Permainan alat musik secara kolektif merupakan sarana yang ampuh untuk mendidik dan mengajarkan kreativitas musik anak. Bermain dalam disiplin ansambel, mengembangkan rasa tanggung jawab, mengaktifkan kemampuan musik, melibatkan dan melatih mekanisme mental yang bertanggung jawab atas aktivitas saraf halus.

Di setiap sekolah terdapat 8 - 10 siswa yang memiliki alat musik di rumah. Itu bisa berupa akordeon kancing, akordeon, akordeon. Anda bisa mencari alat musik untuk dimainkan dari saudara, teman, dan tetangga. Pengalaman saya menciptakan orkestra anak-anak instrumen rakyat memungkinkan kita untuk mengatakan bahwa selalu ada jumlah alat yang memadai. Selain itu, hampir jarang, salinan museum dari akordeon kancing, akordeon, dan akordeon muncul dari gudang dan loteng. Tentu saja, banyak instrumen memerlukan perbaikan serius, tapi itu lain cerita.

Jadi, ansambel instrumental tercipta dari anak-anak yang mempunyai alat musik dan ingin belajar memainkannya.

Setelah komposisi minimal tim masa depan dipilih, anak-anak dengan instrumen dan sebaiknya bersama orang tuanya diundang ke pelajaran pertama. Pada pelajaran pengantar Pemimpin menetapkan tugas untuk anak-anak, menjelaskan metode pengajaran, menyiapkan tim untuk bekerja, fokus pada kelas yang sistematis dan sikap teliti terhadap pekerjaan rumah. Tentu saja, untuk membentuk tim seperti itu, diperlukan landasan teori yang kuat, di mana segala sesuatunya direncanakan, dijadwalkan, dan dipilah-pilah.

Ada baiknya jika sutradara memiliki program orkestra (ensemble) dengan perencanaan tematik dan aplikasi repertoar. Program semacam itu adalah dasar dari pelatihan apa pun, dan bukan merupakan penghargaan terhadap mode. Berpedoman pada ketentuan dokumen ini, guru akan dapat dengan jelas menetapkan dan mengatur kegiatan latihan dan konser kelompok. Pada pembelajaran pertama, presenter berbicara tentang alat-alat musik yang akan menjadi bagian dari ansambel dan mendemonstrasikan kemampuannya. Tentu saja, manajer harus fasih dalam alat-alat ini. Setelah mendiskusikan jadwal kelas dan menyelesaikan masalah organisasi apa pun yang muncul, Anda dapat langsung melanjutkan ke permainan. Inilah yang perlu Anda pelajari di pelajaran pertama:

1. Kesesuaian dan posisi jari yang benar pada keyboard.

2. Ekstraksi nada “C” secara individu dan kolektif.

3.Memainkan nada “C” dengan metronom dengan tempo berbeda dan durasi berbeda.

4. Rasional - pengoperasian bellow yang benar saat menghasilkan suara.

Dan biarkan pertemuan pertama ini berlarut-larut, biarlah anak-anak memahami bahwa “bukan dewa yang membakar periuk”, bahwa belajar memainkan tombol akordeon, akordeon, dan akordeon sangatlah mungkin dilakukan.

Agar anak-anak dapat lebih menguasai instrumen tersebut, guru harus merencanakan dan mengatur pelajaran individu. Mereka tidak boleh dibatasi hanya pada pekerjaan pembelajaran. Di sini Anda dapat memahami masalah teori musik, metode dan teknik bagaimana musisi pemula bekerja dengan instrumen. Ini juga mencakup semua jenis latihan untuk mengembangkan telinga musik dan rasa ritme. Dan prasyaratnya adalah pelajaran individu tidak boleh membosankan atau rutin.

Dalam mengorganisir ansambel akordeon, saya menggunakan metode yang tidak dapat dilupakan dalam mengajarkan instrumen untuk dimainkan “dengan tangan”. Metode ini berhasil secara produktif zaman kuno. Memang, hampir semua musisi yang memainkan alat musik rakyat pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20 belajar memainkan balalaika, domra, dan akordeon “dari tangan” seorang guru atau musisi berpengalaman.

Musisi populis terkenal V. Andreev berhasil menggunakan teknik serupa. Murid-muridnya dengan cepat dan efisien menguasai instrumen, melakukan kegiatan konser intensif, dan mencapai penguasaan tertinggi. Tentu saja, mau tidak mau mereka harus mempelajari teori musik selanjutnya. Namun permulaannya justru dilakukan dengan meniru permainan guru.

Belajar memainkan alat musik secara kolektif “dengan tangan” adalah baik karena anggota ansambel dengan cepat memahami melodi, gaya, bagian, dan aksen guru. Dan secara harfiah pada pelajaran ke 2-3 mereka memainkan peran mereka dengan cukup bebas dan mantap. Ini adalah insentif yang bagus untuk maju. Bagaimanapun juga, hasil jerih payahnya sangat penting bagi seorang anak. Dan dalam hal ini, hasilnya jelas: dari bunyi-bunyi yang sederhana, bagian-bagian yang tidak rumit, akhirnya dirangkai sebuah melodi yang terdengar luas, luas, dan merdu. Setiap anggota ansambel mendengar permainan umum dan dirinya sendiri dengan baik. Semua ini berkonsentrasi pada pengembangan kemampuan musik anak.

Bagaimana dengan notasi musik? Kami akan kembali lagi nanti. Dan anak-anak akan menganggapnya sebagai suatu kebutuhan, sebagai alat yang nyata dan ampuh untuk menguasai tombol akordeon. Dan setelah mereka bermain dalam ansambel “dengan tangan”, akan lebih mudah bagi mereka untuk mengatasi “coretan” notasi musik.

Jadi, anak-anak yang membawa alat musik duduk di kursi berbentuk setengah lingkaran dengan jarak kurang lebih 50 cm satu sama lain. Jarak ini diperlukan agar guru dapat mempunyai akses menyeluruh terhadap setiap pemusik (depan, belakang, samping). Dan Anda harus banyak bergerak.

Kami mulai mempelajari bagian baru. Anggota ansambel duduk secara ketat berdasarkan partai. Guru berdiri di belakang pemain akordeon pertama dan menunjukkan bar awal dari karya yang dipelajari. Pertunjukan ini diulangi dengan tempo lambat beberapa kali. Siswa mengulangi apa yang dia dengar dan lihat, dan mempelajari bagian dari melodi yang diberikan. Pada saat ini, guru beralih ke siswa kedua dan, dengan analogi dengan siswa pertama, menunjukkan apa dan bagaimana memainkan segmen tertentu (ukuran). Setelah memperlihatkan permainan bar pertama kepada seluruh anggota ansambel (sebagian), pemimpin kembali ke peserta pertama, mengulangi apa yang telah dipelajarinya, memperbaiki kesalahan. Setiap orang diperiksa terlebih dahulu, satu per satu. Kemudian ansambel diberi waktu 2-3 menit untuk menghafal bagian-bagiannya.

Jika satu ukuran lagu dipelajari oleh semua peserta tanpa kesalahan, guru menawarkan untuk memainkan apa yang telah mereka pelajari secara kolektif, sementara dia sendiri memainkan melodi utama dan bagian tangan kiri.

Fragmen karya yang dipelajari diulangi oleh ansambel beberapa kali untuk mengkonsolidasikannya. Pada tahap ini guru memantau posisi siswa, pergerakan tiupan, posisi jari, dan ketepatan permainan.

Pekerjaan serupa dilakukan dengan tindakan selanjutnya hingga akhir pekerjaan.

Seperti yang Anda lihat, tidak ada yang rumit. Setiap guru musik di sekolah dapat mengorganisir ansambel atau bahkan orkestra yang akan bermain cukup baik dalam beberapa bulan.

Saya harap Anda beruntung! Dengarkan di waktu luang Anda:

Program klub “Ensemble of Russian Folk Instruments” Periode pelaksanaan: 3 tahun
Catatan penjelasan

Kelas musik memegang peranan penting baik dalam pembentukan budaya spiritual, kualitas moral individu, maupun dalam perkembangan seni dan estetika generasi muda. Sejarah pertunjukan alat musik dimulai pada periode paling kuno pembentukan dan perkembangan kebudayaan manusia sebagai komponen utama lingkungan spiritual manusia.
Mempelajari berbagai jenis seni musik berkontribusi terhadap

• pemahaman dan persepsi anak terhadap realitas di sekitarnya. Saat ini, pentingnya dan nilai pendidikan musik bagi generasi muda tidak bisa dianggap remeh. Budaya musik merupakan salah satu aspek terpenting dalam konsep manusia yang berbudaya. Isi program bertujuan untuk mengembangkan motivasi individu untuk pengetahuan diri dan kreativitas, mengenalkan siswa pada nilai-nilai budaya dunia.

Program ini mencakup fitur sekolah pertunjukan ansambel tingkat lanjut. Persyaratan khusus bagi siswa untuk setiap tahun studi dan daftar sampel diusulkan karya musik direkomendasikan untuk ditampilkan di dalam tahun akademik pada tes.

Seni adalah bagian penting dalam kehidupan manusia. Seni adalah jiwanya. “Masalah spiritualitas sangat akut dalam masyarakat kita,” kami terus-menerus mengulangi dan mencari cara untuk memecahkan masalah ini dalam pendidikan yang benar bagi Seseorang di awal perjalanannya, di masa kanak-kanak. Tugas guru musik adalah membangkitkan minat anak-anak kita pada diri mereka sendiri, kemampuan mereka, dan kemampuannya. Jelaskan kepada mereka bahwa hal yang paling menarik tersembunyi dalam diri mereka, menjadikan aktivitas kreatif sebagai kebutuhan, dan seni sebagai bagian alami dan penting dalam kehidupan.

Pendidikan musik anak hendaknya ditujukan terutama untuk mengembangkan kepekaan terhadap bahasa musik, kemampuan merespon secara emosional, serta pengaktifan kemampuan pendengaran dan kebutuhan mendengarkan musik. Penting untuk memikat anak dengan musik, untuk mengembangkan pandangan dunia artistiknya, terlepas dari apakah ia menjadi musisi profesional atau sekadar pecinta musik.

Ansambel adalah jenis pembuatan musik kolektif yang telah dipraktikkan setiap saat, di setiap kesempatan, dan pada tingkat kemahiran instrumen apa pun. Hampir semua komposer terkemuka menulis dalam genre ini. Mereka menulis untuk pemutaran musik rumahan dan untuk pelatihan intensif serta pertunjukan konser.

Pertunjukan instrumental musik rakyat menempati salah satu tempat terdepan dalam sistem perkembangan musik dan estetika.

Dasar dari pertunjukan instrumental rakyat adalah kolektivitas. “Mengenai persoalan menarik massa seluas-luasnya untuk berpartisipasi aktif dalam seni, jelas bahwa dari semua jenis (seni) lainnya, yang paling cocok untuk tujuan ini adalah latihan musik kolektif di .... instrumen rakyat,” kata komposer balalaika Rusia, pencipta pertama dan direktur Great Russian Orchestra V.V.

Duet, trio, dan kuartet instrumen rakyat Rusia telah tersebar luas dan populer dalam seni profesional di sekolah musik. Ansambel selalu menikmati kesuksesan yang konstan di kalangan pendengar karena kemampuan artistik, ekspresif, dan teknis mereka yang luas. Tugas kita adalah memanfaatkan popularitas ini untuk menarik lebih banyak siswa, menanamkan selera musik yang baik dalam diri mereka melalui metode penampilan kolektif dalam ansambel.

Di akhir program terdapat daftar referensi yang dapat digunakan dalam kegiatan praktikum.

Kebaruan, relevansi, kemanfaatan pedagogis.

Metodologi pengajaran musik sedang berkembang dan diperbarui. Program lama berisi materi yang berharga, tetapi sudah memerlukan penambahan repertoar dan pengembangan formasi ansambel yang lebih rinci dari perspektif kondisi kerja baru.

Saat mengembangkan program ini, kami menggunakan program Kementerian Kebudayaan “Kelas Ensemble Instrumen Rakyat. Kelas orkestra”, M., 1979 dan “Alat Musik” M., 1988 untuk memberikan solusi terhadap masalah pendekatan pembelajaran individu yang berbeda.

Tujuan program.

Menciptakan kondisi untuk pengembangan kemampuan musik siswa melalui penguasaan alat musik, mengembangkan keterampilan bermain ansambel, menanamkan kecintaan pada musik pada anak, bermain musik, penerapan pengetahuan dan keterampilan secara praktis dalam aktivitas kehidupan masa depan, memperkuat kesehatan mental dan fisik, mengembangkan kreativitas. kepribadian dalam belajar memainkan alat musik.

Tujuan program.

Program ini memungkinkan Anda untuk menyelesaikan tugas-tugas berikut:
Pendidikan .
1. Pembentukan keterampilan pembuatan musik kreatif kolektif: - denyut intralobar;

Kemampuan untuk mendengar suara bagian Anda;

Kemampuan untuk mendengarkan bagian pasangan Anda;

Kemampuan mendengar suara ansambel secara keseluruhan;

Kemampuan untuk mencapai performa yang identik dari semua elemen struktur musik (guratan, produksi suara, dinamika);

Kemampuan bermain secara serempak, dengan tempo yang sama, senantiasa merasakan kesamaan gerakan;

Kemampuan menggarap kesatuan gambaran seni suatu karya dalam proses pertunjukan bersama.

2. Menguasai keterampilan menganalisis karya baru secara mandiri.

3. Pembentukan ide musik yang stabil.

Pendidikan:

Kemampuan bermain dalam ansambel;

Mengembangkan seperangkat keterampilan pertunjukan dan pendengaran;

Memperluas wawasan musik siswa;

Mengembangkan selera dan pengetahuan musik, perilaku panggung dan keterampilan akting pada anak-anak dan remaja;

Untuk mempromosikan pengembangan pemikiran imajinatif pada siswa.

Pendidikan:

Penanaman cita rasa musik yang sangat artistik;

Menumbuhkan kemauan kreatif dan mendidik, keinginan mencapai tujuan, keinginan mengatasi kesulitan;

Menumbuhkan keinginan untuk perbaikan diri;

Menumbuhkan rasa cinta tanah air dan kecintaan terhadap budaya bangsa;

Memahami dan menghormati budaya dan tradisi masyarakat dunia;

Mengembangkan pemahaman yang jelas tentang moralitas;

Mengembangkan rasa harga diri dan rasa hormat terhadap orang lain.

Di kelas, guru menggunakan pendekatan pengajaran yang berbeda. Hal ini memungkinkan siswa dengan tingkat bakat musik apa pun untuk berkembang sebanyak mungkin, dan guru mengevaluasi keberhasilan siswa dari sudut pandang pencapaian pribadinya.

Program ini dirancang untuk studi tiga tahun bagi siswa lembaga pendidikan menengah dan direkomendasikan untuk siswa usia sekolah menengah atas. Setiap tahun studi - 76 jam, 2 jam per minggu. Program ini mempromosikan pembentukan keterampilan paling sederhana dalam pembuatan musik kolektif, serta permainan ansambel.

Kurikulum banyak menggunakan koneksi interdisipliner: pengetahuan yang diperoleh di solfeggio dan sastra musik, digunakan dalam pelajaran khusus dan ansambel, berfungsi sebagai landasan teori untuk menguasai keterampilan dan kemampuan baru.

Pada saat yang sama, program ini memungkinkan kita untuk memecahkan sejumlah masalah yang saling terkait yang dihadapi siswa dan guru dalam proses pembelajaran.

Hal ini meningkatkan minat siswa – anak senang berkomunikasi dan melakukan sesuatu bersama-sama, sehingga menimbulkan rasa kerjasama dan tanggung jawab. Hal ini juga membantu membentuk individualitas artistik siswa dan mengungkapkan kecenderungan kreatifnya.

Bermain dalam ansambel memungkinkan Anda memperluas repertoar dan bentuk studinya secara signifikan. Domra dan balalaika adalah instrumen yang jangkauannya terbatas, dan pada tahap awal pembelajaran, banyak siswa yang hanya mengalami kesulitan fisik saat memainkan nada ganda dan akord. Selain itu, adaptasi siswa terhadap instrumen sering kali menghilangkan kedalaman dan kekayaan karya tersebut. Menyusun karya untuk 2-3 instrumen membuatnya lebih mudah dan mudah diakses. Siswa mendapat kesempatan untuk mengenal budaya musik lebih luas, dan karya-karyanya terdengar lebih hidup dan kaya. Kemampuan teknis dan kreatif meningkat, pewarnaan dinamis dan timbre karya diperkaya. Menjadi jauh lebih menarik untuk dimainkan, dan hasilnya lebih jelas dibandingkan dengan penampilan solo.

Memainkan musik ansambel sebagian membantu memecahkan masalah demam panggung. Banyak anak, bahkan dengan persiapan yang sangat baik di kelas, tersesat di atas panggung. Penampilan mereka terdengar tidak ekspresif, dan terkadang tidak berhasil. Naik panggung sebagai bagian dari ansambel memungkinkan Anda merasakan dukungan dari rekan atau guru Anda dan menghilangkan rasa gugup yang berlebihan sebelum pertunjukan. Hal ini terutama dilakukan dengan baik pada tahap awal, ketika siswa ditawari bagian-bagian secara serempak atau dengan sedikit perbedaan, serta bagian-bagian dengan pola ritme yang sama.

Pelajaran ansambel merupakan persiapan siswa untuk bermain dalam orkestra. Seorang pemimpin orkestra yang berpengalaman selalu merasakan perbedaan dalam berkomunikasi dengan anggota orkestra yang mempunyai pengalaman atau belum berpengalaman dalam bermain ansambel. Biasanya, yang pertama memiliki tempo dan fleksibilitas ritme tertentu, memiliki pemahaman yang baik tentang perannya dalam kelompok, dan cepat memahami keinginan konduktor.

Intonasi lagu Rusia yang dinyanyikan dengan akordeon, domra, balalaika, yang terdengar penuh perasaan dalam ansambel Rusia, pasti menyentuh sisi terdalam jiwa manusia. Mereka mengandung kekuatan besar, yang membantu dalam pendidikan, pengembangan kreatif, dan persepsi keindahan musisi muda.

Fitur khas dari program ini.

Program ini melibatkan pemecahan masalah pendidikan, pendidikan dan perkembangan, dengan mempertimbangkan usia dan karakteristik individu dari perkembangan siswa.

Kegiatan guru didasarkan pada prinsip-prinsip berikut:

Ketersediaan kelas;

Sikap penuh perhatian terhadap kepribadian siswa, mendorongnya untuk berkreasi;

Memberikan kesempatan untuk ekspresi diri, pengaturan diri, inisiatif;

Aksesibilitas untuk memahami dan menampilkan musik dari berbagai gaya dan genre;

Perkembangan siswa secara menyeluruh, dengan memperhatikan karakteristik individunya.

Syarat pelaksanaan program.

Kunci keberhasilan aktivitas kreatif seorang guru adalah kondisi yang diperlukan untuk pekerjaan yang diberikan kepadanya dan suasana kreatif yang mendukung dalam staf pengajar. Kelas harus diadakan di ruangan yang luas, hangat, cukup terang dan berventilasi dengan akustik yang baik, dilengkapi dengan peralatan yang diperlukan untuk mendengarkan dan melihat rekaman pertunjukan siswa, pemain dan grup terkenal. Perkembangan cita rasa estetis tidak dapat dipisahkan dengan kualitas produksi suara pada instrumennya, yang terjamin dengan hadirnya instrumen konser. Instrumen harus tertutup, sehingga nyaman untuk transportasi di konser luar ruangan. Guru dapat menggunakan alat musik perkusi: segitiga, kerincingan, sendok, metalofon, rebana, dll. Saat menanamkan pada siswa sikap peduli terhadap properti kelas (instrumen, konsol, stand, literatur musik, dll.), Anda perlu memikirkan perangkat untuk alat pemeliharaan dan penyimpanan (di rak, rak, meja, di lemari, dll), dengan memperhatikan tingkat kelembaban udara tertentu di dalam ruangan.

Mengorganisir kegiatan ansambel merupakan suatu hal yang kreatif. Keberhasilan proses kreatif dan pendidikan tergantung pada persiapan dan pengetahuan pemimpin sebagai organisator, guru, serta kemampuan menerjemahkan ketentuan umum metodologi ke dalam karya individu kreatifnya.

Pada saat latihan perlu diciptakan suasana gembira dan menyenangkan yang memberikan kenyamanan psikologis bagi siswa, kepercayaan diri terhadap kekuatan dan kemampuannya.

Siswa mempunyai kemampuan musik dan kemampuan fisik yang berbeda-beda. Hal pertama yang memulai pekerjaan ansambel adalah pemilihan anggota kelompok yang setara dalam pelatihan musik dan penguasaan instrumen. Dengan mempertimbangkan kemampuan musik dan teknis siswa, mereka dibagi menjadi beberapa bagian dan mengambil tempatnya dalam ansambel.

Setiap anggota ansambel harus diposisikan sedemikian rupa agar dapat mendengar dan melihat anggota ansambel (biasanya berbentuk setengah lingkaran). Penempatan pemain ansambel harus stabil dan tidak berubah tergantung pada ruangan di mana mereka harus berlatih dan tampil, sebaliknya lokasi ansambel menentukan ruangan mana yang harus dipilih untuk latihan dan bagaimana panggung harus dilengkapi untuk pertunjukan; . Jarak antar pemain harus menjamin suara yang koheren, integral dan sekaligus kebebasan gerak bermain bagi setiap anggota ansambel.

Salah satu tugas guru ketika melakukan latihan adalah mencapai hasil yang maksimal dengan sedikit mengeluarkan tenaga dan waktu dari siswa. Oleh karena itu, tempo latihan sangatlah penting; musik harus selalu diputar selama latihan, disela hanya untuk komentar yang jelas dan dirumuskan dengan jelas dari guru kepada pemain tertentu.

Peran pemain ansambel harus dirancang dengan benar dan akurat untuk menghindari ketidakakuratan pada saat pertunjukan. Semua guratan, nuansa terkecil, dan fingering harus disertakan dalam bagian tersebut. Perlu diperhatikan bahwa jika senar memiliki senar terbuka maka bunyinya tidak langsung keluar, oleh karena itu dengan mengatur fingering guru akan membantu menghindari momen-momen yang tidak diinginkan yaitu menumpuk satu harmoni di atas harmoni lainnya. Faktor penting dalam perkembangan pertunjukan ansambel adalah repertoar. Ini termasuk lagu daerah dan musik dansa, transkripsi musik klasik, dan komposisi asli. Pada saat yang sama, minat terhadap musik pop dan cerita rakyat meningkat, dan praktik pengiring pun meluas.

Ketika memilih repertoar untuk ansambel anak, guru harus berpedoman pada prinsip bertahap dan konsistensi pengajaran, dengan memperhatikan prinsip didaktik aksesibilitas. Tidak diperbolehkan memasukkan ke dalam repertoar karya-karya yang melebihi kemampuan musikal dan pertunjukan (artistik dan teknis) siswa serta tidak sesuai dengan karakteristik usianya. Karya para anggota ansambel pada karya-karya tersebut menjadi penghambat perkembangan musiknya dan tidak membuahkan hasil yang positif. Saat memilih repertoar, sutradara tidak hanya harus mengandalkan program pelatihan, selera dan keinginannya sendiri, tetapi juga mempertimbangkan berbagai kondisi dan faktor: repertoar harus sesuai dengan tingkat penampilan pemain ansambel, menarik. untuk peserta dan pendengar, dan cukup bervariasi sehingga dapat mengikuti berbagai konser.

Penting bahwa ansambel memiliki permainan dalam repertoarnya yang dapat digunakan oleh berbagai penonton di berbagai acara. Setiap konser membutuhkan karya-karya yang sesuai karakter dan isinya, yang dapat digunakan untuk membuka dan menutup pertunjukan, serta menciptakan keadaan emosional tertentu pada penontonnya.

Pengalaman dan pengalaman seorang guru hendaknya tidak mengarah pada dogma-dogma yang ditemukan dan diterapkan secara merata, pada suatu pola dalam pengajaran. Sistem yang memuat prinsip-prinsip dasar dan tujuan utama pelatihan harus tidak tergoyahkan. Metodologi yang menentukan jalan menuju solusi praktis dari masalah-masalah ini mungkin berbeda. Dalam kemampuan menemukan siswa untuk ansambel cara terbaik dan laju perkembangan mengungkapkan dialektika kerja pedagogis. Seorang guru tidak hanya harus menjadi musisi dan pemain yang baik, tetapi juga menjadi pengamat dan penikmat jiwa anak yang baik, peka.

Hasil yang diharapkan dan cara untuk menentukan efektivitasnya.

Selama proses pembelajaran, siswa harus mempelajari arti dari istilah "ensemble" - sebagai pertunjukan yang bersatu dan harmonis dari sebuah karya oleh semua musisi, tunduk pada konsep artistik yang sama.

Siswa harus mampu:

Menerapkan keterampilan praktis dalam memainkan alat musik yang diperoleh dalam pelajaran individu dalam ansambel;

Mendengar dan memahami sebuah karya musik - tema utamanya, gema, variasi yang dilakukan oleh anggota ansambel lainnya;

Lakukan bagian Anda, mengikuti konsep dan interpretasi karya;

Bentuk ringkasan pelaksanaan pendidikan tambahantidak ada program.

Bentuk pengendalian asimilasi materi pendidikan:

Pelajaran tes;

Pertunjukan konser;

Selama satu tahun ajaran, guru harus menyiapkan 3-4 karya bersama siswa, berbeda genre, bentuk, figuratif dan isi artistik. Siswa harus hafal bagiannya untuk tampil di konser.

1. Kualitas pertunjukan karya musik:

Akurasi teks;
- ungkapan;
- ritme meteran;
- intonasi.
2. Data kinerja:
- kemampuan psikofisik;
- kemampuan musik;
- variasi dan kualitas pertunjukan (budaya pertunjukan, perilaku di atas panggung, rasa kebebasan).
3. Penguasaan keterampilan bermain ansambel:
- suara bagian ansambel yang disinkronkan;
- kesatuan interpretasi citra artistik suatu karya musik.
4. Eksekusi yang bermakna.

Dalam memilih repertoar, guru harus berpedoman pada prinsip bertahap dan konsistensi pengajaran.

Program ini menyediakan studi tentang repertoar ansambel yang beragam: ini adalah ansambel gitar asli; transkripsi karya komposer dari berbagai gaya dan era (dari musik klasik Eropa Barat dan Rusia hingga karya penulis modern, aransemen lagu dan tarian daerah).

Sesuai kurikulum, guru mempunyai kesempatan untuk berlatih ansambel bersama siswa secara individu. Siswa berlatih bagiannya dengan guru, bermain dengannya, dan baru kemudian guru menyusun berbagai jenis ansambel (dari duet hingga kuartet), sering kali melibatkan spesialisasi lain (seruling, biola, akordeon, vokal, piano, dll.) dalam ansambel tersebut. .

Rencana tematik untuk tahun pertama studi.

	Nama bagian topik	Jumlah jam
			praktik
	Pelajaran pengantar:
	Percakapan tentang musik, ansambel, instrumen, komposisi berbagai ansambel. Mendengarkan siswa, mengenal satu sama lain. Pembentukan tim. Pembahasan rencana tahun ajaran. Pemilihan repertoar. Instrumentasi.
	Pelatihan teori musik
	Pentingnya bermain ansambel. Maksud dan tujuan pendidikan ansambel. Gerakan konduktor.
	Pembiasaan dengan instrumen, pendaratan. Mempelajari teknik bermain, produksi suara. Mempelajari istilah dan konsep musik. Jari, posisi. Melodi, intonasi, frase. Pengembangan keterampilan bermain ansambel, mengerjakan repertoar.
	Kegiatan konser.
	Pertunjukan, latihan.
	Pelajaran terakhir

Rencana tematik untuk tahun ke-2 studi.

	Nama bagian topik		Jumlah jam
				Praktik
	Pelajaran pengantar:
	Percakapan tentang musik, ansambel, instrumen, komposisi berbagai ansambel. Pembahasan rencana tahun ajaran. Pemilihan repertoar, instrumentasi.
	Karya ansambel instrumental.
	Studi lebih lanjut tentang konsep dan istilah musik. Pengulangan keterampilan bermain ansambel yang sudah mapan. Jenis latihan saat berakting. Menguasai berbagai teknik fingering: ketiga, keenam, oktaf. Pembentukan keterampilan paling sederhana dalam bermain musik kolektif: bermain solo, iringan. Bekerja pada gambar panggung. Pengembangan keterampilan bermain ansambel.

LEMBAGA PENDIDIKAN ANGGARAN KOTA UNTUK PENDIDIKAN ANAK TAMBAHAN

SEKOLAH MUSIK ANAK No.4

KABUPATEN KOTA TOGLIATTI

SPESIFIKASI PEKERJAAN MASTER Pendamping

DI KELAS ENSEMBLE INSTRUMEN RAKYAT

Pengembangan ilmiah dan metodologis

Nesterenko Irina Fedorovna,

guru piano,

pengiring

Togliatti, 2014

• Pendahuluan………………………………………………….3

2. Ciri-ciri kegiatan pengiring….………..6

3. Tugas pengiring di kelas instrumental

Sekolah musik…………………………………………………..14

• Karya seorang pengiring dalam ansambel

dengan solois instrumental…………………...16

5. Kesimpulan……………………………………………………………...22

6. Referensi………………………………………...24

Perkenalan

“Seorang pianis harus mampu mendampingi,

foreplay, memahami harmoni,

teori musik, transpos dan

Pastikan untuk berimprovisasi"

Carl Czerny

Concertmastering, dibentuk sebagai jenis kegiatan independen dalam proses latihan pengiring dan koreksi artistik dan pedagogis dari sebuah ansambel dengan solois instrumental, adalah contoh sukses dari kombinasi universal dalam satu profesi elemen keterampilan seorang guru, pemain, improvisasi dan psikolog. Konsep "seni pengiring" dapat merujuk pada pemain pada berbagai instrumen, jika dalam proses kerja perlu untuk menyelesaikan tugas-tugas pedagogis dan kinerja ansambel. Perlu diingat bahwa pada awalnya pengiring disebut pemain yang memimpin kelompok orkestra dan bertanggung jawab atas kualitas suaranya.

Sehubungan dengan aktivitas seorang musisi-pianis, pengiring merupakan salah satu profesi yang paling umum dan banyak dicari. Dalam proses pembentukannya terjadi perbaikan bertahap pada seluruh komponennya.

Awalnya, dasar dari beragam aktivitas musisi adalah kemampuan improvisasi, yang menjamin keserbagunaan profesional. Seni pengiring dianggap sebagai bentuk improvisasi unik yang wajib dikuasai oleh seorang pianis pada abad 16-18. . Namun, selain kebutuhan profesional, minat estetis terhadap penampilan ansambel juga memegang peranan penting.

Jika komposer menafkahi dirinya dan keluarganya dengan mengarang atas perintah orang-orang berpengaruh, menjabat sebagai pemimpin orkestra, konduktor, dan kadang-kadang konduktor (J. Haydn), kemudian dengan bermain di malam hari dalam ansambel bersama teman-teman dekatnya, dia memenuhi kebutuhannya. tidak hanya pada manusia, tetapi juga dalam komunikasi musik (W. Mozart). Begitu pula dalam kreativitas klasik Wina Anda dapat menemukan banyak transkripsi sonata piano untuk pertunjukan dalam ansambel dengan biola, yang ditentukan oleh alasan di atas, serta tujuan mempopulerkan karya seseorang.

Pada abad ke-19, karena tujuan latar belakang sejarah, komponen pertunjukan pengiring ditingkatkan. Perkembangan hubungan borjuis menyebabkan demokratisasi segala bentuk seni musik, yang tercermin dalam praktik konser berbayar dengan tiket terjangkau bagi perwakilan kelas menengah. Kegiatan tur para penyanyi dan instrumentalis virtuoso menuntut munculnya para pianis yang menguasai seni bermain dalam ansambel dan mampu dengan cepat menguasai teks musik dalam jumlah besar. Dalam hal ini, fungsi pianis yang biasanya tidak melibatkan bantuan pedagogis menjadi pendamping. Pada tahap ini, perbedaan antara psikotipe profesional seorang solois (pianis, instrumentalis) dan seorang pengiring sudah terlihat jelas, yang menjadi dasar kita dapat membicarakannya. fitur tertentu ah karakter yang sesuai dengan masing-masing jenis kegiatan ini. “Sosok yang khas pada masa itu bukan lagi komposer-improvisasi, melainkan komposer-virtuoso, bahkan virtuoso-komposer,” yang bertahta di atas panggung, memikat pendengar dengan seni, teknik brilian, dan gaya jeu perle yang spektakuler. Dalam upayanya untuk menguasai publik, sang solois tidak ingin berbagi pengakuan dan tepuk tangan dengan siapa pun. “Pianis F. Liszt meninggalkan “rombongan” (tampil dalam konser oleh solois pemain lain), dan setelahnya instrumentalis lainnya.” “Karier seorang virtuoso menggoda musisi muda di semua negara yang memimpikan ketenaran dunia dan kesuksesan materi.” Sikap masyarakat terhadap pianis, yang tidak hanya tidak berusaha untuk menonjol dalam ansambel, tetapi sebaliknya, terutama menekankan keunggulan solois, tidak berada dalam arah terbaik bagi pengiring.

Tidak ada pelatihan khusus untuk profesi ini, baik dalam praktik les privat yang tersebar luas, atau di dalam akademi musik dan konservatori. Namun, minat terhadap aktivitas pengiring semakin meningkat sebagai kemungkinan sumber pendapatan. I. Hoffman dalam bukunya “Piano Playing. Tanya Jawab”, berdasarkan relevansi masalah, memberikan nasehat individu kepada mereka yang ingin berkembang di bidang ini, terutama menyoroti pentingnya kecenderungan dan naluri alami.

Poin penting untuk kegiatan semacam ini adalah pengembangan komponen pedagogis. Sejarah terbentuknya pengiring sebagai sebuah profesi, yang terutama mencerminkan sikap timpang terhadap pianis yang bekerja di bidang ini, mengetahui contoh pengakuan masyarakat terhadap pengiring sebagai guru, psikolog, spesialis kompetensi luas, dengan perasaan intuitif terhadap rasa solois dan sempurna. Hal ini mengacu pada gelar tinggi maestro, yaitu sebutan yang diberikan kepada artis-pengiring di Italia, yang memoles keterampilan penyanyi pada tahap tertinggi perkembangan profesionalnya.

Sejak pertengahan abad ke-19, pengiring, sebagai jenis pertunjukan tersendiri, telah diformalkan sebagai profesi mandiri. Dan jika Italia menunjukkan contoh sikap yang layak dan menghormati pengiring, bukan sebagai pelayan, tetapi sebagai master, maka Rusia menjadi negara pertama di mana sikap profesional terhadap seni pengiring dikonsolidasikan dengan diperkenalkannya mata pelajaran ini. profil ke dalam institusi musik. Pada tahun 1867, A. Rubinstein mengusulkan pembukaan kelas khusus di konservatori untuk meningkatkan keterampilan ansambel pianis dan instrumentalis. Bukan suatu kebetulan bahwa di Rusia, di mana arah psikologis dalam seni, puncaknya adalah penciptaan sistem K. Stanislavsky yang terkenal di dunia, tipe maestro pengiring, yang melanjutkan tradisi Italia, kemudian dengan jelas memanifestasikan dirinya dalam pribadi M. Bikhter, V. Chachava dan pianis luar biasa lainnya.

Penguatan prinsip psikologis dalam profesi ini disebabkan oleh kekhasan “mentalitas musik” Rusia. “Sejak langkah pertama pembentukannya, aliran pengiring Rusia dipengaruhi oleh estetika lagu rakyat dan budaya roman - permulaan kiasan dan puitisnya. Merdunya pertunjukan, lirik yang halus, spontanitas dan kehangatan ekspresi emosional, penetrasi intonasi - kualitas-kualitas ini menentukan penampilan tidak hanya penyanyi, tetapi juga pengiringnya.”

Concertmastering, sebagai jenis pertunjukan tersendiri, muncul pada paruh kedua abad ke-19, ketika sejumlah besar lirik instrumental kamar romantis dan lirik lagu-romantis memerlukan kemampuan khusus untuk mengiringi solois. Hal ini juga difasilitasi dengan bertambahnya jumlah ruang konser, gedung opera, lembaga pendidikan musik. Pada saat itu, para pengiring, pada umumnya, bersifat “berprofil luas” dan dapat melakukan banyak hal: memainkan partitur paduan suara dan simfoni dari pandangan, membaca dengan berbagai tuts, mengubah bagian piano ke interval apa pun, dll.

Seiring waktu, keserbagunaan ini hilang. Hal ini disebabkan semakin meningkatnya diferensiasi semua spesialisasi musik, semakin rumitnya dan bertambahnya jumlah karya yang ditulis pada masing-masing spesialisasi musik. Pengiring juga mulai mengkhususkan diri dalam bekerja dengan pemain tertentu.

Ciri-ciri aktivitas pengiring

Pengiring – asisten pengajar, pengiring, pemain ansambel. Apa saja ciri-ciri aktivitas spesialis ini dan esensi dari ragam aktivitas dalam proses kerjanya?

Pengiring bekerja di kelas instrumen rakyat dan melakukan bagian pengiring dalam karya. Ia melakukan bagian pengiring dalam karya yang ditulis dengan iringan piano atau memainkan peran sebagai instrumen pengiring, sering kali menggantikan orkestra.

Pekerjaan seorang pengiring membutuhkan latihan terus-menerus pada instrumen, mempelajari dan menguasai repertoar konser. Karya semacam itu memperluas cakrawala kreatif musisi, membentuk dan meningkatkan keseniannya, serta memungkinkannya menjadi promotor musik yang aktif.

Tidak banyak buku dan artikel individual yang membahas tentang seni pengiring. Bahkan ada lebih sedikit literatur tentang metode pengajaran mata pelajaran ini (N. Kryuchkov, E. Shenderovich, M. Smirnov, dll.). Penulis mencatat bahwa pengiring tidak memainkan peran tambahan, bukan murni fungsi layanan dukungan harmonis dan ritmis. Dan dalam proses pertunjukannya, pengiring menjadi anggota yang setara dari satu organisme musik yang tidak terpisahkan.

Keterampilan seorang pengiring sangat spesifik. Hal ini tidak hanya membutuhkan kesenian yang hebat dari sang pianis. Tetapi juga bakat musik dan pertunjukan yang serba bisa, pengetahuan tentang kekhasan memainkan alat musik di kelas tempat mereka bekerja, pengetahuan tentang kekhasan bekerja di berbagai departemen di sekolah musik.

Dengan segala keragaman dan ciri-ciri khusus pekerjaan di kelas yang berbeda dan di berbagai departemen, kita dapat mencoba merumuskan sejumlah ciri umum dan spesifik dalam karya pengiring sekolah musik anak.

Salah satu fitur penting tersebut adalahkemampuan dan kemauan untuk menjadi “yang kedua”.

Ketiadaan kualitas ini terutama terlihat selama pertunjukan publik, karena jika Anda mencoba menonjol, Anda dapat menenggelamkan, “menyumbat” solois, mengganggu ansambel, dan tidak dapat merasakan ansambel ini. Semuanya harus mematuhi niat komposer, solois atau pemimpin band; penting untuk merasakan proporsi, menjaga keseimbangan suara dengan hati-hati.

Persyaratan lain yang tidak kalah pentingnya adalahkepatuhan yang tepat terhadap teks.Dinamika dan agogi, seperti halnya teks itu sendiri, harus dicermati dengan cara yang paling halus. Tidak dapat diterima untuk mengubah corak, melisma, dll. dalam teks, terutama teks klasik yang ditulis khusus untuk piano.

Kesulitan lain yang sering muncul dalam penampilan bagian pengiring, ketika bagian ini tidak digubah untuk piano, dengan mempertimbangkan karakteristik instrumen (kenyamanan tekstur, warna-warni yang mendaftar, tugas mengayuh yang jelas, dll.), tetapi merupakan aransemen , yaitu dari varian perwujudan musik pada piano, yang aslinya ditulis untuk orkestra. Kita melihat banyak sekali teknik seperti itu dalam karya seorang pengiring, terutama di kelas koreografi.

Perlu dicatat bahwa sebagian besar komposer menganggap piano sebagai satu-satunya instrumen yang mampu mereproduksi esensi musik orkestra, dan dalam kasus ini bagian piano tidak lebih dari adaptasi suara polifonik yang penuh warna, berskala besar. orkestra simfoni dengan kemampuan satu instrumen - piano.

Komposer yang menciptakan musik orkestra yang luar biasa, ketika mengerjakan clavier, sering kali tidak memperhitungkan ketidaknyamanan teknis pianis, membuat tekstur piano terlalu jenuh dengan kerumitan yang signifikan sehingga menyulitkan untuk menampilkan bagian piano secara alami. [Misalnya: aransemen oleh J.S. Bach – Karya klasik: melodi populer untuk piano – Rostov-on-Don: Phoenix, 2011. – 84 hal.].

Pengiring sering kali harus menyederhanakan tekstur ini, mencapai cara presentasi yang lebih rasional. Seperti misalnya dalam lakon “Mumba-Yumba” bersama siswa ansambel alat musik rakyat “Park Accordion” di Bagian II, I pengiring mengisolasi dan menyederhanakan beberapa frasa musik untuk meningkatkan kualitas suara akordeon dan bass. gitar.

Saat bekerja di kelas, pengiring dapat dengan sewenang-wenang mengubah dan meringankan bagian-bagian yang sulit agar tidak menghentikan pergerakan musik. Dalam proses mempelajari sebuah karya dengan instrumentalis, seorang pianis dapat menggunakan metode tersebutmengisolasi bagian solo dari skor,mereduksi bagian piano ke fungsi dasar harmonik dan ritmenya. Hal ini tidak semudah yang terlihat pada pandangan pertama, dan mengharuskan pengiring memiliki telinga harmonis yang berkembang dengan baik dan pemikiran musik yang kompleks. Saat menampilkan karya-karya ini di ruang konser, pengiring harus menciptakan kemerduan pengiring yang lengkap, dan dalam transkripsi, berusahalah, jika mungkin, untuk skala orkestra piano.

Kualitas yang perlu dan serius dalam karya seorang pengiring jugamengembangkan keterampilan membaca penglihatan dan transposisi.

Tentu saja, dalam konser atau ujian, membaca sekilas atau transposisi hampir tidak pernah ditemui, namun dalam alur kerja kelas kualitas-kualitas inisangat diperlukan.

Banyak kualitas yang melekat pada seorang pemain piano pengiring yang membawanya lebih dekat dengan seorang konduktor, yang pada gilirannya menyebabkan kepemilikan sifat-sifat seperti kemauan konduktor, stabilitas ritme dan tempo, kemampuan untuk "menyemen" ansambel dan seluruh bentuk karya yang dibawakan. secara keseluruhan.

Perhatikan bahwa mencapai semua tugas yang diberikan kepada pengiring hanya mungkin dilakukan dengan interaksi penuh dengan guru, dengan kepercayaan profesional yang mutlak. Pengiring di kelas adalah asisten, pengatur, tutor, tangan kanan dan satu kesatuan dengan guru kelas, dengan sengaja melaksanakan tugas profesionalnya.

Karya seorang pengiring di berbagai kelas instrumental, dengan paduan suara atau solois, di kelas koreografi, atau bekerja dengan semua jenis kelompok mempunyai ciri-ciri umum dan khusus dalam setiap kasus tertentu. Ini adalah percakapan khusus yang memerlukan pertimbangan tersendiri.

Sebagai bagian dari percakapan tentang ciri-ciri umum karya seorang pengiring, kami mencatat bahwa aktivitas musik lainnya hampir tidak dapat dibandingkan dengan seni pengiring dalam hal keserbagunaan dan keserbagunaannya.

Untuk semua yang telah dikatakan, pengiringpasti seorang musisi yang sangat terpelajar, yang bidang kegiatannya mencakup repertoar yang sangat besar dan beragam.

Kualitas dan keterampilan apa yang harus dimiliki seorang pianis untuk menjadi pengiring yang baik? Pertama-tama, dia harus pandai bermain piano, baik secara teknis maupun musik. Seorang pianis yang buruk tidak akan pernah menjadi pengiring yang baik, seperti halnya pianis yang baik tidak akan mencapai hasil yang bagus dalam pengiringan sampai dia menguasai hukum hubungan ansambel, mengembangkan kepekaan terhadap pasangannya, dan merasakan kesinambungan dan interaksi antara bagian solois dan pengiring. bagian. Bidang permainan musik pengiring di kelas memimpin paduan suara mengandaikan penguasaan seluruh persenjataan keterampilan pianistik dan banyak keterampilan tambahan, seperti: kemampuan mengatur skor, "membangun vertikal", mengungkapkan keindahan individu dari musik tersebut. suara solo, memberikan denyut yang hidup pada struktur musik, memberikan jaringan konduktor, dll. Pada saat yang sama, dalam seni pengiring, komponen-komponen landasan aktivitas musisi seperti tidak mementingkan diri sendiri dalam melayani keindahan, melupakan diri sendiri atas nama suara solo, atas nama memeriahkan musik, dimanifestasikan dengan kekuatan khusus.

Seorang pengiring yang baik harus memiliki bakat musik yang umum, pendengaran yang baik terhadap musik, imajinasi, kemampuan menangkap esensi figuratif dan bentuk suatu karya, kesenian, dan kemampuan untuk mewujudkan rencana pengarang secara kiasan dan inspiratif dalam sebuah pertunjukan konser. Pengiring harus belajar menguasai teks musik dengan cepat, mencakup partitur tiga baris dan multi baris secara komprehensif dan segera membedakan mana yang penting dan mana yang kurang penting.

Mari kita daftar pengetahuan dan keterampilan apa yang dibutuhkan seorang pengiring:

Pertama-tama, kemampuan membaca sekilas bagian piano dengan kompleksitas apa pun, memahami makna bunyi yang terkandung dalam nada, perannya dalam konstruksi keseluruhan, saat memainkan pengiring, melihat dan membayangkan dengan jelas karya solois. sebagian, terlebih dahulu menangkap orisinalitas individu dari penafsirannya dan dengan segala cara untuk berkontribusi pada ekspresinya yang paling jelas;

Memiliki keterampilan bermain dalam ansambel;

Kemampuan untuk mengubah urutan teks dengan tingkat kesulitan rata-rata dalam seperempat, yang diperlukan saat bermain dengan alat musik tiup, serta untuk bekerja dengan vokalis;

Pengetahuan tentang aturan orkestrasi;

Pengetahuan tentang ciri-ciri memainkan alat musik simfoni dan orkestra rakyat;

Pengetahuan tentang kunci « Sebelumnya "- untuk menghubungkan dengan benar suara piano dengan berbagai pukulan dan warna nada instrumen ini;

Kehadiran pendengaran timbre;

Kemampuan memainkan claviers (konser, opera, balet, kantata) dari berbagai komposer sesuai dengan kebutuhan instrumentasi setiap zaman dan gaya masing-masing;

Kemampuan untuk mengatur ulang episode canggung menjadi tekstur piano di claviers tanpa melanggar niat komposer;

Pengetahuan tentang gerakan dan teknik dasar melakukan;

Bersikaplah sangat peka agar dapat dengan cepat menyarankan kata-kata kepada pemain solo, mengimbangi tempo, suasana hati, karakter jika perlu, dan, jika perlu, bermain dengan tenang mengikuti melodi;

Agar berhasil bekerja dengan vokalis, Anda perlu mengetahui dasar-dasar fonetik Italia, lebih disukai bahasa Jerman, Perancis, yaitu, mengetahui aturan dasar pengucapan kata-kata dalam bahasa-bahasa ini, pertama-tama - akhiran kata, ciri-ciri ungkapan intonasi ucapan;

Pengetahuan tentang dasar-dasar koreografi dan gerak panggung agar dapat mengatur musik pengiring penari dengan benar dan mengoordinasikan gerak tangan penyanyi dengan benar;

Kesadaran akan gerakan dasar balet klasik, ballroom dan tarian rakyat Rusia;

Pengetahuan tentang tingkah laku dasar aktor di atas panggung;

Kemampuan bermain dan melihat penari secara bersamaan;

Kemampuan untuk memimpin seluruh kelompok penari;

Kemampuan berimprovisasi (memilih) perkenalan, akting, kesimpulan yang diperlukan dalam proses pendidikan di kelas koreografi, di kelas vokal dan dengan instrumentalis;

Pengetahuan tentang cerita rakyat Rusia, ritual dasar, serta teknik memainkan alat musik petik rakyat Rusia - gusli, balalaika, domra;

Kemampuan untuk memilih melodi dan iringan “dengan cepat”;

Keterampilan improvisasi, yaitu kemampuan memainkan stilisasi paling sederhana pada tema-tema karya komposer terkenal, tanpa persiapan, mengembangkan tema tertentu secara tekstur, memilih harmoni untuk tema tertentu dalam tekstur sederhana dengan telinga;

Pengetahuan tentang sejarah budaya musik, seni rupa dan sastra agar dapat mencerminkan gaya dan struktur figuratif karya secara akurat.

Seorang pengiring perlu mengumpulkan repertoar musik yang besar untuk merasakan musik dari berbagai gaya. Untuk menguasai gaya seorang komposer dari dalam, Anda perlu memainkan banyak karyanya secara berturut-turut. Seorang pengiring yang baik menunjukkan minat yang besar untuk mempelajari musik baru yang tidak dikenal, mengenal nada-nada karya tertentu, mendengarkannya dalam rekaman. dan di konser. Para pengiring tidak boleh melewatkan kesempatan untuk bersentuhan secara praktis dengan berbagai genre pentas seni, mencoba memperluas pengalaman saya dan memahami karakteristik masing-masing jenis pertunjukan. Pengalaman apa pun tidak akan sia-sia, bahkan jika lingkup aktivitas pengiring yang sempit kemudian ditentukan; di bidang yang dipilih, sampai batas tertentu, akan selalu ada elemen genre lain.

Kekhasan permainan pengiring juga terletak pada kenyataan bahwa ia harus menemukan makna dan kesenangan dengan menjadi bukan seorang solois, tetapi salah satu partisipan dalam aksi musik, dan terlebih lagi, sebagai partisipan sekunder. Pianis solo diberikan kebebasan penuh untuk mengekspresikan individualitas kreatifnya. Pengiring harus menyesuaikan visinya tentang musik dengan gaya penampilan solois - ini bahkan lebih sulit, tetapi pada saat yang sama penampilan individualnya perlu dipertahankan.

Dengan segala keserbagunaan aktivitas pengiring, aspek kreatifnya menjadi yang terdepan. Kreativitas adalah penciptaan, penemuan sesuatu yang baru, sumber nilai material dan spiritual. Kreativitas adalah pencarian aktif terhadap hal-hal yang tidak diketahui, memperdalam pengetahuan kita, memberi seseorang kesempatan untuk memahami dengan cara baru. dunia di sekitar kita dan dirinya sendiri. Syarat yang diperlukan bagi proses kreatif seorang pengiring adalah adanya rencana dan pelaksanaannya. Implementasi rencana tersebut secara organik terkait dengan pencarian aktif, yang diekspresikan dalam pengungkapan, penyesuaian dan klarifikasi citra artistik karya yang terkandung dalam teks musik dan representasi internal. Untuk menetapkan tugas-tugas menarik dalam kegiatan musik dan kreatif, pengiring biasanya tidak memiliki pengetahuan yang cukup hanya pada mata pelajarannya. Pengetahuan mendalam dalam disiplin siklus teori musik (harmoni, analisis bentuk, polifoni) diperlukan. Keserbagunaan dan keluwesan berpikir, kemampuan mempelajari suatu subjek dalam berbagai koneksi, kesadaran luas dalam bidang ilmu terkait - semua ini akan membantu pengiring untuk mengolah materi yang tersedia secara kreatif.

Seorang pengiring harus memiliki sejumlah kualitas psikologis positif. Jadi, perhatian pengiring sepenuhnya jenis khusus. Ini multidimensi: harus didistribusikan tidak hanya di antara dua tangan sendiri, tetapi juga dikaitkan dengan karakter utama, baik itu pemain akordeon, pemain balalaika, domrist, solois atau konduktor. Pada setiap momen, yang penting adalah apa dan bagaimana jari-jari bekerja, bagaimana pedal digunakan, perhatian pendengaran tertuju pada keseimbangan suara (yang mewakili dasar dasar pembuatan musik ansambel), dan manajemen suara pemain solo; perhatian ansambel memantau perwujudan kesatuan konsep artistik. Ketegangan perhatian seperti itu membutuhkan pengeluaran kekuatan fisik dan mental yang besar.

Mobilitas, kecepatan dan aktivitas reaksi juga sangat penting untuk aktivitas profesional seorang pengiring. Jika seorang solois mencampuradukkan teks musik dalam sebuah konser atau ujian, tanpa berhenti bermain, ia wajib mengejar solois tersebut tepat waktu dan dengan aman menyelesaikan karyanya. Seorang pengiring berpengalaman selalu dapat meredakan kegembiraan dan ketegangan saraf yang tak terkendali dari pemain solo sebelum pertunjukan pop. Sarana terbaik untuk ini adalah musik itu sendiri: permainan pengiring yang sangat ekspresif, peningkatan nada pertunjukan. Inspirasi kreatif ditransfer ke pasangan dan membantunya mendapatkan kepercayaan diri, psikologis, dan kemudian kebebasan otot. Kemauan dan pengendalian diri adalah kualitas yang juga diperlukan bagi seorang pengiring dan pengiring. Jika ada masalah musik yang terjadi di atas panggung, ia harus ingat dengan tegas bahwa menghentikan atau memperbaiki kesalahannya tidak dapat diterima, serta mengungkapkan kekesalannya atas kesalahan tersebut dengan ekspresi wajah atau gerak tubuh.

Fungsi seorang pengiring yang bekerja di lembaga pendidikan sebagian besar bersifat pedagogis, karena sebagian besar terdiri dari mempelajari repertoar pendidikan baru dengan pemain solo. Sisi pedagogis dari pekerjaan pengiring ini membutuhkan dari pemain piano, selain pengalaman pengiring, sejumlah keterampilan dan pengetahuan khusus dari bidang seni pertunjukan terkait, serta bakat dan kebijaksanaan pedagogis.

Seorang pengiring modern harus memiliki pelatihan teknis tingkat tinggi, cita rasa seni dan budaya yang kuat, dan yang terpenting, ia harus memiliki panggilan khusus untuk hal tersebut. Level tinggi ini tidak tersedia untuk setiap pianis.

Tugas seorang pengiring di kelas instrumental sekolah musik

Seni pengiring adalah sebuah ansambel di mana piano memainkan peran yang sangat besar, sama sekali bukan peran tambahan, jauh dari terbatas pada fungsi pelayanan semata-mata untuk mendukung harmonik dan ritmis pasangannya. Akan lebih tepat jika mengajukan pertanyaan bukan tentang pengiring (yaitu, tentang semacam permainan bersama pemain solo), tetapi tentang pembuatan ansambel vokal atau instrumental.

Banyak penelitian telah dikhususkan untuk seni pengiring dan isu-isu aktivitas pengiring. Namun pada dasarnya ini adalah rekomendasi untuk pengiring yang bekerja dengan vokalis. Artikel tentang kekhasan karya seorang pengiring dengan solois instrumental jarang ditemukan. Kekhususan aktivitas pengiring dalam bekerja dengan alat musik gesek folk hampir tidak tercakup.

Pekerjaan ini berupaya untuk mengisi kesenjangan ini. Metode penelitiannya adalah observasi kerja praktek para pengiring dan generalisasi pengalaman bertahun-tahun sebagai pengiring di kelas alat musik rakyat balalaika, domra (mandolin), serta ansambel alat musik rakyat.Pengetahuan tentang sejarah perkembangan instrumen folk, evolusi repertoar instrumental folk membantu untuk memahami “jiwa” musik folk Rusia.

Salah satu tradisi baik pengiring sekolah adalah kenyataan bahwa sebagian besar kelas di kelas ansambel diadakan dengan partisipasi pengiring. Pengiring secara harfiah (Jerman) adalah master konser. Kegiatan pengiring dimulai dari pelajaran pertama. Semua pengerjaan sebuah karya musik, mulai dari pembacaan yang terpisah-pisah hingga liputan komposisi yang holistik, berlangsung dengan partisipasi langsungnya. Tentu saja, siswa pertama-tama mengurai dan mempelajari teks musik. Namun ia tahu pasti bahwa selama pembelajaran ia akan tampil bak seniman sungguhan, diiringi pianis berpengalaman. Timbul hubungan dan kerjasama kreatif antara siswa dan pengiring, yang bertujuan untuk mengungkap citra artistik setiap karya musik. Menurut E.M. Shenderovich "... aktivitas seorang pengiring menggabungkan fungsi pedagogis, psikologis, dan kreatif." Pengiring membantu siswa memperkaya pertunjukan musik, lebih memahami, mengasimilasi dan menyampaikan isi karya, serta memperkuat intonasi. Mengembangkan disiplin ritme siswa dan konsistensi dalam pelaksanaan bagian-bagian. Keberagaman repertoar mengharuskan pengiring menguasai berbagai teknik permainan, kekayaan nuansa, dan mengembangkan rasa ritme dan gaya. Dia harus mengetahui ciri-ciri khusus instrumen solo - hukum produksi suara, pernapasan, teknik. Bermain pengiring dengan musisi dewasa berbeda dengan bermain dengan pemula. Pada usia inilah siswa bersama-sama dengan pengiring diajak untuk menguasai dasar-dasar metro - ritme, mendengarkan ansambel, pertunjukan yang disinkronkan, pencocokan tempo. Perlu dikembangkan kemampuan beradaptasi dengan kepribadian dan gaya pertunjukan anak: menggendong anak yang bermain tidak beraturan, menginspirasi anak yang penakut, menemani anak yang emosional. Penting juga untuk dapat menavigasi teks dengan cepat, melihat keseluruhan teks, membantu jika terjadi kesalahan, dapat mendukung siswa dalam pertunjukan konser, dan memprediksi niatnya.

Dalam karya seorang pengiring, rasa proporsional, kontrol dan perilaku pendengaran, kemampuan untuk mengalami dan berempati sangatlah penting. Ada beberapa tahapan dalam mempersiapkan siswa untuk tampil. Banyak waktu yang dihabiskan di dalam kelas. Ini seperti “menjinakkan”, “menjinakkan” sebuah karya: analisis, pengulangan fragmen yang berulang-ulang, mengerjakan meritme, ansambel, bermain, mengerjakan bentuk sebuah karya. Guru instrumen, bersama dengan pengiring, menyarankan kepada siswa gambaran dan suasana musik yang benar. Tahap lainnya adalah mempelajari karya tersebut. Yang dibutuhkan di sini adalah: merinci, bermain-main dengan berlebihan, membangun koneksi logis. Pengiring melewati ini dengan sulit, tapi pasti pekerjaan yang menarik. Jika semuanya dilakukan dengan benar, maka tampil di atas panggung akan menjadi misi yang menyenangkan baik bagi siswa maupun pengiringnya. Latihan di aula memainkan peran khusus dalam persiapan pertunjukan konser. Keahlian seorang pengiring terletak pada menemukan keseimbangan suara yang diinginkan dan sesuai dengan akustik ruangan. Pengiring juga membantu siswa memperoleh keterampilan artistik dalam berkomunikasi dengan masyarakat. Semua orang di panggung khawatir, tapi masing-masing dengan caranya sendiri. Di sini perlu untuk mempertimbangkan berbagai jenis temperamen seniman muda dan bersiap menghadapi kejutan apa pun. Oleh karena itu, pengiring harus mengamati manifestasi berulang dari jiwa anak di atas panggung.

Karya seorang pengiring dalam ansambel dengan solois – instrumentalis

Fitur produksi suara

Banyak pengiring yang mulai bekerja di kelas instrumen folk (domra, balalaika), yang memiliki intuisi dan kepekaan musik yang baik, mengalami ketidaknyamanan pianistik karena permainan “on support” yang biasa, yang diajarkan dalam spesialisasinya, tidaklah tepat. cocok di sini, karena domra adalah alat musik petik, dan bunyinya tidak dibedakan dengan bunyi yang panjang dan bertele-tele.

Seorang pengiring yang mengabdikan dirinya untuk menggarap alat musik gesek rakyat (domra, balalaika) perlu memiliki gambaran tentang teknik dasarproduksi suarapada instrumen yang harus Anda mainkan. Pengetahuan tentang fitur palet garis dan suara akan membantu pengiring untuk menemukan suara yang sesuai, untuk menemukan hubungan dinamis dan warna dengan warna nada instrumen ini.

Teknik utama memainkan domra adalah pukulan dan tremolo (pukulan cepat bergantian), yang terus menerus dilengkapi dengan penggunaan teknik yang dipinjam dari latihan memainkan alat musik lain (senar membungkuk, balalaika): pizzicato dengan tangan kiri dan kanan, harmonik alami dan buatan, pukulan di belakang jembatan, vibrato pizzicato dan vibrato tremolo. Ada penggunaan berbagai teknik secara bersamaan. Bunyi domra yang dihasilkan oleh pukulan pick terdengar nyaring dan jernih, sedangkan pada tremolo mengalir dan merdu. Memainkan di neck menghasilkan suara yang tidak bersuara dan matte, sedangkan bermain di bridge menghasilkan suara yang terbuka dan sedikit “nasal”, mengingatkan pada banjo. Bermain di fret atas menimbulkan beberapa kesulitan karena ukurannya yang lebih kecil dan kesulitan dalam memukul. Rangkaian mi , apalagi saat ditekan, terdengar agak membosankan. Secara umum, tangga nada dinamis bisa sangat bervariasi: dari pianissimo paling halus pada pizzicato di kiri dan harmonik hingga fortissimo yang sangat kuat pada akord tremolo. Domra memiliki kemampuan virtuoso yang luas, yang berhasil digunakan oleh komposer dalam karya instrumen ini.

Untuk mencari perpaduan timbral dan dinamis dengan domra, pengiring harus berusaha keras untuk menghasilkan suara yang kering dan jernih, yang sangat sulit dipertahankan pada bagian yang sejajar dengan domra. Dalam kasus seperti itu, legato pianis harus non troppo legato, sedikit bertanda, dengan pelepasan tuts yang sangat tajam setelah ditekan. Teknik ini, dikombinasikan dengan penampilan ritme yang sangat halus, memungkinkan pengiring memecahkan tidak hanya masalah pencocokan pukulan, tetapi juga masalah sinkronisitas dalam fragmen virtuoso. Perlu dicatat di sini bahwa bekerja dengan instrumen senar yang dipetik mendorong pengiring untuk mencari teknik pianistik baru, yang terkadang bertentangan dengan persyaratan suara pertunjukan solo, untuk mencapai identitas timbre dan artikulasi suara piano dan domra.

Dinamika

Saat membangun keseimbangan dinamis, perlu untuk mempertimbangkan sifat teredam dari suara domra di tessitura bawah (pada senar E), suara harmonik yang ringan dan lapang, ketika suara piano harus diintegrasikan ke dalam suara domra, suara lembut pizzicato vibrato. Sebaliknya, bunyi akord yang padat, terutama pada tremolo, memerlukan dukungan yang kuat dari piano. Contoh: “Mar, dyandya” (Gadis penari) - lagu rakyat gipsi - pengantar, dengan mempertahankan teknik akord di nada atas, pengiring dapat membiarkan dirinya melakukan dinamika “dengan pijakan yang setara”. Dalam teknik passing, piano surut ke latar belakang, tetapi Anda harus memainkannya dengan sangat baik aktif, ulet.

Saat mengiringi alat musik rakyat crescendo pada piano, bagian-bagiannya harus dilakukan kemudian, seolah-olah “mengangkat” pemain solo, meningkatkan kesan suara secara keseluruhan, berkurang – sebelumnya, melakukan ini secara sadar untuk “memberikan” ruang suara bagi solois.

Mengayuh

Tentang pedal kita dapat mengatakan secara singkat: pedal kanan sangat singkat - di tempat yang tepat, dalam dosis yang tepat. Di antara para pengiring yang telah memainkan alat musik folk selama bertahun-tahun, ada konsep seperti itu: pedal diambil “dengan ujung telinga”. Saat menggunakan pedal, perlu diperhatikan dinamika, panjang suara solois (kemampuan instrumen), teknik produksi suara, pukulan yang digunakan, gaya karya musik, dan masih banyak lagi. Sangat sering pengiring menyalahgunakan pedal kiri. Jauh lebih mudah bermain dengan pedal kiri - Anda tidak perlu membebani telinga atau mengkhawatirkan keseimbangan ansambel. Pedal kiri membatalkan semuanya! Dan termasuk warna piano, yang sangat diperlukan untuk melengkapi ansambel. Kondisi instrumen yang harus Anda gunakan atau tampilkan dalam konser tidak dapat diprediksi. Oleh karena itu, pedal kiri harus “waspada” sepanjang waktu dan, jika perlu, harus digunakan, mungkin menggunakan pedal yang tidak lengkap. Pada saat yang sama, perlu untuk mengontrol suara piano.

Gambar artistik

Salah satu tugas pengiring adalah kemampuan membangun pendahuluan secara dramatis, mampu mengarahkan pendengar kekonten kiasan dari karya tersebut, baik itu aransemen lagu rakyat Rusia (Variasi tema lagu rakyat Rusia “Travushka - Ant”) atau karya genre lain.

Peran yang sangat khusus dalam pengembangan pertunjukan solo domra dan penciptaan repertoar instrumen ini, termasuk aransemen lagu daerah, dimainkan oleh Artis Rakyat Rusia, profesor Akademi Rusia musik dinamai menurut namanya Gnesin Alexander Tsygankov. “Karya-karyanya mengandung jejak individualitas kreatif yang cemerlang dari penulisnya - seorang virtuoso brilian yang telah memperkaya gudang sarana ekspresifnya dengan banyak teknik baru yang dipinjam dari gudang instrumen lain, yang memiliki palet suara yang kaya, memiliki seni yang mempesona dan pesona panggung.”

V.N. Gorodovskaya (1919-1999) dalam pertunjukan konser “Will I Go Out to the River” juga menggunakan teknik warna-warni pada bagian piano - ketukan. Pada bagian balalaika, bunyi serupa terdapat pada angka 9 - memukul papan suara.

Dalam “Variasi Konser Tema Lagu Rakyat Rusia “Kalinka”” oleh V. Gorodovskaya ada komentar: “ketuk tutup piano, tiru bunyi klik tumit” (8 bar). Ini merupakan momen yang agak sulit bagi pengiring, karena setelah teknik penuh warna ini, dalam jeda seperdelapan, Anda perlu menekan keyboard secara akurat dan terus bermain.

Pengiring folk mengharuskan pengiring memiliki dasar teknis yang baik, kemampuan bermain dengan mudah pada tempo cepat dengan bagian "sentuhan" - kemerduan "berbisik". Pergerakan jari-jari hampir tidak terlihat, hanya bermain dengan ujung – “kulit” bantalan jari. Terkadang berat jari sudah cukup, tetapi dengan artikulasi khusus - “pembicaraan” (parlando). Kesulitan ansambel ditunjukkan oleh penampilan bersama dari bagian-bagian: B. Troyanovsky “Ural Dance”

Efek khusus yang aneh juga terlihat pada bagian piano, mengingat peran domra dan piano dalam duet memiliki arti yang penuh. Contoh: S. Lukin “Variasi Serius” bertema Polka Italia karya S. Rachmaninoff. Pemain solo memiliki harmonik, pianis mengoreksi harmonik yang "rusak" pada piano - keterampilan akting.

Ensembel (fitur ritme meteran, dinamika)

Untuk kecocokan paling akurat dalam ansambelDisarankan untuk mengajarkan bagian-bagian tersebut bersama dengan pemain solo berdasarkan nada-nada pertama dari pengelompokan tersebut.

Kemampuan bereaksi sangat cepat terhadap apa yang sedang dimainkan solois seringkali diperlukan dalam karya-karya yang bersifat tari, di mana terdapat sinkopasi tanpa ketukan pertama. Anda harus memainkannya tanpa kehilangan sensasi denyut berirama (M. Zeiger “Saya menari dengan nyamuk”, bagian terakhir dari Allegro). Pengiring harus memiliki kepekaan ritme yang mutlak, jika tidak, ia tidak akan pernah menjadi bagian yang layak dalam ansambel. Batasan suara f dan hal perlu diajarkan. Ini bukan hanya masalah suara, tapi juga masalah teknis. Dibutuhkan keterampilan yang hebat untuk tidak menenggelamkan sang solois. Pengiring harus dengan terampil membuat subvoice, memperhalus latar belakang, terkadang membuatnya “benar-benar lapang”.

Aktivitas profesional seorang pengiring harus ditandai dengan mobilitas dan kecepatan reaksi. Jika seorang solois di sebuah konser atau ujian tiba-tiba “kehilangan” teksnya, melewatkan atau melewatkan episode mana pun, dan dalam praktik penampilan anak-anak hal ini cukup sering terjadi, maka seorang pengiring berpengalaman, tanpa berhenti bermain, harus memilih solois tersebut dan dengan aman menyelesaikan pekerjaan (Contoh oleh M. Ugryumova “Berwajah putih - berwajah bulat”, bagian 3 terdengar sangat lambat... karena hilangnya mediator selama pertunjukan).

Saya akan mengutip pernyataan yang saya suka dari Doctor of Art History D.K. Kirnarskaya:“Jika seseorang berbakat secara virtuoso, maka timbre bunyi, sifat produksinya, artikulasinya secara spontan memunculkan gerakan-gerakan dalam diri musisi yang diperlukan untuk memperoleh bunyi khusus ini.”

Kondisi utama dari ansambel adalah suara piano dan solois yang terkoordinasi. Dan ini bukan hanya tentang dinamika, tetapi juga tentang sifat suara dan suasana hati. Harus diingat bahwa bagian solois di seluruh bagian harus terdengar dalam pikiran pengiring dan bertepatan dengan suara solois yang sebenarnya - keberhasilan ansambel bergantung pada ini.

Repertoar (fitur bagian piano)

Saat ini terdapat repertoar asli balalaika dan domra yang kualitasnya tidak kalah dengan repertoar instrumen akademik. Keterampilan pertunjukan pada alat musik rakyat berada pada tingkat yang tinggi, tetapi “genre pemrosesanlah yang menjadi semacam laboratorium di mana jangkauan figuratif dan gaya musik untuk balalaika dan domra diperluas. Dalam genre aransemen modern, terdapat metode pengembangan yang bervariasi. Bahasa musik telah berubah - motif lagu diperkaya dengan ritme yang tidak biasa dan senyawa polifonik yang asam (A. Danilov “Kalinushka”, aransemen lagu Don Cossack), sampel cerita rakyat diasimilasi dengan gaya jazz (E. Shabalin “Oh You Birch” , A. Danilov “Penjaja”) .

Saya terutama ingin mencatat presentasi organik bagian piano dalam karya A. Tsygankov, yang sebagian besar terkait dengan kepribadian pianis, yang telah menjadi mitra tetapnya selama hampir empat puluh tahun - Inna Shevchenko. “Kenikmatan pianistik yang begitu istimewa dalam melakukan pengiring, dengan segala kekayaan dan keahliannya, memungkinkan pianis memusatkan perhatiannya pada tugas-tugas pengiring murni, yang solusinya dapat menjadi sekolah keterampilan pengiring yang nyata.”

Semua ini dan masih banyak lagi menunjukkan bahwa peran pengiring piano semakin meningkat. Ini bukan lagi “latar belakang musik dari melodi utama, yang memiliki makna sekunder dalam karya”, ini adalah kemitraan yang setara.Iringan memainkan peran penting dalam menciptakan citra musik dan dapat sangat meningkatkan atau melemahkan kesan artistik.

Transkripsi piano

Repertoar yang dibawakan oleh pengiring tidak selalu dapat diakses secara teknis olehnya, atau setidaknya pianis tidak selalu memiliki cukup waktu untuk menguasai sisi teknis pertunjukan dengan sempurna. Dalam kasus seperti itu, seseorang sebaiknya memilih penyederhanaan struktur musik yang bijaksana, tetapi tidak melanggar konten utama karya tersebut. Kebutuhan ini sering kali muncul saat memainkan opera clavier. Seringkali perubahan seperti itu berguna tidak hanya untuk menyederhanakan tekstur, tetapi juga untuk mencapai kemerduan yang lebih baik.

Masalah penting adalah suara orkestra piano; bagian piano tidak selalu nyaman; pengiring harus mengetahui aturan orkestrasi, dan juga mampu mengatur ulang episode-episode canggung ke dalam tekstur piano dengan kompeten tanpa melanggar niat komposer. Dalam hal ini, guru instrumentalis (populis) harus membantu pengiring melakukan “pemotongan” yang benar dan mengungkapkan keinginannya jika tekstur orkestranya rumit dan merepotkan.

Kekhususan pekerjaan seorang pengiring mengandaikan keinginan, dan dalam beberapa kasus kebutuhan, untuk memiliki keterampilan seperti memilih pengiring melodi dengan telinga, improvisasi dasar dari pendahuluan, akting, kesimpulan, memvariasikan tekstur piano dari pengiring. saat mengulang ayat, dll. Desain tekstur spesifik dari iringan yang dipilih dan diimprovisasi harus mencerminkan dua indikator utama isi melodi - genre dan karakternya.

Kesimpulan

Dengan demikian, aktivitas kreatif seorang pengiring meliputi pertunjukan, pedagogis, dan organisasi, dimana musik berperan sebagai proses seni mandiri yang nyata.

Seorang pengiring adalah panggilan seorang guru, dan pekerjaannya dalam tujuannya mirip dengan pekerjaan seorang guru. Keterampilan seorang pengiring sangat spesifik. Hal ini tidak hanya membutuhkan seni yang luar biasa dan bakat musik dan pertunjukan yang serba bisa, tetapi juga pengenalan menyeluruh terhadap berbagai suara nyanyian, pengetahuan tentang karakteristik permainan alat musik lain, dan skor opera.

Aktivitas seorang pengiring mengharuskan pianis untuk menggunakan berbagai pengetahuan dan keterampilan dalam kursus harmoni, solfeggio, polifoni, sejarah musik, analisis karya musik, sastra vokal dan paduan suara, pedagogi - dalam keterkaitannya. Bagi seorang guru di kelas khusus, pengiring adalah tangan kanan dan asisten pertama, orang yang berpikiran sama dalam bidang musik. Bagi seorang solois, pengiring adalah orang kepercayaan dalam urusan kreatifnya; dia adalah asisten, teman, mentor, pelatih, dan guru. Tidak setiap pengiring berhak atas peran seperti itu - peran tersebut dimenangkan oleh otoritas pengetahuan yang kuat, ketenangan kreatif yang konstan, kemauan, tuntutan artistik tanpa kompromi, ketekunan yang tak tergoyahkan, tanggung jawab dalam mencapai hasil artistik yang diinginkan ketika bekerja sama dengan solois, dalam diri mereka sendiri. peningkatan musik sendiri.

Pekerjaan seorang pengiring itu unik dan mengasyikkan, perannya dalam proses pendidikan sekolah musik anak-anak tidak dapat disangkal hebat, dan penguasaan sempurna atas “kompleks pengiring” meningkatkan permintaan akan seorang pianis di berbagai bidang aktivitas musik mulai dari bermain di rumah hingga bermain musik. pertunjukan.

“Untuk memahami pidato musik dalam semua isinya,” tulis K.G. Mostras, “Anda perlu memiliki pengetahuan yang cukup yang melampaui musik itu sendiri, pengalaman hidup dan budaya yang cukup, Anda harus menjadi orang yang memiliki kecerdasan dan perasaan yang hebat. .” Pernyataan ini dengan sangat akurat menyampaikan gambaran seorang pianis-pengiring. Terlepas dari kenyataan bahwa jenis kegiatan ini sering dipandang remeh, dan para pengiringnya sendiri selalu berada “dalam bayang-bayang”, seni mereka membutuhkan keterampilan musik yang tinggi dan kecintaan yang tanpa pamrih terhadap profesinya.

“Pekerjaan seorang pengiring itu sangat

sulit diterjemahkan ke dalam bahasa kertas

“Itu ada di jarimu, di dalam jiwamu.”

M. Godina

Referensi

• Alekseev, A. Dari sejarah pedagogi piano: Pembaca. / Kyiv: Musikal Ukraina, 1974. - 114 hal.
• Goryanina N. Psikologi komunikasi. / M.: Akademi, 2004. – 416 hal. - Hal.5.
• Hoffman I. Bermain piano. // Jawaban atas pertanyaan tentang bermain piano./ Moskow. 1961, - 44 hal.
• Xenakis Y. Percakapan // Almanak psikologi musik Homo. musikus/ 1995. – Hal.41.
• Novikov A. Disertasi doktoral. M.: Egves, 1999. – Hal.19.
• Shenderovich E.M. Di kelas pengiring: Refleksi seorang guru. – M.: Muzyka, 1996. – Hal.5.
• Yakonyuk V. Musisi. Membutuhkan. Aktivitas. / Mn.: Belarusia, akademisi musik, 1993. – 147 hal.

Badan pemerintah kota

pendidikan tambahan

sekolah seni anak-anak

Dengan. Bagan

"Ansambel – bentuk yang efektif bekerja Dengan siswa"

pengembangan metodologi dan generalisasi pengalaman guru Sekolah Seni Anak di kelas alat musik rakyat dan tiup

Metodis: Gordichuk O.I.

Desa Bagan 2015

Seluruh proses belajar memainkan alat musik di sekolah seni, baik itu akordeon dan akordeon, biola, terompet atau gitar,berkaitan erat dengan kreativitas ansambel. Dan terakhirSelama dekade terakhir, minat terhadap jenis pembuatan musik ini semakin meningkat.Peran ansambel dalam proses pendidikan sangat besar, sebagai subjek,mempromosikan pengembangan menyeluruh seorang musisi.

Bermain dalam ansambel “Guru-Siswa” sudah membantu anak pada tahap pertamapelajaran untuk merasa seperti musisi yang setara, bahkan saat tampilbeberapa suara. Materinya bisa berupa lagu anak, musikkartun, acara TV. Dengan cakupan skala yang bertahap,dengan diperkenalkannya ritme baru dan komplikasi tekstur, lebih jauh lagiperkembangan sistem motorik, sensasi visual dan pendengaran,keterampilan membaca penglihatan.

Kreativitas ansambel memperluas kemampuan pertunjukanmusisi, sehingga memungkinkan untuk menampilkan karya-karya komplekssehingga memperluas dan memperkaya cakrawala musik pemain.Peningkatan keadaan emosi akibat bermain bersamamemperkaya musisi dan berkontribusi pada perkembangannya sebagai soloispemain.

Di sekolah seni anak-anak kami, kelompok kreatif telah dibuat dan berfungsi secara stabil: - ansambel alat musik tiup (pemimpin S.V. Yur), ansambel vokal guru dan siswa "Silver Rain" (sutradara Astapenko E.F.), ansambel gabungan guru dan siswa " Zabava" (sutradara S.I. Kumbraleva), ansambel instrumen rakyat (sutradara R.V. Prikhotko). Mereka adalah peserta tetap dan aktif dalam konser sekolah dan distrik, sehingga mempromosikan seni musik di wilayah Bagan, penampilan mereka selalu sukses dengan penonton.

Pembuatan musik kolektif memberikan kesempatan untuk mewujudkan hal yang samasiswa yang paling lemah, menciptakan kesempatan untuk berpartisipasi aktif dalamkegiatan konser.

Dalam kondisi modern, sekolah musik adalah salah satunyalandasan utama bagi meluasnya penyebaran budaya musik. Targetsekolah pendidikan musik umum - menjadikan musik sebagai milik bersamahanya anak-anak berbakat yang memilihnya sebagai profesinya, tetapi juga semua orang yang belajar di dalamnya.

Banyak siswa sepanjang tahun bersekolah karena kekurangantidak memiliki keterampilan bermain game, data atau kinerja yang diperlukankesempatan untuk tampil sebagai solois di konser sekolah. Tidak jarangkasus lain ketika perkembangan umum siswa berada di depan merekakemampuan kinerja. Hal ini tidak memuaskan para siswa, dan pada gilirannya,gilirannya menyebabkan hilangnya minat pada kelas. Bermain dalam ansambel danorkestra memberi siswa dari berbagai tingkat hak yang samapemain dan, terlepas dari tingkat kesulitan bagiannya, memungkinkannyapertunjukan di konser paling penting, sehingga merangsangproses pendidikan, mempromosikan keberhasilan di kelas.

Di dalam ansambel itulah instrumentalis mulai merasakannyaseorang musisi yang menciptakan musik secara kolektif.

Setiap jenis kreativitas memiliki kekhasan, ciri, dan tekniknya masing-masing.Dasar-dasar teknik seorang musisi ansambel sudah ditentukan sebelumnya olehnama genre dan terletak pada kemampuan bermain bersama.

Karya ansambel memungkinkan siswa untuk bertindak sebagai pemain individu yang aktif sambil belajar mendengarkan dan menghormati orang lain.

Ansambel adalah kerja kolektif bersama, di mana setiap orangide dan rencana artistik diwujudkan melalui upaya bersamamitra. Ketika mempertimbangkan masalah-masalah penting dari teknologi ansambel, seseorang dapat melakukannyasecara kondisional membedakan dua elemen utamanya: - suara sinkron dankeseimbangan dinamis.

Sinkronisasi pembuatan musik ansambel mengandung arti suatu kesatuanpemahaman dan perasaan mitra tempo, denyut nadi berirama,eksekusi pukulan dan teknik bermain yang identik. Di bawah sinkronisitasmengacu pada kebetulan durasi terkecil (suara dan jeda).Sinkronisasi adalah persyaratan teknis pertama dari permainan co-op. Perlusatukan dan buat suara bersama, jeda bersama. Sinkronisasiperforma dicapai lebih mudah jika kita berbicara tentang suara, (chord),terletak pada ketukan bar yang kuat. Lebih sulit untuk melakukan sinkronisasi bersama di awal sebuah lagu, frasa yang tidak biasa, dan seterusnya.

Kesatuan tempo terutama terlihat pada jeda atau bunyi yang panjang.Dalam kasus seperti ini mungkin terjadi percepatan.

Penggunaan dinamika yang terampil membantu mengungkap karakter keseluruhanmusik, kandungan emosionalnya dan menunjukkan ciri-ciri bentukbekerja. Sangat penting untuk mengajarkan eksekusi bersama yang dinamisnuansa. Bagi banyak anggota awal ansambel, hal yang besarKesulitannya adalah menentukan gradasi suara dalam diri sendiritim. Beberapa orang ingin bermain lebih keras dari orang lain, sementara yang lain ingin bermain lebih keras dari orang lain."Bersembunyi di belakangmu." Oleh karena itu, perlu adanya pendidikan secara sadarsikap kreatif terhadap bisnis, memahami peran masing-masing pihak dalam suatu halbekerja.

Bekerja dengan siswa dalam ansambel atau orkestra menghasilkan berbagai macam halpersyaratan pendidikan dan organisasi. Ini sebelumnyasemuanya - menumbuhkan rasa tanggung jawab terhadap tim: teraturmenghadiri kelas, tiba di kelas tepat waktu, mempersiapkan pekerjaan Andatempat. Perlu ditanamkan pada anak bahwa kurangnya disiplin mengganggu proses kreatif dan menunjukkan rasa tidak hormat terhadap rekan dan karyanya. Guru sendiri hendaknya menjadi contoh sikap disiplin dan teliti. Otoritas pribadi pemimpin memainkan peran besar.

Mulailah pelajaran ansambel dengan siswa dengan rata-ratadata musik harus dari karya yang dapat diakses oleh anak-anak. Seorang siswa menunjukkan minat pada kelas hanya ketika dia merasa tidak diterima.ketidakberdayaan, namun menikmati hasil karyanya.Tugas guru adalah memilih drama yang tepat. Lebih baik mempelajari beberapa lagu yang mudah dan memainkannya pada tingkat artistik yang tinggi,daripada tidak memainkan yang sulit.

Pemilihan anggota ansambel harus sangat penting.Keinginan siswa untuk bermain dengan satu atau beberapa pasangan harus diperhitungkan.Penting untuk mempertimbangkan kesamaan selera musik para peserta, minat mereka,tingkat perkembangan dan tingkat kemahiran instrumen. Pertunjukan solo aktifujian dan ujian adalah situasi yang membuat stres bagi banyak anak, dan kapanDalam permainan ansambel, anak tidak terlalu khawatir karena merasakan “bahu teman”. Jugaanggota ansambel tampil lebih cemerlang, seperti konser, sesuai minat merekagambar dan konten emosional musik.

Konser, pertunjukan adalah hasil kreatif dari apapuntim. Fokus manajer harus pada persiapanansambel untuk pertunjukan, perilaku di atas panggung, pengembangan berkelanjutanperhatian, kejelasan dan kehati-hatian dalam tindakan. dibutuhkan pesertamengetahui dengan jelas siapa yang naik panggung dari sisi mana dan di belakang siapa. Kita perlu mengawasisehingga setiap orang tampak aktif secara lahiriah dengan postur tubuh yang benar,mengamati interval gerakan, berjalan dengan kecepatan seragam tertentu, mengetahui kecepatannyaletakkan di atas panggung, berdiri atau duduk dengan indah, dipegang dengan indah saat keluaralat. Momen organisasi yang sama sulitnya adalah meninggalkan panggung.Penampilan itu pentingpembicara.

Bermain dalam ansambel memberikan kesempatan kepada musisi mudakomunikasi kreatif dengan banyak pendengar. Permainan ansambelbukan hanya salah satu bentuk penting pengembangan profesionalketerampilan para pemainnya. Hal ini juga membangun karakter dan menanamkan pada anakrasa kolektivisme, persahabatan, keterlibatan dalam tujuan besar,promosi budaya musik.

Perkembangan kinerja ansambel berkontribusi lebih jauhsemakin populernya tidak hanya gitar, tombol akordeon - instrumen favorit kamiorang, tetapi juga kurang umum dan lebih sulit dipelajari seperti terompet, akordeon, viola, dll.

Aplikasi:"Ansambel MKU DO DSHI desa Bagan"

Ansambel guru dan siswa “Zabava”.

Ansambel Akordeon

Ansambel gabungan dari departemen instrumen rakyat

Ansambel angin

Perkenalan

Relevansi penelitian. Dalam beberapa dekade terakhir, sejumlah proses negatif telah diamati di bidang kebudayaan dan pendidikan. Salah satunya adalah memudarnya minat memainkan musik dengan alat musik rakyat Rusia, yang diwujudkan dengan latar belakang minat yang tinggi terhadap kebangkitan dan penanaman tradisi budaya seni rakyat kelompok etnis Rusia.
Sementara itu, pertunjukan alat musik rakyat Rusia memiliki potensi pendidikan yang besar yang belum terealisasi. Secara umum, dalam proses belajar memainkan alat musik rakyat Rusia, individu dibenamkan dalam proses kreatif, dibiasakan dengan tradisi dan nilai-nilai masyarakat Rusia; Dalam proses pembuatan musik kolektif, proses adaptasi sosial anak terhadap interaksi dalam kelompok, hingga subordinasi kepentingannya pada tujuan bersama, berlangsung secara aktif.
Salah satu faktor tidak langsung Ketidakpopuleran instrumen rakyat Rusia adalah kurangnya literatur yang relevan tentang pengajaran pembuatan musik kolektif. Hingga saat ini, para guru praktik terpaksa menggunakan perkembangan metodologi yang sangat bermanfaat pada masanya, namun secara praktis tidak memperhitungkan situasi nyata di Rusia saat ini. Di antara karya-karya tersebut adalah studi N.K. , Bibergana V.D. , Gleichmana V.D. , Ilyukhina A. , Kargina A.S. , Tikhonova B.D. , Chunina V. .
Sehubungan dengan perubahan strategi umum pengembangan semua jenjang pendidikan, diperlukan pemikiran ulang yang mendalam terhadap proses pendidikan tingkat musik yang lebih rendah - sekolah musik anak-anak, sekolah seni - yang pada awalnya berfokus, pertama-tama, pada mempersiapkan anak-anak. untuk belajar di lembaga khusus menengah dan hampir tidak memberikan pelatihan di bidang pembuatan musik rumahan, termasuk musik kolektif. Namun penelitian berbagai ilmuwan - Banin A.A. , Imkhanitsky M.I. , Ushenina V.V. , Smirnova B., Vertkova K.A. , izinkan kita menyimpulkan bahwa bentuk pertunjukan alat musik rakyat seperti pembuatan musik kolektif sangat populer di kalangan nenek moyang kita.
Upaya untuk menghidupkan kembali popularitas sebelumnya dapat dilakukan dalam dua arah. Arah pertama adalah penciptaan repertoar baru untuk ansambel instrumen rakyat Rusia, yang relevan bagi sebagian besar masyarakat Rusia. Aspek negatif dari jenis kegiatan ini adalah diperlukan jangka waktu yang cukup lama untuk menciptakan tingkat kualitas dan kuantitas repertoar tertentu (secara umum, jalur ini lebih khas untuk seni pertunjukan profesional). Arah kedua adalah kajian warisan tradisional. Terlepas dari upaya yang diperlukan untuk mempelajari dan memilih materi yang diperlukan, arah ini adalah jalan keluar terbaik dari situasi saat ini, karena memungkinkan kita untuk mencakup lebih banyak tugas yang tidak hanya menjadi ciri seni musik, tetapi juga seluruh bidang seni rakyat. umumnya.
Sehubungan dengan hal tersebut di atas, objek studi adalah teori dan praktik pendidikan etno-seni di sekolah seni anak.
Subyek penelitian- fitur metodologis pembuatan musik kolektif di sekolah seni anak-anak.
Tujuan penelitian- untuk mengidentifikasi ciri-ciri metodologis pembuatan musik kolektif di sekolah seni anak-anak.
Utama tujuan penelitian adalah :

• pertimbangkan pembentukan tradisi musik kolektif yang dimainkan pada instrumen rakyat Rusia;
• mengidentifikasi momen-momen terpenting dalam pembentukan pertunjukan orkestra modern;
• mengidentifikasi faktor-faktor utama keberhasilan organisasi permainan musik kolektif di sekolah seni anak-anak;
• untuk mengembangkan model pedagogis dari program permainan musik kolektif untuk sekolah seni anak-anak.

Metode penelitian: observasi; analisis bahan literatur metodologis dan ilmiah; desain perangkat lunak.
Kebaruan ilmiah dari karya tersebut terdiri dari mempertimbangkan pembentukan bentuk-bentuk pembuatan musik kolektif tradisional dari sudut pandang adaptasinya terhadap kondisi modern berfungsinya sekolah musik dan sekolah seni anak-anak; menentukan kondisi terbentuknya pertunjukan orkestra modern; dalam mengidentifikasi yang paling komponen penting organisasi permainan musik kolektif yang sukses; serta dalam pengembangan model pedagogis dari program permainan musik kolektif untuk sekolah seni anak-anak.
Signifikansi praktis dari penelitian ini. Bahan-bahan karya ini dapat digunakan untuk mengembangkan berbagai macam aspek metodologis musik kolektif yang dimainkan pada instrumen rakyat Rusia di sekolah musik anak-anak dan sekolah seni, untuk membuat program pendidikan untuk kelas orkestra dan kelas ansambel, serta untuk digunakan dalam kursus pelatihan lanjutan bagi para pemimpin kelompok orkestra anak-anak atau amatir. Model pedagogis yang dikembangkan oleh penulis diperkenalkan ke dalam proses pendidikan Sekolah Seni Engels.
Organisasi penelitian berlangsung dalam tiga tahap:

• Studi dan analisis umum literatur metodologis dan pedagogis, pengembangan tujuan dan sasaran - 2009.
• Sistematisasi data yang diperoleh, perkembangannya - 2010.
• Menulis karya - 2011

Struktur penelitian. Karya ini terdiri dari: pendahuluan, dua bab, kesimpulan, daftar sumber yang digunakan.

1 Pembentukan dan pengembangan tradisi
musik kolektif diputar dalam bahasa Rusia
instrumen rakyat

1.1 Tradisi bermain musik instrumental ansambel

Permainan alat musik bersama, menurut para sejarawan, sudah muncul pada tahap awal perkembangan manusia, ketika orang menggunakan alat musik primitif yang dengannya mereka menghasilkan suara yang tidak memiliki nada yang tetap atau ritme yang teratur secara ketat. Bagaimanapun juga, keberadaan nyata dari periode kacaunya bentuk-bentuk pembuatan musik bersama hampir tidak dapat disangkal.
Nenek moyang orang Rusia, Slavia, tidak terkecuali dalam hal ini. Unsur-unsur kuno yang terkait dengan pembuatan musik ansambel nenek moyang kita terungkap ketika mempelajari tradisi pertunjukan hampir setiap instrumen rakyat Rusia: mainan kerincingan (dalam ansambel dengan nyanyian), lonceng, terompet gembala, pipa ganda dan zhaleka, peluit dan biola.

Pada komponen terakhir, tiga tingkatan berikut dapat dengan mudah dibedakan: 1) konstruktif - menggabungkan pipa-pipa individual menjadi sebuah "ensemble" dalam proses "membangun" instrumen itu sendiri; 2) pertunjukan individu - menggabungkan ke dalam ansambel suara instrumental pipa dengan suara vokal (teriakan) dari pemain itu sendiri (“mainan”); 3) pertunjukan kolektif, di mana dua sublevel secara alami dibedakan: a) menggabungkan permainan ke dalam suatu ansambel yang terdiri dari instrumen-instrumen yang identik, b) menggabungkan permainan ke dalam suatu ansambel yang terdiri dari instrumen-instrumen yang berbeda.
Sulit untuk mengatakan level mana yang merupakan tahap paling awal dari pembuatan musik “bersama”. Kita hanya dapat mencatat bahwa sifat kombinasi suara vokal dan melodi instrumental dalam permainan pemain yang sama mencerminkan salah satu tahap awal perkembangan musik umat manusia. Secara musikal, suara yang digunakan disini pada hakikatnya bukan secara vokal, melainkan secara instrumental dan hanya melengkapi bunyi instrumen tersebut. Dengan suara kuvikalnitsa mereka membantu diri mereka sendiri untuk menampilkan melodi yang lebih kompleks secara intonasi dan ritme pada instrumen primitif.
Meskipun instrumen utama dalam praktik cerita rakyat modern memainkan kuvikla adalah instrumen dalam “duet” yang aneh ini, tidak ada yang menghalangi kita untuk berasumsi bahwa di era penguasaan “duet” tersebut, instrumen dan suara dapat berganti peran.
Sejalan dengan latihan instrumen vokal manusia purba dengan terompet, terjadi proses “konstruksi” instrumen itu sendiri: beberapa instrumen lain, identik dan berbeda, ditambahkan ke dalam satu terompet. Selama era ini, manusia secara bertahap menyadari struktur progresif tangga nada suara musik. Dan seruling berlaras banyak merupakan instrumen yang membantu kesadaran tersebut, turut mempercepat proses perkembangan pemikiran musik di tahap awal pembentukan dan perkembangannya.
Era ini hanya dapat mendahului masa ketika seseorang sudah dapat menampilkan melodi-melodi paling sederhana dari jenis cantilena baik dengan suara maupun instrumen, dapat menggabungkan melodi-melodi tersebut bersama-sama, yaitu menggabungkan suara dan instrumen ke dalam sebuah ansambel berdasarkan prinsip-prinsip yang secara radikal berbeda dari yang ada di mana. seni mengutak-atik kuvikalnitsa.
Pertimbangan aspek-aspek tersebut memungkinkan kita untuk menyimpulkan bahwa permainan alat musik bersama telah ada di antara orang Slavia sejak zaman kuno. Hal ini juga ditegaskan oleh monumen sastra dan gambar kuno dari berbagai bangsa Slavia, serta data dari etnografi dan arkeologi mereka, yang memungkinkan kita untuk menghubungkan kemunculan ansambel instrumental mereka dalam arti kata yang sebenarnya dengan periode pra. -masyarakat kelas. Ada alasan untuk percaya bahwa Slavia Timur mendekati momen pembentukan kenegaraan mereka dengan keterampilan bermain musik ansambel yang cukup berkembang.
Salah satu fakta musik paling signifikan yang tercermin dalam kronik Rusia adalah instrumen Rusia tradisi cerita rakyat bersatu dalam berbagai macam ansambel - baik di rumah para pangeran, dan dalam urusan militer, dan dalam kehidupan rakyat. Ada lebih dari satu deskripsi yang diketahui, secara ringkas dan sekaligus secara kiasan menggambarkan suara musik bela diri yang mengancam sebelum pertempuran, penyerbuan benteng, atau dalam keadaan lainnya. Salah satu uraian tersebut terdapat dalam kronik tahun 1220, yang menceritakan tentang kampanye Pangeran Svyatoslav melawan Volga Bulgars. Gambaran tentang harmoni suara “orkestra militer” di kemudian hari dapat diperoleh dari penuturan seorang musafir asing yang menggambarkan tentara Moskow pada awal abad ke-16. Perlu dicatat bahwa “orang Rusia mempunyai banyak pemain terompet, dan jika, menurut “kebiasaan kebapakan”, mereka mulai meniup terompet mereka secara bersamaan, maka Anda akan mendengar harmoni yang luar biasa dan tidak biasa.”
Di rumah-rumah para pangeran ada kelompok khusus musisi badut, yang juga bermain musik bersama (ingat lukisan dinding terkenal di Katedral St. Sophia di Kiev). Informasi serupa tersedia di sumber selanjutnya. Misalnya, diketahui bahwa pada pernikahan Tsar Mikhail Fedorovich pada tahun 1626, sebuah orkestra dimainkan, yang terdiri dari dua pemain guslar, tiga domrachei, dan empat pemain biola. Salah satu gambar Olearius, yang dibuat dari kehidupan pada tahun 1634, menggambarkan sebuah ansambel yang terdiri dari gudoshnik dan domrachei.
Sebagai bagian dari ansambel badut awal, mereka secara kolektif disebut harpa, terompet, terompet, rebana, dan badut itu sendiri disebut gudtsy, svirtsy, penari dan pencemooh (yaitu, pelawak) - di beberapa sumber, ulat, pembuat seruling dan pengejek - pada orang lain. Dalam miniatur Kronik Radzivilov, setan digambarkan memainkan alat musik yang kita ketahui dari sumber tertulis tentang “aksi lawak setan”: setan digambarkan dengan harpa, berbagai alat musik tiup, dan rebana. Kisah Patericon Kiev-Pechersk tentang godaan biksu Isaac menyebutkan komposisi ansambel yang sama. Kisah ini, yang ditempatkan dalam Tale of Bygone Years di bawah tahun 1074, menceritakan bagaimana setan, setelah menipu Ishak, memaksanya menari mengikuti musik mereka: “Dan salah satu setan, yang disebut Kristus, berkata: “Ambillah tembakau, rebana dan mainkan harpa dan biarkan Ishak kita menari.” Dan setan-setan itu berseru-seru, kecapi, dan rebana, lalu mulai memainkan Ishak. Dan, setelah membuatnya lelah, mereka membiarkannya hidup dan pergi, menganiayanya.”
Untuk menggulingkan kekuasaan patriarki di mata rakyat, Peter I memerintahkan pernikahan badut pangeran-paus pada tahun 1715, yang perannya dimainkan oleh Penasihat Penasihat N.M. Zotov. “Daftar: Siapa... yang harus mengenakan pakaian apa dan dengan permainan apa” yang disusun oleh Peter I telah dilestarikan. Setiap peserta penyamaran badut harus memiliki semacam alat musik di tangannya, sehingga melambangkan ketidaktaatan terhadap otoritas spiritual, yang selama berabad-abad melarang memainkan alat musik.
Instrumen-instrumen yang tercantum dalam “Register” bersama-sama membentuk orkestra “mengerikan” yang berjumlah lebih dari 130 orang. Ini termasuk: instrumen rakyat Rusia - biola (biola), peluit, balalaika, hurdy-gurdys (memainkan moncong), kecapi Yahudi, kuvikly (pipa), pipa tunggal (pipa tua), pipa ganda (pipa hitam - sepasang pipa ), surna , bagpipe, zhaleyki dan/atau tanduk gembala (shepherd's horn), tanduk (tanduk besar), sendok (sendok dengan lonceng), kerincingan (kerincingan dan kerincingan Novgorod), pengocok (pengocok kayu); instrumen kebisingan dan sinyal - penggorengan, baskom, gelembung dengan kacang polong, lonceng, tanduk pos dan pemburu, umpan (pipa puyuh, peluit anjing), ocarinas (pipa tanah liat, burung bulbul); instrumen militer (termasuk yang dipinjam dari Eropa) - seruling, seruling piccolo (puncak seruling, acar), obo, terompet, terompet, gendang ketel, lonceng alarm, tulumbas, penutup, drum, simbal tembaga; instrumen non-Rusia - sitar, nagoras (pot Khiva), pipa organ.
Tidak ada keraguan bahwa ini bukanlah daftar instrumen yang ada (dalam “Daftar” instrumen tersebut dicantumkan secara acak) dan bukan orkestra dalam arti sebenarnya. Pada saat yang sama, daftar instrumen rakyat Rusia tanpa disadari ternyata hampir lengkap, dan komposisi ansambel instrumen mencerminkan, seperti yang bisa kita lihat, salah satu prinsip pengorganisasian ansambel tradisi cerita rakyat Rusia. Namun, kami menekankan bahwa ketika menafsirkan komposisi instrumental “Reestr” sebagai sebuah ansambel, kita tidak boleh melupakan karakternya yang dominan aneh.
Indikasi tidak langsung tentang penggunaan ansambel dalam kehidupan rakyat hanya terdapat dalam kronik dan monumen bersejarah lainnya. Namun mereka juga mendapat konfirmasi, khususnya, dalam kenyataan bahwa banyak bentuk pembuatan musik ansambel cerita rakyat yang bertahan hingga hari ini memiliki banyak alasan untuk ditelusuri kembali tidak hanya ke zaman komunitas Slavia Timur, tetapi juga ke masa lalu. era sebelumnya.
Komposisi khusus ansambel instrumental Slavia Timur tidak kita ketahui, kita hanya mengetahui prinsip memasukkan instrumen ke dalam ansambel: instrumen dari ketiga jenis digabungkan menjadi satu kesatuan - senar, tiup, dan perkusi. Ansambel campuran dengan komposisi acak menyatukan kelompok pemain yang terdiri dari 2-3 orang atau lebih hingga beberapa lusin, dan mungkin ratusan, jika kita memperhitungkan orkestra militer.
Salah satu pendekatan untuk menyusun ansambel diilustrasikan dengan jelas oleh “Daftar Peter I” - untuk mengumpulkan lebih banyak musisi dan komposisi instrumen yang lebih beragam, yaitu pendekatan eksternal dan spektakuler, mengejar tujuan warna dan kebisingan daripada musikal yang sebenarnya. Pendekatan musikal juga sudah ada sejak lama. Ini memanifestasikan dirinya paling jelas dalam ansambel kecil dengan komposisi campuran dan terutama homogen, karena ini adalah ansambel homogen yang secara aktif berkontribusi pada diferensiasi fungsi ansambel instrumen individu.
Saat ini, kami hanya memiliki data tidak langsung tentang komposisi ansambel homogen yang digunakan di masa lalu (domrishko - domra; gudochek - gudok - gudilo). Data ini tidak berasal dari abad 16-17. Namun tidak dapat disangkal bahwa isolasi dan perkembangan fungsi suara ansambel dalam ansambel homogen sudah ada sejak era sebelumnya. Awalnya, itu muncul bukan pada ansambel itu sendiri, tetapi pada tingkat konstruktif dan tercermin dalam desain sejumlah instrumen - bagpipe (informasi paling awal tentangnya berasal dari abad ke-15), gambus ganda, pipa ganda , dan juga, sebagian, dalam desain harpa bercincin dan khususnya seruling pan Rusia. Dalam masing-masing instrumen ini, mudah untuk melihat cerminan dari proses perluasan jangkauan dan, pada saat yang sama, awal dari penggunaan fungsional masing-masing bagian dari rentang ini (baik dalam munculnya polifoni dasar, dan dalam istilah kesadaran bertahap akan suara solo dan suara pengiringnya).
Meskipun tidak ada data arkeologi yang mengkonfirmasi keberadaan instrumen ini (kecuali gusli) di era Slavia Timur, tidak ada alasan yang memaksa mereka untuk membatasi kemunculannya hingga abad ke-15.
Gagasan terkenal tentang komposisi ansambel masa lalu diberikan oleh bentuk-bentuk ansambel cerita rakyat tradisi yang hidup. Beberapa di antaranya dibahas secara rinci di bawah ini. Meskipun tradisi ansambel yang hidup belum dipelajari secara memadai, dapat dikatakan bahwa keterampilan berpikir ansambel musik-instrumental dan pembuatan musik tersedia di kalangan penutur cerita rakyat di seluruh wilayah etnis Rusia.
Ansambel campuran dengan komposisi besar tercatat di Smolensk, Bryansk, Kursk, Belgorod dan sejumlah wilayah sekitarnya. Dalam hal komposisi instrumen, ansambel besar agak mengingatkan pada orkestra "mengerikan" Peter I. Misalnya, ansambel instrumental wilayah Belgorod mencakup tiga atau empat pipa dari dua jenis (pipa biasa dengan 5-6 permainan lubang dan pipa besar, bersuara rendah dan di sini disebut dua suara), beberapa kasihan disebut terompet, beberapa seruling Pan, di sini disebut pipa, dan sebilah sabit yang digunakan sebagai alat musik perkusi. Pada inti tradisional ansambel Belgorod dapat ditambahkan mandolin, biola, gitar, sendok, sisir, yaitu instrumen dari lapisan selanjutnya dari budaya lokal tertentu, pendatang dari daerah lain, dari negara lain, dan bahkan instrumen yang, sebagai suatu aturan, termasuk dalam tradisi tertulis (klarinet, seruling, dll.).
Ansambel komposisi kecil yang homogen dan campuran jauh lebih tersebar luas dalam tradisi yang hidup daripada ansambel komposisi besar. Hampir semua instrumen (disebutkan di atas) dapat membentuk ansambel: ansambel kuvikl, terompet, zhaleka tunggal, pipa tunggal, biola, dan balalaika yang homogen diketahui. Ansambel balalaika dengan biola, biola dengan gitar atau simbal, pipa ganda dengan biola, dll direkam. Di beberapa tempat, beberapa ansambel homogen berkembang menjadi tradisi yang stabil, misalnya duet pemain biola Smolensk, ansambel Kursk kuvikl. , ansambel kecil terompet Vladimir, dll., banyak di antaranya masih belum dijelajahi.
Paduan Suara Kursk Dudarei
Tradisi permainan ansambel yang mendalam dan kuat pada instrumen rakyat tercatat di wilayah selatan dan barat daya wilayah Kursk. Dasar dari ansambel campuran besar penduduk Kursk adalah ansambel kugikl yang homogen. Biasanya terdiri (misalnya, di Bolshe-Soldatsky dan sejumlah daerah sekitarnya) dari empat wanita: dua memainkan melodi utama lagu tersebut pada pasangan berlaras lima (salah satunya juga bermain biola), dua lainnya memainkan tiga -pasangan barel (disetel berbeda) sebagai semacam pengiring suara kedua - pengiring ritmis dan harmonis.
Selain ansambel kugikl homogen, ansambel campuran Kursk meliputi: pipa, pyzhatka, terompet (zhaleika), biola, balalaika, akordeon, gitar. Karena sebagian besar ansambel campuran penduduk Kursk terdiri dari alat musik tiup, maka sering disebut paduan suara Dudarei. Alat musik tiup dimainkan oleh perempuan (kugikl) dan laki-laki (semua orang lainnya), dan alat musik gesek hanya dimainkan oleh laki-laki.
Jumlah peserta dalam ansambel campuran biasanya tidak dibatasi. Menurut pengamatan Rudneva, untuk komposisi penuh Untuk paduan suara Dudarei, Anda perlu mengumpulkan empat pasang kugikle, tiga hingga lima pipa, dua atau tiga terompet, satu atau dua pyzhatka, dan sebuah biola atau balalaika untuk mengiringinya. Memasukkan akordeon dan terutama gitar ke dalam ansambel bukanlah hal yang khas dan sangat jarang.
Instrumen paduan suara Dudarei biasanya disetel dengan cermat satu sama lain. Instrumen yang digunakan untuk memverifikasi struktur seluruh ansambel, pada umumnya, adalah pyzhatka. Ansambel yang hanya berada di desa yang sama ternyata disetel dengan baik. Penyeteman instrumen bahkan dari desa tetangga pun agak berbeda. Oleh karena itu, pada perayaan besar yang mencakup kelompok desa, tidak mungkin membentuk orkestra gabungan - setiap ansambel harus bermain secara bergiliran.
Ansambel instrumental Kursk digunakan untuk mengiringi tarian Rusia Selatan - yang disebut Karagod. Cara para pemusik dalam ansambel dirangkai menarik - mereka membentuk lingkaran dalam kecil - para penari, yang pada gilirannya juga berada di dalam lingkaran, tetapi ini adalah lingkaran luar, dibentuk oleh penonton dan penari yang sedang beristirahat.
Fungsi ansambel instrumen dalam paduan suara Dudarei berbeda-beda, tetapi lemah. Meskipun demikian, dua fungsi utama dapat dibedakan: melodis dan “mengiringi”. Yang pertama dilakukan dengan memainkan pasangan kugikle, pipa dan klakson, yang kedua dengan meniup pasangan kugikl dan pyzhatka. Biola digunakan sebagai instrumen multi-suara: melodi dimainkan pada senar atas dan sebagian pada senar tengah. Senar tengah hampir terus menerus berbatasan dengan subquart (suara G). Bourdon senar tengah kadang-kadang "dimatikan" untuk memainkan nada C bila diperlukan untuk memainkan melodi, dan juga untuk "menghidupkan" senar terbuka bawah sebagai "bourdon pengingat".
Ensembel Kursk didasarkan pada dua suara dengan elemen tiga suara, yang paling jelas dimanifestasikan dalam skor kugikl ansambel homogen. Berdasarkan jenis teksturnya, polifoni ini hendaknya dicirikan bukan sebagai subvokal, melainkan cluster-heterofonik: a) garis nada pasangan tiupan kugikl tidak membentuk varian serupa dalam kaitannya dengan garis nada pasangan melodi. kugikl dan tidak dapat dicirikan sebagai subvokal; b) tangga nada ketiga jenis ansambel kugikl tidak dipisahkan dalam ruang nada, akibatnya tiga atau empat garis nada lebih cenderung saling tumpang tindih, saling bertabrakan, berpotongan, daripada menyimpang saat menampilkan satu baris. .
Efek suara cluster ditingkatkan dengan menambahkan instrumen lain dari paduan suara Dudarei ke dalam ansambel kugikl yang homogen, karena tangga nada kerjanya juga mengulangi tangga nada kugikl.
Patut dicatat bahwa tangga nada sebenarnya dari pyzhatka dan biola tidak digunakan secara penuh dan hanya pada bagian yang sesuai dengan tangga nada total ansambel kugikl, yaitu lima bunyi pada nada kelima dari C hingga G dan subkuartnya. - G. Hal ini membuat kita berpikir bahwa baik biola (dan sebelumnya peluit) maupun kelompok instrumen lain yang homogen - sekelompok terompet, sekelompok klakson, kelompok pyzhatok - tampaknya menduplikasi satu atau beberapa bagian dari ansambel kugikl, dan, oleh karena itu, ada alasan untuk menganggap ansambel kugikl homogen sebagai dasar Paduan Suara Kursk Dudarei tidak hanya secara fungsional, tetapi juga secara genetik.
Jenis tekstur polifonik cluster, serta komposisi instrumen paduan suara Dudareev yang didominasi angin, memberikan lagu-lagu tarian yang dibawakannya rasa suara Rusia selatan yang sangat asam dan cerah, dengan latar belakang yang kadang-kadang juga terdengar suara vokal. suara - nyanyian atau, lebih tepatnya, meneriakkan sajak pendek jenis lagu pendek secara ritmis.

Kumpulan pipa rumput
Set ansambel terdiri dari tiga pipa dengan ukuran yang tidak sama. Perbedaan panjangnya ditentukan dengan menggunakan lebar telapak tangan, yang bertindak sebagai ukuran antropomorfik untuk menyetel pipa ansambel. Lebar telapak tangan memiliki padanan musiknya dalam bunyi pipa yang kira-kira satu nada utuh.
Jadi, tiga pipa dengan ukuran berbeda, yang penyetelannya (jika ditentukan oleh nada dasar) berbeda satu sama lain (untuk instrumen dengan ukuran yang berdekatan) dengan satu nada keseluruhan, membentuk dasar dari set ansambel.
Penyetelan instrumen ansambel seperti itu dilegitimasi oleh tradisi dan dianggap wajib. Namun hal itu tidak dilakukan secara konsisten dan ketat dalam segala hal. Selain itu, dalam praktik pembuatan musik ansambel, masing-masing dari tiga pipa utama ansambel dapat diduplikasi.
Hubungan nada utuh dari tangga nada yang termasuk dalam ansambel instrumen membuktikan tidak hanya kesadaran mendalam para pembawa tradisi struktur nada utuh yang terjadi di bagian bawah register tengah pipa, tetapi juga hingga penggunaan yang cerdik dari properti nada utuh ini untuk memainkan musik ansambel. Faktanya adalah bahwa sepertiga tengah dari skala nada utuh G - B (nada tambahan keempat dan kelima), diekstraksi dengan saluran terbuka, memiliki padanan yang tepat (G - B) di bagian nada utuh dari tangga nada. , disetel secara keseluruhan nada lebih tinggi (nada tambahan ketujuh dan kesembilan), dan nada keseluruhan lebih rendah (nada tambahan kesembilan dan kesebelas), tetapi dapat diekstraksi dalam kedua kasus dengan saluran tertutup.
Demikian pula, tiga bunyi lain dari bagian nada utuh (F - A - C tajam), nada tambahan ketujuh, kesembilan dan kesebelas, masing-masing diekstraksi, dengan saluran ditutup, juga tumpang tindih dalam bunyi pipa yang disetel satu nada lebih tinggi dan lebih rendah, tetapi, tentu saja, dengan saluran terbuka dan hanya sebagian (di pipa atas ada A dan C yang tajam, di pipa bawah - file A, yang dalam kedua kasus memberikan nada tambahan keempat dan kelima).
Jadi, untuk mengekstraksi suara yang sama atau suara dari baris ketiga yang sama secara bersamaan, pipa pertama, yang memimpin ansambel, dan dua lainnya, tambahan, harus berbunyi dalam mode produksi suara yang berlawanan. Jadi, jika yang pertama berbunyi dengan saluran terbuka, maka dua lainnya, untuk memenuhi syarat yang ditentukan, harus berbunyi dengan saluran tertutup, atau sebaliknya, jika yang pertama berbunyi dengan saluran tertutup, maka dua lainnya harus berbunyi. dengan saluran terbuka.
Keempat instrumen tersebut memiliki penyetelan “benar” yang sama untuk semua suara yang dihasilkan ketika saluran terbuka, dan kedua instrumen tengah juga memiliki suara yang sama ketika saluran ditutup. Untuk dua instrumen ekstrem dalam ansambel, suara yang dihasilkan dengan saluran tertutup diperkirakan terlalu tinggi sekitar satu setengah. Hal ini secara alami menciptakan suara cluster selama musik ansambel dimainkan tidak hanya di register atas skala ansambel, tetapi sebagian juga di register tengahnya, di mana pemain ansambel berusaha untuk mencapai suara harmonik (tertian atau tertian kedua) dari vertikal ansambel. .
Permainan ansambel pipa bukan sekedar bermain bersama dengan telinga. Ini terjadi ketika pemain memantau secara visual apa yang dilakukan pasangannya dan bagaimana jarinya bergerak ke atas dan ke bawah. Hasilnya, tempo umum permainan ansambel terbentuk, dan pola ritme serta nada masing-masing bagian terkoordinasi. Tentu saja, pengendalian pendengaran juga memainkan peranan penting.
Lagu ansambel biasanya dimulai dengan pipa, yang menempati posisi sentral (dalam hal penyetelan) dalam ansambel. Hal ini dilakukan oleh suara tengah yang memimpin. Dua lainnya menampilkan bagian samping - suara atas dan bawah dari ansambel, masuk secara berurutan di belakang pemimpin. Suara mana pun dapat diduplikasi dengan memasukkan instrumen tambahan ke dalam ansambel.
Dalam tradisi permainan ansambel pipa rumput, digunakan dua teknik: pergeseran pola ritme gerakan jari-jari suara yang digerakkan dalam kaitannya dengan posisi terdepan satu per satu, dua atau tiga dari periode empat posisi (kanon prinsip) dan duplikasi tertian dari suara ansambel sepanjang vertikal harmonik (prinsip kontras dua baris tertian , digeser dengan nada utuh).
Para ansambel dalam proses bermain, secara visual menyesuaikan satu sama lain ritme gerakan jari yang sederhana, monoton dan berulang berulang kali, pada tingkat kontrol pendengaran, mencari harmoni merdu yang muncul secara spontan, terdiri dari suara-suara yang identik dalam instrumen yang berbeda.
Kondisi yang dijelaskan untuk pembentukan ansambel pipa mengarah pada fakta bahwa lagu-lagu ansambel memperoleh sifat polifonik yang jelas; polifoninya tidak hanya terdiri dari suara atau nada tambahan individu (ini sudah terjadi saat memainkan solo pipa), tetapi juga tidak begitu banyak. bukan kombinasi suara instrumental.
Ansambel pemain biolaSmolensk
Seperti yang telah disebutkan, biola Smolensk pada dasarnya juga merupakan instrumen ansambel. Dalam tradisi yang hidup, ia menjalin hubungan ansambel dengan hampir semua instrumen lain dan mengiringi tarian dan nyanyian. Seringkali ansambel campuran kecil muncul di sekitar biola dan dipimpin olehnya, terkadang berkembang menjadi seukuran orkestra kecil, biasanya dengan komposisi acak. Seringkali, orkestra semacam itu tidak hanya berisi satu biola, tetapi dua, tiga, atau bahkan beberapa.
Fungsi ansambel biola di daerah Smolensk mirip dengan fungsi kuvikl di Paduan Suara Kursk Dudarei. Dalam ansambel campuran, biola terbentuk, seperti kuviklya Kursk, ansambel yang homogen dan cukup stabil - duet pemain biola. Ansambel ini tidak hanya menyatukan ansambel-ansambel heterogen yang komposisinya lebih banyak, tetapi sering kali berperan sebagai satuan ansambel yang berdiri sendiri.
Ansambel pemain biola Smolensk yang homogen memiliki tradisi panjang. Hal ini tercermin dalam pembagian fungsi permainan secara sadar di antara anggota ansambel (kadang-kadang disepakati sebelumnya), dan dalam cara instrumen dipegang, dan dalam posisi anggota duet selama permainan, dan dalam sikap mereka terhadap. permainan ansambel.
Dalam duet biola, ada dua bagian: atas dan kedua. Bagian atas adalah bagian solo, yang menjalankan fungsi melodi dalam melodi. Upaya pemain biola yang memegang posisi teratas ditujukan pada kecerdikan virtuoso dalam memvariasikan motif utama. Dia terutama menggunakan dua senar teratas, terkadang mengambil senar ketiga.
Yang kedua adalah bagian pengiring, yang merupakan dasar harmonik lagu tersebut. Orang yang memegang senar kedua juga menggunakan senar ketiga untuk memainkan bass, dan terkadang juga menggunakan senar kedua. Yang kedua adalah iringan harmonis dengan ritme yang jelas dan agak monoton, sehingga tidak memberikan ruang bagi pemain biola untuk melakukan variasi. Yang kedua, nada ganda banyak digunakan, terutama dengan penggunaan senar terbuka - semacam bourdon keempat dan kelima. Untuk bagian kedua dalam duet biola biasanya digunakan penyeteman discord (bass - pada senar keempat hingga ketiga).
Kebetulan lebih dari dua pemain biola digabungkan menjadi satu ansambel yang homogen. Dalam hal ini, mayoritas memegang kendali. Terlepas dari kenyataan bahwa setiap pemain biola di puncak memvariasikan melodi dengan caranya sendiri, dasar duet dari ansambel tetap dipertahankan, meskipun tekstur permainan dalam kaitannya dengan suara pendukung menjadi lebih polifonik, lebih berkelompok. Jika pemain biola yang memegang bagian atas tiba-tiba beralih ke bagian atas, maka salah satu partner yang memainkan bagian atas segera beralih ke bagian atas.
Ansambel pemain terompet Vladimir
Bentuk permainan ansambel yang paling berkembang terlihat di kalangan pemain terompet. Dasar dari budaya tinggi seni terompet melodi-polifonik terletak sistem sederhana instrumentasi ansambel Shepherd.
Ada berbagai macam ansambel terompet. Duet dibuat dari dua tanduk kecil - sebuah deuce. Hal lain yang sering dikatakan para gembala tentang permainan dua tanduk adalah memainkan dua tanduk. Ansambel yang paling umum dibentuk dari dua ansambel bass kecil dan satu - tiga.
Kuartet pemain terompet (tiga terompet kecil dan satu bas) - berempat - juga cukup umum. Lebih jarang, lima dibentuk - sebuah ansambel yang mirip dengan empat, tetapi dengan tambahan setengah bass, yang skalanya seperlima lebih tinggi daripada skala bass.
Susunan ansambel kecil, terutama berpasangan dan bertiga, selalu ditentukan oleh kondisi kerja, yaitu jumlah penggembala yang menggembalakan kawanannya (seorang gembala dan seorang gembala atau seorang gembala dan dua orang gembala). Artel penggembala yang terdiri dari empat atau lima orang kurang umum.
Pembagian pemain terompet di antara suara-suara ansambel terjadi berdasarkan kesepakatan bersama. Pada saat yang sama, kemampuan dan keterampilan bermain setiap pemain klakson diperhitungkan, serta tingkat pemetikan dalam komposisi ansambel tertentu.
Keberhasilan permainan ansambel oleh pemain terompet sangat bergantung pada pemahaman masing-masing pemain tentang fungsi ansambelnya. Inilah rahasia keselarasan struktur, kelengkapan dan keutuhan nada-nada artel, yang merupakan hasil dari prinsip-prinsip yang jelas dan tradisi yang mendalam dari artel terompet.
Tingkat pemahaman yang tinggi oleh para pemain terompet tentang fungsi suara ansambel selama artel terompet dapat dinilai tidak hanya berdasarkan komposisi musik dari banyak contoh nada polifonik yang luar biasa, tetapi juga dari terminologi khusus yang sangat berkembang yang digunakan untuk menunjuk suara ansambel. Jadi, suara utama yang membawakan melodi disebut halus, suara latar atas disebut memekik, suara latar bawah disebut kental, dan terakhir suara bawah disebut bass. Suara ansambel kelima dari lima yang jarang terlihat juga memiliki nama khusus - dari bawah bass.
Bentuk ansambel unik dalam tradisi cerita rakyat Rusia adalah paduan suara terompet. Ada dua jenis ansambel seperti itu: komposisi acak dan permanen. Untuk waktu yang lama, pasar penggembala diadakan di kawasan perdagangan di banyak desa dan kota di wilayah Volga Atas, di mana para penggembala, seperti pengangkut tongkang di pasar pengangkut tongkang, dikontrak untuk pekerjaan musiman. Selama bazar seperti itu, yang disebut terompet musim semi para gembala, ansambel multi-bagian dan bahkan seluruh orkestra pemain terompet yang berjumlah hingga 120 orang muncul secara spontan dalam waktu singkat.
Sejak akhir tahun 70-an abad XIX. diketahui adanya paduan suara terompet dengan komposisi kuantitatif tetap: 9-12 orang. Ansambel semacam itu dapat didengarkan selama perayaan publik di Moskow di stan skuter. Di antara paduan suara terompet permanen, paduan suara N.V. menjadi sangat terkenal. Kondratyev (1846-1921), seorang pembuat tanduk gembala turun-temurun dari desa Myshnevo, distrik Kovrov, provinsi Vladimir. Banyak yang telah menulis tentang seni paduan suara ini. Menurut pengamatan Smirnov, komposisi instrumen paduan suara pemain terompet mencakup proporsi terompet treble dan bass dari ansambel troika (dua banding satu): paduan suara pemain terompet Vladimir biasanya terdiri dari 8 treble dan 4 klakson bass, pemain klakson Nerekhta - dari 6 treble dan 3 bass.
Tradisi paduan suara dengan komposisi permanen dipertahankan dengan kuat sepanjang paruh pertama abad ke-20: paduan suara Pakharev bersaudara, A. Sulimov, I. Mutin, dan lain-lain sampai pertengahan atau bahkan awal abad ke-19, tetapi jauh lebih awal. Dapat diasumsikan bahwa banyak orkestra tanpa nama dan paduan suara pemain terompet (dari budak untuk hiburan para bangsawan) ada sepanjang abad ke-18.
Dengan demikian, tradisi bermain musik kolektif di Rusia memiliki akar yang dalam. Awalnya, bermain alat musik bersama hanya digunakan untuk keperluan rumah tangga. Lambat laun berkembang dan menjelma menjadi sebuah kerajinan, dan kemudian menjadi seni pembuatan musik kolektif. Namun informasi mengenai sejarah terbentuknya musik ansambel, terutama pada tahap-tahap awal, masih sedikit yang kita miliki, hal ini disebabkan kurangnya sumber tertulis. Seperti yang diperlihatkan oleh praktik, saat ini bentuk pembuatan musik ini hanya digunakan sebagian dalam proses pembelajaran di sekolah seni, sekolah musik anak, dll. karena kekhususan proses pendidikan.

1.2 Pembentukan orkestra domra-balalaika dan
pertunjukan harmonika dan akordeon

Penciptaan orkestra harmonik kromatik pertama
Upaya awal pengembangan pembuatan musik kolektif muncul segera setelah penciptaannya atas inisiatif N.I. Desain harmonika kromatik Beloborodov: pada akhir tahun 1880-an, dari sekelompok pekerja di pabrik senjata dan peluru Tula, ia mengorganisir “Orkestra Lingkaran Pecinta Permainan Harmonika Kromatik”. Untuk tujuan ini, master Tula berbakat L.A. Chulkov, V.I. Baranov dan A.I. Potapov membuat instrumen orkestra dengan berbagai ukuran, tessitura dan karakteristik timbre - piccolo, prima, second, viola, cello, bass dan double bass. Skor yang ditulis oleh Beloborodov terdiri dari 8 bagian dan ditujukan untuk orkestra yang terdiri dari 8-10 orang. Namun pada awal tahun 1890-an, jumlah anggota orkestra bertambah menjadi 16 orang. Program konser orkestra, bersama dengan aransemen lagu daerah dan tarian perkotaan populer, mencakup komposisi sutradara sendiri.
Orkestra harmonik kromatik, dipimpin pada tahun 1903-1920 oleh Vladimir Petrovich Hegstrem (1865-1920), seorang mahasiswa N.I., mencapai penguasaan khusus. Beloborodova. Aktivitas konser grup ini meningkat secara signifikan - pertunjukannya berlangsung di St. Petersburg, Voronezh, Kaluga, Penza, Sumy, Kursk. Dan pada bulan Desember 1907, orkestra harmonika mengadakan konser di kuil seni musik yang diakui secara umum - Aula Kecil Konservatorium Moskow.
Sudah di akhir abad terakhir - awal abad ini, orkestra harmonik kromatik lainnya mulai bermunculan. Jadi, bersama dengan orkestra V.P. Hegström pada tahun-tahun pertama abad ke-20 di Tula, kelompok serupa di bawah arahan I.R. Trofimova. Di St. Petersburg, di orkestra yang dipimpin oleh V.S. Varshavsky, instrumen kromatik ditambahkan ke instrumen diatonis, dan perubahan serupa dilakukan pada orkestra yang dipimpin oleh S.L. Kolomensky.
Tapi tetap saja orkestra N.I. Beloborodov dan V.P. Hegström dan kelompok serupa lainnya tidak mendapatkan popularitas luas di seluruh Rusia pada tahun-tahun pra-revolusi. Mereka tetaplah kelompok amatir, dan para pemimpinnya sendiri tidak melakukan banyak upaya untuk mempromosikan secara luas bentuk pembuatan musik ini di negara tersebut.
Munculnya orkestra balalaika V.V. Andreeva
Sejak lahirnya orkestra balalaika, tidak didasarkan pada prinsip pertunjukan ansambel rakyat dengan praktik bunyi subvokal, tidak adanya perbedaan tessitura yang jelas antar instrumen. Prinsip yang sama sekali berbeda menjadi mendasar - pembagian menjadi instrumen tessitura yang berbeda dalam satu keluarga dengan duplikasi bagian-bagian yang serentak, mengkristal dalam proses panjang pembentukan orkestra simfoni.
Saat ini, sudah ada pendapat yang kuat bahwa “Lingkaran”, yang awalnya hanya terdiri dari delapan orang, adalah sebuah ansambel. Penilaian seperti itu didasarkan pada gagasan yang salah bahwa ansambel berbeda dari orkestra dalam hal jumlah peserta. Faktanya, karakteristik kuantitatif sama sekali tidak menentukan di sini. Dalam pembuatan musik cerita rakyat mungkin ada kelompok yang terdiri lebih dari seratus orang - namun demikian, ini akan menjadi ansambel. Jadi, penulis cerita rakyat terkenal Rusia B.F. Smirnov bersaksi tentang kemunculan spontan di wilayah perdagangan wilayah Volga, wilayah Vladimir dan Ivanovo dari ansambel pembuat tanduk gembala, yang “dikontrak” untuk pekerjaan musiman, yang jumlahnya mencapai 120 orang. Sementara itu, beberapa orang sudah bisa menjadi “tulang punggung” orkestra – namun dalam kondisi tertentu berkaitan dengan kepatuhan terhadap prinsip-prinsip yang membedakan orkestra dengan ansambel. Ada dua prinsip seperti itu. Pertama: duplikasi setidaknya satu bagian secara serempak. Dan kedua: pembagian fungsional bagian-bagian menjadi kelompok instrumental. Instrumen komposisi orkestra apa pun selalu dikelompokkan berdasarkan kinerja fungsi orkestra tertentu. Ini bisa berupa garis melodi, suara bass, vokal latar, pengiring akord, pedal, dll. Jika pada kesatuan balalaika tersebut ditambahkan bagian-bagiannya, misalnya balalaika bass dan double bass, yang bukan piano, diberi fungsi bass dan akord, maka tanda kedua ini akan muncul.
Dalam komposisi instrumental Andreev, kedua prinsip tersebut dipatuhi hampir sejak awal pembentukan grup. Lima penampil memainkan bagian prima balalaika secara serempak, masing-masing satu penampil memainkan bagian pertama balalaika piccolo, viola, dan bass. Beberapa saat kemudian, dua musisi mulai menampilkan bagian dari masing-masing jenis tessitura balalaika; Belakangan, ketika komposisi pemain balalaika bertambah menjadi 16 orang (pada pertengahan tahun 90-an), orkestra bertambah karena banyaknya alat musik yang memainkan satu atau beberapa bagian secara serempak. Dan dengan diperkenalkannya domra dan gusli, yang kontras dalam timbre, pada tahun 1896, grup ini telah resmi menerima status orkestra.
Pada saat yang sama, dalam “Lingkaran” Andreev terdapat kombinasi organik dari pertunjukan orkestra akademis dengan unsur-unsur latihan balalaika rakyat: gemeretak sebagai cara bermain yang mendasar, jenis aksentuasi yang khas, dinamika, gerakan hias dan melodi menekankan orisinalitas etnis. dari timbre nyaring instrumen tersebut. Sintesis ini, yang menjadi faktor terpenting dalam “elemen baru dalam musik”, merupakan dasar yang kokoh bagi pelaksanaan tugas-tugas profesional dan akademis yang bermakna dan pada saat yang sama bagi penyebaran luas orkestra balalaika di kalangan massa.

Pembentukan orkestra rakyat Rusia multi-timbre
Seiring waktu, kemunculan rekan-rekan baru yang berbakat di Andreev sangat meningkatkan potensi kreatif tim. Namun, tidak ada pembaruan nyata pada suara orkestra. Kebutuhan untuk memperluas palet timbre menjadi semakin jelas. Untuk mengisi kembali repertoar orkestra Rusia dengan contoh-contoh musik klasik, dan untuk memperluasnya dengan lagu-lagu daerah, dengan subvokalitasnya yang berkembang, muncul kebutuhan mendesak akan dasar melodi yang lebih menonjol.
Perluasan komposisi orkestra rakyat Rusia dilakukan melalui rekonstruksi domra. Pada tahun 1896 A.A. Martynova (saudara perempuan S.A. Martynov, anggota kelompok Andreevsky) menemukan balalaika Vyatka dengan tubuh oval, meniru model V.V. Andreev bekerja sama dengan S.I. Nalimov menciptakan kembali instrumen Rusia kuno dan memperkenalkannya ke timnya.
Pada akhirnya, V.V. Andreev sampai pada pendapat yang sepenuhnya dibenarkan bahwa instrumen yang ditemukan adalah keturunan domra Rusia kuno. Maka pada tahun 1896, terjadi suatu peristiwa yang memiliki arti penting dan mendasar bagi penciptaan orkestra rakyat Rusia. Dan meskipun bentuk dan desain domra sebagian besar ditentukan dan diciptakan kembali secara intuitif, sejak V.V. Andreev hanya memiliki gambar domra, yang tercetak pada cetakan populer rakyat Rusia dan gambar dari buku Adam Olearius; gambar asli domra Rusia kuno abad ke-16, yang kini ditemukan, sepenuhnya menegaskan wawasan mendalam intuisi Andreev.
Di V.V. Andreev mempunyai banyak alasan untuk menyimpulkan bahwa jika kelompok instrumentalis folk, khususnya domrist, dan kemudian pemain balalaika, ada di masa lalu, maka kelompok serupa tidak hanya dapat, tetapi juga perlu dihidupkan kembali, sehingga menjadikan mereka populer kembali. Tentu saja kebangkitan tersebut, menurut Andreev, tidak boleh bersifat stilisasi museum dan hanya dapat berhasil terlaksana jika sedekat mungkin dengan kekhasan pemikiran musik masa kini. Yang tersisa hanyalah menentukan komposisi spesifik kelompok orkestra.
Dengan terciptanya grup domra karena produksi S.I. Nalimov pada tahun 1896, domra kecil dan segera setelahnya viola domra, serta rekonstruksi gusli petik portabel, dilakukan atas inisiatif N.I. Privalov, Andreev akhirnya menyelesaikan sendiri tugas membentuk komposisi instrumental multi-timbre orkestra; Warna-warna baru muncul, dan yang paling penting - dasar melodi dan polifonik yang lega dari repertoar.
Beberapa saat kemudian, pada tahun 1908, seorang peminat terkemuka lainnya dalam pembuatan musik kolektif pada instrumen petik rakyat Rusia, Grigory Pavlovich Lyubimov (1882-1934), dirancang bersama dengan master S.F. Burov domra empat senar kelima dengan penyeteman yang mirip dengan biola. Varietas tessitura domra yang disebutkan ternyata lebih berhasil. Sudah dalam kuartet domra empat senar yang segera dibuat di bawah arahan Lyubimov, tenor domra menempati tempat yang penting. Dan dalam orkestra domra besar yang muncul pada tahun 1920-an, dipimpin oleh musisi ini, double bass domra juga ternyata merupakan grup yang lengkap (orkestra semacam itu tersebar luas di Ural dan Ukraina).
Perlu dicatat bahwa V.V Andreev sama sekali bukan penentang utama domra empat senar, seperti yang biasanya diyakini - ia bahkan menganjurkan penggunaannya, tetapi hanya dengan penyeteman kuart, dalam ansambel kecil, misalnya kuartet domra. Musisi tersebut benar-benar percaya bahwa hal ini dapat secara signifikan memperluas jangkauan ansambel dan kemampuan teknis dari instrumen itu sendiri.
Dengan terbentuknya kelompok komposisi utama, rekan terdekat Andreev, N.P. Sudah pada tahun 1896, Fomin berhasil mengembangkan jenis musik untuk organisme artistik baru - orkestra multi-timbre instrumen rakyat Rusia.
Persiapan pertunjukan publik pertama pada tanggal 23 November 1896 menunjukkan bahwa “Lingkaran Pecinta Balalaika” perlu diganti namanya sesuai dengan esensinya yang berubah, karena sudah ada musisi profesional, bukan amatir. Komposisi instrumentalnya sendiri, selain balalaika, kini dilengkapi domra dan harpa. Orkestra itu diberi nama Rusia Hebat, sesuai dengan wilayah distribusi utama instrumen yang termasuk di dalamnya - Rusia tengah dan utara (sesuai dengan nama waktu itu - Rusia Besar, berbeda dengan, misalnya, Rusia Kecil, yaitu, Ukraina, atau dari Belarus, yang merupakan bagian dari Rusia) .
Perlu diperhatikan transformasi bertahap orkestra balalaika menjadi orkestra multi-timbre: pada mulanya perluasan komposisi dilakukan dengan menambah jumlah balalaika, menduplikasi satu atau beberapa bagian secara serempak. Dengan penggantian nama grup, proses memperkenalkan lebih banyak instrumen baru berlanjut selama beberapa tahun. Dia sangat aktif dalam dua tahun pertama setelah berdirinya Orkestra Besar Rusia.
Jadi, pada tahun 1897, sekelompok alat musik tiup kayu muncul sebagai kelompok episodik - gantungan kunci, ditingkatkan dengan mekanisme katup - ini memungkinkan untuk memasukkan suara tangga nada kromatik yang hilang ke dalam prototipe diatonis. Pipa itu juga muncul di orkestra. Kelompok domra juga berkembang secara signifikan: setelah domra prima dan viola S.I. Nalimov membuat bass (awalnya disebut “domra bassistaya”, sesuai dengan nama salah satu jenis tessitura dari domra Rusia kuno), domra piccolo (“domrishko”). Pada tahun 1898, gusli stasioner yang dipetik diperkenalkan ke dalam orkestra, menggantikan yang portabel, serta sekelompok perkusi: nenek moyang timpani modern Rusia - nakras, serta rebana, diperkenalkan oleh Andreev atas saran M.A. Balakirev. Dengan demikian, pada ulang tahun kesepuluh orkestra pada tahun 1898, inti komposisi modern terbentuk: kelompok balalaika (prima, seconda, viola, bass dan double bass), domra (piccolo, small, viola dan bass), instrumen perkusi , memetik harpa.
Namun komposisi ini tidak diakui oleh Andreev dan rekan-rekannya sebagai sesuatu yang final dan tak tergoyahkan. Eksperimen berlanjut. Beberapa ternyata berhasil dan menjadi mapan dalam praktik orkestra folk, misalnya diperkenalkannya gusli stasioner dengan sistem peredam (string silencer). Mereka dikendalikan menggunakan keyboard satu oktaf (awalnya sistem tombol, kemudian - tuts piano.
Yang kurang menjanjikan adalah gagasan untuk memperkenalkan jenis gusli Rusia lain ke dalam orkestra - gusli bercincin, yang memiliki kemerduan dan timbre keperakan yang jauh lebih besar daripada gusli yang dipetik. Ide ini datang ke Andreev berkat inisiatif musisi-nugget berbakat Osip Ustinovich Smolensky (1872-1920), yang mengorganisir trio gusle dari mereka pada akhir abad ke-19, dan pada awal abad ke-20, bekerja sama. dengan N.I. Privalov - kuartet gusli piccolo, prima, viola dan bass. Beberapa tahun kemudian O.W. Smolensky menciptakan ansambel psaltery yang lebih besar, yang mana zhaleiki ditambahkan dan disebut “Paduan Suara Rakyat dari Gdov Psaltery.”
Pementasan kecapi bercincin dalam bidang tradisi tertulis sangatlah sulit. Oleh karena itu, “Paduan Suara Rakyat Gdov Guslar” O.U. Smolensky tetap menjadi kelompok etnografi berdasarkan tradisi pendengaran, dengan repertoar terbatas hampir secara eksklusif pada adaptasi lagu-lagu rakyat Rusia. Upaya untuk memperkenalkan sistem notasi musik ke dalam pertunjukan jenis ini hingga tahun 50-an abad ke-20 tidak berhasil - diterbitkan pada tahun 1903 oleh N.I. Faktanya, “Sekolah Memainkan Gusli Bercincin” Privalov selama tujuh dekade berikutnya adalah satu-satunya dari jenisnya.
Diselenggarakan pada tahun 1908 di St. Petersburg oleh N.N., acara ini juga tetap unik. Ansambel suara yang terdiri dari enam pemain guslar, yang anggotanya didasarkan pada tradisi musik, serta kelompok berikutnya yang dipimpin olehnya, misalnya, paduan suara guslar dari pabrik Leningrad "Segitiga Merah" yang terdiri dari 35 orang yang dibuat pada tahun 1920-an, tempat pertunjukan didasarkan pada permainan musik dan bagian orkestra.
Gagasan untuk memperkenalkan peluit kuno ke dalam orkestra instrumen rakyat Rusia ternyata lebih tidak menjanjikan. Pada awal abad ke-20, menjadi jelas bahwa perbaikan apa pun akan mengarah pada penciptaan instrumen dawai untuk orkestra simfoni. Dalam bentuk aslinya, dengan bunyi bourdon yang tajam dan tidak berubah, bel tidak sesuai dengan estetika prestasi akademik kelompok Andreev. Untuk alasan yang sama, Andreev sampai pada kesimpulan bahwa tidak pantas untuk terus-menerus menggunakan alat musik tiup rakyat dalam orkestra - zhaleks, pernak-pernik, pipa (pipa pipa) dan lain-lain: kromatisasinya karena pengenalan mekanika katup pasti mengarah pada penciptaan alat musik tiup “klasik”.

Penyebaran orkestra Besar Rusia dan peningkatan signifikansi sosialnya
Fakta bahwa pada awal abad ke-20 lebih dari 200 ribu balalaika dan domra terjual di Rusia sangatlah penting untuk memperkenalkan mereka ke dalam budaya musik masyarakat Rusia. Produksi massal instrumen telah menghasilkan pengurangan biaya yang semakin besar. Semacam “reaksi berantai” lahir: sesuai dengan kebutuhan penduduk, industri memproduksi balalaika dan domra dalam jumlah yang terus meningkat dan dengan demikian berkontribusi pada penurunan harga, dan karenanya meningkatkan jumlah musisi amatir. , pembentukan grup baru yang dibuat mengikuti contoh Great Russian Orchestra .
Jika permainan harmonika orkestra tidak tersebar luas di seluruh Rusia, maka di bidang permainan musik balalaika-domra situasinya berbeda. Selama waktu yang berlalu dari konser pertama "Lingkaran Pecinta Balalaika" pada tahun 1888 hingga konser peringatan yang didedikasikan untuk ulang tahun kesepuluh grup tersebut pada tahun 1898, cabang pertunjukan yang benar-benar baru dibentuk - seni permainan orkestra dalam bahasa Rusia instrumen rakyat yang dipetik. Berbeda dengan ansambel cerita rakyat tertentu yang keberadaannya terbatas secara teritorial (misalnya, paduan suara pemain terompet), budaya orkestra rakyat telah menjadi fenomena yang tersebar luas di mana-mana. Penting bahwa pada saat yang sama ini juga merupakan fenomena kreativitas amatir, yang memberikan kesempatan kepada masyarakat luas untuk mengenal seni asli.
V.V. Andreev terus-menerus mempromosikan pengembangan orkestra amatir. Salah satu arahan yang menjanjikan adalah organisasi lingkaran balalaika di ketentaraan sejak tahun 1891 - para prajurit, setelah menyelesaikan dinas mereka, menjadi propagandis pertunjukan balalaika-domra. Pekerjaan besar Andreev sendirian di pasukan Distrik Militer St. Petersburg, yang dilakukan secara gratis selama beberapa tahun, mencirikannya sebagai seorang musisi-pendidik yang luar biasa.
Namun Andreev dengan tepat melihat arah utama kegiatan pendidikannya dalam menanamkan kecintaan seseorang terhadap alat musik rakyat sejak kecil. Menyadari pentingnya tugas ini, pada tahun-tahun terakhir hidupnya, musisi melakukan upaya yang giat untuk mengorganisir jaringan luas orkestra instrumen rakyat Rusia di berbagai lembaga pendidikan. Pada tahun 1913, atas inisiatifnya, Kementerian Perkeretaapian Rusia memutuskan untuk mendirikan orkestra rakyat Rusia di semua sekolah kereta api di negara tersebut. Pada tahun 1915, ia menyelenggarakan kursus untuk mengajar guru sekolah pedesaan dan paroki memainkan alat musik rakyat - setelah menyelesaikan kursus ini, jaringan kelompok orkestra rakyat akan berkembang secara signifikan. Musisi tersebut juga mengajukan proyek untuk menciptakan “Masyarakat untuk Penyebaran Permainan Instrumen Rakyat dan Nyanyian Paduan Suara”, yang tujuannya adalah untuk membiasakan para guru pedesaan, siswa gimnasium, sekolah kejuruan, dan lembaga pendidikan lainnya dengan instrumen dan paduan suara rakyat Rusia. seni. Dukungan hangat dan aktif terhadap inisiatif Andreev ini dapat dibuktikan dengan fakta bahwa musisi dalam negeri terkemuka seperti F.I. Chaliapin, komposer S.M. Lyapunov, N.F. Soloviev dan lainnya.
V.V. Andreev juga berencana untuk membuat Rumah Musik Rakyat - semacam pusat metodologi untuk karya budaya dan pendidikan serta seni rakyat. Di dalamnya, sangat penting diberikan pada organisasi orkestra dan ansambel instrumen rakyat Rusia di lingkungan desa terluas.
Dengan demikian, komposisi instrumental baru memberikan kontribusi besar terhadap demokratisasi budaya musik dalam negeri. Praktik kelompok amatir, maupun instrumentalis individu, menunjukkan bahwa instrumen folk berwarna, karena kemudahan penguasaannya dan kemampuan artistiknya yang luar biasa, menjadi sarana yang ampuh untuk memperkenalkan budaya musik kepada masyarakat. Gagasan tentang orkestra sebagai salah satu jenis organisasi timbral adalah gagasan yang bersifat khusus. Keadaan ini terutama disebabkan oleh fakta bahwa perbedaan kompleksitas teknis dari bagian-bagian orkestra yang direkam dalam sistem notasi musik memungkinkan untuk mendistribusikan amatir menurut tingkat penguasaan instrumen tersebut (misalnya, dari bagian-bagian dalam kelompok yang terfokus tentang fungsi pengiring dasar bagian melodi). Dan ini, mungkin, dulu dan sekarang merupakan sisi paling signifikannya, yang memungkinkan kita untuk memecahkan masalah paling mendesak dalam pendidikan musik dan seni dari banyak pendengar dan pemain itu sendiri.

Kesimpulan pada bab pertama
1. Salah satu fakta musik paling signifikan yang tercermin dalam kronik Rusia adalah bahwa instrumen tradisi cerita rakyat Rusia digabungkan menjadi berbagai jenis ansambel - baik di rumah para pangeran, dan dalam urusan militer, dan dalam kehidupan rakyat. Ada lebih dari satu deskripsi yang diketahui, secara ringkas dan sekaligus secara kiasan menggambarkan suara musik bela diri yang mengancam sebelum pertempuran, penyerbuan benteng, atau dalam keadaan lainnya. Indikasi tidak langsung tentang penggunaan ansambel dalam kehidupan rakyat hanya terdapat dalam kronik dan monumen bersejarah lainnya. Namun mereka juga mendapat konfirmasi, khususnya, dalam kenyataan bahwa banyak bentuk pembuatan musik ansambel cerita rakyat yang bertahan hingga hari ini memiliki banyak alasan untuk ditelusuri kembali tidak hanya ke zaman komunitas Slavia Timur, tetapi juga ke masa lalu. era sebelumnya.
Yang menarik pada aspek bentuk awal pembuatan musik ansambel, tidak diragukan lagi, adalah kuvikly. Tahap demi tahap era yang berbeda permainan ansambel tercermin secara harfiah di semua tingkat organisasi suara ini instrumen unik. Hubungan ansambel di sini melibatkan komponen suara melodi-harmonik, melodi-ritmik, dan vokal-instrumental.
2. Komposisi spesifik ansambel instrumental Slavia Timur tidak kita ketahui, hanya prinsip memasukkan instrumen ke dalam ansambel yang diketahui: instrumen dari ketiga jenis digabungkan menjadi satu kesatuan - senar, tiup, dan perkusi. Ansambel campuran dengan komposisi acak menyatukan kelompok pemain yang terdiri dari 2-3 orang atau lebih hingga beberapa lusin, dan mungkin ratusan, jika kita memperhitungkan orkestra militer.
Ansambel komposisi kecil yang homogen dan campuran jauh lebih tersebar luas dalam tradisi yang hidup daripada ansambel komposisi besar. Hampir semua instrumen (disebutkan di atas) dapat membentuk ansambel: ansambel kuvikl, terompet, zhaleka tunggal, pipa tunggal, biola, dan balalaika yang homogen diketahui. Ansambel balalaika dengan biola, biola dengan gitar atau simbal, pipa ganda dengan biola, dll direkam. Di beberapa tempat, beberapa ansambel homogen berkembang menjadi tradisi yang stabil, misalnya duet pemain biola Smolensk, ansambel Kursk kuvikl. , ansambel kecil terompet Vladimir, dll., banyak di antaranya masih belum dijelajahi.
3. Upaya awal pengembangan pembuatan musik kolektif muncul segera setelah penciptaan atas inisiatif N.I. Desain harmonika kromatik Beloborodov: pada akhir tahun 1880-an, dari sekelompok pekerja di pabrik senjata dan peluru Tula, ia mengorganisir “Orkestra Lingkaran Pecinta Permainan Harmonika Kromatik”. Untuk tujuan ini, master Tula berbakat L.A. Chulkov, V.I. Baranov dan A.I. Potapov membuat instrumen orkestra dengan berbagai ukuran, tessitura dan karakteristik timbre - piccolo, prima, second, viola, cello, bass dan double bass. Skor yang ditulis oleh Beloborodov terdiri dari 8 bagian dan ditujukan untuk orkestra yang terdiri dari 8-10 orang. Namun pada awal tahun 1890-an, jumlah anggota orkestra bertambah menjadi 16 orang. Program konser orkestra, bersama dengan adaptasi lagu daerah dan tarian perkotaan populer, mencakup komposisi sutradara sendiri.
Fakta bahwa pada awal abad ke-20 lebih dari 200 ribu balalaika dan domra terjual di Rusia sangatlah penting untuk memperkenalkan mereka ke dalam budaya musik masyarakat Rusia. Produksi massal instrumen telah menghasilkan pengurangan biaya yang semakin besar. Semacam “reaksi berantai” lahir: sesuai dengan kebutuhan penduduk, industri memproduksi balalaika dan domra dalam jumlah yang terus meningkat dan dengan demikian berkontribusi pada penurunan harga, dan karenanya meningkatkan jumlah musisi amatir. , pembentukan grup baru yang dibuat mengikuti contoh Great Russian Orchestra .

2 Komponen utama pengorganisasian suatu kolektif

2.1 Perencanaan dan pengorganisasian kerja
dalam grup musik anak-anak

Peluang nyata dalam grup musik anak-anak (waktu pendidikan yang terbatas, pelatihan sukarela, pergantian komposisi grup tertentu, dll.) tidak memungkinkan peserta untuk memberikan pengetahuan teoretis musik yang komprehensif, atau mengenalkan mereka secara luas dan komprehensif dengan seluruh keragaman karya. dari sebagian besar komposer. Dan ini tidak perlu: pendidikan musik umum tidak menyediakan pelatihan kejuruan. Hal ini bertujuan, pertama-tama, untuk mengajar anak-anak memainkan alat musik secara kompeten dan ekspresif, memberi mereka pengetahuan dasar tentang seni musik, dan mengenalkan mereka, sejauh mungkin, dengan karya-karya Rusia dan Rusia yang paling terkemuka. komposer asing.
Jelasnya, beberapa pengetahuan yang penting dalam pendidikan musik profesional tidak diperlukan bagi mereka yang belajar di studio sekolah seni. Jadi, misalnya, peserta tidak perlu memberikan pengetahuan tentang struktur polifonik fugue, teknik memodifikasi temanya, meskipun mereka memerlukan pengetahuan tentang musik dan pencampuran polifonik dasar, dan polifoni: menguasai dasar-dasar polifoni berkontribusi pada pengembangan pendengaran musik, pemikiran dan memori.
Siswa membutuhkan sejumlah pengetahuan yang akan memberi mereka kesempatan, dalam batas yang tersedia bagi mereka, untuk mendiversifikasi pengetahuan mereka tentang musik, mengembangkan kemampuan kreatif mereka, meningkatkan budaya musik mereka secara umum, dan terlibat dalam pendidikan mandiri lebih lanjut.
Berdasarkan kenyataan bahwa pendidikan musik pada kelompok anak dilaksanakan atas dasar karya seni yang ditampilkan, maka dalam proses pembelajaran timbul kebutuhan untuk belajar, pertama-tama, memainkan alat musik. Perhatian juga diberikan untuk menguasai notasi musik, memperoleh keterampilan pertunjukan dan ansambel yang kuat, serta mengembangkan kemampuan bekerja secara mandiri.
Pembelajaran musik tidak dapat dilaksanakan terlepas dari pemahaman unsur-unsur pokok pidato musik seperti, misalnya, mode, meteran, ritme, dll. Oleh karena itu, sudah pada tahap pertama pelatihan, bersamaan dengan pertunjukan dan bersamaan dengan pembelajaran musik. notasi, penting untuk memperkenalkan siswa pada konsep , menjelaskan hukum struktur musik: organisasi tertentu bunyi (modal, meteran ritme), makna ekspresif mode, meteran ritme, tempo, corak dinamis. Dalam hal ini, tentu saja, aksesibilitas pengetahuan yang dikomunikasikan dan repertoar yang ditampilkan untuk siswa pada usia tertentu, persiapan umum dan musik mereka juga diperhitungkan. Pada tahap awal, mereka hanya diberikan hal-hal mendasar dan esensial yang menjadi ciri proses musikal.
Agar siswa dapat memahami seni musik lebih dalam, maka pengetahuannya harus diperkaya dengan informasi tentang genre musik tertentu, tentang kehidupan dan karya komposer, tentang zaman terciptanya karya yang dibawakan, dan tentang ciri-cirinya. gaya musik.
Pola-pola struktur musik dapat diketahui hanya dengan mengetahui struktur struktur musik (frasa, kalimat, titik, bentuk secara keseluruhan), siswa perlu diajarkan konsep-konsep dari bidang ini: memahami struktur dan bentuk musik. komposisi akan membantu tidak hanya untuk mencakup keseluruhan karya, tetapi juga untuk lebih jelas mengidentifikasi maksud artistiknya.
Dalam ilmu estetika dan musikologi modern nilai yang besar diberikan, khususnya, pada masalah seni musik seperti refleksi realitas dengan bantuan gambar musik, logika perkembangannya, saling mempengaruhi. Pengetahuan tentang isu-isu ini sangat penting dalam pendidikan musik dan estetika. Oleh karena itu, perlunya menyadarkan siswa akan pentingnya sarana ekspresif dalam menciptakan sebuah citra musik. Untuk tujuan ini, pada tahap awal pelatihan, perlu untuk menyoroti persepsi beberapa cara ekspresi musik, memberikannya berdasarkan kesan yang diterima sebelumnya.
Tidak mungkin memperdalam pengetahuan tentang bentuk musik tanpa mengkomunikasikan beberapa konsep, misalnya dari bidang harmoni. Oleh karena itu, ketika mempelajari putaran irama, siswa memerlukan pengetahuan dasar tentang pola-pola konstruksi akord, hubungan fungsional dan ketergantungannya, serta makna formatifnya.
Studi komposisi musik secara progresif dan bertahap adalah salah satu aspek terpenting dari proses pendidikan. Kegiatan pedagogis yang bertujuan tersebut termasuk dalam struktur isi pengajaran sebagai salah satu komponen terpentingnya.
Seni musik yang berkembang akhir-akhir ini ditandai dengan semacam “pelanggaran” tradisi musik dan, khususnya, pencarian cara berekspresi baru. Pembaruan kreativitas musik modern terungkap dalam perluasan pola modal, ritme dan intonasi, dalam penggunaan kombinasi harmonik yang tidak biasa, genre sehari-hari yang baru muncul, beberapa bentuk jazz, dan musik ringan. Fenomena-fenomena ini sampai batas tertentu harus tercermin dalam isi pelatihan ansambel dan orkestra anak-anak.
Proses pertunjukan, reproduksi musik, merupakan cerminan persepsi yang diwujudkan secara kreatif. Oleh karena itu, dalam proses pembelajaran memainkan alat musik, teknik pemimpin ansambel ditujukan khusus, pertama-tama, untuk mengembangkan kemampuan mempersepsikan musik pada anak, membina selera musik dan seninya. Hal ini penting karena persepsi musik merupakan dasar dari persepsi musikal dan estetika, dan tanpa pengembangan kemampuan ini, tidak ada aktivitas selanjutnya yang dapat berhasil dilakukan. Perlu diingat bahwa kemampuan tersebut hanya dapat terbentuk melalui bimbingan pedagogi yang terarah dan konsisten.
Diketahui bahwa seni pertunjukan bergantung pada permainan berkualitas tinggi, yang pada gilirannya meningkatkan dampak musik, dan akibatnya, meningkatkan fungsi pendidikannya. Oleh karena itu, agar implementasinya berhasil pendidikan musik Dalam ansambel anak-anak, seseorang tidak dapat membatasi diri pada penampilan musik yang biasa-biasa saja. Mengajarkan permainan harus ditujukan untuk mencapai kinerja artistik dan ekspresif: kinerja berkualitas tinggi adalah salah satu persyaratan pedagogis utama. Dalam struktur konten pelatihan, hal itu harus menempati tempat terkemuka, karena hanya dalam hal ini kelas dalam ansambel dan kegiatan pertunjukan akan mempunyai makna kognitif dan pendidikan.
Permainan ekspresif mengandaikan (selain asimilasi sempurna pengetahuan khusus oleh siswa) adanya kemampuan musik (modal sense, kemampuan persepsi pendengaran, sense musik-ritmik, dll.). Ada hubungan mendalam dan saling ketergantungan antara keterampilan, di satu sisi, dan kemampuan musik, di sisi lain. Misalnya, kurangnya keterampilan pertunjukan yang diperlukan menghambat perkembangan kemampuan musik. Pada saat yang sama, kemampuan musik yang terbelakang menghambat pembentukan minat dalam kelas. Oleh karena itu, kembangkanlah sebagai sarana sikap aktif musik, sebagai motif motivasi untuk berlatih, sangatlah penting. Selain itu, perlu diingat bahwa kemampuan bermusik harus berkembang secara agregat, paralel dan dalam hubungan yang erat, karena tidak dapat berdiri sendiri-sendiri.
Faktor penentu pembentukan keterampilan bermain dan kepemimpinan dalam kerja tim adalah kinerja kolektif, kelompok, dan individu.
Yang sangat penting dalam praktik pembuatan musik kolektif
memiliki pembacaan musik. Ini bentuk yang kompleks aktivitas mental, termasuk operasi mental seperti analisis, sintesis, perbandingan. Jelas sekali, pembentukan pada anak-anak sistem rasional teknik yang memfasilitasi perolehan keterampilan orientasi bebas dalam teks musik dan membacanya dengan cepat harus menjadi salah satu elemen yang sangat diperlukan dari konten pelatihan dalam kelompok musik anak-anak.
Pertunjukan musik tidak mungkin terjadi tanpa pembentukan kualitas kepribadian seperti aktivitas, kreativitas, inisiatif, kemandirian, dan tekad. Artinya kualitas-kualitas tersebut mutlak diperlukan bagi seorang anggota tim.
Demikianlah isi pelatihan dalam kelompok musik anak. Tergantung pada sejumlah alasan obyektif, keadaan seni pertunjukan musik, tuntutan zaman, tingkat perkembangan umum dan musik para peserta, tingkat pelatihan tim secara keseluruhan, hal itu dapat berubah.
Perencanaan kerja. Salah satu syarat keberhasilan penyelenggaraan kelas adalah perencanaan kerja musikal, pendidikan, pendidikan dan pendidikan dan kreatif tim. Merencanakan “kegembiraan hari esok”, menurut A.S. Makarenko, merupakan fungsi terpenting seorang guru, pendidik.
Saat mengerjakan sebuah rencana, penting untuk mempertimbangkan keragaman kegiatan tim yang akan datang, maksud, tujuan pelatihan dan pendidikan, dan memikirkan pilihan cara dan metode yang harus digunakan selama periode pelatihan tertentu. Representasi tujuan dan sasaran pendidikan yang kurang jelas akan mengurangi efektivitas pengaruh pedagogis.
Dalam praktik pembuatan musik kolektif, terdapat beberapa jenis rencana kerja yang masing-masing memiliki tujuan tersendiri yaitu rencana jangka panjang, terkini, dan kalender (tema kalender).
Rencana jangka panjang (tahunan). disusun menurut bidang kegiatan utama ansambel (orkestra) dan terdiri dari bagian-bagian sebagai berikut:

• Tugas utama tim tahun ini.
• Organisasi kegiatan.
• Karya pendidikan dan kreatif.
• Pekerjaan pendidikan dan pendidikan.
• Pertunjukan konser.

Bagian pertama mendefinisikan arah utama kerja tim, ruang lingkup, isi pekerjaan ini, dan menetapkan tugas untuk periode yang direncanakan untuk meningkatkan tingkat kinerja dan mendidik peserta dengan mempertimbangkan persyaratan realitas modern.
Bagian kedua berisi daftar kegiatan yang direncanakan:

• perekrutan dan penambahan tim (melakukan pekerjaan propaganda untuk tujuan ini di sekolah menengah, membuat pengumuman, menyiapkan program radio lokal tentang sekolah dan tim);
• perolehan, perbaikan dan produksi instrumen, konsol, perolehan literatur musik yang diperlukan, kertas musik, pensil, organisasi perpustakaan musik, dll.;
• mempersiapkan dan menyelenggarakan pertemuan anggota ansambel, di mana anggotanya harus dipilih (ketua, pengiring, pustakawan), piagam atau peraturan tentang ansambel (orkestra) harus diadopsi, rencana kerja tahun berjalan harus didiskusikan , dan pertemuan orang tua akan diadakan.

Bagian ketiga mendefinisikan:

• kegiatan untuk meningkatkan keterampilan pertunjukan anggota tim, meningkatkan keterampilan teknis, contoh permainan;
• pelajaran kolektif, kelompok dan individu;
• studi tentang notasi musik, teori musik dasar, solfeggio dan literatur musik;
• melaksanakan pekerjaan latihan;
• repertoar yang diusulkan untuk dipelajari, permainan khusus yang akan dipelajari selama enam bulan.

Di bagian keempat:

• adalah acara yang direncanakan, yang tujuan utamanya adalah untuk mengembangkan budaya moral dan selera estetika para peserta. Acara-acara tersebut meliputi:
• partisipasi dalam pekerjaan budaya dan pendidikan lembaga tempat ansambel beroperasi;
• tamasya;
• ceramah dan perbincangan tentang masalah budaya perilaku, etika dan estetika;
• kehadiran seluruh tim pertunjukan, konser, latihan grup musik lainnya.

Di bagian kelima - "Pertunjukan Konser" - pertunjukan utama yang diusulkan dari ansambel (orkestra) ditunjukkan dalam urutan kronologis:

• dalam konser gabungan yang didedikasikan untuk tanggal-tanggal penting;
• dalam konser dan pertunjukan;
• di sekolah menengah dan lembaga prasekolah;
• dalam konser pelaporan kreatif.

Struktur yang diusulkan untuk perencanaan jangka panjang dari karya tahunan grup musik anak-anak adalah perkiraan. Pemimpin, jika perlu, dapat memberikan bagian terpisah “Repertoar”, “Rapat”, “Latihan”, dll. Perlu diingat bahwa pekerjaan yang direncanakan harus spesifik dan volumenya tidak boleh dilebih-lebihkan.
Menyusun rencana tidak mungkin dilakukan tanpa melibatkan aset seluruh peserta. Rencana yang dibahas dan diterima tim menjadi programnya. Tanggung jawab atas pelaksanaan rencana sepenuhnya berada pada manajer. Ia wajib memikirkan secara detail bagaimana pelaksanaannya, untuk mencapai hasil edukatif dan kreatif yang maksimal dari setiap acara yang diselenggarakan.
Tentu saja, rencana yang matang sekalipun tidak dapat mengatasi berbagai masalah yang harus diselesaikan sepanjang tahun. Oleh karena itu, sangat penting untuk menyusunnya rencana saat ini.
Berbeda dengan rencana jangka panjang yang pelaksanaannya diawasi oleh pihak sekolah, perencanaan saat ini tidak memiliki peraturan yang ketat. Mempersiapkan pelajaran adalah masalah individu semata. Setiap guru berangkat dari kebutuhan nyata akan perencanaan tersebut, dengan mengandalkan pengalamannya dan menggunakan bentuk-bentuk karya kreatif mandiri yang biasa.
Saat merencanakan kerja tim anak-anak, seseorang harus melanjutkan dari perhitungan dua (pada periode awal tiga) kelas per minggu, masing-masing setidaknya dua jam. Jam khusus disediakan untuk pelajaran kelompok dan individu.
Disarankan untuk menyusun rencana kerja saat ini selama satu minggu, yaitu untuk dua (tiga) kelas. Rencana ini mengatur: persyaratan program untuk kelas yang diselenggarakan; repertoar yang digunakan; beberapa teknik dan metode yang paling penting untuk melatih peserta, penggunaan alat peraga tertentu.
Keberhasilan penerapan rencana saat ini akan membantu merencanakan pelajaran individu. Mereka dapat terdiri dari dua jenis: umum dan rinci. Rencana pelajaran yang terperinci memerlukan banyak waktu dari pemimpin, namun signifikansinya dalam pekerjaan pendidikan sangat besar. Mereka menentukan tujuan pelajaran, isi dan skema konstruksinya; pengetahuan apa yang harus diperoleh; metode dan teknik metodologis untuk mengerjakan materi pendidikan, pengajaran dan seni. Waktu dan urutan pelajaran juga ditunjukkan.
Dianjurkan untuk menentukan isi pelajaran untuk setiap jam, dan jika perlu - untuk segmen yang lebih kecil. Pilihan untuk merencanakan pelajaran bergantung pada tugas pendidikan spesifik yang dihadapi tim pada tahap pelatihan ini. Namun, setiap pelajaran harus menjadi penghubung dalam satu sistem.
Saat merencanakan isi kelas, pemimpin memperhitungkan ketentuan didaktik utama - pengajaran yang sistematis dan konsisten, kekuatan asimilasi dan konsolidasi keterampilan dan pengetahuan yang diperoleh. Kita tidak boleh lupa untuk mengulang materi yang dibahas dan memastikan kesesuaiannya dengan pengetahuan yang diperoleh sebelumnya. Setiap pelajaran memberikan materi sebanyak-banyaknya yang dapat dengan mudah dikuasai siswa dalam waktu yang ditentukan. Anda dapat melanjutkan mempelajari tugas-tugas baru hanya setelah pemimpin yakin bahwa siswa telah dengan kuat mengkonsolidasikan apa yang telah mereka pelajari.
Faktor penting dalam keberhasilan penyelenggaraan kelas musik adalah identifikasi materi pendidikan, pemilihan dan penggunaannya sesuai dengan kebutuhan program. Itu dipilih dengan mempertimbangkan perkembangan musik dan kesiapan teknis para peserta untuk setiap periode pelatihan tertentu.
Menyusun rencana kerja merupakan proses kreatif, bukan proses formal. Kemampuan merencanakan pekerjaan sendiri dan kerja tim dengan baik menunjukkan keterampilan dan pengalaman guru. Bagaimanapun, ia harus mengoordinasikan pengaturan dan persyaratan program dengan kondisi nyata dari proses pendidikan.
Rencana yang dibuat untuk tahun ini dan untuk kelas saat ini memusatkan pengalaman kegiatan profesional guru dan oleh karena itu dapat memberikan manfaat yang besar dalam pekerjaannya di masa depan. Dianjurkan untuk menyimpan rencana tersebut dalam arsip pribadi bersama dengan materi didaktik lainnya.
Pertumbuhan keterampilan guru, dan hasil belajarnya, sangat bergantung pada kerja kreatif sehari-hari yang dilakukan di luar tim. Tempat penting dalam pekerjaan ini ditempati oleh perencanaan, yaitu penyesuaian isi pendidikan dengan kondisi di mana anak-anak diajar.
Selain menyusun rencana jangka panjang dan saat ini, manajer juga mencatat kehadiran kelas, meskipun pekerjaan ini dapat dipercayakan kepada aktivis tim. Kolom berikut disorot dalam jurnal: tanggal kelas, nama belakang dan nama depan, kehadiran, waktu kelas, tanda tangan supervisor.
Manajer juga bertanggung jawab untuk menyusun jadwal kelas selama kurang lebih satu bulan (8 - 10 kelas) sesuai dengan skema berikut: tanggal kelas, waktu kelas, bentuk organisasi dan jenis kelas, isi kelas, isi kelas . Jadwal tersebut disetujui oleh pimpinan lembaga.
Pencatatan kelas, pengujian dan penilaian pengetahuan. Semua karya grup musik independen diperhitungkan dengan ketat. Dokumen yang mencerminkan kegiatan pendidikan dan pedagogi adalah “Diary Catatan Pengetahuan”. Komponennya adalah: tanggal, isi kelas, jumlah jam, catatan, tanda tangan pengawas.
Akuntansi yang akurat atas pekerjaan yang dilakukan memungkinkan kami mengidentifikasi hasil kegiatan tim, menetapkan pencapaian dan kekurangan yang ada, yang berkontribusi pada pengorganisasian yang tepat dan peningkatan kelas lebih lanjut.
Mempertimbangkan kesenjangan pengetahuan yang ada memungkinkan manajer untuk menentukan efektivitas metode pengajaran yang digunakan, melakukan pekerjaan yang diperlukan dengan tim, mengatur kelas individu dan kelompok untuk menghilangkan kekurangan tertentu. Hal ini juga memungkinkan untuk memusatkan perhatian siswa untuk menghilangkan kekurangan yang ada dalam pengetahuan teoritis, keterampilan dan kemampuan praktis, dan untuk mencapai kemajuan lebih lanjut dalam penguasaan materi pendidikan.
Bagian integral dari proses pendidikan adalah pengujian pengetahuan, keterampilan dan kemampuan peserta, pelaksanaan yang benar yang secara tegas menjamin kualitas hasil pembelajaran dan efektivitas kelas. Dengan melakukan inspeksi, pemimpin mengidentifikasi pengetahuan yang akan menjadi dasar penguasaan materi pendidikan baru. Menguji pengetahuan memungkinkan pemimpin untuk mengamati proses pembentukannya di seluruh tim, mengidentifikasi karakteristik individu siswa, dan anggota tim untuk melihat hasil usahanya. Hanya sebagai hasil tes, pengetahuan, keterampilan dan kemampuan peserta dapat diidentifikasi dan dinilai secara objektif, yang sangat penting dalam pendidikan.
Penting bagi pengelola untuk mengingat bahwa metodologi pengujian dan penilaian pengetahuan dalam pertunjukan musik amatir memiliki ciri khas tersendiri. Bentuk verifikasi tradisional (yang dilakukan, misalnya di sekolah) tidak dapat diterima di sini. Akuntansi pengetahuan dilakukan terutama dengan memantau keberhasilan yang dicapai peserta, kegagalan dan kesalahan yang dilakukan baik dalam proses pembelajaran praktik maupun teori. Hal ini tidak mengecualikan inspeksi yang diatur secara khusus, namun inspeksi tersebut harus dilakukan dengan sangat hati-hati.
Dalam kondisi independensi, akuntansi lisan dan praktis terutama digunakan. Tempat utama diberikan pada akuntansi praktis, karena penguasaan sempurna atas instrumen, keterampilan pertunjukan dan ansambel adalah yang terpenting.
Berdasarkan tugas yang dihadapi tim selama periode kerja tertentu, manajer menerapkan berbagai bentuk verifikasi. Hal ini dapat berupa, misalnya, penampilan individu oleh peserta dalam bagian ansambel tunggal, bagian individu yang sulit untuk dilakukan, memainkan bahan ajar, dan lain-lain. Lebih baik melakukan tes dalam kelompok atau menguji beberapa siswa yang melakukan bagian umum: peserta merasa lebih santai sambil bermain dikelilingi oleh rekan-rekannya. Pengujian kelompok juga memungkinkan direktur menghemat waktu latihan yang terbatas.
Seiring dengan pengujian keterampilan praktis siswa selama kelas, pengetahuan literasi musik, yang dilakukan dengan menggunakan survei singkat, yang dapat bersifat individual atau frontal. Survei individual membutuhkan banyak waktu, sehingga preferensi diberikan pada survei frontal, yang memungkinkan kita mengidentifikasi gambaran keseluruhan penguasaan siswa terhadap materi pendidikan tertentu. Dan meskipun tes semacam itu tidak memberikan gambaran lengkap tentang kekuatan, kelengkapan dan kedalaman pengetahuan, observasi jangka panjang terhadap jawaban siswa pada akhirnya akan memungkinkan untuk menetapkan secara objektif jumlah pengetahuan yang diperoleh setiap orang.
Akuntansi dan pengujian pengetahuan, seperti diketahui, diakhiri dengan penilaian. Sedangkan pada kelompok anak-anak, penilaian tidak boleh diberikan dalam bentuk poin. Perlu diperhatikan ciri-ciri pendidikan musik massal, yang tidak bertujuan untuk mencapai tingkat pengetahuan tertentu. Tugas utamanya adalah pengembangan musik umum para peserta dan, terutama, pendidikan. Evaluasi biasanya diberikan dalam bentuk persetujuan, pujian, koreksi, dan koreksi kesalahan. Upaya dan keberhasilan siswa harus dirayakan. Penilaian selalu berkaitan dengan harga diri siswa, yang tidak selalu diperhitungkan oleh guru.
Pengetahuan juga harus diperhatikan secara ketat dalam proses menjelaskan dan memantapkan materi pendidikan.
Pendaftaran pendahuluan dilakukan pada saat pengorganisasian kelompok, serta pada setiap awal tahun ajaran untuk menentukan derajat pelatihan musik dan tingkat pengetahuan.
Akuntansi saat ini sangat penting dalam meningkatkan organisasi proses pendidikan. Yang penting di sini bukanlah penilaian terhadap pengetahuan yang diterima siswa sebagai hasil pembelajaran, melainkan identifikasi kekuatan mereka dan penentuan tingkat aktivitas kognitif dan kreatif setiap anggota tim.
Tempat khusus dalam karya ansambel (orkestra) ditempati oleh akuntansi akhir. Dengan membandingkan pengetahuan awal dengan pengetahuan yang diperoleh dari pekerjaan yang dilakukan, pemimpin dapat menilai efektivitas kelas, pertumbuhan musik siswa, dan tingkat kesiapan tim secara keseluruhan. Pembukuan akhir dapat dilakukan pada akhir semester atau tahun akademik.
Salah satu jenis akuntansi untuk organisasi pekerjaan pendidikan di tim anak-anak adalah penampilan publiknya. Ini bukan hanya sekedar pajangan hasil kerja tim sehari-hari, tapi juga pemeriksaan akhir seluruh aktivitasnya. Dalam pelaporan pertunjukan dan pertunjukan, kualitas positif dan negatif dari kinerja ansambel dan tingkat kesiapan sisi organisasi dari proses pengajaran dan pendidikan terlihat jelas.

Dengan demikian, pelatihan dan pendidikan musik dalam suatu kelompok dapat berjalan dengan sukses hanya jika tiga aspek proses pendidikan yang saling berhubungan erat dilaksanakan: pembentukan keterampilan praktis (teknis, pertunjukan musik, ansambel); menguasai pengetahuan tentang dasar-dasar teori musik, hukum-hukumnya, sarana artistik dan ekspresif, tahapan terpenting dalam perkembangan seni musik, arah dan gaya utamanya; pengembangan penerimaan dan daya tanggap terhadap musik, penanaman tujuan, pengendalian diri, kemauan melakukan, aktivitas, serta ciri-ciri kepribadian lainnya dan sifat-sifat aktivitas pedagogis yang penting untuk kinerja. Penguasaan ilmu di atas akan memungkinkan peserta menguasai seluruh kompleks isi pendidikan musik umum dan memberikan kesempatan kepada mereka untuk terlibat dalam kegiatan seni dan kreatif.
Kepatuhan terhadap hal di atas hanya mungkin jika pekerjaan dilakukan pada perencanaan dan pengorganisasian proses pendidikan dalam kelompok musik anak-anak, yang menurut kami merupakan penghubung yang diperlukan untuk meningkatkan efektivitas proses pembelajaran. Tanpa perencanaan logis dan pengorganisasian kegiatan kelompok, hampir tidak mungkin untuk melakukan pekerjaan sistematis untuk meningkatkan tingkat musik secara umum, tingkat budaya umum para anggota kelompok musik.

2.2 Pengaruh kebijakan repertoar terhadap pendidikan
proses dalam ansambel (orkestra)

Pertanyaan tentang apa yang harus dimainkan dan dimasukkan ke dalam repertoar adalah pertanyaan utama dan menentukan dalam aktivitas kelompok mana pun. Pemilihan karya yang terampil menentukan pertumbuhan keterampilan tim, prospek pengembangannya, dan segala sesuatu yang berkaitan dengan tugas kinerja, yaitu cara bermain.
Pembentukan pandangan dunia pelaku dan perluasan pengalaman hidup terjadi melalui pemahaman repertoar, oleh karena itu kesenian dan spiritualitas yang tinggi dari suatu karya tertentu yang ditujukan untuk pertunjukan kolektif merupakan prinsip pertama dan mendasar dalam pemilihan repertoar.
Perhatian khusus harus diberikan ketika memecahkan masalah repertoar di orkestra anak-anak (ensemble) instrumen rakyat Rusia. “Masa-masa bahagia di masa kanak-kanak harus memberi seseorang sayap yang dapat diandalkan: pikiran yang terpelajar dan perasaan yang terpelajar. Semua mata pelajaran sekolah ditujukan untuk membentuk pikiran. Untuk mendidik perasaan - hanya beberapa momen dari kehidupan sekolah. Makanya persyaratannya berlipat ganda untuk karya seni yang akan menjadi teman masa kecil. Sinar matahari, kesederhanaan, kemuliaan - inilah ciri-ciri mereka."
Repertoarnya terutama mencakup musik rakyat Rusia. Lagu daerah yang merupakan sumber budaya musik klasik merupakan sarana yang sangat diperlukan untuk mengembangkan kemampuan dasar musik siswa. Tanpanya, pendidikan musik yang terarah tidak mungkin terjadi. Kualitas lagu daerah seperti kejelasan pola ritme, pengulangan motif berukuran kecil, bait dan variasi bentuk menjadikannya bahan yang sangat berharga dalam pendidikan musik siswa dari berbagai usia.
Terutama sebagai seni dari apa yang disebut genre kecil, musik rakyat Rusia, dengan gambaran musiknya yang tidak terlalu rumit secara psikologis, dapat dipahami dan dipahami. Pada saat yang sama, musik ini tidak menderita primitivisme: unsur penyederhanaan, efek eksternal tanpa konten, dan ilustrasi sederhana adalah hal yang asing baginya.
Dalam bahasa Rusia musik rakyat gambar, sebagian besar dibuat atas dasar genre rakyat, intonasi dan nyanyiannya, mencapai kekuatan yang signifikan, dan meyakinkan dari sisi artistik. Dibedakan oleh kapasitas konten dan kejelasan arahnya, mereka membangkitkan berbagai perasaan, pikiran, dan suasana hati dalam diri para pemainnya.
Tugas repertoar adalah untuk terus mengembangkan dan meningkatkan pemikiran musikal-imajinatif anggota kelompok, aktivitas kreatif mereka, serta memperkaya pengalaman mendengarkan intonasi, “ingatan musik” publik. Hal ini hanya mungkin dilakukan melalui pembaruan dan perluasan materi musik. Koleksi musik klasik yang sangat banyak dapat menjadi salah satu sumber penting pembentukan repertoar. Dibedakan dari kedalaman isinya, karya klasik Rusia dan asing secara signifikan memperkaya cita rasa seni dan meningkatkan minat dan kebutuhan siswa.
Klasik adalah sekolah terbaik yang telah teruji waktu untuk mendidik anggota band dan pendengar. Saat memilih permainan seperti itu, Anda perlu mempelajari dengan cermat sifat dan kualitas instrumentasinya. Sayangnya, setelah instrumentasi yang ceroboh atau tidak memuaskan, permainan kehilangan nilai artistiknya, dan musiknya sulit dikenali oleh telinga. Oleh karena itu, tingkat instrumentasi, kesesuaiannya dengan gaya dan karakter sumber aslinya, terjaganya kekhasan bahasa dan penampilan vokalnya, ciri-ciri ritme dalam penyajian kolektif menjadi syarat utama dalam memilih lakon-lakon tersebut.
Perlunya pemilihan instrumentasi yang cermat juga disebabkan karena karya-karya tersebut sudah dikenal masyarakat luas. Pendengar mengenalnya dalam berbagai interpretasi yang dibawakan oleh berbagai kelompok dan musisi. Tentu saja, setiap penampilan baru mereka tidak hanya membangkitkan minat yang meningkat di kalangan pendengar, tetapi juga ketelitian, “gambaran” yang ketat. Oleh karena itu, lakon-lakon semacam itu dapat disajikan kepada penonton hanya jika lakon tersebut tidak hanya berkembang dengan baik secara teknis, tetapi juga menunjukkan interpretasi kreatif yang orisinal.
Karya-karya yang termasuk dalam repertoar grup harus dibedakan berdasarkan kekhususan intonasi bahasa musik, kejelasan gambar artistik yang khusus, dan ekspresif. Sebagian besar, persyaratan ini dipenuhi oleh karya-karya yang dibuat oleh komposer khusus untuk kelompok instrumen rakyat Rusia.
Prinsip pemilihan repertoar. Untuk pekerjaan akademis Yang terbaik adalah membawakan drama ringan, lagu daerah melodis dan tarian dengan aransemen ringan, serta drama populer yang ditulis untuk anak-anak. Drama-drama ini dimainkan dengan penuh minat oleh siswa dan, biasanya, tidak menimbulkan kesulitan teknis atau artistik yang besar.
Saat mengatur lagu untuk grup awal, domra kecil dan akordeon kancing ditugaskan untuk memainkan melodi (sebaiknya dalam satu oktaf). Balalaika prim - tergantung pada bagaimana musisi menguasai instrumennya - dapat diberi pengiring atau melodi (dengan memetik). Hal ini, dalam arti tertentu, distribusi standar bagian-bagian di antara instrumen berkontribusi pada perkembangan pesat telinga melodi peserta, keterampilan membaca penglihatan, dan memfasilitasi permainan sesuai dengan tangan konduktor.
Dalam prakteknya, masalah repertoar pendidikan harus diselesaikan terutama pada periode kerja pertama, ketika peserta menguasai alat musik, mengembangkan keterampilan bermain kolektif, ketika terjalin saling pengertian yang erat antara peserta dan pemimpin. Di masa depan, latihan, belajar mandiri, dan proses pendidikan didasarkan pada pembelajaran drama-drama yang akan menjadi repertoar konser grup. Namun, tidak dapat diasumsikan bahwa repertoar pendidikan hanya dimainkan di kelas, saat latihan: banyak dari drama pendidikan dimasukkan dalam repertoar konser dan didengarkan dari panggung.
Syarat utama pemilihan karya musik dalam suatu kelompok, sebagaimana telah disebutkan, adalah nilai seni dan estetikanya. Hal ini disebabkan kegiatan kreatif pada umumnya dan fungsi pendidikan pertunjukan musik pada khususnya hanya dapat berhasil dilaksanakan dalam proses reproduksi karya seni yang tinggi. Karya seni yang autentik membangkitkan emosi siswa lebih kuat: isi musik membangkitkan minat, mempertajam persepsi anak, dan membangkitkan kemampuan kreatifnya. Karya musik dengan melodi yang diucapkan berkontribusi pada keberhasilan pembentukan dan pengembangan kecenderungan musik pemain ansambel dan memberikan peluang besar untuk mendidik mereka melek musik.
Persyaratan lain dan juga sangat penting untuk repertoar yang dibawakan adalah aksesibilitasnya. Tingkat kelayakan repertoar untuk ansambel dan masing-masing pesertanya merupakan salah satu faktor utama dalam keberhasilan berfungsinya ansambel (orkestra) anak-anak, pertumbuhannya dan efektivitas perkembangan artistik dan kreatif siswa.
Karya yang dipilih harus terlebih dahulu memenuhi persyaratan aksesibilitas. Artinya, ketika memilih repertoar, hal-hal berikut diperhitungkan: usia, perkembangan umum peserta, jangkauan pengetahuan dan gagasan tentang realitas di sekitarnya, tingkat keterampilan dalam mempersepsikan musik, tingkat respons terhadapnya, pemahaman tentang sarana. ekspresi musik.
Repertoar harus dapat diakses untuk pertunjukan. Karya musik dipilih dengan mempertimbangkan kecanggihan teknis siswa dan keterampilan pertunjukan dan orkestra yang mereka peroleh pada tahap pelatihan dan pendidikan ini. Setiap pelaku wajib menguasai secara sempurna bagian yang ditugaskan kepadanya dan melaksanakannya sedemikian rupa sehingga dapat dinikmati sendiri.
Karya yang termasuk dalam program pertunjukan harus dapat diakses dari segi volume (jumlah materi musik), serta kesulitan tekstur. Namun, pertama-tama, penting untuk memilih karya yang dapat diakses tidak hanya dari segi kesulitan tekstur dan teknis, tetapi terutama dari segi konten. Artinya, bentuk seni suatu karya musik (dalam arti luas) tidak boleh rumit.
Kondisi selanjutnya untuk pemilihan repertoar musik yang benar adalah kelayakan pedagogisnya, yaitu. itu harus berkontribusi pada penyelesaian tugas-tugas pendidikan tertentu dan memenuhi persyaratan metodologis pada tahap-tahap tertentu pelatihan musik siswa.
Repertoar yang dibawakan harus mengembangkan keterampilan pertunjukan dan keterampilan bermain kolektif yang saling berkaitan erat. Dan karena tidak mungkin memperoleh keterampilan yang berbeda dengan menggunakan jenis bahan yang sama, beragam karya dimasukkan dalam program pendidikan (pertunjukan). Dengan demikian, prinsip keberagaman berlaku. Hal ini juga sangat penting untuk pendidikan musik dan estetika kelompok, karena karya seni dari genre, konten, dan fitur gaya yang berbeda memungkinkan perkembangan musik siswa yang terdiversifikasi.
Prinsip minat juga memegang peranan penting dalam pembentukan repertoar. Saat memilih karya musik, penting untuk mempertimbangkan keinginan siswa: pemecahan masalah pendidikan dan pendidikan akan sangat dimudahkan ketika karya yang dibawakan membangkitkan minat anak-anak. Tentunya isi karya musik harus dibedakan dari kecerahan gambar musiknya, menarik, dan menggairahkan secara emosional. Pemimpin harus senantiasa menjaga minat terhadap karya yang dilakukan, menetapkan tugas artistik, pertunjukan, dan kognitif baru bagi peserta kelompok anak.
Yang tidak kalah pentingnya ketika memilih repertoar adalah perkembangan kompleksitasnya secara bertahap sesuai dengan perkembangan musik dan teknis siswa. Pemilihan karya musik yang tidak tepat dan tidak sistematis berdampak negatif terhadap perkembangan musik anak, membuat mereka putus asa, dan menumpulkan minat terhadap kelas.
Jalan dari yang sederhana ke yang rumit - prinsip utama mengenalkan siswa pada seni musik. Kompleksitas karya yang dipelajari meningkat secara bertahap, konsisten dan terus menerus, yang pada akhirnya mengarah pada peningkatan nyata dalam tingkat penampilan kelompok.

Dengan demikian, masalah repertoar selalu menjadi hal mendasar dalam kreativitas seni. Tidak hanya arah seni seni saja yang dihubungkan dengan repertoar, tetapi juga gaya pertunjukan itu sendiri. Repertoar sebagai seperangkat karya yang dibawakan oleh suatu kelompok musik menjadi dasar seluruh kegiatannya dan memberikan kontribusi bagi perkembangannya. aktivitas kreatif peserta, berkaitan secara berkesinambungan dengan berbagai bentuk dan tahapan kerja, baik itu latihan maupun konser, awal atau puncak jalur kreatif kolektif. Repertoar mempengaruhi seluruh proses pendidikan, atas dasar itu pengetahuan musik dan teoritis dikumpulkan, keterampilan bermain kolektif dikembangkan, dan arah artistik dan pertunjukan dari ansambel (orkestra) terbentuk.
Secara umum, seiring berjalannya waktu, setiap kelompok mengembangkan arah repertoar tertentu, mengumpulkan bagasi repertoar yang sesuai dengan komposisi siswa, gaya pertunjukan, tugas kreatif. Setelah mencapai puncak tertentu, setelah mengumpulkan potensi yang cukup untuk pertumbuhan keterampilan baru, tim kreatif sedang mencari landasan untuk pengembangannya dalam repertoar yang lebih kompleks. Dalam pengertian ini, repertoar harus selalu diarahkan ke masa depan, harus terus-menerus diatasi dalam arti tertentu.

Dalam pendidikan tim anak, kepribadian pemimpin memegang peranan besar, dan yang terpenting, sebagai guru dan pendidik. Keinginan untuk memberikan diri kepada anak-anak, keyakinan bahwa tanpa semangat kreativitas seseorang tidak dapat menjadi orang yang benar-benar harmonis dan berkembang - perasaan ini harus dimiliki oleh seorang guru.
Karena kekhasan profesinya, pemimpin kelompok orkestra anak membentuk pandangan, keyakinan, kebutuhan, selera, dan cita-cita anak-anak dan remaja. Ia tidak hanya harus menjadi orang yang terpelajar, fasih dalam masalah-masalah pekerjaan pendidikan, tetapi juga orang yang berkembang secara spiritual dalam arti luhur kata ini.
Profesi guru memerlukan peningkatan terus-menerus dalam kepribadian, pengembangan minat, kreativitas. Sehubungan dengan perkembangan masyarakat, ideologinya, aspek kehidupan sosial ekonomi, dan budayanya, cita-cita profesi pun berubah. Namun pada saat yang sama, dasar profesinya selalu aspirasi humanistik dan hubungan erat dengan aktivitas artistik dan kreatif.
Dalam menyelenggarakan proses pendidikan, faktor pedagogi yang kuat seperti karakter guru, sifat dan kualitas kepribadiannya tidak dapat diabaikan. Seorang guru memiliki karakter yang terlalu kuat dan kemauan yang kuat, aktivitas sosial yang hebat. Dia berusaha melakukan semuanya sendiri, menekan spontanitas anak-anak, membiarkan mereka tidak terlibat dan menjadi penonton yang acuh tak acuh. Yang satu lagi berwatak lembut dan tidak mampu menuntut ketertiban dasar dari siswa. Pengetahuan yang buruk tentang pedagogi dan psikologi, keengganan untuk mengatasi diri sendiri, untuk membentuk karakter seseorang sesuai dengan persyaratan pedagogi memberikan ruang untuk manifestasi langsung dari temperamen, kekejaman atau ketidakberdayaan, tidak menuntut.
Pedagogi menentukan bentuk optimal perwujudan dan pengembangan disiplin dan demokrasi dalam pendidikan, yang dilaksanakan oleh orang yang terlatih khusus dan mempunyai kewenangan pedagogi. Anak dengan sukarela mengikuti guru yang mereka hormati. Dalam kasus lain, hubungan pedagogis hanya didasarkan pada landasan formal, persyaratan eksternal, kehilangan makna pendidikan positifnya dan berdampak negatif.
Konsep “otoritas” secara harfiah berarti pentingnya seseorang yang diakui secara umum, pengaruhnya terhadap masyarakat, dukungan opini publik terhadap gagasan dan aktivitasnya, perwujudan rasa hormat, kepercayaan padanya, bahkan keyakinan padanya: dalam pikirannya, kemauannya. , moralitas, kemampuan untuk berbuat baik, memberikan segalanya untuk tujuan bersama. Esensi, ciri-ciri khusus dan fungsi otoritas pedagogis itu sendiri ditentukan oleh fakta bahwa puluhan dan ratusan mata anak-anak, seperti sinar-X, menyinari dan mengungkapkan keadaan moral kepribadian guru. Seorang pendidik sejati tidak mempunyai pilihan moral lain selain kemurnian, ketulusan, keterbukaan dan keterusterangan. Jika tidak, guru pasti akan kehilangan pengaruhnya terhadap anak dan hak untuk menjadi pendidik mereka. Hakikat otoritas pedagogis adalah pengembangan terus-menerus dari guru terhadap kepribadian sipil, kreatif, manusiawi, spiritualitas sejati, dan kecerdasan. Anak mengedepankan rasa hormat, kepercayaan, dan kasih sayang kepada gurunya, berdasarkan asumsi alamiah akan kualitas kepribadiannya yang tinggi – kepercayaan ini harus dibenarkan.
Kemajuan kepercayaan dibayar, pertama-tama, dengan moralitas yang tinggi. Dalam kondisi modern, melihat kemaksiatan di sekitar mereka di berbagai lapisan masyarakat, bahkan di keluarga dan sekolah mereka sendiri, beberapa anak telah belajar untuk menyalahgunakan dan bahkan meremehkan norma-norma sederhana moralitas universal, yang lain telah menguasai seni kemunafikan dan penipuan publik. Defisit moralitas yang akut telah terjadi di kalangan anak-anak dan remaja. Dalam situasi ekstrim ini, peningkatan moral diri dan tuntutan tinggi guru terhadap dirinya menjadi cara utama untuk memperkuat harga diri. Cepat atau lambat, ketaatan moral terhadap prinsip, kepastian dan ketekunan guru akan menguasai pikiran anak-anak dan memberinya keunggulan pedagogis tanpa syarat, hak untuk memberikan tuntutan moral kepada murid-muridnya.
Syarat penting lainnya bagi kepribadian seorang guru adalah spiritualitas guru, keyakinan kewarganegaraannya yang mendalam, kemampuan mendiskusikan secara terbuka masalah-masalah yang paling mendesak dengan anak-anak, meyakinkan mereka, dan dengan berani mengakui kesalahan dan kegagalannya.
Kewibawaan moralitas dan spiritual serta budaya nilai guru harus dilengkapi dengan kewibawaan pengembangan intelektual, kemandirian penilaian dan pendidikan. Dewasa ini, arus informasi yang beragam di berbagai bidang kehidupan telah meningkat tak terkira. Sebagian besar darinya mengalami konflik tajam dengan stereotip dan klise yang ada dalam kesadaran dan pemikiran. Hal ini menempatkan pendidik, pembimbing spiritual anak-anak dan remaja pada posisi yang sangat sulit. Untuk memahami secara mendalam dunia rohani Generasi muda, untuk menjadi penguasa pemikiran, perlu mengatasi kontradiksi-kontradiksi dalam diri mereka antara pandangan-pandangan kanonisasi yang ada tentang budaya, cara-cara perkembangannya oleh seorang anak dengan situasi sosial budaya yang nyata, terkadang tidak sesuai dengan kerangka apapun. Cara terbaik untuk menjalin interaksi pendidikan dan memperkuat wibawa guru dalam hal ini adalah toleransinya, kurangnya penilaian kategoris dan tekanan pada jiwa. Keterlibatan anak dalam dialog akan memaksanya berpikir, ragu, beralih pada sumber informasi, karya seni dan budaya, serta berkembang secara spiritual ke arah sikap mandiri dan kritis terhadap kehidupan. Ketika anak-anak menjadi dewasa dan menjadi lebih kaya secara spiritual, penilaian dan penilaian yang lebih umum akan terbentuk dalam pandangan dan keyakinan guru dan siswa. Perbedaan pendapat yang tersisa juga akan memainkan peran pendidikan positifnya, memperkuat wibawa guru. Bagaimanapun juga, hakikat pendidikan tidak harus mencapai kebulatan suara, memasukkan dogma-dogma resmi dan gagasan-gagasan stereotip ke dalam benak anak-anak. Hal ini agar anak dapat menunjukkan kemandirian berpikir, keinginan untuk mengungkap kebenaran, mengembangkan kemandirian dalam menilai, kemandirian kepribadiannya sendiri. Dialog antara guru dan anak tentang isu budaya, yang hanya didominasi oleh satu kekuatan - kekuatan pemikiran, pengetahuan, argumentasi, menjadikan otoritas alami dan tahan lama.
Pengorganisasian proses pedagogis yang efektif tidak mungkin terjadi tanpa otoritas ketertarikan manusia, tanpa niat baik dan simpati timbal balik antara guru dan anak. Ketertarikan timbal balik moral dan estetika adalah suasana interaksi pedagogis yang paling menguntungkan dan efektif. Pengaruh daya tarik manusia muncul pada diri seorang guru bukan hanya karena pengetahuan dan perkembangan intelektualnya. Terbentuk sebagai konsekuensi dari bakat minat manusia, kecintaan guru terhadap orang lain. Inilah bakat menghormati kepribadian anak, bersimpati terhadap permasalahan dan pengalamannya, menuntut bantuan kepadanya dalam pengembangan spiritualitas, kecerdasan, martabat dan harga diri. Cinta pedagogis sejati adalah tanggung jawab yang dirasakan secara mendalam atas kehidupan dan masa depan anak-anak, tekad yang kuat untuk membimbing mereka menuju kebaikan, kebahagiaan sipil dan pribadi melalui mengatasi diri sendiri dan hambatan eksternal. Hanya seorang guru yang penuh kasih, seorang pendidik sejati, yang mengabdikan seluruh kekuatannya untuk mengatur kehidupan kerja kreatif anak-anak, mengajar mereka untuk memiliki tujuan dan menuntut diri sendiri. Mengajari mereka persahabatan dan kebaikan. Ia merasakan kegembiraan dan kepuasan moral dan estetika dalam berkomunikasi dengan anak-anak, merasakan momen kebahagiaan, melihat keberhasilan murid-muridnya.
Seorang guru yang berwibawa menyapa anak-anak dengan sisi berbeda dari kepribadiannya yang beragam: ia bertindak sebagai organisator, pengamat yang tertarik, penasihat, demokrat, pemimpin, kawan, dan teman yang berprinsip, pantang menyerah, menuntut.
Oleh karena itu, memperoleh dan mempertahankan wibawa sebagai seorang guru merupakan suatu pekerjaan yang rumit dan melelahkan untuk meningkatkan kondisi rohani dan jasmani seseorang. Anda harus terus-menerus memperjuangkan otoritas. Jika seorang guru berhenti mengikuti perkembangan peristiwa, tidak mengurus dirinya sendiri, merendahkan diri dalam kehidupan sehari-hari, mengambil jalur keakraban dan formalisme dalam hubungan dengan anak, mengasingkan diri dari anak, tidak peduli apa otoritas pedagogisnya pada awalnya, dia membusuk seiring dengan hancurnya kepribadian guru. Oleh karena itu, penting bagi seorang guru untuk senantiasa menjaga bentuk “kewibawaannya” dan melakukan pendakian spiritual dan moral. Ini berarti Anda perlu menganalisis secara serius hubungan Anda dengan anak-anak, merenungkan secara kritis perilaku Anda, dan mengatasinya kelemahan mental, kebodohan, tidak berperasaan, kesombongan dan kesombongan yang murahan, pertahankan martabat manusia dan kehormatan pedagogis, untuk menjaga hati nurani Anda dalam kondisi respons yang sensitif. Otoritas bukanlah tujuan itu sendiri dan bukan suatu nilai itu sendiri. Ia memperoleh makna dan efektivitas pedagogis bukan ketika digunakan sebagai kekuatan pengaruh administratif yang kuat, penentangan terhadap anak-anak, atau pemeliharaan ketertiban eksternal. Nilainya terungkap sepenuhnya ketika kekuatan spiritualnya ditujukan untuk mengembangkan dalam diri murid, kemauan bebas dan moral, bakat, tanggung jawab, penegasan diri dan ekspresi diri yang kreatif.
Komunikasi langsung dengan anak, pengaruh spiritual dan nilai terhadap mereka menuntut perhatian yang lebih besar dari pemimpin terhadap pengalaman mental dan keadaan anak, pembentukan kualitas pribadi dan kemampuan individu. Seorang anak terbentuk sebagai kepribadian dan individualitas ketika guru berupaya menerjemahkan rangsangan eksternal yang bernilai sosial ke dalam motif internal perilakunya, ketika ia sendiri mencapai hasil yang berharga secara sosial, sambil menunjukkan tekad, kemauan dan keberanian. Pengaruh pendidikan sangat besar ketika pendidikan, pada setiap tahap perkembangan usia, berkembang menjadi pendidikan mandiri, dan anak berubah dari objek pendidikan menjadi subjeknya.

2.4 Model pedagogi pengorganisasian kolektif
bermain musik di sekolah seni anak-anak
Model ini didasarkan pada program kursus “Ensemble of Russian Folk Instruments” untuk sekolah seni anak-anak.
Bagian organisasi dan metodologi.
Target pelatihan musik dalam ansambel instrumen rakyat Rusia - untuk memberikan pengetahuan kepada peserta, mengembangkan keterampilan yang berkontribusi pada pendidikan seni, pembentukan dorongan kreatif, pandangan estetika, dan cita-cita mereka.
Berdasarkan tujuan umum pendidikan musik massal, pemimpin dihadapkan pada tugas pendidikan dan pendidikan sebagai berikut: tugas:

• mengembangkan kemampuan musikal siswa, membantu meningkatkan tingkat pengetahuan dan keterampilan siswa;
• memperluas cakrawala artistik mereka secara umum;
• membangkitkan keinginan untuk berpartisipasi dalam kreativitas seni, menjadi promotor aktif budaya musik;
• meningkatkan keterampilan artistik dan teknis siswa.

Persyaratan tingkat penguasaan isi mata kuliah:
Sebagai hasil dari mempelajari kursus “Ensemble Instrumen Rakyat Rusia”, siswa harus tahu:

• organisasi kegiatan ansambel;
• dasar-dasar iringan instrumental;
• prinsip pemilihan repertoar;
• aturan latihan dasar;
• taktik untuk menyusun program konser.

Mampu:

• menganalisis pekerjaan yang sedang dipelajari;
• membaca penglihatan;
• membuat instrumentasi dan aransemen ansambel;
• mengerjakan repertoar artistik;
• menganalisis kondisi organisasi dan metodologi untuk mengadakan pertunjukan konser.

Punya ide tentang:

• penyetelan alat musik yang benar;
• keterampilan awal bermain ansambel.

Program kursus "Ensemble of Russian Folk Instruments" dirancang selama 1 tahun dan diperkenalkan pada tahun ketiga studi. Kursus studi melibatkan kelas praktis dan teoritis.
Di penghujung tahun, ansambel menampilkan program konser.

ISI TOPIK KURSUS
Topik 1. Pendahuluan
Merencanakan pekerjaan ansambel. Perencanaan karya ansambel musik-pendidikan, pendidikan dan pendidikan-kreatif. Maksud dan tujuan pelatihan. Tugas utama ansambel tahun ini: arah kerja ansambel, volume, konten.
Organisasi kegiatan - kegiatan yang direncanakan: perekrutan ansambel, pemilihan aset, penerapan piagam atau peraturan tentang ansambel.
Karya pendidikan dan kreatif: kegiatan untuk meningkatkan keterampilan pertunjukan anggota ansambel; meningkatkan keterampilan teknis; pelajaran kolektif, kelompok dan individu; melakukan pekerjaan latihan; repertoar pendidikan dan konser.
Pekerjaan pendidikan dan pendidikan: partisipasi dalam pertunjukan konser; tamasya; ceramah dan perbincangan tentang masalah budaya perilaku, etika dan estetika; kehadiran ansambel pada pertunjukan, konser, latihan grup musik lain; karya ansambel aktif dengan tim.
Pertunjukan konser: pertunjukan ansambel yang diusulkan.
Literatur:7 , 16 , 22 , 39 , 78 .

Topik 2. Tahap awal pelatihan dalam ansambel
Instrumen rakyat Rusia
Isi kelas. Pelatihan dan pendidikan musik dalam ansambel. Pembentukan keterampilan praktis (teknis, pertunjukan musik, ansambel). Pertunjukan kolektif (ensemble), kelompok dan individu.
Menguji kemampuan bermusik (modal sense, kemampuan persepsi pendengaran, sense musik-ritmik, dll).
Distribusi siswa berdasarkan instrumen.
Pencatatan kelas, pengujian dan penilaian pengetahuan. Dukungan material untuk ansambel. Aturan penyimpanan alat musik.
Literatur:16 , 22 , 39 , 49 .

Topik 3. Mengajarkan keterampilan artistik dan teknis
Asrama siswa. Kemampuan untuk mengatur instrumen dengan benar.
Mempelajari karya 2 dan 3 sederhana bentuk pribadi dengan kecepatan lambat atau sedang.
Mempelajari karya-karya yang mengiringi lagu dan roman sederhana. Studi karya dengan elemen individual tekstur polifonik.
Mempraktikkan teknik pemindahan pola melodi dalam suatu ansambel dari satu suara ke suara lainnya. Mempraktikkan teknik pelaksanaan pukulan dasar secara bersama-sama, sinkopasi dan fermata.
Literatur:7 , 34 , 39 , 56 , 73 .

Topik 4. Mengajarkan keterampilan artistik dan teknis
(kelanjutan)
Pengembangan pemikiran ansambel: prinsip analisis dasar karya yang dipelajari (melodi, harmoni, gema, ritme meteran, dll); mengembangkan kontrol pendengaran yang konstan atas kemurnian intonasi bagian seseorang; perolehan keterampilan awal bermain ansambel.
Kombinasi kelas untuk suara individu, kelompok dan seluruh ansambel.
Mempraktikkan nuansa “forte” dan “piano” dengan menggunakan materi instruksional dan teknis. Keterampilan membawakan suatu karya dengan tempo lambat dan sedang.
Literatur:6 , 34 , 39 , 58 , 73 .

Topik 5. Repertoar musik dan seni -
dasar dari proses pendidikan
Masalah repertoar. Kualitas seni dan spiritual yang tinggi dari sebuah karya musik merupakan prinsip dasar dalam pemilihan repertoar. Musik rakyat Rusia adalah seni genre kecil. Lagu rakyat. Kopling dan variasi bentuk. Intonasi dan nyanyian. Klasik. Karya asli untuk ansambel instrumen rakyat Rusia.
Prinsip pemilihan repertoar. Nilai seni dan estetika suatu karya. Aksesibilitas untuk persepsi dan eksekusi. Repertoar pendidikan dan konser.
Literatur:13 , 14 , 15 , 22 , 38 , 49 .

Topik 6. Latihan kerja
Latihan adalah mata rantai utama dari semua pekerjaan pendidikan, organisasi, pendidikan dan pendidikan.
Rencana latihan. Menyiapkan alat. Melakukan gladi bersih: memainkan tangga nada dan latihan, membaca sekilas, mengerjakan repertoar.
Aturan latihan ansambel. Disiplin ansambel. Ikuti semua instruksi dalam catatan dengan akurat. Kebersihan gedung. Kejelasan, serangan suara yang monoton, penghentian suara secara bersamaan.
Literatur:7 , 16 , 39 , 43 , 49 , 59 , 73 .

Topik 7. Mengerjakan repertoar seni
Bekerja pada repertoar artistik. Pengungkapan isi lakon, sifat tema utamanya. Bentuk karya. Kesulitan yang diharapkan, cara mengatasinya. Tujuan mempelajari sepotong. Mendengarkan karya rekaman. Pertunjukan pengantar lakon oleh seluruh ansambel. Kerjakan sepotong demi sepotong.
Karya konser berbentuk besar. Kerjakan nuansa, ungkapan, tempo, agogi. Drama bentuk kecil (pawai, lagu, tarian).
Literatur:14 , 15 , 22 , 38 , 49 .

Topik 8. Meningkatkan yang telah dipelajari dan dikuasai sebelumnya
prinsip-prinsip baru untuk mempelajari karakteristik partai
ansambel instrumen rakyat
Bekerja dengan suara, kelompok, dan dengan komposisi seluruh ansambel. Bekerja pada pengembangan pemikiran ansambel: hubungan antara fungsi ansambel, kinerja elemen tekstur oleh kelompok ansambel tertentu, memahami peran bagian ansambel dan menciptakan gagasan pendengaran tentang suara sebenarnya dari materi musik.
Pemilihan repertoar dengan dasar melodi yang lebih berkembang, dengan struktur ritme yang lebih kompleks, dalam ukuran yang bervariasi, dengan sebutan tempo yang lebih cepat dibandingkan karya-karya yang dipelajari sebelumnya.
Meningkatkan keterampilan bermain ansambel, melatih teknik penyampaian figurasi harmonis, mempelajari dan melatih pukulan baru, penyusunan kata-kata kelompok individu dan ansambel secara keseluruhan, nuansa “fortissimo” dan “pianissimo”; dimasukkannya permainan dengan tekstur polifonik; pengembangan keterampilan membaca penglihatan.
Literatur:7 , 34 , 39 , 56 , 73 .

Topik 9. Ciri-ciri iringan instrumental
Iringan. Kekhususan bekerja dengan vokalis dan paduan suara.
Perkenalan, keterampilan bermain pengangkutan berbagai kunci. Pengetahuan tentang analisis bentuk, gaya, dinamika, agogis suatu karya sebagai dasar untuk mengembangkan pemahaman tentang tugas-tugas pengiring.
Sifat pengiring pada saat pertunjukan, perkenalan, dll.
Pengembangan pendengaran batin melalui transposisi dan pembacaan penglihatan berbagai karya.
Perkembangan aktivitas pendengaran, pengertian melodi dan harmonik, pengembangan teknik tekstur dan harmonik.
Peran sekunder ansambel dalam mengiringi instrumentalis dan penyanyi.
Literatur:59 , 78 .

Topik 10. Prinsip dasar instrumentasi dan penataan
Aturan dasar transkripsi dan instrumentasi.
Fitur vokal dan karya instrumental untuk ansambel instrumen rakyat Rusia.
Melodi, harmoni, pedal, bass, tekstur. Pembagian fungsi antar kelompok ansambel. Ciri-ciri khusus kelompok ansambel.
Fitur transkripsi untuk berbagai jenis ansambel.
Pemrosesan dan transkripsi.
Literatur:39 , 49 , 59 .

Topik 11. Peningkatan dan pengembangan antar peserta
kualitas artistik dan pertunjukan
Kelanjutan kelas dalam kelompok untuk membangun keseragaman yang lebih besar dalam pukulan, penjarian dan metode produksi suara pada instrumen serupa, untuk mengintensifkan pekerjaan multifaset untuk mencapai berbagai keterampilan bermain ansambel. Mempraktikkan nuansa peralihan: dari “piano” dan “forte”, dari “pianissimo” ke “fortissimo”, dari “forte” ke “piano” dan dari “fortissimo” ke “pianissimo”. Perubahan bertahap dan tiba-tiba.
Dimasukkannya karya-karya dalam repertoar ansambel yang membutuhkan pengetahuan lebih dalam tentang landasan teori musik. Pengembangan lebih lanjut pemikiran ansambel, pencarian tindakan artistik dan ekspresif anggota ansambel.
Literatur:7 , 34 , 39 , 56 , 73 .

Topik 12. Persiapan dan penyelenggaraan pertunjukan konser
Pertunjukan konser adalah indikator kualitatif dari semua pekerjaan organisasi, pendidikan, kreatif dan pendidikan. Prinsip-prinsip organisasi untuk menyelenggarakan pertunjukan konser oleh ansambel.
Analisis kondisi organisasi dan metodologi untuk mengadakan konser.
Keadaan emosional dan psikologis anggota ansambel. Kemeriahan panggung. Penentuan tempat-tempat yang paling rentan dalam lakon.
Taktik menyusun program konser. Mempertimbangkan tujuan dan tempat pertunjukan - konser, malam gala, hari libur; tingkat kesiapan musik - usia pendengar, pekerjaan, pengalaman musik.
Sastra: 16, 34, 38, 39, 56, 59, 78.

Daftar contoh pertanyaan dan tugas kontrol
untuk pekerjaan mandiri

• Buat daftar aturan dasar untuk menyimpan alat.
• Bagaimana aturan penyeteman alat musik (balalaika, domra).
• Analisislah karya yang sedang Anda pelajari (bentuk, melodi, intonasi, nada suara, dll).
• Apa prinsip dasar pemilihan repertoar?
• Apa rencana latihannya?
• Sebutkan aturan bermain musik kolektif.
• Sebutkan aturan-aturan untuk mengerjakan repertoar artistik.
• Sebutkan dasar-dasar pengiring instrumental.
• Jelaskan secara spesifik bekerja dengan vokalis atau paduan suara.
• Buat daftar aturan membaca catatan dari selembar kertas.
• Apa peran ansambel dalam mengiringi instrumentalis dan penyanyi?
• Sebutkan fungsi utama ansambel.
• Apa ciri-ciri khusus kelompok ansambel?
• Sebutkan aturan dasar penataan dan instrumentasi.
• Sebutkan prinsip-prinsip organisasi dalam mengadakan pertunjukan konser.
• Apa aturan dalam menyusun program konser?

Perkiraan repertoar ansambel Rusia
instrumen rakyat

• Dan aku di padang rumput. Rusia kata keterangan lagu. Arr. A.Kornetova. (2)
• Andreev V. Kupu-Kupu. Wals. (13)
• Brahms I.Waltz. (3)
• Budashkin N. Melampaui pinggiran yang jauh. sl. G.Akulova. (7)
• Bulakhov P. Lonceng saya. sl. AK.Tolstoy. (6)
• Ada pohon birch di ladang. RNP Arr. Yu.Naimushina. (1)
• Gavrilin I. Rubah dan berang-berang. Instr. V.Smirnova. (2)
• Handel G.F. Fugetta. (12)
• Glinka M. Jangan berkicau, burung bulbul. Ukraina kata keterangan lagu. (4)
• Hujan. Tarian rakyat Ukraina. (13)
• Jordansky M. Pribautka. (3)
• Seperti padang rumput. Rusia kata keterangan lagu. Arr. A.Zvereva. (10)
• Kamarinskaya. Lagu rakyat Rusia. Arr. V.Chunina. (1)
• Londonov P.Chatushka. (8)
• Mainan Nesterov A. Vyatka. Instr. A.Girsha. (9)
• Ostrovsky A. Mainan lelah tidur. sl. Z.Petrova. (1)
• Akankah saya pergi, akankah saya keluar. RNP Arr. P.Gracheva. (4)
• Polianka. Tarian Ural. Arr. V.Konova. (10)
• Rowanushka. Lagu rakyat Rusia. Arr. A. Novikova, inst. G.Andryushenkova. (4)
• Smirnov V. Beruang itu sedang menari. (1)
• Solovyov Yu. (13)
• Tamarin I. Multilotto. (10)
• Bernyanyilah di taman, burung bulbul kecil. Rusia kata keterangan lagu. Arr. V.Konova. (11)
• Bulu B. Lagu pengantar tidur. Instr. D.Golubeva. (3)
• Tchaikovsky P. Dua bagian dari "Album Anak-anak" - Refleksi pagi. Lagu/instrumentasi Prancis kuno oleh A. Hirsch.(10)
• Sebuah lagu pendek. Lagu rakyat Rusia. (13)
• Shainsky V. Tolong jangan mengeluh. sl. M.Lvovsky. Untuk paduan suara anak-anak dengan orkestra. Instr. V.Gleichman. (10)
• Shalov A. Drummer yang ceria. Instr. V.Konova. (9)
• Shirokov A. Tarian bulat liris. (6)
• Shirokov A. Pembukaan kecil yang disambut baik. (10)
• Shostakovich D. Waltz-lelucon. Instr. G.Andryushenkova. (4)
• Schumann R. Sinterklas. Instr. V.Smirnova. (1)

Koleksi perbendaharaan

• Ansambel instrumen rakyat Rusia anak-anak sedang dimainkan. Edisi 1 - skor / Komp. V.Smirnov. - M.: Musik, 1983 - 112 hal.
• Ansambel instrumen rakyat Rusia anak-anak sedang dimainkan. Jil. 2 - skor / Komp. V.Smirnov. - M.: Musik, 1984 - 80 hal.
• Ansambel klub instrumen rakyat Rusia. Jil. 3 - skor. / M.: Musik, 1980 - 98 hal.
• Potongan mudah untuk ansambel instrumen rakyat Rusia anak-anak - skor. / Komp. A.Komarov. - L.: Musik, 1978 - 159 hal.
• Untuk permulaan orkestra instrumen rakyat Rusia. Edisi 3 - skor. / Komp. G.Navtikov. - M.: Musik, 1976 - 112 hal.
• Untuk permulaan orkestra instrumen rakyat Rusia. Jil. 4 - skor. / Komp. I. Oblikin. - M.: Musik, 1977 - 63 hal.
• Ansambel awal instrumen rakyat Rusia. Jil. 10 - skor. / Komp.V. Viktorov. - M.: Musik, 1980 - 88 hal.
• Karya untuk ansambel pemula instrumen rakyat Rusia. Jil. 10. - skor. - M.: Musik, 1979. - 64 hal.

9.- 11. Repertoar ansambel sekolah instrumen rakyat Rusia. / Komp. A.Girsh. - Jil. 1.L., 1988; Jil. 2.1989; Jil. 3.1990.
12. Pembaca untuk ansambel sekolah. Karya komposer asing. Jil. 1 - skor / Komp. S.Shtamer. - M.: Musik, 1991. - 157 hal.
13. Chunin V. Orkestra rakyat Rusia modern. - M.: Musik, 1981. - 96 hal.

Pekerjaan metodologis dengan ansambel instrumen rakyat Rusia adalah proses yang kompleks dan beragam. Hal ini terkait dengan implementasi program ekstensif tindakan organisasi, pedagogi, manajerial, artistik, dan kinerja. Setiap arah dalam praktiknya memiliki logika internalnya sendiri, pola dan prinsipnya sendiri. Tanpa pengetahuan dan analisis kritis mereka, pengorganisasian yang cukup efektif tidak hanya kegiatan latihan artistik, kreatif, pendidikan, pendidikan, tetapi juga memastikan proses pedagogis secara keseluruhan tidak mungkin dilakukan.
Bekerja dalam ansambel instrumen rakyat Rusia harus memenuhi sejumlah persyaratan pedagogis, yang menjadi sandaran kegunaan pelatihan dan pendidikan siswa. Yang utama adalah:

• Subordinasi konten pelatihan, semua jenis karya pendidikan musik, sarana dan metode pedagogis ke satu tujuan - pendidikan musik dan estetika aktif anggota ansambel, mereka perkembangan seni. Hal ini memerlukan pelatihan yang tepat bagi pemimpin ansambel, yang harus memahami dengan jelas maksud dan tujuan pendidikan musik massal, memiliki pengetahuan pedagogi umum dan khusus yang diperlukan, menguasai isi materi pendidikan, dan berbagai metode, bentuk dan sarana. pengajaran.
• Saling ketergantungan tugas pendidikan dan pendidikan, terjalinnya kesatuan yang utuh, keterkaitan yang tidak dapat dipisahkan antara pendidikan musik dan pengasuhan dalam proses pembelajaran memainkan alat musik. Hal ini difasilitasi oleh pengungkapan konten materi pendidikan yang terampil dan bijaksana, kegiatan pedagogis yang diarahkan secara khusus, yang memberikan pelatihan pendidikan dalam proses kelas musik.
• Kesesuaian dengan logika membangun proses pendidikan, yang mengandaikan suatu sistem integral dalam membangun kursus dan isi pendidikan musik, menentukan urutan bagian-bagian mata pelajaran, bagian materi teoritis dan musik yang berurutan, yang menjamin terbentuknya harmonis. sistem pengetahuan.
• Metodologi pembelajaran musik didasarkan pada sistem prinsip didaktik, penerapannya secara konsisten dalam proses pendidikan nyata. dasar aplikasi kreatif prinsip didaktik umum adalah kemampuan pemimpin untuk menggabungkannya secara organik dengan metode dan teknik pengajaran musik tertentu.
• Pertimbangan yang ketat terhadap pola psikologis aktivitas musik, yang mengandaikan, khususnya, pengetahuan tentang jenis kelamin dan karakteristik usia anak-anak, tingkat pelatihan musik mereka dan tingkat perkembangannya, serta kekhasan fungsi ansambel sebagai sebuah utuh. Kondisi proses pendidikan dan faktor lainnya memerlukan diferensiasi dan individualisasi pelatihan. Kepentingan khusus diberikan pada pengaktifan perhatian dan minat.
• Memastikan sisi organisasi yang mapan dari pekerjaan pendidikan ansambel, menggunakan masalah organisasi untuk tujuan pendidikan.

Mengerjakan sebuah karya musik
Sebutkan beberapa ketentuan metodologis yang diperlukan untuk bekerja dengan ansambel pada karya apa pun:

• Hanya karya yang bernilai seni yang boleh dimasukkan dalam repertoar.
• Sebelum Anda mulai mengerjakan karya Anda, beri tahu kami tentang isinya, sejarah penciptaannya, dan penulisnya.
• Merumuskan dengan jelas tujuan artistik dan teknis yang dikedepankan dan secara tegas menuntut pelaksanaannya.
• Gabungkan tugas praktis dengan diskusi.
• Bagikan repertoar yang telah dilatih secara berurutan. Selama jam pertama latihan, Anda perlu mengerjakan bagian yang lebih kompleks yang memerlukan perhatian dan usaha khusus. Lambat laun, dengan munculnya rasa lelah, perhatian berkurang, sehingga latihan paruh kedua menjadi kurang produktif.
• Jika perlu, lakukan perubahan editorial pada penyajian bagian ansambel.
• Temukan metode Anda sendiri untuk berkomunikasi dengan para pemain.

Selama latihan, penampilan ansambel tidak boleh dihentikan karena kesalahan yang sesekali dilakukan oleh masing-masing pemain. Cobalah untuk menarik perhatian pemain dengan isyarat atau kata-kata dan perbaiki kesalahannya tanpa menghentikan permainan ansambel. Sering berhenti tanpa kebutuhan khusus melelahkan dan membuat jengkel para pemain serta menyebabkan hilangnya minat kreatif terhadap karya yang sedang dilatih.
Bertekunlah dalam mencapai tujuan artistik Anda. Mendorong semua manifestasi inisiatif kreatif yang bertujuan untuk meningkatkan suara karya.
Dengan demikian, ketentuan teoretis yang diusulkan didasarkan pada praktik, pengalaman kelompok profesional dan amatir terbaik, ulasan para spesialis dan ahli budaya dan seni yang luar biasa. Jalur yang dipilih menurut kami optimal, berdasarkan tingkat perkembangan isu-isu karya pendidikan dalam ansambel saat ini.
Hanya kombinasi organik dan konstan dalam karya seorang pemimpin yang baru, yang diusulkan oleh teori, dengan mengandalkan praktik dan pengujian kesimpulan dan asumsi teoretis yang merupakan cara paling efektif untuk secara dinamis meningkatkan metodologi bekerja dengan ansambel Rusia. instrumen rakyat.

Kesimpulan pada bab kedua
1. Repertoar sebagai seperangkat karya yang dibawakan oleh suatu kelompok orkestra tertentu menjadi dasar seluruh kegiatannya, turut andil dalam pengembangan aktivitas kreatif para pesertanya, berkaitan terus-menerus dengan berbagai bentuk dan tahapan karya orkestra, baik itu latihan atau konser, awal atau puncak jalur kreatif kolektif. Repertoar mempengaruhi seluruh proses pendidikan, atas dasar itu pengetahuan musik dan teoretis dikumpulkan, keterampilan bermain kolektif dikembangkan, dan arah artistik dan pertunjukan orkestra terbentuk. Repertoar orkestra terutama mencakup musik rakyat Rusia. Lagu daerah yang merupakan sumber budaya musik klasik merupakan sarana yang sangat diperlukan untuk mengembangkan kemampuan dasar musik siswa. Tanpanya, pendidikan musik yang terarah tidak mungkin terjadi. Kualitas lagu daerah seperti kejelasan pola ritme, pengulangan motif berukuran kecil, bait dan variasi bentuk menjadikannya bahan yang sangat berharga dalam pendidikan musik siswa dari berbagai usia.
2. Repertoar yang dibawakan harus mengembangkan keterampilan pertunjukan dan keterampilan bermain kolektif yang saling berkaitan erat. Dan karena tidak mungkin memperoleh keterampilan yang berbeda dengan menggunakan jenis bahan yang sama, beragam karya dimasukkan dalam program pendidikan (pertunjukan). Dengan demikian, prinsip keberagaman berlaku. Hal ini juga sangat penting untuk pendidikan musik dan estetika kelompok, karena karya seni dari genre, konten, dan fitur gaya yang berbeda memungkinkan perkembangan musik siswa yang terdiversifikasi.
3. Dalam pendidikan tim anak, kepribadian pemimpin memegang peranan yang sangat besar, terutama sebagai guru dan pendidik. Keinginan untuk memberikan diri kepada anak-anak, keyakinan bahwa tanpa semangat kreativitas seseorang tidak dapat menjadi orang yang benar-benar harmonis dan berkembang - perasaan ini harus dimiliki oleh seorang guru.
Saat ini terdapat defisit moralitas yang akut di kalangan anak-anak dan remaja. Dalam situasi ekstrim ini, peningkatan moral diri dan tuntutan tinggi guru terhadap dirinya menjadi cara utama untuk memperkuat harga diri. Cepat atau lambat, ketaatan moral terhadap prinsip, kepastian dan ketekunan guru akan menguasai pikiran anak-anak dan memberinya keunggulan pedagogis tanpa syarat, hak untuk memberikan tuntutan moral kepada murid-muridnya.
Syarat penting lainnya bagi kepribadian seorang guru adalah spiritualitas guru, keyakinan kewarganegaraannya yang mendalam, kemampuan mendiskusikan secara terbuka masalah-masalah yang paling mendesak dengan anak-anak, meyakinkan mereka, dan dengan berani mengakui kesalahan dan kegagalannya. Kewibawaan moralitas dan spiritual serta budaya nilai guru harus dilengkapi dengan kewibawaan pengembangan intelektual, kemandirian penilaian dan pendidikan. Pengorganisasian proses pedagogis yang efektif tidak mungkin terjadi tanpa otoritas ketertarikan manusia, tanpa niat baik dan simpati timbal balik. Ketertarikan timbal balik moral dan estetika adalah suasana interaksi pedagogis yang paling menguntungkan dan efektif. Pengaruh daya tarik manusia muncul pada diri seorang guru bukan hanya karena pengetahuan dan perkembangan intelektualnya. Terbentuk sebagai konsekuensi dari bakat minat manusia, kecintaan guru terhadap orang lain.

Kesimpulan

Bermain musik kolektif adalah salah satu bentuk pendidikan dan pelatihan paling efektif bagi anak-anak yang terlibat dalam memainkan berbagai alat musik.
Konstruksi proses pendidikan yang kompeten memungkinkan kita untuk memecahkan sejumlah masalah - ini, pertama-tama, pendidikan berbagai kualitas musik, serta pembentukan kualitas pribadi. Karena banyaknya akumulasi bagasi instrumen rakyat Rusia tradisi rakyat, cakupan tugas tersebut meluas ke tingkat strategis, yang memungkinkan tidak hanya pembentukan kualitas kepribadian berdasarkan keadaan, tetapi juga dengan mempertimbangkan tradisi dan gagasan kelompok etnis Rusia.
Sementara itu, sebagaimana telah disebutkan, penyelesaian permasalahan tersebut tidak mungkin dilakukan tanpa menganalisis faktor-faktor keberhasilan pembentukan dan pengembangan tradisi pembuatan musik kolektif pada instrumen folk Rusia di masa lalu, karena saat ini kita dapat menyatakan tingkat popularitas instrumen folk yang sangat rendah. . Seperti yang ditunjukkan oleh analisis yang dilakukan pada bab pertama, di antara syarat-syarat yang diperlukan untuk popularitas instrumen rakyat Rusia adalah fitur-fitur seperti: instrumen yang relatif murah, penggunaan awalnya yang aktif di berbagai bidang kehidupan (berburu, operasi militer, berbagai bentuk waktu luang), serta pengembangan dan peningkatan terus-menerus baik terhadap instrumen itu sendiri maupun bentuk pembuatan musik sehubungan dengan evolusi bentuk dan prinsip musik. Indikasi tidak langsung tentang penggunaan ansambel dalam kehidupan rakyat hanya terdapat dalam kronik dan monumen bersejarah lainnya. Namun mereka juga mendapat konfirmasi, khususnya, dalam kenyataan bahwa banyak bentuk pembuatan musik ansambel cerita rakyat yang bertahan hingga hari ini memiliki banyak alasan untuk ditelusuri kembali tidak hanya ke zaman komunitas Slavia Timur, tetapi juga ke masa lalu. era sebelumnya.
Komposisi spesifik ansambel instrumental Slavia Timur tidak kita ketahui, hanya prinsip memasukkan instrumen ke dalam ansambel yang diketahui: instrumen dari ketiga jenis digabungkan menjadi satu kesatuan - senar, tiup, dan perkusi. Ansambel campuran dengan komposisi acak menyatukan kelompok pemain yang terdiri dari 2-3 orang atau lebih hingga beberapa lusin, dan mungkin ratusan, jika kita memperhitungkan orkestra militer. Namun, ansambel komposisi kecil yang homogen dan campuran jauh lebih tersebar luas dalam tradisi yang hidup daripada ansambel komposisi besar. Di beberapa tempat, beberapa ansambel homogen berkembang menjadi tradisi yang stabil, misalnya duet biola Smolensk, ansambel Kursk kuvikl, ansambel kecil terompet Vladimir, dll., yang banyak di antaranya masih belum dipelajari.
Upaya pertama untuk memulihkan perkembangan pembuatan musik kolektif muncul segera setelah penciptaannya atas inisiatif N.I. Desain harmonika kromatik Beloborodov: pada akhir tahun 1880-an, ia mengorganisir “Orkestra Lingkaran Pecinta Permainan Harmonika Kromatik”. Untuk tujuan ini, instrumen orkestra dibuat dengan ukuran, tessitura, dan karakteristik timbre yang bervariasi - piccolo, prima, second, viola, cello, bass, dan double bass. Upaya lebih lanjut untuk mengembangkan pertunjukan kolektif pada instrumen rakyat Rusia dikaitkan dengan aktivitas V.V. Andreev dan rekan-rekannya, rekan-rekan di Great Russian Orchestra.
Saat ini, kita secara umum dapat berbicara tentang kemunculan instrumen rakyat Rusia yang sudah mapan, sebagian besar instrumen tersebut sebenarnya telah menjadi instrumen akademis dengan semua fitur yang melekat: desain yang tidak berubah, sekolah pertunjukan yang mapan, yang, bagaimanapun, tidak mengurangi potensi pedagogisnya.
Salah satu persyaratan yang diperlukan untuk proses pendidikan yang sukses adalah pemeliharaan kebijakan repertoar yang kompeten, yang memungkinkan siswa mengenal budaya masyarakat Rusia dan membentuk kualitas pribadinya. Repertoar orkestra, pertama-tama, harus mencakup musik rakyat Rusia. Lagu daerah yang merupakan sumber budaya musik klasik merupakan sarana yang sangat diperlukan untuk mengembangkan kemampuan dasar musik siswa. Kualitas lagu daerah seperti kejelasan pola ritme, pengulangan motif berukuran kecil, bait dan variasi bentuk menjadikannya bahan yang sangat berharga dalam pendidikan musik siswa dari berbagai usia.
Persyaratan yang diperlukan adalah menjaga minat anak terhadap seni musik dan memainkan alat musik rakyat (yang saat ini praktis tidak mungkin dilakukan tanpa menggunakan bentuk-bentuk sinkretis untuk mengenal materi). Hal ini dibuktikan dengan tingginya minat secara umum terhadap kesenian rakyat dari sudut pandang kreativitas waktu luang. Keadaan inilah yang harus dipenuhi oleh proses pendidikan sekolah seni anak.
Hal ini menimbulkan masalah yang sangat penting. Proses pendidikan hendaknya dipimpin oleh seorang guru yang mempunyai wibawa besar di antara anggota orkestra, yang mampu mendengarkan dan memecahkan masalah. berbagai tingkatan, memiliki kualitas spiritual dan profesional yang tinggi, dan yang terpenting, memiliki bakat ketertarikan pedagogis, karena ketertarikan pada kepribadian anak. Saat ini terdapat defisit moralitas yang akut di kalangan anak-anak dan remaja. Dalam situasi ini, cepat atau lambat, kepatuhan moral terhadap prinsip, kepastian dan ketekunan guru harus menguasai pikiran anak-anak dan memberinya keunggulan pedagogis tanpa syarat, hak untuk memberikan tuntutan moral kepada siswanya. Yang tidak kalah pentingnya adalah spiritualitas guru, kemampuannya mendiskusikan secara terbuka masalah-masalah yang paling mendesak dengan anak, mengakui kesalahan dan kegagalannya. Kewibawaan moralitas dan spiritual serta budaya nilai guru harus dilengkapi dengan kewibawaan pengembangan intelektual, kemandirian penilaian dan pendidikan.
Ketaatan terhadap semua kondisi di atas untuk membangun proses pendidikanlah yang memungkinkan pemecahan masalah promosi pembuatan musik kolektif secara paling efektif, khususnya, di sekolah seni anak-anak, yang saat ini hampir menemui jalan buntu karena kurangnya strategi pengembangan dan metodologi pengajaran yang dipikirkan secara jelas dan mendalam yang memenuhi kondisi dan persyaratan nyata saat ini.
Berdasarkan materi karya, kami mengembangkan model pedagogis untuk mengatur permainan musik kolektif di sekolah seni anak-anak. Model ini didasarkan pada program kursus “Ensemble of Russian Folk Instruments”. Tujuan mata kuliah ini adalah untuk mengembangkan cita rasa seni, pembentukan dorongan kreatif, pandangan estetis dan cita-cita anak. Efektivitas kursus ini telah dikonfirmasi dalam praktik: kursus “Ensemble of Russian Folk Instruments” diuji di sekolah seni anak-anak di Engels.

Daftar sumber yang digunakan

• Abdulin, E.B. Teori dan praktek pengajaran musik di sekolah menengah: Panduan untuk guru / E.B. Abdulin. - M.: Pendidikan, 1983 - 112 hal.
• Avksentyev, V. Orkestra Instrumen Rakyat Rusia / V. Avksentyev. - M., 1962. - 142 hal.
• Masalah pedagogi musik saat ini: Sat. bekerja - Jil. 62 - M.: IPCC, 1982. - 160 hal.
• Aliev, Yu.B. Buku Pegangan untuk guru-musisi sekolah / Yu.B. orang asing. - M.: Kemanusiaan. ed. pusat Vlados, 2000. - 336 hal.
• Apraksina, O.A. Metode pendidikan musik di sekolah: buku teks / O.A. Apraksina. - M.: Pendidikan, 1983. - 306 hal.
• Baklanova, N.K. Metode bekerja dengan kelompok amatir / N.K. Baklanova. - M.: IPCC, 1980. - 89 hal.
• Baklanova, N.K. Keterampilan profesional seorang pekerja budaya: belajar. tunjangan / N.K. Baklanova. - M.: IPCC, 1994. - 120 hal.
• Baklanova, N.K. Landasan psikologis penguasaan profesional / N.K. Baklanova. - M., 1991. - 53 hal.
• Banin, A.A. Esai tentang sejarah mempelajari budaya musik instrumental Rusia dari tradisi non-melek huruf / Banin A.A. // Folkloristik musik. Jil. 3.-M., 1986.--Hal.42-53.
• Banin, A.A. Musik instrumental Rusia dari tradisi cerita rakyat / A.A. banin. - M., 1997. - 247 hal.
• Belkin, A.A. Badut Rusia / A.A. Belkin. - M., 1975. - 136 hal.
• Bibergan, V.D. Prospek pengembangan orkestra amatir instrumen rakyat Rusia / V.D. Bibergan. - M., 1967. - 130 hal.
• Bibergan, V.D. Tradisi musik rakyat yang dimainkan di orkestra amatir instrumen rakyat Rusia / V.D. Bibergan. - M., 1999. - 260 hal.
• Indeks bibliografi repertoar yang direkomendasikan untuk grup musik amatir. - M.: Musik, 1984. - 29 hal.
• Bolshakov, A. Organisasi dan manajemen orkestra instrumen rakyat / A. Bolshakov. - Kyiv: Burung Hantu. komposer, 1969. - 66 hal.
• Vertkov, K.A. Alat musik rakyat Rusia / K.A. Vertkov. - L., 1975. - 289 hal.
• Psikologi perkembangan dan pendidikan / Ed. A.V. Petrovsky. - M.: Pendidikan, 1979. - 288 hal.
• Masalah pedagogi musik dan budaya pertunjukan dalam persiapan guru musik: Antar Universitas. Duduk. ilmiah bekerja - Vladimir: VSPI, 1988. - 100 hal.
• Masalah pedagogi musik dan pertunjukan instrumen rakyat Rusia: Pengajaran. panduan, Jil. 2 / Ed. V.P. Saranina. - Tambov: TGIK, 1991. - 136 hal.
• Herberstein, S. Catatan tentang urusan Moskow / S. Herberstein. - SPb., 1908. - 228 hal.
• Gleichman, V.D. Organisasi karya orkestra amatir pemula instrumen rakyat Rusia / V.D. Gleichman. - M.: IPCC, 1976. - 53 hal.
• Golikov, I.I. Tambahan pada tindakan Peter yang Agung. T.10./I.I. Golikov. - M., 1992. - 115 hal.
• Goshovsky, V.L. Tentang asal usul musik rakyat Slavia / V.L. Astaga. - M., 1970. - 142 hal.
• Grekhnev, V.S. Budaya komunikasi pedagogis / V.S. Grekhnev. - M.: Pendidikan, 1990. - 142 hal.
• Dmitrieva, L.G. Metode pendidikan musik di sekolah: buku teks. tunjangan / L.G. Dmitrieva, N.M. Chernoivanenko. - M.: Penerbitan. Pusat "Akademi", 1998. -240 detik.
• Ivanov-Radkevich, A. Tentang pendidikan seorang konduktor / A. Ivanov-Radkevich. - M., 1973. - 120 hal.
• Ilyina, E.K. Tentang masalah kesenian dalam kegiatan guru musik / Ilyina E.K. // Pendidikan musik di sekolah, vol. 17. / Komp. O. Apraksina. - 94 detik.
• Ilyukhin, A. Orkestra Alat Musik Rakyat / A. Ilyukhin. - M., 1988. - 66 hal.
• Imkhanitsky, M. Tren baru dalam musik modern untuk orkestra rakyat Rusia. Buku Teks / M. Imkhanitsky. - M., 2000. - 321 hal.
• Imkhanitsky, M. Ide-ide Pencerahan V.V. Andreeva: sejarah dan modernitas / Imkhanitsky M. // Cerita Rakyat: masalah pelestarian, studi dan propaganda. Tesis Konferensi Ilmiah dan Praktis Seluruh Serikat. - M., 1988. - Hal.68-81.
• Imkhanitsky, M. Tentang asal usul budaya orkestra rakyat Rusia / M. Imkhanitsky. - M., 1987. - 108 hal.
• Imkhanitsky, M.I. Sejarah pertunjukan instrumen rakyat Rusia: Buku Teks. tunjangan / M.I. Imkhanitsky. - M.: Penerbitan RAM im. Gnesin, 2002. - 351 hal.
• Ionov, V.I. Orkestra instrumen rakyat Rusia dalam proses pendidikan sekolah menengah. / Ionov V.I. // Bacaan Delitsievsky pertama. - Tambov: TSU dinamai. G.R.Derzhavina, 1997. - hlm.54-55.
• Kazachkov, S.A. Dari pelajaran hingga konser / S.A. Kazachkov. - Kazan: Rumah Penerbitan Universitas Kazan, 1990. - 343 hal.
• Kan-Kalik, V.A. Kepada guru tentang komunikasi pedagogis / V.A. Kann-Kalik. - M.: Pengetahuan, 1967. - 248 hal.
• Kapishnikov, N.A. Momen musik: Cerita tentang orkestra sekolah alat musik rakyat: Buku untuk guru: Dari pengalaman kerja / N.A. Kapishnikov. - M.: Pendidikan, 1991. - 176 hal.
• Kargin, A.S. Pekerjaan pendidikan dalam kelompok seni amatir: Mengajar. tunjangan / A.S. Kargin. - M.: Pendidikan, 1984. - 224 hal.
• Kargin, A.S. Bekerja dengan orkestra amatir instrumen rakyat Rusia / A.S. Kargin. - M.: Musik, 1982. - 159 hal.
• Kiryushina, T.V. Musik instrumental tradisional Rusia / T.V. Kiryushina. - M., 1989. - 292 hal.
• Korotov, V.M. Metodologi umum proses pendidikan / V.M. Korotov. - M.: Pencerahan, 1983. - 158 hal.
• Koshelev, A.S. Tradisi ansambel balalaika di wilayah Belgorod / Koshelev A.S. // Masalah gaya dalam musik folk. - M., 1986. - Hal.37-52.
• Krasnoselsky, A.A. Tradisi dan landasan organisasi dan pedagogis karya orkestra instrumen rakyat anak-anak di klub. / Krasnoselsky, A.A. // Peran lembaga klub dalam pengembangan kreativitas musik. - L.: LGIK im. N.K.Krupskaya, 1982. - Hal.55-64.
• Kushner, G. Tentang bekerja dengan orkestra di tahun pertama studi. Nasihat untuk para pemimpin orkestra instrumen rakyat amatir / G. Kushner. - M., 1985. - 210 hal.
• Lagutin, A. Dasar-dasar pedagogi sekolah musik: Pengajaran. tunjangan / A. Lagutin. - M.: Musik, 1985. - 143 hal.
• Lipchenko, V. Kursus bermain di orkestra instrumen rakyat. Keuntungan. Jil. 1, 2 / V.Lipchenko. - Kyiv, 1975, 1977.
• Likhachev, B.T. Teori pendidikan estetika anak sekolah / B.T. Likhachev. - M.: Pendidikan, 1985. - 76 hal.
• Maksimov, E. Ansambel dan orkestra harmonika / E. Maksimov. - edisi ke-3. - M., 1979. - 229 hal.
• Maksimov, E.I. Ansambel dan orkestra instrumen rakyat Rusia / E. Maksimov. - M., 1984. - 174 hal.
• Medved, E.I. Pendidikan estetika anak sekolah dalam sistem pendidikan tambahan: Buku Teks. tunjangan / E.I. Beruang. - M.: Pusat Memanusiakan. menyala. "RON", 2002. - 48 hal.
• Munsch, Sh. Saya seorang konduktor / Sh. - M., 1982. - 247 hal.
• Naumenko, S.I. Pembentukan musikalitas pada anak sekolah dasar // Pertanyaan psikologi / S.I. Naumenko. - M., 1987. - No.4. - Hal.72-76.
• Nemov, R.S. Psikologi: Belajar. tunjangan / R.S. Nemov. - Buku 2: Psikologi pendidikan. - M.: Kemanusiaan. ed. Pusat Vlados, 2001. - 68 hal.
• Nestor. Kisah Tahun Lalu. Per. B.A. Romanova. Bagian 1. / Nestor. - M.-L., 1950. - 139 hal.
• Novikova, L.I. Pedagogi kolektif anak-anak / Novikova L.I. // Pedagogi: Akademik. tunjangan / Ed. Yu.K. Babansky - M.: Pendidikan, 1988. - Hal.260-271.
• Orkestra instrumen rakyat Rusia di sekolah musik. - M.: Musik, 1971. - 38 hal.
• Orkestra instrumen rakyat Rusia dan masalah pendidikan konduktor: Sat. tr. (antar perguruan tinggi). Jil. 85 / GMPI dinamai. Gnessin, perwakilan. ed. M.I. Imkhanitsky dan V.V. Chistyakov. Komp. V.M. Zinoviev. - M., 1986. - 156 hal.
• Pedagogi: Akademik. tunjangan / Komp. V.A. Slastenin, I.F. Isaev, A.I. Mishchenko. - edisi ke-4. - M.: Pers sekolah, 2002. - 512 hal.
• Pozdnyakov, A.B. Karya seorang konduktor dengan orkestra instrumen rakyat Rusia / A.B. Pozdnyakov. - M. : GMPI im. Gnesin, 1964. - 32 hal.
• Pozdnyakov, A.B. Orkestra rakyat Rusia dan perannya dalam pendidikan estetika kaum muda / A.B. Pozdnyakov. - M. : GMPI im. Gnesin, 1975. - 20 hal.
• Polonov, V. Orkestra amatir instrumen rakyat / V. Polonov. - M., 1954. - 71 hal.
• Polshina, A. Fitur genre orkestra instrumen rakyat Rusia dan cara pengembangannya / Polshina A. // Seni rakyat: Masalah musik amatir dan cerita rakyat. M.: IPCC, 1974. - 117-133 hal.
• Proshko, N. Rekomendasi metodologis untuk orkestra dan ansambel instrumen rakyat / N. Proshko. - Minsk, 1972. - 46 hal.
• Rechmensky, N. Alat musik rakyat massal / N. Rechmensky. - M., 1963. - 326 hal.
• Peran musik dalam pendidikan estetika anak dan remaja: Sat. artikel / Komp. dan ed. A. Gotsdiener. - L.: Musik, 1980. - 104 hal.
• Peran orkestra alat musik rakyat dalam komunikasi antaretnis. Duduk. karya RAM dinamai. Gnessin, jilid. 153. / Ed. M.Imkhanitsky. - M., 1999.
• Rudneva, A.V. Tank Kursk dan Karagoda / A.V. Rudneva. - M., 1975. - 184 hal.
• Segal, A. Organisasi dan periode awal bekerja dengan orkestra amatir instrumen rakyat Rusia. Manual metodologis / A. Segal. - Sverdlovsk, 1965. - 168 hal.
• Smirnov, B. Seni pemain terompet Vladimir. Ed. 2. / B.Smirnov. - M., 1965. - 198 hal.
• Sugonyaeva, E.E. Kegiatan musik bersama anak: Bertemu. manual untuk guru sekolah musik anak-anak / E.E. Sugonyaeva. - Rostov-on-Don: Phoenix, 2002. - 176 hal.
• Teplov, B.M. Psikologi kemampuan musik // Masalah perbedaan individu. / B.M. Teplov - M., 1961. - Hal.216-440.
• Tikhonov, B.D. Organisasi proses pendidikan di orkestra amatir instrumen rakyat / B.D. Tikhonov. - M.: IPCC, 1988. - 68 hal.
• Tikhonov, B.D. Dasar-dasar metode pengajaran dalam ansambel amatir instrumen rakyat Rusia / B.D. Tikhonov. - M.: IPCC, 1978. - 51 hal.
• Tikhonov, B.D. Pertunjukan instrumental rakyat amatir di sekolah / Tikhonov B.D. // Dari sejarah pendidikan musik / Comp. O. Apraksina. - M.: Musik, 1990. - Hal.147-151.
• Ushenin, V. Pertunjukan ansambel instrumental rakyat di Don: sejarah dan modernitas / V. Ushenin. -Rostov-on-Don, 2001. - 183 hal.
• Khalabuzar, P.V. Pendidikan musik massal dan tugas sekolah musik anak / Khalabuzar P.V. // Peran musik dalam pendidikan estetika anak dan remaja: Sat. artikel. - L.: Musik, 1980. - Hal.85-93.
• Chunin, V. Orkestra rakyat Rusia modern / V. Chunin. - M.: Musik, 1981. - 96 hal.
• Shakhmatov, N. Aransemen karya musik untuk berbagai ansambel instrumen rakyat Rusia / N. Shakhmatov. - L.: LGIK, 1983. - 87 hal.