ชื่อ "ภาพวาดขาตั้ง" มาจากองค์ประกอบหลักหรือเครื่องมือที่มีส่วนร่วมในการสร้างสรรค์ภาพวาด แน่นอนว่าเรากำลังพูดถึงขาตั้งซึ่งไม่ค่อยเรียกว่าเครื่องจักร บนพื้นผิวของผ้าใบหรือแผ่นกระดาษแล้วจึงใช้สี การวาดภาพขาตั้งคือภาพวาดทั้งหมดที่มีอยู่ในพิพิธภัณฑ์และคอลเลกชันส่วนตัวทั่วโลกในปัจจุบัน ดังนั้นบางครั้งจึงเป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการถึงจำนวนทุกประเภทและหลากหลายที่เป็นพื้นฐานของศิลปะประเภทนี้

นักประวัติศาสตร์ศิลป์สมัยใหม่ได้ตัดสินใจแบ่งการวาดภาพออกเป็นประเภทย่อยต่างๆ ซึ่งได้รับการตั้งชื่อขึ้นอยู่กับเทคนิคที่ใช้ในการวาดภาพตลอดจนประเภทของสีที่ใช้ เป็นผลให้มีเหตุการณ์บางอย่างเกิดขึ้นเนื่องจากเมื่อเวลาผ่านไปภาพวาดใหม่ ๆ ปรากฏขึ้นมากขึ้นเรื่อย ๆ ของโลกโบราณยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแบ่งออกเป็นสองกลุ่มย่อย - อุบาทว์และน้ำมัน ศิลปินใช้สีแห้งนั่นคือสีเทมเพอราซึ่งเขาเจือจางด้วยน้ำหรือใช้สีน้ำมันรวมทั้งตัวทำละลายเคมีจำนวนหนึ่งสำหรับสีเหล่านั้น

การวาดภาพขาตั้ง Tempera เป็นวิทยาศาสตร์ที่ซับซ้อนซึ่งต้องใช้ทักษะมากมายรวมถึงความอดทนอย่างมากของปรมาจารย์ที่วาดภาพ ในสมัยโบราณ สีเทมเพอราผสมกับผลิตภัณฑ์จากธรรมชาติหลายชนิด เช่น ไข่แดงและไข่ขาว น้ำผึ้ง ไวน์ และอื่นๆ มีการเติมน้ำลงในองค์ประกอบนี้อย่างแน่นอนซึ่งส่งผลให้สีเปียกโชกและเหมาะสำหรับการทาบนผ้าใบ สามารถสร้างลวดลายที่สวยงามและเป็นเอกลักษณ์ได้เฉพาะเมื่อทาเป็นชั้น ๆ หรือลายเส้นเล็ก ๆ เท่านั้น ดังนั้นศิลปะเทมเพอราจึงมีลักษณะเป็นเส้นและการเปลี่ยนภาพที่ชัดเจน มีขอบเขตที่กำหนดไว้อย่างชัดเจน และไม่มีการเปลี่ยนเฉดสีอย่างราบรื่น เนื่องจากพวกมันเป็นอุบาทว์พวกมันจึงสามารถเริ่มสลายได้ นอกจากนี้ ผลงานศิลปะหลายชิ้นที่ใช้เทมเพอราก็จางหายไป ทำให้สีและเฉดสีเดิมหายไป

ภาพวาดสีน้ำมันบนขาตั้งมีขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 14 เมื่อ Van Jan Eyck ใช้น้ำมันเป็นครั้งแรกในการสร้างสรรค์ผลงานชิ้นเอกของเขา ศิลปินทั่วโลกยังคงใช้มันอยู่ เนื่องจากด้วยความช่วยเหลือของพวกเขา คุณสามารถถ่ายทอดไม่เพียงแต่การเปลี่ยนสีในรูปภาพ แต่ยังทำให้เป็นสามมิติและมีชีวิตชีวาอีกด้วย สีที่ใช้น้ำมันธรรมชาติสามารถทาในชั้นที่มีความหนาต่างกัน ผสมและใช้เพื่อสร้างการเปลี่ยนสีที่ราบรื่น สิ่งนี้ทำให้ศิลปินสามารถใส่อารมณ์และประสบการณ์ของเขาลงบนผืนผ้าใบได้อย่างเต็มที่ ทำให้ภาพวาดมีความสมบูรณ์และมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว

แต่ถึงแม้จะมีข้อได้เปรียบทั้งหมด แต่น้ำมันเช่นอุบาทว์ก็สูญเสียคุณสมบัติสีเมื่อเวลาผ่านไปเช่นเทมเพอรา ข้อเสียเปรียบหลักของสีดังกล่าวก็ถือเป็น Craquelure ที่ปรากฏบนพื้นผิวของภาพวาดด้วย รอยแตกสามารถก่อตัวขึ้นได้เมื่อมีการเปลี่ยนสีจากสีหนึ่งไปอีกสีหนึ่ง ทำให้ภาพกลายเป็น "หน้าต่างกระจกสี" ที่กระจัดกระจาย ดังนั้นภาพเขียนขาตั้งที่วาดด้วยสีน้ำมันจึงได้รับการเคลือบเงาจึงสามารถรักษาภาพเขียนไว้ในรูปแบบดั้งเดิมได้เป็นระยะเวลานานขึ้น

ศิลปะสมัยใหม่ซึ่งมีความหลากหลายและมีนวัตกรรมมากขึ้น แตกต่างอย่างมากจากศิลปะในอดีต อย่างไรก็ตาม แม้ว่าวัสดุและสีสันจะก้าวหน้ามากขึ้น แต่ภาพวาดในสมัยของเรากลับดูไม่มีชีวิตชีวา เต็มไปด้วยอารมณ์และประสบการณ์เหมือนกับงานศิลปะในศตวรรษที่ผ่านมา

- นี่คือหนึ่งในวิจิตรศิลป์ประเภทหลัก เป็นการพรรณนาทางศิลปะเกี่ยวกับโลกวัตถุประสงค์โดยใช้สีบนพื้นผิว การวาดภาพแบ่งออกเป็น: ขาตั้ง, อนุสาวรีย์และการตกแต่ง

- นำเสนอโดยผลงานที่ใช้สีน้ำมันบนผ้าใบเป็นหลัก (กระดาษแข็ง แผ่นไม้ หรือภาพเปลือย) เป็นประเภทจิตรกรรมที่ได้รับความนิยมมากที่สุด เป็นประเภทนี้ที่มักใช้กับคำว่า " จิตรกรรม".

เป็นเทคนิคการทาสีผนังเมื่อตกแต่งอาคารและองค์ประกอบทางสถาปัตยกรรมในอาคาร โดยเฉพาะในยุโรป ปูนเปียก - ภาพวาดอันยิ่งใหญ่บนปูนปลาสเตอร์เปียกด้วยสีที่ละลายน้ำได้ เทคนิคการวาดภาพนี้เป็นที่รู้จักกันดีมาตั้งแต่สมัยโบราณ ต่อมาเทคนิคนี้ถูกนำมาใช้ในการออกแบบโบสถ์คริสต์และห้องนิรภัยหลายแห่ง

ภาพวาดตกแต่ง - (จากคำภาษาละตินจาก decoro - ถึงการตกแต่ง) เป็นวิธีการวาดภาพและการประยุกต์ภาพกับวัตถุและรายละเอียดภายใน ผนัง เฟอร์นิเจอร์ และวัตถุตกแต่งอื่น ๆ หมายถึง ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์

ความเป็นไปได้ของงานศิลปะภาพได้รับการเปิดเผยอย่างชัดเจนโดยการวาดภาพด้วยขาตั้งมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 15 นับตั้งแต่มีการใช้สีน้ำมันเป็นจำนวนมาก มีเนื้อหาที่หลากหลายเป็นพิเศษและรูปแบบที่ได้รับการพัฒนาอย่างล้ำลึก พื้นฐานของวิธีการทางศิลปะด้านภาพคือสี (ความเป็นไปได้ของสี) ในความสามัคคีที่แยกไม่ออกกับ chiaroscuro และเส้น; สีและไคอาโรสคูโรได้รับการพัฒนาและพัฒนาโดยเทคนิคการวาดภาพที่มีความสมบูรณ์และความสว่างซึ่งงานศิลปะประเภทอื่นไม่สามารถเข้าถึงได้ สิ่งนี้จะกำหนดความสมบูรณ์แบบของการสร้างแบบจำลองเชิงปริมาตรและเชิงพื้นที่ที่มีอยู่ในการวาดภาพเหมือนจริง การแสดงความเป็นจริงที่สดใสและแม่นยำ ความเป็นไปได้ในการตระหนักถึงแผนการที่ศิลปินคิดขึ้น (และวิธีการสร้างองค์ประกอบ) และข้อดีด้านภาพอื่น ๆ

ความแตกต่างอีกประการหนึ่งในความแตกต่างระหว่างประเภทของการทาสีคือเทคนิคการดำเนินการตามประเภทของสี สัญญาณทั่วไปไม่เพียงพอที่จะตัดสินใจเสมอไป เส้นแบ่งระหว่างภาพวาดและกราฟิกในแต่ละกรณี เช่น งานที่สร้างด้วยสีน้ำหรือสีพาสเทลสามารถเป็นของทั้งสองพื้นที่ได้ ขึ้นอยู่กับแนวทางของศิลปินและงานที่เขากำหนด แม้ว่าภาพวาดบนกระดาษจะถูกจัดประเภทเป็นกราฟิก แต่การใช้เทคนิคการวาดภาพที่แตกต่างกันในบางครั้งอาจทำให้ความแตกต่างระหว่างการวาดภาพและกราฟิกไม่ชัดเจน

ต้องคำนึงว่าคำว่า "ภาพวาด" เชิงความหมายนั้นเป็นคำในภาษารัสเซีย ถูกนำมาใช้เป็นคำระหว่างการก่อตัวของวิจิตรศิลป์ในรัสเซียในยุคบาโรก การใช้คำว่า “จิตรกรรม” ในขณะนั้นใช้กับการวาดภาพเหมือนจริงบางประเภทเท่านั้น แต่เดิมนั้นมาจากเทคนิคของคริสตจักรในการวาดภาพไอคอนซึ่งใช้คำว่า “เขียน” (ที่เกี่ยวข้องกับการเขียน) เพราะคำนี้เป็นการแปลความหมายในตำราภาษากรีก (คำเหล่านี้คือ “หลงทางในการแปล”) การพัฒนาโรงเรียนศิลปะของตนเองในรัสเซียและการสืบทอดความรู้ทางวิชาการของยุโรปในสาขาศิลปะได้พัฒนาขอบเขตของคำว่า "การวาดภาพ" ของรัสเซียโดยจารึกไว้ในคำศัพท์ทางการศึกษาและภาษาวรรณกรรม แต่ในภาษารัสเซียลักษณะเฉพาะของความหมายของคำกริยา "เขียน" ถูกสร้างขึ้นโดยสัมพันธ์กับการเขียนและการวาดภาพ

ประเภทของการวาดภาพ

ในระหว่างการพัฒนาวิจิตรศิลป์ได้มีการสร้างภาพเขียนคลาสสิกหลายประเภทขึ้นซึ่งได้รับลักษณะและกฎเกณฑ์ของตนเอง

ภาพเหมือนเป็นการแสดงภาพที่สมจริงของบุคคลที่ศิลปินพยายามทำให้มีความคล้ายคลึงกับต้นฉบับ หนึ่งในประเภทจิตรกรรมที่ได้รับความนิยมมากที่สุด ลูกค้าส่วนใหญ่ใช้ความสามารถของศิลปินเพื่อสานต่อภาพลักษณ์ของตัวเอง หรืออยากได้ภาพลักษณ์ของคนที่รัก ญาติ ฯลฯ ลูกค้าพยายามที่จะได้ภาพเหมือน (หรือแม้แต่การตกแต่ง) โดยทิ้งรูปลักษณ์ไว้ในประวัติศาสตร์ การถ่ายภาพบุคคลในหลากหลายสไตล์เป็นส่วนที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในนิทรรศการของพิพิธภัณฑ์ศิลปะและคอลเลกชันส่วนตัวส่วนใหญ่ ประเภทนี้ยังรวมถึงประเภทของภาพบุคคลเช่น ภาพเหมือนตนเอง - ภาพของศิลปินเองที่วาดเอง

ทิวทัศน์- หนึ่งในประเภทจิตรกรรมยอดนิยมที่ศิลปินพยายามพรรณนาถึงธรรมชาติ ความงาม หรือความแปลกประหลาด ธรรมชาติประเภทต่างๆ (อารมณ์ของฤดูกาลและสภาพอากาศ) มีผลกระทบทางอารมณ์อย่างมากต่อผู้ชมทุกคน - นี่คือลักษณะทางจิตวิทยาของบุคคล ความปรารถนาที่จะได้รับความประทับใจทางอารมณ์จากทิวทัศน์ทำให้ประเภทนี้เป็นหนึ่งในประเภทที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในด้านความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ

- ประเภทนี้มีลักษณะคล้ายกับทิวทัศน์ในหลาย ๆ ด้าน แต่มีคุณสมบัติที่สำคัญ: ภาพวาดแสดงถึงทิวทัศน์โดยมีส่วนร่วมของวัตถุทางสถาปัตยกรรม อาคาร หรือเมือง จุดสนใจพิเศษคือวิวถนนของเมืองที่สื่อถึงบรรยากาศของสถานที่นั้นๆ อีกทิศทางหนึ่งของประเภทนี้คือการพรรณนาถึงความงามของสถาปัตยกรรมของอาคารโดยเฉพาะ - ลักษณะหรือภาพการตกแต่งภายใน

- ประเภทที่เนื้อหาหลักของภาพเขียนเป็นเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์หรือการตีความโดยศิลปิน สิ่งที่น่าสนใจคือภาพวาดจำนวนมากในธีมพระคัมภีร์อยู่ในประเภทนี้ เนื่องจากในยุคกลาง ฉากในพระคัมภีร์ถือเป็นเหตุการณ์ "ทางประวัติศาสตร์" และลูกค้าหลักของภาพวาดเหล่านี้คือโบสถ์ หัวข้อพระคัมภีร์ "ประวัติศาสตร์" ปรากฏอยู่ในผลงานของศิลปินส่วนใหญ่ การเกิดครั้งที่สองของการวาดภาพประวัติศาสตร์เกิดขึ้นในช่วงเวลาของนีโอคลาสซิซิสซึ่ม เมื่อศิลปินหันไปหาหัวข้อทางประวัติศาสตร์ที่มีชื่อเสียง เหตุการณ์จากสมัยโบราณ หรือตำนานระดับชาติ

- สะท้อนฉากสงครามและการสู้รบ ความผิดปกติไม่เพียง แต่เป็นความปรารถนาที่จะสะท้อนถึงเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์เท่านั้น แต่ยังเป็นการถ่ายทอดให้ผู้ชมเห็นถึงการยกระดับอารมณ์ของความสำเร็จและความกล้าหาญอีกด้วย ต่อจากนั้นประเภทนี้ก็กลายเป็นเรื่องการเมืองทำให้ศิลปินสามารถถ่ายทอดมุมมองของเขา (ทัศนคติ) ต่อผู้ชมต่อสิ่งที่เกิดขึ้นแก่ผู้ชมได้ เราสามารถเห็นผลที่คล้ายกันของการเน้นทางการเมืองและความแข็งแกร่งของความสามารถของศิลปินในผลงานของ V. Vereshchagin

เป็นประเภทของการวาดภาพที่มีการจัดองค์ประกอบจากวัตถุที่ไม่มีชีวิต โดยใช้ดอกไม้ ผลิตภัณฑ์ และอาหาร ประเภทนี้เป็นหนึ่งในประเภทล่าสุดและก่อตั้งขึ้นในโรงเรียนการวาดภาพของชาวดัตช์ บางทีรูปร่างหน้าตาของมันอาจมีสาเหตุมาจากลักษณะเฉพาะของโรงเรียนชาวดัตช์ ความเจริญทางเศรษฐกิจในศตวรรษที่ 17 ในฮอลแลนด์ทำให้เกิดความต้องการความหรูหรา (ภาพวาด) ในราคาที่เอื้อมถึงในหมู่ประชากรจำนวนมาก สถานการณ์นี้ดึงดูดศิลปินจำนวนมากมาที่ฮอลแลนด์ ทำให้เกิดการแข่งขันที่รุนแรงในหมู่พวกเขา แบบจำลองและเวิร์คช็อป (ผู้ที่แต่งตัวเหมาะสม) ไม่มีให้บริการสำหรับศิลปินที่ยากจน เมื่อวาดภาพเพื่อขาย พวกเขาใช้วิธีการ (วัตถุ) แบบด้นสดในการเขียนภาพ สถานการณ์ในประวัติศาสตร์ของโรงเรียนดัตช์นี้เป็นเหตุผลในการพัฒนาการวาดภาพประเภทต่างๆ

ประเภทจิตรกรรม — หัวข้อของภาพวาดคือฉากในชีวิตประจำวันหรือวันหยุด โดยปกติจะมีคนธรรมดามีส่วนร่วม เช่นเดียวกับหุ่นนิ่ง งานศิลปะนี้แพร่หลายในหมู่ศิลปินชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17 ในช่วงยุคโรแมนติกและนีโอคลาสสิกแนวนี้เกิดใหม่ ภาพวาดไม่ได้พยายามสะท้อนชีวิตประจำวันมากนัก แต่เพื่อทำให้โรแมนติกเพื่อแนะนำความหมายหรือศีลธรรมบางอย่างให้กับโครงเรื่อง

มารีน่า- ทิวทัศน์ประเภทหนึ่งที่แสดงทิวทัศน์ของทะเล ทิวทัศน์ชายฝั่งที่มองเห็นทะเล พระอาทิตย์ขึ้นและตกในทะเล เรือ หรือแม้แต่การต่อสู้ทางเรือ แม้ว่าจะมีประเภทการต่อสู้ที่แยกจากกัน แต่การรบทางเรือยังคงเป็นประเภท "ท่าจอดเรือ" การพัฒนาและการเผยแพร่ประเภทนี้สามารถนำมาประกอบกับโรงเรียนชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17 เขาได้รับความนิยมในรัสเซียด้วยผลงานของ Aivazovsky

— คุณลักษณะของประเภทนี้คือการสร้างภาพวาดที่เหมือนจริงซึ่งแสดงถึงความงามของสัตว์และนก คุณสมบัติที่น่าสนใจอย่างหนึ่งของประเภทนี้คือการมีภาพวาดที่แสดงภาพสัตว์ที่ไม่มีอยู่จริงหรือสัตว์ในตำนาน ศิลปินที่เชี่ยวชาญด้านภาพสัตว์เรียกว่า นักเลี้ยงสัตว์.

ประวัติความเป็นมาของการวาดภาพ

ความต้องการภาพที่สมจริงนั้นมีมาตั้งแต่สมัยโบราณ แต่มีข้อเสียหลายประการเนื่องจากขาดเทคโนโลยี โรงเรียนที่เป็นระบบและการศึกษา ในสมัยโบราณเราสามารถพบตัวอย่างการวาดภาพแบบประยุกต์และแบบอนุสาวรีย์ได้บ่อยกว่าด้วยเทคนิคการวาดภาพบนปูนปลาสเตอร์ ในสมัยโบราณให้ความสำคัญกับความสามารถของนักแสดงมากขึ้น ศิลปินถูกจำกัดในด้านเทคโนโลยีในการทำสีและโอกาสที่จะได้รับการศึกษาอย่างเป็นระบบ แต่ในสมัยโบราณความรู้เฉพาะทางและผลงานได้ถูกสร้างขึ้น (Vitruvius) ซึ่งจะเป็นพื้นฐานสำหรับการออกดอกใหม่ของศิลปะยุโรปในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ภาพวาดตกแต่งได้รับการพัฒนาที่สำคัญในสมัยกรีกและโรมันโบราณ (โรงเรียนสูญหายไปในยุคกลาง) ซึ่งมาถึงระดับนี้หลังจากศตวรรษที่ 15 เท่านั้น

จิตรกรรมปูนเปียกแบบโรมัน (ปอมเปอี ศตวรรษที่ 1 ก่อนคริสต์ศักราช) ตัวอย่างของระดับเทคโนโลยีของการวาดภาพโบราณ:

"ยุคมืด" ของยุคกลาง คริสต์ศาสนาที่เข้มแข็ง และการสืบสวน นำไปสู่การห้ามการศึกษามรดกทางศิลปะของสมัยโบราณ ประสบการณ์มากมายของปรมาจารย์โบราณ ความรู้ในสาขาสัดส่วน องค์ประกอบ สถาปัตยกรรม และประติมากรรมเป็นสิ่งต้องห้าม และสมบัติทางศิลปะจำนวนมากถูกทำลายเนื่องจากการอุทิศให้กับเทพเจ้าโบราณ การกลับคืนสู่คุณค่าของศิลปะและวิทยาศาสตร์ในยุโรปเกิดขึ้นเฉพาะในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (การเกิดใหม่)

ศิลปินในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น (การฟื้นฟู) ต้องตามทันและฟื้นฟูความสำเร็จและระดับของศิลปินโบราณ สิ่งที่เราชื่นชมในผลงานของศิลปินยุคเรอเนซองส์ยุคแรกคือระดับปรมาจารย์แห่งกรุงโรม ตัวอย่างที่ชัดเจนของการสูญเสียการพัฒนาศิลปะยุโรป (และอารยธรรม) เป็นเวลาหลายศตวรรษในช่วง "ยุคมืด" ของยุคกลาง ศาสนาคริสต์ที่เข้มแข็งและการสืบสวน - ความแตกต่างระหว่างภาพวาดสมัยศตวรรษที่ 14 เหล่านี้!

การเกิดขึ้นและการแพร่กระจายของเทคโนโลยีในการทำสีน้ำมันและเทคนิคการวาดภาพกับพวกเขาในศตวรรษที่ 15 ทำให้เกิดการพัฒนาภาพวาดขาตั้งและผลิตภัณฑ์พิเศษของศิลปิน - ภาพวาดสีด้วยสีน้ำมันบนผืนผ้าใบหรือไม้ที่ลงสีพื้นแล้ว

การวาดภาพได้รับการพัฒนาอย่างก้าวกระโดดอย่างมากในการพัฒนาเชิงคุณภาพในช่วงยุคเรอเนซองส์ โดยส่วนใหญ่ต้องขอบคุณผลงานของ Leon Battista Alberti (1404-1472) เขาเป็นคนแรกที่วางรากฐานของมุมมองในการวาดภาพ (บทความ "On Painting" ปี 1436) โรงเรียนศิลปะแห่งยุโรปเป็นหนี้เขา (ผลงานของเขาเกี่ยวกับการจัดระบบความรู้ทางวิทยาศาสตร์) การเกิดขึ้น (การฟื้นฟู) มุมมองที่สมจริงและสัดส่วนที่เป็นธรรมชาติในภาพวาดของศิลปิน ภาพวาดที่มีชื่อเสียงและคุ้นเคยโดย Leonardo da Vinci “มนุษย์วิทรูเวียน”(สัดส่วนของมนุษย์) ในปี 1493 ซึ่งอุทิศให้กับการจัดระบบความรู้โบราณของ Vitruvius เกี่ยวกับสัดส่วนและองค์ประกอบ ถูกสร้างขึ้นโดย Leonardo ครึ่งศตวรรษหลังจากบทความ "On Painting" ของ Alberti และงานของเลโอนาร์โดคือความต่อเนื่องของการพัฒนาโรงเรียนศิลปะแห่งยุโรป (อิตาลี) ในยุคเรอเนซองส์

แต่การวาดภาพได้รับการพัฒนาที่สดใสและยิ่งใหญ่ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 และ 17 เมื่อเทคนิคการวาดภาพสีน้ำมันแพร่หลายเทคโนโลยีต่าง ๆ ในการทำสีก็ปรากฏขึ้นและโรงเรียนการวาดภาพก็ถูกสร้างขึ้น เป็นระบบการให้ความรู้และการศึกษาด้านศิลปะ (เทคนิคการวาดภาพ) ผสมผสานกับความต้องการงานศิลปะของชนชั้นสูงและพระมหากษัตริย์ ซึ่งนำไปสู่ความเจริญรุ่งเรืองอย่างรวดเร็วของวิจิตรศิลป์ในยุโรป (ยุคบาโรก)

ความสามารถทางการเงินอันไม่จำกัดของสถาบันกษัตริย์ ขุนนาง และผู้ประกอบการในยุโรป กลายเป็นดินที่ดีเยี่ยมสำหรับการพัฒนาจิตรกรรมต่อไปในศตวรรษที่ 17-19 และอิทธิพลที่อ่อนแอของคริสตจักรและวิถีชีวิตทางโลก (คูณด้วยการพัฒนาของลัทธิโปรเตสแตนต์) ทำให้เกิดวิชารูปแบบและการเคลื่อนไหวมากมายในการวาดภาพ (บาโรกและโรโคโค)

ในระหว่างการพัฒนาวิจิตรศิลป์ ศิลปินได้พัฒนารูปแบบและเทคนิคมากมายที่นำไปสู่ความสมจริงในระดับสูงสุดในงานของพวกเขา ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 (ด้วยการถือกำเนิดของขบวนการสมัยใหม่) การเปลี่ยนแปลงที่น่าสนใจเริ่มขึ้นในการวาดภาพ

ความพร้อมของการศึกษาด้านศิลปะ การแข่งขันในวงกว้าง และความต้องการทักษะของศิลปินที่สูงจากสาธารณชน (และผู้ซื้อ) กำลังก่อให้เกิดทิศทางใหม่ในวิธีการแสดงออก

วิจิตรศิลป์ไม่ได้ถูกจำกัดอยู่เพียงระดับของเทคนิคอีกต่อไป ศิลปินมุ่งมั่นที่จะนำเสนอความหมายพิเศษ วิถีแห่ง "การมอง" และปรัชญาสู่ผลงาน

สิ่งที่มักมาพร้อมกับค่าใช้จ่ายของระดับประสิทธิภาพ กลายเป็นการเก็งกำไรหรือวิธีการที่น่าตกใจ ความหลากหลายของสไตล์ที่เกิดขึ้นใหม่ การอภิปรายที่มีชีวิตชีวา และแม้กระทั่งเรื่องอื้อฉาว ก่อให้เกิดการพัฒนาความสนใจในการวาดภาพรูปแบบใหม่เทคโนโลยีการวาดภาพด้วยคอมพิวเตอร์ (ดิจิทัล) สมัยใหม่เป็นของกราฟิกและไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นการวาดภาพแม้ว่าโปรแกรมและอุปกรณ์คอมพิวเตอร์จำนวนมากจะช่วยให้คุณสามารถทำซ้ำเทคนิคการวาดภาพด้วยสีได้อย่างสมบูรณ์

งานจิตรกรรมขาตั้ง - ภาพวาด - ถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานที่ไม่อยู่กับที่ (ไม่เหมือนภาพวาดอนุสาวรีย์) และไม่เป็นประโยชน์ (ต่างจากภาพวาดตกแต่ง) (ผ้าใบ กระดาษแข็ง แผ่นกระดาน กระดาษ ผ้าไหม) และสันนิษฐานถึงการรับรู้ที่เป็นอิสระซึ่งไม่ได้กำหนดเงื่อนไขโดย สิ่งแวดล้อม

วัสดุหลักสำหรับการวาดภาพขาตั้ง ได้แก่ สีน้ำมัน, อุบาทว์และสีน้ำ, gouache, สีพาสเทล, อะคริลิก ในตะวันออกไกล ภาพวาดหมึก (ส่วนใหญ่เป็นภาพเอกรงค์) ซึ่งมักผสมผสานการประดิษฐ์ตัวอักษรกลายเป็นเรื่องแพร่หลาย

การวาดภาพขาตั้งได้รับการสอนในโรงเรียนศิลปะและสตูดิโอในโรงเรียนศิลปะระดับมัธยมศึกษาและสถาบันศิลปะซึ่งใหญ่ที่สุดในรัสเซียอยู่ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กโรงเรียนศิลปะ Ryazan ตั้งชื่อตาม G.K. Wagner ใน Ryazan และมอสโก

เขียนบทวิจารณ์เกี่ยวกับบทความ "ภาพวาดขาตั้ง"

ข้อความที่ตัดตอนมาจากภาพวาดขาตั้ง

และเพื่อตอบสนองต่อข้อเท็จจริงที่ว่ามีคริสตจักรมากกว่าสองร้อยแห่ง พระองค์ตรัสว่า
– ทำไมโบสถ์ถึงมีเหวขนาดนั้น?
“ รัสเซียมีความเคร่งครัดมาก” บาลาเชฟตอบ
“อย่างไรก็ตาม วัดและโบสถ์จำนวนมากมักเป็นสัญลักษณ์ของความล้าหลังของประชาชนเสมอ” นโปเลียนกล่าว เมื่อมองย้อนกลับไปที่ Caulaincourt เพื่อประเมินคำตัดสินนี้
Balashev ยอมให้ตัวเองไม่เห็นด้วยกับความคิดเห็นของจักรพรรดิฝรั่งเศสด้วยความเคารพ
“ทุกประเทศมีประเพณีของตนเอง” เขากล่าว
“แต่ไม่มีที่ไหนในยุโรปที่จะมีเรื่องแบบนี้” นโปเลียนกล่าว
“ข้าพเจ้าขออภัยต่อฝ่าพระบาท” บาลาเชฟกล่าว “นอกจากรัสเซียแล้ว ยังมีสเปนด้วย ซึ่งมีโบสถ์และอารามหลายแห่ง”
คำตอบจาก Balashev ซึ่งบอกเป็นนัยถึงความพ่ายแพ้ของฝรั่งเศสในสเปนเมื่อเร็ว ๆ นี้ได้รับการชื่นชมอย่างสูงในภายหลังตามเรื่องราวของ Balashev ที่ราชสำนักของจักรพรรดิอเล็กซานเดอร์และตอนนี้ได้รับการชื่นชมน้อยมากในงานเลี้ยงอาหารค่ำของนโปเลียนและผ่านไปโดยไม่มีใครสังเกตเห็น
เห็นได้ชัดจากใบหน้าที่ไม่แยแสและงุนงงของนายพลสุภาพบุรุษว่าพวกเขางงงวยว่าเรื่องตลกคืออะไรซึ่งน้ำเสียงของ Balashev บอกเป็นนัย “ถ้ามี แสดงว่าเราไม่เข้าใจเธอหรือเธอไม่มีไหวพริบเลย” สีหน้าของนายทหารกล่าว คำตอบนี้ได้รับการชื่นชมเพียงเล็กน้อยจนนโปเลียนไม่ได้สังเกตด้วยซ้ำและถาม Balashev อย่างไร้เดียงสาเกี่ยวกับเมืองใดบ้างที่มีถนนสายตรงไปมอสโกจากที่นี่ Balashev ผู้ตื่นตัวตลอดเวลาระหว่างรับประทานอาหารค่ำตอบว่า เชิญ chemin mene ถึงกรุงโรม เชิญ chemin mene ไปที่มอสโก [ตามสุภาษิตที่ว่าถนนทุกสายนำไปสู่กรุงโรม ถนนทุกสายก็มุ่งสู่มอสโกฉันนั้น ] ว่ามีถนนหลายสายและในบรรดาเส้นทางที่แตกต่างกันเหล่านี้คือถนนสู่ Poltava ซึ่ง Charles XII เลือกไว้ Balashev กล่าวด้วยความยินดีกับความสำเร็จของคำตอบนี้โดยไม่สมัครใจ ก่อนที่ Balashev จะมีเวลาจบคำพูดสุดท้าย: "Poltawa" Caulaincourt เริ่มพูดถึงความไม่สะดวกของถนนจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กไปมอสโกและเกี่ยวกับความทรงจำในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กของเขา
หลังอาหารกลางวันเราไปดื่มกาแฟในห้องทำงานของนโปเลียนซึ่งเมื่อสี่วันก่อนเคยเป็นห้องทำงานของจักรพรรดิอเล็กซานเดอร์ นโปเลียนนั่งลง สัมผัสกาแฟในแก้วเซฟเรส แล้วชี้ไปที่เก้าอี้ไปที่บาลาเชฟ

จิตรกรรมมีความโดดเด่นด้วยประเภทและประเภทที่หลากหลาย แต่ละประเภทจะถูกจำกัดตามช่วงของหัวข้อ: รูปภาพของบุคคล (ภาพบุคคล) โลกโดยรอบ (ทิวทัศน์) ฯลฯ
พันธุ์ (ประเภท) ของการวาดภาพแตกต่างกันไปตามวัตถุประสงค์

ในเรื่องนี้ภาพวาดมีหลายประเภทซึ่งเราจะพูดถึงในวันนี้

การวาดภาพขาตั้ง

ประเภทของการวาดภาพที่ได้รับความนิยมและมีชื่อเสียงที่สุดคือการวาดภาพขาตั้ง มันถูกเรียกเช่นนี้เพราะมันทำบนเครื่อง - ขาตั้ง ฐานเป็นไม้ กระดาษแข็ง กระดาษ แต่ส่วนใหญ่มักขึงผ้าใบไว้บนเปล การวาดภาพขาตั้งเป็นงานอิสระที่สร้างขึ้นในประเภทเฉพาะ มันมีความอุดมสมบูรณ์ของสี

สีน้ำมัน

ส่วนใหญ่แล้วการวาดภาพขาตั้งมักทำด้วยสีน้ำมัน คุณสามารถใช้สีน้ำมันบนผ้าใบ ไม้ กระดาษแข็ง กระดาษ และโลหะได้

สีน้ำมัน
สีน้ำมันคือสารแขวนลอยของเม็ดสีอนินทรีย์และสารตัวเติมในการทำให้น้ำมันพืชแห้งหรือน้ำมันแห้งหรือใช้อัลคิดเรซิน บางครั้งอาจมีการเติมสารเสริมเข้าไปด้วย ใช้ในการทาสีหรือทาสีไม้ โลหะ และพื้นผิวอื่นๆ

V. Perov "ภาพเหมือนของ Dostoevsky" (2415) สีน้ำมันบนผ้าใบ
แต่ภาพที่งดงามก็สามารถสร้างได้โดยใช้สีเทมเพอรา สีกวอช สีพาสเทล และสีน้ำ

สีน้ำ

สีน้ำ

สีน้ำ (French Aquarelle - watery; Italian acquarello) เป็นเทคนิคการวาดภาพที่ใช้สีน้ำพิเศษ เมื่อละลายในน้ำจะก่อตัวเป็นเม็ดสีละเอียดที่แขวนลอยอย่างโปร่งใส ซึ่งสร้างเอฟเฟกต์ของความสว่าง ความโปร่งสบาย และการเปลี่ยนสีที่ละเอียดอ่อน

เจ. เทิร์นเนอร์ “Firvaldstät Lake” (1802) สีน้ำ. เทต บริเทน (ลอนดอน)

สีโกวเช่

Gouache (French Gouache, สีน้ำกัวซโซของอิตาลี, สแปลช) เป็นสีที่ละลายน้ำได้และมีกาวซึ่งมีความหนาแน่นมากกว่าและเคลือบด้านมากกว่าสีน้ำ

สี Gouache
สี Gouache ทำจากเม็ดสีและกาวโดยเติมสีขาว ส่วนผสมของสีขาวทำให้ gouache มีคุณภาพที่นุ่มนวล แต่เมื่อแห้งสีจะค่อนข้างขาวขึ้น (จางลง) ซึ่งศิลปินจะต้องคำนึงถึงในระหว่างขั้นตอนการวาดภาพ การใช้สี gouache คุณสามารถปกปิดโทนสีเข้มด้วยสีอ่อนได้

Vincent Van Gogh "ทางเดินที่ Asulum" (ชอล์กสีดำและ gouache บนกระดาษสีชมพู)

สีพาสเทล [e]

สีพาสเทล (จากละตินพาสต้า - แป้ง) เป็นวัสดุทางศิลปะที่ใช้ในกราฟิกและการวาดภาพ ส่วนใหญ่มักมาในรูปแบบดินสอสีหรือดินสอไม่มีขอบ มีรูปร่างคล้ายแท่งที่มีหน้าตัดกลมหรือสี่เหลี่ยม สีพาสมีสามประเภท: แห้ง สีน้ำมัน และแว็กซ์

I. Levitan “หุบเขาแม่น้ำ” (สีพาสเทล)

เทมเพอรา

Tempera (อุบาทว์ของอิตาลีจาก Temperare ละติน - เพื่อผสมสี) - สีน้ำที่เตรียมจากเม็ดสีผงแห้ง สารยึดเกาะสำหรับสีเทมเพอราคือไข่แดงของไข่ไก่ที่เจือจางด้วยน้ำหรือไข่ทั้งฟอง
สีเทมเพอราเป็นหนึ่งในสีที่เก่าแก่ที่สุด ก่อนการประดิษฐ์และเผยแพร่สีน้ำมันจนถึงคริสต์ศตวรรษที่ 15-17 สีฝุ่นเป็นวัสดุหลักในการวาดภาพขาตั้ง พวกมันถูกใช้มานานกว่า 3 พันปี ภาพวาดโลงศพที่มีชื่อเสียงของฟาโรห์อียิปต์โบราณทำด้วยสีอุบาทว์ การวาดภาพเทมเพอราทำโดยปรมาจารย์ชาวไบแซนไทน์เป็นหลัก ในรัสเซีย เทคนิคการวาดภาพสีฝุ่นมีความโดดเด่นจนถึงปลายศตวรรษที่ 17

R. Streltsov “ ดอกคาโมไมล์และไวโอเล็ต” (อุณหภูมิ)

ฉุนเฉียว

Encaustic (มาจากภาษากรีกโบราณ ἐγκαυστική - ศิลปะแห่งการเผาไหม้) เป็นเทคนิคการวาดภาพโดยใช้ขี้ผึ้งเป็นตัวประสานสี การทาสีเสร็จสิ้นด้วยสีที่ละลาย ไอคอนคริสเตียนยุคแรกจำนวนมากถูกทาสีโดยใช้เทคนิคนี้ มีต้นกำเนิดในสมัยกรีกโบราณ

"นางฟ้า". เทคนิค Encaustic

เราดึงความสนใจของคุณไปที่ความจริงที่ว่าคุณสามารถค้นหาการจำแนกประเภทอื่นตามสีน้ำ gouache และเทคนิคอื่น ๆ ที่ใช้กระดาษและสีน้ำจัดเป็นกราฟิก พวกเขารวมคุณสมบัติของการวาดภาพ (ความมีชีวิตชีวาของโทนสีการสร้างรูปแบบและพื้นที่ด้วยสี) และกราฟิก (บทบาทที่ใช้งานของกระดาษในการสร้างภาพการขาดลักษณะเฉพาะของพู่กันของพื้นผิวการวาดภาพ)

จิตรกรรมอนุสาวรีย์

จิตรกรรมอนุสรณ์สถาน คือ การวาดภาพบนโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมหรือฐานรากอื่นๆ นี่เป็นภาพวาดประเภทที่เก่าแก่ที่สุด รู้จักตั้งแต่ยุคหินเก่า ด้วยความคงตัวและความทนทาน ทำให้มีตัวอย่างมากมายที่ยังคงอยู่ในเกือบทุกวัฒนธรรมที่สร้างสถาปัตยกรรมที่พัฒนาแล้ว เทคนิคหลักของการวาดภาพที่ยิ่งใหญ่ ได้แก่ จิตรกรรมฝาผนัง, เซคโก, โมเสก, กระจกสี

ปูนเปียก

Fresco (จากอิตาลี fresco - สด) - การทาสีบนปูนเปียกด้วยสีน้ำ หนึ่งในเทคนิคการทาสีผนัง เมื่อแห้ง ปูนขาวที่อยู่ในปูนปลาสเตอร์จะเกิดเป็นฟิล์มแคลเซียมใสบางๆ ทำให้ปูนเปียกมีความคงทน
ปูนเปียกมีพื้นผิวด้านที่สวยงามและทนทานในสภาพภายในอาคาร

อาราม Gelati (จอร์เจีย) โบสถ์พระนางมารีย์พรหมจารี. ภาพปูนเปียกที่ด้านบนและด้านใต้ของ Arc de Triomphe

เซ็กโก้

และ secco (จากภาษาอิตาลีว่า secco - dry) เป็นการทาสีผนังซึ่งดำเนินการต่างจากจิตรกรรมฝาผนังบนปูนปลาสเตอร์แข็งแห้งแล้วชุบใหม่ ใช้สีทากาวผัก ไข่ หรือผสมกับมะนาว Secco ช่วยให้คุณสามารถทาสีพื้นที่ผิวขนาดใหญ่ในวันทำงานได้มากกว่าการทาสีปูนเปียก แต่เทคนิคจะไม่คงทนเท่า
เทคนิค secco พัฒนาขึ้นในการวาดภาพยุคกลางร่วมกับจิตรกรรมฝาผนัง และแพร่หลายโดยเฉพาะในยุโรปในช่วงศตวรรษที่ 17-18

เลโอนาร์โด ดาวินชี "กระยาหารมื้อสุดท้าย (1498) เทคนิค a secco

โมเสก

โมเสก (โมเสกฝรั่งเศส, โมเสกของอิตาลีจากภาษาละติน (บทประพันธ์) musivum – (งาน) ที่อุทิศให้กับรำพึง) เป็นงานศิลปะการตกแต่ง ประยุกต์ และยิ่งใหญ่ในประเภทต่างๆ ภาพในโมเสกเกิดขึ้นจากการจัดเรียง ติดตั้ง และติดหินหลากสี กระเบื้องเซรามิค และวัสดุอื่นๆ บนพื้นผิว

แผงโมเสค "แมว"

กระจกสี

กระจกสี (French vitre - กระจกหน้าต่างจากภาษาละติน vitrum - แก้ว) เป็นงานกระจกสี กระจกสีถูกนำมาใช้ในโบสถ์มาเป็นเวลานาน ในช่วงยุคเรอเนซองส์ กระจกสีมีอยู่เป็นภาพวาดบนกระจก

หน้าต่างกระจกสีของ Mezhsoyuzny Palace of Culture (Murmansk)
ประเภทของการวาดภาพยังรวมถึงภาพสามมิติและภาพพาโนรามาด้วย

ภาพสามมิติ

การสร้างภาพสามมิติ "พายุแห่งภูเขาสะปันเมื่อวันที่ 7 พฤษภาคม พ.ศ. 2487" ในเซวาสโทพอล
ภาพสามมิติเป็นภาพโค้งเป็นรูปริบบิ้นเป็นรูปครึ่งวงกลมโดยมีวัตถุอยู่เบื้องหน้า ภาพลวงตาของการมีอยู่ของผู้ชมในพื้นที่ธรรมชาตินั้นถูกสร้างขึ้นซึ่งทำได้โดยการสังเคราะห์วิธีการทางศิลปะและเทคนิค
ภาพสามมิติได้รับการออกแบบสำหรับแสงประดิษฐ์และส่วนใหญ่ตั้งอยู่ในศาลาพิเศษ ภาพสามมิติส่วนใหญ่จะเน้นไปที่การต่อสู้ทางประวัติศาสตร์โดยเฉพาะ
ไดโอราม่าที่มีชื่อเสียงที่สุด: "พายุแห่งภูเขาซาปัน" (เซวาสโทพอล), "การป้องกันเซวาสโทพอล" (เซวาสโทพอล), "การต่อสู้เพื่อ Rzhev" (Rzhev), "การบุกโจมตีเลนินกราด" (เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก), "พายุแห่งเบอร์ลิน ” (มอสโก) ฯลฯ

พาโนรามา

ในการวาดภาพ ภาพพาโนรามาคือภาพที่มีมุมมองเป็นวงกลม โดยที่พื้นหลังภาพเรียบจะรวมเข้ากับวัตถุสามมิติเบื้องหน้า พาโนรามาสร้างภาพลวงตาของพื้นที่จริงที่ล้อมรอบผู้ชมในวงกลมเต็มขอบฟ้า ภาพพาโนรามาใช้เพื่อบรรยายเหตุการณ์ที่ครอบคลุมพื้นที่ขนาดใหญ่และมีผู้เข้าร่วมจำนวนมากเป็นหลัก

พิพิธภัณฑ์พาโนรามา "ยุทธการโบโรดิโน" (อาคารพิพิธภัณฑ์)
ในรัสเซีย ภาพพาโนรามาที่มีชื่อเสียงที่สุดคือพิพิธภัณฑ์พาโนรามา "Battle of Borodino", "Battle of Volochaev", "ความพ่ายแพ้ของกองทหารนาซีที่สตาลินกราด" ในพิพิธภัณฑ์พาโนรามา "Battle of Stalingrad", "Defense of Sevastopol" ภาพพาโนรามาของ รถไฟทรานส์ไซบีเรีย

ฟรานซ์ รูโบ. ผ้าใบพาโนรามา “Battle of Borodino”

จิตรกรรมละครและการตกแต่ง

ทิวทัศน์ เครื่องแต่งกาย การแต่งหน้า อุปกรณ์ประกอบฉาก ช่วยในการเปิดเผยเนื้อหาของการแสดง (ภาพยนตร์) เพิ่มเติม ทิวทัศน์ช่วยให้เข้าใจสถานที่และเวลาของการแสดง และกระตุ้นการรับรู้ของผู้ชมถึงสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที ศิลปินละครมุ่งมั่นที่จะแสดงลักษณะเฉพาะของตัวละคร สถานะทางสังคม สไตล์ของยุค และอื่นๆ อีกมากมายอย่างเฉียบแหลมในภาพร่างเครื่องแต่งกายและการแต่งหน้า
ในรัสเซีย ความเจริญรุ่งเรืองของศิลปะการแสดงละครและการตกแต่งเกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ในเวลานี้ศิลปินที่โดดเด่น M.A. เริ่มทำงานในโรงละคร วรูเบล, วี.เอ็ม. Vasnetsov, A.Y. โกโลวิน, แอล.เอส. บาสท์, เอ็น.เค. โรริช.

M. Vrubel “เมืองอมยิ้ม” ออกแบบฉากโอเปร่าโดย N.A. "The Tale of Tsar Saltan" ของ Rimsky-Korsakov สำหรับโรงละครโอเปร่าส่วนตัวของรัสเซียในมอสโก (1900)

จิ๋ว

งานจิ๋วคืองานภาพในรูปแบบขนาดเล็ก สิ่งที่ได้รับความนิยมเป็นพิเศษคือแนวตั้งขนาดเล็ก - แนวตั้งในรูปแบบขนาดเล็ก (จาก 1.5 ถึง 20 ซม.) โดดเด่นด้วยความละเอียดอ่อนในการเขียนพิเศษเทคนิคการดำเนินการที่เป็นเอกลักษณ์และการใช้วิธีการที่มีอยู่ในรูปแบบภาพนี้เท่านั้น
ประเภทและรูปแบบของเพชรประดับมีความหลากหลายมาก: วาดบนกระดาษ parchment, กระดาษ, กระดาษแข็ง, งาช้าง, โลหะและพอร์ซเลนโดยใช้สีน้ำ, gouache, เคลือบศิลปะพิเศษหรือสีน้ำมัน ผู้เขียนสามารถจารึกภาพลงในวงกลม, วงรี, สี่เหลี่ยมขนมเปียกปูน, แปดเหลี่ยม ฯลฯ ตามการตัดสินใจของเขาหรือตามคำขอของลูกค้า ภาพบุคคลจิ๋วแบบคลาสสิกถือเป็นภาพย่อส่วนที่สร้างขึ้นบนแผ่นงาช้างบาง ๆ

จักรพรรดินิโคลัสที่ 1 ชิ้นส่วนของจิ๋ว โดย G. Morselli
มีเทคนิคเล็กๆ น้อยๆ หลายประการ

แล็กเกอร์จิ๋ว (Fedoskino)

ภาพย่อส่วนพร้อมรูปเหมือนของเจ้าหญิง Zinaida Nikolaevna (เครื่องประดับ Jusupov)

"จิตรกรรม- อาจเป็นศิลปะที่เก่าแก่ที่สุดที่มนุษย์รู้จัก รูปภาพสัตว์และผู้คนที่สร้างขึ้นในยุคสังคมดึกดำบรรพ์บนผนังถ้ำยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ เวลาผ่านไปหลายพันปีตั้งแต่นั้นมา แต่การวาดภาพยังคงเป็นเพื่อนร่วมทางที่ไม่อาจเปลี่ยนแปลงได้ในชีวิตฝ่ายวิญญาณของบุคคล

เช่นเดียวกับสาขาอื่นๆ ของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะที่เป็นอิสระ การวาดภาพมีคุณสมบัติที่เป็นเอกลักษณ์และเป็นต้นฉบับหลายประการ มันบอกเล่าเกี่ยวกับชีวิต พรรณนาผู้คน ธรรมชาติ โลกวัตถุประสงค์ที่ล้อมรอบบุคคลผ่าน ภาพที่เห็น- ภาพเหล่านี้สร้างขึ้นโดยใช้เทคนิคทั้งระบบที่พัฒนาและปรับปรุงโดยศิลปินหลายรุ่น

ศิลปินไม่สามารถแสดงเหตุการณ์ต่อเนื่องกันที่เกิดขึ้นในสถานที่ต่างกันในเวลาที่ต่างกันได้ ซึ่งต่างจากนักเขียน ในการรวบรวมโครงเรื่อง จิตรกรถูกจำกัดอยู่เพียงช่วงเวลาหนึ่งและฉากที่ไม่เปลี่ยนแปลง ดังนั้นเขาจึงมุ่งมั่นที่จะค้นหาและพรรณนาสถานการณ์ที่ตัวละครของตัวละครความสัมพันธ์ของพวกเขาและความหมายทั้งหมดของเหตุการณ์ในชีวิตที่ถูกจับกุมได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่ที่สุด

“ภาษา” ทางศิลปะของการวาดภาพช่วยให้บรรลุเป้าหมายนี้ ท้ายที่สุดแล้วผู้เขียนภาพเขียนเล่าโดยแสดง และใน “การเล่าเรื่องด้วยภาพ” นี้ สีจะสว่างหรือหมอง สงบหรือลุกเป็นไฟ และการเคลื่อนไหวของเส้นนั้นรวดเร็ว เข้มข้นหรือราบรื่น ช้า และคุณสมบัติอื่นๆ มากมายของการแก้ปัญหาภาพมีความหมายอย่างมาก ซึ่งมีส่วนช่วยในการเปิดเผย ของความรู้สึก ความคิด อารมณ์ ดังนั้นเนื้อหาของภาพวาดพล็อตจึงเข้าใจได้อย่างสมบูรณ์โดยผู้ชมเท่านั้นที่ไม่เพียง "อ่าน" เนื้อเรื่องบางอย่างเท่านั้น แต่ยัง "เห็น" รูปลักษณ์ของภาพด้วย

ถ้าจะพูดง่ายๆ ว่าภาพวาดนั้นถือเป็น "โครงกระดูก" ของภาพวาด ดังนั้น "เนื้อและเลือด" ของภาพวาดนั้นก็คือสี ศิลปินใช้สีไม่เพียงแต่เพื่อถ่ายทอดสีที่แท้จริงของวัตถุ แต่ยังเพื่อสร้างอารมณ์บางอย่างด้วยจุดประสงค์ในการรวบรวมความคิดในเชิงกวี จำเพลง Girl with Peaches ของ V.A. Serov: โทนสีเทาอมฟ้าโดยรวม แรเงาด้วยจุดสีชมพูของชุดของหญิงสาว เฉดสีและการสะท้อนของแสงที่สั่นไหวและสั่นไหวที่ส่องทั่วผืนผ้าใบทุกมิลลิเมตร ท้ายที่สุด สิ่งนี้ทำให้เกิดความรู้สึกสดชื่น ความบริสุทธิ์ และความสุขอ่อนเยาว์ของ ชีวิตซึ่งถือเป็นแก่นแท้ของภาพ และเฉดสีแดงมากมายที่พบในผืนผ้าใบของ I.E. Repin เรื่อง "Ivan the Terrible และ Ivan ลูกชายของเขา" มีบทบาทด้านความหมายอย่างมาก! ความแตกต่างระหว่างขาวดำมีความสำคัญเพียงใดในการเล่าเรื่องที่น่าเศร้าของ "Boyaryna Morozova" โดย V.I. ซูริโควา!

มีอยู่ การวาดภาพสองประเภทหลัก: อนุสาวรีย์และขาตั้ง จิตรกรรมอนุสาวรีย์มีความเกี่ยวข้องกับสถาปัตยกรรมอยู่เสมอ - การทาสีผนังและเพดานของอาคารตกแต่งด้วยภาพจากกระเบื้องโมเสคและวัสดุอื่น ๆ กระจกสี - ภาพวาดและเครื่องประดับจากกระจกสี ฯลฯ การวาดภาพขาตั้งไม่เกี่ยวข้องกับอาคารใดอาคารหนึ่งและสามารถย้ายจากห้องหนึ่งไปอีกห้องหนึ่งได้

คุณ การวาดภาพขาตั้งมีหลายประเภท (“ประเภท”) ที่สำคัญที่สุดคือ การวาดภาพบุคคล ภาพทิวทัศน์ และหุ่นนิ่ง.

ในงานจิตรกรรมบางประเภท ดูเหมือนว่าลักษณะการดำรงอยู่บางประการจะโดดเด่น ดังนั้น, ภาพเหมือนสร้างรูปลักษณ์ของบุคคลขึ้นมาใหม่ ในกรณีอื่นๆ วีรบุรุษของภาพวาดบุคคลจะแสดงในสภาพแวดล้อมปกติในชีวิตประจำวัน ในกรณีอื่นๆ เราไม่ได้เห็นรายละเอียดเพิ่มเติมใดๆ งานหลักและแน่นอนงานที่ยากที่สุดของศิลปินประเภทนี้คือการเปิดเผยโลกภายในของบุคคลที่ปรากฎลักษณะสำคัญของตัวละครและจิตวิทยา

ภาพวาดที่แสดงถึงชีวิตของธรรมชาติเป็นประเภท ภูมิประเทศ- ปรมาจารย์ด้านศิลปะภูมิทัศน์ที่แท้จริงไม่เพียงแต่พรรณนาถึงธรรมชาติของประเทศ ภูมิภาค สถานที่ใดประเทศหนึ่งเท่านั้น แต่ยังสื่อถึงการรับรู้ของมนุษย์เกี่ยวกับธรรมชาติในภาพวาด ซึ่งเชื่อมโยงกับโลกทัศน์และประสบการณ์ของศิลปินอยู่เสมอ ตัวอย่างเช่นใน "Vladimirka" อันโด่งดังของ I. Levitan ซึ่งพรรณนาถึงถนนที่นักโทษถูกกดดันให้ทำงานหนักในสมัยซาร์ความรู้สึกของความหนักใจความโศกเศร้าและความขมขื่นอย่างลึกซึ้งดูเหมือนจะข้นขึ้น ในภูมิทัศน์ของ A. Savrasov เรื่อง “The Rooks Have Arrival” การได้เห็นต้นฤดูใบไม้ผลิของรัสเซียทำให้เกิดความรู้สึกของความหวังอันสดใส แสงสว่าง และความเศร้าครุ่นคิด นอกจากนี้เรายังพบภาพที่ลึกซึ้งเกี่ยวกับธรรมชาติของชาติในศิลปินโซเวียต ดังนั้น, จ้าวแห่งภูมิทัศน์โซเวียต: G. Nissky, M. Saryan, S. Gerasimov และคนอื่น ๆ อีกหลายคน - แสดงให้เห็นอย่างน่าอัศจรรย์ในภาพวาดของพวกเขาถึงการเปลี่ยนแปลงที่หลายปีของระบบโซเวียตนำมาสู่การปรากฏตัวของดินแดนบ้านเกิดของพวกเขาร้องเพลงบทกวีและความงามของยุคใหม่

ภาษาฝรั่งเศส คำว่า "ยังมีชีวิตอยู่" หมายถึงแปลตรงตัวว่า “ธรรมชาติที่ตายแล้ว” ผู้เชี่ยวชาญในประเภทนี้พรรณนาถึงผลไม้ ผัก ดอกไม้ เครื่องตกแต่ง ฯลฯ อย่างไรก็ตาม หุ่นนิ่งเชิงศิลปะอย่างแท้จริงไม่ใช่การทำซ้ำรูปแบบ เส้น และสีสันของธรรมชาติโดยไม่ได้ตั้งใจ เช่นเดียวกับในทิวทัศน์ หุ่นนิ่งสะท้อนแนวคิดของคนร่วมสมัยเกี่ยวกับความงาม ความคิด และอารมณ์ได้อย่างมีเอกลักษณ์

ในแผนกโซเวียตของ Tretyakov Gallery ยังมีชีวิตอยู่โดย I. Mashkov "Moscow Snack" ขนมปัง”, “อาหารมอสโก เนื้อเกม” ศิลปินที่นี่นำเสนอผลิตภัณฑ์ที่กล้าหาญ ทรงพลัง ชุ่มฉ่ำ หยอกล้อในความงดงามอันศักดิ์สิทธิ์ เขาร้องเพลงเกี่ยวกับความอุดมสมบูรณ์ของของขวัญจากโลก ความอุดมสมบูรณ์ และความเอื้ออาทรของมัน ลักษณะของภาพนี้พูดได้อย่างไพเราะถึงมุมมองที่ยืนยันชีวิตของโลกซึ่งเป็นการมองโลกในแง่ดีอย่างเต็มเปี่ยมซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของชาวโซเวียต เราสามารถพบคุณลักษณะที่คล้ายกันแม้ว่าแต่ละครั้งจะแสดงออกมาในแบบของตัวเองในหุ่นนิ่งที่ยอดเยี่ยมของศิลปินโซเวียต P. Konchalovsky, M. Saryan และคนอื่นๆ การวาดภาพทุกประเภท - แต่ละประเภทมีวิธีของตัวเอง - สามารถถ่ายทอดความคิดและความรู้สึกที่ยิ่งใหญ่ที่สร้างความตื่นเต้นให้กับผู้คนได้

วิธีการวาดภาพด้วยขาตั้ง- ในศตวรรษที่ผ่านมา พื้นฐานของมันคือไม้หลากหลายสายพันธุ์ และในภาคตะวันออก นอกจากนี้ ยังมีผ้าไหม กระดาษ parchment กระดาษข้าว ฯลฯ ตามกฎแล้วปรมาจารย์สมัยใหม่ใช้ผืนผ้าใบเป็นฐาน เพื่อให้ผืนผ้าใบดูดซับและคงสีเอาไว้ ขั้นแรกให้ติดกาวแล้วจึงลงสีพื้นด้วยชั้นส่วนผสมพิเศษที่มีความหนาแน่นสูง ภาพถูกวาดลงบนผืนผ้าใบที่ลงสีพื้นแล้ว ศิลปินสมัยใหม่ส่วนใหญ่มักใช้สีน้ำมัน บ่อยครั้งที่ภาพวาดถูกสร้างขึ้นโดยใช้สีน้ำ - สีน้ำ แม้แต่น้อยที่ใช้กันทั่วไป สีพาสเทล- สีอัดแห้งผสมกับกาวเหลว

ก่อนที่จะหยิบแปรงขึ้นมา ศิลปินมักจะวาดภาพร่างเบื้องต้น (ภาพร่าง) จากนั้นบนผืนผ้าใบ ลักษณะของตัวละคร รูปร่างของวัตถุ รูปทรงของฉาก และโครงร่างการก่อสร้าง (องค์ประกอบ) แห่งอนาคต จิตรกรรม.

จากนั้นเขาก็ศึกษาอย่างระมัดระวังในงานที่ดำเนินการอย่างระมัดระวังจากชีวิต (ศึกษา) ท่าทางและสภาพจิตใจของผู้คนที่เขาต้องการการตกแต่งแสงและหลังจากนั้นก็ดำเนินการสร้างภาพวาดขึ้นมาเอง

ท้ายที่สุดแล้ว ความคิดของศิลปินได้รับการแสดงออกอย่างครบถ้วนและสมบูรณ์ และภาพวาดของเขากลายเป็นแหล่งแห่งความยินดีอย่างยิ่งในการเรียนรู้เกี่ยวกับชีวิตสำหรับเรา"