Drama dalam sastra Rusia. Apa yang akan kita lakukan dengan materi yang diterima?


Ini adalah jenis sastra objektif-subjektif (Hegel). Ini adalah gambaran objektif tentang dunia dan perkembangan subjektifnya.

Bentuk generiknya adalah dialog. Dilihat dari ciri-ciri umum isinya, karya-karya dramatik harus dikarakterisasi secara bergantian dari sudut pandangnya

A) konflik

Drama(Yunani dráma, secara harfiah - aksi), 1) salah satu dari tiga jenis sastra (bersama dengan puisi epik dan lirik; lihat gender sastra ). Drama (dalam sastra) milik pada saat yang sama teater Dan literatur : sebagai dasar fundamental dari sebuah pertunjukan, hal itu juga dirasakan dalam membaca. Drama (dalam sastra) dibentuk atas dasar evolusi seni teater: mengedepankan hubungan aktor pantomim dengan perkataan yang diucapkan, menandai kemunculannya sebagai salah satu jenis sastra. Ciri-ciri spesifiknya meliputi: alur cerita, yaitu reproduksi jalannya peristiwa; ketegangan dramatis dari aksi dan pembagiannya ke dalam episode-episode panggung; kesinambungan rangkaian pernyataan tokoh; tidak adanya (atau subordinasi) awal naratif (lihat Cerita ). Dirancang untuk persepsi kolektif, Drama (dalam sastra) selalu tertarik pada masalah yang paling mendesak dan menjadi populer dalam contoh yang paling mencolok. Menurut A.S. Pushkin, tujuannya Drama (dalam sastra) adalah untuk “... bertindak terhadap orang banyak, terhadap orang banyak, untuk membangkitkan keingintahuan mereka” ( Koleksi lengkap soch., jilid 7, 1958, hal. 214).

Drama (dalam sastra) konflik yang mendalam sudah melekat; landasan fundamentalnya adalah pengalaman yang intens dan efektif oleh orang-orang mengenai kontradiksi sosio-historis atau “abadi” yang universal. Drama, yang dapat diakses oleh semua jenis seni, secara alami mendominasi Drama (dalam sastra) Menurut V. G. Belinsky, drama adalah properti penting dari jiwa manusia, yang terbangun oleh situasi ketika apa yang disayangi atau diinginkan, menuntut pemenuhan, berada di bawah ancaman.

Konflik yang penuh dengan drama diwujudkan dalam tindakan – dalam perilaku para pahlawan, dalam tindakan dan pencapaian mereka. Mayoritas Drama (dalam sastra) dibangun di atas satu tindakan eksternal (yang sesuai dengan prinsip "kesatuan tindakan" oleh Aristoteles), yang biasanya didasarkan pada konfrontasi langsung antara para pahlawan. Dalam hal ini tindakannya dapat ditelusuri dari string ke persimpangan , mencakup periode waktu yang besar (abad pertengahan dan timur Drama (dalam sastra), misalnya, “Shakuntala” oleh Kalidasa), atau diambil hanya pada klimaksnya, mendekati akhir (tragedi kuno, misalnya, “Oedipus the King” oleh Sophocles, dan banyak lagi Drama (dalam sastra) zaman modern, misalnya, “Mahar” oleh A. N. Ostrovsky). Estetika klasik abad ke-19. cenderung memutlakkan prinsip-prinsip konstruksi ini Drama (dalam sastra) Menjaga Hegel Drama (dalam sastra) sebagai reproduksi dari tindakan kehendak yang bertabrakan (“aksi” dan “reaksi”), Belinsky menulis: “Aksi drama harus fokus pada satu kepentingan dan asing dengan kepentingan sampingan... Seharusnya tidak ada satu orang pun dalam drama yang tidak diperlukan dalam mekanisme jalannya dan perkembangannya” (Kumpulan Karya Lengkap, vol. 5, 1954, hal. 53). Pada saat yang sama, “... keputusan dalam memilih jalan bergantung pada pahlawan drama, dan bukan pada peristiwanya” (ibid., hal. 20).


Sifat formal yang paling penting Drama (dalam sastra): rangkaian pernyataan berkesinambungan yang bertindak sebagai tindakan perilaku karakter (yaitu tindakan mereka), dan sebagai konsekuensinya - konsentrasi orang yang digambarkan dalam area ruang dan waktu yang tertutup. Dasar komposisi universal Drama (dalam sastra): episode pemandangan (adegan), di mana waktu yang digambarkan, yang disebut nyata, memadai untuk waktu persepsi, yang disebut artistik. Dalam cerita rakyat, abad pertengahan dan oriental Drama (dalam sastra), serta di Shakespeare, dalam "Boris Godunov" karya Pushkin, dalam drama Brecht, tempat dan waktu aksi sangat sering berubah. Eropa Drama (dalam sastra) abad 17-19 biasanya didasarkan pada beberapa episode panggung yang sangat luas yang bertepatan dengan aksi pertunjukan teater. Ekspresi ekstrim dari kompaknya perkembangan ruang dan waktu adalah “kesatuan” yang dikenal dari “Seni Puisi” N. Boileau, yang bertahan hingga abad ke-19. (“Celakalah dari Kecerdasan” oleh A.S. Griboyedov).

Karya drama dalam sebagian besar kasus dimaksudkan untuk produksi di atas panggung; terdapat sejumlah kecil karya dramatis yang disebut drama untuk dibaca.

Genre drama memiliki sejarahnya sendiri, ciri-cirinya sangat ditentukan oleh fakta bahwa secara historis, dari zaman kuno hingga klasisisme, itu adalah fenomena dua genre: topeng menangis (tragedi) atau topeng tertawa (komedi).

Namun pada abad ke-18 muncul sintesis antara komedi dan drama tragedi.

Drama telah menggantikan tragedi.

1)tragedi

2) komedi

4)permainan lelucon dengan orientasi satir yang jelas dalam volume kecil

5)Konten bergenre Vaudeville mirip dengan konten bergenre komedi, kebanyakan lucu. Bentuk genrenya adalah lakon satu babak dengan genre dan syair..

6) tragikomedi adalah kombinasi frontal dari penderitaan dan kegembiraan yang digambarkan dengan reaksi tawa dan air mata yang sesuai (Eduardo de Filippo)

7) kronik dramatis. Genre yang dekat dengan genre drama yang biasanya tidak ada pahlawan, dan peristiwa diberikan dalam aliran. Bill Berodelkowski, Badai,

Secara historis, komedi memiliki pilihan genre terbanyak: komedi ilmiah Italia; komedi topeng di Spanyol; ,Jubah dan pedang, Ada komedi karakter, situasi, komedi tata krama (sehari-hari), lawak, dll.

DRAMATURGI RUSIA. Dramaturgi sastra profesional Rusia berkembang pada akhir abad ke-17 dan ke-18, tetapi didahului oleh periode cerita rakyat yang berusia berabad-abad, sebagian besar lisan dan sebagian tulisan tangan. drama rakyat. Pada mulanya aksi ritual kuno, kemudian permainan tari bundar, dan permainan badut mengandung unsur-unsur ciri dramaturgi sebagai suatu bentuk seni: dialogis, dramatisasi aksi, memerankan secara langsung, penggambaran tokoh ini atau itu (massing). Unsur-unsur tersebut dikonsolidasikan dan dikembangkan dalam drama cerita rakyat.

Panggung pagan dalam drama rakyat Rusia telah hilang: sebuah penelitian seni rakyat di Rusia baru dimulai pada abad ke-19, publikasi ilmiah pertama dari drama rakyat besar hanya muncul pada tahun 1890-1900 di jurnal “Ethnographic Review” (dengan komentar dari para ilmuwan pada waktu itu V. Kallash dan A. Gruzinsky). Awal yang terlambat dalam studi drama rakyat telah menyebabkan kepercayaan luas bahwa kemunculan drama rakyat di Rusia baru terjadi pada abad ke-16 dan ke-17. Ada sudut pandang alternatif, dimana asal usulnya Perahu berasal dari adat istiadat pemakaman Slavia kafir. Namun bagaimanapun juga, plot dan perubahan semantik dalam teks drama cerita rakyat, yang terjadi setidaknya selama sepuluh abad, dipertimbangkan dalam kajian budaya, sejarah seni, dan etnografi pada tingkat hipotesis. Setiap periode sejarah meninggalkan jejaknya pada isi drama cerita rakyat, yang difasilitasi oleh kapasitas dan kekayaan hubungan asosiatif isinya.

Dramaturgi sastra Rusia awal. Asal usul drama sastra Rusia dimulai pada abad ke-17. dan dikaitkan dengan teater sekolah-gereja, yang muncul di Rus di bawah pengaruh drama sekolah di Ukraina di Akademi Kiev-Mohyla. Melawan kecenderungan Katolik yang datang dari Polandia, Gereja Ortodoks di Ukraina dia menggunakan teater cerita rakyat. Para penulis drama tersebut meminjam plot dari ritual gereja, menuliskannya ke dalam dialog dan menyelinginya dengan selingan komedi, nomor musik dan tarian. Dari segi genre, drama ini menyerupai gabungan drama moralitas dan keajaiban Eropa Barat. Ditulis dengan gaya deklamasi yang penuh moral dan angkuh, karya-karya drama sekolah ini menggabungkan karakter alegoris (Wakil, Kebanggaan, Kebenaran, dll.) dengan karakter sejarah (Alexander Agung, Nero), mitologis (Keberuntungan, Mars) dan alkitabiah (Joshua, Herodes). dan lain-lain). Paling karya terkenal - Sebuah aksi tentang Alexy, abdi Tuhan, Aksi Sengsara Kristus dll. Perkembangan drama sekolah dikaitkan dengan nama Dmitry Rostovsky ( Drama Asumsi, Drama Natal, pertunjukan Rostov dll.), Feofan Prokopovich ( Vladimir), Mitrofan Dovgalevsky ( Gambaran yang kuat tentang kasih Tuhan kepada umat manusia), George Konissky ( Kebangkitan Orang Mati) dan lain-lain. Simeon dari Polotsk juga memulai di gereja dan teater sekolah

.

Drama Rusia abad ke-18. Setelah kematian Alexei Mikhailovich, teater ditutup, dan dihidupkan kembali hanya di bawah Peter I. Namun, jeda dalam pengembangan drama Rusia berlangsung agak lebih lama: di teater pada zaman Peter, sebagian besar drama terjemahan dipentaskan. Benar, saat ini aksi-aksi yang bersifat panegyric dengan monolog yang menyedihkan, paduan suara, pengalihan musik, dan prosesi khidmat menjadi tersebar luas. Mereka mengagungkan aktivitas Petrus dan menanggapi peristiwa terkini ( Perayaan dunia Ortodoks, Pembebasan Livonia dan Ingria dll), namun tidak banyak berpengaruh terhadap perkembangan drama. Teks untuk pertunjukan ini lebih bersifat terapan dan anonim. Drama Rusia mulai mengalami kebangkitan pesat pada pertengahan abad ke-18, bersamaan dengan terbentuknya teater profesional yang membutuhkan repertoar nasional.

Sampai pertengahan abad ke-18. menjelaskan pembentukan klasisisme Rusia (di Eropa, masa kejayaan klasisisme pada saat ini sudah lama berlalu: Corneille meninggal pada tahun 1684, Racine - pada tahun 1699.) V. Trediakovsky dan M. Lomonosov mencoba tragedi klasik, tetapi pendiri klasisisme Rusia (dan dramaturgi sastra Rusia pada umumnya) adalah A. Sumarokov, yang pada tahun 1756 menjadi direktur teater profesional Rusia pertama. Dia menulis 9 tragedi dan 12 komedi, yang menjadi dasar repertoar teater tahun 1750-1760an. Sumarokov juga memiliki karya sastra dan teoretis Rusia pertama. Secara khusus, di Surat tentang puisi(1747) ia membela prinsip-prinsip yang mirip dengan kanon klasik Boileau: pembagian genre drama yang ketat, kepatuhan pada "tiga kesatuan". Berbeda dengan klasikis Perancis, Sumarokov tidak didasarkan pada subjek kuno, tetapi pada kronik Rusia ( Khorev, Sinav dan Truvor) dan sejarah Rusia ( Dmitry si Penipu dll.). Perwakilan utama klasisisme Rusia lainnya bekerja dengan cara yang sama - N. Nikolev ( Sorena dan Zamir), Y.Knyazhnin ( Rosslav, Vadim Novgorodsky dll.).

Drama klasik Rusia memiliki perbedaan lain dari drama Prancis: penulis tragedi juga menulis komedi pada saat yang bersamaan. Hal ini mengaburkan batas-batas ketat klasisisme dan berkontribusi pada keragaman tren estetika. Drama klasik, pendidikan, dan sentimentalis di Rusia tidak saling menggantikan, tetapi berkembang hampir bersamaan. Upaya pertama untuk membuat komedi satir dilakukan oleh Sumarokov ( Monster, Pertengkaran Kosong, Manusia Tamak, Mahar dengan Penipuan, Narsisis dll.). Selain itu, dalam komedi-komedi ini ia menggunakan teknik gaya selingan dan lelucon cerita rakyat - meskipun dalam karya teoretisnya ia mengkritik “kegembiraan” rakyat. Pada tahun 1760-an-1780-an. Genre opera komik semakin meluas. Mereka memberi penghormatan kepadanya seperti kaum klasik - Knyazhnin ( Kemalangan dari kereta, Sbitenshchik, Pembual dll.), Nikolaev ( Rozana dan Cinta), dan komedian-satir: I. Krylov ( Teko kopi) dll. Tren komedi penuh air mata dan drama borjuis sedang bermunculan - V. Lukin ( Mot, dikoreksi oleh cinta), M.Verevkin ( Begitulah seharusnya, Tepat sekali), P.Plavilshchikov ( bobil, sampingan) dll. Genre-genre ini tidak hanya berkontribusi pada demokratisasi dan peningkatan popularitas teater, tetapi juga membentuk fondasi teater psikologis yang dicintai di Rusia dengan tradisi pengembangan rinci karakter multifaset. Puncak drama Rusia abad ke-18. bisa disebut komedi yang hampir realistis V.Kapnista (Mengadu), D.Fonvizina (Kecil, Brigadir), I. Krylova (Toko mode, Pelajaran untuk anak perempuan dll.). “Tragedi lelucon” Krylov tampaknya menarik Trumph, atau Podschipa, di mana sindiran pada masa pemerintahan Paul I digabungkan dengan parodi pedas teknik klasik. Drama ini ditulis pada tahun 1800 - hanya dibutuhkan 53 tahun agar estetika klasik, inovatif bagi Rusia, mulai dianggap kuno. Krylov juga memperhatikan teori drama ( Catatan tentang komedi "Tawa dan kesedihan", Review komedi karya A. Klushin "Ahli alkimia", dll.).

Drama Rusia abad ke-19. Pada awal abad ke-19. kesenjangan sejarah antara drama Rusia dan drama Eropa menjadi sia-sia. Sejak saat itu, teater Rusia berkembang dalam konteks umum budaya Eropa. Keragaman tren estetika dalam drama Rusia - sentimentalisme ( N.Karamzin, N. Ilyin, V. Fedorov, dll.) bergaul dengan tragedi romantis yang agak klasik (V. Ozerov, N. Kukolnik, N. Polevoy, dll.), sebuah drama liris dan emosional (I. Turgenev) - dengan sindiran pamflet pedas (A. Sukhovo-Kobylin, M. Saltykov-Shchedrin). Vaudeville yang ringan, lucu, dan jenaka sangat populer (A. Shakhovskoy, N. Khmelnitsky, M. Zagoskin, A. Pisarev, D. Lensky, F.Kony, V. Karatygin dll.). Namun abad ke-19, masa kesusastraan besar Rusia, yang menjadi “zaman keemasan” drama Rusia, melahirkan pengarang-pengarang yang karyanya masih masuk dalam dana emas teater klasik dunia.

Drama pertama dari tipe baru adalah komedi A.Griboyedova Celakalah dari pikiran. Penulis mencapai penguasaan luar biasa dalam mengembangkan semua komponen drama: karakter (di mana realisme psikologis dikombinasikan secara organik dengan tipifikasi tingkat tinggi), intrik (di mana perubahan cinta terkait erat dengan konflik sipil dan ideologis), bahasa (hampir keseluruhan permainan sepenuhnya merupakan pepatah, peribahasa dan ungkapan populer, yang dilestarikan dalam pidato yang hidup saat ini).

tentang penemuan sebenarnya dari drama Rusia pada masa itu, yang jauh lebih maju dari masanya dan menentukan vektornya pengembangan lebih lanjut teater dunia, menjadi drama A.Chekhov. Ivanov, Camar, Paman Vanya, Tiga saudara perempuan, Kebun Ceri tidak cocok sistem tradisional genre dramatis dan sebenarnya menyangkal semua aturan teoretis drama. Praktis tidak ada intrik plot di dalamnya - bagaimanapun juga, plot tidak pernah memiliki makna pengorganisasian, tidak ada skema dramatis tradisional: plot - liku-liku - kesudahan; Tidak ada satu pun konflik “lintas sektoral”. Peristiwa terus-menerus mengubah skala semantiknya: hal-hal besar menjadi tidak berarti, dan hal-hal kecil sehari-hari berkembang menjadi skala global.

Drama Rusia setelah tahun 1917. Setelah Revolusi Oktober dan pembentukan kontrol negara atas teater, muncul kebutuhan akan repertoar baru yang sesuai dengan ideologi modern. Namun, dari drama paling awal, mungkin hanya satu yang dapat disebutkan saat ini - Penggemar Misteri V.Mayakovsky (1918). Pada dasarnya sama repertoar modern periode awal Soviet dibentuk berdasarkan “propaganda” topikal yang kehilangan relevansinya dalam waktu singkat.

Sebuah drama Soviet baru, yang mencerminkan perjuangan kelas, mulai terbentuk pada tahun 1920-an. Selama periode ini, penulis naskah drama seperti L. Seifullina ( Virinea), A.Serafimovich (Mariana, adaptasi penulis terhadap novel Aliran Besi), L.Leonov ( Luak), K.Trenev (Lyubov Yarovaya), B.Lavrenev (Kesalahan), V.Ivanov (Kereta lapis baja 14-69), V.Bill-Belotserkovsky ( Badai), D.Furmanov ( Pemberontakan) dll. Dramaturgi mereka secara umum dibedakan oleh interpretasi romantis terhadap peristiwa-peristiwa revolusioner, kombinasi tragedi dengan optimisme sosial. Pada tahun 1930-an, V. Vishnevsky menulis sebuah drama, yang judulnya secara akurat mendefinisikan genre utama drama patriotik baru: Tragedi optimis(nama ini menggantikan versi asli yang lebih megah - Himne untuk para pelaut Dan Tragedi kemenangan).

Akhir tahun 1950an – awal tahun 1970an ditandai dengan individualitas yang kuat A.Vampilova. Selama hidupnya yang singkat dia hanya menulis beberapa drama: Perpisahan di bulan Juni, Putra tertua, Berburu bebek , Lelucon provinsi (Dua puluh menit dengan malaikat Dan Kasus halaman master), Musim panas lalu di Chulimsk dan vaudeville yang belum selesai Tip yang Tak Tertandingi. Kembali ke estetika Chekhov, Vampilov menentukan arah perkembangan drama Rusia dalam dua dekade mendatang. Kesuksesan dramatis utama tahun 1970-an-1980-an di Rusia dikaitkan dengan genre ini tragikomedi. Ini adalah drama E.Radzinsky, L.Petrushevskaya, A.Sokolova, L.Razumovsky, M.Roshchina, A.Galina, Gr.Gorina, A. Chervinsky, A.Smirnova, V. Slavkina, A. Kazantsev, S. Zlotnikov, N. Kolyada, V. Merezhko, O. Kuchkina dan lainnya. Estetika Vampilov memiliki pengaruh tidak langsung namun nyata pada para ahli drama Rusia. Motif tragikomik terlihat jelas dalam lakon-lakon masa itu yang ditulis oleh V. Rozov ( Kabanchik), A. Volodin ( Dua anak panah, Kadal, naskah film Maraton Musim Gugur), dan terutama A. Arbuzov ( Pesta saya untuk mata, Hari bahagia orang yang tidak beruntung, Kisah Arbat Lama,Di rumah tua yang manis ini, Pemenang, Game Kejam). Pada awal 1990-an, penulis naskah drama di St. Petersburg mendirikan asosiasi mereka sendiri, Rumah Penulis Drama. Pada tahun 2002, asosiasi Topeng Emas, Teatr.doc dan Teater Seni Chekhov Moskow menyelenggarakan festival Drama Baru tahunan. Dalam asosiasi, laboratorium, dan kompetisi ini, generasi baru penulis teater dibentuk, yang memperoleh ketenaran pada periode pasca-Soviet: M. Ugarov, O. Ernev, E. Gremina, O. Shipenko, O. Mikhailova, I. Vyrypaev, O. dan V. Presnyakov, K. Dragunskaya, O. Bogaev, N. Ptushkina, O. Mukhina, I. Okhlobystin, M. Kurochkin, V. Sigarev, A. Zinchuk, A. Obraztsov, I. Shprits, dan lainnya .

Namun, para kritikus mencatat bahwa situasi paradoks telah berkembang di Rusia saat ini: teater modern dan drama modern seolah-olah ada secara paralel, dalam isolasi satu sama lain. Pencarian sutradara paling terkenal di awal abad ke-21. terkait dengan produksi drama klasik. Dramaturgi modern lebih banyak melakukan eksperimen “di atas kertas” dan di ruang virtual Internet.

Dramatis genre - keseluruhan genre yang muncul dan berkembang dalam drama sebagai genre sastra.

Drama biasanya menggambarkan secara spesifik kehidupan pribadi seseorang dan konflik sosialnya. Pada saat yang sama, penekanannya sering kali ditempatkan pada kontradiksi universal manusia, yang diwujudkan dalam perilaku dan tindakan karakter tertentu. Drama adalah karya sastra yang menggambarkan konflik serius, pergulatan antar tokoh

Sebagai salah satu genre drama, drama muncul pada pertengahan abad ke-19. Ini adalah genre peralihan antara komedi dan tragedi.

Jenis-jenis drama (genre drama)

  • Tragedi

    Tragedi adalah sebuah karya dramatis di mana tokoh utama (dan kadang-kadang tokoh lain dalam konflik sampingan), yang dibedakan oleh kekuatan maksimum kemauan, pikiran, dan perasaan seseorang, melanggar ikatan universal tertentu (dari sudut pandang penulis) dan hukum yang tidak dapat ditolak; pada saat yang sama, pahlawan tragedi itu mungkin tidak menyadari kesalahannya sama sekali - atau tidak menyadarinya untuk waktu yang lama - bertindak sesuai dengan rencana dari atas (misalnya, tragedi kuno), atau berada di cengkeraman nafsu yang membutakan (misalnya Shakespeare). Perjuangan melawan hukum yang tidak dapat ditolak dikaitkan dengan penderitaan besar dan pasti berakhir dengan kematian pahlawan yang tragis; perjuangan melawan hukum yang tidak dapat ditolak - penilaiannya yang berlebihan dengan kemenangan yang tak terelakkan - menyebabkan pencerahan spiritual dalam diri kita - katarsis.

    Pahlawan dari setiap karya dramatis terus berusaha mencapai tujuannya: aspirasi ini, sebuah tindakan, menghadapi tindakan balasan lingkungan. Kita tidak boleh lupa bahwa tragedi berkembang dari aliran sesat agama; Isi asli dari tragedi adalah perlawanan terhadap takdir, takdirnya yang meyakinkan dan tak terelakkan, yang tidak dapat dihindari oleh manusia maupun dewa. Misalnya, konstruksi Oedipus karya Sophocles. Dalam teater Kristen, aksi tragisnya adalah pergumulan dengan Tuhan; misalnya, “Adoration of the Cross” karya Calderon. Dalam beberapa tragedi Shakespeare, misalnya, dalam “Julius Caesar,” takdir kuno, takdir, dihidupkan kembali dalam bentuk kekuatan kosmik yang mengambil bagian besar dalam perjuangan dramatis. Tragedi Jerman biasanya menggambarkan pelanggaran terhadap hukum ketuhanan; tragedi Jerman bersifat religius - dan religius dalam cara Kristen. Hal ini terjadi di sebagian besar tragedi Schiller (dalam "The Robbers" - Tuhan sangat sering mengambil ciri-ciri Yahudi, di sini pengaruh Alkitab terasa), Kleist, Hebbel, dll. Pandangan dunia Kristen juga terasa dalam karya Pushkin. sketsa tragis, seperti, misalnya, dalam “Pesta Wabah”. “Rasa bersalah yang dramatis” adalah pelanggaran terhadap norma-norma cara hidup tertentu; “rasa bersalah yang tragis” adalah pelanggaran terhadap hukum absolut. Di sisi lain, sebuah tragedi mungkin terjadi, berkembang dalam bidang sosial dan kenegaraan, tanpa pathos keagamaan dalam arti sempit; pahlawan sebuah tragedi mungkin tidak berperang melawan Tuhan, tetapi melawan “kebutuhan sejarah”, dll.

    Pahlawan tragedi sosial melanggar fondasi dasar kehidupan sosial. Protes pahlawan drama sehari-hari disebabkan oleh kondisi kehidupan; di lingkungan lain dia mungkin tenang. Dalam masyarakat di mana perempuan memiliki hak yang sama dengan laki-laki, Nora Ibsen harus menunjukkan ketenangan yang luar biasa, sebaliknya, pahlawan tragedi sosial - seperti tragedi lainnya - adalah pemberontak dalam keadaan apa pun; Ia tidak menemukan tempat untuk dirinya sendiri dalam kerangka sosialitas. Misalnya, Coriolanus karya Shakespeare; dalam lingkungan apa pun, kesombongannya yang gigih harus terungkap. Dia memberontak terhadap tuntutan kewarganegaraan yang tidak dapat diubah. Tidak ada tragedi jika pahlawannya tidak cukup kuat.

    (Itulah mengapa “The Thunderstorm” karya Ostrovsky bukanlah sebuah tragedi. Katerina terlalu lemah; hampir tidak menyadari dosanya, kesalahan agamanya yang tragis, dia melakukan bunuh diri; dia tidak mampu melawan Tuhan).

    Aksi tandingan tokoh-tokoh lain dalam tragedi tersebut juga harus maksimal; semua karakter utama tragedi itu harus diberkahi dengan energi dan ketajaman intelektual yang luar biasa. Pahlawan tragis bertindak tanpa niat jahat—ini adalah tanda penting ketiga dari sebuah tragedi. Bagi Oedipus, pembunuhan dan insesnya ditakdirkan dari atas; Macbeth memenuhi prediksi para penyihir. Pahlawan tragedi itu bersalah tanpa rasa bersalah, terkutuk. Pada saat yang sama, dia manusiawi, dia mampu menanggung penderitaan yang mendalam, dia bertindak bertentangan dengan penderitaannya. Para pahlawan dalam tragedi ini adalah orang-orang yang sangat berbakat, bergantung pada nafsu mereka. Tema tragedi ini bersifat mitologis. Dalam mitos terdapat prinsip fundamental yang efektif hubungan manusia, tidak digelapkan oleh simpanan rumah tangga. Tragedi tersebut menggunakan gambaran sejarah sebagai gambaran legenda rakyat, dan bukan sebagai bahan ilmiah. Dia tertarik pada sejarah - legenda, bukan sejarah - sains. Kebenaran tragedi adalah kebenaran nafsu, dan bukan gambaran realistis yang akurat. Tragedi mencerahkan kesadaran spiritual kita; selain citra artistik, hal ini ditandai dengan pathos penetrasi filosofis. Tragedi itu mau tidak mau berakhir dengan kematian sang pahlawan. Gairahnya diarahkan pada nasib itu sendiri dan, terlebih lagi, tidak dapat dikalahkan; kematian sang pahlawan adalah satu-satunya kemungkinan akibat dari tragedi tersebut. Namun, kekuatan berani sang pahlawan membangkitkan simpati dan harapan gila akan kemenangannya dalam diri kita.

  • Drama (genre)

    drama muncul pada akhir abad ke-18. Ini adalah lakon dengan tema keseharian modern. Bedanya dengan melodrama adalah drama tidak mencari belas kasihan. Tugasnya adalah menguraikan suatu bagian kehidupan modern dengan segala detailnya dan menunjukkan kekurangan atau keburukan tertentu. Hal ini dapat diatasi dengan cara yang komedi. Drama bisa dicampur dengan melodrama.

  • Drama kriminal
  • Drama eksistensial
  • drama dalam sajak

  • Sandiwara sensasi

    muncul di Perancis. Melodrama adalah lakon yang secara langsung menyentuh emosi penontonnya, membangkitkan rasa kasih sayang, ketakutan, kebencian, dan lain-lain. Kemalangan biasanya terjadi karena penyebab eksternal: bencana alam, kematian mendadak, penjahat yang bertindak karena alasan egois. Dalam tragedi, penjahat seperti itu terbagi menjadi dua: dia ragu dan menderita. Dalam melodrama, seseorang utuh dan terlibat dalam satu dorongan emosional. Plotnya diambil dari kehidupan orang biasa, dan endingnya biasanya bahagia.

    Melodrama adalah sebuah drama yang memikat bukan karena keseriusan perjuangan dramatis dan penggambaran rinci kehidupan sehari-hari di mana perjuangan ini berkembang, tetapi oleh parahnya situasi panggung. Kepedihan situasi panggung muncul sebagian sebagai konsekuensi dari keadaan yang kompleks dan spektakuler (simpul dramatis) di mana melodrama muncul, dan sebagian lagi sebagai konsekuensi dari kecerdikan dan kecerdikan karakter-karakternya. Para pahlawan melodrama dimasukkan ke dalam sel penjara yang terisolasi, dijahit ke dalam tas dan dibuang ke air (A. Dumas), dan mereka masih melarikan diri. Terkadang kecelakaan yang membahagiakan menyelamatkan mereka; para penulis melodrama, dalam mengejar efek-efek yang semakin baru, terkadang menyalahgunakan perubahan acak dalam nasib para pahlawan mereka. Kepentingan utama melodrama adalah murni fabulistik. Ketertarikan ini sering kali ditingkatkan dalam melodrama dengan "pengakuan" yang tiba-tiba (istilah Aristoteles); banyak pahlawan melodrama bertindak dalam waktu yang lama dengan nama samaran, perjuangan dramatis terjadi antara kerabat dekat yang sudah lama tidak mengetahuinya, dll. Karena penggambaran kehidupan sehari-hari yang dangkal, melodrama berkembang di bawah tanda “rasa bersalah yang tragis” (lihat “Tragedi”) . Namun melodrama jauh dari tragedi, tidak ada pendalaman spiritual di dalamnya; Ciri-ciri melodrama lebih skematis dibandingkan karya dramatis lainnya. Dalam melodrama, sering kali ada penjahat, petualang bangsawan, karakter menyentuh tak berdaya (“Dua Anak Yatim”), dll.

  • hierodrama
  • misteri
  • Komedi

    Komedi berkembang dari sebuah ritual pemujaan yang bersifat serius dan khusyuk. Kata Yunani κω?μος memiliki akar kata yang sama dengan kata κω?μη - desa. Oleh karena itu, kita harus berasumsi bahwa ini lagu-lagu lucu- komedi - muncul di desa. Memang benar bahwa para penulis Yunani mempunyai indikasi bahwa dasar-dasar karya semacam ini, yang disebut pantomim (μι?μος, imitasi), muncul di desa-desa. Arti etimologis kata ini juga menunjukkan dari mana asal mula isi pantomim itu diperoleh. Jika tragedi tersebut meminjam isinya dari legenda tentang Dionysus, dewa dan pahlawan, yaitu. dari dunia fantasi, kemudian pantomim mengambil konten tersebut dari kehidupan sehari-hari. Pantomim dinyanyikan selama perayaan yang didedikasikan untuk waktu-waktu tertentu dalam setahun dan berhubungan dengan menabur, memanen, memanen anggur, dll.

    Semua lagu sehari-hari ini merupakan improvisasi konten humor dan satir, sesuai dengan karakter topik hari ini. Lagu dicharic yang sama, mis. dengan dua penyanyi, dikenal orang Romawi dengan nama atellan dan fescennik. Isi dari lagu-lagu ini bervariasi, namun meskipun bervariasi, lagu-lagu tersebut mengambil bentuk tertentu dan merupakan sesuatu yang utuh, yang kadang-kadang merupakan bagian dari tetralogi Yunani, yang terdiri dari tiga tragedi tentang satu pahlawan (“Oresteia” oleh Aeschylus terdiri dari tragedi "Agamemnon", "Choephori", "Eumenides") dan yang keempat permainan satir. Bentuk yang kurang lebih pasti pada abad ke-6. SM Pada abad ke-5. SM, menurut Aristoteles, komedian Chionides terkenal, yang hanya nama beberapa dramanya yang bertahan. Aristophanes demikian. penerus kreativitas jenis ini. Meskipun Aristophanes mengolok-olok Euripides, orang sezamannya, dalam komedi-komedinya, ia membangun komedi-komedinya menurut rencana yang sama yang dikembangkan oleh Euripides dalam tragedi-tragedinya, dan bahkan konstruksi eksternal komedi tidak berbeda dengan tragedi. Pada abad ke-4. SM Menander menonjol di antara orang-orang Yunani. . Kita sudah membicarakan Plautus, karena komedinya meniru komedi Menander. Selain itu, kami menambahkan bahwa bagi Plautus, hubungan cinta memegang peranan penting. Tidak ada paduan suara dalam komedi Plautus dan Terrence; di Aristophanes hal itu lebih penting daripada tragedi Euripides dan para pendahulunya. Bagian refrain dalam parabasisnya, mis. penyimpangan dari perkembangan aksi, ia berpaling kepada penonton untuk menafsirkan dan memahami bagi mereka makna dialog para tokoh. Penulis berikutnya setelah Plautus adalah Terence. Dia, seperti Plautus, meniru Menander dan penulis Yunani lainnya Apollodorus. Komedi Terence tidak ditujukan untuk massa, tetapi untuk masyarakat bangsawan terpilih, oleh karena itu ia tidak memiliki kecabulan dan kekasaran yang banyak kita temukan di Plautus. Komedi Terence dibedakan berdasarkan karakter moralnya. Jika di Plautus ayah ditipu oleh anak laki-lakinya, maka di Terence merekalah yang menjadi pemimpin kehidupan keluarga. Gadis-gadis Terence yang tergoda, berbeda dengan Plautus, menikahi penggoda mereka. Dalam komedi pseudo-klasik, unsur moral (keburukan dihukum, kebajikan menang) berasal dari Terence. Selain itu, komedi komedian ini dibedakan oleh ketelitian yang lebih besar dalam menggambarkan karakter dibandingkan Plautus dan Menander, serta keanggunan gayanya. Selama Renaisans di Italia, jenis komedi khusus dikembangkan:

    COMMEDIA DELL'ARTE semuanya improvisasi - sebuah komedi yang dibawakan oleh aktor-aktor Italia profesional bukan berdasarkan teks tertulis, tetapi menurut naskah (Italia: Skenario atau soggetto) yang hanya menguraikan tonggak-tonggak isi plot, menyerahkan kepada aktor itu sendiri untuk mengambil peran di dalamnya kata-kata yang diceritakan oleh pengalaman panggung, kebijaksanaan, akal, inspirasi atau pendidikannya. Jenis permainan ini berkembang pesat di Italia sekitar pertengahan abad ke-16. Sulit untuk membedakan secara tegas komedi improvisasi dari komedi sastra (sostenuta erudita): kedua genre tersebut tidak diragukan lagi berinteraksi dan berbeda terutama dalam pelaksanaannya; komedi tertulis terkadang berubah menjadi naskah dan sebaliknya, komedi sastra ditulis sesuai naskah; Ada kemiripan yang jelas antara karakter keduanya. Namun dalam bentuk improvisasi mereka bahkan lebih dibekukan daripada dalam bentuk tertulis menjadi tipe-tipe tertentu yang tetap. Begitulah Pantalone yang rakus, jatuh cinta, dan selalu tertipu; Dr Graziano, terkadang seorang pengacara, terkadang seorang dokter, seorang ilmuwan, seorang pedant, menciptakan etimologi kata yang luar biasa (seperti pedante dari pede ante, karena guru memaksa siswa untuk maju); kapten, pahlawan dalam perkataan dan pengecut dalam perbuatan, yakin akan daya tariknya terhadap wanita mana pun; selain itu, ada dua jenis pelayan (zanni): yang satu cerdas dan licik, ahli intrik apa pun (Pedrolino, Brighella, Scapino), yang lain adalah Harlequin yang idiot atau Medzetin yang lebih bodoh lagi, perwakilan dari komedi yang tidak disengaja. Yang berdiri agak terpisah dari semua tokoh komik ini adalah sepasang kekasih (innamorati). Masing-masing aktor memilih satu peran untuk dirinya sendiri dan sering kali tetap setia pada peran tersebut sepanjang hidupnya; Berkat ini, dia terbiasa dengan perannya dan mencapai kesempurnaan di dalamnya, meninggalkan jejak kepribadiannya di dalamnya. Hal ini mencegah topeng-topeng itu menjadi tidak bergerak sama sekali. Aktor yang baik memiliki banyak omelan sendiri atau omelan pinjaman (concetti), yang mereka simpan dalam ingatan mereka sehingga pada saat yang tepat mereka dapat menggunakan salah satunya, tergantung pada keadaan dan inspirasi. Para pecinta telah menyiapkan concetti permohonan, kecemburuan, celaan, kesenangan, dll.; mereka belajar banyak dari Petrarch. Setiap rombongan memiliki sekitar 10-12 aktor dan, karenanya, setiap naskah memiliki jumlah peran yang sama. Berbagai kombinasi elemen yang hampir tidak berubah ini menciptakan plot yang beragam. Intrik biasanya bermuara pada kenyataan bahwa orang tua, karena keserakahan atau persaingan, menghalangi kaum muda untuk mencintai apa yang mereka pilih, tetapi Zannt pertama ada di pihak kaum muda dan, sambil memegang semua benang intrik di tangannya, menghilangkan hambatan dalam pernikahan. Bentuknya hampir tanpa kecuali tiga babak. Adegan di C. d. arte, seperti dalam komedi sastra Italia dan Romawi kuno, menggambarkan sebuah kotak dengan dua atau tiga rumah karakter yang menghadapnya, dan di kotak yang menakjubkan ini semua percakapan dan kencan berlangsung tanpa orang yang lewat.. Dalam komedi topeng tidak ada apa-apa untuk mencari psikologi nafsu yang kaya, di dunia konvensionalnya tidak ada tempat untuk refleksi kehidupan yang sebenarnya. Martabatnya ada pada gerakannya. Aksinya berkembang dengan mudah dan cepat, tanpa panjang lebar, menggunakan teknik konvensional yang biasa dilakukan yaitu menguping, berganti pakaian, tidak mengenali satu sama lain dalam kegelapan, dan lain-lain. Inilah yang diadopsi Moliere dari orang Italia. Masa berkembangnya komedi topeng terjadi pada paruh pertama abad ke-17.

    Pada abad ke-19, komedi karakter menjadi lebih penting.

    KOMEDI. Komedi menggambarkan perjuangan dramatis yang mengundang gelak tawa dengan membangkitkan sikap negatif dalam diri kita terhadap aspirasi, semangat para tokoh, atau cara perjuangannya. Analisis komedi dikaitkan dengan analisis sifat tawa. Menurut Bergson, setiap manifestasi manusia yang, karena kelembamannya, bertentangan dengan persyaratan sosial adalah hal yang lucu. Kelambanan sebuah mesin, otomatismenya, merupakan hal yang menggelikan bagi manusia yang hidup; karena kehidupan memerlukan “ketegangan” dan “elastisitas”. Tanda lain dari sesuatu yang lucu: “Keburukan yang digambarkan hendaknya tidak terlalu menyinggung perasaan kita, karena tertawa tidak sejalan dengan kegembiraan emosional.” Bergson menunjukkan momen-momen “otomatisisme” komedi yang menyebabkan tawa: 1) “memperlakukan orang seperti boneka” membuat Anda tertawa; 2) mekanisasi kehidupan, yang tercermin dalam situasi panggung yang berulang, membuat Anda tertawa; 3) otomatisme karakter yang mengikuti idenya secara membabi buta itu konyol. Namun, Bergson melupakan fakta bahwa setiap karya dramatis, baik komedi maupun tragedi, dibentuk oleh satu keinginan integral dari karakter utama (atau orang yang memimpin intrik) - dan bahwa keinginan ini, dalam aktivitasnya yang berkelanjutan, memperoleh sifat otomatisme. Kita juga menemukan tanda-tanda yang ditunjukkan Bergson dalam tragedi. Figaro tidak hanya memperlakukan orang seperti boneka, tetapi Iago juga; Namun, seruan ini tidak lucu, melainkan menakutkan. Dalam bahasa Bergson, “ketegangan” tanpa “elastisitas” atau fleksibilitas bisa menjadi tragis; gairah yang kuat tidaklah “elastis”. Saat mendefinisikan ciri-ciri komedi, perlu diperhatikan bahwa persepsi tentang apa yang lucu bisa berubah; Apa yang menggairahkan seseorang mungkin membuat orang lain tertawa. Lalu: cukup banyak lakon yang adegan dan alurnya dramatis (tragis) bergantian dengan komedi. Misalnya, “Celakalah dari Kecerdasan”, beberapa drama Ostrovsky, dan lain-lain. Namun, pertimbangan-pertimbangan ini tidak boleh mengganggu penetapan karakteristik komedi—gaya komedi. Gaya ini tidak ditentukan oleh tujuan yang menjadi tujuan dari aspirasi karakter yang bertabrakan dan berjuang: kekikiran dapat digambarkan dalam arti komedi dan tragis (“The Miser” oleh Moliere dan “ Ksatria Pelit"Pushkin). Don Quixote itu konyol, terlepas dari semua aspirasinya yang tinggi. Perjuangan dramatis menjadi lucu jika tidak membangkitkan rasa kasihan. Dengan kata lain, karakter komedi tidak boleh terlalu menderita sehingga berdampak pada kita. Bergson dengan tepat menunjukkan ketidaksesuaian antara tawa dan kegembiraan emosional. Gulat komedi tidak boleh brutal, dan gaya komedi murni tidak boleh berisi situasi panggung yang mengerikan. Begitu pahlawan komedi mulai menderita, komedi tersebut berubah menjadi drama. Karena kemampuan kita untuk berbelas kasih berkaitan dengan suka dan tidak suka, aturan relatif berikut dapat ditetapkan: semakin menjijikkan pahlawan komedi, semakin dia bisa menderita tanpa menimbulkan rasa kasihan pada kita, tanpa meninggalkan rencana komedi. Karakter pahlawan komedi tidak cenderung menderita. Pahlawan komedi dibedakan oleh akal yang ekstrim, akal yang cepat, yang menyelamatkannya dalam situasi yang paling ambigu - seperti, misalnya, Figaro - atau kebodohan binatang, yang menyelamatkannya dari kesadaran yang terlalu akut akan situasinya (misalnya, Caliban) . Semua pahlawan termasuk dalam kategori karakter komedi ini sindiran sehari-hari. Ciri khas lain dari komedi: perjuangan komedi dilakukan dengan cara-cara yang janggal, menggelikan, atau memalukan – atau sekaligus menggelikan sekaligus memalukan. Perjuangan komedi dicirikan oleh: penilaian situasi yang salah, pengenalan wajah dan fakta yang tidak tepat, mengarah pada delusi yang luar biasa dan berjangka panjang (misalnya, Khlestakov dikira sebagai auditor), perlawanan yang tidak berdaya, bahkan keras kepala; trik-trik tidak kompeten yang gagal mencapai tujuan - terlebih lagi, tanpa ketelitian apa pun, sarana penipuan kecil-kecilan, sanjungan, penyuapan (misalnya, taktik pejabat di "Inspektur Jenderal"); perjuangan yang menyedihkan, menggelikan, memalukan, badut (dan tidak kejam) - ini adalah jenis perjuangan komedi yang murni. Ucapan yang lucu akan mempunyai pengaruh yang kuat jika diucapkan oleh orang yang lucu.

    Kekuatan Shakespeare dalam memerankan Falstaff justru terletak pada kombinasi ini: seorang pelawak yang lucu. Komedi tidak menyentuh secara mendalam, namun kita tidak dapat membayangkan hidup tanpa kematian dan penderitaan; oleh karena itu, menurut ucapan halus Bergson, komedi memberikan kesan tidak nyata. Selain itu, diperlukan pewarnaan sehari-hari yang meyakinkan, khususnya ciri bahasa yang berkembang dengan baik. Fiksi komedi juga dibedakan, bisa dikatakan, karena perkembangan sehari-harinya yang kaya: di sini terdapat detail spesifik dari legenda, bisa dikatakan, kehidupan makhluk mitologis (misalnya, adegan Caliban dalam “The Tempest” karya Shakespeare). Namun karakter komedi bukanlah tipe seperti tipe drama dalam negeri. Karena komedi dengan gaya murni dicirikan oleh perjuangan yang sepenuhnya tidak kompeten dan memalukan, karakternya bukanlah tipe, melainkan karikatur, dan semakin banyak karikaturnya, semakin cerah komedinya. Tertawa bermusuhan dengan air mata (Boileau). Perlu juga ditambahkan bahwa hasil dari perjuangan komedi, karena sifatnya yang tidak kejam, tidak signifikan. Kemenangan komedi dari vulgar, kehinaan, kebodohan - karena kita mengejek para pemenang - tidak banyak menyentuh kita. Kekalahan Chatsky atau Neschastlivtsev tidak menimbulkan kepahitan dalam diri kita; Tertawa itu sendiri merupakan suatu kepuasan tersendiri bagi kita. Oleh karena itu, dalam sebuah komedi, hasil yang tidak disengaja juga dapat diterima - setidaknya melalui campur tangan polisi. Namun jika kekalahan mengancam seseorang dengan penderitaan yang nyata (misalnya, Figaro dan kekasihnya), akhir cerita seperti itu tentu saja tidak dapat diterima. Sejauh mana kesudahan itu sendiri tidak penting dalam sebuah komedi terlihat jelas dari fakta bahwa ada komedi yang dapat diramalkan sebelumnya. Begitulah komedi yang tak terhitung jumlahnya di mana sepasang kekasih dilarang menikah oleh kerabat mereka yang kejam dan lucu; di sini hasil pernikahan sudah ditentukan sebelumnya. Kita terbawa dalam komedi oleh proses ejekan; namun, minat akan meningkat jika hasilnya sulit diperkirakan. Hasilnya positif, bahagia.

    Ada:
    1) sindiran, komedi gaya tinggi, ditujukan terhadap kejahatan yang paling berbahaya bagi masyarakat,
    2) komedi sehari-hari yang mengolok-olok ciri-ciri kekurangan masyarakat tertentu,
    3) komedi situasi, menghibur dengan situasi panggung yang lucu, tanpa makna sosial yang serius.

  • Vaudeville

    Vaudeville adalah pertemuan dramatis dalam arti komedi (lihat komedi). Jika dalam komedi perjuangan dramatisnya tidak boleh brutal, maka ini lebih bisa diterapkan pada vaudeville. Di sini, biasanya digambarkan pelanggaran komedi terhadap beberapa norma sosial yang sangat kecil, misalnya norma keramahtamahan, hubungan bertetangga yang baik, dll. Karena tidak pentingnya norma yang dilanggar, vaudeville biasanya direduksi menjadi tabrakan singkat yang tajam - terkadang ke satu adegan.

    Sejarah Vaudeville. Etimologi kata ini (vaux-de-Vire, Vire Valley) memberikan indikasi asal mula kreativitas drama jenis ini (kota Vire terletak di Normandia); Selanjutnya, kata ini ditafsirkan melalui distorsi sebagai voix de ville - suara desa. Vaudeville mulai dipahami sebagai karya yang mendefinisikan fenomena kehidupan dari sudut pandang pandangan desa yang naif. Sifat ringan dari konten tersebut adalah ciri khas vaudeville Pencipta vaudeville, yang mencirikan karya-karya ini berdasarkan isinya, adalah penyair Prancis abad ke-15 Le Goux, yang kemudian disalahartikan dengan penyair lain Olivier Basselin. Le Goux menerbitkan kumpulan puisi, Vaux de vire nouveaux. Lagu-lagu komik ringan dalam semangat Le Goux dan Basselin ini menjadi milik masyarakat luas perkotaan di Paris, berkat fakta bahwa lagu-lagu tersebut dinyanyikan di jembatan Pont Neuf oleh penyanyi pengembara. Pada abad ke-18, Lesage, Fuselier dan Dorneval, meniru lagu-lagu vaudeville ini, mulai mengarang drama dengan konten serupa. Teks vaudeville diiringi musik dari awal detik setengah dari XVIII abad. Pertunjukan musik Vaudeville difasilitasi oleh fakta bahwa seluruh teks ditulis dalam bentuk syair (“Melnik” oleh Ablesimov). Namun segera, selama pertunjukan vaudeville yang sebenarnya, para seniman mulai membuat perubahan pada teks dalam bentuk biasa - improvisasi pada isu-isu terkini saat ini. Hal ini memberikan kesempatan kepada penulis untuk mengganti syair dengan prosa. Sejak saat itu, vaudeville mulai bercabang menjadi dua jenis: vaudeville itu sendiri dan operet. Vaudeville didominasi oleh pidato sehari-hari, dan dalam operet - bernyanyi. Namun, operet mulai berbeda isinya dari vaudeville. Setelah diferensiasi vaudeville ini, yang tertinggal pertama-tama adalah gambaran lucu tentang kehidupan kelas perkotaan pada umumnya, dan kemudian pejabat menengah dan kecil.
  • Lelucon

    Lelucon biasanya berupa komedi yang tokohnya melanggar norma sosial dan fisik kehidupan masyarakat. Jadi, dalam “Lysistrata” karya Aristophanes, sang pahlawan wanita berusaha memaksa laki-laki untuk mengakhiri perang dengan mendorong perempuan untuk menolak cinta mereka. Oleh karena itu, Argan (“The Imaginary Invalid” oleh Molière) mengorbankan kepentingan keluarganya demi kepentingan perutnya yang sakit imajiner. Bidang lelucon pada dasarnya adalah erotisme dan pencernaan. Oleh karena itu, di satu sisi, terdapat bahaya yang ekstrim bagi lelucon - terjerumus ke dalam vulgar yang berminyak, dan di sisi lain - sangat tajamnya lelucon, yang secara langsung mempengaruhi organ vital kita. Sehubungan dengan unsur fisik lelucon, di atas panggung secara alamiah ditandai dengan banyaknya gerakan-gerakan eksternal yang efektif, benturan, pelukan, dan perkelahian. Lelucon pada dasarnya bersifat periferal, eksentrik - ini adalah komedi yang eksentrik.

    Sejarah lelucon. Lelucon berkembang dari adegan sehari-hari yang diperkenalkan sebagai tontonan independen ke dalam drama abad pertengahan yang bersifat religius atau moralistik. Lelucon mendukung tradisi pertunjukan komik yang berasal dari panggung Yunani-Romawi, dan secara bertahap berubah menjadi komedi abad baru, tetap menjadi jenis komedi ringan khusus. Pelaku sandiwara di masa lalu biasanya adalah para amatir.

Drama memiliki kelebihan dibandingkan epik. Tidak ada komentar penulis di sini. Konstruksi ini memberikan ilusi objektivitas. Reaksi pemirsa selalu lebih emosional dibandingkan reaksi pembaca. Tindakannya berkesinambungan, kecepatan persepsi ditentukan oleh kinerja. Dampak Utama jenis yang dramatis- emosional. Sejak dahulu kala sudah ada konsepnya pembersihan - semacam “pembersihan” dengan rasa takut dan kasih sayang.

Pertanda jenis dramatis pada umumnya adalah konflik , yang menjadi dasar tindakan tersebut. Hal ini dapat didefinisikan sebagai “kehendak manusia yang berlawanan arah.” Dalam drama, tujuan tidak pernah tercapai secara diam-diam. Hambatan dapat bersifat material dan psikologis. Konflik tidak hanya bergantung pada kemauan penulis naskah, tetapi juga pada realitas sosial.

Akhir abad ke-19 - Eropa Drama baru . Perwakilan: Materlinck, Hauptmann, Chekhov. Inovasi mereka adalah drama tersebut menghilangkan konflik eksternal. Namun, konflik masih terus terjadi.

Drama berarti “aksi”, rangkaian peristiwa yang digambarkan bergantung pada tindakan para tokohnya. Suatu tindakan adalah setiap perubahan di atas panggung, termasuk. dan psikologis. Tindakan dikaitkan dengan konflik

Kata-kata dalam drama tidak seperti kata-kata epik; di sini kata-kata adalah bagian dari aksi, gambaran tindakan. Kata berusaha menjadi tindakan. Performatif - jenis ucapan khusus yang kata-katanya bertepatan dengan tindakan. (“Saya menyatakan perang”, “Saya mengutuk”). Sebuah kata dalam teater selalu ditujukan kepada seseorang = replika. Atau itu sendiri merupakan respon terhadap ucapan seseorang. Dialog yang berkelanjutan menciptakan efek realitas.

Dalam dramaturgi, tidak seperti epik, tidak mungkin menyampaikan pikiran dan perasaan tokoh atas nama pengarangnya. Kita mempelajarinya hanya dari monolog dan dialog, atau dari ciri-ciri diri, atau dari ciri-ciri tokoh lain.

Pada abad ke-20, drama cenderung mendekati epik. DI DALAM " Teater Epik» Bertolt Brecht di akhir drama - penilaian langsung: momen ketika para aktor melepas topengnya. Dengan demikian, aktor tidak menyatu dengan pahlawan. Penonton di sini tidak boleh berempati dengan sang pahlawan (seperti dalam drama klasik), tetapi berpikir.

Epik berbeda dari drama dalam hal plot dan bekerja dengan para pahlawan; epik cenderung ke monolog, drama ke arah dialog.

Artikel oleh V.E. Khalizeva:

Karya dramatis, seperti karya epik, menciptakan kembali rangkaian peristiwa, tindakan orang, dan hubungan mereka. Penulis naskah drama tunduk pada “hukum” mengembangkan tindakan”, tetapi drama ini kurang memiliki gambaran naratif dan deskriptif. (kecuali dalam kasus yang jarang terjadi ketika drama memiliki prolog).

Pidato penulis bersifat tambahan dan episodik. Daftar karakter, terkadang dengan karakteristik singkat; penunjukan waktu dan tempat tindakan; deskripsi lingkungan panggung; perkataan. Semua ini berarti teks sampingan sebuah karya dramatis. Teks utama merupakan rangkaian pernyataan tokoh, terdiri dari replika dan monolog => sarana visual yang terbatas, dibandingkan dengan epik.

Waktu aksi dalam sebuah drama harus sesuai dengan kerangka waktu panggung yang ketat. Rangkaian dialog dan monolog memberikan ilusi masa kini. “Semua bentuk naratif,” tulis Schiller, “memindahkan masa kini ke masa lalu, semua bentuk dramatis membuat masa lalu menjadi masa kini.

Tujuan dari drama, menurut Pushkin, adalah “untuk mempengaruhi orang banyak, untuk melibatkan keingintahuan mereka,” dan untuk tujuan ini untuk menangkap “kebenaran dari nafsu”: “Drama lahir di alun-alun dan merupakan hiburan yang populer.<…>orang menuntut sensasi yang kuat<…>tawa, rasa kasihan, dan kengerian adalah tiga rangkaian imajinasi kita, yang diguncang oleh seni dramatis.”

Genre dramatik sangat erat hubungannya dengan bidang tawa, karena teater diperkuat dan dikembangkan dalam rangka perayaan massal, dalam suasana bermain dan bersenang-senang.

Drama tertarik pada presentasi yang tampak efektif tentang apa yang digambarkan. Citraannya, pada umumnya, berubah menjadi hiperbolik, menarik, cemerlang secara teatrikal (untuk ini, misalnya, apakah Tolstoy mencela Shakespeare?).

Pada abad ke-19 dan ke-20, ketika hasrat akan keaslian sehari-hari mendominasi sastra, konvensi yang melekat dalam drama menjadi kurang semarak. Asal usul fenomena ini adalah apa yang disebut “drama filistin”, yang penciptanya adalah Diderot dan Lessing. Karya penulis drama Rusia terhebat abad ke-19 - ke-20. - Ostrovsky, Gorky, Chekhov - dibedakan berdasarkan keaslian bentuk kehidupan yang mereka ciptakan kembali. Namun, hiperbola psikologis dan verbal masih terus terjadi.

Peran paling penting dalam karya drama adalah konvensi pengungkapan diri verbal tokoh, dialog, dan monolog. Isyarat bersyarat "ke samping" , yang bagi karakter lain tampaknya tidak berada di atas panggung, tetapi terdengar jelas oleh penonton, serta monolog yang diucapkan oleh karakter itu sendiri, yang merupakan teknik panggung murni untuk memunculkan ucapan internal. Pidato dalam sebuah karya drama sering kali memiliki kemiripan dengan pidato artistik, liris, atau oratoris. Oleh karena itu, Hegel sebagian benar ketika memandang drama sebagai sintesis dari prinsip epik (kejadian) dan prinsip liris (ekspresi ujaran).

Drama seolah-olah memiliki dua kehidupan dalam seni: teater dan sastra. Namun sebuah karya dramatis tidak selalu dirasakan oleh masyarakat pembaca. Emansipasi drama dari panggung dilakukan secara bertahap selama beberapa abad dan baru selesai: pada abad ke-18 - ke-19. Pada saat penciptaannya, contoh-contoh drama yang penting secara global (dari zaman kuno hingga abad ke-18) praktis tidak diakui sebagai karya sastra: mereka hanya ada sebagai bagian dari seni pertunjukan. Baik Shakespeare maupun Moliere tidak dianggap oleh orang-orang sezamannya sebagai penulis. "Penemuan" Shakespeare sebagai penyair dramatis yang hebat pada abad ke-18 memainkan peran yang menentukan dalam tujuan drama tidak hanya untuk pertunjukan tetapi juga untuk membaca. Pada abad ke-19, manfaat sastra sebuah drama terkadang ditempatkan di atas manfaat panggung. Apa yang disebut Lesedrama (membaca drama) tersebar luas. Begitulah Faust karya Goethe, karya dramatis Byron, dan tragedi kecil Pushkin. Drama yang dibuat untuk dibaca seringkali berpotensi menjadi sandiwara panggung.

Penciptaan pertunjukan berdasarkan karya dramatis dikaitkan dengan keunggulan kreatifnya: aktor menciptakan intonasi dan gambar plastik dari peran yang mereka mainkan, seniman mendesain ruang panggung, sutradara mengembangkan mise-en-scène. Dalam hal ini, konsep lakonnya agak berubah, dan sering kali dikonkretkan dan digeneralisasikan: produksi panggung memperkenalkan nuansa makna baru ke dalam drama. Pada saat yang sama, prinsip membaca sastra dengan setia sangat penting bagi teater. Sutradara dan aktor dipanggil untuk menyampaikan karya yang dipentaskan kepada penonton dengan kelengkapan yang semaksimal mungkin. Kesetiaan membaca panggung terjadi ketika para aktor memahami secara mendalam sebuah karya sastra dalam isi pokok, genre, dan ciri-ciri gayanya serta memadukannya sebagai masyarakat pada zamannya dengan pandangan dan seleranya masing-masing.

Dalam estetika klasik abad 18 - 19, khususnya Hegel dan Belinsky, drama (khususnya tragedi) dianggap sebagai bentuk kreativitas sastra tertinggi: sebagai “mahkota puisi”. Serangkaian era memang telah membekas terutama dalam seni drama. Aeschylus dan Sophocles pada masa demokrasi pemilik budak, Moliere, Corneille dan Racine pada masa klasisisme.

Hingga abad ke-18, drama tidak hanya berhasil bersaing dengan epos, tetapi juga kerap menjadi garda terdepan dalam mereproduksi kehidupan dalam ruang dan waktu. Alasan:

Dan meskipun pada abad ke-19 dan ke-20 novel sosio-psikologis mengemuka sebagai sebuah genre jenis yang epik sastra dan karya drama masih mendapat tempat terhormat.

Genre sastra dramatis memiliki tiga genre utama: tragedi, komedi, dan drama dalam arti sempit, tetapi juga memiliki genre seperti vaudeville, melodrama, dan tragikomedi.

Tragedi (Yunani)

Tragoidia, menyala. - lagu kambing) - “genre dramatis berdasarkan tabrakan tragis karakter heroik, akibat yang tragis dan penuh dengan kesedihan…”266.

Tragedi tersebut menggambarkan realitas sebagai segumpal kontradiksi internal; ia mengungkap konflik-konflik realitas dalam bentuk yang sangat menegangkan. Ini adalah karya dramatis, yang didasarkan pada konflik kehidupan yang tidak dapat didamaikan, yang menyebabkan penderitaan dan kematian sang pahlawan. Maka, dalam benturan dengan dunia kejahatan, kebohongan dan kemunafikan, pembawa cita-cita humanistik yang maju, pangeran Denmark Hamlet, sang pahlawan, meninggal secara tragis. tragedi dengan nama yang sama W.Shakespeare.

Dalam perjuangan yang dilakukan oleh para pahlawan tragis, ciri-ciri kepahlawanan karakter manusia terungkap dengan sangat utuh.

Genre tragedi memiliki sejarah yang panjang. Itu muncul dari ritual pemujaan agama dan merupakan pertunjukan panggung dari sebuah mitos. Dengan munculnya teater, tragedi muncul sebagai genre seni dramatis yang independen. Pencipta tragedi adalah penulis drama Yunani kuno abad ke-5. SM e. Sophocles, Euripides, Aeschylus, yang meninggalkan contoh sempurna. Mereka mencerminkan benturan tragis antara tradisi sistem kesukuan dan tatanan sosial baru. Konflik-konflik ini dirasakan dan digambarkan oleh penulis naskah drama terutama dengan menggunakan materi mitologis. Pahlawan dari sebuah tragedi kuno mendapati dirinya terseret ke dalam konflik yang tak terselesaikan baik karena kehendak batu yang angkuh (takdir) atau karena kehendak para dewa. Jadi, pahlawan tragedi Aeschylus "Prometheus Bound" menderita karena dia melanggar kehendak Zeus ketika dia memberikan api kepada manusia dan mengajari mereka kerajinan tangan. Dalam tragedi Sophocles, "Oedipus sang Raja", sang pahlawan ditakdirkan menjadi pembunuh ayah dan menikahi ibunya sendiri. Tragedi kuno biasanya mencakup lima babak dan disusun sesuai dengan “tiga kesatuan” - tempat, waktu, tindakan. Tragedi ditulis dalam bentuk syair dan dibedakan dengan ucapan yang luhur; pahlawannya adalah “pahlawan yang luhur”.

Pendiri tragedi modern dianggap sebagai yang agung Penulis drama Inggris William Shakespeare. Tragedinya “Romeo dan Juliet”, “Hamlet”, “Othello”, “King Lear”, “Macbeth” didasarkan pada konflik akut. Tokoh-tokoh Shakespeare bukan lagi pahlawan dalam mitos, melainkan orang-orang nyata yang berjuang melawan kekuatan dan keadaan nyata, bukan mitos. Berjuang untuk kebenaran dan kelengkapan maksimum dalam reproduksi kehidupan, Shakespeare mengembangkan semua aspek terbaik dari tragedi kuno, sekaligus membebaskan genre ini dari konvensi-konvensi yang pada zamannya telah kehilangan maknanya (plot mitologis, kepatuhan pada aturan “ tiga kesatuan”). Karakter-karakter dalam tragedi Shakespeare memukau dengan daya persuasifnya yang nyata. Secara formal, tragedi Shakespeare jauh dari zaman kuno. Tragedi Shakespeare mencakup seluruh aspek realitas. Kepribadian pahlawan dalam tragedinya terbuka, tidak sepenuhnya terdefinisi, dan mampu berubah.

Tahap selanjutnya dalam pengembangan genre tragedi dikaitkan dengan karya penulis drama Prancis P. Corneille (Medea, Horace, The Death of Pompey, Oedipus, dll.) dan J. Racine (Andromache, Iphigenia, Fed - ra” dll.)* Mereka menciptakan contoh-contoh brilian dari tragedi klasisisme - tragedi "gaya tinggi" dengan kepatuhan wajib terhadap aturan "tiga kesatuan".

Pada pergantian abad XVIII-XIX. F. Schiller memperbarui gaya tragedi “klasik”, menciptakan tragedi “Don Carlos”, “Mary Stuart”, “The Maid of Orleans”.

Di era romantisme, isi tragedi adalah kehidupan seseorang dengan pencarian spiritualnya. Drama tragis diciptakan oleh V. Hugo (“Ernani”, “Lucretia Borgia”, “Ruy Blaz”, “The King Amusesself”, dll.), J. Byron (“The Two Faskari”), M. Lermontov (“ Menyamar").

Di Rusia, tragedi pertama dalam kerangka puisi klasisisme diciptakan pada abad ke-18. A. Sumarokov (“Khorev”), M. Kheraskov (“Plamena”), V. Ozerov (“Polyxena”), Y. Knyazhnin (“Dido”).

Pada abad ke-19 Realisme Rusia juga memberikan contoh tragedi yang meyakinkan. Pencipta tragedi jenis baru adalah A.

S.Pushkin. Tokoh utama dalam tragedi Boris Godunov, yang melanggar semua persyaratan klasisisme, adalah masyarakat, yang ditampilkan sebagai kekuatan pendorong sejarah. Pemahaman tentang konflik realitas yang tragis dilanjutkan oleh A.N. Ostrovsky (“Bersalah Tanpa Rasa Bersalah”, dll.) dan L.N. Tolstoy (“Kekuatan Kegelapan”).

Pada akhir abad ke-19 – awal abad ke-20. tragedi dihidupkan kembali "di gaya tinggi": di Rusia - dalam karya L. Andreev ("The Life of a Man", "Tsar Famine"), Vyach. Ivanov (“Prometheus”), di Barat - dalam karya T.-S. Elliot (“Pembunuhan di Katedral”), P. Claudel (“Pemberitaan”), G. Hauptmann (“Tikus”). Belakangan, pada abad ke-20, dalam karya J.-P. Sartre (“Lalat”), J. Anouilh (“Antigone”).

Konflik tragis dalam sastra Rusia abad ke-20. tercermin dalam dramaturgi M. Bulgakov (“Days of the Turbins”, “Running”). Dalam sastra realisme sosialis mereka memperoleh interpretasi yang unik, karena konflik dominan di dalamnya didasarkan pada bentrokan musuh kelas yang tidak dapat didamaikan, dan karakter utama mati atas nama sebuah ide (“Tragedi Optimis” oleh Vs. Vishnevsky, “Storm” oleh V.

N. Bill-Belotserkovsky, “Invasi” oleh L. Leonov, “Membawa Elang di Bahu” oleh I. Selvinsky, dll.).

Pada tahap perkembangan drama Rusia saat ini, genre tragedi hampir dilupakan, namun konflik tragis ditafsirkan dalam banyak drama.

Komedi (Latin sotoesIa, Yunani kotosIa, dari kotoe - prosesi ceria dan 6с1ё - lagu) adalah jenis drama yang tokoh, situasi, dan tindakannya disajikan dalam bentuk yang lucu atau dijiwai dengan komik1. Komedi, seperti tragedi, berasal dari Yunani Kuno

Dalam sastra Eropa zaman modern, komedi melanjutkan tradisi sastra kuno, memperkayanya. Dalam sastra Eropa, jenis komedi stabil dibedakan. Misalnya komedi topeng, commedia dell'arte (1e1Gar1e), yang muncul di Italia pada abad ke-16, karakternya adalah topeng yang khas (Harlequin, Pulcinella, dll). Moliere, C. Goldoni, C. Gozzi.

Di Spanyol, komedi “jubah dan pedang” populer dalam karya Lope de Vega (“The Sheep Spring”), Tirso de Molina (“Don Gil Green Pants”), Calderon (“Mereka tidak bercanda dengan cinta” ).

Para ahli teori seni menjawab pertanyaan tentang tujuan sosial komedi dengan cara yang berbeda. Selama Renaisans, perannya hanya sebatas memperbaiki moral. Pada abad ke-19 V. Belinsky mencatat bahwa komedi tidak hanya menyangkal, tetapi juga menegaskan: “Kemarahan sejati terhadap kontradiksi dan vulgar masyarakat adalah penyakit jiwa yang dalam dan mulia, yang berdiri di atas masyarakatnya dan membawa dalam dirinya cita-cita yang berbeda, lebih baik. masyarakat." Pertama-tama, komedi harus ditujukan untuk mengejek orang jelek. Namun, selain tawa, “wajah jujur” komedi yang tidak kasat mata (menurut N.V. Gogol, satu-satunya wajah jujur ​​dari komedi “Inspektur Pemerintah” adalah tawa), bisa juga mengandung “komikisme mulia”, yang melambangkan prinsip positif yang diwakili. misalnya, dalam gambar Chatsky oleh Griboyedov, Figaro oleh Beaumarchais, Falstaff oleh Shakespeare.

Seni komedi mencapai kesuksesan yang signifikan dalam karya W. Shakespeare (“Twelfth Night”, “The Taming of the Shrew”, dll.). Penulis naskah drama mengungkapkan di dalamnya gagasan Renaisans tentang kekuatan alam yang tak tertahankan atas hati manusia. Keburukan dalam komedinya lucu, ada kegembiraan di dalamnya, ada seluruh karakter orang kuat yang tahu cara mencintai. Komedi Shakespeare masih ditampilkan di panggung teater di seluruh dunia.

Komedian Perancis abad ke-17 meraih kesuksesan gemilang. Moliere adalah penulis “Tartuffe” yang terkenal di dunia, “The Bourgeois in the Nobility”, “The Miser”. Beaumarchais menjadi komedian terkenal (“ Tukang Cukur Seville", "Pernikahan Figaro").

Di Rusia, komedi rakyat sudah ada sejak lama. Seorang komedian terkemuka dari Pencerahan Rusia adalah D.N. Fonvizin. Komedinya "The Minor" tanpa ampun mengolok-olok "ketuhanan liar" yang berkuasa di keluarga Prostakov. Menulis komedi I.A. Krylov (“Pelajaran untuk Anak Perempuan”, “Toko Mode”), mengejek kekaguman terhadap orang asing.

Pada abad ke-19 contoh komedi realistik sosial yang satir diciptakan oleh A.S. Griboyedov (“Celakalah dari Kecerdasan”), N.V. Gogol (“Inspektur Jenderal”), A.N. Ostrovsky (“Tempat yang menguntungkan”, “Rakyat kami - kami akan diberi nomor”, dll.). Melanjutkan tradisi N. Gogol, A. Sukhovo-Kobylin dalam triloginya (“The Wedding of Krechinsky”, “The Affair”, “The Death of Tarelkin”) menunjukkan bagaimana birokrasi “merilekskan” seluruh Rusia, membawanya masalah sebanding dengan kerusakan yang ditimbulkan Kuk Tatar-Mongol dan invasi Napoleon. Komedi terkenal oleh M.E. Saltykov-Shchedrin (“Kematian Pazukhin”) dan A.N. Tolstoy (“Buah Pencerahan”), yang dalam beberapa hal mendekati tragedi (mengandung unsur tragikomedi).

Komedi telah memunculkan variasi genre yang berbeda. Ada komedi situasi, komedi intrik, komedi karakter, komedi tata krama (komedi keseharian), komedi slapstick. Tidak ada batasan yang jelas antara genre-genre ini. Kebanyakan komedi menggabungkan unsur-unsur genre yang berbeda, yang memperdalam karakter komedi, mendiversifikasi dan memperluas palet gambar komik. Hal ini terlihat jelas oleh Gogol dalam The Inspector General. Di satu sisi, ia menciptakan "komedi situasi" berdasarkan serangkaian kesalahpahaman yang lucu, yang utama adalah kesalahan absurd dari enam pejabat distrik yang mengira "elistratishka", "kestrel" Khlestakov sebagai auditor yang kuat, yang berperan sebagai sumber dari banyak situasi komik. Di sisi lain, efek komikal yang ditimbulkan oleh berbagai situasi absurd dalam hidup tidak menguras isi The Inspector General. Lagi pula, alasan kesalahan pejabat distrik terletak pada kualitas pribadi mereka? - pada kepengecutan, kekasaran spiritual, keterbatasan mental - dan pada esensi karakter Khlestakov, yang, ketika tinggal di St. Petersburg, mengadopsi karakter tersebut. perilaku pejabat. Apa yang kita miliki di hadapan kita adalah “komedi karakter” yang jelas, atau lebih tepatnya, komedi tipe sosial yang digambarkan secara realistis yang disajikan dalam keadaan tertentu.

Dari segi genre, ada juga komedi satir (“The Minor” karya Fonvizin, “The Inspector General” karya Gogol) dan komedi tingkat tinggi, mirip dengan drama. Aksi komedi-komedi ini tidak mengandung situasi lucu. Dalam dramaturgi Rusia, ini terutama adalah “Celakalah dari Kecerdasan” oleh A. Griboyedov. Tidak ada yang lucu dalam cinta tak berbalas Chatsky kepada Sophia, tetapi situasi di mana pemuda romantis itu menempatkan dirinya sungguh lucu. Posisi Chatsky yang terpelajar dan berpikiran progresif dalam masyarakat Famusov dan Silents sangatlah dramatis. Ada juga komedi liris, contohnya adalah “The Cherry Orchard” oleh A.P. Chekhov.

Pada akhir abad ke-19 – awal abad ke-20. Komedi muncul, ditandai dengan peningkatan psikologi dan penekanan pada penggambaran karakter yang kompleks. Ini termasuk “komedi ide” oleh B. Shaw (“Pygmalion”, “Millionairess”, dll.), “komedi suasana hati” oleh A.P. Chekhov (“The Cherry Orchard”), tragikomedi oleh L. Pirandello (“Enam Karakter dalam Pencarian Penulis” "), J. Anouya ("Savage").

Pada abad ke-20 Avant-gardeisme Rusia mulai dikenal, termasuk di bidang drama, yang akarnya tidak diragukan lagi berasal dari cerita rakyat. Namun prinsip cerita rakyat sudah ditemukan dalam lakon V. Kapnist, D. Fonvizin, dalam sindiran I. Krylov, N. Gogol, M. Saltykov-Shchedrin, yang tradisinya pada abad ke-20. dilanjutkan oleh M. Bulgakov (“Crimson Island”, “Zoyka’s Apartment”, “Adam and Eve”), N. Erdman (“Suicide”, “Mandate”), A. Platonov (“Hurdy Organ”).

Dalam avant-garde Rusia abad ke-20. Secara konvensional, ada tiga tahap yang dibedakan: futuristik (“Zangezi” oleh V. Khlebnikov, “Victory over the Sun” oleh A. Kruchenykh, “Mystery-bouffe” oleh V. Mayakovsky), pasca-futuristik (teater absurditas Oberiuts: “Elizabeth to You” oleh D. Kharms, “The Ivanovs’ Christmas Tree” oleh A. Vvedensky) dan dramaturgi avant-gardeisme modern (A. Artaud, N. Sadur, A. Shipenko, A. Slapovsky, A. Zheleztsov, I. Savelyev, L. Petrushevskaya, E. Gremina, dll.).

Tren avant-garde dalam drama modern menjadi subjek kajian sastra. Misalnya, M.I. Gromova, melihat asal muasal fenomena ini pada kenyataan bahwa pada tahun 20-an abad ke-20. Upaya untuk menciptakan seni “alternatif” (teater Oberiut) berhasil digagalkan selama bertahun-tahun bergerak di bawah tanah, sehingga menimbulkan “samizdat” dan “pembangkangan”, dan pada tahun 70an (tahun stagnasi) dibentuk di panggung banyak studio “bawah tanah”, yang menerima hak untuk bekerja secara legal pada tahun 90an (tahun perestroika ), ketika menjadi mungkin untuk mengenal semua jenis drama avant-garde Eropa Barat: “teater absurd”, “teater kekejaman”, “teater paradoks”, “terjadi”, dll. Di studio laboratorium, lakon V. Denisov “Six Ghosts on the Piano” dipentaskan (isinya terinspirasi oleh lukisan karya Salvador Dali). Para kritikus dikejutkan oleh realitas drama A. Galin yang kejam dan absurd (“Bintang di Langit Pagi”, “Maaf”, “Judul”), A. Dudarev (“Tempat Pembuangan”), E. Radzinsky (“Olahraga Permainan tahun 1981”, “Decameron Kami”, “Saya Berdiri di Restoran”), N. Sadur (“Serigala Bulan”),

A. Kazantsev (“Mimpi Evgenia”), A. Zheleztsov (“Kuburan Askold”, “Kuku”), A. Buravsky (“Guru Rusia”). Drama semacam ini membuat kritikus E. Sokolyansky menyimpulkan: “Tampaknya satu-satunya hal yang dapat disampaikan oleh seorang penulis drama dalam kondisi saat ini adalah kegilaan tertentu pada saat itu. Artinya, perasaan titik balik dalam sejarah dengan kemenangan kekacauan”267. Semua lakon ini mengandung unsur tragikomedi.

Tragikomedi adalah salah satu jenis karya drama (drama as a kind), yang mempunyai ciri-ciri tragedi dan komedi, yang membedakan tragikomedi dari bentuk peralihan antara tragedi dan komedi, yaitu dari drama sebagai suatu jenis. Tragikomedi meninggalkan moral absolut dari komedi dan tragedi. Sikap yang mendasarinya dikaitkan dengan rasa relativitas terhadap kriteria kehidupan yang ada. Melebih-lebihkan prinsip-prinsip moral menyebabkan ketidakpastian dan bahkan pengabaian prinsip-prinsip tersebut; prinsip subjektif dan objektif menjadi kabur; pemahaman yang tidak jelas tentang realitas dapat menyebabkan ketertarikan atau ketidakpedulian total dan bahkan pengakuan akan ketidaklogisan dunia. Pandangan dunia yang tragis mendominasi di dalamnya titik balik

sejarah, meskipun unsur tragikomik sudah hadir dalam dramaturgi Euripides (“Alcestis”, “Ion”).

Jenis tragikomedi yang “murni” menjadi ciri drama barok dan tingkah laku (F. Beaumont, J. Fletcher). Ciri-cirinya adalah kombinasi episode lucu dan serius, campuran karakter luhur dan komik, kehadiran motif pastoral, idealisasi persahabatan dan cinta, aksi rumit dengan situasi tak terduga, peran dominan peluang dalam nasib karakter; para pahlawan tidak diberkahi dengan keteguhan karakter, tetapi gambaran mereka sering kali menekankan satu sifat yang mengubah suatu karakter menjadi suatu tipe.

Dalam dramaturgi akhir abad ke-19. dalam karya G. Ibsen, Yu.A. Strindberg, G. Hauptmann, A. Chekhov, L. Pirandello, pada abad ke-20. - G. Lorca, J. Giraudoux, J. Anouya, E. Ionesco, S. Beckett, unsur tragikomik diintensifkan, seperti dalam drama avant-garde Rusia abad ke-20. Tragikomedi modern tidak memiliki ciri genre yang jelas dan dicirikan oleh “efek tragikomik”, yang diciptakan dengan menampilkan realitas secara bersamaan dalam cahaya tragis dan komik, ketidaksesuaian antara pahlawan dan situasi (situasi tragis adalah pahlawan komik, atau sebaliknya, seperti dalam komedi Griboyedov “Woe from Wit” "); ketidakpastian konflik internal

Jenis komedi hiburan khusus adalah vaudeville (vaudeville Prancis dari Vau de Vire - nama lembah di Normandia, tempat genre seni teater ini muncul pada awal abad ke-15) - sebuah drama konten sehari-hari dengan perkembangan yang menghibur aksi, di mana dialog jenaka bergantian dengan tarian dan nyanyian.

Di Perancis, vaudeville ditulis oleh E. Labiche dan O. Scribe. Di Rusia, vaudeville muncul awal XIX V. Ia mewarisi dari opera komik abad ke-18. minat terhadap mata pelajaran nasional. Vaudevilles menulis kepada A.S. Griboedov (“Perselingkuhan yang Berpura-pura”), D.T. Lensky (“Lev Gurych Sinichkin”), V.A. Sollogub (“Kusir, atau Prank Petugas Hussar”), P.A. Karatygin (“Istri yang Dipinjam”, “Eksentrik Mati”), N.A. Nekrasov (“Pemberi Pinjaman Petersburg”), A.P. Chekhov (“Beruang”, “Proposal”, “Pernikahan”, “Tentang Bahaya Tembakau”). Pada paruh kedua abad ke-19.

Vaudeville digantikan oleh operet. Ketertarikan terhadapnya kembali muncul pada akhir abad ke-20.

DI DALAM seni teater Abad XIX-XX komedi vaudeville dengan konten ringan dengan teknik komik eksternal mulai disebut lelucon (lelucon Prancis, dari bahasa Latin farcio - saya mulai: Abad Pertengahan. Misteri "dimulai" dengan sisipan komedi) - ketik teater rakyat dan sastra negara-negara Eropa Barat abad XIV-XVI, khususnya Perancis. Dia dibedakan oleh orientasi komik, sering kali satir, konkrit realistis, dan pemikiran bebas; penuh lawakan. Pahlawannya adalah warga kota. Gambar topeng lelucon tidak memiliki awal yang individual (lelucon mirip dengan komedi topeng), meskipun itu adalah upaya pertama untuk menciptakan tipe sosial268.

Cara untuk menciptakan efek komik (satir) adalah pidato komedi - alogisme, ketidaksesuaian situasi, parodi, permainan paradoks, ironi, dll. komedi terbaru- humor, ironi, sarkasme, aneh, jenaka, jenaka, permainan kata-kata.

Kecerdasan didasarkan pada selera humor (sebenarnya keduanya sama) - istimewa kemampuan asosiatif, kemampuan untuk mendekati suatu subjek secara kritis, memperhatikan absurditas, dan meresponsnya dengan cepat269.

Ciri-ciri gaya aneh adalah ciri khas banyak komedi yang dibuat dalam sastra Rusia abad ke-20. (“Suicide” oleh N. Erdman, “Zoyka’s Apartment” oleh M. Bulgakov, “The House that Swift Built” oleh G. Gorin). E. Schwartz (“Naga”, “Bayangan”) menggunakan alegori komik dan simbol satir dalam drama dongengnya.

Drama sebagai genre muncul setelah tragedi dan komedi. Seperti tragedi, hal ini cenderung menciptakan kembali kontradiksi yang akut. Sebagai salah satu jenis drama, drama ini tersebar luas di Eropa pada masa Pencerahan dan kemudian dikonsep sebagai sebuah genre. Drama menjadi genre independen pada paruh kedua abad ke-18. di kalangan pencerahan (drama filistin muncul di Perancis dan Jerman). Hal ini menunjukkan ketertarikan pada cara hidup sosial, pada cita-cita moral lingkungan demokratis, pada psikologi “orang kebanyakan”.

Pada masa ini, pemikiran tragis mengalami krisis dan digantikan oleh pandangan dunia yang berbeda, yang menegaskan aktivitas sosial individu. Seiring berkembangnya drama, drama internalnya semakin kental, hasil yang sukses menjadi semakin jarang, sang pahlawan berselisih dengan masyarakat dan dirinya sendiri (misalnya, lakon G. Ibsen, B. Shaw, M. Gorky, A. Chekhov).

Drama adalah sebuah drama dengan konflik yang akut, yang, tidak seperti drama tragis, tidak begitu luhur, lebih biasa, biasa saja, dan dengan satu atau lain cara dapat diselesaikan. Kekhasan drama ini terletak, pertama, didasarkan pada materi modern, bukan materi kuno, dan kedua, drama ini menegaskan pahlawan baru yang memberontak terhadap nasib dan keadaannya.

Masa kejayaan drama dimulai pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20. Di era romantisme, tragedi merajalela dalam drama. Lahirnya dramaturgi dikaitkan dengan daya tarik sastrawan terhadap modernitas masalah sosial. Tragedi itu, pada umumnya, diciptakan berdasarkan materi sejarah. Karakter utama adalah tokoh sejarah utama, berjuang dalam keadaan yang sangat tidak menguntungkan bagi dirinya sendiri. Kemunculan genre drama ditandai dengan meningkatnya minat untuk memahami kehidupan publik modern dan nasib dramatis seorang “pribadi”.

Kisaran dramanya luar biasa luas. Penulis naskah menggambarkan kehidupan pribadi sehari-hari masyarakat, hubungan mereka, bentrokan yang disebabkan oleh perbedaan harta benda, properti, dan kelas. Dalam drama realistis abad ke-19. sebagian besar drama psikologis dikembangkan (drama oleh A.N. Ostrovsky, G. Ibsen, dll.). Pada pergantian abad, drama berubah dalam karya A.P. Chekhov (“Ivanov”, “Three Sisters”) dengan liriknya yang sedih dan ironis, menggunakan subteks. Tren serupa diamati dalam karya M. Maeterlinck dengan “tragedi” tersembunyinya kehidupan sehari-hari"("Si Buta", "Monna Vitta").

Dalam literatur abad ke-20. Cakrawala drama telah berkembang secara signifikan, dan konflik-konfliknya menjadi lebih kompleks. Dalam drama M. Gorky (“Bourgeois”, “Enemies”, “Children of the Sun”, “Barbarians”) masalah tanggung jawab kaum intelektual atas nasib rakyat diangkat, tetapi hal ini dianggap terutama pada materi keluarga dan sehari-hari.

Di Barat, drama diciptakan oleh R. Rolland, J. Priestley, Y.O. Neal, A. Miller, F. Dürrenmatt, E. Albee, T. Williams.

“Elemen” drama adalah modernitas, kehidupan pribadi masyarakat, situasi yang didasarkan pada konflik yang dapat diselesaikan mengenai nasib individu yang tidak mempengaruhi masalah kepentingan publik.

Ragam drama tersebut muncul seperti drama liris M. Maeterlinck dan A. Blok (“Showcase”, “Rose and Cross”), drama intelektual J.-P. Sartre, J. Anouilh, drama absurd oleh E. Ionesco (“The Bald Singer”, “Chairs”), S. Beckett (“Waiting for Godot”, “End of the Game”), pidato, teater reli - politik teater B. Brecht dengan drama “epik” (“Prajurit apa itu, prajurit apa itu”).

Dalam sejarah teater Soviet, teater politik, yang tradisinya diletakkan oleh V. Mayakovsky, V. Kirshon, A. Afinogenov, B. Lavrenev, K. Simonov, dibedakan oleh posisi penulis yang jelas, mengambil tempat penting. Pada tahun 60an - 90an abad XX. drama jurnalistik muncul (“A Man from the Outside” oleh I. Dvoretsky, “Minutes of One Meeting” oleh A. Gelman, “Interview in Buenos Aires” oleh G. Borovik, “Further… more… next” oleh M. Shatrov) dan drama dokumenter (“Leaders” oleh G. Sokolovsky, “Joseph and Nadezhda” oleh O. Kuchkina, “The Black Man, or Me, Poor Soso Dzhugashvili” oleh V. Korkiya, “The Sixth of July” dan “Kuda Biru di Rumput Merah” oleh M. Shatrov , “Anna Ivanovna” oleh V. Shalamov, “Republik Buruh” oleh A. Solzhenitsyn, dll.). Dalam genre drama, muncul ragam lakon debat, lakon dialog, lakon kronik, lakon perumpamaan, lakon dongeng, dan “drama baru”.

Jenis drama tertentu menyatu dengan genre terkait, menggunakan sarana ekspresinya: tragikomedi, lelucon, teater topeng.

Ada juga genre seperti melodrama. Melodrama (dari bahasa Yunani m?los - lagu, melodi dan drama - aksi, drama) - 1) genre drama, drama dengan intrik yang tajam, emosi yang berlebihan, kontras yang tajam antara yang baik dan yang jahat, kecenderungan moral dan pendidikan; 2) karya drama musikal yang monolog dan dialog tokohnya diiringi musik. JJ Rousseau mengembangkan prinsip-prinsip genre ini dan menciptakan contohnya - “Pygmalion”; contoh melodrama Rusia adalah “Orpheus” oleh E. Fomin.

Melodrama berasal dari abad ke-18. di Prancis (diperankan oleh J.-M. Monvel dan G. de Pixerécourt), mencapai puncaknya pada tahun 30an dan 40an tahun XIX c., kemudian hiburan eksternal mulai mendominasi di dalamnya. Di Rusia, melodrama muncul pada tahun 20-an abad ke-19. (drama oleh N.V. Kukolnik, N.A. Polevoy, dll.), minat terhadapnya dihidupkan kembali pada tahun 20-an abad ke-20. Ada unsur melodrama dalam karya A. Arbuzov (“Komedi Kuno”, “Tales of the Old Arbat”)270. Genre drama ternyata sangat fleksibel.

Meringkas apa yang telah dikatakan tentang genera, jenis dan genre sastra, perlu diperhatikan adanya bentuk-bentuk intergenerik dan non-generik. Menurut B.O. Corman, kita dapat membedakan karya-karya yang menggabungkan sifat-sifat dua bentuk generik - “formasi bigenerik”271.

Misalnya, menurut V. Khalizev, permulaan epik hadir dalam lakon A.N. Ostrovsky dan B. Brecht, M. Maeterlinck dan A. Blok menciptakan “drama liris” lirik-epik permulaan puisi telah menjadi fakta yang terkenal. Bentuk non-generik dalam kritik sastra antara lain esai, sastra “aliran kesadaran”, esai, misalnya “Pengalaman” oleh M. Montaigne, “Daun Jatuh” dan “Soliter” oleh V. Rozanov (cenderung ke arah sinkretisme: prinsip seni aktual di dalamnya dipadukan dengan jurnalistik dan filosofis, seperti dalam karya AM Remizov “Posolon” ​​​​dan M. Prishvin “Eyes of the Earth”).

Jadi, V.E. merangkumnya dengan pemikirannya. Khalizev, “...kita dapat membedakan antara bentuk-bentuk generik yang sebenarnya, tradisional dan sangat dominan dalam kreativitas sastra selama berabad-abad, dan bentuk-bentuk “non-generik”, non-tradisional, yang berakar pada seni “pasca-romantis”. Yang pertama berinteraksi dengan yang terakhir dengan sangat aktif, saling melengkapi. Saat ini, triad Platonis-Aristotelian-Hegelian (epik, lirik, drama), seperti yang Anda lihat, telah terguncang secara signifikan dan perlu disesuaikan. Pada saat yang sama, tidak ada alasan untuk menyatakan bahwa ketiga jenis sastra yang biasanya dibedakan itu sudah ketinggalan zaman, seperti yang kadang-kadang dilakukan dengan tangan ringan Filsuf dan ahli teori seni Italia B. Croce. Di antara para sarjana sastra Rusia, A.I. Beletsky: “Bagi sastra kuno, istilah epik, lirik, drama masih belum abstrak. Mereka menunjukkan cara-cara khusus dan eksternal untuk menyampaikan sebuah karya kepada audiens yang mendengarkan. Setelah berubah menjadi sebuah buku, puisi meninggalkan metode penyampaian ini, dan secara bertahap<...>jenis (artinya jenis sastra. - V.Kh.) menjadi semakin fiksi. Apakah perlu untuk lebih memperpanjang keberadaan ilmiah dari fiksi-fiksi ini?”1. Tanpa menyetujui hal ini, kami mencatat: karya sastra dari semua era (termasuk modern) memiliki kekhususan umum tertentu (bentuk epik, dramatis, liris, atau bentuk esai , yang tidak jarang terjadi di abad ke-20, "aliran kesadaran", esai). Afiliasi gender (atau, sebaliknya, keterlibatan salah satu bentuk “non-generik”) sangat menentukan organisasi karya, ciri-ciri formal dan strukturalnya. Oleh karena itu, konsep “genus sastra” sebagai bagian dari teori puisi adalah bagian integral dan vital.”2 ? Soal tes dan tugas I 1.

Yang menjadi dasar untuk mengidentifikasi tiga jenis sastra. Apa saja tanda-tanda cara epik, liris, dan dramatis dalam mereproduksi realitas? 2.

Sebutkan jenis-jenis karya seni dan berikan ciri-cirinya. Ceritakan tentang hubungan antara genera, jenis, dan genre karya sastra. 3.

Apa perbedaan antara novel dan cerita pendek? Berikan contoh. 4.

Apa itu ciri khas novel? Berikan contoh. 1 Beletsky A.I. Karya terpilih tentang teori sastra. G.342.2

Khalizev V.E. Teori sastra. hal.318 - 319.

Soal tes dan tugas5.

Menurut Anda, mengapa novel dan cerita menjadi genre utama sastra realistik? Perbedaan mereka. 6.

Catat artikel oleh M.M. Bakhtin “Epik dan Novel: Tentang Metodologi Kajian Novel” (Lampiran 1, hal. 667). Selesaikan tugas dan jawab pertanyaan yang diberikan setelah artikel. 7.

Gogol awalnya menyebut "Jiwa Mati" sebagai "novel", kemudian menjadi "epik kecil". Mengapa ia memilih untuk mendefinisikan genre karyanya sebagai “puisi”? 8.

Tentukan ciri-ciri novel epik dalam karya “War and Peace” oleh L. Tolstoy dan “Quiet Don” oleh M. Sholokhov. 9.

Berikan definisi genre pada karya N. Shmelev "The Summer of the Lord" dan berikan alasan (novel dongeng, novel mitos, novel legenda, fabel, memori mitos, epik gratis, novel spiritual). 10.

Baca artikel O. Mandelstam “Akhir Novel.” S Mandelstam O. Karya: Dalam 2 jilid M., 1990. P. 201-205). Dengan menggunakan contoh novel “Doctor Zhivago” karya B. Pasternak, jelaskan apa yang inovatif dalam pendekatan para penulis abad ke-20. untuk masalah tersebut novel masa kini. Apakah mungkin untuk mengatakan bahwa “...ukuran komposisi sebuah novel adalah biografi manusia”? I. Bagaimana Anda mendefinisikan genre karya Bulgakov "The Master and Margarita", yang menggabungkan sejarah dan feuilleton, lirik dan mitos, kehidupan sehari-hari dan fantasi (novel, epik komik, utopia satir) secara bebas?

Apa saja ciri-ciri lirik sebagai salah satu jenis sastra? 2.

Catat artikel oleh V.E. Khalizeva “Lirik” (Lampiran 1, hal. 682). Siapkan jawaban atas pertanyaan yang diberikan. 3.

Berdasarkan artikel oleh L.Ya. Ginzburg “On Lyrics” (Lampiran 1, hal. 693) menyiapkan pesan “Fitur Gaya Lirik.” Sebutkan genre liris dan epik liris utama, tunjukkan perbedaannya. Apa penggolongan lirik berdasarkan prinsip tematik? 4.

Jelaskan apa arti istilah “lirik sugestif” dan “lirik meditatif”. Berikan contoh. 5.

Baca artikel oleh A.N. Pashkurov “Puisi elegi pra-romantis: “Waktu” oleh M.N. Muravyov" (Lampiran 1, hal. 704). Siapkan pesan “Jalan apa yang diambil elegi Rusia dalam perkembangannya dari pra-romantisisme ke romantisme?” 6.

Ceritakan tentang sejarah perkembangan genre soneta. 7.

Baca artikel oleh G.N. Esipenko “Studi soneta sebagai genre” (Sastra di sekolah. 2005. No. 8. P. 29-33) dan menyelesaikan tugas yang diusulkan di dalamnya terkait dengan analisis soneta oleh N. Gumilyov, I. Severyanin, I .Bunin (opsional), dan juga menulis puisi dalam bentuk soneta (dibolehkan meniru penyair mana pun). 8.

Metode penggambaran kehidupan apa yang digunakan A. Pushkin dalam puisi “Gipsi”? 9.

Karya apa yang disebut lyroepic? Dengan menggunakan contoh salah satu puisi karya V. Mayakovsky (“Man”, “Good!”), S. Yesenin (“Anna Onegin”) atau A. Tvardovsky (“By Right of Memory”), analisislah betapa liris dan epiknya elemen digabungkan di dalamnya. 10.

Apa gambaran pahlawan wanita liris dari "siklus Denisyev" F.I. Tyutchev? 13.

Tentukan ciri-ciri pahlawan wanita liris dalam puisi M. Tsvetaeva dan A. Akhmatova. 14.

Mungkinkah berbicara tentang “kepasifan” khas pahlawan liris B. Pasternak, seperti yang diyakini R. Yakobson? 15.

Bagaimana hubungan biografi A. Blok dengan karyanya? Evolusi apa yang dialami citra pahlawan liris? 16.

Mengapa puisi masa kini kehilangan sebagian besar genre tradisional?

Jelaskan pembagian genre dalam genre dramatik. 2.

Catat artikel oleh V.E. Khalizeva “Drama” (Lampiran 1, hal. 713). Siapkan jawaban atas pertanyaan yang diberikan. 3.

Ceritakan kepada kami tentang tahapan utama dalam perkembangan genre tragedi. 4.

Apa perbedaan antara drama dan tragedi? 5.

Sebutkan jenis-jenis komedi. Berikan contoh. 6.

Jelaskan genre drama “kecil”. Berikan contoh. 7.

Bagaimana Anda memahami definisi genre drama A. Ostrovsky? Apakah drama “The Thunderstorm” dan “Dowry” bisa disebut sebagai tragedi klasik? 8.

Tentukan genre “The Cherry Orchard” oleh A.P. Chekhov (komedi, tragedi, lelucon, melodrama). 9.

Dengan menggunakan contoh salah satu drama, analisis pendekatan baru Chekhov terhadap organisasi aksi dramatis (desentralisasi alur cerita, penolakan untuk membagi karakter menjadi karakter utama dan sekunder) dan teknik untuk menciptakan karakter individu (karakteristik diri, replika monolog, membangun bagian pidato dari gambar dengan mengubah nada gaya; baris “acak” dalam dialog yang menekankan ketidakstabilan keadaan psikologis karakter, dll.). 10.

Membaca dan menganalisis salah satu lakon dramawan kontemporer (opsional). 11.

Definisikan konsep "subteks" (lihat: Ensiklopedia sastra istilah dan konsep. M., 2001.Hal.755; Literer kamus ensiklopedis. M., 1987.Hal.284). Berikan contoh subteks liris dan psikologis dalam lakon A.P. Chekhov (opsional), dalam novel E. Hemingway, dalam puisi M. Tsvetaeva (“Kerinduan akan Tanah Air! Dahulu kala…”) dan O. Mandelstam (“Slate Ode”).

Tragedi(dari gr. Tragos - kambing dan ode - lagu) - salah satu jenis drama, yang didasarkan pada konflik yang tidak dapat didamaikan antara kepribadian yang tidak biasa dengan keadaan eksternal yang tidak dapat diatasi. Biasanya sang pahlawan mati (Romeo dan Juliet, Shakespeare's Hamlet). Tragedi ini berasal dari Yunani kuno, namanya berasal dari pertunjukan rakyat untuk menghormati dewa anggur, Dionysus. Tarian, nyanyian dan cerita tentang penderitaannya dibawakan, yang pada akhirnya dikorbankan seekor kambing.

Komedi(dari gr. comoidia. Comos - kerumunan ceria dan ode - lagu) - sejenis kesewenang-wenangan dramatis yang menggambarkan komik dalam kehidupan sosial, perilaku, dan karakter masyarakat. Ada komedi situasi (intrik) dan komedi karakter.

Drama - sejenis dramaturgi peralihan antara tragedi dan komedi (“The Thunderstorm” oleh A. Ostrovsky, “Stolen Happiness” oleh I. Franko). Drama terutama menggambarkan kehidupan pribadi seseorang dan konflik akutnya dengan masyarakat. Pada saat yang sama, penekanannya sering kali ditempatkan pada kontradiksi universal manusia, yang diwujudkan dalam perilaku dan tindakan karakter tertentu.

Misteri(dari gr. mysterion - sakramen, ibadah, ritual) - genre teater keagamaan massal akhir Abad Pertengahan (abad XIV-XV), tersebar luas di negara-negara Nvrotta Barat.

Pertunjukan tambahan(dari bahasa Latin intermedius - apa yang ada di tengah) - kecil permainan komik atau drama komedi yang dipentaskan di sela-sela aksi drama utama. Dalam seni pop modern, ini ada sebagai genre independen.

Vaudeville(dari bahasa Prancis vaudeville) sebuah drama komik ringan yang menggabungkan aksi dramatis dengan musik dan tarian.

melodrama - sebuah drama dengan intrik yang tajam, emosi yang berlebihan dan kecenderungan moral dan didaktik. Ciri khas melodrama adalah “akhir yang bahagia”, kemenangan para pahlawan positif. Genre melodrama sempat populer pada abad ke-18. abad ke-19, kemudian memperoleh reputasi negatif.

Lelucon(dari bahasa Latin farcio saya mulai, saya isi) adalah komedi rakyat Eropa Barat abad 14 - 16, yang berawal dari permainan ritual dan selingan yang lucu. Lelucon dicirikan oleh ciri-ciri utama ide-ide populer: partisipasi massa, orientasi satir, dan humor kasar. Di zaman modern, genre ini sudah masuk dalam khasanah teater-teater kecil.

Seperti disebutkan, metode gambar sastra sering dicampur dalam tipe dan genre individu. Campuran ini ada dua jenis: dalam beberapa kasus ada semacam inklusi, bila ciri-ciri umum utama dipertahankan; di negara lain, prinsip-prinsip generiknya seimbang, dan karya tersebut tidak dapat dikaitkan dengan epik, pendeta, atau drama, sehingga disebut formasi yang berdekatan atau campuran. Paling sering, epik dan lirik dicampur.

Kidung(dari Provence ballar - menari) - sebuah karya puitis kecil dengan alur cinta dramatis yang tajam, konten sejarah-legendaris, heroik-patriotik, atau dongeng. Penggambaran peristiwa dipadukan di dalamnya dengan perasaan kepenulisan yang diucapkan, epik dipadukan dengan lirik. Genre ini menyebar luas di era romantisme (V. Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov, T. Shevchenko, dll.).

Puisi epik liris- sebuah karya puitis di mana, menurut V. Mayakovsky, penyair berbicara tentang waktu dan dirinya sendiri (puisi oleh V. Mayakovsky, A. Tvardovsky, S. Yesenin, dll.).

Puisi dramatis- sebuah karya yang ditulis dalam bentuk dialogis, tetapi tidak dimaksudkan untuk dipentaskan di atas panggung. Contoh genre ini: “Faust” oleh Goethe, “Cain” oleh Byron, “In the Catacombs” oleh L. Ukrainka, dll.

Akhir pekerjaan -

Topik ini termasuk dalam bagian:

Ilmu Sastra dan Komponennya

Pendahuluan..ilmu sastra dan komponen-komponennya..pengantar kritik sastra..

Jika Anda memerlukan materi tambahan tentang topik ini, atau Anda tidak menemukan apa yang Anda cari, kami sarankan untuk menggunakan pencarian di database karya kami:

Apa yang akan kami lakukan dengan materi yang diterima:

Jika materi ini bermanfaat bagi Anda, Anda dapat menyimpannya ke halaman Anda di jejaring sosial:

Semua topik di bagian ini:

Ciri-ciri pokok bahasan sastra
1. Integritas yang hidup. Seorang ilmuwan membagi suatu subjek, mempelajari seseorang menjadi beberapa bagian: ahli anatomi - struktur tubuh, psikolog - aktivitas mental, dll. Dalam sastra, manusia tampak hidup dan utuh.

Fitur gambar artistik
1. Konkritnya - cerminan kualitas individu dari objek dan fenomena. Kekhususan membuat gambar dapat dikenali dan berbeda dari yang lain. Dalam citra seseorang, ini adalah penampilan, orisinalitas ucapan

Alat untuk membuat gambar karakter
1. Potret - gambaran penampilan pahlawan. Sebagaimana dicatat, ini adalah salah satu teknik individualisasi karakter. Melalui potret, penulis seringkali mengungkap dunia batin sang pahlawan khususnya

Genera dan genre sastra
Perbedaan ketiga jenis sastra tersebut harus kita bahas dari segi isinya, yaitu dari segi kognisi dan reproduksi kehidupan. Karena itu, prinsip-prinsip umum tipifikasi kreatif kehidupan di setiap genus terwujud

Genre karya epik
Mitos (dari gr. mitos - kata, ucapan) adalah salah satunya spesies tertua cerita rakyat, cerita fantastis yang menjelaskan secara kiasan fenomena dunia sekitar.

Legenda
Genre karya liris

Lagu adalah puisi lirik pendek yang dimaksudkan untuk dinyanyikan. Genre lagu berakar pada zaman dahulu kala. Ada cerita rakyat dan lagu sastra.
Genre dan gaya karya sastra

Pertanyaan tentang genre suatu karya adalah salah satu yang paling sulit dalam mata kuliah ini; hal ini dibahas secara berbeda dalam buku teks, karena dalam ilmu pengetahuan modern tidak ada kesatuan dalam pemahaman kategori ini. Sementara itu, ini adalah salah satunya
Karya sastra

Fiksi ada dalam bentuk karya sastra. Sifat-sifat dasar sastra yang dibahas pada bagian pertama diwujudkan dalam setiap karya individu. Artis
Fitur Tema

1. Pengondisian sosio-historis. Penulis tidak menciptakan tema, tetapi mengambilnya dari kehidupan itu sendiri, atau lebih tepatnya, kehidupan itu sendiri yang menyarankan tema kepadanya. Maka, pada abad ke-19, topik cre
Ciri-ciri ide

1. Kita mengatakan bahwa ide adalah gagasan pokok suatu karya. Definisi ini benar, namun perlu klarifikasi. Perlu diingat bahwa gagasan dalam sebuah karya seni diungkapkan dengan sangat berbeda.
Komposisi dan plot

Keutuhan suatu karya seni dicapai melalui berbagai cara. Di antara sarana-sarana tersebut, komposisi dan plot memegang peranan penting.
Komposisi (dari bahasa Latin componere -

Pidato artistik
Para filolog membedakan antara bahasa dan ucapan. Bahasa adalah kumpulan kata dan prinsip tata bahasa dari kombinasinya, yang berubah secara historis. Tuturan adalah bahasa dalam tindakan, merupakan pernyataan, ungkapan pikiran dan perasaan dalam a

Fitur pidato artistik
1. Perumpamaan. Suatu kata dalam tuturan seni tidak hanya mengandung makna, tetapi jika digabungkan dengan kata lain akan menimbulkan gambaran suatu benda atau fenomena. Arti yang diterima secara umum dari subjek yang diperoleh Sumber leksikal bahasa sastra Sebagaimana telah disebutkan, dasar bahasa fiksi adalah bahasa sastra.

bahasa sastra
Kami telah mengkarakterisasi sumber utama bahasa sastra dan populer yang digunakan penulis dalam karyanya. Namun, ada juga sarana linguistik khusus yang bersifat artistik

Metafora
Kiasan yang paling umum, berdasarkan prinsip kesamaan, lebih jarang - kontras fenomena; sering digunakan dalam percakapan sehari-hari. Seni kata-kata untuk merevitalisasi gaya dan mengaktifkan persepsi penggunaan

Jenis metafora
Personifikasi adalah penyerupaan benda mati dengan makhluk hidup.

Awan emas bermalam di dada tebing raksasa (M. Lermontov)
Jenis-jenis metonimi

1) Mengganti judul suatu karya dengan nama pengarangnya. Baca Pushkin, pelajari Belinsky.
2) Mengganti nama orang dengan nama negara, kota, atau tempat tertentu. Ukraina

Jenis figur utama
1. Pengulangan - pengulangan suatu kata atau sekelompok kata untuk memberikan arti khusus.

Aku mencintaimu, hidup, yang dengan sendirinya bukanlah hal baru.
saya suka

Irama pidato artistik
Buku teks membimbing siswa dengan baik dalam masalah kompleks tentang tatanan ritmis pidato artistik - biasa-biasa saja dan puitis. Seperti pada bagian kursus sebelumnya, penting untuk mempertimbangkan secara umum

Fitur pidato puitis
1. Ekspresi emosional tertentu. Pidato puitis pada hakikatnya efektif. Puisi diciptakan dalam keadaan kegembiraan emosional dan menyampaikan kegembiraan emosional. L. Timofeev dalam bukunya “Essays on that

Sistem verifikasi
Dalam dunia puisi, ada empat sistem versifikasi: metrik, tonik, suku kata, dan suku kata-tonik. Mereka berbeda dalam cara mereka menciptakan ritme dalam sebuah baris, dan metode ini bergantung pada

Ayat bebas
Pada akhir abad ke-19, apa yang disebut syair bebas atau syair bebas (dari bahasa Prancis Vers - syair, libre - bebas) ditetapkan dalam puisi Rusia, di mana tidak ada simetri garis internal, seperti dalam suku kata-tonik ya

Pola perkembangan sejarah sastra
Topik ini sangat luas. Namun di bagian ini kami akan membatasi diri hanya pada hal-hal yang paling penting saja.

Perkembangan sastra biasa disebut dengan proses sastra. Jadi, proses sastra adalah
Pada awal abad ke-20, kaum formalis Rusia berpendapat bahwa para sarjana sastra harus fokus pada pertanyaan tentang kesusastraan sastra: pada strategi verbal yang menjadikan sebuah karya sastra, dan

Kritik baru
Fenomena yang disebut “kritik baru” muncul di Amerika Serikat pada tahun 1930-an dan 1940-an (karya I.A. Richards dan William Empson muncul di Inggris pada waktu yang bersamaan). "Cree baru

Fenomenologi
Kita menemukan asal mula fenomenologi dalam karya filsuf awal abad ke-20 Edmund Husserl. Arah ini mencoba menghindari masalah pemisahan subjek dan objek, kesadaran dan dunia sekitar dengan cara memusatkan perhatian

Strukturalisme
Kritik sastra yang berpusat pada pembaca agak mirip dengan strukturalisme, yang juga berfokus pada pertanyaan tentang penciptaan makna. Namun strukturalisme bermula dari perlawanan terhadap fenomenologi

Poststrukturalisme
Ketika strukturalisme menjadi sebuah gerakan atau “mazhab”, para ahli teori strukturalis menjauhkan diri darinya. Menjadi jelas bahwa karya para strukturalis tidak sesuai dengan gagasan strukturalisme sebagai sebuah upaya

Dekonstruktivisme
Istilah "poststrukturalisme" mengacu pada jangkauan luas wacana teoretis yang berisi kritik terhadap konsep pengetahuan objektif dan subjek yang mampu mengetahui diri. Jadi, burung hantu

Teori feminis
Karena feminisme menganggap tugasnya untuk menghancurkan oposisi “laki-laki – perempuan” dan oposisi lain yang terkait dengannya sepanjang keberadaannya budaya Barat, maka arah ini adalah

Psikoanalisa
Teori psikoanalitik telah mempengaruhi studi sastra baik sebagai cara interpretasi maupun sebagai teori bahasa, identitas, dan subjek. Di satu sisi, psikoanalisis, bersama dengan Marxisme, menjadi yang paling berpengaruh

Marxisme
Berbeda dengan Amerika Serikat, poststrukturalisme datang ke Inggris bukan melalui karya Derrida dan kemudian Lacan dan Foucault, namun melalui ahli teori Marxis Louis Althusser. Diambil ke dalam con

Historisisme/materialisme budaya baru
Di Inggris dan Amerika Serikat, tahun 1980-an dan 1990-an ditandai dengan munculnya kritik sejarah yang kuat dan berlandaskan teori. Di satu sisi, muncul kata-kata umpatan budaya Inggris

Teori pascakolonial
Permasalahan serupa juga dibahas dalam teori pascakolonial, yang merupakan upaya untuk memahami permasalahan yang ditimbulkan oleh kebijakan kolonial Eropa dan periode berikutnya. Pos

Teori minoritas
Salah satu perubahan kebijakan yang terjadi di institusi akademis di Amerika Serikat adalah meningkatnya studi literatur etnis minoritas. Upaya besar dan

Teori keberbedaan
Seperti dekonstruktivisme dan modern lainnya arah teoritis, “teori keberbedaan” (sudah dibahas pada Bab 7) menggunakan konsep marginal – sesuatu yang tidak sesuai dengan norma

Kritik tekstual
Kritik tekstual (dari bahasa Latin textus - kain, pleksus; gr. logos - kata, konsep) adalah disiplin filologi yang mempelajari teks tulisan tangan dan cetak karya seni, kritik sastra, publik

Plot dan komposisi
ANTITESIS - pertentangan karakter, peristiwa, tindakan, kata-kata. Dapat digunakan pada tingkat detail, detail (“Malam hitam, salju putih” - A. Blok), atau dapat berfungsi sebagai

Bahasa fiksi
ALEGORI adalah alegori, sejenis metafora. Alegori tersebut menangkap gambaran konvensional: dalam dongeng rubah itu licik, keledai itu bodoh, dll. Alegori juga digunakan dalam dongeng, perumpamaan, dan sindiran.

Dasar-dasar puisi
ACROSTIC - puisi yang huruf awal setiap ayatnya membentuk kata atau frasa secara vertikal: Seorang bidadari berbaring di tepi langit sambil membungkuk,

Proses sastra
AVANT-GARDISM adalah sebutan umum untuk sejumlah gerakan seni rupa abad ke-20, yang disatukan oleh penolakan terhadap tradisi para pendahulunya, terutama kaum realis. Prinsip-prinsip avant-gardeisme sebagai sastra dan seni

Konsep dan istilah sastra umum
AUTONIM - nama asli penulis yang menulis dengan nama samaran. Alexei Maksimovich Peshkov (nama samaran Maxim Gorky).

PENULIS – 1. Penulis, penyair – pencipta karya sastra; 2. Narasi
Penelitian dasar dalam teori sastra

Abramovich G.L Pengantar kritik sastra. M, 1975. Aristoteles. Retorika // Aristoteles dan sastra kuno. M., 1978. 3. Arnheim R. Bahasa, gambaran dan puisi konkrit Gaya artistik digunakan di fiksi

. Ini mempengaruhi imajinasi dan perasaan pembaca, menyampaikan pikiran dan perasaan penulis, menggunakan semua kekayaan kosa kata, kemungkinan gaya yang berbeda, dan dicirikan oleh kiasan dan emosionalitas ucapan.

Genre sebagai sebuah konsep muncul sejak lama, di dunia kuno. Pada saat yang sama, tipologi genre muncul. Saat ini, tipologi teks lebih ketat dan memiliki batasan yang jelas. Selain itu, mereka digunakan di semua bidang kehidupan - dalam kegiatan pemerintahan, di bidang profesional, teater, kedokteran, dan bahkan kehidupan sehari-hari.

Genre dalam fiksi merupakan isu yang sangat kompleks. Seperti yang Anda ketahui, semua karya sastra, bergantung pada sifat yang digambarkan, termasuk dalam salah satu dari tiga genre: epik, liris, atau drama. gender sastra adalah nama umum untuk sekelompok karya tergantung pada sifat refleksi realitas.

EPOS(dari bahasa Yunani "narasi") adalah nama umum untuk karya yang menggambarkan peristiwa di luar penulis.

LIRIK(dari bahasa Yunani "dilakukan dengan kecapi") adalah nama umum untuk karya yang tidak memiliki plot, tetapi perasaan, pikiran, pengalaman penulis atau pahlawan lirisnya digambarkan.

DRAMA(dari bahasa Yunani "aksi") - nama umum untuk karya yang dimaksudkan untuk produksi di atas panggung; Drama ini didominasi oleh dialog karakter, dan masukan penulis diminimalkan.

Macam-macam karya epik, liris dan dramatis disebut jenis karya sastra .

Jenis dan genre - konsep dalam kritik sastra sangat dekat .

Genre disebut variasi suatu jenis karya sastra. Misalnya, variasi genre cerita dapat berupa cerita fantasi atau sejarah, dan variasi genre komedi dapat berupa vaudeville, dll. Sebenarnya, genre sastra adalah jenis karya seni yang terbentuk secara historis yang mengandung ciri-ciri struktural tertentu dan karakteristik kualitas estetika dari suatu kelompok karya tertentu.


JENIS (GENRE) KARYA EPIK:

epik, novel, dongeng, cerita, dongeng, fabel, legenda.

EPIK- sebuah karya fiksi besar yang menceritakan tentang peristiwa sejarah penting. Di zaman kuno - puisi naratif yang berisi konten heroik. Dalam sastra abad ke-19 dan ke-20, genre novel epik muncul - ini adalah sebuah karya di mana pembentukan karakter karakter utama terjadi selama partisipasi mereka dalam peristiwa sejarah.

NOVEL- sebuah karya seni naratif besar dengan plot yang kompleks, yang di tengahnya adalah nasib individu.

CERITA- sebuah karya fiksi yang menempati posisi tengah antara novel dan cerita pendek ditinjau dari volume dan kompleksitas alurnya. Pada zaman dahulu, karya naratif apa pun disebut cerita.

CERITA- sebuah karya seni berukuran kecil, berdasarkan sebuah episode, sebuah kejadian dari kehidupan sang pahlawan.

dongeng- sebuah karya tentang peristiwa fiksi dan pahlawan, biasanya melibatkan kekuatan magis dan fantastis.

FABEL(dari “bayat” - menceritakan) adalah sebuah karya naratif bentuk puisi, berukuran kecil, bersifat moral atau satir.

JENIS (GENRE) KARYA LIRIK :

ode, himne, lagu, elegi, soneta, epigram, pesan.

SYAIR PUJIAN(dari bahasa Yunani “lagu”) – lagu paduan suara yang khusyuk.

NYANYIAN PUJIAN(dari bahasa Yunani “pujian”) adalah lagu khusyuk berdasarkan syair terprogram.

EPIGRAM(dari bahasa Yunani “prasasti”) adalah puisi satir pendek yang bersifat mengejek yang muncul pada abad ke-3 SM. e.

ELEGI- genre lirik yang didedikasikan untuk pikiran sedih atau puisi lirik yang dipenuhi kesedihan. Belinsky menyebut elegi sebagai "lagu dengan konten sedih". Kata "elegi" diterjemahkan sebagai "seruling buluh" atau "lagu sedih". Elegi berasal dari Yunani Kuno pada abad ke-7 SM. e.

PESAN- surat puitis, seruan kepada orang tertentu, permintaan, keinginan, pengakuan.

SONET(dari sonette Provencal - "lagu") adalah puisi 14 baris, yang memiliki sistem rima tertentu dan hukum gaya yang ketat. Soneta berasal dari Italia pada abad ke-13 (penciptanya adalah penyair Jacopo da Lentini), di Inggris muncul pada paruh pertama abad ke-16 (G. Sarri), dan di Rusia pada abad ke-18. Jenis soneta utama adalah Italia (dari 2 kuatrain dan 2 tercet) dan Inggris (dari 3 kuatrain dan satu bait terakhir).

JENIS LIROEPIK (GENRE):

puisi, balada.

PUISI(dari bahasa Yunani poieio - “Saya lakukan, saya buat”) adalah karya puisi besar dengan alur naratif atau liris, biasanya bertema sejarah atau legendaris.

KIDUNG- lagu cerita dengan isi dramatis, cerita dalam syair.


JENIS (GENRE) KARYA DRAMATIK:

tragedi, komedi, drama (dalam arti sempit).

TRAGEDI(dari bahasa Yunani tragos ode - "lagu kambing") - sebuah karya dramatis yang menggambarkan perjuangan yang intens karakter yang kuat dan hawa nafsu, yang biasanya berakhir dengan kematian sang pahlawan.

KOMEDI(dari bahasa Yunani komos ode - "lagu ceria") - sebuah karya dramatis dengan alur cerita yang ceria dan lucu, biasanya mengejek keburukan sosial atau sehari-hari.

DRAMA(“aksi”) adalah karya sastra berbentuk dialog dengan alur yang serius, menggambarkan seorang individu dalam hubungan dramatisnya dengan masyarakat. Macam-macam drama bisa berupa tragikomedi atau melodrama.

VAUDEVILLE- berbagai genre komedi, ini adalah komedi ringan dengan nyanyian bait dan tarian.

LELUCON- berbagai genre komedi, ini adalah drama teatrikal yang bersifat ringan dan menyenangkan dengan efek komik eksternal, dirancang untuk selera kasar.



@ 2024 nobelbar.ru - Sepatu, pakaian, gaya, aksesoris, manikur, gaya rambut