การทาสีเกี่ยวอะไรกับมัน? ประเภทหลักของการวาดภาพโดยศิลปินชาวรัสเซียพร้อมตัวอย่างภาพวาด

จิตรกรรม-มุมมอง ทัศนศิลป์ซึ่งประกอบด้วยการสร้างสรรค์ภาพวาดและภาพวาดที่สะท้อนความเป็นจริงได้อย่างเต็มที่และเหมือนมีชีวิตมากที่สุด

งานศิลปะที่ทำด้วยสี (น้ำมัน เทมเพอรา สีน้ำ gouache ฯลฯ) ที่ทาบนพื้นผิวแข็งใดๆ เรียกว่าจิตรกรรม วิธีการวาดภาพหลักที่แสดงออกคือสีความสามารถในการทำให้เกิดความรู้สึกและการเชื่อมโยงต่างๆช่วยเพิ่มอารมณ์ความรู้สึกของภาพ โดยปกติแล้วศิลปินจะวาดสีที่จำเป็นสำหรับการวาดภาพบนจานสี จากนั้นเปลี่ยนสีให้เป็นสีบนระนาบการวาดภาพ โดยสร้างลำดับสี - การระบายสี ตามลักษณะของการผสมสี อาจเป็นสีที่อบอุ่นและเย็น ร่าเริงและเศร้า สงบและตึงเครียด สว่างและมืดมน

ภาพในภาพวาดนั้นมองเห็นได้ชัดเจนและน่าเชื่อถือมาก การวาดภาพสามารถถ่ายทอดปริมาตรและพื้นที่ ธรรมชาติบนเครื่องบิน เผยให้เห็นโลกที่ซับซ้อนของความรู้สึกและตัวละครของมนุษย์ รวบรวมความคิดที่เป็นสากล เหตุการณ์ในอดีตทางประวัติศาสตร์ ภาพในตำนาน และการบินแห่งจินตนาการ

ต่างจากการวาดภาพในฐานะวิจิตรศิลป์ประเภทอิสระ วิธีการวาดภาพ (วิธีการ) สามารถนำไปใช้ในประเภทอื่นๆ ได้ เช่น ในการวาดภาพ กราฟิก และแม้แต่ในประติมากรรม แก่นแท้ของแนวทางการถ่ายภาพคือการพรรณนาวัตถุที่มีความสัมพันธ์กับสภาพแวดล้อมแสงและอากาศเชิงพื้นที่โดยรอบ ด้วยการไล่ระดับการเปลี่ยนโทนสีอย่างละเอียด

ความหลากหลายของวัตถุและเหตุการณ์รอบโลกอย่างใกล้ชิด

ความสนใจของศิลปินที่มีต่อพวกเขานำไปสู่การเกิดขึ้นในช่วงวันที่ 17 -

ศตวรรษที่ XX ประเภทของการวาดภาพ: ภาพบุคคล, ภาพหุ่นนิ่ง, ภูมิทัศน์, สัตว์, ในชีวิตประจำวัน (ประเภทจิตรกรรม), ตำนาน, ประวัติศาสตร์, ประเภทการต่อสู้ ในงานศิลปะอาจมีการผสมผสานประเภทหรือองค์ประกอบต่างๆ ตัวอย่างเช่น หุ่นนิ่งหรือทิวทัศน์สามารถเสริมภาพแนวตั้งได้สำเร็จ

ตามเทคนิคทางเทคนิคและวัสดุที่ใช้ การทาสี สามารถแบ่งได้เป็นประเภทต่างๆ ดังนี้ น้ำมัน เทมเพอรา แว็กซ์ (encaustic) เคลือบฟัน กาว สีน้ำบนปูนปลาสเตอร์เปียก (ปูนเปียก) เป็นต้น ในบางกรณีอาจทำได้ยาก แยกภาพวาดออกจากกราฟิก ผลงานที่ทำด้วยสีน้ำ สี gouache และสีพาสเทลสามารถเกี่ยวข้องกับทั้งการวาดภาพและกราฟิก

การทาสีอาจเป็นชั้นเดียว เสร็จทันที หรือหลายชั้น รวมถึงการทาสีด้านล่างและการเคลือบ ชั้นสีโปร่งใสและโปร่งแสงที่ใช้กับชั้นสีแห้ง สิ่งนี้บรรลุผลสำเร็จ ความแตกต่างที่ดีที่สุดและเฉดสี

โดยวิธีการที่สำคัญ การแสดงออกทางศิลปะในการวาดภาพ นอกจากสี (สี) แล้ว จุดและลักษณะของลายเส้น การรักษาพื้นผิวสี (พื้นผิว) ค่าที่แสดงการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อยในโทนสีขึ้นอยู่กับแสง การสะท้อนกลับที่ปรากฏจากการโต้ตอบ ของสีที่อยู่ติดกัน

การสร้างปริมาตรและพื้นที่ในการทาสีสัมพันธ์กับมุมมองเชิงเส้นและโปร่งสบาย คุณสมบัติเชิงพื้นที่ของสีที่อบอุ่นและเย็น การสร้างแบบจำลองแสงและเงา และการถ่ายโอนโทนสีโดยรวมของผืนผ้าใบ ในการสร้างภาพนอกจากสีแล้วคุณยังต้องมี การวาดภาพที่ดีและองค์ประกอบที่แสดงออก ตามกฎแล้วศิลปินเริ่มทำงานบนผืนผ้าใบโดยค้นหาวิธีแก้ปัญหาที่ประสบความสำเร็จสูงสุดในภาพร่าง จากนั้นเขาก็วาดภาพร่างชีวิตที่งดงามมากมาย

รวบรวมองค์ประกอบที่จำเป็นขององค์ประกอบ งานจิตรกรรมสามารถเริ่มต้นด้วยการวาดองค์ประกอบด้วยแปรง การทาสีด้านล่าง และ

วาดภาพบนผืนผ้าใบโดยตรงด้วยวิธีภาพอย่างใดอย่างหนึ่ง ยิ่งกว่านั้นแม้แต่ภาพร่างและภาพร่างขั้นเตรียมการบางครั้งก็มีความเป็นอิสระ คุณค่าทางศิลปะโดยเฉพาะอย่างยิ่งหากเป็นพู่กันของจิตรกรชื่อดัง จิตรกรรมเป็นศิลปะที่เก่าแก่มากซึ่งมีวิวัฒนาการมาหลายศตวรรษตั้งแต่ภาพเขียนหินยุคหินเก่าไปจนถึงเทรนด์ล่าสุดในการวาดภาพในศตวรรษที่ 20 การวาดภาพมีความเป็นไปได้มากมายในการบรรลุแนวคิดต่างๆ ตั้งแต่ความสมจริงไปจนถึงนามธรรม สมบัติทางจิตวิญญาณขนาดมหึมาได้ถูกสะสมไว้ในระหว่างการพัฒนา ในสมัยโบราณ มีความปรารถนาที่จะสร้างโลกแห่งความเป็นจริงตามที่บุคคลมองเห็น สิ่งนี้ทำให้เกิดการเกิดขึ้นของหลักการของไคอาโรสคูโร องค์ประกอบของเปอร์สเปคทีฟ และการเกิดขึ้นของภาพเชิงปริมาตรและเชิงพื้นที่ ความเป็นไปได้ใหม่ๆ ในการนำเสนอความเป็นจริงผ่านวิธีการทางภาพได้เปิดกว้างขึ้นแล้ว จิตรกรรมใช้ตกแต่งวัด ที่อยู่อาศัย สุสาน และโครงสร้างอื่นๆ และเป็นศิลปะที่ผสมผสานความเป็นหนึ่งเดียวกับสถาปัตยกรรมและประติมากรรม

การวาดภาพในยุคกลางมีเนื้อหาเกี่ยวกับศาสนาเป็นส่วนใหญ่ มันโดดเด่นด้วยการแสดงออกของเสียงดังซึ่งส่วนใหญ่เป็นสีท้องถิ่นและการแสดงออกของรูปทรง

ตามกฎแล้วพื้นหลังของจิตรกรรมฝาผนังและภาพวาดนั้นเป็นแบบธรรมดานามธรรมหรือสีทองซึ่งรวบรวมความคิดอันศักดิ์สิทธิ์ด้วยการริบหรี่อันลึกลับ บทบาทที่สำคัญสัญลักษณ์ของการเล่นสี

ในช่วงยุคเรอเนซองส์ ความรู้สึกของการประสานกันของจักรวาล ลัทธิมานุษยวิทยา (มนุษย์เป็นศูนย์กลางของจักรวาล) สะท้อนให้เห็นในการจัดองค์ประกอบภาพในหัวข้อทางศาสนาและตำนาน ในภาพบุคคล ชีวิตประจำวัน และ ฉากประวัติศาสตร์โอ้. บทบาทของการวาดภาพเพิ่มขึ้นโดยพัฒนาระบบเชิงเส้นและตามหลักวิทยาศาสตร์ มุมมองทางอากาศ, ไคอารอสคูโร

ภาพวาดนามธรรมปรากฏขึ้นซึ่งบ่งบอกถึงการปฏิเสธความเป็นรูปเป็นร่างและการแสดงออกอย่างแข็งขันของทัศนคติส่วนตัวของศิลปินต่อโลกอารมณ์ความรู้สึกและธรรมเนียมของสีการพูดเกินจริงและรูปทรงเรขาคณิต

รูปแบบ การตกแต่ง และการเชื่อมโยงของการแก้ปัญหาเชิงองค์ประกอบ

ในศตวรรษที่ 20 การค้นหาสีใหม่และวิธีการสร้างสรรค์ทางเทคนิคยังคงดำเนินต่อไป ภาพวาดซึ่งจะนำไปสู่การเกิดขึ้นของรูปแบบใหม่ในการวาดภาพอย่างไม่ต้องสงสัย แต่การวาดภาพสีน้ำมันยังคงเป็นหนึ่งในเทคนิคที่ศิลปินชื่นชอบมากที่สุด

ประเภทของศิลปกรรม

จิตรกรรม

การวาดภาพก็เป็นหนึ่งใน สายพันธุ์ที่เก่าแก่ที่สุดศิลปะที่เกี่ยวข้องกับการส่งภาพที่มองเห็นผ่านการใช้สีบนฐานแข็งหรือยืดหยุ่น งานจิตรกรรมที่พบบ่อยที่สุดคืองานบนพื้นผิวเรียบหรือเกือบเรียบ เช่น ผ้าใบที่ขึงบนเปล ไม้ กระดาษแข็ง กระดาษ พื้นผิวผนังที่ผ่านการบำบัด ฯลฯ ในความหมายที่แคบ คำว่า จิตรกรรม จะตรงกันข้ามกับงานที่สร้างขึ้นบน กระดาษที่ใช้คำว่า - ศิลปะภาพพิมพ์

อิรินา ชานโก
"มีนาคม บนชายฝั่งอ่าวฟินแลนด์"
ผ้าใบน้ำมัน
33/58
2554

การจัดหมวดหมู่.

การวาดภาพสามารถแบ่งออกเป็นขาตั้งและอนุสาวรีย์ได้ ต่อไปนี้เป็นการแบ่งโดยประมาณเป็นประเภทเหล่านี้ แม้ว่าวัสดุเกือบทั้งหมดของการวาดภาพขาตั้งสามารถนำไปใช้ในการวาดภาพอนุสาวรีย์ได้ การวาดภาพขาตั้งรวมถึงงาน "ขนาดเล็ก" ที่สามารถวางบนขาตั้งหรือหลาย ๆ อันได้ การวาดภาพแบบอนุสรณ์สถานซึ่งโดยปกติแล้วจะไม่ได้รับการยอมรับเป็นพื้นฐาน - ผนังเพดาน ฯลฯ

ขาตั้ง:

การวาดภาพสีน้ำมันเป็นเทคนิคที่ใช้สีที่มีน้ำมันพืชเป็นตัวประสานหลัก สีน้ำมันประกอบด้วยเม็ดสีแห้งและน้ำมันแห้ง

Shanko Irina, "เรือนอน", สีน้ำมันบนผ้าใบ, 50/60, 2014

ภาพวาดเทมเพอรา เครื่องผูก คือ ไข่แดงของไข่ไก่

ภาพวาดประเภทนี้ได้ชื่อมาจากชื่อสี - อุบาทว์ คำนี้มีพื้นฐานมาจากภาษาละติน temperare ซึ่งแปลว่า "ผสม" เทคโนโลยีการผลิตสีนี้มีประมาณดังนี้ เม็ดสีถูกบดด้วยน้ำและทำให้แห้ง จากนั้นนำไปผสมกับไข่ กาวเจือจาง น้ำส้มสายชู ไวน์หรือเบียร์

เทคนิคการวาดภาพด้วยอุบาทว์ประกอบด้วยการทาหลายชั้นตามลำดับ เคลือบสีบางๆ ลงบนพื้นผิวที่เตรียมไว้ ขั้นแรก ศิลปินร่างเค้าโครง พรรณนาสภาพแวดล้อม ธรรมชาติ และเสื้อผ้า มีการวาดภาพคนในขั้นตอนสุดท้าย ในเวลาเดียวกันในการวาดภาพอุบาทว์เป็นสิ่งสำคัญมากที่แต่ละชั้นจะแห้งดีไม่เช่นนั้นชั้นที่ตามมาอาจเบลอได้ โชคดีที่โครงสร้างของสีช่วยให้สีแห้งเร็วมาก ดังนั้นงานของศิลปินในภาพจึงดำเนินไปเกือบต่อเนื่อง

Andrei Rublev, "Trinity", 1411 หรือ 1425-27, ไม้, อุบาทว์, 142/114 ซม., หอศิลป์ State Tretyakov, มอสโก

_____________________________________________________________________________________________________

การทาสีด้วยกาวโดยใช้กาวจากสัตว์ เทคนิคที่กาวทำหน้าที่เป็นตัวประสานเม็ดสี: สัตว์ (ปลา เนื้อ กระดูก เคซีน) หรือพืช (แป้ง หมากฝรั่ง ทรากาแคนท์)

สีในการทากาวมีความทึบแสง ทึบแสง พื้นผิวการทาสีเป็นแบบด้าน ที่ เนื้อหาที่ยอดเยี่ยมกาวในสีทำให้พื้นผิวเงางามและสีมีความเข้มข้นมากขึ้น

แมรี่กับพระเยซูที่หลับใหล ค.ศ. 1455

_____________________________________________________________________________________________________

การวาดภาพแบบ Encaustic การวาดภาพด้วยสีขี้ผึ้ง

Encaustic (จากภาษากรีกโบราณ ἐγκαυστική - [ศิลปะแห่งการเผาไหม้]) เป็นเทคนิคการวาดภาพโดยใช้ขี้ผึ้งเป็นตัวประสานสี การทาสีเสร็จสิ้นด้วยสีที่ละลายแล้ว (จึงเป็นที่มาของชื่อ)

อัครสาวกเปโตร (ต้นศตวรรษที่ 6)

_____________________________________________________________________________________________________

อนุสาวรีย์:

Fresco หนึ่งในเทคนิคการทาสีผนังที่โดดเด่นด้วยการทาสีบนปูนปลาสเตอร์เปียก

Fresco (จากอิตาลี fresco - สด), affresco (Italian affresco) - การทาสีบนปูนปลาสเตอร์เปียกเป็นหนึ่งในเทคนิคการทาสีผนัง ซึ่งตรงกันข้ามกับ "A secco" (การทาสีบนแห้ง) เมื่อแห้ง ปูนขาวที่อยู่ในปูนปลาสเตอร์จะเกิดเป็นฟิล์มแคลเซียมใสบางๆ ทำให้ปูนเปียกมีความคงทน

ในปัจจุบัน คำว่า "ปูนเปียก" สามารถใช้หมายถึงจิตรกรรมฝาผนังใดๆ ก็ตาม โดยไม่คำนึงถึงเทคนิค (เซคโก เทมเพอรา ภาพวาดสีน้ำมัน จิตรกรรมสีอะครีลิค ฯลฯ) บางครั้งพวกเขาก็วาดภาพบนปูนเปียกที่แห้งแล้วด้วยอุบาทว์

จิตรกรรมฝาผนังโรมัน 40-30 ปีก่อนคริสตกาล จ.

_____________________________________________________________________________________________________

และ secco ตรงกันข้ามกับปูนเปียกคือการวาดภาพบนปูนปลาสเตอร์แห้ง

และ secco เรียกอีกอย่างว่าการทาสีเคซีนและการทาสีซิลิเกต (การทาสีแร่เป็นความหลากหลายทางเทคนิค ภาพวาดที่ยิ่งใหญ่โดยอาศัยการใช้แก้วที่ละลายน้ำได้เป็นตัวประสาน) บนปูนปลาสเตอร์แห้ง ใช้สำหรับงานพื้นผิวทั้งภายในและภายนอกอาคาร เทคนิคนี้ช่วยให้สามารถปรับอุณหภูมิในภายหลังและล้างด้วยน้ำสะอาดได้

เลโอนาร์โด ดา วินชี. กระยาหารค่ำมื้อสุดท้าย ค.ศ. 1498

_____________________________________________________________________________________________________

Sgraphito จิตรกรรมฝาผนังซึ่งเป็นสาระสำคัญของการทาสีหลายระดับ

Sgraffito (Italian sgraffito) หรือ graffito (Italian graffito) - เทคนิคในการสร้าง ภาพผนังข้อดีคือมีความทนทานสูง

กรณีที่ง่ายที่สุดของสกราฟฟิโตสองสีคือการใช้ปูนปลาสเตอร์หนึ่งชั้นกับผนังซึ่งมีสีแตกต่างจากฐาน หากคุณเกาเลเยอร์ในบางสถานที่ ส่วนล่างที่มีสีต่างกันจะถูกเปิดเผยและคุณจะได้ลวดลายสองสี เพื่อให้ได้สกราฟฟิโตหลายสีจะต้องใช้ปูนปลาสเตอร์ที่มีสีต่างกันหลายชั้นกับผนัง (ปูนปลาสเตอร์ทาสีด้วยเม็ดสีต่างกัน) จากนั้นจึงขูดปูนปลาสเตอร์ออกตามความลึกต่างๆ กันเพื่อให้เห็นชั้นสีที่ต้องการ

ภาพวาดดังกล่าวต้องใช้แรงงานมากและแก้ไขได้ยากดังนั้นเมื่อวาดภาพโดยใช้เทคนิคนี้จึงมักใช้ลายฉลุเพื่อหลีกเลี่ยงข้อผิดพลาด

สกราฟฟิโตสองสี, Březnice, สาธารณรัฐเช็ก

_____________________________________________________________________________________________________

สีอะครีลิค, สีน้ำกระจายตัว

สีอะครีลิคจะเข้มขึ้นเมื่อแห้ง นอกจากนี้ยังสามารถใช้เป็นทางเลือกแทนสีน้ำมันโดยใช้เทคนิคที่รู้จักกันดี แห้งเร็วมาก - นี่คือข้อได้เปรียบเหนือสีอื่น สามารถใช้ได้ทั้งในสถานะของเหลวมาก เจือจาง (เจือจางด้วยน้ำ) หรือในสถานะเหมือนครีมข้น ข้นด้วยสารเพิ่มความข้นพิเศษที่ศิลปินใช้ ในขณะที่อะคริลิกไม่ก่อให้เกิดรอยแตกร้าว ต่างจากสีน้ำมัน สีทาเป็นฟิล์มสม่ำเสมอ มีความมันเงาเล็กน้อย ไม่ต้องยึดด้วยสารยึดเกาะหรือสารเคลือบเงา และมีคุณสมบัติเป็นฟิล์มที่สามารถล้างออกได้หลังจากการอบแห้งด้วยตัวทำละลายพิเศษเท่านั้น

สีอะครีลิกและสารเคลือบเงาสามารถใช้กับฐานที่ไม่เหนียวเหนอะหนะได้

สีอะครีลิกสดสามารถลบออกจากวัตถุได้อย่างง่ายดายด้วยน้ำ แต่เมื่อแห้งจะต้องใช้ตัวทำละลายพิเศษ

_____________________________________________________________________________________________________

จิตรกรรม จิตรกรรม

วิจิตรศิลป์ประเภทหนึ่งที่สร้างสรรค์ผลงานโดยใช้สีทาบนพื้นผิวแข็งใดๆ ใน งานศิลปะสร้างขึ้นโดยการวาดภาพสีและการวาดภาพ chiaroscuro การแสดงออกของจังหวะพื้นผิวและองค์ประกอบถูกนำมาใช้ซึ่งทำให้สามารถทำซ้ำบนเครื่องบินถึงความมีชีวิตชีวาที่มีสีสันของโลกปริมาตรของวัตถุคุณภาพความคิดริเริ่มของวัสดุความลึกเชิงพื้นที่ และสภาพแวดล้อมที่มีอากาศแจ่มใส การวาดภาพสามารถสื่อถึงสภาวะคงที่และความรู้สึกของการพัฒนาชั่วคราว ความสงบ ความสมบูรณ์ทางอารมณ์และจิตวิญญาณ ความฉับพลันของสถานการณ์ ผลกระทบของการเคลื่อนไหว ฯลฯ ในการวาดภาพ การเล่าเรื่องที่มีรายละเอียดและโครงเรื่องที่ซับซ้อนเป็นไปได้ สิ่งนี้ทำให้การวาดภาพไม่เพียงแต่เพื่อรวบรวมปรากฏการณ์ที่มองเห็นได้ของโลกแห่งความเป็นจริง แต่ยังแสดงให้เห็นอีกด้วย ภาพใหญ่ชีวิตของผู้คน แต่ยังมุ่งมั่นที่จะเปิดเผยแก่นแท้ของกระบวนการทางประวัติศาสตร์ โลกภายในของมนุษย์ และเพื่อแสดงความคิดที่เป็นนามธรรม เนื่องจากความสามารถทางอุดมการณ์และศิลปะที่กว้างขวาง การวาดภาพจึงเป็นวิธีการสำคัญในการสะท้อนทางศิลปะและการตีความความเป็นจริง มีเนื้อหาทางสังคมที่สำคัญและมีหน้าที่ทางอุดมการณ์ต่างๆ

ความกว้างและความครบถ้วนของการครอบคลุมของความเป็นจริงที่แท้จริงสะท้อนให้เห็นในประเภทต่างๆ มากมายที่มีอยู่ในภาพวาด (ประเภทประวัติศาสตร์ ประเภทในชีวิตประจำวัน ประเภทการต่อสู้ ภาพบุคคล ภูมิทัศน์ หุ่นนิ่ง) มีภาพวาด: อนุสาวรีย์และการตกแต่ง (ภาพวาดฝาผนัง, โคมไฟ, แผง) มีวัตถุประสงค์เพื่อตกแต่งสถาปัตยกรรมและมีบทบาทสำคัญในการตีความทางอุดมการณ์และเป็นรูปเป็นร่างของอาคารสถาปัตยกรรม ขาตั้ง (ภาพวาด) มักไม่เกี่ยวข้องกับสถานที่เฉพาะใด ๆ ในกลุ่มศิลปะ การออกแบบฉาก (ภาพร่างของฉากละครและภาพยนตร์และเครื่องแต่งกาย) ภาพวาดไอคอน ขนาดเล็ก ประเภทของการวาดภาพยังรวมถึงภาพสามมิติและภาพพาโนรามาด้วย ภาพวาดสีน้ำมันจะแตกต่างกันไปตามลักษณะของสารที่จับกับเม็ดสี (สารให้สี) และวิธีการทางเทคโนโลยีในการยึดเม็ดสีบนพื้นผิว การวาดภาพด้วยสีน้ำบนปูนปลาสเตอร์ - เปียก (ปูนเปียก) และแห้ง (a secco), อุบาทว์, การทาสีด้วยกาว, การทาสีขี้ผึ้ง, เคลือบฟัน, การทาสีด้วยสีเซรามิกและซิลิเกต ฯลฯ โมเสกและกระจกสีเกี่ยวข้องโดยตรงกับการทาสี เช่นเดียวกับอนุสาวรีย์ จิตรกรรม งานศิลปะ- สีน้ำ สี gouache สีพาสเทล และหมึกก็ใช้เพื่อสร้างภาพวาดเช่นกัน

สีเป็นวิธีการแสดงออกที่เฉพาะเจาะจงที่สุดสำหรับการวาดภาพ การแสดงออกและความสามารถในการกระตุ้นการเชื่อมโยงทางประสาทสัมผัสต่างๆ ช่วยเพิ่มอารมณ์ความรู้สึกของภาพ และกำหนดความเป็นไปได้ทางการมองเห็น การแสดงออก และการตกแต่งของการวาดภาพ ในงานศิลปะ สีถือเป็นระบบหนึ่ง (สี) โดยปกติแล้วจะใช้สีและเฉดสีที่สัมพันธ์กันจำนวนหนึ่ง (ระดับสีสัน) แม้ว่าจะมีการทาสีด้วยเฉดสีที่มีสีเดียวกัน (ขาวดำ) การจัดองค์ประกอบสีทำให้เกิดความสามัคคีด้านสีสันของงาน ซึ่งมีอิทธิพลต่อแนวทางการรับรู้ของผู้ชม ซึ่งเป็นส่วนสำคัญของงาน โครงสร้างทางศิลปะ- วิธีการวาดภาพที่แสดงออกอีกวิธีหนึ่งคือการวาดภาพ (เส้นและ chiaroscuro) พร้อมด้วยสีเพื่อจัดระเบียบภาพเป็นจังหวะและองค์ประกอบ เส้นแบ่งปริมาณออกจากกัน มักเป็นพื้นฐานเชิงสร้างสรรค์ของรูปแบบภาพ และอนุญาตให้ทำซ้ำโดยทั่วไปหรือในรายละเอียดโครงร่างของวัตถุและองค์ประกอบที่เล็กที่สุด Chiaroscuro ช่วยให้คุณไม่เพียงสร้างภาพลวงตาของภาพสามมิติ เพื่อถ่ายทอดระดับความสว่างหรือความมืดของวัตถุ แต่ยังสร้างความรู้สึกถึงการเคลื่อนไหวของอากาศ แสง และเงาอีกด้วย จุดหรือจังหวะของจิตรกรมีบทบาทสำคัญในการวาดภาพซึ่งเป็นเทคนิคทางเทคนิคหลักของเขาและช่วยให้เขาสามารถถ่ายทอดแง่มุมต่างๆ ได้มากมาย พู่กันมีส่วนช่วยในการสร้างรูปทรงพลาสติกสามมิติ สื่อถึงลักษณะวัสดุและพื้นผิว และเมื่อผสมผสานกับสี จะสร้างสีสันอันมีชีวิตชีวาของโลกแห่งความเป็นจริงขึ้นมาใหม่ ธรรมชาติของจังหวะ (เรียบ ต่อเนื่องหรืออิมพาสโต แยก กังวล ฯลฯ) ยังช่วยสร้างบรรยากาศทางอารมณ์ของงาน ถ่ายทอดความรู้สึกและอารมณ์ทันทีของศิลปิน ทัศนคติของเขาต่อภาพ

โดยทั่วไปแล้ว รูปภาพรูปภาพจะแบ่งออกเป็นสองประเภท ได้แก่ ภาพถ่ายเชิงเส้นระนาบ และเชิงปริมาตรเชิงพื้นที่ แต่ไม่มีขอบเขตที่ชัดเจนระหว่างรูปภาพเหล่านั้น การวาดภาพเชิงเส้นระนาบมีลักษณะเป็นจุดแบนของสีท้องถิ่น ล้อมรอบด้วยรูปทรงที่แสดงออก เส้นที่ชัดเจนและเป็นจังหวะ ในสมัยโบราณและบางส่วนใน จิตรกรรมสมัยใหม่มีวิธีการทั่วไปในการสร้างเชิงพื้นที่และการสร้างวัตถุขึ้นมาใหม่ซึ่งเปิดเผยให้ผู้ชมเห็นถึงตรรกะความหมายของภาพ ตำแหน่งของวัตถุในอวกาศ แต่แทบจะไม่ละเมิดความเป็นสองมิติของระนาบภาพ ความปรารถนาที่จะสร้างโลกแห่งความเป็นจริงขึ้นมาใหม่ตามที่บุคคลมองเห็น ซึ่งเกิดขึ้นในงานศิลปะโบราณ ทำให้เกิดการปรากฏตัวของภาพเชิงพื้นที่เชิงปริมาตรในการวาดภาพ ในการวาดภาพประเภทนี้ ความสัมพันธ์เชิงพื้นที่สามารถทำซ้ำได้ด้วยสี ทำให้เกิดภาพลวงตาที่ลึกซึ้ง พื้นที่สามมิติทำลายระนาบภาพด้วยความช่วยเหลือของการไล่ระดับโทนสี มุมมองทางอากาศและเชิงเส้น โดยการกระจายสีที่อบอุ่นและเย็น รูปแบบปริมาตรจำลองด้วยสี แสง และเงา ในภาพปริมาตรเชิงพื้นที่และระนาบเชิงเส้น มีการใช้เส้นและสีที่ชัดเจน และเอฟเฟ็กต์ของปริมาตร แม้แต่งานประติมากรรม ก็ทำได้โดยการไล่ระดับของโทนสีอ่อนและสีเข้มที่กระจายในจุดสีที่จำกัดอย่างชัดเจน ในเวลาเดียวกันการระบายสีมักจะผสมกันตัวเลขและวัตถุไม่รวมกับพื้นที่โดยรอบเป็นอันเดียว การวาดภาพโทนสี ( ซม.โทนสี) ผ่านการพัฒนาสีที่ซับซ้อนและไดนามิก แสดงการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อยทั้งสีและโทนสีขึ้นอยู่กับแสง ( ซม.วาเลร์) ตลอดจนจากปฏิสัมพันธ์ของดอกไม้ใกล้เคียง ( ซม.สะท้อน); โทนสีโดยรวมจะรวมวัตถุเข้ากับสภาพแวดล้อมที่มีแสงน้อยและพื้นที่โดยรอบ ในการวาดภาพของจีน ญี่ปุ่น และเกาหลี ภาพเชิงพื้นที่ชนิดพิเศษได้พัฒนาขึ้น โดยให้ความรู้สึกของพื้นที่อันไม่มีที่สิ้นสุดเมื่อมองจากด้านบน โดยทอดยาวไปในระยะไกลและไม่มาบรรจบกันในส่วนลึก เส้นขนาน- ตัวเลขและวัตถุแทบไม่มีปริมาตร ตำแหน่งในอวกาศแสดงโดยความสัมพันธ์ของน้ำเสียงเป็นหลัก

งานทาสีประกอบด้วยฐาน (ผ้าใบ, ไม้, กระดาษ, กระดาษแข็ง, หิน, แก้ว, โลหะ ฯลฯ ) มักจะเคลือบด้วยสีรองพื้นและชั้นสีซึ่งบางครั้งก็ป้องกันด้วยฟิล์มป้องกันสารเคลือบเงา ดีและ ความเป็นไปได้ที่แสดงออกการวาดภาพคุณสมบัติของเทคนิคการเขียนส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับคุณสมบัติของสีซึ่งกำหนดโดยระดับการบดของเม็ดสีและลักษณะของสารยึดเกาะบนเครื่องมือที่ศิลปินใช้บนทินเนอร์ที่เขาใช้ พื้นผิวเรียบหรือหยาบของฐานและไพรเมอร์ส่งผลต่อเทคนิคการทาสีพื้นผิวงานศิลปะและสีโปร่งแสงของฐานหรือไพรเมอร์ส่งผลต่อการระบายสี บางครั้งบางส่วนของฐานหรือสีรองพื้นที่ปราศจากสีอาจมีบทบาทบางอย่างในการสร้างสีสัน พื้นผิวของชั้นสีของภาพวาดซึ่งก็คือพื้นผิวของมันอาจเป็นแบบมันหรือแบบด้าน ต่อเนื่องหรือไม่ต่อเนื่อง เรียบหรือไม่สม่ำเสมอ สีหรือเฉดสีที่ต้องการทำได้โดยการผสมสีบนจานสีและการเคลือบกระจก กระบวนการสร้างจิตรกรรมหรือจิตรกรรมฝาผนังสามารถแบ่งออกเป็นหลายขั้นตอน โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่ชัดเจนและสม่ำเสมอในจิตรกรรมอุบาทว์ยุคกลางและภาพวาดสีน้ำมันคลาสสิก (การวาดภาพบนพื้น การทาสีด้านล่าง การทาสีกระจก) นอกจากนี้ยังมีภาพวาดที่มีลักษณะหุนหันพลันแล่นมากขึ้น ซึ่งช่วยให้ศิลปินรวบรวมความประทับใจในชีวิตของเขาได้โดยตรงและแบบไดนามิกผ่านการทำงานพร้อมกันในการวาดภาพ การจัดองค์ประกอบ รูปแบบการแกะสลัก และการระบายสี ( ซม.อัลลา พรีมา)

จิตรกรรมเกิดขึ้นในยุคปลายยุคหิน (40-8,000 ปีก่อน) ภาพวาดหินได้รับการเก็บรักษาไว้ (ในฝรั่งเศสตอนใต้ สเปนตอนเหนือ ฯลฯ) ทำด้วยสีดิน (สีเหลืองสด) เขม่าดำและถ่านโดยใช้แท่งแยก ชิ้นส่วนของขนสัตว์และนิ้ว (ภาพสัตว์แต่ละตัว จากนั้นจึงฉากการล่าสัตว์) ในการวาดภาพยุคหินเก่ามีทั้งภาพเงาเชิงเส้นและการสร้างแบบจำลองปริมาตรอย่างง่าย แต่หลักการจัดองค์ประกอบในนั้นยังคงแสดงออกได้ไม่ดี แนวคิดทั่วไปเชิงนามธรรมที่ได้รับการพัฒนามากขึ้นเกี่ยวกับโลกสะท้อนให้เห็นในภาพวาดยุคหินใหม่ ซึ่งรูปภาพเชื่อมโยงกับวงจรการเล่าเรื่องและรูปภาพของบุคคลปรากฏขึ้น ( ซม.ศิลปะยุคดึกดำบรรพ์)

ภาพวาดของสังคมทาสได้พัฒนาไปแล้ว ระบบเป็นรูปเป็นร่างวิธีการทางเทคนิคที่หลากหลาย ใน อียิปต์โบราณและในอเมริกาโบราณก็มีภาพวาดขนาดมหึมาซึ่งทำหน้าที่สังเคราะห์กับสถาปัตยกรรม ( ซม.การสังเคราะห์ศิลปะ ทาสีสุสาน ไม่ค่อยทาสีอาคาร) ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับลัทธิงานศพ โดยมีลักษณะการเล่าเรื่องที่กว้างขวาง สถานที่หลักในนั้นถูกครอบครองโดยภาพลักษณ์ทั่วไปและมักจะเป็นแผนผังของบุคคล การกำหนดภาพที่เข้มงวดซึ่งแสดงออกในลักษณะองค์ประกอบความสัมพันธ์ของตัวเลขและสะท้อนให้เห็นถึงลำดับชั้นที่เข้มงวดซึ่งมีอยู่ในสังคมนั้นถูกรวมเข้ากับการสังเกตชีวิตที่ชัดเจนและแม่นยำและรายละเอียดมากมายที่ดึงมาจากโลกโดยรอบ (ภูมิทัศน์เครื่องใช้ในครัวเรือน , ภาพสัตว์และนก) ภาพวาดโบราณวิธีการทางศิลปะและการแสดงออกหลักคือเส้นขอบและจุดสีมีคุณสมบัติในการตกแต่งความเรียบของมันเน้นพื้นผิวของผนัง

ในสมัยโบราณ การวาดภาพมีความเป็นเอกภาพทางศิลปะกับสถาปัตยกรรมและประติมากรรม รวมถึงวัด ที่อยู่อาศัย สุสาน และโครงสร้างอื่นๆ ที่ประดับประดา ( ซม.เมืองปอมเปอี, เฮอร์คิวเลเนียม, ปาเอสตุม, สุสานคาซานลัก) ไม่เพียงแต่ให้บริการด้านวัฒนธรรมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงจุดประสงค์ทางโลกด้วย ความเป็นไปได้ใหม่ๆ เฉพาะเจาะจงของการวาดภาพได้เปิดกว้างขึ้น โดยให้การนำเสนอความเป็นจริงที่หลากหลาย ในสมัยโบราณ หลักการของ Chiaroscuro และรูปแบบมุมมองเชิงเส้นและทางอากาศที่เป็นเอกลักษณ์เกิดขึ้น นอกเหนือจากตำนานแล้ว ฉากในชีวิตประจำวันและประวัติศาสตร์ ภูมิทัศน์ ภาพเหมือน และสิ่งมีชีวิตก็ถูกสร้างขึ้น ปูนเปียกโบราณ (บนปูนปลาสเตอร์หลายชั้นที่มีส่วนผสมของฝุ่นหินอ่อนในชั้นบน) มีพื้นผิวมันเงา ในสมัยกรีกโบราณ แทบไม่มีการวาดภาพขาตั้งที่ยังมีชีวิตอยู่เลย (บนกระดาน ไม่ค่อยปรากฏบนผ้าใบ) ส่วนใหญ่ใช้เทคนิคแบบ encaustic ( ซม.การวาดภาพด้วยขี้ผึ้ง); ภาพบุคคลของ Fayyum ให้แนวคิดเกี่ยวกับการวาดภาพด้วยขาตั้งโบราณ

ในยุคกลางของยุโรปตะวันตก ไบแซนเทียม รุส คอเคซัส และบอลข่าน ภาพวาดที่พัฒนาโดยมีเนื้อหาทางศาสนา: ปูนเปียก (ทั้งบนปูนปลาสเตอร์แห้งและเปียกบนหินหรืออิฐ) ภาพวาดไอคอน (บนกระดานลงสีรองพื้นด้วยเทมเพอราไข่เป็นหลัก ), และ หนังสือจิ๋ว(บนกระดาษรองอบหรือกระดาษที่ลงสีพื้นแล้ว วาดด้วยสีเทมเพอรา สีน้ำ สีกวอช กาว และสีอื่นๆ) ซึ่งบางครั้งก็รวมถึงวัตถุทางประวัติศาสตร์ด้วย ไอคอน ภาพวาดฝาผนัง (ขึ้นอยู่กับแผนกสถาปัตยกรรมและระนาบของผนัง) ตลอดจนกระเบื้องโมเสก หน้าต่างกระจกสี ร่วมกับสถาปัตยกรรม รวมกันเป็นชุดเดียวภายในโบสถ์ จิตรกรรมยุคกลางการแสดงออกโดยธรรมชาติของเสียงดัง สีท้องถิ่นและเส้นจังหวะเป็นส่วนใหญ่ การแสดงออกของรูปทรง แบบฟอร์มมักจะแบน เก๋ พื้นหลังเป็นนามธรรม มักเป็นสีทอง นอกจากนี้ยังมีเทคนิคทั่วไปสำหรับการสร้างแบบจำลองปริมาตรที่ดูเหมือนจะยื่นออกมาบนระนาบภาพที่ไม่มีความลึก สัญลักษณ์ขององค์ประกอบและสีมีบทบาทสำคัญ ในคริสตศักราชที่ 1 จ. การวาดภาพอนุสาวรีย์ (ด้วยสีทากาวบนยิปซั่มสีขาวหรือสีรองพื้นปูนขาวบนดินเหนียวฟาง) ได้รับความนิยมอย่างมากในประเทศทางตะวันตกและ เอเชียกลางในอินเดีย จีน ศรีลังกา (ปัจจุบันคือศรีลังกา) ในช่วงยุคศักดินา ศิลปะแห่งการย่อส่วนได้รับการพัฒนาในเมโสโปเตเมีย อิหร่าน อินเดีย เอเชียกลาง อาเซอร์ไบจาน และตุรกี ซึ่งโดดเด่นด้วยสีสันที่ละเอียดอ่อน จังหวะการประดับประดาที่สง่างาม และการสังเกตชีวิตที่สดใส การวาดภาพแบบตะวันออกไกลด้วยหมึก สีน้ำ และ gouache บนม้วนผ้าไหมและกระดาษ - ในประเทศจีน เกาหลี ญี่ปุ่น - โดดเด่นด้วยบทกวี การระมัดระวังอย่างน่าทึ่งในการมองเห็นผู้คนและธรรมชาติ ลักษณะการวาดภาพที่กระชับ และการแสดงโทนสีที่ดีที่สุดของมุมมองทางอากาศ

ในยุโรปตะวันตกในสมัยเรอเนซองส์มีหลักการของศิลปะแบบใหม่ที่ยึดหลัก โลกทัศน์เห็นอกเห็นใจผู้ค้นพบและผู้รู้จำ โลกแห่งความจริง- บทบาทของการวาดภาพเพิ่มขึ้นโดยพัฒนาระบบวิธีการถ่ายทอดความเป็นจริงอย่างสมจริง ความสำเร็จบางประการของการวาดภาพเรอเนซองส์คาดว่าจะเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 14 จิตรกรชาวอิตาลี จอตโต การศึกษาทางวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับมุมมอง ทัศนศาสตร์ และกายวิภาคศาสตร์ การใช้เทคนิคการวาดภาพสีน้ำมันที่ได้รับการปรับปรุงโดย J. van Eyck (เนเธอร์แลนด์) มีส่วนช่วยในการค้นพบความเป็นไปได้ที่มีอยู่ในธรรมชาติของการวาดภาพ: การสร้างรูปแบบปริมาตรเชิงปริมาตรที่น่าเชื่อถือโดยสอดคล้องกับการถ่ายทอด ของความลึกเชิงพื้นที่และสภาพแวดล้อมของแสง การเปิดเผยความสมบูรณ์ของสีของโลก ภาพปูนเปียกมีความเจริญรุ่งเรืองครั้งใหม่ ได้กลายเป็นสิ่งสำคัญและ การวาดภาพขาตั้งโดยรักษาความสามัคคีในการตกแต่งกับสภาพแวดล้อมของวัตถุโดยรอบ ความรู้สึกของความกลมกลืนของจักรวาล ความมานุษยวิทยาของการวาดภาพ และกิจกรรมทางจิตวิญญาณของภาพเป็นลักษณะของการจัดองค์ประกอบในหัวข้อทางศาสนาและตำนาน ภาพบุคคล ฉากในชีวิตประจำวันและประวัติศาสตร์ และภาพเปลือย เทมเพอราค่อยๆ ถูกแทนที่ด้วยเทคนิคแบบผสมผสาน (การเคลือบและลงรายละเอียดในน้ำมันโดยใช้การลงสีเทมเพอราด้านล่าง) จากนั้นจึงลงสีน้ำมันเคลือบเงาหลายชั้นขั้นสูงทางเทคนิคโดยไม่ใช้เทมเพอรา พร้อมด้วยภาพวาดที่มีรายละเอียดเรียบเนียนบนกระดานพร้อมพื้นสีขาว (ลักษณะของศิลปินของโรงเรียนดัตช์และโรงเรียนในอิตาลีหลายแห่ง ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น) โรงเรียนวาดภาพเวนิสพัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 16 เทคนิคการวาดภาพอิมพาสโตฟรีบนผืนผ้าใบด้วยไพรเมอร์สี ควบคู่ไปกับการวาดภาพท้องถิ่นบ่อยครั้ง สีสว่างด้วยรูปแบบที่ชัดเจนการวาดภาพโทนสีก็พัฒนาขึ้นเช่นกัน จิตรกรที่ใหญ่ที่สุดในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - Masaccio, Piero della Francesca, A. Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael, Giorgione, Titian, Veronese, Tintoretto ในอิตาลี, J. van Eyck, P. Bruegel Senior ในเนเธอร์แลนด์, A. Dürer, H. Holbein the Younger, M. Niethardt (Grunewald) ในเยอรมนี ฯลฯ

ในศตวรรษที่ XVII-XVIII กระบวนการพัฒนาจิตรกรรมของยุโรปมีความซับซ้อนมากขึ้น โรงเรียนระดับชาติก่อตั้งขึ้นในฝรั่งเศส (J. de La Tour, F. Champagne, N. Poussin, A. Watteau, J. B. S. Chardin, J. O. Fragonard, J. L. David), อิตาลี (M. Caravaggio, D. Fetti, J. B. Tiepolo, J. M. Crespi ,เอฟ. กวาร์ดี้), สเปน (เอล เกรโก, ดี. เบลัซเกซ, เอฟ. ซูร์บารัน, พ.ศ. มูริลโล, เอฟ. โกยา), ฟลานเดอร์ส (พี. พี. รูเบนส์, เจ. จอร์แดนส์, อ. ฟาน ไดค์, เอฟ. สไนเดอร์ส), ฮอลแลนด์ (F. Hals, Rembrandt, J. Wermeer, J. van Ruisdael, G. Terborch, C. Fabricius), สหราชอาณาจักร (J. Reynolds, T . Gainsborough, W. Hogarth), รัสเซีย (F. S. Rokotov, D. G. Levitsky, V. L. โบโรวิคอฟสกี้) จิตรกรรมประกาศอุดมคติทางสังคมและพลเมืองใหม่ โดยหันไปใช้การพรรณนาชีวิตจริงที่มีรายละเอียดและแม่นยำยิ่งขึ้นในการเคลื่อนไหวและความหลากหลาย โดยเฉพาะอย่างยิ่งสภาพแวดล้อมในชีวิตประจำวันของบุคคล (ภูมิทัศน์ การตกแต่งภายใน ของใช้ในครัวเรือน) ปัญหาทางจิตวิทยาลึกซึ้งยิ่งขึ้นความรู้สึกของความสัมพันธ์ที่ขัดแย้งกันระหว่างบุคคลกับโลกรอบข้างเป็นตัวเป็นตน ในศตวรรษที่ 17 ระบบประเภทต่างๆ ขยายตัวและเป็นรูปเป็นร่างอย่างชัดเจน ในศตวรรษที่ XVII-XVIII ควบคู่ไปกับความเจริญรุ่งเรืองของการวาดภาพอนุสาวรีย์และการตกแต่ง (โดยเฉพาะในสไตล์บาโรก) ซึ่งมีความสามัคคีอย่างใกล้ชิดกับประติมากรรมและสถาปัตยกรรมและสร้างสภาพแวดล้อมทางอารมณ์ที่ส่งผลกระทบต่อผู้คนอย่างแข็งขัน บทบาทใหญ่เล่นภาพวาดขาตั้ง ระบบการลงสีต่างๆ ถูกสร้างขึ้น ทั้งสองมีลักษณะทางโวหารร่วมกัน (ภาพวาดบาโรกแบบไดนามิกที่มีองค์ประกอบเปิดเป็นรูปเกลียวเป็นลักษณะเฉพาะ จิตรกรรมคลาสสิกที่มีการออกแบบที่ชัดเจน เข้มงวดและชัดเจน การวาดภาพโรโกโกด้วยการเล่นสี แสง และสีซีดจางอันงดงาม โทนเสียง) และไม่เข้ากับกรอบสไตล์เฉพาะใดๆ ด้วยความมุ่งมั่นที่จะสร้างสีสันของโลก สภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศ ศิลปินหลายคนได้ปรับปรุงระบบการวาดภาพโทนสี สิ่งนี้ทำให้เกิดความเป็นปัจเจกบุคคล เทคนิคภาพวาดสีน้ำมันหลายชั้น การเติบโตของศิลปะขาตั้งและความต้องการที่เพิ่มขึ้นสำหรับงานที่ออกแบบมาสำหรับการไตร่ตรองอย่างใกล้ชิด นำไปสู่การพัฒนาเทคนิคการวาดภาพในห้อง เทคนิคที่ละเอียดอ่อนและด้วยแสง - สีพาสเทล สีน้ำ หมึก และภาพวาดบุคคลขนาดจิ๋วประเภทต่างๆ

ในศตวรรษที่ 19 โรงเรียนแห่งความสมจริงแห่งชาติแห่งใหม่เกิดขึ้น จิตรกรรมในยุโรปและอเมริกา ความเชื่อมโยงระหว่างการวาดภาพในยุโรปและส่วนอื่นๆ ของโลกขยายออกไป โดยที่ประสบการณ์การวาดภาพเหมือนจริงของยุโรปได้รับการตีความแบบดั้งเดิม ซึ่งมักมีพื้นฐานมาจากประเพณีโบราณในท้องถิ่น (ในอินเดีย จีน ญี่ปุ่น และประเทศอื่นๆ) จิตรกรรมยุโรปได้รับอิทธิพลจากศิลปะของประเทศตะวันออกไกล (ส่วนใหญ่เป็นญี่ปุ่นและจีน) ซึ่งสะท้อนให้เห็นในการต่ออายุเทคนิคในการจัดตกแต่งและจังหวะของระนาบภาพ ในศตวรรษที่ 19 การวาดภาพแก้ไขปัญหาโลกทัศน์ที่ซับซ้อนและเร่งด่วนและมีบทบาทอย่างแข็งขันในชีวิตสาธารณะ การวิพากษ์วิจารณ์ความเป็นจริงทางสังคมอย่างคมชัดกลายเป็นสิ่งสำคัญในการวาดภาพ ตลอดศตวรรษที่ 19 ในการวาดภาพ หลักการของวิชาการนิยม ห่างไกลจากชีวิต และอุดมคติเชิงนามธรรมของภาพก็ได้รับการปลูกฝังเช่นกัน แนวโน้มของนักธรรมชาติวิทยาเกิดขึ้น ในการต่อสู้กับนามธรรมของลัทธิคลาสสิกตอนปลายและวิชาการซาลอนการวาดภาพแนวโรแมนติกด้วย ความสนใจที่ใช้งานอยู่ไปจนถึงเหตุการณ์ที่น่าทึ่งของประวัติศาสตร์และความทันสมัย พลังของภาษาภาพ ความแตกต่างของแสงและเงา ความสมบูรณ์ของสี (T. Gericault, E. Delacroix ในฝรั่งเศส; F. O. Runge และ K. D. Friedrich ในเยอรมนี; ในหลาย ๆ ด้าน O. A. Kiprensky , Sylvester Shchedrin, K. P. Bryullov, A. A. Ivanov ในรัสเซีย) การวาดภาพเหมือนจริงซึ่งมีพื้นฐานมาจากการสังเกตโดยตรงของปรากฏการณ์ลักษณะเฉพาะของความเป็นจริง ทำให้ได้ภาพชีวิตที่สมบูรณ์ น่าเชื่อถือ และน่าเชื่อยิ่งขึ้น (J. Constable ในบริเตนใหญ่; C. Corot อาจารย์ของโรงเรียน Barbizon, O. Daumier ในฝรั่งเศส ; A.G. Venetsianov, P. A. Fedotov ในรัสเซีย) ในช่วงที่ขบวนการปฏิวัติและขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติเติบโตขึ้นในยุโรป ภาพวาดของสัจนิยมประชาธิปไตย (G. Courbet, J. F. Millet ในฝรั่งเศส; M. Munkacsi ในฮังการี, N. Grigorescu และ I. Andreescu ในโรมาเนีย, A. Menzel, V. Leibl ในเยอรมนี ฯลฯ) แสดงให้เห็นชีวิตและการทำงานของผู้คน การต่อสู้เพื่อสิทธิของพวกเขา กล่าวถึง เหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดประวัติศาสตร์ชาติที่สร้างขึ้น ภาพที่สดใส คนธรรมดาและขั้นสูง บุคคลสาธารณะ- ในหลายประเทศ มีโรงเรียนเกี่ยวกับภูมิทัศน์ที่สมจริงระดับชาติเกิดขึ้น มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับสุนทรียภาพของรัสเซียมีความโดดเด่นด้วยความรุนแรงในการวิพากษ์วิจารณ์สังคม พรรคเดโมแครตปฏิวัติภาพวาดของนักเดินทางและศิลปินที่อยู่ใกล้พวกเขา - V. G. Perov, I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. V. Vereshchagin, I. I. Levitan

เขามาถึงศูนย์รวมทางศิลปะของโลกโดยรอบด้วยความเป็นธรรมชาติและความแปรปรวนอย่างต่อเนื่องในช่วงต้นทศวรรษ 1870 จิตรกรรมแนวอิมเพรสชั่นนิสต์ (E. Manet, C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas ในฝรั่งเศส) ซึ่งได้ปรับปรุงเทคนิคและวิธีการจัดพื้นผิวภาพ เผยความงามของสีและพื้นผิวที่บริสุทธิ์ ผลกระทบ ในศตวรรษที่ 19 ในยุโรป การวาดภาพสีน้ำมันแบบขาตั้งมีความโดดเด่น เทคนิคในหลายกรณีได้มาซึ่งบุคคล ตัวละครอิสระค่อย ๆ สูญเสียระบบที่เข้มงวดโดยธรรมชาติ (ซึ่งได้รับการอำนวยความสะดวกจากการแพร่กระจายของสีที่ผลิตจากโรงงานใหม่) จานสีขยายออก (สร้างเม็ดสีและสารยึดเกาะใหม่); แทนที่จะเป็นดินสีเข้มเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ดินขาวได้รับการฟื้นฟูอีกครั้ง ภาพวาดตกแต่งและอนุสาวรีย์ที่ใช้ในศตวรรษที่ 19 เกือบจะเป็นกาวหรือ สีน้ำมันที่กำลังทรุดโทรมลง ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 มีการพยายามที่จะรื้อฟื้นการวาดภาพขนาดใหญ่และรวมภาพวาดประเภทต่างๆ เข้ากับงานศิลปะการตกแต่งและประยุกต์และสถาปัตยกรรมให้เป็นชุดเดียว (ส่วนใหญ่อยู่ในศิลปะของ "สมัยใหม่"); ได้รับการปรับปรุง วิธีการทางเทคนิคอนุสาวรีย์- ภาพวาดตกแต่งกำลังพัฒนาเทคนิคการพ่นสีซิลิเกต

ในช่วงปลายศตวรรษที่ XIX - XX พัฒนาการด้านจิตรกรรมมีความซับซ้อนและขัดแย้งเป็นพิเศษ การเคลื่อนไหวที่สมจริงและสมัยใหม่ต่าง ๆ อยู่ร่วมกันและต่อสู้ดิ้นรน แรงบันดาลใจจากอุดมคติ การปฏิวัติเดือนตุลาคมในปี 1917 การวาดภาพได้รับการพัฒนาอย่างเข้มข้นในสหภาพโซเวียตและประเทศสังคมนิยมอื่นๆ โดยใช้วิธีสัจนิยมสังคมนิยม สำนักจิตรกรรมแห่งใหม่กำลังเกิดขึ้นในประเทศต่างๆ ในเอเชีย แอฟริกา ออสเตรเลีย และละตินอเมริกา

ภาพวาดที่สมจริง ปลาย XIX- ศตวรรษที่ XX โดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะเข้าใจและแสดงให้โลกเห็นถึงความขัดแย้งทั้งหมดเพื่อเปิดเผยแก่นแท้ของกระบวนการลึก ๆ ที่เกิดขึ้นในความเป็นจริงทางสังคมซึ่งบางครั้งก็ไม่มีลักษณะที่มองเห็นได้เพียงพอ การสะท้อนและการตีความปรากฏการณ์ต่างๆ ของความเป็นจริงมักจะมีลักษณะเชิงอัตวิสัยและเชิงสัญลักษณ์ จิตรกรรมแห่งศตวรรษที่ 20 นอกเหนือจากวิธีการพรรณนาเชิงปริมาตรและเชิงพื้นที่ที่มองเห็นได้ด้วยตาเปล่าแล้ว เขายังใช้หลักการตีความโลกที่มองเห็นแบบเดิมๆ (เช่นเดียวกับที่ย้อนหลังไปถึงสมัยโบราณ) อย่างกว้างขวาง มีอยู่ในภาพวาดหลังอิมเพรสชั่นนิสต์ (P. Cezanne, W. van Gogh, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec) และส่วนหนึ่งในภาพวาด "สมัยใหม่" มีคุณลักษณะปรากฏออกมาซึ่งกำหนดลักษณะของการเคลื่อนไหวบางอย่างของวันที่ 20 ศตวรรษ. (การแสดงออกอย่างกระตือรือร้นของทัศนคติส่วนตัวของศิลปินต่อโลกอารมณ์และความเชื่อมโยงของสีซึ่งมีความสัมพันธ์เพียงเล็กน้อยกับความสัมพันธ์ที่มีสีสันตามธรรมชาติรูปแบบที่เกินจริงการตกแต่ง) โลกถูกตีความในรูปแบบใหม่ในงานศิลปะของจิตรกรชาวรัสเซียในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 - ในภาพวาดของ V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin

ในศตวรรษที่ 20 ความเป็นจริงเป็นสิ่งที่ขัดแย้งกันและมักจะรับรู้และแปลอย่างลึกซึ้งเป็นภาพวาดของศิลปินที่ใหญ่ที่สุดของประเทศทุนนิยม: P. Picasso, A. Matisse, F. Léger, A. Marquet, A. Derain ในฝรั่งเศส; D. Rivera, J.C. Orozco, D. Siqueiros ในเม็กซิโก; อาร์. กัตตูโซในอิตาลี; เจ. เบลโลว์ส, อาร์. เคนท์ ในสหรัฐอเมริกา ในภาพวาด ภาพวาดฝาผนัง และแผงที่งดงามราวภาพวาด มีการแสดงความเข้าใจอย่างจริงใจเกี่ยวกับความขัดแย้งอันน่าเศร้าของความเป็นจริง ซึ่งมักจะกลายเป็นการเปิดเผยถึงความผิดปกติของระบบทุนนิยม ที่เกี่ยวข้องกับความเข้าใจด้านสุนทรียะของยุค "เทคนิค" ใหม่คือการสะท้อนของความน่าสมเพชของความเป็นอุตสาหกรรมของชีวิตการแทรกซึมเข้าไปในการวาดภาพของรูปทรงเรขาคณิตรูปแบบ "เครื่องจักร" ซึ่งรูปแบบอินทรีย์มักจะลดลงการค้นหาผู้ที่ สอดคล้องกับโลกทัศน์ คนทันสมัยรูปแบบใหม่ๆ ที่สามารถนำไปใช้ในงานมัณฑนศิลป์ สถาปัตยกรรม และอุตสาหกรรมได้ แพร่หลายในการวาดภาพ ส่วนใหญ่ในประเทศทุนนิยมตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 ได้รับการเคลื่อนไหวสมัยใหม่ต่าง ๆ สะท้อนให้เห็นถึงวิกฤตทั่วไปของวัฒนธรรมของสังคมชนชั้นกลาง อย่างไรก็ตาม การวาดภาพสมัยใหม่ยังสะท้อนถึงปัญหา "ป่วย" ในยุคของเราทางอ้อมอีกด้วย ในภาพวาดของขบวนการสมัยใหม่จำนวนมาก (ลัทธิโฟวิสม์ ลัทธิคิวบิสม์ ลัทธิอนาคตนิยม ลัทธิดาดานิยม และลัทธิเหนือจริงในภายหลัง) องค์ประกอบส่วนบุคคลของโลกที่มองเห็นได้ไม่มากก็น้อยจะกระจัดกระจายหรือถูกเรขาคณิต ปรากฏในการผสมผสานที่ไม่คาดคิด และบางครั้งก็ไร้เหตุผล ก่อให้เกิดการเชื่อมโยงมากมาย และผสานเข้ากับรูปแบบนามธรรมล้วนๆ วิวัฒนาการเพิ่มเติมของแนวโน้มหลายประการเหล่านี้นำไปสู่การละทิ้งอุปมาอุปไมยโดยสิ้นเชิงไปสู่การเกิดขึ้น จิตรกรรมนามธรรม (ซม.ศิลปะนามธรรม) ซึ่งถือเป็นการล่มสลายของการวาดภาพเพื่อเป็นการสะท้อนและทำความเข้าใจความเป็นจริง ตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 60 ในประเทศต่างๆ ยุโรปตะวันตกและอเมริกา บางครั้งการวาดภาพก็กลายเป็นองค์ประกอบหนึ่งของศิลปะป๊อปอาร์ต

ในศตวรรษที่ 20 บทบาทของการวาดภาพอนุสาวรีย์และการตกแต่งทั้งเป็นรูปเป็นร่าง (เช่น การวาดภาพอนุสาวรีย์ประชาธิปไตยที่ปฏิวัติวงการในเม็กซิโก) และภาพวาดที่ไม่เป็นรูปเป็นร่าง ซึ่งมักจะแบนราบซึ่งสอดคล้องกับรูปแบบทางเรขาคณิตของสถาปัตยกรรมสมัยใหม่กำลังเพิ่มขึ้น

ในศตวรรษที่ 20 มีความสนใจเพิ่มขึ้นในการวิจัยในสาขาเทคนิคการทาสี (รวมถึงขี้ผึ้งและอุบาทว์ มีการคิดค้นสีใหม่สำหรับการทาสีขนาดใหญ่ เช่น ซิลิโคน บนเรซินซิลิโคน ฯลฯ) แต่การวาดภาพสีน้ำมันยังคงมีอิทธิพลเหนือกว่า

ข้ามชาติ ภาพวาดของสหภาพโซเวียตเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับอุดมการณ์คอมมิวนิสต์ ด้วยหลักการของจิตวิญญาณพรรคและสัญชาติของศิลปะ เป็นตัวแทนในเชิงคุณภาพ เวทีใหม่พัฒนาการของการวาดภาพซึ่งถูกกำหนดโดยชัยชนะของวิธีการสัจนิยมสังคมนิยม ในสหภาพโซเวียต การวาดภาพกำลังพัฒนาในทุกสหภาพและสาธารณรัฐปกครองตนเอง และมีโรงเรียนการวาดภาพแห่งชาติแห่งใหม่เกิดขึ้น ภาพวาดของโซเวียตมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความรู้สึกเฉียบแหลมของความเป็นจริง ความเป็นวัตถุของโลก และความสมบูรณ์ทางจิตวิญญาณของภาพ ความปรารถนาที่จะยอมรับความเป็นจริงของสังคมนิยมในความซับซ้อนและครบถ้วนทั้งหมดนำไปสู่การใช้หลายสิ่งหลายอย่าง แบบฟอร์มประเภทซึ่งเต็มไปด้วยเนื้อหาใหม่ แล้วตั้งแต่อายุ 20 ความหมายพิเศษได้รับธีมประวัติศาสตร์การปฏิวัติ (ผืนผ้าใบโดย M. B. Grekov, A. A. Deineka, K. S. Petrov-Vodkin, B. V. Ioganson, I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov) จากนั้นภาพวาดแสดงความรักชาติก็ปรากฏขึ้นโดยเล่าถึงอดีตที่กล้าหาญของรัสเซีย ละครประวัติศาสตร์มหาสงครามแห่งความรักชาติ พ.ศ. 2484-45 ความแข็งแกร่งทางจิตวิญญาณ คนโซเวียต.

ภาพบุคคลมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาภาพวาดของสหภาพโซเวียต: ภาพโดยรวมผู้คนจากประชาชนผู้เข้าร่วมในการปฏิรูปชีวิต (A. E. Arkhipov, G. G. Rizhsky ฯลฯ ); ภาพบุคคลทางจิตวิทยากำลังแสดง โลกภายในการแต่งหน้าทางจิตวิญญาณของบุคคลโซเวียต (M. V. Nesterov, S. V. Malyutin, P. D. Korin ฯลฯ )

วิถีชีวิตทั่วไป คนโซเวียตสะท้อนออกมาใน จิตรกรรมประเภทมอบภาพลักษณ์ที่สดใสราวกับบทกวีของผู้คนใหม่ๆ และวิถีชีวิตใหม่ ภาพวาดของสหภาพโซเวียตโดดเด่นด้วยผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่เต็มไปด้วยความน่าสมเพชของการก่อสร้างสังคมนิยม (S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, Yu. I. Pimenov, T. N. Yablonskaya ฯลฯ ) การยืนยันสุนทรียศาสตร์ของรูปแบบชีวิตที่เป็นเอกลักษณ์ของสหภาพและสาธารณรัฐปกครองตนเองอยู่บนพื้นฐานของรูปแบบที่จัดตั้งขึ้นในภาพวาดของสหภาพโซเวียต โรงเรียนแห่งชาติ(M. S. Saryan, L. Gudiashvili, S. A. Chuikov, U. Tansykbaev, T. Salakhov, E. Iltner, M. A. Savitsky, A. Gudaitis, A. A. Shovkunenko, G. Aitiev ฯลฯ .) เป็นตัวแทนขององค์ประกอบของวัฒนธรรมศิลปะเดียว ของสังคมนิยมโซเวียต

ในการวาดภาพทิวทัศน์เช่นเดียวกับประเภทอื่นๆ ประเพณีศิลปะประจำชาติจะถูกรวมเข้ากับการค้นหาสิ่งใหม่ ๆ ที่มีกลิ่นอายของธรรมชาติสมัยใหม่ แนวโคลงสั้น ๆ ของการวาดภาพทิวทัศน์ของรัสเซีย (V.N. Baksheev, N.P. Krymov, N.M. Romadin ฯลฯ ) ได้รับการเสริมด้วยการพัฒนาภูมิทัศน์อุตสาหกรรมด้วยจังหวะที่รวดเร็วพร้อมลวดลายของธรรมชาติที่เปลี่ยนแปลง (B.N. Yakovlev, G.G . Nyssky) ระดับสูงถึง จิตรกรรมยังคงมีชีวิต(I. I. Mashkov, P. P. Konchalovsky, M. S. Saryan)

วิวัฒนาการของหน้าที่ทางสังคมของการวาดภาพนั้นมาพร้อมกับ การพัฒนาทั่วไปวัฒนธรรมที่งดงาม ภายในขอบเขตของวิธีการเหมือนจริงเพียงวิธีเดียว การวาดภาพของโซเวียตทำให้เกิดความหลากหลาย รูปแบบศิลปะ, เทคนิค, สไตล์ของแต่ละบุคคล- ขอบเขตการก่อสร้างที่กว้างขวางการสร้างอาคารสาธารณะขนาดใหญ่และวงดนตรีที่ระลึกมีส่วนช่วยในการพัฒนาภาพวาดอนุสาวรีย์และการตกแต่ง (ผลงานของ V. A. Favorites, E. E. Lansere, P. D. Korin) การฟื้นฟูเทคนิคการวาดภาพอุบาทว์ จิตรกรรมฝาผนังและกระเบื้องโมเสค ในยุค 60 - ต้นยุค 80 อิทธิพลร่วมกันของการวาดภาพอนุสาวรีย์และขาตั้งเพิ่มขึ้นความปรารถนาที่จะใช้ประโยชน์สูงสุดและเพิ่มคุณค่า วิธีการแสดงออกจิตรกรรม ( ซม.รวมถึงสหภาพสาธารณรัฐสังคมนิยมโซเวียตและบทความเกี่ยวกับสาธารณรัฐสหภาพโซเวียตด้วย)

"แม่พระแห่งวลาดิเมียร์" ครึ่งแรก ศตวรรษที่ 12 หอศิลป์ Tretyakov มอสโก

ราฟาเอล. Fresco "Parnassus" ใน Stanza della Segnatura ในนครวาติกัน 1509 -1511

เจ. แวร์เมอร์. "แก้วไวน์". ประมาณปี 1660 ห้องแสดงภาพ เบอร์ลิน-ดาห์เลม

พี.วี. คุซเนตซอฟ "ยังมีชีวิตอยู่กับคริสตัล" พ.ศ. 2471 พิพิธภัณฑ์รัสเซีย เลนินกราด
วรรณกรรม:ปกเกล้าเจ้าอยู่หัวเล่ม 1-6 ม. 2499-66; ไออาร์ไอ เล่ม 1-13 ม. 2496-69; K. Yuon, เกี่ยวกับการวาดภาพ, (ม.-ล.), 2480; D. I. Kiplik เทคนิคการวาดภาพ (ฉบับที่ 6), M.-L., 1950; A. Kamensky ถึงผู้ชมเกี่ยวกับการวาดภาพ M. , 1959; B. Slansky เทคนิคการวาดภาพ ทรานส์ จากเช็ก, ม., 2505; G. A. Nedoshivin บทสนทนาเกี่ยวกับการวาดภาพ (2 ed.), M. , 1964; B. R. Vipper, บทความเกี่ยวกับศิลปะ, M. , 1970; Ward J. ประวัติศาสตร์และวิธีการวาดภาพสีโบราณและสมัยใหม่ v. 1-4, ล., 1913-21; Fosca F., La peinture, qu"est-ce que c"est, Porrentruy-Brux.-P., 1947; Venturi L. จิตรกรรมและจิตรกร คลีฟแลนด์ 2506; Cogniat R., Histoire de la peinture, ที. 1-2, ป., 2507; Barron J. N. ภาษาของการวาดภาพ คลีฟแลนด์ (1967); Nicolaus K. Handbuch der Gemaldekunde ของ DuMont, Koln, 1979

ที่มา: “สารานุกรมศิลปะยอดนิยม” เอ็ด โพลวอย วี.เอ็ม.; อ.: สำนักพิมพ์ "สารานุกรมโซเวียต", 2529.)

จิตรกรรม

หนึ่งในประเภท ทัศนศิลป์- ภาพวาดถูกสร้างขึ้นโดยใช้สีทาบนพื้นผิวผนัง แผ่นกระดาน ผ้าใบ โลหะ ฯลฯ ชื่อ "ภาพวาด" บ่งบอกว่าศิลปิน "วาดภาพชีวิต" ด้วยความสมบูรณ์ ความหลากหลาย และความงดงามที่เต็มไปด้วยสีสัน นี่คือความแตกต่างจากขาวดำ กราฟิก- ไม่เหมือนกับงานศิลปะรูปแบบอื่นๆ การวาดภาพสามารถรวบรวมความรู้สึก ประสบการณ์ ความสัมพันธ์ระหว่างผู้คนทั้งหมด การสังเกตธรรมชาติที่แม่นยำและการล่องลอยของจินตนาการ ความคิดที่ยอดเยี่ยมและความประทับใจในทันที ความตื่นเต้นของชีวิต อากาศ และแสง

รูปปั้นนี้เป็นสามมิติและสามารถเดินชมได้จากทุกด้าน การวาดภาพ – ศิลปะการใช้สีบนเครื่องบิน ผู้ชมเห็นภาพจากมุมมองเดียวเท่านั้น ภารกิจหนึ่งของการวาดภาพซึ่งแต่ละยุคสมัยแก้ไขด้วยวิธีของตัวเองคือการสร้างภาพลวงตาของความลึกของอวกาศ ซึ่งเป็นปริมาตรสามมิติบนเครื่องบิน นี่คือแบบแผนของภาษาภาพ นอกจากนี้สีที่ศิลปินจำหน่ายนั้นไม่เหมือนกับสีจริงดังนั้นจานสีของเขาจึงด้อยกว่าสีธรรมชาติมาก

จิตรกรเลือกจากโลกรอบตัวสิ่งที่สอดคล้องกับงานทางศิลปะของเขา ปรับเปลี่ยน เน้น สรุปหลายสิ่งหลายอย่างไว้ในที่เดียว พยายามถ่ายทอด ลักษณะส่วนบุคคลผู้คนและกฎแห่งธรรมชาติ ไม่อาจเข้าถึงการมองเห็นโดยตรง ประสบการณ์ ทัศนคติที่มีต่อพวกเขา วิธีการวาดภาพหลักที่แสดงออก: ระบายสี(ช่วงสีสันที่มีผลกระทบทางอารมณ์ต่อผู้ชม); องค์ประกอบ(อัตราส่วนส่วนของภาพ); ทัศนคติ(เชิงเส้น ผกผัน ขนาน ฯลฯ); Chiaroscuro (การกระจายของแสงและเงา) เส้นและจุดหลากสี จังหวะพื้นผิว(ลักษณะของพื้นผิวการทาสี - เรียบหรือนูน) ในลักษณะการเขียนในการเคลื่อนไหวของแปรงในลักษณะเฉพาะของการใช้สีลงบนผืนผ้าใบหรือพื้นผิวอื่น ๆ ความเป็นเอกเทศของศิลปินจะรู้สึกถึง "การเขียนด้วยลายมือ" ที่สร้างสรรค์อันเป็นเอกลักษณ์ของเขาอยู่เสมอ

ตามวัตถุประสงค์และลักษณะของการประหารชีวิต มีความโดดเด่นในการวาดภาพขนาดมหึมา ขาตั้ง ภาพตกแต่ง และฉากละคร ถึง ภาพวาดที่ยิ่งใหญ่รวมถึงภาพวาดฝาผนัง ( จิตรกรรมฝาผนัง) และ กระเบื้องโมเสค กระจกสี โป๊ะโคม แผงเชื่อมโยงกับสถาปัตยกรรมอย่างแยกไม่ออกกับผนัง (เพดาน พื้น) ของอาคารที่พวกเขาสร้างขึ้น ไอคอนบางส่วนและองค์ประกอบแท่นบูชาพับขนาดใหญ่ (“ผลงานแท่นบูชาเกนท์” โดย เจ. แวน เอก้า, 1432). ผลงานอันเป็นอนุสรณ์สถานไม่สามารถถ่ายโอนไปยังการตกแต่งภายในอื่นได้ ไอคอนแท่นบูชาแบบพับได้สำหรับโบสถ์ในทางเทคนิคแล้วสามารถวางไว้ในพื้นที่อื่นได้ (ปัจจุบันหลายแห่งจัดแสดงในพิพิธภัณฑ์) อย่างไรก็ตามปราศจากสภาพแวดล้อมทางธรรมชาติถูกดึงออกจากวงดนตรีทำให้สูญเสียส่วนสำคัญของผลกระทบ บนผู้ชม ภาษาศิลปะการวาดภาพแบบอนุสาวรีย์มีความโดดเด่นด้วยความรุนแรงและความยิ่งใหญ่ความกระชับของรูปแบบทั่วไปจุดสีขนาดใหญ่ ภาพวาดอนุสาวรีย์มีมาตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา สมัยโบราณ– แม้แต่คนดึกดำบรรพ์ก็ยังสร้างภาพวาดบนหิน ( อัลตามิราในสเปน 15-10,000 ปีก่อนคริสต์ศักราช จ.)

แรมแบรนดท์. "ภาพเหมือนของ Hendrikje Stoffels ที่หน้าต่าง" ตกลง. 1659

ได้ผล การวาดภาพขาตั้ง– ภาพวาด – สร้างขึ้นโดยใช้ขาตั้งและไม่ได้มีไว้สำหรับห้องใดห้องหนึ่งโดยเฉพาะ อันดับแรก ขาตั้งทำงานปรากฏอยู่ในสมัยนั้น ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา(ศตวรรษที่ 15–16) ฐาน (กระดาน, ผ้าใบที่ขึงบนเปลหาม ฯลฯ ) ปิดด้วยสีรองพื้นสีขาวที่ทำจากยิปซั่ม (ชอล์ก) ผสมกับกาวหรือน้ำมัน ไพรเมอร์ปรับระดับพื้นผิวและ "ส่องสว่าง" ชั้นสีจากด้านใน พร้อมด้วยพวกคนผิวขาวปรมาจารย์มากมาย (ป.ป. รูเบนส์ฯลฯ ) ใช้ไพรเมอร์สี (น้ำตาลทอง, แดง) ซึ่งทำให้สีของภาพมีความเป็นหนึ่งเดียวกัน สีถูกทาทับไพรเมอร์ในหนึ่งหรือหลายชั้น บางครั้งงานที่เสร็จแล้วก็เคลือบเงา ภาพวาดที่ใส่กรอบเป็นเหมือนหน้าต่างสู่โลกที่สร้างขึ้นจากจินตนาการของศิลปิน ตามกฎแล้ว พวกเขารักษาความสามัคคีของสถานที่ เวลา และการกระทำ

ภาพวาดตกแต่ง (ทั้งการเล่าเรื่องและการตกแต่ง) ได้รับการออกแบบไม่เพียง แต่เพื่อตกแต่งพื้นผิวผนังเท่านั้น แต่ยังเพื่อเน้นองค์ประกอบโครงสร้างด้วย ( คอลัมน์, เสาหลัก, ส่วนโค้งฯลฯ ); กระทำโดยใช้เทคนิคปูนเปียก เป็นต้น ประเภทของจิตรกรรมตกแต่งคือ กริซายล์ใช้กันอย่างแพร่หลายในการตกแต่งภายในพระราชวังโดยเลียนแบบประติมากรรมนูนต่ำนูนสูง (พระราชวัง Sheremetev ใน Kuskovo ศตวรรษที่ 18) ภาพวาดตกแต่งมีการตกแต่งผลิตภัณฑ์เซรามิกด้วย การทาสีจานเซรามิกเรียกว่า จิตรกรรมแจกัน.

การวาดภาพละครและทิวทัศน์คือการออกแบบทิวทัศน์และเครื่องแต่งกายสำหรับการแสดงละครและภาพยนตร์ ภาพร่างของฉากต่างๆ
เทคนิคการวาดภาพขั้นพื้นฐาน: ภาพวาดสีน้ำมันอุบาทว์, ทาสีกาว, ฉุนเฉียวและอื่น ๆ. สีน้ำ gouache สีพาสเทลครอบครองตำแหน่งกลางระหว่างที่งดงามและ เทคนิคกราฟิก- เดิมทีเม็ดสีหลากสีถูกสกัดมาจากแร่ธาตุ (สีเหลืองสีน้ำตาลสดจากดินเหนียว สีแดงจากออกไซด์ สีขาวจากมะนาว สีดำจากถ่านหินหรือกระดูกที่ถูกเผา สีน้ำเงินและสีเขียวจากลาพิสลาซูลีและมาลาไคต์ ฯลฯ) ต่อมามีสีที่ผลิตทางเคมีปรากฏขึ้น เทคนิคการทาสีทั้งหมดใช้เม็ดสีเดียวกัน แต่มีสารยึดเกาะที่แตกต่างกัน - สารของเหลวและกาวที่ป้องกันไม่ให้ผงสีแตกสลาย ปรมาจารย์ชาวอียิปต์โบราณทาสีด้วยสีกาวผสมกับเคซีน สีเหล่านี้ไม่กระจายซึ่งทำให้สามารถถ่ายทอดได้หลากหลาย ชิ้นส่วนขนาดเล็ก- ภาพวาดของปรมาจารย์กรีกโบราณในตำนานและป้ายหลุมศพที่ยังมาไม่ถึงเรา ภาพเหมือนของฟายัมถูกทาสีโดยใช้เทคนิค encaustic: สีถูกละลายเป็นขี้ผึ้งละลายร้อน สีขี้ผึ้งหนาทำให้สามารถสร้างพื้นผิวนูนที่แสดงออกได้ ในยุคกลางมีการใช้อุบาทว์ - สีผสมกับไข่แดงหรือสีขาวพร้อมสารเติมแต่งต่างๆ ภาพเทมเพอรามีความโดดเด่นด้วยโทนสีที่ไม่ออกเสียง เทมเพอรามีความแข็งแรง ทนทาน และไม่แตกร้าวตามกาลเวลา ไม่เหมือนสีน้ำมัน

ภาพวาดสีน้ำมันปรากฏในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา สิ่งประดิษฐ์นี้มีสาเหตุมาจาก Dutchman J. van Eyck เม็ดสีถูกเจือจางด้วยน้ำมันลินสีด ถั่ว และน้ำมันพืชอื่นๆ ด้วยเหตุนี้สีจึงแห้งเร็วจึงสามารถทาเป็นชั้นบาง ๆ โปร่งใสซึ่งทำให้ภาพวาดมีความส่องสว่างและเงางามเป็นพิเศษ ข้อเสียของสีน้ำมันคือเมื่อเวลาผ่านไปสีจะสูญเสียความยืดหยุ่น ทำให้สีเข้มขึ้นและมีรอยแตกร้าว (craquelures) การทำงานกับสีน้ำมันทำให้เกิดเทคนิคที่หลากหลายตั้งแต่การตกแต่งอย่างละเอียดและรอบคอบไปจนถึงการทาสี "alla prima" ในวงกว้างและเจ้าอารมณ์ ด้วยความช่วยเหลือของพวกเขาคุณสามารถสร้างพื้นผิวเคลือบฟันที่เรียบเนียนและพื้นผิวพลาสติกแบบนูนได้ ด้วยเทคนิคนี้เองที่ศิลปินสามารถแสดงออกได้อย่างเต็มที่ที่สุด บุคลิกลักษณะที่สร้างสรรค์และถ่ายทอดทุกพื้นผิวโลกทั้งแก้วใส ขนฟู ความอบอุ่นของผิวหนังมนุษย์
ความเพลิดเพลินอย่างแท้จริงสำหรับผู้ที่ชื่นชอบการวาดภาพนั้นมาจากการใคร่ครวญถึงความมหัศจรรย์ของการเปลี่ยนฝีแปรงให้กลายเป็นสิ่งมีชีวิต เปลี่ยนเนื้อสีให้กลายเป็นเนื้อของสรรพสิ่ง ปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา " ชาวดัตช์ตัวน้อย"ในศตวรรษที่ 17 พวกเขาพยายามสร้างความรู้สึก "ปาฏิหาริย์" ของวัตถุที่ปรากฎ พวกเขาวาดด้วยแปรงที่ดีที่สุดโดยใช้ลายเส้นเล็ก ๆ ที่มองไม่เห็น ในที่สุด ศตวรรษที่ 19 ศิลปินมุ่งมั่นที่จะ "เปิดเผย" กระบวนการสร้างสรรค์เพื่อเผยให้เห็นความงามไม่เพียงแต่ของวัตถุที่ปรากฎเท่านั้น แต่ยังรวมถึงพื้นผิวของอิฐที่งดงามด้วย (กลุ่มของสี หยดและความหย่อนคล้อยของมัน “โมเสก” ของลายเส้น ฯลฯ ) ปรมาจารย์แห่งศตวรรษที่ 20 พวกเขาใช้เทคนิคและเทคนิคการวาดภาพที่หลากหลาย

ประเภทของการวาดภาพปรากฏขึ้นได้รับความนิยมจางหายไปมีรูปแบบใหม่เกิดขึ้นและประเภทย่อยเริ่มมีความโดดเด่นภายในสิ่งที่มีอยู่ กระบวนการนี้จะไม่หยุดตราบใดที่ยังมีบุคคลหนึ่งอยู่ และพยายามจับภาพโลกรอบตัวเขา ไม่ว่าจะเป็นธรรมชาติ อาคาร หรือบุคคลอื่น

ก่อนหน้านี้ (จนถึงศตวรรษที่ 19) มีการแบ่งประเภทจิตรกรรมออกเป็นประเภทที่เรียกว่า "สูง" (ประเภทฝรั่งเศสแกรนด์) และประเภท "ต่ำ" (ประเภท Petit ฝรั่งเศส) การแบ่งแยกนี้เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 17 และขึ้นอยู่กับเรื่องและโครงเรื่องที่บรรยาย ในเรื่องนี้ ประเภทที่สูง ได้แก่ การต่อสู้ เชิงเปรียบเทียบ ศาสนา และตำนาน และประเภทต่ำ ได้แก่ ภาพบุคคล ภูมิทัศน์ หุ่นนิ่ง สัตว์นิยม

การแบ่งออกเป็นประเภทต่างๆ นั้นค่อนข้างจะเป็นไปตามอำเภอใจเพราะว่า องค์ประกอบของสองประเภทขึ้นไปอาจปรากฏในภาพวาดในเวลาเดียวกัน

สัตวศาสตร์หรือ ประเภทสัตว์

Animalism หรือประเภทสัตว์ (จากภาษาละตินสัตว์ - สัตว์) เป็นประเภทที่บรรทัดฐานหลักคือภาพของสัตว์ เราสามารถพูดได้ว่านี่เป็นประเภทที่เก่าแก่ที่สุดประเภทหนึ่งเพราะ... ภาพวาดและร่างของนกและสัตว์มีอยู่ในชีวิตของคนดึกดำบรรพ์ ตัวอย่างเช่นในภาพวาดชื่อดังของ I.I. ศิลปินเองก็วาดภาพ "ยามเช้าในป่าสน" ของ Shishkin และหมีก็แสดงโดยศิลปินที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงซึ่งเชี่ยวชาญในการวาดภาพสัตว์

ฉัน. Shishkin “ ยามเช้าในป่าสน”

จะแยกแยะชนิดย่อยได้อย่างไร? ประเภทฮิปปิก(จากภาษากรีกฮิปโป - ม้า) - ประเภทที่กึ่งกลางของภาพคือรูปม้า

ไม่. Sverchkov "ม้าในคอกม้า"

ภาพเหมือน

ภาพบุคคล (จากคำว่า Portrait ในภาษาฝรั่งเศส) คือ ภาพที่มีภาพกลางเป็นภาพบุคคลหรือกลุ่มบุคคล ภาพบุคคลไม่เพียงสื่อถึงเท่านั้น ความคล้ายคลึงภายนอกแต่ยังสะท้อนโลกภายในและถ่ายทอดความรู้สึกของศิลปินต่อบุคคลที่ตนวาดภาพเหมือน

เช่น. ภาพเหมือนของ Repin ของ Nicholas II

ประเภทภาพบุคคลแบ่งออกเป็น รายบุคคล(ภาพของบุคคลหนึ่ง) กลุ่ม(ภาพหลายๆ คน) โดยธรรมชาติของภาพ - ไปที่ประตูหน้าเมื่อมีบุคคลปรากฎอยู่ในนั้น ความสูงเต็มกับพื้นหลังทางสถาปัตยกรรมหรือภูมิทัศน์ที่โดดเด่นและ ห้องเมื่อแสดงภาพบุคคลที่มีความลึกถึงหน้าอกหรือเอวโดยมีพื้นหลังเป็นกลาง กลุ่มภาพบุคคลซึ่งมีลักษณะเฉพาะบางอย่างรวมกันเป็นชุดหรือแกลเลอรีภาพบุคคล ตัวอย่างจะเป็นภาพเหมือนของสมาชิกในราชวงศ์

โดดเด่นแยกจากกัน ภาพเหมือนซึ่งศิลปินพรรณนาถึงตัวเอง

K. Bryullov ภาพเหมือนตนเอง

ภาพบุคคลเป็นหนึ่งในประเภทที่เก่าแก่ที่สุด - ภาพบุคคลแรก (ประติมากรรม) มีอยู่แล้วในอียิปต์โบราณ ภาพเหมือนดังกล่าวเป็นส่วนหนึ่งของลัทธิ ชีวิตหลังความตายและเป็น "สองเท่า" ของบุคคล

ทิวทัศน์

ภูมิทัศน์ (จากการจ่ายเงินของฝรั่งเศส - ประเทศ, พื้นที่) เป็นประเภทที่ภาพกลางคือภาพของธรรมชาติ - แม่น้ำ, ป่าไม้, ทุ่งนา, ทะเล, ภูเขา ในภูมิประเทศ แน่นอนว่าประเด็นหลักคือโครงเรื่อง แต่การถ่ายทอดการเคลื่อนไหวและชีวิตของธรรมชาติโดยรอบก็มีความสำคัญไม่น้อยไปกว่ากัน ในด้านหนึ่ง ธรรมชาตินั้นสวยงามและน่าชื่นชม แต่ในทางกลับกัน มันค่อนข้างยากที่จะสะท้อนสิ่งนี้ออกมาเป็นภาพ

C. Monet “ทุ่งดอกป๊อปปี้ที่ Argenteuil”

มีชนิดย่อยของภูมิประเทศคือ ทิวทัศน์ทะเลหรือท่าจอดเรือ(จากนาวิกโยธินฝรั่งเศส, ท่าจอดเรือของอิตาลี, จากภาษาละติน marinus - ทะเล) - ภาพการต่อสู้ทางเรือ, ทะเลหรือเหตุการณ์อื่น ๆ ที่เกิดขึ้นในทะเล ตัวแทนที่โดดเด่นของจิตรกรทางทะเลคือ K.A. ไอวาซอฟสกี้. เป็นที่น่าสังเกตว่าศิลปินเขียนรายละเอียดมากมายของภาพวาดนี้จากความทรงจำ

ฉัน. Aivazovsky "คลื่นลูกที่เก้า"

อย่างไรก็ตาม ศิลปินมักพยายามวาดภาพทะเลจากชีวิต เช่น W. Turner สำหรับภาพวาด "Blizzard" เรือกลไฟที่ทางเข้าท่าเรือจะส่งสัญญาณขอความช่วยเหลือหลังจากลงไปในน้ำตื้น” ใช้เวลา 4 ชั่วโมงผูกติดอยู่กับสะพานเรือของกัปตันเรือที่กำลังแล่นท่ามกลางพายุ

ดับบลิว เทิร์นเนอร์ “พายุหิมะ เรือกลไฟที่ทางเข้าท่าเรือจะส่งสัญญาณขอความช่วยเหลือหลังจากลงสู่น้ำตื้น"

ธาตุน้ำยังปรากฏอยู่ในทิวทัศน์ของแม่น้ำอีกด้วย

จัดสรรแยกกัน ทิวทัศน์ของเมืองซึ่งตัวแบบหลักของภาพคือถนนและอาคารในเมือง ประเภทของภูมิทัศน์เมืองก็คือ เวดูตา– ภาพทิวทัศน์เมืองในรูปแบบพาโนรามา โดยคงขนาดและสัดส่วนไว้อย่างแน่นอน

A. Canaletto “จัตุรัสซานมาร์โก”

มีภูมิทัศน์ประเภทอื่น - ชนบท อุตสาหกรรม และสถาปัตยกรรม- ในการวาดภาพสถาปัตยกรรม ธีมหลักคือภาพทิวทัศน์สถาปัตยกรรม เช่น อาคาร โครงสร้าง; รวมถึงภาพการตกแต่งภายใน (การตกแต่งภายในสถานที่) บางครั้ง ภายใน(จากภาษาฝรั่งเศส intérieur - ภายใน) โดดเด่นเป็น แยกประเภท- อีกประเภทหนึ่งมีความโดดเด่นในการวาดภาพสถาปัตยกรรม — คาปริซิโอ(จากภาษาอิตาลี capriccio, ราชประสงค์, ราชประสงค์) - ภูมิทัศน์แฟนตาซีทางสถาปัตยกรรม

ยังมีชีวิตอยู่

ชีวิตหุ่นนิ่ง (จากธรรมชาติของฝรั่งเศส - ธรรมชาติที่ตายแล้ว) เป็นประเภทที่อุทิศให้กับการพรรณนาถึงวัตถุที่ไม่มีชีวิตซึ่งวางอยู่ในสภาพแวดล้อมทั่วไปและรวมตัวกันเป็นกลุ่ม สิ่งมีชีวิตปรากฏในศตวรรษที่ 15-16 แต่เป็นประเภทที่แยกจากกันมันเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 17

แม้ว่าคำว่า "ชีวิตหุ่นนิ่ง" จะแปลว่าธรรมชาติที่ตายแล้ว แต่ในภาพเขียนก็มีช่อดอกไม้ ผลไม้ ปลา เกม อาหาร - ทุกอย่างดูเหมือน "มีชีวิต" เช่น เหมือนของจริง ตั้งแต่วินาทีที่ปรากฏตัวมาจนถึงทุกวันนี้ ภาพหุ่นนิ่งถือเป็นแนวเพลงที่สำคัญในการวาดภาพ

เค. โมเน่ต์ “แจกันดอกไม้”

เนื่องจากเป็นชนิดย่อยที่แยกจากกันเราสามารถแยกแยะได้ วานิทัส(จากภาษาละติน Vanitas - vanity, vanity) - ประเภทของการวาดภาพที่กะโหลกศีรษะมนุษย์ครอบครองพื้นที่ส่วนกลางของภาพซึ่งเป็นภาพที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อเตือนถึงความไร้สาระและความอ่อนแอของชีวิตมนุษย์

ภาพวาดโดย F. de Champagne นำเสนอสัญลักษณ์สามประการของความอ่อนแอของการดำรงอยู่ - ชีวิต ความตาย เวลา ผ่านภาพของทิวลิป กะโหลก และนาฬิกาทราย

ประเภทประวัติศาสตร์

ประเภทประวัติศาสตร์เป็นประเภทที่ภาพวาดแสดงถึงเหตุการณ์สำคัญและปรากฏการณ์ที่สำคัญทางสังคมในอดีตหรือปัจจุบัน เป็นที่น่าสังเกตว่าภาพนี้สามารถอุทิศได้ไม่เพียง แต่กับเหตุการณ์จริงเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงเหตุการณ์จากเทพนิยายหรือตัวอย่างเช่นที่อธิบายไว้ในพระคัมภีร์ด้วย ประเภทนี้มีความสำคัญมากสำหรับประวัติศาสตร์ ทั้งสำหรับประวัติศาสตร์ของแต่ละชนชาติและรัฐ และสำหรับมนุษยชาติโดยรวม ในภาพวาด ประเภทประวัติศาสตร์แยกออกจากประเภทอื่นไม่ได้ - แนวตั้ง แนวนอน ประเภทการต่อสู้

เช่น. Repin “พวกคอสแซคเขียนจดหมายถึงสุลต่านตุรกี” K. Bryullov “วันสุดท้ายของเมืองปอมเปอี”

ประเภทการต่อสู้

ประเภทการต่อสู้ (จากภาษาฝรั่งเศส bataille - การต่อสู้) เป็นประเภทที่ภาพวาดแสดงถึงจุดสุดยอดของการต่อสู้ การปฏิบัติการทางทหาร ช่วงเวลาแห่งชัยชนะ ฉากจากชีวิตทหาร สำหรับ ภาพวาดการต่อสู้ภาพวาดแสดงถึงผู้คนจำนวนมาก

เอเอ Deineka "การป้องกันเซวาสโทพอล"

ประเภทศาสนา

ประเภทศาสนาเป็นประเภทที่หลัก เส้นเรื่อง– พระคัมภีร์ (ฉากจากพระคัมภีร์และข่าวประเสริฐ) ธีมเกี่ยวข้องกับการวาดภาพทางศาสนาและไอคอน ความแตกต่างระหว่างภาพวาดเหล่านี้คือภาพวาดที่มีเนื้อหาทางศาสนาไม่ได้มีส่วนร่วมในการให้บริการทางศาสนา และสำหรับไอคอน นี่คือจุดประสงค์หลัก ยึดถือแปลจากภาษากรีก แปลว่า "ภาพสวดมนต์" ประเภทนี้ถูกจำกัดด้วยกรอบที่เข้มงวดและกฎหมายการวาดภาพเพราะว่า ไม่ได้มีจุดมุ่งหมายเพื่อสะท้อนความเป็นจริง แต่เพื่อถ่ายทอดแนวคิดเกี่ยวกับหลักการของพระเจ้าซึ่งศิลปินกำลังมองหาอุดมคติ ในรัสเซีย ภาพวาดไอคอนถึงจุดสูงสุดในศตวรรษที่ 12-16 ที่สุด ชื่อที่มีชื่อเสียงจิตรกรไอคอน - Theophanes ชาวกรีก (จิตรกรรมฝาผนัง), Andrei Rublev, Dionysius

A. Rublev “ทรินิตี้”

ความโดดเด่นของขั้นตอนการเปลี่ยนผ่านตั้งแต่การวาดภาพไอคอนไปจนถึงแนวตั้ง พาร์ซูนา(บิดเบี้ยวจากภาษาลาติน บุคคล - บุคคล, บุคคล)

พาร์ซุนแห่งอีวานผู้น่ากลัว ไม่ทราบผู้เขียน

ประเภทในชีวิตประจำวัน

ภาพวาดแสดงถึงฉากต่างๆ ชีวิตประจำวัน- บ่อยครั้งที่ศิลปินเขียนเกี่ยวกับช่วงเวลาในชีวิตที่เขาเป็นคนร่วมสมัย คุณสมบัติที่โดดเด่นประเภทนี้เกี่ยวกับความสมจริงของภาพวาดและความเรียบง่ายของโครงเรื่อง รูปภาพสามารถสะท้อนถึงขนบธรรมเนียม ประเพณี และโครงสร้างชีวิตประจำวันของบุคคลหนึ่งๆ ได้

ถึง ภาพวาดในครัวเรือนรวมถึงภาพวาดที่มีชื่อเสียงเช่น "Barge Haulers on the Volga" โดย I. Repin, "Troika" โดย V. Perov, "Unequal Marriage" โดย V. Pukirev

I. Repin “เรือลากจูงบนแม่น้ำโวลก้า”

ประเภทมหากาพย์ตำนาน

ประเภทมหากาพย์ตำนาน คำว่าตำนานมาจากภาษากรีก “มิธอส” ซึ่งหมายถึงประเพณี ภาพวาดแสดงถึงเหตุการณ์ในตำนาน, มหากาพย์, ประเพณี, ตำนานกรีกโบราณ, นิทานโบราณ, โครงงานของนิทานพื้นบ้าน

P. Veronese "อพอลโลและมาร์เซียส"

ประเภทเชิงเปรียบเทียบ

ประเภทเชิงเปรียบเทียบ (จากภาษากรีก allegoria - ชาดก) รูปภาพถูกวาดในลักษณะที่พวกเขามี ความหมายที่ซ่อนอยู่- ความคิดและแนวความคิดที่ไม่เป็นรูปธรรมซึ่งมองไม่เห็นด้วยตา (อำนาจ ความดี ความชั่ว ความรัก) ถ่ายทอดผ่านรูปสัตว์ คน และสิ่งมีชีวิตอื่น ๆ ที่มีลักษณะเฉพาะโดยธรรมชาติซึ่งมีสัญลักษณ์ปรากฏอยู่ในจิตใจของผู้คนแล้ว และช่วย เข้าใจความหมายทั่วไปของงาน

แอล. จิออร์ดาโน “ความรักและความชั่วร้ายปลดอาวุธความยุติธรรม”

พระ (จากพระฝรั่งเศส - พระ, ชนบท)

ประเภทของจิตรกรรมที่เชิดชูและกวีนิพนธ์ถึงชีวิตชนบทที่เรียบง่ายและสงบสุข

F. Boucher “อภิบาลฤดูใบไม้ร่วง”

การ์ตูนล้อเลียน (จากการ์ตูนล้อเลียนของอิตาลี - ถึงเกินจริง)

ประเภทที่เมื่อสร้างภาพ เอฟเฟกต์การ์ตูนถูกใช้อย่างจงใจโดยการพูดเกินจริงและทำให้คุณสมบัติ พฤติกรรม เสื้อผ้า ฯลฯ คมชัดขึ้น จุดประสงค์ของภาพล้อเลียนคือการสร้างความขุ่นเคือง ในทางตรงกันข้าม เช่น กับภาพล้อเลียน (จากค่าธรรมเนียมฝรั่งเศส) โดยมีจุดประสงค์เพื่อสร้างความสนุกสนานเท่านั้น ที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับคำว่า "การ์ตูนล้อเลียน" คือแนวคิดเช่นภาพพิมพ์ยอดนิยมและพิสดาร

เปลือย (จากภาษาฝรั่งเศส nu - เปลือยเปล่าไม่ได้แต่งตัว)

ประเภทที่ภาพวาดแสดงถึงภาพเปลือย ร่างกายมนุษย์ส่วนใหญ่มักเป็นผู้หญิง

ทิเชียน เวเชลลิโอ "วีนัสแห่งเออร์บิโน"

เท็จหรือ trompe l'oeil (จากภาษาฝรั่งเศส. ทรอมป์-l'OEil -ภาพลวงตา)

ประเภทที่มีคุณสมบัติเป็นเทคนิคพิเศษที่สร้างภาพลวงตาและทำให้สามารถลบเส้นแบ่งระหว่างความเป็นจริงและภาพได้เช่น ความรู้สึกที่ทำให้เข้าใจผิดว่าวัตถุมีสามมิติเมื่อเป็นสองมิติ บางครั้ง Blende ก็ถูกจัดว่าเป็นประเภทย่อยของหุ่นนิ่ง แต่บางครั้งก็มีการแสดงภาพผู้คนในประเภทนี้ด้วย

Per Borrell del Caso "วิ่งหนีจากการวิจารณ์"

เพื่อให้การรับรู้ของล่อสมบูรณ์แนะนำให้พิจารณาพวกมันในต้นฉบับเพราะว่า การทำสำเนาไม่สามารถถ่ายทอดเอฟเฟกต์ที่ศิลปินบรรยายได้อย่างเต็มที่

Jacopo de Barberi "นกกระทาและถุงมือเหล็ก"

รูปภาพเฉพาะเรื่อง

การผสมผสานของประเภทจิตรกรรมแบบดั้งเดิม (ในประเทศ ประวัติศาสตร์ การต่อสู้ ภูมิทัศน์ ฯลฯ) ในอีกทางหนึ่งประเภทนี้เรียกว่าองค์ประกอบที่เป็นรูปเป็นร่างโดยมีลักษณะเฉพาะคือ: บุคคลมีบทบาทหลักการปรากฏตัวของการกระทำและความคิดที่สำคัญทางสังคมความสัมพันธ์ (ความขัดแย้งทางผลประโยชน์ / ตัวละคร) และสำเนียงทางจิตวิทยาจำเป็นต้องแสดง .

V. Surikov “Boyaryna Morozova”

การวาดภาพเป็นงานศิลปะประเภทหนึ่ง ซึ่งสร้างขึ้นโดยใช้สีทาบนพื้นผิวแข็งใดๆ ในงานศิลปะที่สร้างขึ้นโดยการวาดภาพสีและการวาดภาพมีการใช้ chiaroscuro การแสดงออกของลายเส้นพื้นผิวและองค์ประกอบซึ่งช่วยให้เราสามารถทำซ้ำบนเครื่องบินถึงความมีชีวิตชีวาที่มีสีสันของโลกปริมาณของวัตถุคุณภาพความคิดริเริ่มของวัสดุ ความลึกเชิงพื้นที่และสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศซึ่งสามารถถ่ายทอดสภาวะคงที่และความรู้สึกของการพัฒนาชั่วคราวความสงบและความอิ่มตัวของอารมณ์ - จิตวิญญาณความเร่งด่วนชั่วคราวของสถานการณ์ผลกระทบของการเคลื่อนไหว ฯลฯ ; ในการวาดภาพ การเล่าเรื่องที่มีรายละเอียดและโครงเรื่องที่ซับซ้อนเป็นไปได้ สิ่งนี้ทำให้การวาดภาพไม่เพียงแต่รวบรวมปรากฏการณ์ที่มองเห็นได้ของโลกแห่งความเป็นจริง เพื่อแสดงภาพชีวิตของผู้คนในวงกว้าง แต่ยังมุ่งมั่นที่จะเปิดเผยแก่นแท้ของกระบวนการทางประวัติศาสตร์ โลกภายในของมนุษย์ และเพื่อแสดงความคิดที่เป็นนามธรรม เนื่องจากความสามารถทางอุดมการณ์และศิลปะที่กว้างขวาง การวาดภาพจึงเป็นวิธีการสำคัญในการสะท้อนทางศิลปะและการตีความความเป็นจริง มีเนื้อหาทางสังคมที่สำคัญและมีหน้าที่ทางอุดมการณ์ต่างๆ

ความกว้างและความสมบูรณ์ของการครอบคลุมของความเป็นจริงที่แท้จริงสะท้อนให้เห็นในประเภทต่างๆ มากมายที่มีอยู่ในการวาดภาพ (ประเภทประวัติศาสตร์ ประเภทในชีวิตประจำวัน ประเภทการต่อสู้ ภาพบุคคล ภูมิทัศน์ หุ่นนิ่ง) มีภาพวาด: อนุสาวรีย์และการตกแต่ง (ภาพวาดฝาผนัง, โคมไฟ, แผง) มีวัตถุประสงค์เพื่อตกแต่งสถาปัตยกรรมและมีบทบาทสำคัญในการตีความทางอุดมการณ์และเป็นรูปเป็นร่างของอาคารสถาปัตยกรรม ขาตั้ง (ภาพวาด) มักไม่เกี่ยวข้องกับสถานที่เฉพาะใด ๆ ในกลุ่มศิลปะ การออกแบบฉาก (ภาพร่างของฉากละครและภาพยนตร์และเครื่องแต่งกาย) ภาพวาดไอคอน ขนาดเล็ก ประเภทของการวาดภาพยังรวมถึงภาพสามมิติและภาพพาโนรามาด้วย ภาพวาดสีน้ำมันจะแตกต่างกันไปตามลักษณะของสารที่จับกับเม็ดสี (สารให้สี) และวิธีการทางเทคโนโลยีในการยึดเม็ดสีบนพื้นผิว สีบนน้ำบนปูนปลาสเตอร์ - เปียก (ปูนเปียก) และแห้ง (a secco), อุบาทว์, การทาสีด้วยกาว, การทาสีขี้ผึ้ง, เคลือบฟัน, การทาสีด้วยสีเซรามิกและซิลิเกต ฯลฯ ที่เกี่ยวข้องโดยตรงกับการทาสีคือโมเสกและกระจกสีซึ่งแก้ปัญหาได้เหมือนกัน ปัญหาและการวาดภาพขนาดมหึมาถือเป็นงานทางศิลปะ สีน้ำ สี gouache สีพาสเทล และหมึกก็ใช้เพื่อสร้างภาพวาดเช่นกัน

สีเป็นวิธีการแสดงออกที่เฉพาะเจาะจงที่สุดสำหรับการวาดภาพ การแสดงออกและความสามารถในการกระตุ้นการเชื่อมโยงทางประสาทสัมผัสต่างๆ ช่วยเพิ่มอารมณ์ความรู้สึกของภาพ และกำหนดความเป็นไปได้ทางการมองเห็น การแสดงออก และการตกแต่งของการวาดภาพ ในงานศิลปะ สีถือเป็นระบบหนึ่ง (สี) โดยปกติแล้วจะใช้สีและเฉดสีที่สัมพันธ์กันจำนวนหนึ่ง (ระดับสีสัน) แม้ว่าจะมีการทาสีด้วยเฉดสีที่มีสีเดียวกัน (ขาวดำ) การจัดองค์ประกอบสีทำให้เกิดความสามัคคีด้านสีสันของงาน ซึ่งมีอิทธิพลต่อแนวทางการรับรู้ของผู้ชม ซึ่งถือเป็นส่วนสำคัญของโครงสร้างทางศิลปะ วิธีการวาดภาพที่แสดงออกอีกวิธีหนึ่งคือการวาดภาพ (เส้นและ chiaroscuro) พร้อมด้วยสีเพื่อจัดระเบียบภาพเป็นจังหวะและองค์ประกอบ เส้นแบ่งปริมาณออกจากกัน มักเป็นพื้นฐานเชิงสร้างสรรค์ของรูปแบบภาพ และอนุญาตให้ทำซ้ำโดยทั่วไปหรือในรายละเอียดโครงร่างของวัตถุและองค์ประกอบที่เล็กที่สุด Chiaroscuro ช่วยให้คุณไม่เพียงสร้างภาพลวงตาของภาพสามมิติ เพื่อถ่ายทอดระดับความสว่างหรือความมืดของวัตถุ แต่ยังสร้างความรู้สึกถึงการเคลื่อนไหวของอากาศ แสง และเงาอีกด้วย จุดหรือจังหวะของจิตรกรมีบทบาทสำคัญในการวาดภาพซึ่งเป็นเทคนิคทางเทคนิคหลักของเขาและช่วยให้เขาสามารถถ่ายทอดแง่มุมต่างๆ ได้มากมาย พู่กันมีส่วนช่วยในการสร้างรูปทรงพลาสติกสามมิติ สื่อถึงลักษณะวัสดุและพื้นผิว และเมื่อผสมผสานกับสี จะสร้างสีสันอันมีชีวิตชีวาของโลกแห่งความเป็นจริงขึ้นมาใหม่ ธรรมชาติของจังหวะ (เรียบ ต่อเนื่องหรืออิมพาสโต แยก กังวล ฯลฯ) ยังช่วยสร้างบรรยากาศทางอารมณ์ของงาน ถ่ายทอดความรู้สึกและอารมณ์ทันทีของศิลปิน ทัศนคติของเขาต่อภาพ

โดยทั่วไปแล้ว รูปภาพรูปภาพจะแบ่งออกเป็นสองประเภท ได้แก่ ภาพถ่ายเชิงเส้นระนาบ และเชิงปริมาตรเชิงพื้นที่ แต่ไม่มีขอบเขตที่ชัดเจนระหว่างรูปภาพเหล่านั้น การวาดภาพเชิงเส้นระนาบมีลักษณะเป็นจุดแบนของสีท้องถิ่น ล้อมรอบด้วยรูปทรงที่แสดงออก เส้นที่ชัดเจนและเป็นจังหวะ ในสมัยโบราณและบางส่วนในการวาดภาพสมัยใหม่ มีวิธีการทั่วไปในการสร้างเชิงพื้นที่และการทำซ้ำวัตถุที่เปิดเผยให้ผู้ชมเห็นถึงตรรกะความหมายของภาพ การวางวัตถุในอวกาศ แต่แทบจะไม่ละเมิดความเป็นสองมิติของภาพ เครื่องบิน. ความปรารถนาที่จะสร้างโลกแห่งความเป็นจริงขึ้นมาใหม่ตามที่บุคคลมองเห็น ซึ่งเกิดขึ้นในงานศิลปะโบราณ ทำให้เกิดการปรากฏตัวของภาพเชิงพื้นที่เชิงปริมาตรในการวาดภาพ ในการวาดภาพประเภทนี้ ความสัมพันธ์เชิงพื้นที่สามารถทำซ้ำได้ด้วยสี สามารถสร้างภาพลวงตาของพื้นที่สามมิติที่ลึกได้ ระนาบภาพสามารถถูกทำลายด้วยสายตาโดยใช้การไล่โทนสี มุมมองที่โปร่งสบายและเป็นเส้นตรง โดยการกระจายความอบอุ่นและความเย็น สี; รูปแบบปริมาตรจำลองด้วยสี แสง และเงา ในภาพปริมาตรเชิงพื้นที่และระนาบเชิงเส้น มีการใช้เส้นและสีที่ชัดเจน และเอฟเฟ็กต์ของปริมาตร แม้แต่งานประติมากรรม ก็ทำได้โดยการไล่ระดับของโทนสีอ่อนและสีเข้มที่กระจายในจุดสีที่จำกัดอย่างชัดเจน ในเวลาเดียวกันการระบายสีมักจะผสมกันตัวเลขและวัตถุไม่รวมกับพื้นที่โดยรอบเป็นอันเดียว การวาดภาพโทนสีผ่านการพัฒนาสีที่ซับซ้อนและไดนามิก แสดงให้เห็นการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อยทั้งสีและโทนสี ขึ้นอยู่กับแสง เช่นเดียวกับปฏิสัมพันธ์ของสีที่อยู่ติดกัน โทนสีโดยรวมจะรวมวัตถุเข้ากับสภาพแวดล้อมที่มีแสงน้อยและพื้นที่โดยรอบ ในการวาดภาพของจีน ญี่ปุ่น และเกาหลี ภาพอวกาศชนิดพิเศษได้พัฒนาขึ้น โดยให้ความรู้สึกถึงอวกาศอันไม่มีที่สิ้นสุดเมื่อมองจากด้านบน โดยมีเส้นคู่ขนานทอดยาวออกไปในระยะไกลและไม่มาบรรจบกันในส่วนลึก ตัวเลขและวัตถุแทบไม่มีปริมาตร ตำแหน่งในอวกาศแสดงโดยความสัมพันธ์ของน้ำเสียงเป็นหลัก

งานทาสีประกอบด้วยฐาน (ผ้าใบ, ไม้, กระดาษ, กระดาษแข็ง, หิน, แก้ว, โลหะ ฯลฯ ) มักจะเคลือบด้วยสีรองพื้นและชั้นสีซึ่งบางครั้งก็ป้องกันด้วยฟิล์มป้องกันสารเคลือบเงา ความเป็นไปได้ทางการมองเห็นและการแสดงออกในการวาดภาพคุณสมบัติของเทคนิคการเขียนส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับคุณสมบัติของสีซึ่งกำหนดโดยระดับของการบดเม็ดสีและลักษณะของสารยึดเกาะบนเครื่องมือที่ศิลปินใช้บนทินเนอร์ที่เขาใช้ การใช้งาน; พื้นผิวเรียบหรือหยาบของฐานและไพรเมอร์ส่งผลต่อเทคนิคการทาสีพื้นผิวงานศิลปะและสีโปร่งแสงของฐานหรือไพรเมอร์ส่งผลต่อการระบายสี บางครั้งบางส่วนของฐานหรือสีรองพื้นที่ปราศจากสีอาจมีบทบาทบางอย่างในการสร้างสีสัน พื้นผิวของชั้นสีของภาพวาดซึ่งก็คือพื้นผิวของมันอาจเป็นแบบมันหรือแบบด้าน ต่อเนื่องหรือไม่ต่อเนื่อง เรียบหรือไม่สม่ำเสมอ สีหรือเฉดสีที่ต้องการทำได้โดยการผสมสีบนจานสีและการเคลือบกระจก กระบวนการสร้างจิตรกรรมหรือจิตรกรรมฝาผนังสามารถแบ่งออกเป็นหลายขั้นตอน โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่ชัดเจนและสม่ำเสมอในจิตรกรรมอุบาทว์ยุคกลางและภาพวาดสีน้ำมันคลาสสิก (การวาดภาพบนพื้น การทาสีด้านล่าง การทาสีกระจก) นอกจากนี้ยังมีการวาดภาพที่มีลักษณะหุนหันพลันแล่นมากขึ้น ซึ่งช่วยให้ศิลปินสามารถรวบรวมความประทับใจในชีวิตของเขาได้โดยตรงและแบบไดนามิกผ่านงานวาดภาพ การจัดองค์ประกอบ รูปแบบการแกะสลัก และสีไปพร้อมๆ กัน

จิตรกรรมเกิดขึ้นในยุคปลายยุคหิน (40-8,000 ปีก่อน) ภาพวาดหินได้รับการเก็บรักษาไว้ (ในฝรั่งเศสตอนใต้ สเปนตอนเหนือ ฯลฯ) ทำด้วยสีดิน (สีเหลืองสด) เขม่าดำและถ่านโดยใช้แท่งแยก ชิ้นส่วนของขนสัตว์และนิ้ว (ภาพสัตว์แต่ละตัว จากนั้นจึงฉากการล่าสัตว์) ในการวาดภาพยุคหินเก่ามีทั้งภาพเงาเชิงเส้นและการสร้างแบบจำลองปริมาตรอย่างง่าย แต่หลักการจัดองค์ประกอบในนั้นยังคงแสดงออกได้ไม่ดี แนวคิดทั่วไปเชิงนามธรรมที่ได้รับการพัฒนามากขึ้นเกี่ยวกับโลกสะท้อนให้เห็นในภาพวาดยุคหินใหม่ ซึ่งภาพเชื่อมโยงกับวงจรการเล่าเรื่อง และภาพของบุคคลก็ปรากฏขึ้น

ภาพวาดของสังคมทาสมีระบบอุปมาอุปไมยที่พัฒนาแล้วและวิธีการทางเทคนิคที่หลากหลาย ในอียิปต์โบราณและในอเมริกาโบราณ มีภาพวาดขนาดมหึมาซึ่งทำหน้าที่สังเคราะห์กับสถาปัตยกรรม ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับลัทธิงานศพ โดยมีลักษณะการเล่าเรื่องที่กว้างขวาง สถานที่หลักในนั้นถูกครอบครองโดยภาพลักษณ์ทั่วไปและมักจะเป็นแผนผังของบุคคล การกำหนดภาพที่เข้มงวดซึ่งแสดงออกในลักษณะองค์ประกอบความสัมพันธ์ของตัวเลขและสะท้อนให้เห็นถึงลำดับชั้นที่เข้มงวดซึ่งมีอยู่ในสังคมนั้นถูกรวมเข้ากับการสังเกตชีวิตที่ชัดเจนและแม่นยำและรายละเอียดมากมายที่ดึงมาจากโลกโดยรอบ (ภูมิทัศน์เครื่องใช้ในครัวเรือน , ภาพสัตว์และนก) ภาพวาดโบราณซึ่งเป็นวิธีการทางศิลปะและการแสดงออกหลักคือเส้นขอบและจุดสีมีคุณสมบัติในการตกแต่งความเรียบถูกเน้นโดยพื้นผิวของผนัง ม., 1997.

ในสมัยโบราณ การวาดภาพซึ่งแสดงความสามัคคีทางศิลปะกับสถาปัตยกรรมและประติมากรรม ตลอดจนวัด บ้าน สุสาน และอาคารอื่นๆ ที่ตกแต่งแล้ว ไม่เพียงแต่ให้บริการในเชิงวัฒนธรรมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงจุดประสงค์ทางโลกด้วย ความเป็นไปได้ใหม่ๆ เฉพาะเจาะจงของการวาดภาพได้เปิดกว้างขึ้น โดยให้การนำเสนอความเป็นจริงที่หลากหลาย ในสมัยโบราณ หลักการของ Chiaroscuro และรูปแบบมุมมองเชิงเส้นและทางอากาศที่เป็นเอกลักษณ์เกิดขึ้น นอกเหนือจากตำนานแล้ว ฉากในชีวิตประจำวันและประวัติศาสตร์ ภูมิทัศน์ ภาพเหมือน และสิ่งมีชีวิตก็ถูกสร้างขึ้น ปูนเปียกโบราณ (บนปูนปลาสเตอร์หลายชั้นที่มีส่วนผสมของฝุ่นหินอ่อนในชั้นบน) มีพื้นผิวมันเงา ในสมัยกรีกโบราณ แทบไม่มีการวาดภาพขาตั้งใดๆ ที่ยังมีชีวิตอยู่ (บนกระดาน ไม่ค่อยปรากฏบนผ้าใบ) โดยส่วนใหญ่ใช้เทคนิคแบบ encaustic ภาพบุคคลของ Fayyum ให้แนวคิดเกี่ยวกับการวาดภาพด้วยขาตั้งโบราณ

ในยุคกลางของยุโรปตะวันตก ไบแซนเทียม รุส คอเคซัส และบอลข่าน ภาพวาดที่พัฒนาโดยมีเนื้อหาทางศาสนา: ปูนเปียก (ทั้งบนปูนปลาสเตอร์แห้งและเปียกบนหินหรืออิฐ) ภาพวาดไอคอน (บนกระดานลงสีรองพื้นด้วยเทมเพอราไข่เป็นหลัก ) เช่นเดียวกับหนังสือขนาดจิ๋ว (บนกระดาษ parchment หรือกระดาษที่ลงสีพื้นแล้ว วาดด้วยสีฝุ่น สีน้ำ สี gouache กาว และสีอื่นๆ) ซึ่งบางครั้งก็รวมถึงวัตถุทางประวัติศาสตร์ด้วย ไอคอน ภาพวาดฝาผนัง (ขึ้นอยู่กับแผนกสถาปัตยกรรมและระนาบของผนัง) ตลอดจนกระเบื้องโมเสก หน้าต่างกระจกสี ร่วมกับสถาปัตยกรรม รวมกันเป็นชุดเดียวภายในโบสถ์ การวาดภาพในยุคกลางนั้นโดดเด่นด้วยการแสดงออกของเสียงที่ดังกังวานเป็นสีท้องถิ่นและเส้นจังหวะการแสดงออกของรูปทรง แบบฟอร์มมักจะแบน เก๋ พื้นหลังเป็นนามธรรม มักเป็นสีทอง นอกจากนี้ยังมีเทคนิคทั่วไปสำหรับการสร้างแบบจำลองปริมาตรที่ดูเหมือนจะยื่นออกมาบนระนาบภาพที่ไม่มีความลึก สัญลักษณ์ขององค์ประกอบและสีมีบทบาทสำคัญ ในคริสตศักราชที่ 1 จ. การวาดภาพขนาดมหึมา (โดยใช้สีทากาวบนยิปซั่มสีขาวหรือสีรองพื้นปูนขาวบนดินเหนียว-ฟาง) ได้รับความนิยมอย่างมากในประเทศต่างๆ ในเอเชียตะวันตกและเอเชียกลาง อินเดีย จีน และซีลอน (ปัจจุบันคือศรีลังกา) ในช่วงยุคศักดินา ศิลปะแห่งการย่อส่วนได้รับการพัฒนาในเมโสโปเตเมีย อิหร่าน อินเดีย เอเชียกลาง อาเซอร์ไบจาน และตุรกี ซึ่งโดดเด่นด้วยสีสันที่ละเอียดอ่อน จังหวะการประดับประดาที่สง่างาม และการสังเกตชีวิตที่สดใส การวาดภาพแบบตะวันออกไกลด้วยหมึก สีน้ำ และ gouache บนม้วนผ้าไหมและกระดาษ - ในประเทศจีน เกาหลี ญี่ปุ่น - โดดเด่นด้วยบทกวี การระมัดระวังอย่างน่าทึ่งในการมองเห็นผู้คนและธรรมชาติ ลักษณะการวาดภาพที่กระชับ และการแสดงโทนสีที่ดีที่สุดของมุมมองทางอากาศ

ในยุโรปตะวันตกในช่วงยุคเรอเนซองส์ หลักการของศิลปะใหม่ได้รับการกำหนดขึ้นโดยอิงจากโลกทัศน์แบบเห็นอกเห็นใจ การค้นพบและการรับรู้โลกแห่งความเป็นจริง บทบาทของการวาดภาพเพิ่มขึ้นโดยพัฒนาระบบวิธีการถ่ายทอดความเป็นจริงอย่างสมจริง ความสำเร็จบางประการของการวาดภาพเรอเนซองส์คาดว่าจะเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 14 จิตรกรชาวอิตาลี จอตโต การศึกษาทางวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับมุมมอง ทัศนศาสตร์ และกายวิภาคศาสตร์ การใช้เทคนิคการวาดภาพสีน้ำมันที่ได้รับการปรับปรุงโดย J. van Eyck (เนเธอร์แลนด์) มีส่วนช่วยในการค้นพบความเป็นไปได้ที่มีอยู่ในธรรมชาติของการวาดภาพ: การสร้างรูปแบบปริมาตรเชิงปริมาตรที่น่าเชื่อถือโดยสอดคล้องกับการถ่ายทอด ของความลึกเชิงพื้นที่และสภาพแวดล้อมของแสง การเปิดเผยความสมบูรณ์ของสีของโลก ภาพปูนเปียกมีความเจริญรุ่งเรืองครั้งใหม่ ภาพวาดขาตั้งก็มีความสำคัญเช่นกัน โดยรักษาความสามัคคีในการตกแต่งกับสภาพแวดล้อมของวัตถุโดยรอบ ความรู้สึกของความกลมกลืนของจักรวาล ความมานุษยวิทยาของการวาดภาพ และกิจกรรมทางจิตวิญญาณของภาพเป็นลักษณะของการจัดองค์ประกอบในหัวข้อทางศาสนาและตำนาน ภาพบุคคล ฉากในชีวิตประจำวันและประวัติศาสตร์ และภาพเปลือย เทมเพอราค่อยๆ ถูกแทนที่ด้วยเทคนิคแบบผสมผสาน (การเคลือบและลงรายละเอียดในน้ำมันโดยใช้การลงสีเทมเพอราด้านล่าง) จากนั้นจึงลงสีน้ำมันเคลือบเงาหลายชั้นขั้นสูงทางเทคนิคโดยไม่ใช้เทมเพอรา นอกเหนือจากภาพวาดที่มีรายละเอียดเรียบลื่นบนกระดานที่มีพื้นสีขาว (ลักษณะของศิลปินของโรงเรียนดัตช์และโรงเรียนหลายแห่งในยุคเรอเนซองส์ตอนต้นของอิตาลี) โรงเรียนการวาดภาพของชาวเวนิสได้รับการพัฒนาในศตวรรษที่ 16 เทคนิคการวาดภาพอิมพาสโตฟรีบนผืนผ้าใบด้วยไพรเมอร์สี จิตรกรที่ใหญ่ที่สุดในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาก็พัฒนาไปพร้อม ๆ กันด้วยสีท้องถิ่นที่มักจะสดใสด้วยลวดลายที่ชัดเจน - Masaccio, Piero della Francesca, A. Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael, Giorgione, Titian , Veronese, Tintoretto ในอิตาลี, J. van Eyck, P. Bruegel the Elder ในเนเธอร์แลนด์, A. Dürer, H. Holbein the Younger, M. Niethardt (Grunewald) ในเยอรมนี เป็นต้น

ในศตวรรษที่ XVII-XVIII กระบวนการพัฒนาจิตรกรรมของยุโรปมีความซับซ้อนมากขึ้น โรงเรียนระดับชาติก่อตั้งขึ้นในฝรั่งเศส (J. de La Tour, F. Champagne, N. Poussin, A. Watteau, J. B. S. Chardin, J. O. Fragonard, J. L. David), อิตาลี (M. Caravaggio, D. Fetti, J. B. Tiepolo, J. M. Crespi ,เอฟ. กวาร์ดี้), สเปน (เอล เกรโก, ดี. เบลัซเกซ, เอฟ. ซูร์บารัน, พ.ศ. มูริลโล, เอฟ. โกยา), ฟลานเดอร์ส (พี. พี. รูเบนส์, เจ. จอร์แดนส์, อ. ฟาน ไดค์, เอฟ. สไนเดอร์ส), ฮอลแลนด์ (F. Hals, Rembrandt, J. Wermeer, J. van Ruisdael, G. Terborch, C. Fabricius), สหราชอาณาจักร (J. Reynolds, T . Gainsborough, W. Hogarth), รัสเซีย (F. S. Rokotov, D. G. Levitsky, V. L. โบโรวิคอฟสกี้) ประกาศอุดมคติทางสังคมและพลเมืองใหม่ หันไปใช้การพรรณนาชีวิตจริงที่มีรายละเอียดและแม่นยำยิ่งขึ้นในการเคลื่อนไหวและความหลากหลาย โดยเฉพาะอย่างยิ่งสภาพแวดล้อมในชีวิตประจำวันของบุคคล (ภูมิทัศน์ การตกแต่งภายใน ของใช้ในครัวเรือน) ปัญหาทางจิตวิทยาลึกซึ้งยิ่งขึ้นความรู้สึกของความสัมพันธ์ที่ขัดแย้งกันระหว่างบุคคลกับโลกรอบข้างเป็นตัวเป็นตน ในศตวรรษที่ 17 ระบบประเภทต่างๆ ขยายตัวและเป็นรูปเป็นร่างอย่างชัดเจน ในศตวรรษที่ XVII-XVIII ควบคู่ไปกับความเจริญรุ่งเรืองของภาพวาดขนาดใหญ่และการตกแต่ง (โดยเฉพาะในสไตล์บาโรก) ซึ่งมีความสามัคคีอย่างใกล้ชิดกับประติมากรรมและสถาปัตยกรรม และสร้างสภาพแวดล้อมทางอารมณ์ที่ส่งผลกระทบอย่างแข็งขันต่อผู้คน ภาพวาดขาตั้งมีบทบาทสำคัญ ระบบการลงสีต่างๆ ถูกสร้างขึ้น ทั้งสองมีลักษณะทางโวหารร่วมกัน (ภาพวาดบาโรกแบบไดนามิกที่มีองค์ประกอบเปิดเป็นรูปเกลียวเป็นลักษณะเฉพาะ จิตรกรรมคลาสสิกที่มีการออกแบบที่ชัดเจน เข้มงวดและชัดเจน การวาดภาพโรโกโกด้วยการเล่นสี แสง และสีซีดจางอันงดงาม โทนเสียง) และไม่เข้ากับกรอบสไตล์เฉพาะใดๆ ด้วยความมุ่งมั่นที่จะสร้างสีสันของโลก สภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศ ศิลปินหลายคนได้ปรับปรุงระบบการวาดภาพโทนสี สิ่งนี้ทำให้เกิดความแตกต่างของเทคนิคทางเทคนิคของการวาดภาพสีน้ำมันหลายชั้น การเติบโตของศิลปะขาตั้งและความต้องการที่เพิ่มขึ้นสำหรับงานที่ออกแบบมาสำหรับการไตร่ตรองอย่างใกล้ชิด นำไปสู่การพัฒนาเทคนิคการวาดภาพในห้อง เทคนิคที่ละเอียดอ่อนและด้วยแสง - สีพาสเทล สีน้ำ หมึก และภาพวาดบุคคลขนาดจิ๋วประเภทต่างๆ

ในศตวรรษที่ 19 โรงเรียนแห่งความสมจริงแห่งชาติแห่งใหม่เกิดขึ้น จิตรกรรมในยุโรปและอเมริกา ความเชื่อมโยงระหว่างการวาดภาพในยุโรปและส่วนอื่นๆ ของโลกขยายออกไป โดยที่ประสบการณ์การวาดภาพเหมือนจริงของยุโรปได้รับการตีความแบบดั้งเดิม ซึ่งมักมีพื้นฐานมาจากประเพณีโบราณในท้องถิ่น (ในอินเดีย จีน ญี่ปุ่น และประเทศอื่นๆ) จิตรกรรมยุโรปได้รับอิทธิพลจากศิลปะของประเทศตะวันออกไกล (ส่วนใหญ่เป็นญี่ปุ่นและจีน) ซึ่งสะท้อนให้เห็นในการต่ออายุเทคนิคในการจัดตกแต่งและจังหวะของระนาบภาพ ในศตวรรษที่ 19 การวาดภาพแก้ไขปัญหาโลกทัศน์ที่ซับซ้อนและเร่งด่วนและมีบทบาทอย่างแข็งขันในชีวิตสาธารณะ การวิพากษ์วิจารณ์ความเป็นจริงทางสังคมอย่างคมชัดกลายเป็นสิ่งสำคัญในการวาดภาพ ตลอดศตวรรษที่ 19 ในการวาดภาพ หลักการของวิชาการนิยม ห่างไกลจากชีวิต และอุดมคติเชิงนามธรรมของภาพก็ได้รับการปลูกฝังเช่นกัน แนวโน้มของนักธรรมชาติวิทยาเกิดขึ้น ในการต่อสู้กับนามธรรมของลัทธิคลาสสิกตอนปลายและวิชาการแบบซาลอน ภาพวาดแนวโรแมนติกได้รับการพัฒนาโดยมีความสนใจอย่างแข็งขันในเหตุการณ์ที่น่าทึ่งของประวัติศาสตร์และความทันสมัย พลังงานของภาษาภาพ ความแตกต่างของแสงและเงา ความสมบูรณ์ของสี (T . Gericault, E. Delacroix ในฝรั่งเศส; F. O. Runge และ K. D. Friedrich ในเยอรมนี; ในหลาย ๆ ด้าน O. A. Kiprensky, Sylvester Shchedrin, K. P. Bryullov, A. A. Ivanov ในรัสเซีย) การวาดภาพเหมือนจริงซึ่งมีพื้นฐานมาจากการสังเกตโดยตรงของปรากฏการณ์ลักษณะเฉพาะของความเป็นจริง ทำให้ได้ภาพชีวิตที่สมบูรณ์ น่าเชื่อถือ และน่าเชื่อยิ่งขึ้น (J. Constable ในบริเตนใหญ่; C. Corot อาจารย์ของโรงเรียน Barbizon, O. Daumier ในฝรั่งเศส ; A.G. Venetsianov, P. A. Fedotov ในรัสเซีย) ในช่วงที่ขบวนการปฏิวัติและขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติเติบโตขึ้นในยุโรป ภาพวาดของสัจนิยมประชาธิปไตย (G. Courbet, J. F. Millet ในฝรั่งเศส; M. Munkacsi ในฮังการี, N. Grigorescu และ I. Andreescu ในโรมาเนีย, A. Menzel, V. Leibl ในประเทศเยอรมนี ฯลฯ ) แสดงให้เห็นชีวิตและการทำงานของผู้คน การต่อสู้เพื่อสิทธิของพวกเขา กล่าวถึงเหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์ของชาติ สร้างภาพที่สดใสของคนธรรมดาสามัญและบุคคลสาธารณะชั้นนำ ในหลายประเทศ มีโรงเรียนเกี่ยวกับภูมิทัศน์ที่สมจริงระดับชาติเกิดขึ้น ภาพวาดของนักเดินทางและศิลปินที่อยู่ใกล้พวกเขาซึ่งเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับสุนทรียศาสตร์ของนักปฏิวัติเดโมแครตรัสเซีย - V. G. Perov, I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. V. Vereshchagin มีความโดดเด่นด้วยความรุนแรงทางสังคมและวิพากษ์วิจารณ์

เขามาถึงศูนย์รวมทางศิลปะของโลกโดยรอบด้วยความเป็นธรรมชาติและความแปรปรวนอย่างต่อเนื่องในช่วงต้นทศวรรษ 1870 จิตรกรรมแนวอิมเพรสชั่นนิสต์ (E. Manet, C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas ในฝรั่งเศส) ซึ่งได้ปรับปรุงเทคนิคและวิธีการจัดพื้นผิวภาพ เผยความงามของสีและพื้นผิวที่บริสุทธิ์ ผลกระทบ ในศตวรรษที่ 19 ในยุโรป การวาดภาพสีน้ำมันแบบขาตั้งมีความโดดเด่น เทคนิคในหลายกรณีได้รับลักษณะเฉพาะตัวและเป็นอิสระ ค่อยๆ สูญเสียระบบที่เข้มงวดโดยธรรมชาติ (ซึ่งได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยการแพร่กระจายของสีที่ผลิตจากโรงงานใหม่) จานสีขยายออก (สร้างเม็ดสีและสารยึดเกาะใหม่); แทนที่จะเป็นดินสีเข้มเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ดินขาวได้รับการฟื้นฟูอีกครั้ง ภาพวาดตกแต่งและอนุสาวรีย์ที่ใช้ในศตวรรษที่ 19 กาวหรือสีน้ำมันเกือบทั้งหมดตกอยู่ในสภาพทรุดโทรม ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 มีการพยายามที่จะรื้อฟื้นการวาดภาพขนาดใหญ่และรวมภาพวาดประเภทต่างๆ เข้ากับงานศิลปะการตกแต่งและประยุกต์และสถาปัตยกรรมให้เป็นชุดเดียว (ส่วนใหญ่อยู่ในศิลปะของ "สมัยใหม่"); มีการปรับปรุงวิธีการทางเทคนิคของการทาสีอนุสาวรีย์และการตกแต่งและกำลังพัฒนาเทคนิคการทาสีซิลิเกต

ในช่วงปลายศตวรรษที่ XIX - XX พัฒนาการด้านจิตรกรรมมีความซับซ้อนและขัดแย้งเป็นพิเศษ การเคลื่อนไหวที่สมจริงและสมัยใหม่ต่าง ๆ อยู่ร่วมกันและต่อสู้ดิ้นรน แรงบันดาลใจจากอุดมคติของการปฏิวัติเดือนตุลาคมปี 1917 ซึ่งติดอาวุธด้วยวิธีสัจนิยมสังคมนิยม การวาดภาพกำลังพัฒนาอย่างเข้มข้นในสหภาพโซเวียตและประเทศสังคมนิยมอื่นๆ สำนักจิตรกรรมแห่งใหม่กำลังเกิดขึ้นในประเทศต่างๆ ในเอเชีย แอฟริกา ออสเตรเลีย และละตินอเมริกา

ภาพวาดที่เหมือนจริงของปลายศตวรรษที่ XIX - XX โดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะเข้าใจและแสดงให้โลกเห็นถึงความขัดแย้งทั้งหมดเพื่อเปิดเผยแก่นแท้ของกระบวนการลึก ๆ ที่เกิดขึ้นในความเป็นจริงทางสังคมซึ่งบางครั้งก็ไม่มีลักษณะที่มองเห็นได้เพียงพอ การสะท้อนและการตีความปรากฏการณ์ต่างๆ ของความเป็นจริงมักจะมีลักษณะเชิงอัตวิสัยและเชิงสัญลักษณ์ ศตวรรษที่ XX นอกเหนือจากวิธีการพรรณนาเชิงปริมาตรและเชิงพื้นที่ที่มองเห็นได้ด้วยตาเปล่าแล้ว เขายังใช้หลักการตีความโลกที่มองเห็นแบบเดิมๆ (เช่นเดียวกับที่ย้อนหลังไปถึงสมัยโบราณ) อย่างกว้างขวาง มีอยู่ในภาพวาดหลังอิมเพรสชั่นนิสต์ (P. Cezanne, W. van Gogh, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec) และส่วนหนึ่งในภาพวาด "สมัยใหม่" มีคุณลักษณะปรากฏออกมาซึ่งกำหนดลักษณะของการเคลื่อนไหวบางอย่างของวันที่ 20 ศตวรรษ. (การแสดงออกอย่างกระตือรือร้นของทัศนคติส่วนตัวของศิลปินต่อโลกอารมณ์และความเชื่อมโยงของสีซึ่งมีความสัมพันธ์เพียงเล็กน้อยกับความสัมพันธ์ที่มีสีสันตามธรรมชาติรูปแบบที่เกินจริงการตกแต่ง) โลกถูกตีความในรูปแบบใหม่ในงานศิลปะของจิตรกรชาวรัสเซียในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 - ในภาพวาดของ V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin

ในศตวรรษที่ 20 ความเป็นจริงเป็นสิ่งที่ขัดแย้งกันและมักจะรับรู้และแปลอย่างลึกซึ้งเป็นภาพวาดของศิลปินที่ใหญ่ที่สุดของประเทศทุนนิยม: P. Picasso, A. Matisse, F. Léger, A. Marquet, A. Derain ในฝรั่งเศส; D. Rivera, J.C. Orozco, D. Siqueiros ในเม็กซิโก; อาร์. กัตตูโซในอิตาลี; เจ. เบลโลว์ส, อาร์. เคนท์ ในสหรัฐอเมริกา ในภาพวาด ภาพวาดฝาผนัง และแผงที่งดงามราวภาพวาด มีการแสดงความเข้าใจอย่างจริงใจเกี่ยวกับความขัดแย้งอันน่าเศร้าของความเป็นจริง ซึ่งมักจะกลายเป็นการเปิดเผยถึงความผิดปกติของระบบทุนนิยม ที่เกี่ยวข้องกับความเข้าใจด้านสุนทรียะของยุค "เทคนิค" ใหม่คือการสะท้อนของความน่าสมเพชของความเป็นอุตสาหกรรมของชีวิตการแทรกซึมเข้าไปในการวาดภาพเรขาคณิตรูปแบบ "เครื่องจักร" ซึ่งรูปแบบอินทรีย์มักจะลดลงการค้นหารูปแบบใหม่ ที่ตอบโจทย์โลกทัศน์ของมนุษย์ยุคใหม่ที่สามารถนำไปใช้ในงานมัณฑนศิลป์ สถาปัตยกรรม และอุตสาหกรรมได้ แพร่หลายในการวาดภาพ ส่วนใหญ่ในประเทศทุนนิยมตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 ได้รับการเคลื่อนไหวสมัยใหม่ต่าง ๆ สะท้อนให้เห็นถึงวิกฤตทั่วไปของวัฒนธรรมของสังคมชนชั้นกลาง อย่างไรก็ตาม การวาดภาพสมัยใหม่ยังสะท้อนถึงปัญหา "ป่วย" ในยุคของเราทางอ้อมอีกด้วย ในภาพวาดของขบวนการสมัยใหม่จำนวนมาก (ลัทธิโฟวิสม์ ลัทธิคิวบิสม์ ลัทธิอนาคตนิยม ลัทธิดาดานิยม และลัทธิเหนือจริงในภายหลัง) องค์ประกอบส่วนบุคคลของโลกที่มองเห็นได้ไม่มากก็น้อยจะกระจัดกระจายหรือถูกเรขาคณิต ปรากฏในการผสมผสานที่ไม่คาดคิด และบางครั้งก็ไร้เหตุผล ก่อให้เกิดการเชื่อมโยงมากมาย และผสานเข้ากับรูปแบบนามธรรมล้วนๆ วิวัฒนาการเพิ่มเติมของการเคลื่อนไหวหลายอย่างนำไปสู่การละทิ้งการนำเสนอโดยสิ้นเชิง ไปสู่การเกิดขึ้นของจิตรกรรมนามธรรม (ดูศิลปะนามธรรม) ซึ่งถือเป็นการล่มสลายของการวาดภาพในฐานะวิธีการสะท้อนและทำความเข้าใจความเป็นจริง ตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 60 ในยุโรปตะวันตกและอเมริกา บางครั้งการวาดภาพก็กลายเป็นองค์ประกอบหนึ่งของศิลปะป๊อปอาร์ต

ภาพวาดของสหภาพโซเวียตข้ามชาติมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับอุดมการณ์คอมมิวนิสต์ด้วยหลักการของการเป็นสมาชิกพรรคและสัญชาติของศิลปะ มันแสดงถึงขั้นตอนใหม่เชิงคุณภาพในการพัฒนาการวาดภาพซึ่งถูกกำหนดโดยชัยชนะของวิธีสัจนิยมสังคมนิยม ในสหภาพโซเวียต การวาดภาพกำลังพัฒนาในทุกสหภาพและสาธารณรัฐปกครองตนเอง และมีโรงเรียนการวาดภาพแห่งชาติแห่งใหม่เกิดขึ้น ภาพวาดของโซเวียตมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความรู้สึกเฉียบแหลมของความเป็นจริง ความเป็นวัตถุของโลก และความสมบูรณ์ทางจิตวิญญาณของภาพ ความปรารถนาที่จะยอมรับความเป็นจริงของสังคมนิยมในความซับซ้อนและครบถ้วนได้นำไปสู่การใช้รูปแบบหลายประเภทที่เต็มไปด้วยเนื้อหาใหม่ แล้วตั้งแต่อายุ 20 ธีมการปฏิวัติประวัติศาสตร์ได้รับความสำคัญเป็นพิเศษ (ผืนผ้าใบโดย M. B. Grekov, A. A. Deineka, K. S. Petrov-Vodkin, B. V. Ioganson, I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov) จากนั้นภาพวาดแสดงความรักชาติก็ปรากฏขึ้นโดยเล่าถึงอดีตที่กล้าหาญของรัสเซียโดยแสดงให้เห็นละครประวัติศาสตร์ของมหาสงครามแห่งความรักชาติในปี 2484-45 ซึ่งเป็นความแข็งแกร่งทางจิตวิญญาณของชายโซเวียต

การถ่ายภาพบุคคลมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาภาพวาดของสหภาพโซเวียต: ภาพโดยรวมของผู้คนจากประชาชน, ผู้เข้าร่วมในการปฏิรูปชีวิตใหม่ (A. E. Arkhipov, G. G. Rizhsky ฯลฯ ); ภาพทางจิตวิทยาที่แสดงโลกภายในการแต่งหน้าทางจิตวิญญาณของคนโซเวียต (M. V. Nesterov, S. V. Malyutin, P. D. Korin ฯลฯ )

วิถีชีวิตโดยทั่วไปของชาวโซเวียตสะท้อนให้เห็นในการวาดภาพประเภทต่างๆ ซึ่งให้ภาพลักษณ์ที่สดใสในเชิงกวีของผู้คนใหม่ ๆ และวิถีชีวิตใหม่ ภาพวาดของสหภาพโซเวียตโดดเด่นด้วยผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่เต็มไปด้วยความน่าสมเพชของการก่อสร้างสังคมนิยม (S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, Yu. I. Pimenov, T. N. Yablonskaya ฯลฯ ) การยืนยันสุนทรียศาสตร์ของรูปแบบชีวิตที่เป็นเอกลักษณ์ของสหภาพและสาธารณรัฐปกครองตนเองเป็นรากฐานของโรงเรียนแห่งชาติที่พัฒนาขึ้นในภาพวาดของสหภาพโซเวียต (M. S. Saryan, L. Gudiashvili, S. A. Chuikov, U. Tansykbaev, T. Salakhov, E. Iltner, M. A . Savitsky, A. Gudaitis, A. A. Shovkunenko, G. Aitiev ฯลฯ ) ซึ่งเป็นตัวแทนขององค์ประกอบของวัฒนธรรมศิลปะที่เป็นหนึ่งเดียวของสังคมสังคมนิยมโซเวียต

ในการวาดภาพทิวทัศน์เช่นเดียวกับประเภทอื่นๆ ประเพณีศิลปะประจำชาติจะถูกรวมเข้ากับการค้นหาสิ่งใหม่ ๆ ที่มีกลิ่นอายของธรรมชาติสมัยใหม่ แนวโคลงสั้น ๆ ของการวาดภาพทิวทัศน์ของรัสเซีย (V.N. Baksheev, N.P. Krymov, N.M. Romadin ฯลฯ ) ได้รับการเสริมด้วยการพัฒนาภูมิทัศน์อุตสาหกรรมด้วยจังหวะที่รวดเร็วพร้อมลวดลายของธรรมชาติที่เปลี่ยนแปลง (B.N. Yakovlev, G.G . Nyssky) การวาดภาพหุ่นนิ่งถึงระดับสูง (I. I. Mashkov, P. P. Konchalovsky, M. S. Saryan)

วิวัฒนาการของหน้าที่ทางสังคมของการวาดภาพนั้นมาพร้อมกับการพัฒนาวัฒนธรรมการวาดภาพโดยทั่วไป ภายในขอบเขตของวิธีการเหมือนจริงเพียงวิธีเดียว การวาดภาพของโซเวียตบรรลุถึงรูปแบบทางศิลปะ เทคนิค และสไตล์ของแต่ละบุคคลที่หลากหลาย ขอบเขตการก่อสร้างที่กว้างขวางการสร้างอาคารสาธารณะขนาดใหญ่และวงดนตรีที่ระลึกมีส่วนช่วยในการพัฒนาภาพวาดอนุสาวรีย์และการตกแต่ง (ผลงานของ V. A. Favorites, E. E. Lansere, P. D. Korin) การฟื้นฟูเทคนิคการวาดภาพอุบาทว์ จิตรกรรมฝาผนังและกระเบื้องโมเสค ในยุค 60 - ต้นยุค 80 อิทธิพลร่วมกันของการวาดภาพอนุสาวรีย์และขาตั้งเพิ่มขึ้นความปรารถนาที่จะใช้ประโยชน์สูงสุดและเพิ่มคุณค่าให้กับวิธีการวาดภาพที่แสดงออกเพิ่มขึ้น (ดูสหภาพโซเวียตด้วย สาธารณรัฐสังคมนิยมและบทความเกี่ยวกับสาธารณรัฐสหภาพโซเวียต) Vipper B.R. บทความเกี่ยวกับศิลปะ ม., 1970.

ดังนั้น การวาดภาพจึงเป็นศิลปะประเภทหนึ่งที่เกี่ยวข้องกับการส่งภาพที่มองเห็นผ่านการลงสีบนฐานที่มั่นคงหรือยืดหยุ่น เช่นเดียวกับการสร้างภาพที่ใช้เทคโนโลยีดิจิทัล