Historik Jules Michelet prvýkrát použil pojem „renesancia“ v 19. storočí. Hudobníci a skladatelia, o ktorých sa v článku hovorí, patrili do obdobia, ktoré sa začalo v 14. storočí, keď stredovekú dominanciu cirkvi vystriedala svetská kultúra so záujmom o ľudskú osobnosť.

Renesančná hudba

Európske krajiny vstúpili do novej éry v rôznych časoch. Vznikli o niečo skôr v Taliansku, no hudobnej kultúre dominovala holandská škola, kde po prvý raz vznikli pri katedrálach špeciálne metrizy (prístrešky) na prípravu budúcich skladateľov. Hlavné žánre tej doby sú uvedené v tabuľke:

Najvýznamnejšími renesančnými umelcami v Holandsku sú Guillaume Dufay, Jacob Obrecht, Josquin Despres.

Veľkí Holanďania

Johannes Ockeghem Vzdelanie získal v kláštore Notre Dame (Antverpy) a v 40. rokoch 15. storočia sa stal kaplnkovým spevákom na dvore vojvodu Karola I. (Francúzsko). Následne viedol kaplnku kráľovského dvora. Dožil sa vysokého veku a zanechal po sebe veľké dedičstvo vo všetkých žánroch a etabloval sa ako vynikajúci polyfonista. Dostali sa k nám rukopisy jeho 13 omší s názvom Chigi kódex, z ktorých jeden je písaný 8 hlasmi. Používal nielen cudzie melódie, ale aj svoje.

Orlando Lasso narodil sa na území moderného Belgicka (Mons) v roku 1532. Jeho hudobné schopnosti sa objavil v ranom detstve. Chlapec bol trikrát unesený z domu, aby sa stal skvelým hudobníkom. Všetky moje vedomý život strávil v Bavorsku, kde vystupoval ako tenorista na dvore vojvodu Albrechta V. a potom viedol kaplnku. Jeho vysoko profesionálny tím prispel k premene Mníchova na hudobné centrum Európy, kam zavítali mnohí slávni skladatelia renesancie.

Prišli k nemu študovať také talenty ako Johann Eckard, Leonard Lechner, Talian D. Gabrieli . Svoje posledné útočisko našiel v roku 1594 na území mníchovského kostola a zanechal po sebe obrovské dedičstvo: viac ako 750 motet, 60 omší a stovky piesní, z ktorých najpopulárnejšia bola Susanne un jour. Jeho motetá („Proroctvá Sibyly“) sa vyznačovali inovatívnosťou, no je známy aj svojou svetskou hudbou, ktorá obsahovala veľa humoru (villanella O bella fusa).

talianska škola

Významní skladatelia Renesancia z Talianska popri tradičných smeroch aktívne rozvíjala inštrumentálnu hudbu (organ, sláčikové nástroje, klávesnica). Najrozšírenejším nástrojom bola lutna a koncom 15. storočia sa objavilo čembalo, predchodca klavíra. Na základe prvkov ľudovej hudby sa vyvinuli dve vplyvné skladateľské školy: rímska (Giovanni Palestrina) a benátska (Andrea Gabrieli).

Giovanni Pierluigi prevzal meno Palestrina podľa názvu mesta pri Ríme, v ktorom sa narodil a pôsobil v hlavnom kostole ako zbormajster a organista. Dátum jeho narodenia je veľmi približný, ale zomrel v roku 1594. Pre dlhá životnosť napísal asi 100 omší a 200 motet. Jeho „omša pápeža Marcella“ vzbudila obdiv pápeža Pia IV. a stala sa príkladom katolíckej sakrálnej hudby. Giovanni je najvýraznejším predstaviteľom vokálneho spevu bez hudobného sprievodu.

Andrea Gabrieli Spolu so svojím žiakom a synovcom Giovannim pôsobil v Kaplnke sv. Marka (XVI. storočie), kde „prifarboval“ spev zboru zvukom organu a iných nástrojov. Benátska škola inklinovala skôr k svetskej hudbe a pri inscenácii Sofoklovho Oidipa na divadelnej scéne Andreou Gabrieli vznikla zborová hudba, príklad zborovej polyfónie a predzvesť budúceho operného umenia.

Vlastnosti nemeckej školy

Nemecký štát predložil Ľudovít Senfl, najlepší polyfonista 16. storočia, ktorý však nedosahoval úroveň holandských majstrov. Piesne básnikov-spevákov z radov remeselníkov (Meistersinger). špeciálna hudba renesancie. Nemeckí skladatelia zastupovali spevácke korporácie: klampiari, obuvníci, tkáči. Zjednotili sa územím. Vynikajúcim predstaviteľom norimberskej speváckej školy bol Hans Sachs(roky života: 1494-1576).

Narodil sa v krajčírskej rodine, celý život pracoval ako obuvník, zaujal svojou erudíciou a hudobnými a literárnymi záujmami. Čítal Bibliu tak, ako ju interpretoval veľký reformátor Luther, poznal starých básnikov a vážil si Boccaccia. Sax ako ľudový hudobník neovládal formy polyfónie, ale tvoril melódie piesňového typu. Mali blízko k tancu, boli ľahko zapamätateľné a mali určitý rytmus. Najznámejším dielom bol „Strieborný spev“.

Renesancia: hudobníci a skladatelia Francúzska

Skutočnú renesanciu zažila hudobná kultúra Francúzska až v 16. storočí, keď bola v krajine pripravená spoločenská pôda.

Jeden z najlepších predstaviteľov je Clément Janequin. Je známe, že sa narodil v Chatelleraulte (koniec 15. storočia) a z chlapčenského speváka sa stal kráľovským osobným skladateľom. Z jeho tvorivého dedičstva sa zachovali iba svetské piesne vydané Attenianom. Je ich 260, ale tie, ktoré obstáli v skúške času, získali skutočnú slávu: „Birdsong“, „The Hunt“, „Lark“, „War“, „Screams of Paris“. Neustále boli znovu vydávané a používané inými autormi na revíziu.

Jeho piesne boli viachlasné a pripomínali zborové výjavy, kde okrem zvukomalebných a kantilénových vokálov nechýbali výkriky zodpovedné za dynamiku diela. Bol to odvážny pokus nájsť nové techniky zobrazovania.

Medzi slávnych francúzskych skladateľov patria Guillaume Cotlet, Jacques Mauduit, Jean Baif, Claudin Lejeune, Claude Goudimel , dáva hudbe harmonickú štruktúru, čo prispelo k asimilácii hudby širokou verejnosťou.

Renesanční skladatelia: Anglicko

15. storočie v Anglicku ovplyvnili diela o John Dubstyle a XVI. William Bird. Obaja majstri inklinovali k sakrálnej hudbe. Bird začínal ako organista v Lincolnskej katedrále a svoju kariéru ukončil v Chapel Royal v Londýne. Prvýkrát sa mu podarilo prepojiť hudbu a podnikanie. V roku 1575 sa skladateľ v spolupráci s Tallisom stal monopolistom vo vydávaní hudobných diel, čo mu neprinášalo žiaden zisk. Ale obhajovať svoje právo na majetok na súdoch mi zabralo veľa času. Po jeho smrti (1623) bol v oficiálnych dokumentoch kaplnky nazývaný „zakladateľ hudby“.

Čo po sebe zanechala renesancia? Bird okrem publikovaných zbierok (Cantiones Sacrae, Gradualia) zachoval mnoho rukopisov, ktoré považoval za vhodné len na domáce bohoslužby. Veľký vplyv prejavili neskôr vydané madrigaly (Musica Transalpina). talianskych autorov, no do zlatého fondu sakrálnej hudby sa dostali viaceré omše a motetá.

Španielsko: Cristobal de Morales

V pápežskej kaplnke prešli Vatikánom najlepší predstavitelia španielskej hudobnej školy. Cítili vplyv holandských a talianskych autorov, a tak sa len málokomu podarilo presláviť mimo svojej krajiny. Renesanční skladatelia zo Španielska boli polyfonisti, tvorili zborové diela. Najvýraznejším predstaviteľom je Cristobal de Morales(XVI. storočie), ktorý viedol metrizu v Tolede a vyškolil viac ako jedného študenta. Nasledovník Josquina Despresa, priniesol Cristobal špeciálna technika v sérii diel s názvom homofónne.

Najznámejšie sa stali autorove dve rekviem (posledné päťhlasné), ako aj omša „Ozbrojený muž“. Písal aj svetské diela (kantáta na počesť uzavretia mierovej zmluvy v roku 1538), to však odkazuje na jeho viac rané práce. Na sklonku života stál na čele kaplnky v Malage a zostal autorom sakrálnej hudby.

Namiesto záveru

Renesanční skladatelia a ich diela pripravili výkvet inštrumentálnej hudby. hudba XVII storočia a vznik nového žánru – opery, kde zložitosť mnohých hlasov je nahradená primátom jedného, ​​vedúceho hlavnej melódie. Urobili skutočný prielom vo vývoji hudobnej kultúry a položili základy moderného umenia.

Hlavnými umeleckými centrami Talianska počas 16. storočia boli Rím a Benátky. Vysvetľuje to zďaleka nie jednoduchá situácia, ktorá sa vyvinula na hlavnom území rozdrobeného Talianska. Neutíchajúce vojny s Francúzskom (od 90. rokov 14. storočia), ako aj agresívna politika Španielska viedli k tomu, že nezávislosť si udržali iba Benátky, pápežské štáty (ktorých centrom bol Rím) a časť Savojského vojvodstva. Významnú úlohu v tejto situácii zohrala aj protireformácia.

budem rozkvitať benátsky umenie podporovali spoločensko-politické a ekonomické pomery mesta. IN politicky Benátky boli republikou (od konca 13. storočia oligarchickou, s dóžom na čele) s významnými územiami pod svojou kontrolou. Bola to bohatá, prosperujúca republika.

Benátky boli hlavným centrom sprostredkovateľského obchodu medzi západnej Európe a východu, vďaka čomu si udržala prvenstvo v ekonomike. Zároveň to bolo v Benátkach, kde sa mohutne rozvíjal nielen obchod, ale aj umenie, v r umeleckej oblasti interakcie medzi byzantskými, západoeurópskymi a východné tradície. Pozoruhodný príklad Toto je katedrála svätého Marka, kde sú byzantské mozaiky, sochy Staroveký Rím susediace s gotickými prvkami.

Benátky navonok vyzerali ako svetlé a sviatočné mesto, v ktorom sa veľa pozornosti venovalo rôznym obradom a všelijakým oslavám; náboženské sviatky sa zmenili na ľudové slávnosti a karnevaly. Živé znázornenie sviatočného a karnevalového charakteru verejný život a kultúry Benátok poskytujú plátna A. Canaletta. To zrejme vysvetľuje badateľnú prevahu koloristického princípu nad plastickým v maľbe benátskych majstrov - Giorgione (1476-1510), Tizian (1477-1576), Paolo Veronese (1528-1588), Jacopo Tintoretto (1518-1594) .

Nemenej nápadným fenoménom bola benátska skladateľská škola. Podľa dekrétu benátskej vlády z 18. júna 1403. Z kaplnky Dómu svätého Marka sa stala schola cantorum, kde sa vyučoval spev. Veľkolepé ceremónie v Dóme sv. Marka a v Dóžovom paláci (voľba dóžu, obrad jeho „zasnúbenia“ s morom, prijatie veľvyslancov a pod.), ako aj na veľkolepom námestí pred nimi a ďalej veľký kanál(karnevaly, preteky gondol, ohňostroje). hudobná úprava, zodpovedajúce veľkosti republiky. Preto vláda podnietila prípravu profesionálnych hudobníkov.

Mal veľký vplyv na formovanie profesionálnych hudobných tradícií v Benátkach Holandský skladateľ Adrian Willaert(1480-1562), ktorý je považovaný za žiaka Josquina Despresa. Od roku 1527 až do konca svojho života bol dirigentom Dómu svätého Marka a je právom považovaný za zakladateľa benátskej skladateľskej školy v 16. storočí. Podarilo sa mu spojiť najlepšie tradície holandskej polyfónie s národnými charakteristikami benátskej hudby - predovšetkým s jej farebnosťou a dekoratívnosťou. Medzi jeho skladby patria omše, motetá, madrigaly, šansóny a inštrumentálne richescary. Willartovi študenti boli Ciprian de Rore, G. Zarlino, N. Vicentino, Andrea Gabrieli(1510-1586).

Väčšia úloha vo vývoji Benátska škola hral Giovanni Gabrieli(1557-1612) - synovec Andrey. Jeho bohatý polyfónny štýl možno prirovnať k farbe maľby Tizian a Veronese. Nie je náhoda, že bádatelia nazvali G. Gabrieliho muzikálom Tizian z Benátok a Palestrinu Rímskym Rafaelom.

Andrea aj Giovanni Gabrieli sú rodení z Benátok. Spočiatku bola Andrea speváčkou v kaplnke v Dóme svätého Marka, ktorú režíroval Willaert, potom niekoľko rokov pôsobil v mníchovskej vojvodskej kaplnke, no vrátil sa do Benátok, kde pôsobil ako organista Dómu svätého Marka. Vytvoril veľké množstvo zborových skladieb pre kaplnku katedrály, napísal madrigaly, ale aj organové skladby. V roku 1584 sa vzdal funkcie organistu katedrály svojmu synovcovi a študentovi Giovannimu. Talentovaný mladík si medzitým osvojil skladateľskú zručnosť pod vedením svojho strýka a niekoľko rokov (1575-1579) pôsobil v kaplnke bavorského vojvodu v Mníchove spolu s O. Lassom. Po smrti svojho strýka v roku 1584 sa Giovanni Gabrieli stal prvým organistom Dómu svätého Marka.

Jeho tvorba organicky spájala prostriedky vokálno-zborovej polyfónie so schopnosťami inštrumentálneho súboru. Všeobecná ašpirácia benátskej kultúry smerom k okázalosti, kráse a dekoratívnosti je zhmotnená aj v hudbe: v náraste zloženia interpretov a počtu hlasov v zborových skladbách, používaní nástrojov umiestnených v rôznych častiach katedrály, v striedaní inštrumentálnych a zborových sekcií. Koncom 15. storočia bol v Dóme svätého Marka inštalovaný druhý organ, ktorý umožnil vytvárať hudbu pre dva chóry (niekedy sa navzájom striedajúce, niekedy znejúce súčasne), sprevádzané dvoma organmi a inými nástrojmi. Vďaka tomu sa benátskym skladateľom podarilo dosiahnuť osobitnú silu a bohatosť zvuku. In J. Gabrieli významnú úlohu hrajú pestré juxtapozície zvukových hmôt v rôznych timbrových farbách, píše viaczborové skladby (2 a 3 zborové skladby) a doťahuje tento typ techniky k dokonalosti. Jeho tvorba, ktorá spadá do obdobia prelomu dvoch štýlových období (polyfónnej a homofónnej), odhaľuje črty prechodného aj vznikajúceho štýlu. Týka sa to predovšetkým žánrovej rozmanitosti: popri omšiach píše posvätné symfónie, posvätné spevy, koncerty pre hlasy, motetá, madrigaly a inštrumentálne skladby.

Druhá najväčšia skladateľská škola v r Taliansko XVI storočia bol rímsky.

Pripomeňme si, že od roku 756 sa Rím stal hlavným mestom pápežských štátov a náboženským centrom Európy. Rímski občania sa viackrát pokúšali nastoliť republikánsku vládu podľa vzoru iných talianskych miest (povstanie Arnolda z Brescie v roku 1143, pokus o oživenie starovekej rímskej republiky Cola di Rienzi v roku 1347). V období avignonského zajatia pápežov vplyv prepoštov zoslabol. Bohaté a vplyvné rody Savelli, Annibaldi, Segni, Orsini, Colonna bojovali o moc už od 2. polovice 14. storočia. a do polovice 15. stor. Aj po návrate pápežskej rezidencie do Ríma dosahuje bývalú moc iba Sixtus IV. (1471-84). Takzvaní „renesanční pápeži“ – Martin V., Mikuláš V., Sixtus IV., Pius II., Július II., Lev X. – zdobia mesto početnými kostolmi (predovšetkým Dóm sv. Petra), palácmi, starajú sa o zlepšenie ulíc, pozvite skvelých umelcov a architektov. Medzi nimi - Leonardo da Vinci ( od roku 1513 do roku 1516), Raphael(koncom roku 1508 sa na pozvanie pápeža Júlia II. presťahoval do Ríma, kde spolu s Michelangelom obsadil popredné miesto medzi umelcami, ktorí pôsobili na dvore Júliusa II. a jeho nástupcu Leva X.; vymaľoval reprezentačné miestnosti Vatikánskeho paláca, navrhol Baziliku sv. Petra, postavil kaplnku Chigi kostola Santa Maria del Popolo (1512-20) v Ríme) a Michelangelo(žil v Ríme väčšina z nich tvojho života - súsošie„Pieta“ (okolo 1498-99) v Katedrále svätého Petra, maľba klenby Sixtínskej kaplnky vo Vatikáne (1508-12), v roku 1546 bol Michelangelo vymenovaný za hlavného architekta Katedrály sv. Petra, ktorého stavbu začal Bramante).

Pápež Sixtus IV. (pontifikát v rokoch 1471 až 1484) založil Sixtínsky zbor, aby poskytoval bohoslužbám vysoký hudobný štandard. Spočiatku to bolo 10 spevákov, potom ich počet dosiahol tridsať. Všetci speváci boli vysoko vzdelaní hudobníci, ktorí mali nielen vynikajúcu spevácku kultúru, ale ovládali aj zručnosť viachlasnej kompozície. Spevákmi kaplnky boli svojho času veľkí Holanďania - Dufay a Josquin Despres.

Jedným z najväčších majstrov rímskej polyfonickej školy bol Giovanni Pierluigi da Palestrina. Narodil sa v roku 1525 niekoľko míľ od Ríma v meste Palestrina. V roku 1537 bol už uvedený ako zbormajster v rímskom kostole Santa Maria Maggiore. V roku 1544 získal miesto organistu a riaditeľa chóru v katedrále rodné mesto, a o 7 rokov neskôr bol vymenovaný za riaditeľa chóru Baziliky svätého Petra v Ríme. Takýto rýchly pokrok sa vysvetľuje skutočnosťou, že nový pápež Július III. bol predtým kardinálom v Palestrine a poznal Giovanniho ako vynikajúci hudobník. V roku 1554 sa začalo vydávanie prvých diel skladateľa (prvá kniha omší). Po vstupe do Sixtínskej kaplnky v roku 1555 bol Palestrina čoskoro nútený ju opustiť, pretože bol ženatý a mal dvoch synov. A iba slobodní hudobníci mali právo byť spevákmi v tejto kaplnke. Následne Palestrina pôsobil v Lateránskej katedrále a v kostole Santa Maria Maggiore a od roku 1571 až do konca svojho života (1594) stál na čele Júliovej kaplnky Dómu svätého Petra.

Mal len dvadsať rokov, keď sa začali zasadnutia Tridentského koncilu, kde sa niekoľko rokov viedli búrlivé debaty o osude hudby v r. katolíckej cirkvi. A až do dnešného dňa sa meno Palestrina spája s legendou o „záchrane viachlasnej hudby v katolíckej cirkvi“. Faktom je, že na Tridentskom koncile sa diskutovalo o zákaze používania viachlasných skladieb počas bohoslužieb. Ako argument bol predložený názor, že polyfónna polyfónia „zatemňuje“ slová textu a bráni preniknúť do jeho významu. Vykonanie jeho omše (neskôr nazývanej „omša pápeža Marcella“) v rokoch 1562-63. v dome kardinála Vitelliho vraj presvedčili vyšší klérus, že polyfónna hudba je schopná neničiť cirkevný text a umožňuje „počuť“ slová. Po tomto sa Palestrinova autorita vo veciach cirkevnej hudby stala nespornou, čo je vysvetlené umelecké vlastnosti skladateľova hudba: zdržanlivosť a kontemplatívna povaha figuratívnej štruktúry, noblesa a prísnosť, vznešenosť a objektivita zvuku hudby.

V roku 1577 ho pápež Gregor XIII. vyzval, aby sa zúčastnil na reforme zbierky cirkevných piesní (graduálov). V roku 1584 bola pod patronátom pápežstva založená „Spoločnosť hudobných majstrov“, z ktorej sa neskôr zrodila Akadémia Santa Cecilia. Okrem Palestriny aj hudobníci J.M. Nanino, O. Griffey, A. Crivelli a ďalších mal Palestrina blízke priateľstvo so slávnym rímskym kňazom Filippom Nerim (1515-95, kanonizovaný v roku 1622). Je považovaný za zakladateľa oratoriánskej kongregácie. Neri zaviedol prax konania duchovných stretnutí v špeciálnych miestnostiach – v kaplnkách (lat. oratórium), po ktorých sa hrali posvätné piesne ( chváli). V budúcnosti sa z tejto tradície zrodí žáner oratóriá.

Palestrinova hudba zostáva dodnes klasickým príkladom prísneho štýlu. Skladateľovo tvorivé hľadanie bolo ďaleko od túžby po radikálnej obnove hudobný jazyk, otváranie nových obzorov. Cudzia mu bola prílišná expresia, málokedy používal chromatické prostriedky a vyhýbal sa nezvyčajným melodickým a harmonickým sekvenciám a rytmom. Figurálny svet jeho diel sa vyznačuje pokojným, jasným a vyváženým charakterom. Už od čias Holanďanov sa obmedzil na tradičnú skladbu a cappella zboru, aj keď v jeho dobe začali do vokálnych skladieb aktívne vnášať inštrumentálne party. Palestrinovi sa podarilo dosiahnuť najvyššiu úroveň polyfonického majstrovstva, jeho polyfonickú techniku ​​možno nazvať dokonalou. Modovo-harmonické myslenie skladateľa je zároveň determinované súčasnými trendmi vo vývoji hudobného jazyka: v rámci modality sú jasne viditeľné funkčné vzťahy systému dur-mol (pozorovateľné najmä pri kadenciách). Podarilo sa mu dosiahnuť úžasnú rovnováhu polyfónnej a akordovo-harmonickej štruktúry Palestrinova melódia sa vyznačuje výraznou kantilénou charakteristickou pre taliansku vokálnu hudbu, ktorá prispieva k úžasnej plasticite a rovnomernosti polyfonického rozloženia látky v polyfónnej skladbe.

Palestrina, ktorý bol počas celej svojej kariéry spojený s prácou v cirkvi a bol v Ríme, v tesnej blízkosti pápežského dvora, napísal väčšinu svojich diel pre duchovné účely. Napísal 102 omší, 317 motet, 140 madrigalov (91 svetských, 49 posvätných), 70 hymnov, 68 ofertórií, 35 Magnifikátov, 11 litánií.

Najväčší počet omší tvoria parodické omše. Skladateľ ich vytvoril na základe materiálu cudzích piesní (P. Cadeac, D. L. Primavera), motét (L. Hellinck, Josquin, Jacquet, Andrea de Silva a i.), madrigalov (D. Ferrabosco, C. de Pope), a jeho vlastné motetá a madrigaly. Približne polovica masy Palestriny je tohto typu. Píše omše pomocou a tradičnou technikou cantus firmus"a - v omšiach "L"homme armc", "Ave Maria", "Ecce sacerdos magnus". "Tu es Petrus", "Veni creator" atď.. Má aj omše: "Pater noster" , „Regina coeli“, „Alma redemptoris mater“, „Ave regina“ (posledné tri sú na antifónach aj Palestrina vytvára kanonické omše: „Ad coenam agni providi“, „Ad fugum“, „Missa canonica“, „Rempleatur os). ". meum laude", "Sin nomine" Len v piatich omšiach nepoužíva Palestrina žiadny primárny zdroj: "Omša pápeža Marcella", "Brevis", "Ad fugam", "Quinti toni", "Missa canonica".

Najväčší počet skladieb vytvoril Palestrina v žánri motet a píše pre rôzny počet hlasov: väčšina je štvor- a päťhlasná, má veľa šesť- a osemhlasých motet, sú dvanásťhlasové a dva sedemhlasy. Texty motet sú duchovné, latinské, čerpané z gregoriánskych chorálov, z latinských veršov, z biblickej „Piesne piesní“. Motetá sú svojou formou skôr kompaktné kompozície, väčšinou jednohlasné, menej často dvojdielne. Štýlovo sa len málo líšia od masy.

Špeciálnym dielom je cyklus „Canticum canticorum“, ktorý je venovaný pápežovi Gregorovi XIII. a pochádza z rokov 1583-1584. Obsahuje 29 päťhlasých diel na slávne biblické texty („Pieseň piesní kráľa Šalamúna“).

V rokoch 1555, 1581, 1586 a 1594 vydal Palestrina štyri knihy madrigalov, z ktorých dve obsahovali štvorhlas, ďalšie dve päťhlasé ukážky. Vonkajšie rozlíšenie medzi svetským a duchovným je určené textovými znakmi. Z hľadiska štýlu majú madrigaly o niečo väčšiu voľnosť vo výbere výrazových prostriedkov ako pri motetách (napríklad voľné narábanie s disonanciami). V posledných troch knihách madrigalov sú v praxi talianskych skladateľov bežné (takzvané) „madrigalizmy“ – hudobno-rétorické figúry: typizované hudobné obraty zobrazujúce určité slová básnického textu. To naznačuje túžbu nájsť nové formy interakcie medzi nimi výrazové prostriedky hudba a obrazový obsah poézia.

K Palestriným nasledovníkom patria talianski skladatelia Giovanni Maria Nanino (asi 1543/44 - 1607), Giovanni Bernardino Nanino (asi 1560 - 1623), Felice Anerio (asi 1560-1614), Giovanni Francesco Anerio (asi 1567-1). ako aj niektorí španielski majstri (Cristobal de Morales, Tomás Luis de Victoria).

V 16. storočí dosiahol žáner omše vrchol. Pri jeho vývoji možno rozlíšiť tri línie:

· Tradičné typy a cappella masy vyvinuté v dielach holandských majstrov: tenorová omša na cantus firmus s použitím monofónneho gregoriánskeho alebo svetského zdroja; parodická omša; masová parafráza; ako samostatná odroda - kánonickú omšu. Okrem toho Palestrinova tvorba rozvíja prax imitatívno-polyfónneho cyklického skladania omše, bez citovaného pôvodného zdroja.

· Omše benátskych skladateľov s inštrumentálnym sprievodom.

· Organové omše, ktoré sú cyklom organových hier rozptýlených počas bohoslužby, ktoré sa striedajú so zborovým spevom.

V priebehu 16. storočia moteto stratilo svoju bifunkčnosť a prax jeho existencie sa v druhej polovici storočia obmedzila len na duchovnú sféru. Stáva sa jednotextovým, preniknutým end-to-end imitatívno-polyfónnym vývojom. Spolu s motetom sa rozvíja aj žáner duchovného madrigalu.

Výrazne sa rozširuje žánrová sféra sakrálnej hudby: skladatelia píšu hymny, ofertórie, magnifikáty, litánie, responzóriá a pašie ako samostatné, nezávislé skladby.

Vo vývoji svetských hudobných žánrov možno rozlíšiť dve línie. Jedna je spojená s vývojom viachlasnej piesne, blízka každodenným hudobným tradíciám (frottola, villanelle), druhá s osvojením si viachlasných princípov kompozície (madrigal).

Frottola(z tal. frotta - dav) - každodenná pouličná pieseň, ktorá v poslednej tretine 15. storočia nadobudla viachlasné obsadenie (väčšinou 4 hlasy). V Petrucciho zbierke v roku 1504 vyšlo 62 frotol od jedenástich skladateľov. Medzi prvých autorov patril Josquin Despres a považovali sa za najobľúbenejších Bartolomeo Tromboncino a Marco Cara. Obsah piesní je dosť rôznorodý: sú medzi nimi milostné, humorné, komické a moralizujúce. Prevažuje akordická štruktúra s vedúcou úlohou horného hlasu. Len za tri desaťročia vyšlo viac ako tridsať zbierok frottol, po ktorých tento žáner vystriedali iné.

V druhej polovici 16. storočia začalo dominantné miesto zaujímať villanelle. Vzniká zo sedliackych piesní. Preložené z taliansky jazyk slovo villanelle znamená: vila - dedina nella - dievča. Najprv mali villanelly tri hlasy a vo veľkej miere sa v nich používal paralelný pohyb hlasov. Následne sa žáner začal aktívne rozvíjať - v období od roku 1550 do roku 1580. (súdiac podľa zbierok) vzniklo asi 1800 villanelov, 3 a 4 hlasov. Rovnako ako vo frottolle, villanelle vykazuje znaky, ktoré naznačujú vytvorenie homofónno-harmonickej štruktúry. Polyfónne techniky sa používajú veľmi zriedkavo. Jednou z charakteristických čŕt je zjavná tanečnosť. Medzi autormi - Hrajú: Bartolomeo Tromboncino, Baldassare Donato, Giovanni Domenico da Nola, Luca Marenzio, Orlando Lasso.

Od druhej tretiny 16. storočia po viac ako storočí zabudnutia sa vracia k skladateľskej praxi madrigal. Bol oživený v šľachtických kruhoch humanistov neskorej renesancie a veľmi aktívne sa rozvíjal a rozvíjal. Návrat madrigalu do svetskej kultúry úzko súvisel so zvýšeným záujmom básnikov o lyrické formy 14. storočia, pestované Petrarkom. Veľkú úlohu v jeho obrode zohral Pietro Bembo, ktorý vyzval súčasných básnikov (Ludovico Ariosto, Torquato Tasso, Giambattista Guarini atď.), aby sa učili od Petrarca a seba samého kopírovať jeho básnické formy. Bembo vo svojej klasifikácii básnických foriem priradil madrigal do skupiny voľného verša (rime libere), od r. charakteristický znak Tento žáner bol voľným rýmovaním básnického textu.

Madrigal 16. storočia je štvor- až päťhlasné dielo prevažne lyrického obsahu. Témou básnických textov madrigalov bola zvyčajne láska, najčastejšie presiaknutá utrpením, sťažnosťami, zážitkami, sprevádzaná obrazmi prírody, niekedy sa prelínajúcimi so zložitými otázkami filozofie života:

„Ako biela a nežná labuť

S piesňou prijíma smrť,

Tak plačem, nakreslený

Až na hranicu života.

Ale napodiv spôsoby sú rôzne:

Umiera bez útechy,

A odchádzam blažený."

Prvé obdobie rozvoja madrigalu (1530-1540 - prvá kniha madrigalov vyšla v roku 1538) je spojené s kreativitou. Jakub Arkadelt(okolo 1514-1572; pôsobil vo Florencii a Ríme), Filippo Verdelo(zomrel pred 1552, pôsobil vo Florentskom dóme, potom na pápežskom dvore) a Adriana Villarta(1480-1562, pôsobil v Dóme sv. Marka v Benátkach). Skladatelia mali vysoké profesionálne schopnosti a zdedili tradície holandskej školy. Z hľadiska textúrnej prezentácie bol raný madrigal dvoch odrôd: akordovo-homofónny typ a imitatívno-polyfónny. V prvom prípade môžeme hovoriť o blízkosti k tradíciám každodennej piesne (najmä frottole), v druhom - o asimilácii techník holandskej polyfónie (písanie motetov).

V ranom madrigale sa teda spojili dve štýlové vetvy tejto doby - cirkevná a svetská, čím sa syntetizovali najlepšie úspechy vo vývoji malých foriem. Zároveň sa ukázalo, že ide o žáner, ktorý aktívne reagoval na najnovšie štylistické hľadania éry. Nové črty sa objavujú už v druhom období ich vývoja – v druhej polovici 16. storočia ( Ciprian de Rore, Nicolo Vicentino, Andrea Gabrieli, Giovanni Pierluigi da Palestrina). V tomto čase sa začína rozvíjať chromatický madrigal. Nicolo Vicentino (1511-1565) – študent Villart – napísal v roku 1555 pojednanie “ L'antica musica ridotta alla moderna prattica“ („Starodávna hudba, uvedená v moderná prax"). Rozoberá v ňom možnosť skladať hudbu v chromatickom režime – ako Gréci. Zavedenie genere cromatico (musica falsa) - chromatických zvukov bolo úzko spojené s túžbou nájsť intonačne presné stelesnenie emocionálnej a sémantickej stránky textu. Použitie zvýšených a znížených tónov prispelo k vyjadreniu všetkých možných odtieňov reči. Okrem toho sa začína odvážne a rozsiahle využívanie disonancie v polyfónii a je jasne evidentný proces prechodu od modálneho systému modálnej organizácie k tonálnej. V tom istom období systém talianskych „ madrigalizmy“ - hudobné a rétorické figúry, v ktorých je pevná zhoda určitých slov a melodických obratov. Napríklad slovo „sospiro“ (vzdych) predstavovali dva alebo tri akordy s pauzou v strede slova; „volo“ (let) – s vlnitým melodickým vzorom; „pieta“ (súcit), „amaro pianto“ (horké slzy) – prenášané pomocou chromatizmov a disonancií; „morte“ (smrť) – znamená inhibíciu rytmického pohybu a stop – pauzu – vo všetkých hlasoch... atď. Vo sfére formovania existuje nielen príbuznosť s frottolovým a motetovým princípom formovania s rôznymi typmi dvojveršia, ale aj tendencia k end-to-end forme.

Tretie obdobie - koniec 16. a začiatok 17. storočia - Luca Marenzio, Carlo Gesualdo (princ z Venosy), Claudio Monteverdi. Jedným z konštruktívnych princípov je kontrast: forma je založená na striedaní polyfónnych úsekov s homofónnymi, diatonických s chromatickými, konsonantných s disonantnými. Chromatický madrigal dosahuje vrchol svojho vývoja v diele Gesualda. Okrem toho sú dva typy tematizmu - chromatický a diatonický - od seba jasne oddelené. Chromatizácia nevedie k neutralizácii modálnej farby, ale naopak, zvýrazňuje výraznosť dur a mol - dvoch modov, ktoré medzi ostatnými čoraz viac vyčnievajú.

S koniec XVI storočí v súvislosti s rozvojom monodie vznikla tradícia predvádzania madrigalu upraveného pre sólový hlas, sprevádzaného nástrojmi. C. Monteverdi počnúc svojou V. knihou madrigalov (1605) uvádza nástroje ako sprievodné hlasy. Madrigal sa ako zvláštny typ madrigalu rozvíja v dielach O. Vechiho, A. Banchieriho a A. Strigia. dramatický madrigal(alebo madrigalová komédia). Išlo o viachlasnú zborovú skladbu na text komediálnej alebo pastierskej hry. Všetky časti postáv (vrátane monológov) zahral zborový súbor. Použité zápletky boli najmä každodenné, často satirické, s tradičnými postavami z ľudovej komédie dell'arte. Najstaršia madrigalová komédia v 5 častiach – „Čarkanie žien pri umývaní“ od A. Strigia sa stala prototypom pre ďalšie príklady tohto žánru („Príjemné maškarády“ od G. Croce, „Amphiparnassus“ od O. Vekiho, „Senile Folly“ od A. Banchieriho). Používajúc výlučne prostriedky zboru, skladatelia vytvárajú živé charakterové charakteristiky. Dramatický madrigal sa stal dôležitou etapou zrodu opery.

Obľúbený nástroj v talianskej sekulárnej praxi bol lutna - reťazec trhaný nástroj s krátkym krkom a dozadu ohnutou hlavou, na ktorej sú umiestnené kolíky na ladenie strún. O lutne sa prvýkrát zmienil vo „Veľkom pojednaní o hudbe“ stredoázijský vedec Farabi, ktorý sa datuje do 10. storočia. Na ostrov Sicíliu a do Španielska ho priniesli Saracéni a Maurovia a následne sa rozšíril po celej Európe. Veľký Dante Alighieri vo svojom „ Božská komédia“ hovorí o lutne ako o známom nástroji svojej doby. Lutna získala mimoriadnu popularitu počas renesancie (XV-XVI storočia). Na kráľovských, kniežacích a kniežacích dvoroch ju hrávali virtuózni hudobníci a šľachetní milovníci umenia, neustále ju znelo v humanistických kruhoch, v rôznych „akadémiách“ 16. storočia, v domácom živote mešťanov, na vonku, v rôznych súboroch vrátane divadelných. Na lutne hrali Leonardo da Vinci, Benvenuto Cellini, Giorgione a Caravaggio.

V 16. storočí bola najrozšírenejšia šesťstrunová lutna (päťstrunové nástroje boli známe už v 15. storočí). Ladenie lutny bolo rôzne, najčastejšie sa používalo ladenie typu quart-tertz: A D G H E "A". V priebehu storočia vyšlo množstvo autorských zbierok, no najmä kusy pre lutnu sa potom distribuovali v početných rukopisných zbierkach. Je zaujímavé, že vtedajšie rukopisné zbierky z veľkej časti obsahujú anonymné hry, úpravy vokálnych diel, tance. Navyše ich národnosť bola veľmi rôznorodá: nemecké tance sa objavili v talianskych rukopisoch, talianske, poľské a francúzske sa objavili v nemeckých. Boli to akési medzinárodné zbierky, kde prebiehala voľná výmena žánrov domáca hudba. Pre lutnu sa prearanžovalo a spracovalo všetko, čo sa poslucháčom páčilo: populárne piesne a tance, dokonca aj duchovná hudba najväčších majstrov.

Jedna z raných zbierok zo začiatku 16. storočia obsahuje 110 hier: transkripcie a úpravy frottoly od B. Tromboncina a M. Cara, M. Pesentiho, A. Capreoliho a iných talianskych autorov, šansóny či motetá od G. Isaaca, Juana van Gyseghem, A. Bunois , ako aj šesť ricercarov, štyri tance (dva pavanes, dva „basové tance“) a „Calata alia spagnola“. V neskorších zbierkach – koncom storočia – sú základom tance: passamezzo, saltarello, pavane, galliard, francúzska zvonkohra, Poľský tanec, nemecký tanec, jednoducho „Nachtanz“ alebo „Danza“, allemande.

Rozkvet lutnového umenia začína v polovici 16. storočia a v Taliansku sa spája s menom vynikajúceho lutnistu Francesco da Milano(asi 1497-asi 1543), ktorého súčasníci prezývali „božský“. Jeho „Sedem kníh pre lutnu“ nadobudlo celoeurópsky význam. Francesco da Milano bol dvorným lutnistom vojvodu z Gonzaga v Mantove, v rokoch 1530 až 1535 pôsobil ako lutnista u kardinála Ippolita de' Medici vo Florencii, neskôr ako osobný lutnista pápeža Pavla III. Svoje diela začal publikovať v roku 1536 a veľmi rýchlo si získal slávu v Taliansku aj v iných krajinách. Medzi dielami, ktoré vytvoril, je množstvo ricercars a fantasy, transkripcie a úpravy vokálnej svetskej a sakrálnej hudby; Existujú aj jednotlivé charakteristické kusy (napríklad „Hispana“ pre dve lutny), kanón pre dve lutny. Vo svojich fantáziách skladateľ ochotne využíva polyfonické postupy. Pre lutnu však nie je typická striktne polyfónna štruktúra, pretože trvalá polyfónia nie je v povahe nástroja. Obyčajne lutnisti striedajú imitácie, akordické zvučky, súzvuky, prepletajú ich so stupnicovými a inými pasážami a počet hlasov sa mení – v konsonanciách môžu byť tri-štyri, v pasážach častejšie ozveny alebo sa pohybujú paralelne.

Pre transkripcie a úpravy si lutnistický skladateľ ochotne vyberá francúzske šansóny (menej často talianske madrigaly), duchovné diela Josquina Despresa a L. Compèrea. Upútali ho vtedy senzačné „Battle“ a „The Song of Birds“ od Janequina, napriek veľkému objemu a zložitosti písania. Nie je tu však sám: dlho sa objavovali inštrumentálne úpravy týchto šansónov. Francesco da Milano sa priklonil aj k piesňam J. Moutona, N. Gomberta, C. Sermiziho, P. Sertona, J. Richaforta, A. de Fevana, Arcadelta, pričom sa vo svojom výbere nepochybne opieral o najpopulárnejšie ukážky svojej doby.

Diela Francesca da Milana medzi rokmi 1536 a 1603, v publikovanej aj v rukopisnej podobe, boli známe nielen v Taliansku, ale aj vo Francúzsku, Nemecku, Španielsku a Holandsku.

Z ďalších talianskych lutnistov treba menovať Vincenza Galileiho (asi 1520-1591) - otca slávneho astronóma Galilea Galileiho, autora traktátov o hudbe, skladateľa, virtuózneho lutnistu, člena Florentskej Cameraty, ktorá združovala tvorcov tzv. nový žáner - opera.

BONONCINI - rodina talianskych hudobníkov:

Giovanni Maria (1642 – 1648) – skladateľ, huslista, teoretik. Op. 9 zbierok sonát a tanečných skladieb. Vlastní pojednanie o kontrapunkte. IN posledné roky napísal komornú operu, množstvo madrigalov a sólových kantát.

Giovanni Batista (1670 – 1747) – jeho syn, skladateľ a violončelista. Jeho pozostalosť zahŕňa 40 opier, vyše 250 sólových kantát, asi 90 symfónií, koncertov a triových sonát. Úspech niektorých jeho opier v Londýne prekonal aj jeho hlavného rivala Händela.

Antonio Maria (1677 – 1726) – skladateľ a violončelista. Autor prác pre hudobné divadlo a kostoly. Pokiaľ ide o štruktúru a harmóniu, jeho hudba bola rafinovanejšia ako hudba jeho staršieho brata, ale nikdy nezískala rovnaký úspech.

Giovanni Maria ml. (1678 – 1753) – nevlastný brat, violončelista, potom huslista v Ríme, autor vokálnych diel.

VIVALDI ANTONIO (1678 – 1741)

Najvyššie úspechy patria žánru inštrumentálny koncert. Významné miesto Vokálna hudba je dedičstvom. Snaha o úspech v op. žánru a veľa cestoval, keď režíroval svoje inscenácie. Pôsobil v op. divadlá vo Vicenze, Benátkach, Mantove, Ríme, Prahe, Viedni, Ferrare, Amsterdame. Op. OK. 50 opier(20 zachovalých), vr. „Titus Manlius“, „Justin“, „Zúrivý Roland“, „Verná nymfa“, „Griselda“, „Bayazet“. OK. 40 sólových kantát, oratórium „Judith Triumphant“).

Giordani Giuseppe (asi 1753 – 1798)

DUNI EGIDIO (1708 – 1775)

Študoval v Neapole u Duranteho. Autor 10 operných sérií na texty Metastasio, asi 20 op. vo francúzskom žánri komická opera. Uviedol arietta a recitatívy v talianskom štýle. Tento žáner je tzv Komédia s Ariettou.opery:„Nero“, „Demophon“, „Umelec zamilovaný do svojho modelu“ (komická op.).

DURANTE FRANCESCO (1684 – 1755)

taliansky skladateľ. Študoval v Neapole, potom sa stal prvým dirigentom niekoľkých neapolských konzervatórií. Bol považovaný za najlepšieho učiteľa kompozície v Neapole. Medzi jeho študentov patria Duni, Pergolesi, Piccini, Paisiello. Na rozdiel od iných. skladatelia nepísali opery. Najcennejšou časťou jeho dedičstva je sakrálna hudba. Zaujímavé a inštrumentálne diela– 12 sonát pre čembalo, 8 koncertov pre kvarteto, skladby z pedagogického repertoáru.

CAVALLI FRANCESCO (1602 – 1676)

Prezývaný Bruni. Bol zbormajstrom a organistom sv. Pečiatka v Benátkach. Začal písať opery, ktoré sa hrali v operných domoch v Taliansku. Po Paríži, kde bola naštudovaná jeho opera „Hercules the Lover“ so spevom a tancom, ktorú pre toto predstavenie napísal mladý Lully, boli všetky Cavalliho ďalšie aktivity spojené s Katedrálou sv. Značka. Je autorom asi 30 opier. Vďaka nemu Benátky 17. stor. sa stala centrom IT. operné umenie. Rovnako ako neskorší op. Monteverdi, op. Cavalli je bohatý na kontrasty a psychologické nuansy; patetické, ba až tragické vrcholy v nich často nahrádzajú epizódy komického a každodenného charakteru.

Opery: "Láska Apolla a Daphne", "Dido", "Ormindo", "Jason", "Calisto", "Xerxes", "Hercules milenec"

Posvätná hudba: omša, 3 vešpery, 2 Magnifikáty, Rekviem

Svetská hudba: kantátové árie.

CALDARA ANTONIO (1670 – 1736)

Hral na viole, violončele a klavíri. Komponoval takmer výlučne vokálnu hudbu - oratóriá, kantáty, operné seriály. Pôsobil ako kostolný a divadelný kapelník. Neskôr skomponoval množstvo diel pre viedenský karneval a dvorské slávnosti, ako aj pre Salzburg. Celkovo napísal 3000 vokálnych skladieb. Metastasio bol prvý, kto zhudobnil mnohé Metastasiove libretá.

CARISSIMI GIACOMO (1605 – 1674)

Bol zbormajstrom, organistom, kapelníkom jezuitského Collegiate Germanico a bol vysvätený. Najvýznamnejšou súčasťou dedičstva sú oratóriá, navrhnuté v rozprávačsko-recitačnom štýle. Niektoré fragmenty sú svojím charakterom písma blízke áriám. Dôležitú úlohu pridelené zborovým scénam. Medzi jeho študentov patria A. Chesti, A. Scarlatti, M.-A.

Diela: 4 omše, asi 100 motet, 14 oratórií vr. „Belshazzar“, „Jeuthai“, „Jona“, asi 100 svetských kantát.

CACCINI GIULIO (1545 – 1618)

Mal prezývku - Roman. Skladateľ, spevák, lutnista. Sponzoroval ho vojvoda Cosimo I. de' Medici, ktorý ho vzal do Florencie, kde sa zúčastňoval stretnutí Cameraty a rozvíjal nový štýl spev – stile recitativo. Vydal zbierku „Nová hudba“, kde najplnšie odrážal svoje inovatívne túžby. Zbierka obsahuje madrigaly a strofické árie pre hlas a basso continuo. Najpopulárnejšou skladbou v zbierke je Amarilli. V roku 1614 vyšla skladateľova druhá zbierka „Nová hudba a nový spôsob napíš ich." Na meno Cacciniho, vynikajúceho skladateľa a inovatívneho speváka, sa nezabudlo ani počas 17. storočia. Mnoho skladateľov vytvorilo podľa jeho vzoru zbierky vokálnych skladieb. Cacciniho dve dcéry, Francesca a Settimia, sa preslávili ako speváčky a skladali hudbu.

MARTINI (1741 – 1816)

Prezývka Il Tedesco („taliansky Nemec“, vlastným menom Schwarzendorf Johann Paul Egidius). nemecký skladateľ. Pred presťahovaním do Paríža (1764) bol v službách vojvodu z Lotrinska. Učil na parížskom konzervatóriu, riadil dvorný orchester Autor 13 opier, vokálnych miniatúr (vrátane populárnej piesne „Plaisir d’amour“).

MARCELLO ALESSANDRO (1669 – 1747)

Brat B. Marcello. Amatérsky hudobník organizoval koncerty vo svojom benátskom dome. Komponoval sólové kantáty, árie, canzonetty, husľové sonáty a koncerty. Koncerty pre hoboj a sláčiky (spolu 6) patria k najnovším ukážkam žánrovej pestrosti benátskeho baroka. Koncert pre hoboj a sláčiky d mol (okolo 1717) je známy v úprave J. S. Bacha pre klavír.

MARCELLO BENEDETTO (1686 – 1739)

Skladateľ, hudobný spisovateľ, právnik, brat A. Marcella. Vysoko hodnotené vládne pozície v Benátkach. Širokú popularitu si získala zbierka žalmov pre 1 – 4 hlasy s digitálnym basom (spolu 50). Vlastní aj ďalšie skladby pre kostol, oratóriá, opery, vyše 400 sólových kantát, duet, ako aj sonáty a koncerty, poznačené Vivaldiho vplyvom. Jeho hudba spája polyfonické majstrovstvo s citlivosťou na nové galantný štýl. Zaujímavým pojednaním od Marcella je satira na operu seria.

PAISIELLO GIOVANNI (1740 – 1816)

Študoval v Neapole u Duranteho. Získal si povesť jedného z popredných majstrov žánru opera buffa. Pôsobil ako kapelník na dvore Kataríny II v Petrohrade. Medzi týmto obdobím op. " Holič zo Sevilly" Po návrate do Neapola začal písať siedma séria opery(polovážne) - "Nina alebo bláznivá zamilovaná." Krátko pôsobil v Paríži ako osobný kapelník Napoleona I. Kvalita Paisiellových opier ovplyvnila Mozarta – umenie múz. charakterové náčrty, majstrovstvo orchestrálnej tvorby, melodická vynaliezavosť. opery:„Don Quijote“, „Slúžka-Madam“, „Kráľ Teodor v Benátkach“, „Mlynárova žena“, „Proserpina“, „Pytagoriáni“ a ďalších najmenej 75 opier.

PERGOLESI GIOVANNI BATISTA (1710 – 1736)

Študoval v Neapole a zároveň pôsobil ako huslista v orchestri. Napísal javiskové diela v žánri posvätná dráma. Zomrel na tuberkulózu vo veku 26 rokov. Vstúpte do histórie ako zakladateľ žánru opera buffa. Vrcholným dielom tohto žánru bol op. "Pani sluha." Pre kostol napísal diela: „Stabat mater“ pre soprán, kontraalt a orchester, 2 omše, vešpery, 2 „Salve Regina“, 2 motetá.

PERI JACOPO (1561 – 1633)

Skladateľ a spevák, kňaz. Pôsobil ako skladateľ a spevák na súde Medici. Bol známy aj ako účinkujúci na kitarrone –(brnkací nástroj, druh basovej lutny s dĺžkou do 2 m, používaný najmä na doprovod sólového spevu). Zúčastnil sa stretnutí Fotoaparáty. Komponoval v novom recitatívnom štýle, napodobňujúcom starodávnu prax sólového spevu so sprievodom. Písal opery" Daphne", "Eurydice". Zložil aj zbierku vokálnych skladieb obsahujúcu niekoľko príkladov recitatívneho štýlu.

PICCINI NICCOLO (1728 – 1800)

Študoval v Neapole u Duranteho. Skladal nielen opery, ale aj vyučoval spev, bol kapelníkom a organistom. Usadil sa v Paríži a napísal množstvo vážnych a komických francúzskych diel. oper. Vážna konkurencia Glucka mu v úspechu nezabránila lyrické tragédie"Roland", "Iphigenia in Tauris", "Dido". Medzinárodnú slávu mu priniesla opera „Cecchina, alebo dobrá dcéra“ (1760).

SARRI DOMENICO (1679 – 1744)

Študoval v Neapole, kde pôsobil aj ako dvorný dirigent. Rané opery, oratóriá a serenata sú navrhnuté v rovnakom barokovom štýle ako vokálna hudba A. Scarlattiho. Jeho tvorba zároveň prispela k rozvoju jednoduchšieho a melodickejšieho neapolského štýlu.

SCARLATTI ALESSANDRO (1660 – 1725)

Kapellmeister divadiel, Kráľovskej kaplnky a Neapolského konzervatória, kde vyučoval. Medzi študentmi sú D. Scarlatti, F. Durante, I. A. Hasse. Jeden zo zakladateľov a najväčší predstaviteľ Neapolská operná škola. Pod ním vznikli také formy ako aria da capo, talianska predohra, recitatív s inštrumentálnym sprievodom. Op. viac ako 125 operná séria , vrát. „Rozmary lásky alebo Rosaur“, „Korintský pastier“, „Veľký Tamerlán“, „Mithridates Eupator“, „Telemachos“ atď. Viac ako 700 kantát, 33 serenát, 8 madrigalov.

SCARLATTI DOMENICO (1685 – 1757)

Syn A. Scarlattiho. Písal opery, sakrálnu a svetskú hudbu, no preslávil sa ako virtuózny čembalista. Hlavné miesto v jeho tvorbe zaujímali klávesové skladby s jedným pohybom, ktoré nazýval „cvičenia“. Inovátor v oblasti klávesnicovej techniky. Op. viac ako 550 klávesové sonáty, 12 opier, 70 kantát, 3 omše, Stabat Mater, Te Deum

STRADELLA ALESSANDRO (1644 – 1682)

Taliansky skladateľ, zložil hudbu na objednávku kráľovnej Christiny. Medzi jeho dielami doby rímskej prevládajú prológy a intermezzá, vr. k operám Cavalli a Cesti. Jeho život bol plný škandálov a nahlas milostné príbehy. V roku 1677 utiekol do Janova. Spomedzi niekoľkých opier inscenovaných v Janove vyniká komiks „Guardian of Trespolo“. Stradella zabili z pomsty žoldnieri z rodiny Lomelliniovcov.

Jeden z najtalentovanejších a najvšestrannejších skladateľov svojej doby. Celkovo skomponoval okolo 30 scénických diel a okolo 200 kantát. Zachovalo sa 27 inštrumentálnych diel.

HONOR ANTONIO (1623 – 1669)

Skutočné meno tohto františkánskeho mnícha je Pietro. V mladosti pôsobil ako cirkevný zbormajster v Arezze, potom sa stal novicom vo florentskom kláštore Santa Croce. Katedrálny organista, potom kapelník vo Voltaire, kde ho sponzorovala jeho rodina Medici. Cestiho kariéra operného skladateľa sa začala v roku 1649, keď bola v Benátkach úspešne uvedená jeho opera Orontea. V roku 1652 sa stal dvorným hudobníkom arcivojvodu Ferdinanda Karola v Innsbrucku a bol zbavený vysviacka. Od roku 1665 slúžil na viedenskom cisárskom dvore. Za krátky čas strávený vo Viedni vytvoril mnoho opier, vr. grandiózny" Zlaté jablko" , ktorého produkcia bola načasovaná na svadbu Leopolda I. Krátko pred smrťou bol vymenovaný za dirigenta na toskánskom dvore vo Florencii.

Čebalová suita č.5 d mol

Základy

Hudobník, ktorý predvádza hudobné diela na čembale aj na jeho odrodách, je tzv čembalista.

Pôvod

Najstaršia zmienka o nástroji čembalového typu sa objavuje v roku 1397 v zdroji z Padovy (Taliansko), najskoršie slávny obraz- na oltári v Mindene (1425). Čebalo zostalo v prevádzke ako sólový nástroj až do konca 18. storočia. O niečo dlhšie sa používal na prednes digitálnej basy, na sprevádzanie recitatívov v operách. Okolo roku 1810 sa prakticky prestal používať. Oživenie kultúry hry na čembale sa začalo v r prelom XIX-XX storočia.

Čebala z 15. storočia sa nezachovali. Súdiac podľa obrázkov, išlo o krátke nástroje s ťažkým telom. Väčšina čembaláda zo 16. storočia, ktorá sa zachovala, bola vyrobená v Taliansku, kde boli Benátky hlavným centrom výroby.

Mali 8` register (menej často dva registre 8` a 4`) a vyznačovali sa svojou gráciou. Ich telo bolo najčastejšie vyrobené z cyprusu. Útok na tieto čembalá bol jasnejší a zvuk bol prudší ako u neskorších flámskych nástrojov.

Najvýznamnejším centrom výroby čembala v severnej Európe boli Antverpy, kde od roku 1579 pôsobili predstavitelia rodiny Ruckersovcov. Ich čembalá majú dlhšie struny a ťažšie telá ako talianske nástroje. Od 90. rokov 16. storočia sa v Antverpách vyrábali čembalá s dvoma manuálmi. Francúzske, anglické a nemecké čembalá 17. storočia spájajú črty flámskych a holandských vzorov.

Niektoré francúzske dvojmanuálové čembalá s orechovým telom sa zachovali. Od 90. rokov 17. storočia sa vo Francúzsku vyrábali čembalá rovnakého typu ako nástroje Ruckers. Medzi francúzskymi majstrami čembala vynikala dynastia Blanchet. V roku 1766 Blanchetovu dielňu zdedil Taskin.

Najvýznamnejšími anglickými výrobcami čembala v 18. storočí boli Shudyovci a Kirkmanovci. Ich nástroje mali dubové telo obložené preglejkou a vyznačovali sa silným zvukom s bohatým zafarbením. V Nemecku 18. storočia bol hlavným centrom výroby čembala Hamburg; medzi tými, ktoré sa vyrábajú v tomto meste, sú nástroje s 2` a 16` registrami, ako aj s 3 manuálmi. Nezvyčajne dlhý model čembala navrhol J.D.Dulken, popredný holandský majster 18. storočia.

V 2. polovici 18. storočia sa čembalo začalo nahrádzať klavírom. Okolo roku 1809 vyrobila firma Kirkman svoje posledné čembalo. Iniciátorom oživenia nástroja bol A. Dolmech. Svoje prvé čembalo postavil v roku 1896 v Londýne a čoskoro otvoril dielne v Bostone, Paríži a Haslemere.

Výrobu čembal rozbehli aj parížske firmy Pleyel a Erard. Pleyel začal vyrábať model čembala s kovovým rámom podopierajúcim silno, pevne natiahnuté struny; Wanda Landowska vychovala na nástroje tohto typu celú generáciu čembalistov. Bostonskí majstri Frank Hubbard a William Dowd ako prví skopírovali starožitné čembalá.

Zariadenie

Má tvar podlhovastého trojuholníka. Jeho struny sú umiestnené horizontálne, rovnobežne s klávesmi.

Na konci každého kľúča je posúvač (alebo prepojka). Na hornom konci posúvača je langeta, v ktorej je upevnené plektrum (jazyk) z peria (na mnohých moderných nástrojoch z plastu), tesne nad plektrom je tlmič z plsti alebo mäkkej kože. Keď stlačíte kláves, posúvač sa zdvihne a plektrum zabrnka na strunu. Ak kľúč uvoľníte, uvoľňovací mechanizmus umožní plektru vrátiť sa na svoje miesto pod strunou bez opätovného brnkania na strunu. Vibrácie struny sú tlmené tlmičom.

Na registráciu, t.j. mení silu a farbu zvuku pomocou ručných a nožných spínačov. Plynulé zvyšovanie a znižovanie hlasitosti na čembale je nemožné. V 15. storočí bol rozsah čembala 3 oktávy (v spodnej oktáve chýbali niektoré chromatické tóny); v 16. storočí sa rozšíril na 4 oktávy (C - c«`), v 18. storočí na 5 oktáv (F` - f«`).

Typické nemecké alebo holandské čembalo z 18. storočia má 2 manuály (klávesy), 2 sady 8' strún a jednu sadu 4' strún (znejú o oktávu vyššie), ktoré možno použiť jednotlivo alebo spolu, ako aj ručnú kopuláciu mechanizmus. Spínače registrov nôh a kolien sa objavili koncom 50. rokov 18. storočia. Väčšina nástrojov má tzv lutnový register s charakteristickým nosovým timbrom (na jeho získanie sú struny pomocou špeciálneho mechanizmu mierne tlmené hrbolčekmi kože alebo plsti).

Vypočujte si niečo z klasiky – čo môže byť lepšie?! Najmä cez víkendy, keď si chcete oddýchnuť, zabudnúť na starosti dňa, starosti pracovného týždňa, snívať o krásnych veciach a len tak si zdvihnúť náladu. Len si pomyslite, klasické diela vytvorili geniálni autori tak dávno, že je ťažké uveriť, že niečo môže prežiť toľko rokov. A tieto diela sa stále milujú a počúvajú, vznikajú aranžmány a moderné interpretácie. Dokonca aj v moderné spracovanie, diela skvelých skladateľov zostávajú klasickou hudbou. Ako sám priznáva, klasické diela sú geniálne a všetko geniálne nemôže byť nudné.

Asi všetci veľkí skladatelia majú zvláštny sluch, zvláštnu citlivosť na tón a melódiu, čo im umožnilo vytvárať hudbu, z ktorej sa tešia desiatky generácií nielen ich krajanov, ale aj fanúšikov klasickej hudby po celom svete. Ak stále pochybujete, či máte radi klasickú hudbu, potom sa musíte stretnúť a uvidíte, že v skutočnosti ste už dlhoročným fanúšikom krásnej hudby.

A dnes si povieme niečo o 10 najznámejších skladateľoch sveta.

Johann Sebastian Bach

Prvé miesto patrí zaslúžene. V Nemecku sa narodil génius. Najtalentovanejší skladateľ napísal hudbu pre čembalo a organ. Skladateľ nevytvoril nový štýl v hudbe. Ale dokázal vytvoriť dokonalosť vo všetkých štýloch svojej doby. Je autorom viac ako 1000 esejí. Vo svojich dielach Bach kombinoval rôzne hudobné štýly, s ktorými sa zoznamoval počas svojho života. Často hudobný romantizmus v kombinácii s barokovým štýlom. Počas života Johann Bach Ako skladateľ sa mu nedostalo zaslúženého uznania, záujem o jeho hudbu vzrástol takmer 100 rokov po jeho smrti. Dnes je označovaný za jedného z najväčších skladateľov, ktorí kedy žili na zemi. Jeho jedinečnosť ako človeka, učiteľa a hudobníka sa odrazila v jeho hudbe. Bach položil základy hudby novej a súčasnej doby a rozdelil dejiny hudby na predbachovskú a pobachovskú. Existuje názor, že hudba Bach pochmúrne a pochmúrne. Jeho hudba je dosť zásadná a dôkladná, zdržanlivá a sústredená. Ako odrazy zrelého, svetoznámeho človeka. Tvorba Bach ovplyvnili mnohých skladateľov. Niektorí z nich čerpali podnety z jeho diel alebo z nich čerpali námety. A hudobníci po celom svete hrajú hudbu Bach, obdivujúc jej krásu a dokonalosť. Jedno z najsenzačnejších diel - "Brandenburské koncerty"- výborný dôkaz, že hudba Bach nemožno považovať za príliš ponuré:

Wolfgang Amadeus Mozart

Je právom považovaný za génia. Vo veku 4 rokov už plynule ovládal hru na husle a čembalo, v 6 rokoch začal komponovať hudbu a v 7 rokoch už zručne improvizoval na čembalo, husle a organ a súťažil s slávnych hudobníkov. Už v 14 rokoch Mozart – uznávaný skladateľ, a vo veku 15 rokov - člen hudobných akadémií v Bologni a Verone. Od prírody mal fenomenálny hudobný sluch pamäť a schopnosť improvizovať. Vytvoril ohromujúce množstvo diel - 23 opier, 18 sonát, 23 klavírnych koncertov, 41 symfónií a mnohé ďalšie. Skladateľ nechcel napodobňovať, snažil sa vytvoriť nový model, ktorý by odrážal novú individualitu hudby. Nie je náhoda, že v Nemecku hudba Mozart nazývaný „hudba duše“, skladateľ vo svojich dielach ukázal črty svojej úprimnej, láskyplnej povahy. Najväčší melodista zvláštny význam dal do opery. Opery Mozart- éra vo vývoji tohto druhu hudobné umenie. Mozart všeobecne uznávaný ako jeden z najväčších skladateľov: jeho jedinečnosť spočíva v tom, že pôsobil vo všetkých hudobných formách svojej doby a vo všetkých dosiahol najvyššie úspechy. Jedno z najznámejších diel - "turecký pochod":

Ludwig van Beethoven

Ďalší veľký Nemec bol významnou postavou obdobia romantizmu a klasicizmu. Vedia o tom aj tí, ktorí o tom nič nevedia klasickej hudby. Beethoven je jedným z najhranejších a najuznávanejších skladateľov na svete. Veľký skladateľ bol svedkom obrovských prevratov, ku ktorým došlo v Európe, a prekreslil jej mapu. Tieto veľké prevraty, revolúcie a vojenské konfrontácie sa odrážajú v skladateľovej tvorbe, najmä v symfonických dielach. Obrazy hrdinského boja stelesnil v hudbe. IN nesmrteľné diela Beethoven budete počuť boj za slobodu a bratstvo ľudí, neotrasiteľnú vieru vo víťazstvo svetla nad temnotou, ako aj sny o slobode a šťastí pre ľudstvo. Jedným z najznámejších a najprekvapivejších faktov jeho života je, že jeho choroba uší sa vyvinula do úplnej hluchoty, no napriek tomu skladateľ pokračoval v písaní hudby. Bol tiež považovaný za jedného z najlepších klaviristov. Hudba Beethoven prekvapivo jednoduché a ľahko pochopiteľné široké kruhy poslucháčov. Generácie a dokonca aj éry sa menia a hudba Beethoven stále vzrušuje a teší srdcia ľudí. Jeden z jeho najlepšie diela – "Sonáta mesačného svitu":

Richard Wagner

S menom veľkého Richard Wagner najčastejšie spájaný s jeho majstrovskými dielami "Svadobný zbor" alebo "Jazda Valkýr". Ale je známy nielen ako skladateľ, ale aj ako filozof. Wagner považoval svoje hudobné diela za spôsob vyjadrenia určitého filozofického konceptu. S Wagner začala nová hudobná éra opier. Skladateľ sa snažil operu priblížiť k životu, hudba je pre neho len prostriedkom. Richard Wagner– tvorca hudobnej drámy, reformátor opier a dirigentského umenia, inovátor harmonického a melodického jazyka hudby, tvorca nových foriem hudobná expresivita. Wagner- autor najdlhšej sólovej árie na svete (14 minút 46 sekúnd) a najdlhšej klasickej opery na svete (5 hodín a 15 minút). Počas života Richard Wagner bol považovaný za kontroverzného človeka, ktorý bol buď zbožňovaný alebo nenávidený. A často oboje spolu. Mystická symbolika a antisemitizmus z neho urobili Hitlerovho obľúbeného skladateľa, no jeho hudbe uzavreli cestu do Izraela. Skladateľovi priaznivci ani odporcovia však nepopierajú jeho skladateľskú veľkosť. Nádherná hudba od prvých tónov Richard Wagnerúplne vás pohltí a nenecháva priestor na spory a nezhody:

Franz Schubert

rakúsky skladateľ - hudobný génius, jeden z najlepších skladateľov piesní. Mal iba 17 rokov, keď napísal svoju prvú pieseň. Za jeden deň dokázal napísať 8 skladieb. Pre moje tvorivý život vytvoril viac ako 600 skladieb na básne viac ako 100 veľkých básnikov vrátane Goetheho, Schillera a Shakespeara. Preto Franz Schubert v top 10. Aj keď kreativita Schubert veľmi rôznorodé v použití žánrov, nápadov a reinkarnácií, prevládajúcou a určujúcou vecou v jeho hudbe sú vokálne a piesňové texty. Komu Schubert pieseň bola považovaná za bezvýznamný žáner a bol to on, kto ju pozdvihol k moci umeleckej dokonalosti. Navyše spojil zdanlivo nezlúčiteľnú pieseň a komornú symfonickú hudbu, čím vznikol nový smer lyricko-romantickej symfónie. Vokálne a piesňové texty sú svetom jednoduchých a hlbokých, jemných až intímnych ľudských zážitkov, vyjadrených nie slovami, ale zvukom. Franz Schubertžil veľmi krátky život, má len 31 rokov. Osud skladateľových diel nie je o nič menej tragický ako jeho život. Po smrti Schubert zostalo veľa nepublikovaných rukopisov uložených v knižniciach a zásuvkách príbuzných a priateľov. Ani jeho najbližší nevedeli o všetkom, čo napísal, a to po celý čas mnoho rokov bol uznávaný hlavne len ako kráľ spevu. Niektoré skladateľove diela vyšli až polstoročie po jeho smrti. Jedno z najobľúbenejších a najznámejších diel Franz Schubert – "Večerná serenáda":

Robert Schumann

Nemecký skladateľ s rovnako tragickým osudom je jedným z nich najlepších skladateľov romantická éra. Vytvoril hudbu úžasnej krásy. Ak chcete získať predstavu o nemeckom romantizme 19. storočia, stačí si vypočuť "karneval" Robert Schumann. Dokázal sa oslobodiť od hudobných tradícií klasickej éry a vytvoril si vlastnú interpretáciu romantického štýlu. Robert Schumann bol obdarený mnohými talentmi a ani dlho sa nevedel rozhodnúť medzi hudbou, poéziou, publicistikou a filológiou (bol polyglotom a plynule prekladal z angličtiny, francúzštiny a taliančiny). Bol tiež úžasným klaviristom. A predsa hlavné povolanie a vášeň Schumann bola tam hudba. Jeho poetická a hlboko psychologická hudba do značnej miery odráža dualitu skladateľovej povahy, nával vášne a úniku do sveta snov, uvedomenie si vulgárnej reality a túžbu po ideáli. Jedno z majstrovských diel Robert Schumann, ktoré jednoducho musí počuť každý:

Frederic Chopin

Azda najznámejší Poliak vo svete hudby. Hudobný génius tejto úrovne sa v Poľsku nenarodil ani predtým, ani potom. Poliaci sú neuveriteľne hrdí na svojho veľkého krajana a skladateľ vo svojej tvorbe viackrát oslavuje svoju vlasť, obdivuje krásu krajiny, lamentuje nad tragickou minulosťou a sníva o skvelej budúcnosti. Frederic Chopin- jeden z mála skladateľov, ktorí písali hudbu výlučne pre klavír. Jeho tvorivé dedičstvo nezahŕňa ani opery, ani symfónie, ale klavírne skladby prezentované v celej svojej rozmanitosti. Jeho diela tvoria základ repertoáru mnohých známych klaviristov. Frederic Chopin je poľský skladateľ, ktorý je známy aj ako talentovaný klavirista. Žil len 39 rokov, no podarilo sa mu vytvoriť mnoho majstrovských diel: balady, predohry, valčíky, mazurky, nokturná, polonézy, etudy, sonáty a mnoho, oveľa viac. Jedným z nich je "Balada č. 1, g mol".

Franz Liszt

Je jedným z najväčších svetových skladateľov. Žil pomerne dlho a prekvapivo bohatý život, zažil chudobu a bohatstvo, stretol lásku a čelil opovrhnutiu. Okrem prirodzeného talentu mal fantastickú schopnosť pracovať. Franz Liszt si vyslúžil nielen obdiv hudobných fajnšmekrov a fanúšikov. Ako skladateľ aj ako klavirista získal všeobecné schválenie od Európy Kritici XIX storočia. Vytvoril viac ako 1300 diel a podobne Frederic Chopin uprednostňoval diela pre klavír. Brilantný klavirista Franz Liszt vedel reprodukovať zvuk celého orchestra na klavíri, majstrovsky improvizoval a mal fantastickú pamäť hudobné skladby, nemal obdobu v čítaní poznámok z listu. Mal patetický štýl vystupovania, čo sa prejavilo aj v jeho hudbe, ktorá bola emocionálne vášnivá a hrdinsky optimistická, vytvárala pestré hudobné obrazy a na poslucháčov nezmazateľne zapôsobila. Vizitkou skladateľa sú jeho klavírne koncerty. Jedno z týchto diel. A jedno z najznámejších diel Liszt – "Sny o láske":

Johannes Brahms

Významnou postavou romantického obdobia v hudbe je Johannes Brahms . Počúvajte a milujte hudbu Brahms počíta dobrú chuť a charakteristický znak romantickej povahy. Brahms nenapísal ani jednu operu, ale vytvoril diela vo všetkých ostatných žánroch. Zvláštna sláva Brahms priniesol svoje symfónie. Už v prvých dieloch je evidentná skladateľova originalita, ktorá sa časom pretavila do jeho vlastného štýlu. Ak zvážime všetky diela Brahms, nemožno povedať, že by bol skladateľ nejako výrazne ovplyvnený tvorbou svojich predchodcov či súčasníkov. A to z hľadiska škály kreativity Brahmsčasto porovnávané s Bach A Beethoven. Možno je toto prirovnanie opodstatnené v tom zmysle, že dielo troch veľkých Nemcov predstavuje vyvrcholenie celej jednej epochy v dejinách hudby. Na rozdiel od Franz Lisztživota Johannes Brahms bol bez turbulentných udalostí. Uprednostňoval tichú kreativitu, za svojho života si vyslúžil uznanie svojho talentu a všeobecný rešpekt a boli mu udelené aj nemalé vyznamenania. Najvýraznejšia hudba, v ktorej tvorivá sila Brahms mal obzvlášť jasný a originálny efekt, je jeho "nemecké rekviem", dielo, ktoré autor tvoril 10 rokov a venoval ho svojej matke. Vo vašej hudbe Brahms spieva o večných hodnotách ľudský život ktoré spočívajú v kráse prírody, umení veľkých talentov minulosti a kultúre ich domoviny.

Giuseppe Verdi

Bez čoho je desať najlepších skladateľov?! Taliansky skladateľ je známy najmä vďaka svojim operám. Stal sa národnou slávou Talianska, jeho dielo je vrcholom rozvoja talianskej opery. Jeho úspechy a skladateľské zásluhy nemožno preceňovať. Jeho diela sú aj storočie po smrti autora stále najobľúbenejšie, najrozšírenejšie, známe znalcom aj milovníkom klasickej hudby.

Pre Verdi V opere bola najdôležitejšia dráma. Vytvoril skladateľ hudobné obrazy Rigoletto, Aida, Violetta, Desdemona organicky kombinujú jasnú melódiu a hĺbku postáv, demokraciu a sofistikovanosť hudobných charakteristík, zúrivé vášne a svetlé sny. Verdi bol skutočný psychológ v chápaní ľudské vášne. Jeho hudba je vznešenosť a sila, úžasná krása a harmónia, nevýslovne krásne melódie, nádherné árie a duetá. Vášne stúpajú, komédia a tragédia sa prelínajú a spájajú. Zápletky opier, ako sám priznal Verdi, musí byť „originálny, zaujímavý a... vášnivý, s vášňou nadovšetko.“ A väčšina jeho diel je vážna a tragická, demonštruje emocionálne dramatické situácie a hudbu velikánov Verdi dáva expresivitu tomu, čo sa deje, a zdôrazňuje akcenty situácie. Tým, že absorboval všetko najlepšie, čo talianska operná škola dosiahla, nepoprel operné tradície, ale reformoval taliansku operu, naplnil ju realizmom a dal jej jednotu celku. Zároveň neoznámil svoju reformu, nepísal o nej články, ale jednoducho písal opery novým spôsobom. Triumfálny sprievod jedného z majstrovských diel Verdi- opery - sa prehnali po talianskych javiskách a pokračovali v Európe, ako aj v Rusku a Amerike, čo prinútilo aj skeptikov rozpoznať talent veľkého skladateľa.

10 najznámejších skladateľov na svete aktualizované: 25. novembra 2017 používateľom: Elena