Sejak akhir tahun 80-an abad ke-16, dramaturgi Renaisans Inggris memasuki masa penguasaan yang matang. Setiap penulis baru, hampir setiap karya baru memperkaya drama dengan ide-ide dan bentuk artistik baru.

Kreativitas dramatis menjadi profesional. Sebuah galaksi penulis naskah drama muncul, dijuluki "pemikir universitas". Sesuai dengan julukannya, mereka adalah orang-orang dengan pendidikan universitas dan gelar yang lebih tinggi. Mereka menerima pendidikan klasik di bidang humaniora, banyak membaca sastra Yunani dan Romawi, dan mengetahui karya-karya humanis Italia dan Prancis. Robert Greene dan Christopher Marlowe menerima gelar BA dan MA dari Cambridge. John Lyly, Thomas Lodge, George Peel menerima gelar di Oxford. Hanya Thomas Kyd yang tidak lulus universitas, melainkan belajar di salah satu sekolah terbaik di London. Pada saat ini, humanisme sudah menjadi ajaran yang sepenuhnya terbentuk, dan yang harus mereka lakukan hanyalah menerimanya.

Namun Oxford dan Cambridge mempersiapkan siswanya hanya untuk karir sebagai imam. Paling banter, mereka bisa menjadi guru. Tapi bukan itu alasan mereka membaca Plautus dan Seneca, Boccaccio dan

Ariosto mengikuti jalan ini. Setelah menerima ijazahnya, mereka bergegas ke London. Masing-masing penuh dengan ide-ide baru dan aspirasi kreatif. Segera mesin cetak di ibu kota mulai mengerjakannya. Namun sulit untuk hidup dari pendapatan sastra. Puisi, novel, pamflet lebih membawa ketenaran daripada uang. Para "jenius badai" pada masa itu, yang membuka jalan baru dalam sastra dan teater, hidup berdampingan di bagian paling bawah kota London, bercampur dengan pengunjung tetap kedai dan pencuri, berkerumun di penginapan dan melarikan diri dari sana ketika tidak ada yang perlu dibayar. pemiliknya. Kebetulan mereka berakhir di salon seorang pelindung puisi yang mulia dan kaya, tetapi di sini mereka tidak berakar.

Mereka didorong ke teater karena kecintaan mereka pada seni dan pencarian penghasilan. Dengan Robert Greene, misalnya, kejadiannya seperti ini. Suatu hari dia berkeliaran di jalanan tanpa punya uang dan bertemu dengan seorang kenalan lama yang membuatnya kagum dengan pakaian mewahnya. Penasaran dari mana temannya menjadi begitu kaya, Green mendengar bahwa dia menjadi seorang aktor. Aktor tersebut, setelah mengetahui bahwa Green menulis puisi, mengundangnya untuk menulis untuk teater.

Lily mulai menulis drama melalui jalur yang berbeda. Dia mengajar bahasa Latin kepada anak-anak paduan suara. Ketika kapel lain menampilkan pertunjukan aktor laki-laki dengan sukses besar, dia memutuskan untuk menulis drama dan menampilkannya bersama murid-muridnya.

Namun, betapapun acaknya alasan yang menarik “pemikir universitas” ke teater, kedatangan mereka di sana, pada dasarnya, wajar. Teater ternyata menjadi platform terbaik untuk ide-ide mereka, sebuah bidang di mana mereka dapat menunjukkan bakat seni mereka.

Sebagian besar "pemikir universitas" menulis untuk teater rakyat. Sejak awal, Lily sendiri berorientasi pada masyarakat bangsawan yang “terpilih”.

John Lyly (1553 - 1606) menulis delapan drama: "Alexander and Campaspe" (1584), "Sappho and Phaon" (1584), "Galatea" (1588), "Endymion, or the Man in the Moon" (1588), " Midas" (1589 - 1590), "Ibu Bombi" (c. 1590), "Metamorfosis Cinta" (c. 1590), "Wanita di Bulan" (c. 1594).

Bukan tanpa alasan Lily mempelajari penulis-penulis kuno. Dia memiliki minat terhadap cerita dan mitos kuno. Namun dramanya sama sekali bukan latihan akademis yang meniru karya para penulis kuno. Dramaturgi Lily cukup modern, meskipun nama pahlawan dan pahlawan wanitanya Yunani. Meminjam plot dari sejarah dan mitologi kuno, melengkapinya dengan unsur pastoral dalam semangat humanisme Italia, Lily memberikan gambaran alegoris masyarakat istana Elizabeth dalam komedinya. Di hampir setiap komedinya, Ratu Elizabeth digambarkan dengan satu nama atau lainnya, dimuliakan sebagai teladan segala kebajikan. Athena di Lily menyerupai London, dan padang rumput Arcadian menyerupai alam Inggris.

Dalam komedi Lily, tema cinta mendominasi, hanya di "Midas" ada unsur sindiran politik terhadap Raja Spanyol Philip II dan di "Mother Bomba" ada unsur sindiran sehari-hari. Biasanya, aksi Lily terjadi dalam suasana konvensional. Karakternya setengah kutu buku, setengah nyata. Mereka berbicara dalam jargon sekuler yang sangat aneh.

Lily adalah pencipta gaya khusus "euphuisme", yang namanya diambil dari novel Lily "Euphues, or the Anatomy of Wit" (1579). Gaya bicara yang dikembangkan Lily erat kaitannya dengan konsep ideologis yang melandasi seluruh karyanya.

Lily adalah perwakilan dari humanisme aristokrat yang sopan. Sepenuhnya mendukung sistem yang ada, ia percaya bahwa humanisme harus dibatasi pada tugas mendidik manusia ideal, yang diberkahi dengan budaya eksternal dan internal. Berdasarkan risalah penulis Italia Castiglione “The Courtier,” Lily, dalam gambar pahlawan novelnya Euphues, berusaha menghadirkan perwujudan nyata dari cita-citanya. Kecerdasan yang tinggi dan kepekaan yang halus harus dibarengi dengan budi pekerti yang halus. Dengan novelnya, Lily ingin memberikan contoh kegagahan kepada bangsawan di zaman Elizabeth. Intinya, novelnya, di tanah Inggris, adalah salah satu contoh awal gaya "berharga" itu, yang kemudian mendapat perkembangan signifikan dalam sastra bangsawan Prancis. abad ke-17 dan diejek dengan kejam oleh Moliere.

Ciri khas gaya euhuistik: retorika, banyak metafora dan perbandingan, antitesis, paralelisme, referensi ke mitologi kuno. Tidak hanya novel Lily, dramanya juga ditulis dalam bahasa serupa. Dalam komedi Lily “Endymion,” sang pahlawan berkata tentang kekasihnya: “Oh, Cynthia yang cantik! Mengapa orang lain menyebutmu berubah-ubah ketika aku menganggapmu waktu yang tidak dapat diubah, moral yang kejam, orang-orang yang tidak baik, melihat keteguhan yang tak tertandingi dari kekasihku yang cantik, Dijuluki dia yang plin-plan, tak setia, plin-plan! Apakah bisa disebut plin-plan yang selalu menempuh jalannya sendiri, tanpa mengubah arahnya sedetik pun? sama? menurut hukum, lalu mengecil, lalu bertambah? Tunas tidak ada artinya sampai memberi warna, dan bunga - sampai menghasilkan buah yang matang, dan dapatkah kita menyebutnya berubah karena dari biji muncul tunas, dari a menumbuhkan kuncup, dari kuncup menjadi bunga?

Euphuisme mempunyai pengaruh yang signifikan terhadap bahasa sastra pada zamannya, termasuk bahasa karya drama. Pada tahap tertentu, ia memainkan peran positif, berkontribusi terhadap pengayaan dan pemuliaan bahasa. Namun, penekanan aristokrasi dan kepalsuan gaya ini tidak bisa tidak menimbulkan reaksi dari para penulis yang dipandu oleh bahasa rakyat yang hidup. Shakespeare, yang awalnya memberi penghormatan tertentu pada euhuisme, kemudian berulang kali memparodikan gaya ini. Saat Falstaff dan Pangeran Henry (Henry IV, Part 1) mementaskan pertemuan raja dan pangeran, sang ksatria gendut yang sepanjang adegan memparodikan sejumlah karya dramatis pada masa itu, menirukan gaya euhuistik sebagai berikut:

“Harry, aku terkejut bukan hanya karena hobimu, tapi juga oleh masyarakat di mana kamu tinggal. Meskipun bunga aster tumbuh semakin cepat jika semakin diinjak-injak, masa muda akan semakin cepat rusak jika disalahgunakan Nak adalah bagian dari diriku Aku yakin dengan jaminan ibumu, sebagian oleh pendapatku sendiri, tetapi terutama oleh tatapan nakal di matamu dan bibir bawahmu yang terkulai bodoh... Perusahaanmu menajiskan seseorang, Harry, bukan dengan mabuk mata, tetapi dengan air mata berlinang, tidak bercanda, dan berduka, tidak hanya dengan kata-kata, tetapi juga dengan hati yang sakit. Pidato Polonius di Hamlet juga bersifat euhuistik. Namun di sini ini adalah parodi sekaligus penokohan: begitulah selera lingkungan istana.

Namun, selain kepalsuan, ada kecerdasan nyata dalam komedi Lily. Contohnya adalah dialog antara Plato, Aristoteles, dan Diogenes dalam Alexander dan Campaspe, serta percakapan antar pelayan dalam komedi lainnya. Dari sini hanya satu langkah menuju kecerdasan komedi Shakespeare.

Lily adalah pencipta komedi "tinggi". Dia adalah orang pertama yang membawa komedi lebih dari sekedar lelucon. Kecuali "Mother Bombi", yang mengandung unsur lelucon, ia di mana-mana menggambarkan situasi romantis, membangun aksi di atas benturan nafsu yang tinggi. Dalam hal ini dia juga merupakan pendahulu langsung Shakespeare. Namun moralitas yang terkandung dalam komedi-komedinya sangat berlawanan dengan moralitas Shakespeare dan, secara umum, dengan prinsip-prinsip etika drama rakyat. Dalam komedi Lily, konflik yang timbul dari kenyataan bahwa dua orang mencintai wanita yang sama sangat umum terjadi ("Alexander dan Campaspe", "Sappho dan Phaon", dll.). Salah satu dari mereka harus melepaskan cintanya. Lily menegaskan disiplin moral yang ketat, menekankan perlunya menekan nafsunya, dan dalam hal ini, Puritanisme bukanlah hal asing baginya. Drama rakyat sama sekali tidak memupuk penindasan yang tabah terhadap nafsu, perasaan, dan keinginan. Sebaliknya, semua kesedihannya terletak pada penggambaran kekuatan dan keindahan nafsu yang kuat, dalam penegasan legitimasi hak manusia untuk memuaskan aspirasinya, dalam perjuangan prinsip-prinsip baik sifat manusia melawan yang buruk.

Perwakilan terbesar dari drama rakyat sebelum Shakespeare adalah Greene, Kyd dan Marlowe.

Robert Greene (1558 - 1592) adalah penduduk asli Norwich. Ia belajar di Universitas Cambridge, di mana ia menerima gelar sarjana pada tahun 1578 dan master seni pada tahun 1583. Saat masih bujangan, dia berkeliling Spanyol dan Italia. Aktivitas kesusastraan Greene dimulai saat masih di Cambridge; aktivitas tersebut menjadi sumber mata pencaharian utama setelah tahun 1583, ketika ia menetap di London. Delapan hingga sembilan tahun Greene tinggal di ibu kota adalah periode paling penuh badai dan bermanfaat dalam hidupnya. Greene menulis dalam berbagai genre: puisi, puisi, novel, pamflet satir, dan drama. Pekerjaan yang intens dan bergaji rendah, periode-periode yang sangat membutuhkan, ketika Green benar-benar kelaparan, dan bulan-bulan kemakmuran berikutnya, ketika dia bersuka ria, menyia-nyiakan bayarannya - semua ini merusak kesehatannya. Dia jatuh sakit dan meninggal di suatu penginapan, karena uang kepada pemiliknya dan bahkan tidak meninggalkan uang untuk pemakaman.

Pengalaman dramatis pertama Greene, Alphonse, King of Aragon (1587), adalah sebuah drama yang menggambarkan eksploitasi luar biasa dan kemenangan besar dari seorang pahlawan yang memenangkan mahkota dan cinta seorang gadis cantik. Dramatisasi “The Furious Roland” (1588) juga memiliki dasar romantis. Plot puisi Ariosto memberi Green kesempatan untuk memuaskan kecintaan publik terhadap aksi yang cerah dan menghibur serta memunculkan pahlawan yang diberkahi dengan semangat yang besar.

“Biksu Bacon dan Biksu Bongay” (1589), seperti “Faust” karya Marlowe, mencerminkan fenomena khas zaman itu - keinginan untuk memahami rahasia alam dan menundukkannya dengan bantuan sains. Seperti Marlowe, Greene tidak memisahkan sains dari sihir. Pahlawannya, Friar Bacon, adalah seorang penyihir dengan kemampuan melakukan keajaiban. Namun, lakonan Greene sama sekali tidak memiliki makna tragis yang dimiliki lakon Marlowe. Tidak ada titanisme dalam karakter Green, dan keseluruhan plot diberi nuansa romantis. Pangeran Wales dan punggawa Lacy mencari cinta putri penjaga hutan, Margaret yang cantik. Persaingan antara dua pesulap, Bacon dan Bongay, menjadi latar belakang komik kisah cinta ini.

Elemen penting dari drama ini adalah hubungannya dengan cerita rakyat. Plotnya berakar pada legenda rakyat Inggris tentang ilmuwan abad pertengahan Roger Bacon (abad XIII), yang menemukan kacamata dan memperkuat prinsip pembuatan teleskop. Dalam drama tersebut, dia memiliki "kaca ajaib" yang memungkinkan dia melihat jarak jauh. Beberapa adegan didasarkan pada Bacon yang melihat melalui kaca ini, dan apa yang dia lihat adalah apa yang dilihat penonton.

"Monk Bacon dan Monk Bongay" adalah salah satu drama teater rakyat yang paling populer. Hal ini dipenuhi dengan demokrasi yang tidak diragukan lagi. Tokoh utama dalam drama tersebut, Margarita, adalah seorang gadis dari masyarakat yang berperan sebagai perwujudan cita-cita kecantikan, kesetiaan dan cinta, sebagai pembawa perasaan bebas. ”Baik raja Inggris, maupun penguasa seluruh Eropa,” katanya, ”tidak akan membuat saya berhenti mencintai orang yang saya cintai.”

Sikap Green terhadap sains juga dijiwai dengan demokrasi. Biksu Bacon menggunakan kekuatan magisnya bukan untuk tujuan pribadi, tetapi untuk membantu orang. Di akhir dramanya, ia menyampaikan ramalan tentang masa depan Inggris, yang, setelah melalui masa perang, akan mencapai kehidupan yang damai:

Pertama, Mars akan menguasai ladang, Kemudian akhir dari badai militer akan tiba: Kuda akan merumput di ladang tanpa rasa takut, Kekayaan akan mekar di tepi sungai, Yang pemandangannya pernah dikagumi Brutus, Dan kedamaian akan turun dari surga ke bumi. tabernakel...

Dalam James IV (1591), Greene, seperti penulis drama lainnya pada masa itu, menggunakan plot sejarah untuk mengatasi masalah politik. Green adalah pendukung "monarki yang tercerahkan". Seperti Shakespeare kemudian, dia mengajukan pertanyaan tentang kepribadian raja, percaya bahwa tergantung pada apakah pemerintahannya akan adil atau tidak. Raja Skotlandia James IV digambarkan dalam drama tersebut sebagai perwujudan khas tirani monarki. Karena cintanya pada Ida, putri Countess of Arran, bertindak atas dorongan punggawa pengkhianat Atekin, James IV memerintahkan pembunuhan istrinya Dorothea, putri raja Inggris. Karena diperingatkan akan rencana tersebut, sang ratu bersembunyi. Berita kematiannya sampai ke ayahnya, Henry VII, yang menginvasi Skotlandia dengan pasukan. Dorothea muncul, bersembunyi. James IV bertobat dan semuanya berakhir damai.

Lakon ini, seperti karya Greene lainnya, bercirikan perpaduan tema sosial-politik dengan konflik pribadi. Raja James yang jahat dikontraskan dengan raja Inggris Henry VII, yang bertindak sebagai penjaga keadilan dan legalitas. Untuk memahami semangat umum drama ini, episode di mana seorang pengacara, pedagang, dan pendeta berbincang tentang penyebab bencana sosial sangatlah penting. Green menjadikan pendeta sebagai juru bicara pandangan yang paling adil. “Apa yang bisa kita sebut sistem di mana orang miskin selalu kalah, tidak peduli betapa adilnya hal itu?” pendeta itu marah. “Kagumi hasil kegiatan Anda: orang-orang pintar membeli tanah dari para bangsawan dan sekarang menanamnya memberikan tekanan pada para petani dengan segala cara; jika petani memutuskan untuk mengeluh dan mereka akan meminta bantuan Anda, Anda akan menghapus benang terakhir dari mereka dan mengirim mereka ke seluruh dunia. Sekarang perang telah dimulai; dan tanpa musuh-musuh kita mereka menghancurkan dan mengutuk kita: di masa damai hukum tidak mengampuni kita, Sekarang kita, pada gilirannya, akan menghancurkannya."

Pahlawan dalam drama "George Greene, Wakefield Warden" (1592) adalah seorang lelaki rakyat, seorang petani kecil, bangga menjadi rakyat jelata, dan menolak gelar bangsawan yang ingin diberikan raja kepadanya. George Green memusuhi tuan tanah feodal, dia menangkap tuan pemberontak yang memberontak melawan Edward III. Arah politik dari drama tersebut sesuai dengan posisi kaum humanis borjuis, yang melihat penguatan monarki absolut sebagai sarana untuk menekan kesengajaan para baron feodal. Gagasan persatuan rakyat dan raja dalam perjuangan melawan tuan tanah feodal mengalir di sepanjang drama. Pandangan Greene seperti itu, tentu saja, merupakan ilusi yang muncul pada tahap perkembangan sosial di Inggris, ketika monarki absolut dalam perjuangannya melawan tuan tanah feodal mengandalkan dukungan dari kaum borjuis dan rakyat.

Seperti dalam "Monk Bacon", dalam "The Wakefield Watchman" hubungan antara dramaturgi Greene dan cerita rakyat terlihat jelas. Belum lagi salah satu tokoh dalam lakon tersebut adalah pahlawan folk ballad Robin Hood, gambaran George Green juga dipinjam pengarangnya dari lagu-lagu daerah. Simpati demokratis penulis juga tercermin dalam gambaran warga kota Weckfield, penggambaran kehidupan masyarakat biasa yang penuh kasih, dan humor rakyat yang mewarnai sejumlah episode drama tersebut.

Greene sama sekali tidak dicirikan oleh kesedihan yang tragis. Biasanya, dramanya berakhir bahagia. Unsur komik di dalamnya sangat signifikan, yang secara organik dihubungkan oleh Green dengan alur utama plot. Greene suka membangun intrik yang kompleks dan melakukan aksi paralel.

Ciri-ciri dramaturgi Greene ini menjadi tertanam kuat dalam praktik teater Renaisans Inggris.

Thomas Kyd adalah salah satu tokoh Renaisans Inggris yang paling menarik sekaligus paling misterius. Bahkan tanggal pasti kelahiran dan kematiannya tidak diketahui: diperkirakan ia lahir pada tahun 1557 dan meninggal pada tahun 1595. Yang diketahui, sebelum menjadi penulis naskah drama, ia adalah seorang juru tulis. Beberapa lakonnya diterbitkan tanpa nama pengarangnya, ada pula yang hanya diberi inisial. Sumber utama untuk menentukan kepenulisan Kid adalah buku pengeluaran pengusaha teater Philip Hensloe, yang mencatat pembayaran royalti kepada penulis drama tersebut.

Menurut peneliti, Kidd adalah penulis lima drama. Yang pertama adalah "Tragedi Spanyol", yang popularitasnya dapat dinilai dari fakta bahwa selama satu dekade diterbitkan empat kali (edisi ke-1 - tanpa tanggal, ke-2 - 1594, ke-3 - 1599, ke-4 - 1602). Meskipun nama penulisnya tidak disebutkan dalam publikasi mana pun, semua peneliti menganggap pengaitan drama ini dengan Kid tidak dapat disangkal. Dipercaya bahwa Kid menulis bagian pertama dari tragedi "Jeronimo", yang menggambarkan peristiwa sebelum "Tragedi Spanyol".

Selanjutnya, Kid dikreditkan dengan penulis drama tersebut, yang judul panjangnya berbunyi: “Tragedi Soliman dan Persida, yang menggambarkan keteguhan cinta, ketidakkekalan nasib, dan tawar-menawar kematian.” Kita dapat dengan yakin berbicara tentang kepenulisan Kid sehubungan dengan tragedi "Pompeii yang Agung dan Cornelia yang Cantik", karena namanya tertera pada halaman judul. Di sini juga disebutkan bahwa lakon tersebut merupakan terjemahan dari tragedi penyair Perancis Robert Garnier. Terakhir, Kyd diyakini sebagai penulis tragedi pra-Shakespeare tentang Hamlet, yang diketahui dipentaskan di atas panggung pada tahun 1587-1588, meskipun teksnya belum sampai kepada kita.

Yang paling luar biasa dari semua drama ini adalah "Tragedi Spanyol", yang meletakkan dasar bagi genre "drama berdarah". Diawali dengan kemunculan hantu Andrea yang meneriakkan balas dendam atas kematiannya di tangan Balthasar Portugis. Tugas ini diambil alih oleh teman almarhum, Horatio, yang menangkap Balthazar dan membawanya ke Spanyol. Namun di sini Balthazar berhasil menjalin persahabatan dengan putra Duke Kastilia, Lorenzo. Dengan bantuannya, Balthazar akan menikahi pengantin mendiang Andrea, Beliimperia yang cantik. Tapi Beliimperia menyukai Horatio. Untuk menghilangkan saingan mereka, Balthazar dan temannya Lorenzo membunuh Horatio. Mereka menggantungkan jasad korban di pohon depan rumahnya. Ayah Horatio, Hieronimo, menemukan mayatnya dan bersumpah untuk menemukan para pembunuh untuk membalas dendam pada mereka. Ibu Horatio, yang dikejutkan oleh kesedihan, bunuh diri. Setelah mengetahui siapa penyebab semua kemalangannya, Hieronimo menyusun rencana balas dendam. Ia mengundang para pembunuh putranya untuk ikut serta dalam pementasan drama tersebut pada perayaan pernikahan pernikahan Balthazar dan Beliimperia. Semua karakter utama berpartisipasi dalam drama ini. Selama permainan ini, Hieronimo harus membunuh Lorenzo dan Balthasar, dan dia melakukannya. Beliimperia bunuh diri, ayah Lorenzo tewas, dan balas dendam Hieronimo pun terlaksana. Ketika raja memerintahkan penangkapan Hieronimo, dia menggigit lidahnya dan meludahkannya agar tidak mengungkapkan rahasianya. Hieronimo kemudian menusuk dirinya sendiri dengan belati.

"Tragedi Spanyol" - sebuah drama intrik istana dan balas dendam yang kejam - sangat menarik baik dari segi artistiknya maupun orientasi ideologisnya.

Menolak plot siap pakai yang berasal dari kuno atau abad pertengahan, Kid sendiri yang menciptakan plot tragedinya, yang terjadi di Spanyol kontemporer, pada tahun 80-an abad ke-16. Dia mengisi drama itu dengan nafsu yang penuh badai, peristiwa yang berkembang pesat, dan pidato yang menyedihkan. Dengan terampil membangun aksinya, ia secara bersamaan melakukan beberapa intrik paralel, memukau penonton dengan kebetulan-kebetulan yang tak terduga dan perubahan tajam dalam nasib para pahlawan. Karakter tokohnya digariskan dengan tajam, dengan guratan ekspresif. Temperamen digabungkan di dalamnya dengan tekad, dengan kemauan yang besar. Dia menciptakan gambaran penjahat yang tidak mengenal batas penipuan dan kekejaman. Rasa haus Hieronimo akan balas dendam berubah menjadi obsesi yang mendekati kegilaan.

Yang serasi dengan keseluruhan warna tragedi tersebut adalah tokoh-tokoh perempuan, khususnya pahlawan wanita dalam lakon Beliimperia, yang tidak kalah dengan laki-laki dalam hal semangat, energi, dan tekad. Karakter anak-anak mencurahkan perasaannya dalam pidato yang penuh emosi, seruan yang menggelegar, dan hiperbola yang berani. Dalam hal ini, tragedi Kid mirip dengan banyak karya dramatis lainnya pada zamannya. Namun ada ciri dalam Tragedi Spanyol yang membedakan lakon ini dari produksi drama modern massal. Ini adalah sandiwara dan penampilan panggungnya yang luar biasa. Tidak seperti kebanyakan drama, yang sebagian besar aksinya terjadi di luar panggung, di Kid semuanya terjadi di atas panggung, di depan penonton. Setelah mengatasi skematisme drama “akademik” sastra, Kid tampaknya menghidupkan kembali unsur-unsur visibilitas dan tontonan efektif yang menjadi ciri teater misteri atas dasar baru. Permainan anak-anak menciptakan tontonan yang mengasyikkan; peristiwa-peristiwa yang disajikan di dalamnya membangkitkan rasa kasihan dan kasih sayang, atau ketakutan dan kengerian. Selama Tragedi Spanyol, terjadi delapan pembunuhan dan bunuh diri, yang masing-masing dilakukan dengan caranya sendiri; selain itu, penonton diperlihatkan gantung diri, kegilaan, menggigit lidah dan hal-hal buruk lainnya. Pahlawan anak-anak tidak hanya berpidato, tetapi melakukan banyak aksi yang berbeda, dan semua ini membutuhkan teknik akting baru pada saat itu, pengembangan ekspresi wajah, gerak tubuh, dan gerakan panggung. Di antara elemen inovatif dramaturgi Kyd, perlu juga dicatat bahwa ia memperkenalkan "adegan di atas panggung" - sebuah teknik yang mengandung kemungkinan pemandangan yang kaya dan kemudian digunakan berulang kali oleh Shakespeare.

Inovasi dramatis yang dilakukan anak-anak bukanlah tujuan akhir. Mereka terkait erat dengan orientasi ideologis karyanya. Kengerian dan kekejaman yang disajikan secara melimpah dalam The Spanish Tragedy mencerminkan persepsi tragis yang melekat pada Kid tentang kenyataan.

Akumulasi kengerian dan kekejaman dalam drama berdarah ini merupakan cerminan dari merajalelanya keinginan individualistis dan runtuhnya semua ikatan feodal dalam kondisi masyarakat borjuis yang sedang berkembang. Runtuhnya norma-norma moral lama terlihat dari hilangnya prinsip-prinsip pengekangan. Kebencian, penipuan, pengkhianatan, predasi, kekerasan, pembunuhan dan fenomena serupa lainnya yang terekam dalam drama berdarah tersebut bukanlah ciptaan penulis naskah drama, melainkan cerminan fakta realitas. Bukan tanpa alasan sejumlah besar karya bergenre drama berdarah diciptakan, berdasarkan materi kontemporer, dan bukan berdasarkan plot sastra atau sejarah pinjaman.

Sebagian besar tragedi berdarah menggambarkan kehidupan kelas atas, istana, dan kaum bangsawan. Orientasi demokratis dari genre tersebut tercermin dari fakta bahwa pada hakikatnya drama berdarah selalu mengutuk amoralitas dan kekejaman masyarakat kelas atas.

Tempat khusus di antara drama berdarah ditempati oleh karya penulis tak dikenal, “Arden of Feversham” (c. 1590). Perbedaan yang mencolok antara lakon ini dengan karya-karya lain bergenre ini adalah bahwa aksi di dalamnya tidak terjadi di istana atau di kalangan bangsawan, melainkan dalam kehidupan masyarakat biasa. Ini adalah drama keluarga borjuis pertama di teater Inggris. Sumber plotnya adalah peristiwa nyata yang terjadi pada tahun 1551.

Drama tersebut menggambarkan pembunuhan Arden, seorang warga kota, oleh istrinya Alice dan kekasihnya Mosby. Tidak dapat menahan nafsunya, Alice memutuskan untuk menyingkirkan suaminya yang tidak dicintainya, tetapi pelaksanaan rencananya terus-menerus menemui hambatan, dan Arden berhasil menghindari jebakan yang telah disiapkan untuknya berulang kali.

Melakukan aksinya dengan sangat terampil, penulis naskah menampilkan gambaran kehidupan provinsi dan metropolitan dari orang-orang dengan kekayaan rata-rata, pekerja, dan sampah masyarakat di hadapan penonton. Keterampilan dramatis dalam mengungkap plot telah membuat para peneliti berspekulasi bahwa penulis drama anonim ini bisa jadi adalah Shakespeare atau Kyd. Namun asumsi-asumsi ini tidak mempunyai dasar yang serius.

Pendahulu Shakespeare yang terhebat adalah Christopher Marlowe (1564 - 1593). Putra seorang pembuat sepatu Canterbury, yang menyelesaikan program sains penuh di Universitas Cambridge, Marlowe menerima gelar Master of Liberal Arts pada tahun 1587. Setelah menetap di London, ia terlibat dalam aktivitas puitis dan dramatis, mementaskan drama untuk teater umum.

Saat tinggal di London, Marlowe bergabung dengan lingkaran pemikir bebas yang dipimpin oleh Walter Raleigh, salah satu tokoh paling cemerlang di Renaisans Inggris; Raleigh adalah seorang pejuang, navigator, penyair, filsuf, sejarawan. Terkait secara ideologis dengan Raleigh, Marlowe secara terbuka menganut pandangan ateisme dan republik. Banyak pengaduan terhadap Marlowe, yang diajukan oleh agen polisi rahasia, masih ada. Investigasi sedang dilakukan terhadap pemikiran bebasnya. Tetapi pihak berwenang memutuskan untuk melakukannya tanpa prosedur hukum yang biasa: Marlowe dibunuh oleh agen pemerintah di sebuah penginapan di kota Deptford, dan kemudian muncul versi bahwa penyebab kematian penyair itu adalah perkelahian karena seorang gadis kedai minuman. Faktanya, seperti yang kini telah didokumentasikan oleh para peneliti, penulis naskah drama tersebut menjadi korban teror polisi dari pemerintahan Elizabeth.

Drama pertama Marlowe muncul pada tahun 1587, dan lima tahun kemudian dia meninggal. Meski aktivitasnya singkat, Marlowe meninggalkan warisan dramatis yang sangat signifikan.

Tragedi pertama Marlowe benar-benar mengejutkan orang-orang sezamannya. Tidak ada satu pun karya panggung sebelum itu yang mencapai kesuksesan seperti “Tamerlane” (bagian pertama - 1587, bagian kedua - 1588). Pahlawan tragedi ini adalah seorang gembala sederhana yang menjadi seorang komandan dan menaklukkan banyak kerajaan di Timur.

Tamerlane adalah kepribadian yang sangat besar: dia berjuang untuk mendominasi dunia tanpa batas. Ini adalah pria yang memiliki ambisi besar, haus kekuasaan yang tak kenal lelah, dan energi yang tak tergoyahkan. Dia tidak percaya pada takdir dan Tuhan, dia adalah takdirnya sendiri dan tuhannya sendiri. Dia sangat yakin bahwa semua yang Anda inginkan dapat dicapai, Anda hanya perlu benar-benar menginginkannya dan mencapainya.

Kepercayaan terhadap kekuatan pikiran dan kemauan manusia diungkapkan Marlowe dalam monolog Tamerlane:

Kita diciptakan dari empat elemen, yang saling berperang satu sama lain.

Setelah mencapai salah satu kemenangan militer pertamanya, Tamerlane menangkap Zenocrate yang cantik, putri Sultan Mesir. Dia jatuh cinta padanya dengan segala kekuatan gairah yang melekat pada sifatnya. Zenocrata pada awalnya takut dengan kegigihan Tamerlane, dan kemudian, ditaklukkan oleh energi heroiknya, memberinya hatinya. Tamerlane melakukan penaklukannya, ingin meletakkan seluruh dunia di kaki wanita yang dicintainya. Di akhir bagian pertama, Tamerlane bertempur dengan ayah Zenocrates, Sultan Mesir. Zenocrata mengalami perasaan terbelah antara cintanya pada Tamerlane dan ayahnya. Tamerlane menangkap Sultan, tetapi mengembalikan kebebasannya, dan dia memberkati pernikahannya dengan Zenocrata.

Jika bagian pertama menggambarkan penaklukan Tamerlane di Timur, maka di bagian kedua kita melihat Tamerlane menyebarkan penaklukannya ke Barat. Dia mengalahkan raja Hongaria Sigismund.

Zenocrata, yang berhasil memberi Tamerlane tiga putra, meninggal. Kesedihan Tamerlane tidak ada habisnya. Dia membakar kota tempat Zenocrate meninggal. Ditemani ketiga putranya, Tamerlane, seperti angin puyuh kematian, menyapu semua negara baru yang ditaklukkannya bersama pasukannya. Dia menaklukkan Babilonia dan Turki. Di sini dia memerintahkan pembakaran Alquran. Episode ini merupakan tantangan terhadap agama oleh Marlowe yang ateis, dan tidak sulit bagi orang sezamannya untuk menebak bahwa dia memiliki sikap yang sama terhadap kitab suci agama Kristen. Tamerlane meninggal, memerintahkan dirinya untuk dimakamkan di sebelah Zenocrate dan mewariskan kepada putra-putranya untuk melanjutkan penaklukan tanah baru.

"Tamerlane" oleh Marlowe adalah pendewaan kepribadian yang kuat, sebuah himne untuk energi manusia. Pahlawan tragedi tersebut melambangkan semangat zaman ketika individu dibebaskan dari belenggu feodal. Tamerlane tidak diragukan lagi memiliki ciri-ciri individualisme borjuis. Aspirasi tertingginya adalah kekuasaan tak terbatas atas dunia dan manusia. Dia membuang prinsip-prinsip moral lama dan percaya bahwa satu-satunya hukum adalah kehendaknya.

Namun ada juga dasar yang sangat demokratis dalam citra Tamerlane. Marlowe memilih pahlawan dalam drama ini sebagai seorang pria yang bangkit dari bawah hingga mencapai puncak kekuasaan dan keperkasaan. Penonton populer pada masa itu seharusnya terkesan dengan gembala ini, yang mengalahkan raja dan memaksa mereka untuk mengabdi pada dirinya sendiri. Tamerlane memaksa salah satu raja yang tertawan untuk menggambarkan sebuah langkah di kaki singgasananya, dia mengikat raja-raja lain ke sebuah kereta dan mengendarainya, dia memasukkan raja lain ke dalam sangkar dan membawanya untuk menunjukkan kekuatannya.

Penonton demokrasi, tentu saja, dengan gembira bertepuk tangan atas tontonan begitu banyak raja yang digulingkan, dikalahkan oleh seorang gembala sederhana. "Tamerlane" merupakan tantangan bagi dunia lama dan para penguasanya. Marlowe sepertinya sedang menyatakan melalui lakonnya bahwa penguasa baru dunia akan datang; dia tidak memiliki gelar atau leluhur, tetapi dia kuat, cerdas, energik, dan sebelum kehendaknya, takhta dan altar akan runtuh menjadi debu. Ini, pada dasarnya, adalah ide dari drama tersebut, dan inilah kesedihannya, yang begitu memikat hati orang-orang sezamannya.

Sejarah Tragis Dokter Faustus (1588 – 1589) memuat tantangan yang sama. Di sini sang pahlawan juga memiliki kepribadian yang sangat besar. Tetapi jika Tamerlane ingin mencapai kekuasaan tak terbatas atas dunia melalui eksploitasi militer, maka Faust berupaya mencapai tujuan yang sama melalui pengetahuan. Meminjam plot dari buku rakyat Jerman tentang penyihir Dokter Faustus, Marlowe menciptakan karya khas Renaisans yang mencerminkan ciri terpenting zaman itu - munculnya ilmu pengetahuan baru.

Faust menolak skolastik dan teologi abad pertengahan, tidak berdaya untuk memahami alam dan menemukan hukumnya; mereka hanya membelenggu seseorang. Pemberontakan melawan teologi abad pertengahan dan penolakan terhadap agama diwujudkan dalam aliansi Faust dengan iblis. Marlowe yang atheis dan atheis melampiaskan sepenuhnya kebenciannya terhadap agama di sini. Pahlawannya menemukan lebih banyak manfaat bagi dirinya sendiri dalam berkomunikasi dengan iblis - Mephistopheles, daripada ketaatan pada dogma agama.

Dalam tragedi Marlowe, seseorang merasakan dorongan yang kuat terhadap pengetahuan, hasrat yang menggebu-gebu untuk menaklukkan alam dan menjadikannya bermanfaat bagi manusia. Faust mewujudkan keinginan akan pengetahuan ini. Para pencari jalan baru dalam sains adalah orang-orang pemberani yang secara heroik memberontak melawan prasangka agama abad pertengahan, dengan berani menanggung penganiayaan terhadap gereja dan penganiayaan terhadap kaum obskurantis, dan mempertaruhkan nyawa mereka untuk mencapai tujuan besar mereka.

Kepribadian heroik seperti itu adalah Faust, yang bahkan setuju untuk menjual jiwanya kepada iblis demi menguasai rahasia alam dan menaklukkannya. Faust menyusun himne antusias untuk pengetahuan:

Oh, betapa indahnya dunia ini, dunia yang penuh kebijaksanaan dan kemaslahatan, Kehormatan, kemahakuasaan dan kekuasaan Terbuka bagi mereka yang mengabdikan diri pada ilmu pengetahuan!

Segala sesuatu yang ada di antara kutub-kutub yang sunyi itu tunduk padaku.

Namun ada perbedaan antara Faust dan Tamerlane. Tamerlane adalah kepribadian yang integral. Dia tidak mengenal keraguan atau keragu-raguan. Lakon tentang dirinya sebenarnya bukanlah sebuah tragedi, melainkan sebuah drama heroik, karena dari awal hingga akhir penonton melihat kemenangan terus menerus sang pahlawan. Lain halnya dengan Faust. Di sini sejak awal kita merasakan dualitas sang pahlawan. Dia memiliki dua jiwa. Faust mendambakan, meskipun bersifat jangka pendek, namun tetap memiliki kekuasaan nyata atas dunia dan siap mengorbankan jiwa "abadi" -nya demi hal ini. Namun ketakutan juga hidup di dalam dirinya, ketakutan akan “jiwa” miliknya, yang pada akhirnya harus membayar pelanggaran terhadap tatanan kekal.

Di akhir tragedi tersebut, Faust siap meninggalkan dirinya sendiri dan “membakar buku-bukunya”. Apa ini - pengakuan penulis atas kekalahan pahlawannya? Penolakan terhadap keinginan akan kebebasan dan kekuasaan tanpa batas atas dunia, rekonsiliasi dengan segala sesuatu yang pertama kali ditinggalkan Faust?

Tidak boleh dilupakan bahwa dalam menciptakan tragedi tersebut, Marlowe bergantung pada sumbernya dan harus mengikuti jalannya peristiwa dalam legenda Faust. Selain itu, Marlowe terpaksa mempertimbangkan sudut pandang yang berlaku dan tidak dapat mementaskan lakon tersebut jika Faustus tidak dihukum karena meninggalkan agama. Namun selain keadaan eksternal yang berperan, ada juga alasan internal yang mendorong Marlowe menulis akhir tragedi tersebut. Faust mencerminkan dualitas cita-cita kepribadian bebas yang dicita-citakan Marlowe. Pahlawannya adalah orang kuat yang membebaskan dirinya dari kekuasaan Tuhan dan negara feodal, namun pada saat yang sama ia egois, menginjak-injak institusi sosial dan hukum moral.

“Faust” adalah ciptaan Marlowe yang paling tragis, karena di sini kita menemukan jalan buntu yang dialami seseorang, menolak semua norma moral dalam keinginannya untuk kebebasan.

“The Jew of Malta” (1592) menandai tahap baru dalam perkembangan pandangan dunia Marlowe. Berbeda dengan dua drama pertama yang mengagungkan individu, di sini Marlowe mengkritik individualisme.

Tragedi itu terjadi di Malta. Ketika Sultan Turki menuntut upeti dari Ksatria Malta, komandan ordo tersebut menemukan jalan keluar yang sederhana. Dia mengambil uang dari orang-orang Yahudi yang tinggal di pulau itu dan membayarnya kepada orang-orang Turki. Kesewenang-wenangan ini membuat marah orang kaya Yahudi Barabas, yang menolak memberikan uang dan menyembunyikannya di rumahnya. Kemudian harta bendanya dirampas dan rumahnya diubah menjadi biarawati. Untuk menyimpan uang yang disembunyikan di sana, Barabas memaksa putrinya untuk mengumumkan perpindahan agamanya ke agama Kristen dan menjadi seorang biarawati. Namun alih-alih membantu ayahnya, Abigail, putri Barabas, malah menjadi seorang Kristen yang tulus. Kemudian Barabas meracuninya. Sementara itu, Malta dikepung oleh Turki. Barabas pergi ke pihak mereka dan membantu mereka menguasai benteng. Sebagai imbalannya, Turki mengangkatnya menjadi gubernur dan menyerahkan para ksatria yang dia benci ke tangannya. Ingin mempertahankan jabatan gubernurnya, tetapi menyadari bahwa untuk ini ia memerlukan dukungan penduduk, Barabas menawarkan kebebasan kepada para ksatria yang ditangkap dan berjanji kepada mereka untuk menghancurkan Turki, dengan syarat para ksatria kemudian menyerahkan pengelolaan pulau di tangannya dan bayar dia seratus ribu pound. Barabas membuat palka, di mana dia meletakkan kuali berisi resin mendidih. Para pemimpin militer Turki yang diundang olehnya harus gagal melalui lubang ini. Namun mantan gubernur pulau itu, yang berdedikasi pada masalah ini, mengaturnya agar Barabas jatuh melalui lubang palka dan terbakar dalam tar yang mendidih.

Dalam gambaran Barabas, Marlowe, sebagai seorang humanis, mencela keserakahan dan keserakahan kaum borjuis. Marlowe adalah orang pertama yang menciptakan tipe predator borjuis dalam drama Renaisans Inggris.

Jika dalam dua lakon pertamanya kekayaan digambarkan oleh Marlowe sebagai salah satu sarana untuk memenuhi kebutuhan manusia, maka dalam The Jew of Malta penulis naskah drama menunjukkan dampak buruk emas terhadap karakter ketika kekayaan menjadi tujuannya. Citra Barabas mewujudkan ciri khas kaum borjuis di era akumulasi modal primitif. Dia meletakkan dasar kekayaannya melalui riba. Sekarang dia adalah seorang pedagang, mengirimkan kapalnya berisi barang ke berbagai negara. Dia mengubah penghasilannya menjadi perhiasan. Dengan semangat seorang pengumpul harta karun, dia, tersedak kegirangan, berbicara tentang perhiasannya:

Di dalam tas itu ada opal, safir dan batu kecubung, Topaz, zamrud dan eceng gondok, Ruby, berlian berkilau, batu mulia, besar, dan masing-masing beratnya beberapa karat.

Bagi mereka, jika diperlukan, saya dapat menebus Raja-raja besar dari penawanan. Inilah kekayaan saya, dan saya yakin, pendapatan dari perdagangan harus diubah menjadi;

Harganya akan meningkat setiap saat, Dan di dalam kotak kecil Anda akan menyimpan Harta Karun dalam jumlah tak terbatas.

Seluruh alam, menurut Barabas, harus memiliki tujuan untuk meningkatkan kekayaan, di mana ia melihat kebaikan tertinggi, karena, seperti yang ia katakan: “Manusia hanya dihargai berdasarkan kekayaannya.” Mengenai hati nurani dan kehormatan, Barabas memiliki pendapatnya sendiri mengenai hal ini:

Orang-orang malang yang mempunyai hati nurani ditakdirkan untuk hidup dalam kemiskinan selamanya.

Oleh karena itu, ketika harta milik Barabas disita, dia melontarkan monolog penuh semangat dalam keputusasaan:

Saya kehilangan semua emas, semua kekayaan!

Ya Tuhan, apakah aku pantas menerima ini?

Mengapa, bintang-bintang, kamu memutuskan untuk menjerumuskan Aku ke dalam keputusasaan dan kemiskinan?

Setelah menjadi gubernur, Barabas berupaya menggunakan kekuasaan untuk keuntungannya; Pada saat yang sama, ia mengungkapkan sikap khas borjuis terhadap kekuasaan:

Saya akan mempertahankan kekuatan yang diperoleh melalui pengkhianatan dengan tangan yang kuat.

Saya tidak akan berpisah dengannya tanpa keuntungan.

Orang yang, karena memiliki kekuasaan, tidak mendapatkan Teman atau tas penuh emas, seperti Keledai dalam dongeng Aesop: Dia membuang bagasi berisi roti dan anggur dan mulai menggerogoti semak duri yang layu.

"Edward II" (1593) adalah sebuah kronik sejarah yang kaya akan muatan politik. Edward II adalah raja yang berkemauan lemah, manja, budak nafsu, keinginan, dan kebiasaannya. Kekuasaan hanya berfungsi sebagai alat untuk memuaskan keinginannya sendiri. Berkemauan lemah dan bertubuh lunak, dia patuh pada favoritnya, terutama salah satu dari mereka, Gaveston, yang perilaku arogannya menyebabkan kemarahan umum.

Raja yang lemah ditentang oleh Mortimer yang energik dan ambisius, yang melakukan pemberontakan untuk merebut kekuasaan ke tangannya sendiri. Dia berpura-pura menjadi penjaga kepentingan bersama. Intinya, dia juga melihat kekuasaan hanya kepuasan egoismenya. Setelah melenyapkan raja melalui pembunuhan dan menjadi penguasa de facto negara, ia juga menyebabkan ketidakpuasan terhadap pemerintahannya dan menjadi korban pemberontakan yang mulia.

"Edward II" adalah drama anti-monarki dan anti-bangsawan. Marlowe menyangkal keilahian kekuasaan kerajaan dan menunjukkan gambaran negara di mana kesewenang-wenangan dan kekerasan berkuasa. Drama ini melanjutkan kritik terhadap individualisme yang ditemukan dalam The Jew of Malta. Kelemahan Edward dan kekuatan Mortimer saling bertentangan, seperti dua sisi keegoisan. Edward yang ahli kuliner dan Mortimer yang ambisius hanyalah dua sisi individualisme.

"Pembantaian Paris" (1593) didasarkan pada peristiwa Malam St.Bartholomew. Di sini Marlowe menunjukkan konsekuensi dari intoleransi beragama dan menggunakannya untuk kritiknya yang terus-menerus terhadap agama. Karya terakhir Marlowe - "Tragedi Dido, Ratu Kartago" (1593) - masih belum selesai. Itu diselesaikan oleh Thomas Nash.

Dramaturgi Marlowe merupakan salah satu fenomena terpenting dalam perkembangan drama Inggris Renaisans. Dari semua pendahulu Shakespeare, dialah yang paling berbakat. Kematian dini menghentikan aktivitasnya di masa jayanya, namun apa yang berhasil dilakukan Marlowe memperkaya teater pada masanya.

Tragedi Marlowe mengungkapkan kesedihan penegasan individu, terbebas dari ikatan dan pembatasan feodal abad pertengahan. Pemuliaan terhadap kekuatan manusia, keinginannya akan pengetahuan dan kekuasaan atas dunia, penolakan terhadap agama dan moralitas patriarki digabungkan dalam pahlawan Marlowe dengan penolakan terhadap landasan etika apa pun. Individualisme para pahlawannya yang perkasa bersifat anarkis.

Dimulai dengan gagasan penegasan kepribadian di Tamburlaine, Marlowe, yang sudah berada di Faust, sampai pada pemahaman parsial tentang kontradiksi individualisme, kritik yang menjadi motif utama The Jew of Malta. Dalam hal ini, tentunya kita juga harus memperhitungkan perbedaan tujuan para pahlawan: bagi Tamerlane itu adalah kekuatan, bagi Faust itu adalah pengetahuan, bagi Barabas itu adalah kekayaan. Oleh karena itu Faustus menonjol sebagai pahlawan dengan aspirasi yang benar-benar positif untuk semua individualismenya. Meskipun dalam lakon Marlowe terdapat upaya untuk menciptakan karakter positif (Zenocrates dalam Tamerlane, Farnese dalam The Jew of Malta), namun Marlowe tidak menciptakan gambaran yang secara ideologis dan artistik dapat sepenuhnya menentang pahlawan individualisnya. Hal ini mengarah pada ketidakkonsistenan dan keberpihakan yang menjadi ciri dramaturgi Marlowe. Tugas menciptakan karakter raksasa yang membawa aspirasi sosial positif dilakukan oleh Shakespeare, yang menggantikan Marlowe, dan berhutang banyak kepada pendahulunya.

Marlowe memberikan kontribusi yang signifikan terhadap perkembangan drama, meningkatkan bentuk artistiknya ke tingkat yang lebih tinggi. Dia memberikan contoh desain aksi dramatis yang lebih maju, yang dia berikan kesatuan batin, membangun pengembangan plot seputar kepribadian dan nasib tokoh sentral. Dalam karyanya, konsep tragis dikembangkan lebih lanjut. Sebelum Marlowe, tragis dipahami secara lahiriah, sebagai gambaran segala jenis kekejaman yang menimbulkan ketakutan dan kengerian. Marlowe sendiri mengambil posisi ini ketika ia menciptakan Tamerlane dan The Jew of Malta. Faust karya Marlowe melampaui kedua drama ini dengan pemahaman yang lebih dalam tentang tragis, yang diungkapkan di sini bukan dalam konflik eksternal melainkan dalam konflik internal dalam jiwa pahlawan, yang berpuncak pada akhir drama. Citra Faust, sesuai dengan pemahaman Aristoteles tentang tragedi, membangkitkan rasa takut dan kasih sayang. Pada saat yang sama, perlu dicatat bahwa dari permainan ke permainan, realisme Marlowe semakin dalam, mencapai kebenaran psikologis terbesarnya dalam “Edward II.”

Kelebihan Marlowe juga adalah pengenalan syair kosong ke dalam drama. Ayat kosong memiliki kebebasan yang diperlukan untuk memberikan kealamian pada ucapan para tokohnya. Dari semua pendahulu Shakespeare, Marlowe adalah penyair paling berbakat. Gayanya dibedakan oleh kesedihan, perbandingan yang berani, metafora yang jelas, banyak hiperbola dan paling cocok dengan perasaan para pahlawan raksasa Marlowe. Energi dan kekuatan emosional yang besar dari pidato dramatis Marlowe kemudian memberi Ben Jonson alasan untuk berbicara tentang “syair Marlowe yang perkasa.”

William Shakespeare dianggap sebagai penyair dan penulis drama yang brilian tidak hanya di Inggris Raya, tetapi di seluruh dunia. Secara umum diterima bahwa karya-karyanya adalah semacam ensiklopedia hubungan antarmanusia, ibarat cermin di mana orang-orang, baik besar maupun kecil, terwakili hakikatnya. Ia menulis 17 komedi, 11 tragedi, 10 kronik, 5 puisi, dan 154 soneta. Mereka dipelajari di sekolah dan institusi pendidikan tinggi. Tidak ada penulis naskah drama yang bisa mencapai kehebatan seperti yang dicapai Shakespeare setelah kematiannya. Hingga saat ini, para ilmuwan dari berbagai negara sedang mencoba menjawab pertanyaan bagaimana pencipta seperti itu bisa muncul di abad ke-16, yang karyanya tetap relevan 400 tahun kemudian.

Tidak ada konsensus mengenai asal usul Shakespeare. Tanggal pasti kelahirannya tidak diketahui. Menurut informasi yang diterima secara umum, ia lahir di Stratford-upon-Avon, dekat Birmingham, dan dibaptis di sana pada tanggal 26 April 1564. Ayahnya menjual daging, memiliki dua rumah, dan terpilih sebagai walikota. Namun di keluarga Shakespeare tidak ada seorang pun yang berurusan dengan isu-isu sastra atau sejarah, apalagi tertarik pada teater. Tidak ada lingkungan di Stratford yang dapat mendidik penulis naskah masa depan.

William muda bersekolah untuk anak-anak yang tidak terlalu kaya, di mana mereka mengajar secara gratis. Dia lulus dari sana pada usia 14 tahun, dan pada usia 18 tahun dia terpaksa menikahi putri seorang petani kaya - konon keluarganya berada dalam situasi keuangan yang sulit. Istrinya, Anne Hathaway, 8 tahun lebih tua dari William.

Shakespeare rupanya kecewa dengan pernikahannya dan pergi ke London untuk mencari uang. Ada informasi bahwa ia bergabung dengan sekelompok aktor keliling. Di London dia mulai menulis puisi, puisi, mendedikasikannya untuk orang-orang berpengaruh. Kemungkinan besar dengan melakukan ini dia menarik perhatian orang-orang kaya. Dia disarankan untuk pergi ke teater. Benar, ia tidak diterima sebagai aktor, melainkan ditawari untuk melayani kuda para pengunjung. Dia setuju. Kemudian saya mencoba sendiri sebagai pembisik. Dia menunjukkan kemampuan sastra, dan mereka mulai memberinya berbagai drama untuk direvisi: drama, komedi. Bisa jadi, pengenalan terhadap karya-karya tersebut dan aktingnya di atas panggung membuatnya ingin mencoba sendiri sebagai seorang penulis. Dan pada usia 25 tahun, dia menulis drama pertamanya tentang perang antara dua dinasti. Diikuti oleh yang lain dan lainnya. Beberapa diterima dalam produksi, dan sukses di mata publik.

Shakespeare menulis untuk Teater Globe, yang dibangun pada tahun 1599 dengan mengorbankan para aktor, termasuk Shakespeare. Di pedimen bangunan terdapat pepatah penulis Romawi Petronius Arbiter: “Seluruh dunia adalah teater, semua orang di dalamnya adalah aktor.” Bangunan tersebut musnah terbakar pada tanggal 29 Juni 1613.

Drama Shakespeare berbeda dari drama tradisional dalam hal isinya yang mendalam. Dia, tidak seperti orang lain sebelumnya, memperkenalkan intrik yang menarik dan menunjukkan bagaimana situasi yang berubah mengubah orang. Dia menunjukkan bahwa orang hebat dalam situasi baru dapat bertindak rendah hati dan, sebaliknya, orang yang tidak penting dapat melakukan perbuatan besar. Dia mengungkapkan esensi moral dari karakter; seiring berkembangnya plot, masing-masing menunjukkan karakternya sendiri, dan penonton berempati dengan apa yang terjadi di atas panggung. Karya-karya dramatis Shakespeare ternyata memiliki kesedihan moral yang tinggi.

Tapi itu bukannya tanpa kesulitan: dengan dramanya dia merampas penghasilan penulis lain, publik menginginkan Shakespeare, mereka pergi menonton dramanya. Dia meminjam plot dari penulis kuno dan menggunakan kronik sejarah. Karena pinjaman ini dia dijuluki “seekor gagak di bulu orang lain.”

Drama tersebut mendatangkan penghasilan besar bagi teater, dan Shakespeare sendiri menjadi kaya. Dia membeli rumah di tanah kelahirannya di Stratford, lalu membeli rumah di London, meminjamkan uang dengan bunga. Dia adalah seorang penulis yang makmur dan bahkan dianugerahi lambang bangsawan dengan gambar elang dengan tombak.

Shakespeare hidup untuk kesenangan, dan diyakini bahwa dia meninggal setelah pesta gembira bersama teman-temannya.

Orang-orang yang dekat dengan Shakespeare, orang-orang sezamannya, menghargai karya favorit mereka - mereka meramalkan kehidupan abadinya di dunia teater. Dan itulah yang terjadi. Kejeniusan Shakespeare dibicarakan bertahun-tahun setelah kematiannya, ketika dramanya memasuki repertoar teater terkemuka dunia.

Pahlawannya menjadi simbol situasi kehidupan yang tragis: Romeo dan Juliet - cinta tanpa pamrih, Lady Macbeth - kriminalitas, Iago dan Othello - pengkhianatan dan mudah tertipu, Falstaff - pengecut dan membual, Hamlet - terombang-ambing antara perasaan dan kewajiban.

Shakespeare terlahir sebagai penulis drama; dia membantu pemirsa untuk melihat diri mereka sendiri dan dunia dengan cara baru.

WILLIAM SHAKESPEARE
(1564-1616)

Karya Shakespeare merupakan pencapaian tertinggi sastra Eropa pada zaman Renaisans. Jika sosok perkasa “Dante” menandai awal Renaisans, maka sosok raksasa Shakespeare ini mengakhirinya dan memahkotainya dalam sejarah kebudayaan dunia. Warisannya telah menjadi penting secara global, memengaruhi karya pelukis terkenal dunia yang tak terhitung jumlahnya dan tetap relevan hingga saat ini.

Teater terbaik di dunia terus-menerus memasukkan dramanya ke dalam repertoar mereka, dan mungkin tidak semua aktor bermimpi memainkan peran Hamlet.

Terlepas dari resonansi global dramaturgi puisi Shakespeare, tidak banyak yang diketahui tentang dia sendiri. Data buku teksnya adalah sebagai berikut. Shakespeare lahir pada tanggal 23 April 1564 di Stratford-upon-Avon dalam keluarga seorang pengrajin dan pedagang. Dia belajar di sekolah tata bahasa setempat, di mana mereka mempelajari bahasa ibu mereka, juga bahasa Yunani dan Latin, karena satu-satunya buku pelajaran adalah Alkitab. Menurut beberapa sumber, ia tidak tamat sekolah, karena ayahnya karena beban keuangan menggandeng William sebagai asistennya. Menurut yang lain, setelah lulus sekolah ia bahkan menjadi asisten guru sekolah.

Pada usia delapan belas tahun ia menikah dengan Anne Hathaway, yang delapan tahun lebih tua darinya. Tiga tahun setelah pernikahan dia meninggalkan Stratford. Karya cetak pertamanya terbit secara eksklusif pada tahun 1594. Para penulis biografi menyiratkan bahwa selama periode ini ia untuk beberapa waktu menjadi aktor dalam rombongan keliling, D 1590 ia bekerja di berbagai teater di London, dan dari tahun 1594 ia bergabung dengan rombongan James Burbage terbaik di London. Sejak Burbage membangun Teater Globe, dengan kata lain, dari tahun 1599 hingga 1621, hidupnya terhubung dengan teater ini, di mana ia menjadi pemegang saham, aktor, dan penulis naskah drama. Keluarganya tetap di Stratford selama ini, di mana dia kembali, setelah menghentikan kegiatan teater dan kreatif, dan di mana dia meninggal pada tanggal 23 April (ulang tahunnya sendiri) 1612 pada usia 52 tahun.

Warisan dramatis dan puitisnya, menurut “kanon Shakespeare” (edisi lengkap pertama karya Shakespeare, diterbitkan pada tahun 1623), terdiri dari 37 drama, 154 soneta dan dua puisi - “Venus dan Adoni” dan “Lucretia Infamous”. Semua karya dramatis Shakespeare ditulis dalam bentuk syair kosong dengan pengenalan prosa. Kombinasi puisi dan prosa merupakan ciri khas dramaturgi Shakespeare, yang ditentukan oleh materi artistik dan tujuan estetika.

Ribuan buku didedikasikan untuk karya penulis naskah drama yang tak tertandingi dan ahli soneta yang brilian. Anehnya, hanya satu masalah yang masih belum terpecahkan, yang mencakup lebih dari 4.500 karya. Dan masalah ini, yang mengejutkan, berkaitan secara khusus dengan penulis karya Shakespeare: siapa penciptanya - William Shakespeare sendiri atau orang lain. Hingga saat ini, ada 58 pelamar, termasuk nama-nama seperti filsuf Francis Bacon, Lords Southampton, Rutland, Earl of Derby bahkan Ratu Elizabeth.

Keraguan yang lebih serius tentang kepenulisan Shakespeare muncul dari fakta bahwa William tidak belajar di mana pun, kecuali sekolah tata bahasa, dan tidak pernah mengunjungi mana pun di luar Inggris Raya. Pada saat yang sama, karya-karya Shakespeare memukau dengan keterampilan artistiknya yang tak tertandingi, skala pemikiran, dan kedalaman artistik filosofis dalam penetrasi ke dalam tugas-tugas terpenting keberadaan. Mereka bersaksi tidak hanya tentang kejeniusan penciptanya, tetapi juga tentang ensiklopedis pengetahuannya, yang tidak dimiliki oleh orang-orang sezamannya. Kamus Shakespeare berisi lebih dari 20 ribu kata, sedangkan Francis Bacon hanya memiliki 8 ribu, Victor Hugo - 9 ribu.

Mereka juga bersaksi bahwa dia tahu bahasa Prancis, Italia, Yunani, Latin, dan sangat mengenal mitologi kuno, karya Homer, Ovid, Plautus, Seneca, Montaigne, Rabelais dan banyak lainnya. Selain itu, Shakespeare merasa nyaman dalam sejarah Inggris, yurisprudensi, retorika, kedokteran, seluk-beluk etiket istana, dan dalam kehidupan serta kebiasaan figur otoritas. Sebagian besar pengetahuan ini pada masa itu hanya dapat diperoleh di institusi-institusi yang, tentu saja, tidak pernah dipelajari Shakespeare.

Namun tidak peduli siapa yang berada di balik nama terkenal dunia ini, fakta yang tak terbantahkan adalah bahwa karya Shakespeare, secara keseluruhan, dengan kekuatan ekspresi yang luar biasa, mencerminkan seluruh palet pemikiran dan emosi Renaisans - dari pujian yang tidak perlu dipertanyakan lagi terhadap seseorang yang mampu. naik dengan kekuatan roh dan pikirannya sendiri ke tingkat ciptaan seperti dewa, menuju kekecewaan dan keraguan terdalam akan keilahian sifatnya. Dalam kaitan ini, karir kreatif Shakespeare biasanya dibagi menjadi tiga periode.

Periode pertama (1590-1600) meliputi drama kronik (9), komedi (10), bencana (3), kedua puisi - “Venus dan Adonis” (1592), “Defamed Lucretia” (1593) dan soneta (1953- 1598 ).

Kronik, tempat Shakespeare memulai karyanya, adalah genre yang populer di kalangan pendahulu dan orang sezamannya, karena kronik tersebut menanggapi meningkatnya antusiasme publik terhadap sejarah mereka sendiri dan kebingungan politik di zaman kita selama periode perjuangan sengit antara Inggris Raya dan Spanyol. Satu per satu drama kronik bermunculan, yang kekhasannya terletak pada kemampuan pengarang drama dalam menggambarkan zaman secara besar-besaran dengan warna-warna yang hidup dan penuh warna, memadukan media sosial. berlatar belakang nasib tokoh-tokoh tertentu: "Henry VI, part 2" (1590), "Henry VI, part 3" (1591), "Henry VI, part 1" (1593), "Richard NI" (1594), " Richard II " (1595), "Lord John" (1596), "Henry IV, bagian 2" (1597), "Henry IV, bagian 2" (1598) dan "Henry V" (1598).

Selain kronik, Shakespeare menulis sejumlah komedi: “The Comedy of Errors” (1592), “The Taming of the Opposite” (1593), “The Two Gentlemen of Verona” (1594), “Love's Labour's Lost” (1594) ), “A Midsummer Night's Dream” (1595), The Venetian Merchant (1596), Much Ado About Nothing (1599), The Entertainers of Windsor (1598), As You Like It (1599) dan Twelfth Night (1600), juga tiga bencana: Titus Andronicus (1593), Romeo dan Juliet (1594) dan Julius Caesar (1598).

Sifat umum karya-karya periode ini terlihat optimis, diwarnai oleh persepsi ceria tentang kehidupan dengan segala keragamannya, keyakinan akan kejayaan akal dan kebaikan. Puisi dan soneta juga diwarnai dengan pathos humanistik, yang membuka langkah baru dalam perkembangan puisi Renaisans dengan realisme puisinya sendiri. Soneta Shakespeare membentuk siklus plot yang dibangun di atas perkembangan hubungan antara penyair, teman, dan "wanita kegelapan". Soneta mengungkapkan dunia manusia Renaisans yang kompleks dan makmur dengan pandangan komprehensifnya tentang dunia, sikap aktif terhadap kehidupan, dan kekayaan emosi dan pengalaman spiritual.

Periode kedua karya Shakespeare (1601-1608) ditandai dengan pendalaman penyair terhadap analisis kontradiksi bencana manusia, yang memanifestasikan dirinya dengan sekuat tenaga di akhir Renaisans. Bahkan tiga komedi yang ditulis saat ini (“Troilus and Cressida” (1602); “The End Crowns the Deed” (1603); “The Measure of Measurement” (1603) memiliki cap pandangan dunia yang membawa bencana. Kejeniusan dramatis Shakespeare terwujud dengan sendirinya khususnya dalam tragedi periode ini: Hamlet (1601), Othello (1604), Lord Lear (1605), Macbeth (1606), Antony dan Cleopatra (1607), Coriolanus (1607), Timon Athenian" (1608).

Inti dari pandangan dunia bencana dari karya-karya ini adalah soneta No. 66, yang ditulis jauh lebih awal.

Dan terakhir, periode romantis ke-3, yang meliputi tahun 1609 - 1612. Saat ini, ia menciptakan empat tragikomedi atau drama romantis: “Pericles” (1609), “Cymbeline” (1610), “The Winter Parable” (1611); “The Tempest” (1612) dan drama sejarah “Henry VIII” Dalam tragikomedi, suasana dongeng-fantastis berkuasa, di mana kebaikan dan keadilan selalu dikalahkan oleh kekuatan jahat. Dengan demikian, “penguasa penyair dramatis” (V. Belinsky), hingga karya terakhirnya, tetap setia pada standar cemerlang seni humanistik Renaisans.

Di antara tragedi Shakespeare yang terkenal, Romeo dan Juliet dan Hamlet adalah yang paling populer selama berabad-abad.

Bencana "Romeo dan Juliet" ditulis pada pertengahan tahun 90-an, pada periode pertama karyanya yang disebut optimis, dan lebih diilhami oleh kesedihan Renaisans berupa keyakinan pada manusia dan kemampuannya yang tak ada habisnya. Di tengah bencana, seperti dalam komedi yang ditulis pada waktu itu, adalah kisah cinta yang cerah, luhur secara romantis, dan tanpa pamrih dari dua pahlawan muda, yang terungkap dengan latar belakang perseteruan berdarah yang sudah berlangsung lama antara keluarga mereka - keluarga mereka. Montague dan Capulet.

Cinta yang muncul antara Romeo, perwakilan House of Montague, dan Juliet, perwakilan House of Capulet, digambarkan oleh Shakespeare sebagai kekuatan yang indah, baik dan positif yang mampu mematahkan permusuhan anti-manusiawi di dunia lama. . Cinta membangkitkan perasaan tertinggi dalam Romeo dan Juliet, cinta memperkaya mereka secara spiritual dan memenuhi mereka dengan rasa hormat akan keindahan hidup. Shakespeare menciptakan salah satu himne cinta terbesar.

Sering disebut penyair nasional Inggris. Karya-karya yang masih ada, termasuk beberapa yang ditulis bersama dengan penulis lain, terdiri dari 38 lakon, 154 soneta, 4 puisi, dan 3 batu nisan. Drama Shakespeare telah diterjemahkan ke semua bahasa utama dan lebih sering dipentaskan dibandingkan karya penulis drama lainnya.

Shakespeare lahir dan besar di Stratford-upon-Avon. Pada usia 18, ia menikah dengan Anne Hathaway, dan dikaruniai tiga anak: putri Suzanne dan si kembar Hamnet dan Judith. Karier Shakespeare dimulai antara tahun 1585 dan 1592, ketika ia pindah ke London. Dia segera menjadi aktor sukses, penulis naskah drama, dan salah satu pemilik perusahaan teater bernama Lord Chamberlain's Men, yang kemudian dikenal sebagai King's Men.

Sekitar tahun 1613, pada usia 48 tahun, dia kembali ke Stratford, di mana dia meninggal tiga tahun kemudian. Hanya sedikit bukti sejarah tentang kehidupan Shakespeare yang terpelihara, dan teori tentang kehidupannya dibuat berdasarkan dokumen resmi dan kesaksian orang-orang sezamannya, sehingga pertanyaan mengenai penampilan dan pandangan agamanya masih dibahas dalam komunitas ilmiah, dan ada juga a pandangan bahwa karya-karya yang diatribusikan kepadanya diciptakan oleh orang lain; ini populer dalam budaya, meskipun ditolak oleh sebagian besar sarjana Shakespeare.

Sebagian besar karya Shakespeare ditulis antara tahun 1589 dan 1613. Drama awalnya sebagian besar berupa komedi dan kronik, yang mana Shakespeare sangat unggul. Kemudian datanglah masa tragedi dalam karyanya, termasuk Hamlet, King Lear, Othello dan Macbeth, yang dianggap sebagai yang terbaik dalam bahasa Inggris. Di akhir karirnya, Shakespeare menulis beberapa tragikomedi dan juga berkolaborasi dengan penulis lain.

Banyak drama Shakespeare diterbitkan semasa hidupnya. Pada tahun 1623, dua teman Shakespeare, John Heming dan Henry Condell, menerbitkan Folio Pertama, kumpulan dari semua kecuali dua drama Shakespeare yang saat ini dimasukkan dalam kanon. Belakangan, berbagai peneliti menghubungkan beberapa drama (atau fragmennya) dengan Shakespeare dengan tingkat bukti yang berbeda-beda.

Semasa hidupnya, Shakespeare mendapat pujian atas karya-karyanya, namun ia baru benar-benar populer pada abad ke-19. Secara khusus, kaum Romantisis dan Victoria sangat memuja Shakespeare sehingga mereka menyebutnya "bardolatry", yang diterjemahkan ke dalam bahasa Inggris berarti "pemujaan bardo". Karya-karya Shakespeare tetap populer hingga saat ini dan terus-menerus dipelajari dan ditafsirkan ulang agar sesuai dengan kondisi politik dan budaya.

William Shakespeare

William Shakespeare lahir di Stratford-upon-Avon (Warwickshire) pada tahun 1564, dibaptis pada tanggal 26 April, tanggal pasti lahirnya tidak diketahui. Tradisi menempatkan kelahirannya pada tanggal 23 April: tanggal ini bertepatan dengan hari kematiannya yang diketahui secara pasti. Selain itu, tanggal 23 April adalah hari St. George, santo pelindung Inggris, dan legenda secara khusus dapat menandai kelahiran penyair nasional terhebat pada hari ini. Dari bahasa Inggris, nama keluarga “Shakespeare” diterjemahkan sebagai “gemetar dengan tombak.”

Ayahnya, John Shakespeare (1530-1601), adalah seorang perajin kaya (glover) yang sering terpilih untuk berbagai posisi publik penting.

Pada tahun 1565, John Shakespeare menjadi anggota dewan kota, dan pada tahun 1568 ia menjadi juru sita (kepala dewan kota). Dia tidak menghadiri kebaktian gereja, dan dia membayar denda yang besar (mungkin dia adalah seorang Katolik rahasia).

Ibu Shakespeare, lahir Mary Arden (1537-1608), berasal dari salah satu keluarga Saxon tertua. Pasangan ini memiliki total 8 anak, William lahir ketiga.

Diyakini bahwa Shakespeare belajar di "sekolah tata bahasa" Stratford (sekolah tata bahasa Inggris), di mana ia seharusnya memperoleh pengetahuan yang baik tentang bahasa Latin: guru bahasa dan sastra Latin Stratford menulis puisi dalam bahasa Latin. Beberapa ahli mengklaim bahwa Shakespeare bersekolah di sekolah Raja Edward VI di Stratford-upon-Avon, tempat ia mempelajari karya penyair seperti Ovid dan Plautus, tetapi jurnal sekolah tersebut tidak bertahan dan tidak ada yang dapat dikatakan dengan pasti.

Pada tahun 1582, pada usia 18 tahun, ia menikah dengan Anne Hathaway, putri seorang pemilik tanah setempat, yang 8 tahun lebih tua darinya. Pada saat menikah, Anne sedang hamil.

Pada tahun 1583, pasangan ini memiliki seorang putri, Susan (dibaptis pada tanggal 23 Mei), dan pada tahun 1585, anak kembar: seorang putra, Hamnet, yang meninggal pada usia 11 tahun pada bulan Agustus 1596, dan seorang putri, Judith (dibaptis pada tanggal 2 Februari).

Hanya ada asumsi tentang peristiwa selanjutnya (lebih dari tujuh tahun) dalam kehidupan Shakespeare. Karier teater London pertama kali disebutkan dimulai pada tahun 1592, dan periode antara tahun 1585 dan 1592 adalah apa yang oleh para ahli disebut sebagai "tahun-tahun yang hilang" Shakespeare.

Upaya para penulis biografi untuk mempelajari tindakan Shakespeare selama periode ini telah menghasilkan banyak cerita apokrif. Nicholas Rowe, penulis biografi pertama Shakespeare, percaya bahwa dia meninggalkan Stratford untuk menghindari tuntutan karena merampas tanah milik pengawal lokal Thomas Lucy.

Ada juga asumsi bahwa Shakespeare membalas dendam pada Lucy dengan menulis beberapa balada cabul tentang dirinya.

Menurut versi abad ke-18 lainnya, Shakespeare memulai karir teaternya dengan merawat kuda-kuda pengunjung teater London. John Aubrey menulis bahwa Shakespeare adalah seorang kepala sekolah. Beberapa sarjana abad ke-20 percaya bahwa Shakespeare adalah guru Alexander Naughton dari Lancashire, karena pemilik tanah Katolik ini memiliki “William Shakeshaft” tertentu. Ada sedikit dasar untuk teori ini, selain rumor yang menyebar setelah kematian Shakespeare, dan lebih jauh lagi, "Shakeshaft" adalah nama keluarga yang cukup umum di Lancashire.

Tidak diketahui secara pasti kapan Shakespeare mulai menulis karya teater dan juga pindah ke London, tetapi sumber pertama yang sampai kepada kita yang membicarakan hal ini berasal dari tahun 1592. Tahun ini, buku harian pengusaha Philip Henslowe menyebutkan kronik sejarah Shakespeare Henry VI, yang ditampilkan di Teater Mawar Henslowe.

Pada tahun yang sama, sebuah pamflet oleh penulis naskah drama dan penulis prosa Robert Greene diterbitkan secara anumerta, di mana penulis tersebut dengan marah menyerang Shakespeare, tanpa menyebutkan nama belakangnya, tetapi ironisnya memainkannya - “shake-scene”, memparafrasekan baris dari bagian ketiga. dari “Henry VI” “Oh, hati harimau di kulit wanita ini!” seperti “hati harimau di kulit seorang pemain.”

Para ahli tidak setuju mengenai arti sebenarnya dari kata-kata ini, tetapi secara umum diterima bahwa Greene menuduh Shakespeare mencoba mengejar ketertinggalan dari para penulis berpendidikan tinggi ("pemikir universitas") seperti Christopher Marlowe, Thomas Nash, dan Greene sendiri.

Para penulis biografi percaya bahwa karier Shakespeare bisa dimulai kapan saja, mulai pertengahan tahun 1580-an.

Sejak tahun 1594, lakon Shakespeare hanya dipentaskan oleh sebuah perusahaan "Anak buah Tuan Bendahara". Rombongan ini juga termasuk Shakespeare, yang pada akhir tahun 1594 menjadi salah satu pemiliknya. Rombongan ini segera menjadi salah satu grup teater terkemuka di London. Setelah kematian Ratu Elizabeth pada tahun 1603, rombongan tersebut menerima paten kerajaan dari penguasa baru, James I, dan dikenal sebagai King's Men.

Pada tahun 1599, sekelompok anggota kelompok membangun teater baru di tepi selatan Sungai Thames, yang disebut "Dunia".

Pada tahun 1608 mereka juga membeli teater tertutup Blackfriars. Catatan pembelian dan investasi real estat Shakespeare menunjukkan bahwa perusahaan tersebut menjadikannya orang kaya. Pada tahun 1597 ia membeli rumah terbesar kedua di Stratford, New Place.

Pada tahun 1598, namanya mulai muncul di halaman judul terbitan. Namun bahkan setelah Shakespeare menjadi terkenal sebagai penulis naskah drama, ia terus bermain di bioskop. Dalam karya Ben Jonson edisi 1616, nama Shakespeare masuk dalam daftar pemeran lakon Every One Has His Folly (1598) dan The Fall of Sejanus (1603). Namun, namanya tidak ada dalam daftar pemeran drama Jonson tahun 1605, Volpone, yang oleh beberapa pakar dianggap sebagai tanda berakhirnya karier Shakespeare di London.

Namun, Folio Pertama tahun 1623 menyebutkan Shakespeare sebagai "aktor utama dalam semua drama ini", dan beberapa di antaranya pertama kali dipentaskan setelah Volpone, meskipun tidak diketahui secara pasti peran apa yang dimainkan Shakespeare di dalamnya.

Pada tahun 1610, John Davis menulis bahwa "Kehendak baik" memainkan peran "kerajaan".

Pada tahun 1709, dalam karyanya, Rowe mencatat pendapat yang sudah ada bahwa Shakespeare memainkan bayangan ayah Hamlet. Belakangan juga diklaim bahwa ia memainkan peran Adam di As You Like It dan Chorus di Henry V, meskipun para ahli meragukan kebenaran informasi ini.

Selama karir akting dan dramatisnya, Shakespeare tinggal di London, tetapi juga menghabiskan sebagian waktunya di Stratford.

Pada tahun 1596, setahun setelah membeli Tempat Baru, dia tinggal di paroki St Helen's, Bishopgate, di sisi utara Sungai Thames. Setelah Teater Globe dibangun pada tahun 1599, Shakespeare pindah ke seberang sungai - ke Southwark, tempat teater tersebut berada.

Pada tahun 1604 ia pindah menyeberangi sungai lagi, kali ini ke daerah utara Katedral St. Paul, di mana terdapat banyak rumah bagus. Dia menyewa kamar dari seorang Huguenot Prancis bernama Christopher Mountjoy, seorang produsen wig dan topi wanita.

Ada kepercayaan tradisional bahwa Shakespeare pindah ke Stratford beberapa tahun sebelum kematiannya. Penulis biografi Shakespeare pertama yang menyampaikan pendapat ini adalah Rowe. Salah satu alasannya mungkin karena teater umum di London berulang kali ditutup karena wabah penyakit, dan para aktor tidak memiliki cukup pekerjaan. Pensiun total jarang terjadi pada masa itu, dan Shakespeare terus mengunjungi London.

Pada tahun 1612, Shakespeare bersaksi dalam kasus Bellot v. Mountjoy, persidangan mahar pernikahan putri Mountjoy, Mary.

Pada bulan Maret 1613 dia membeli sebuah rumah di bekas paroki Blackfriar. Pada bulan November 1614 dia menghabiskan beberapa minggu bersama saudara iparnya, John Hall.

Setelah tahun 1606-1607, Shakespeare hanya menulis beberapa drama, dan setelah tahun 1613 ia berhenti menulisnya sama sekali. Dia ikut menulis tiga drama terakhirnya dengan penulis drama lain, kemungkinan John Fletcher, yang menggantikan Shakespeare sebagai kepala penulis drama King's Men.

Semua tanda tangan Shakespeare yang masih ada pada dokumen (1612-1613) dibedakan berdasarkan tulisan tangannya yang sangat buruk, yang menjadi dasar beberapa peneliti percaya bahwa dia sedang sakit parah pada saat itu.

Shakespeare meninggal pada tanggal 23 April 1616. Secara tradisional diyakini bahwa dia meninggal pada hari ulang tahunnya, tetapi tidak ada kepastian bahwa Shakespeare lahir pada tanggal 23 April. Shakespeare meninggalkan jandanya, Anne (w. 1623), dan dua putrinya. Susan Shakespeare menikah dengan John Hall sejak 1607, dan Judith Shakespeare menikah dengan pembuat anggur Thomas Quiney dua bulan setelah kematian Shakespeare.

Dalam wasiatnya, Shakespeare mewariskan sebagian besar propertinya kepada putri sulungnya, Susan. Setelah dia, itu akan diwarisi oleh keturunan langsungnya. Judith memiliki tiga anak, semuanya meninggal tanpa menikah. Susan memiliki seorang putri, Elizabeth, yang menikah dua kali tetapi meninggal tanpa anak pada tahun 1670. Dia adalah keturunan langsung terakhir Shakespeare. Dalam wasiat Shakespeare, istrinya hanya disebutkan sebentar, tetapi dia seharusnya menerima sepertiga dari seluruh harta milik suaminya. Namun, hal itu menunjukkan bahwa dia meninggalkan “tempat tidur terbaik kedua saya” untuknya, dan fakta ini menimbulkan banyak asumsi berbeda. Beberapa ulama menganggap ini sebagai penghinaan terhadap Anne, sementara yang lain berpendapat bahwa ranjang terbaik kedua adalah ranjang perkawinan, dan oleh karena itu tidak ada yang menyinggung tentang hal itu.

Tiga hari kemudian, jenazah Shakespeare dimakamkan di Gereja Tritunggal Mahakudus Stratford.

Tulisan di batu nisan tertulis di batu nisannya:

“Teman baik demi Iesvs, bersabarlah,
Untuk menggali dvst yang terbungkus dengar.
Berbahagialah kalian yang menyelamatkan batu-batu itu,
Dan mungkin saja dia yang menggerakkan tulang-tulangku”.

“Sobat, demi Tuhan, jangan berkerumun
Sisa-sisa yang diambil bumi ini;
Dia yang tidak tersentuh diberkati selama berabad-abad,
Dan terkutuklah orang yang menyentuh abuku”.

Beberapa waktu sebelum tahun 1623, lukisan patung Shakespeare didirikan di gereja, menunjukkan dia sedang menulis. Tulisan di batu nisan dalam bahasa Inggris dan Latin membandingkan Shakespeare dengan Raja Pylos, Nestor, Socrates, dan Virgil yang bijaksana.

Ada banyak patung Shakespeare di seluruh dunia, termasuk monumen pemakaman di Katedral Southwark dan Poets' Corner di Westminster Abbey.

Untuk menandai peringatan empat ratus tahun kematian penulis naskah drama tersebut, Royal Mint mengeluarkan tiga koin dua pon (tertanggal 2016), melambangkan tiga kelompok karyanya: komedi, kronik, dan tragedi.

Warisan sastra Shakespeare terbagi menjadi dua bagian yang tidak setara: puitis (puisi dan soneta) dan dramatis. menulis bahwa “akan terlalu berani dan aneh untuk memberi Shakespeare keunggulan yang menentukan atas semua penyair umat manusia, sebagai seorang penyair sendiri, tetapi sebagai penulis naskah drama dia sekarang tidak memiliki saingan yang namanya dapat dicantumkan di samping namanya.”

William Shakespeare. Pertunjukan Terbesar di Dunia

Karya William Shakespeare

Komedi William Shakespeare

Semuanya baik-baik saja, itu berakhir dengan baik
Anda suka
Komedi Kesalahan
Kerja Cinta Hilang
Ukur untuk mengukur
Pedagang Venesia
Istri Bahagia Windsor
Mimpi Malam Pertengahan Musim Panas
Banyak basa-basi tentang apa pun
Perikel
Menjinakkan Tikus
Badai
Malam Kedua Belas
Dua orang Veronese
Dua kerabat bangsawan
Kisah Musim Dingin

Kronik William Shakespeare

Raja John
Richard II
Henry IV, bagian 1
Henry IV, bagian 2
Henry V
Henry VI, bagian 1
Henry VI, bagian 2
Henry VI, bagian 3
Richard III
Henry VIII

Tragedi William Shakespeare

Romeo dan Juliet
Coriolanus
Titus Andronikus
Timon dari Athena
Julius Kaisar
Macbeth
Dukuh
Troilus dan Cressida
Raja Lear
halo lainnya
Antony dan Cleopatra
simbline

Soneta William Shakespeare

Venus dan Adonis
Lucretia yang tidak terhormat
Peziarah yang Penuh Semangat
Phoenix dan merpati
Keluhan kekasih

Karya William Shakespeare yang hilang

Upaya Cinta Dibalas
Sejarah Kardenio

Apokrifa William Shakespeare

Penghakiman Paris
Arden Deversham
George Hijau
Lokrin
Edward III
Musedore
Tuan John Oldcastle
Thomas, Tuan Cromwell
Setan Edmont yang ceria
Anak Hilang London
Puritan
Tragedi Yorkshire
Emma yang cantik
Kelahiran Merlin
Tuan Thomas Lebih Banyak
Tragedi Pembantu Kedua
Peziarah yang Penuh Semangat

Pada dekade terakhir abad ke-16, drama Inggris telah mencapai perkembangan penuhnya. Teater Renaisans Inggris berawal dari seni aktor keliling. Pada saat yang sama, para perajin tampil di teater Inggris bersama dengan aktor profesional. Teater pelajar juga tersebar luas. Drama Inggris pada masa itu dicirikan oleh kekayaan genre, penguasaan teknis yang tinggi, dan konten ideologis yang kaya. Namun puncak Renaisans Inggris adalah aktivitas sastra William Shakespeare. Dalam karyanya, master drama Inggris ini memperdalam segala sesuatu yang telah dicapai para pendahulunya.

Biografi William Shakespeare penuh dengan “bintik putih”. Diketahui secara pasti bahwa penulis naskah drama Inggris yang hebat itu lahir pada tahun 1564 di kota Stratford-upon-Awan dalam keluarga seorang pedagang kaya raya. Tanggal lahirnya tidak didokumentasikan, tetapi diasumsikan ia lahir pada tanggal 23 April. Ayahnya, John Shakespeare, berulang kali memegang posisi terhormat di kota tersebut. Ibunya, Mary Arden, berasal dari salah satu keluarga tertua di Saxony. Shakespeare bersekolah di sekolah “tata bahasa” setempat, tempat dia belajar bahasa Latin dan Yunani secara menyeluruh. Dia memulai sebuah keluarga sejak dini. Dan pada tahun 1587, meninggalkan istri dan anak-anaknya, dia pindah ke London. Sekarang dia sangat jarang mengunjungi keluarganya, hanya untuk membawa uang yang dia hasilkan. Pada awalnya Shakespeare bekerja paruh waktu di teater sebagai pembisik dan asisten sutradara, hingga pada tahun 1593 ia menjadi aktor di rombongan terbaik London. Pada tahun 1599, para aktor rombongan ini membangun Teater Globe, tempat pertunjukan berdasarkan drama Shakespeare dipentaskan. Shakespeare, bersama dengan aktor lainnya, menjadi pemegang saham teater dan menerima bagian tertentu dari seluruh pendapatannya. Dan jika William Shakespeare tidak bersinar dengan bakat aktingnya, bahkan sebelum bergabung dengan rombongan Globe, ia memperoleh ketenaran sebagai penulis naskah drama berbakat, yang kini telah ia perkuat secara menyeluruh. Untuk dekade pertama abad ke-17. kreativitasnya berkembang. Namun pada tahun 1612, Shakespeare, karena alasan yang tidak diketahui, meninggalkan London dan kembali ke keluarganya di Stratford, sepenuhnya meninggalkan drama. Dia menghabiskan tahun-tahun terakhir hidupnya dikelilingi oleh keluarganya tanpa disadari dan meninggal dengan damai pada tahun 1616 pada hari ulang tahunnya. Minimnya informasi tentang kehidupan Shakespeare memunculkan kemunculannya pada tahun 70an. abad ke-18 hipotesis bahwa penulis drama tersebut bukanlah Shakespeare, tetapi orang lain yang ingin menyembunyikan namanya. Saat ini, mungkin, tidak ada satu pun orang sezaman Shakespeare yang tidak dianggap sebagai penulis drama-drama hebat. Namun semua spekulasi ini tidak berdasar, dan para ilmuwan serius telah berulang kali membantahnya.

Ada 3 periode karya Shakespeare.

Yang pertama bercirikan optimisme, dominasi watak yang cerah, meneguhkan hidup, dan ceria. Selama periode ini ia menciptakan komedi seperti: “ Mimpi Malam Pertengahan Musim Panas" (1595), " Pedagang Venesia" (1596), " Banyak basa-basi tentang apa pun"(1598), " Anda suka" (1599), " Malam Kedua Belas"(1600). Periode pertama juga mencakup apa yang disebut "kronik" sejarah (permainan bertema sejarah) - "Richard III" (1592), "Richard II" (1595), "Henry IV" (1597), "Henry V" (1599) ). Dan juga tragedi" Romeo dan Juliet"(1595) dan" Julius Caesar "(1599).

Ilustrasi tragedi William Shakespeare "Romeo and Juliet" oleh F. Hayes. 1823

Tragedi "Julius Caesar" menjadi semacam peralihan ke periode ke-2 abad ini karya Shakespeare. Dari tahun 1601 hingga 1608, penulis mengemukakan dan menyelesaikan masalah-masalah besar dalam hidup, dan drama-drama tersebut sekarang diwarnai dengan sejumlah pesimisme. Shakespeare secara teratur menulis tragedi: “Hamlet” (1601), “Othello” (1604), “King Lear” (1605), “Magbeth” (1605), “ Antony dan Cleopatra"(1606), "Coriolanus" (1607), "Timon dari Athena" (1608). Namun di saat yang sama, ia tetap sukses dalam komedi, namun dengan sentuhan tragedi sehingga bisa juga disebut drama - “Measure for Measure” (1604).

Dan terakhir, periode ke-3, dari tahun 1608 hingga 1612, tragikomedi, dimainkan dengan konten yang sangat dramatis, namun dengan akhir yang bahagia, didominasi dalam karya Shakespeare. Yang paling penting adalah “Cembeline” (1609), “The Winter's Tale” (1610) dan “The Tempest” (1612).

karya Shakespeare dibedakan berdasarkan keluasan kepentingan dan ruang lingkup pemikirannya. Dramanya mencerminkan beragam jenis, posisi, era, dan bangsa. Kekayaan imajinasi, kecepatan tindakan, dan kekuatan nafsu merupakan ciri khas Renaisans. Ciri-ciri ini juga ditemukan pada penulis drama lain pada masa itu, tetapi hanya Shakespeare yang memiliki rasa proporsional dan harmoni yang luar biasa. Sumber dramaturginya bermacam-macam. Shakespeare mengambil banyak hal dari zaman kuno, beberapa dramanya meniru Seneca, Plautus dan Plutarch. Ada juga pinjaman dari cerita pendek Italia. Namun secara lebih luas, Shakespeare dalam karyanya masih meneruskan tradisi drama rakyat Inggris. Ini merupakan campuran antara komik dan tragis, pelanggaran terhadap kesatuan waktu dan tempat. Keaktifan, warna-warni dan kemudahan gaya, semua ini lebih merupakan ciri khas drama rakyat.

William Shakespeare memiliki pengaruh besar terhadap sastra Eropa. Dan meskipun di Warisan sastra Shakespeare ada puisi, tetapi V. G. Belinsky menulis bahwa “akan terlalu berani dan aneh untuk memberi Shakespeare keunggulan yang menentukan atas semua penyair umat manusia, sebagai penyair sendiri, tetapi sebagai penulis naskah drama dia sekarang dibiarkan tanpa saingan yang namanya bisa jadi letakkan di samping namanya." Pencipta brilian dan salah satu penulis paling misterius ini mengajukan pertanyaan kepada umat manusia, “Menjadi atau tidak?” dan tidak memberikan jawabannya, sehingga membiarkan semua orang mencarinya sendiri.

Tema hampir semua komedi Shakespeare adalah cinta, kemunculan dan perkembangannya, perlawanan dan intrik orang lain, serta kemenangan perasaan muda yang cerah. Aksi karya tersebut berlangsung dengan latar pemandangan alam yang indah, bermandikan cahaya bulan atau sinar matahari. Beginilah dunia magis komedi Shakespeare muncul di hadapan kita, nampaknya jauh dari kesenangan. Shakespeare memiliki kemampuan hebat dalam menggabungkan komik (duel kecerdasan antara Benedick dan Beatrice dalam Much Ado About Nothing, Petruchio dan Catharina dari The Taming of the Shrew) dengan liris dan bahkan tragis (pengkhianatan Proteus dalam The Two Gentlemen dari Verona, intrik Shylock dalam "The Merchant of Venice"). Karakter Shakespeare sangat beragam; gambar mereka mewujudkan ciri-ciri khas orang-orang Renaisans: kemauan, keinginan untuk mandiri, dan cinta hidup. Karakter wanita dalam komedi ini sangat menarik - mereka setara dengan pria, bebas, energik, aktif, dan menawan tanpa batas. Komedi Shakespeare beragam. Shakespeare menggunakan berbagai genre komedi - komedi romantis (A Midsummer Night's Dream), komedi karakter (The Taming of the Shrew), sitkom (The Comedy of Errors).

Pada periode yang sama (1590-1600) Shakespeare menulis sejumlah kronik sejarah. Masing-masing mencakup salah satu periode sejarah Inggris.

Tentang masa pertarungan antara Mawar Merah dan Mawar Putih :

Henry VI (tiga bagian)

Tentang periode perjuangan sebelumnya antara baron feodal dan monarki absolut:

Henry IV (dua bagian)

Genre kronik dramatis hanya merupakan ciri khas Renaisans Inggris. Kemungkinan besar, hal ini terjadi karena genre teater favorit pada awal Abad Pertengahan Inggris adalah misteri dengan motif sekuler. Dramaturgi Renaisans yang matang terbentuk di bawah pengaruh mereka; dan dalam kronik-kronik dramatis, banyak ciri misterius yang dilestarikan: liputan peristiwa yang luas, banyak karakter, pergantian episode yang bebas. Namun, berbeda dengan misteri, kronik tidak menyajikan sejarah alkitabiah, melainkan sejarah negara. Di sini, pada intinya, ia juga beralih ke cita-cita harmoni - tetapi secara khusus menyatakan harmoni, yang ia lihat dalam kemenangan monarki atas perselisihan sipil feodal abad pertengahan. Di akhir drama, kemenangan bagus; kejahatan, tidak peduli betapa buruk dan berdarahnya jalannya, telah digulingkan. Jadi, pada periode pertama karya Shakespeare, gagasan utama Renaisans ditafsirkan pada tingkat yang berbeda - pribadi dan negara: pencapaian harmoni dan cita-cita humanistik.

Pada periode yang sama, Shakespeare menulis dua tragedi:

Periode II (tragis) (1601-1607)

Ini dianggap sebagai periode tragis karya Shakespeare. Didedikasikan terutama untuk tragedi. Selama periode inilah penulis naskah mencapai puncak karyanya:

Tidak ada lagi jejak rasa harmonis akan dunia di dalamnya; konflik-konflik abadi dan tak terpecahkan terungkap di sini. Di sini tragedi tidak hanya terletak pada benturan antara individu dan masyarakat, tetapi juga pada kontradiksi internal dalam jiwa sang pahlawan. Masalahnya dibawa ke tingkat filosofis umum, dan karakternya tetap memiliki banyak segi dan banyak secara psikologis. Pada saat yang sama, sangat penting bahwa dalam tragedi-tragedi besar Shakespeare tidak ada sikap fatalistis terhadap nasib, yang menentukan tragedi. Penekanan utama, seperti sebelumnya, ditempatkan pada kepribadian pahlawan, yang membentuk nasibnya sendiri dan nasib orang-orang di sekitarnya.

Pada periode yang sama, Shakespeare menulis dua komedi:

Periode III (romantis) (1608-1612)

Ini dianggap sebagai periode romantis karya Shakespeare.

Karya-karya periode terakhir karyanya:

Ini adalah kisah puitis yang menjauhkan diri dari kenyataan menuju dunia mimpi. Penolakan sadar sepenuhnya terhadap realisme dan kemunduran ke dalam fantasi romantis secara alami ditafsirkan oleh para sarjana Shakespeare sebagai kekecewaan penulis naskah terhadap cita-cita humanistik dan pengakuan atas ketidakmungkinan mencapai harmoni. Jalan ini - dari keyakinan penuh kemenangan akan harmoni hingga kekecewaan yang melelahkan - sebenarnya diikuti oleh seluruh pandangan dunia Renaisans.

Teater Globe Shakespeare

Popularitas drama Shakespeare yang tak tertandingi di seluruh dunia difasilitasi oleh pengetahuan penulis naskah yang luar biasa tentang teater dari dalam. Hampir seluruh kehidupan Shakespeare di London dalam satu atau lain cara terhubung dengan teater, dan sejak tahun 1599 - dengan Teater Globe, yang merupakan salah satu pusat kehidupan budaya terpenting di Inggris. Di sinilah rombongan “The Lord Chamberlain’s Men” yang dipimpin oleh R. Burbage pindah ke gedung yang baru dibangun kembali, tepat pada saat Shakespeare menjadi salah satu pemegang saham rombongan tersebut. Shakespeare bermain di atas panggung sampai sekitar tahun 1603 - bagaimanapun juga, setelah itu partisipasinya dalam pertunjukan tidak disebutkan. Rupanya, Shakespeare tidak terlalu populer sebagai aktor - ada informasi bahwa ia memainkan peran kecil dan episodik. Namun demikian, ia menyelesaikan sekolah panggung - bekerja di atas panggung tidak diragukan lagi membantu Shakespeare memahami lebih akurat mekanisme interaksi antara aktor dan penonton serta rahasia kesuksesan penonton. Keberhasilan penonton sangat penting bagi Shakespeare baik sebagai pemegang saham teater maupun sebagai penulis naskah drama - dan setelah tahun 1603 ia tetap berhubungan erat dengan Globe, yang di panggungnya hampir semua drama yang ia tulis dipentaskan. Desain aula Globus telah menentukan kombinasi penonton dari berbagai kelas sosial dan properti dalam satu pertunjukan, sementara teater dapat menampung setidaknya 1.500 penonton. Penulis naskah drama dan aktor menghadapi tugas tersulit dalam menarik perhatian beragam penonton. Drama Shakespeare memenuhi tugas ini secara maksimal, menikmati kesuksesan dengan penonton dari semua kategori.

Arsitektur bergerak dari drama Shakespeare sangat ditentukan oleh kekhasan teknologi teater abad ke-16. - panggung terbuka tanpa tirai, alat peraga minimal, desain panggung sangat konvensional. Hal ini memaksa kami untuk berkonsentrasi pada aktor dan seni panggungnya. Setiap peran dalam drama Shakespeare (seringkali ditulis untuk aktor tertentu) secara psikologis sangat banyak dan memberikan peluang besar untuk interpretasi panggungnya; struktur leksikal tuturan berubah tidak hanya dari permainan ke permainan dan dari tokoh ke tokoh, tetapi juga berubah tergantung pada perkembangan internal dan keadaan panggung (Hamlet, Othello, Richard III, dll). Bukan tanpa alasan banyak aktor terkenal dunia bersinar dalam peran repertoar Shakespeare.

Sejarah kejayaan Teater Globe Shakespeare dimulai pada tahun 1599, ketika di London, yang terkenal karena kecintaannya yang besar terhadap seni teater, gedung teater umum dibangun satu demi satu. Selama pembangunan Globe, bahan bangunan yang tersisa dari bangunan teater umum pertama di London yang dibongkar (disebut "Teater") digunakan. Pemilik gedung, sekelompok aktor Inggris terkenal, Burbages, telah habis masa sewa tanahnya; Jadi mereka memutuskan untuk membangun kembali teater di lokasi baru. Penulis drama terkemuka dari rombongan tersebut, William Shakespeare, yang pada tahun 1599 telah menjadi salah satu pemegang saham teater "Lord Chamberlain's Men" di Burbage, tidak diragukan lagi terlibat dalam keputusan ini.

Teater untuk masyarakat umum dibangun di London terutama di luar Kota, yaitu. - di luar yurisdiksi Kota London. Hal ini dijelaskan oleh semangat puritan pemerintah kota yang memusuhi teater pada umumnya. The Globe adalah gedung teater umum khas awal abad ke-17: ruangan oval berbentuk amfiteater Romawi, dikelilingi tembok tinggi, tanpa atap. Teater ini mendapatkan namanya dari patung Atlas yang menopang bola dunia yang menghiasi pintu masuknya. Bola dunia (“globe”) ini dikelilingi oleh pita dengan tulisan terkenal: “Seluruh dunia sedang berakting” (lat. Totus mundus agit histrionem; terjemahan yang lebih terkenal: “Seluruh dunia adalah teater”).

Panggung itu bersebelahan dengan bagian belakang gedung; di atas bagian dalamnya muncul area panggung atas, yang disebut. "galeri"; bahkan lebih tinggi lagi ada "rumah" - sebuah bangunan dengan satu atau dua jendela. Jadi, ada empat tempat aksi di teater: proscenium, yang menjorok jauh ke dalam aula dan dikelilingi oleh penonton di tiga sisi, tempat bagian utama aksi dimainkan; bagian dalam panggung di bawah galeri, tempat adegan interior dimainkan; galeri yang digunakan untuk menggambarkan tembok benteng atau balkon (hantu ayah Hamlet muncul di sini atau adegan terkenal di balkon dalam Romeo dan Juliet terjadi); dan sebuah “rumah”, yang jendelanya juga bisa menampilkan para aktor. Hal ini memungkinkan terciptanya tontonan yang dinamis, menggabungkan berbagai lokasi aksi ke dalam dramaturgi dan mengubah titik perhatian penonton - yang membantu mempertahankan minat terhadap apa yang terjadi di lokasi syuting. Ini sangat penting: kita tidak boleh lupa bahwa perhatian auditorium tidak didukung oleh sarana bantu apa pun - pertunjukan dilakukan di siang hari, tanpa tirai, di bawah gemuruh penonton yang terus menerus, dengan penuh semangat bertukar tayangan dengan suara penuh.

Auditorium Globe menampung, menurut berbagai sumber, dari 1.200 hingga 3.000 penonton. Tidak mungkin untuk menentukan kapasitas pasti aula tersebut - tidak ada kursi yang disediakan untuk sebagian besar rakyat jelata; Mereka berkerumun di kios-kios, berdiri di lantai tanah. Penonton yang memiliki hak istimewa diakomodasi dengan beberapa kenyamanan: di sepanjang bagian dalam tembok terdapat kotak-kotak untuk bangsawan, di atasnya terdapat galeri untuk orang kaya. Yang terkaya dan paling mulia duduk di sisi panggung, di bangku portabel berkaki tiga. Tidak ada fasilitas tambahan untuk penonton (termasuk toilet); kebutuhan fisiologis, jika perlu, mudah dipenuhi selama pertunjukan - tepat di auditorium. Oleh karena itu, tidak adanya atap dapat dianggap lebih sebagai keuntungan daripada kerugian - masuknya udara segar tidak membuat penggemar setia seni teater tercekik.

Namun, kesederhanaan moral seperti itu sepenuhnya sesuai dengan aturan etiket pada waktu itu, dan Teater Globe segera menjadi salah satu pusat kebudayaan utama Inggris: semua drama William Shakespeare dan penulis drama Renaisans terkemuka lainnya dipentaskan di sana. panggung.

Namun, pada tahun 1613, saat pemutaran perdana Henry VIII karya Shakespeare, terjadi kebakaran di teater: percikan api dari tembakan meriam panggung menghantam atap jerami di atas bagian belakang panggung. Bukti sejarah menyebutkan tidak ada korban jiwa dalam kebakaran tersebut, namun bangunan terbakar habis. Berakhirnya “Globe Pertama” secara simbolis menandai perubahan dalam era sastra dan teater: sekitar waktu ini, William Shakespeare berhenti menulis drama.

Surat tentang kebakaran di Globus

"Dan sekarang saya akan menghibur Anda dengan kisah tentang apa yang terjadi minggu ini di Bankside. Para aktor Yang Mulia sedang menampilkan drama baru berjudul All is True (Henry VIII), yang mewakili peristiwa-peristiwa penting dari masa pemerintahan Henry VIII. Produksinya dihiasi dengan kemegahan yang luar biasa, dan bahkan sampul di atas panggung pun luar biasa indahnya. Para Ksatria Ordo George dan Garter, para penjaga berseragam bersulam, dan sebagainya - ada lebih dari cukup untuk membuat kehebatan itu dikenali, jika tidak konyol , Raja Henry mengatur topeng di rumah Kardinal Wolsey: dia muncul di panggung. , beberapa tembakan salam terdengar. Salah satu peluru tampaknya tersangkut di pemandangan - dan kemudian semuanya terjadi. Pada awalnya, hanya ada asap kecil terlihat, dimana penonton, yang terpikat oleh apa yang terjadi di atas panggung, tidak memperhatikannya; Dalam sepersekian detik, api menyebar ke atap dan mulai menyebar dengan cepat, menghancurkan seluruh bangunan hingga rata dengan tanah dalam waktu kurang dari satu Ya, itu adalah saat-saat yang membawa malapetaka bagi bangunan kokoh ini, di mana hanya kayu, jerami, dan sedikit kain yang terbakar. Benar, salah satu celana pria terbakar, dan dia bisa saja digoreng, tapi dia (syukurlah!) berhasil memadamkan api dengan bir dari botol.”

Tuan Henry Wotton

Segera bangunan itu dibangun kembali, kali ini dari batu; langit-langit jerami di atas bagian dalam panggung diganti dengan ubin. Rombongan Burbage terus bermain di "Globe kedua" hingga tahun 1642, ketika Parlemen Puritan dan Lord Protector Cromwell mengeluarkan dekrit yang menutup semua teater dan melarang semua hiburan teater. Pada tahun 1644, “Globe kedua” yang kosong dibangun kembali menjadi tempat untuk disewakan. Sejarah teater terputus selama lebih dari tiga abad.

Anehnya, gagasan rekonstruksi modern Teater Globe bukan milik Inggris, tetapi milik aktor, sutradara, dan produser Amerika Sam Wanamaker. Dia datang ke London untuk pertama kalinya pada tahun 1949, dan selama sekitar dua puluh tahun, bersama dengan orang-orang yang berpikiran sama, dia mengumpulkan materi tentang teater era Elizabethan sedikit demi sedikit. Pada tahun 1970, Wanamaker mendirikan Shakespeare's Globe Trust untuk merekonstruksi teater yang hilang dan membuat pusat pendidikan dan pameran permanen di sana. Pengerjaan proyek ini berlanjut selama lebih dari 25 tahun; Wanamaker sendiri meninggal pada tahun 1993, hampir empat tahun sebelum pembukaan Globe yang direkonstruksi. Pedoman untuk menciptakan kembali teater ini adalah potongan-potongan fondasi Globe lama yang digali, serta Teater Rose di dekatnya, tempat drama Shakespeare dipentaskan pada masa “pra-Globe”. Bangunan baru ini dibangun dari kayu ek hijau, diolah sesuai dengan tradisi abad ke-16. dan terletak hampir di tempat yang sama seperti sebelumnya - yang baru berjarak 300 meter dari Globus lama. Rekonstruksi tampilan yang cermat dipadukan dengan peralatan teknis modern pada bangunan tersebut.

Globe baru dibuka pada tahun 1997 dengan nama Shakespeare's Globe Theatre. Karena menurut kenyataan sejarah, gedung baru ini dibangun tanpa atap, pertunjukan hanya diadakan di sana pada musim semi dan musim panas. Namun, tur teater tertua di London, Globe, dilakukan setiap hari. Sudah di abad ini, di sebelah Globe yang dipugar, sebuah museum taman hiburan yang didedikasikan untuk Shakespeare dibuka. Ini menampung pameran terbesar di dunia yang didedikasikan untuk penulis naskah drama hebat; Berbagai acara hiburan bertema diselenggarakan untuk pengunjung: di sini Anda dapat mencoba menulis soneta sendiri; menonton pertarungan pedang, dan bahkan ikut serta dalam produksi drama Shakespeare.

Bahasa dan perangkat panggung Shakespeare

Secara umum, bahasa karya dramatis Shakespeare sangat kaya: menurut penelitian para filolog dan sarjana sastra, kosakatanya mencakup lebih dari 15.000 kata. Pidato para karakter penuh dengan segala macam kiasan - metafora, alegori, perifrase, dll. Penulis naskah drama menggunakan banyak bentuk puisi lirik abad ke-16 dalam dramanya. - soneta, canzone, album, epithalam, dll. Syair kosong, yang terutama digunakan untuk menulis lakonnya, bersifat fleksibel dan alami. Hal ini menjelaskan betapa besarnya daya tarik karya Shakespeare bagi para penerjemah. Secara khusus, di Rusia, banyak ahli teks sastra beralih ke terjemahan drama Shakespeare - dari N. Karamzin hingga A. Radlova, V. Nabokov, B. Pasternak, M. Donskoy, dan lainnya.

Minimalisme sarana panggung Renaisans memungkinkan dramaturgi Shakespeare menyatu secara organik menjadi panggung baru dalam perkembangan teater dunia, yang dimulai pada awal abad ke-20. - teater sutradara, tidak berfokus pada karya aktor individu, tetapi pada solusi konseptual keseluruhan dari pertunjukan tersebut. Bahkan tidak mungkin untuk membuat daftar prinsip-prinsip umum dari semua produksi Shakespeare - mulai dari interpretasi sehari-hari yang mendetail hingga simbolik kondisional yang ekstrem; dari komedi-lucu hingga elegi-filosofis atau tragedi-misteri. Sangat mengherankan bahwa drama Shakespeare masih ditujukan untuk penonton dari hampir semua tingkatan - mulai dari intelektual estetika hingga penonton yang tidak terlalu menuntut. Hal ini, bersama dengan masalah filosofis yang kompleks, difasilitasi oleh intrik yang rumit, kaleidoskop berbagai episode panggung, pergantian adegan menyedihkan dengan komedi, dan dimasukkannya perkelahian, nomor musik, dll.

Karya dramatis Shakespeare menjadi dasar bagi banyak pertunjukan teater musikal (opera Othello, Falstaff (berdasarkan The Merry Wives of Windsor) dan Macbeth oleh D. Verdi; balet Romeo dan Juliet oleh S. Prokofiev dan banyak lainnya).

Kepergian Shakespeare

Sekitar tahun 1610 Shakespeare meninggalkan London dan kembali ke Stratford-upon-Avon. Hingga tahun 1612 ia tidak kehilangan kontak dengan teater: pada tahun 1611 Kisah Musim Dingin ditulis, pada tahun 1612 - karya dramatis terakhir, The Tempest. Tahun-tahun terakhir hidupnya ia pensiun dari kegiatan sastra dan hidup dengan tenang dan tanpa disadari bersama keluarganya. Hal ini mungkin disebabkan oleh penyakit yang serius - hal ini ditunjukkan dengan surat wasiat Shakespeare yang masih hidup, yang dibuat dengan jelas dengan tergesa-gesa pada tanggal 15 Maret 1616 dan ditandatangani dengan tulisan tangan yang telah diubah. Pada tanggal 23 April 1616, penulis drama paling terkenal sepanjang masa meninggal di Stratford-upon-Avon.

Pengaruh karya Shakespeare terhadap sastra dunia

Pengaruh gambar-gambar yang diciptakan oleh William Shakespeare terhadap sastra dan budaya dunia sulit ditaksir terlalu tinggi. Hamlet, Macbeth, King Lear, Romeo dan Juliet - nama-nama ini telah lama menjadi nama rumah tangga. Mereka digunakan tidak hanya dalam karya seni, tetapi juga dalam pidato sehari-hari sebagai sebutan untuk beberapa tipe manusia. Bagi kami, Othello adalah orang yang pencemburu, Lear adalah orang tua yang kehilangan ahli waris yang diberkatinya sendiri, Macbeth adalah perampas kekuasaan, dan Hamlet adalah orang yang terkoyak oleh kontradiksi internal.

Gambar-gambar Shakespeare memiliki pengaruh besar pada sastra Rusia abad ke-19. Drama penulis naskah drama Inggris ditujukan kepada I.S. Turgenev, F.M. Dostoevsky, L.N. Tolstoy, A.P. Chekhov dan penulis lainnya. Pada abad ke-20, minat terhadap dunia batin manusia meningkat, dan motif serta pahlawan karya Shakespeare kembali membuat khawatir para penyair. Kami menemukannya di M. Tsvetaeva, B. Pasternak, V. Vysotsky.

Di era klasisisme dan Pencerahan, Shakespeare dikenal karena kemampuannya mengikuti “alam”, namun dikutuk karena ketidaktahuannya terhadap “aturan”: Voltaire menyebutnya sebagai “orang barbar yang brilian”. Kritikus pendidikan Inggris menghargai kejujuran Shakespeare yang hidup. Di Jerman, Shakespeare diangkat ke ketinggian yang tidak dapat dicapai oleh J. Herder dan Goethe (sketsa Goethe “Shakespeare and the End of Him,” 1813-1816). Pada masa romantisme, pemahaman terhadap karya Shakespeare diperdalam oleh G. Hegel, S. T. Coleridge, Stendhal, dan V. Hugo.

Di Rusia, Shakespeare pertama kali disebutkan pada tahun 1748 oleh A.P. Sumarokov, namun bahkan pada paruh kedua abad ke-18, Shakespeare masih kurang dikenal di Rusia. Shakespeare menjadi fakta budaya Rusia pada paruh pertama abad ke-19: penulis yang terkait dengan gerakan Desembris (V.K. Kuchelbecker, K.F. Ryleev, A.S. Griboedov, A.A. Bestuzhev, dll.) menoleh padanya, A. S. Pushkin, yang melihat yang utama keunggulan Shakespeare dalam objektivitasnya, kebenaran karakter dan “penggambaran waktu yang sebenarnya” dan mengembangkan tradisi Shakespeare dalam tragedi “Boris Godunov”. Dalam perjuangan realisme dalam sastra Rusia, V.G. Belinsky juga mengandalkan Shakespeare. Pentingnya Shakespeare khususnya meningkat pada 30-50an abad ke-19. Dengan memproyeksikan gambaran Shakespeare ke zaman modern, A. I. Herzen, I. A. Goncharov, dan lainnya membantu untuk lebih memahami tragedi zaman itu. Peristiwa penting adalah produksi “Hamlet” yang diterjemahkan oleh N. A. Polevoy (1837) dengan P. S. Mochalov (Moskow) dan V. A. Karatygin (St. Petersburg) sebagai peran utama. Dalam tragedi Hamlet, V.G. Belinsky dan orang-orang progresif lainnya pada zamannya melihat tragedi generasi mereka. Gambaran Hamlet menarik perhatian I. S. Turgenev, yang melihat dalam dirinya ciri-ciri "orang-orang yang berlebihan" (artikel "Hamlet dan Don Quixote", 1860), F. M. Dostoevsky.

Sejalan dengan pemahaman tentang karya Shakespeare di Rusia, pengenalan terhadap karya Shakespeare sendiri semakin dalam dan meluas. Pada abad ke-18 dan awal abad ke-19, sebagian besar adaptasi Shakespeare dalam bahasa Prancis diterjemahkan. Terjemahan pada paruh pertama abad ke-19 bersalah atas literalisme (Hamlet, diterjemahkan oleh M. Vronchenko, 1828) atau kebebasan berlebihan (Hamlet, diterjemahkan oleh Polevoy). Pada tahun 1840-1860, terjemahan oleh A.V. Druzhinin, A.A. Grigoriev, P.I. Weinberg dan lain-lain mengungkapkan upaya pendekatan ilmiah untuk memecahkan masalah penerjemahan sastra (prinsip kecukupan linguistik, dll). Pada tahun 1865-1868, diedit oleh N.V. Gerbel, “Koleksi Lengkap Karya Drama Shakespeare yang Diterjemahkan oleh Penulis Rusia” pertama diterbitkan. Pada tahun 1902-1904, di bawah redaksi S. A. Vengerov, Karya Lengkap Shakespeare pra-revolusioner kedua diterbitkan.

Tradisi pemikiran maju Rusia dilanjutkan dan dikembangkan oleh studi Shakespeare Soviet berdasarkan generalisasi mendalam yang dibuat oleh K. Marx dan F. Engels. Pada awal tahun 20-an, ceramah tentang Shakespeare diberikan oleh A. V. Lunacharsky. Aspek sejarah seni dalam mempelajari warisan Shakespeare mengemuka (V.K. Muller, I.A. Aksyonov). Monograf sejarah dan sastra (A. A. Smirnov) dan karya-karya bermasalah individu (M. M. Morozov) muncul. Kontribusi signifikan terhadap beasiswa modern tentang Shakespeare dibuat oleh karya-karya A. A. Anikst, N. Ya. Sutradara film G. M. Kozintsev dan S. I. Yutkevich menafsirkan sifat karya Shakespeare dengan cara yang unik.

Mengkritik alegori dan metafora yang subur, hiperbola dan perbandingan yang tidak biasa, "kengerian dan lawak, penalaran dan efek" - ciri khas gaya drama Shakespeare, Tolstoy menganggapnya sebagai tanda seni luar biasa, melayani kebutuhan masyarakat "kelas atas" . Pada saat yang sama, Tolstoy menunjukkan banyak keuntungan dari lakon-lakon penulis naskah drama yang hebat itu: "kemampuannya yang luar biasa untuk memimpin adegan-adegan di mana pergerakan perasaan diekspresikan", kualitas panggung yang luar biasa dari lakon-lakonnya, sandiwara asli mereka. Artikel tentang Shakespeare memuat penilaian mendalam Tolstoy tentang konflik dramatis, karakter, perkembangan aksi, bahasa karakter, teknik membangun drama, dll.

Dia berkata: “Jadi saya membiarkan diri saya menyalahkan Shakespeare. Tapi dengan dia, setiap orang bertindak; dan selalu jelas mengapa dia bertindak seperti itu fokus pada esensi drama, tapi sekarang justru sebaliknya.” Tolstoy, yang “menyangkal” Shakespeare, menempatkannya di atas penulis naskah drama - orang-orang sezamannya, yang menciptakan drama “suasana hati”, “teka-teki”, “simbol” yang tidak efektif.

Menyadari bahwa di bawah pengaruh Shakespeare, seluruh drama dunia berkembang, yang tidak memiliki “dasar agama”, Tolstoy mengaitkan “drama teater” miliknya dengan hal tersebut, dan menyatakan bahwa drama tersebut ditulis “secara kebetulan”. Oleh karena itu, kritikus V.V. Stasov, yang dengan antusias menyambut kemunculan drama rakyatnya “The Power of Darkness”, menemukan bahwa drama tersebut ditulis dengan kekuatan Shakespeare.

Pada tahun 1928, berdasarkan kesannya membaca “Hamlet” karya Shakespeare, M. I. Tsvetaeva menulis tiga puisi: “Ophelia to Hamlet,” “Ophelia in Defence of the Queen,” dan “Hamlet’s Dialogue with Conscience.”

Dalam ketiga puisi Marina Tsvetaeva, satu motif dapat dibedakan lebih unggul dari yang lain: motif nafsu. Selain itu, peran pengemban gagasan “hati yang hangat” adalah Ophelia, yang dalam Shakespeare tampil sebagai teladan kebajikan, kemurnian, dan kepolosan. Dia menjadi pembela Ratu Gertrude yang gigih dan bahkan diidentikkan dengan semangat.

Sejak pertengahan 30-an abad ke-19, Shakespeare telah menempati tempat penting dalam repertoar teater Rusia. P. S. Mochalov (Richard III, Othello, Lear, Hamlet), V. A. Karatygin (Hamlet, Lear) adalah pemain peran Shakespeare yang terkenal. Teater Maly Moskow menciptakan sekolah perwujudan teaternya sendiri - kombinasi realisme panggung dengan elemen romansa - pada paruh kedua abad ke-19 - awal abad ke-20, yang menghasilkan penafsir Shakespeare yang luar biasa seperti G. Fedotova, A. Lensky, A. Yuzhin, M. Ermolova . Pada awal abad ke-20, Teater Seni Moskow beralih ke repertoar Shakespeare ("Julius Caesar", 1903, dipentaskan oleh Vl. I. Nemirovich-Danchenko dengan partisipasi K. S. Stanislavsky; "Hamlet", 1911, dipentaskan oleh G .Craig; Caesar dan Hamlet - V.I.Kachalov

Dan juga:

Apakah Shakespeare ada? Penegasan bahwa Shakespeare bukanlah pencipta karya-karya besarnya sudah lama menjadi hal yang lumrah karena minimnya informasi tentang kehidupan penyair. Pada tahun 70-an abad ke-18, muncul hipotesis bahwa penulis drama tersebut bukanlah William Shakespeare, tetapi orang lain yang tidak ingin disebutkan namanya. Selama dua abad perdebatan dan perdebatan, lusinan hipotesis telah diajukan, dan sekarang, mungkin, tidak ada satu pun Shakespeare sezaman yang terkenal yang tidak dianggap sebagai penulis drama brilian. Maria Molchanova memberikan alasan yang mendukung dan menentang isu Shakespeare.

Ada lebih dari selusin pesaing untuk kepenulisan karya Shakespeare.

Keadaan kehidupan penulis drama besar Inggris William Shakespeare relatif sedikit diketahui, karena ia memiliki nasib yang sama dengan sebagian besar penulis lain pada zamannya, yang kepribadiannya tidak terlalu diminati oleh orang-orang sezamannya. Berbicara tentang studi biografi penulis naskah drama, pertama-tama ada baiknya menyoroti sekelompok ilmuwan "non-Stratfordian", yang anggotanya menyangkal kepenulisan aktor Shakespeare dari Stratford dan percaya bahwa ini adalah nama yang digunakan orang lain atau sekelompok orang bersembunyi, dan, kemungkinan besar, aktor asli Shakespeare Dia sendiri yang memberikan izin untuk menggunakan namanya. Penolakan terhadap pandangan tradisional telah diketahui sejak tahun 1848, meskipun tidak ada konsensus di kalangan non-Stratfordian mengenai siapa sebenarnya penulis sebenarnya karya Shakespeare.

Potret William Shakespeare

Para pendukung teori ini percaya bahwa fakta yang diketahui tentang aktor Stratford Shakespeare bertentangan dengan isi dan gaya drama dan puisi Shakespeare. Banyak teori telah dikemukakan mengenai calon yang dituduhkan, dan hingga saat ini ada puluhan teori.

Keluarga Shakespeare buta huruf, dan alih-alih membuat tanda tangan, mereka malah memberi tanda silang

Teater Globe di London, tempat pementasan drama Shakespeare

Kamus leksikal karya William Shakespeare berisi 15 ribu kata berbeda, sedangkan terjemahan bahasa Inggris kontemporer dari King James Bible hanya berisi 5 ribu. Namun, orang-orang sezaman Shakespeare (Marlowe, Johnson, John Donne) juga berasal dari keluarga yang rendah hati (omong-omong, ayah Shakespeare dari Stratford kaya dan merupakan salah satu gubernur kota), tetapi pembelajaran mereka melampaui Shakespeare.

Di antara orang-orang sezamannya, Shakespeare dianggap sebagai penulis otodidak yang berbakat.

Di antara orang-orang sezamannya, Shakespeare sang penulis drama tidak pernah dianggap berpendidikan tinggi, melainkan seorang penulis otodidak yang berbakat secara intuitif.

Ratu Elizabeth I dengan tandu saat prosesi, c. 1601 Robert Peake, abad ke-17.

Potret Francis Bacon

Pesaing lain untuk kepenulisan adalah Edward de Vere, Earl of Oxford. Earl of Oxford ke-17 adalah penyair istana Ratu Elizabeth I dan menjabat sebagai Bendahara Inggris. Puisi-puisinya mirip dengan puisi Shakespeare "Venus dan Adonis". Selain itu, lambang count adalah seekor singa yang gemetar dengan tombak yang patah, dan bangsawan terkenal pada masanya menyadari intrik istana yang tercermin dalam banyak drama Shakespeare.

Edisi Shakespeare berisi pesan rahasia tentang istana Inggris

Potret Edward de Vere

Kandidat lainnya adalah penulis drama kontemporer Shakespeare, Christopher Marlowe. Ada asumsi bahwa ia menciptakan nama samaran "Shakespeare" sehingga setelah kematiannya yang dipalsukan pada tahun 1593 ia dapat terus bekerja sebagai penulis naskah drama.

Potret Christopher Marlowe (1585)

Kandidat lainnya adalah Roger Manners, Earl of Rutland. Di perguruan tinggi, Rutland dijuluki "Spearshaker", dan dia kemudian belajar di Universitas Padua bersama Rosencrantz dan Guildenstern (karakter dalam Hamlet).

Potret Roger Manners

Pesaing terpopuler terakhir adalah William Stanley, Earl of Derby. Kakak laki-lakinya memiliki grup aktingnya sendiri, di mana, menurut beberapa orang, aktor William Shakespeare memulai karirnya.

Dramaturgi baru, yang menggantikan teater Abad Pertengahan - drama misteri, drama moralitas alegoris, dan lelucon rakyat primitif, berkembang secara bertahap.

Pada tahun tiga puluhan abad ke-16, Uskup Bayle, seorang Protestan yang bersemangat, menulis sebuah drama yang ditujukan untuk menentang Katolik. Dia mengilustrasikan pemikirannya dengan contoh dari sejarah Inggris - perjuangan Raja John the Landless (memerintah dari tahun 1199 hingga 1216) melawan Paus. Pada kenyataannya, raja ini adalah orang yang tidak berarti, tetapi dia sangat disayangi oleh uskup Protestan karena dia bermusuhan dengan Paus. Bayle menulis drama moralitas yang mempersonifikasikan kebajikan dan keburukan. Tokoh sentral dalam drama itu disebut Kebajikan. Tapi pada saat yang sama disebut Raja John. Di antara tokoh-tokoh suram yang melambangkan keburukan, salah satunya adalah Kekuasaan yang Direbut Secara Ilegal alias Paus; nama yang lainnya adalah Incitement to Riot, dia juga wakil Paus. "King John" karya Bayle adalah drama unik di mana alegori drama moralitas abad pertengahan lama digabungkan dengan genre sejarah baru, yang kemudian berkembang dalam drama sejarah Shakespeare. Sejarawan sastra membandingkan “King John” karya Bayle dengan kepompong: ia bukan lagi ulat, tetapi belum lagi kupu-kupu.

Pada saat yang sama, pada tahun tiga puluhan abad ke-16, apa yang disebut drama “sekolah” mulai berkembang di Inggris. Disebut demikian karena dibuat di dalam tembok universitas dan sekolah: drama ditulis oleh profesor dan guru, dan dibawakan oleh siswa dan anak sekolah. Namun kita bisa menyebutnya drama “sekolah” dalam artian para penulis drama yang menciptakannya sendiri masih belajar menulis drama dengan mempelajari penulis-penulis kuno dan menirunya. Pada tahun tiga puluhan abad ke-16, komedi pertama dalam bahasa Inggris, “Ralph Royster-Doyster”, ditulis; penulisnya adalah guru terkenal Nicholas Yudl, kepala sekolah Eton School. Pada tahun lima puluhan, tragedi pertama dalam bahasa Inggris, “Gorboduc,” ditulis oleh pengacara terpelajar Sackville dan Norton.

Tapi semua ini hanyalah “sekolah”. Karya-karya dramatis nyata yang penuh kehidupan muncul hanya ketika orang-orang dari universitas - “pemikiran universitas” - mulai memberikan drama mereka kepada aktor profesional. Hal ini terjadi pada tahun delapan puluhan abad ke-16.

Pada tahun 1586, muncul dua drama yang patut mendapat perhatian khusus. Penulis yang pertama adalah Thomas Kyd (yang juga menulis drama pertama tentang Hamlet, yang sayangnya belum sampai kepada kita).

Permainan anak-anak adalah tipikal “tragedi guntur dan darah”, seperti yang mereka katakan saat itu. Judulnya sendiri fasih - “Tragedi Spanyol”. Ini adalah upaya, yang masih primitif, untuk menggambarkan kekuatan perasaan manusia. Sosok Revenge yang mengerikan muncul di panggung, mengingatkan pada gambaran dari drama moralitas kuno. Segera Roh Andrea yang terbunuh keluar, yang, mengeluh tentang para pembunuh keji, memanggil rekannya yang mengerikan. Aksinya dimulai. Pemuda Horatio mencintai gadis cantik Beliimperia, dan dia mencintainya. Namun Balthazar, putra raja Portugis, juga menyukai Beliimperia. Saudara laki-laki Beliimperia, penjahat Lorenzo, berusaha membantu Balthazar. Pada malam yang diterangi cahaya bulan, ketika orang-orang muda, yang sedang duduk di taman, menyatakan cinta mereka satu sama lain, pembunuh bertopeng muncul di panggung dan membunuh Horatio dengan belati. Di panggung Inggris saat itu, mereka suka menggambarkan pembunuhan dan “kengerian” lainnya: sebotol cuka merah ditempatkan di bawah jubah putih sang aktor; belati itu menembus gelembung, dan bintik-bintik merah muncul di jubah putihnya. Setelah menikam Horatio dengan belati, para pembunuh menggantung mayatnya di pohon - rupanya untuk lebih jelas menunjukkan kepada penonton mayat yang berlumuran darah. Beliimperia kemudian dibawa pergi secara paksa oleh para pembunuh. Menanggapi teriakannya, ayah Horatio, Hieronimo tua, berlari keluar - hanya mengenakan kemeja, dengan pedang di tangannya. Melihat mayat putranya tergantung di pohon, dia mengucapkan monolog yang menggelegar, menyerukan balas dendam... Segala sesuatu yang terjadi di atas panggung diamati oleh Balas Dendam dan Roh Andrea yang terbunuh, yang, dengan gembira, menunggu balas dendam, untuk Horatio. pembunuh juga adalah pembunuhnya. Namun Hieronimo tua ragu-ragu: tidak mudah membalas dendam pada putra raja. Orang tua malang itu dengan sedih memikirkan kehidupan. “Oh dunia! - dia berseru. “Bukan, bukan perdamaian, tapi kumpulan kejahatan!” Dia membandingkan dirinya dengan seorang musafir kesepian yang tersesat di malam bersalju... Jiwa Andrea diliputi kecemasan. Dia berbalik ke Balas Dendam, tetapi melihat bahwa dia sedang tidur. "Bangun, Pembalasan!" - dia berseru putus asa. Balas dendam terbangun. Dan kemudian sebuah pemikiran muncul di benak Jeronimo tua. Untuk mencapai tujuannya, ia berencana untuk mementaskan drama tersebut di pengadilan (pembaca telah melihat beberapa kesamaan antara tragedi ini dan Hamlet karya Shakespeare; mari kita ingat sekali lagi bahwa Kid adalah penulis drama pertama tentang Hamlet). Drama tersebut, yang dipentaskan oleh Hieronimo, menampilkan Beliimperia, yang diinisiasi ke dalam rencananya, serta Balthasar dan Lorenzo. Seiring berjalannya permainan, karakter harus saling membunuh. Hieronimo Tua mengaturnya sedemikian rupa sehingga alih-alih pembunuhan “teatrikal”, yang terjadi adalah pembunuhan sungguhan. Pertunjukan berakhir, tetapi para aktor tidak bangkit dari tanah. Raja Spanyol menuntut penjelasan dari Hieronimo. Hieronimo menolak menjawab dan, untuk mengkonfirmasi penolakannya, menggigit lidahnya dan meludahkannya. Kemudian raja memerintahkan dia untuk memberinya pena agar dia bisa menulis penjelasan. Hieronimo meminta dengan tanda untuk memberinya pisau untuk mengasah pena, dan menusuk dirinya sendiri dengan pisau ini. Balas dendam yang penuh kegembiraan muncul di atas tumpukan mayat berdarah, yang menunjukkan bahwa pembalasan yang sebenarnya belum datang: itu dimulai di neraka.

Segala sesuatu dalam drama ini sepenuhnya teatrikal, konvensional, dan melodramatis. “Tragedi Spanyol” karya Thomas Kyd adalah nenek moyang gerakan “romantis” dalam dramaturgi era Shakespeare, yang memunculkan tragedi-tragedi seperti, misalnya, “Iblis Putih” atau “The Duchess of Malfi” karya Shakespeare. Webster kontemporer.

Juga pada tahun 1586, sebuah drama dengan jenis yang sama sekali berbeda ditulis. Judulnya adalah “Arden Kota Feversham” (penulisnya tidak kami ketahui). Ini adalah drama dari kehidupan keluarga. Ini menceritakan bagaimana seorang wanita muda, Alice Arden, dan kekasihnya, Moseby, membunuh suami Alice. Pembunuhan itu sendiri digambarkan dengan kekuatan yang besar, ketika Alice mencoba dengan sia-sia untuk menghilangkan noda darah (motif ini dikembangkan dengan kekuatan yang luar biasa oleh Shakespeare dalam adegan terkenal di mana Lady Macbeth mengembara, setengah tertidur, diliputi oleh kenangan). Segala sesuatu dalam drama ini penting dan realistis. Dan plotnya sendiri dipinjam oleh penulis dari kehidupan nyata. Pada bagian epilog, penulis meminta penonton untuk memaafkannya karena tidak ada “dekorasi” dalam lakon tersebut. Menurut penulisnya, “kebenaran sederhana” sudah cukup untuk seni. Drama ini dapat disebut sebagai nenek moyang gerakan tersebut dalam drama era Shakespeare, yang berusaha menggambarkan kehidupan sehari-hari, seperti drama indah Thomas Heywood “A Woman Killed by Kindness.” Karya Shakespeare menggabungkan kedua gerakan - romantis dan realistis.

Ini adalah prolognya. Peristiwa nyata diawali dengan kemunculan lakon Christopher Marlowe di panggung London. Marlowe lahir, seperti Shakespeare, pada tahun 1564 dan hanya dua bulan lebih tua darinya. Tanah air Marlowe adalah kota kuno Canterbury. Ayah Christopher Marlowe memiliki toko sepatu. Orang tuanya mengirim putra mereka ke Universitas Cambridge, berharap menjadikannya seorang pendeta. Namun, setelah lulus dari universitas, Marlowe, alih-alih di altar gereja, malah mendapati dirinya berada di panggung panggung London. Tapi dia tidak ditakdirkan untuk menjadi seorang aktor. Menurut legenda, kakinya patah dan harus berhenti berakting. Kemudian dia mulai menulis drama. Epik megahnya dalam dua bagian dan sepuluh babak, Tamerlane the Great, muncul pada tahun 1587–1588. Dalam epik ini, Marlowe bercerita tentang kehidupan, perang, dan kematian komandan terkenal abad ke-14.

"Gembala Scythian", "perampok dari Volga" disebut Tamerlane dalam drama Marlowe oleh raja-raja timur, yang ia gulingkan dari takhta, merebut kerajaan mereka. Pasukan Tamerlane, menurut Marlowe, terdiri dari "orang-orang desa yang sederhana". Marlowe menggambarkan Tamerlane sebagai raksasa berotot. Ini adalah pria dengan kekuatan fisik yang fenomenal, kemauan yang tidak dapat dihancurkan, dan temperamen spontan. Hal ini mengingatkan pada sosok perkasa yang diciptakan oleh pahat Michelangelo. Motif mengagungkan kehidupan duniawi, yang menjadi ciri khas Renaisans, terdengar lantang dalam epik dramatis yang megah ini; kata-kata terdengar dari panggung: “Menurutku kenikmatan surgawi tidak bisa dibandingkan dengan kenikmatan kerajaan di bumi!”

Tamerlane, seperti Marlowe sendiri, adalah seorang pemikir bebas yang bersemangat. Dalam salah satu monolognya yang menggelegar, dia mengatakan bahwa tujuan manusia adalah “untuk selamanya mencapai pengetahuan yang tak terbatas dan terus bergerak, seperti bola langit yang tak pernah berhenti.” Pahlawan luar biasa ini penuh dengan kekuatan berlebih. Dia naik ke atas panggung dengan kereta, yang, bukannya kuda, dimanfaatkan untuk raja-raja yang telah dia tangkap. “Hei, kamu orang Asia yang manja!” - dia berteriak, mendesak mereka dengan cambuknya.

Drama Marlowe berikutnya adalah Sejarah Tragis Dokter Faustus. Ini adalah adaptasi dramatis pertama dari legenda terkenal tersebut. Drama Marlowe mencerminkan keinginan manusia untuk menaklukkan kekuatan alam, yang merupakan ciri khas Renaisans. Faust menjual jiwanya kepada Mephistopheles untuk "mendapatkan hadiah emas berupa pengetahuan" dan "menembus perbendaharaan alam". Dia bermimpi mengelilingi kampung halamannya dengan tembok tembaga dan membuatnya tidak dapat diakses oleh musuh, mengubah aliran sungai, membangun jembatan melintasi Samudra Atlantik, mengisi Gibraltar dan menghubungkan Eropa dan Afrika menjadi satu benua... “Betapa megahnya ini saja!” - kata Goethe, yang menggunakan beberapa ciri tragedi Marlowe untuk Faust-nya.

Ruang lingkup fantasi yang luas, tekanan kuat dari kekuatan yang tampaknya nyaris tidak terkendali menjadi ciri karya Marlowe. “Ayat Marlowe yang kuat,” tulis Ben Jonson. Shakespeare juga berbicara tentang “perkataan kuat” Marlowe.

Kaum Puritan, yang menciptakan kode moralitas borjuis baru, marah pada pemikir bebas yang bersemangat yang secara terbuka mengkhotbahkan pandangannya. Satu demi satu, kecaman datang ke Dewan Penasihat Ratu. Dan bahkan masyarakat awam, meskipun drama Marlowe menikmati kesuksesan besar di antara mereka, terkadang melihat apa yang terjadi di atas panggung bukan tanpa rasa takut takhayul. Bahkan ada rumor seperti itu di London. Suatu hari, usai pementasan Faust, ternyata aktor pemeran Mephistopheles itu sakit-sakitan dan tidak berangkat ke teater. Lalu siapa yang memerankan Mephistopheles pada hari ini? Para aktor bergegas ke ruang kostum, dan baru kemudian mereka menyadari dari bau belerang bahwa iblis sendiri sedang tampil di panggung London hari itu.

Marlowe menulis beberapa drama lagi (drama terbaiknya dalam hal kejelasan potret manusia yang ia ciptakan adalah kronik sejarah “Raja Edward II”). Namun bakatnya yang luar biasa tidak ditakdirkan untuk berkembang secara maksimal. Pada tanggal 30 Mei 1593, Christopher Marlowe, pada usianya yang ketiga puluh, dibunuh di sebuah kedai minuman. Kaum Puritan bersukacita. “Tuhan telah menempatkan anjing yang menggonggong ini pada kaitan pembalasan,” tulis salah satu dari mereka.

Banyak legenda berkembang seputar kematian Marlowe. Beberapa legenda mengatakan bahwa Marlowe meninggal dalam perkelahian dalam keadaan mabuk, bertengkar dengan pembunuhnya karena seorang pelacur; yang lain - bahwa dia jatuh membela kehormatan seorang gadis yang tidak bersalah. Legenda-legenda ini dianggap serius hingga saat ini. Dan baru pada tahun 1925, profesor Amerika Leslie Hotson berhasil menemukan dokumen dalam arsip Inggris yang memberikan pencerahan baru tentang keadaan kematian Marlowe (penemuan Hotson diuraikan dalam bukunya: Leslie Hotson. The Death of Christopher Marlowe, 1925). Dan ternyata pembunuhan Marlowe adalah ulah Dewan Penasihat Ratu Elizabeth; Selama pembunuhan Marlowe, ada Fields, agen Dewan Penasihat, yang hadir.

Beginilah cara “bapak drama Inggris” Christopher Marlowe meninggal tanpa mengungkapkan sepenuhnya kekuatan kreatifnya. Dan tepat di tahun yang sama ketika bintangnya terbenam, menyala dengan kecemerlangan yang terang, penuh gairah, dan tidak merata, bintang William Shakespeare mulai muncul di langit teater London. Berbeda dengan para pendahulunya, yang merupakan orang-orang yang mengenyam pendidikan di universitas, “pemikiran universitas”, penulis drama baru ini adalah seorang aktor yang sederhana.

Kami hanya menyebutkan beberapa pendahulu Shakespeare. Faktanya, Shakespeare banyak memanfaatkan seluruh sastra masa lalu di tanah airnya. Dia banyak meminjam dari Chaucer (misalnya, puisi Shakespeare "Lucretia" dengan akar plotnya membawa kita ke karya Chaucer "Legends of Good Women"; gambar Theseus dan Hippolyta dalam komedi "A Midsummer Night's Dream" mungkin terinspirasi oleh "The Knight's Tale" dari "Canterbury Tales" karya Chaucer yang terkenal; puisi Chaucer "Troilus and Cressida" memengaruhi komedi Shakespeare dengan nama yang sama, dll.). Shakespeare berhutang banyak kepada Edmund Spenser, penulis puisi “The Faerie Queene,” dan penyair lain di sekolahnya. Dari "Arcadia" oleh Philip Sidney, Shakespeare meminjam plot, yang ia wujudkan dalam gambar Gloucester, dikhianati oleh putranya Edmund ("King Lear") - Shakespeare juga memberi penghormatan kepada euhuisme. Terakhir, di antara para pendahulu Shakespeare, narator balada rakyat Inggris yang tidak disebutkan namanya harus disebutkan. Dalam balada rakyat Inggris itulah drama aksi tragis itu, yang merupakan ciri khas karya Shakespeare dan orang-orang sezamannya, berasal. Banyak pemikiran dan perasaan yang telah lama ada di masyarakat dan tercermin dalam balada dan lagu daerah, menemukan perwujudan artistik yang cemerlang dalam karya Shakespeare. Akar kreativitas ini mengakar jauh ke dalam tanah rakyat.

Dari karya sastra asing, Shakespeare terutama dipengaruhi oleh cerita pendek Italia karya Boccaccio dan Bandello, yang darinya Shakespeare meminjam sejumlah plot untuk dramanya. Kumpulan cerita pendek Italia dan Prancis yang diterjemahkan ke dalam bahasa Inggris dengan judul “The Chamber of Pleasures” menjadi buku referensi Shakespeare. Untuk "Tragedi Romawi" (Julius Caesar, Coriolanus, Antony, dan Cleopatra), Shakespeare mengambil plot dari Lives of Famous Men karya Plutarch, yang ia baca dalam terjemahan bahasa Inggris North. Buku favoritnya juga termasuk Metamorphoses karya Ovid dalam terjemahan bahasa Inggris Golding.

Karya Shakespeare telah disiapkan oleh banyak penyair, penulis, dan penerjemah.

Marlo Christopher

(Marlow) - penulis drama Inggris paling terkenal sebelum Shakespeare (1564-1593). Seorang pria miskin, putra seorang pembuat sepatu, ia menerima pendidikan awalnya di Canterbury dan pada usia 16 tahun masuk Universitas Cambridge. Pada tahun 1583 ia lulus dari Universitas dengan gelar sarjana dan pergi ke London untuk mencari peruntungan. Ada kabar bahwa sebelum bertindak sebagai penulis drama, dia adalah seorang aktor, namun kakinya patah dan harus meninggalkan karir panggungnya selamanya. Saat tinggal di London, M. berkenalan dengan penyair dan penulis naskah drama dan kurang lebih bersahabat dengan Greene, Chapman, Sir Walter Rayleigh dan Thomas Ours, yang dengannya mereka menulis tragedi “Dido.” Pada tahun 1587, Marlowe menerima gelar Master of Arts dari Cambridge dan melancarkan tragedi pertamanya, Tamerlane. Dari dua gaya seni drama yang dominan pada masanya, klasik dan folk, Marlowe memilih gaya terakhir untuk mengubahnya. Sebelum M., drama rakyat merupakan pergantian peristiwa berdarah dan episode badut, di mana badut bahkan diperbolehkan berimprovisasi. Sudah di prolog Tamerlane, kita dapat melihat niat sadar penulis untuk membuka jalan baru bagi seni dramatis, untuk menarik minat publik pada penggambaran peristiwa sejarah dunia, gambaran jatuhnya kerajaan dan masyarakat. Selain itu, Marlowe adalah orang pertama yang berupaya menempatkan tindakan atas dasar psikologis, memahaminya dengan motif internal. Dalam pribadi Tamerlane, dia memunculkan tipe orang yang ambisius, membara dengan rasa haus yang tak terpuaskan akan kekuasaan; kesatuan tragedi ini terletak pada kenyataan bahwa semua orang dihubungkan dengan sifat tragis penakluk timur, bangkit dan binasa melaluinya. M. mengikuti cara psikologis yang sama dalam karyanya yang lain. Pahlawan drama lain karya M., Faust, (1588), tidak puas dengan sains abad pertengahan, ingin, dengan bantuan sihir, menembus rahasia alam; tidak puas dengan resep asketisme abad pertengahan, ia merana karena kehausan akan kehidupan dan kesenangannya yang menjadi ciri khas manusia Renaisans - dan demi kepuasan dua aspirasi ini ia rela menyerahkan jiwanya kepada iblis. - Motif psikologis yang mendasari drama ketiga Marlowe, The Jew of Malta (1589-1590), adalah kehausan orang Yahudi untuk membalas dendam pada orang Kristen atas semua ketidakadilan dan penindasan yang dialami rekan senegaranya selama berabad-abad oleh orang Kristen. Tugas M. adalah menggambarkan pengerasan bertahap dan kebiadaban moral seseorang di bawah pengaruh penganiayaan dan ketidakadilan yang menimpanya. Kesalahan penulis naskah drama Inggris adalah bahwa pahlawan dalam drama tersebut tidak sepenuhnya menanggung peran sebagai pembalas yang tak terhindarkan bagi rakyatnya dan pada tindakan terakhir membiarkan dirinya terbawa oleh kepentingan pribadi. Karya Marlowe yang paling matang adalah kronik dramatisnya Edward II, yang menjadi model bagi Richard II karya Shakespeare. Dan dalam jenis pekerjaan ini dia adalah seorang reformis seperti halnya pekerjaan-pekerjaan lainnya. Sebelum Edward II, drama sejarah nasional, dengan sedikit pengecualian, tidak lebih dari kronik yang diubah menjadi bentuk dialogis. Berbeda dengan para penulis karya-karya tersebut, M. memperlakukan materinya seperti seorang seniman sejati: ia mengambil apa yang ia butuhkan untuk tujuan dramatisnya, membuang apa yang tidak perlu, mengungkap motif internal tindakan para tokoh, dan menciptakan karakter utuh darinya. petunjuk yang tidak jelas. Berkat teknik-teknik seperti itu, yang mengungkapkan seorang seniman sejati di Marlowe, kronik dramatis berubah menjadi drama sejarah nyata, dengan motif internal yang benar dan bermakna untuk pengembangan tindakan, dengan situasi dramatis yang penuh syukur dan karakter yang diuraikan dengan sangat baik. Reformasi drama Inggris yang digagas oleh M. sangat difasilitasi oleh meteran puisi yang diperkenalkannya, yang benar-benar mengubah diksi dramatis. Penggantian rima dengan bait kosong sangat penting dalam sejarah perkembangan drama Inggris. Sajak wajib, seperti dapat dilihat pada contoh yang disebut dalam bahasa Prancis. Tragedi klasik palsu, yang membatasi imajinasi penyair, memaksanya mengorbankan pemikiran untuk terbentuk di setiap langkah, sementara pentameter iambik putih fleksibel dan halus yang diperkenalkan oleh M. segera memberikan bahasa Inggris. kealamian drama rakyat, kesederhanaan dan kebebasan. Karier dramatis M. yang cemerlang terputus dengan cara yang paling tragis. Saat dia berada di Depford, sebuah kota kecil di Sungai Thames, dia bertengkar di sebuah kedai minuman, saat makan malam, dengan teman minumnya, Archer. M. yang pemarah mengeluarkan belati dan menyerbu ke arah Archer, yang menangkis pukulan itu dan mengarahkan belati M. ke matanya sendiri. Penyair itu meninggal beberapa jam kemudian, dalam penderitaan yang luar biasa. Jika kita memperhitungkan bahwa Marlowe meninggal sebelum mencapai usia tiga puluh tahun, pada usia ketika Shakespeare belum menulis satu pun karya besarnya, maka orang pasti akan terkejut dengan kekuatan kejeniusannya dan fakta bahwa dalam waktu singkat dia akan terkejut. berhasil mencapai banyak hal untuk perkembangan drama Inggris. Tanpa berlebihan kita dapat mengatakan bahwa dia sendiri yang membuka jalan bagi Shakespeare.

Ringkasan informasi tentang Malo dapat ditemukan dalam buku N. Storozhenko, “Shakespeare’s Predecessors,” dan dalam “The History of General Literature” edisi ke-20 oleh Korsh dan Kirpichnikov. Lihat juga Ward, "Sastra Drama Inggris" ( T . saya, 1875); Saintsbury,"Sastra Elizabeth" ( L ., 1887); Symonds, "Pendahulu Shakespeare" (1884); Ulrici, "Dramatische Kunst karya Shakespeare" (1- kamu t .); Fiscker, "Zur Charakteristik der Dramen Marlowe" ( LPC ., 1889); Heinemann, "Esai Menuju Bibliografi Fauslus Marlowe" ( L ., 1884); Faligan, "De Marlowianis Fabulis" ( P ., 1888); Kellner, "Zur Sprache Christopher Marlowe" ( Wina, 1888). Karya M. diterbitkan berkali-kali; edisi terbaiknya adalah milik Deys ("Marlowe's Works", L., 1850). Dalam bahasa Rusia ada terjemahan Faust yang dibuat oleh Minaev - terlalu bebas ("Delo", 1876, Mei), dan terjemahan Edward II yang sangat memuaskan. , dimiliki oleh Ny. Radislavskaya (majalah "Art" tahun 1885). Isi "The Jew of Malta" disajikan dengan sangat menyeluruh dan dengan banyak kutipan dalam artikel Uvarov tentang M. ("Rusia Word", 1859, Nos. 2 dan 3).