Tri hlavné etapy európskeho hudobného romantizmu 19. storočia – raná, zrelá a neskorá – zodpovedajú vývojovým etapám rakúskej a nemeckej romantickej hudby. Túto periodizáciu však treba špecifikovať a trochu objasniť vo vzťahu k najdôležitejším udalostiam v hudobnom umení každej krajiny.
Počiatočné štádium nemecko-rakúskeho hudobného romantizmu sa datuje od 10. do 20. rokov 20. storočia, ktoré sa časovo zhoduje s vyvrcholením boja proti napoleonskej nadvláde a následným nástupom temnej politickej reakcie. Začiatok tejto etapy bol poznačený takými hudobnými fenoménmi, akými boli opery „Ondine“ od Hoffmanna (1913), „Silvana“ (1810), „Abu Hasan“ (1811) a programové klavírne dielo „Pozvánka do tanca“ (1815). ) od Webera, prvé skutočne originálne Schubertove piesne – „Margarita na kolovrate“ (1814) a „Lesný kráľ“ (1815). V 20. rokoch sa začal rozkvet raného romantizmu, keď sa naplno rozvinul génius raného vyblednutého Schuberta, keď sa objavila Čarovná strelec, Euryata a Oberon - posledné tri, najdokonalejšie opery Bebera, v roku jeho smrti (1820) Na hudobnom obzore sa objavuje nové „svetlo“ – Mendelssohn-Bartholdy, ktorý predviedol nádhernú koncertnú predohru – Sen noci svätojánskej.
Stredná etapa pripadá najmä na 30. – 40. roky, jej hranice určuje júlová revolúcia vo Francúzsku, ktorá výrazne zasiahla vyspelé kruhy Rakúska a najmä Nemecka, a revolúcia rokov 1848 – 1949, ktorá sa mocne prehnala r. nemecko-rakúske krajiny. V tomto období prekvitala v Nemecku kreativita Mendelssohna (zomrel 1147) a Schumanna, ktorých skladateľská činnosť prekročila naznačenú hranicu len na niekoľko rokov;
Neskoré, porevolučné obdobie romantizmu, trvajúce niekoľko desaťročí (od začiatku 50. do približne polovice 90. rokov), bolo spojené s napätou spoločensko-politickou situáciou (rivalita medzi Rakúskom a Pruskom pri zjednocovaní nemeckých krajín, vznik tzv. zjednoteného Nemecka pod vládou militaristického Pruska a konečnej politickej izolácie Rakúska). V tejto dobe je naliehavý problém jednotného, ​​celonemeckého hudobného umenia, jasnejšie sa odhaľujú rozpory medzi rôznymi tvorivými skupinami a jednotlivými skladateľmi a vzniká boj o smerovanie, ktorý sa niekedy odráža vo vášnivých polemikách na stránkach tlače.

O zjednotenie progresívnych hudobných síl krajiny sa pokúša Liszt, ktorý sa presťahoval do Nemecka, no jeho tvorivé princípy spojené s myšlienkami radikálnej inovácie založenej na softvéri nezdieľajú všetci nemeckí hudobníci. Osobitné postavenie má Wagner, ktorý absolutizoval úlohu hudobnej drámy ako „umenia budúcnosti“. Zároveň sa Brahms, ktorý dokázal vo svojom diele dokázať trvalý význam mnohých klasických hudobných tradícií v ich spojení s novým, romantickým svetonázorom, stáva hlavou protilisztovského a protiwagnerovského hnutia vo Viedni.
Významný je v tomto smere rok 1876: v Bayreuthe sa koná premiéra Wagnerovho Prsteňa Nibelunga a Viedeň sa zoznamuje s prvou Brahmsovou symfóniou, ktorá otvorila obdobie najvyššieho rozkvetu jeho tvorby.
Zložitosť hudobnej a historickej situácie týchto rokov sa neobmedzuje len na prítomnosť rôznych smerov s ich pôvodom – Lipsko, Weimar, Bayreuth.
Napriek tomu aj po polovici 80. rokov, keď romantizmus zjavne začínal zastarávať, sa v Rakúsku a Nemecku stále objavovali jednotlivé jasné výbuchy romantickej tvorivosti: posledné klavírne diela Brahmsa a neskoré Brucknerove symfónie boli zahalené do romantizmu; Najväčší skladatelia prelomu 19. a 20. storočia - Rakúšan Mahler a Nemec Richard Strauss - sa v dielach 80. a 90. rokov niekedy prejavujú ako typickí romantici. Vo všeobecnosti sa títo skladatelia stávajú akýmsi spojivom medzi „romantickým“ devätnástym storočím a „antiromantickým“ dvadsiatym.)
"Blízkosť hudobnej kultúry Rakúska a Nemecka v dôsledku kultúrnych a historických tradícií, prirodzene, nevylučuje určité národnostné rozdiely. V roztrieštenom, no národnostne zjednotenom Nemecku a v politicky zjednotenom, no mnohonárodnostnom rakúskom cisárstve („patchwork monarchie“), zdroje, ktoré živili hudobnú tvorivosť a úlohy, ktorým čelili hudobníci, boli niekedy rôzne. V zaostalom Nemecku bolo teda prekonanie filištínskej stagnácie a úzkeho provincializmu mimoriadne naliehavou úlohou, ktorá si zase vyžadovala výchovné aktivity rôznych foriem. súčasťou popredných predstaviteľov umenia v týchto krajinách sa vynikajúci nemecký skladateľ nemohol obmedziť len na komponovanie hudby, ale musel sa stať aj hudobnou a spoločenskou osobnosťou a skutočne nemeckí romantickí skladatelia energicky vykonávali kultúrno-výchovné úlohy a prispeli k všeobecnému vzostupu úrovne celej hudobnej kultúry v rodnej krajine: Weber - ako operný spevák a hudobný kritik, Mendelssohn - ako koncertný dirigent a významný pedagóg, zakladateľ prvého konzervatória v Nemecku; Schumann - ako inovatívny hudobný kritik a tvorca nového typu hudobného časopisu. Neskôr sa Wagnerova hudobná a spoločenská činnosť, vzácna svojou všestrannosťou, rozvinula ako divadelný a symfonický dirigent, kritik, estetik, reformátor opery a tvorca nového divadla v Bayreuthe.
V Rakúsku s jeho politickou a kultúrnou centralizáciou (plukovská hegemónia Viedne ako politického a kultúrneho centra), s implantovanými ilúziami o patriarcháte, imaginárnom blahobyte a so skutočnou dominanciou najbrutálnejšej reakcie bola široká spoločenská aktivita nemožná1.
V tejto súvislosti nemožno neupútať pozornosť na rozpor medzi občianskym pátosom Beethovenovej tvorby a vynútenou sociálnou pasivitou veľkého skladateľa. Čo môžeme povedať o Schubertovi, ktorý sa ako umelec formoval v období po Viedenskom kongrese v rokoch 1814-1815! Slávny Schubertov kruh bol jedinou možnou formou zjednotenia vyspelých predstaviteľov umeleckej inteligencie, no takýto kruh nemohol mať v Metternichovej Viedni skutočný verejný ohlas. Inými slovami, v Rakúsku boli najväčší skladatelia takmer výlučne tvorcami hudobných diel: nemohli sa prejaviť v oblasti hudobných a spoločenských aktivít. Platí to pre Schuberta, Brucknera, syna Johanna Straussa a niektorých ďalších.

Špecifické pre hudobnú kultúru Rakúska bolo mimoriadne široké rozšírenie rôznych foriem zábavnej hudby - serenády, kasácie, divertissementy, ktoré zaujímali popredné miesto v tvorbe viedenských klasikov Haydna a Mozarta. V ére romantizmu význam každodennej, zábavnej hudby nielenže zostal, ale stal sa ešte silnejším. Ťažko si predstaviť napríklad Schubertovu tvorivú podobu bez toho ľudového každodenného prúdu, ktorý preniká jeho hudbou a ktorý sa vracia k viedenským zábavám, piknikom, dovolenkám v parkoch až k príležitostnému pouličnému muzicírovaniu.
Ale už v časoch Schuberta sa začala pozorovať stratifikácia vo viedenskej profesionálnej hudbe. A ak sám Schubert vo svojej tvorbe ešte spájal symfónie a sonáty s valčíkmi a ländlermi, ktorých sa objavovali doslova stovky,1 ako aj pochody, ekosy, polonézy, tak jeho súčasníci Lainer a Strauss otec urobili z tanečnej hudby základ svojej činnosti. Následne sa táto „polarizácia“ prejavuje v korelácii diel dvoch rovesníkov – klasika tanečnej a operetnej hudby Johanna Straussa syna (1825 – 1899) a symfonistu Brucknera (1824 – 1896).
Napriek všetkým týmto a ďalším rozdielom vo vývoji rakúskej a nemeckej hudby sú spoločné črty v romantickom umení oboch krajín oveľa nápadnejšie. Aké sú špecifiká, ktorými sa tvorba Schuberta, Webera a ich najbližších pokračovateľov – Mendelssohna a Schumanna – odlišovala od romantickej hudby iných európskych krajín?
Intímne, oduševnené texty, zahalené v snovosti, sú typické najmä pre Schuberta, Webera, Mendelssohna a Schumanna. V ich hudbe dominuje tá melodická melódia, čisto vokálneho pôvodu, ktorá sa zvyčajne spája s konceptom nemeckého „Lied“. Tento štýl je rovnako charakteristický pre piesne a mnohé melodické inštrumentálne témy Schuberta, lyrické operné árie Webera, „Piesne bez slov“ od Mendelssohna a „Ebsebevského“ obrazy Schumanna. Melódia vlastná tomuto štýlu sa však líši od špecificky talianskych operných kantilén Belliniho, ako aj od afektívnych a deklamačných obratov charakteristických pre francúzskych romantikov (Berlioz, Menerbere).
V porovnaní s progresívnym francúzskym romantizmom, charakteristickým povznesenosťou a účinnosťou, naplneným civilným, hrdinsko-revolučným pátosom, pôsobí rakúsky a nemecký romantizmus celkovo kontemplatívnejšie, zahľadenejšie do seba, subjektívne lyrickejšie. Jeho hlavná sila je však v odhaľovaní vnútorného sveta človeka, v tom hlbokom psychologizme, ktorý sa naplno prejavil najmä v rakúskej a nemeckej hudbe, určujúci neodolateľný umelecký vplyv mnohých hudobných diel. Toto. nevylučuje však jednotlivé svetlé prejavy hrdinstva a vlastenectva v dielach romantikov v Rakúsku a Nemecku. Takými sú mohutná hrdinsko-epická symfónia C dur od Schuberta a niektoré jeho piesne („Vozárovi Kronosovi“, „Skupina z pekla“ a iné), zborový cyklus „Lýra a meč“ od Webera (na básne od r. vlastenecký básnik T. Kerner „Symfonické etudy“ „Schumann, jeho pieseň „Dvaja granátnici“; napokon jednotlivé hrdinské stránky v takých dielach ako Mendelssohnova „Škótska symfónia“ (apoteóza vo finále), Schumannov „Karneval“ (finále, jeho tretia symfónia (prvá časť, ale hrdinstvo Beethovenovho plánu, titanizmus boja neskôr ožívajú na novom základe - v hrdinsko-epických hudobných drámach Wagnera v prvých fázach nemecko-rakúskeho romantizmu, aktívneho, účinného). Princíp je oveľa častejšie vyjadrený v obrazoch, ktoré sú patetické, vzrušené, rebelské, ale nie reflexívne, ako v Beethovenovom cieľavedomom, víťaznom procese boja. Také sú Schubertove piesne „Shelter“ a „Atlant“, Schumannove obrázky Florestan, jeho „Manfred“. “, predohra Mendelssohna “Run Blaz”.

Obrazy prírody zaujímajú v dielach rakúskych a nemeckých romantických skladateľov mimoriadne dôležité miesto. „Empatická“ úloha obrazov prírody je obzvlášť veľká v Schubertových vokálnych cykloch a v Schumannovom cykle „Láska básnika“.
Romantická túžba po ideáli v nemecko-rakúskej hudbe nachádza špecifický výraz najmä v téme putovania, hľadania šťastia v inej, neznámej krajine. Najzreteľnejšie sa to prejavilo v dielach Schuberta („Túlák“, „Krásna Millerova žena“, „Winter Reise“) a neskôr u Wagnera v obrazoch Lietajúceho Holanďana, Cestovateľa Wotana a potulného Siegfrieda.
Táto tradícia v 80. rokoch vedie k Mahlerovmu cyklu „Piesne potulného učňa“.
Veľký priestor venovaný fantastickým obrazom je tiež typickým národným znakom nemecko-rakúskeho romantizmu (priamy vplyv mal na francúzskeho romantika Berlioza). Toto je po prvé fantázia zla, démonizmus, ktorý našiel svoje najživšie stelesnenie v „Siene v údolí vlkov“ z Weberovej opery „Kúzelný strelec“, v „Upír“ od Marschnera, kantáte „Valpuržina noc“. “ od Mendelssohna a množstvo ďalších diel. Po druhé, fantázia je ľahká, jemne poetická, splýva s krásnymi, nadšenými obrazmi prírody: scény v opere „Oberon“ od Webera, predohra „Sen noci svätojánskej“ od Mendelssohna a potom obraz Wagnerovho Lohengrina - posla grálu. Medzimiesto tu patrí mnohým Schumannovým obrazom, kde fantázia stelesňuje nádherný, rozmarný začiatok, bez veľkého dôrazu na problém zla a dobra.

Široko uplatňovaný princíp „spevavosti“ – typická všeobecná tendencia v tvorbe romantických skladateľov – sa rozširuje aj na ich inštrumentálnu hudbu.
Dosahuje väčšiu individualizáciu melódie prostredníctvom charakteristickej kombinácie aktuálnych piesňových a deklamačných obratov, spevu základov, chromatizácie atď. Harmonický jazyk je obohatený: typické harmonické formuly klasikov sú nahradené pružnejšou a pestrejšou harmóniou plagality a vedľajších krokov režimu sa zvyšuje. Jeho farebná stránka sa stáva dôležitou v harmónii. Charakteristické je aj postupne sa zvyšujúce vzájomné prenikanie dur a mol. Od Schuberta teda v podstate pochádza tradícia porovnávania dur s molom rovnakého mena (zvyčajne dur po mol), keďže sa to stalo obľúbenou technikou v jeho tvorbe. Rozširuje sa rozsah použitia harmonickej dur (charakteristické sú najmä molové subdominanty v kadenciách durových diel). V súvislosti s dôrazom na jednotlivca a identifikáciou jemných detailov obrazu sú aj úspechy v oblasti orchestrácie (význam špecifického zafarbenia témbrov, rastúca úloha sólových nástrojov, pozornosť k novým interpretačným dotykom sláčikov, atď.). Ale samotný orchester v podstate nemení svoje klasické zloženie.
Úloha rakúskych a nemeckých romantikov pri vytváraní nových kompozičných princípov bola veľká. Sonátovo-symfonické cykly klasikov nahrádzajú inštrumentálne miniatúry; cyklizácia miniatúr, zreteľne rozvinutá vo sfére vokálnych textov Schuberta, sa prenáša do inštrumentálnej hudby (Schumann). Objavili sa aj veľké jednovetové skladby spájajúce princípy sonáty a cyklickosti (Schubertova klavírna fantázia C dur, Weberov Concertstück, prvá časť Schumannovej fantázie C dur). Sonátovo-symfonické cykly zasa prešli u romantikov výraznými zmenami a vznikli rôzne typy „romantickej sonáty“ a „romantickej symfónie“. Hlavným úspechom však bola nová kvalita hudobného myslenia, ktorá predurčila tvorbu miniatúr, ktoré boli plné obsahu a sily expresivity – tá zvláštna koncentrácia hudobného výrazu, vďaka ktorej sa samostatná pieseň alebo jednočasťové klavírne dielo stalo stredobodom záujmu. hlboké myšlienky a skúsenosti.

Na čele rýchlo sa rozvíjajúceho rakúskeho a nemeckého romantizmu v prvej polovici 19. storočia stáli jednotlivci, ktorí boli nielen brilantne nadaní, ale aj vyspelí vo svojich názoroch a ašpiráciách. To určilo trvalý význam ich hudobného diela, jeho význam ako „novej klasiky“, čo sa ukázalo koncom storočia, keď hudobnú klasiku nemeckého jazyka reprezentovali v podstate nielen veľkí skladatelia. z 18. storočia a Beethovena, ale aj od veľkých romantikov - Schuberta, Schumanna, Webera, Mendelssohna. Títo pozoruhodní predstavitelia hudobného romantizmu, hlboko uctievajúci svojich predchodcov a rozvíjajúci mnohé z ich úspechov, dokázali zároveň otvoriť úplne nový svet hudobných obrazov a im zodpovedajúcich kompozičných foriem. Ukázalo sa, že v ich tvorbe prevláda osobný tón, ktorý ladí s náladami a myšlienkami demokratických más. Zaviedli v hudbe ten charakter expresivity, ktorý výstižne opísal B. V. Asafiev ako „živú, spoločenskú reč, od srdca k srdcu“ a vďaka ktorej sú Schubert a Schumann podobní Chopinovi, Griegovi, Čajkovskému a Verdimu. O humanistickej hodnote romantického hudobného hnutia Asafiev napísal: „Osobné vedomie sa neprejavuje v jeho izolovanej, hrdej izolácii, ale v jedinečnej umeleckej reflexii všetkého, čím ľudia žijú a čo ich vždy a nevyhnutne vzrušuje. V takejto jednoduchosti znejú vždy krásne myšlienky a úvahy o živote – koncentrácia toho najlepšieho, čo v človeku je.“

Skryabina Svetlana Anatolevna

MBOU DOD DSHI Uvarovo, región Tambov.

učiteľ

Abstraktné

„Klavírne diela romantických skladateľov“

Úvod.

2. Romantizmus v hudbe.

4. Vplyv romantického štýlu na klavírnu tvorbu F. Liszta.

5. Záver.

6. Zoznam referencií.

Úvod.

Romantizmus ako umelecké hnutie sa formoval koncom 18. a začiatkom 19. storočia najskôr v literatúre (v Nemecku, Veľkej Británii a ďalších krajinách Európy a Ameriky), potom v hudbe a iných formách umenia. Romantický štýl je originálny, fantastický a vznešený.

Éra romantizmu zohrala obrovskú úlohu vo vývoji hudobnej kultúry. Romantizmus zahŕňal všetky oblasti kultúry: filozofiu, estetiku, divadlo, literatúru, hudbu a iné humanitné vedy. V súvislosti s rôznymi národnými tradíciami a historickými aspektmi získal romantizmus, ktorý sa rozvíjal v rôznych krajinách, zvláštne národné črty: medzi Nemcami - v mystike, medzi Britmi - v osobnosti, ktorá sa postaví proti rozumnému správaniu, medzi Francúzmi - v nezvyčajnom príbehov. Romantický štýl sa vyznačuje príťažlivosťou k vnútornému svetu človeka, túžbou po emocionalite, čo určilo prvenstvo literatúry a hudby v romantizme.

Relevantnosť Táto téma spočíva v tom, že romantizmus bol oporou mnohých skladateľov, zohral obrovskú úlohu pri rozvoji hudobnej kultúry a presadil aj rozvoj klavírnej tvorivosti romantických skladateľov.

Účel tejto práce– identifikovať hlavné črty romantizmu a študovať ich odraz v klavírnej tvorbe romantických skladateľov riešením nasledujúcich problémov:

1. Zvážte hlavné črty romantizmu;
2. Identifikovať prejavy romantizmu v hudbe;
3. Študovať štýlové črty romantizmu v klavírnej hudbe;
4. Charakterizujte klavírne dielo F. Liszta.

Romantickí skladatelia, aby oživili svoje myšlienky, prešli na nové formy: klavírne miniatúry, balady, nokturná, polonézy, improvizované, lyrické programové diela; Došlo k voľnejšiemu využívaniu sonátovo-symfonických a variačných foriem, vytváraniu nových veľkých jednočlenných foriem – sonáty, koncertu, symfonickej básne, využívaniu špeciálnych rozvíjacích techník – leitmotívov, monotematizmu, vokálnej deklamácie, kolorizmu.

1. Počiatky romantizmu a jeho črty.

V súvislosti s buržoáznou revolúciou vo Francúzsku sa zmenili názory a predstavy ľudí. Historické udalosti zanechali stopy na duši každého, kto bol svedkom revolučných prevratov. Myšlienky rovnosti, bratstva a slobody sa priblížili umelcom, spisovateľom a hudobníkom. Vek osvietenstva sa tak skončil. Nový spoločenský poriadok však nenaplnil očakávania tejto spoločnosti a nastalo sklamanie a vznik nového ideologického systému – romantizmu – sa stal nezvratným.

Romantizmus je ideologické a umelecké hnutie v európskej a americkej duchovnej kultúre konca 18. – prvej polovice 19. storočia, ktoré nahradilo klasicizmus. Dochádza k hlbokým posunom v obsahu umenia, v pohybe estetického myslenia a v povahe umeleckých obrazov.

V centre sveta romantizmu je ľudská osobnosť, usilujúca sa o úplnú vnútornú slobodu, dokonalosť a obnovu. Svoj postoj k životu a svetu okolo seba vyjadruje textami emotívnych zážitkov a pocitov. Lyrizmus umeleckých obrazov sa premietol do obratu umenia, ktorý smeroval jeho vývoj, spojenie s minulosťou a pohyb do budúcnosti.

Základom romantizmu bol koncept duálnych svetov (svet snov a svet skutočný). Rozpor medzi ideálom a realitou, charakteristický pre predchádzajúce časti, nadobúda v romantizme neobyčajnú ostrosť a intenzitu.

Hlavnou úlohou romantizmu bolo zobrazenie vnútorného sveta, duševného života. Práve s romantizmom sa začína objavovať skutočný psychologizmus. Zdržanlivosť a pokora boli odmietnuté, nahradili ich silné emócie, často siahajúce do extrémov. Medzi romantikmi bola ľudská psychológia odetá do mysticizmu, dominovali v nej momenty iracionálneho, nejasného a tajomného.

Romantici sa obrátili k tajomným, záhadným, ba až hrozným ľudovým poverám a rozprávkam. Odmietajúc každodenný život modernej civilizovanej spoločnosti ako bezfarebný a prozaický, romantici sa snažili o všetko neobvyklé. Lákala ich sci-fi, ľudové povesti a ľudové umenie vôbec.

Hrdina romantizmu je predovšetkým individualistický nadčlovek. Pre romantikov je človek malý vesmír, mikrokozmos. Intenzívny záujem o silné a živé pocity, všetko pohlcujúce vášne, o tajné hnutia duše, o jej „nočnú“ stránku, túžba po intuitívnom a nevedomom, sú základnými črtami romantického umenia.

2. Romantizmus v hudbe.

V druhom desaťročí 19. storočia vzniká hudobný romantizmus, ktorý vzniká pod vplyvom literárneho umenia. Bol to historicky nový fenomén, aj keď sa odhalili hlboké spojenia s hudobnou „klasikou“. Pri štúdiu a hraní diel romantických skladateľov pociťujeme povznesenie z duchovnej štruktúry a vznešenosti citov, dramatický kontrast, hlboký pátos, úprimnú lyriku.

Zakladateľmi éry romantizmu sú skladatelia ako: Liszt, Chopin, Schumann, Grieg. V neskoršom období vznikol hudobný „impresionizmus“ Debussyho, Ravela a Skrjabina.

Schubertove klavírne miniatúry, Mendelssohnove „Piesne bez slov“, klavírne cykly, nokturná, Schumannove prelúdiá, Chopinove balady – to všetko bohatstvo pretváralo staré žánre a formy, vstúpilo do hudobnej pokladnice sveta a nadobudlo význam v klasickej hudbe.

Dominantné miesto zaujíma téma lásky, práve tento stav mysle najkomplexnejšie a najúplnejšie odráža všetky hĺbky a nuansy ľudskej psychiky. Láska človeka k domovu, k vlasti, k ľudu sa ako priechodná niť tiahne dielom všetkých romantických skladateľov.

Romantici majú obraz prírody, ktorý je úzko a nerozlučne spätý s témou lyrického vyznania. Podobne ako obrazy lásky, aj obraz prírody zosobňuje stav mysle hrdinu, ktorý je tak často zafarbený pocitom nesúladu s realitou.

Téma fantázie často konkuruje obrazom prírody a to je generované túžbou uniknúť zo zajatia skutočného života. Pre skladateľov romantickej školy získavajú rozprávkové fantastické obrazy jedinečné národné sfarbenie. Chopinove balady sú inšpirované Baladami Mickiewicza, Schumanna, Mendelssohna, vytvárajú diela fantastického groteskného plánu, symbolizujúce akoby odvrátenú stranu viery, snažiace sa zvrátiť myšlienky strachu zo síl zla.

Neskoré obdobie života a tvorby posledného veľkého klasického skladateľa Ludwiga van Beethovena sa prekrývalo s rozkvetom tvorby prvého veľkého romantického skladateľa Franza Schuberta. Táto významná zhoda dokazuje úzke prepojenie medzi klasickým a romantickým hudobným umením. Napriek kontinuite medzi týmito dvoma dedičstvami existujú dôležité rozdiely typické pre vzťah medzi tvorbou klasických skladateľov a romantickými skladateľmi. Hlavným rozdielom je osobitný dôraz v romantickej hudbe na stelesnenie snových lyrických a vzrušených lyricko-patických obrazov a nálad.

Romantickí skladatelia začali prejavovať veľký záujem o národnú jedinečnosť ruskej hudby, ako aj o hudbu iných národov. V tomto smere sa začalo starostlivé štúdium ľudovej hudby – hudobného folklóru. Zároveň vzrástol záujem o národnú historickú minulosť, o staré legendy, rozprávky a rozprávky, čo dalo základ vzniku fascinujúcich fantastických obrazov. Osvojením si nových tém a obrazov, romantická hudba zvýšila svoju interakciu s romantickou poéziou a romantickým divadlom. To predurčilo vysoký rozkvet romantickej opery v 19. storočí, žánru, v ktorom dochádza k syntéze všetkých druhov umenia. Jednou z najvýraznejších romantických opier je Čarovná strelec od nemeckého skladateľa Carla Maria von Webera.

Romantické hudobné umenie vyprodukovalo mnoho vynikajúcich skladateľov, ktorí boli často aj vynikajúcimi koncertnými interpretmi.

3. Štýlové znaky obdobia romantizmu v klavírnej hudbe.

V štýle hudby éry romantizmu zohrávajú veľmi dôležitú úlohu modálne a harmonické prostriedky. Prvým z týchto procesov - dynamika - je saturácia akordov v hrách s alteráciami a disonanciami, čo prehlbovalo ich nestabilitu a zvyšovalo napätie, ktoré si vyžadovalo rozlíšenie v ďalšej hre. Takéto vlastnosti prednesu diel romantických skladateľov vyjadrovali „lenivosť“ typickú pre tento štýl, tok „nekonečne“ rozvíjajúcich sa pocitov, ktorý bol plne stelesnený najmä v dielach Chopina, Schumanna a Griega. Z prirodzených režimov boli vyťažené rôzne farby a pestré zvuky, pomocou ktorých bol zdôraznený ľudový či archaický charakter hudby. Pri zobrazovaní fantastických, rozprávkových alebo rozmarných obrazov bola veľká úloha priradená celotónovým a chromatickým stupniciam.

V romantickej melodickej hudbe pôsobili tieto trendy: túžba po šírke a kontinuita vývoja frázovania. Mnohí skladatelia éry romantizmu majú vo svojich dielach „nekonečnú melódiu“ s obrovskými ligami v niekoľkých taktách. Je to zrejmé najmä v dielach Chopina, Čajkovského a raného obdobia 80. - 90. rokov Rachmaninova („Elegia“, „Melódia“, „Romance“, „Serenáda“ a jeho ďalšie diela).

Pri spoznávaní hudby romantických skladateľov má zvuková produkcia a zmysel pre „štýl“ veľký význam, tu je veľmi dôležité poznamenať, že pri frázovaní v konkrétnom diele je potrebné, aby si frázy osvojili; iný, priliehajú k sebe, tvoria girlandy, ale spolu Zároveň sa navzájom neprekrývajú.

Profesor Leningradského konzervatória V. Kh Razumovskaya o štýlových črtách hrania hudobných diel romantických skladateľov na klavíri napísal: „Bojujem so symetriou, snažím sa prekonať meter a skryť „syntaktické švy“ vďaka tomu. frázovanie a nuansy, plynulosť a melodickosť zvuku a legato pocitov."

Pri lyrických dielach je potrebné cítiť dych: pozadie plné vzduchu, dýchajúce basy, úhľadný pedál.

O štýlových črtách hudby F. Chopina Liszt povedal nasledovné: „Jeho hudba pripomína kvet svine, ktorý kýva korunami na neobyčajne tenkej stonke Tieto korunky neobyčajnej krásy sú vyrobené z takej voňavej a jemnej látky slza pri najmenšom dotyku."Chopin je „vrcholom“ divadelného umenia éry romantizmu.

Pri predvádzaní hudobných diel z obdobia romantizmu si musíte uvedomiť, že na dosiahnutie požadovaného „zvuku“ - zamatového a nadpozemského potrebujete špeciálny dar, tvrdú prácu a zmysel pre štýl. Ako povedal Neuhaus: „Zvuk je svätyňa, starajte sa o zvuk ako zlato, ako drahokam, vzniká v presonickej atmosfére, jeho zrod je záhadou, je veľmi dôležité nájsť potrebnú „mieru zvuku“.

Do popredia sa dostáva melos. Melódia je aktualizovaná intonačne a kompozične. Objavujú sa dva rôzne zdroje obnovy intonácie: folklór a intonácie reči. To, čo sa vymyká klasickej norme, upúta pozornosť predovšetkým. Klasicisti mali prednes (rečnícky), no medzi romantikmi to bolo intímnejšie, lyrické, otvorenejšie a emotívnejšie.

5. Vplyv romantického štýlu na klavírnu tvorbu F. Liszta.

„Liszt, ako virtuóz, fenomén medzi nimi

ktoré sa objavujú raz za niekoľko storočí,“

napísal Serov

V diele F. Liszta tvoria klavírne diela najlepší podiel na jeho tvorivom dedičstve.

Lisztove umelecké osobnosti ako klaviristu a skladateľa sa spojili, aby pomohli otvoriť nové cesty v hudobnom umení.

Všetky svoje myšlienky, sny, utrpenia a radosti zveril klavíru. A preto Liszt ako prvý našiel nové kompozičné a výrazové prostriedky v oblasti klavírnej hudby.

F. Liszt bol geniálny klavirista a svojim výkonom dokázal presvedčiť a zaujať tisíce poslucháčov. Tak isto sa v skladateľskej praxi snažil o jasné a zrozumiteľné podanie hudobných myšlienok. Na druhej strane, ako neustále hľadajúci umelec, obdarený brilantným tvorivým talentom, aktualizoval celú štruktúru a charakter zvuku klavíra, čím sa stal, ako to výstižne vyjadril Stasov, „neznámou a neslýchanou vecou. celý orchester."

Skladateľ uviedol symfonickú interpretáciu klavíra do moderného výkonu a kreativity. Vo svojom vývoji dosiahol silný orchestrálny zvuk nástroja a obohatil ho o koloristické schopnosti. V jednom zo svojich listov Liszt uviedol, že jeho cieľom bolo „... predstaviť ducha výkonného klaviristu orchestrálnym efektom a v rámci obmedzených hraníc klavíra urobiť rôzne inštrumentálne zvukové efekty a odtiene citlivé“. Liszt to dosiahol nasýtením svojich klavírnych diel timbrami a melodickou štruktúrou. V Lisztových klavírnych skladbách sa často vyskytujú autorské pokyny - kvázi tromba (akoby trúbka), kvázi flauta (akoby flauta) atď., imitácia violončela (napr. v „Údolí Obermana“), rohy ( etuda „Hunt“), zvony („Geneva Bells“), organ a pod. Liszt rozšíril výrazové prostriedky klaviristu do popredia, vyzdvihol silu, brilantnosť a farebnosť zvuku.

F. Liszt objavil nové techniky v klavírnej technike. Snažil sa využiť všetky registre klavíra: použil basy, ktoré zneli sýto a hlboko, melódiu preniesol do stredného, ​​„violončelo“ registra a v hornom registri odhalil priehľadný, krištáľovo čistý zvuk. Pri porovnávaní registrov skladateľ využíval pasáže, sýtil ich akordickými komplexmi v širokom aranžmáne. Liszt vo veľkej miere využíval orchestrálne tremolo efekty, akordové trilky alebo martellatové oktávy, aby výraznejšie sprostredkoval dramatické alebo dynamické momenty. Osobitnú pozornosť venoval distribúcii zvukového materiálu medzi oboma rukami, ich prenosu a prenosu do rôznych registrov klavíra. K ďalším Lisztovým obľúbeným technickým technikám patria pasáže v oktávach, dvojité noty a majstrovsky použité nácvikové techniky. Tieto techniky ovplyvnili vývoj viacvrstvovej textúry Lisztových diel. Ich vývoj je daný vo viacerých dynamických a koloristických plánoch, ako v orchestrálnych dielach.

Liszt ako veľký reformátor klavírnej hry naučil klaviristov „zvyknúť si akcenty a zoskupovanie motívov, predkladať to, čo je dôležitejšie, a podriaďovať tomu, čo je menej dôležité, jedným slovom urobiť z orchestra normu“.

Rysy Lisztovho klavírneho štýlu sa nesformovali hneď, možno ich rozdeliť do štyroch etáp. Prvá etapa (20. - polovica 30. rokov) je spojená so štúdiom schopností klavíra, s napodobňovaním bravúrneho štýlu moderných virtuózov, v druhej (koniec 30. - 40. rokov) si Liszt rozvíja individuálny štýl, obohacuje ho; technika a hudobný jazyk s najnovšími počinmi romantických skladateľov (Paganini, Berlioz, Chopin). Tretiu etapu (koniec 40. - 60. roky) - vrchol Lisztovho majstrovstva - charakterizuje zdôvodnenie všetkých technických techník požiadavkami na výraznosť a obsah, absencia virtuóznych "excesov", štvrtá etapa (70-80 roky) je poznačené novými úlohami: odmietanie monumentálnych dizajnov, hľadanie komorného zvuku, jemné farby.

Tradícia „listovského“ koncertného klaviristu sa rozvinula v umení A.G. Rubinstein, A. Siloti a najmä S. Rachmaninov.

Záver.

Romantizmus ako metóda a smer v umení bol zložitý a protirečivý fenomén. V každej krajine mala silný národný výraz. V literatúre, hudbe, maľbe a divadle nie je ľahké nájsť črty, ktoré spájajú Chateaubrianda a Delacroixa, Mickiewicza a Chopina, Lermontova a Kiprenského.

K najdôležitejším oblastiam tvorivosti romantických skladateľov patria: lyrika, fantázia, originalita v podaní charakteristických národných motívov (príklad E. Grieg). Počnúc Schubertom a Weberom skladatelia zapojili do celoeurópskeho hudobného jazyka intonačné vzorce starovekého, prevažne roľníckeho folklóru svojich krajín.

Nový obsah hudby si vyžadoval nové výrazové prostriedky. Ide predovšetkým o obrovskú melodickú bohatosť, ako aj melodickú bohatosť rozvinutého textúrneho prednesu, zvýšenú zložitosť a farebnosť harmonického jazyka.

Referencie.

1. Abdullin, E.B., Nikolaeva, E.V. Teória hudobnej výchovy: Učebnica pre študentov vysokých pedagogických inštitúcií / E.B. Abdullin, E.V. Nikolajev. - M.: Akadémia, 2004. - 336 s.
2. Aliev, Yu.B. Príručka pre školského učiteľa-hudobníka / Yu.B. Aliev. - M.: VLADOS, 2000. - 336 s.
3. Bryantseva, V.N. Hudobná literatúra cudzích krajín. Druhý rok štúdia. - M.: Hudba, 2004.
4. Druskin, M.S. História zahraničnej hudby. Číslo 4: Druhá polovica 19. storočia / M.S. Druskin. ― SPb.: SKLADATEĽ-SAINT PETERSBURG, 2007. ― 632 s.
5. Zhabinský, K.A. Encyklopedický hudobný slovník / K.A. Zhabinský. - M.: Phoenix, 2009. - 474 s.
6. Lebedeva, O.V. Vývinová hudobná výchova / O.V. Lebedeva. - Kostroma: KSU, 2001. - 69 s.
7. Mináková, A.S. Minakov, S.A. História svetovej hudby: Žánre. Štýly Pokyny / A.S. Mináková, S.A. Minakov. - M.: Eksmo, 2010. - 544 s.

Kholopová, V.N. Hudobná teória: Melodika, rytmus, textúra, tématika / V.N. Kholopova. – M.: Lan

Romantické obdobie

Obdobie romantizmu v hudbe trvalo približne od 30. do 10. rokov 19. storočia. Slovo „romantický“ je do istej miery len označenie, pojem, ktorý nemožno presne definovať, ako mnohé iné. Mnohé diela uvedené vo všetkých kapitolách našej knihy bez výnimky možno právom nazvať „romantickými“.

Hlavným rozdielom medzi týmto obdobím a ostatnými je, že skladatelia tej doby venovali väčšiu pozornosť pocitom a vnímaniu hudby a snažili sa pomocou nej vyjadriť emocionálne zážitky. V tom sa odlišujú od skladateľov klasického obdobia, pre ktorých bola v hudbe najdôležitejšia forma a ktorí sa snažili dodržiavať určité pravidlá konštrukcie kompozície.

V dielach niektorých skladateľov klasického obdobia možno zároveň vidieť prvky romantizmu a u skladateľov obdobia romantizmu prvky klasicizmu. Takže všetko, o čom sme hovorili vyššie, vôbec nie je striktným pravidlom, ale len všeobecnou charakteristikou.

Dejiny nezostali stáť a zo všetkých ľudí sa zrazu nestali romantici, ktorých zaujímajú len ich emocionálne zážitky. Toto je čas zrodu socializmu, poštovej reformy a založenia Armády spásy. Zároveň boli objavené vitamíny a rádium, bol vybudovaný Suezský prieplav; Daimler navrhol prvý automobil a bratia Wrightovci uskutočnili prvý let. Marconi vynašiel rádio, ktoré úspešne poslalo bezdrôtovú správu na vzdialenosť jeden a pol kilometra. Kráľovná Viktória sedela na tróne Veľkej Británie dlhšie ako ktorýkoľvek iný anglický panovník. Zlatá horúčka prinútila tisíce ľudí cestovať do Ameriky.

Keď si prelistujete našu knihu, všimnete si, že toto je najväčšia zo všetkých kapitol a spomína sa v nej najmenej tridsaťsedem skladateľov. Mnohí z nich žili a pracovali súčasne v rôznych krajinách. Preto sme túto kapitolu rozdelili na tri časti: „Raní romantici“, „Národní skladatelia“ a „Neskorí romantici“.

Ako ste už pravdepodobne uhádli, toto rozdelenie si tiež nenárokuje, že je úplne presné. Dúfame však, že to pomôže udržať príbeh konzistentný, aj keď nemusí vždy nasledovať chronologické poradie.

Ide o skladateľov, ktorí sa stali akýmsi mostom medzi klasickým obdobím a obdobím neskorého romantizmu. Mnohí z nich pôsobili súčasne s „klasikmi“ a ich tvorbu výrazne ovplyvnili Mozart a Beethoven. Mnohí z nich zároveň osobne prispeli k rozvoju vážnej hudby.

Náš prvý skladateľ obdobia romantizmu bol skutočnou hviezdou svojej doby. Počas svojich vystúpení predviedol zázraky virtuóznych husľových schopností a predviedol neskutočné kúsky. Rovnako ako virtuózny rockový gitarista Jimi Hendrix, ktorý sa narodil o stošesťdesiat rokov neskôr, Niccolo Paganini vždy udivoval publikum svojou vášnivou hrou.

Paganini mohol hrať celú skladbu na dvoch husľových strunách namiesto štyroch. Niekedy

dokonca v polovici vystúpenia naschvál pretrhol struny, po čom ešte za hlasného potlesku publika skladbu bravúrne dohral.

Ako dieťa Paganini študoval výlučne hudbu. Otec ho však za nedostatočný pohyb dokonca potrestal tým, že mu nedal jedlo ani vodu.

V dospelosti bol Paganini taký majster na husliach, že sa povrávalo, že uzavrel zmluvu so samotným diablom, keďže žiadny smrteľník nevedel hrať tak veľkolepo. Po smrti hudobníka ho cirkev najskôr dokonca odmietla pochovať na svojom pozemku.

Paganini nepochybne sám chápal všetky výhody svojich verejných vystúpení a tvrdil:

"Som škaredý, ale keď ma ženy počujú hrať, samé sa mi plazia na nohy."

Štýl a štruktúra hudobných skladieb sa naďalej rozvíjala tak v inštrumentálnej tvorbe, ako aj v opere. V Nemecku bola na čele avantgardy operného umenia Carl Maria von Weber, hoci žil v rokoch, ktoré mnohí nepovažujú za romantické obdobie.

Dalo by sa povedať, že pre Weberovcov bola opera rodinnou záležitosťou a Karl ako dieťa veľa cestoval s opernou spoločnosťou svojho otca. Jeho opera Free Shooter (Magic Shooter) sa zapísal do dejín hudby tým, že sa v ňom uplatnili ľudové motívy.

O niečo neskôr sa dozviete, že takáto technika sa považuje za charakteristický rys romantického obdobia.

Weber napísal aj niekoľko klarinetových koncertov a práve vďaka nim je dnes do značnej miery známy.

Taliansko je rodiskom opery a v osobe Gioachino Antonio Rossini Taliani mali šťastie, že našli nového hrdinu tohto žánru. S rovnakým úspechom napísal opery komického aj tragického obsahu.

Rossini bol jedným z tých skladateľov, ktorí komponovali rýchlo a na napísanie opery potreboval zvyčajne len pár týždňov. Na vrchole slávy raz povedal:

"Dajte mi účet za bielizeň a ja to zhudobním."

To hovoria Holič zo Sevilly Rossini ju zložil len za trinásť dní. Takéto rýchle tempo práce viedlo k tomu, že jeho nové opery sa neustále uvádzali vo všetkých divadlách v Taliansku. Nie vždy sa však k interpretom svojich skladieb správal priaznivo a raz o nich dokonca hovoril pohŕdavo:

"Aká úžasná by bola opera, keby v nej neboli žiadni speváci!"

Vo veku tridsaťsedem rokov však Rossini náhle prestal písať opery a za posledné takmer štyri desaťročia svojho života tvoril iba Stabat Mater.

Dodnes nie je celkom jasné, čo ho pri takomto rozhodovaní viedlo, no na bankovom účte sa mu dovtedy nahromadila nemalá suma – honoráre z inscenácií.

Okrem hudby mal Rossini vášeň aj pre kulinárske umenie a je po ňom pomenovaných oveľa viac jedál ako po iných skladateľoch. Môžete si dokonca zariadiť celý obed, ktorý bude zahŕňať šalát Rossini, omeletu Rossini a Rossini Tournedo. (Tournedos sú pásiky mäsa vyprážané v strúhanke, podávané s paštétou a hľuzovkami.)

Franz Schubert, ktorý žil iba tridsaťjeden rokov, sa už v sedemnástich rokoch etabloval ako talentovaný skladateľ. Počas svojho krátkeho života napísal celkovo viac ako šesťsto piesní, deväť symfónií, jedenásť opier a asi štyristo ďalších diel. Len v roku 1815 zložil stoštyridsaťštyri piesní, dve omše, symfóniu a množstvo ďalších diel.

V roku 1823 ochorel na syfilis a o päť rokov neskôr, v roku 1828, zomrel na brušný týfus. O rok skôr sa zúčastnil na pohrebe svojho idolu Ludwiga van Beethovena.

Je pozoruhodné, že Schubert bol jedným z prvých veľkých skladateľov, ktorí sa preslávili hraním diel iných. Sám mal v roku svojej smrti iba jeden veľký koncert a aj vtedy ho zatienilo vystúpenie Paganiniho, ktorý prišiel do Viedne približne v rovnakom čase. Chudák Schubert teda nikdy počas svojho života nedosiahol taký rešpekt, aký si zaslúžil.

Jednou z najväčších Schubertových záhad je Symfónia č. 8, známy ako Nedokončené. Napísal z nej len dve časti a potom prestal fungovať. Nikto nevie, prečo to urobil, ale táto symfónia zostáva jedným z jeho najobľúbenejších diel.

Hector Berlioz sa narodil v rodine lekára, takže na rozdiel od mnohých iných skladateľov spomínaných v našej knihe nezískal úplné hudobné vzdelanie.

Najprv sa rozhodol ísť v šľapajach svojho otca a stať sa lekárom, kvôli čomu odišiel do Paríža, ale tam začal tráviť čas v opere čoraz častejšie. Nakoniec sa rozhodol, že sa bude venovať hudbe, čo jeho rodičov veľmi mrzelo.

Obraz Berlioza sa môže zdať karikovaný, tak ďaleko od toho, aby písal ľuďom

možno si predstaviť každého skladateľa: veľmi nervózneho a podráždeného, ​​impulzívneho, s náhlymi zmenami nálad a, samozrejme, nezvyčajne romantického vo vzťahoch s opačným pohlavím. Jedného dňa zaútočil na svoju bývalú milenku s pištoľou v ruke a vyhrážal sa jej otrávením; prenasledoval druhú, oblečenú v ženských šatách.

No hlavnou témou Berliozových romantických túžob bola herečka Harriet Smithson, ktorá neskôr trpela ťažkou nervovou poruchou – zrejme za to do značnej miery vďačila samotnému Berliozovi. Prvýkrát ju videl v roku 1827, no osobne sa s ňou stretol až v roku 1832. Smithson najprv Berlioza odmietol a on, ktorý chcel dosiahnuť reciprocitu, napísal Fantastická symfónia. V roku 1833 sa napokon zosobášili, no ako sa dalo očakávať, o pár rokov neskôr sa Berlioz zaľúbil do inej ženy.

Čo sa týka hudby, Berlioz miloval rozsah. Vezmite si ho ako príklad rekviem, napísané pre obrovský orchester a zbor, ako aj štyri dychové kapely umiestnené v každom rohu javiska. Táto záľuba vo veľkých formách veľmi neprispela k jeho posmrtnej sláve. Uvádzať svoje diela v takej podobe, v akej ich zamýšľal, môže byť veľmi nákladné, ba niekedy až nemožné. Ale takéto prekážky ho vôbec netrápili a pokračoval v skladaní hudby so všetkou vášňou, ktorej bol schopný. Jedného dňa povedal:

"Každý skladateľ pozná bolesť a zúfalstvo, ktoré pramení z nedostatku času na napísanie toho, čo vymyslel."

Každý školák, ktorý číta túto knihu, by mal ľuďom závidieť Felix Mendelssohn,ľuďom, ktorí sa preslávili v detstve.

Ako vidíme na mnohých príkladoch, vo svete klasickej hudby to nie je ani zďaleka neobvyklé.

Mendelssohn však uspel nielen v hudbe; bol jedným z mála ľudí, ktorým sa darí dosahovať dobré výsledky vo všetkom, do čoho sa pustia – v maľbe, poézii, športe, jazykoch.

Pre Mendelssohna nebolo ťažké toto všetko zvládnuť.

Mendelssohn mal šťastie – narodil sa v bohatej rodine a vyrastal v tvorivej atmosfére berlínskych umeleckých kruhov. Už ako dieťa sa stretol s mnohými talentovanými umelcami a hudobníkmi, ktorí prišli navštíviť jeho rodičov.

Mendelssohn prvýkrát verejne vystupoval ako deväťročný a v šestnástich už zložil Sláčikový oktet. O rok neskôr napísal predohru k Shakespearovej hre Sen noci svätojánskej. Zvyšok hudby pre túto komédiu však vytvoril až o sedemnásť rokov neskôr (vrátane slávneho svadobný pochod, ktorý sa dodnes často predvádza na svadbách).

Mendelssohnov osobný život bol tiež úspešný: v priebehu rokov dlhého a silného manželstva mal on a jeho manželka päť detí.

Veľa pracoval a cestoval, vrátane Škótska, o ktorého obyvateľoch nehovoril veľmi priaznivo:

"... [nevyrábajú] nič iné ako whisky, hmlu a zlé počasie."

To mu však nezabránilo v napísaní dvoch nádherných diel venovaných Škótsku. Trinásť rokov po dokončení prvej cesty Škótska symfónia; základom Predohry Hebridy Začali hrať škótske melódie. Mendelssohna spájalo s Veľkou Britániou aj jeho oratórium Eliáš, ktoré bolo prvýkrát uvedené v Birminghame v roku 1846. Dokonca sa stretol s kráľovnou Viktóriou a dával hodiny hudby princovi Albertovi.

Mendelssohn zomrel na mozgovú príhodu v pomerne mladom veku – ako tridsaťosemročný. Samozrejme, môžeme povedať, že sa neľutoval a bol unavený z nadmernej práce, ale do veľkej miery jeho smrť urýchlila smrť jeho milovanej sestry Fanny, ktorá bola tiež talentovanou hudobníčkou.

Pred nami je ďalší romantik do morku kostí. V rovnakom čase Frederic Chopin Vyznačoval sa aj vášnivou oddanosťou jednému nástroju, a to je u skladateľov uvedených v našej knihe veľmi zriedkavé.

Povedať, že Chopin miloval klavír, je slabé slovo. Obdivoval ho, celý svoj život zasvätil komponovaniu klavírnych skladieb a zdokonaľovaniu techník hry. Zdalo sa, že pre neho neexistujú žiadne iné nástroje, iba ako sprievod v orchestrálnych dielach.

Chopin sa narodil v roku 1810 vo Varšave; Jeho otec bol pôvodom Francúz a matka Poľka. Frederic začal hrať vo veku siedmich rokov a jeho prvé skladby sa datujú do rovnakého obdobia. Treba povedať, že jeho charakteristickou črtou bolo vždy zameranie sa na budúcnosť.

Následne sa Chopin preslávil v Paríži, kde začal dávať hodiny hudby bohatým ľuďom, vďaka čomu zbohatol aj on sám. Vždy dbal na svoj vzhľad a na to, aby jeho šatník zodpovedal najnovšej móde.

Ako skladateľ bol Chopin metodický a dôkladný. Nikdy si nedovolil byť neopatrný, každú prácu vypiloval k dokonalosti. Nie je prekvapujúce, že skladanie hudby bolo pre neho bolestivým procesom.

Celkovo skomponoval stošesťdesiatdeväť sólových diel pre klavír.

Chopin sa v Paríži zaľúbil do slávnej francúzskej spisovateľky s vymysleným menom Amandine Aurora Lucille Dupin, známejšej pod pseudonymom George Sand. Bola to celkom pozoruhodná osoba: často ju bolo možné nájsť na uliciach Paríža prechádzať sa v pánskom oblečení a fajčiť cigary, čo šokovalo slušnú verejnosť. Románik medzi Chopinom a George Sandovou bol búrlivý a skončil sa bolestivým rozchodom.

Tak ako niektorí iní skladatelia obdobia romantizmu, ani Chopin sa nedožil dlhého života – zomrel na tuberkulózu ako tridsaťdeväťročný, krátko po rozchode s George Sandovou.

Robert Schumann je ďalším skladateľom, ktorý prežil krátky a búrlivý život, aj keď v jeho prípade bol okorenený poriadnou dávkou šialenstva. V súčasnosti sú známe Schumannove diela pre klavír, piesne a komornú hudbu.

Schumann bol geniálny skladateľ, no počas svojho života bol v tieni svojej manželky Clara Schumannová, geniálny klavirista tej doby. Ako skladateľka je menej známa, aj keď napísala aj celkom zaujímavú hudbu.

Sám Robert Schumann nemohol pre zranenie ruky vystupovať ako klavirista a ťažko sa mu žilo po boku ženy, ktorá sa v tejto oblasti preslávila.

Skladateľ trpel syfilisom a nervovou poruchou; raz sa dokonca pokúsil spáchať samovraždu tým, že sa hodil do Rýna. Bol zachránený a umiestnený v psychiatrickej liečebni, kde o dva roky neskôr zomrel.

Schumann mal k umeniu pragmatický prístup. Známy je jeho výrok:

"Na skladanie stačí prísť s melódiou, ktorá ešte nikoho nenapadla."

Ak možno Paganiniho nazvať kráľom huslistov – interpretov, tak medzi klaviristov – romantikov tento titul právom patrí Franz Liszt. Venoval sa aj pedagogickej činnosti a neúnavne uvádzal diela iných skladateľov, najmä Wagnera, o ktorom bude reč neskôr.

Lisztove klavírne diela sú mimoriadne náročné na interpretáciu, ale písal podľa svojej techniky hry, pričom dobre vedel, že nikto ich nebude hrať lepšie ako on.

Okrem toho Liszt prepísal na klavír diela iných skladateľov: Beethovena, Berlioza, Rossiniho a Schuberta. Pod jeho prstami nadobudli bizarnú originalitu a začali znieť ako nové. Vzhľadom na to, že boli pôvodne napísané pre orchester, možno len žasnúť nad zručnosťou hudobníka, ktorý ich úžasne presne reprodukuje na jednom nástroji.

Liszt bol skutočnou hviezdou svojej doby; sto rokov pred vynálezom rokenrolu viedol život hodný každého rockového hudobníka, vrátane jeho rôznych milostných afér. Ani rozhodnutie prijať sväté príkazy ho nezastavilo v aférach.

Liszt tiež popularizoval vystúpenia s klavírom a orchestrom, čo je dodnes bežný žáner. Rád zachytával obdivné pohľady fanúšikov a počúval nadšené výkriky publika, ktoré sledovalo jeho prsty poletujúce po klávesoch. Otočil teda klavír, aby diváci mohli sledovať výkon klaviristu. Predtým sedeli chrbtom k publiku.

Široká verejnosť vie Georges Bizet ako tvorca opery Carmen, ale zoznam uverejnený na konci našej knihy obsahoval ďalšie jeho dielo, Fond du Temple Saint(tiež známy ako Duet Nadira a Zurgu) z opery Hľadači perál. Odkedy sme v roku 1996 začali zostavovať zoznam najpopulárnejších diel medzi poslucháčmi Classic FM, neustále sa umiestňuje na vrchole hitparád.

Bizet je ďalším zázračným dieťaťom, ktoré v detstve preukázalo svoje výnimočné hudobné schopnosti. Svoju prvú symfóniu napísal ako sedemnásťročný. Je pravda, že aj on zomrel skoro, vo veku 36 rokov, čím sa pripojil k zoznamu predčasne zosnulých géniov.

Napriek svojmu talentu Bizet nikdy počas svojho života nedosiahol skutočné uznanie. Opera Potápači perál bola uvedená s rôznym úspechom a premiéra Carmen Skončilo sa to úplným neúspechom - vtedajšia módna verejnosť to neprijala. Priazeň kritikov a skutočných hudobných fajnšmekrov Carmen vyhral až po smrti skladateľa. Odvtedy sa hrá vo všetkých popredných operných domoch sveta.

Tu je ďalšia veľmi nejasná definícia. „Nacionalistami“ možno právom nazvať nielen všetkých romantických skladateľov, ale do určitej miery aj mnohých predstaviteľov barokového a klasického obdobia.

Napriek tomu v tejto časti uvedieme štrnásť popredných skladateľov obdobia romantizmu, ktorých diela boli napísané takým štýlom, že aj poslucháči, ktorí nie sú príliš znalí vážnej hudby, vedia povedať, odkiaľ ten či onen majster pochádza.

Niekedy sú títo skladatelia klasifikovaní ako príslušníci jednej alebo druhej národnej hudobnej školy, hoci tento prístup nie je úplne správny.

Zvyčajne, keď počujeme slovo „škola“, predstavíme si triedu, v ktorej deti pod vedením učiteľa vykonávajú rovnakú úlohu.

Ak hovoríme o skladateľoch, tak ich spájal jeden spoločný smer a každý išiel svojou cestou, snažiac sa nájsť svoj vlastný, jedinečný hudobný výraz.

Ak má ruská klasická hudba otca - zakladateľa, potom je to bezpochyby Michail Ivanovič Glinka. Nacionalistickí hudobníci sa vyznačujú práve tým, že vo svojich dielach využívajú ľudové melódie. Glinka zoznámila s ruskými piesňami jeho stará mama.

Na rozdiel od mnohých iných talentovaných skladateľov, tak často spomínaných na stránkach našej knihy, Glinka začal vážne študovať hudbu v pomerne neskorom veku – vo svojich dvadsiatich rokoch. Najprv pôsobil ako úradník na ministerstve železníc.

Keď sa Glinka rozhodol zmeniť kariéru, odišiel do Talianska, kde vystupoval ako klavirista. Tam sa začala jeho hlboká láska k opere. Po návrate domov zložil svoju prvú operu Život pre kráľa. Verejnosť ho okamžite spoznala ako najlepšieho ruského súčasného skladateľa. Jeho druhá opera Ruslan a Ľudmila, nebol taký úspešný, aj keď v skúške času obstál lepšie.

Alexander Porfirievič Borodin patrí k skladateľom, ktorí sa okrem hudby aktívne venovali aj iným aktivitám. Pokiaľ ide o Borodina, začal svoju kariéru ako vedec - chemik. Jeho prvá esej sa volala „O účinku etyljodidu na hydrobenzamid a amarín“ a samozrejme ju nikdy nebudete počuť na Classic FM, keďže ide o vedeckú prácu, ktorá nemá nič spoločné s hudbou.

Borodin bol nemanželským synom gruzínskeho princa; Lásku k hudbe a záujem o umenie vo všeobecnosti zdedil po matke a zachoval si ich po celý život.

Pre neustálu zaneprázdnenosť sa mu podarilo vydať len asi dvadsať diel, ktoré obsahovali symfónie, piesne a komornú hudbu.

Spolu s Mily Balakirev, Nikolaj Rimskij-Korsakov, Cesar Cui A Skromný Musorgskij Borodin bol členom hudobnej komunity „The Mighty Handful“. Úspech všetkých týchto skladateľov je o to pozoruhodnejší, že všetci mali okrem hudby aj iné aktivity.

V tomto sa rozhodne odlišujú od väčšiny ostatných skladateľov spomínaných v tejto knihe.

Borodinovo najobľúbenejšie dielo je Polovské tance z jeho opery princ Igor. Treba spomenúť, že on sám ju nikdy nedokončil (hoci na nej pracoval sedemnásť rokov). Operu dokončil jeho priateľ Rimskij - Korsakov, o ktorom si podrobnejšie povieme neskôr.

Podľa nášho názoru Modest Petrovič Musorgskij bol najvynaliezavejším a najvplyvnejším zo skladateľov „Mocnej hŕstky“, aj keď ako nezvyčajný človek neunikol jednej alebo dvom nerestiam, ktoré sú vlastné mnohým predstaviteľom tvorivých profesií.

Po odchode z armády sa Musorgskij zamestnal v štátnej službe. V mladosti rád chodil, ako sa hovorí, prechádzky, vyznačoval sa ovplyvniteľnosťou a ku koncu života trpel alkoholizmom. Z tohto dôvodu je často zobrazovaný s neupravenými vlasmi a neprirodzene červeným nosom.

Musorgskij svoje diela často nedokončil a jeho priatelia to urobili za neho – niekedy nie tak, ako on sám zamýšľal, takže teraz si nie sme istí, aký bol pôvodný zámer autora. Operná orchestrácia Boris Godunov prerobený Rimsky-Korsakov, ako aj slávny „hudobný obraz“ Noc na Lysej hore(použité vo filme Disney Fantázia). Orchester do Obrázky z výstavy napísal Maurice Ravel a v tejto verzii sú známe aj v našej dobe.

Napriek tomu, že Musorgskij pochádzal z bohatej rodiny a mal obrovský talent ako klavirista aj skladateľ, zomrel len v štyridsiatich dvoch rokoch na alkoholizmus.

rodičia Nikolaj Rimskij – Korsakov snívali o tom, že ich syn bude slúžiť v námorníctve, a splnil ich očakávania. Ale po niekoľkých rokoch služby v námorníctve a niekoľkých námorných plavbách sa stal skladateľom a učiteľom hudby, čo bolo pre jeho rodinu nepochybne prekvapením. Aby som povedal pravdu, Rimsky-Korsakov sa vždy zaujímal o hudbu a dokonca začal skladať Symfónia č. 1, keď jeho loď kotvila v priemyselnej oblasti Gravesend v ústí Temže. Toto je pravdepodobne jedno z najmenej romantických miest na písanie hudby spomínaných v tejto knihe.

Okrem toho, že Rimskij-Korsakov dokončil a zrevidoval niektoré Musorgského diela, sám vytvoril pätnásť opier na témy z ruského života, hoci v jeho dielach cítiť aj vplyv exotických krajín. Takže napr. Šeherezáda na motívy rozprávky z Tisíc a jednej noci.

Rimsky-Korsakov bol obzvlášť dobrý v tom, že ukázal krásu zvuku celého orchestra. Vo svojej pedagogickej činnosti tomu venoval veľkú pozornosť a ovplyvnil tak mnohých ruských skladateľov, ktorí pôsobili po ňom, najmä Stravinského.

Piotr Iľjič Čajkovskij Vo svojich skladbách používal aj ruské ľudové melódie, ktoré však na rozdiel od iných ruských národných skladateľov spracoval po svojom, ako vlastne hudobné dedičstvo celej Európy.

Osobný život Čajkovského, zahalený rôznymi tajomstvami (šírili sa chýry o jeho homosexuálnych sklonoch), nebol jednoduchý. On sám raz povedal:

"Bolo by to naozaj niečo, z čoho by ste sa mohli zblázniť, keby to nebolo pre hudbu!"

Ako dieťa sa vyznačoval svojou ovplyvniteľnosťou a ako dospelý mal sklony k záchvatom melanchólie až depresie. Neraz mal myšlienky na samovraždu. V mladosti študoval právo a nejaký čas pracoval na ministerstve spravodlivosti, no čoskoro zo služby odišiel, aby sa naplno venoval hudbe. Vo veku 37 rokov sa nečakane oženil, no jeho manželstvo sa stalo skutočným trápením pre neho aj jeho manželku. Nakoniec bola jeho manželka prijatá do psychiatrickej liečebne, kde zomrela. Rozchodom, ktorý nastal len dva mesiace po svadbe, dlho trpel aj samotný Čajkovskij.

Čajkovského rané diela neboli uznané širokou verejnosťou, čo mu spôsobilo veľa utrpenia. Je zaujímavé, že mnohé z týchto diel, vrátane Koncert pre husle a orchester A Koncert pre klavír a orchester č.1, in sú v súčasnosti veľmi populárne. Záznam Klavírny koncert č.1 Vo všeobecnosti sa stala prvou nahrávkou klasickej hudby, ktorá získala štatút Zlatého disku za predaj milióna kópií.

Čajkovskij napísal desať opier, vrátane Evgenia Onegina, a hudbu k baletom ako napr Luskáčik, Šípková Ruženka A Labutie jazero. Pri počúvaní tejto hudby si okamžite uvedomíte veľkosť Čajkovského talentu, ktorý vedel, ako vytvoriť mimoriadne harmonickú a vzrušujúcu melódiu. Jeho balety sa dodnes často uvádzajú na svetových javiskách a vždy vzbudzujú obdiv verejnosti. Z rovnakého dôvodu sú hudobné frázy z jeho symfónií a koncertov známe aj tým, ktorí majú o klasickej hudbe len malé znalosti.

Čajkovskij sa dlhé roky tešil priazni bohatej vdovy Nadeždy von Meck, ktorá mu posielala veľké sumy peňazí, no pod podmienkou, že sa nikdy osobne nestretnú. Je dosť možné, že keby sa stretli osobne, nespoznali by sa.

Okolnosti skladateľovej smrti stále nie sú celkom jasné. Podľa oficiálneho záveru Čajkovskij zomrel na choleru: vypil vodu kontaminovanú vírusom. Existuje však verzia, podľa ktorej sám spáchal samovraždu v obave, že sa jeho homosexuálne vzťahy dostanú na verejnosť.

Ak je Glinka považovaný za otca ruskej klasickej hudby, potom rovnakú úlohu zohráva aj v českej klasickej hudbe Bedřich Smetana.

Kyslá smotana sa vždy inšpirovala českou ľudovou kultúrou a prírodou svojej rodnej krajiny. Je to cítiť najmä v jeho cykle symfonických básní Moja vlasť písanie trvalo Smetanovi osem rokov.

V súčasnosti je najobľúbenejším dielom tejto série Vltava, venovaný jednej z najväčších českých riek pretekajúcich Prahou.

Bedřich Smetana na sklonku života ťažko ochorel (pravdepodobne na syfilis), ohluchol a prišiel o rozum. Zomrel ako šesťdesiatročný.

Jeho hudba ovplyvnila ďalšieho skladateľa na našom zozname, Antonína Dvořáka, ktorého diela sa dočkali uznania aj ďaleko za hranicami Českej republiky.

Antonín Dvořák bol skutočný český národný hrdina, ktorý vášnivo miloval svoju vlasť. Jeho krajania opätovali jeho city a zbožňovali ho.

Dvořákove diela vo veľkej miere propagoval Brahms (o ktorom bude reč neskôr). Postupne sa meno Dvořák stalo známe po celom svete. Fanúšikov si získal napríklad v Anglicku, kde vystupoval na pozvanie Royal Philharmonic Society, ako aj na festivaloch v Birminghame a Leedse.

Po tomto sa Dvořák rozhodol odísť do Spojených štátov, kde mu v 90. rokoch 19. storočia ponúkli miesto dirigenta Národného konzervatória v New Yorku, ktoré zastával tri roky. Dvořákovi veľmi chýbala rodná zem, no nikdy sa neprestal zaujímať o miestnu hudbu. Dojmy z nej sa odrážajú v jeho Symfónie č. 9, volal Z Nového sveta.

Nakoniec sa Dvořák rozhodol vrátiť domov a posledné roky života strávil v Prahe, kde učil.

Okrem hudby sa Dvořák zaujímal o vlaky a lode a práve táto vášeň zrejme prispela k tomu, že súhlasil s návštevou Spojených štátov, hoci rozhodujúcu úlohu mohol zohrať vysoký honorár, ktorý mu ponúkli.

d K predstaviteľom Národnej českej hudobnej školy patria aj Josef Suk, Leoš Janáček A Boguslav Martinu.

nórsky Edvard Grieg patrí do okruhu skladateľov, ktorí vášnivo milovali svoju vlasť. A vlasť jeho city opätovala. V Nórsku sú jeho diela stále mimoriadne obľúbené. Veci však mohli dopadnúť inak, keďže Griegova rodina bola v skutočnosti škótskeho pôvodu – jeho prapradedo po prehratej bitke s Angličanmi pri Cullodene emigroval do Škandinávie.

Griegovi sa najlepšie darilo vyrábať diela v malých žánroch, ako napr Lyrické hry pre klavír. Ale jeho najznámejší koncert je Klavírny koncert s pôsobivým úvodom, v ktorom zvuky klavíra akoby pršali pod tremolom tympánov.

d K predstaviteľom škandinávskej národnej hudobnej školy patria aj Carl Nielsen A Johan Svendsen.

Napriek tomu, že v Španielsku sa v 19. storočí písala aj klasická hudba, nežilo tam veľa skladateľov, ktorí by dosiahli svetovú slávu. Jednou z výnimiek je Isaac Albeniz, v mladosti sa nevyznačoval ľahkou povahou.

Hovorí sa, že Albeniz sa naučil hrať na klavíri vo veku jedného roka. O tri roky neskôr vystupoval na verejnosti a ako osemročný začal koncertovať. Do pätnástich rokov navštívil Argentínu, Kubu, USA a Anglicko.

Albeniz bol obzvlášť dobrý v improvizácii: vedel za pochodu vymyslieť nejakú melódiu a hneď ju zahrať v niekoľkých variáciách. Predviedol aj zázraky ovládania nástroja – hral k nemu chrbtom. K tomu všetkému sa zakaždým prezliekol za mušketiera, čím pridal na spektákli svojich vystúpení.

V dospelosti sa trochu usadil a ohromil verejnosť nie šokujúcim správaním, ale skladbami. Známym sa stal najmä jeho cyklus klavírnych skladieb Iberia. Tento skladateľ vďaka svojmu úspechu vytiahol Španielsko z tieňa a pritiahol naň pozornosť svetovej hudobnej komunity.

d Albéniz výrazne ovplyvnil mnohých ďalších skladateľov Španielskej národnej školy, napr Pablo de Sarasate, Enrique Granados, Manuel de Falla A Vila Heitor – Lobosa(kto bol Brazílčan).

Arthur Sullivan je dnes dobre známy. Ale história sa k nemu nesprávala príliš férovo, keďže dnes si už nepamätajú to najlepšie z jeho diel. V 70. rokoch 19. storočia začal spolupracovať s básnikom a libretistom W. S. Gilbertom. Spolu napísali niekoľko komických operiet: Súdny proces porotou, Piráti z Penzance, Fregata Jej Veličenstva Pinafore, Princezná Ida, Mikado, Strážca a ďalšie.

Napriek obrovskému úspechu ich spoločných diel si títo dvaja autori veľmi nerozumeli a nakoniec po prudkých hádkach prestali úplne komunikovať. Tieto hádky však boli prázdne.

Jedna z nich sa napríklad týkala nového koberca v Savoy Theatre v Londýne, kde sa zvyčajne inscenovali ich operety.

Sullivan sníval o tom, že sa preslávi ako seriózny skladateľ, no na jeho diela, ktoré nepatria do žánru operety, sa už zabudlo.

Napísal však operu Ivanhoe, celkom zaujímavé Symfónia e mol a hymna "Vpred, Kristova armáda!"– azda jeho najčastejšie vykonávaná práca.

d K predstaviteľom anglickej národnej hudobnej školy patria aj Arnold Bax, Hubert Parry, Samuel Coleridge - Taylor, Charles Villiers Stanford A George Butterworth.

Za diela možno nazvať francúzsku obdobu operiet Gilberta a Sullivana Jacques Offenbach,človek, ktorý mal rozhodne zmysel pre humor. Narodil sa v Kolíne nad Rýnom, a preto sa niekedy podpisoval ako „O. z Kolína nad Rýnom“ („O. de Cologne“ znie ako „kolín nad Rýnom“).

V roku 1858 Offenbach ohromil Parížanov kankán z operety Orfeus v pekle; Pre sofistikovanú verejnosť sa takéto tance obyčajných ľudí zdali divoké a obscénne, ale samotná opereta bola považovaná za škandalóznu.

Mimochodom, ak sa vám toto meno zdá povedomé, stojí za to pripomenúť, že hudbu k mýtu o Orfeovi napísali v predchádzajúcich storočiach Peri, Monteverdi a Gluck. Offenbachova verzia bola satirická, určená na zábavu, a preto obsahovala veľmi frivolné scény. Verejnosť si však napriek prvému dojmu operetu nakoniec zamilovala, takže samotný Offenbach sotva mal dôvod ľutovať, čo napísal.

Medzi jeho ďalšie diela patrí vážna opera Hoffmannove rozprávky, v ktorom zaznieva Barcarolle.

Leo Delibes bol nemenej vplyvný skladateľ ako Offenbach, aj keď teraz sa väčšinou spomína iba jedna z jeho opier - Lakme, v ktorom zaznievajú slávne Kvetinový duet, používa sa v mnohých televíznych šetričoch obrazovky a reklamách.

Medzi Delibesovými známymi boli takí skvelí hudobníci ako Berlioz a Bizet, s ktorými spolupracoval ako riaditeľ zboru Lyric Theatre v Paríži.

d K predstaviteľom francúzskej národnej hudobnej školy patria aj Alexis – Emmanuel Chabrier, Charles Marie Widor, Joseph Cantet – lub A Jules Massenet, opera thajčina ktoré vrátane intermezza Úvahy (meditácia), je populárny medzi mnohými modernými huslistami.

Naši poslední dvaja národní romantickí skladatelia sú otec a syn, aj keď vekový rozdiel medzi nimi (dvadsaťjeden rokov) nie je na históriu až taký veľký. Johann Strauss st. považovaný za „otca valčíka“. Bol vynikajúci huslista a viedol orchester, ktorý vystupoval po celej Európe a dostával za to pekné peniaze.

Titul „kráľ valčíka“ však právom patrí jeho synovi, ktorý sa tiež volal Johann Strauss. Otec z neho nechcel, aby sa stal huslistom, no mladší Johann stále zasvätil svoj život hudbe a založil si vlastný orchester, ktorý konkuroval orchestru jeho otca. Mladší Strauss mal dobré obchodné schopnosti, vďaka čomu si dokázal upevniť svoju finančnú pozíciu.

Celkom Johann Strauss - syn napísal stošesťdesiatosem valčíkov vrátane najpopulárnejších z nich - Na krásnom modrom Dunaji. Po Straussovi bolo nakoniec pomenovaných až šesť orchestrov, z ktorých jeden viedol brat Johanna Mladšieho Jozef a druhý jeho druhý brat Eduard (každý z nich skomponoval okolo tristo skladieb).

Johannove valčíky a polky boli skutočnými hitmi vo viedenských kaviarňach a jeho ľahký a hravý štýl sa stal štandardom tanečnej hudby v celej Európe.

Niektorí milovníci vážnej hudby stále považujú Straussove skladby za príliš vulgárne a frivolné. Neverte im a nepodľahnite ich provokáciám! Táto rodina vedela hneď po prvom vypočutí napísať skutočne skvelé diela, povznášajúce a dlho zapamätateľné.

Mnohí skladatelia tohto obdobia pokračovali v písaní hudby až do 20. storočia. Hovoríme však o nich tu a nie v nasledujúcej kapitole, pretože v ich hudbe bol silný duch romantizmu.

Treba poznamenať, že niektorí z nich udržiavali úzke väzby a dokonca priateľstvá so skladateľmi uvedenými v podkapitolách „Raní romantici“ a „Nacionalisti“.

Okrem toho je potrebné mať na pamäti, že počas tohto obdobia pôsobilo v rôznych európskych krajinách toľko veľkolepých skladateľov, že akékoľvek ich rozdelenie podľa akéhokoľvek princípu bude úplne podmienené. Ak sa v rôznej literatúre venovanej klasickému obdobiu a baroku spomínajú približne rovnaké časové rámce, potom je romantické obdobie všade definované inak. Zdá sa, že hranica medzi koncom obdobia romantizmu a začiatkom 20. storočia je v hudbe veľmi nejasná.

Popredným skladateľom Talianska 19. storočia bol nepochybne Giuseppe Verdi. Tento muž s hustými fúzmi a obočím, ktorý sa na nás pozeral iskrivými očami, stál o celú hlavu vyšší ako všetci ostatní operní skladatelia.

Všetky Verdiho diela sú doslova naplnené jasnými, nezabudnuteľnými melódiami. Celkovo napísal dvadsaťšesť opier, z ktorých väčšina sa dnes pravidelne inscenuje. Medzi nimi sú najznámejšie a najvýraznejšie diela operného umenia všetkých čias.

Verdiho hudba bola počas skladateľovho života vysoko uznávaná. Na premiére Hades obecenstvo vzbudilo také dlhé ovácie, že sa umelci museli pokloniť až tridsaťdvakrát.

Verdi bol bohatý muž, ale peniaze nedokázali zachrániť obe skladateľove manželky a dve deti pred predčasnými smrťami, takže v jeho živote boli tragické chvíle. Svoj majetok odkázal do útulku starých hudobníkov, vybudovaného pod jeho vedením v Miláne. Sám Verdi považoval za svoj najväčší úspech vytvorenie prístrešku a nie hudbu.

Napriek tomu, že meno Verdi sa spája predovšetkým s operami, pri jeho rozprávaní nemožno nespomenúť rekviem, ktorý je považovaný za jeden z najlepších príkladov zborovej hudby. Je plná činohry a objavujú sa v nej niektoré črty opery.

Nášho ďalšieho skladateľa nemožno označiť za najpôvabnejšieho človeka. Vo všeobecnosti ide o najškandalóznejšiu a najkontroverznejšiu postavu zo všetkých, ktoré sú spomenuté v našej knihe. Ak by sme mali zostaviť zoznam len na základe osobnostných vlastností, tak Richard Wagner Nikdy by som sa do toho nedostal. Riadime sa však výlučne hudobnými kritériami a dejiny klasickej hudby sú bez tohto človeka nemysliteľné.

Wagnerov talent je nepopierateľný. Z jeho pera vyšli jedny z najvýznamnejších a najpôsobivejších hudobných diel celého obdobia romantizmu – najmä opera. Zároveň je označovaný ako antisemita, rasista, byrokracia, ultimátny podvodník a dokonca aj zlodej, ktorý si neváha vziať všetko, čo potrebuje, a je drzý bez výčitiek svedomia. Wagner mal prehnaný zmysel pre sebaúctu a veril, že jeho génius ho povýšil nad všetkých ostatných ľudí.

Wagner je známy svojimi operami. Tento skladateľ posunul nemeckú operu na úplne novú úroveň a hoci sa narodil v rovnakom čase ako Verdi, jeho hudba bola veľmi odlišná od talianskej tvorby daného obdobia.

Jednou z Wagnerových noviniek bolo, že každá hlavná postava dostala svoj vlastný hudobný námet, ktorý sa opakoval zakaždým, keď začal hrať významnú rolu na javisku.

Dnes sa to zdá byť samozrejmé, no v tom čase táto myšlienka priniesla skutočnú revolúciu.

Wagnerovým najväčším úspechom bol cyklus Nibelungov prsteň, pozostáva zo štyroch opier: Rýnske zlato, Valkýra, Siegfried A Smrť bohov. Zvyčajne sa hrajú štyri po sebe idúce večery a celkovo trvajú asi pätnásť hodín. Len tieto opery by stačili na oslavu svojho skladateľa. Napriek všetkej dvojznačnosti Wagnera ako človeka treba priznať, že bol vynikajúcim skladateľom.

Výraznou črtou Wagnerových opier je ich dĺžka. Jeho posledná opera Parsifal trvá viac ako štyri hodiny.

Dirigent David Randolph o nej raz povedal:

"Toto je druh opery, ktorá začína o šiestej, a keď sa o tri hodiny neskôr pozriete na hodinky, ukáže sa, že ukazujú 6:20."

Život Anton Bruckner Ako skladateľ je to lekcia, ako sa nevzdávať a trvať na svojom. Cvičil dvanásť hodín denne, všetok svoj čas venoval práci (bol organistom) a sám sa veľa naučil o hudbe, pričom skladateľské umenie ukončil korešpondenčne v pomerne zrelom veku – v tridsiatich siedmich rokoch.

Dnes si ľudia najčastejšie spomínajú na Brucknerove symfónie, ktorých napísal celkovo deväť. Občas ho premohli pochybnosti o jeho hodnote ako hudobníka, no napriek tomu dosiahol uznanie, aj keď až na sklonku života. Po jeho vykonaní Symfónie č. 1 kritici nakoniec ocenili skladateľa, ktorý mal v tom čase už štyridsaťštyri rokov.

Johannes Brahms ani jeden z tých skladateľov, ktorí sa narodili takpovediac so striebornou palicou v ruke. V čase jeho narodenia rodina stratila svoje niekdajšie bohatstvo a ledva vyžívala peniaze. Ako tínedžer sa živil hraním v nevestincoch svojho rodného mesta Hamburg. V čase, keď sa Brahms stal dospelým, sa nepochybne zoznámil s menej atraktívnymi stránkami života.

Brahmsovu hudbu propagoval jeho priateľ Robert Schumann. Po Schumannovej smrti sa Brahms zblížil s Clarou Schumannovou a nakoniec sa do nej dokonca zamiloval. Nevie sa presne, aký mali vzťah, aj keď city k nej zrejme zohrali určitú rolu v jeho vzťahoch s inými ženami – srdce nedal ani jednej z nich.

Brahms bol dosť nespútaný a podráždený človek, no jeho priatelia tvrdili, že má aj jemnosť, hoci to ostatným neprejavoval vždy. Jedného dňa, keď sa vracal domov z večierka, povedal:

"Ak som tam nikoho neurazil, potom ho prosím o odpustenie."

Brahms by súťaž o najmódnejšieho a najelegantnejšieho skladateľa nevyhral. Neznášal kupovanie nových šiat a často nosil tie isté široké, záplatované nohavice, ktoré mu boli takmer vždy krátke. Pri jednom vystúpení mu takmer spadli nohavice. Inokedy si musel vyzliecť kravatu a nosiť ju namiesto opaska.

Brahmsov hudobný štýl bol výrazne ovplyvnený Haydnom, Mozartom a Beethovenom a niektorí hudobní historici dokonca tvrdia, že písal v duchu klasicizmu, ktorý už vtedy vyšiel z módy. Zároveň vlastní aj niekoľko nových nápadov. Dokázal najmä rozvíjať malé hudobné pasáže a opakovať ich v celom diele – čo skladatelia nazývajú „opakujúci sa motív“.

Brahms nepísal opery, ale vyskúšal sa takmer vo všetkých ostatných žánroch klasickej hudby. Preto ho možno nazvať jedným z najväčších skladateľov spomínaných v našej knihe, skutočným velikánom klasickej hudby. Sám o svojej práci povedal toto:

"Skladanie nie je ťažké, ale je prekvapivo ťažké hodiť pod stôl poznámky navyše."

Max Bruch sa narodil len päť rokov po Brahmsovi a ten by ho určite zatienil, nebyť jedného diela, Husľový koncert č. 1.

Sám Bruch uznal túto skutočnosť a tvrdil so skromnosťou neobvyklou pre mnohých skladateľov:

"O päťdesiat rokov bude Brahms označovaný za jedného z najväčších skladateľov všetkých čias a mňa si budú pamätať, že som napísal Husľový koncert g mol."

A mal pravdu. Pravda, aj samotný Bruch má na čo spomínať! Zložil mnoho ďalších diel - spolu asi dvesto - napísal najmä mnohé diela pre zbory a opery, ktoré sa dnes už len zriedka uvádzajú. Jeho hudba je melodická, no k jej rozvoju neprispel ničím zvlášť novým. V porovnaní s ním sa mnohí iní skladatelia tej doby zdajú byť skutočnými novátormi.

V roku 1880 bol Bruch vymenovaný za dirigenta Kráľovskej Liverpoolskej filharmónie, no o tri roky neskôr sa vrátil do Berlína. Hudobníci orchestra s ním neboli spokojní.

Na stránkach našej knihy sme sa už stretli s mnohými hudobnými zázrakmi, a Camille Saint – Sans patrí v neposlednom rade medzi ne. Saint-Saens už vo veku dvoch rokov vyberal melódie na klavíri a naučil sa čítať a písať hudbu zároveň. Vo veku troch rokov hral hry vlastnej kompozície. Ako desaťročný nádherne interpretoval Mozarta a Beethovena. Zároveň sa začal vážne zaujímať o entomológiu (motýle a hmyz) a potom o ďalšie vedy vrátane geológie, astronómie a filozofie. Zdalo sa, že také talentované dieťa sa jednoducho nemôže obmedziť len na jednu vec.

Po ukončení štúdia na parížskom konzervatóriu Saint-Saens pôsobil dlhé roky ako organista. S pribúdajúcim vekom začal ovplyvňovať hudobný život Francúzska a práve vďaka nemu sa začala častejšie uvádzať hudba takých skladateľov ako J. S. Bach, Mozart, Händel či Gluck.

Najznámejšie dielo Saint-Saensa je zvierací karneval, ktoré skladateľ zakázal za svojho života uvádzať. Obával sa, že hudobní kritici, ktorí si vypočujú túto prácu, ju budú považovať za príliš frivolnú. Koniec koncov, je zábavné, keď orchester na javisku zobrazuje leva, sliepky s kohútom, korytnačky, slona, ​​klokana, akvárium s rybami, vtáky, osla a labuť.

Saint-Saens napísal niektoré zo svojich ďalších diel pre nie tak bežné kombinácie nástrojov, vrátane tých slávnych "Organová" symfónia č. 3, počul vo filme „Babe“.

Hudba Saint-Saens ovplyvnila tvorbu ďalších francúzskych skladateľov, vrátane Gabriel Fore. Tento mladý muž zdedil miesto organistu v parížskom Kostole svätej Magdalény, ktorý predtým obsadil Saint-Saens.

A hoci Faurého talent nemožno porovnávať s talentom jeho učiteľa, bol to skvelý klavirista.

Faure nebol bohatý človek, a preto tvrdo pracoval, hral na organe, viedol zbor a dával lekcie. Písal vo svojom voľnom čase, ktorého bolo veľmi málo, no napriek tomu stihol vydať viac ako dvestopäťdesiat svojich diel. Niektoré z nich sa skladali veľmi dlho: napríklad práca na nich Rekviem trvala viac ako dvadsať rokov.

V roku 1905 sa Fauré stal riaditeľom parížskeho konzervatória, teda osobou, od ktorej do značnej miery závisel vývoj vtedajšej francúzskej hudby. O pätnásť rokov neskôr odišiel Fauré do dôchodku. Koncom života trpel stratou sluchu.

Dnes je Fauré rešpektovaný aj mimo Francúzska, hoci tam si ho cenia najviac.

Pre fanúšikov anglickej hudby je výzor takej postavy ako Edward Elgar, Muselo to vyzerať ako skutočný zázrak. Mnohí hudobní historici ho označujú za prvého významného anglického skladateľa po Henrym Purcellovi, ktorý pôsobil v období baroka, hoci sme o niečo skôr spomenuli aj Arthura Sullivana.

Elgar veľmi miloval Anglicko, najmä svoj rodný Worcestershire, kde strávil väčšinu svojho života, pričom inšpiráciu nachádzal na poliach Malvernských vrchov.

Ako dieťa bol všade obklopený hudbou: jeho otec vlastnil miestny obchod s hudobninami a učil malého Elgara hrať na rôzne hudobné nástroje. Chlapec už v dvanástich rokoch suploval organistu na bohoslužbách.

Po práci v advokátskej kancelárii sa Elgar rozhodol venovať z finančného hľadiska oveľa menej spoľahlivému povolaniu. Nejaký čas pracoval na čiastočný úväzok, dával hodiny huslí a klavíra, hral v miestnych orchestroch a dokonca trochu dirigoval.

Postupne rástla Elgarova sláva ako skladateľa, aj keď mal problémy dostať sa mimo svojho rodného kraja. Priniesol mu slávu Variácie na originálnu tému, ktoré sú teraz známejšie ako Variácie Enigmy.

Teraz je Elgarova hudba vnímaná ako veľmi anglická a znie počas veľkých národných podujatí. Pri jeho prvých zvukoch Violončelový koncert okamžite sa objaví anglický vidiek. Nimrod od Variáciečasto hrával na oficiálnych ceremóniách a Slávnostný a slávnostný pochod č.1, známy ako Krajina nádeje a slávy, vystupoval na plesoch po celom Spojenom kráľovstve.

Elgar bol rodinný muž a miloval pokojný, usporiadaný život. Napriek tomu zanechal svoju stopu v histórii. Tohto skladateľa s hustými huňatými fúzmi okamžite zbadáte na dvadsaťlibrovej bankovke. Je zrejmé, že dizajnéri bankoviek sa domnievali, že takéto ochlpenie na tvári by bolo veľmi ťažké sfalšovať.

V Taliansku bol nástupcom Giuseppe Verdiho v opernom umení Giacomo Puccini, považovaný za jedného z celosvetovo uznávaných majstrov tejto umeleckej formy.

Rodina Pucciniovcov sa už dlho venovala cirkevnej hudbe, ale keď Giacomo prvýkrát počul operu Aida Verdi, uvedomil si, že toto je jeho povolanie.

Po štúdiách v Miláne skomponoval Puccini operu Manon Lescaut,čo mu v roku 1893 prinieslo prvý veľký úspech. Potom nasledovala jedna úspešná inscenácia za druhou: Čechy v roku 1896, Túžba v roku 1900 a Madame Butterfly v roku 1904.

Celkovo Puccini zložil dvanásť opier, z ktorých posledná bola Turandot. Zomrel bez dokončenia tohto diela a dielo dokončil iný skladateľ. Na premiére opery dirigent Arturo Toscanini zastavil orchester presne tam, kde sa zastavil Puccini. Obrátil sa k publiku a povedal:

"Tu smrť zvíťazila nad umením."

Smrťou Pucciniho sa skončil rozkvet talianskej opery. Naša kniha už nebude spomínať talianskych operných skladateľov. Ale kto vie, čo nás čaká v budúcnosti?

Počas života Gustáv Mahler bol známy skôr ako dirigent než ako skladateľ. V zime dirigoval av lete spravidla radšej písal.

Hovorí sa, že Mahler ako dieťa našiel na povale u starej mamy klavír. O štyri roky neskôr, vo veku desiatich rokov, mal prvé vystúpenie.

Mahler študoval na viedenskom konzervatóriu, kde začal komponovať hudbu. V roku 1897 sa stal riaditeľom Viedenskej štátnej opery a počas nasledujúcich desiatich rokov získal v tejto oblasti značnú slávu.

Sám začal písať tri opery, no nikdy ich nedokončil. V našej dobe je známy predovšetkým ako skladateľ symfónií. V tomto žánri vlastní jeden zo skutočných „hitov“ - Symfónia č. 8, Na jeho vystúpení sa podieľa viac ako tisíc hudobníkov a spevákov.

Po Mahlerovej smrti vyšla jeho hudba asi na päťdesiat rokov z módy, no v druhej polovici 20. storočia si opäť získala obľubu najmä vo Veľkej Británii a USA.

Richard Strauss sa narodil v Nemecku a nepatril do viedenskej dynastie Straussovcov. Napriek tomu, že tento skladateľ prežil takmer celú prvú polovicu 20. storočia, dodnes je považovaný za predstaviteľa nemeckého hudobného romantizmu.

Celosvetová popularita Richarda Straussa trochu utrpela tým, že sa po roku 1939 rozhodol zostať v Nemecku a po druhej svetovej vojne bol dokonca obvinený z kolaborácie s nacistami.

Strauss bol vynikajúci dirigent, vďaka čomu dokonale chápal, ako má znieť konkrétny nástroj v orchestri. Tieto poznatky často aplikoval v praxi. Dal tiež rôzne rady iným skladateľom, ako napríklad:

"Nikdy sa nepozeraj na trombóny, len ich povzbudzuješ."

„Nepotite sa pri vystupovaní; Len poslucháčom by malo byť horúco.“

V súčasnosti sa Strauss spomína predovšetkým v súvislosti s jeho tvorbou Takto hovoril Zarathustra, intro, ktoré použil Stanley Kubrick vo svojom filme 2001: Vesmírna odysea. Ale napísal aj niektoré z najlepších nemeckých opier, medzi nimi - Der Rosenkavalier, Salome A Ariadna na Naxose. Rok pred smrťou tiež veľmi krásne komponoval Posledné štyri piesne pre hlas a orchester. Vo všeobecnosti to neboli posledné Straussove piesne, ale stali sa akýmsi finále jeho tvorivej činnosti.

Medzi skladateľmi uvedenými v tejto knihe bol doteraz iba jeden predstaviteľ Škandinávie – Edvard Grieg. Teraz sme sa však opäť preniesli do tejto drsnej a chladnej krajiny - tentoraz do Fínska, kde som sa narodil Jean Sibelius, veľký hudobný génius.

Sibeliova hudba absorbovala mýty a legendy jeho vlasti. Jeho najväčšie dielo Fínsko, sa považuje za stelesnenie fínskeho národného ducha, rovnako ako vo Veľkej Británii sú diela Elgara uznávané ako národný poklad. Sibelius bol navyše, podobne ako Mahler, skutočným majstrom symfónií.

Pokiaľ ide o ďalšie skladateľove vášne, v každodennom živote mal nadmernú záľubu v pití a fajčení, takže ako štyridsaťročný ochorel na rakovinu hrdla. Často mu tiež chýbali peniaze a štát mu poskytoval dôchodok, aby mohol pokračovať v písaní hudby bez obáv o svoje finančné blaho. Sibelius však viac ako dvadsať rokov pred svojou smrťou prestal vôbec niečo skladať. Zvyšok života prežil v relatívnej samote. Bol obzvlášť tvrdý voči tým, ktorí dostávali peniaze za recenzie jeho hudby:

„Nevenujte pozornosť tomu, čo hovoria kritici. Doteraz nedostal sochu ani jeden kritik.“

Aj posledný na našom zozname skladateľov obdobia romantizmu žil takmer do polovice 20. storočia, hoci väčšinu svojich najznámejších diel napísal v 20. storočí. A predsa je považovaný za romantika a nám sa zdá, že je to najromantickejší skladateľ z celej skupiny.

Sergej Vasilievič Rachmaninov sa narodil do šľachtickej rodiny, ktorá sa v tom čase celkom vyčerpala. Už v ranom detstve prejavil záujem o hudbu a rodičia ho poslali študovať najskôr do Petrohradu a potom do Moskvy.

Rachmaninov bol úžasne talentovaný klavirista a ukázal sa aj ako úžasný skladateľ.

Moje Klavírny koncert č.1 napísal v devätnástich. Našiel si čas na svoju prvú operu, Aleko.

Tento skvelý hudobník však spravidla nebol so životom obzvlášť spokojný. Na mnohých fotografiách vidíme nahnevaného, ​​zamračeného muža. Ďalší ruský skladateľ Igor Stravinskij raz poznamenal:

„Nesmrteľnou podstatou Rachmaninova bola jeho pochmúrnosť. Bol šesť a pol metra zamračený...bol to hrôzostrašný muž.“

Keď mladý Rachmaninov hral za Čajkovského, bol taký potešený, že svojmu skóre dal A so štyrmi plusmi – najvyššiu známku v celej histórii moskovského konzervatória. Čoskoro o mladom talente hovorilo celé mesto.

Osud však zostal k hudobníkovi dlho neprajný.

Kritici sa k tomu vyjadrovali veľmi tvrdo Symfónie č. 1, ktorého premiéra sa skončila neúspechom. To spôsobilo Rachmaninovovi ťažké emocionálne zážitky, stratil vieru vo svoje schopnosti a nedokázal zložiť vôbec nič.

Z krízy sa mu nakoniec podarilo dostať až pomocou skúseného psychiatra Nikolaja Dahla. V roku 1901 Rachmaninov dokončil klavírny koncert, na ktorom veľa rokov tvrdo pracoval a ktorý venoval Dr. Dahlovi. Tentoraz publikum privítalo skladateľovo dielo s potešením. Odvtedy Klavírny koncert č.2 sa stala obľúbenou klasikou v podaní rôznych hudobných skupín po celom svete.

Rachmaninov začal cestovať po Európe a USA. Po návrate do Ruska dirigoval a komponoval.

Po revolúcii v roku 1917 Rachmaninov a jeho rodina chodili na koncerty do Škandinávie. Domov sa už nevrátil. Namiesto toho sa presťahoval do Švajčiarska, kde si kúpil dom na brehu jazera Lucerne. Vždy miloval vodné plochy a teraz, keď sa z neho stal pomerne bohatý muž, si mohol dovoliť relaxovať na brehu a obdivovať otvárajúcu sa krajinu.

Rachmaninov bol vynikajúcim dirigentom a vždy dával tieto rady tým, ktorí sa chceli v tejto oblasti odlíšiť:

„Dobrý dirigent musí byť dobrý vodič. Obaja vyžadujú rovnaké vlastnosti: koncentráciu, neprerušovanú intenzívnu pozornosť a duchaprítomnosť. Dirigentovi stačí vedieť o hudbe trochu...“

V roku 1935 sa Rachmaninov rozhodol usadiť v USA. Najprv žil v New Yorku a potom sa presťahoval do Los Angeles. Tam si začal stavať nový dom, úplne identický s tým, ktorý nechal v Moskve.

Ako Rachmaninov rástol, dirigoval čoraz menej a takmer úplne prestal skladať hudbu. Vrchol slávy dosiahol ako vynikajúci klavirista.

Napriek túžbe po domove sa Rachmaninovovi v USA páčilo. Bol hrdý na svoj obrovský Cadillac a často pozýval hostí na jazdu autom, len aby sa s autom predviedol.

Krátko pred smrťou dostal Rachmaninov americké občianstvo. Bol pochovaný v tejto krajine.

Romantickému obdobiu sme v našej knihe venovali oveľa väčšiu pozornosť ako všetkým ostatným obdobiam vážnej hudby.

Počas tejto éry sa v rôznych krajinách udialo toľko zaujímavých vecí, že v krátkom článku sa jednoducho nedá povedať všetko. Vážna hudba sa veľmi zmenila, rovnako ako jej zvuk, ktorý sa stal bohatším a intenzívnejším vďaka veľkým symfonickým orchestrom. V mnohých ohľadoch sú diela Rachmaninova ideálnym príkladom tohto zvuku. Ak ho porovnáte s Beethovenom, je jasné, aké grandiózne to boli zmeny.

No akokoľvek sa tieto zmeny, ktoré sa odohrali vo svete hudby počas približne osemdesiatich rokov romantizmu, môžu zdať akokoľvek významné, nemožno ich porovnávať s tým, čo sa stalo neskôr. A neskôr sa hudba stala ešte rozmanitejšou a nezvyčajnejšou – čo jej podľa nášho názoru nebolo vždy na úžitok.

Koncom 18. - začiatkom 19. storočia sa objavil taký umelecký smer ako romantizmus. Počas tejto éry ľudia snívali o ideálnom svete a „utekali“ do fantázie. Tento štýl našiel svoje najživšie a najnápaditejšie stelesnenie v hudbe. Z predstaviteľov romantizmu sú známymi skladateľmi 19. storočia Karl Weber,

Robert Schumann, Franz Schubert, Franz Liszt a Richard Wagner.

Franz Liszt

Budúcnosť sa narodila v rodine violončelistu. Otec ho od malička učil hudbe. Ako dieťa spieval v zbore a učil sa hrať na organe. Keď mal Franz 12 rokov, jeho rodina sa presťahovala do Paríža, aby mohol chlapec študovať hudbu. Na konzervatórium ho však neprijali, od 14 rokov sa venuje komponovaniu etúd. Veľký vplyv na neho mali takí umelci 19. storočia ako Berlioz a Paganini.

Paganini sa stal Lisztovým skutočným idolom a rozhodol sa zdokonaliť svoje vlastné klavírne umenie. Koncertnú činnosť v rokoch 1839-1847 sprevádzal brilantný triumf. Počas týchto rokov vytvoril Ferenc slávnu zbierku hier „Roky putovania“. Klavírny virtuóz a obľúbenec verejnosti sa stal skutočným stelesnením doby.

Franz Liszt skladal hudbu, napísal niekoľko kníh, učil a viedol otvorené hodiny. Prichádzali k nemu skladatelia 19. storočia z celej Európy. Dá sa povedať, že hudbe sa venoval takmer celý život, keďže tvoril 60 rokov. Jeho hudobný talent a zručnosť sú dodnes vzorom pre moderných klaviristov.

Richard Wagner

Génius vytvoril hudbu, ktorá nemohla nikoho nechať ľahostajným. Mala fanúšikov aj zúrivých odporcov. Wagner bol od detstva nadšený pre divadlo a vo veku 15 rokov sa rozhodol vytvoriť tragédiu s hudbou. Vo veku 16 rokov priniesol svoje diela do Paríža.

3 roky sa márne pokúšal o naštudovanie opery, no nikto sa nechcel zaoberať neznámym hudobníkom. Populárni skladatelia 19. storočia ako Franz Liszt a Berlioz, ktorých stretol v Paríži, mu šťastie nepriniesli. Je v chudobe a nikto nechce podporovať jeho hudobné nápady.

Po neúspechu vo Francúzsku sa skladateľ vrátil do Drážďan, kde začal pôsobiť ako dirigent v dvornom divadle. V roku 1848 emigroval do Švajčiarska, po účasti na povstaní bol vyhlásený za zločinca. Wagner si uvedomoval nedokonalosť buržoáznej spoločnosti a závislé postavenie umelca.

V roku 1859 oslávil lásku v opere Tristan a Izolda. Dielo „Parsifal“ predstavuje utopickú víziu univerzálneho bratstva. Zlo je porazené a spravodlivosť a múdrosť víťazia. Všetci veľkí skladatelia 19. storočia boli ovplyvnení Wagnerovou hudbou a poučili sa z jeho tvorby.

V 19. storočí sa v Rusku vytvorila škola národného zloženia a interpretácie. V ruskej hudbe existujú dve obdobia: raný romantizmus a klasika. Do prvej patria takí ruskí skladatelia 19. storočia ako A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev.

Michail Glinka

Michail Glinka u nás založil kompozičnú školu. Vo všetkých je prítomný ruský duch Také slávne opery ako „Ruslan a Lyudmila“, „Život pre cára“ sú presiaknuté patriotizmom. Glinka zhrnul charakteristické črty ľudovej hudby a použil starodávne melódie a rytmy ľudovej hudby. Skladateľ bol novátorom aj v hudobnej dramaturgii. Jeho dielom je vzostup národnej kultúry.

Ruskí skladatelia dali svetu veľa skvelých diel, ktoré dodnes uchvacujú srdcia ľudí. Medzi brilantnými ruskými skladateľmi 19. storočia sú zvečnené také mená ako M. Balakirev, A. Glazunov, M. Musorgskij, N. Rimskij-Korsakov, P. Čajkovskij.

Klasická hudba živo a zmyselne odráža vnútorný svet človeka. Prísny racionalizmus vystriedala romantika 19. storočia.

Prezentácia poskytuje informácie širokému okruhu ľudí rôznymi spôsobmi a metódami. Účelom každej práce je prenos a asimilácia informácií navrhovaných v nej. A na to dnes používajú rôzne metódy: od tabule s kriedou až po drahý projektor s panelom.

Prezentácia môže byť súbor obrázkov (fotografií) zarámovaných s vysvetľujúcim textom, vstavanou počítačovou animáciou, audio a video súbormi a inými interaktívnymi prvkami.

Na našej stránke nájdete obrovské množstvo prezentácií na akúkoľvek tému, ktorá vás zaujíma. Ak máte nejaké problémy, použite vyhľadávanie na stránke.

Na stránke si môžete stiahnuť bezplatné prezentácie o astronómii, spoznať predstaviteľov flóry a fauny na našej planéte v prezentáciách z biológie a geografie. Počas školského vyučovania budú mať deti záujem spoznávať históriu svojej krajiny prostredníctvom prezentácií histórie.

Na hodinách hudobnej výchovy môže učiteľ využiť interaktívne hudobné prezentácie, v ktorých môžete počuť zvuky rôznych hudobných nástrojov. Môžete si tiež stiahnuť prezentácie o MHC a prezentácie o spoločenských štúdiách. O pozornosť nie sú ukrátení ani milovníci ruskej literatúry, predstavujem vám svoje powerpointové práce o ruskom jazyku.

Existujú špeciálne sekcie pre technikov: a prezentácie o matematike. A športovci sa môžu zoznámiť s prezentáciami o športe. Pre tých, ktorí radi tvoria vlastnú tvorbu, je tu sekcia, kde si môže každý stiahnuť podklady pre svoju praktickú prácu.