Ktorý z týchto umelcov je Belgičan? Flámski umelci 17. storočia

Jan van Eyck je kľúčovou postavou severnej renesancie, jej zakladateľom.

Van Eyck bol považovaný za vynálezcu olejových farieb, hoci v skutočnosti ich len vylepšoval. Vďaka nemu však olej získal všeobecné uznanie.

Umelec bol 16 rokov dvorným maliarom burgundského vojvodu Filipa Dobrého, majstra a vazala spájalo aj silné priateľstvo, vojvoda sa aktívne podieľal na umelcovom osude a van Eyck sa stal sprostredkovateľom v r. majstrovské manželstvo.

Jan van Eyck bol skutočnou „osobnosťou renesancie“: dobre poznal geometriu, mal určité znalosti chémie, mal rád alchýmiu, zaujímal sa o botaniku a tiež veľmi úspešne vykonával diplomatické úlohy.

Kde kúpiť: Galéria De Jonckheere, Galéria Oscara De Vos, Galéria Jos Jamar, Galéria Harolda t’Kint de Roodenbeke, Galéria Francis Maere, Galéria Pierre Mahaux, Galéria Guy Pieters

René Magritte (1898, Lessines— 1967, Brusel)

Veľký vtipkár a trik Rene Magritte raz povedal: "Pozri, kreslím fajku, ale nie je to fajka." Umelec pomocou absurdnej kombinácie obyčajných predmetov napĺňa svoje obrazy metaforami a skrytými význammi, ktoré vás nútia zamyslieť sa nad klamlivosťou viditeľného, ​​tajomstvom každodennosti.

Magritte bol však vždy vzdialený ostatným surrealistom, skôr sa považoval za magického realistu, najmä preto, že prekvapivo neuznával úlohu psychoanalýzy.

Umelcova matka spáchala samovraždu skokom z mosta, keď mal 13 rokov, niektorí vedci sa domnievajú, že „podpisový“ obraz tajomného muža v kabáte a buřince sa zrodil pod dojmom tejto tragickej udalosti.

Kde sledovať:

V roku 2009 Kráľovské múzeá výtvarného umenia v Bruseli oddelili umelcovu zbierku do samostatného múzea venovaného jeho dielu.

Kde kúpiť: Galéria De Jonckheere, Galéria Jos Jamar, Galéria Harold t’Kint de Roodenbeke, Galéria Pierre Mahaux, Galéria Guy Pieters

Paul Delvaux (1897, Ante – 1994, Woerne, Západné Flámsko)

Delvaux bol jedným z najúspešnejších surrealistických umelcov, napriek tomu, že nikdy nebol oficiálne členom hnutia.

V smutnom a tajomnom svete Delvaux vždy ústredné miesto zaujíma žena. Zvlášť hlboké ticho obklopuje ženy na obrazoch, akoby čakali, kým ich muži prebudia.

Klasickým námetom na Delvauxovom obraze je ženská postava na pozadí mestskej alebo vidieckej krajiny, podaná v perspektíve, obklopená tajomnými prvkami.

Spisovateľ a básnik Andre Breton dokonca raz poznamenal, že umelec robí „náš svet Kráľovstvom žien, milenkou sŕdc“.

Delvaux študoval ako architekt na Kráľovskej akadémii výtvarných umení v Bruseli, ale potom prešiel do triedy maľby. Architektúra sa však na jeho maľbách vždy aktívne podieľa.

Kde kúpiť: Galéria Jos Jamar, Galéria Harolda t'Kint de Roodenbeke, Galéria Lancz, Galéria Guy Pieters

Wim Delvoye (rod. 1965)

Špičková, často provokatívna a ironická tvorba Wima Delvoye ukazuje obyčajné predmety v novom kontexte. Umelec spája moderné a klasické témy do jemných odkazov a paralel.

Medzi najznámejšie diela umelca patrí „Cloaca“ (2009-2010), stroj, ktorý paroduje činnosť ľudského tráviaceho systému, a „Art Farm“ neďaleko Pekingu, kde Delvoye vytvára tetovanie na chrbtoch ošípaných.

Najpopulárnejšia bola jeho séria pseudogotických sôch, v ktorých sa prelamované rezbárske práce spájajú s modernými námetmi. Jedna z nich („Cement Truck“) stojí neďaleko divadla KVS v Bruseli.

Kde sledovať:

V Kráľovskom múzeu výtvarných umení v Bruseli, M HKA (Antverpy), v januári v Maison Particuliere, bude Wim Delvoye hosťom na kolektívnej výstave „Taboo“. Pred divadlom KVS (Kráľovské flámske divadlo) na námestí medzi ulicami Hooikaai / Quai au Foin a Arduinkaai / Quai aux pierres de taille je inštalovaná aj socha „Mixér betónu“.

Väčšina jeho diel neustále cestuje po celom svete a vystavuje sa na tých najlepších umeleckých miestach.

Kde kúpiť:

Jan Fabre (nar. 1958, Antverpy)

Multitalentovaný Jan Fabre je známy svojimi provokatívnymi vystúpeniami a je tiež spisovateľom, filozofom, sochárom, fotografom a videoumelcom a je považovaný za jedného z najradikálnejších súčasných choreografov.

Umelec je vnukom neúnavného výskumníka motýľov, hmyzu a pavúkov

Jean-Henri Fabre. Možno aj preto je svet hmyzu spolu s ľudským telom a vojnou jednou z kľúčových tém jeho tvorby.

V roku 2002 Fabre na objednávku belgickej kráľovnej Paoly vyzdobil strop Zrkadlovej siene Kráľovského paláca v Bruseli (mimochodom, prvýkrát od Augusta Rodina) miliónmi krídel chrobákov. Skladba má názov Heaven of Delight (2002).

Za dúhovým povrchom však umelec kráľovskej rodine pripomína strašnú hanbu – obrovské ľudské obete medzi miestnym obyvateľstvom Konga počas kolonizácie kráľa Leopolda II. za ťažbu diamantov a zlata.

Konzervatívnej belgickej spoločnosti sa to podľa umelca, mierne povedané, nepáčilo: „Obyčajného človeka často rozčuľuje myšlienka, že kráľovský palác zdobí umelec, ktorý otvorene vyzýva, aby nevolil pravicu.“

Kde sledovať:

Diela Jana Fabreho je možné vidieť okrem Kráľovského paláca aj v Kráľovskom múzeu výtvarných umení v Bruseli, kde je okrem iného inštalovaná jeho inštalácia „Blue Look“, Múzeum súčasného umenia Gent (S.M.A.K.), M HKA (Antverpy ), Belfius Art Collection (Brusel), Museum Ixelles (Brusel), ako aj na kurátorských dočasných výstavách v Maison Particuliere, Villa Empain, Vanhaerents Art Collection atď.

Kde kúpiť: Galéria Jos Jamar, Galéria Guya Pietersa

Jan van Eyck je kľúčovou postavou severnej renesancie, jej zakladateľom.

Van Eyck bol považovaný za vynálezcu olejových farieb, hoci v skutočnosti ich len vylepšoval. Vďaka nemu však olej získal všeobecné uznanie.

Umelec bol 16 rokov dvorným maliarom burgundského vojvodu Filipa Dobrého, majstra a vazala spájalo aj silné priateľstvo, vojvoda sa aktívne podieľal na umelcovom osude a van Eyck sa stal sprostredkovateľom v r. majstrovské manželstvo.

Jan van Eyck bol skutočnou „osobnosťou renesancie“: dobre poznal geometriu, mal určité znalosti chémie, mal rád alchýmiu, zaujímal sa o botaniku a tiež veľmi úspešne vykonával diplomatické úlohy.

Kde kúpiť: Galéria De Jonckheere, Galéria Oscara De Vos, Galéria Jos Jamar, Galéria Harolda t’Kint de Roodenbeke, Galéria Francis Maere, Galéria Pierre Mahaux, Galéria Guy Pieters

René Magritte (1898, Lessines— 1967, Brusel)

Veľký vtipkár a trik Rene Magritte raz povedal: "Pozri, kreslím fajku, ale nie je to fajka." Umelec pomocou absurdnej kombinácie obyčajných predmetov napĺňa svoje obrazy metaforami a skrytými význammi, ktoré vás nútia zamyslieť sa nad klamlivosťou viditeľného, ​​tajomstvom každodennosti.

Magritte bol však vždy vzdialený ostatným surrealistom, skôr sa považoval za magického realistu, najmä preto, že prekvapivo neuznával úlohu psychoanalýzy.

Umelcova matka spáchala samovraždu skokom z mosta, keď mal 13 rokov, niektorí vedci sa domnievajú, že „podpisový“ obraz tajomného muža v kabáte a buřince sa zrodil pod dojmom tejto tragickej udalosti.

Kde sledovať:

V roku 2009 Kráľovské múzeá výtvarného umenia v Bruseli oddelili umelcovu zbierku do samostatného múzea venovaného jeho dielu.

Kde kúpiť: Galéria De Jonckheere, Galéria Jos Jamar, Galéria Harold t’Kint de Roodenbeke, Galéria Pierre Mahaux, Galéria Guy Pieters

Paul Delvaux (1897, Ante – 1994, Woerne, Západné Flámsko)

Delvaux bol jedným z najúspešnejších surrealistických umelcov, napriek tomu, že nikdy nebol oficiálne členom hnutia.

V smutnom a tajomnom svete Delvaux vždy ústredné miesto zaujíma žena. Zvlášť hlboké ticho obklopuje ženy na obrazoch, akoby čakali, kým ich muži prebudia.

Klasickým námetom na Delvauxovom obraze je ženská postava na pozadí mestskej alebo vidieckej krajiny, podaná v perspektíve, obklopená tajomnými prvkami.

Spisovateľ a básnik Andre Breton dokonca raz poznamenal, že umelec robí „náš svet Kráľovstvom žien, milenkou sŕdc“.

Delvaux študoval ako architekt na Kráľovskej akadémii výtvarných umení v Bruseli, ale potom prešiel do triedy maľby. Architektúra sa však na jeho maľbách vždy aktívne podieľa.

Kde kúpiť: Galéria Jos Jamar, Galéria Harolda t'Kint de Roodenbeke, Galéria Lancz, Galéria Guy Pieters

Wim Delvoye (rod. 1965)

Špičková, často provokatívna a ironická tvorba Wima Delvoye ukazuje obyčajné predmety v novom kontexte. Umelec spája moderné a klasické témy do jemných odkazov a paralel.

Medzi najznámejšie diela umelca patrí „Cloaca“ (2009-2010), stroj, ktorý paroduje činnosť ľudského tráviaceho systému, a „Art Farm“ neďaleko Pekingu, kde Delvoye vytvára tetovanie na chrbtoch ošípaných.

Najpopulárnejšia bola jeho séria pseudogotických sôch, v ktorých sa prelamované rezbárske práce spájajú s modernými námetmi. Jedna z nich („Cement Truck“) stojí neďaleko divadla KVS v Bruseli.

Kde sledovať:

V Kráľovskom múzeu výtvarných umení v Bruseli, M HKA (Antverpy), v januári v Maison Particuliere, bude Wim Delvoye hosťom na kolektívnej výstave „Taboo“. Pred divadlom KVS (Kráľovské flámske divadlo) na námestí medzi ulicami Hooikaai / Quai au Foin a Arduinkaai / Quai aux pierres de taille je inštalovaná aj socha „Mixér betónu“.

Väčšina jeho diel neustále cestuje po celom svete a vystavuje sa na tých najlepších umeleckých miestach.

Kde kúpiť:

Jan Fabre (nar. 1958, Antverpy)

Multitalentovaný Jan Fabre je známy svojimi provokatívnymi vystúpeniami a je tiež spisovateľom, filozofom, sochárom, fotografom a videoumelcom a je považovaný za jedného z najradikálnejších súčasných choreografov.

Umelec je vnukom neúnavného výskumníka motýľov, hmyzu a pavúkov

Jean-Henri Fabre. Možno aj preto je svet hmyzu spolu s ľudským telom a vojnou jednou z kľúčových tém jeho tvorby.

V roku 2002 Fabre na objednávku belgickej kráľovnej Paoly vyzdobil strop Zrkadlovej siene Kráľovského paláca v Bruseli (mimochodom, prvýkrát od Augusta Rodina) miliónmi krídel chrobákov. Skladba má názov Heaven of Delight (2002).

Za dúhovým povrchom však umelec kráľovskej rodine pripomína strašnú hanbu – obrovské ľudské obete medzi miestnym obyvateľstvom Konga počas kolonizácie kráľa Leopolda II. za ťažbu diamantov a zlata.

Konzervatívnej belgickej spoločnosti sa to podľa umelca, mierne povedané, nepáčilo: „Obyčajného človeka často rozčuľuje myšlienka, že kráľovský palác zdobí umelec, ktorý otvorene vyzýva, aby nevolil pravicu.“

Kde sledovať:

Diela Jana Fabreho je možné vidieť okrem Kráľovského paláca aj v Kráľovskom múzeu výtvarných umení v Bruseli, kde je okrem iného inštalovaná jeho inštalácia „Blue Look“, Múzeum súčasného umenia Gent (S.M.A.K.), M HKA (Antverpy ), Belfius Art Collection (Brusel), Museum Ixelles (Brusel), ako aj na kurátorských dočasných výstavách v Maison Particuliere, Villa Empain, Vanhaerents Art Collection atď.

Kde kúpiť: Galéria Jos Jamar, Galéria Guya Pietersa

Emile Claus (holandský Emile Claus, narodený 27. septembra 1849, Waregem – zomrel 14. júna 1924, Deinze) je belgický umelec, jeden z hlavných predstaviteľov impresionistického maliarstva v Belgicku a zakladateľ luminizmu.

E. Klaus sa narodil vo veľkej rodine vidieckeho obchodníka. Začal študovať kreslenie na miestnej umeleckej škole. Na radu skladateľa Petra Benoisa vstúpil Klaus v roku 1869 na Akadémiu výtvarných umení v Antverpách, kde študoval portrét, históriu a krajinomaľbu. V roku 1874 ukončil štúdium na akadémii. V roku 1875 umelec úspešne vystavoval svoje diela v Gente av roku 1876 v Bruseli.

V ranom období svojej tvorby sa E. Klaus venoval najmä portrétnej a žánrovej maľbe. Píše realisticky, prevažne tmavými farbami a využíva sociálne témy (napr. plátno Bohatstvo a chudoba (1880)). V roku 1879 umelec cestuje po Španielsku, Maroku a Alžírsku. V roku 1882 debutoval na parížskom salóne, kde Klaus predstavil svoj obraz Kohútie zápasy vo Flámsku (1882). Od tej chvíle trávil veľa času v Paríži, najmä v zime, a podľahol tvorivému vplyvu francúzskeho umelca Bastiena-Lepagea, ktorý realisticky písal aj o sociálnych témach.

S príchodom finančného bohatstva v roku 1883 umelec kúpil vilu Zonneschijn (Slnečný svit) vo svojej vlasti. V roku 1886 sa oženil s Charlotte Dufault, dcérou notára zo susedného Deinze. Klaus v tomto období maľoval najmä krajinky svojej rodnej prírody, navrhnuté v realistickom štýle. Počas života na vidieku udržiaval priateľské vzťahy a udržiaval živú korešpondenciu s umelcom Albinom van den Abele, sochárom Constantinom Meunierom a spisovateľmi Cyrilom Beusse a Emile Verhaerne. Prostredníctvom nich, ako aj prostredníctvom umelca Henriho Le Sidana, objavuje Klaus fenomén francúzskeho impresionizmu. Zoznámenie sa s dielami impresionistov mení aj maľbu samotného E. Klausa - jeho farby sú svetlejšie a teplejšie: viac dbá na interakciu svetla a tieňa, kvôli čomu formálne záležitosti ustupujú do úzadia (Kingfishers (1891) ). Medzi francúzskymi impresionistami mal mimoriadny vplyv na maľbu E. Klausa Claude Monet. V dielach oboch umelcov je podobná nielen farebnosť, ale dokonca takmer identický výber námetov pre ich plátna (v londýnskom období). Neustále hľadanie nových výrazových foriem a svetelné experimenty urobili z E. Klausa priameho predchodcu takého smeru v belgickom maliarstve, akým je luminizmus. Klaus sa v Paríži spriatelí aj so známymi kultúrnymi osobnosťami vrátane spisovateľov Emila Zolu a Mauricea Maeterlincka.

Do vypuknutia prvej svetovej vojny umelec trénoval mnoho študentov vrátane Anny de Weertovej, Roberta Huttona Monksa, Torajira Kojimu, Georgesa Morrina, Leona de Smeta a ďalších. V novembri 1893 vstúpil do umeleckej skupiny Union Artistique. Jeho cieľom bolo – podobne ako v prípade podobných skupín francúzskych impresionistov – organizovať výstavy a predávať obrazy. Okrem toho sa Klausove diela objavili na výstavách bruselskej únie umelcov La Libre Esthétique v roku 1896 a na berlínskej Secesi. V roku 1904 vytvoril E. Klaus spolu s maliarom Georgesom Beuisse skupinu Vie et Lumière, ku ktorej sa neskôr pripojili takí umelci ako James Ensor, William Degouve de Nuncwe a Adrian Heymans.

Až do prvej svetovej vojny E. Klaus veľa cestoval - opakovane navštívil Paríž a Holandsko: v roku 1907 cestoval po USA, v roku 1914 - na francúzske Cote d'Azur. Tesne pred vstupom nemeckých vojsk do jeho rodného mesta v roku 1914 sa umelcovi podarilo emigrovať do Anglicka. Tu žije v Londýne, v dome na brehu Temže. Hlavnou témou majstrovej práce v rokoch exilu bola táto londýnska rieka. Obrazy krajiny Temže od E. Klausa, maľované postimpresionistickým spôsobom, zožali po vojne veľký úspech v Londýne aj v Bruseli.

Po skončení bojov sa E. Klaus vrátil do svojej vily v Astene. Tu v roku 1924 zomrel a bol pochovaný vo svojej záhrade. Pri majstrovom hrobe bol postavený mramorový pomník od Georgesa Minneta.

Medzi nimi môžete vidieť aj portrét jedného z najznámejších majstrov Flámska tej doby, Adriana Brouwera (1606-1632) , ktorého obrazy zbieral sám Rubens (v jeho zbierke ich bolo sedemnásť). Každé z Brouwerových diel je perlou maľby. Umelec bol obdarený obrovským farebným talentom. Ako tému svojej tvorby si zvolil každodenný život flámskej chudoby – roľníkov, žobrákov, tulákov – nudný vo svojej monotónnosti a prázdnote, s úbohými zábavami, niekedy narušený výbuchom divokých zvieracích vášní. Brouwer nadviazal na tradície Boscha a Bruegela v umení aktívnym odmietaním biedy a škaredosti života, hlúposti a živočíšnej nízkosti ľudskej povahy a zároveň živým záujmom o to, čo je jedinečne charakteristické. Nemá za cieľ odhaliť divákovi široké pozadie spoločenského života. Jeho sila spočíva v zobrazení špecifických žánrových situácií. Má najmä schopnosť vyjadrovať mimikou rôzne účinky pocitov a vnemov, ktoré človek prežíva. Na rozdiel od Rubensa, van Dycka a dokonca ani Jordanesa neuvažuje o žiadnych ideáloch či ušľachtilých vášňach. Sarkasticky pozoruje človeka takého, aký je. V múzeu môžete vidieť jeho obraz „Drinking Buddies“, pozoruhodný jemným sfarbením svetla, nápadne vyjadrujúcim osvetlenie a stav atmosféry. Mizerná panoráma mesta pri hradbách spolu s hráčmi vagabundov vyvoláva v duši srdcervúcu melanchóliu. Táto nálada samotného umelca, hovoriaca o nudnej beznádeji existencie, je určite hlboko dramatická.

Frans Hals

Oddelenie holandskej maľby je pomerne malé, ale obsahuje obrazy Rembrandta, Jacoba Ruisdaela, malých Holanďanov, majstrov krajiny, zátišia a žánrových scén. Kuriózny portrét obchodníka Willema Heythuissena, dielo veľkého holandského umelca Fransa Halsa (1581/85-1666) . Heythuissen bol bohatý, no úzkoprsý a mimoriadne ješitný muž. Rustikálny svojou povahou sa napriek tomu snažil podobať ušľachtilým aristokratom s eleganciou, ktorú mu jeho bohatstvo zrejme umožňovalo. Tvrdenia tohto povýšenca sú smiešne a pre Khals cudzie. Preto tak vytrvalo, s istou dávkou sarkazmu, robí portrétny obraz nejednoznačným. Najprv si všimneme Heythuissenovu uvoľnenú pózu, jeho bohatý, elegantný oblek, klobúk s elegantne skrúteným okrajom a potom – bezvýraznú, bledú tvár už v strednom veku s tupým pohľadom. Prozaická podstata tohto muža sa prejavuje, napriek všetkým trikom, ako ju skryť. Vnútorný rozpor a nestálosť obrazu prezrádza predovšetkým originálna kompozícia portrétu. Heythuissen s bičom v ruke, ako po jazde na koni, sedí na stoličke, ktorú akoby hojdal. Táto póza naznačuje, že umelec rýchlo zachytil stav modelu v krátkom časovom období. A tá istá póza dáva obrazu náznak určitej vnútornej relaxácie a letargie. V tomto mužovi, ktorý sa snaží pred sebou skrývať nevyhnutný úpadok, márnosť túžob a vnútornú prázdnotu, je niečo úbohé.

Lucas Cranach

V sekcii nemeckej maľby bruselského múzea púta pozornosť brilantné dielo Lucasa Cranacha staršieho. (1472-1553) . Toto je portrét Dr. Johanna Scheringa z roku 1529. Obraz silného a silného muža je typický pre umenie nemeckej renesancie. Cranach však zakaždým zachytáva individuálne kvality mysle a charakteru a odhaľuje ich vo fyzickom vzhľade modelu, ostro zachyteného v jeho jedinečnosti. V Sheringovom prísnom pohľade je v jeho tvári cítiť akúsi chladnú posadnutosť, strnulosť a neústupčivosť. Jeho imidž by bol jednoducho nepríjemný, keby jeho obrovská vnútorná sila nevyvolávala pocit úcty k jedinečnému charakteru tohto muža. Virtuozita umelcovej grafickej zručnosti je ohromujúca, pretože tak dôsledne vyjadril škaredé veľké črty tváre a mnoho malých detailov portrétu.

Talianska a francúzska kolekcia

Zbierka obrazov talianskych umelcov môže vzbudiť záujem návštevníkov múzea, pretože obsahuje diela Tintoretta, veľkého maliara, posledného titána talianskej renesancie. „Poprava sv. Marka“ je obraz z cyklu venovaného životu svätca. Obraz je presiaknutý búrlivou drámou a vášnivým pátosom. Nielen ľudia, ale aj obloha v roztrhaných oblakoch a rozbúrené more akoby oplakávali smrť človeka.

Majstrovskými dielami francúzskej kolekcie sú portrét mladého muža od Mathieu Lenaina a krajina od Clauda Lorraina.

Jeho časť starého umenia v súčasnosti zahŕňa viac ako tisíc sto umeleckých diel, z ktorých mnohé sú schopné poskytnúť divákovi hlboký estetický pôžitok.

Jacques Louis David

Druhou časťou Kráľovského múzea výtvarných umení je zbierka umenia 19. a 20. storočia. Obsahujú najmä diela belgických majstrov. Najvýznamnejším dielom francúzskej školy uloženým v múzeu je „Smrť Marata“ od Jacquesa Louisa Davida (1748-1825) .

David je slávny francúzsky umelec, hlava revolučného klasicizmu, ktorého historické maľby zohrali obrovskú úlohu pri prebúdzaní občianskeho povedomia jeho súčasníkov v rokoch pred francúzskou buržoáznou revolúciou. Väčšina umelcových predrevolučných obrazov bola založená na témach z histórie starovekého Grécka a Ríma, ale revolučná realita prinútila Davida obrátiť sa k modernosti a nájsť v nej hrdinu hodného ideálu.

"Maratu - David." Rok dva“ - toto je lakonický nápis na obrázku. Vníma sa ako epitaf. Marat - jeden z vodcov Francúzskej revolúcie - bol zabitý v roku 1793 (podľa revolučných prepočtov v druhom ročníku) rojalistka Charlotte Cordayová. „Priateľ ľudu“ je zobrazený v okamihu smrti bezprostredne po údere. Zakrvavený nôž odhodili neďaleko liečebného kúpeľa, kde napriek fyzickému utrpeniu pracoval. Drsné ticho napĺňa obraz, ktorý vyznieva ako rekviem za padlého hrdinu. Jeho postava je mohutne vytesaná šerosvitom a prirovnávaná k soche. Hodená hlava a padnutá ruka akoby zamrzli vo večnom, slávnostnom pokoji. Kompozícia udivuje prísnosťou výberu predmetov a čistotou lineárnych rytmov. Smrť Marata David vnímal ako hrdinskú drámu o osude veľkého občana.

Belgičan François Joseph Navez sa stal Davidovým žiakom, ktorý posledné roky života prežil v exile a Bruseli. (1787-1863) . Až do konca života zostal Navez verný tradícii, ktorú vytvoril jeho učiteľ, najmä v portrétovaní, aj keď do tohto žánru vniesol istý nádych romantickej interpretácie obrazu. Jedno z umelcových slávnych diel, „Portrét rodiny Emptynne“, bolo namaľované v roku 1816. Divákovi je mimovoľne sprostredkované, že mladú a krásnu dvojicu spájajú pocity lásky a šťastia. Ak je obraz ženy plný pokojnej radosti, potom je obraz muža plný romantického tajomstva a mierneho smútku.

Belgické maliarstvo 19. a 20. storočia

V sálach múzea môžete vidieť diela najväčších belgických maliarov 19. storočia: Henri Leys, Joseph Stevens, Hippolyte Boulanger. Jan Stobbarts je reprezentovaný jedným z jeho najlepších obrazov „Farma v Kreiningene“, ktorý pravdivo zobrazuje roľnícku prácu v Belgicku. Hoci bol umelec samouk, obraz má vynikajúcu kompozíciu a vyznačuje sa vysokou kvalitou maľby. Jeho námet mohol byť inšpirovaný Rubensovým obrazom Návrat márnotratného syna. Stobbarts bol jedným z prvých maliarov 19. storočia, ktorí hlásali princípy realizmu.

Začiatky jeho umeleckej kariéry boli ťažké. Antverpská verejnosť, zvyknutá na romantické poňatie umeleckého obrazu, jeho pravdivé obrazy s rozhorčením odmietla. Tento antagonizmus bol taký silný, že Stobbarts bol nakoniec nútený presťahovať sa do Bruselu.

Múzeum má dvadsaťsedem obrazov známeho belgického umelca Henriho de Braquelaer (1840-1888) , ktorý bol synovcom a žiakom A. Leysa, vynikajúceho historického maliara. De Brakelerov zvýšený záujem o národné dejiny Belgicka, jeho tradície, spôsob života a kultúru bol spojený s akýmsi zvláštnym pocitom lásky, plným miernej ľútosti a túžby po minulosti. Jeho žánrové výjavy sú presiaknuté spomienkami na minulosť, jeho hrdinovia pripomínajú ľudí minulých storočí, obklopených starodávnymi vecami a predmetmi. V de Brakelerovom diele je nepochybne aj moment štylizácie. Najmä jeho obraz „Geograf“ pripomína diela holandských majstrov 17. storočia G. Metsu a N. Masa. Na obrázku vidíme starého muža sediaceho na zamatovej stoličke zo 17. storočia, ponoreného do kontemplácie starodávneho maľovaného saténu.

Obraz od Jamesa Ensora (1860-1949) "Dáma v modrom" (1881) nesie stopy silného vplyvu francúzskeho impresionizmu. Malebný rozsah pozostáva z modrých, modrosivých a zelených tónov. Živý a voľný zdvih sprostredkúva vibrácie a pohyb vzduchu.

Obrazová interpretácia obrazu mení každodenný motív na poetický výjav. Umelcovo zvýšené obrazové vnímanie, záľuba vo fantázii a neustála túžba pretvárať to, čo vidí, na niečo neobvyklé, sa odrážajú aj v jeho brilantných zátišiach, ktorých najúspešnejším príkladom je bruselský „Scat“. Morská ryba je odpudivo krásna svojou ostro ružovou farbou a tvarom, ktorý sa pred očami akoby rozmazáva, a v jej uhrančivo prenikavom pohľade, nasmerovanom priamo na diváka, je niečo nepríjemné a znepokojujúce.

Ensor žil dlhý život, ale činnosť jeho diela spadá do obdobia rokov 1879 až 1893. Ensorova irónia a odmietanie nepekných čŕt ľudskej povahy s nemilosrdným sarkazmom sa prejavuje v početných obrazoch zobrazujúcich karnevalové masky, ktoré možno vidieť aj v bruselskom múzeu. Kontinuita Ensoru s umením Bosch a Bruegel je nepopierateľná.

Najúžasnejší kolorista a nadaný sochár, ktorý zomrel v prvej svetovej vojne, Rick Wouters (1882-1916) prezentované v múzeu s obrazmi aj sochami. Umelec zažil silný vplyv Cezanna, pridal sa k hnutiu takzvaného „brabantínskeho fauvizmu“, no napriek tomu sa stal hlboko originálnym majstrom. Jeho temperamentné umenie je preniknuté vrúcnou láskou k životu. V „Dáme so žltým náhrdelníkom“ spoznávame jeho manželku Nel sediacu v kresle. Slávnostný zvuk žltých závesov, červenej kockovanej deky, zelených girland na tapete a modrých šiat vyvoláva pocit radosti z existencie, ktorý chytí celú dušu.

V múzeu sa nachádza niekoľko diel vynikajúceho belgického maliara Permekeho (1886-1952) .

Constant Permeke je všeobecne známy ako hlava belgického expresionizmu. Belgicko bolo po Nemecku druhou krajinou, kde toto hnutie získalo veľký vplyv v umeleckom prostredí. Hrdinovia Permeke, väčšinou ľudia z ľudu, sú vykreslení so zámernou drsnosťou, ktorá má podľa autorovej predstavy odhaliť ich prirodzenú silu a silu. Permeke sa uchyľuje k deformácii a zjednodušenej farebnej schéme. V jeho „Zasnúbení“ je však akási monumentalizácia, aj keď primitívnych obrazov, túžba odhaliť charakter a vzťah námorníka a jeho priateľky.

Medzi majstrami realistického hnutia 20. storočia vynikajú Isidore Opsomer a Pierre Polus. Prvý je známy ako vynikajúci maliar portrétov ("Portrét Julesa Destre"), druhý - ako umelec, ktorý svoju tvorbu zasvätil podobne ako C. Meunier zobrazovaniu ťažkého života belgických baníkov. V sálach múzea sú vystavené aj diela belgických umelcov patriacich do iných smerov súčasného umenia, najmä surrealizmu a abstrakcie.

L. Aleshina

Malá krajina, ktorá v minulosti dala svetu množstvo najväčších umelcov – len aby sme vymenovali bratov van Eyckovcov Bruegela a Rubensa – Belgicko začiatkom 19. storočia. zažila dlhú stagnáciu umenia. Určitú úlohu v tom zohralo politicky a ekonomicky podriadené postavenie Belgicka, ktoré do roku 1830 nemalo národnú nezávislosť. Až keď sa od začiatku nového storočia čoraz viac rozvíjalo národnooslobodzovacie hnutie, ožívalo umenie, ktoré čoskoro zaujalo veľmi dôležité miesto v kultúrnom živote krajiny. Je prinajmenšom významné, že v porovnaní s inými európskymi krajinami bol počet umelcov v malom Belgicku v pomere k počtu obyvateľov veľmi vysoký.

Pri formovaní belgickej umeleckej kultúry 19. storočia. Veľkú úlohu zohrali veľké tradície národného maliarstva. Spojenie s tradíciami bolo vyjadrené nielen priamym napodobňovaním mnohých umelcov ich vynikajúcimi predchodcami, hoci to bolo charakteristické pre belgické maliarstvo najmä v polovici storočia. Vplyv tradícií ovplyvnil špecifiká belgickej umeleckej školy modernej doby. Jednou z týchto špecifických čŕt je oddanosť belgických umelcov objektívnemu svetu, skutočnému telu vecí. Z toho plynie úspech realistického umenia v Belgicku, ale odtiaľ isté obmedzenia v interpretácii realizmu.

Charakteristickým rysom umeleckého života krajiny bola úzka interakcia počas celého storočia belgickej kultúry s kultúrou Francúzska. Mladí umelci a architekti tam chodia zlepšovať svoje vedomosti. Na druhej strane mnohí francúzski majstri Belgicko nielen navštevujú, ale v ňom aj dlhé roky žijú a podieľajú sa na umeleckom živote svojho malého suseda.

Na začiatku 19. storočia v maliarstve, sochárstve a architektúre dominoval v Belgicku, podobne ako v mnohých iných európskych krajinách, klasicizmus. Najvýznamnejším maliarom tohto obdobia bol François Joseph Navez (1787-1869). Študoval najprv v Bruseli, potom od roku 1813 v Paríži u Davida, ktorého sprevádzal v emigrácii do Bruselu. Počas rokov svojho belgického exilu sa pozoruhodný francúzsky majster tešil najväčšej autorite medzi miestnymi umelcami. Navez bol jedným z Dávidových obľúbených učeníkov. Jeho kreativita je nerovnomerná. Mytologické a biblické kompozície, v ktorých nadviazal na kánony klasicizmu, sú nezáživné a chladné. Veľmi zaujímavé sú portréty, ktoré tvoria väčšinu jeho pozostalosti. V jeho portrétoch sa snúbilo blízke a pozorné pozorovanie a štúdium prírody s mimoriadne ideálnou predstavou o ľudskej osobnosti. Najlepšie vlastnosti klasicistickej metódy - silná kompozičná štruktúra, plastická plnosť formy - sa v Navezových portrétoch harmonicky spájajú s expresivitou a špecifickosťou obrazu života. Zdá sa, že najvyššiu umeleckú kvalitu má portrét rodiny Hamptinne (1816; Brusel, Múzeum moderného umenia).

Neľahkú úlohu portrétu s tromi postavami umelec úspešne vyriešil. Všetci členovia mladej rodiny – manželský pár s malou dcérkou – sú zobrazení v živých, uvoľnených pózach, no s pocitom silného vnútorného spojenia. Farebná schéma portrétu svedčí o Navezovej túžbe pochopiť klasické tradície flámskeho maliarstva, ktoré siaha až k van Eyckovi. Čisté žiarivé farby sa spájajú do radostného harmonického akordu. Vynikajúci portrét rodiny Hamptinnovcov je svojou plastickou silou a dokumentárnou presnosťou blízky neskorším Davidovým portrétnym dielam a lyrickosťou a túžbou sprostredkovať vnútorný život duše je spojený s už nastupujúcim romantizmom. Ešte bližšie k romantizmu má autoportrét Naveza v mladom veku (10. roky 19. storočia; Brusel, súkromná zbierka), kde sa umelec zobrazil s ceruzkou a albumom v rukách, ako živo a sústredene hľadí na niečo pred sebou. Navez zohral veľmi významnú úlohu ako učiteľ. Študovalo u neho veľa umelcov, ktorí neskôr tvorili jadro realistického hnutia v belgickom maliarstve.

Rast revolučného sentimentu v krajine prispel k triumfu romantického umenia. Boj za národnú nezávislosť viedol v lete 1830 k revolučnej explózii, v dôsledku ktorej Belgicko prerušilo styky s Holandskom a vytvorilo samostatný štát. Umenie hralo dôležitú úlohu v udalostiach, ktoré sa odohrali. Vzbudzovalo vlastenecké cítenie a podnecovalo rebelantské nálady. Ako je známe, bezprostrednou príčinou revolučného povstania v Bruseli bolo uvedenie Auberovej opery „Nemý z Portici“.

V predvečer revolúcie sa v belgickom maliarstve objavoval vlastenecký smer v historickom žánri. Vodcom tohto trendu bol mladý umelec Gustave Wappers (1803-1874), ktorý v roku 1830 vystavil obraz „Sebaobetovanie purkmistra van der Werffa pri obliehaní Leidenu“ (Utrecht, múzeum). Oslavujúc hrdinské činy svojich predkov, majstri tohto hnutia sa obracajú k romantickému jazyku foriem. Patetické povznesenie figuratívnej štruktúry, zvýšený farebný zvuk farieb vnímali súčasníci ako oživenie prvotných národných maliarskych tradícií, najvýraznejšie reprezentovaných Rubensom.

V 30. rokoch Belgické maliarstvo vďaka historickým maľbám získava uznanie v európskom umení. O tomto úspechu rozhodoval jej programový a vlastenecký charakter, ktorý slúžil všeobecným cieľom rozvoja krajiny. Wappers, Nicaise de Keyser (1813-1887), Louis Galle patrili medzi najpopulárnejších umelcov v Európe. Tento smer však veľmi skoro odhalil svoje obmedzené stránky. Najúspešnejšie boli tie diela, ktoré odrážali pátos národnooslobodzovacieho hnutia ľudu, inšpirované hrdinstvom minulých i súčasných bojov za slobodu. Nie je náhoda, že najväčší úspech zaznamenal Wappersov obraz „September Days 1830“ (1834-1835; Brusel, Múzeum moderného umenia). Umelec vytvoril historické plátno na modernom materiáli a odhalil význam revolučných udalostí. Je zobrazená jedna z epizód revolúcie. Akcia sa koná na centrálnom námestí v Bruseli. Prudký nárast ľudového hnutia vyjadruje nevyvážená diagonálna kompozícia. Usporiadanie skupín a niektoré postavy evokujú Delacroixov obraz „Liberty Leading the People“, ktorý bol pre umelca nepochybným vzorom. Zároveň je Wappers v tomto obraze trochu vonkajší a deklaratívny. Jeho obrazy sa čiastočne vyznačujú teatrálnosťou a demonštratívnosťou vo vyjadrovaní pocitov.

Čoskoro po získaní nezávislosti Belgicka stratila historická maľba hĺbku obsahu. Téma národného oslobodenia stráca svoju aktuálnosť, sociálny základ. Historický obraz sa mení na veľkolepú kostýmovú podívanú so zábavnou zápletkou. V historickej maľbe sa kryštalizujú dva smery; na jednej strane sú to monumentálne, pompézne plátna; Iný smer charakterizuje žánrová interpretácia histórie. Národné maliarske tradície sú chápané veľmi povrchne – ako súhrn techník a prostriedkov nedeterminovaný vplyvom doby. Objavuje sa mnoho umelcov, ktorí vidia celé svoje povolanie v maliarskych žánroch, ako sú „majstri 17. storočia“ alebo historické scény „ako Rubens“.

Antoine Joseph Wirtz (1806-1865) sa domýšľavo, no neúspešne, snaží spojiť úspechy Michelangela a Rubensa vo svojich obrovských historických a symbolických plátnach. Hendrik Leys (1815-1869) najprv maľoval malé žánrovo-historické obrazy, napodobňujúce sfarbenie Rembrandta. Od 60. rokov prechádza k rozsiahlym viacfigurálnym kompozíciám s každodennými výjavmi zo severskej renesancie, ktorých spôsobom prevedenia nadväzuje na naivnú precíznosť a detailnosť majstrov tohto obdobia.

Medzi početnými historickými maliarmi polovice storočia si zaslúži zmienku Louis Galle (1810-1887), ktorého obrazy sa vyznačujú zdržanlivosťou a lakonickým zložením a jeho obrazy sa vyznačujú určitým vnútorným významom a vznešenosťou. Typickým príkladom je obraz „Posledné pocty pozostatkom grófov Egmontu a Hornu“ (1851; Tournai, múzeum, repríza 1863 – Puškinovo múzeum). Tieto isté vlastnosti sú ešte charakteristické pre jeho žánrové obrazy, ako napríklad „The Fisherman's Family“ (1848) a „Slavonets“ (1854; obe Ermitáž).

Belgická historická maľba postupne stráca vedúcu úlohu v systéme žánrov a do popredia sa dostáva približne od 60. rokov. nastupuje maľovanie domácností. Žánroví maliari v polovici storočia mali tendenciu napodobňovať umelcov zo 17. storočia a začali vytvárať zábavné scény v krčmách alebo útulných domácich interiéroch. Toto sú mnohé z obrazov Jeana Baptista Madoua (1796-1877). Hendrik de Brakeler (1840-1888) bol vo svojich námetoch veľmi tradičný, zobrazoval osamelé postavy pri pokojnej činnosti v interiéroch naplnených svetlom. Jeho zásluha spočíva v riešení problému osvetlenia a vzdušnej atmosféry pomocou modernej maľby.

Kapitalistický rozvoj krajiny, ktorý po získaní nezávislosti prebiehal veľmi rýchlym tempom, už v 60. rokoch. znamenal pre umenie nové problémy. Modernita čoraz viac začína napádať umeleckú kultúru Belgicka. Mladšia generácia umelcov predkladá slogan realizmu, zobrazujúci charakteristické aspekty okolitého života. Vo svojich ašpiráciách sa spoliehali na príklad Courbeta. V roku 1868 bola v Bruseli založená Slobodná spoločnosť výtvarných umení. Najvýznamnejšími účastníkmi boli Charles de Groux, Constantin Meunier, Felicien Rops, Louis Dubois. Všetky vyšli s heslom realizmu, s výzvou bojovať proti starému umeniu, s jeho témami ďaleko od života a zastaraným umeleckým jazykom. Nositeľom estetických názorov tejto spoločnosti bol časopis „Free Art“, ktorý začal vychádzať v roku 1871. Najaktívnejším účastníkom Slobodnej spoločnosti výtvarných umení bol už od konca 40. rokov Charles de Groux (1825-1870). sa preslávil obrazmi zo života nižších vrstiev spoločnosti. Jeho štýl písania je blízky Courbetovi. Sfarbenie je udržiavané v tmavých, zdržanlivých tónoch, emocionálne korešpondujúcich s bolestivou pochmúrnosťou toho, čo je zobrazené. Taký je obraz „Pražiareň kávy“ (60. roky; Antverpy, Múzeum); ukazuje chudobných ľudí, ktorí sa vyhrievajú vonku počas tmavého, chladného zimného dňa v blízkosti pražiarne, kde sa pražia kávové zrná. Umelcovu tvorbu charakterizuje hlboký súcit so znevýhodnenými.

Realizmus v Belgicku veľmi skoro získal silné postavenie vo všetkých žánroch umenia. Objavuje sa celá plejáda krajinárov, pravdivo a zároveň rôznorodo zobrazujúcich ich rodnú prírodu – takzvaná tervurenská škola (pomenovaná podľa miesta nachádzajúceho sa v lese neďaleko Bruselu). Vedúci školy, Hippolyte Boulanger (1837-1874), maľoval jemné, trochu melancholické lesné krajiny, farebne podobné barbizonským maľbám. Louis Artand (1837-1890) vnímal prírodu energickejšie. Najčastejšie zobrazoval pohľady na more a pobrežie. Jeho zdvih je dynamický a elastický; umelec sa snaží sprostredkovať meniacu sa atmosféru a náladu krajiny.

Felicien Rops (1833-1898) zaujímal v belgickom umení osobitné miesto. Napriek tomu, že majster prežil značnú časť svojho tvorivého života vo Francúzsku, bol aktívnym účastníkom belgického umeleckého procesu. Pomerne škandalózna sláva umelca ako speváka parížskych kokotov často zakrýva jeho veľmi dôležitú úlohu v kultúrnom živote Belgicka. Rops je jedným zo zakladateľov literárneho a umeleckého časopisu Eulenspiegel (založený v Bruseli v roku 1856) a prvým ilustrátorom slávneho románu Charlesa de Costera (1867). Ilustrácie vyrobené technikou leptu poskytujú ostré a zaujímavé stvárnenie obrazov hlavných postáv románu. Rops bol brilantným majstrom kresby a pozorným pozorovateľom moderného života, o čom svedčia mnohé jeho diela.

Architektúra Belgicka do konca 19. storočia. nevytvorila nič významné. V prvej polovici storočia bolo ešte niekoľko budov postavených v klasicistickom štýle, poznačenom prísnym vkusom (palác akadémie v Bruseli -1823-1826, architekt Charles van der Straten; skleníky v botanickej záhrade v Bruseli - 1826-1829 , architekti F.-T. Od polovice storočia v architektúre rastie nespútaný eklekticizmus a túžba vytvárať bujné, pompézne stavby. Charakteristické sú napríklad budova burzy v Bruseli (1873-1876, architekt L. Seys), budova Múzea antického umenia na tom istom mieste (1875-1885, architekt A. Bala). Prosperujúci belgický kapitalizmus sa snaží vytvoriť pamätník svojej moci. Takto vyzerala budova Justičného paláca v Bruseli (1866-1883, architekt J. Poulart - jedna z najveľkolepejších stavieb v Európe, čo sa týka veľkosti, vyznačujúca sa honosným a absurdným hromadením a zmesou všetkých druhov architektonických V architektúre Belgicka zároveň zohráva veľkú úlohu štylizácia, stavajú sa mnohé kostoly, radnice a iné verejné budovy napodobňujúce gotický, flámsky renesančný a románsky štýl.

Belgické sochárstvo do poslednej štvrtiny 19. storočia. vo svojom vývoji zaostával za maliarstvom. V 30. rokoch Pod vplyvom vlasteneckých predstáv napriek tomu vzniklo niekoľko zaujímavých sôch. V prvom rade si tu treba všimnúť diela Willema Hefsa (1805-1883 - jeho náhrobok grófa Frederika de Merode, ktorý padol v revolučných bojoch v Bruseli (1837, Brusel, Katedrála sv. Guduly) a sochu generála Belliard, stojaci na jednom z námestí hlavného mesta ( 1836) Polovica storočia bola v Belgicku, podobne ako v mnohých iných krajinách, poznačená úpadkom sochárskeho umenia.

V týchto ťažkých rokoch pre monumentálne umenie sa sformovalo dielo najväčšieho belgického umelca Constantina Meuniera (1831-4905). Meunier začal študovať na bruselskej akadémii výtvarných umení v triede sochárstva. Tu v polovici storočia dominoval konzervatívny akademický systém; učitelia sa vo svojej tvorivosti a vo vyučovaní riadili vzorom a rutinou a požadovali skrášlenie prírody v mene abstraktného ideálu. Prvé Meunierove plastické diela mali k tomuto smeru stále veľmi blízko („Garland“; vystavené v roku 1851, nezachované). Čoskoro však opustil sochárstvo a začal sa venovať maľbe, čím sa stal Navezovým študentom. Ten, hoci v tých rokoch bol symbolom zastaraného klasicizmu, mohol naučiť sebavedomému majstrovstvu kresby, plastickému vyrezávaniu foriem v maľbe a chápaniu veľkého štýlu. Ďalší prúd vplyvov na mladého majstra v tejto dobe súvisel s jeho priateľstvom s Charlesom de Grouxom a zoznámením sa s dielami francúzskych realistov - Courbeta a Milleta. Meunier hľadá hlboko zmysluplné umenie, umenie veľkých myšlienok, ale najprv sa neobracia k modernej téme, ale k náboženskej a historickej maľbe. Obzvlášť zaujímavý je obraz „Epizóda z roľníckej vojny z roku 1797“ (1875; Brusel, Múzeum moderného umenia). Umelec si vyberá jednu zo záverečných scén povstania, ktoré sa skončilo porážkou. To, čo sa stalo, zobrazuje ako národnú tragédiu a zároveň ukazuje nezlomnú vôľu ľudu. Obraz je veľmi odlišný od iných diel belgického historického žánru tých rokov. Tu je iný prístup k pochopeniu histórie a realizmu v zobrazení postáv a oduševnenej emocionality toho, čo je zobrazené, a predstavenie krajiny ako aktívne znejúceho prostredia.

Koncom 70. rokov. Meunier končí v „čiernej krajine“ - priemyselných oblastiach Belgicka. Tu otvára úplne nový svet, ktorý sa ešte v umení neodráža. Životné fenomény s úplne odlišnými aspektmi krásy diktovali nový umelecký jazyk, svoju osobitnú príchuť. Meunier vytvára obrazy venované práci baníkov, maľuje typy baníkov a baníkov a zachytáva krajinu tejto „čiernej krajiny“. Hlavnou poznámkou v jeho obrazoch nie je súcit, ale sila pracujúceho ľudu. To je inovatívny význam Meunierovho diela. Ľudia nie sú predmetom súcitu a súcitu, ľudia sú tvorcami veľkých životných hodnôt, čím si už vyžadujú dôstojný postoj k sebe. V tomto uznaní veľkého významu pracujúcich ľudí v živote spoločnosti sa Meunier objektívne postavil na úroveň najpokročilejších mysliteľov tej doby.

Meunier vo svojich obrazoch používa jazyk zovšeobecňovania. Vyrezáva tvar pomocou farieb. Jeho sfarbenie je prísne a zdržanlivé – jedno alebo dve žiarivé farebné škvrny sú popretkávané sivými zemitými tónmi, vďaka čomu vyznieva celá drsná stupnica. Jeho kompozícia je jednoduchá a monumentálna, využíva rytmus jednoduchých, jasných línií. Typickým obrazom je „Návrat z bane“ (okolo 1890; Antverpy, múzeum). Traja robotníci, akoby kráčali po plátne, sú nakreslení v jasnej siluete na pozadí zadymenej oblohy. Pohyb postáv sa navzájom opakuje a zároveň variuje všeobecný motív. Rytmus skupiny a rytmus priestoru obrazu vytvárajú harmonické, vyvážené riešenie. Postavy sú posunuté k ľavému okraju obrazu, medzi nimi a pravým bočným rámom je otvorený voľný priestor. Jasnosť a všeobecnosť siluety skupiny, lakonizmus obrazu každej postavy dávajú kompozícii charakter takmer plastového reliéfu. Keď sa obrátil na novú tému, ktorá ho fascinovala, Meunier si veľmi skoro spomenul na svoje pôvodné povolanie. Zovšeobecňovanie a lakonizmus prostriedkov plastickej reči by sa dalo čo najlepšie využiť na oslavu krásy ľudskej práce. Od polovice 80. rokov. jedna po druhej sa objavovali sochy a reliéfy Meuniera, oslavujúce jeho meno, čo predstavovalo éru vo vývoji plastiky 19. storočia. Hlavnou témou a obrazom sochára je práca, pracujúci ľudia: kladivári, baníci, rybári, baníci, roľníci. Pracujúci ľudia vstúpili do sochárstva, ktoré sa predtým obmedzovalo na úzky okruh konvenčných námetov a postáv vzdialených od modernosti. Plastický jazyk, predtým úplne vymakaný, opäť nadobudol výraznú hrubú silu a silnú presvedčivosť. Ľudské telo ukázalo nové možnosti krásy v ňom ukryté. V reliéfe „Priemysel“ (1901; Brusel, Menierovo múzeum) napätie všetkých svalov, elastická pružnosť a sila postáv, ťažkosti s dýchaním, trhanie hrudníka, ťažké opuchnuté ruky - to všetko človeka neznetvoruje, ale dodáva má zvláštnu silu a krásu. Meunier sa stal zakladateľom novej pozoruhodnej tradície – tradície zobrazovania robotníckej triedy, poézie pracovného procesu.

Ľudia, ktorých zobrazuje Meunier, nezaberajú nádherne krásne alebo tradične klasické pózy. Sochár ich vidí a prezentuje v skutočne reálnej polohe. Ich pohyby sú drsné, ako napríklad v silnom, bojovnom „Fetcher“ (1888; Brusel, Menierovo múzeum), niekedy až nemotorné („Puddler“, 1886; Brusel, Múzeum antického umenia). V tom, ako tieto postavy stoja alebo sedia, cítite odtlačok, ktorý na ich vzhľade a charaktere zanechala práca. A zároveň sú ich pózy plné podmanivej plastickej krásy a sily. Toto je socha v pravom zmysle slova, ktorá žije v priestore, organizuje ho okolo seba. Pod Meunierovou rukou ľudské telo odhaľuje všetku svoju elastickú silu a drsnú, intenzívnu dynamiku.

Meunierov plastický jazyk je zovšeobecnený a lakonický. V soche „Loader“ (okolo 1905; Brusel, Menierovo múzeum) teda nevznikol ani tak portrét, ako skôr zovšeobecnený typ, a práve to jej dodáva veľkú presvedčivosť. Meunier odmieta konvenčné akademické závesy, jeho pracovník nosí takpovediac „kombinézy“, ale tieto šaty nedrvia ani nezmenšujú tvar. Široké povrchy látky akoby priliehali k svalom, niekoľko jednotlivých záhybov zdôrazňuje pohyb tela. Jedným z najlepších Meunierových diel sú Antverpy (1900; Brusel, Menierovo múzeum). Na zosobnenie pracovitého a aktívneho mesta si sochár nezvolil nejaké abstraktné alegórie, ale veľmi špecifický obraz prístavného robotníka. Prísna a odvážna hlava, vyrezávaná s maximálnym lakonicizmom, je pevne posadená na svalnatých pleciach. Meunier oslavuje prácu a nezatvára oči pred jej prísnosťou. Jedným z jeho najúžasnejších plastických diel je skupina „Banský plyn“ (1893; Brusel, Múzeum antického umenia). Toto je skutočne moderná verzia večnej témy matky smútiacej za strateným synom. Sú tu zachytené tragické následky banského nešťastia. Smútočná ženská postava sa skláňala v zdržanlivom, nemom zúfalstve nad kŕčovito natiahnutým nahým telom.

Po vytvorení nespočetných typov a obrazov pracujúcich ľudí vytvoril Meunier v 90. rokoch. monumentálny pamätník práce. Malo obsahovať niekoľko reliéfov oslavujúcich rôzne druhy práce – „Priemysel“, „Úroda“, „Prístav“ atď., ako aj okrúhlu sochu – sochy „Rozsievač“, „Materstvo“, „Pracovník“ atď. plán sa napokon pre smrť majstra nikdy nezrealizoval, no v roku 1930 sa zrealizoval v Bruseli podľa sochárskych originálov. Pamätník ako celok nepôsobí monumentálnym dojmom. Jeho jednotlivé fragmenty sú presvedčivejšie. Ich spojenie v architektonickej verzii, ktorú navrhol architekt Orta, sa ukázalo ako celkom externé a zlomkové.

Meunierovo dielo jedinečne zhrnulo vývoj belgického umenia 19. storočia. Ukázalo sa, že ide o najvyšší úspech realizmu v tejto krajine v sledovanom období. Význam realistických úspechov Meuniera zároveň presahoval len národné umenie. Pozoruhodné diela sochára mali obrovský vplyv na vývoj svetového výtvarného umenia.