Sikap pemerintah Soviet terhadap seni rupa kontemporer tidak selalu negatif. Cukuplah untuk mengingat bahwa pada tahun-tahun pertama setelah revolusi, seni avant-garde hampir menjadi pejabat negara. Perwakilannya, seperti seniman Malevich atau arsitek Melnikov, menjadi terkenal di seluruh dunia dan sekaligus disambut di tanah air mereka. Namun, segera di negara sosialisme yang menang, seni maju tidak lagi cocok dengan ideologi partai. “Pameran buldoser” yang terkenal pada tahun 1974 menjadi simbol konfrontasi antara pihak berwenang dan seniman di Uni Soviet.

Nonkonformis dari bawah tanah

Nikita Sergeevich Khrushchev, yang mengunjungi pameran seniman avant-garde di Manege pada tahun 1962, tidak hanya mengkritik karya mereka, tetapi juga menuntut untuk “menghentikan aib ini”, menyebut lukisan itu “memulaskan” dan kata-kata lain yang bahkan lebih tidak senonoh.

Setelah kekalahan dari Khrushchev, seni tidak resmi muncul dari seni resmi, yang juga non-konformis, alternatif, bawah tanah. Tirai Besi tidak menghalangi seniman untuk memperkenalkan kehadirannya di luar negeri, dan lukisannya dibeli oleh kolektor dan pemilik galeri asing. Namun di dalam negeri, menyelenggarakan pameran sederhana sekalipun di pusat atau institut kebudayaan tidaklah mudah.

Ketika seniman Moskow Oscar Rabin dan temannya, penyair dan kolektor Alexander Glezer membuka pameran 12 seniman di klub Druzhba di Entuziastov Highway di Moskow, pameran itu ditutup dua jam kemudian oleh petugas KGB dan pekerja partai. Rabin dan Glazer dipecat dari pekerjaannya. Beberapa tahun kemudian, Komite Partai Kota Moskow mengirimkan instruksi ke pusat kebudayaan ibu kota yang melarang penyelenggaraan pameran seni secara independen.

Dengan kondisi tersebut, Rabin tercetus ide untuk memamerkan lukisannya di jalan. Pihak berwenang tidak dapat memberikan larangan resmi - ruang kosong, dan bahkan di suatu tempat di tanah kosong, bukan milik siapa pun, dan para seniman tidak dapat melanggar hukum. Namun, mereka juga tak mau diam-diam memamerkan karyanya satu sama lain - mereka membutuhkan perhatian publik dan jurnalis. Oleh karena itu, selain undangan yang diketik untuk teman dan kenalan, penyelenggara “Melihat Lukisan Terbuka Musim Gugur Pertama” memperingatkan Dewan Kota Moskow tentang tindakan tersebut.

Pameran melawan subbotnik

Pada tanggal 15 September 1974, tidak hanya 13 artis yang diumumkan yang datang ke sebuah tanah kosong di kawasan Belyaevo (pada tahun-tahun itu, sebenarnya di pinggiran Moskow). Pameran ini ditunggu oleh para jurnalis dan diplomat asing yang mereka hadiri, serta polisi, buldoser, petugas pemadam kebakaran, dan tim pekerja yang besar. Pihak berwenang memutuskan untuk mencegah pameran dengan mengadakan hari pembersihan pada hari itu untuk memperbaiki wilayah.

Tentu saja, lukisan-lukisan itu tidak ditampilkan. Beberapa yang datang bahkan tidak sempat membongkarnya. Alat berat dan orang-orang dengan sekop, garpu rumput, dan garu mulai mengusir para seniman dari lapangan. Beberapa menolak: ketika seorang peserta dalam pembersihan terorganisir menusuk kanvas Valentin Vorobyov dengan sekop, sang seniman memukul hidungnya, setelah itu terjadilah perkelahian. Gigi seorang koresponden The New York Times tanggal karena perkelahian dengan kameranya sendiri.

Cuaca buruk memperburuk keadaan. Akibat hujan yang turun pada malam hari, gurun tersebut dipenuhi lumpur sehingga lukisan yang dibawanya terinjak-injak. Rabin dan dua seniman lainnya mencoba menyerbu buldoser tersebut, namun tidak mampu menghentikannya. Tak lama kemudian, sebagian besar peserta pameran dibawa ke kantor polisi, dan Vorobyov, misalnya, berlindung di mobil seorang teman Jerman.

Keesokan harinya, mitologi mulai mendapatkan popularitas yang memalukan. Karya-karya lain mulai dianggap sebagai “buldoser”, sebutan untuk lukisan-lukisan dari “pameran buldoser”, dan orang asing bersedia membayar sejumlah besar uang untuk karya-karya tersebut. Rumor menyebar bahwa bukan 13 orang, tetapi 24 orang yang berpartisipasi dalam pameran tersebut. Terkadang jumlah seniman yang terlibat dalam percakapan tersebut meningkat menjadi tiga ratus!

"Musim Semi Praha" untuk seni

Sulit untuk menilai nilai artistik dari pameran tersebut - nyatanya, pameran tersebut hanya berlangsung tidak lebih dari satu menit. Namun signifikansi sosial dan politiknya melebihi nilai lukisan yang dihancurkan. Liputan peristiwa tersebut di media Barat dan surat-surat kolektif dari para seniman menghadapkan pemerintah Soviet pada sebuah fakta: seni akan tetap ada tanpa izin mereka.

Dalam waktu dua minggu, pameran jalanan yang disetujui secara resmi diadakan di Taman Izmailovsky di Moskow. Pada tahun-tahun berikutnya, seni nonkonformis secara bertahap meresap ke dalam paviliun “Peternakan Lebah” di VDNKh, ke dalam “salon” di Malaya Gruzinskaya dan tempat-tempat lainnya. Mundurnya kekuasaan dipaksakan dan sangat terbatas. Buldoser telah menjadi simbol penindasan dan penindasan seperti halnya tank di Praha selama Musim Semi Praha. Sebagian besar peserta pameran harus beremigrasi dalam beberapa tahun.

Mereka akhirnya mendapat pengakuan: misalnya, lukisan “Passats” karya Evgeny Rukhin dijual di lelang Sotheby, karya Vladimir Nemukhin berakhir di Museum Metropolitan di New York, dan Vitaly Komar serta Alexander Melamid menjadi perwakilan seni sosial paling terkenal di dunia. - sebuah gerakan yang memparodikan pejabat Soviet.

Reproduksi beberapa karya seniman “buldoser” disajikan di bawah ini. Mungkin beberapa dari mereka bisa saja berakhir pada pagi bulan September 1974 di gurun Belyaevsky.

NONCONFORMISME

50-60an "mencair". Pada tanggal 1 Maret 1953, Stalin meninggal. Banyak intelektual pada masa itu yang sangat senang dan memutuskan bahwa segalanya pada akhirnya akan berbeda. Negara ini mulai kembali ke kehidupan normal setelah kegagalan budaya yang terjadi pada masa Stalin. Seni dibedakan oleh konservatisme yang mengerikan. Realisme sosialis (berdasarkan lukisan Peredvizhniki akhir, patung neoklasik dan abad ke-20 sebagaimana ditafsirkan oleh Maillol dan Bourdelle) mendapat dukungan. Ini adalah strategi anti-modernis yang efektif. Untuk proses artistik yang hidup, ini adalah kegagalan yang mengerikan. Penindasan perbedaan pendapat. Ahli waris dari segala sesuatu yang paling terbelakang akan mengambil alih kepemimpinan pemerintahan nasional. Periode tertutup. Seniman meninggalkan ide dan perkembangan mereka. Realisme sosialis benar-benar heterogen, namun masih ada penyatuan di seluruh negeri. Ironisnya Picasso mengatakan bahwa seniman Soviet harus memiliki cat khusus untuk seragam dan sepatu bot mereka. Individualitas para seniman tidak terlihat. Di masa Soviet, tidak ada sosok seniman bebas (freelancer) sama sekali. Semuanya diatur dengan ketat. Pabrik yang indah (seperti pabrik). Aplikasi untuk komposisi diterima di sana. Tanaman monumental, tanaman patung... Perintah dapat dilakukan oleh seniman sendiri, atau dapat dilakukan oleh kelompok. Artis itu diberi pekerjaan dan penghasilannya bagus. Ada mekanisme yang rumit untuk memberi dan menerima pekerjaan: baik tokoh pabrik maupun beberapa orang yang diundang mengevaluasinya. Tidak ada inspirasi dan gairah yang tepat. Tugasnya banyak, jadi tidak ada waktu untuk menangani semua pekerjaan secara bertanggung jawab. Ada sekumpulan bagian tubuh yang kosong dan barang-barang lainnya (Lenin dapat dirakit sepotong demi sepotong). Di Rusia, sesuatu yang hebat selalu diharapkan dari seorang seniman, tetapi seniman Soviet sering kali adalah seorang seniman yang teliti. Seni tahun-tahun terakhir pemerintahan Stalin dan karya-karya pertama periode Pencairan tidak sesuai dengan kesedihan tahun-tahun sebelumnya. (bosan dengan seni Stalinis: lukisan “Deuce Again” oleh Fyodor Reshetnikov adalah karya anekdot). Hak atas privasi dipulihkan.

Mencairkan: generasi tua dengan kelelahan yang menumpuk (seni konservatif Reshetnikov) dan generasi muda, yang menyadari penindasan yang tidak dapat ditoleransi (bertepatan dengan dimulainya kebijakan yang lebih terbuka).

Pada tahun 50-an diadakan sejumlah pameran (Festival Pemuda dan Pelajar). Ekspresionisme abstrak sungguh menakjubkan. Bahkan Vrubel dan Serov tidak ada di museum. Gambaran spesifik seni dunia telah tercipta. Maka seni terbaru Barat jatuh ke tangan orang-orang Soviet yang tidak siap. Tidak ada yang bisa dibandingkan dengan wahyu seperti itu. Runtuhnya paradigma pandangan dunia.

Inisiatif kreatif seniman kami untuk mengatasi stagnasi tersebut:

GAYA KASAR

Dibagi menjadi kanan (komitmen pada abad ke-19, Pengembara) dan kiri (Andronov, Nikonov, beralih ke warisan arah pra-avant-garde dan avant-garde, OST "a).

Nikolai Andronov “Kasau”, 1960-1961.

Melambangkan deklarasi zaman baru, manusia baru. Kecenderungan impresionisme Rusia. Tidak terpikirkan bagi seorang seniman pada masa Stalin untuk meninggalkan kelengkapan sebuah lukisan. Orang-orang yang bernasib sulit digambarkan. Dimonumentalisasi dengan tegas. Bentuknya lebih sederhana, lebih tangguh, lebih monumental. Menekankan siluet para pahlawan. Strategi bergambar Neo-OST. Ini adalah khotbah. Panduan moral. (“Anda harus menjadi pembangun masa depan kita yang sederhana”). Penempatan sosok yang tidak biasa dengan punggungnya merupakan pernyataan bergambar yang berani.

Seni dapat diakses oleh massa. Seniman gaya keras akan menjadi arus utama. Melemahnya penindasan ideologis dan keterbukaan budaya secara umum menghidupkan banyak seniman yang tidak terhubung dengan dunia seni secara umum dan dengan pendidikan seni. Seniman muncul dari bohemia yang baru terbentuk (Oscar Rabin, Ilya Kabakov).

Seni dibagi menjadi beberapa lapisan yang tidak berhubungan.

Vladimir Yakovlev "Kucing dan Burung", 1981

Mengingatkan saya pada Picasso. Kompleks sekunder. Konstanta artis Soviet. Anda bisa melihat bagaimana para seniman berusaha menjembatani kesenjangan yang muncul. Banyak kutipan. Banyak seniman yang tetap berada dalam sejarah sebagai penafsir tanpa individualitasnya sendiri. Dan banyak kaum nonkonformis yang terluka oleh sifat sekunder ini.

Sosok sosok mesianis tahun enam puluhan, berperan profetik.

Dorongan budaya yang kuat, tetapi tidak semuanya bagus. Pada awalnya, pihak berwenang menganggapnya enteng dan menganggapnya sebagai keanehan. Tapi pada tahun 60an. mereka tidak bisa lagi diabaikan. 1962 - pameran "Realitas Baru" (Yankilevsky, Tidak Diketahui, dll.). Seorang koresponden Eropa Barat secara tidak sengaja mengunjungi pameran ini dan menulis catatan singkat, yang mengejutkan Khrushchev (di Eropa semua orang tahu tentang ini, tapi di sini kita tidak tahu?!). Ini adalah seni yang salah jika dipamerkan di lingkungan yang tepat. Sebuah pameran yang didedikasikan untuk ulang tahun ketiga puluh Persatuan Seniman Moskow sedang diselenggarakan di Manege, di mana Deineka, Falk, dan lainnya dipamerkan di sana. Manajemen kami belum pernah mengunjungi pameran sebanyak itu. “pendarahan di Persatuan Seniman Moskow”. Khrushchev menghadapi Cézannisme dan eksperimen baru lainnya. Mereka dijuluki "pabrik orang-orang aneh".

Keesokan harinya mereka menulis tentang pameran ini di halaman depan surat kabar Pravda.

Ernst Neizvestny

Patung “Centaur dengan Tangan Terangkat”, 1962.

Memiliki korespondensi yang panjang dengan Henry Moore. Karakter utama dunia kreatif Unknown adalah seorang centaur. Sebagian hewan, sebagian manusia, dan sebagian lagi mesin. Ada kemiripan dengan peralatan mesin. Sangat ekspresif. Tidak ada pose yang tenang dan statis. Seni plastiknya dipengaruhi oleh Rodin, Moore dan lain-lain. Ide tentang kewajiban sipil sang seniman.

"Tangan Neraka" 1971

Banyaknya lubang dalam komposisi.

Seperti tubuh manusia yang terluka.

dia membawa bentuk paksaan keluar dari perang.

"Pohon Kehidupan"

Awalnya saya menginginkan struktur yang terdiri dari banyak patung, yang di dalamnya akan ada sebuah bangunan. Patung-patung itu seharusnya menunjukkan sejarah umat manusia sejak awal zaman. Itu dipasang dalam versi ruang.

“Batu Nisan Khrushchev” Batu nisan paling penting. Menggunakan warna sebagai sarana ekspresi.

Sejumlah monumen korban penindasan.

“Topeng Kesedihan” dekat Magadan.

Vadim Sidur

Lulusan Stroganovka. Dia melewati perang dan terluka parah.

“Mesin yang mereplikasi diri” di akhir tahun 50an. Patung yang setara dengan sebuah mekanisme. Kegembiraan di depan mobil digantikan oleh kengerian.

“Disabled” Bagian tengahnya terlihat seperti penggiling daging.

GrobArt adalah variasi seni pop yang ironis.

“Man from the Coffin” (“Dead Man”) Disusun dari benda-benda yang ditemukan di tempat pembuangan sampah.

Perlengkapan air "Nabi" dan sarung tangan yang menggembung.

Dia banyak bekerja sebagai pematung monumental.

“Monumen bagi mereka yang terbunuh oleh bom,” 1965

Seorang pematung dengan proporsi yang tragis.

"Monumen bagi mereka yang mati karena cinta"

"Kesedihan" 1972

“Monumen bagi mereka yang terbunuh karena kekerasan”, 1965

Akurasi “Penelepon” dari solusi formal. Kepala digantikan oleh gerakan telapak tangan terbuka yang kuat.

Eliy Belyutin

Dia menulis buku tentang sejarah furnitur dan secara umum merupakan seorang desainer interior yang sukses. Dia mendirikan asrama kreatif komunal dan menyelenggarakan pameran di hutan.

"Pemakaman Lenin", 1962

Kanvas naratif dengan pencapaian seni lukis abstrak. Luasnya isyarat bergambar, cakupannya yang fantastis. Panjang kanvas adalah 4 meter. Pengenalan potret Lenin. Sebuah paradoks yang fantastis, sesuatu yang tidak mungkin ada. Hal itu mudah diwujudkan dalam gelombang antusiasme kreatif. Salah satu karya seni lukis tahun 60an yang paling berani dan inovatif.

“Wanita dan Anak” Mengingatkan saya pada mendiang Picasso. Format besar. Penerapan warna yang berani.

Seni bergantung pada seni Barat. Seni dalam negeri selalu mengejar ketinggalan. Surealisme sama sekali tidak ada. Belakangan, minat muncul padanya sebagai fenomena yang terlewatkan. Meski saat itu bukan hal baru sama sekali, namun secara umum sudah menjadi sejarah.

Hulo Sooster

Yang paling dekat dengan karya seninya adalah Max Ernst. Diperbaiki pada motif telur.

"Telur Merah", 1964. tekstur kasar dan noda.

Vladimir Yankilevsky

“Ruang Pengalaman” 1961. “seseorang menyusul Miro!”

Komune seni Lianozovskaya. Di sekitar keluarga Kropivnitsky (Evgeny Rukhin, Oscar Rabin, Nemukhin, galaksi penyair...).

Oscar Rabin

Seniman-seniman sebelumnya berada dalam kerangka sistem, tetapi ia sama sekali tidak sesuai dengan kenyataan. Dalam posisi orang buangan.

Ini mengusung budaya avant-garde Rusia dari grup Jack of Diamonds. Gagal menyelesaikan pendidikan seninya. Dalam lukisan-lukisan itu ada “kehidupan sehari-hari yang chernukha, suram.”

"Paspor" adalah karya paling terkenal dan memalukan. Mengingatkan saya pada Jasper Johns (Bendera). Gravitasi pada persamaan paspor dan pesawat. Karena pekerjaan inilah dia diusir dari negara itu.

Di apartemennya di Lianozovo, seluruh komponen artistik tidak resmi Moskow berkumpul. Mengorganisir kehidupan artistik tidak resmi Moskow. Semua seniman menggabungkan kehidupan hukum dengan aktivitas seni subversif.

Anatoly Zverev

Saya belajar selama satu tahun di Pyatak. Menerima hadiah utama pada pameran pemuda dan mahasiswa. Seorang improvisasi yang brilian. Faktanya, dia adalah seorang tunawisma. Dia tidak menciptakan sistem artistiknya sendiri. Dia terkenal dengan eksibisionisme kreatifnya.

Vladimir Nemukhin

“Masih Hidup dengan Kartu” 1989.

Secara umum kartu merupakan motif yang tetap dalam karyanya. Gambaran tersebut menunjukkan fenomena post-avant-garde, sebuah upaya untuk mengatasi avant-garde. Keadaan garis batas antara gambar dan objek. Kartu tersebut merupakan salah satu modul plastik. Suprematis konvensional, keadaan batas objek nyata dan komposisi geometris. Lukisan itu adalah sebuah benda, sekaligus meja karton dan pesawat. Gerakan selanjutnya diuraikan dengan kapur.

"Solitaire yang Belum Selesai" 1966.

Penghormatan kepada Tachisme (lukisan isyarat).

"Poker di Pantai" 1974. Pada pandangan pertama, pembagian ilusi abstrak ditekankan.

Eduard Steinberg

artis kreatif belyutin yang tidak dikenal

Dia tidak memiliki kerumitan tentang ketergantungannya pada seni tahun 20-an. Ia merasa seperti seorang inovator, meskipun ia hanya bereaksi terhadap apa yang telah ditemukan. Namun dia tidak mencoba membangkitkan Suprematisme secara harfiah. Tidak ada nuansa warna merah, hitam, putih yang tajam dan kaya.

Komposisi dari tahun 1972. Sebuah persegi diambil sebagai titik acuan, namun ukurannya menjadi kecil, sehingga menimbulkan bayangan yang tajam. Perkembangan Suprematisme yang disempurnakan. Visi yang menyimpang dari karya Malevich.

“Komposisi dengan bagian melingkar” Bidang-bidang berputar, berpotongan, suatu varian dari konsep abstraksi geometris.

Rotasi “Komposisi 1983”, lingkaran. Realitas supernatural metafisik sedang aktif saat ini.

Dmitry Plavinsky

Tipe seniman tanah. Berfokus pada masalah kehidupan Rusia. Mengatasi dunia desa Rusia yang terlupakan. Fragmen gubuk, kayu gelondongan (metafora kehancuran kehidupan asli Rusia).

"Pantat Besar" 1978.

Seniman adalah seorang filsuf. Metafora yang kuat dalam gambaran gubuk yang membusuk.

Nikolai Kharitonov

Gambar yang sangat indah dan primitif. Soilisme konservatif dalam lukisan metafisika Moskow. Sebagian besar kanvas didedikasikan untuk gereja-gereja Rusia kuno. Sesuatu yang mirip dengan karya seni Kustodiev. Selaras dengan neo-impresionisme. Terlihat sangat provinsial dengan latar belakang seni dunia. Gambaran orang buangan yang romantis.

"Hari libur"

Ada berbagai cara untuk menerima kenyataan. Beberapa seniman terjun lebih jauh ke dalam realitas buruk Soviet. Kohabitasi komunal Soviet menjadi salah satu tema utama seni tidak resmi Moskow.

Mikhail Roginsky

Dia menggambarkan berbagai macam teko, kompor primus, korek api... Sejajar dengan seni pop, tapi kita memiliki cara hidup yang sangat berbeda. Namun, kesuraman Rabin asing baginya; dia tidak merendahkan kenyataan.

"Teko" 1963.

Lukisan yang sangat berani dan tebal. Menampilkan kualitas plastik alam. Mengintip lingkungannya, saya memilih perwujudan gambar yang sesuai untuknya. Anti-estetika yang demonstratif.

“Di departemen daging” 1981-1982.

Teknik gambar dan situasi psikologis itu penting.

“Sniper Pavlyuchenko” 1966 Gambar objek sehari-hari diperbesar. Kotak itu melebihi ukuran lukisan itu. Paralel yang paling dekat dengan seni pop.

Oleg Tselkov

Aktif bekerja di tahun 60-70an. Senimannya adalah seorang individualis dan menjauhi gerakan-gerakan umum. Tema makhluk antropomorfik (moncong, gambar). Makhluk antropomorfik aneh dicat dengan warna-warna cerah. Topeng yang aneh. Orang yang khas dari rezim totaliter, pahlawan sistem yang tidak berwajah. Itu mengikat semua orang menjadi satu.

"Akrobat dan Capung" 1974. Setumpuk daging berwarna.

"Berita kematian" 1971. Sebuah upacara peringatan yang menakutkan dan indah. Wajah merah membayang.

“Genius tahun enam puluhan” adalah individualisme yang istimewa. Keinginan untuk menciptakan gaya Anda sendiri. Kemudian hal itu mulai membuat mereka sendiri jengkel. Generasi setelah avant-garde kedua sangat berbeda dari mereka.

Konseptualisme romantis Moskow

(istilah ini diperkenalkan oleh Boris Groys)

Perwakilan: Ilya Kabakov, Erik Bulatov, Viktor Pivovarov, Oleg Vasiliev, Andrey Monastyrsky.

Terintegrasi dengan baik ke dalam sistem. Kami mengilustrasikan buku anak-anak (segmen kontrak pemerintah yang menguntungkan). Sastra anak menawarkan banyak kesempatan untuk ekspresi diri dan mencari bentuk-bentuk baru. Etika dari lingkaran Kabakov adalah membuat peretasan berhasil.

60-70an - konseptualisme.

KONSEPTUALISME MOSKOW

Joseph Kosuth mengangkat pertanyaan tentang ide sebagai hal utama dalam seni. Kehadiran sebuah ide menentukan nilai sebuah karya.

Fauvisme, kubisme - interpretasi baru terhadap subjek.

Seniman Rusia mendambakan sesuatu di luar dunia seni. Kandinsky dan Malevich membuang subjek tersebut dari bidang minat artis. Bagi seniman Rusia, subjeknya tidak begitu penting (kecuali karya Monastyrsky). Konflik bahasa, bukan pertikaian dengan subjek. Semuanya fiksi dan fantasi.

Dalam seni Soviet terdapat konflik antar bahasa deskripsi (bahasa iklan rumah tangga). Kosakata cabul sangat penting dalam konseptualisme. Orang-orang tahun enam puluhan mengekspresikan diri mereka dalam satu bahasa - masing-masing dalam bahasa mereka sendiri.

“Konseptualisme bukanlah lukisannya, tetapi penontonnya” (I. Kabakov)

Bagi seorang konseptualis, penonton adalah kaki tangannya. Seorang konseptualis adalah warga negara Soviet yang teliti. Orang-orang berprestasi, bukan orang-orang yang terpinggirkan. Jenis perilaku lain dalam seni Rusia yang bahkan mereka yang “tahu” tidak dapat memahaminya.

Ekspresifitas konten (seni Rusia selalu tentang sesuatu, seniman mencoba menceritakan sesuatu). Mereka menggunakan orang yang berbicara. Ini bukan pidato seorang seniman, tetapi seorang tokoh fiksi.

Ilya Kabakov

“Lalat siapa ini?” tahun 1960-an

Sepertinya papan buletin Soviet. Di tengah ada lalat, di atas ada dialog tentang lalat. Kisah sedih tentang kehidupan komunal. Teksnya terlibat penuh. Fontnya seperti koran dinding.

Instalasi total adalah semacam ruang total untuk penggunaan beberapa jenis seni.

Instalasi total adalah instalasi yang dibangun atas penyertaan penonton di dalam dirinya, dirancang untuk reaksinya di dalam ruang tertutup tanpa jendela, seringkali terdiri dari beberapa ruangan. Hal utama yang menentukan dalam hal ini adalah suasananya, aura yang timbul dari pengecatan dinding, pencahayaan, konfigurasi ruangan, dll., Sementara banyak peserta “biasa” dalam instalasi - benda, gambar, lukisan, teks - menjadi komponen biasa dari keseluruhan. I.Kabakov. Tentang instalasi total. Kanz, 1994.

"Dapur umum"

Dengan rela membahas topik museum.

“Papan Penjelasan untuk 3 Penjelasan 6 Lukisan” Teks instruksi menempati tempat yang sangat penting. Ada instruksinya, tapi tidak ada gambarnya, gambarnya tidak penting, tapi instruksinya abadi. Kualitas artistik diratakan.

Dia tertarik pada orang kebanyakan, bukan orang jenius.

Ilustrasi untuk buku anak-anak “The Tale of Terro Ferro”

Semua seni kontemporer Rusia adalah hasil kreativitas.

Salah satu master instalasi pertama.

"Pria yang Terbang Keluar dari Kamarnya Sendiri" 1986

Gagasan untuk melarikan diri, mengatasi batasan, adalah tema yang sering muncul. Ini membawa situasi ke titik absurditas. Seorang penduduk Soviet dengan hati-hati merencanakan pelariannya. Ada lubang besar di langit-langit. Hanya sepatu yang tergeletak di lantai yang tersisa dari pria ini. Kamarnya kecil, ada tempat tidur lipat, kursi, semacam meja, semua dindingnya ditutupi poster. Mikromuseum budaya massa Soviet. Sebuah instalasi tentang pelarian seseorang dari masa kini sosialis. Menghindari teks; narasi yang hilang harus dikembalikan secara detail. Sikap penulis yang sangat terpisah.

“Pria yang Terbang ke dalam Gambarnya Sendiri” Sebuah petunjuk tentang situasi yang tidak masuk akal. Mengatasi batas antara kenyataan dan ilusi. Kursi - ketidakhadiran dan kehadiran seseorang.

Daya tarik aktif untuk melukis dari siklus

"Liburan" atau "Liburan", 1987.

Gambar yang dikumpulkan secara acak. Adegan kehidupan Soviet yang bahagia. Potong bunga di atasnya.

Sebuah siklus yang sulit untuk dipahami.

“Lukisan Rusia adalah perubahan simulacra yang konstan, kumpulan kepalsuan”

Dalam seni lukis, ia tertarik pada cara bergambar yang rata-rata, rata-rata, tidak ada bahasa bergambar.

Pengabaian demonstratif terhadap integritas gambar. Bagian dominan komposisinya diisi dengan adegan sehari-hari. Perbandingan adegan minum teh dan berenang, kehidupan sehari-hari warga Soviet yang bahagia.

Gaya lukisan rata-rata sering digunakan oleh Kabakov.

Charles Rosenthal adalah karakter fiksi, rata-rata seniman yang terlupakan. Murid Malevich yang hilang. Karakter aneh yang menggabungkan arah yang berbeda. Berharga sebagai artis gagal pada umumnya. Sejarah seni adalah sejarah para genius, dan dia tidak tertarik pada mereka, dia tertarik pada norma. Dia memiliki “sejarah seni alternatif” sendiri. Ia menciptakan seniman-seniman “normal” yang juga memiliki jalur kreatifnya sendiri, perkembangannya sendiri. Bukan takdir seni yang mapan, tapi tipe teladan.

Instalasi Referensi “Mobil Merah”.

Sejarah Soviet sedang dikompres menjadi satu. realitas Soviet. Sketsanya lebih jelas dari pada instalasinya sendiri. Membagi pekerjaan menjadi tiga bagian. Konstruksi bersyarat: perancah super kompleks dengan tangga. Penonton bisa masuk ke sana. Mengekspresikan ide adalah gerakan ke atas. Metafora optimisme yang tak terkendali. Konstruksinya tidak ada gunanya - mereka hanya membuat gerbong merah. Ketidaksesuaian antara ambisi dan hasil. Kereta itu seperti ruang tertutup yang menakutkan. Bagian terakhir dari instalasi adalah TPA. Hasil dari segala upaya. Inilah yang mengarah pada sejarah Soviet. Upaya untuk mewujudkan sejarah Soviet secara kiasan.

Dalam waktu singkat ia menjadi artis Rusia paling terkenal di luar negeri. Membentuk citra seniman khas Rusia. Ini persis seperti klise tentang bagaimana seni Rusia dipandang di luar negeri.

Eric Bulatov Gambar-teks.

Mereka ditemukan di antara berbagai seniman; dalam seni rupa Rusia mereka digunakan dalam avant-garde dan konstruktivisme.

“Kemuliaan bagi CPSU” Konflik internal dengan gambaran tradisional, realitas teks yang diproyeksikan ke dalam kenyataan. Pekerjaan yang sangat dingin telah selesai.

Gaya Shishkin. Dekat dengan lingkaran Bulatov, misalnya Oleg Vasiliev.

Gambar pemimpin, slogan, pandangan VDNH - di balik semua itu tidak ada informasi yang memberatkan. Dia hanya melihat dan menemukan cara akurat untuk merepresentasikan apa yang dilihatnya.

"Abad XX Rusia"

Oleg Vasiliev

"Rotasi"

Motif cahaya sering diberikan, seperti pada karya ini. Dieksekusi di grisaille. Mengambil inspirasi dari seniman abad ke-19.

"Jalan"

Hanya marka jalan yang menunjukkan karakter modern. Pemandangan tradisional.

Victor Pivovarov

Menggunakan formulir yang sudah jadi.

“Papan pesan”, wadah untuk komposisi tentang pengoperasian alat pemadam kebakaran, pencegahan kebakaran, dll. Perbedaan yang aneh antara bahasa dan konten.

“Maria Maksimovna, ketelmu mendidih” Mencemooh empati orang Rusia terhadap sastra. Mengungkapkan kepada pemirsa apa yang ingin dia lihat di sana. Suka paradoks.

"Tidak, kamu tidak ingat aku" 1975

Dekat dengan lanskap Dadaist dan surealis.

Kaum konseptualis mempunyai momen-momen yang tidak nyata.

Bekerja dengan bentuk yang tidak masuk akal.

Ia banyak bekerja dengan memahami persoalan seni itu sendiri.

Konstantin Zvezdochetov

"Dua pahlawan" 2005

Bahasanya lebih menyedihkan. Siluet yang disederhanakan. Gambar tersebut ditafsirkan dalam gaya Pivovarov.

“Viola di atas meja”

Penolakan citra seorang master hebat, dari kualitas lukisan museum.

Konstantin Zvezdochetov, Sven Gundlach, Mironenko bersaudara.

Karakter lucu yang diucapkan. Perawatan hooligan gratis, dan bukan karya seni tertentu yang luar biasa. Membalikkan praktik konseptualis. Energi muda yang berani dan mengejutkan. Tindakannya menyenangkan, berani, dan berbahaya. Suatu hari mereka menguburkan salah satu anggota kelompok di hutan dan mencarinya selama dua jam hingga mereka menyadari bahwa mereka sebenarnya tidak mengetahui keberadaannya. Kontak keras yang agresif dengan penonton. Parodi aksi kolektif. Mereka menggunakan provokasi; dengan tegas menolak keseriusan para konseptualis. Pengurangan yang jelas dalam kebutuhan plastik. Penggunaan gambar anak-anak secara demonstratif. Seni pop buatan sendiri.

“Rubel Panjang” Ketidakmampuan dan keriangan yang berlebihan.

Pendahulu lelang Moskow.

Mereka merekam “Album Emas”, sebuah kolase puisi lucu dan parodi pop. Dibuat sebagai lelucon, untuk teman-teman. Namun kesuksesan tak terduga menimpa.

Baru-baru ini, sebuah pameran yang didedikasikan untuk peringatan 40 tahun kelompok seniman INAKI, yang meliputi Viktor Bogorad, Sergei Kovalsky, dan Boris Mitavsky, dibuka di pusat seni Pushkinskaya-10. Karya-karya mereka selama bertahun-tahun disajikan. Apa yang bisa kamu lihat di sini? Karya lama yang bagus mungkin sudah terjual habis, jadi untuk setiap sepuluh karya baru (yang dibuat setelah tahun 1991), hanya ada satu karya lama (sebelum tahun 1991). Oleh karena itu masalahnya.

Ada manifesto tahun 1973 di mana seniman bersikeras bahwa karya mereka tidak boleh diklasifikasikan sebagai abstraksi atau surealisme. Sayangnya, hal ini tidak bisa dihindari, setidaknya terkait dengan karya-karya baru. Tepatnya, kita berhadapan dengan surealisme salon, mudah dimengerti.

Di bioskop, ada istilah “bioskop eksploitasi”, yaitu sebuah film yang mengeksploitasi tema dangkal tertentu untuk memaksimalkan pendapatan dengan investasi minimal. Kita dapat melihat hal serupa dalam contoh nonkonformisme saat ini, yang sering kali terlibat dalam eksploitasi diri sendiri, terhadap gambaran-gambaran yang ditemukan di Uni Soviet. Tentu saja, beberapa topik tidak kehilangan relevansinya untuk waktu yang lama. Namun sebenarnya jumlahnya tidak sebanyak yang dibayangkan para seniman.

Salah satu masalah generasi seniman tersebut adalah penindasan terhadap seni resmi oleh otoritas yang berwenang di bawah Uni Soviet. Oleh karena itu, karena berada pada puncak aktivitas kreatif, mereka tidak dapat menemukan kondisi yang cocok untuk berkembang. Oleh karena itu, seni diciptakan untuk konsumsi dalam negeri, hanya diberi makan oleh lingkungannya, dan hal ini berlangsung cukup lama. Sulit untuk tidak terbiasa dengan hal ini. Hingga saat ini, permainan nonkonformisme terus berlanjut, yang diakhiri dengan lahirnya plot-plot Sotsart yang mirip satu sama lain. Ada satu masalah lagi yang tidak ingin saya bicarakan, tetapi Anda tidak bisa mengabaikannya. Alkohol. Dia menghancurkan banyak artis...

Seniman Sergei “Africa” Bugaev mengidentifikasi masalah lain yang lebih global. Isolasi komunitas artistik Rusia, dan terutama St. Petersburg, obsesi terhadap dirinya sendiri. Tidak mengherankan jika para seniman merasa terputus dari segala hal yang terjadi di dunia seni.

“Tidak ada sirkulasi dalam aktivitas seni. Ada saat stagnasi, kata Bugaev. “Pada saat yang sama, kami masih memiliki pembagian menjadi seni resmi dan tidak resmi.” Dalam hal ini, batasan-batasan tersebut kini dapat dihapuskan sepenuhnya, karena ketidaksesuaian yang dulu bisa saja sudah lama menjadi glamor resmi.

“Afrika” juga mengatakan bahwa saat ini belum ada infrastruktur pameran dan museum yang baik yang memberikan kesempatan kepada seniman untuk memamerkan karyanya di kota lain. Benda-benda seni mandek. Namun memang, umur pamerannya kurang dari sebulan. Lalu bagaimana? Kemudian lukisan-lukisan itu akan dikembalikan ke studio...

Adapun persoalan konsumsi internal terhadap seni sebenarnya merupakan wujud keangkuhan terhadap mereka yang “tidak paham”. Ternyata kepemilikan benda seni adalah hak prerogratif mereka yang “mengerti” (namun tidak semua orang punya uang untuk “pemahaman” tersebut).

Kesenian rakyat dalam masyarakat modern seringkali diperlakukan sebagai sesuatu yang memalukan dan tidak nyata. Terlepas dari kenyataan bahwa Museum Rusia penuh dengan karya seni rakyat.

Namun di Jerman, misalnya, pembelian lukisan oleh seniman muda, menarik, dan relevan oleh rata-rata orang, yang dalam karyanya menunjukkan penolakan terhadap sistem, dianggap sebagai fenomena biasa.

Rektor Akademi Seni. YAITU. Repin Semyon Mikhailovsky menyerukan untuk tidak merenungkan Pushkinskaya-10, karena baik itu maupun segala sesuatu yang berhubungan dengannya sudah ada sejak lama. Tentu saja seniman generasi lama patut dikenang, namun sudah saatnya berhenti menganggap karyanya sebagai seni kontemporer. Konsep seni nonkonformis sudah ketinggalan zaman, dan jika kita memposisikan diri dalam konteks museum, maka kita akan menyesuaikan diri. Tidak ada gunanya meminggirkan diri kita sendiri secara artifisial, jika tidak maka hal tersebut hanya akan menjadi upaya untuk menciptakan konflik yang dibuat-buat. Sebagian besar pameran semacam itu benar-benar dilakukan untuk diri sendiri, dan pasar seni tidak tertarik pada penulisnya sendiri. Orang-orang yang menganggap Pushkinskaya-10 sebagai fenomena asing sama sekali tidak tertarik dengan topik seperti itu.

Apakah Anda ingin bertindak sebagai seorang nonkonformis sejati saat ini, melakukan sesuatu yang bertentangan dengan ideologi resmi dan seni tidak resmi? Gantungkan di rumah lukisan bergenre realisme sosialis, dibuat secara klasik, yang menggambarkan siswa membesarkan tanah perawan. Cantik dan melawan sistem.

Hari kunjungan gratis ke museum

Setiap hari Rabu, tiket masuk ke pameran permanen “Seni Abad ke-20” dan pameran sementara di (Krymsky Val, 10) gratis bagi pengunjung tanpa tur (kecuali untuk pameran “Ilya Repin” dan proyek “Avant-garde dalam tiga dimensi: Goncharova dan Malevich”).

Hak atas akses gratis ke pameran di gedung utama di Lavrushinsky Lane, Gedung Teknik, Galeri Tretyakov Baru, museum rumah V.M. Vasnetsov, museum-apartemen A.M. Vasnetsov diberikan pada hari-hari berikut untuk kategori warga negara tertentu:

Minggu pertama dan kedua setiap bulan:

untuk siswa dari lembaga pendidikan tinggi Federasi Rusia, apa pun bentuk studinya (termasuk warga negara asing-mahasiswa universitas Rusia, mahasiswa pascasarjana, tambahan, penduduk, asisten peserta pelatihan) dengan menunjukkan kartu pelajar (tidak berlaku untuk orang yang menunjukkan kartu pelajar “siswa-pelatih” );

untuk siswa lembaga pendidikan khusus menengah dan menengah (dari 18 tahun) (warga negara Rusia dan negara-negara CIS). Siswa yang memegang kartu ISIC pada hari Minggu pertama dan kedua setiap bulan berhak mendapatkan tiket masuk gratis ke pameran “Seni Abad ke-20” di Galeri Tretyakov Baru.

setiap hari Sabtu - untuk anggota keluarga besar (warga negara Rusia dan negara-negara CIS).

Harap dicatat bahwa ketentuan tiket masuk gratis ke pameran sementara mungkin berbeda. Periksa halaman pameran untuk informasi lebih lanjut.

Perhatian! Di box office Galeri, tiket masuk disediakan dengan nilai nominal “gratis” (setelah menunjukkan dokumen yang relevan - untuk pengunjung yang disebutkan di atas). Dalam hal ini, semua layanan Galeri, termasuk layanan tamasya, dibayar sesuai dengan prosedur yang ditetapkan.

Mengunjungi museum pada hari libur

Pengunjung yang terhormat!

Harap perhatikan jam buka Galeri Tretyakov pada hari libur. Ada biaya untuk berkunjung.

Harap dicatat bahwa tiket masuk dengan tiket elektronik didasarkan pada sistem siapa cepat dia dapat. Anda dapat mengetahui aturan pengembalian tiket elektronik di.

Selamat atas liburan yang akan datang dan kami menunggu Anda di aula Galeri Tretyakov!

Hak atas kunjungan istimewa Galeri, kecuali ditentukan lain oleh perintah tersendiri dari manajemen Galeri, diberikan setelah penyerahan dokumen yang menegaskan hak untuk kunjungan istimewa ke:

• pensiunan (warga negara Rusia dan negara-negara CIS),
• pemegang penuh Order of Glory,
• siswa lembaga pendidikan khusus menengah dan menengah (dari 18 tahun),
• mahasiswa lembaga pendidikan tinggi Rusia, serta mahasiswa asing yang belajar di universitas Rusia (kecuali mahasiswa magang),
• anggota keluarga besar (warga negara Rusia dan negara-negara CIS).

Pengunjung kategori warga di atas membeli tiket diskon.

Kunjungan gratis kan Pameran utama dan sementara Galeri, kecuali ditentukan lain oleh perintah terpisah dari manajemen Galeri, diberikan kepada kategori warga negara berikut setelah menunjukkan dokumen yang menegaskan hak masuk gratis:

• orang di bawah usia 18 tahun;
• mahasiswa fakultas yang berspesialisasi dalam bidang seni rupa di lembaga pendidikan menengah khusus dan tinggi di Rusia, apa pun bentuk studinya (serta mahasiswa asing yang belajar di universitas-universitas Rusia). Klausul ini tidak berlaku bagi orang yang menunjukkan kartu mahasiswa “mahasiswa peserta pelatihan” (jika tidak ada informasi tentang fakultas pada kartu mahasiswa, surat keterangan dari lembaga pendidikan harus ditunjukkan dengan indikasi wajib fakultas);
• veteran dan penyandang cacat Perang Patriotik Hebat, kombatan, mantan tahanan di bawah umur di kamp konsentrasi, ghetto, dan tempat penahanan paksa lainnya yang dibuat oleh Nazi dan sekutunya selama Perang Dunia Kedua, warga negara yang ditindas dan direhabilitasi secara ilegal (warga negara Rusia dan Rusia) negara-negara CIS);
• wajib militer Federasi Rusia;
• Pahlawan Uni Soviet, Pahlawan Federasi Rusia, Ksatria Penuh Ordo Kemuliaan (warga negara Rusia dan negara-negara CIS);
• penyandang disabilitas kelompok I dan II, peserta likuidasi akibat bencana di pembangkit listrik tenaga nuklir Chernobyl (warga negara Rusia dan negara-negara CIS);
• satu orang penyandang disabilitas pendamping kelompok I (warga negara Rusia dan negara-negara CIS);
• satu anak penyandang disabilitas pendamping (warga negara Rusia dan negara-negara CIS);
• seniman, arsitek, desainer - anggota Persatuan Kreatif Rusia yang relevan dan entitas konstituennya, kritikus seni - anggota Asosiasi Kritikus Seni Rusia dan entitas konstituennya, anggota dan karyawan Akademi Seni Rusia;
• anggota Dewan Museum Internasional (ICOM);
• pegawai museum sistem Kementerian Kebudayaan Federasi Rusia dan Departemen Kebudayaan terkait, pegawai Kementerian Kebudayaan Federasi Rusia dan kementerian kebudayaan entitas konstituen Federasi Rusia;
• sukarelawan museum - tiket masuk ke pameran "Seni Abad ke-20" (Krymsky Val, 10) dan ke Museum-Apartemen A.M. Vasnetsova (warga negara Rusia);
• pemandu-penerjemah yang memiliki kartu akreditasi dari Asosiasi Pemandu-Penerjemah dan Manajer Tur Rusia, termasuk yang mendampingi rombongan wisatawan asing;
• satu guru dari lembaga pendidikan dan satu orang pendamping sekelompok siswa dari lembaga pendidikan khusus menengah dan menengah (dengan voucher tamasya atau berlangganan); satu guru dari lembaga pendidikan yang memiliki akreditasi negara untuk kegiatan pendidikan ketika mengadakan sesi pelatihan yang disepakati dan memiliki lencana khusus (warga negara Rusia dan negara-negara CIS);
• seseorang yang menemani sekelompok siswa atau sekelompok wajib militer (jika mereka memiliki paket tamasya, berlangganan dan selama sesi pelatihan) (warga negara Rusia).

Pengunjung kategori warga di atas menerima tiket masuk “Gratis”.

Harap dicatat bahwa ketentuan diskon tiket masuk ke pameran sementara mungkin berbeda. Periksa halaman pameran untuk informasi lebih lanjut.

Nonkonformisme. Di bawah nama ini, merupakan kebiasaan untuk menyatukan perwakilan dari berbagai gerakan artistik dalam seni rupa Uni Soviet pada 1950-an-1980-an, yang tidak sesuai dengan kerangka realisme sosialis - satu-satunya arah seni yang diizinkan secara resmi.

Seniman nonkonformis sebenarnya dipaksa keluar dari kehidupan seni publik di negara tersebut: negara berpura-pura bahwa mereka tidak ada. Persatuan Seniman tidak mengakui karya seni mereka, mereka kehilangan kesempatan untuk memamerkan karya mereka di ruang pameran, kritikus tidak menulis tentang mereka, pekerja museum tidak mengunjungi bengkel mereka.

1. Dmitry Plavinsky “Kerang”, 1978

“Penciptaan pikiran dan tangan manusia cepat atau lambat diserap oleh unsur-unsur alam yang abadi: Atlantis - di tepi lautan, kuil-kuil Mesir - di tepi pasir gurun, istana dan labirin Knossos - oleh lahar vulkanik, suku Aztec piramida - di dekat tanaman merambat di hutan. Bagi saya, minat terbesar bukanlah berkembangnya peradaban ini atau itu, tetapi kematiannya dan momen kelahiran peradaban berikutnya..."

Dmitry Plavinsky, artis

2. Oscar Rabin "Masih Hidup dengan Ikan dan Koran Pravda", 1968

“Semakin jauh, semakin saya merasa bahwa saya tidak dapat hidup tanpa melukis, bagi saya tidak ada yang lebih indah dari nasib seorang seniman. Namun, melihat lukisan-lukisan seniman resmi Soviet, secara tidak sadar saya merasa bahwa saya tidak akan pernah melakukannya bisa melukis seperti itu. Dan sama sekali bukan karena saya tidak menyukai mereka - saya mengagumi keterampilannya, kadang-kadang saya terang-terangan cemburu - tetapi secara umum mereka tidak menyentuh saya, mereka membuat saya acuh tak acuh hilang dari mereka.”

“Saya tidak merasakan pengaruh apa pun pada diri saya, saya tidak mengubah gaya saya, kredo kreatif saya juga tetap tidak berubah. Saya dapat menyampaikan keragaman kehidupan Rusia melalui simbol - ikan haring di koran Pravda, sebotol vodka,. paspor - ini jelas bagi semua orang. Atau saya melukis pemakaman Lianozovsky dan menyebut lukisan itu "Pemakaman yang dinamai Leonardo da Vinci". Menurut pendapat saya, tidak ada hal baru, bermodel baru, buatan yang muncul dalam karya seni saya kata lagu itu. kreativitas saya. Saya tidak ingin menjadi kelinci domestik. Saya lebih suka menjadi kelinci yang bebas.

Oscar Rabin, artis

3. Lev Kropivnitsky "Wanita dan Kumbang" 1966

“Lukisan abstrak memungkinkan untuk sedekat mungkin dengan kenyataan, untuk menembus esensi segala sesuatu, untuk memahami segala sesuatu yang penting yang tidak dirasakan oleh panca indera kita. Saya merasakan modernitas sebagai kombinasi pencapaian dramatis, ketegangan psikologis, intelektual kejenuhan yang berlebihan. Saya mencoba dan mencoba, berdasarkan pengalaman dan perasaan saya, untuk menciptakan bentuk gambar yang sesuai dengan semangat zaman dan psikologi abad ini."

Lev Kropivnitsky, artis.

4. Dmitry Krasnopevtsev “Pipa”, 1963

“Lukisan juga merupakan sebuah tanda tangan, hanya saja lebih kompleks, spasial, berlapis-lapis. Dan jika dari tanda tangan, dari tulisan tangan mereka menentukan (dan bukannya tidak berhasil) karakter, kondisi dan hampir penyakit penulisnya, bahkan jika para kriminolog tidak melakukannya. mengabaikan penguraian kode ini, maka lukisan itu memberikan lebih banyak bahan untuk menebak dan menyimpulkan tentang kepribadian penulisnya. Telah lama diketahui bahwa potret yang dilukis oleh seorang seniman pada saat yang sama adalah potret dirinya - ini meluas lebih jauh - ke siapa pun. komposisi, lanskap, benda mati, genre apa pun, serta seni abstrak non-objektif - tidak peduli seberapa objektif, tidak memihak, atau keinginan untuk menjauh dari dirinya sendiri, menjadi impersonal, dia tidak akan mampu menyembunyikan, ciptaannya, tulisan tangannya akan menampakkan jiwanya, pikirannya, hatinya, wajahnya.”

Dmitry Krasnopevtsev, artis.

5. Vladimir Nemukhin “Solitaire yang Belum Selesai”, 1966

"Inventarisasi unsur-unsur bahasa kiasan terutama terdiri dari objek-objek. Mereka sudah ada sebelumnya - pohon, bank, kotak, koran, yaitu objek-objek sederhana yang dapat dikenali. Pada akhir tahun 50-an, semua ini berubah menjadi abstraksi, dan segera menjadi sangat abstrak bentuk mulai melelahkan saya. Ini adalah keadaan yang memperbaharui minat pada subjek, dan dia, pada gilirannya, membalasnya. Saya percaya bahwa subjek sangat penting untuk penglihatan, karena melaluinya penglihatan itu sendiri terlihat."

"Pada tahun 1958, saya mulai membuat karya abstrak pertama saya. Apa itu seni abstrak? Seni abstrak memungkinkan saya untuk melepaskan diri dari semua realitas Soviet sekaligus. Anda menjadi orang yang berbeda. Abstraksi, di satu sisi, seperti seni alam bawah sadar, dan di sisi lain - sebuah visi baru. Seni harus menjadi sebuah visi, bukan sebuah alasan."

Vladimir Nemukhin, artis.

6. Nikolai Vechtomov “Jalan”, 1983

“Hidup saya adalah ciptaan ruang artistik saya sendiri, yang selalu saya perkaya dan saya coba banyak untuk ini. Saya menyadari bahwa kita masing-masing selalu sendirian dengan bencana alam abad kedua puluh.”

“Kita hidup dalam kegelapan dan sudah terbiasa dengannya, kita dapat membedakan objek sepenuhnya. Namun kita mengambil cahaya dari sana, dari pancaran sinar matahari terbenam Kosmos, inilah yang memberi kita energi penglihatan , yang penting bukanlah benda, melainkan pantulannya, karena di dalamnya terkandung nafas unsur asing.”

Nikolay Vechtomov, artis.

7. Potret Anatoly Zverev seorang wanita. 1966

“Anatoly Zverev adalah salah satu pelukis potret Rusia paling terkemuka yang lahir di muka bumi ini, yang berhasil mengekspresikan dinamisme momen dan energi batin mistis dari orang-orang yang potretnya ia lukis adalah salah satu seniman paling ekspresif dan spontan zaman kita. Gayanya begitu individual, sehingga dalam setiap lukisannya orang dapat langsung mengenali tulisan tangan pengarangnya. Dengan beberapa sapuan ia mencapai efek dramatis, spontanitas, dan instan yang luar biasa. Sang seniman berhasil menyampaikan perasaan hubungan langsung antara dia dan modelnya. ."

Vladimir Dlugi, artis.

"Zverev adalah ekspresionis Rusia pertama abad ke-20 dan perantara antara avant-garde awal dan akhir dalam seni Rusia. Saya menganggap seniman luar biasa ini sebagai salah satu seniman paling berbakat di Soviet Rusia."

Gregory Costakis, kolektor.

8. Vladimir Yankilevsky “Nabi”, 1970-an

“Nonkonformisme” adalah fitur konstitutif seni nyata, karena ia menolak banalitas dan cap konformisme, memberikan informasi baru dan menciptakan visi dunia yang baru. Nasib seorang seniman sejati seringkali tragis, tidak peduli di masyarakat mana ia tinggal. Hal ini wajar, karena nasib seniman adalah nasib wawasannya, pernyataannya tentang dunia, yang mematahkan stereotip persepsi dan pemikiran yang diciptakan oleh “budaya massa” dan keangkuhan intelektual. Menjadi pencipta dan “pada waktunya” menjadi “pahlawan” masyarakat yang dikanonisasi, seorang superstar, adalah sebuah paradoks yang hampir tidak dapat diatasi. Upaya untuk mengatasinya adalah jalan menuju karier sebagai seorang konformis."

Vladimir Yankilevsky, artis.

9. Lydia Masterkova "Komposisi", 1967

“Sepanjang waktu, dengan kekuatan yang tiada habisnya dalam komposisi abstraknya, warna-warna magis menyala, berkilau, atau berkedip-kedip dengan api yang padam. Tampaknya dia selalu mendekati permukaan magis kanvas dari sisi yang berbeda suara, menggeliat dan bergegas ke atas bentuk-bentuk aneh mengingatkan kita pada akord organ Bach, dan kadang-kadang bidang terjalin berwarna abu-abu kehijauan yang terkait dengan bentuk biologis dikaitkan dengan "Penciptaan Dunia" karya Milhaud bidang dan sifat aksen warna-warni.

Lev Kropivnitsky, artis.

10. Vladimir Yakovlev “Kucing dan Burung”, 1981

"Seni adalah sarana untuk mengatasi kematian."

Vladimir Yakovlev, artis.

“Lukisan Vladimir Yakovlev ibarat langit malam yang penuh bintang. Tidak ada cahaya di malam hari, cahaya adalah bintang. Hal ini terutama terlihat ketika Yakovlev menggambarkan bunga. Bunganya selalu berupa bintang. Renungkanlah itu lukisan".

Ilya Kabakov, artis.

11. Ernst Neizvestny "Hati Kristus", 1973-1975

“Saya membagi aktivitas berkesenian (menulis, musik, dan seni rupa) menjadi dua jenis: keinginan akan sebuah mahakarya dan keinginan akan sebuah mahakarya adalah ketika seniman dihadapkan pada konsep keindahan tertentu yang ingin diwujudkannya , menciptakan sebuah mahakarya yang utuh dan luas. Keinginan akan aliran merupakan kebutuhan eksistensial akan kreativitas, jika dianalogikan dengan pernafasan, detak jantung, karya seluruh kepribadian. bergerak, muncul dan mati setiap detiknya. Dan ketika saya ingin membangun “Pohon” saya, saya sepenuhnya menyadari ketidakmungkinan yang hampir bersifat klinis dan patologis dari rencana ini. Namun saya memerlukannya agar dapat berhasil. Dan keberagaman tidaklah demikian. membuatku takut, karena disatukan oleh kesatuan matematis, ia tertutup dengan sendirinya. Semua ini adalah upaya untuk menggabungkan beberapa prinsip, upaya untuk menggabungkan fondasi seni yang abadi dan konten sementara yang mendasar, menyedihkan, tidak penting senantiasa dan abadi dalam iman agar menjadi mulia, agung, bermakna.”

Ernst Neizvestny, artis.

12. Eduard Steinberg "Komposisi dengan ikan", 1967

"Saya tidak bisa mengatakan bahwa saya berada di jalan yang benar. Tapi apakah kebenaran itu? Ini adalah sebuah kata, sebuah gambaran. Camus memiliki "Mitos Sisyphus" yang indah, ketika sang seniman menyeret sebuah batu ke atas gunung, dan lalu jatuh, dia angkat lagi, seret lagi - kira-kira ini pendulum hidupku."

“Saya tidak menemukan sesuatu yang baru, saya hanya memberikan perspektif berbeda pada avant-garde Rusia. Yang mana? Saya mendasarkan struktur geometris spasial saya pada mural katakombe kuno dan, tentu saja, pada lukisan ikon.”

Eduard Steinberg, artis.

13. Mikhail Roginsky "Pintu Merah". 1965

“Saya memaksakan diri untuk menciptakan kembali kenyataan berdasarkan ide saya, saya masih melakukan ini.”

Mikhail Roginsky, artis.

"Pintu Merah" adalah karya luar biasa yang memainkan peran penting dalam sejarah seni Rusia abad kedua puluh. Bersama dengan siklus fragmen dan detail interior berikutnya (dinding dengan soket, sakelar, foto, lemari berlaci, lantai keramik), karya ini menandai awal dari realisme berbasis objek baru. “Dokumenterisme” (sebagaimana Roginsky lebih suka menyebut arahannya) telah menentukan kemunculan tidak hanya seni pop, tetapi juga avant-garde baru secara umum dalam seni “bawah tanah” Soviet, yang berfokus pada proses artistik dunia. "Pintu Merah" menyadarkan dan menghidupkan kembali banyak seniman Soviet, terbawa oleh pencarian utopis dan metafisik yang dikelilingi oleh kehidupan komunal. Karya ini mendorong para seniman untuk menganalisis dan mendeskripsikan secara cermat aspek estetika kehidupan Soviet sehari-hari. Inilah batas ilusi gambar, jembatan dari gambar ke objek.

Andrey Erofeev, kurator, kritikus seni

14. Oleg Tselkov "Kalvari" 1977

“Saya sama sekali tidak perlu memamerkannya sekarang. Dalam setengah abad, akan sangat menarik bagi saya untuk memamerkan karya-karya saya. Saat ini saya dikelilingi oleh orang-orang bodoh seperti saya tangan seniman bukan didorong oleh keinginan untuk memamerkan, tetapi keinginan untuk bercerita tentang pengalaman. Sekali gambar itu dilukis, saya tidak lagi mempunyai kendali atasnya. Lukisan saya bisa tetap hidup atau musnah ke laut, dan mungkin tidak akan ada yang bisa menangkapnya. Dia akan dihempaskan ke batu karang."

Oleg Tselkov, artis.

15. Hulot Sooster "Telur Merah", 1964

"Dalam pandangannya tentang alam tidak ada spontanitas, tidak ada kejutan, tidak ada kekaguman. Ini lebih merupakan pandangan seorang ilmuwan yang berusaha menembus misteri segala sesuatu. Sang seniman tampaknya sedang mencari formula ideal alam, sentrisitasnya, sebuah rumusnya selengkap dan serumit bentuk telur”.