Seniman Renaisans Awal. Seniman hebat Renaisans Seniman budaya Renaisans

Renaisans merupakan fenomena fenomenal dalam sejarah umat manusia. Belum pernah lagi terjadi ledakan cemerlang di bidang seni. Pematung, arsitek, dan seniman Renaisans (daftarnya panjang, tetapi kita akan membahas yang paling terkenal), yang namanya diketahui semua orang, memberikan kepada dunia orang-orang Unik dan luar biasa yang tak ternilai harganya yang menunjukkan diri mereka bukan dalam satu bidang, tetapi dalam beberapa bidang. sekaligus.

Lukisan Renaisans awal

Era Renaisans memiliki kerangka waktu yang relatif. Ini dimulai pertama kali di Italia - 1420-1500. Saat ini seni lukis dan segala seni pada umumnya tidak jauh berbeda dengan masa lalu. Namun, unsur-unsur yang dipinjam dari zaman klasik mulai muncul untuk pertama kalinya. Dan hanya pada tahun-tahun berikutnya para pematung, arsitek, dan seniman Renaisans (daftarnya sangat panjang), di bawah pengaruh kondisi kehidupan modern dan tren progresif, akhirnya meninggalkan fondasi abad pertengahan. Mereka dengan berani mengadopsi contoh terbaik seni kuno untuk karya mereka, baik secara umum maupun detail individu. Nama mereka dikenal banyak orang; mari kita fokus pada tokoh yang paling menonjol.

Masaccio - jenius seni lukis Eropa

Dialah yang memberikan kontribusi besar bagi perkembangan seni lukis, menjadi seorang pembaharu yang hebat. Master Florentine ini lahir pada tahun 1401 dalam keluarga seniman artistik, sehingga selera dan keinginan untuk berkreasi ada dalam darahnya. Pada usia 16-17 tahun dia pindah ke Florence, tempat dia bekerja di bengkel. Donatello dan Brunelleschi, pematung dan arsitek hebat, dianggap sebagai gurunya. Komunikasi dengan mereka dan keterampilan yang dianut tidak bisa tidak mempengaruhi pelukis muda itu. Dari dulu, Masaccio meminjam pemahaman baru tentang kepribadian manusia, ciri khas seni pahat. Master kedua memiliki dasar-dasarnya. Para peneliti menganggap “Triptych of San Giovenale” (di foto pertama), yang ditemukan di sebuah gereja kecil dekat kota tempat Masaccio dilahirkan, sebagai karya pertama yang dapat diandalkan. Karya utamanya adalah lukisan dinding yang didedikasikan untuk kisah hidup Santo Petrus. Sang seniman ikut serta dalam penciptaan enam di antaranya, yaitu: “Keajaiban Statir”, “Pengusiran dari Surga”, “Pembaptisan Neophytes”, “Pembagian Harta dan Kematian Ananias”, “Kebangkitan Putra Theophilus ”, “St. Petrus Menyembuhkan Orang Sakit dengan Bayangannya” dan “St. Petrus di Mimbar.”

Seniman Renaisans Italia adalah orang-orang yang mengabdikan dirinya sepenuhnya pada seni, tidak memperhatikan masalah sehari-hari biasa, yang terkadang membawa mereka pada kehidupan yang miskin. Tidak terkecuali Masaccio: sang guru yang brilian meninggal sangat dini, pada usia 27-28 tahun, meninggalkan karya-karya besar dan banyak hutang.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Ini adalah perwakilan dari sekolah pelukis Paduan. Dasar-dasar kerajinannya ia terima dari ayah angkatnya. Gaya tersebut terbentuk di bawah pengaruh karya Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello dan lukisan Venesia. Hal ini menentukan sikap Andrea Mantegna yang agak kasar dan kasar dibandingkan dengan orang Florentine. Ia adalah seorang kolektor dan penikmat karya budaya zaman kuno. Berkat gayanya, tidak seperti yang lain, ia menjadi terkenal sebagai seorang inovator. Karya-karyanya yang paling terkenal: "Dead Christ", "Triumph of Caesar", "Judith", "Battle of the Sea Deities", "Parnassus" (foto), dll. Dari tahun 1460 hingga kematiannya, dia bekerja sebagai pelukis istana untuk Dukes of Gonzaga.

Sandro Botticelli(1445-1510)

Botticelli adalah nama samaran, nama aslinya adalah Filipepi. Ia tidak langsung memilih jalur menjadi seniman, tetapi awalnya mempelajari pengerjaan perhiasan. Dalam karya independen pertamanya (beberapa “Madonna”) orang dapat merasakan pengaruh Masaccio dan Lippi. Kemudian dia juga terkenal sebagai pelukis potret; sebagian besar pesanan datang dari Florence. Sifat karyanya yang halus dan canggih dengan unsur stilisasi (generalisasi gambar menggunakan teknik konvensional - kesederhanaan bentuk, warna, volume) membedakannya dari master lain pada masa itu. Sezaman dengan Leonardo da Vinci dan Michelangelo muda, ia meninggalkan jejak cemerlang pada seni dunia (“The Birth of Venus” (foto), “Spring”, “Adoration of the Magi”, “Venus and Mars”, “Christmas” , dll.). Lukisannya tulus dan sensitif, dan jalan hidupnya rumit dan tragis. Persepsi romantis tentang dunia di usia muda digantikan oleh mistisisme dan pengagungan agama di masa dewasa. Tahun-tahun terakhir hidupnya Sandro Botticelli hidup dalam kemiskinan dan terlupakan.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Pelukis Italia dan perwakilan lain dari awal Renaisans, berasal dari Tuscany. Gaya pengarang terbentuk di bawah pengaruh aliran seni lukis Florentine. Selain bakatnya sebagai seniman, Piero della Francesca memiliki kemampuan luar biasa di bidang matematika, dan mengabdikan tahun-tahun terakhir hidupnya untuk itu, mencoba menghubungkannya dengan seni tinggi. Hasilnya adalah dua risalah ilmiah: “Tentang Perspektif dalam Lukisan” dan “Buku Lima Benda Biasa”. Gayanya dibedakan oleh kekhidmatan, harmoni dan kemuliaan gambar, keseimbangan komposisi, garis dan konstruksi yang tepat, dan rentang warna yang lembut. Piero della Francesca memiliki pengetahuan luar biasa tentang sisi teknis seni lukis dan kekhasan perspektif pada masa itu, yang membuatnya mendapatkan prestise tinggi di antara orang-orang sezamannya. Karya paling terkenal: “The History of the Queen of Sheba”, “The Flagellation of Christ” (foto), “Altar of Montefeltro”, dll.

Lukisan Renaisans Tinggi

Jika Proto-Renaisans dan era awal masing-masing berlangsung hampir satu setengah abad, maka periode ini hanya mencakup beberapa dekade (di Italia dari tahun 1500 hingga 1527). Itu adalah kilatan cahaya yang terang dan mempesona yang memberi dunia seluruh galaksi yang terdiri dari orang-orang hebat, serba bisa, dan brilian. Semua cabang seni berjalan beriringan, begitu banyak master yang juga ilmuwan, pematung, penemu, dan bukan hanya seniman Renaisans. Daftarnya panjang, namun puncak Renaisans ditandai oleh karya L. da Vinci, M. Buanarotti, dan R. Santi.

Jenius Luar Biasa Da Vinci

Mungkin inilah kepribadian yang paling luar biasa dan menonjol dalam sejarah budaya seni dunia. Dia adalah manusia universal dalam arti sebenarnya dan memiliki pengetahuan dan bakat yang paling serbaguna. Seniman, pematung, ahli teori seni, matematikawan, arsitek, ahli anatomi, astronom, fisikawan, dan insinyur - semua ini tentang dia. Apalagi di masing-masing bidang tersebut, Leonardo da Vinci (1452-1519) membuktikan dirinya sebagai seorang inovator. Hanya 15 lukisannya, serta banyak sketsa, yang bertahan hingga saat ini. Memiliki energi vital yang luar biasa dan haus akan ilmu pengetahuan, ia tidak sabar dan terpesona dengan proses belajar itu sendiri. Pada usia yang sangat muda (20 tahun) ia memenuhi syarat sebagai master dari Guild of St. Luke. Karyanya yang paling penting adalah lukisan dinding “Perjamuan Terakhir”, lukisan “Mona Lisa”, “Benois Madonna” (gambar di atas), “Lady with an Ermine”, dll.

Potret seniman Renaisans jarang ditemukan. Mereka lebih suka meninggalkan gambarannya dalam lukisan dengan banyak wajah. Oleh karena itu, kontroversi seputar potret diri da Vinci (foto) terus berlanjut hingga saat ini. Ada versi dia membuatnya pada usia 60 tahun. Menurut penulis biografi, seniman dan penulis Vasari, sang guru besar meninggal di pelukan teman dekatnya Raja Francis I di kastilnya di Clos-Lucé.

Raphael Santi (1483-1520)

Seniman dan arsitek berasal dari Urbino. Namanya dalam seni selalu dikaitkan dengan gagasan keindahan luhur dan harmoni alam. Dalam hidupnya yang cukup singkat (37 tahun), ia menciptakan banyak lukisan, lukisan dinding, dan potret terkenal di dunia. Subyek yang digambarkannya sangat beragam, namun ia selalu tertarik dengan gambar Bunda Allah. Benar sekali jika Raphael disebut sebagai “master of Madonnas,” khususnya lukisan yang ia lukis di Roma. Ia bekerja di Vatikan dari tahun 1508 hingga akhir hayatnya sebagai seniman resmi di istana kepausan.

Sangat berbakat, seperti banyak seniman besar Renaisans lainnya, Raphael juga seorang arsitek dan juga terlibat dalam penggalian arkeologi. Menurut salah satu versi, hobi terbaru berhubungan langsung dengan kematian dini. Diduga, dia terjangkit demam Romawi saat penggalian. Tuan besar dimakamkan di Pantheon. Foto itu adalah potret dirinya.

Michelangelo Buoarroti (1475-1564)

Pria berusia 70 tahun itu cerdas; dia mewariskan kepada keturunannya kreasi yang tidak hanya berupa lukisan, tetapi juga patung. Seperti seniman besar Renaisans lainnya, Michelangelo hidup di masa yang penuh dengan peristiwa sejarah dan pergolakan. Karya seninya adalah catatan akhir yang indah dari seluruh Renaisans.

Sang master menempatkan patung di atas semua seni lainnya, tetapi atas kehendak takdir ia menjadi pelukis dan arsitek yang luar biasa. Karyanya yang paling ambisius dan luar biasa adalah lukisan (foto) di istana Vatikan. Luas lukisan dinding melebihi 600 meter persegi dan berisi 300 sosok manusia. Yang paling mengesankan dan familiar adalah adegan Penghakiman Terakhir.

Seniman Renaisans Italia memiliki beragam bakat. Jadi, hanya sedikit orang yang tahu bahwa Michelangelo juga seorang penyair yang hebat. Aspek kejeniusannya terwujud sepenuhnya menjelang akhir hidupnya. Sekitar 300 puisi bertahan hingga hari ini.

Lukisan Renaisans Akhir

Periode terakhir mencakup periode waktu dari tahun 1530 hingga 1590-1620. Menurut Encyclopedia Britannica, Renaisans sebagai periode sejarah berakhir dengan jatuhnya Roma pada tahun 1527. Sekitar waktu yang sama, Kontra-Reformasi berjaya di Eropa Selatan. Gerakan Katolik memandang dengan hati-hati setiap pemikiran bebas, termasuk pemuliaan keindahan tubuh manusia dan kebangkitan seni zaman kuno - yaitu, segala sesuatu yang merupakan pilar Renaisans. Hal ini mengakibatkan terjadinya gerakan khusus – tingkah laku, yang ditandai dengan hilangnya keselarasan rohani dan jasmani, manusia dan alam. Namun bahkan selama masa sulit ini, beberapa seniman Renaisans terkenal menciptakan karya agung mereka. Diantaranya adalah Antonio da Correggio (dianggap sebagai pendiri klasisisme dan Palladianisme) dan Titian.

Titian Vecellio (1488-1490 - 1676)

Dia dianggap sebagai raksasa Renaisans, bersama dengan Michelangelo, Raphael dan da Vinci. Bahkan sebelum ia berusia 30 tahun, Titian telah mendapatkan reputasi sebagai “raja para pelukis dan pelukis segala raja”. Sang seniman terutama melukis lukisan bertema mitologi dan alkitabiah; terlebih lagi, ia menjadi terkenal sebagai pelukis potret yang hebat. Orang-orang sezaman percaya bahwa ditangkap oleh seorang guru besar berarti mendapatkan keabadian. Dan memang benar. Perintah kepada Titian datang dari orang-orang yang paling dihormati dan mulia: paus, raja, kardinal, dan adipati. Berikut adalah beberapa karyanya yang paling terkenal: “Venus of Urbino”, “The Rape of Europa” (foto), “Carrying the Cross”, “Crown of Thorns”, “Madonna of Pesaro”, “Woman with a Mirror ", dll.

Tidak ada yang diulang dua kali. Era Renaisans memberi umat manusia kepribadian yang cemerlang dan luar biasa. Nama mereka tertulis dalam sejarah seni dunia dengan huruf emas. Arsitek dan pematung, penulis dan seniman Renaisans - daftarnya sangat panjang. Kami hanya membahas para raksasa yang membuat sejarah dan membawa ide-ide pencerahan dan humanisme ke dunia.

Dengan kelengkapan klasik, Renaisans diwujudkan di Italia, dalam budaya Renaisans terdapat periode-periode: Proto-Renaissance atau masa fenomena pra-Renaissance, (“era Dante dan Giotto”, sekitar tahun 1260-1320), sebagian bertepatan dengan periode Ducento (abad ke-13), serta Trecento (abad ke-14), Quattrocento (abad ke-15) dan Cinquecento (abad ke-16). Periode yang lebih umum adalah Renaisans Awal (abad 14-15), ketika tren baru secara aktif berinteraksi dengan Gotik, mengatasi dan mengubahnya secara kreatif.

Serta Renaisans Tinggi dan Akhir, fase khusus di antaranya adalah Mannerisme. Pada era Quattrocento, aliran Florentine, arsitek (Filippo Brunelleschi, Leona Battista Alberti, Bernardo Rossellino dan lain-lain), pematung (Lorenzo Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Antonio Rossellino, Desiderio da Settignano), pelukis (Masaccio) menjadi fokus inovasi dalam semua jenis seni , Filippo Lippi, Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico, Sandro Botticelli) yang menciptakan konsep dunia yang integral secara plastis dengan kesatuan internal, yang secara bertahap menyebar ke seluruh Italia (karya Piero della Francesca di Urbino, Vittore Carpaccio, Francesco Cossa di Ferrara, Andrea Mantegna di Mantua, Antonello da Messina dan saudara-saudara Gentile dan Giovanni Bellini di Venesia).

Wajar jika zaman, yang sangat mementingkan kreativitas manusia yang “ilahi”, memunculkan kepribadian-kepribadian dalam seni yang, dengan segala limpahan bakat pada masa itu, menjadi personifikasi dari seluruh era kebudayaan nasional (“pribadi “titans”, begitu mereka dipanggil secara romantis nanti). Giotto menjadi personifikasi Proto-Renaissance; aspek kebalikan dari Quattrocento - kekerasan konstruktif dan lirik yang penuh perasaan - masing-masing diungkapkan oleh Masaccio, Angelico dan Botticelli. "Titan" dari Renaisans Tengah (atau "Tinggi") Leonardo da Vinci, Raphael dan Michelangelo adalah seniman - simbol dari pergantian besar Zaman Baru. Tahapan terpenting arsitektur Renaisans Italia - awal, tengah, dan akhir - secara monumental diwujudkan dalam karya F. Brunelleschi, D. Bramante, dan A. Palladio.

Selama Renaisans, anonimitas abad pertengahan digantikan oleh kreativitas individu dan kepenulisan. Teori perspektif linier dan udara, proporsi, masalah anatomi dan pemodelan cahaya dan bayangan sangat penting secara praktis. Pusat inovasi Renaisans, “cermin zaman” artistik adalah lukisan ilusi yang hidup; dalam seni religius ia menggantikan ikon, dan dalam seni sekuler memunculkan genre lanskap, lukisan sehari-hari, dan potret yang independen (yang independen). yang terakhir memainkan peran utama dalam penegasan visual cita-cita kebajikan humanistik). Seni ukiran kayu dan logam, yang menjadi tersebar luas selama Reformasi, memperoleh nilai intrinsik akhirnya. Menggambar dari sketsa kerja berubah menjadi jenis kreativitas tersendiri; gaya individual guratan, guratan, serta tekstur dan efek ketidaklengkapan (non-finito) mulai dinilai sebagai efek artistik yang berdiri sendiri. Lukisan monumental juga menjadi indah, ilusi dan tiga dimensi, memperoleh kebebasan visual yang lebih besar dari massa dinding. Semua jenis seni rupa sekarang dalam satu atau lain cara melanggar sintesis abad pertengahan yang monolitik (di mana arsitektur mendominasi), memperoleh kemandirian komparatif. Jenis patung yang benar-benar bulat, monumen berkuda, dan patung patung (dalam banyak hal menghidupkan kembali tradisi kuno) sedang dibentuk, dan jenis batu nisan pahatan dan arsitektur yang benar-benar baru sedang bermunculan.

Selama Renaisans Tinggi, ketika perjuangan untuk cita-cita Renaisans yang humanistik memperoleh karakter yang intens dan heroik, arsitektur dan seni rupa ditandai oleh luasnya suara sosial, generalitas sintetik, dan kekuatan citra yang penuh dengan aktivitas spiritual dan fisik. Di gedung Donato Bramante, Raphael, Antonio da Sangallo, harmoni sempurna, monumentalitas dan proporsionalitas yang jelas mencapai puncaknya; kepenuhan humanistik, imajinasi artistik yang berani, luasnya realitas adalah ciri khas karya para empu seni rupa terhebat di era ini - Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian. Sejak kuartal kedua abad ke-16, ketika Italia memasuki masa krisis politik dan kekecewaan terhadap ide-ide humanisme, karya banyak master memperoleh karakter yang kompleks dan dramatis. Dalam arsitektur Renaisans Akhir (Giacomo da Vignola, Michelangelo, Giulio Romano, Baldassare Peruzzi), minat terhadap pengembangan komposisi spasial dan subordinasi bangunan pada rencana perencanaan kota yang luas meningkat; di gedung-gedung publik, kuil, vila, dan palazzo yang berkembang dengan kaya dan kompleks, tektonik yang jelas dari Renaisans Awal digantikan oleh konflik kekuatan tektonik yang intens (bangunan oleh Jacopo Sansovino, Galeazzo Alessi, Michele Sanmicheli, Andrea Palladio). Lukisan dan patung Renaisans Akhir diperkaya oleh pemahaman tentang sifat kontradiktif dunia, minat menggambarkan aksi massa yang dramatis, dalam dinamika spasial (Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Jacopo Bassano); Karakteristik psikologis gambar dalam karya Michelangelo dan Titian selanjutnya mencapai kedalaman, kompleksitas, dan tragedi internal yang belum pernah terjadi sebelumnya.

sekolah Venesia

Sekolah Venesia, salah satu sekolah seni lukis utama di Italia, yang berpusat di kota Venesia (sebagian juga di kota kecil Terraferma - wilayah daratan yang berbatasan dengan Venesia). Aliran Venesia dicirikan oleh dominasi prinsip gambar, perhatian khusus pada masalah warna, dan keinginan untuk mewujudkan kepenuhan sensual dan warna-warni kehidupan. Berhubungan erat dengan negara-negara Eropa Barat dan Timur, Venesia mengambil dari budaya asing segala sesuatu yang dapat menghiasinya: keanggunan dan kilau keemasan mosaik Bizantium, lingkungan batu bangunan Moor, sifat kuil Gotik yang fantastis. Pada saat yang sama, ia mengembangkan gaya seni aslinya sendiri, yang condong ke arah warna-warni seremonial. Aliran Venesia dicirikan oleh prinsip sekuler, meneguhkan kehidupan, persepsi puitis tentang dunia, manusia dan alam, dan warna yang halus.

Aliran Venesia mencapai masa kejayaannya yang terbesar di era Renaisans Awal dan Tinggi, dalam karya Antonello da Messina, yang membuka kemungkinan ekspresif lukisan cat minyak bagi orang-orang sezamannya, pencipta gambar-gambar harmonis ideal dari Giovanni Bellini dan Giorgione, Titian pewarna terhebat, yang dalam kanvasnya mewujudkan keceriaan dan warna-warni yang melekat pada kebanyakan lukisan Venesia. Dalam karya-karya para empu sekolah Venesia pada paruh kedua abad ke-16, keahlian dalam menyampaikan dunia beraneka warna, kecintaan terhadap tontonan meriah dan beragam kerumunan hidup berdampingan dengan drama yang nyata dan tersembunyi, rasa dinamika dan ketidakterbatasan yang mengkhawatirkan. alam semesta (lukisan Paolo Veronese dan Jacopo Tintoretto). Pada abad ke-17, minat tradisional terhadap masalah warna aliran Venesia dalam karya Domenico Fetti, Bernardo Strozzi dan seniman lainnya hidup berdampingan dengan teknik lukisan Barok, serta tren realistis dalam semangat Caravaggisme. Lukisan Venesia abad ke-18 ditandai dengan berkembangnya lukisan monumental dan dekoratif (Giovanni Battista Tiepolo), genre sehari-hari (Giovanni Battista Piazzetta, Pietro Longhi), lanskap arsitektur dokumenter-akurat - vedata (Giovan Antonio Canaletto, Bernardo Belotto) dan liris, secara halus menyampaikan suasana puitis kehidupan sehari-hari lanskap kota Venesia (Francesco Guardi).

sekolah Florentine

Sekolah Florentine, salah satu sekolah seni Italia terkemuka pada zaman Renaisans, berpusat di kota Florence. Terbentuknya aliran Florentine yang akhirnya terbentuk pada abad ke-15 difasilitasi oleh berkembangnya pemikiran humanistik (Francesco Petrarch, Giovanni Boccaccio, Lico della Mirandola, dll), yang beralih ke warisan jaman dahulu. Pendiri aliran Florentine selama Proto-Renaissance adalah Giotto, yang memberikan komposisinya persuasif yang plastis dan keaslian yang hidup.
Pada abad ke-15, pendiri seni Renaisans di Florence adalah arsitek Filippo Brunelleschi, pematung Donatello, pelukis Masaccio, diikuti oleh arsitek Leon Battista Alberti, pematung Lorenzo Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano, Benedetto da Maiano dan master lainnya. Dalam arsitektur sekolah Florentine pada abad ke-15, palazzo Renaisans tipe baru diciptakan, dan pencarian tipe bangunan candi ideal yang memenuhi cita-cita humanistik dimulai pada zaman itu.

Seni rupa aliran Florentine abad ke-15 dicirikan oleh ketertarikan pada masalah perspektif, keinginan untuk konstruksi figur manusia yang bening secara plastik (karya Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno), dan banyak lagi. dari masternya - spiritualitas khusus dan kontemplasi liris yang intim (lukisan oleh Benozzo Gozzoli , Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi,). Pada abad ke-17, sekolah Florentine mengalami kerusakan.

Referensi dan data biografi "Galeri Seni Planet Teluk Kecil" disiapkan berdasarkan materi dari "Sejarah Seni Asing" (diedit oleh M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), "Ensiklopedia Seni Seni Klasik Asing", "Rusia Hebat Ensiklopedi".

Renaisans, yang berkembang pada abad 15 - 16, menjadi babak baru dalam perkembangan seni rupa, dan seni lukis pada khususnya. Ada juga nama Perancis untuk era ini - Renaisans. Sandro Botticelli, Raphael, Leonardo da Vinci, Titian, Michelangelo adalah beberapa nama terkenal yang mewakili periode waktu tersebut.

Seniman Renaisans menggambarkan karakter dalam lukisannya seakurat dan sejelas mungkin.

Konteks psikologis awalnya tidak disertakan dalam gambar. Para pelukis menetapkan tujuan untuk mencapai kejelasan dalam apa yang mereka gambarkan. Terlepas dari apakah kedinamisan wajah manusia atau detail alam sekitar harus tersampaikan dalam cat seakurat mungkin. Namun seiring berjalannya waktu, aspek psikologis menjadi terlihat jelas pada lukisan Renaisans, misalnya dari potret seseorang dapat menarik kesimpulan tentang ciri-ciri karakter orang yang digambarkan.

Pencapaian budaya seni Renaisans

Pencapaian Renaisans yang tidak diragukan lagi adalah desain gambar yang benar secara geometris. Seniman membangun gambar menggunakan teknik yang dikembangkannya. Hal utama bagi pelukis pada masa itu adalah menjaga proporsi objek. Bahkan alam pun termasuk dalam teknik matematika untuk menghitung proporsionalitas suatu gambar dengan objek lain dalam gambar.

Dengan kata lain, seniman pada masa Renaisans berusaha menyampaikan gambar yang akurat, misalnya seseorang dengan latar belakang alam. Jika kita membandingkannya dengan teknik modern dalam menciptakan kembali gambar yang terlihat pada beberapa kanvas, kemungkinan besar, fotografi dengan penyesuaian selanjutnya akan membantu untuk memahami apa yang diperjuangkan para seniman Renaisans.

Pelukis Renaisans percaya bahwa mereka berhak mengoreksi kelemahan alam Artinya, jika seseorang memiliki ciri wajah yang jelek, seniman mengoreksinya sedemikian rupa sehingga wajahnya menjadi manis dan menarik.

Pendekatan geometris dalam gambar mengarah pada cara baru dalam menggambarkan spasialitas. Sebelum membuat ulang gambar di atas kanvas, seniman menandai lokasi spasialnya. Aturan ini lama kelamaan menjadi mapan di kalangan pelukis pada masa itu.

Pemirsa seharusnya terkesan dengan gambar-gambar dalam lukisan. Misalnya, Raphael mencapai kepatuhan penuh terhadap aturan ini dengan menciptakan lukisan “Sekolah Athena.” Kubah bangunannya sangat mencolok tingginya. Ada begitu banyak ruang sehingga Anda mulai memahami ukuran struktur ini. Dan gambaran para pemikir jaman dahulu dengan Plato dan Aristoteles di tengahnya mengisyaratkan bahwa di dunia Kuno terdapat kesatuan berbagai gagasan filosofis.

Subyek lukisan Renaisans

Jika Anda mulai mengenal lukisan Renaisans, Anda bisa menarik kesimpulan yang menarik. Subjek lukisan terutama didasarkan pada peristiwa yang dijelaskan dalam Alkitab. Lebih sering para pelukis pada masa itu menggambarkan cerita-cerita dari Perjanjian Baru. Gambar paling populer adalah Perawan dan Anak- Yesus Kristus kecil.

Karakternya begitu hidup sehingga orang-orang bahkan memuja gambar-gambar tersebut, meskipun masyarakat memahami bahwa ini bukanlah ikon, mereka berdoa kepada mereka dan meminta bantuan dan perlindungan. Selain Madonna, pelukis Renaisans juga gemar menciptakan kembali gambar Yesus Kristus, rasul, Yohanes Pembaptis, serta episode Injil. Misalnya, Leonardo da Vinci menciptakan lukisan terkenal di dunia “Perjamuan Terakhir”.

Mengapa seniman Renaisans menggunakan subjek? dari Alkitab? Mengapa mereka tidak mencoba mengekspresikan diri dengan membuat potret orang-orang sezamannya? Mungkin mereka mencoba menggambarkan orang biasa dengan karakter bawaan mereka dengan cara ini? Ya, para pelukis pada masa itu berusaha menunjukkan kepada masyarakat bahwa manusia adalah makhluk ilahi.

Dengan menggambarkan adegan-adegan alkitabiah, para seniman Renaisans mencoba memperjelas bahwa manifestasi manusia di bumi dapat digambarkan lebih jelas jika cerita-cerita alkitabiah digunakan. Anda bisa memahami apa itu Kejatuhan, Pencobaan, Neraka atau Surga jika Anda mulai mengenal karya seniman pada masa itu. Sama gambar Madonna menyampaikan kepada kita kecantikan seorang wanita, dan juga membawa pemahaman tentang cinta manusia duniawi.

Leonardo da Vinci

Renaisans menjadi demikian berkat banyaknya tokoh kreatif yang hidup pada masa itu. Terkenal di seluruh dunia Leonardo da Vinci (1452 - 1519) menciptakan sejumlah besar mahakarya yang nilainya mencapai jutaan dolar, dan para penikmat seninya siap merenungkan lukisannya dalam waktu yang lama.

Leonardo memulai studinya di Florence. Lukisan pertamanya, dilukis sekitar tahun 1478, adalah "Madonna Benoit". Lalu ada kreasi seperti “Madonna in the Grotto”, "Mona lisa", “Perjamuan Terakhir” yang disebutkan di atas dan sejumlah mahakarya lainnya, yang ditulis oleh tangan seorang raksasa Renaisans.

Ketelitian proporsi geometris dan reproduksi akurat struktur anatomi seseorang - inilah yang menjadi ciri lukisan Leonard da Vinci. Menurut keyakinannya, seni melukiskan gambar-gambar tertentu di atas kanvas adalah suatu ilmu, bukan sekedar hobi.

Rafael Santi

Raphael Santi (1483 - 1520) dikenal di dunia seni ketika Raphael menciptakan karya-karyanya di Italia. Lukisannya dipenuhi dengan lirik dan keanggunan. Raphael adalah perwakilan Renaisans, yang menggambarkan manusia dan keberadaannya di bumi, dan suka melukis dinding Katedral Vatikan.

Lukisan-lukisan tersebut menunjukkan kesatuan figur, kesesuaian proporsional antara ruang dan gambar, serta harmoni warna. Kemurnian Perawan adalah dasar dari banyak lukisan Raphael. Yang pertama gambar Bunda Maria- Ini adalah Sistine Madonna, yang dilukis oleh seniman terkenal pada tahun 1513. Potret yang dibuat oleh Raphael mencerminkan citra manusia ideal.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli (1445 - 1510) juga seorang seniman Renaisans. Salah satu karya pertamanya adalah lukisan “Adoration of the Magi.” Puisi halus dan lamunan merupakan sikap awalnya dalam bidang penyampaian gambaran seni.

Pada awal tahun 80-an abad ke-15, seniman hebat itu melukis dinding Kapel Vatikan. Lukisan-lukisan dinding yang dibuat oleh tangannya masih menakjubkan.

Seiring berjalannya waktu, lukisannya menjadi bercirikan ketenangan bangunan-bangunan kuno, keaktifan tokoh-tokoh yang digambarkan, dan keserasian gambar. Selain itu, kecintaan Botticelli terhadap menggambar untuk karya sastra terkenal juga diketahui, yang juga menambah ketenaran karyanya.

Michelangelo Buonarotti

Michelangelo Buonarotti (1475 - 1564)- Artis Italia yang juga bekerja pada masa Renaisans. Pria ini, yang banyak kita kenal, melakukan segala yang dia bisa lakukan. Dan patung, lukisan, arsitektur, dan puisi.

Michelangelo, seperti Raphael dan Botticelli, melukis dinding gereja-gereja Vatikan. Lagi pula, hanya pelukis paling berbakat pada masa itu yang terlibat dalam pekerjaan penting seperti melukis gambar di dinding katedral Katolik.

Lebih dari 600 meter persegi Kapel Sistina dia harus menutupinya dengan lukisan dinding yang menggambarkan berbagai adegan alkitabiah.

Karya paling terkenal dalam gaya ini kita kenal sebagai "Penghakiman Terakhir". Makna cerita alkitabiah diungkapkan secara lengkap dan jelas. Ketepatan dalam transfer gambar merupakan ciri khas dari semua karya Michelangelo.

PERHATIAN! Untuk setiap penggunaan materi situs, diperlukan tautan aktif!

Italia adalah negara yang selalu terkenal dengan senimannya. Para master besar yang pernah tinggal di Italia mengagungkan seni di seluruh dunia. Kita dapat mengatakan dengan pasti bahwa jika bukan karena seniman, pematung, dan arsitek Italia, dunia saat ini akan terlihat sangat berbeda. Tentu saja, ini dianggap yang paling penting dalam seni Italia. Italia pada masa Renaisans atau Renaissance mencapai pertumbuhan dan kemakmuran yang belum pernah terjadi sebelumnya. Seniman berbakat, pematung, penemu, jenius sejati yang muncul pada masa itu masih dikenal oleh setiap anak sekolah. Seni, kreativitas, ide, dan perkembangan mereka saat ini dianggap klasik, yang merupakan inti dari seni dan budaya dunia dibangun.

Salah satu jenius paling terkenal dari Renaisans Italia, tentu saja, adalah yang agung Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci begitu berbakat sehingga ia mencapai kesuksesan besar di banyak bidang, termasuk seni rupa dan sains. Artis terkenal lainnya yang merupakan master yang diakui adalah Sandro Botticelli(1445-1510). Lukisan Botticelli adalah anugerah sejati bagi umat manusia. Saat ini, banyak di antaranya berada di museum paling terkenal di dunia dan sungguh tak ternilai harganya. Tak kalah terkenalnya dengan Leonardo da Vinci dan Botticelli Rafael Santi(1483-1520), yang hidup selama 38 tahun, dan selama ini berhasil menciptakan seluruh lapisan lukisan menakjubkan, yang menjadi salah satu contoh mencolok dari Renaisans Awal. Tidak diragukan lagi, jenius hebat lainnya dari Renaisans Italia adalah Michelangelo Buonarotti(1475-1564). Selain melukis, Michelangelo juga terlibat dalam seni pahat, arsitektur, dan puisi, dan mencapai hasil luar biasa dalam jenis seni ini. Patung Michelangelo yang disebut "David" dianggap sebagai mahakarya yang tak tertandingi, contoh pencapaian tertinggi seni patung.

Selain seniman yang disebutkan di atas, seniman terhebat Renaisans Italia adalah master seperti Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi dan lain-lain. Semuanya merupakan contoh cemerlang dari aliran seni lukis Venesia yang menyenangkan. Seniman berikut tergolong dalam sekolah lukisan Itali Florentine: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.

Untuk mencantumkan semua seniman yang bekerja pada masa Renaisans, serta pada akhir Renaisans, dan berabad-abad kemudian, yang menjadi terkenal di seluruh dunia dan mengagungkan seni lukis, dikembangkan prinsip-prinsip dan hukum-hukum dasar yang mendasari semua jenis dan genre seni lukis. seni rupa, Mungkin perlu beberapa volume untuk menulisnya, tetapi daftar ini cukup untuk memahami bahwa seniman-seniman hebat Italia adalah seni yang kita kenal, yang kita cintai, dan yang akan kita hargai selamanya!

Lukisan seniman besar Italia

Andrea Mantegna - Lukisan Dinding di Kamera degli Sposi

Giorgione - Tiga Filsuf

Leonardo da Vinci-Mona Lisa

Nicolas Poussin - Kemurahan Hati Scipio

Paolo Veronese - Pertempuran Lepanto

7 Agustus 2014

Mahasiswa universitas seni dan orang-orang yang tertarik dengan sejarah seni mengetahui bahwa pada pergantian abad 14-15 terjadi perubahan tajam dalam seni lukis - Renaisans. Sekitar tahun 1420-an, semua orang tiba-tiba menjadi lebih baik dalam menggambar. Mengapa gambar tiba-tiba menjadi begitu realistis dan detail, dan mengapa cahaya dan volume muncul dalam lukisan? Tidak ada yang memikirkan hal ini untuk waktu yang lama. Sampai David Hockney mengambil kaca pembesar.

Mari kita cari tahu apa yang dia temukan...

Suatu hari dia sedang melihat gambar Jean Auguste Dominique Ingres, pemimpin sekolah akademik Perancis abad ke-19. Hockney menjadi tertarik melihat gambar kecilnya dalam skala yang lebih besar, dan dia memperbesarnya di mesin fotokopi. Begitulah cara dia menemukan sisi rahasia sejarah seni lukis sejak zaman Renaisans.

Setelah membuat fotokopi gambar kecil Ingres (sekitar 30 sentimeter), Hockney kagum dengan betapa realistisnya gambar tersebut. Dan dia juga merasa bahwa kalimat Ingres adalah sesuatu baginya.
mengingatkan. Ternyata mereka mengingatkannya pada karya-karya Warhol. Dan Warhol melakukan ini - dia memproyeksikan foto ke kanvas dan menguraikannya.

Kiri: detail gambar Ingres. Kanan: Gambar Warhol karya Mao Zedong

Hal yang menarik, kata Hockney. Rupanya, Ingres menggunakan Kamera Lucida - perangkat berupa struktur dengan prisma yang dipasang, misalnya, pada dudukan tablet. Jadi, sang seniman, melihat gambarnya dengan satu mata, melihat gambar sebenarnya, dan dengan mata lainnya - gambar sebenarnya dan tangannya. Hasilnya adalah ilusi optik yang memungkinkan Anda mentransfer proporsi nyata secara akurat ke kertas. Dan justru inilah “jaminan” realisme gambar tersebut.

Menggambar potret menggunakan kamera lucida, 1807

Kemudian Hockney menjadi sangat tertarik dengan jenis gambar dan lukisan “optik” ini. Di studionya, ia dan timnya menggantungkan ratusan reproduksi lukisan yang dibuat selama berabad-abad di dinding. Karya yang terlihat “nyata” dan ada pula yang tidak. Disusun berdasarkan waktu penciptaan dan wilayah - utara di atas, selatan di bawah, Hockney dan timnya melihat perubahan tajam dalam lukisan pada pergantian abad ke-14-15. Secara umum, setiap orang yang mengetahui sedikit pun tentang sejarah seni mengetahui hal ini - Renaisans.

Mungkin mereka menggunakan kamera-lucida yang sama? Itu dipatenkan pada tahun 1807 oleh William Hyde Wollaston. Meskipun sebenarnya alat semacam itu dijelaskan oleh Johannes Kepler pada tahun 1611 dalam karyanya Dioptrice. Lalu mungkinkah mereka menggunakan perangkat optik lain - kamera obscura? Telah dikenal sejak zaman Aristoteles dan merupakan ruangan gelap yang di dalamnya cahaya masuk melalui lubang kecil sehingga di dalam ruangan gelap diperoleh proyeksi apa yang ada di depan lubang tersebut, namun terbalik. Semuanya akan baik-baik saja, tetapi gambar yang diperoleh ketika diproyeksikan oleh kamera lubang jarum tanpa lensa, secara halus, tidak berkualitas tinggi, tidak jelas, membutuhkan banyak cahaya terang, belum lagi ukurannya. dari proyeksi. Namun lensa berkualitas tinggi hampir tidak mungkin dibuat hingga abad ke-16, karena tidak ada cara untuk mendapatkan kaca berkualitas tinggi pada saat itu. Bisnis, pikir Hockney, yang saat itu sudah bergelut dengan fisikawan Charles Falco.

Namun, ada lukisan karya Jan Van Eyck, seorang master dari Bruges, seorang pelukis Flemish pada awal Renaisans, yang berisi sebuah petunjuk. Lukisan itu berjudul “Potret Pasangan Arnolfini”.

Jan Van Eyck "Potret Pasangan Arnolfini" 1434

Lukisan itu bersinar dengan banyak detail, yang cukup menarik, karena baru dilukis pada tahun 1434. Dan petunjuk bagaimana penulis berhasil membuat langkah maju yang begitu besar dalam realisme gambar adalah cermin. Dan juga kandil - sangat rumit dan realistis.

Hockney dipenuhi rasa ingin tahu. Dia mendapat salinan lampu gantung tersebut dan mencoba menggambarnya. Seniman dihadapkan pada kenyataan bahwa hal rumit seperti itu sulit digambar dalam perspektif. Poin penting lainnya adalah materialitas gambar benda logam tersebut. Saat menggambarkan objek baja, sangat penting untuk memposisikan sorotan serealistis mungkin, karena ini memberikan realisme yang luar biasa. Namun permasalahannya adalah highlight ini bergerak ketika mata pemirsa atau artis bergerak, sehingga tidak mudah untuk ditangkap sama sekali. Dan penggambaran logam dan silau yang realistis juga merupakan ciri khas lukisan Renaisans; sebelumnya, para seniman belum pernah mencoba melakukan hal ini.

Dengan membuat ulang model lampu gantung 3D yang akurat, tim Hockney memastikan bahwa lampu gantung di Potret Arnolfini digambar secara akurat dalam perspektif dengan satu titik hilang. Namun masalahnya adalah instrumen optik yang presisi seperti kamera obscura dengan lensa belum ada sekitar satu abad setelah lukisan itu dibuat.

Fragmen lukisan “Potret Pasangan Arnolfini” karya Jan Van Eyck, 1434.

Fragmen yang diperbesar menunjukkan bahwa cermin pada lukisan “Potret Pasangan Arnolfini” berbentuk cembung. Artinya ada juga cermin sebaliknya – cekung. Apalagi pada masa itu cermin dibuat dengan cara ini - diambil bola kaca, bagian bawahnya dilapisi perak, lalu semuanya kecuali bagian bawahnya dipotong. Sisi belakang cermin tidak digelapkan. Artinya cermin cekung Jan Van Eyck bisa jadi sama dengan cermin yang digambarkan dalam lukisan, hanya saja dari sisi sebaliknya. Dan fisikawan mana pun tahu bahwa cermin seperti itu, ketika dipantulkan, memproyeksikan gambaran tentang apa yang dipantulkan. Di sinilah temannya fisikawan Charles Falco membantu David Hockney dalam perhitungan dan penelitian.

Cermin cekung memproyeksikan bayangan menara di luar jendela ke kanvas.

Bagian proyeksi yang jelas dan terfokus berukuran sekitar 30 sentimeter persegi - persis dengan ukuran kepala di banyak potret Renaisans.

Hockney menguraikan proyeksi seorang pria di atas kanvas

Ini misalnya ukuran potret “Doge Leonardo Loredan” karya Giovanni Bellini (1501), potret seorang pria karya Robert Campin (1430), potret sebenarnya Jan Van Eyck “seorang pria bersorban merah ” dan banyak potret awal Belanda lainnya.

Potret Renaisans

Melukis adalah pekerjaan bergaji tinggi, dan tentu saja, semua rahasia bisnis dijaga kerahasiaannya. Hal ini bermanfaat bagi sang seniman karena semua orang yang belum tahu percaya bahwa rahasianya ada di tangan sang master dan tidak dapat dicuri. Bisnis ini tertutup bagi orang luar - para seniman adalah anggota guild, dan juga mencakup berbagai pengrajin - mulai dari pembuat pelana hingga pembuat cermin. Dan di Guild of Saint Luke, yang didirikan di Antwerp dan pertama kali disebutkan pada tahun 1382 (kemudian guild serupa dibuka di banyak kota di utara, dan salah satu yang terbesar adalah guild di Bruges, kota tempat tinggal Van Eyck) juga terdapat ahli pembuatan cermin. .

Beginilah cara Hockney menciptakan kembali bagaimana lampu gantung rumit dari lukisan Van Eyck bisa dilukis. Sama sekali tidak mengherankan jika ukuran lampu gantung yang diproyeksikan Hockney sama persis dengan ukuran lampu gantung dalam lukisan “Potret Pasangan Arnolfini”. Dan tentu saja, sorotan pada logam - pada proyeksinya, mereka berdiri diam dan tidak berubah ketika artis mengubah posisi.

Namun masalahnya masih belum sepenuhnya terselesaikan, karena munculnya optik berkualitas tinggi, yang diperlukan untuk menggunakan kamera obscura, tinggal 100 tahun lagi, dan ukuran proyeksi yang diperoleh dengan menggunakan cermin masih sangat kecil. Bagaimana cara melukis lukisan berukuran lebih dari 30 sentimeter persegi? Mereka diciptakan seperti kolase - dari banyak sudut pandang, itu seperti visi bola dengan banyak titik hilang. Hockney memahami hal ini karena dia sendiri yang membuat gambar seperti itu - dia membuat banyak kolase foto yang menghasilkan efek yang persis sama.

Hampir satu abad kemudian, pada tahun 1500-an kaca akhirnya dapat diperoleh dan diproses dengan baik - lensa besar muncul. Dan akhirnya bisa dimasukkan ke dalam kamera obscura yang prinsip pengoperasiannya sudah dikenal sejak zaman dahulu. Lensa kamera obscura merupakan revolusi luar biasa dalam seni visual karena proyeksinya kini dapat berukuran berapa pun. Dan satu hal lagi, kini gambarnya bukan “wide-angle”, melainkan kira-kira dalam aspek normal - yaitu kurang lebih sama seperti saat ini jika difoto dengan lensa dengan panjang fokus 35-50mm.

Namun, masalah penggunaan kamera lubang jarum dengan lensa adalah proyeksi ke depan dari lensa merupakan bayangan cermin. Hal ini menyebabkan sejumlah besar pelukis kidal pada tahap awal penggunaan optik. Seperti dalam lukisan tahun 1600-an dari Museum Frans Hals ini, di mana pasangan kidal sedang menari, seorang lelaki tua kidal sedang menggoyang-goyangkan jarinya ke arah mereka, dan seekor monyet kidal sedang melihat ke balik gaun wanita tersebut.

Semua orang di gambar ini kidal

Masalahnya diselesaikan dengan memasang cermin ke mana lensa diarahkan, sehingga diperoleh proyeksi yang benar. Namun ternyata cermin yang bagus, halus dan besar harganya mahal, sehingga tidak semua orang memilikinya.

Masalah lainnya adalah fokus. Faktanya, beberapa bagian gambar, pada satu posisi kanvas di bawah sinar proyeksi, tidak fokus dan tidak jelas. Pada karya Jan Vermeer yang penggunaan optiknya cukup kentara, karyanya umumnya terlihat seperti foto, Anda juga bisa melihat tempat-tempat yang tidak “fokus”. Anda bahkan dapat melihat pola yang dihasilkan lensa - “bokeh” yang terkenal kejam. Seperti di sini misalnya pada lukisan “The Milkmaid” (1658), keranjang, roti di dalamnya, dan vas biru tidak fokus. Namun mata manusia tidak dapat melihat “di luar fokus”.

Beberapa bagian gambar tidak fokus

Dan mengingat semua ini, sama sekali tidak mengherankan bahwa teman baik Jan Vermeer adalah Anthony Phillips van Leeuwenhoek, seorang ilmuwan dan ahli mikrobiologi, serta seorang ahli unik yang menciptakan mikroskop dan lensanya sendiri. Ilmuwan menjadi pengurus anumerta sang seniman. Hal ini menunjukkan bahwa Vermeer menggambarkan temannya dalam dua kanvas - "Geographer" dan "Astronom".

Untuk melihat bagian mana pun dalam fokus, Anda perlu mengubah posisi kanvas di bawah sinar proyeksi. Namun dalam kasus ini, kesalahan proporsi muncul. Seperti yang Anda lihat di sini: bahu besar "Anthea" karya Parmigianino (sekitar tahun 1537), kepala kecil "Lady Genovese" karya Anthony Van Dyck (1626), kaki besar seorang petani dalam lukisan karya Georges de La Tour .

Kesalahan dalam proporsi

Tentu saja, semua artis menggunakan lensa secara berbeda. Ada yang untuk sketsa, ada yang dibuat dari bagian yang berbeda - lagi pula, sekarang dimungkinkan untuk membuat potret, dan menyelesaikan yang lainnya dengan model lain atau bahkan dengan manekin.

Hampir tidak ada gambar yang ditinggalkan oleh Velazquez. Namun, mahakaryanya tetap ada - potret Paus Innosensius ke-10 (1650). Ada permainan cahaya yang indah pada mantel paus - jelas sutra. Blikov. Dan untuk menulis semua ini dari satu sudut pandang, dibutuhkan banyak usaha. Namun jika Anda membuat proyeksi, maka semua keindahan ini tidak akan hilang kemana-mana - highlight tidak lagi bergerak, Anda bisa melukis dengan sapuan lebar dan cepat seperti milik Velasquez.

Hockney mereproduksi lukisan Velazquez

Selanjutnya, banyak seniman yang mampu membeli kamera obscura, dan ini tidak lagi menjadi rahasia besar. Canaletto secara aktif menggunakan kamera untuk menciptakan pandangannya tentang Venesia dan tidak menyembunyikannya. Lukisan-lukisan ini, karena keakuratannya, memungkinkan kita berbicara tentang Canaletto sebagai seorang dokumenter. Berkat Canaletto, Anda tidak hanya dapat melihat gambar yang indah, tetapi juga cerita itu sendiri. Anda bisa melihat seperti apa Jembatan Westminster pertama di London pada tahun 1746.

Canaletto "Jembatan Westminster" 1746

Seniman Inggris Sir Joshua Reynolds memiliki kamera obscura dan rupanya tidak memberitahu siapa pun tentang hal itu, karena kameranya dapat dilipat dan terlihat seperti buku. Sekarang berada di Museum Sains London.

Kamera obscura menyamar sebagai buku

Akhirnya, pada awal abad ke-19, William Henry Fox Talbot, menggunakan kamera lucida - kamera di mana Anda harus melihat dengan satu mata dan menggambar dengan tangan, mengutuk, memutuskan bahwa ketidaknyamanan seperti itu harus diakhiri untuk selamanya. semuanya, dan menjadi salah satu penemu fotografi kimia, dan kemudian menjadi pemopuler yang menjadikannya massal.

Dengan ditemukannya fotografi, monopoli lukisan atas realisme suatu gambar lenyap; kini fotografi telah menjadi monopoli. Dan di sini, akhirnya, lukisan melepaskan diri dari lensa, melanjutkan jalur yang dilaluinya pada tahun 1400-an, dan Van Gogh menjadi cikal bakal semua seni abad ke-20.

Kiri: Mosaik Bizantium dari abad ke-12. Kanan: Vincent Van Gogh, Potret Monsieur Trabuc, 1889.

Penemuan fotografi adalah hal terbaik yang terjadi pada seni lukis sepanjang sejarahnya. Tidak perlu lagi menciptakan gambar-gambar nyata secara eksklusif; sang seniman menjadi bebas. Tentu saja, masyarakat membutuhkan waktu satu abad untuk bisa memahami pemahaman para seniman tentang musik visual dan berhenti menganggap orang-orang seperti Van Gogh itu “gila”. Pada saat yang sama, para seniman mulai aktif menggunakan foto sebagai “bahan referensi”. Kemudian orang-orang seperti Wassily Kandinsky, avant-garde Rusia, Mark Rothko, Jackson Pollock muncul. Mengikuti seni lukis, arsitektur, patung dan musik juga memerdekakan diri. Benar, sekolah seni lukis akademis Rusia terjebak dalam waktu, dan saat ini di akademi dan sekolah masih dianggap memalukan jika menggunakan fotografi sebagai alat bantu, dan prestasi tertinggi dianggap sebagai kemampuan teknis murni untuk melukis serealistis mungkin. dengan tangan kosong.

Berkat artikel jurnalis Lawrence Weschler yang hadir saat penelitian David Hockney dan Falco, terungkap fakta menarik lainnya: potret pasangan Arnolfini karya Van Eyck merupakan potret seorang saudagar Italia di Bruges. Tuan Arnolfini adalah seorang Florentine dan, terlebih lagi, dia adalah perwakilan dari bank Medici (praktis para ahli Florence selama Renaisans, mereka dianggap sebagai pelindung seni pada waktu itu di Italia). Apa artinya ini? Fakta bahwa dia dapat dengan mudah membawa rahasia Persekutuan St. Luke - cermin - bersamanya ke Florence, di mana, seperti yang diyakini dalam sejarah tradisional, Renaisans dimulai, dan seniman dari Bruges (dan, karenanya, master lainnya ) dianggap “primitivis.”

Ada banyak kontroversi seputar teori Hockney-Falco. Tapi tentu saja ada benarnya juga. Bagi kritikus seni, kritikus, dan sejarawan, sulit membayangkan berapa banyak karya ilmiah tentang sejarah dan seni yang ternyata hanya omong kosong, namun hal ini mengubah keseluruhan sejarah seni, semua teori dan teksnya.

Fakta penggunaan optik sama sekali tidak mengurangi bakat para seniman - lagipula, teknologi adalah sarana untuk menyampaikan apa yang diinginkan seniman. Dan sebaliknya, fakta bahwa lukisan-lukisan ini memuat realitas yang paling nyata hanya menambah bobotnya - lagipula, seperti inilah rupa orang-orang pada masa itu, benda-benda, tempat-tempat, kota-kota. Ini adalah dokumen aslinya.