Aký je rozdiel medzi maľbou, skicou, skicou a skicou? Čo je lepšie, plátno alebo lepenka? Ak obraz obsahuje viacfigurálne kompozície, veľa ľudí, predmetov, kresťanské a surrealistické motívy, toto je Bosch. Rozdiel medzi maľbou a kresbou
- Wow, skvelý obrázok! – pochválil prácu a okamžite urazil umelca nesprávnou terminológiou
Asi viete, priatelia, že dobrý, ale ovplyvniteľný umelec sa môže uraziť, ak mu poviete, že on „namaľuje“ svoj obraz. Je to rovnaké, ako keby ste povedali, že lode plávajú po mori... ale všetci vieme, že lode plávajú po mori!
Napriek tomu človek, ktorý má k výtvarnému umeniu ďaleko, často nevie presne povedať, čo je maľba, čo je kresba a čím sa navzájom líšia. Preto je pre neho „kreslenie“ aj „písanie“ jedno a to isté. Ale skúste povedať majstrovi, že má dobrú „kresbu“ na plátne!
Neexistuje jednoduchší spôsob, ako zraniť citlivú tvorivú povahu, hoci jednoduchý divák hneď nepochopí, čo je zlé a urážlivé.
Maľba a kresba sú si blízke a dokonca súvisiace pojmy, ale sú od seba jasne oddelené. Tak ako je dobre známe, kedy sa obrázky maľujú a kedy sa kreslia.
Skúsme na to prísť terminológia v výtvarného umenia . Verte, že to nie je dôležité len pre kreatívnych, ale aj zaujímavé.
Rozdiel medzi maľbou a kresbou
V prísnom formálnom jazyku, kreslenie - toto je obraz akýchkoľvek obrázkov, predmetov a javov v rovine. Môžete kresliť kriedou, perom, ceruzkou, farbami - čokoľvek, čo zanecháva stopy na určitom povrchu.
Vo všeobecnosti je kreslenie aj škrabanie diamantu na sklo alebo napríklad kreslenie perom na hodine a aplikácia tetovania.
Ale maľovanie - to je tiež obraz predmetov a javov, ale len s použitím farieb. To znamená, že ak hovoríme suchým a formálnym jazykom, maľba je jednou z možností kreslenia, v ktorej sa ako nástroj používa štetec a farba je médium, ktoré vytvára obraz.
Inými slovami, kresba je grafika a berie sa do úvahy Oficiálne sa za grafiku považuje všetko, čo sa robí na papieri, a napodiv sa za grafiku považuje aj akvarel. Aj keď mnohé diela sa považujú aj za maľby na papieri
Takže všetko na papieri je grafika a všetko ostatné je maľba... na plátno, drevo, sklo, stenu
Pamätáte si hodiny kreslenia v škole? Tam sa celý predmet nazýval takto: výtvarné umenie. Neexistovali žiadne samostatné hodiny maľovania alebo kreslenia, len jeden deň učili, ako pracovať s olejmi, a ďalší deň - s ceruzkami.
Odtiaľ je všeobecný názor, že maľba je len variantom kresby. Formálne je to tak, v skutočnosti je to inak.
Výtvarné umenie – Umenie zachytávať obrazy = Výtvarné umenie, Asociácia rôzne druhy maľba, grafika, sochárstvo
V skutočnosti je takáto hierarchia skutočnou byrokraciou. Vo výtvarnom umení dnes existuje jasné rozdelenie: maľovanie- to je práca so štetcom a farbami na hustých materiáloch, kreslenie- to je použitie všetkých ostatných materiálov na papieri.
Možno nie je taký prísny a vedecký, no svet umenia mnohí milujú, pretože nepodlieha vede, a preto jeho zákonitosti nemusia nevyhnutne zodpovedať prísnej klasifikácii a terminológii.
Existuje ďalšia nuansa: zamysli sa nad slovom samotným "maľovanie"- skladá sa z dvoch častí: "naživo" A "písať". Dá sa to interpretovať rôzne, no mnohí umelci hovoria, že práca s farbami je živá práve preto, že farby samotné po nanesení na plátno zasychajú a trochu menia svoje vlastnosti, teda žijú si vlastným životom.
A samotný obraz nadobúda svoj vlastný dynamický život, obraz sa ukazuje ako živý. Alebo zobrazenie- živo písať... Vo všeobecnosti slovo maľba znie podľa mňa vznešene a krásne
Pohľad a uvažovanie o živých obrazoch
Takže sme prišli na túto časť: maľovanie je práca s farbami, kreslenie používa iné prostriedky. Navyše maľovanie na stojane, od podobných foriem kresby sa odlišujú aj monumentálne a dekoratívne.
Farby sa nanášajú na steny - hovoríme o o maľovaní, zdobia ich pastelkami - to je už kreslenie.
Maľujú alebo kreslia?
Iné, nie menej ožehavá otázka- ako nazvať proces vytvárania obrazu. Zdá sa, že ak je vytvorený obrázok, znamená to, že je nakreslený. A ak hovoria o liste, zvyčajne majú na mysli text.
Tu má terminológia hlboké historické korene. Ruská maľba sa postupne vyvinula z maľby ikon, keď sa majstri začali snažiť oživiť a oživiť biblické motívy pomocou rovnakých techník a potom úplne prešli k maľbám, ktoré nemali nič spoločné s náboženstvom.
Ale keďže ikony boli pôvodne "napísal", potom toto slovo migrovalo do maľby a dnes sa maľujú aj olejomaľby.
Často hreším a zvyčajne „maľujem“ svoje obrazy
Ak hovoríme o kresbe, potom sú tu nakreslené všetky diela, bez ohľadu na to, aké významné sú. Dá sa, samozrejme, povedať, že umelec „napísal“ epické plátno ceruzkou, ale nie je to nič iné ako sloboda.
Dá sa maľovať na plátno?
Vo všeobecnosti sa zvykne tvrdiť, že maľujú na plátno olejom, ale napríklad jednoducho kreslia na papier. Ale to nie sú absolútne pravidlá.
napr. Pred maľovaním farbami môže umelec urobiť náčrt ceruzkou na plátno. Toto je kresba, autor ju kreslí. A až keď sa na tento výkres nanesú farby, začne sa obraz maľovať.
Aj keď, kreslenie ceruzkami či uhlíkom na plátno nikto nezakazoval... otázkou je len to, že kreslenie na látkové plátno nie je úplne vhodné na suché techniky, pokiaľ, samozrejme, nie je to miesto, kde je možné využiť všetko.
To isté platí pre všetky ostatné základy nielen maľovanie na stojane; napr. monumentálna maľba zahŕňa maľovanie obrazov farbami na rôzne architektonické objekty fasády, dekoratívna maľba - toto je list pre rôzne predmety a detaily interiéru - to sú maľby stien vo vnútri miestnosti rôznymi freskami a falošnými maľbami
Zároveň, ak vezmeme pohár alebo džbán a natrieme ho napríklad atramentom, bude to už dekoratívna maľba . To znamená, že v žiadnom prípade nezávisí od toho, či sa venujeme maľbe alebo kresbe. Všetko je to o materiáloch, z ktorých je obrázok vytvorený.
A nakoniec: nepredpokladajte, že maľovanie je pre profesionálov a kreslenie pre amatérov. Vôbec nie! Ceruzky, pastely alebo pastelky často vytvárajú diela, ktoré nie sú o nič menej grandiózne a veľkolepé ako olejové alebo akrylové maľby.
A náročnosť vytvárania práce, napríklad iba s ceruzkami, je veľmi veľká. Preto, ak radi kreslíte, nemusíte sa mučiť a nútiť sa maľovať farbami - je celkom možné vytvárať majstrovské diela s tým, čo sa vám najviac páči.
Majstri portrétov v grafike
Len v tomto prípade, mimochodom, vo svojej práci budete môcť naplno prejaviť seba a svoje emócie, či už na plátne, papieri, skle alebo na stene! Sú to primárne a materiály a techniky sú len nástroje, z ktorých si vyberiete to, čo vám najviac vyhovuje.
Priatelia, k článku nestratili sa medzi mnohými inými článkami na internete,uložiť do záložiek.Takto sa môžete kedykoľvek vrátiť k čítaniu.
Opýtajte sa svoje otázky nižšie v komentároch, zvyčajne rýchlo odpoviem na všetky otázky
Začať dialóg so svetovou kultúrou, moderný človek neplytvá úsilím, aby sa dostal na jej úroveň, ale naopak, snaží sa ju zraziť na svoju vlastnú. (niekto šikovný)
Pred vynálezom fotografie sa maľba považovala za nástroj na možno jasnejšie odrážanie okolia. Obraz bol považovaný za lepší, čím autentickejšie pôsobil skutočný svet. S príchodom fotografie v roku 1839 a kinematografie v roku 1895 sa povedomie o maliarstve výrazne rozšírilo, hoci iní sa v súčasnosti držia úzko funkčného podnikania.
Aký je rozdiel medzi fotografiou a maľbou?
Bato Dugarzhapov "Vianoce".
Fotografia zachytáva moment, inými slovami, veľmi špecifický momentálny stav objektu. Maliar, akokoľvek starostlivo a vierohodne vypisuje detaily, najprv napíše VŠEOBECNÉ, čo na modeli vidí, teda najcharakteristickejšie a najvýraznejšie.
Preto je fotografia (okrem veľmi vzácnych diel fotografických umelcov) ilustráciou podobnou obrázku v encyklopédii: takto vyzerá veverička, deti, a takto vyzeral majiteľ fotoalbumu pred 20 rokmi, keď bol kúpaný vo vani.
Bato Dugarzhapov „Krym“.
Moderný maliar opustil kopírovanie prírody – fotografovanie a filmovanie to urobí ešte lepšie a rýchlejšie. Naturalizmus posúva maľbu do slepej uličky opakovania a banality. Navyše, príroda sa nedá reprodukovať. Keď divák akceptuje len tú najpovrchnejšiu nuansu maľby – prenos informácií „kde všetko stálo“, tak povedomie o maľbe bude veľmi ochudobnené a skreslené.
Obraz sa od fotografie zásadne líši tým, že nie je identický, a to sa stalo základným rozdielom medzi farebným a fotografickým obrazom. Maliar sa rozhodne vlastnou vôľou, čo a ako nechať, čo a ako zvýrazniť, čo z obrazu vylúčiť, z času na čas aj v rozpore s povrchným zdravým rozumom.
Bato Dugarzhapov "Terasa".
Farebná maľba na plátne tvrdí, že je úplným a univerzálnym zobrazením maľovaného predmetu a sprostredkúva z neho spomienky. Nepochopiteľným spôsobom sa na plochom plátne objaví zväzok, živý a krásny svet, ktorú vytvoril umelec.
Môžeme vstúpiť do obrazu a počuť spev vtákov, cítiť vôňu rozkvitnutej lúky, cítiť teplo vody zohriatej slnkom, vidieť pohyb – jasne chápeme, že toto všetko sa deje výlučne v našom vedomí a pred nami. , a že tvorca nám to všetko dal.
Čo je to „alla prima“?
Bato Dugarzhapov „Ráno“.
Ak sa predtým vítal šperkársky štýl vypisovania detailov do najmenšieho detailu, keď sa obraz maľoval mesiace, ba roky a potom sa pracne lakoval, potom sa v 19.-20. storočí objavil pojem „alla prima“. - z latinského „all prima vista“ (na 1. - y pohľad) a znamená spontánne maľovanie impasto farbou.
Obraz je pripravený po prvom sedení. Farby sa miešajú hlavne na škále, kde pôsobia sviežo a žiarivo. Pri plenérnom maľovaní je to veľmi vhodný spôsob práce.
Pastozita sa prejavuje v reliéfe, vypuklosti svetlej vrstvy, v plastickom ťahu štetca a slúži na zdôraznenie materiálovej stránky objektu a dodanie dynamiky. Maľby sú väčšie a informatívnejšie ako fotografie, dokážu zmyselne pôsobiť na divákov lokálnymi farebnými škvrnami, bez zbytočného upresňovania a upresňovania detailov. Z času na čas aj kvôli absencii tejto špecifikácie.
Bato Dugarzhapov „Poludnie. Lode."
Striedanie na prvý pohľad náhodných ťahov a svetlých škvŕn je oveľa emotívnejšie ako fotka a starodávna, ulízaná maniera sprostredkúva pohyb – hra slnečných škvŕn na tráve, odlesky na vode, kývajúce sa lístie atď.
Žiaľ, divák, ktorý sa úplne zbláznil do pestrej kultúry, keď videl diela alla prima, maľované rozsiahlymi ťahmi a pruhmi, neobťažuje sa zastaviť a pozrieť sa zblízka, ale nafúkne líca a so slovami: Aj ja to tak dokážem namaľovať,“ s vedomím vlastnej prednosti ide ďalej v hľadaní lakovaných kučeravo písaných kreácií, kde nie je potrebná žiadna práca s fantáziou a empatiou.
Nechajme ho ísť a neskôr sa pozrieme napríklad na obraz „Plein Air“ od umelca Bato Dugarzhapova. Čo vidíme na tomto fascinujúcom obrázku?
Bato Dugarzhapov „Plein Air“.
Tí, ktorí chcú vidieť, ako sa vyrábajú topánky postáv - nič. Divák, naladený na vlnu uvedomenia, najprv veľa vidí slnečné svetlo. Potom vidíme niekoľkých umelcov letné šaty pri stojanoch a bradatý umelec v džínsoch a so štetcami v ruke. Potom sa objaví teplý kamenný múr s popínavými stromami vistérií osvetlenými slnkom nad nimi, modrá obloha v medzier listov, parapet nábrežia a more za ním. Preto nie je lístie rozpísané do detailov a žiliek, lebo sa hýbe, kýve, hýbe sa aj svetlo, hýbu sa tiene a každú minútu sa mení odraz od mora v diaľke...
Nálada obrazu je úplne fenomenálna, jednoducho vyžaruje svetlo a pozitivitu. A zároveň je nemožné ukazovať ukazovateľom a vysvetľovať - toto je toto a toto je toto. Musíte to vidieť tak, že sa trochu vzdialite od obrázka a budete sa naň pozerať dosť dlho. Navyše je to len súbor, sám si viem predstaviť, ako by mal pôsobiť v origináli!
Bato Dugarzhapov „Na náčrtoch“.
Obraz „O etudách“ sa „objavuje“ podobným spôsobom. Spočiatku - chaotické škvrny slnečného svetla a odrazy mora. Potom sa sivovlasý maliar naklonil k stojanu. Potom - more samotné: more zojící, hýbe sa, znepokojuje, slnečné oslnenie vlny ti vlastne oslepujú oči (ako to bolo vyrobené sa nedá pochopiť), v mori sú hory, kamienky a loďky, naľavo zase popínavá rastlina, možno hrozno.
Atmosféra horúceho rána (a toto je ráno, pretože keď je slnko vysoko, more sa neiskrí, sfarbí sa do modra), krása južného pobrežia a obdiv k tejto kráse sa neopísateľne prenáša.
Bato Dugarzhapov „Južný večer“
Obrazy Bata Dugarzhapova sú ponorené do mimoriadneho svetelného prostredia, ktoré hovorí o najvyššej farebnej kultúre umelca, o úzkom povedomí o farbách a priestorových vzťahoch. Jeho diela sa vyznačujú sviežosťou, rýchlym rytmom línií a farebných škvŕn, romantickou eufóriou a úzkym vnímaním svetlo-priestorových vzťahov.
So zvláštnou ľahkosťou, veľkými ťahmi vytvára ucelený celistvý obraz prírody vo farbe, svetle a skutočnej dynamike...v lúčoch slnka sa všetko leskne, dokonca aj tam, kde je tieň, odlesky sa lesknú, čo je obzvlášť nápadné a zábavné. Voľne porozhadzované farby ležia na sebe a tvoria viacfarebnú harmóniu a rytmus, v ktorom má mimoriadny význam hra farieb.
Bato Dugarzhapov „Jazero Como“.
Bato Dugarzhapov sa narodil v roku 1966 v Čite. Vyštudoval umeleckú školu v Tomsku a Metropolitan Municipal Academic Art Institute. V.I. Surikov. Diela umelca sú v osobných zbierkach v Rusku, USA, Francúzsku, Taliansku a Španielsku.
K. Yu
Maľba akéhokoľvek žánru (od zátišia po náboženská maľba) je umelecký obraz, vytvorený s pomocou umelcovej fantázie a osobného videnia sveta. Svetonázor a postoj umelca sa formujú pod vplyvom prostredia - éry, štátu, spoločnosti, rodiny, životného štýlu atď. Umenie veľkých umelcov je vždy portrétom doby cez prizmu autoportrétu, osobnosti, ktorá prechádza okolitou realitou a duchom doby. 
Ikona je nadčasový fenomén, je to zjavenie Boha, reprezentované pomocou vizuálne umenie. Najdôležitejším princípom v ikonopise je dodržiavanie zavedených kánonov. Kánony maľby ikon sú také jedinečné, že človek, ktorý nepozná históriu a teológiu Cirkvi, môže byť zmätený: prečo sa držať starodávnych princípov zobrazovania? Možno majstri, ktorí stáli pri zrode maľby ikon, jednoducho neovládali techniku, ktorá sa vyvinula počas renesancie? A možno by sme mali posunúť úspechy európskej civilizácie k tomuto staroveké umenie?
V čom sa teda ikona tak nápadne líši od klasická maľba? A s pomocou čoho technické prostriedky je tento rozdiel dosiahnutý?
Ikonopisec neprenáša do ikony nič zo svojho osobného svetonázoru, ktorý by sa nejakým spôsobom líšil od svetonázoru Cirkvi Kristovej. Ikonopisec sa stáva sprievodcom svetonázoru Cirkvi. Ikona sa nesnaží odrážať okolitú dočasnú realitu, nezaoberá sa problémami našej doby, prechodnými nepokojmi tohto sveta. Ikona je oknom do iného, večného sveta. 
Obraz nevyhnutne odráža individualitu autora, dielo odráža jeho osobné, jedinečné črty, navyše sa každý umelec snaží dosiahnuť svoj osobitý jedinečný štýl. Jedným z najvyšších úspechov autorovho diela je vytvorenie nového štýlu a smeru v maľbe. Majstrovské plátna sú neoddeliteľne spojené s jeho menom, obrazom a životopisom.
Obraz je duchovný, teda zmyselný, sprostredkúva emócie, keďže umenie predstavuje spôsob chápania sveta prostredníctvom pocitov.
Ikona je duchovná, bez emócií a nezaujatá. Ako cirkevný spev a čítaní, ikona neprijíma emocionálne spôsoby vplyv.
Maľba je spôsob interakcie s osobnosťou autora. Ikona je prostriedkom komunikácie s Bohom a jeho svätými.
Ikona na rozdiel od obrazu priamo slúži spáse ľudskej duše.
Zdôraznili sme vnútorné rozdiely medzi ikonou a maľbou, ale aké vonkajšie rozdiely môžeme vysledovať?
Po prvé, ikona je svedectvom pravého Boha, je to čisto náboženský fenomén. Kanonická ikona nemá náhodné dekorácie bez sémantického významu.
Hlavné rozdiely medzi ikonou a maľbou:
1. Konvenčnosť, určité skreslenie skutočných foriem a symboliky.
Telesné je v ikone zmenšené a duchovné je odhalené. Predĺžené proporcie postavy, nedostatok objemu. Ikone chýba váha, váha vlastná objektom nášho sveta.
2. Obrátená perspektíva.
Obraz je skonštruovaný podľa zákonov priamej perspektívy, úbežník je umiestnený na línii horizontu a je vždy rovnaký. Ikona sa vyznačuje spätnou perspektívou, kde sa úbežník nenachádza v hĺbke roviny, ale v osobe stojacej pred ikonou. Takto nachádza svoj výraz myšlienka objavenia sa nebeského sveta do nášho sveta, sveta pod ním. A rovnobežné čiary na ikone sa nezbiehajú, ale naopak rozširujú v priestore ikony.
3. Žiadny externý zdroj svetla.
Svetlo akoby z vnútra ikony, zo samotných tvárí a postáv, z ich hĺbok je podstatou svätosti. Ikona svieti a tento princíp vychádza zo svedectva teologického evanjelia o Premenení nášho Pána na hore Tábor. Pravoslávna svätožiara je nestvorené svetlo Božstva, ktoré sa zrodilo v srdci svätca a tvorí jeden celok s jeho premeneným telom.
4. Farba v ikone má čisto symbolickú funkciu.
Červená farba na ikonách mučeníkov symbolizuje obetu, príp kráľovská moc. Zlato je symbolom nekomoditného svetla, ktoré má úplne inú povahu ako ostatné fyzikálne látky. Prečo sa to nedá preniesť farbou. Zlato na ikonách je opakom myšlienky pozemského zlata a bohatstva. Existujú aj farby, ktoré nahrádzajú prítomnosť zlata na ikone – okrová, červená a biele farby. Čierna farba na ikonách sa používa iba v prípadoch, keď je potrebné ukázať sily zla alebo podsvetia.
6. Na ikone nie je čas. Všetky udalosti sa dejú v rovnakom čase.
Jedna ikona často zobrazuje niekoľko rôznych scén, niekedy sú to scény zo života jedného svätca, ktoré ilustrujú celú jeho cestu od narodenia až po odpočinok. Takto sa vyjadruje zapojenie ikony do sveta večnosti, kde je všetko otvorené naraz, alebo skôr čas jednoducho chýba. Na obrázku sa to naopak deje v jednej časovej rovine.
Rozdiel medzi kanonickou ikonou a maľbou je teda zrejmý.
Hlavná úloha ikony, na rozdiel od maľby, ktorá sprostredkúva zmyselnú stránku sveta, odhaľujú realitu duchovného sveta, pomáhajú získať pocit skutočnej prítomnosti svätca, Matky Božej či Pána, prispievajú k otvoreniu srdca a zrod kajúcnej modlitby alebo doxológie, ktorou sa posväcuje myseľ, srdce a celý život človeka.
V dielni maľovania ikon "Measured Icon" je to možné
Vykonajte potrebnú prácu. Preskúmajte dielo, pozrite si ďalšie diela autora, porovnajte titulky, pozrite si ich zblízka. Zlepšenie vašich vedomostí je nevyhnutné na vyhodnotenie obrazu a pochopenie toho, čo hľadať, aby ste určili pravosť.
Navštívte múzeum a pozrite sa na patinu. Ak požiadate o zobrazenie zadnej strany obrazu, personál vám s tým pomôže. Oceňujte dojem a vzhľad starých umeleckých diel. Vyhodnoťte hĺbku a počet vrstiev, ktoré boli potrebné na dosiahnutie farby požadovanej umelcom.
Pozrite sa na patinu dreva, aby ste zistili, či je staré. Určite, ako je rám zostavený a aké klince a spojovacie prvky sa používajú.
Hľadajte chĺpky zo štetca. Na kópiách obrazov niekedy na samotnom plátne zostali chlpy z lacných štetcov.
Použite svoj čuch. Ak sa vám podarí priblížiť sa k nej, ovoňajte ju. Farbe trvá dlho, kým schne, trvá roky, kým obraz úplne prestane voňať.
Rozhodnite sa, ako sa vo vás obraz cíti. Analyzujte všetko spolu. Napríklad veľa falzifikátov nemá dostatočnú farebnú hĺbku alebo vrstvy. Dielo je možné ľahko kopírovať, ale nie je možné preniesť vrstvy farby do obrazu.
Všetko musí do seba zapadať. Skontrolujte, či všetko sedí na obraze - napríklad rám a plátno, je tiež ťažké predstierať patinu.
Objednajte si hodnotenie práce. Ak sa vám nejaké umelecké dielo naozaj páči, musíte zapojiť tretiu stranu, ktorá môže obraz nestranne zhodnotiť. Ako si môžete byť istý, že odhadcovi možno dôverovať? Musí byť certifikovaný jednou alebo viacerými asociáciami profesionálnych umeleckých odhadcov a mať skúsenosti s prácou s konkrétnym umelcom. Prednostne nie je obchodník s umením ani maklér. Príkladom je http://www.bernardewell.com, ktorý je expertom na Salvadora Dalího, ktorého obrazy sa často kopírujú. Preskúmajte, ako sa predávajú obrazy tohto umelca – v ktorých aukčných domoch sa predávajú, akej sú veľkosti, kedy sa predávajú a s akým agentom?
Upozorňujeme, že niektorí predajcovia, najmä tí na výletných lodiach, sa môžu pokúsiť oklamať kupujúceho predajom obrazu za premrštenú cenu.
Hľadajte podpis a číslo – mali by tam byť vždy. Obrazy bez podpisu sú málo zaujímavé, pretože takýchto kópií sa dá vyrobiť veľa. Mnohé kusy budú mať na zadnej strane nálepky s galériou alebo informácie. Pozrite si galériu, či je to pravda. V niektorých prípadoch by rám a plátno mali javiť známky opotrebovania. Drevené hrany nemusia zostať po 50 alebo 100 rokoch také ostré, samotný rám musí byť suchší. Preskúmajte povesť umelca. Zistite, že niektorí spisovatelia podpísali prázdny formulár, po ktorom bol ich podpis skopírovaný na obrazy. To je negatívny znak, a preto ich obrazy majú menej vysoká cena. Je známe, že Salvador Dalí to niekedy urobil.
"Už dávno som si uvedomil, že pre kritikov umenia je sebavyjadrenie dôležitejšie ako obsah."
Eldar Riazanov
„Prečo ja, syn slávneho moskovského maliara, trávim detstvo a mladosť medzi umelcami, v ktorých zbierke viac maľby a grafiky, ako v ktoromkoľvek inom regionálnom múzeu, mám počúvať historikov umenia, ktorí nikdy nedržali v rukách ani štetec?“
Alexander Gremitskikh
Wikipedia definuje pojem „obraz“ vo vzťahu k maľbe ako „umelecké dielo, ktoré má úplný charakter (na rozdiel od náčrtu alebo skice) a nezávislý umelecký význam. Pojmy „štúdia“, „náčrt“ a „náčrt“ vo vzťahu k maľbe sú na Wikipédii vo všeobecnosti zhrnuté a redukované na jeden koncept – skicu, prípravný materiál pre umelcovu skutočnú maľbu.
Pozrime sa, či je to pravda v praxi:
Treba povedať, že všetka umelecká terminológia sa vyvinula už v 19. storočí, ak nie ešte skôr. V tých časoch nielen u nás, ale v celej Európe mali slušní ľudia rozprávať výlučne po francúzsky, o čom svedčí aj dodnes používaná terminológia v maliarstve. Takže slovo „štúdium“ pochádza z francúzskeho „étude“ a „sketch“ - napríklad z francúzskeho „esquisse“. Klienti maliarov bývali väčšinou vo veľmi priestranných, prinajmenšom priestoroch, ktoré si vyžadovali výzdobu obrovskými plátnami, ktoré sa prirodzene nedali namaľovať zo života. Je jasné, že v takýchto podmienkach sa oceňoval iba konečný produkt - celkový obraz (ale, mimochodom, bol výlučne platený). Keďže nikomu nenapadlo zavesiť diela z prírody, ku ktorým skice v prísnom zmysle slova patria, na stenu, nedalo sa na ne zohnať peniaze, a preto, ak boli namaľované, tak len ako nosný vizuál. materiál pre niektorých veľký obraz a mali ešte menšiu dôležitosť ako náčrty, ktoré boli starostlivo napísané, pretože museli byť predložené zákazníkovi na schválenie.
Toto je miesto, kde od „časov Očakova a dobytia Krymu“ migrovali dávno zastarané definície umelecké pojmy na Wikipédii! Áno, a do iných slovníkov, bohužiaľ, tiež, a odtiaľ - do našich hláv.
Avšak tým, že konca 19. storočia storočia sa s demokratizáciou spoločnosti dramaticky zmenili názory na to, aký môže byť konečný produkt v maľbe. Ak sa francúzskym impresionistom stále vyčítala útržkovitosť ich diel, potom A.K. Savrasov povzbudil svojich študentov, aby sa „učili od prírody“. Z ruských umelcov sa napríklad Konstantin Korovin preslávil práve skicami z prírody, tematické obrazy prakticky vôbec nemaľoval. Žijeme už v 21. storočí, ale vo vzťahu k maľbe naďalej používame chápanie jej terminológie spred 200 rokov, paradox, a to je všetko!
Nepochopenie tých najjednoduchších používaných v každodenná reč, maliarske pojmy, založené na ich starodávnom chápaní, zámerne vnucované širokej verejnosti uznávanými umeleckými kritikmi, ktorí, ako je celkom zrejmé, ODBORNE nič o umení nerozumejú, sú schopní vložiť obyčajný človek do slepej uličky. Preto by som sa v tomto článku rád zamyslel nad hlavnými bežne používanými pojmami v maľbe vo vzťahu k našej súčasnej situácii.
VÝZNAM SLOVA „PÍSAŤ“(samozrejme s dôrazom na druhú slabiku)
V ruštine má slovo „písať“ základný význam „písanie písmen a číslic“. V maľbe odborníci používajú ako termín slovo „maľovať obraz“. Ak umelec povie: „Namaľoval som obraz“, potom v tomto prípade nepoužíva odbornú terminológiu, ale jednoducho hovorí každodenný jazyk, Ako obyčajných ľudí, nesúvisí s umeleckej činnosti. V terminologickom ponímaní maľujú uhlíkom, sangvinikom, ceruzkou, pastelom, ale nie olejomaľbou. „Tento obraz od umelca je namaľovaný olejom,“ môže povedať len človek, ktorý má ďaleko od maľby. A nie je na tom nič strašné, nie je to až také dôležité. Nezáleží ani na tom, že neviete, čo je kraplak červený alebo kadmium žltý a nikdy ste nepočuli o jantárovej či pálenej siene. Názvy umeleckých náterov, ktoré presne označujú určité farby (napokon, červená, žltá a modrá sú iné), sú pre laika úplne zbytočné a historici umenia do tak úzko odborných presných pojmov nezasahujú.
Ale títo páni, ktorí „umenie poznajú“, alebo, jednoduchšie povedané, kritici, teda novinári píšuci na tému umenia, úspešne vnútili všetkým ostatným ľuďom falošnú predstavu, že umeniu, ako hovoria, „treba porozumieť. “ Kto vie o umení? Samozrejme, nikto okrem umeleckých kritikov!
Úspešne nám teda vysvetlili, že vo výtvarnom umení vieme a nerozumieme ničomu. A najzaujímavejšie je, že s tým úplne súhlasíme! Koho sa môžete opýtať: „Nerozumiem maľbe“, „Nerozumiem umeniu“... a podobne.
Čomu vlastne treba rozumieť? Umenie, vrátane výtvarného, je vytvorené pre nás, obyčajných ľudí, a nie pre „špecialistov“, oslovuje estetiku, ktorá je od prírody vlastná každému z nás. V umení sú pre diváka, čitateľa, poslucháča len dve kritériá – páči sa mi a nepáči sa mi. Prečítate si nudnú knihu? Pozri zlý film alebo divadlo? Budete počúvať operu, hudbu alebo pesničku, ktorá sa vám nepáči? Myslíte si, že Kazimír Malevič? brilantný umelec, a Velimir Chlebnikov - geniálny básnik? nie? Bravo! Máš veľké pochopenie pre umenie!
Ale na to, aby sme vy a ja mohli, ako som to povedal Peter, „rozpoznať od iných nevedomých bláznov“, je ešte potrebné porozumieť niekoľkým bežným pojmom, ktoré sa často vyskytujú v každodennej reči a ktoré sa v tomto prípade týkajú maľby. .
MATERIÁL NA MAĽBU UMELECKA
Neprofesionálovia, na návrh tých istých umeleckých kritikov, tomu zvyčajne veria skutočný obraz olejomaľba by sa mala maľovať výlučne na plátno a iné podklady ako umelecký kartón si vo všeobecnosti nezaslúžia pozornosť. Potom by sa „Mona Lisa“ nemala považovať ani za obraz, pretože Leonardo na prácu použil lipové dosky.
Kartón natretý základným náterom, aby sa do neho nevsiakli farby, s bielou zmesou, takzvaným základným náterom z kriedy a lepidla, alebo farebným základným náterom, ak si to umelec vyžaduje, teda špeciálnym umeleckým kartónom, je prekvapivo vhodný na prácu, najmä v plenéri. Kartón je kompaktný, pomerne hustý materiál, ktorý na rozdiel od plátna nepruží pod tlakom štetca. Plátno pod vplyvom zmien teploty a vlhkosti v miestnosti buď ochabne, alebo sa natiahne, preto sa farby na ňom časom rozpadajú, ale nie na kartóne. Maľba na kartón je odolná ako kartón sám a kartón v odolnosti dokonca predčí plátno.
To isté možno povedať o sololitu, hoci je oveľa ťažší ako kartón. Sovietski umelci si sololit často natierali základným náterom sami, alebo dokonca jednoducho, aby bolo maľovanie pohodlnejšie a štetec nepružil, špeciálne natreté plátno prilepili na sololit. Tu máš žiarivý príklad, zátišie s orgovánmi celkom veľkosť obrázku:
A čo plátno? Výlučne s ním sú umelci Ruská ríša pracoval až do roku 1862, keď ruský priemysel začal vyrábať umeleckú lepenku.
Plátno vyžaduje ťažké nosidlá a dobré roztiahnutie plátna na ňom. V tomto prípade musíte po dokončení práce dlho počkať, kým farba zaschne, inak sa plátno nedá zrolovať, keďže mokré farby sa zlepia a obraz sa úplne zničí. Farby môžu schnúť celý mesiac. Toto je miesto, kde umelec začína mať nútené prestoje. Na prepravu sa obraz, ak je veľký, vyberie z nosidiel a opatrne sa navinie na veľkú babu s obrazom nahor, aby sa obraz nepoškodil. Ďalšou fázou je po doručení na miesto plátno opäť natiahnuť na nosidlá, správne, bez deformácií, vrások v rohoch a previsu, ale aj bez nadmerného napätia (to všetko môže poškodiť aj vrstvu maľby). A časom sa plátno natiahnuté na nosidlách vplyvom zmien vlhkosti a teploty môže prehýbať, alebo naopak príliš naťahovať, čo môže hroziť aj pretrhnutím plátna. To zase môže spôsobiť drobenie vrstvy farby, zničenie alebo zničenie maľby. Preto v sálach a skladoch múzeí umenia tak prísne sledujú stálosť vlhkosti a teploty.
Umelecká lepenka má mnoho výhod. Je ľahký a pri pobyte vonku ho možno umiestniť do špeciálneho dreveného rámu so svorkami, ktorý má navrchu pútko na prenášanie. Predstavu o tomto užitočnom zariadení dáva nákres zachovaný v papieroch môjho otca takého rámčeka na skice, ktorý si môj otec objednal u nejakého stolára. Tu je nákres:
Niekedy si maliar vezme so sebou dva kartóny na skice. Najprv sa použije jeden a potom ak
zmenilo sa osvetlenie alebo nálada, alebo zaujal nejaký iný motív, umelec vezme druhý kartón a píše naň. Po dokončení práce otočí kartóny, ešte neopracované s maľbou, do rámu a zaistí ich svorkami. Kartóny sa navzájom nedotýkajú. Obraz zostáva neporušený a nepoškodený. Vysuší sa v dielni.
Preto po roku 1862, keď vznikla priemyselná výroba maľovaného kartónu, maliari postupne začali čoraz viac chodiť na plenér s kartónom.
Páni kritici umenia, ktorí o tom všetkom nevedia vôbec nič a sami nenapísali ani jeden náčrt, pohŕdajú umelecký kartón, z nejakého dôvodu považujú maľbu na kartón za zjavne nedokončenú, len na základe toho, že na kartóne sa píšu väčšinou skice, ktoré, ako uvidíme ďalej, sú vždy hotové, starostlivo opracované diela, vyžadujúce si často veľa práce. Navyše bolo vynájdené aj slovo „štúdium“, používané ako synonymum pre neukončenosť, nedbalosť a...nedokončenosť! Ale spýtam sa, čo má spoločné nedbalosť prevedenia alebo neúplnosť obrazu s tým, na čom je namaľovaný? A nie sú tam skice na plátne?
Mimochodom, obraz je v štýle socialistického realizmu Sovietsky umelec Nikolai Ovchinnikov „On the Shop Floor“, ktorý v septembri 2016 V.V. Putin dal D.A. Medvedev je napísaný na kartóne.
Presne povedané, nejde o maľbu, ale o plnohodnotný náčrt vytvorený umelcom priamo v továrenskej dielni, ale o tejto terminológii sa bude diskutovať nižšie.
Najdôležitejší nie je materiál, na ktorom je maľba nanesená, ale to, ako umelec dokázal reflektovať realitu, náladu, svoje pocity a sprostredkovať ich divákovi. Základný materiál, či už je to plátno, kartón, sololit, papier, doska alebo dokonca tenké pozinkované železo, s tým nemá nič spoločné. Dôležitý je talent, skúsenosti, dobro umeleckej školy. Hovorí sa, že v Abramtsevo S.I. Mamontov raz zmenil strechu svojho domu. M.A. Vrubel zdvihol kus strešného železa a napísal naň orgován. Tak teraz, toto nie je Vrubel?
Tu je „Portrét D.P. Smirnova, pracovníka manufaktúry Trekhgornaya, zástupcu Najvyššieho sovietu ZSSR“
diela sovietskeho umelca Sergeja Fedoroviča Solovjova. Vyrába sa tiež na pozinkovanom železe. Portrét vzhľadom na viac ako skromné rozmery 37,5 x 31,5 cm a taký oficiálny názov je jednoznačne plnohodnotnou štúdiou pre veľký objednaný portrét popredného muža vo výrobe. Keď model prišiel do umelcovho ateliéru pózovať, zrejme nemal nič iné po ruke, a tak namaľoval úplne hotový malý ženský portrét, ktorý bol potom, možno s menšími zmenami, prenesený na veľké plátno.Niekedy kvôli nedostatku všetkého v tom čase sovietski umelci maľovali olejovými farbami aj na papier, ktorý na to vôbec nebol určený. Toto občas robil najmä môj otec. Potom, po smrti môjho otca, som musel tento papier nalepiť na lepenku. (Papier „Snow Fell“ na kartóne, olej; 61,5x82; 1969)
Veď napísali aj na pytlovinu z roztrhaných vriec! A dobre to dopadlo!
Napríklad práca môjho otca je „predseda“. Jej príbeh je takýto: jej otec dostal služobnú cestu do jedného z kolektívnych fariem v Altaji, niekde pri Bijsku, s úlohou napísať tam predsedu, hrdinu socialistickej práce. V JZD, prirodzene, nebolo žiadne plátno, tým menej opatrené základným náterom, a tak otec roztrhol obrovské vrece, natiahol ho na improvizované nosidlá, ktoré sa hneď poskladali, natrel vrecovinu a namaľoval portrét predsedu. Následne, 50 rokov po udalostiach, som musel túto prácu pretiahnuť na už normálne nosidlá.
Alebo tu jesenná krajina„Crimson Autumn,“ napísal môj otec niekde v odľahlej dedine a tiež použil podobnú technológiu:
Teda: AK MAĽUJETE OBROVSKÝ MNOHOMETROVÝ OBRAZ, chtiac-nechtiac ho budete musieť namaľovať na plátno VÝHRADNE Z HĽADISKA NÁSLEDNEJ DOPRAVY a nie preto, aby mal umeleckú hodnotu!
V ostatných prípadoch je jedno na čo písať, inak tie prvé, ktoré kúpi P.M. Treťjakov dve ETUDY od M.A. Vrubel NA KARTÓNE, nevadí umeleckú hodnotu netušil.
NÁČKY A NÁČKY
Skica je predsa, čo poviete, úplne hotová, rozmerovo relatívne malá v plnom rozsahu práca, ktorá sa robila pod holým nebom (krajina) alebo povedzme v ateliéri (zátišie, portrét) a je úplne samostatnou prácou. Náčrty sa však dajú v budúcnosti využiť aj na namaľovanie veľkého obrazu, niekedy aj obrovského niekoľkometrového plátna, čo je možné len v dielni. Náčrt, najmä pre krajinu, má najčastejšie rozmery, zhruba povedané, nepresahujúce 60 x 80 cm, čo je veľkosť vhodná na nosenie jednou osobou. Tu je príklad takéhoto náčrtu v plnom rozsahu:
Náčrt môže byť štúdia na jedno zasadnutie, napísaná v jednom sedení, to znamená v jeden deň. Ale to sa stáva pomerne zriedka, oveľa častejšie si etuda vyžaduje niekoľko, alebo dokonca veľa sedení. Náčrt viacerých relácií, najmä ak ide o krajinu v plnom rozsahu, niekedy vyžaduje niekoľko rokov práce. Stáva sa to väčšinou vtedy, keď sa počasie prudko a dlhodobo zmení a želaný stav sa teraz dostaví budúci rok. No napríklad píšeš zlatá jeseň Na jasnom slnku zostáva ešte pár sedení, ale tu prší celý mesiac a na toto miesto budeme musieť nevyhnutne prísť budúci rok.
teda skica je dielo v plnom rozsahu, dokončené umelecké dielo, na ktorom maliar vynaložil nemalé množstvo práce, čiže v bežnom jazyku je hotová olejomaľba relatívne veľká veľkosť.
Samozrejme, existujú aj nedokončené skice, ale aj niekoľkometrový veľký obraz môže byť nedokončený. Takže, ako vidíme, je už dávno zastaraný a stratil svoj význam na viac ako 100 rokov predchádzajúca hodnota, predstava uznávaných umeleckých kritikov, že skica je určite niečo nedokončené a bezvýznamnej umeleckej hodnoty, čo nám, žiaľ, pevne vtĺkli do hláv a čo sa, bohužiaľ, odráža aj v slovníkoch, dnes už dávno nie je nepodporuje ani najmenší dôvod.
NÁKČET
Náčrt sa líši od náčrtu tým, že sa vždy robí len ako príprava na veľký tematický obraz (viacfigurová kompozícia na konkrétnu tému. Napríklad Surikova „Ráno popravy Streltsyho“). V náčrte nie je vždy prítomná úplnosť a v tomto prípade má charakter náčrtu. Porovnajme dve skice k veľkým dielam sovietskej umelkyne Claudie Tutevol. V prvom prípade bol náčrt vytvorený pre seba, ako pracovný materiál (náčrt panelu pre vesmírny pavilón na VDNKh)
V druhom prípade (Skica stropného stropu Divadla opery a baletu Abay v Almaty) bola skica vyhotovená na schválenie umeleckej rade, o čom svedčia podpisy a pečiatky v ľavej dolnej a hornej časti skice. Preto je úplne hotový a hotový, žiadna náčrtovosť, t.j. Necíti tu zápach nedbanlivosti či nedokončenej práce. Napríklad v architektúre by to bol model zodpovedajúcej architektonickej štruktúry.
Náčrt pre obraz môže byť úplne hotový, dokonca aj starostlivo nakreslený alebo nakreslený obraz ruky, nohy, ucha, tváre, postavy alebo hlavy človeka, koňa, psa, iných zvierat, alebo aj traktora, nákladného auta, akýkoľvek predmet alebo kus oblečenia, všetko, čo momentálne zaujíma maliara, vo všeobecnosti čokoľvek, čo môže byť zahrnuté v budúcnosti veľký obraz umelca. Navyše, toto všetko sa niekedy zmestí na rovnaký kus plátna, lepenky alebo sololitu.
Takéto náčrty, niekedy nedokončené, neopatrne, narýchlo vyhotovené, sa nazývajú aj náčrty, teda to, čo umelec v procese koncipovania veľkej viacfigurálnej kompozície „nakreslil“ na list papiera, lepenky, plátna atď.
Okrem toho sa náčrtky nazývajú aj rýchle náčrty vytvorené umelcom spontánne, pod vplyvom okamihu. Príkladom je skica V.G. Gremitskikh "Away" 25,5x17 papier, ceruzka; 40. roky 20. storočia.
V.G. Papier Gremitskikh "Away", ceruzka; 25,5 x 17; 40. roky 20. storočia |
Ako vidíme, umelec na prvý baliaci papier, ktorý mu prišiel pod ruku, načrtol len pre seba jednoduchou ceruzkou, tiež zrejme narazil na žánrovú scénu, ktorú pozoroval.
Ale moskovský umelec Igor Radoman namaľoval môjho otca odpočívajúceho na posteli niekde v dome umelcov „Academic Dacha“:
Umelci na najrôznejších stretnutiach a stretnutiach, ktorých bolo v sovietskych časoch veľa, sa neustále nudili a zabávali sa tým, že si navzájom kreslili ceruzkou. Mám vo svojej zbierke veľa podobných náčrtov od rôznych umelcov.
Náčrt sa dá urobiť nielen ceruzkou, ale aj olejovými farbami, sangvinikom, pastelom, uhlíkom, perom a čímkoľvek, dokonca guľôčkové pero, pretože skutočný umelec nemôže žiť ani minútu bez svojej profesie. Pre realistických umelcov je to jednoducho akási profesionálna mánia na úrovni podmieneného reflexu, ktorá si vyžaduje neustály tréning, zdokonaľovanie zručností, čo v skutočnosti odlišuje skutočného umelca, ktorý sa celý svoj život venuje umeniu každý deň a každú hodinu. , od takzvaných „moderných“ umelcov a avantgardistov, ktorí nepotrebujete vedieť nič, a preto nie je potrebné žiadne školenie – nie je zručnosť, nie je čo brúsiť, len maľovať štvorce a trojuholníky!
Mimochodom, skica, v závislosti od času, ktorý má umelec na dokončenie, sa môže zmeniť na úplne hotovú kresbu. Tu to máme úplne hotové detský portrét ceruzkou „Volodya v hre“ od maliara Murom Vasily Vasilyevich Serov, ale napriek tomu je to skica!
Náčrty sú pomocníkom v procese umelcovej práce na veľkom tematický obrázok. Náčrty sa robia nielen olejom, ale aj uhlíkom či ceruzou, temperou a pod. Navyše celý budúci veľký viacfigurový obraz umelca môže byť zostavený v náčrte.
Ako príklad môžeme uviesť dve skice k veľkému tematickému obrazu „Velitelia občianska vojna„Od sovietskeho umelca Grigorija Gordona, v skutočnosti ide o skupinový portrét najslávnejších červených veliteľov občianskej vojny.
Najprv sa maliar rozhodol jednoducho ich všetky zoradiť na pozadí červeného transparentu,
ale potom sa mu táto skladba zdala nudná a rozhodol sa to trochu skomplikovať:
Ako vidíme, v tomto prípade boli skice robené temperou a okrem toho, napriek skicovaniu oboch diel, t.j. neúplnosť a zdanlivá nedbanlivosť pri vykonávaní, všetci hrdinovia budúceho veľkého obrazu sú celkom rozpoznateľní. Jasne vidíme Vorošilova, Budyonnyho, Shchorsa, Frunzeho, Chapaeva, Parkhomenka atď.
A tu je náčrt veľkého tematického obrazu „Zatknutie Alexandra Ulyanova“ od už spomínaného umelca Murom V.V. Serova:
Samozrejme, výsledok sa bude s najväčšou pravdepodobnosťou líšiť od pôvodného plánu. Skutočný umelec spravidla nikdy nedostane z hlavy novú vec. Neustále sa vŕta v téme, ktorá ho zaujíma. Premýšľa, mení názor, veľa pozoruje, číta relevantnú literatúru. Ak budúca tematická maľba obsahuje krajinu, napíšu sa zodpovedajúce skice z prírody, ktoré sa následne, zvyčajne v mierne upravenej podobe, prenesú na obraz. Niekedy sa jednotlivé detaily z niekoľkých náčrtov v plnom rozsahu prenesú do väčšieho obrazu naraz.
Celoplošná skica je však na rozdiel od skice a skice dielom, ako sme už videli, samostatným a nevyhnutne úplne hotovým. Tu je živý príklad pre vás. Keď môj otec dostal objednávku na veľký tematický obraz „Lenin a Gorkij v Gorkách“, špeciálne na jar 1952 cestoval mnohokrát do Leninského Gorkého pri Moskve a namaľoval tam dva veľké náčrty, oba na plátno. Najprv „Gorki. jar. olej na plátne; 60 x 80 cm",
a potom - „V Gorki Leninsky, olej na plátne; 78,5 x 57 cm."
Následne, na konečnom veľkom obraze, vzal môj otec za základ druhý náčrt, posunul kroky trochu dozadu a postavil pred nich Maxima Gorkého, ktorý sa rozprával s Leninom. Zo skice „Gorki. Jar." vzal skorší stav prírody v pozadí, výrazne zmenšil samotnú krajinu s altánkom v porovnaní s ústredné postavy. Obidva náčrty, každý sám o sebe, však predstavujú úplne dokončenú nezávislú parkovú krajinu, ktorá sa nelíši od iných početných prírodných krajín môjho otca. Keby som tu tento príbeh nerozprával, ani keby ste boli umeleckým kritikom, nikdy by ste neuhádli, že obe tieto diela boli použité na vytvorenie maľby socialistického realizmu, však? Ako teda môžeme povedať, že náčrty nemajú ucelený charakter a samostatný umelecký význam? (Zapamätajte si definíciu vo Wikipédii).
Veľký tematický mnohofigurálny obraz si vyžaduje obrovskú a zdĺhavú prácu na ňom, prítomnosti obrovské množstvo skice a skice. Maľuje sa výlučne v ateliéri, často dlhé roky. Vezmime si napríklad A. A. Ivanova s jeho obrovským obrazom „Zjavenie Krista ľuďom“, na ktorom umelec pracoval dvadsať rokov - od roku 1837 do roku 1857, alebo Vasilija Surikova, ktorý na každom zo svojich obrazov pracoval tri až päť rokov. rokov.
AKÝ JE ROZDIEL MEDZI OBRAZOM A ŠTÚDIOU?
Náčrt, ktorý je nezávislý a úplne dokončený umelecké dielo, sa od obrazu líši predovšetkým tým, že je namaľovaný zo života. Obraz je maľovaný výhradne v ateliéri na základe obrovského množstva materiálu – štúdií, náčrtov, náčrtov, náčrtov ceruzou a fotografií. Niekedy sa treba učiť veľké množstvo literatúru a dobovú tlač, pričom námet, teda námet obrazu, si vymýšľa sám umelec, alebo ho nadiktuje zákazník. A čo je hlavné, obraz vždy stelesňuje PREDBEŽNÝ ZÁMER UMELEC, pričom skica je HLAVNE PÍSANÁ SPONTÁNNE - výtvarník vezme skicár a ide hľadať motív, t.j. taký, aký napíše. Kde to videl, tam sa zastavil a napísal.
Výnimkou nie sú ani etudy napísané špeciálne pre tvorbu veľkých tematických obrazov. V prípade, o ktorom som hovoril vyššie, môj otec najprv našiel altánok v Leninskom Gorkom, rozhodol sa, že pred neho postaví Lenina a Gorkého, a až potom namaľoval dva náčrty zo života s týmto altánkom.
V podstate sa to dá povedať všetko, čo je napísané zo života, je náčrt, či už je to krajina, zátišie alebo portrét a všetko, čo si vyžaduje predbežný plán, dlhodobú prácu s mnohými a rôznorodými prípravné materiály- toto je obrázok.
Obraz možno určite nazvať epochálnym plátnom veľkých a niekedy jednoducho obrovských rozmerov. Bol taký umelec Henryk Ippolitovič Semiradsky. A tak namaľoval také veľké obrazy, že v ateliéri boli zavesené na strope a siahali až po podlahu, a pozor, v chruščovovi sa to nestalo. Preto musel akademik a profesor cisárskej akadémie umení neustále stúpať po schodoch, niekedy mal také obrovské diela. V G.I. Semiradského obrazy boli väčšinou veľké fantazijné maľby na antické námety, ktorých námety bral z hlavy, lebo skutočný život Staroveké Grécko Prirodzene, nemohol na vlastné oči pozorovať Rím za čias cisára Nera.
Obraz však môže byť pomerne skromný, najmä pri žánrových obrazoch, teda obrazoch umelcov zobrazujúcich každodenné výjavy. Napríklad slávny „Matchmaking of a Major“ od Pavla Fedotova má dosť veľkú veľkosť náčrtu - iba 58,3 x 75 cm, ale ako viete, zjavne nebol namaľovaný zo života priamo v obývačke obchodníka.
Historický obraz je vo všeobecnosti vecou výlučne fantázie. Obaja bratia Vasnetsovci napríklad písali na historický materiál, ale veľmi odlišný. Jeden obnovil život a architektúru Moskvy v 14. a XVII storočia, druhý si vzal za základ Rusov ľudové rozprávky a eposy. Ale ak sa Apollinaris vážne na vedeckej úrovni zaoberal históriou a archeológiou, bol členom rôznych historických a archeologických spoločností, bol vášnivým podporovateľom šírenia vedomostí o histórii, snažil sa obnoviť život a názory stredovekej Moskvy. „ako to bolo“ na základe starých dokumentov a výsledkov archeologické vykopávky, na ktorej sa občas osobne podieľal, mali už obrazy jeho staršieho brata Victora čisto fantazijný charakter.
Bojové maľby patria do rovnakej kategórie. Maľovať ich zo života priamo na bojisku, ako si to niektoré dámy z dejín umenia predstavujú, je jednoducho smiešne. Slávny ruský bojový maliar V.V. Vereshchagin, ktorý osobne pozoroval mnohé bitky a niekedy sa ich priamo zúčastnil, písal svoje obrazy výlučne z pamäte, prirodzene v štúdiu, spoliehajúc sa na početné náčrty, ktoré urobil v divadlách vojenských operácií. Okrem toho Vasilij Vasilievič veľa čítal, robil rozhovory s očitými svedkami, míňal veľa peňazí na rekvizity - kupoval zbrane, uniformy, výstroj, ktorú potom čerpal zo života, a tak pripravoval náčrty pre obrazy, ktoré mal na mysli.
Veľké obrazy zobrazujúce krajinu tiež nie sú skutočné veci, ale vynašiel ich umelec z jeho hlavy a vytvoril na základe náčrtov prírody. Raz som náhodou videl náčrt s rozmermi približne 60 x 80 cm, na základe ktorého I.I. Shishkin namaľoval svoj slávny veľký obraz „Rye“ už s rozmermi 107 x 187 cm Náčrt bol na plátne a zobrazoval všetko rovnako ako na obrázku, len cesta nešla od diváka priamo k borovicám, ale trochu bokom a. počet borovíc bol iný . Skica z prírody v tomto prípade jednoznačne poslúžila ako základ pre vytvorenie veľkého obrazu s krajinou, no sama o sebe predstavuje úplne hotové a precízne vypracované dielo.
Môžeme teda hovoriť nielen o náčrte k obrazu, ale aj o náčrte k obrazu, ak je náčrt špeciálne napísaný. Najčastejšie sa to týka krajiny. Ak I.I. Shishkin sa obmedzil na vyššie uvedený náčrt a z nejakého dôvodu na jeho základe nenapísal rozsiahle dielo, teraz by kritici umenia Tretiakovská galéria sa pochválil obrazom I.I. Shishkina „Rye“ 60x80 cm, bez podozrenia, že ide o náčrt v plnom rozsahu.
ZHRNUTÍM:
Obraz, na rozdiel od náčrtu, si nevyhnutne vyžaduje predbežný plán umelca, dlhodobé myslenie a vždy sa vyznačuje starostlivým vykonaním a dokončením, takpovediac napísaným. Obraz akejkoľvek veľkosti vždy namaľuje umelec v ateliéri na základe širokej škály materiálov: fotografií, prípravných náčrtov a náčrtov av prípade potreby aj na základe vopred napísaných náčrtov z prírody. Obraz, aj malý, tým menej veľký, sa vždy maľuje nie v plenéri, aj keď ide o krajinu (skúste si takýto kolos zobrať so sebou do poľa či lesa!), ale v ateliéri umelca. . Veľký obraz je určite namaľovaný na plátne, čo nie je spôsobené ničím iným ako výnimočným pohodlím veľkých plátien na prepravu.
Tematická maľba – ako už samotný pojem napovedá, je maľba na konkrétnu tému. Najčastejšie ide o veľkú viacmiestnu kompozíciu. Tento termín sa vyskytoval už v sovietskych dejinách umenia, preto sa najčastejšie používa pri dielach takzvaného socialistického realizmu, napríklad na tému Občianska, Veľká Vlastenecká vojna alebo povedzme „Lenin v októbri“. Keďže veľkosť takýchto diel je často jednoducho obrovská, umelec prirodzene pracuje na takomto obraze vo svojom ateliéri a maľuje ho na plátno. „Kozáci píšu list tureckému sultánovi“ I.E. Repin, ktorého veľkosť je 2,03 x 3,58 metra, možno v zásade nazvať aj tematickým obrazom, hoci socialistický realizmus nie je tam žiadny zápach. Napísal to aj Ilya Efimovich v dielni na základe mnohých náčrtov a náčrtov, ako aj napríklad „Barge Haulers on Volga“ (1,31 x 2,81 m).
Žánrová maľba - názov pochádza z francúzske slovo"žáner" je zvyčajne práca
Malý kus rozhovoru môžu byť vyrobené nielen na plátne, ale aj na lepenke alebo sololitu. Tento materiál sa začal vo veľkom rozširovať už v 20. storočí.
Existuje aj niečo ako žánrový portrét. Ide len o to, že portrét je portrétom človeka na neutrálnom pozadí, ale keď je tam pozadie, ktoré zobrazuje predmety, ľudí alebo aj industriálnu krajinu, ktorá divákovi naznačuje napríklad povolanie zobrazovaného, potom toto je už žánrový portrét. Ako príklad môžeme uviesť žánrový ženský portrét „Veterán banskej práce“ od sovietskej umelkyne Klavdie Aleksandrovna Tutevol, ktorú už tu spomíname:
Skica, ako sme povedali vyššie, je úplne dokončená samostatná práca, ale určite z prírody. Je to úplne samostatné umelecké dielo, ale môže pôsobiť aj ako pomocný materiál pre veľký obraz umelca, čo nijako neuberá na jeho umeleckej hodnote. Môže to byť zátišie, portrét, krajina, interiér. Skica, vzhľadom na svoju relatívne malú veľkosť, je namaľovaná na všetky vyššie uvedené materiály, ale hlavnou vecou v nej je samozrejme kvalita maliarovej práce, jeho schopnosť vybudovať kompozíciu v zátiší, odrážať charakter modelu v portréte, sprostredkovať vzrušenie alebo pokoj mora, chladu zimný les, krása západu slnka, čaro zlatej jesene resp jarná nálada príroda v krajine.
Náčrt je pomocná práca, jej účelom je zaznamenať myšlienku budúcej kompozície
tematický obrázok. Ako príklad si vezmime náčrt obrazu „Virgin Lands“ od E. D. Ishmametova. Umelec v ňom rozvinul kompozíciu a sfarbenie, postavy, pózy postáv a potom na túto tému namaľoval veľký obraz. Maliar si vždy veľmi starostlivo premyslí náčrt obrazu. Zvyčajne je náčrt charakterizovaný nejakou neúplnosťou, neúplnosťou. Je to spôsobené tým, že umelec to najčastejšie nemusí dokončiť, existuje ďalšia úloha - vývoj možností kompozície; budúce maľovanie, spresnenie svojho pôvodného plánu. Preto má skica najčastejšie charakter skice. Ale môže to byť aj úplne hotové, starostlivo nakreslené dielo, najmä keď je skica určená na schválenie výberovou komisiou, ako sme to už videli na príklade skice stropu pre divadlo. Abai v Almaty od Claudie Tutevol.Náčrt, ak je urobený v procese práce na maľbe, je tiež čisto pomocná práca, nedokončená, do detailov nedokreslená.
Píše sa alebo kreslí rýchlo, ale neopatrne dobrých umelcov sa v ňom nedeje. Môžete rýchlo načrtnúť, povedzme, hlavu modelu, ktorá sa neskôr zmení na veľkolepý hotový portrét, alebo môžete rýchlo načrtnúť nejakú postavu, ktorá môže byť neskôr potrebná na vytvorenie kompozície veľkého obrazu. skica zostane samostatnou prácou, zaujímavou pre zberateľov a amatérov. Tu je napríklad skica od V.G. Gremitsky "Tanec":Ako sme však videli vyššie, náčrty môžu byť aj úplne nezávislé.
Náčrt má tiež zvyčajne charakter náčrtu, ale náčrt je v podstate plán budúceho obrazu, jeho celá kompozícia, kým náčrt obrazu je rýchly náčrt niečoho, čo možno v zásade zahrnúť do budúcnosti. maľovanie.
O NIEKTORÝCH ĎALŠÍCH BEŽNÝCH POJMOCH V MAĽOVANÍ:
Raz som bol veľmi prekvapený, keď som sa dozvedel, že staffage je „olejomaľba bez jasného zobrazenia postáv ľudí alebo zvierat“. Staffage sú v skutočnosti malé postavy ľudí alebo zvierat, ktoré umelec vpísal do krajiny, aby ju oživil.
Ďalší termín z krajinomaľba- ladiaca vidlica. Toto je svetlý bod, ktorý kontrastuje so všeobecným pozadím krajiny. Zvyčajne ide o nejaký druh personálu. Príkladom je dielo umelca z Taškentu
V.M. Kovinina" Horská krajina„s postavou dievčaťa oblečeného v jasnočervenom národnom odeve.
Je zvláštne, keď volajú nejaké olejomaľba, dokonca aj malých rozmerov a dokonca aj napísané na kartóne. „Ľan je hladká a hustá ľanová tkanina najjednoduchšej väzby; najkvalitnejšie odrody sa nazývali cambric, najhrubšie sa nazývali canvas, canvas, equalduc atď.“ (Wikipedia). Plátno teda nemôže byť vo vzťahu k maľbe ani kartón, ani sololit, určite je to plátno.
V maľbe sú plátna obrazy obrovských rozmerov a zvyčajne na nejakú epochálnu tému. Dá sa teda povedať, že zo štetca Vasilija Surikova vyšli len plátna, ale Konstantin Korovin sa preslávil najmä svojimi skicármi. Ak sa „Deviata vlna“ od Aivazovského dá úplne nazvať plátnom, potom vo vzťahu k už spomínanému malému dielu „Fresh Cavalier“ od Fedotova to bude jednoducho vtipné, napriek tomu, že je tiež maľované na plátne.
Trochu viac o pôdach: Čo je gesso? Ide o špeciálny základný náter, tiež na báze kriedy, ktorý sa používa na potiahnutie drevenej dosky. Predtým v západnej Európe Obrázky boli často maľované na doskách av Rusku - ikony a vždy. Toto je mimoriadne nepríjemný materiál. V Holandsku sa kedysi dosky sušili 50 rokov, až potom sa dali do práce. V súčasnosti umelci zriedka používajú gesso, pretože farba spolu s hrubou vrstvou základného náteru sa časom alebo ľahkým úderom ľahko odštiepi. A moderní maliari ikon ho používajú čoraz menej.
Na záver uvádzame niekoľko ďalších ilustrácií pre prehľadnosť:
Dielo V.G. Gremitskikh, ktorý sa nazýva „Etude“. Ide v podstate, ako už názov napovedá, o celoplošný žánrový portrét robotníčky na jedno zasadnutie, namaľovaný priamo na jej pracovisku pri stavbe vodnej elektrárne Kuibyshev.
A tu je žánrový portrét od taškentského umelca Valeryho Kovinina:
Očividne nejde o jednorázový portrét, tu umelec jednoznačne potrápil svojho kolegu, ktorý mu slúžil ako model, počtom sedení, čo je zrejmé tak z precízneho prevedenia diela, ako aj z jeho veľkosti. Ale napriek tomu tento mužský portrét nie je maľbou, ale multirelačným náčrtom z prírody, čo nijako neuberá na jeho umeleckej hodnote.
Na dôkaz tohto posledného tvrdenia pouvažujte o slávnom ženskom portréte „Dievča osvetlené slnkom“. Jeho sesternica Maria Simonovich V.A. Serov maľoval zo života počas leta 1888, zachytávajúc každý slnečný deň (v zamračených dňoch maľoval krajinu „Zarastený rybník“). Predbežný plán (vyššie sme povedali, že máme slávny umelec bol tiež neprítomný, len chcel podľa svojich slov „napísať niečo radostné“.
Takže tu nemáme do činenia s ničím iným, ako s typickým multi-relačným náčrtom z prírody, napísaným z rozmaru, podľa okamžite vznikajúcej túžby. Našťastie pre P.M. Treťjakov, ktorý získal túto prácu, ešte nevedel, že „Štúdium výtvarného umenia je prípravnou skicou pre budúce dielo“. (Wikipedia) A Valentin Serov ukázal extrémnu mieru neprofesionality, keď strávil až 90 dní len na dvoch prípravných náčrtoch – portrétu dievčaťa a krajiny s jazierkom!
Mohol by som uviesť mnoho ďalších podobných príkladov, ale obávam sa, že som čitateľa už veľmi unavil. Dúfam, že sa mi predsa len podarilo skromne prispieť k tomu, aby som širokej verejnosti vysvetlil niektoré z najpoužívanejších umeleckých pojmov, v ktorých sa občas, úprimne povedané, mýlia aj samotní umelci.
Alexander Gremitskikh
Avatar: V.M. Kovinin "Na nedeľný trh. Karakalpakstan." olej na plátne 98x178. 1971 (Toto je typický veľký žánrový obrázok)