pun tidak luput dari kegagalan di atas panggung jika ia belum siap tampil. Tingkat persiapan pemain tidak hanya bergantung pada pengalaman atau keterampilannya, tetapi juga pada apa yang terjadi padanya sebelum pertunjukan dimulai, bagaimana dia bereaksi terhadap situasi panggung, yang selalu menjadi faktor stres yang meningkat. Banyak pemain membutuhkan koreksi atas perilaku panggung yang salah. Gejala seperti tangan gemetar, lutut gemetar, teks “jatuh”, ketidakmampuan berkonsentrasi saat membawakan sebuah karya, atau sekadar takut naik panggung adalah manifestasi utama dari sindrom kecemasan panggung.

Tujuan guru: untuk mengajar musisi muda untuk menghilangkan aspek negatif dari kecemasan panggung; untuk memaksakan pendekatan yang lebih bertanggung jawab terhadap pertunjukan konser dari program tersebut, untuk membenarkan kebutuhan untuk memperkenalkan serangkaian teknik psikoteknik yang berkontribusi pada koreksi kecemasan panggung pada seorang musisi dalam latihan pertunjukan, untuk menentukan periodisasi waktu dari tahapan persiapan. untuk pertunjukan konser.

Bab 1.

Tahap awal persiapan pertunjukan konser.

1. Neurotisisme dan reaktivitas sistem saraf musisi.

Neurotisisme adalah sebutan untuk ketidakstabilan psikologis internal seseorang. Periode awal pekerjaan persiapan seorang musisi untuk pertunjukan yang bertanggung jawab memiliki pengaruh besar pada pembentukan keadaan emosional yang kompleks dan sensasi psikofisiologis yang stabil yang direproduksi oleh tubuhnya, selanjutnya di arena konser. Dan periode pertama yang memisahkan musisi dari pertemuan publik, baik itu pertunjukan kompetitif atau konser yang telah direncanakan sejak lama, dirancang untuk memecahkan sejumlah masalah.

Persiapan pra konser dibagi menjadi 3 periode:

Untuk periode yang terdaftar kami akan menambahkan karya ke-4 – “pasca-konser”, yang akan menjadi “desain” pertunjukan berikutnya.

1) Persiapan pra-konser yang lama. Tahapan:

1. Tinjauan awal.

2.Bekerja berkeping-keping

3. Desain lengkap

4 . Mencapai kesiapan variasi

Disarankan untuk mengatakan bahwa program tersebut perlu dipelajari selambat-lambatnya sebulan sebelum tanggal konser yang ditentukan, karena materi musik harus “menetap, berakar” dalam sensasi refleksif dan persepsi pendengaran seseorang. Jika jangka waktunya kurang dari 4 minggu, proses pembentukan stabilitas dan kepercayaan diri dalam bekerja mungkin tidak sempat terkonsolidasi baik dalam memori maupun keterampilan psikomotorik.

Salah satu faktor sukses atau tidaknya pertunjukan adalah rezim dan kebersihan kelas dan pertunjukan.

Pertunjukan yang tidak berhasil didahului oleh kelelahan umum dan terlalu banyak bekerja, gizi buruk, kurangnya jadwal kerja dan istirahat, kebugaran fisik yang buruk, dan suasana hati yang buruk. Anda dapat memiliki kemampuan musik yang luar biasa dan guru yang sangat baik, Anda dapat memiliki kemauan yang teguh dan ketekunan dalam mencapai tujuan profesionalisme yang tinggi, tetapi semua kualitas dan keunggulan luar biasa ini tidak akan berarti banyak jika musisi tidak memiliki kesehatan yang baik dan cara kerja yang baik. mendukungnya.

G. Neuhaus mengutip perkataan A. Cortot bahwa hal terpenting bagi seorang musisi konser dalam tur adalah tidur yang nyenyak dan perut yang sehat. Bagi G. Neuhaus sendiri, prasyarat terpenting agar konser sukses adalah istirahat awal, semangat, kesehatan yang baik, kesegaran jiwa dan raga. Banyak musisi menaruh perhatian besar pada pertanyaan tentang seberapa banyak dan bagaimana upaya meningkatkan keterampilan profesional.

Di sini kita menemukan banyak rekomendasi berguna, teknik menarik yang digunakan musisi hebat dalam karyanya. Elemen penting di awal latihan sehari-hari adalah bertindak. Penting tidak hanya untuk menghangatkan otot-otot yang terlibat dalam permainan, tetapi, di atas segalanya, peralatan mental musisi secara keseluruhan. I.P. Pavlov mencatat dalam laporan ilmiahnya bahwa tidak ada pekerjaan rumit, tidak peduli seberapa terbiasa seseorang melakukannya, tidak boleh dimulai dengan cepat.

Hal ini harus dilakukan secara bertahap, tergantung pada kondisi kegiatan. Dalam proses bertindak, tubuh memasuki keadaan "kesiapan tempur" - detak jantung, ritme pernapasan, sensitivitas alat analisa, dan kecepatan proses berpikir meningkat. Bagi banyak musisi, bermain berarti memainkan tangga nada dan latihan khusus. Hoffmann, misalnya, merekomendasikan memulai dengan skala di semua kunci, masing-masing setidaknya dua kali. Kemudian mainkan tangga nada dalam oktaf, lanjutkan dari tangga nada tersebut ke etudes Czerny. Kramer, dan kemudian ke karya Bach. Mozart, Beethoven, Chopin. Ketika bekerja tiga jam sehari, Hoffman menyarankan untuk membaginya seperti ini: dua jam di pagi hari dan satu jam di sore hari: kelas pagi harus dikhususkan untuk pekerjaan teknis, yang membutuhkan banyak perhatian dan konsentrasi, dan satu jam di sore hari untuk pekerjaan interpretatif.

Yang paling penting adalah konsentrasi ekstrim - huruf pertama dalam alfabet kesuksesan. Jika otak sibuk dengan hal lain, ia menjadi tidak peka terhadap kesan dari pekerjaan ini, dan aktivitas seperti itu hanya membuang-buang waktu. Salah satu poin penting dalam karya mandiri seorang musisi muda adalah kemampuan untuk mengatur waktu latihannya dengan tepat, yang akan membantunya menyesuaikan diri dan fokus pada proses kerja.

Dua prinsip dasar untuk membangun proses kerja :

1. Rezim
2. Target.

Dengan pendekatan yang teratur, musisi berusaha berlatih sesuai jumlah jam yang ditentukan setiap hari dan tidak melebihi norma yang ditetapkan, meskipun sepulang kerja ada sesuatu yang belum selesai. Dengan pendekatan yang berorientasi pada tujuan, musisi tidak berhenti belajar sampai ia mencapai apa yang diinginkannya - misalnya, mempelajari sebuah bagian dengan tempo cepat, menghafal sebuah karya, memainkan sketsa dengan tempo cepat tiga kali tanpa kesalahan, masing-masing pendekatan ini mempunyai pro dan kontra. Keuntungan dari kerja rutin adalah menumbuhkan kemauan, ketekunan, dan rasa tanggung jawab terhadap nasib profesional seseorang. Kerugian dari pendekatan ini adalah duduk secara formal pada jam-jam yang ditentukan, ketika lagu tersebut dimainkan, tetapi tidak ada yang benar-benar dipelajari.

Keuntungan dari pendekatan yang ditargetkan adalah efisiensi kerja yang tinggi berdasarkan tujuan tertentu. Sisi negatifnya adalah kemungkinan ketertarikan pada metode kerja darurat, ketika seorang musisi sekaligus mencoba mempelajari sesuatu yang membutuhkan waktu lebih dari satu bulan. Tegangan lebih besar yang terjadi dalam hal ini mengancam kelelahan sistem saraf dan sedikitnya stabilitas hasil yang diperoleh dalam waktu singkat. Wajar jika berasumsi bahwa musisi muda harus mempelajari hubungan harmonis antara kedua prinsip praktik penataan. Ada gunanya memiliki rencana pelajaran harian, serta merencanakan pertumbuhan profesional untuk minggu, bulan, tahun sebelumnya, beralih dari tujuan langsung ke tujuan jangka panjang dan menetapkan sendiri lebih banyak tugas baru.

Tugas utama periode tersebut meliputi hari-hari terakhir sebelum pertunjukan - mencapai kesiapan psikofisiologis.

Selama periode ini, tahap pencapaian kesiapan variasi selesai, isi kelas berubah, urutan dan sifat latihan menjadi sangat penting;

Dalam proses mengerjakan suatu karya secara langsung, kecenderungan ke arah kinerja tunggal diharapkan mendominasi;

Bantuan signifikan dalam menguasai kondisi mental yang baik diberikan melalui latihan yang cermat selama latihan elemen ritual pop - keluar dan membungkuk, keluar untuk bertepuk tangan dan membungkuk setelah pertandingan.

Ada banyak alasan untuk mengidentifikasi periode ini sebagai tahap terpisah dalam persiapan pertunjukan konser: munculnya tugas-tugas baru dalam karya musisi, kebutuhan untuk menggunakan, bersama dengan yang sebelumnya, metode pengaturan diri baru, perubahan dalam diri pemain. kesejahteraan karena pendekatan kinerja yang bertanggung jawab, perubahan pemahaman dan pelaksanaan program yang dilakukan.

Dominasi, pertama-tama, diwujudkan dalam peran yang menentukan periode waktu ini dalam kaitannya dengan seluruh periode pra-konser. Produktivitas musisi dalam 6-7 hari terakhir sebelum konser dan kesadarannya akan tugas pokok akan sangat mempengaruhi kualitas penampilan program di depan umum. Timbul pertanyaan: mengapa minggu merupakan istilah yang menandai periode ini? Pengalaman signifikan pertama yang terkait dengan pertunjukan yang akan datang dikaitkan dengan periode waktu ini, dan metode untuk mencegah pengaruh negatifnya dirancang untuk memecahkan masalah baru, dengan mengacu pada pengalaman tidak hanya psikologi musik. Pada periode ini, “pematangan” program konser menciptakan dalam imajinasi musisi stereotip tertentu tentang suara fragmen individu dan bentuk karya secara keseluruhan, yang dapat mengarah pada pertunjukan yang klise dan tidak spiritual. Yang paling penting pada tahap persiapan adalah pemahaman pemain tentang peran komunikasi dengan penonton, karena pertunjukan publik tidak hanya menyiratkan interpretasi ekspresif dari suara program, tetapi juga, lebih lagi, ekspresi “pesan” yang emosional dan artistik. sebagai unsur penghubung antara pemusik dan penonton. Dan terakhir, akibat yang paling negatif bagi pelaku adalah akibat dari ketegangan otot, yang melumpuhkan baik peralatan pelaku maupun lingkungan emosionalnya, yang sering kali muncul justru pada hari-hari terakhir masa persiapan.

Dari sini kita bisa menentukan tugas tahap dominan dalam persiapan musisi untuk pertunjukan konser:

1) Menentukan signifikansi dan pengaruh proses – pengendalian diri dan pengaturan kemauan terhadap seni pertunjukan seorang musisi.

2) Pembentukan kesejahteraan panggung menurut sistem K.S

3) Memupuk imajinasi kreatif seorang musisi sebagai elemen penting dalam kesuksesan pertunjukan.

4) Cara mengatasi ketegangan otot pemain. 5) Pengertian peran musisi dalam berkomunikasi dengan publik.

Public speaking dikaitkan dengan situasi penilaian terhadap pembicara oleh orang lain, yang dapat meningkatkan atau menurunkan harga dirinya. Hal ini menyebabkan peningkatan ketegangan mental, yang pertama-tama meningkatkan dan kemudian mengurangi stabilitas manifestasi proses mental yang berkembang - perhatian, memori, persepsi, pemikiran, reaksi motorik. Dalam kondisi ketegangan mental, seseorang tidak selalu berhasil mengendalikan tindakannya dengan mengendalikan kemauan. Namun bagi musisi dengan bakat pertunjukan, seperti halnya Liszt dan Paganini, keadaan kegembiraan pop menyebabkan peningkatan semangat khusus, yang membantu mereka dalam penampilan mereka. Kemampuan untuk berada dalam kondisi konser terbaik berkaitan erat dengan ciri-ciri kepribadian seperti tidak adanya perasaan cemas dan gelisah, serta rasa malu yang melumpuhkan.

Yang terpenting di sini adalah keinginan membara untuk tampil di hadapan pendengar dan berkomunikasi dengan mereka melalui musik.

Bagi mereka yang tidak memiliki kemampuan performans, public speaking seringkali memiliki berbagai kekurangan. Hal ini paling sering terjadi pada musisi yang: · Kurangnya keterampilan mobilisasi mental untuk tampil; · kebutuhan untuk berbicara di depan pendengar belum terbentuk; · Terdapat kecemasan pribadi yang tinggi dan akibatnya terjadi penurunan kestabilan emosi.

Bab 2. (aplikasi praktis)

Sekalipun program pertunjukannya tampaknya telah dihafal dengan sempurna dan dapat dimainkan di atas panggung, setiap musisi ingin mengasuransikan kesalahan untuk berjaga-jaga. Tidak peduli seberapa baik suatu karya dipelajari, mungkin selalu ada kesalahan yang tidak terdeteksi di dalamnya, yang biasanya terungkap selama pertunjukan publik yang bertanggung jawab. Masalah muncul: bagaimana kesalahan ini dapat dihilangkan dari pekerjaan yang secara lahiriah cukup berhasil dilaksanakan? Lagi pula, hanya dengan demikian, seperti yang ditunjukkan dengan tepat oleh G. Kogan dalam salah satu karyanya, ketika musisi tidak dapat melakukan kesalahan jika ia mau, barulah gerakan bermainnya dapat dianggap tetap. Biasanya musisi menguji hal ini dengan memainkan hal-hal yang telah mereka pelajari di depan teman dan kenalannya, mengubah lingkungan dan alat musik yang harus mereka mainkan.

Untuk mendeteksi kemungkinan kesalahan, dapat diusulkan beberapa teknik yang intinya adalah sebagai berikut.

1. Ikat mata Anda dengan penutup mata. Mainkan lagu yang dipilih dengan tempo lambat atau sedang, dengan sentuhan yang percaya diri dan kuat, dengan tujuan bermain bebas kesalahan. Pastikan tidak ada ketegangan otot di mana pun dan pernapasan Anda tetap lancar dan rileks.

2. Bermain dengan interferensi dan distraksi (untuk memusatkan perhatian). Nyalakan radio dengan volume sedang dan coba putar programnya. Tugas yang lebih sulit adalah melakukan tugas yang sama dengan mata tertutup. Latihan seperti itu membutuhkan banyak ketegangan saraf. Kemungkinan besar banyak musisi yang merasa sangat lelah setelah menampilkannya. Hal ini dapat dijelaskan tidak hanya karena kurangnya pengetahuan tentang program, tetapi juga karena pelatihan fungsional yang buruk, yaitu kurangnya pelatihan sistem kardiovaskular. Jika, dengan radio dihidupkan, seorang pemain dapat dengan mudah memutar programnya, maka konsentrasinya dapat membuat iri dan kejutan yang tidak menyenangkan tidak mungkin terjadi padanya di atas panggung.

3. Pada saat membawakan acara di tempat yang sulit, guru atau orang lain mengucapkan kata traumatis “Error”, namun pemusik harus mampu untuk tidak melakukan kesalahan.

4. Lakukan beberapa putaran pada porosnya hingga Anda merasa sedikit pusing. Kemudian, setelah mengumpulkan perhatian Anda, mulailah bermain dengan kekuatan penuh dan daya angkat maksimal. Kesalahan yang teridentifikasi kemudian harus dihilangkan dengan memutar program secara hati-hati dengan kecepatan lambat.

hari konser:

Tugas utama guru adalah suasana psiko-emosional yang benar, distribusi energi yang optimal:

Pada hari pertunjukan, sebagian besar pemain mengalami apa yang disebut

“kecemasan sebelum konser” berdasarkan kepedulian terhadap kualitas pertunjukan. Fenomena ini harus diperlakukan sebagai penyakit jangka pendek, yang penyebab dan akibatnya tidak dapat ditempatkan dalam kerangka memainkan alat musik saja. Sikap psikologis yang benar terhadap penampilan yang sukses dan penghematan energi neuropsikologis yang wajar pada hari konser berdampak positif pada penampilan program di atas panggung.

Pada hari-hari sebelum konser, semakin sedikit aktivitas yang dilakukan musisi, semakin baik; dia harus, tanpa melelahkan perhatiannya, sekadar menonton acaranya. Musisi berpengalaman menyarankan: pada malam konser (sebaiknya di pagi hari), Anda hanya perlu memutar program sekali, tanpa membagi musik menjadi beberapa bagian dan tanpa mengulanginya secara terpisah. Pada tahap ini tidak disarankan untuk merusak kesatuan jalinan musik. Jika seorang musisi merasa perlu berlatih, ia harus membatasi dirinya untuk berlatih atau memainkan lagu lain

(sebaiknya yang terkenal) tidak termasuk dalam program konser. Lagi pula, jika programnya belum siap, maka sudah terlambat untuk mengajarkannya.

Apa yang harus dilakukan seorang musisi sebelum tampil, jika saat ini disarankan untuk tidak mengerjakan program dan bersantai? Mengingat beberapa hari sebelum konser sebagai akhir pekan yang diperoleh dengan jujur, seorang musisi, untuk melepaskan diri dari kekhawatiran dan kekhawatirannya yang biasa, dapat berjalan-jalan, pergi ke bioskop, membaca buku-buku menarik, atau melakukan apa pun selain membuat musik.

Pada hari konser, setiap detail kecil sangatlah penting. Misalnya, sebelum meninggalkan rumah, Anda harus berpakaian perlahan, dan Anda harus menyediakan banyak waktu untuk pergi ke tempat pertunjukan agar tidak menimbulkan situasi kecemasan tambahan. Di bidang seni, tidak ada yang perlu dikhawatirkan oleh seorang musisi; bahkan sahabat pun harus ditolak aksesnya sehingga mereka tidak bisa memikirkan kemungkinan kekhawatiran dan ketakutan.

Cara terburuk untuk menghabiskan waktu sebelum pertunjukan adalah percakapan yang tidak berarti di belakang layar, yang menghilangkan perhatian dan semangat kreatif pemain. Berjalan-jalan dengan gugup di sekitar kamar artis juga tidak lebih baik. AP Shchapov menyarankan sebelum naik ke panggung untuk memaksa diri Anda duduk dengan tenang dalam posisi yang nyaman - dengan otot yang agak rileks, sehingga melatih kemauan yang sangat diperlukan untuk tampil.

Dalam proses bermain tangan sebelum konser, Anda perlu mengingat ciri psikologis pemain seperti tempo permainan: bermain dengan langkah cepat sebelum naik panggung biasanya menyebabkan peningkatan kegelisahan dan pemborosan energi saraf yang tidak perlu. . Akan lebih bermanfaat jika memainkan tangga nada dan latihan atau memainkan lagu-lagu kecil secara perlahan.

Meskipun demikian, perlu dicatat bahwa pemain yang berbeda memerlukan teknik penyesuaian diri yang berbeda. Setiap pelaku berhak memilih “obat” yang memberikan efek positif pada dirinya.

Momen terpenting dalam persiapan psikologis pemain sebelum naik panggung adalah pengenalan karakter. K.S. Stanislavsky terkenal mengatakan bahwa seorang seniman harus “hidup dalam peran tertentu sepanjang hari.” Tidak sulit bagi seorang pianis untuk hidup sepanjang hari dalam gambaran program konser, tetapi sebelum memulai pertunjukan, dalam banyak kasus, perlu untuk memasukkannya kembali, dan, pada saat yang sama, menyebabkan keadaan kegembiraan kreatif, sangat penting untuk permainan yang sukses.

Bahkan pekerjaan persiapan yang paling hati-hati pun tidak membebaskan Anda dari aktivitas paling intens selama pelaksanaan. Pertunjukan konser memerlukan pengeluaran energi neuropsikik yang besar serta upaya kemauan dan perhatian yang signifikan, yang akumulasinya terjadi pada aktivitas yang tidak hanya membutuhkan kekuatan fisik, tetapi juga kekuatan emosional.

Psikolog kontemporer kita, Igor Vagin, mengatakan: “Pengalaman membuktikan bahwa bukan orang terpintar yang mencapai kesuksesan, tetapi orang yang paling stabil secara emosional yang percaya pada diri mereka sendiri.”

Penampil hebat juga merasa gugup saat tampil di depan penonton, namun mereka tidak merasa gugup dalam arti biasanya; keadaan mereka lebih merupakan kegembiraan, kadang-kadang mencapai titik yang meninggikan. Kegembiraan dapat disebut sebagai jenis kegembiraan yang berguna, karena alih-alih rasa takut, hal itu menyebabkan peningkatan daya tahan dan peningkatan indra, sehingga memberikan kesempatan kepada pelaku untuk melampaui dirinya sendiri.

Hubungan antara musisi dan pendengar.

Kadang-kadang diyakini bahwa pengendalian diri di atas panggung membutuhkan kemampuan untuk "melupakan pendengar" dan bahwa ketenangan terbesar dari pemain memungkinkan dia untuk "tidak memperhatikan" penonton sama sekali. Bayangkan, seorang guru terkadang menasihati siswanya sebelum berbicara di depan umum, bahwa tidak ada seorang pun di aula, tidak ada yang mendengarkan Anda. Guru berusaha membuat pelakunya lupa bahwa dirinya adalah… seorang pelaku, lupa bahwa ia adalah perantara antara pengarang dan penonton. Instalasi yang salah dan berbahaya! Pelaku tidak boleh dan tidak boleh “melupakan penontonnya”. Kesenian adalah kemampuan berkomunikasi dengan pendengar. Dan komunikasi mengandaikan adanya hubungan timbal balik: pemain-musisi, seperti aktor, dosen, pembicara, tidak hanya mempengaruhi penontonnya, tetapi juga merasakan pengaruhnya. Musisi tidak hanya mempengaruhi penontonnya melalui seni musik, tetapi juga merasakan pengaruhnya: “Anda memanifestasikan diri Anda sebagai pribadi hanya dalam komunikasi dengan orang lain. Jika tidak ada orang lain, maka tidak akan ada Anda, karena apa yang Anda lakukan - dan ini adalah Anda - hanya mempunyai makna dalam hubungannya dengan orang lain."

Salah satu tugas pelaku adalah menumbuhkan keinginan untuk berkomunikasi dengan pendengar dan pada saat yang sama mengembangkan kemampuan yang diperlukan untuk komunikasi tersebut.

Penanaman “keinginan untuk berkomunikasi” dan “rasa komunikasi” dapat dilakukan - pada tahap awal pelatihan, dalam hal apa pun - hanya secara tidak langsung; dengan mengembangkan respons emosional terhadap musik. Persepsi musik yang jelas dan kaya secara emosional biasanya memerlukan keinginan untuk menyampaikan pengalaman tersebut kepada orang lain. Oleh karena itu, sejak langkah pertama dalam bekerja, Anda perlu memupuk sikap pertunjukan musik yang benar: menampilkan berarti mengalami pidato musikal kiasan dan mewujudkannya. Dari situlah berkembang sikap pertunjukan baru dalam prosesnya: pertunjukan berarti mengalami, mewujudkan, menyampaikan, meyakinkan, mengkomunikasikan.

Berikut dua sikap psikologis:

Saya bermain “secara umum”, saya tidak menyapa siapa pun kecuali diri saya sendiri;

2. menyampaikan, meyakinkan dan berkomunikasi dengan orang lain.

Perbedaan di antara keduanya sangat besar, dan hal ini memengaruhi kemauan artistik, rasa kesejahteraan pop, dan, pada akhirnya, kualitas pertunjukan.

Komunikasi antara seniman dan penonton bukan sekedar interaksi, namun juga sebuah perjuangan. Mari kita perhatikan bahwa seorang profesional wajib melihat perjuangan bahkan dalam interaksi di mana kata ini dalam penggunaan sehari-hari tampaknya tidak tepat. Perjuangan mengungkap sang seniman, memaksanya menemukan sisi paling beragam dan kontradiktif dari dunia spiritualnya. Ini juga menyiratkan pemenang. Namun kekhasan dari perjuangan tersebut adalah tidak ada yang kalah. Pelaku berjuang untuk inisiatif di ruang konser, untuk mendapatkan pengakuan, terkadang dalam kondisi yang paling sulit. Dan semakin spesifik ia melihat tujuan dari “ofensif”, semakin cepat dan gigihnya, semakin meyakinkan inisiatifnya (dan hak atas pengakuan) dalam mengungkapkan konsep artistiknya sendiri, yang dirasakan oleh penonton.

Tentu saja, perjuangan inisiatif seniman tidak bertujuan untuk “kemenangan penuh” atas pendengarnya, yang sama sekali tidak kekurangan inisiatif. Di ruang konser, interaksi dan perjuangan melahirkan konten yang kaya dan kompleks. Begitu beratnya perjuangan menjadi tumpul, isinya menjadi tidak dapat dipahami oleh pendengar yang “kalah”. Tiga mengikuti dari ini

persyaratan dasar interaksi antara pelaku dan pendengar (pertukaran informasi). Pertama, agar seorang musisi dapat mempengaruhi pendengarnya dengan informasi artistiknya, ia harus memiliki kejelasan yang lengkap tentang apa yang dikomunikasikan kepada penonton dan tentang cara terbaik untuk mencapai tujuan tersebut. Kedua, pelaku tidak hanya harus melihat cara-cara untuk mencapai tujuan, tetapi juga menguasainya secara ahli sehingga pendengar dapat memahami informasi tersebut sebagaimana dimaksud oleh pemusik. Ketiga, informasi artistik harus dibuat bergantung pada tingkat kesiapan orang yang mempersepsikannya, “pra-informasi”, pada tingkat budaya musiknya secara umum. Yang terakhir ini tidak berada dalam kekuasaan pelaku. Oleh karena itu, keefektifan dampak ideologis dan emosionalnya terhadap pendengar terutama bergantung pada seberapa objektif musisi memperhitungkan “keterbukaan” penonton. Kepasifan pendengar, tidak adanya reaksi apapun, pada hakikatnya adalah penolakan, penolakan terhadap informasi artistik pelaku. Artinya informasi yang diterima khalayak kurang efektif karena tidak memenuhi setidaknya salah satu persyaratan yang ditentukan. Kemudian pelaku, untuk menjalin interaksi dengan pendengar, dipaksa untuk “memberikan” informasi baru yang lebih penting bagi mereka dibandingkan dengan apa yang “diberikan” sebelumnya. Seringkali gagal mencapai tujuannya, namun ternyata tidak cukup baru atau tidak cukup signifikan bagi semua pendengar karena apa yang lebih penting bagi salah satu dari mereka tidak mewakili nilai yang sama bagi yang lain. Pada saat yang sama, pelaku harus berusaha mengantisipasi perubahan-perubahan yang diperlukan dalam kesadaran pendengarnya, dan untuk mengetahui apakah hal itu benar-benar terjadi, umpan balik dan informasi dari penonton juga diperlukan. Oleh karena itu, penampilan publik seorang musisi dapat dipandang sebagai pertukaran informasi. Tujuan tepuk tangan dalam teater pada hakikatnya adalah untuk mengingatkan pelaku akan adanya komunikasi dua arah. Jika tidak ada hubungan seperti itu, maka tidak ada pergulatan, tidak ada interaksi, yang menjadi penyebab posisi pelaku yang salah di atas panggung.

Seorang pemain-musisi mencapai tujuannya jika ia berhasil mengarahkan pendengarnya pada penemuan sesuatu yang baru, pada pemahaman tentang sesuatu yang sebelumnya tidak mereka sadari. Kemudian pendengar sampai pada kesimpulan ideologis dan emosional tersebut, yang mewakili tugas super pelaku, yang hanya dapat ia selesaikan dalam keadaan tahap kesejahteraan yang optimal.

Akhirnya program disiapkan, konser diumumkan. Hari terakhir telah tiba sebelum naik panggung.

Nama "pra-konser" berbicara tentang kedekatannya dengan acara yang akan datang dan cukup menarik - memasuki arena konser. Dan kualitas dan keberhasilan penampilannya, serta hasil dari seluruh periode persiapan, akan secara langsung bergantung pada seberapa benar pemain tersebut bertindak dalam 24 jam terakhir. Semua pekerjaan persiapan, pada kenyataannya, bertujuan untuk mencapai keadaan konser yang optimal dan menyampaikan kepada pendengar penampilan terbaik - hidup dan spiritual. Sayangnya, banyak musisi yang sering meremehkan pentingnya dan pentingnya masa persiapan pra-konser untuk tampil di depan umum. Anehnya, Anda bisa kehilangan semua yang telah Anda peroleh dan semua yang telah Anda “tahan” dalam jangka waktu yang cukup lama di menit-menit terakhir yang memisahkan musisi dari momen seru di awal pertunjukan.

Pada hari ini, pertama-tama Anda harus tidur malam yang nyenyak. Beberapa musisi memilih untuk tidak berlatih sama sekali di siang hari atau memainkan lagu lain (seperti yang dilakukan S.V. Rachmaninov). “Menurut saya di hari konser masih bermanfaat untuk memutar seluruh program dengan tempo rata-rata, tenang, tanpa emosi, yang akan memakan waktu sekitar dua jam. Ini sudah cukup. Dalam situasi apa pun Anda tidak boleh membebani tangan dan indra Anda secara berlebihan pada hari ini. Kita perlu menjaga perasaan kita tetap segar sampai malam hari.” F. Busoni dan K. Tausig juga berpesan untuk tidak berlebihan memainkan instrumen di hari konser.

Disarankan untuk makan siang terlebih dahulu sebelum konser. Ketika seseorang sedikit lapar, indranya meningkat, yang sangat penting di atas panggung.

Pada hari pertunjukan, beberapa pemain terus menjejalkan bagian-bagian individu dan memainkan program yang akan datang berkali-kali, membuang-buang energi dan emosi yang gugup. Biasanya, hal ini tidak membawa kedamaian, dan kerugiannya terlihat jelas, karena semua kekuatan dicurahkan sebelum konser.

Disarankan untuk datang ke konser terlebih dahulu, sekitar satu jam sebelumnya, menyiapkan kursi kandang, mencari titik terbaik di atas panggung, mengenal akustik di aula, bermain-main, sekedar berjalan-jalan di sekitar panggung, bersiap-siap untuk pertandingan yang akan datang.

Selain persiapan psikologis, salah satu faktor penting keberhasilan penampilan adalah kondisi tangan. Beberapa musisi perlu bermain dengan baik sebelum konser, sementara yang lain hampir selalu dalam kondisi yang baik. Secara umum, tangan tidak boleh terlalu mati, jika tidak maka akan sulit untuk bermain dalam cuaca dingin. Jika tangan Anda sedingin es dan tidak melakukan pemanasan dalam waktu lama, Anda dapat melakukan beberapa latihan fisik, misalnya beberapa kali “menampar diri sendiri dengan ayunan (dari bahu) ke dalam pelukan”, “carriage style” atau “Lakukan beberapa gerakan senam energik lainnya yang memperlancar peredaran darah ke seluruh tubuh", angkat tangan ke atas, kepalkan erat-erat selama 2-3 detik dan turunkan tangan santai dengan lembut, tekuk pinggang selama 4-5 detik. Latihan yang direkomendasikan oleh J. Gat sangat bermanfaat. Saya akan memberikan dua di antaranya: “Pukullah ujung jari Anda terlebih dahulu pada bantalan sendi pertama, kemudian pada bagian tengah telapak tangan, dan terakhir pada bagian bawah telapak tangan.” Anda dapat memukul setiap jari secara terpisah. “Tarik jari ke-5 sedekat mungkin ke tangan sambil menyentuhkannya ke telapak tangan, lalu seperti gerakan membelai, gerakkan ujungnya sepanjang telapak tangan, hingga ke pangkal jari. Lakukan hal yang sama dengan sisa jari ke dalam belok.” Y.

Pada hari konser, dan terutama sebelum naik panggung, sebaiknya usahakan untuk mengurangi bicara, tidak berada di tengah kebisingan, dan tidak membuang-buang energi. Kegembiraan saat ini tentu saja luar biasa, tumbuh dari kesadaran akan tanggung jawab. Menurut K. S. Stanislavsky, ada dua jenis kegembiraan: “kegembiraan dalam gambar” dan “kegembiraan di luar gambar.” Agar tidak terlalu terbawa oleh "aku" Anda yang berharga dan agar kegembiraan tidak berubah menjadi kepanikan, ada baiknya untuk melepaskan rasa tanggung jawab yang berlebihan.

Pikiran seperti: “Apa yang akan mereka katakan tentang saya jika saya bermain buruk!?” Dalam hal ini, lebih baik sedikit mengolok-olok diri sendiri. Meskipun kegembiraan yang berlebihan merupakan penghalang, ketenangan yang berlebihan juga buruk. Pencapaian kreatif terbaik dicapai ketika pemain memiliki keinginan yang besar untuk tampil di atas panggung. Kegembiraan kreatif membantu memobilisasi jiwa dan peralatan pertunjukan.

Poin pedagogis yang penting: jika seorang siswa sedang memainkan konser, guru tidak boleh memberikan instruksi akhir mengenai interpretasi. Setiap siswa memiliki sikap psikologis masing-masing dan nasehat sebelum naik panggung hanya dapat menimbulkan kendala dan ketidakpastian. Dalam hal ini, akan lebih berguna untuk membantunya menyesuaikan diri secara psikologis untuk mendapatkan dampak yang maksimal.

Ingatan

Menurut banyak musisi, salah satu alasan utama yang menimbulkan kecemasan bahkan ketakutan pada seorang artis adalah rasa takut melupakan teks.

Ketakutan akan lupa suatu teks dapat mengakibatkan kekakuan jiwa dan aparatur. Terkadang Anda lupa teksnya - dalam hal ini, Anda perlu mencoba untuk tidak memusatkan perhatian serius padanya, jika tidak, dari pertunjukan ke pertunjukan, kegugupan dan ketidakpercayaan terhadap ingatan Anda akan memburuk. Yang utama adalah momen-momen seperti itu tidak meresap jauh ke dalam jiwa. Ada kasus yang diketahui ketika musisi berbakat terpaksa meninggalkan karir seni mereka sama sekali karena kehilangan ingatan. Mereka tidak dapat mengendalikan diri di depan umum, permainan menjadi kejang, dan hampir semua kualitas penampilan terbaik dari musisi hilang. Jelas bahwa melupakan sebuah teks saat belajar di rumah adalah satu hal, dan melupakannya di depan umum, di depan semua orang adalah satu hal. Banyak hal bergantung pada bagaimana teks karya tersebut dipelajari. Anda tidak dapat menghafal teks dengan frasa, “menjejalkannya” “luar dan dalam” beberapa kali.

Paling sering, kehilangan ingatan terjadi dalam episode yang dipelajari secara formal dan mekanis. Musiklah yang harus dihafal, bukan urutan nada formal. Penting agar intonasi diingat dengan kebermaknaan emosional, di bawah pengaruh logika perkembangan. Misalnya, tidak ada seorang pun yang melupakan teks yang sepertinya menyiratkan kelanjutannya.

Ada tiga jenis memori musik: visual, musikal-auditori dan motorik. Memori pendengaran musikal dapat dianggap menentukan untuk menghafal, yang mencakup tekstur karya dan bidang figuratif-emosional. Namun, kita tidak boleh meremehkan hafalan motorik, yang sangat mendukung hafalan pendengaran. “Momen motorik,” tulis psikolog Soviet B. Teplov, “mendapatkan makna yang signifikan secara fundamental... ketika diperlukan untuk membangkitkan dan mempertahankan pertunjukan musik melalui upaya sukarela.”

Pada tahap awal karya, peran utama adalah penguasaan sadar atas semua detail sebuah karya musik dan strukturnya secara keseluruhan. Secara bertahap, proses permainan yang dikendalikan secara sadar diotomatisasi dan berpindah ke alam bawah sadar. Segala sesuatu yang berkaitan dengan teknologi pertunjukan dilakukan secara otomatis, sehingga selama pertunjukan konser, kami, tidak dibatasi oleh tugas teknis, memiliki kesempatan untuk mengarahkan semua perhatian kami pada rekreasi penuh gambar artistik. Dimasukkannya kesadaran di atas panggung dalam proses teknologi, dengan pengecualian yang jarang terjadi, tidak diinginkan dan terkadang dapat menyebabkan lupanya teks.

Sebelum konser, sebaiknya hindari berjam-jam berlatih instrumen. Poin penting “pra-konser” lainnya: di menit-menit terakhir sebelum naik ke panggung, Anda harus menghindari terburu-buru mengambil episode pendek dari program dan memutarnya dengan tergesa-gesa “untuk mengkonsolidasikan dalam memori.” Selain kegugupan yang tidak perlu, kerewelan seperti itu tidak akan menghasilkan apa-apa. Ini adalah apa adanya. Lebih baik berkumpul secara internal, bayangkan tempo, karakter bagian pertama, periksa kebenaran register yang disertakan, tarik napas dalam-dalam dua atau tiga kali, dan dengan berani naik ke panggung - untuk menang.

Konser

Para pendengar datang ke konser tersebut, mereka menunggu acara yang akan datang. Dengan penampilan seorang pemain di atas panggung, semua mata tertuju padanya, dan penampilan sang artis dapat membuat penonton berada dalam suasana hati yang tepat, atau membuat penonton agak rileks (sosok yang kendor atau bungkuk tidak dapat terlihat menarik secara estetika di atas panggung). Anda harus memeriksa kembali kestabilan kursi, menunggu sebentar hingga kebisingan yang menenangkan di aula, sekaligus akhirnya bersiap-siap untuk pertunjukan. Ada baiknya untuk memeriksa sekali lagi apakah keyboard yang diperlukan untuk memulai konser (berlaku untuk pemain akordeon tombol dan akordeon), siap pakai atau opsional, serta register diaktifkan dengan benar. Ini mungkin agak meyakinkan. Namun persiapan yang panjang tidak diinginkan; hal ini akan melemahkan masyarakat yang tidak sabar dan waspada.

Sangat penting untuk merasakan akustik aula. Lebih mudah untuk bermain di aula yang bagus; akustiknya sendiri berkontribusi terhadap hal ini. Sayangnya, tidak semua gedung konser paling cocok dengan suara instrumennya. Jika tidak ada resonansi yang cukup, jika suara terhenti, seolah-olah di kapas, pemain akordeon harus mampu menahan diri, tidak menekan secara berlebihan, jika tidak instrumen akan tersedak, memekik, dan tetap tidak menembus akustik ketat dari suara tersebut. aula. Hal ini terutama berlaku pada karya-karya yang membutuhkan masukan emosional yang besar dari pelakunya.

Panggilan pelaku adalah menciptakan keadaan pikiran khusus bagi pendengarnya. Sangat penting untuk menjalin kontak antara panggung dan penonton. Prestasi terbaik seniman dikaitkan dengan penciptaan suasana artistik khusus di aula. Terkadang di atas panggung Anda begitu menyatu dengan karya yang sedang ditampilkan sehingga Anda tiba-tiba mulai merasa: ini adalah karya Anda, Anda adalah penulisnya, dan Anda mulai meyakinkan penonton akan hal ini. Momen seperti itu adalah momen yang paling menginspirasi bagi seorang seniman. Di atas panggung, seperti dalam kehidupan, Anda harus bisa mengendalikan diri.

Musisi harus memiliki karakter sepanjang konser. Keindahan, tingkah laku, dan posenya memberikan kesan yang menjijikkan. Berperilaku wajar: terkumpul, tetapi tidak dibatasi, bebas, tetapi tidak nakal. Jangan lihat penonton di aula! Pertunjukan karya apa pun harus selalu diselesaikan dengan pemerasan. Jika terjadi kecelakaan dan ternyata bellow kendor, sebaiknya ditutup dengan menekan tombol huruf kecil sebanyak-banyaknya dengan kedua telapak tangan. Ini jauh lebih tenang daripada menggunakan kunci ventilasi.

Sebelum melakukan setiap bagian, Anda harus memeriksa apakah register sakelar dihidupkan dengan benar.

Anda harus belajar untuk mengambil jeda antar bagian, antar bagian, tetapi tidak mengeksposnya secara berlebihan. Pelaku secara bertahap mengembangkan dinamika umum konser. Tidak ada tempat untuk keributan di atas panggung!

Kondisi utama untuk peningkatan pemain adalah ketidakpuasannya yang terus-menerus terhadap dirinya sendiri. Dan bahkan setelah konser yang sangat sukses, Anda tidak boleh berpuas diri, dengan manis mengingat kesuksesan pertunjukan yang tidak diragukan lagi dan kata-kata pujian yang antusias. Anda harus lebih menuntut diri sendiri daripada masyarakat. Seorang seniman sejati adalah hakimnya yang paling ketat.

Selama konser, beberapa kejutan, kecelakaan, dan kekasaran mungkin muncul. Lagi pula, tidak mengherankan jika suatu bagian menjadi kabur atau salah nada. Penting untuk belajar untuk tidak menganggap penting hal ini, sehingga kepalsuan yang sekilas tidak mengganggu alur pemikiran. Hal utama adalah menjaga musik tetap mengalir. Hans von Bülow pernah berkata, setengah bercanda, bahwa bukanlah dosa jika seorang musisi konser melewatkan sebuah karya di sana-sini, jika tidak, penonton tidak akan menyadari betapa sulitnya karya tersebut. Kegagalan di atas panggung paling sering terjadi karena kekakuan mental. Kebebasan jiwa dan aparat memberikan rasa percaya diri yang lebih besar, begitu pula sebaliknya rasa percaya diri membantu melepaskan diri dari kekangan. Semuanya saling berhubungan di sini.

Penting untuk menumbuhkan dalam diri pemain kemampuan untuk "melupakan" kesalahan apa pun selama pertunjukan, jika tidak, karena noda kecil, Anda dapat menggagalkan seluruh pertunjukan. Dalam praktiknya, terlihat seperti ini: pemain, setelah melakukan satu kesalahan (nada yang salah, bagian yang dimainkan salah, dll.), mulai secara aktif mengalami kegagalannya, yaitu. kembali secara mental ke sana, yang, tentu saja, mengalihkan perhatian dari pemecahan masalah yang murni kreatif. Dia berhenti memikirkan frasa, fragmen, dll. berikutnya, dan dengan demikian membuat kesalahan kedua, karena gerakan permainan pemain, yang tidak didukung oleh pikiran, pasti akan menyebabkan kerusakan - penghentian. Oleh karena itu, sangat penting untuk mengembangkan keterampilan berpikir jangka panjang musisi di balik instrumen, yang membantu mengatasi kesalahan dan berkontribusi pada keberhasilan penampilan di atas panggung.

Di atas panggung, bisa juga terjadi bahwa pada titik tertentu pemain menjadi bingung dengan teks dan tidak tahu apa yang harus dimainkan selanjutnya. Saat-saat ini adalah ujian serius bagi jiwa dan saraf rekan-rekannya. Di sini penting untuk tidak bingung, tidak mengubah kecelakaan menjadi bencana.

Berikut adalah beberapa petunjuk untuk guru:

1. Persiapan siang hari.

• Memeriksa catatan dan instruksi dari penulis;
• Menyelamatkan kekuatan emosi anak.

2. Persiapan sebelum keluar

ke panggung.

• Pembiasaan dengan akustik di aula, akting;

Menggunakan latihan pernapasan.

Mengerjakan karya setelah konser:

3) persetujuan, dengan adanya sisa kegembiraan, tentang cara-cara yang paling menjanjikan untuk mengembangkan keahlian, serta keinginan khusus untuk "menyelesaikan" komposisi, membiarkannya "matang" di bidang inspirasi kreatif yang tersisa.

Keadaan kegembiraan pasca-panggung berlanjut dalam bentuk yang agak berkurang pada hari berikutnya setelah pertunjukan, yang membuka peluang khusus untuk penggunaannya yang bijaksana tidak hanya untuk mengkonsolidasikan program yang dilakukan, tetapi juga untuk “mencoba” karya-karya lain yang telah disiapkan untuk dimainkan. di atas panggung.

Kesimpulan.

Sebagai kesimpulan, saya ingin mencatat bahwa keseragaman perkembangan anak selama seluruh periode pelatihan, pembentukan kondisi mental positif selama periode persiapan pertunjukan publik dan, yang paling penting, setelah itu, aktivasi kinerja publik. Reaksi musisi muda terhadap rangsangan eksternal dan internal selama konser, keinginan untuk mencapai konsentrasi perhatian yang ekstrim selama bekerja memungkinkan Anda mencapai keadaan panggung yang optimal.

Aktivitas pertunjukan seorang musisi adalah proses yang sangat kompleks, intens, dan sekaligus bertanggung jawab. Bersiap untuk naik panggung, pemain mengeluarkan banyak energi, baik fisik maupun emosional. Untuk secara mandiri menentukan kelemahan individualitas kreatif Anda dan memilih metode persiapan psikofisiologis yang paling berguna dan produktif untuk pertunjukan konser, Anda perlu memiliki banyak pengetahuan tentang masalah ini.

Dipandu oleh pengalaman saya yang terbatas, rekomendasi dari musisi terkemuka dan karya ilmiah psikolog di bidang ini, saya menyajikan sejumlah metode praktis untuk menumbuhkan tahap kesejahteraan yang optimal.

Menggambarkan pekerjaan persiapan seorang musisi untuk pertunjukan konser, saya mencoba mengidentifikasi dan mensistematisasikan periode waktu utama yang memisahkan pemain dari naik panggung. Setiap tahap membenarkan perlunya melakukan penyesuaian terhadap taktik pelatihan musisi. Seiring dengan tugas-tugas awal, muncul tugas-tugas baru yang memerlukan penyelesaian tepat waktu, sensasi psikologis baru muncul karena mendekatnya suatu peristiwa yang menarik dan tingkat kesiapan untuk menampilkan program tersebut di depan umum, dan oleh karena itu perlu diperkenalkannya metode-metode baru. mempersiapkan musisi untuk tampil di depan umum.

Mungkin tidak ada satupun ahli metodologi dan musisi pertunjukan yang mau memberikan resep yang jelas agar penampilan Anda selalu sukses. Setiap orang adalah individu yang unik, oleh karena itu metode pelatihan harus selalu didasarkan pada kualitas individu dari lingkungan internal dan eksternal orang tersebut. Oleh karena itu, dengan mempelajari diri kita sendiri, kekuatan dan kelemahan kita, menganalisis dan mengingat sensasi yang mendahului pertunjukan yang sukses, kita kemudian dapat secara sadar mereproduksi keadaan serupa sebelum pertunjukan berikutnya.

Komunikasi dengan masyarakat, penonton, selalu merupakan proses kreatif dan mengandaikan adanya hubungan timbal balik antara pelaku dan pemusik, yang tidak hanya mempengaruhi penonton, tetapi juga merasakan pengaruhnya. Bagi seorang penampil, musik merupakan penghubung sekaligus sarana komunikasi dengan penontonnya. Mengatasi kegairahan pop harus mengikuti jalur keinginan kreatif untuk berkomunikasi dengan pendengar. Komunikasilah yang membawa makna sejati dan abadi dari seluruh pekerjaan persiapan seorang musisi pertunjukan. Dedikasi penuh pada perwujudan citra musik, proses dialektis yang berkelanjutan dalam menemukan keindahan dalam apa yang dibawakan, kehausan untuk mengungkap semua itu dalam suara nyata - inilah cara mengatasi demam panggung.

SASTRA METODOLOGI YANG DIGUNAKAN:

Alekseev A.D. "Sejarah Seni Piano"

Bychkov Yu.N. “Masalah makna dalam musik”

Semenov V.A. “Sekolah modern memainkan akordeon tombol” - M., 2007.

Gippenreiter Yu.B. "Proses yang tidak disadari"

Goldenweiser. "Tentang kinerja"

Bibir F.R. Seni memainkan tombol akordeon. - M.: Musik, 2011.

MacKinnon L. “Bermain dengan Hati”

Petrushin V. “Psikologi musik”

Savshinsky S. I. "Karya pianis pada sebuah karya musik"

Feinberg. "Jalan Menuju Penguasaan"

Tsyganov A. I. "Komponen psikologis dari pembentukan keterampilan kecepatan tinggi seorang pemain"