Seniman Jepang kontemporer dan lukisannya. Lukisan klasik Jepang: nama paling terkenal
Lukisan Jepang adalah spesies tertua seni. Itu termasuk berbagai bentuk, genre dan konten yang bervariasi.
lukisan Jepang adalah bentuk seni tertua. Ini mencakup berbagai bentuk, genre dan konten yang bervariasi. Seni yang anggun mengungkapkan kepada dunia lukisan-lukisan yang berupa layar, lukisan dinding, gulungan sutra atau kertas, kipas angin, lukisan kuda-kuda dan ukiran.
Lukisan Jepang dibedakan berdasarkan jumlah besar berbagai genre dan gaya. Tempat terdepan Dalam seni lukis Jepang, seperti halnya dalam sastra, alam adalah pusatnya. Dia ditampilkan sebagai penjaga prinsip ketuhanan. Lukisan Jepang berasal dari seni Tiongkok, oleh karena itu genrenya sangat mirip dengan genre Kerajaan Surga. Saat ini banyak Artis Jepang lebih memilih belajar di Tiongkok.
Lukisan di Jepang memiliki beberapa tahapan dalam sejarah perkembangannya. Masing-masing mempunyai ciri dan ciri khusus tersendiri.
Tahap awal perkembangan dianggap periode waktu dari pertengahan abad ketujuh sampai akhir abad kedelapan, yang disebut Nara. Kuil Horyuji dilukis pada periode ini, memberikan bukti yang sangat baik mengenai pengaruhnya budaya Jepang tradisi India dan Cina.
Masa perkembangan seni lukis Jepang selanjutnya disebut Heian. Tempat ini terkenal dengan kemakmuran aktif lukisan kuil dan contoh seni penggambaran sekuler. Selama periode ini, ilustrasi diciptakan untuk novel dan cerita yang dirancang untuk menghibur para bangsawan.
Periode Kamakura(menempati periode waktu dari akhir abad ke-12 hingga paruh pertama abad ke-14), yang menempati periode waktu dari akhir abad ke-12 hingga paruh pertama abad ke-14, ditandai dengan adanya perubahan gaya , pencarian cara baru dalam menggambarkan kehidupan. Suasana lukisan Jepang berubah secara dramatis. Lukisan sebelumnya menyampaikan suasana optimis, ringan dan gembira. Selama periode ini, sebuah langkah besar diambil menuju gambar yang realistis, serta memberikan gambar tersebut karakter yang hampir bersifat militer. Karakteristik subjek lukisan - adegan pertempuran dari mitos dan sejarah, adegan keagamaan dari tradisi Budha. Potret tokoh penting pemerintahan banyak digunakan.
Selama Muromachi(jangka waktu dari yang pertama setengah XIV abad hingga paruh kedua abad ke-16), sebuah tren yang mengagungkan seni lukis Jepang di seluruh dunia mengemuka. Filosofi Buddhisme Zen memiliki pengaruh yang signifikan terhadap seni lukis, sehingga seni lanskap menjadi populer. Teknologi monokrom telah mendapatkan keanggunan khusus. Pada periode ini, seni lukis Jepang dipengaruhi oleh Tiongkok. Paling terkenal artis Jepang Saat itu, Toyo Oda yang ahli dalam melukis pemandangan alam, menciptakan lukisan pertamanya saat berkeliling Kerajaan Tengah. Dia sudah mengembangkan arah di tanah kelahirannya.
Tren yang dijelaskan di atas secara aktif berkembang dan ditambah selama dua periode berikutnya dalam perkembangan seni lukis Jepang - Monoyama Dan Edo. Teknik monokrom adalah pilihan yang lebih canggih. Detailnya dikerjakan dan digambar dengan cermat. Seniman tidak takut bereksperimen dan mulai menggunakan teknik yang sebelumnya digunakan dalam melukis pada gulungan dan layar pada lukisan dinding. Pemandangan alam dan pemandangan keramaian mulai dilengkapi dengan cerita psikologis yang menunjukkan sang pahlawan pada saat tekanan emosional yang kuat. Selain lukisan tradisional, ukiran kayu juga semakin populer di Jepang. Itu dibagi menjadi dua jenis: ukiran teater dan ukiran deskriptif sehari-hari. Yang paling banyak tuan terkenal cetakan teater adalah Choshusai Sharaku. Ukiran sehari-hari dikembangkan secara aktif dalam karya Suzuki Harunobu dan Kitagawa Utamaro.
Apakah Anda menyukai lukisan Jepang? Berapa banyak yang Anda ketahui tentang artis terkenal Jepang? Biarkan kami mempertimbangkannya bersama Anda di artikel ini artis terkenal Jepang yang menciptakan karyanya dengan gaya ukiyo-e (浮世絵). Gaya lukisan ini berkembang dari zaman Edo. Hieroglif yang digunakan untuk menulis gaya ini 浮世絵 secara harfiah berarti “gambar (gambar) dunia yang sedang berubah”, Anda dapat membaca lebih lanjut tentang arah lukisan ini
Hishikawa Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). Dianggap sebagai pendiri genre ukiyo-e, meski nyatanya ia hanyalah master pertama yang hidupnya terpelihara. informasi biografi. Moronobu dilahirkan dalam keluarga ahli dalam mewarnai kain dan menyulam dengan benang emas dan perak dan untuk waktu yang lama terlibat dalam kerajinan keluarga, sehingga ciri khas karyanya adalah keindahannya pakaian yang dihias keindahan, memberikan efek artistik yang luar biasa.
Setelah pindah ke Edo, ia pertama kali mempelajari teknik melukis secara otodidak, kemudian studinya dilanjutkan oleh seniman Kambun.
Kami sampai kepada kami terutama dari album Moronobu, di mana dia menggambarkan sejarah dan mata pelajaran sastra dan buku dengan pola kimono. Sang master juga bekerja dalam genre shunga, dan di antara karya-karya individu beberapa yang menggambarkan wanita cantik masih bertahan. 
(鳥居清長, 1752-1815). Diakui pada akhir abad ke-18, master Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) memiliki nama samaran Torii Kiyonaga, yang ia ambil setelah mewarisi sekolah ukiyo-e Torii dari Torii Kiyomitsu setelah kematiannya.
Kiyonaga lahir dalam keluarga penjual buku Shirakoya Ishibei. Genre bijinga memberinya ketenaran terbesar, meskipun ia memulai dengan yakusha-e. Subyek ukiran dalam genre bijinga diambil dari kehidupan sehari-hari: jalan-jalan, prosesi pesta, jalan-jalan ke alam. Di antara banyak karya seniman, serial “Kompetisi kecantikan modis dari lingkungan yang menyenangkan", menggambarkan Minami, salah satu "tempat menyenangkan" di selatan Edo, "12 potret keindahan selatan", "10 jenis kedai teh". Ciri khas Masternya adalah studi mendetail tentang tampilan latar belakang dan penggunaan teknik yang datang dari Barat untuk menggambarkan cahaya dan ruang.
Kiyonaga memperoleh ketenaran awal dengan dimulainya kembali seri “Fashion Samples: Models New as Spring Leaves” pada tahun 1782, yang dimulai oleh Koryusai pada tahun 1770-an untuk penerbit Nishimurai Yohachi.
(喜多川歌麿, 1753-1806). Master ukiyo-e yang luar biasa ini sangat dipengaruhi oleh Torii Kiyonaga dan penerbit Tsutaya Juzaburo. Sebagai hasil kolaborasi jangka panjang dengan yang terakhir, banyak album, buku dengan ilustrasi dan rangkaian ukiran diterbitkan.
Terlepas dari kenyataan bahwa Utamaro mengambil subjek dari kehidupan pengrajin sederhana dan berusaha menggambarkan alam (“Kitab Serangga”), ketenaran datang kepadanya sebagai seniman karya yang didedikasikan untuk geisha di kawasan Yoshiwara (“Buku Tahunan Rumah Hijau Yoshiwara ”).
Utamaro tercapai tingkat tinggi dalam ekspresi keadaan pikiran di atas kertas. Untuk pertama kalinya dalam pemotongan kayu Jepang ia mulai menggunakan komposisi patung.
Kreativitas Utamaro lah yang mempengaruhi Impresionis Perancis dan berkontribusi pada minat Eropa terhadap cetakan Jepang.
(葛飾北斎, 1760-1849). Nama asli Hokusai adalah Tokitaro. Mungkin master ukiyo-e yang paling dikenal luas di seluruh dunia. Sepanjang karirnya dia menggunakan lebih dari tiga puluh nama samaran. Sejarawan sering menggunakan nama samaran untuk membuat periodisasi karyanya.
Pada awalnya, Hokusai bekerja sebagai pemahat, yang karyanya dibatasi oleh niat senimannya. Fakta ini sangat membebani Hokusai, dan dia mulai mencari dirinya sebagai seniman independen.
Pada tahun 1778, ia magang di studio Katsukawa Shunsho, yang mengkhususkan diri pada cetakan yakusha-e. Hokusai berbakat dan sangat berbakat murid yang rajin, yang selalu menunjukkan rasa hormat kepada gurunya, dan karena itu menikmati bantuan khusus dari Shunsho. Jadi, yang pertama pekerjaan mandiri Hokusai berada dalam genre yakusha-e dalam bentuk diptych dan triptych, dan popularitas siswa setara dengan popularitas guru. Pada saat ini, tuan muda telah mengembangkan bakatnya sedemikian rupa sehingga dia merasa terkekang dalam satu sekolah, dan setelah kematian gurunya, Hokusai meninggalkan studio dan mempelajari arahan sekolah lain: Kano, Sotatsu (jika tidak Koetsu), Rimpa, Tosa.
Selama periode ini, artis tersebut mengalami kesulitan keuangan yang signifikan. Tetapi pada saat yang sama, ia terbentuk sebagai seorang master yang menolak citra biasa yang dituntut masyarakat dan mencari miliknya sendiri. gaya sendiri.
Pada tahun 1795, ilustrasi untuk antologi puisi “Keka Edo Murasaki” mulai bersinar. Kemudian Hokusai melukis lukisan surimono, yang segera mendapatkan popularitas, dan banyak seniman mulai menirunya.
Sejak periode ini, Tokitaro mulai menandatangani karyanya dengan nama Hokusai, meskipun beberapa karyanya diterbitkan dengan nama samaran Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobek.
Pada tahun 1800, sang master mulai menyebut dirinya Gakejin Hokusai, yang berarti “Hokusai Gila dalam Melukis”.
Rangkaian ilustrasi terkenal mencakup “36 pemandangan Gunung Fuji”, yang paling menonjol adalah “Victory Wind. Hari Cerah" atau "Fuji Merah" dan " Gelombang besar di Kanagawa", "100 Pemandangan Gunung Fuji", dirilis dalam tiga album, "Manga Hokusai" (北斎漫画), yang disebut "ensiklopedia orang Jepang" Sang seniman memasukkan ke dalam “Manga” semua pandangannya tentang kreativitas dan filsafat. "Manga" adalah sumber yang paling penting untuk mempelajari kehidupan Jepang pada waktu itu, karena mencakup banyak hal aspek budaya. Sebanyak dua belas terbitan diterbitkan selama masa hidup sang artis, dan tiga terbitan lagi setelah kematiannya:
* 1815 - II, III
* 1817 - VI, VII
* 1849 - XIII (setelah kematian artis)
Seni Hokusai mempengaruhi gerakan Eropa seperti Art Nouveau dan Impresionisme Prancis.
(河鍋暁斎, 1831 -1889). Menggunakan nama samaran Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin, dan belajar di sekolah Kano.
Berbeda dengan Hokusai, Kyosai cukup nakal sehingga menyebabkan keretakannya dengan artis Tsuboyama Tozan. Sepulang sekolah ia menjadi master mandiri, meskipun terkadang ia bersekolah selama lima tahun lagi. Saat itu ia melukis kyoga, yang disebut “lukisan gila”.
Di antara karya ukiran yang luar biasa adalah Seratus Lukisan Kyosai. Sebagai ilustrator, Kyosai menciptakan gambar untuk cerita pendek dan novel bekerja sama dengan seniman lain.
Pada akhir abad ke-19, orang Eropa sering mengunjungi Jepang. Sang seniman mengenal beberapa di antaranya, dan beberapa karyanya kini disimpan di British Museum.
(歌川広重, 1797-1858). Dia bekerja dengan nama samaran Ando Hiroshige (安藤広重) dan dikenal karena penggambaran motif alami dan halusnya. fenomena alam. Dia melukis lukisan pertamanya, “Gunung Fuji di Salju,” yang sekarang disimpan di Museum Suntory di Tokyo pada usia sepuluh tahun. Subyek karya awal didasarkan pada peristiwa nyata terjadi di jalanan. Siklusnya yang terkenal: “100 Pemandangan Edo”, “36 Pemandangan Gunung Fuji”, “53 Stasiun Tokaido”, “69 Stasiun Kimokaido”, “100 spesies yang diketahui Edo." Monet dan seniman Rusia Bilibin sangat dipengaruhi oleh “53 Stasiun Jalan Tokaido,” yang dilukis setelah melakukan perjalanan di sepanjang Jalan Pantai Timur, serta “100 Pemandangan Edo.” Dari seri 25 ukiran bergenre kate-ga, yang paling terkenal adalah lembaran “Burung pipit di atas bunga kamelia yang tertutup salju”.
(歌川国貞, juga dikenal sebagai Utagawa Toyokuni III (三代歌川豊国)). Salah satu yang paling banyak seniman yang luar biasa ukiyo-e.
Dia memberikan perhatian khusus kepada aktor kabuki dan teater itu sendiri - ini adalah sekitar 60% dari seluruh karya. Juga dikenal karya bergenre bijinga dan potret pegulat sumo. Diketahui, ia membuat 20 hingga 25 ribu plot, termasuk 35-40 ribu lembar. Dia jarang beralih ke lanskap dan pejuang. Utagawa Kuniyoshi (歌川国芳, 1798 - 1861). Lahir dari keluarga pencelup sutra. Kuniyoshi mulai belajar menggambar pada usia sepuluh tahun saat tinggal bersama keluarga seniman Kuninao. Dia kemudian melanjutkan belajar dengan Katsukawa Shun'ei, dan pada usia 13 tahun dia memasuki bengkel Tokuyoni untuk belajar. Tahun-tahun pertama artis muda segalanya tidak berjalan dengan baik. Namun setelah menerima pesanan dari penerbit Kagaya Kichibei untuk lima cetakan untuk seri 108 Suikoden Heroes, segalanya mulai berjalan lancar. Dia menciptakan karakter lainnya dalam serial tersebut dan kemudian beralih ke karakter lain berbagai pekerjaan, dan lima belas tahun kemudian dia setara dengan Utagawa Hiroshige dan Utagawa Kunisada.
Setelah pelarangan gambar pada tahun 1842 adegan teater, aktor, geisha dan pelacur, Kuniyoshi menulis serial “kucing”, membuat ukiran dari serial pendidikan untuk ibu rumah tangga dan anak-anak, menggambarkan pahlawan nasional dalam seri “Tradisi, Moral dan Kesusilaan”, dan pada akhir tahun 1840-an - awal tahun 1850-an, setelah pelonggaran larangan, sang seniman kembali ke tema kabuki.
(渓斎英泉, 1790-1848). Dikenal dengan karya-karyanya yang bergenre bijinga. Di miliknya karya terbaik termasuk potret tipe okubi-e (“ kepala besar"), yang dianggap sebagai contoh pengerjaan era Bunsei (1818-1830), ketika genre ukiyo-e sedang mengalami kemunduran. Sang seniman melukis banyak surimono liris dan erotis, serta siklus lanskap, “Enam Puluh Sembilan Stasiun Kisokaido,” yang tidak dapat ia selesaikan dan diselesaikan oleh Hiroshige.
Kebaruan dalam penggambaran bijinga adalah sensualitasnya, yang sebelumnya tidak terlihat pada seniman lain. Dari karya-karyanya kita bisa memahami fashion pada masa itu. Ia juga menerbitkan biografi Empat Puluh Tujuh Ronin dan menulis beberapa buku lainnya, termasuk The History of Ukiyo-e Prints (Ukiyo-e ruiko), yang berisi biografi seniman. Dan dalam “Notes of a Nameless Elder” dia menggambarkan dirinya sebagai seorang pemabuk bejat dan pemilik sebelumnya sebuah rumah bordil di Nedzu yang terbakar habis pada tahun 1830-an.
Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770). Nama asli artis tersebut adalah Hozumi Jirobei. Dia adalah penemu pencetakan polikrom ukiyo-e. Dia bersekolah di Sekolah Kano dan belajar melukis. Kemudian, di bawah pengaruh Shigenaga Nishimura dan Torii Kiyomitsu, pencetakan balok kayu menjadi hobinya. Cetakan dalam dua atau tiga warna telah dibuat sejak awal abad ke-18, dan Harunobu mulai melukis dalam sepuluh warna, menggunakan tiga papan dan menggabungkan tiga warna – kuning, biru dan merah.
menonjol dalam gambar pemandangan jalanan dan lukisan dalam genre shunga. Dan sejak tahun 1760-an, ia menjadi salah satu orang pertama yang memerankan aktor teater Kabuki. Karya-karyanya mempengaruhi E. Manet dan E. Degas.
(小原古邨, 1877 - 1945). Nama aslinya adalah Matao Ohara. Menggambarkan adegan dari perang Rusia-Jepang dan Tiongkok-Jepang. Namun, setelah foto itu muncul, karyanya mulai laris manis, dan ia mulai mencari nafkah dengan mengajar di sekolah seni rupa di Tokyo. Pada tahun 1926, Ernest Felloza, kurator departemen seni Jepang di Museum Boston, membujuk Ohara untuk kembali melukis, dan sang seniman mulai menggambarkan burung dan bunga, dan karyanya laris manis di luar negeri. 
(伊藤若冲, 1716 - 1800). Dia menonjol di antara seniman lain karena keeksentrikan dan gaya hidupnya, yang terdiri dari persahabatan dengan banyak budaya dan tokoh agama waktu itu. Ia menggambarkan binatang, bunga dan burung dalam bentuk yang sangat eksotis. Dia sangat terkenal dan menerima pesanan lukisan layar dan lukisan kuil.
(鳥居清信, 1664-1729). Salah satu perwakilan terpenting periode awal ukiyo-e. Terlepas dari pengaruh besar gurunya Hishikawa Monorobu, ia menjadi pendiri genre yakusha-e dalam penggambaran poster dan poster dan menciptakan gayanya sendiri. Para aktor digambarkan dalam pose khusus dalam peran tersebut pahlawan pemberani dan dicat 
bangsawan oranye, dan penjahatnya pun tertarik warna biru. Untuk menggambarkan gairah, sang seniman menciptakan jenis gambar mimizugaki khusus - ini adalah garis berliku dengan guratan tipis dan tebal bergantian dan dikombinasikan dengan gambar otot-otot anggota badan yang aneh.
Torii Kiyonobu adalah pendiri dinasti seniman Torii. Muridnya adalah Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I, dan Torii Kiyomitsu.
Siapa artis ukiyo-e favoritmu?
Bahasa Jepang berbeda dari bahasa Eropa mana pun dalam strukturnya, yang dapat menyebabkan kesulitan tertentu dalam belajar. Namun, jangan khawatir! Khusus untuk Anda, Anda telah mengembangkan kursus “”, yang dapat Anda ikuti sekarang juga!
Halo, para pembaca yang budiman– pencari ilmu dan kebenaran!
Seniman Jepang memiliki gaya unik yang diasah oleh para master dari generasi ke generasi. Hari ini kita akan berbicara tentang perwakilan paling menonjol dari seni lukis Jepang dan lukisannya, dari zaman kuno hingga zaman modern.
Baiklah, mari kita terjun ke seni Negeri Matahari Terbit.
Kelahiran Seni
Seni lukis kuno di Jepang terutama dikaitkan dengan kekhasan tulisan dan oleh karena itu dibangun di atas dasar kaligrafi. Sampel pertama termasuk pecahan lonceng perunggu, piring, dan barang-barang rumah tangga yang ditemukan selama penggalian. Banyak di antaranya yang dilukis cat alami, dan penelitian memberikan alasan untuk percaya bahwa produk tersebut dibuat lebih awal dari 300 SM.
Babak baru perkembangan seni rupa dimulai dengan kedatangannya di Jepang. Gambar dewa panteon Buddha, adegan dari kehidupan Guru dan para pengikutnya diterapkan pada emakimono - gulungan kertas khusus.
Dominasi tema religi dalam seni lukis terlihat pada Jepang abad pertengahan, yaitu dari abad X hingga XV. Sayangnya, nama-nama seniman pada masa itu belum bertahan hingga saat ini.
Pada kurun waktu abad 15-18 dimulailah zaman baru yang ditandai dengan munculnya seniman-seniman yang berkembang gaya individu. Mereka menunjuk vektornya pengembangan lebih lanjut seni rupa.
Perwakilan cemerlang dari masa lalu
Xubun yang menegangkan (awal abad ke-15)
Untuk menjadi master yang luar biasa, Xiubun mempelajari teknik penulisan seniman Lagu Tiongkok dan karya mereka. Selanjutnya ia menjadi salah satu pendiri seni lukis di Jepang dan pencipta sumi-e.
Sumi-e – gaya artistik, yang didasarkan pada gambar dengan tinta yang artinya satu warna.
Xubun melakukan banyak hal gaya baru berakar di kalangan seni. Dia mengajarkan seni kepada bakat lain, termasuk masa depan pelukis terkenal, misalnya Sesshu.
Yang paling banyak lukisan populer Syubuna disebut “Membaca di Hutan Bambu”.
"Membaca di Hutan Bambu" oleh Tense Xubun
Hasegawa Tohaku (1539–1610)
Ia menjadi pencipta sekolah yang dinamai menurut namanya - Hasegawa. Awalnya ia mencoba mengikuti kanon sekolah Kano, namun lambat laun “tulisan tangan” individualnya mulai terlacak dalam karya-karyanya. Tohaku dipandu oleh grafis Sesshu.
Dasar dari karya-karya tersebut adalah lanskap yang sederhana, singkat, namun realistis dengan judul yang sederhana:
- "Pinus";
- "Maple";
- “Pohon pinus dan tanaman berbunga.”
"Pinus" oleh Hasegawa Tohaku
Saudara Ogata Korin (1658-1716) dan Ogata Kenzan (1663-1743)
Saudara-saudara itu pengrajin yang luar biasa abad ke-18. Yang tertua, Ogata Korin, mengabdikan dirinya sepenuhnya pada seni lukis dan mendirikan genre rimpa. Dia menghindari gambaran stereotip, lebih memilih genre impresionistik.
Ogata Korin melukis alam pada umumnya dan bunga dalam bentuk abstraksi cerah pada khususnya. Kuasnya milik lukisan:
- "Bunga plum merah dan putih";
- "Gelombang Matsushima";
- "Krisan".
"Gelombang Matsushima" oleh Ogata Korin
Adiknya, Ogata Kenzan, punya banyak nama samaran. Meskipun ia berkecimpung dalam bidang seni lukis, ia lebih terkenal sebagai ahli keramik yang hebat.
Ogata Kenzan menguasai banyak teknik pembuatan keramik. Ia dibedakan dengan pendekatan nonstandar, misalnya ia membuat pelat berbentuk persegi.
Lukisannya sendiri tidak dibedakan dari kemegahannya - ini juga kekhasannya. Dia suka menempelkan kaligrafi seperti gulungan atau kutipan puisi pada barang-barangnya. Terkadang mereka bekerja sama dengan saudaranya.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Dia menciptakan dengan gaya ukiyo-e - sejenis ukiran kayu, dengan kata lain, lukisan ukiran. Sepanjang karirnya, ia mengganti sekitar 30 nama. Pekerjaan terkenal– “Gelombang Besar di Kanagawa”, berkat itu ia menjadi terkenal di luar tanah airnya.
"Gelombang Besar di Kanagawa" oleh Hokusai Katsushika
Hokusai mulai bekerja sangat keras setelah usia 60 tahun, yang membuahkan hasil yang baik. Van Gogh, Monet, dan Renoir akrab dengan karyanya, dan sampai batas tertentu hal itu memengaruhi karya para master Eropa.
Ando Hiroshige (1791-1858)
Salah satu seniman terhebat abad ke-19. Ia lahir, tinggal, dan bekerja di Edo, melanjutkan karya Hokusai, dan terinspirasi oleh karya-karyanya. Cara dia menggambarkan alam hampir sama mengesankannya dengan jumlah karyanya sendiri.
Edo – nama sebelumnya Tokyo.
Berikut beberapa tokoh tentang karyanya yang direpresentasikan dalam rangkaian lukisan:
- 5,5 ribu – jumlah semua ukiran;
- “100 Pemandangan Edo;
- "36 pemandangan Fuji";
- "69 stasiun Kisokaido";
- "53 stasiun Tokaido."
Lukisan oleh Ando Hiroshige
Menariknya, Van Gogh yang terkemuka melukis beberapa salinan ukirannya.
Kemodernan
Takashi Murakami
Seorang seniman, pematung, perancang pakaian, ia sudah mendapatkan namanya di akhir abad ke-20. Dalam kreativitas yang dianutnya tren mode dengan elemen klasik, dan mengambil inspirasi dari kartun anime dan manga.
Lukisan oleh Takashi Murakami
Karya Takashi Murakami dianggap sebagai subkultur, namun pada saat yang sama sangat populer. Misalnya, pada tahun 2008, salah satu karyanya dibeli di lelang dengan harga lebih dari $15 juta. Pada waktunya pencipta masa kini bekerja sama dengan rumah mode Marc Jacobs dan Louis Vuitton.
Tenang Ashima
Rekan seniman sebelumnya, ia menciptakan lukisan surealis modern. Mereka menggambarkan pemandangan kota, jalan-jalan kota besar dan makhluk seolah-olah dari alam semesta lain - hantu, roh jahat, gadis asing. Di latar belakang lukisan, Anda sering dapat melihat alam yang masih asli, bahkan terkadang menakutkan.
Lukisannya mencapai ukuran besar dan jarang terbatas pada media kertas. Mereka dipindahkan ke bahan kulit dan plastik.
Pada tahun 2006, sebagai bagian dari pameran di ibu kota Inggris, seorang wanita menciptakan sekitar 20 bangunan melengkung yang mencerminkan keindahan alam desa dan kota, siang dan malam. Salah satunya menghiasi stasiun metro.
Hai Arakawa
Pemuda tidak bisa disebut sekadar seniman dalam arti klasik - ia menciptakan instalasi yang begitu populer dalam seni abad ke-21. Tema pamerannya benar-benar Jepang dan menyentuh hubungan persahabatan, serta karya seluruh tim.
Hei Arakawa sering mengikuti berbagai biennale, misalnya di Venesia, dan pameran di museum seni kontemporer di rumah, sepatutnya menerima berbagai jenis penghargaan.
Ikenaga Yasunari
Pelukis kontemporer Ikenaga Yasunari berhasil memadukan dua hal yang nampaknya tak sejalan: kehidupan gadis modern dalam bentuk potret dan teknik tradisional Jepang berasal dari zaman kuno. Dalam karyanya, pelukis menggunakan kuas khusus, cat berpigmen alami, tinta, dan arang. Alih-alih linen biasa - kain linen.
Lukisan Ikenaga Yasunari
Teknik serupa untuk mengkontraskan era yang digambarkan dan penampilan Para pahlawan memberi kesan bahwa mereka telah kembali kepada kita dari masa lalu.
Populer di akhir-akhir ini Di komunitas online, sederet lukisan tentang rumitnya kehidupan buaya juga diciptakan oleh kartunis Jepang Keigo.
Kesimpulan
Jadi, lukisan Jepang berasal sekitar abad ke-3 SM, dan telah banyak berubah sejak saat itu. Gambar pertama diterapkan pada keramik, kemudian motif Budha mulai mendominasi seni, namun nama penulisnya tidak bertahan hingga saat ini.
Di era modern, para ahli kuas memperoleh lebih banyak individualitas dan tercipta arah yang berbeda, sekolah. Seni rupa masa kini tidak terbatas pada lukisan tradisional– instalasi, karikatur, patung seni, dan struktur khusus digunakan.
Terima kasih banyak atas perhatian Anda, para pembaca yang budiman! Kami harap artikel kami bermanfaat bagi Anda, dan cerita tentang kehidupan dan kreativitas perwakilan paling cerdas seni memungkinkan kita untuk mengenal mereka lebih baik.
Tentu saja sulit membicarakan semua seniman dari zaman dahulu hingga sekarang dalam satu artikel. Oleh karena itu, biarlah ini menjadi langkah awal untuk memahami seni lukis Jepang.
Dan bergabunglah dengan kami - berlangganan blog - kita akan mempelajari agama Buddha dan budaya Timur bersama!
Hokusai, seniman Jepang abad ke-18, menciptakan angka yang memusingkan karya seni. Hokusai bekerja hingga usia lanjut, selalu menyatakan bahwa “segala sesuatu yang dia lakukan sebelum usia 70 tahun tidak bermanfaat dan tidak patut diperhatikan.”
Mungkin artis Jepang paling terkenal di dunia, ia selalu menonjol dari rekan-rekan sezamannya karena ketertarikannya pada kehidupan sehari-hari. Alih-alih menggambarkan geisha glamor dan samurai heroik, Hokusai melukis pemandangan bergenre pekerja, nelayan, dan perkotaan, yang belum menjadi subjek minat seni Jepang. Dia juga mengambil pendekatan komposisi Eropa.
Berikut daftar singkat istilah-istilah penting untuk membantu Anda sedikit menavigasi karya Hokusai.
1 Ukiyo-e adalah cetakan dan lukisan yang populer di Jepang dari tahun 1600an hingga 1800an. Arah ke seni rupa Jepang, berkembang dari zaman Edo. Istilah ini berasal dari kata “ukyo” yang berarti “dunia yang dapat berubah”. Uikiye adalah petunjuk kegembiraan hedonistik dari kelas pedagang yang sedang berkembang. Dalam arah ini, Hokusai adalah artis paling terkenal.
Hokusai menggunakan setidaknya tiga puluh nama samaran sepanjang hidupnya. Terlepas dari kenyataan bahwa penggunaan nama samaran adalah praktik umum di kalangan seniman Jepang pada waktu itu, ia secara signifikan melampaui penulis besar lainnya dalam jumlah nama samaran. Nama samaran Hokusai sering digunakan untuk membuat periodisasi tahapan karyanya.
2 Zaman Edo adalah masa antara tahun 1603 dan 1868 sejarah Jepang, kemudian pertumbuhan ekonomi dicatat dan minat baru terhadap seni dan budaya.
3Shunrō adalah alias Hokusai yang pertama.
4 Shunga secara harfiah berarti "gambar musim semi" dan "musim semi" adalah bahasa gaul Jepang untuk seks. Jadi ini adalah ukiran bersifat erotis. Mereka diciptakan oleh seniman paling dihormati, termasuk Hokusai.
5 Surimono. “Surimono” terbaru, demikian sebutan untuk cetakan khusus ini, sukses besar. Berbeda dengan cetakan ukiyo-e yang ditujukan untuk khalayak ramai, surimono jarang dijual ke masyarakat umum.
6 Gunung Fuji adalah gunung simetris yang merupakan gunung tertinggi di Jepang. Selama bertahun-tahun, hal ini telah menginspirasi banyak seniman dan penyair, termasuk Hokusai, yang menerbitkan seri ukiyo-e Tiga Puluh Enam Pemandangan Gunung Fuji. Seri ini mencakup cetakan Hokusai yang paling terkenal.
7 Japaneseisme - pengaruh abadi Hokusai generasi berikutnya seniman barat. Japonisme adalah gaya yang terinspirasi warna cerah cetakan ukiyo-e, kurangnya perspektif dan eksperimen komposisi.
