Lukisan Rothko adalah yang paling mahal. Lukisan termahal di dunia

Hari ini kita akan berbicara tentang keindahan - tentang seni dalam istilah moneter: tentang lukisan termahal. Seringkali benda seni yang paling mahal pada pandangan pertama tidak seindah harganya, atau mereka menggambarkan sesuatu... yang tidak dapat dipahami oleh manusia biasa.

Hal ini juga patut dipertimbangkan - lukisan termahal di dunia tidak untuk dijual, melainkan ada di museum negara.

Dalam foto adalah lukisan Leonardo Da Vinci "Mona Lisa" (1503)

Misalnya lukisan karya Leonardo Da Vinci tidak termasuk dalam koleksi pribadi, namun jika dijual, harganya akan lebih tinggi dari lukisan koleksi pribadi yang tercantum dalam pemeringkatan.

Jadi, “daftar lukisan termahal hanya mencakup karya yang dijual pada abad 20-21.”

Menurut data penjualan tertutup, lukisan termahal - “Kapan pernikahannya?”, 1892, oleh Paul Gauguin, milik keluarga Rudolf Stechlin dan pada tahun 2015 dijual ke Departemen Museum Qatar seharga (!!!) 300 juta dolar!

Foto tersebut menunjukkan lukisan Paul Gauguin “Kapan pernikahannya?”

Paul Gauguin memiliki satu lukisan dalam daftar termahal, tetapi lukisan itu menempati urutan pertama.

Lukisan itu dilukis oleh penulisnya di pulau Tahiti, tempat Gauguin menetap, melarikan diri dari hiruk pikuk dunia dan keluarga mantan, menikahi seorang gadis muda berkulit gelap berusia tiga belas tahun dari suku setempat - menurut versi resmi, gambar di latar depan menggambarkan gadis ini dengan tepat. Ketenaran datang kepada artis hanya setelah kematian...

Pablo Picasso mungkin adalah seniman lukisan termahal paling populer saat ini. Dalam daftar lukisan termahal (2016) ada 6 buah karyanya.

Menurut penjualan terbuka, lukisan termahal adalah “Wanita Aljazair” (versi O) karya Pablo Picasso. Juara 1 berdasarkan hasil penjualan terbuka. Dijual seharga $179,3 juta pada Mei 2015. “Mantan Perdana Menteri Qatar Hamad bin Jassim bin Jaber Al Thani membayar sejumlah uang untuk itu.” Secara umum, ada 15 lukisan dalam seri “Wanita Aljazair”.

Dalam foto tersebut adalah lukisan Pablo Picasso “Wanita Aljazair” (versi O)

Pablo Picasso juga disebut sebagai seniman termahal, karena menurut standar tahun 2006 dan hanya menurut penjualan resmi, dana karyanya berjumlah $262 juta. Namun saat ini bahkan 6 lukisannya yang masuk dalam daftar memiliki total dana lebih dari 650 juta dolar.

foto- “Pendiri kubisme (bersama dengan Georges Braque dan Juan Gris), di mana tubuh tiga dimensi digambar dengan cara yang orisinal sebagai serangkaian bidang yang digabungkan menjadi satu. Picasso banyak bekerja sebagai seniman grafis, pematung, pembuat keramik, dll.”. Picasso menciptakan lebih dari 20 ribu karya semasa hidupnya.

Karyanya yang lain menduduki peringkat tinggi dalam daftar lukisan termahal - “Nude, Green Leaves and Bust”, 1932, Pablo Picasso, dijual seharga $106,5 pada Mei 2010.

Foto tersebut menunjukkan lukisan Pablo Picasso “Nude, Green Leaves and Bust”

Lukisan tersebut menggambarkan wanita simpanan Picasso yang ia lukis secara sembunyi-sembunyi dari istrinya (walaupun sejujurnya tidak mudah untuk mengenali wanita simpanan atau bukan wanita simpanan dalam karya ini, karena memang di semua karya seniman sulit untuk mengetahuinya. siapa sebenarnya yang dia lukis).

Tempat ke-4 berdasarkan hasil penjualan tertutup:

Mimpi, 1932, Pablo Picasso. Lukisan itu dijual pada tahun 2013 seharga $155 juta.

Dalam foto adalah lukisan Pablo Picasso "The Dream"

"Boy with a Pipe", 1905, Pablo Picasso - dijual pada tahun 2004 seharga $104 juta.

Foto tersebut memperlihatkan lukisan Pablo Picasso “Boy with a Pipe”

"Dora Maar with a Cat", 1941, Pablo Picasso - terjual seharga $95 juta pada tahun 2006

di foto tersebut adalah lukisan karya Pablo Picasso “Dora Maar dengan kucing”

“Bust of a Woman (Woman in a Hairnet)”, 1938, Pablo Picasso – terjual pada akhir tahun 2015 seharga $67 juta

Dalam foto tersebut adalah lukisan karya Pablo Picasso “Bust of a Woman”

Seniman berikutnya yang mendapat tempat bangga dalam daftar pencipta lukisan termahal adalah Paul Cézanne

Lukisannya “Pemain Kartu” (lukisan ke-3 dari seri 5 lukisan) dibeli oleh otoritas Karat untuk museum nasional pada tahun 2011 seharga $250 juta. Saat itu lukisan itu adalah lukisan termahal. Tempat kedua menurut hasil penjualan tertutup tahun 2016.

Gambar adalah lukisan ke-3 dalam seri “Pemain Kartu” (1892-1893) oleh Paul Cézanne

“Paul Cézanne (Paul Cézanne Prancis; 1839-1906) adalah seorang seniman-pelukis Prancis, perwakilan terkemuka pasca-impresionisme.”

Daftar lukisan termahal juga mencakup lukisan karya Cezanne berikut ini:

"Gunung Sainte-Victoire, pemandangan dari hutan di Chateau Noir", 1904, Paul Cézanne, dijual pada tahun 2012 seharga $100 juta

Dalam foto tersebut terdapat lukisan karya Paul Cézanne “Gunung Sainte-Victoire, pemandangan dari hutan di Chateau Noir”

Foto tersebut menunjukkan lukisan karya Paul Cézanne

“Still Life with Jug and Drapery”, lukisan itu terjual seharga $60,5 juta pada tahun 1999.

Lain artis yang luar biasa yang lukisannya masuk daftar termahal adalah Mark Rothko. Mark Rothko adalah seniman Amerika, perwakilan terkemuka ekspresionisme abstrak, salah satu pencipta lukisan bidang warna. "Mark Rothko adalah salah satu seniman Amerika paling terkenal dan berpengaruh pada paruh kedua abad ke-20 dan tokoh kunci dalam ekspresionisme abstrak pascaperang."

Di Rusia, pameran karya Rothko pertama kali diadakan pada tahun 2003 di State Hermitage Museum, dan bertepatan dengan peringatan 100 tahun kelahiran sang seniman.

Pada bulan Agustus 2014, lukisan Mark Rothko “No. 6 (Violet, Green and Red)” terjual seharga $186 juta.

Dalam foto tersebut ada lukisan karya Mark Rothko “Violet, Green and Red” (No. 6)

Yang juga berada di peringkat 10 menurut hasil lelang umum adalah lukisan Rothko “Oranye, Merah, Kuning”, 1961, terjual seharga $87,6 juta pada tahun 2012.

Foto tersebut menunjukkan lukisan karya Mark Rothko “Oranye, Merah, Kuning”

Lukisan “No. 10” (1961) karya Marco Rothko terjual seharga $81,9 juta pada tahun 2015.

Di foto tersebut ada lukisan karya Mark Rothko “No.

Dalam foto adalah lukisan Rothko "No. 1 (Royal Red and Blue)", 1954 - terjual seharga $75,1 juta pada tahun 2012.

Dalam foto adalah "Pusat Putih (Kuning, Merah Muda dan Ungu di Atas Merah Muda)", 1950, dijual seharga 72,8 pada tahun 2007.

Dalam foto adalah Rothko's Untitled, 1952, yang terjual seharga $66,2 juta pada tahun 2012.

Sang seniman terutama menciptakan karya lukisan bidang warna abstrak, meski ada juga potret. Seperti yang dikatakan para pakar seni: “Lukisan ekspresif Mark Rothko memiliki kualitas mistis - menurut banyak pemirsa, lukisan tersebut, jika dilihat dengan jarak dekat(dan inilah yang ditekankan oleh sang seniman sendiri), sebut mereka emosi yang kuat- perasaan kesepian atau ketakutan yang meningkat, sampai-sampai orang yang sensitif bisa menangis ketika berdiri di depannya.”

Artis terkenal lainnya - Amedeo Modigliani. Ia melukis beberapa lukisan yang dianggap termahal di dunia.

“Amedeo (Iedidia) Clemente Modigliani, 12 Juli 1884, Livorno, Kerajaan Italia - 24 Januari 1920, Paris, Republik Ketiga Prancis - Artis Italia dan seorang pematung, salah satu seniman paling terkenal di akhir abad ke-19 - awal abad ke-20, perwakilan dari ekspresionisme.”

Dalam gambar adalah lukisan “Reclining Nude”

Kedua dalam daftar lukisan termahal menurut lelang terbuka: “Reclining Nude”, 1917-1918, terjual seharga 170,4 pada akhir tahun 2015.

Lukisan Nude Seated on a Sofa, 1917, terjual seharga $69 juta pada akhir tahun 2010.

Reclining Nude with Blue Cushion, 1917, terjual seharga $118 juta pada tahun 2012.

Artis terkenal berikutnya yang lukisannya masuk dalam daftar lukisan termahal: Vincent van Gogh

"Vincent Willem van Gogh (30 Maret 1853, Grote Zundert, dekat Breda, Belanda - 29 Juli 1890, Auvers-sur-Oise, Prancis) adalah seorang seniman pasca-impresionis Belanda yang karyanya mempunyai pengaruh abadi pada lukisan abad ke-20."

“Bersama dengan karya Pablo Picasso, karya Van Gogh termasuk lukisan termahal yang pernah dijual di dunia, menurut perkiraan lelang dan penjualan pribadi. Yang terjual lebih dari 100 juta (setara tahun 2011) antara lain: "Potret Dokter Gachet", "Potret Tukang Pos Joseph Roulin" dan "Iris".

Potret Dr. Gachet, 1890, terjual seharga $82,5 juta pada tahun 1990.

Potret Artis Tanpa Jenggot, 1889, dijual seharga 71,5 pada tahun 1998.

Alicamp, 1888, dijual seharga $66,3 juta pada tahun 2015.

Van Gogh menjalani kehidupan yang singkat dan tidak bahagia, terombang-ambing antara keinginan menjadi pendeta, memiliki kehidupan pribadi, hingga menjadi gila, hingga hidup bersama orang miskin... Kehidupannya sendiri menjadi bahan kajian bagi banyak orang. . Yang berharga dalam lukisannya bukanlah teknis pelaksanaannya, melainkan nama pengarangnya, yang ketenarannya, sebagaimana layaknya para genius sejati, muncul setelah kematian.

“Francis Bacon (Bahasa Inggris Francis Bacon; 28 Oktober 1909, Dublin - 28 April 1992, Madrid) adalah seniman ekspresionis Inggris, ahli lukisan figuratif. Tema utama karyanya adalah tubuh manusia - terdistorsi, memanjang, tertutup bentuk geometris, dengan latar belakang tanpa objek.”

Francis Bacon memiliki 3 lukisan dalam daftar termahal:

Juara 3 menurut hasil lelang terbuka: “Tiga sketsa potret Lucian Freud - triptych, 1969, terjual seharga 142,4 pada tahun 2013.

Dalam foto adalah lukisan "Triptych", 1976, terjual seharga $86,281 juta pada tahun 2008.

Dalam foto adalah lukisan “Tiga Studi untuk Potret John Edwards - Triptych”, 1984, terjual seharga $80,8 juta pada tahun 2014.

Tentu saja, Anda tidak bisa membicarakan artis seperti Edvard Munch, Claude Monet, Willem de Kooning.

Dalam foto tersebut, lukisan Munch “The Scream” (1893-1910) merupakan lukisan termahal ke-4 saat ini dan termahal menurut standar tahun 2012 (penjualan terbuka), terjual seharga $119 juta.

Ada 4 versi lukisan “The Scream”, seniman sendiri yang memperbanyaknya beberapa kali... Seorang pria putus asa dalam posisi janin, menutupi wajahnya dengan tangan dengan latar belakang awan yang menebal dan ombak yang dibanjiri cahaya dan depresi - disukai banyak orang karena keakuratan penyampaian emosi melalui gambar. Jeritan itu ada di mana-mana - di kontur langit yang terulang seperti kepala yang ditutupi tangan seorang screamer, di garis tubuh yang terdistorsi, di lingkungan yang suram, di orang-orang yang berjalan dengan damai di kejauhan, tidak memperhatikan keputusasaan dan kengerian si penjerit...

Lukisan Munch kerap dicuri oleh pencuri.

Digambarkan di sini, "Pond with Water Lilies" karya Claude Monet terjual seharga $80,5 juta pada tahun 2008.

Woman III karya Willem De Kooning, 1953, terjual seharga $137,5 juta pada tahun 2006.

Kunig, sebagai pecinta kemewahan dan abstraksi, benar-benar menciptakan kreasi yang keindahannya tidak selalu bisa dipahami orang dari luar. Semua lukisannya dari serial Women..., serta lukisan lainnya, tidak terlalu mencerminkan realisme melainkan pemahaman individualistis tentang dunia oleh senimannya sendiri.

Dari Wikipedia: “Di bawah pengaruh “sapuan kuas” yang panik dan impasto pada kanvas de Kooning, sosok perempuan yang kesepian berubah menjadi semacam totem bergambar, terbuka untuk pembacaan Freudian yang radikal.”

Patung Kooning sama ekspresif dan abstraknya dengan lukisannya, misalnya “Sosok Duduk di Bangku” yang terbuat dari perunggu (1972) menyisakan ruang yang luas untuk berpikir dan menebak siapa yang duduk di bangku tersebut.

Secara umum, pernahkah Anda merasa ketika melihat lukisan Kooning, Picasso, dan seniman yang melukis dengan gaya serupa bahwa kreasi tersebut, secara halus, biasa-biasa saja? Tetapi mereka yang berdiri di dekatnya seperti awan, mendesah melihat kedalaman dan kemegahan lukisan, tidak membiarkan hal ini dilakukan, karena Anda dapat dianggap bodoh dengan selera yang buruk, dll. Saya yakinkan Anda bahwa pemikiran seperti itu telah mengunjungi hampir semua orang yang berada di sana. tidak terlalu tenggelam dalam seni, dan ini normal.

Faktanya, saya akui dengan jujur: Saya tidak mengerti Kooning... Saya tidak percaya semua orang memahami Picasso. Atau bidang warna Rothko seharga ratusan juta dolar... Hal ini umumnya tidak mungkin untuk dipahami dengan segera, dan untuk dievaluasi dari awal. Hanya mewarnai di atas kanvas dan itu saja, tetapi orang-orang mengaguminya.. Salvador Dali lebih merupakan seniman filosofis. Kalau melihat lukisan-lukisan yang terakhir dari sudut pandang kenikmatan estetis, isinya sedikit, tetapi esensinya sangat besar, tetapi saya tidak menemukan esensi dalam lukisan Kooning. Tentu saja, ini tidak berarti tidak ada. Secara umum, para seniman ini sulit untuk dipahami..

Banyak dari mereka yang mengalami nasib sulit, baik bunuh diri atau kegilaan... Rothko yang sama, yang melukis kanvas dengan bunga kerajaan yang ideal, di dekatnya orang-orang menangis karena energi khusus, bunuh diri, berada dalam depresi berat.

Tapi Rothko adalah warna "kerajaan" yang murni, yang bodoh jika dinilai dari foto lukisannya di monitor laptop. Tapi tetap saja, yang paling penting yang saya temui dalam karya Rothko, saya menyukai ciptaan “Light Red on Black”, 1957. Hakikat gambar, menurut penulisnya sendiri, adalah “ekspresi sederhana dari pemikiran yang kompleks”. Dari sudut pandang filosofis, ini bijaksana dan ringkas. Yang utama bisa dimengerti.

Foto tersebut menunjukkan lukisan karya M. Rothko “Light Red on Black”, 1957

Ada versi yang jauh lebih indah dari "Kolam Bunga Lili Air" karya Claude Monet yang dilukis oleh seniman tak dikenal. Tapi ada satu TAPI: tidak catchy, tapi versi semrawut berupa bintik-bintik di kanvas, yang dilukis oleh seorang jenius, memang catchy.

Pada saat yang sama, lukisan-lukisan itu mahal dan indah, indah bukan karena kerumitannya, tetapi karena kesederhanaannya, terkadang tidak jauh lebih indah daripada lukisan yang dilukis oleh tangan penulis yang tidak dikenal, tetapi harganya jutaan dolar. Mengapa hal ini terjadi: lukisan karya penulis yang kurang terkenal namun berbakat nilainya kecil, dan tiga titik atau sapuan kuas berwarna merah dengan latar belakang putih karya seniman terkenal bernilai ribuan kali lipat.

Ini tentang nama (seperti halnya - merek, perusahaan), terkadang hanya tentang nama. Mereka tidak menilai lukisan itu sendiri, tetapi pengarangnya. Lalu...apa itu lelang? Orang-orang kaya di dunia ini bersaing untuk mendapatkan hak memiliki sebuah mahakarya kreativitas yang eksklusif... ada yang bersaing di level siapa yang punya mobil paling keren, ada yang punya lukisan Picasso...

Setiap tahun, portal Artprice menerbitkan daftar seniman termahal di dunia, yang karyanya dijual di lelang dengan harga yang mencengangkan. Biasanya, peringkat ini mencantumkan nama-nama pelukis dan pematung terkenal yang harga karyanya mungkin akan membuat Anda pusing. Sepuluh teratas peringkat “Artprcie” mencakup master seperti: Claude Monet, Qi Baishi, Alberto Giacometti dan Jeff Koons. Pada tahun 2014, karya sepuluh seniman dan pematung termahal dijual di lelang dengan harga $2,7 miliar. Karya termahal, patung “Chariot” karya Giacometti, dijual seharga $90 juta. Ingin tahu siapa saja yang masuk dalam lima besar artis termahal di dunia? Baca postingan kami.

10 FOTO

Materi disiapkan dengan dukungan hypermarket kreativitas online http://rosa.ua/catalog/s1161_molberti/ yang menawarkan berbagai pilihan kuda-kuda dari jenis terpopuler.

1. Tempat kelima seniman termahal di dunia ditempati oleh Mark Rothko, seniman Amerika, perwakilan ekspresionisme abstrak, sekaligus pencipta “lukisan bidang warna”. Tahun lalu, karyanya terjual di lelang dengan total $249,2 juta, dan yang termahal dijual seharga $59 juta. (Foto: Getty Images).
2. Lukisan termahal karya Mark Rothko adalah “Oranye, Merah, Kuning” (foto), yang dijual di Christie's pada Mei 2012 seharga $77,5 juta. (Foto: Jeremy Yoder/flickr.com). 3. Gerhard Richter menempati peringkat keempat - dia adalah satu-satunya artis yang masih hidup yang termasuk di antara lima master termahal di dunia. Dia tidak begitu terkejut dengan posisinya yang tinggi di peringkat tersebut, tetapi dengan kreativitasnya, yang umumnya sulit untuk diklasifikasikan. Oleh karena itu, tidak mengherankan jika karyanya sangat populer dan dijual di lelang dengan harga yang semakin mahal. (Foto: Getty Images).
4. Pada tahun 2014, total 258 karya Gerhard Richter terjual dengan nilai total $254,3 juta. Karyanya yang paling mahal adalah lukisan “Abstraktes Bild” tahun 1989 (foto), yang dijual di Christie's pada bulan Februari seharga $28,7 juta.
5. Tempat ketiga artis termahal di dunia ditempati oleh Francis Bacon, seniman otodidak asal Irlandia. Tahun lalu, 122 lukisan terjual seharga $270 juta. (Foto: Getty Images).
6. Lukisan termahal karya Francis Bacon adalah triptych “Tiga Sketsa untuk Potret Lucian Freud” (1969), yang dilelang pada tahun 2013 seharga $142,4 juta. Saat ini merupakan karya seni termahal dalam sejarah pasar lelang. (Foto: Garrett Bithell/flickr.com).
7. Di peringkat kedua artis termahal di dunia adalah Pablo Picasso, yang karyanya terjual tahun lalu seharga $375 juta. (Foto: Getty Images).
8. Karya termahal karya Pablo Picasso dan lukisan termahal ketiga di dunia adalah “Nude, Green Leaves and Bust” (foto) tahun 1932, terjual pada tahun 2010 seharga $106,5 juta. (Foto: James R fauxtoes/flickr.com).
9. Berdasarkan hasil tahun 2014, Andy Warhol menjadi artis termahal di dunia. Lukisannya terjual seharga $569,5 juta. Sebagai perbandingan, seluruh pasar lelang seni Perancis gagal mencapai volume penjualan sebesar itu tahun lalu. (Foto: Getty Images).
10. Pada tahun 2014, lukisan Andy Warhol yang paling mahal adalah “Elvis Triple” (1963), yang terjual di lelang seharga $81,9 juta. (Foto: lar3/flickr.com).

Banyak mahakarya seni lukis yang tidak hanya menjadi khazanah seni, tetapi juga lukisan termahal di dunia. Peringkat karya-karya ini berubah secara berkala, berdasarkan lelang seni. Banyak pecinta seni yang rela merogoh kocek jutaan dolar untuk membeli lukisan karya master ternama. Karya-karya besar ini, terkadang bernilai banyak uang, menghiasi dinding ruang belajar dan kantor, serta rumah-rumah para pengusaha sukses.

Kadang-kadang lukisan yang tampak biasa-biasa saja harganya sangat mahal, dan banyak kolektor swasta yang membelinya satu sama lain, dengan membayar lebih dalam jumlah besar. Saat menilai harga lukisan mahal, inflasi tidak diperhitungkan; daftar tersebut tidak termasuk lukisan milik museum negara.

Daftar lukisan mahal tersebut mencakup karya koleksi pribadi yang dipamerkan untuk dijual pada abad 20 – 21.

Peter Paul Rubens “Pembantaian Orang Tak Bersalah” dibuat pada tahun 1610

Lukisan itu adalah salah satu yang termahal di dunia dan menggambarkan peristiwa alkitabiah ketika, atas perintah Raja Herodes, bayi-bayi dimusnahkan. Kekuatan dan keagungan lukisan karya seniman besar menjadikannya sebuah mahakarya yang unik.

Kanvas tersebut dijual pada tahun 2002 di lelang Sotheby's di London. Itu dibeli oleh David Thompson seharga $77 juta.

Lukisan itu untuk sementara disimpan di Galeri Nasional di London atas perintah kolektor pribadi David Thompson. Pihak museum berharap karya megah Rubens akan dipajang di museum selama tiga tahun ke depan.

Auguste Renoir “Bal di Moulin de la Galette” 1876

Ini memiliki posisi yang menguntungkan di antara lukisan termahal di dunia.

Karya itu dijual seharga $79 juta kepada industrialis kaya Jepang Ryoei Saito (1990). Dia menyatakan keinginannya agar lukisan itu dibakar bersamanya setelah kematiannya. Namun karena masalah keuangan, perusahaannya menjual mahakarya tersebut karena hutang.

Claude Monet “Kolam Bunga Lili Air” 1899

Lukisan ini mendapat rating tinggi dalam lelang seni dan masih menjadi salah satu lukisan termahal di dunia.

Pendiri impresionisme, ahli kuas Claude Monet, jatuh cinta pada bunga, alam adalah elemennya. Bunga lili air yang digambarkan ditanam dari benih Jepang di tamannya dan mengekspresikan simbiosis khas alam Prancis dan persepsi halus orang Jepang tentang warna dan rasa.

Kanvas itu dijual di lelang seni. Biaya pembuatan mahakarya ini adalah $80,5 juta.

Gustav Klimt “Adele Bloch – Bauer II” dibuat pada tahun 1912

Lukisan itu dilukis lima tahun setelah sang seniman menciptakan Golden Adele. Karya ini memang layak menyandang predikat mahakarya dan salah satu lukisan termahal di dunia.

Potret itu milik keluarga Adele sebelum mereka ditangkap oleh Nazi. Setelah itu menjadi milik museum di Austria. Karena proses hukum yang panjang, lukisan itu dikembalikan kepada Maria Altmann, kerabat Ferdinand Bloch-Bauer, pada tahun 2006.

Picasso “Telanjang, dedaunan hijau dan payudara” 1932

Karya tersebut merupakan salah satu karya surealis seniman dan telah lama dianggap sebagai salah satu lukisan termahal di dunia. Di atas kanvas, salah satu kekasih sang master agung, Maria Teresa Walter, bertransformasi dengan cara yang orisinal. Sejarawan seni mengidentifikasi citranya dengan penampakan Daphne yang mistis, yang diubah ibunya sendiri menjadi pohon salam untuk diselamatkan dari penganiayaan Apollo.

Pada tahun 1936, ia terjual dengan harga rekor $89,1 juta. Nanti bekerja, seperti versi pertamanya, menjadi milik museum Amerika dan sekarang berlokasi di AS.

Kanvas itu dibeli oleh P. Rosenberg, dan pada tahun 1951 oleh Sidney Brody dari Amerika. Setelah kematian seorang kolektor pribadi pada tahun 2010, karya tersebut dijual di lelang seni seharga $106,5 juta kepada seorang ahli seni anonim.

Edvard Munch “The Scream” (lukisan ke-4 dalam seri ini), 1893

Lukisan merupakan salah satu karya misterius dan orisinal dalam sejarah seni lukis. Lukisan ini menempati posisi prioritas dalam daftar lukisan termahal di dunia. Ini menggambarkan seorang pria yang berteriak.

Sang seniman sendiri kerap merasakan ingin berteriak saat memandang langit dan sekitarnya. Jeritan yang tergambar dalam lukisan itu terdengar oleh setiap orang yang memandang lukisan itu. Sulit untuk mengungkapkan dengan kata-kata perasaan yang disampaikan seniman melalui karya ini. Di sini Anda bisa melihat kegembiraan, keputusasaan, protes dan dilema pada saat yang bersamaan. Lukisan versi keempat pertama kali dipresentasikan pada pameran Berlin pada tahun 1893. Pada tahun 2012, lukisan itu dilelang oleh Peter Olsen dari Norwegia dan dijual seharga $119,9 juta kepada pembeli yang tidak mau menyebutkan namanya. Varian Scream yang luar biasa ini berasal dari kolektor pribadi.

Jackson Pollock “Nomor 5” 1948

Lukisan ini merupakan salah satu karya seni lukis dunia yang menakjubkan dan aneh. Lukisan ini juga dinilai sebagai lukisan termahal di dunia menurut standar saat ini. Pollock adalah perwakilan terkemuka Ekspresionisme abstrak Amerika. Kanvas mewakili metode lukisan aksi.

Dia melukiskan gambaran yang tidak biasa dengan menuangkan cat di atas sepotong wol kayu yang termineralisasi (dengan serutan tipis dan panjang). Penulis mengakui bahwa ia tidak menggunakan alat-alat yang biasa dimiliki seorang seniman - kuda-kuda, palet, dan kuas. Dia sedang bekerja pecahan kaca, menuangkan cat, menggunakan tongkat kayu, pisau berbagai bentuk dan ukuran.

Lukisan itu dijual seharga $100 juta kepada pengusaha keuangan Meksiko David Martinez.

Barnett Newman “Cahaya Anna” 1968

Kanvasnya adalah kanvas horizontal berukuran besar, diisi dengan warna merah tua. Seniman abstrak mendedikasikan lukisan itu untuk ibunya, yang dalam pribadinya ia melihat semua ibu di dunia. Ini adalah potret Perawan Maria. Mewakili sejumlah lukisan termahal di dunia, ini adalah semacam requiem untuk kenangan, kesedihan dan pertanyaan tentang apa itu hidup dan mati, dan mungkin pertemuan dengan orang-orang tersayang setelah kematian. Untuk mencapai efek ini, Newman berjuang lama dengan kekuatan cahaya merah, yang tampak lebih cerah di atas kanvas putih transparan. Dia mengaplikasikan lapisan warna merah, yang memungkinkan lukisan itu menyampaikan perasaan terisolasi dan keadaan pikiran yang sedih. Saat ditanya kenapa harganya begitu mahal, para kritikus seni jelas menjawab bahwa Anda hanya perlu melihat lukisan itu dengan mata kepala sendiri.

Pada tahun 2013, karya tersebut dipamerkan di lelang seni dan terjual seharga $106 juta.

Francis Bacon “Triptych” 1969

Pada tahun 2013, triptych menjadi lukisan termahal di dunia. Pada lelang yang diselenggarakan di New York, harga tertinggi untuk sebuah karya seni ditetapkan. Triptych itu dinilai dan dijual seharga $142,5 juta.

Triptych adalah arahan kreatif seniman. Penulis menjelaskan alasan menganut bentuk ini dengan fakta bahwa dia melihat gambar secara berurutan. Dalam lukisannya ia mengangkat tema keterasingan dari agama dan kematian. Karya Bacon juga dipamerkan di Hermitage.

Lukisan itu menggambarkan rakan artis, Lucian Freud. Lucien juga seorang seniman. Triptych berpartisipasi dalam pameran karya seniman di Grand Palais pada tahun 1971–72. (Paris). Setelah itu dibagi menjadi tiga kanvas.

Harga lukisan sebelumnya, yang dibayar oleh pemilik Chelsea Roman Abramovich, adalah $86 juta.

Paul Gauguin “Kapan pernikahannya?” 1892

Karya seni tersebut menjadi lukisan termahal di dunia, terjual dengan harga $300 juta. Menurut beberapa sumber, karya Gauguin dibeli oleh Museum Arab Qatar, yang membeli contoh lukisan asli dari seluruh dunia untuk diselesaikan. pameran di museum di Uni Emirat Arab.

Kanvas tersebut berasal dari koleksi pribadi Rudolf Staehelin, yang atas kemauannya sendiri lukisan tersebut telah disimpan di Museum Seni Rupa Swiss (Basel) selama setengah abad terakhir. Para pemimpin kota menganggap penjualan lukisan itu sebagai kerugian besar bagi Basel. Lukisan itu seharusnya mendapat pemilik baru pada tahun 2016, setelah dipamerkan di ibu kota Spanyol dan Amerika Serikat.

Gauguin melukis gambar itu pada saat dia berusia 44 tahun dan akan menikahi seorang gadis muda Tahiti berusia 13 tahun. Gauguin bermimpi menetap di surga tropis dan memulai sebuah keluarga di Tahiti. Pernikahan seperti itu di tempat-tempat itu dianggap cukup normal, dan kerabat gadis itu dengan penuh kegembiraan mengatur pernikahan tersebut sepenuhnya. Merupakan suatu kehormatan besar bagi mereka untuk bisa dekat dengan orang kulit putih.

Lukisan itu memperlihatkan dua wanita Tahiti, salah satunya sedang melakukan ritual misionaris, yang merupakan ekspresi kekerasan atau peringatan. Citranya lebih individual. Yang lainnya, yang berada di latar depan, melengkung dengan anggun dan tampak memamerkan kecantikan masa mudanya.

Sebelumnya, karya seni bergambar yang terjual dengan harga tertinggi di seluruh dunia adalah karya Paul Cézanne, The Card Players. Karya tersebut dijual melalui lelang pribadi pada tahun 2012 ($250 juta), juga kepada sebuah organisasi Arab.

2017.01.16 oleh

Seseorang, yang secara alami diberkahi dengan bakat seniman yang tak tertandingi, tidak bisa duduk diam di satu tempat. Banyak pengrajin yang mencoba menyampaikan perasaan batinnya dengan bantuan bahan yang tersedia. Sebagai hasil kerja yang cermat, muncullah kanvas-kanvas megah, bertaburan palet warna, atau gambar unik yang dibuat dengan segenggam pasir atau garam.

Tentu saja, komposisi kreatif tersebut diciptakan oleh tangan-tangan seniman non-profesional, sehingga tidak dapat diketahui masyarakat yang penasaran sebagai lukisan termahal di dunia.

Namun jika kita berbicara tentang karya seni lukis yang sesungguhnya, maka di antaranya kita dapat menyoroti sepuluh kanvas yang dikenal di seluruh dunia berkat lelang yang dilakukan dengan terampil.

Lukisan termahal di dunia. 10 teratas

1. Tempat pertama masih ditempati oleh lukisan termahal di dunia - “The Card Players” karya seniman virtuoso Paul Cezanne. Lukisan ini menelan biaya lelang sebesar $250 juta kepada pemilik baru.
2. Sebuah lukisan karya ekspresionis Amerika Jackson Pollock berjudul “No. 5, 1948,” yang terinspirasi oleh gaya lukisan yang menetes, diberikan kepada taipan keuangan kaya David Martinez di Sotheby's seharga $140 juta.

   

3. Mahakarya “Woman III” dari sang seniman meninggalkan lelang tertutup seharga $137,5 juta. Lukisan megah ini merupakan bagian dari rangkaian karya seniman yang berlokasi di museum-museum Amerika.

   

4. Kanvas “Potret Adele Bloch-Bauer I”, yang dilukis oleh Gustav Klimt, terjual seharga $135 juta. Lukisan itu menggambarkan putri bankir Bauer, yang wajah, bahu, dan lengannya terlihat realistis, dan segala sesuatunya berubah menjadi abstraksi yang harmonis.

   

5. Lukisan misterius “The Scream” karya pelukis Edvard Munch dari seri yang mencakup empat lukisan dengan nama yang sama adalah yang paling tidak biasa dan penuh warna. Lukisan ini berhak menempati posisi teratas dalam “lukisan termahal di dunia”. Itu dibeli oleh seorang ahli yang tidak dikenal menggunakan tawaran telepon dan $119,9 juta. Orang ini mungkin memiliki kemauan yang tidak dapat dihancurkan dan tidak percaya pada kekuatan kekuatan dunia lain, karena rumor populer mengatakan bahwa setiap orang yang bersentuhan dengan gambar ini, dengan satu atau lain cara, menemukan diri mereka dalam situasi tidak menyenangkan yang dapat berakhir dengan air mata.

   

6. “Boy with a Pipe,” yang diciptakan oleh Pablo Picasso, menggambarkan seorang pemuda melankolis yang menyentuh hati dengan karangan bunga mawar di kepalanya. Kanvas itu dijual kepada penikmat seni sejati seharga $104,1 juta.

   

7. Lukisan luar biasa “Eight Elvises” dibeli oleh orang yang tidak dikenal beruntung seharga $100 juta.

   

8. Lukisan terkenal lainnya karya Picasso - "Dora Maar dengan kucing" yang terkenal dengan penampilan sang seniman tercinta - dijual dengan harga tidak senonoh jumlah yang besar 95 juta 200 ribu $.

Peringkat artis termahal di dunia dipimpin oleh Leonardo Da Vinci, dan diselesaikan oleh Paul Cezanne. Selisih harga antara posisi pertama dan terakhir di peringkat 24 teratas adalah $389,8 juta

Pemeringkatan tersebut berdasarkan hasil lelang terbuka. Hal ini didasarkan pada hasil yang memperhitungkan Premium Pembeli, yang dinyatakan dalam dolar (angka yang ditampilkan pada lelang Eropa, yaitu dalam pound atau euro, dikonversi ke dalam dolar dengan nilai tukar pada hari perdagangan).

1. $450,3 juta. Juruselamat dunia. Sekitar 1500

Mungkin, lain kali kami tidak akan segera mengedit baris ini. $450.312.500 merupakan rekor bahkan bukan dalam jangka waktu bertahun-tahun, namun kemungkinan besar untuk seluruh dekade berikutnya.

Selain itu, menurut rumor yang beredar, rekor penjualan pribadi saat ini adalah $300 juta untuk lukisan karya Paul Gauguin), sehingga “Salvator Mundi” karya Leonardo Da Vinci adalah lukisan termahal di dunia, bukan di segmen tertentu. pasar seni, tetapi dalam arti absolut.

Anehnya, penjualan bersejarah tersebut terjadi dalam kondisi latar belakang informasi yang jauh dari ideal. Pertama, tidak ada kebulatan suara di antara para ahli mengenai atribusi karya ini. Namun banyak ahli setuju dengan argumen bahwa itu adalah Leonardo, dan bukan muridnya Giovanni Boltraffio, dan “konsensus luas” ini sudah cukup bagi Christie’s dan pembelinya. Kedua, keadaan perolehan benda ini seperti dongeng: pada tahun 1958 dibeli di Sotheby's seharga 45 pound sebagai karya murid Leonardo, kemudian, pada tahun 2000-an, dibeli di lelang dengan harga sekitar $10.000 , kemudian dijual ke dealer Yves Bouvier seharga $80.000.000, dan dia telah menjual kembali “Juruselamat Dunia” kepada miliarder Dmitry Rybolovlev, tampaknya seharga $127.500.000 Dan ini yang ketiga. Penjualan tersebut terjadi di tengah litigasi berbulan-bulan antara Rybolovlev dan Bouvier. Miliarder itu menuduh sang pedagang tidak sepenuhnya jujur ​​padanya dan menjual lukisannya dengan harga selangit. Leonardo menjadi pengecualian langka dalam serangkaian pembelian yang gagal (dari sudut pandang finansial). Tapi apa!

Rumah lelang Christie telah melakukan banyak upaya untuk mempopulerkan barang terpentingnya dalam sejarah terkini. “Juruselamat Dunia” disaksikan oleh puluhan ribu penonton. Diantaranya adalah aktor Leonardo DiCaprio. Oleh legenda keluarga, dia diberi nama sesuai nama artisnya, dan akan segera berperan sebagai masternya sendiri dalam sebuah film biografi. Pada tahun 2017, Paramount memperoleh hak film atas buku Leonardo da Vinci karya Walter Isaacson. Tingginya minat terhadap Leonardo dalam beberapa tahun terakhir dan film masa depan tentang dirinya, bahkan dengan DiCaprio, tentu saja tidak bisa dianggap sebagai salah satu penjelasan prioritas atas harga lelang yang fenomenal tersebut, namun sebagai faktor penyertanya sangat mungkin terjadi.

2. $179,4 juta. Wanita Aljazair (versi "O"). 1955

Pablo Picasso (1881–1973) - pendiri kubisme, seorang pelukis, seniman grafis, pematung, dan keramik terkemuka yang memiliki pengaruh kuat terhadap perkembangan semua seni abad kedua puluh.

Pada tanggal 11 Mei 2015, $179,4 juta (termasuk komisi) dibayarkan untuk lukisan “Wanita Aljazair (Versi “O”)” dari tahun 1955.

Lukisan buku teks “Wanita Aljazair (Versi “O”)” milik serangkaian lukisan yang dilukis oleh Pablo Picasso dari Desember 1954 hingga Februari 1955 berdasarkan lukisan terkenal dengan nama yang sama karya Eugene Delacroix. “Wanita Aljazair” karya Delacroix, yang termasuk dalam koleksi Louvre, pernah memberikan kesan yang sangat kuat pada Picasso; dia berulang kali mengatakan bahwa dia ingin menulis versinya sendiri. Seri ini juga didedikasikan untuk mengenang teman dan saingan artistiknya Henri Matisse, yang meninggal dunia pada November 1954. Seperti yang dikatakan Picasso, “Ketika Matisse meninggal, dia mewariskan odalisque-nya kepada saya sebagai warisan.” Semua karya Picasso dalam seri ini diberi nomor dengan huruf Alfabet Latin dari "A" ke "O". Dengan demikian, lukisan yang terjual dengan harga rekor tersebut merupakan seri terakhir, kelima belas.

Wanita Aljazair Picasso (Versi O) berasal dari koleksi Victor dan Sally Ganz. Ini pasangan yang sudah menikah dari New York, meskipun penghasilannya sederhana, berhasil menciptakan koleksi dalam waktu lima puluh tahun, yang pada lelang tahun 1997 menghasilkan $206,5 juta. Pada saat yang sama, pasangan Ganz menghabiskan total sekitar $2 juta untuk pembelian semua karya ini. Salah satu koleksi pertama mereka adalah potret Marie-Thérèse Walter karya Picasso (lukisan terkenal “The Dream”): pada tahun 1941 Victor Ganz membelinya seharga $7.000, dan pada tahun 1997 ia menjualnya seharga $48,4 juta “Wanita Aljazair (versi “O” ")", maka perkiraan awal pada lelang tahun 1997 adalah $10–12 juta, dan harga palu mencapai $31,9 juta. Hampir dua puluh tahun kemudian, hasil “Wanita Aljazair” adalah 5,6 kali lebih tinggi dibandingkan hasil tahun 1997.

3. $170,4 juta. Berbaring telanjang. 1917–1918

Pada lelang tematik Christie "The Artist's Muse", yang berlangsung pada tanggal 9 November 2015 di New York, lukisan Amedeo Modigliani "Reclining Nude" (1917–1918) terjual dengan rekor $170,405 juta (perkiraan pastinya tidak diungkapkan). Hasil ini meningkatkan angka rekor karya Modigliani sebanyak $100 juta: hingga tanggal 9 November, karya Modigliani yang paling mahal adalah patung “Head,” yang dijual di Sotheby’s pada bulan November 2014 seharga $70,7 juta.

Rekor lukisan “Reclining Nude” bisa dibilang fenomenal juga karena belum ada satu pun lukisan karya senimannya yang pernah mendekati angka tersebut: sebelumnya, hanya delapan lukisannya yang berhasil menembus level lelang $30 juta peringkat lukisan Modigliani dipimpin oleh “Nude”, duduk di sofa,” terjual seharga $68,96 juta, termasuk komisi Sotheby. Kini Modigliani dengan percaya diri bergabung dengan “klub” seniman yang karyanya terjual lebih dari $100 juta, di mana ia ditemani oleh Pablo Picasso, Francis Bacon, Alberto Giacometti, Edvard Munch, dan Andy Warhol.

Lukisan “Reclining Nude”, sama seperti pemegang rekor sebelumnya, “Nude Seated on a Sofa”, dibeli langsung dari senimannya oleh temannya, kolektor Paris dan Marchand Léopold Zboroswki.

Menurut Christie's, "Reclining Nude" adalah salah satu dari beberapa foto telanjang yang ditulis untuk Zborowski yang menyebabkan skandal pada pameran pertama dan satu-satunya Modigliani di Galeri Berthe Weil di Paris pada tahun 1917. Untuk menarik pengunjung, Zborowski memutuskan untuk memajang beberapa foto telanjang di jendela galeri (“Berbaring telanjang”, antara lain.) Orang yang lewat langsung berkerumun di sekitar jendela. Sayangnya, kantor polisi ternyata berada di seberang galeri jalan, dan memanggil pemilik galeri ke stasiun. Menurut Bertha Weil, Komisaris. Di tengah tawa “setan malang” yang ada di stasiun, dia memerintahkannya untuk “segera membuang semua sampah ini,” dan itulah yang terjadi. dia harus melakukannya.

"Reclining Nude" sering diterbitkan dalam katalog dan monograf tentang Modigliani, ia mengikuti pameran di Center for Fine Arts (Brussels), Stedelijk Museum (Amsterdam), Rijksmuseum of Modern Art (Paris), Tate and the Royal Academy of Arts (kedua galeri - London), di MoMA (New York) dan Istana Kerajaan di Milan.

Karya tersebut merupakan bagian dari koleksi Gianni Mattioli, salah satu kolektor terkemuka Italia, dan putrinya, kritikus seni Laura Mattioli Rossi, melelang lukisan itu di Christie's.

Pada lelang tanggal 9 November, tidak kurang dari enam penawar menawar “Reclining Nude” dalam waktu 9 menit. Pemenangnya adalah pembeli yang menawar melalui telepon. Setelah beberapa waktu, diketahui bahwa karya tersebut dibeli oleh miliarder Tiongkok Liu Yiqian. Pemilik baru mengatakan dia berencana memindahkannya ke Shanghai, tempat dia dan istrinya Wang Wei membuka dua museum swasta. Di dunia, Liu Yiqian dikenal sebagai "taipan taksi". Sebagai seorang remaja, selama tahun-tahun sulit Revolusi Kebudayaan, Liu Yiqian benar-benar memutar kemudi di jalanan Shanghai. Pada tahun 1980-an dan 90-an, ia memperoleh kekayaannya dengan berspekulasi di pasar real estate dan farmasi. Pada tahun 2015, kekayaan Liu Yiqian diperkirakan mencapai $1,5 miliar.

4. $144 juta. Dua belas lanskap. 1925

Pada tanggal 17 Desember 2017, rekor mutlak penjualan lelang lukisan Tiongkok ditetapkan pada lelang Poly International di Beijing. Serangkaian gambar tinta karya seniman Tiongkok Qi Baishi (1864–1957) berjudul “Dua Belas Bentang Alam,” yang berasal dari tahun 1925, dijual seharga 931,5 juta yuan, atau $144 juta.

Qi Baishi - master nasional Tiongkok Lukisan Guohua- lahir pada tahun 1864 (menurut versi lain - pada tahun 1860) di keluarga miskin keluarga petani. Meskipun Qi Baishi menunjukkan minat pada kreativitas sejak masa kanak-kanak, hingga usia empat puluh tahun, sumber pendapatan utamanya adalah pertukangan kayu. Tetapi bahkan di sini kemampuan artistiknya dapat diterapkan: ia mengukir figur binatang, kotak tembakau, dan cetakan populer dari kayu. Dan pada saat yang sama dia tidak menyerah pada seni lukis dan kaligrafi. Baru pada akhir usia enam puluhan, Qi Baishi pindah ke Beijing dan mengabdikan dirinya sepenuhnya pada seni lukis. Di tahun-tahun kemundurannya, Qi Baishi, yang tidak pernah menerima pendidikan seni profesional, tetap mendapatkan pengakuan di tingkat nasional: pada tahun 1953, Kementerian Kebudayaan Republik Rakyat Tiongkok memberinya gelar “Artis Hebat Rakyat Tiongkok. ” Qi Baishi meninggal pada tahun 1957 pada usia 93 tahun.

Saat ini, kecintaan masyarakat Tiongkok terhadap “artis hebat” mereka juga dinyatakan dalam bentuk uang. Selama bertahun-tahun berturut-turut, Qi Baishi telah menjadi salah satu seniman Tiongkok termahal - baik dalam hal omzet lelang secara keseluruhan maupun dalam harga karya individu. Misalnya, pada bulan Mei 2011, salah satu karyanya, “Long Life, Quiet Peace” (“Eagle on a Pine”), yang ditulis pada tahun 1946 untuk Chiang Kai-shek, terjual seharga 425,5 juta yuan ($65 juta). Dan pada tahun 2016, Qi Baishi menduduki peringkat ketiga dalam omzet lelang dunia setelah rekan senegaranya Zhang Daqiang dan Pablo Picasso. Kini Qi Baishi telah menjadi artis Tiongkok pertama yang melewati batas lelang senilai $100 juta.

"Dua Belas Lanskap" karya Qi Baishi menggambarkan pegunungan, desa, dan pepohonan di Tiongkok yang bermekaran dalam warna biru, abu-abu, coklat, dan merah muda. Ukuran masing-masing dari 12 karya tersebut sangat mengesankan - tingginya 1,8 meter dan lebarnya hampir setengah meter. Lukisan sang seniman cukup tradisional, dan tampaknya cocok untuk kolektor jutawan Tiongkok. Rumah lelang tidak mengungkapkan siapa sebenarnya yang membeli “Twelve Landscapes” dengan harga yang mencapai rekor tersebut.

5. $142,4 juta. Tiga sketsa dengan Lucien Freud. 1969

Pada lelang seni pascaperang dan kontemporer di Christie's pada 12 November 2013, triptych Francis Bacon "Tiga Sketsa dengan Lucien Freud" terjual dengan harga yang mencengangkan - $142,4 juta seluruh pasar seni - agak tidak terduga, daripada alami. Sebelum lelang, triptych tersebut diperkirakan bernilai $85 juta (perkiraan pasti tersedia berdasarkan permintaan). Rekor karya Bacon sebelumnya yang dipegang sejak 2008 hanya sekitar $85 juta, atau lebih tepatnya $86,281 juta. Itu adalah jumlah yang dibayar Roman Abramovich untuk Triptych 1976 di Sotheby's di New York pada 14 Mei 2008.

Untuk mencapai tingkat harga pada masa booming seni, dan bahkan melampauinya, rumah lelang harus benar-benar mengakuisisi pekerjaan yang luar biasa. Triptych “Tiga Sketsa dengan Lucien Freud” dari tahun 1969 sepenuhnya sesuai dengan definisi ini.

Pertama, dengan triptych yang satu ini Anda menjadi akrab dengan dua ahli seni pascaperang sekaligus: rekannya yang tidak kalah terkenalnya, Lucian Freud, berpose untuk Bacon. Freud dan Bacon bertemu pada tahun 1945 dan berteman selama beberapa dekade, saling menulis surat lebih dari sekali, tetapi juga berkompetisi secara profesional. “Tiga Sketsa dengan Lucian Freud” dibuat di dalam tembok Royal College of Art di London (bengkel Bacon sendiri pada waktu itu rusak akibat kebakaran).

Kedua, ini adalah salah satu dari dua triptych karya Bacon yang modelnya digambarkan seluruh tubuh. Triptych kedua, dari tahun 1966, terakhir kali dipamerkan pada tahun 1992, tetapi tidak diketahui di mana sekarang.

Ketiga, triptych memiliki latar belakang yang sangat ceria - kuning cerah. Sejujurnya, kepositifan seperti itu bukanlah ciri khas karya Bacon yang sangat surealis. Beberapa analis asing, setelah mencatat rekor penjualan, bahkan menyebut warna ini sebagai “warna emas yang memiliki efek magnetis bagi para kolektor”.

Francis Bacon menganggap triptych ini sebagai salah satu karya terbaiknya; itu adalah salah satu pameran terpenting dalam retrospektif landmark seniman di Grand Palais pada tahun 1971–1972. Kemudian, pada pertengahan tahun 1970-an, bagian-bagian triptych dipisahkan selama hampir 15 tahun. Salah satunya dipamerkan secara mandiri di Tate pada tahun 1985. Bacon bereaksi sangat negatif terhadap perpecahan ini; di bawah foto sisi kiri triptych yang terlepas, dia menulis: “sebuah fragmen dari sebuah triptych... dan saya yakin itu menjadi tidak berarti sampai ia disatukan kembali dengan dua fragmen lainnya.” Bagian-bagian tersebut disatukan kembali pada tahun 1999, di sebuah pameran di New Haven (Connecticut). Dan sekarang ketiga potret lengkap Lucien Freud diberikan kepada pembeli baru seharga $142,4 juta. Mereka mengatakan bahwa triptych itu dibeli oleh William Acquavella, mungkin untuk kepentingan klien.

6. $141,3 juta. Pria yang menunjuk. 1947

Alberto Giacometti adalah patung klasik dunia yang paling dihormati (secara harfiah). Sosoknya yang layu, nyaris halus, melambangkan keterasingan dan kesepian manusia dunia modern, selalu mencapai harga tinggi di lelang. Untuk beberapa waktu, Giacometti bahkan mengungguli gabungan semua pelukis: pada tanggal 3 Februari 2010, patung “Walking Man I” dijual seharga £65 juta ($104,3 juta). Ini adalah lot lelang pertama di dunia yang melewati ambang batas $100 juta.

Lebih dari lima tahun kemudian, patung “Pointing Man” (1947) mencapai tingkat lelang baru: hasilnya (termasuk komisi) adalah $141,3 juta. Ini adalah rekor tidak hanya untuk Giacometti, tetapi untuk seluruh pasar patung.

Patung Pointing Man dibuat dan dilaksanakan oleh Giacometti pada tahun 1947 hanya dalam satu malam. Seperti yang dikatakan pematung kepada penulis biografinya, yang pertama dalam 15 tahun akan dibuka di New York dalam beberapa bulan. aktivitas kreatif pameran pribadi. Tenggat waktunya sangat mendesak, dan pada suatu malam di bulan Oktober dia membuat model plester pertama. Enam cetakan dan satu salinan asli dibuat darinya. Pada pameran berikutnya pada bulan Januari 1948, “Pointing Man” menjadi pusat perhatian dalam pameran di samping “Walking Man” dan “Standing Woman.” Pameran tersebut menimbulkan sensasi, Giacometti langsung menjadi bintang kancah seni pasca perang New York.

Saat ini, patung “Pointing Man” ada di koleksi MoMA, Tate Modern dan dua museum lainnya. Tiga eksemplar sisanya disimpan dalam koleksi pribadi dan koleksi berbagai yayasan. Karya yang dilelang tersebut konon merupakan satu-satunya karya yang dilukis dengan tangan oleh Giacometti sendiri. Pada tahun 1953, lukisan itu dibeli dari Galeri Pierre Matisse oleh kolektor terkenal Fred dan Florence Olsen. Sejak tahun 1970, patung itu menjadi milik satu koleksi pribadi, yang kemudian dilelang untuk pertama kalinya dalam sejarah. Seperti yang dikatakan penyelenggara lelang, mereka menawarkan jaminan kepada pemiliknya, tetapi dia menolak, dengan mengatakan bahwa jika barang tersebut tetap tidak terjual, dia akan menyimpannya. “Dia mungkin sedikit kesal karena barang itu benar-benar dibeli,” komentar perwakilan Christie’s.

Giacometti adalah salah satu seniman paling menarik di abad ke-20. Laki-laki Giacometti dibiarkan sendirian, tidak ada yang membutuhkannya, dia tidak mendapat dukungan dari Tuhan, dan manusia tidak mencari perlindungan darinya. Giacometti- humanis yang hebat: karyanya memberitahu kita bahwa seseorang hanya dapat mengandalkan seseorang, bahwa dia bertanggung jawab penuh terhadap dirinya sendiri dan orang lain. Sosok Giacometti memiliki wajah kurus dan gugup, mata lincah, dan kaki besar: meski terkena guncangan, mereka berdiri kokoh di tanah.

7. $119,9 juta Edvard Munch. Berteriak. 1895

Pada tanggal 2 Mei 2012, karya Edvard Munch "The Scream" dibeli di Sotheby's seharga $119.922.500. Dengan hasil ini, pastel tahun 1895 melampaui karya Pablo Picasso "Nude with a Bust and Green Leaves" (yang, omong-omong, tetap berada di pasaran. peringkat teratas dua tahun tanpa dua hari).

Gambar itu adalah satu dari empat gambar versi yang ada tertulis di cerita terkenal, dan satu-satunya yang dimiliki swasta (tiga lainnya disimpan di museum Norwegia). Uniknya juga, pada bingkai yang dibuat oleh senimannya sendiri, puisinya ditulis dengan cat merah: “Teman-temanku melangkah lebih jauh, / Dan aku tetap di belakang, / Gemetar karena cemas: / Aku merasakan Jeritan Alam yang memekakkan telinga. E.M.”

Karya tersebut dilelang oleh pengusaha Norwegia Petter Olsen, putra teman, tetangga, dan pelindung Munch, Thomas Olsen, yang memperolehnya pada tahun 1937. Usai lelang, mantan pemiliknya mengatakan, baginya makna lukisan itu adalah pertemuan dengan kematian, sekaligus dalam konteks masa kini, kesadaran menakutkan akan kerusakan yang ditimbulkan umat manusia terhadap alam.

Keuntungan dari penjualan lukisan itu sebagian akan digunakan untuk pembuatan museum di kota Hvitstene (Norwegia), tempat Munch dan Thomas Olsen pernah tinggal; museum masa depan akan menampung koleksi Petter Olsen, yang juga terlibat dalam restorasi rumah dan bengkel Munch.

Harga lukisan Munch merupakan rekor dalam segala hal. Sebelum lelang pada tanggal 1 Mei 2012, pastel termahal di dunia adalah “Resting Dancer” karya Edgar Degas (c. 1879), yang menghasilkan $37 juta di lelang Sotheby di New York pada November 2008. Rekor ini tertinggal jauh dari rekor Munch sebelumnya, yang dibuat oleh lukisan “The Vampire” tahun 1894, yang menghasilkan $38,1 juta di Sotheby’s di New York pada bulan November 2008 (pembelinya adalah Galeri Gagosian).

8. $110,5 juta. Tanpa judul. 1982

Pada tanggal 18 Mei 2017, daftar karya termahal yang pernah terjual di lelang umum dilengkapi dengan karya Jean-Michel Basquiat. Pada lelang seni kontemporer Sotheby, karya “Untitled,” yang dilukis dengan pastel minyak, kaleng akrilik dan aerosol di atas kanvas, terjual seharga $110,5 juta. Pembelinya adalah miliarder Jepang Yusaka Maesawa, seorang pengagum seni modern pada umumnya dan Basquiat pada khususnya . Dia juga melakukan pembelian rekor Basquiat sebelumnya: pada tahun 2016, Maesawa membeli karya lain “Untitled” (1982) seharga $57,3 juta. Ternyata pada tanggal 18 Mei 2017, rekor harga untuk sebuah karya Jean-Michel Basquiat hampir dua kali lipat. .

Gambar khas Basquiat berupa topeng atau tengkorak memecahkan beberapa rekor sekaligus. Pertama, itu menjadi karya termahal seniman Amerika. Kedua, untuk pertama kalinya dalam sejarah, karya seniman kulit hitam dibayar begitu banyak. Dan ketiga, lukisan “Untitled” (1982) memecahkan rekor harga karya yang dibuat setelah tahun 1980. Belum lagi dengan penjualan ini, Jean-Michel Basquiat masuk ke dalam semacam klub seniman yang karyanya terjual lebih dari $100 juta. Jika Basquiat masih hidup sampai hari ini, ia akan berusia 57 tahun, namun, sayangnya, dosis heroin yang merusak menentukan sebaliknya: sang seniman meninggal pada usia yang fatal, yaitu 27 tahun bagi banyak orang legendaris Amerika (seperti Hendrix, Joplin, atau Morrison).

Semuanya dimulai di jalanan New York, di mana Jean-Michel yang berusia 17 tahun melarikan diri dari ayah dan ibu tirinya (upaya pelarian pertama yang gagal terjadi pada usia 15 tahun). Ibu Jean-Michel dimasukkan ke rumah sakit jiwa ketika anak laki-lakinya berusia 13 tahun dan menghabiskan sebagian besar hidupnya di klinik kesehatan mental. Sang ayah tidak peduli dengan putranya. Namun, Anda tidak boleh membayangkan masa kecil artis masa depan yang penuh dengan kesulitan dan penghinaan. Ia tumbuh dengan dua saudara perempuan di keluarga yang cukup kaya (ayahnya adalah seorang ekonom sukses). Jean-Michel menerima pendidikan yang baik; dia banyak membaca sebagai seorang anak dan tertarik pada sejarah, puisi dan, tentu saja, seni. Dia bahkan bertugas di dewan Museum Brooklyn. Berkat ayahnya yang berasal dari Haiti dan ibunya yang berkewarganegaraan Puerto Rico, Jean-Michel fasih berbahasa Prancis, Spanyol, dan Inggris. Jean-Michel bukanlah “anak jalanan” sejak lahir, namun menjadi anak jalanan karena pilihannya. Jalanan di New Yorklah yang membangkitkan bakat seninya dan membentuk gaya unik Basquiat, berdasarkan beban intelektual dan energi pemberontaknya. grafiti jalanan. Terlepas dari segala keprimitifan dan “keprimitifan” lahiriah, karya-karya Basquiat sangat konseptual, penuh referensi terhadap warisan sastra dan seni masa lalu.

Sejak tahun 1976, prasasti mulai muncul di rumah, pagar, dan gerbong kereta bawah tanah New York, yang artinya tidak jelas (seperti "Brankas mewah menurutnya ..." - "menurutnya mewah melindungi"). Lalu setiap orang yang menghargai dirinya sendiri seniman jalanan menandatangani karyanya. Prasasti ini muncul atas nama "SAMO" tertentu (disingkat "same old shit" - dalam istilah sastra, maka "sama seperti biasanya"). Basquiat dan temannya Al Diaz menggunakan nama samaran ini. Persahabatan tersebut berlangsung hingga tahun 1979 dan diakhiri dengan tulisan “SAMO is dead” (“SAMO is dead”). Basquiat mulai secara mandiri membuka jalan menuju ketenaran. Dia menjual T-shirt dan kartu pos dengan gambarnya, membentuk band noise-rock yang dengannya dia tampil di klub, dan membintangi film independen. Atas saran seorang teman, saya mulai melukis dengan serius.

Kesuksesan pertama datang pada awal tahun 1980an. Pertama kelompok dan kemudian pameran pribadi, serta artikel oleh René Ricard “Anak yang bersinar” di majalah terkenal Artforum membuat Basquiat dikenal luas dalam lingkup yang sempit namun lingkaran yang tepat. Pada tahun 1982, Jean-Michel bertemu dengan idolanya Andy Warhol, yang sangat menentukan nasib masa depan artis muda tersebut. Beberapa orang percaya bahwa Basquiat menggunakan ketenaran Warhol, dan Warhol didorong oleh masa muda dan energi kreatif Basquiat; yang lain melihat persahabatan sejati dalam tandem yang aneh ini. Bagaimanapun, kenalan dan dukungan Warhol membuat seluruh Amerika, dan kemudian dunia, membicarakan tentang bintang baru Basquiat. Ia dianggap yang terbaik di antara sekelompok seniman muda neo-ekspresionis Amerika, termasuk Julian Schnabel, David Salle dan lain-lain. Harga karya Jean-Michel mulai naik. Basquiat bekerja hingga 20 jam sehari, sering kali tanpa melepas setelan mahal Armani-nya, dan kemudian menikmati setelan bernoda cat yang sama di resepsi dan pesta. Warhol bahkan iri dengan produktivitasnya, mengatakan bahwa Basquiat melukis lukisan lebih cepat daripada dia, Warhol, mencetaknya.

Namun Jean-Michel dihantui oleh pemikiran bahwa semua orang meributkan dirinya bukan karena dia jenius, tapi karena dia, yang pertama dan terpenting, adalah seorang jenius kulit hitam. Dia merasa seperti mainan bagi masyarakat kulit putih kaya dan dengan patuh memainkan peran ini. Kecanduannya yang progresif terhadap narkoba sejak ia berada di jalanan adalah bagian dari legenda yang mendasari popularitasnya. Ada keinginan untuk merelakan segalanya, pergi ke Hawaii atau Maui, membuka pabrik penyulingan tequila kecil di sana dan hidup bebas, jauh dari ketenaran dan segala sesuatu yang menyertainya. Dan Jean-Michel bahkan mencobanya sekali, berhenti menggunakan heroin dan pindah ke Maui untuk sementara waktu. Tapi itu tidak berhasil. Kematian Warhol pada tahun 1987 merupakan pukulan besar bagi Basquiat. Ia hampir berhenti keluar rumah, menderita paranoia, tidak dapat bekerja, dan semakin sering menggunakan narkoba. Dosis mematikan terakhir diambil pada 12 Agustus 1988. Basquiat berusia 27 tahun.

9. $105,5 juta. Kecelakaan Mobil Perak (Kecelakaan Ganda). 1963

Aneh rasanya jika raja seni pop Andy Warhol (1928–1987) tidak masuk dalam sepuluh besar penulis karya termahal di dunia. Maka kita harus mengakui bahwa kesadaran massa dan pilihan kolektor adalah dua wadah yang tidak berkomunikasi dengan cara apapun. Karena Warhol mungkin adalah artis paling populer abad ke-20. Meskipun Warhol tidak “menciptakan” seni pop, dialah yang menjadi wajah gerakan ini. Ia tidak hanya mencemooh aliran sesat konsumsi, tetapi juga memperkenalkan ide-ide tersebut ke dalam seni (sambil tetap mempertahankan unsur ironi dalam karya-karyanya), menciptakan arah baru yang mengumpulkan seluruh kalangan pengikutnya.

Selama enam tahun, Andy Warhol berpindah-pindah posisi terakhir dalam peringkat kami - ada terlalu banyak master "pomest" dan yang lebih mahal - dari Rubens hingga Klimt. Untuk waktu yang lama, hasil terbaik Warhol adalah $71,7 juta, diperoleh dari sablon sutra “Green Car Crash” (1963) di Christie’s pada Mei 2007 (perkiraan: $25–35 juta). Namun zaman sedang berubah, dan kini mahakarya karya para empu tua, impresionis, atau modernis menjadi semakin jarang beredar di pasaran. Transaksi penting berpindah ke segmen seni pascaperang dan kontemporer. Seni paruh kedua abad ke-20 - awal abad ke-21 semakin meningkat harganya, dan catatan pribadi Andy Warhol saat ini memberikan konfirmasi langsung mengenai hal ini.

Pada lelang seni kontemporer dan pascaperang Sotheby pada 13 November 2013 (sehari setelah lelang serupa di Christie's, di mana triptych Francis Bacon terjual seharga $142,4 juta), layar sutra Andy Warhol "Silver Car Crash (Double Crash)" menetapkan rekor dunia baru untuk karya seniman - $105,5 juta. Karya ini, seperti “Green Car Crash,” termasuk dalam siklus besar “Kematian dan Bencana,” di mana sang seniman merefleksikan akibat dari kecelakaan lalu lintas yang tragis.

"Silver Car Crash (Double Crash)" adalah salah satu dari empat karya dua bagian Warhol dari tahun 1963 yang menggambarkan kecelakaan mobil. Tiga karya tersisa dalam seri ini disimpan di museum, dan hanya Silver Car Crash yang tersisa di tangan pribadi. Karya ini mempunyai asal yang sangat baik: ia berada dalam koleksi Gunter Sachs, Charles Saatchi dan Thomas Ammann. Karya itu dilelang di Sotheby's oleh seorang kolektor swasta Eropa yang memilikinya selama lebih dari 20 tahun.

Seniman tersebut memindahkan foto-foto kecelakaan lalu lintas di koran ke atas kanvas, berulang kali mencetaknya menggunakan sablon sutra dengan cat reflektif perak. Karya tersebut berukuran 2,4×4 meter; di satu bagian ada gambar ganda mobil menabrak pohon; bagian kedua adalah permukaan perak monokrom.

Semua komponen keberhasilan lelang terlihat jelas: kelangkaan karya tersebut, signifikansinya dalam warisan pencipta, asal usulnya yang baik. Sulit untuk mengatakan mengapa Warhol lebih menarik bagi para kolektor saat ini - mereknya, "ironi" yang terkenal, atau semacam nuansa filosofis, tetapi apa yang pada tahun 1962 dapat dibeli seharga $100 (itulah harga "Kaleng Sup Campbell" saat itu), dan pada tahun 1978 - seharga beberapa puluh ribu, sekarang harganya puluhan juta.

10.$95,4 juta. Perawat. 1964

Karya Roy Lichtenstein (1923–1997) sulit dikacaukan dengan apa pun: ketenarannya diperoleh melalui lukisan berdasarkan gambar yang diperbesar berulang kali dari buku komik. Seperti semua seniman seni pop, Lichtenstein mengangkat objek budaya massa ke status karya seni tinggi. Alih-alih transisi warna yang halus, yang ada adalah blok warna murni, seolah-olah baru saja keluar dari mesin cetak; alih-alih potret psikologis yang rumit - keindahan klise dari halaman buku komik dengan ditetapkan standar emosi. Lichtenstein bahkan mereproduksi grid raster dengan tangan, dengan sengaja menambah atau mengurangi ukuran titik-titik, sehingga membuat konten karyanya menjadi sangat aneh. Gambar komik yang diambil di luar konteks biasanya disertai dengan teks emosional: keindahan Liechtenstein tenggelam, menangis, cemburu, tetapi keindahan dan ketenangan pahlawan wanita yang sangat ideal membebaskan kita dari kebutuhan untuk bersimpati dengan tulus kepada mereka, semuanya dianggap sebagai a gambar yang indah - tidak lebih.

Ngomong-ngomong, lukisan berdasarkan komik bukanlah satu-satunya arahan dalam karya Roy Lichtenstein. Pada retrospektif seniman pada tahun 2013 di Tate Modern, gambar telanjang, patung, lanskap dalam gaya Cina, abstraksi, serta interpretasinya sendiri terhadap karya Matisse, Picasso, Piet Mondrian, dan lainnya: Lichtenstein mereproduksi mahakarya seperti “Rouen Cathedral” karya Monet atau “Still Life with a Goldfish” karya Matisse, semuanya dengan cara “komik” yang sama dengan jaringan raster.

Harga karya Roy Lichtenstein melewati ambang batas tujuh digit pada akhir tahun 1980an, namun baru pada awal tahun 2000an (setelah kematian sang seniman) barulah pertumbuhan pesat pasar untuk karya-karyanya dimulai, sehingga menghasilkan rekor lelang saat ini sebesar $95.365 juta. Jadi, ambang batasnya adalah $5. Karya Roy Lichtenstein pertama kali melampaui angka juta pada tahun 2002; Angka 10 juta ditetapkan pada tahun 2005, dan pada tahun 2012, $44,9 juta telah dibayarkan untuk lukisan “Sleeping Girl”. Tahun itu, karya Roy Lichtenstein mencapai tingkat harga yang sama dengan lukisan Claude Monet, seni pop dimulai harganya sama dengan mahakarya impresionisme. Barang-barang Lichtenstein populer di kalangan kolektor dari seluruh dunia: klien dari Tiongkok, AS, Amerika Latin dan Eropa.

Pada akhir tahun 2013, menurut Artprice, omzet tahunan karya-karya Liechtenstein berjumlah lebih dari $140 juta (tidak termasuk komisi BP), yang memungkinkannya menempati posisi ke-8 dalam peringkat dunia dalam hal omzet lelang. Tahun itu, lukisannya “Woman in a Hat with Flowers” ​​​​(1963) dijual di Christie’s pada tanggal 15 Mei seharga $56,1 juta, termasuk komisi. Ini adalah pengerjaan ulang salah satu potret kubisme Dora Maar karya Picasso dalam gaya seni pop khas Lichtenstein. Rekor tersebut bertepatan dengan retrospektif besar sang artis di Tate.

Dua setengah tahun kemudian, di Christie's “The Artist’s Muse” pada tanggal 9 November 2015 lukisan"The Nurse" (1964) terjual seharga $95,365 juta termasuk komisi (perkiraan berdasarkan permintaan). Karya tersebut merupakan lukisan ikonik Liechtenstein dari awal tahun 1960-an. Citra seorang perawat yang seksi dan cantik adalah salah satu gambaran penting dalam budaya AS pascaperang, bersama dengan para pelaut Amerika yang pemberani. Dalam lukisan Lichtenstein, si pirang menawan dengan bibir merah tua merupakan ikon budaya massa seperti “Marilyn” atau “Liz” di layar sutra Warhol. Dalam hal ini, Lichtenstein menghilangkan teks yang menyertainya dari komik sumbernya, sehingga memberi kita ruang untuk menafsirkan keadaan emosional sang pahlawan wanita. Dia terlihat jelas ketakutan – tapi apa yang dia takutkan?

Perawat ditampilkan pada pameran tunggal besar pertama Lichtenstein di Museum Guggenheim di New York dan Neues Nationalgalerie di Berlin (keduanya pada tahun 1969). Karya tersebut disimpan dalam koleksi salah satu kolektor Pop Art pertama, Leon Krauscher yang eksentrik, yang menurut kritikus seni Richard Polsky, pernah berkata: “Pop Art adalah seni masa kini. Segala sesuatu yang lain adalah barang lama, kuno. renovasi? Aku tidak tahan dengannya. Gambar untuk kamar tidur. Semua orang sama. Saya dapat mengatakan hal yang sama tentang semua ekspresionis abstrak ini. Dekorasi. Tidak ada sindiran, tidak ada hari ini, tidak ada kesenangan.”

11. $91,87 juta. Potong Suey. 1929

Edward Hopper (1882–1967) adalah seniman kultus Amerika yang melukis lukisan bergenre dan lanskap perkotaan. Ia disebut sebagai “penyair ruang kosong” karena gaya pengarangnya yang khas. Lukisan Hopper dicirikan oleh komposisi singkat dan geometris, tidak adanya detail berlebihan, warna murni, jendela besar, bayangan panjang dan, yang paling penting, pahlawannya adalah penghuni yang mementingkan diri sendiri. kota besar. Mereka menimbulkan kesepian, meskipun mereka bersebelahan - di dalam ruangan, kafe, atau gedung teater. Yang paling banyak karya terkenal Hopper - "Burung Hantu Malam". Diterangi oleh lampu listrik yang terang, restoran dengan latar belakang kegelapan malam yang semakin pekat menyerupai panggung teater, yang karakternya - seorang bartender, sepasang suami istri, dan seorang pria yang duduk membelakangi penonton - tenggelam dalam pikiran mereka dan hampir tidak melakukan percakapan yang bersemangat. Kami tidak melihat satu pun jalan keluar dari restoran di atas kanvas setinggi lebih dari lima kaki, yang semakin menekankan perasaan putus asa.

Arah lain dalam karya Hopper adalah lanskap, di mana rumah dan jalan kosong berperan sebagai karakter utama. Sang seniman bahkan menciptakan genre baru - potret sebuah rumah, di mana "model" diberi nama berdasarkan nama pemilik atau lokasinya. Kreativitas Hopper sebagian berkembang selama Depresi Hebat. Salah satu karya periode ini - lanskap "Angin Timur di atas Weehawken" (1934) dengan jalan rumah-rumah kosong yang dijual - untuk waktu yang lama merupakan karyanya yang paling mahal. Pada tahun 2013, di lelang Christie, sebuah lukisan dari koleksi Akademi Seni Rupa Pennsylvania terjual seharga $40 juta (perkiraan: $22–28 juta).

Hampir 5 tahun kemudian, di lelang karya lukisan Amerika dari koleksinya kolektor terkenal seni nasional Barney Ebsworth, sebuah karya kultus Edward Hopper muncul, salah satu karya terbaiknya di tangan pribadi, “Chop Suey” (1929). Chop Suey adalah sup sayuran, kecap, daging, dan rempah-rempah, hidangan populer di kalangan imigran Tiongkok di Amerika Serikat. Edward Hopper menggambarkan dua gadis di sebuah meja di sebuah restoran Cina tempat mereka menyajikan sup ini. Dan meskipun gadis-gadis itu berkumpul, dan pasangan lain duduk di meja di latar belakang, keseluruhan karya dipenuhi dengan perasaan kesepian yang khas "Hopper", yang tercipta karena singkatnya interior dan warna, serta pandangan sekilas. lawan bicara, diarahkan ke arah yang berbeda. Karya “Chop Suey” telah lama dijanjikan ke Museum Seni Seattle, tetapi ahli waris Barney Ebsworth memutuskan sebaliknya dan melelangnya di Christie's dengan perkiraan yang belum pernah terjadi sebelumnya untuk seniman ini - $70–100 juta $85 juta, dan dengan memperhitungkan komisi Premium Pembeli - $91,875 juta Dan kemungkinan besar, rekor ini akan bertahan lama, karena karya Hopper sangat jarang muncul di lelang (hanya ada 350 lukisan dalam warisannya dan sebagian besar ada di museum ), dan terlebih lagi kelas seperti “Chop Suey”.

12. $90,3 juta. Potret artis. Kolam renang dengan dua sosok. 1972

David Hockney (1937) adalah salah satu seniman Inggris paling penting di abad ke-20. Pada tahun 2011, menurut survei terhadap ribuan seniman dan pematung profesional Inggris, David Hockney terpilih sebagai seniman Inggris paling berpengaruh sepanjang masa. Pada saat yang sama, Hockney mengalahkan master seperti William Turner dan Francis Bacon. Karyanya biasanya tergolong seni pop karya awal ah, dia lebih tertarik pada ekspresionisme dalam semangat Francis Bacon.

David Hockney lahir dan besar di Inggris, di daerah Yorkshire. Ibu calon seniman menjaga keluarga dalam ketatnya puritan, dan ayahnya, seorang akuntan sederhana yang melakukan sedikit menggambar amatir, mendorong putranya untuk mulai melukis. Di awal usia dua puluhan, David pindah ke California, tempat dia tinggal selama sekitar tiga dekade. Dia masih memiliki dua bengkel di sana. Hockney menjadikan pahlawan dalam karyanya orang-orang kaya setempat, vila, kolam renang, dan halaman rumput mereka bermandikan sinar matahari California. Salah satu karyanya yang paling terkenal pada periode Amerika - lukisan "Splash" - adalah gambaran kumpulan percikan yang muncul dari kolam setelah seseorang melompat ke dalam air. Untuk menggambarkan berkas ini, yang “hidup” tidak lebih dari dua detik, Hockney bekerja selama dua minggu. Ngomong-ngomong, lukisan ini dijual di Sotheby's pada tahun 2006 seharga $5,4 juta dan untuk beberapa waktu dianggap sebagai karyanya yang paling mahal.

Hockney sudah berusia lebih dari delapan puluh tahun, tetapi dia masih bekerja dan bahkan menciptakan hal-hal baru teknik artistik menggunakan inovasi teknis. Suatu ketika ia mendapat ide untuk membuat kolase besar dari Polaroid, mencetak karyanya di mesin faks, dan kini sang seniman dengan antusias menguasai menggambar di iPad. Lukisan yang digambar di atas tablet menempati tempat yang selayaknya dalam pamerannya.

Pada tahun 2005, Hockney akhirnya kembali dari Amerika ke Inggris. Sekarang dia melukis lanskap hutan dan padang rumput lokal yang luas (seringkali terdiri dari beberapa bagian) di udara terbuka dan di studio. Menurut Hockney, selama 30 tahun yang dihabiskannya di California, ia menjadi begitu tidak terbiasa dengan pergantian musim yang sederhana sehingga hal itu benar-benar membuatnya terpesona dan terpesona. Seluruh siklus karya terbarunya dikhususkan, misalnya, pada lanskap yang sama pada waktu berbeda dalam setahun.

Pada tahun 2018, harga lukisan Hockney beberapa kali menembus angka $10 juta. Dan pada tanggal 15 November 2018, Christie’s mencatatkan rekor absolut baru untuk karya seniman yang masih hidup - $90.312.500 untuk lukisan “Potret Seorang Seniman (Kolam dengan Dua Angka).” Dengan hasil ini, David Hockney tidak hanya menduduki puncak peringkat artis yang masih hidup, namun juga menjadi satu-satunya penulis yang masih hidup yang termasuk dalam Artis Top Dunia kami.

13. $87,9 juta. Potret Adele Bloch-Bauer II. 1912

Sebenarnya, “Potret Adele Bloch-Bauer II” (1912) bukanlah yang termahal karya terkenal Gustav Klimt. Sesaat sebelum rekor transaksi lelang ini, terjadi transaksi lain - tertutup, tertutup, dan oleh karena itu hasilnya tidak dapat digunakan untuk pemeringkatan. Tetapi hasilnya sendiri diketahui, atau lebih tepatnya, tidak terbantahkan: gambar lain dari wanita yang sama - “Potret Adele Bloch-Bauer I” dari tahun 1907 - diperoleh melalui mediasi Christie's pada musim panas 2006 oleh raja parfum Ronald Lauder untuk $135 juta. Pada saat itu, jumlah ini merupakan jumlah terbesar yang pernah dibayarkan untuk sebuah karya seni (kemudian dilampaui oleh kesepakatan pribadi dengan karya Jackson Pollock, yang dibeli seharga $160 juta). Jadi secara formal, tempat lelang termahal karya Klimt tetaplah “Potret Adele Bloch-Bauer II” dari tahun 1912, yang dijual di lelang Christie's pada tanggal 8 November 2006 seharga $87,9 juta kepada seorang kolektor yang tidak ingin disebutkan namanya pada hari yang sama mereka menjual tiga lukisan lagi karya Klimt dengan total $103,4 juta.

Karya Klimt sangat jarang muncul di lelang - tiba-tiba empat kanvas dipamerkan sekaligus, bahkan berkualitas museum. Di mana? Sebenarnya mereka dari museum. Mereka dilelang pada akhir perselisihan restitusi yang panjang. Baik potret maupun lukisan lain karya Klimt berada di Austria, milik keluarga seorang produsen gula Yahudi yang kaya, Ferdinand Bloch-Bauer dan istrinya Adele. Adele yang berusia 43 tahun meninggal karena meningitis pada tahun 1925, dan mewariskan lukisan tersebut kepada pemerintah Austria setelah kematian suaminya. Pada tahun 1938, Austria dianeksasi oleh Jerman; Ferdinand Bloch-Bauer sendiri berhasil bersembunyi di Swiss, dan lukisannya, termasuk beberapa karya Klimt, disita, setelah itu sebagian dikirim ke Galeri Belvedere Austria, dan sebagian lagi dijual. Sudah berada di Swiss, Ferdinand Bloch-Bauer menulis ulang surat wasiatnya demi anak-anak saudaranya. Hanya Maria (oleh suaminya Altman), yang sudah berusia 90 tahun, yang bertahan hingga saat ini. Dia meninggalkan Austria menuju Amerika Serikat pada tahun 1942. Sengketa harta sitaan ini sudah berlangsung sejak tahun 2000. Pemerintah Austria mengajukan banding atas satu wasiat, dan ahli waris pada wasiat lainnya. Alhasil, pengadilan arbitrase Austria mendukung posisi Mahkamah Agung AS dan memutuskan untuk mengembalikan lima karya Klimt kepada ahli waris yang dipimpin oleh Maria Altman.

Keputusan ini tidak mudah dan mengejutkan pihak Austria. Pada tahun 2006, bahkan ada laporan bahwa pemerintah meminta warga untuk membeli kembali lukisan tersebut agar dapat disimpan harta nasional di negara tersebut. Saat itu, para ahli memperkirakan harga lima kanvas (termasuk potret yang kemudian dibeli oleh Lauder) tidak kurang dari $245 juta. Bahkan direncanakan untuk menerbitkan obligasi untuk mengumpulkan jumlah yang diperlukan. Ketika idenya gagal, Belvedere (termasuk di bawah tekanan ancaman anonim untuk menghancurkan lukisan-lukisan itu agar tidak sampai ke ahli warisnya), karena bahaya, terpaksa mengeluarkan kanvas-kanvas itu dari pameran.

Gustav Klimt (Gustav Klimt, 1862–1918) adalah seorang inovator yang diakui, pendiri Vienna Secession (sebuah lembaga yang meninggalkan akademisme dalam kreativitas), seorang seniman yang lebih dari satu kali mengejutkan publik di masa-masanya yang tidak lagi puritan. Desas-desus misterius terus-menerus dikaitkan dengan nama Klimt bahwa wanita telanjang, termasuk wanita dari kalangan bangsawan, berjalan di taman artis, menginspirasinya. Klimt sangat diminati semasa hidupnya. Mewujudkan gagasan simbolisme nasional, ia mendapat pengakuan dari otoritas resmi dan pada tahun 1883, Kaisar Franz Joseph I bahkan menganugerahinya penghargaan kekaisaran utama yang tersedia. Artis Austria, - Ordo Jasa Emas. Kebaikan dari pelanggan swasta yang paling berpengaruh dan kaya juga tidak luput dari perhatiannya. Sifat dekoratif, kecanggihan, dan erotisme karya Klimt menjadikannya dekorasi yang diinginkan untuk interior rumah termewah di awal abad kedua puluh. Dan harus dikatakan bahwa seiring berjalannya waktu, hanya sedikit yang berubah dalam upaya ini.

Penjualan karya-karya Klimt dari koleksi Ferdinand Bloch-Bauer oleh ahli waris merupakan kasus unik ketika barang-barang berskala “museum” global dalam arti harfiah muncul di pasaran. Hal ini mungkin terjadi setiap beberapa dekade sekali, itulah sebabnya risikonya sangat besar.

14. $86,9 juta. Oranye, merah, kuning. 1961

Salah satu yang paling banyak artis misterius kemodernan. Jalan hidupnya tampaknya dijalin dari kontradiksi - dalam pencarian kreatif, dalam tindakan, dalam gerak tubuh... Dianggap sebagai salah satu ideolog dan, tentu saja, tokoh kunci dalam ekspresionisme abstrak Amerika, Rothko tidak tahan jika karyanya disebut abstrak. Di masa lalu, karena sangat menyadari apa artinya hidup dari tangan ke mulut, dia pernah dengan menantang mengembalikan uang muka yang sangat fantastis kepada pelanggannya dalam bentuk uang saat ini, meninggalkan pekerjaannya yang hampir selesai seluruhnya. Setelah menunggu kesuksesan dan kesempatan mencari nafkah dari seni lukis selama hampir lima puluh tahun, ia lebih dari satu kali menolak orang-orang yang dapat menghancurkan kariernya jika mereka mau. Setidaknya, sebagai seorang sosialis, yang berbagi ide-ide Marx dan memusuhi orang kaya dan kaya, Rothko akhirnya menjadi penulis lukisan termahal di dunia, yang sebenarnya berubah menjadi atribut status tinggi. pemiliknya. (Bukan lelucon, “White Center” yang memecahkan rekor, terjual seharga $65 juta, berasal dari keluarga Rockefeller.) Bermimpi mendapatkan pengakuan dari khalayak ramai, ia akhirnya menjadi pencipta lukisan yang masih benar-benar hanya dapat dipahami oleh kalangan tertentu. para intelektual dan ahli. Terakhir, seniman yang mencari percakapan dengan Tuhan melalui musik kanvasnya, seniman yang karya-karyanya menjadi elemen sentral dalam desain gereja semua agama, mengakhiri hidupnya dengan tindakan putus asa melawan Tuhan. ..

Rothko, yang mengingat Pale of Settlement dan Cossack, mungkin terkejut karena mereka juga bangga padanya sebagai seniman Rusia. Namun, ada banyak anti-Semitisme di Amerika pada tahun 1930-an - bukan suatu kebetulan jika sang seniman “menebang” nama keluarga Rotkovich. Tapi kami memanggilnya orang Rusia karena suatu alasan. Pertama-tama, berdasarkan fakta kelahiran. Dvinsk Latvia, sekarang Daugavpils, pada saat kelahiran Marcus Rotkovich, adalah bagian dari Rusia dan akan tetap demikian sampai runtuhnya kekaisaran, hingga tahun 1918. Benar, Rothko tidak akan lagi melihat revolusi. Pada tahun 1913, anak laki-laki itu dibawa ke Amerika Serikat, keluarganya pindah ke Portland, Oregon. Artinya, saya menghabiskan masa kecil dan remaja saya di Rusia, tempat persepsi dan pandangan hidup saya terbentuk. Selain fakta bahwa ia dilahirkan di sini, Rothko dikaitkan dengan Rusia, kami mencatat, baik tema ideologis maupun konflik. Diketahui bahwa ia mengapresiasi karya-karya Dostoevsky. Dan bahkan sifat buruk yang dilakukan Rothko karena alasan tertentu dikaitkan dengan orang Rusia. Untuk beberapa alasan, depresi di Barat disebut sebagai “penyakit Rusia”. Tentu saja ini bukan sebuah argumen, melainkan sentuhan lain terhadap integritas sifat seniman Rusia.

Rothko membutuhkan waktu 15 tahun yang panjang untuk membuat penemuan inovatif dalam seni lukis. Setelah melalui banyak hobi figuratif, termasuk surealisme dan ekspresionisme figuratif, pada pertengahan tahun 1940-an ia sangat menyederhanakan struktur lukisannya, membatasi sarana ekspresi pada beberapa blok warna-warni yang membentuk komposisi. Landasan intelektual karyanya hampir selalu merupakan soal interpretasi. Rothko biasanya tidak memberikan jawaban langsung, mengandalkan partisipasi penonton dalam memahami karya tersebut. Satu-satunya hal yang dia andalkan adalah karya emosional penonton. Lukisannya bukan untuk istirahat, bukan untuk relaksasi, dan bukan untuk “pijatan visual”. Mereka dirancang untuk empati. Beberapa melihatnya sebagai jendela yang memungkinkan seseorang melihat ke dalam jiwa pemirsanya, sementara yang lain melihatnya sebagai pintu menuju dunia lain. Ada pendapat (mungkin yang paling mendekati kebenaran) bahwa bidang warnanya adalah gambaran metaforis Tuhan.

Kekuatan dekoratif “bidang warna” dijelaskan oleh sejumlah teknik khusus yang digunakan oleh Rothko. Lukisannya tidak mentolerir bingkai besar - paling banyak tepi tipis sewarna kanvas. Sang seniman sengaja mewarnai tepian lukisan secara gradasi sehingga bidang gambar kehilangan batasnya. Batas kabur pada kotak bagian dalam juga merupakan teknik, cara tanpa kontras untuk menciptakan efek gemetar, blok warna yang tampak tumpang tindih, denyut bintik, seperti kerlap-kerlip cahaya dari lampu listrik. Pelarutan warna yang lembut dalam warna ini terutama dicapai dalam minyak, sampai Rothko beralih ke akrilik buram pada akhir tahun enam puluhan. Dan efek denyut listrik yang ditemukan semakin meningkat jika Anda melihat lukisan dari jarak dekat. Menurut rencana sang seniman, sebaiknya penonton melihat kanvas setinggi tiga meter dari jarak tidak lebih dari setengah meter.

Saat ini lukisan Rothko menjadi kebanggaan siapa pun museum terkenal seni kontemporer. Jadi, di Galeri Tate Inggris terdapat aula Rothko, yang menampung sembilan lukisan dari lukisan yang dilukis berdasarkan kontrak dengan restoran Four Seasons. Ada cerita terkait proyek ini yang cukup menunjukkan karakter Rothko. Pada tahun 1959, artis tersebut didekati atas rekomendasi dari pemilik restoran modis “Seasons”, yang dibuka di gedung pencakar langit Seagram Building yang tidak biasa di New York (dinamai menurut perusahaan yang memproduksi alkohol). Jumlah kontrak dalam uang saat ini hampir $3 juta - biaya yang sangat signifikan bahkan untuk artis yang sudah mapan dan terkenal, seperti Rothko pada saat itu. Namun, ketika pekerjaan hampir selesai, Rothko tiba-tiba mengembalikan uang muka tersebut dan menolak menyerahkannya kepada pelanggan. Di antara alasan utama tindakan mendadak tersebut, para penulis biografi mempertimbangkan keengganan untuk menyenangkan kelas penguasa dan menjamu orang kaya saat makan malam. Rothko juga diyakini kesal ketika mengetahui lukisannya tidak akan dilihat oleh karyawan biasa yang bekerja di gedung tersebut. Namun versi terbarunya terlihat terlalu romantis.

Hampir 10 tahun kemudian, Rothko menyumbangkan beberapa kanvas yang disiapkan untuk Four Seasons ke Galeri Tate di London. Ironi nasib yang pahit, pada tanggal 25 Februari 1970, hari ketika kotak-kotak berisi lukisan mencapai pelabuhan Inggris, sang seniman ditemukan tewas di studionya - dengan pembuluh darahnya terpotong dan (tampaknya untuk jaminan) obat tidur dalam dosis besar di dalamnya. perutnya.

Saat ini, karya Rothko kembali mengalami gelombang minat yang tulus. Seminar diadakan, pameran dibuka, monografi diterbitkan. Di tepi sungai Daugava, di tanah air sang seniman, sebuah monumen didirikan.

Setiap tahun, sekitar 10–15 lukisan karya Rothko saja dilelang di lelang, belum termasuk gambar. Mereka membayar jutaan dan puluhan juta dolar untuk itu. Dan harga seperti itu bukanlah suatu kebetulan, tapi lebih seperti sebuah penghormatan inovasinya, keinginan untuk menemukan lapisan makna baru dan bergabung dengan fenomena kreatif salah satu seniman paling misterius Rusia.

Pada tanggal 8 Mei 2012, pada lelang seni pascaperang dan kontemporer di Christie's, lukisan “Oranye, Merah, Kuning” dari tahun 1961 terjual seharga $86,88 juta (termasuk komisi). Karya tersebut berasal dari koleksi pelindung seni Pennsylvania David Pincus. David dan istrinya Gerry membeli karya berukuran 2,4 × 2,1 meter dari Galeri Marlborough, dan kemudian menyewakannya ke Museum Philadelphia untuk waktu yang lama. museum seni. Lukisan “Oranye, Merah, Kuning” tidak hanya menjadi karya termahal seniman asal Rusia, tetapi juga karya seni pascaperang dan kontemporer termahal yang dijual di lelang terbuka.

15. $85,81 juta. Komposisi suprematis. 1916

Kazimir Severinovich Malevich (1878–1935) tentu saja merupakan salah satu dari lima revolusioner seni paling terkemuka di abad ke-20 dalam skala global. Filsuf, inovator, pengembang pendekatan teoretis baru, ideolog Suprematisme yang menjadi ciri khas Rusia di kancah seni internasional. Karya Malevich adalah kebanggaan museum terbaik dunia dan impian banyak kolektor.

Puncak dari penelitian Malevich dapat disebut karya “Black Square” tahun 1915 (in Galeri Tretyakov salah satu dari empat varian yang masih hidup disimpan). Suatu hal yang memiliki makna metaforis yang tinggi: akhir dari gambar, akhir dari lukisan, titik awal, kebutuhan untuk pengembangan suatu proyek di masa depan. Supremus, seperti yang dikandung oleh penciptanya, adalah tahap tertinggi dari avant-garde, yang mampu membiarkan dirinya sendiri melakukan keringkasan geometris dari sarana ekspresif. Pada tahun dua puluhan, Malevich memperluas sistem filosofisnya ke bidang terapan: Suprematisme menjadi dasar desain dan arsitektur tingkat lanjut. Malevich juga menyadari dirinya sebagai seorang guru, menemukan bakat pada banyak muridnya, yang tetap mengabdi pada ide-idenya bahkan dalam kondisi penganiayaan. Sejarah seni rupa mencakup periode karyanya di UNOVIS (“Asosiasi Pendukung Seni Baru”, Vitebsk - Petrograd (Leningrad), 1919–1922), di Ginkhuk (Institut Kebudayaan Seni Negara, 1923).

Akhir tahun 1920-an ditandai dengan masa represi terhadap para pengembang ide-ide artistik avant-garde. Intinya, “sekolah Malevich” dibubarkan, dan Malevich sendiri ditangkap. Pada tahun 1927, sang seniman berhasil menyembunyikan beberapa karyanya di Berlin selama perjalanan bisnis ke luar negeri dan diyakini dengan demikian menyelamatkan ide-idenya dari pelarangan dan pelupaan. Malevich meninggal pada tahun 1935. Dan karya terbaiknya terkubur di gudang museum Soviet selama beberapa dekade. Mereka hanya bisa dilihat dengan berkenalan di lingkungan museum. Namun demikian, berkat upaya para spesialis dan kolektor yang berdedikasi (misalnya, George Costakis), informasi tentang gagasan Malevich, bisa dikatakan, menyebar secara rahasia di kalangan intelektual Soviet dan memengaruhi bahasa artistik perwakilan seni tidak resmi, seniman tahun enam puluhan.

Karya termahal Kazimir Malevich yang telah dilelang selama hampir 10 tahun adalah “Komposisi Suprematis” tahun 1916. Kemunculan pertama karya ini pada pelelangan umum terjadi pada tanggal 3 November 2008. Enam bulan sebelumnya, pada bulan April 2008, “Komposisi Suprematis” dikembalikan kepada mereka melalui restitusi oleh ahli waris Malevich. Apalagi dikembalikan bukan dari mana pun, melainkan dari koleksi Museum Amsterdam Stedelijk. Pihak museum kemudian harus merelakan sebanyak lima karya Malevich dari koleksinya, padahal pada tahun 1958 Stedelijk membelinya secara sah dari arsitek Hugo Haring. Hanya Hugo Haring yang tidak berhak menjualnya: Malevich menyerahkan karya-karya ini kepadanya untuk penyimpanan sementara, tetapi tidak pernah punya waktu untuk mengambilnya. Secara umum, sebuah mahakarya dengan sumber kristal, segar untuk dipasarkan, menghasilkan rekor $60 juta pada lelang tanggal 3 November 2008. Di antara calon pembeli karya Malevich adalah Roman Abramovich atau pedagang seni kelahiran Suriah David Nahmad. Siapapun pemilik misterius ini, hampir sepuluh tahun kemudian, setelah menunggu jeda yang diperlukan dalam kasus ini, dia bermaksud menjual kembali Malevich miliknya. Kami di AI berasumsi bahwa sebuah karya sebesar itu pasti akan menelan biaya lebih dari $100 juta, dan Kazimir Malevich kami akan bergabung dengan “klub” seniman yang karyanya terjual dengan harga sembilan digit. Namun kami agak melebih-lebihkan minat terhadap Malevich di kalangan kolektor di segmen atas. Harga palu terakhir pada lelang 15 Mei 2018 adalah $85,81 juta. Dengan hasil ini, Malevich tetap berada di peringkat kedua seniman lingkaran seni Rusia dan untuk pertama kalinya masuk peringkat seniman dunia.

16.$84,69 juta. Bunga lili air sedang mekar. OKE. 1914–1917

Jika Anda diminta menyebutkan nama seniman impresionis paling terkenal, nama Claude Monet (1840–1926) mungkin akan menjadi salah satu nama pertama yang muncul. Lukisan Claude Monet-lah yang memberi nama pada seluruh gerakan seni ini. Pada bulan April 1874, setelah melihat lukisan Monet “Impression. Rising Sun" (bahasa Prancis: "Impression, soleil levant"), kritikus Louis Leroy dari surat kabar Le Charivari menulis: "Wallpaper, bahkan wallpaper tersebut akan terlihat lebih lengkap daripada “Impression!” Pendapatnya dianut oleh sebagian besar kritikus pada masa itu - "Kesan" Monet menjadi nama umum negatif untuk seluruh gaya yang tidak dapat dipahami ini, di mana lukisan-lukisannya lebih menyerupai sketsa yang ceroboh dan belum selesai daripada karya yang sudah selesai.

Namun Monet dan teman-teman impresionisnya tidak menghiraukan kritik tersebut dan terus melukis lukisan “impresi” mereka, di mana keadaan alam, udara, awan di langit, dan sinar matahari yang sekilas lebih penting daripada penggambaran semua detailnya. . Keluarga Monet (dan sang seniman menikahi modelnya Camille Doncieux, yang membuat orang tua Claude tidak senang) hidup dalam kemiskinan selama bertahun-tahun: sering kali tidak ada cukup uang tidak hanya untuk cat, tetapi bahkan untuk roti. Berisiko kehilangan tempat tinggal karena hutang sewa, Monet harus secara teratur meminta pinjaman dari teman - penulis Emile Zola, Édouard Manet, dll. Sangat membantu untuk bertemu dengan Marchand Paul Durand-Ruel, terima kasih kepada siapa, menurut Monet's seingatnya, dia dan banyak temannya tidak mati kelaparan saat itu.

Claude Monet mendapat pengakuan hanya setelah empat puluh tahun, dan dia berumur panjang, 86 tahun, hidup lebih lama dari kedua istrinya (Camille meninggal karena TBC, dan 13 tahun kemudian artis tersebut menikahi Alice Hosched) dan putra sulungnya Jean. Di tahun-tahun kemundurannya, Monet mulai kehilangan penglihatannya dengan cepat karena katarak, namun masih terus melukis pemandangan di sekitar rumahnya di Giverny - taman, kolam yang sekarang terkenal dengan jembatan dan bunga lili air. Pada usia 72 tahun, mata kirinya hanya melihat 10% dari normalnya, dan mata kanannya hanya mampu membedakan cahaya. Pada usia 83 tahun, ia memutuskan untuk menjalani operasi, akibatnya mata kanannya mulai melihat segala sesuatu dalam warna biru-ungu. Tidak dapat melihat dunia seperti ini, Monet terus bekerja lebih banyak berdasarkan ingatan. Dan pada tahun-tahun terakhir hidupnya, Monet yang praktis buta menciptakan apa yang kemudian disebut Kapel Impresionisme Sistina - delapan panel besar "Lili Air", yang sekarang disimpan di aula oval Museum Orangerie.

Banyak air yang mengalir di bawah jembatan sejak pameran Impresionis pertama itu, yang mana masyarakat lebih menyombongkan diri daripada mengaguminya. Saat ini, impresionisme telah menjadi salah satu gaya yang paling populer di kalangan masyarakat umum. Retrospeksi Monet yang sama di Paris Grand Palais tahun 2011 dikunjungi 920 ribu orang. Para pecinta seni rela antri selama tiga jam dalam cuaca dingin untuk melihat dua ratus lukisan karya Monet. Dan selama tiga hari terakhir pameran, museum tetap buka sepanjang waktu, dan 40 ribu pengunjung melewati aulanya. Contoh terkini termasuk pameran karya koleksi Sergei Shchukin di Louis Vuitton Foundation, yang menjadi pameran yang paling banyak dikunjungi pada tahun 2017. Pameran (yang harus diperpanjang dua minggu karena popularitasnya yang fenomenal) dikunjungi oleh lebih dari 1,2 juta orang.

Jika kita berbicara soal uang, yang mengukur kecintaan terhadap impresionisme di antara mereka yang mampu, maka jawabannya sederhana: besar. Bagi Claude Monet, rekor selama delapan tahun adalah $80,55 juta, dibayarkan pada puncak pasar seni, pada bulan Juni 2008, untuk karyanya pada akhir tahun 1919 “Pond with Water Lilies.” Pada tahun 2016, rekor ini dipecahkan dengan penjualan kanvas dari seri buku teks dengan tumpukan jerami di Giverny, yang diambil pada waktu yang berbeda dalam sehari dan musim yang berbeda. Lukisan “Haystack” (1890–1891) yang dilelang pada 16 November 2016 terjual seharga $81,45 juta termasuk Buyer's Premium.

Pada bulan Mei 2018, waktunya tiba untuk rekor lain: di lelang Christie, kanvas “Water Lilies in Bloom,” yang dilukis sekitar tahun 1914–1917 di Giverny, terjual seharga $84,687 juta Rockefeller - orang yang sama yang selamat dari enam tahun dan Dia menjalani tujuh transplantasi jantung dan meninggal pada usia 101 tahun. Sesuai wasiat Rockefeller, uang hasil penjualan koleksi tersebut dijanjikan akan didonasikan untuk amal. Menurut saksi mata, tawaran terakhir diterima melalui telepon oleh seorang karyawan Christie’s yang bekerja dengan klien dari Asia. Jadi sepertinya “Lili Air” karya Monet ini akan digantung di suatu tempat di rumah besar atau museum pribadi milik seorang miliarder Tiongkok.

17. Barnett Newman senilai $84,2 juta. Api Hitam I.1961

Rekor Black Fire I karya Barnett Newman benar-benar mengejutkan di lelang Christie pada 13 Mei 2014. Artinya, bukan fakta dari rekor itu sendiri, namun jumlah yang berhasil dicapai para pesaing dalam pertarungan pertaruhan. Karya termahal sebelumnya dari seniman abstrak ini, “Onement VI” berharga $43,8 juta (Sotheby's, 14/05/2013; perkiraan $30–40 juta), yaitu. rekor baru ternyata hampir dua kali lebih tinggi. Perkiraan “Api Hitam” tidak diungkapkan, jadi kita tidak tahu lebih pasti berapa banyak yang terlampaui. Satu hal yang jelas: abstraksi Newman di pasar seni telah mencapai tingkat harga yang sama dengan karya rekan terdekatnya dalam kelompok seniman bernama “lukisan bidang warna”, Mark Rothko.

Newman termasuk dalam generasi pertama ekspresionis abstrak Amerika, yang menjadi cikal bakal sejumlah besar gerakan baru. Seniman seperti Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still, atau Jackson Pollock adalah akar dari cabang seni pasca perang Amerika, dan bagi orang Amerika, mereka berarti apa yang dimaksud Malevich dan Kandinsky bagi kita. Mungkin itulah sebabnya mereka membeli karya mereka dengan uang sebanyak itu. Tidak mengherankan jika dalam beberapa tahun hasil yang sesuai untuk Pollock atau Still muncul di peringkat ini - itu cukup untuk melelang karya agung mereka pada tingkat yang sesuai.

Barnett (Barney) Newman lahir pada tahun 1905 di New York dalam keluarga Yahudi Polandia yang beremigrasi dari Kekaisaran Rusia pada awal abad kedua puluh (jika mereka tinggal lebih lama, kita akan memiliki artis lain di orbit seni Rusia saat ini). Barney belajar melukis sejak usia delapan belas tahun (di Art Student League of New York bersama Duncan Smith, Harry Vicki dan John Sloan), tetapi dia menghancurkan semua karyanya dalam empat puluh tahun pertama hidupnya, termasuk karya-karya dari tahun 1930-an, ketika Newman berbagi studio dengan Adolf Gottlieb. Pada tahun 1930-an, Newman berteman dengan Marcus Rothkovich (yang kemudian menjadi Mark Rothko), dan bersama-sama mereka mengambil kelas melukis dan puisi dengan modernis Milton Avery. Pada tahap awal, Barnett lebih tertarik pada kegiatan sosial dan jurnalistik - ia mencalonkan dirinya untuk jabatan walikota New York, bersama dengan temannya Alexander Borodulin ia menyusun sebuah manifesto “Tentang perlunya inisiatif politik dari masyarakat. art” dan bahkan menerbitkan edisi pertama dan satu-satunya majalah “Response”, yang berfokus pada hak-hak pegawai negeri seperti guru, petugas kebersihan atau petugas pemadam kebakaran.

Pada saat yang sama, Newman mencoba lebih dari satu kali untuk lulus ujian untuk mendapatkan izin permanen mengajar melukis, tetapi semua upaya berakhir dengan kegagalan. Semua ini mengakibatkan pameran protes “Bisakah Kita Menggambar? Dewan Penguji Berkata - Tidak!” (“Bolehkah kita menggambar? Komisi pemeriksa mengatakan tidak!”), tempat dikumpulkannya karya-karya yang ditolak oleh komisi. Pameran tersebut menimbulkan kegemparan di media, Newman diizinkan mengikuti kembali ujian tersebut, tetapi sekali lagi tidak berhasil. Secara umum, hubungan dengan perwakilan seni resmi berkembang dengan berbagai tingkat keberhasilan. Pada tahun 1943, Newman, bersama Rothko dan Gottlieb, menyusun tanggapan terhadap kritik New York Times terhadap pameran modernis Amerika. “Keyakinan estetika” ketiganya adalah sebagai berikut: “Tidak ada gambaran yang bagus tentang apa pun. Kami percaya bahwa tema memainkan peran kunci dan hanya esensi yang kuat, tragis dan abadi."

Beberapa tahun kemudian, sekitar tahun 1947–1948, Newman, seperti yang dia yakini, telah mencapai kematangan kreatif. Sang seniman mengembangkan gayanya sendiri yang dapat dikenali - bidang datar berskala besar dengan warna murni, dipisahkan oleh garis-garis tipis vertikal (ia menyebutnya "ritsleting" - "petir"). “Ritsleting” ini menentukan struktur spasial kanvas; sekaligus membagi dan menyatukan komposisi. Karyanya yang dingin dan tegas, tetapi dalam karya emosionalnya tampak sederhana. Para kritikus menyebut lukisan Newman dengan berbagai cara - baik “pernyataan filosofis tanpa keterampilan artistik” maupun “lukisan murni tanpa tema”. Barnett Newman sendiri menekankan pada kedalaman isi karyanya. Dia memanggil mereka dengan nama karakter alkitabiah atau, misalnya, konsep fiksi "Onement" (menurut sejarawan seni, nama seri "Onement" berasal dari kata "Atonement" - "redemption") dan menginginkannya untuk dilihat secara eksklusif dari jarak dekat.

Karya Newman yang paling mahal, Black Fire I, ditulis pada tahun 1961, bersamaan dengan pembuatan seri Stations of the Cross yang terkenal, di mana palet hitam dan putih yang ketat pertama kali muncul. Namun tidak seperti karya-karya sebelumnya dari Jalan Salib, di Black Fire bidang hitam seolah menyerbu wilayah bidang putih, ia mendominasi. Tepat pada saat ini dia meninggal secara tak terduga adik George Newman. Lukisan membantu seniman mengatasi kepahitan kehilangan; ia mengekspresikan emosinya dalam bahasa abstraksi.

18. $82,5 juta. Potret Dokter Gachet. 1890

Untuk waktu yang sangat lama - dari tahun 1990 hingga 2004 - telapak tangan dalam peringkat penulis terbanyak karya mahal karya seni menurut hasil penjualan lelang adalah milik Vincent van Gogh pasca-impresionis (1853–1890). “Potret Dokter Gachet” (Portrait du Docteur Gachet), yang dilukis oleh seniman tersebut sesaat sebelum kematiannya, dibeli oleh jutawan Jepang Reei Saito di Sotheby's pada Mei 1990 seharga $82,5 juta.

Kisah gambarnya sendiri ternyata mirip dengan cerita detektif. Pada tahun 1896, potret itu dijual oleh istri saudara laki-laki seniman, Theo van Gogh, kepada pedagang seni terkenal, setelah itu lukisan itu berpindah tangan dalam waktu yang lama. Pesan penting berikutnya tentang lukisan itu berasal dari akhir tahun 1930-an, ketika lukisan itu berakhir di Museum Frankfurt, tetapi sudah pada tahun 1938, setelah pameran “Degenerate Art” di Munich, Nazi “mengakuisisi” lukisan itu, tetapi segera menjualnya kembali. ke koleksi Kramarsky. Kemudian lukisan itu berakhir di AS, dan pemilik barunya beremigrasi dari Belanda untuk menghindari Nazi. Setelah kematian mereka, ahli waris memutuskan untuk menjual potret tersebut dan melelangnya di New York pada tahun 1990. Lukisan itu dibeli dengan harga di atas oleh seorang jutawan Jepang, taipan Reei Saito, yang menurut rumor, diwariskan untuk dikuburkan bersama mahakaryanya. Setelah kematian Saito pada tahun 1996, lokasi pasti dari "Potret Dokter Gachet" tidak diketahui untuk waktu yang lama, sehingga menimbulkan banyak spekulasi.

Faktanya adalah Saito, dalam kemarahan yang disebabkan oleh kenyataan bahwa di Jepang ia harus membayar pajak yang sangat tinggi (sekitar $24 juta per tahun), mengatakan bahwa lukisan-lukisan itu akan dibawa ke kuburan bersamanya. Ahli waris jutawan tersebut menolak untuk berbicara tentang nasib mahakarya tersebut, sehingga membenarkan asumsi yang mengecewakan. Namun, nasib lukisan itu mendapat pencerahan dari salah satu pemimpin rumah lelang Tokyo, Kionori Yamamoto, yang mengatakan bahwa lukisan itu dijual di Amerika Serikat dengan “harga yang wajar” – mulai dari $87 hingga $130 juta. Nama pemilik baru tidak diungkapkan. Beberapa waktu kemudian, dilaporkan bahwa lukisan itu menghabiskan waktu selama ini di brankas bank Jepang, pemberi pinjaman Saito, namun bank tersebut sengaja bungkam agar namanya tidak dikaitkan dengan kegagalan peminjam. Meski begitu, hingga saat ini, dalam semua publikasi serius tentang Van Gogh, termasuk katalog, “Potret Dokter Gachet” disertai dengan catatan “Keberadaannya tidak diketahui.”

Di satu sisi, sejarah lukisan itu diselimuti banyak rahasia, termasuk rahasia gila: hampir tidak mungkin untuk berasumsi bahwa orang yang waras, sebagai wasiat terakhir, dapat mengungkapkan keinginannya untuk mengambil lukisan Van Gogh. bersamanya ke kubur. Pada saat yang sama, hal itu sangat sesuai dengan semangat seniman itu sendiri. Atau lebih tepatnya, gagasan kita tentangnya. Bagaimanapun, bagian dari legenda tentang Van Gogh adalah kegilaannya, yang memungkinkan dia untuk melihat ke kedalaman yang tidak dapat diakses oleh manusia biasa. Sebenarnya, itulah mengapa “Potret Dokter Gachet”, seorang dokter yang merawat dari sebuah klinik untuk orang sakit jiwa, sangat menarik. Namun, sehubungan dengan dokter ini, Van Gogh sendiri mengucapkan ungkapan misterius: "Pertama-tama, dia jauh lebih tidak sehat dibandingkan saya, atau setidaknya sama sakitnya."

Di sisi lain, menyembunyikan lokasi sebenarnya dari sebuah mahakarya mungkin memiliki penjelasan yang sangat membosankan. Jika potret tersebut benar-benar ada, maka bisa jadi pemiliknya saat ini, siapa pun dia, takut terulangnya kisah restitusi lukisan Klimt. Pada tahun 1937, "Potret Dr. Gachet" disita oleh antek Goering di Frankfurt Stadel Institute. Jadi, jika dia muncul sekarang, dengan latar belakang preseden lukisan karya Klimt dan Malevich, pemilik sah kemungkinan besar tidak akan melepaskan haknya.

101 tahun sebelum penjualan Potret Dr. Gachet yang belum pernah terjadi sebelumnya, Vincent secara nubuat menulis kepada saudaranya, Theo: “Praktik dalam perdagangan seni yang menaikkan harga setelah kematian sang seniman terus berlanjut hingga hari ini... Harga tertinggi dilaporkan dan dibayar untuk karya seniman yang sudah meninggal tidak akan naik seperti itu selama hidup mereka - ini seperti berdagang bunga tulip, ketika seniman yang masih hidup memiliki lebih banyak kekurangan daripada kelebihan.”

19. $80,75 juta. Berbaring odalisque dengan magnolia. 1923

Henri Matisse (1869–1954), pendiri gerakan artistik seperti “Fauvisme” (dari bahasa Prancis fauve - liar), didorong ke seni, anehnya, oleh radang usus buntu. Pada usia 19 tahun, seorang pegawai pengacara muda, lulusan yang menjanjikan dari Sekolah Ilmu Hukum Paris, Henri Emile Benoit Matisse menderita serangan radang usus buntu. Setelah operasi, dia harus menghabiskan dua bulan di ranjang rumah sakit, dan ibu pemuda tersebut, yang ingin menghibur putranya yang sedang dalam masa pemulihan, membelikannya perlengkapan menggambar. Henri akhirnya menjadi begitu tertarik untuk menggambar ulang kartu pos berwarna sehingga, meskipun mendapat protes dari ayahnya, seorang pedagang biji-bijian yang sukses, dia meninggalkan hukum dan belajar untuk menjadi seorang seniman.

15 tahun kemudian pencarian kreatif Setelah melalui kecintaannya pada impresionisme dan pointillisme, Matisse, bersama teman-temannya Andre Derain, Maurice de Vlaminck, dan lainnya, memilih sendiri yang utama sarana ekspresif warna murni. Bentuk lukisan mereka disederhanakan dan diratakan, pemodelan cahaya dan bayangan memberi jalan pada benturan blok warna lokal yang kontras. Modelnya bisa saja digambarkan dengan hidung berwarna hijau, jika bisa lebih ekspresif. “Saya tidak melukis wanita; Saya melukis,” kata Matisse. Kritikus Louis Vaucelle, setelah melihat lukisan kelompok seniman ini di Salon Musim Gugur pada tahun 1905, menyebut mereka “biadab” (Perancis: les fauves). Nama “Fauves” melekat pada gerakan tersebut, meskipun anggota kelompoknya sendiri tidak pernah mengenalinya.

Kelompok Fauvist bubar beberapa tahun kemudian, dan Matisse melanjutkan kelompoknya cara kreatif, yang mencakup ketertarikan sekilas terhadap kubisme (di bawah pengaruh karya temannya Picasso), dan ketertarikan pada ornamen dan Timur secara umum (setelah melakukan perjalanan ke Aljazair dan Maroko), dan percobaan litografi dan patung, serta pengalaman lukisan monumental(berapa nilai panel “Tarian” dan “Musik”, yang ditulis untuk rumah besar Sergei Shchukin pada tahun 1909), dll., dll. Bakat Matisse yang beraneka segi diapresiasi semasa hidupnya; pamerannya diadakan di seluruh dunia, dan karyanya terjual dengan baik. Saat ini Henri Matisse adalah salah satu artis termahal. Hanya saja, hampir semua karya terbaiknya sudah ada di museum.

Maka pada tanggal 8 Mei 2018, “Reclining Odalisque with Magnolias” (“Odalisque couchée aux magnolias”) dari tahun 1923 disiapkan untuk lelang malam Christie. Karya ini termasuk dalam rangkaian lukisan terkenal dengan odalisque sensual, yang dibuat oleh Matisse di bawah pengaruh suasana santai di selatan Prancis, tempat sang seniman pindah pada tahun 1916. “Reclining Odalisque with Magnolias” dibeli di Autumn Salon oleh dealer Matisse Josset dan Gaston Bernheim-Jeune pada tahun lukisan itu dilukis. Pada tahun 1956, karya tersebut dibeli oleh raja baja Chicago dan kolektor Leigh B. Block, dan hanya beberapa tahun kemudian, Matisse dibeli dari Block oleh David Rockefeller. Sejak itu, lukisan itu, seperti anggur yang baik, telah “menua” dalam satu koleksi, memperoleh aura mahakarya yang setengah terlupakan yang diinginkan oleh pasar seni.

Jadi, seperti yang diharapkan, “Reclining Odalisque with Magnolias” mencetak rekor harga baru untuk karya sang seniman. Christie's mempromosikannya sebagai salah satu karya Matisse terbaik yang pernah dilelang. Perkiraan harga lukisan itu dikabarkan sekitar $70 juta. Pertarungan utama untuk mendapatkan lukisan tersebut terjadi antara kepala departemen seni pascaperang dan kontemporer Christie, Loïc Guzier, dan kepala divisi Asia Christie, Xin Li. Tawaran terakhir datang dari Xin Li (yang berarti pembelinya kemungkinan besar adalah seorang kolektor Asia) - $71,5 juta, dan dengan memperhitungkan komisi, rekornya adalah $80,75 juta. Rekor sebelumnya terlampaui lebih dari $30 juta: itu menjadi milik relief patung "Nude from the Back IV" dari tahun 1930, dijual pada tahun 2010 seharga $48,8 juta termasuk komisi.

20. $78,1 juta. Moulin de la Galette. 1876

Dalam beberapa tahun terakhir, lingkaran pecinta seni yang melakukan transaksi terbuka dengan harga yang luar biasa kurang lebih telah ditentukan, dan setiap pendekatan dan, terutama, pelarian tingkat lelang sebesar $100 juta mengundang analis dan jurnalis untuk memilih siapa di antara kelompok yang tidak terlalu besar. daftarnya bisa menciptakan sensasi selanjutnya.

Pada tahun 1990, tidak ada pilihan, tapi hanya ada satu orang - jutawan yang sama Reei Saito. Sehari (!) setelah ia membeli “Potret Dokter Gachet” karya Van Gogh seharga $82,5 juta, pada tanggal 17 Mei 1990, sudah berada di Sotheby’s, orang Jepang yang eksentrik membeli lukisan karya Auguste Renoir (1841–1919) “Moulin de la Galette” sebesar $78,1 juta. Jumlah yang begitu besar yang dibayarkan oleh satu orang untuk lukisan tersebut kemudian menjadi sensasi nyata di dunia barang antik (siapa yang akan terkejut dengan hal ini hari ini!) dan memperkuat posisi kaum impresionis dan pasca-impresionis sebagai “blue chips” dari pasar seni.

Dalam katalog lelang dan siaran pers sebelum lelang, Sotheby's mendefinisikan lukisan "Moulin de la Galette" (Moulin de la Galette, 1876) sebagai "karya Renoir dengan kualitas terbaik yang muncul di pasar untuk pertama kalinya." bereaksi, dan lukisan itu dilelang dengan harga yang sangat mahal.

Patut dicatat juga bahwa, meskipun lukisan ini termasuk dalam kategori buku teks dalam karya Renoir, setelah kematian sang seniman, lukisan itu hanya diperlihatkan kepada publik satu kali, pada sebuah pameran di Metropolitan Museum of Art pada tahun 1937. Sementara itu, lukisan itu dilukis pada periode ketika, setelah pameran Impresionis yang memalukan pada tahun 1874 di studio Nadar, kesuksesan dan pengakuan datang kepada Renoir, dan gayanya akhirnya terbentuk. Dijual di lelang pada tahun 1990, karya tersebut merupakan pengulangan penulis dari “Moulin de la Galette” yang terkenal pada tahun yang sama, disimpan di Museum Orsay di Paris. Suasana kanvas yang gembira dan gembira, dipenuhi dengan sinar matahari, cinta, dan kesenangan tanpa beban, menjadi ciri khas sang seniman.

Selain kualitas lukisannya yang jelas tinggi, juga nama besar penulis, apa yang membuat lukisan Renoir ini memiliki nilai khusus (bahkan bukan nilai moneter - budaya umum) adalah bahwa lukisan itu dapat dianggap semacam manifesto impresionisme - bersama dengan lukisan terkenal “Impression. Matahari terbit oleh Claude Monet dan Makan Siang di Rumput oleh Edouard Manet. Di sini terdapat segala sesuatu yang dihargai oleh kaum Impresionis: subjek yang diambil dari kehidupan (Renoir menemukan tema lukisan di dekat rumahnya, di Montmartre, di Jalan Cortot, di restoran Moulin de la Galette), dan udara plein (untuk melukis sebuah pemandangan dari kehidupan, dan bukan di bengkel, sang seniman harus membawa kanvas besar itu ke taman, di mana cahaya, bermain, melewati dedaunan pohon akasia, menaburkan tanah dan pakaian para penari dengan warna biru dan refleksi merah muda). Selain itu, sang seniman tidak hanya secara akurat dan gamblang menyampaikan suasana gedung dansa Montmartre tahun 1870-an, tempat pegawai toko, penjahit, seniman muda, penulis, dan aktris berkumpul untuk menari di akhir pekan, tetapi juga digambarkan dalam lukisan itu teman-temannya, orang-orang terkemuka. perwakilan bohemia Paris saat itu - seniman Spanyol Don Pedro Vidal de Solares, pelukis Henri Gervais dan Frederic Corday, serta jurnalis Paul Lot. Secara umum, jika seorang kolektor tertentu ingin mewakili semua tren utama lukisan dalam koleksinya, maka “Moulin de la Galette” karya Renoir akan menjadi cerminan ideal dari esensi impresionisme.

Pembelian lukisan ini seharga $78,1 juta pada saat itu ternyata merupakan usaha yang sangat gagal. Krisis segera terjadi, dan harga karya-karya kaum Impresionis turun hampir dua puluh persen. Booming ini kembali terjadi beberapa tahun kemudian. Tidak diketahui secara pasti apa yang terjadi dengan lukisan itu setelah kematian kolektor Jepang tersebut; tidak ada data tentang lelang terbuka, namun menurut rumor yang belum dikonfirmasi, lukisan dari koleksi Saito itu dijual pada tahun 1998 seharga 50 juta kepada pembeli yang memilikinya. nama tidak diungkapkan. Namun, data lelang tidak dapat dibandingkan secara langsung dengan jumlah transaksi pribadi yang tidak diiklankan.

21. $76,7 juta. Pembantaian orang-orang tak berdosa. OKE. 1609–1611

Di antara para pemimpin penjualan lelang, yang seluruhnya diwakili oleh kaum impresionis, pasca-impresionis, dan modernis, secara tak terduga muncul salah satu “tuan tua” utama - Fleming Peter Paul Rubens (1577–1640) yang terkenal. Pada Juli 2002, lukisannya “Massacre of the Innocents” dijual di Sotheby's seharga $76,7 juta.

Sangat tidak biasa bahwa kanvas dengan plot Injil yang komplekslah yang mencapai harga tinggi - tampaknya, misalnya, "Bacchanalia" dengan wanita cantik montok seharusnya lebih populer. Tapi tidak. Salah satu plot paling kejam dalam Perjanjian Baru adalah eksekusi oleh tentara dari ordo Raja Herodes yang mengerikan.

Mungkin inilah sebabnya penyelenggara lelang dengan hati-hati memperkirakan lukisan itu bernilai £6 juta. Namun, terjadi pertikaian serius antara empat pembeli di lelang tersebut. Lukisan itu akhirnya dibeli oleh pedagang manuskrip London yang bertindak atas nama pembeli anonim. Ternyata kemudian, pembeli sebenarnya adalah kolektor Kanada David Thomson, putra raja surat kabar Lord Thomson, mantan pemilik Times of London.

Mungkin alasan kehebohan yang begitu kuat adalah tingkat kanvas museum - bukan tanpa alasan perwakilan dari sejumlah museum memperebutkannya di lelang, termasuk Museum Getty di Los Angeles. Penemuan tak terduga yang dilakukan oleh seorang ahli di rumah lelang juga berperan. Lukisan Flemish George Gordon. Faktanya, sampai saat ini lukisan itu dikaitkan dengan salah satu murid Rubens, yaitu George Gordon, setelah mempelajari persamaan antara “The Massacre of the Innocents” dan lukisan terkenal Rubens “Samson and Delilah” dari koleksi London National Galeri, mengemukakan bahwa kepenulisan itu bukan milik siswa, melainkan milik guru. Meskipun para ahli dan peneliti terkemuka lukisan Rubens membenarkan kesimpulan ahli Inggris tersebut, perwakilan dari rumah lelang tersebut, jelas, hingga saat ini tidak yakin bahwa mereka telah menerima karya asli sang master, yang dapat menghiasi, tanpa berlebihan, koleksi museum mana pun. .

22. $71 juta. Seorang Gadis Cantik (Potret Nancy Cunard). Konsep 1928. Pengecoran 1932

Miskin anak petani, yang datang dengan berjalan kaki dari Rumania ke Paris, di mana ia ditakdirkan untuk menjadi pionir seni pahat avant-garde modern - beginilah singkatnya kita dapat membayangkan salah satu pematung terhebat abad ke-20, Constantin Brâncuşi (di Paris dia mulai dipanggil cara Perancis Brancusi). Constantin Brancusi (1876–1957), yang datang ke Paris pada tahun 1904 dan tinggal di kota ini hampir sepanjang hidupnya, tidak pernah malu dengan asal usulnya yang sederhana, namun sebaliknya, bangga akan hal itu dan mendukung legenda tentang dirinya dalam setiap hal. cara yang mungkin: dia mengenakan pakaian tradisional petani Rumania bahkan untuk resepsi resmi, dan mengubah bengkelnya di pinggiran Montparnasse menjadi mirip rumah Rumania dengan perabotan ukiran tangan dan perapian tempat dia menggoreng daging di atas jarum rajut besi yang dipahat.

Bakat pematung muncul di Konstantinus ketika dia bekerja sebagai utusan di kota Craiova, Rumania. Di waktu luangnya, Brancusi mulai mengukir figur dari kayu dan suatu hari, menurut legenda, dia membuat biola dari bahan bekas, yang sangat mengesankan industrialis lokal sehingga dia mengirimnya untuk belajar di Sekolah Seni Craiova. Kemudian petani berbakat itu belajar di Sekolah Seni Rupa di Bukares, dan di Paris dia bekerja untuk waktu yang sangat singkat di bengkel Rodin, dari sana dia pergi dengan kata-kata “Tidak ada yang akan tumbuh di bawah naungan pohon-pohon besar.” Namun pengalaman singkat bekerja dengan Rodin ini tentu saja memengaruhi perkembangan Brancusi sebagai pematung - salah satu karya penting pertamanya diberi nama, dengan analogi dengan mahakarya Rodin, “The Kiss” (1907–1908). Hanya saja ini adalah “Ciuman” yang benar-benar berbeda: Brâncuşi beralih dari realisme menuju bentuk-bentuk geometri yang disederhanakan; sosok sepasang kekasih, dipahat dari sebongkah batu, hampir berbentuk persegi, dengan gambar skema rambut, mata, bibir.

Banyak orang memulai sejarah patung abstrak modern dengan “The Kiss” karya Brancusi. Meski penulis sendiri tidak pernah menganggap karyanya abstrak. Menyempurnakan bentuk favoritnya yang terbuat dari batu, marmer, perunggu, kayu (Brâncuşi berulang kali kembali ke serialnya “Kiss”, “Head of the Muse”, “Bird in Space”, “Endless Column”, dll.), pematung berusaha tidak secara harfiah menampilkan penampakan suatu benda atau orang, binatang, tetapi menyampaikan idenya, esensi batinnya. Melalui bentuk-bentuk yang dipoles, Brâncuşi ingin mengekspresikan sifat dasar tertentu yang tersembunyi. Karya-karya pematung Rumania adalah perpaduan menakjubkan antara seni kuno dan kuno, kaya akan mitos dan legenda, dengan ide-ide avant-garde yang sezaman dengan penulisnya.

Patung termahal hingga saat ini karya Constantin Brâncuşi adalah patung perunggu “Gadis Indah (Potret Nancy Cunard)” (dibuat pada tahun 1928; dibuat pada tahun 1932). Pada lelang malam impresionis dan modernis pada 15 Mei 2018, karya ini dibeli seharga $71 juta termasuk komisi. Nancy Cunard adalah seorang penulis, aktivis politik dan salah satu seniman, penyair, dan penulis favorit tahun 1920-an, termasuk Tristan Tzaru, Ernest Hemingway, Man Ray, Louis Aragon, James Joyce, dan lainnya bengkel, tapi tidak pernah secara khusus berpose untuknya. Dia mengetahui bahwa Brancusi menciptakan patung bertuliskan namanya beberapa tahun kemudian. Versi pertama dari karya tersebut, berjudul "La jeune fille sophistiquée (Portrait de Nancy Cunard)", dibuat dengan kayu oleh Brâncuşi antara tahun 1925 dan 1927. Pada tahun 1928, dia memutuskan untuk membuat potret Nancy Cunard dari gangsa. Pada tahun 1932, Brancusi sendiri mencetaknya dalam cetakan gips dalam satu salinan dan memolesnya dengan hati-hati. Dalam bentuk umum, semi-abstrak, pematung menggambarkan kepala Nancy di leher tipis dengan rambut disanggul di bagian belakang kepalanya. bentuk yang kompleks. Mungkin bentuk gaya rambutnya mengacu pada gaya Cunard yang mengeritingkan helai rambutnya di sekitar wajahnya. Brâncuşi, dalam satu patung yang memadukan garis lurus dan lekuk feminin, halus sekaligus patah-patah, bentuk bengkok, ingin menyampaikan keindahan yang kontradiktif salah satu inspirasi utama Roaring Twenties. Dan si jenius Rumania itu pasti berhasil.

23. $70,5 juta Cy Twombly. Tanpa Judul (New York). 1968

Seniman Amerika Cy Twombly (1928–2011) masuk dalam peringkat penulis karya seni termahal di dunia dengan rekor karyanya “Untitled (New York)” dari tahun 1968. Pada lelang malam seni pascaperang dan kontemporer Sotheby pada 11 November 2015, lukisan ini, bagian dari seri Twombly yang disebut “papan”, terjual seharga $70,53 juta, termasuk komisi.

Cy Twombly diakui di seluruh dunia, ia berkali-kali berpartisipasi dalam Venice Biennale, dan membuat lukisan langit-langit di salah satu aula Louvre. Pada saat yang sama, ia masih menjadi salah satu perwakilan ekspresionisme abstrak Amerika yang paling sulit dipahami. Seperti yang ditulis oleh kurator Kirk Varnedou pada kesempatan pembukaan retrospektif Twombly di MoMA pada tahun 1994, “Twombly, pengaruh yang sangat besar pada banyak seniman, telah menjadi rebutan nyata bagi para kritikus. Dia sangat sulit untuk dipahami, dan tidak hanya untuk masyarakat umum: Twombly ternyata asing bahkan bagi para pendiri seni pasca-perang kelas atas.” Apa yang bisa kami katakan tentang non-spesialis, yang sebagian besar bingung: ya, anak saya bisa menggambar lebih baik. Artikel Varnedou yang disebutkan di atas berjudul: “Mengapa Anak Anda Tidak Dapat Melakukannya: Refleksi Karya Cy Twombly.”

Para ahli di Twombly menulis bahwa kedalaman penuh ciptaannya hanya dapat diwujudkan melalui pengenalan pribadi dengan ciptaannya, dan ketika direproduksi, ciptaan itu hilang sama sekali. Semuanya terdiri dari sejumlah besar detail kecil - goresan, lecet, tetesan, kutipan dari puisi Italia dan klasik yang ditulis dengan pensil. Pada tahun 1957, Twombly pindah untuk tinggal di selatan Italia - karena itulah kecintaannya pada sejarah dan puisi Eropa kuno dan abad pertengahan. Karya Twombly juga memuat referensi seni primitif, karya Da Vinci, karya siap pakai Marcel Duchamp, dan karya futuris Italia yang memahami mitologi melalui prinsip abstraksi.

Jauh dari hiruk pikuk dunia seni di New York, lahirlah seorang seniman unik yang relatif terlambat mendapat pengakuan (dibandingkan, misalnya, dengan teman-temannya Robert Rauschenberg dan Jasper Johns). Namun, Twombly tidak terlalu peduli dengan hal ini: sepanjang hidupnya ia menghindari jurnalis dan tidak memperhatikan kritikus seni, yang banyak di antaranya mempertanyakan nilai karyanya. Sementara itu, Twombly bereksperimen dengan gaya melukis - misalnya, ia mencoba melukis dalam gelap agar gambarnya kurang kentara dan jelas.

Apa yang istimewa dari karya yang sama “Untitled (New York)” yang bernilai lebih dari $70 juta? Saat pertama kali melihat ini dan potongan Twombly serupa, perbandingan dengan papan tulis yang digambar di papan sekolah sering kali terlintas di benak Anda. Karya-karya dalam seri ini disebut “papan”. Namun, “papan” ini dilukis dengan cat dan krayon lilin di atas kanvas. Menurut sejarawan seni, dalam “papan” Twombly-nya mencoba menyampaikan kesan waktu dan pergerakan pada permukaan gambar. Garis putih yang ditarik dengan cepat ini dapat dianggap sebagai fenomena alam dan bukan ciptaan tangan manusia. Sang seniman mencatat bahwa hal terpenting baginya adalah “menghidupi” setiap baris, setiap guratan. “Yang penting dalam sebuah lukisan bukanlah gambarnya, bukan ilustrasinya, melainkan perasaan langsung dari penciptaan dan perwujudan yang tersampaikan di dalamnya,” kata Twombly sambil menambahkan: “Saat saya menyelesaikan lukisan lain, biasanya saya menghabiskan waktu beberapa hari. di tempat tidur untuk pulih.” Begitulah keterlibatan seniman dalam proses penciptaan karya. Dan “papan” Cy Twombly juga mengungkapkan komponen Amerika dari sifatnya. Meskipun "papan" pertama dicat di Roma, Twombly kemudian kembali ke New York selama beberapa tahun - "papan" abu-abu, hampir monokrom lebih cocok untuk kota dengan gedung pencakar langit daripada untuk Italia yang cerah. Yah, mungkin sangat sulit bagi orang non-New York untuk memahami apa yang istimewa dari mereka - dalam karya misterius Cy Twombly yang belum diberi judul ini?

24. $70,06 juta. Kontras bentuk. 1913

Pada lelang Christie's pada 13 November 2017, lukisan “Contrast of Forms” karya Fernand Léger (1881–1955), yang dilelang umum untuk pertama kalinya, mencapai rekor artis sebesar $70.062.500, termasuk komisi rumah lelang. . Rekor sebelumnya untuk karya Léger - $39.241.000 - terjadi sejak 2012. Lukisan “Contrast of Forms” dilelang oleh Anna Maria dan Stephen Kellen Foundation. Yayasan berjanji akan menyumbangkan hasil penjualannya untuk amal.

Lukisan “Contrast of Forms” (1913), yang memecahkan rekor lelang, adalah milik karya seniman yang dilukis pada awal tahun 1910-an di Paris. Pada saat itu, Léger telah mengalami ketertarikan masa mudanya dengan impresionisme, sejak tahun 1909 ia melukis dengan gaya kubisme yang modis, tertarik pada abstraksi murni, dan secara aktif berpameran di Salon Musim Gugur dan Salon Independen. Tapi Yang Pertama, yang segera dimulai perang dunia merobek sang seniman dari atmosfer kreatif Paris selama dua tahun dan melemparkannya ke parit dekat Argonne dan Verdun. Setelah penyerangan dengan gas beracun, Léger diberhentikan dari tentara pada tahun 1917 dan kembali berkreasi. Setelah pengalamannya dalam peperangan, salah satu tema penting dalam karyanya adalah tema perjuangan perdamaian. Namun lebih sering lagi, lukisan Fernand Léger mulai mengagungkan realitas perkotaan yang dibuat oleh manusia. Ironisnya, gaya karya figuratif Léger yang dapat dikenali disebut "tubisme" - karena dominasi bentuk tubular dalam komposisinya.

Ngomong-ngomong, fakta bahwa rekor lelang seniman Prancis Fernand Léger dibuat pada lelang di New York tidaklah mengejutkan. Léger, tidak seperti kebanyakan rekannya di Eropa, mencintai Amerika dan sering mengunjunginya, dan dari tahun 1940 hingga 1945 ia tinggal secara permanen di Amerika. Laju kehidupan yang hiruk pikuk di kota-kota besar Amerika, hasrat orang Amerika terhadap inovasi teknologi, dan kecintaan mereka terhadap kehidupan mempunyai pengaruh yang sangat besar pada Léger. Sang seniman sangat menyukai New York dan menyebut kota ini sebagai “sebuah karya seni arsitektur.” Amerika membalasnya. Semasa hidupnya, karya seniman tersebut populer di kalangan taipan Amerika, dan mereka kerap menugaskannya untuk menciptakan karya-karya monumental. Secara khusus, Léger mendekorasi apartemen Nelson A. Rockefeller di New York, dan juga membuat mural besar "Penyelam" di Long Island.

25. $68,9 juta. Wanita sebagai lanskap. 1954–1955

Willem de Kooning adalah salah satu perwakilan utama ekspresionisme abstrak, artis terhebat dan pematung periode pasca perang. Lahir pada tahun 1904 di Rotterdam, pada usia 22 tahun ia berangkat ke Amerika. Selama bertahun-tahun Dia terlibat dalam dekorasi apartemen, jendela toko, pertukangan kayu, dll, dan hanya memiliki waktu luang dari pekerjaan untuk melukis. Namun, selama tahun-tahun ini, De Kooning bertemu dengan banyak perwakilan komunitas artistik New York. Komunikasi dengan Arshile Gorky sangat mempengaruhi pelukis abstrak besar masa depan. Pada akhir tahun 1930-an dan awal tahun 1940-an, gaya Willem de Kooning (dia menambahkan partikel “de” ke nama belakangnya pada tahun 1937) telah terbentuk, dan para ahli mulai berbicara dengan antusias tentang abstraksinya. Pada tahun 1950, De Kooning, Arshile Gorky dan Jackson Pollock sudah mewakili MoMA di Venice Biennale. Namun masyarakat kemudian tidak memahami atau menerima karyanya.

Pada tahun 1953, Willem de Kooning menampilkan serangkaian lima kanvas raksasa wanita yang dilukis dengan gaya impasto, hampir abstrak. Dalam lima lukisan kondang ini, sosok perempuan menjelma menjadi kerusuhan warna yang hanya terkandung dalam bingkai foto. Dari garis-garis hitam tajam, bintik-bintik emas dan perak, terbentuklah kepala, leher, dan batang tubuh, terpotong-potong dalam kekacauan yang terkendali dengan jelas. Perempuan dalam kanvas de Kooning berubah menjadi semacam simbol, sebuah “totem”, yang “dilayani” sang seniman hampir sepanjang hidupnya. karir kreatif.

Kesuksesan komersial yang besar datang ke Willem de Kooning (atau lebih tepatnya, karya-karyanya) selama hidupnya. Pada tahun 1989 (dan saat itu adalah masa booming seni), abstraksi dua meter "Campuran" de Kooning dijual di Sotheby's seharga $20,7 juta, hal yang tidak terpikirkan pada saat itu oleh seniman modern ini: untuk Pada saat itu, penyakit Alzheimer yang progresif membuat sang seniman tidak hanya tidak dapat bekerja, tetapi bahkan mengelola propertinya, yang kemudian dikeluarkan keputusan pengadilan yang sesuai. Namun, selama delapan tahun terakhir hidupnya, Willem de Kooning secara resmi dianggap sebagai penulis karya termahal dari seniman yang masih hidup.

Harga karya seniman abstrak terus meningkat setelah kematiannya pada tahun 1997. Selain itu, beberapa transaksi luar biasa dengan karya Willem de Kooning dilakukan secara pribadi, dan bukan melalui lelang. Kami awalnya mencoba memasukkan semua hasil peringkat kami hanya dari terbuka platform perdagangan, karena kami menganggapnya sebagai cerminan situasi pasar seni yang lebih realistis. Transaksi swasta lebih rentan terhadap pengaruh faktor subjektif: siapa membeli apa, dealer mana yang melakukan transaksi, dan atas dasar penetapan harga. Terkadang seorang jutawan tidak menyesal membayar lebih dua atau tiga kali lipat hanya untuk mendapatkan barang yang diinginkan. Pada lelang, perkiraan tersebut biasanya lebih mendekati kenyataan, tetapi jika beberapa pelamar yang bersemangat muncul untuk pekerjaan tersebut, maka kita dapat mengharapkan perkiraan yang melebihi perkiraan secara signifikan. Namun, hasil lelang terbaik Willem de Kooning sejauh ini tidak bisa dibandingkan dengan penjualan pribadinya.

Pertama-tama, kita berbicara tentang penjualan pribadi lukisan “Wanita III” yang terkenal dari tahun 1953. Karya dari serial “Wanita” karya Willem de Kooning yang terkenal ini telah menjadi koleksi Museum Seni Modern Teheran sejak tahun 1970-an. Namun revolusi Islam yang terjadi di negara tersebut membuat pekerjaan sekuler seperti itu tidak mungkin terus ada di sana. Akibatnya, pada tahun 1994, “Woman III” dijual dan dibawa ke luar Iran. Karya tersebut jatuh ke tangan kolektor Amerika David Geffen, yang kemudian menjualnya kembali melalui transaksi pribadi pada tahun 2006 kepada Steven Cohen dengan harga $137,5 juta pada saat itu. Untuk waktu yang singkat, karya tersebut merupakan karya seni termahal di dunia. Bukan Picasso, bukan Klimt, tapi seorang ekspresionis abstrak Amerika pada paruh kedua abad kedua puluh. Dalam hal ini, hanya Jackson Pollock yang dapat dibandingkan dengan De Kooning, yang abstraksinya, atau “tetesannya”, dibeli dalam transaksi pribadi dengan uang yang sama (beberapa bulan kemudian, pada tahun 2006 yang sama, karya Pollock “No. 5” dijual. dalam transaksi pribadi sebesar $140 juta).

Pada tahun 2016, de Kooning dan Pollock kembali tampil bersama. Orang dalam pasar melaporkan bahwa pada bulan Februari 2016, dalam sebuah transaksi pribadi, miliarder Ken Griffin membeli “Mixture” karya Willem de Kooning seharga $300 juta (sama dengan yang dijual seharga $20,7 juta pada tahun 1989) dan abstraksi Jackson Pollock “Number 17A” seharga $200 juta Ini adalah salah satu kesepakatan seni terbesar di dunia. Harga karya "Confusion" saat ini - $300 juta - membuat karya de Kooning ini setara dengan "Nafea Faa Ipoipo" karya Paul Gauguin ("Kapan Anda akan menikah?") dari tahun 1892, dijual dalam transaksi pribadi di akhir tahun 2014 dengan jumlah yang sama. Jadi, jika kita memperhitungkan tidak hanya hasil lelang, tetapi juga informasi transaksi pribadi, lukisan Willem de Kooning termasuk karya seni termahal di dunia.

Namun pemeringkatan kami didasarkan pada hasil lelang, dan menurut indikator tersebut, Willem de Kooning masih jauh tertinggal dari pemimpin seperti Picasso atau Giacometti. Terlebih lagi, alasan lelang untuk menambahkannya ke artis papan atas dunia baru muncul di akhir tahun 2016. Abstraksi “Untitled XXV” dari tahun 1977 terjual seharga $66,3 juta pada lelang seni pasca perang dan kontemporer di Christie’s pada tanggal 15 November 2016. Dua tahun kemudian, di lelang seni Amerika dari Koleksi Barney Ebsworth Pada 13 November 2018, "Woman as Landscape" karya Willem de Kooning tahun 1954–1955 melampaui rekor sebelumnya. Harga palu dari karya ini, yang dimiliki oleh kolektor seni terkemuka Amerika Barney Ebsworth sejak 1997, adalah $68,9 juta. Ini adalah rekor lelang De Kooning saat ini. Mari kita lihat apa yang terjadi selanjutnya.

26. $65,2 juta. Juni - Oktober 1985. 1985

Seniman abstrak Zhao Wuji (Zao Woi-Ki, 1921–2013) juga dapat dianggap sebagai seniman baik oleh orang Tiongkok maupun Prancis. Lahir di Beijing, ia mempelajari teknik melukis tradisional Tiongkok di Institut Seni Rupa di Hangzhou (dan Zhao Wuji masuk ke sana pada usia 14 tahun), dan kemudian, atas saran gurunya, pergi bersama keluarganya ke Prancis, ke Paris, di mana ia menetap di Montparnasse dan segera memasuki lingkaran modernis, termasuk Pierre Soulages, Nicolas de Stael, Alberto Giacometti dan lain-lain. Untuk mencari gayanya sendiri, sang artis berangkat seni Cina mengikuti tren Barat, dan kemudian mengingat kembali akarnya dan mulai menggunakan teknik tradisional lukisan kuas dan tinta Tiongkok dalam abstraksinya. Sintesis gerakan timur dan barat pada akhirnya menghasilkan lukisan abstrak berukuran besar, yang mulai tahun 1959, Zhao Wuji tidak lagi diberi nama. Saya hanya mencantumkan tanggal penulisan pada judul agar pemirsa tidak terkekang oleh asosiasi judul-judul tertentu yang tak terhindarkan, tetapi dapat mencari makna dalam karya itu sendiri.

Sangat menarik bahwa kesuksesan datang kepada Zhao Wuji selama hidupnya, dan tidak hanya di Barat, dimana hobinya seni abstrak memiliki sejarah yang panjang, tetapi juga di Asia, tempat pamerannya berlangsung dan pelanggan kaya bermunculan. Salah satunya, arsitek kompleks bangunan Raffles City di Singapura, Zhao Wuji melukis triptych besar “Juni-Oktober 1985” dengan panjang 10 meter dan tinggi 2,8 meter. Triptych ini menghiasi lobi gedung utama Raffles City. Pada tanggal 30 September 2018, di lelang Sotheby's di Hong Kong, triptych "Juni - Oktober 1985" disiapkan dengan perkiraan $45 juta, dan dijual seharga $65,2 termasuk komisi. Ini adalah rekor karya Tiongkok yang dilukis dengan minyak di atas kanvas, bukan di atas kanvas teknik tradisional.

27. $60,5 juta. Tirai, kendi, dan mangkuk kolak. OKE. 1893–1894

Kehadiran Paul Cézanne (1839–1906) dalam daftar tersebut merupakan semacam penghormatan atas penemuan dan pencarian sang seniman, yang meletakkan dasar-dasar Kubisme dan sejumlah gerakan lain di abad ke-20. Patut dicatat bahwa lukisan klasik dan khas Cezanne, “Drapery, Jug and Compote Bowl,” dibeli di lelang dengan harga yang memecahkan rekor. Benda mati ini merupakan bagian dari rangkaian enam karya yang menggambarkan objek yang sama. Lukisan itu dijual di Sotheby's pada tahun 1999 seharga $60,5 juta.

Karya ini mengungkapkan semua ciri paling mencolok dari gaya seniman: keinginan untuk mereduksi semua objek menjadi bentuk geometris - silinder, bola dan kerucut, kejernihan warna, bentuk monumental. Jika kaum impresionis mencoba menangkap perubahan ciri-ciri alam, Cezanne menciptakan “lukisan untuk museum”, yang menyampaikan bagian alam yang tak tergoyahkan. Ia berhasil memadukan beberapa sudut pandang objek dalam satu gambar, memadukan teknik perspektif langsung dan terbalik, yang mempersiapkan transisi ke kubisme. Dia melukis benda matinya untuk waktu yang lama, dengan cermat memeriksa gambarnya. Penemuan Cezanne memunculkan seluruh pasukan pengikut ideologisnya, “Cezannenists,” yang berbagi dan mengembangkan ide-ide sang seniman. Pengaruhnya terhadap seni dunia pada pergantian abad dan, tentu saja, seni Rusia (ingat “Jack of Diamonds”) sulit ditaksir terlalu tinggi.

Yulia Maksimova, AI
Vladimir Bogdanov, AI
Maria Onuchina, AI
Anna Savitskaya, AI