Kreatívna cesta Michelangela Buonarrotiho. Obdobia života a tvorivosti

Najmocnejší je Michelangelo Buonarroti (1475–1564). umelecká osobnosť aké kedy niesla zem. Nikdy, ani pred ním, ani po ňom, nemal žiadny umelec taký prevládajúci a trvalý vplyv na svojich súčasníkov a potomkov; a hoci sa ako vzor stal osudným pre ďalšiu generáciu, pre ktorú jazyk jeho foriem nebol ako pre neho vnútornou nevyhnutnosťou, predsa len vďaka tomu vystupuje do popredia jeho vlastná veľkosť. tým víťaznejšie. Jeho poetické diela, ktoré tu nemajú miesto, nám umožňujú preniknúť hlboko do zápasu jeho vášnivej, náročnej lásky, osamelej duše so sebou samým, so svojím Bohom a s ideálmi jeho umenia.

Michelangelo sa ako architekt stal zakladateľom všetkých grandióznych, jedinečných výstredností barokového štýlu. Ako sochár a maliar bol tak výnimočným zobrazovačom človeka v období renesancie, ako nikto iný, ale obyčajných ľudí, ktoré bral za svoje obrazy a sochy, sa aj s ich neodmysliteľnými vlastnosťami v rukách nepozorovane zmenili na nadľudí a polobohov. Silné formy tela a silné pohyby, navonok spôsobené odvážnou opozíciou línií a vnútorne objaté takmer svetskými alebo dokonca úplne svetskými túžbami, pramenili z jeho najintímnejších zážitkov. Po Phidiasovi žiadny umelec nedokázal dosiahnuť vznešenosť tak ako Michelangelo.

Michelangelo ako ctižiadostivý maliar v trinástom roku svojho života vstúpil do učňovskej školy Domenica Ghirlandaia, ako začínajúci sochár o rok neskôr, a nie skôr ako v roku 1488 (ako ukázal Frey) - k istému Bertoldovi, vtedajšiemu správcovi Medicejská zbierka starožitností v San Marco, študent Donatello na konci svojho života. Ďalší vývoj mladého Buonarrotiho na maliara sa odohral pred freskami Masaccia v kaplnke Brancacci a na sochára v spomínaných starožitnostiach Medicejskej záhrady. Od tej doby chcel, aby sa na neho hľadelo výlučne ako na sochára. Osud ho však aj tak priviedol k opätovnému maľovaniu. Jeho najvýznamnejšie sochárske podniky sa k nám dostali len čiastočne dokončené, medzitým v maliarstve, presiaknutom jeho plastickým duchom, zanechal najväčší, jednotný spoločné spojenie funguje. Na architekta sa vypracoval síce vo vzdialenej závislosti od Bramanteho a Giuliana da Sangalla, ale v podstate nezávisle, vďaka úlohám, ktoré sa mu naskytli.

Jeho najstaršie sochy zobrazujú pazúry leva. Mramorový plochý reliéf „Madona zo schodov“ v Casa Buonarroti vo Florencii tiež pripomína neskorým spôsobom Donatellova škola, ale mocné formy hlavnej skupiny a deti hrajúce sa na predných schodoch sa z tejto školy prudko vzďaľujú. Vyšší mramorový reliéf „Bitka kentaurov“ z tej istej kolekcie, zobrazujúci krutý boj medzi silnými a štíhlymi ľuďmi a kentaurmi, ktorých telá a pohyby sú reprodukované s dokonalým pochopením veci, odhaľuje priamy vplyv reliéfov staroveku. sarkofágy.

Ryža. 6. Maľovanie Madony na schodoch

V roku 1494 žil Michelangelo v Bologni a vytvoril anjela s kandelábrom na sarkofágu sv. Dominika v San Domenico, potom postava biskupa Petronia, ako aj nedávno znovu vystavená skupina polonahého jazdca Procula. Táto skupina je jasnejšia ako predchádzajúce práce, odhaľuje odvážnu reč foriem charakteristickú pre mladého majstra, stále ovplyvneného bolonskými dielami Jacopa della Querciho. To, že Proculus je dielom Michelangela, na tom na rozdiel od Freya trvá aj Justi. Makovský ukázal, že predlohou pre anjela bola antická bohyňa víťazstva zachovaná v Louvri. Po návrate do Florencie popravil v mramore mladého Jána a spiaceho Amora, ktorý bol zároveň predaný za starožitnosti. Stále je ťažké rozpoznať prvého v „Giovannino“ spolu s Bode a Carl Justi. Berlínske múzeum, a druhý spolu s Conradom Langem a Fabrizim v jednom kuse turínskej kolekcie. Celkom spoľahlivý však zostáva obnažený mramorový Bacchus od Michelangela v Národné múzeum vo Florencii, prvé dielo uviedol v roku 1496 v Ríme. Staroveké a moderné, charakteristické pre majstra, sú neoddeliteľne spojené v tejto kývajúcej sa postave, ktorej nahé telo je prenášané takým vitálnym teplom.

V mramorovej skupine trpiacej Matky Božej so zosnulým Spasiteľom v lone, vyznamenanej takou vnútornou vznešenosťou a teraz zdobiacej Kostol sv. Peter, Michelangelo prijal svojím osobným pohľadom na prírodu a životom svojho srdca všetko, za čo vďačil škole Donatella vo Florencii, dielam Querciho v Bologni a antickému sochárstvu vo Florencii a Ríme.

Tento ušľachtilý výtvor je stále mierne obklopený prísnosťou 15. storočia, ale už je úplne presiaknutý ašpiráciami charakteristickými pre Michelangela. Keď sa majster vrátil do Florencie druhýkrát, v roku 1501 dostal od mesta príkaz vyrezať sochu mladého Dávida z obrovského mramorového bloku, ktorý zanechal jeden z jeho predchodcov vo forme fragmentu. Tento nahý kolos mladíka, mieriaci prakom, strážil v rokoch 1504 až 1873 vchod do Palazzo Vecchio a teraz stojí uväznený v rotunde akadémie. Postava odvážneho mladíka je prevedená s úžasným citom pre prírodu, všetky jednotlivé časti, ako sú ruky a nohy, sú spracované s mimoriadnou starostlivosťou a veľkolepá hlava je oživená nahnevaným výrazom. Obmedzenie pohybov je len čiastočne vysvetlené úzkosťou tohto bloku; Michelangelovi sa z tohto náhodného pňa podarilo vydolovať silné, silné, verné a originálne formy.

Po týchto majestátnych a strohých dielach krásna mramorová skupina Madony s nahým chlapcom stojacim medzi jej kolenami v kostole Panny Márie v Bruggách a elegantný okrúhly reliéf s Madonou a dvoma chlapcami v Národnom múzeu vo Florencii pokojne ukazujú vyvážený a krásny štýl 16. storočia v plastickej tvorbe Michelangela.

Potom mu však pripadla prvá veľká maliarska úloha. V roku 1504 rodné mesto dal mu popravu bojové maľovanie z florentskej histórie na stene siene mestskej rady, ktorá sa nachádza oproti začatému obrazu od Leonarda. Michelangelo zvolil nečakaný útok na kúpajúcich sa vojakov v bitke pri Cascine. Nemal v úmysle predstierať zmätok v boji. Jasne sa snažil reprezentovať v najušľachtilejších obrazoch každého človeka, každú skupinu a sprostredkovať rozmanitosť, prirodzenosť a vzrušenie pohybov. Všetky tieto silných ľudí oživený iba jedným pocitom strachu z blížiaceho sa nebezpečenstva, jednou túžbou uniknúť. Michelangelovu prácu na kartóne prerušilo v roku 1505 jeho povolanie do Ríma, no aj v nedokončenej podobe sa stala školou pre celý svet. Najlepšiu predstavu o jednotlivých skupinách tohto zmiznutého diela nám poskytujú medené rytiny od Marka Antonyho a Agostina Veneziana.

Krásny reliéf Madony na Akadémii umení v Londýne a okrúhly obraz v Uffizi, to je snáď jediný ručne vyrobený maľovanie na stojane Michelangelo, naznačuje prítomnosť kartónu s kúpajúcimi sa vojakmi. Madona sedí na kolenách pred Jozefom a natiahne ruky dozadu, aby od neho prijala dieťa cez svoje pravé rameno, a jej silné údy sa ukážu umiestnením nevýhody; to isté treba poznamenať, pokiaľ ide o nedokončenú mramorovú sochu apoštola Mateja z Florentskej akadémie, zobrazenú v odvážnom, ostrom obrate. Víťazstvo línie nad nehybnou hmotou v tomto prípade znamená víťazstvo ducha nad telom a už tu začína Michelangelov štýl v podaní pohybu, ktorý uchvátil celý svet.

RENESANCIA. Obdobie vrcholnej renesancie.
Obdobie renesancie malo obrovský význam pre svetovú umeleckú kultúru. Bolo to obdobie vojen a ekonomického oslabenia, no napriek tomu bola tvorivá tvorba neúnavnou potrebou vtedajších ľudí.
Umelecký život zažil vzostup kresby, rytiny, sochárstva a všetkých jeho ďalších prejavov. Obdobie vrcholnej renesancie predstavuje vrchol renesancie. Bolo to krátke obdobie, ktoré trvalo asi 30 rokov, no čo do množstva a kvality bolo toto obdobie ako storočia. Umenie vrcholnej renesancie je zhrnutím výdobytkov 15. storočia, no zároveň ide o nový kvalitatívny skok v teórii umenia aj v jeho realizácii. Mimoriadnu „hustotu“ tohto obdobia možno vysvetliť skutočnosťou, že množstvo v rovnakom čase (v jednom historické obdobie

) pracujúci
brilantní umelci

je akýmsi rekordom dokonca celých dejín umenia. Stačí vymenovať také mená ako Leonardo da Vinci, Raphael a Michelangelo. Práve o tom druhom bude dnešný príbeh. ÚVOD O mnohých majstroch sa dá povedať, že ich kreativita existencia predstavovala éru. Tieto slová, ktoré sa už dávno stali bežnými, keď ich vyslovíme s Michelangelom, nadobúdajú skutočnú plnosť svojho významu. Okrem toho, že kreatívna cesta
Michelangelova aktivita sa ukázala byť rovnako veľkolepá v rozsahu a plodná vo výsledkoch v troch hlavných typoch plastického umenia - sochárstve, maľbe a architektúre. Počas celej svojej kariéry zostal Michelangelo jasným reformátorom a zakladateľom avantgardného umenia renesancie. To všetko vytvára osobitnú stopu vo svetovej umeleckej kultúre a odlišuje Michelangela aj medzi mnohými ďalšími veľkými majstrami, s ktorými bolo Taliansko tak bohaté v ére najvyššieho rozkvetu svojho umenia.
Toto zvláštne postavenie Michelangela v umení svojej doby je vnímané s mimoriadnou hmatateľnosťou v tých dvoch hlavných centrách Talianska, ktoré boli arénou jeho pôsobenia – vo Florencii a Ríme. V každom z týchto miest, v ktorých obrovské množstvo nádherných pamiatok vytvorilo akýsi celistvý umelecký organizmus, vyvolávajú Michelangelove hlavné výtvory pocit nespornej dominancie.
Michelangelo, vo svetle jeho tragický osud, je podobný jeho hrdinom a nie nadarmo jeho život upútal pozornosť spisovateľov a básnikov. Nebol učebnicovým ideálom. Hoci sa vo svojom umení objavuje ako tvorca obrazov monolitickej celistvosti, ako človek sa môže zdať plný slabostí a rozporov. Činy poznačené mimoriadnou odvahou sú nahradené útokmi slabosti. Najvyššie tvorivé vzostupy sa striedajú s obdobiami neistoty a pochybností, s nespočetnými prestávkami v práci na dielach oveľa skromnejšieho rozsahu. Nevyčerpateľná sila, tvorivá energia, ktorá nemá obdoby – a toľko nedokončenej práce.
Etické a občianske ideály neboli pre Michelangela niečím vonkajším a prechodným – boli akoby súčasťou jeho duše. Predstavujú stelesnenie učenia talianskych humanistov o dokonalom človeku, v ktorom sa spája fyzická krása a sila ducha, obrazy Michelangela, viac než diela ktoréhokoľvek iného umelca, nesú vizuálne vyjadrenie takého dôležitá kvalita tento ideál ako koncept virtuálneho. Toto
pojem pôsobí ako zosobnenie aktívneho princípu v človeku, cieľavedomosti jeho vôle, schopnosti realizovať svoje vznešené myšlienky napriek všetkým prekážkam. Preto Michelangelo na rozdiel od iných majstrov zobrazuje svojich hrdinov v rozhodujúcom okamihu ich života.
Michelangelo, rovnako nadaný vo všetkých oblastiach výtvarného umenia, bol stále predovšetkým sochár, ako sám opakovane zdôrazňoval. Okrem toho, že socha, ako žiadna iná forma výtvarného umenia, odhaľuje priaznivé príležitosti pri tvorbe monumentálnych hrdinských obrazov si vyžaduje najmä vysoký stupeň umelecké zovšeobecnenie, vďaka ktorému v ňom nachádza mimoriadne živý výraz tvorivý vôľový princíp.

PRVÉ OBDOBIE: MLÁDEŽ ROKOV
Vráťme sa k jednej z fáz pokrývania tínedžerské roky Michelangelo – od začiatku 90. rokov 14. storočia až po jeho prvú cestu do Ríma v roku 1496.
Prvé roky majstrovskej formácie pre neho prešli v pomerne priaznivých podmienkach. Po tom, čo sa trinásťročný chlapec Michelangelo vydal na dráhu umelca a poslali ho študovať ku Ghirlandaiovi, o rok neskôr prešiel na umeleckú školu v záhradách Medici vo Florencii.
kláštor San Marco. „Akadémia“ v záhradách Medici bola škola vyššej úrovne. Nespájalo sa s vykonávaním úradných a súkromných objednávok, bolo zbavené špecifického dielenského prostredia. Duch remeselnej dielne tu ustúpil voľnejšej a umeleckejšej atmosfére. Vedenie workshopu skúseným sochárom Bertoldom di Giovanni zabezpečilo, že študenti získali nielen hlboké odborné znalosti, ale aj postreh najlepšie tradície Florentské sochárstvo z 15. storočia. Napokon, pozornosť Lorenza Mediciho a postáv florentskej kultúry zoskupených okolo neho znamenala pre školu veľa.
Michelangelo už v pätnástich rokoch zjavne natoľko vynikal svojim talentom, že si ho Lorenzo vzal pod svoju špeciálnu ochranu.
Keď ho usadil vo svojom paláci, uviedol ho do svojho kruhu, medzi ktorým vynikal vedúci novoplatónskej školy, filozof Marsilio Ficino a básnik Angelo Poliziano.
úľavy. Možno je to výsledok vplyvu Bertolda, ktorý sa cítil viac doma v reliéfe ako v okrúhlej soche, a zároveň pocta tradícii: pre 15. storočie bol reliéf jednou z najdôležitejších častí sochárstva. O jednom z týchto reliéfov – o „bitke Kentaurov“ – môžeme s istotou povedať, že ide o príklad „najčistejšej“ sochy, akú kedy poznalo 15. storočie, také bohaté na pamiatky výtvarného umenia. Námet pre toto dielo navrhol sochárovi básnik Angelo Poliziano; Ako primárny zdroj vo výtvarnom umení vedci označujú Bertoldovu „bitku“ vo Florentskom národnom múzeu a reliéfne kompozície starovekých sarkofágov. Michelangelova „Bitka Kentaurov“ v podstate ohlásila novú éru renesančného umenia a pre dejiny sochárstva bola predzvesťou skutočnej revolúcie. Zvláštny význam„Bitky Kentaurov“ spočívajú aj v tom, že tento reliéf už obsahuje jedinečný program pre budúcu Michelangelovu prácu. Nielenže vyjadrovala vedúcu tému jeho umenia – tému boja a hrdinský čin, - tu sa už do značnej miery určil typ a výzor jeho hrdinov, uviedli do života nové prostriedky sochárskeho jazyka.
Pokiaľ ide o prvé z týchto dvoch diel, „Madona zo schodiska“ (Florencia, Casa Buonarroti), Michelangelo má v ňom blízko k sochám 15. storočia, až na samotnú techniku nízkeho, mimoriadne jemne nuansovaného reliéfu, ktorý si vyžaduje majstra k majstrovskému zvládnutiu priestorových plánov vo veľmi miernom prevýšení plastických hmôt nad rovinu pozadia.
Význam prvých dvoch diel Michelangela treba posúdiť aj v
ako dôležitý medzník vo vývoji renesančného umenia vo všeobecnosti, najmä pri formovaní princípov vrcholného renesančného umenia.
Michelangelo nestihol dokončiť svoju prácu na „Bitke kentaurov“, keď smrť Lorenza Mediciho znamenala začiatok rozhodujúcich zmien nielen v osude mladého majstra, ktorý bol teraz ponechaný sám na seba.
Štyri roky, ktoré delili Michelangelov odchod zo záhrad Medici od jeho prvej cesty do Ríma, boli obdobím jeho ďalšieho duchovného rastu.
Ale rozvoj jeho talentu nebol taký rýchly, ako by mohol byť
by sa dalo očakávať po prvých Michelangelových experimentoch v sochárstve. bohužiaľ,
informácie o dielach týchto rokov sú neúplné, pretože väčšina z nich, a tie najzaujímavejšie, sa nezachovala. Medzi nimi je socha Herkula, už
v 16. storočí sa dostal do Francúzska a bol inštalovaný pred zámkom Fontainebleau.
„Giovannino“ (socha mladého Jána Krstiteľa) aj „Spiaci“ zmizli
Cupid“, ktorého získanie rímskym kardinálom Riario bolo dôvodom
za Michelangelov odchod do Ríma v roku 1496.

DRUHÉ OBDOBIE: OD RÍMSKEHO „LAMATION“ K „MATÚŠOVI“
Počnúc rokom 1496 sa začalo prvé rímske obdobie nová etapa v dielach Michelangela.
Snáď pre nikoho Rím neznamenal toľko ako pre Michelangela, mierka tvorivá predstavivosť v ktorom som našiel majestátne pamiatky Večné mesto inšpiratívny príklad. Michelangelova vášeň pre antické sochárstvo bola taká veľká, že spočiatku zakrývala jeho výrazný osobný odtlačok v jeho dielach. Príkladom toho je socha Bakcha vytvorená v rokoch 1496-1497 (Florencia, Národné múzeum).
Skutočný Michelangelo začína v Ríme jeho prvým hlavným mestom
dielo, ktoré oslavovalo meno majstra v celom Taliansku - z „Nárek
Krista“ („Pieta“) v Katedrále sv. Petra. Táto skupina vznikla v rokoch 1497-1501;
niektorí vedci spájajú tému a myšlienku tohto diela s tragickou smrťou Savonarolu, ktorá na Michelangela hlboko zapôsobila.
V princípe Michelangelov Plač v katedrále
St. Peter, jedno z charakteristických diel prvej, „klasickej“ fázy vrcholnej renesancie, zaberá v renesančnom sochárstve približne rovnaké miesto ako Leonardova madona v jaskyni, dokončená v rokoch 1490 až 1494, v maliarstve. Obidve tieto diela sú svojim účelom podobné: obraz od Leonarda aj skupina od Michelangela sú kompozície určené na výzdobu oltára kostola alebo kaplnky. Ako vždy priťahujú pozornosť typické Michelangelove odchýlky od tradičnej interpretácie témy a odvážne porušovanie ikonografických kánonov. Neobvyklý motív talianskeho renesančného sochárstva - obraz Matky Božej s telom mŕtveho Krista na kolenách - pochádza z príkladov severoeurópskeho sochárstva 14. storočia. Michelangelova Pieta je prvým detailným programovým dielom vrcholnej renesancie v sochárstve, ktoré predstavuje skutočne nové slovo v obsahu svojich obrazov aj v ich plastickom stvárnení. Tu cítiť prepojenie s obrazmi Leonarda, no aj tak sa Michelangelo vydal vlastnou cestou. Na rozdiel od pokoja uzavretého a ideálneho, Michelangelo svojou povahou dramatického talentu inklinoval k živému vyjadreniu pocitov.
Je pravda, že príklad harmonickej rovnováhy Leonardových obrazov bol očividne taký neodolateľný, že v rímskej „Piete“ Michelangelo dal pre seba nezvyčajne zdržanlivé riešenie. To mu však nezabránilo urobiť tu dôležitý krok vpred. Na rozdiel od Leonarda, vo vzhľade ktorého postáv možno vidieť črty určitého všeobecného ideálneho typu, Michelangelo vnáša do svojich obrazov odtieň špecifickej individualizácie, takže jeho hrdinovia so všetkou ideálnou výškou a mierkou svojich obrazov získavajú osobitosť. odtlačok jedinečného, takmer osobného charakteru.
"Pieta" patrí k najdokončenejším dielam Michelangela - je nielen dokončená do všetkých najmenších detailov, ale aj úplne vyleštená. Išlo však o tradičnú techniku, od ktorej sa Michelangelo v tomto prípade ešte nerozhodol odísť. Rímska Pieta urobila z Michelangela prvého talianskeho sochára. Nielenže mu priniesla slávu - pomohla mu skutočne oceniť jeho tvorivé sily, ktorého rast bol taký rýchly, že táto práca sa preňho veľmi skoro ukázala ako prekonaná etapa, na to potreboval iba dôvod;
Takýto dôvod sa našiel, keď sa v roku 1501 po Michelangelovom návrate z Ríma do Florencie naňho obrátili oficiálni predstavitelia cechových kruhov so žiadosťou o možnosť použitia obrovského mramorového bloku, ktorý neúspešne začal sochár Agostino di Duccio. .
Bez ohľadu na to, ako znetvorený bol tento mramorový blok, Michelangelo v ňom okamžite videl svojho „Dávida“. Napriek nezvyčajným rozmerom sochy (asi päť a pol metra) a veľmi veľkým kompozičným ťažkostiam spojeným s potrebou vtesnať postavu do krajne nevyhovujúcich rozmerov mramorového bloku, práce prebehli bez meškania a niečo cez dva rokov neskôr, v roku 1504, bola dokončená.
Michelangelo, už v počiatočnej fáze vrcholnej renesancie, vo svojom „Dávidovi“ uvádza príklad zlúčenia do neoddeliteľného celku vzhľadu ideálnej krásy a ľudského charakteru, v ktorom je hlavnou vecou nezvyčajne jasné stelesnenie odvahy. a sústredená vôľa. Socha vyjadruje nielen pripravenosť na krutý a nebezpečný boj, ale aj neotrasiteľnú dôveru vo víťazstvo.
Miesto, ktoré obsadil Michelangelov „Dávid“ v sochárstve, malo byť obsadené v maľbe jeho „Bitkou pri Cascine“, na ktorej pracoval v rokoch 1504-1506. Už samotná mierka tejto freskovej kompozície predurčila, ak by sa tento zámer zrealizoval, k vytvoreniu vynikajúceho obrazu monumentálnej nástennej maľby. Bohužiaľ, Michelangelo, rovnako ako jeho rival Leonardo, ktorý v tom čase pracoval na „bitke o Anghiari“, neprekročil rámec kartónu.
Vasari svedčí o tom, ako vyzeral kartón, a poznamenáva, že postavy v ňom boli vyhotovené „rôznym spôsobom: jedna obkreslená dreveným uhlím, druhá nakreslená ťahmi a druhá tieňovaná a zvýraznená bielou – a tak chcel [Michelangelo] ukázať všetko. že mohol v tomto umení.“
V roku 1505 Michelangela povolal Július II. do Ríma, kde navrhol pápežskú hrobku. Po tom, čo pápež stratil záujem o tento plán, Michelangelo, neschopný zniesť urážlivé zaobchádzanie, v apríli 1506 dobrovoľne opustil Rím a vrátil sa do Florencie, kde zostal až do začiatku novembra tohto roku.
Michelangelo začal plniť veľmi veľké poverenie, ktoré tu dostal už v roku 1503, keď sa zaviazal popraviť dvanásť veľkých sôch apoštolov pre florentskú katedrálu. Ale neskôr, bez toho, aby mal čas dokončiť prácu na prvej zo sôch - „Matúš“, bol Michelangelo nútený uzavrieť zmier s pápežom. Nasledovali práce v Bologni na bronzovej soche Júlia II. a potom odchod do Ríma, v dôsledku čoho sa už neobnovili práce na sochách apoštolov pre Florentskú katedrálu.
Keď hovoríme o „Matthew“, ktorý nebol dokončený ani z polovice, môžeme povedať, že diváka zaujme nejakou novou, zúrivou drámou. Ak v „Dávidovi“ bola dramatická intenzita obrazu odôvodnená zápletkou - mobilizáciou všetkých hrdinových síl do smrteľnej bitky, potom v „Matúšovi“ ide o myšlienku vnútorného tragického konfliktu. Prvýkrát v renesančnom umení majster zobrazuje hrdinu, ktorého duchovné impulzy unikajú moci ľudskej vôle.

TRETIE OBDOBIE: SISTÍNSKY PLAFÓN
Úloha, ktorú musel Michelangelo vyriešiť pri maľovaní Sixtínskeho stropu, bola veľmi náročná. Jednak to bola nástropná maľba a tu bola skúsenosť renesančných majstrov menšia ako pri bežnej nástennej maľbe. Strop Sixtínskej kaplnky spolu s priľahlými lunetami má okolo šesťsto metrov štvorcových! Samotný vývoj všeobecného kompozičného návrhu pre obraz predstavoval veľmi zložitý problém.
Tu bola jednoduchá riedka kompozícia s niekoľkými izolovanými postavami (ako bolo predtým zvykom) nahradená maľbou, ktorá bola svojou výstavbou veľmi zložitá, pozostávajúca z mnohých epizód a jednotlivých obrazov, napr. obrovské množstvo postavy. Michelangelo vyriešil problém, ktorý mu bol kladený, plne vyzbrojený ovládaním základov všetkých výtvarných umení. V tomto jeho prvom veľkom obraze sa po prvý raz v podstate odhalil jeho talent architekta. Keďže odmietnutie prvej verzie obrazu znamenalo aj odmietnutie podriadenosti architektonickým formám Sixtínskej kaplnky - predĺženej miestnosti s
klenutý strop pre maľbu nevýhodných proporcií, Michelangelo si mal pomocou maľby vytvoriť vlastný architektonický základ pre svoj obraz, ktorému bola pridelená hlavná organizačná funkcia. Táto architektúra rozdeľuje maľbu na samostatné časti, z ktorých každá má nezávislú úplnosť a v interakcii s ostatnými časťami tvorí celok, ktorý je vzácny vo svojej jasnej štruktúre a logike. Michelangelo využíval prostriedky planimetrického delenia maľby aj prostriedky plastickej expresivity, najmä rôzne stupne reliéfu či hĺbky konkrétneho obrazu.
V maľbe Sixtínskeho stropu nachádzame živý prejav „etického maximalizmu“, ktorý je typický pre Michelangela. Majster, naplnený vysokým humanistickým pátosom, je najmenej naklonený robiť akékoľvek vonkajšie kompromisy s oficiálnou cirkevnosťou.
IN blízky vzťah S vývojom ideových a obsahových princípov maľby došlo aj k vývoju jej vizuálneho jazyka. Je známe, že kompozičnú štruktúru hlavných scén - „príbehov“ - nenašiel umelec okamžite, ale v procese samotnej práce. Po včasnom dokončení prvých troch scén - „Opitosť Noema“, „Potopa“ a „Obeť Noeho“ – Michelangelo rozobral lešenie, čo mu umožnilo skontrolovať podmienky pre vnímanie fresiek divákom. Zároveň nadobudol presvedčenie, že pre figúry zvolil nedostatočne veľkú mierku a v „Potope“ a „Obete Noeho“ presýtil kompozície figúrami – vzhľadom na vysokú výšku klenby to znehodnotilo ich viditeľnosť. V ďalších epizódach sa tejto nevýhode vyhol zväčšením postáv a znížením ich počtu, ako aj zavedením dôležitých zmien v štýlových technikách maľby.
Sixtínsky strop sa stal komplexným stelesnením vrcholnej renesancie - jej harmonický začiatok a jej konflikty, ideálne ľudské typy a splynutie s týmto ideálnym základom svetlé postavy. V ďalších dielach bude musieť Michelangelo sledovať proces neustáleho nárastu rozporov doby, uvedomenie si neuskutočniteľnosti renesančných ideálov a následne ich tragický kolaps.

ŠTVRTÁ OBDOBIA: HROB JÚLIA II
Miesto, ktoré na Michelangelovom obraze zaujímala maľba stropu Sixtínskej kaplnky, by v jeho soche mohla zaberať hrobka Júliusa II. Avšak, množstvo rôznych okolností bol dôvod, že tento pamätník nebol zrealizovaný v pôvodnom pláne. Mnoho desaťročí prác na náhrobnom kameni viedlo k vytvoreniu niekoľkých v podstate heterogénnych sochárskych cyklov, ktoré majú v mnohých ohľadoch nezávislú hodnotu.
Pôvodný plán z roku 1505 sa vyznačoval takým nadmerným množstvom sochárskej práce, že sa len ťažko dal zrealizovať. Michelangelo ho koncipoval ako dvojposchodové mauzóleum vyzdobené sochami a reliéfmi a všetky práce mal v úmysle vykonávať vlastnými rukami. Následne sa však rozhodol zredukovať počet sôch a zmenšiť veľkosť hrobky, čo bolo nevyhnutné opatrenie.
V roku 1513, po dokončení maľby Sixtínskeho stropu, Michelangelo začal pracovať na sochách druhej verzie hrobky - sochách „Väzňov“.

Tieto diela spolu s „Mojžišom“ z rokov 1515-1516 predstavujú novú dôležitú etapu v Michelangelovom diele. RENESANCIA. Obdobie vrcholnej renesancie. Obdobie renesancie malo pre svet veľký význam. Bolo to obdobie vojen a ekonomického oslabenia, no napriek tomu bola tvorivá tvorba neúnavnou potrebou vtedajších ľudí. Umelecký život zažil vzostup kresby, rytiny, sochárstva a všetkých jeho ďalších prejavov. Obdobie vrcholnej renesancie predstavuje vrchol renesancie Bolo to krátke obdobie, ktoré trvalo asi 30 rokov, no čo do množstva a kvality bolo toto obdobie ako storočia.

Umenie vrcholnej renesancie je zhrnutím výdobytkov 15. storočia, no zároveň ide o nový kvalitatívny skok v teórii umenia aj v jeho realizácii. Mimoriadnu hustotu tohto obdobia možno vysvetliť tým, že počet brilantných umelcov pracujúcich súčasne v jednom historickom období je akýmsi rekordom aj pre celú históriu umenia. Stačí uviesť mená ako Leonardo da Vinci, Raphael a Michelangelo.

Práve o tom druhom bude dnešný príbeh. ÚVOD O mnohých majstroch možno povedať, že ich práca predstavovala éru. Tieto slová, ktoré sú už dlho bežné, keď sa hovorí Michelangelovi, nadobúdajú skutočný plnosť svojho významu. Okrem toho, že Michelangelova tvorivá cesta sa vyznačovala mimoriadnou chronologickou dĺžkou, je dôležité, že úplne pokrýva dve z nich. najdôležitejšie etapy vo vývoji talianskej renesancie: obdobie vrcholnej renesancie a obdobie neskorej renesancie.

Michelangelova aktivita sa ukázala byť rovnako veľkolepá v rozsahu a plodná vo výsledkoch v troch hlavných typoch plastického umenia: sochárstvo, maľba a architektúra. Počas celej svojej tvorivej kariéry zostal Michelangelo jasným reformátorom a zakladateľom avantgardného umenia renesancie, to všetko vytvára osobitý znak svetovej umeleckej kultúry, čím sa Michelangelo odlišuje aj od mnohých iných veľkých majstrov, na ktorých bolo Taliansko také bohaté. éra najvyššieho rozkvetu svojho umenia. Toto zvláštne postavenie Michelangela v umení svojej doby je mimoriadne zreteľne vnímané v tých dvoch hlavných centrách Talianska, ktoré boli arénou jeho pôsobenia, vo Florencii a Ríme. V každom z týchto miest, v ktorých veľké množstvo nádherných pamiatok vytvorilo akýsi integrálny umelecký organizmus, vyvolávajú Michelangelove hlavné výtvory pocit nespornej dominancie. Michelangelo je vo svetle svojho tragického osudu podobný svojim hrdinom a nie bezdôvodne pritiahol jeho život pozornosť spisovateľov a básnikov.

Nebol učebnicovým ideálom.

Hoci sa vo svojom umení objavuje ako tvorca obrazov monolitickej celistvosti, ako človek sa môže zdať plný slabostí a rozporov. Akcie poznačené mimoriadnou odvahou vystriedajú záchvaty slabosti. Najvyššie tvorivé vzostupy striedajú obdobia neistoty a pochybností, s nespočetnými prestávkami v práci na dielach oveľa skromnejšieho rozsahu.

Nevyčerpateľná sila, neporovnateľná tvorivá energia a toľko nedokončených diel etické a občianske ideály neboli pre Michelangela niečím vonkajším a prechodným. Michelangelove obrazy predstavujú stelesnenie učenia talianskych humanistov o dokonalom človeku, ktorý v sebe spája fyzickú krásu a silu ducha, viac než diela ktoréhokoľvek iného umelca nesú vizuálne vyjadrenie takej dôležitej kvality tohto ideálu, ako je pojem virtu.

Tento koncept pôsobí ako zosobnenie aktívneho princípu v človeku, cieľavedomosti jeho vôle, schopnosti realizovať svoje vznešené myšlienky napriek všetkým prekážkam. Preto Michelangelo, na rozdiel od iných majstrov, zobrazuje svojich hrdinov v rozhodujúcom okamihu ich života, rovnako nadaný vo všetkých oblastiach výtvarného umenia, Michelangelo bol stále predovšetkým sochár, ako to sám opakovane zdôrazňoval. Okrem toho, že sochárstvo, ako žiadny iný typ výtvarného umenia, otvára priaznivé možnosti pri tvorbe monumentálnych hrdinských obrazov, vyžaduje si obzvlášť vysoký stupeň umeleckého zovšeobecnenia, vďaka čomu v ňom nachádza mimoriadne živý výraz tvorivý vôľový princíp.

PRVÉ OBDOBIE MLÁDEŽSKÉ ROKY Vráťme sa k etapám pokrývajúcim Michelangelovu mladosť, od začiatku 90. rokov 14. storočia až po jeho prvú cestu do Ríma v roku 1496. Prvé roky formovania matseru pre neho prešli v celkom priaznivých podmienkach.

Po tom, čo sa Michelangelo ako trinásťročný chlapec vydal na dráhu umelca a bol poslaný študovať ku Ghirlandaiovi, o rok neskôr prešiel na umeleckú školu v záhradách Medici vo florentskom kláštore San Marco. Akadémia v záhradách Medici bola školou pre viac ako vysokej úrovni. Nespájalo sa s vykonávaním úradných a súkromných zákaziek, bolo zbavené špecifického dielenského prostredia. Duch remeselnej dielne tu ustúpil voľnejšej a umeleckej atmosfére.

Vedenie dielne skúseným sochárom Bertoldom di Giovannim sa postaralo o to, aby študenti získali nielen hlboké odborné znalosti, ale aj vnímali najlepšie tradície florentského sochárstva 15. storočia. Napokon, pozornosť Lorenza de Medici a okolo neho zoskupené postavy florentskej kultúry znamenali pre školu veľa Už ako pätnásťročný Michelangelo zjavne natoľko vynikal svojím talentom, že si ho Lorenzo vzal pod svoju osobitnú ochranu.

Keď ho usadil vo svojom paláci, uviedol ho do svojho kruhu, medzi ktorým vynikal vedúci novoplatónskej školy, filozof Marsilio Ficino a básnik Angelo Poliziano. Obidve prvé sochárske diela Michelangela, ktoré sa k nám dostali, sú reliéfy Možno je to výsledkom vplyvu Bertolda, ktorý sa cítil silnejší v reliéfe ako v okrúhlej soche, a zároveň poctou tradícii. 15. storočia bol reliéf jednou z najdôležitejších častí sochárstva. O jednom z týchto reliéfov o bitke Kentaurov možno s istotou povedať, že ide o príklad najčistejšej sochy, akú kedy 15. storočie, také bohaté na pamiatky plastického umenia, poznalo.

Námet pre toto dielo navrhol sochárovi básnik Angelo Poliziano. Výskumníci nazývajú bitku pri Bertolde vo Florentskom národnom múzeu a reliéfne kompozície starovekých sarkofágov ako primárne zdroje vo výtvarnom umení. Michelangelova Bitka Kentaurov v podstate odštartovala novú éru renesančného umenia a pre dejiny sochárstva bola predzvesťou skutočnej revolúcie.

Mimoriadny význam Bitky kentaurov spočíva aj v tom, že tento reliéf už obsahuje jedinečný program pre budúcu Michelangelovu tvorbu, nielenže vyjadril vedúcu tému jeho umenia, tému boja a hrdinského činu, ale aj určil do značnej miery ožíva typ a vzhľad jeho hrdinov, nové prostriedky sochárskeho jazyka.

Pokiaľ ide o prvé z týchto dvoch diel Madony na florentskom schodisku, Casa Buonarroti, Michelangelo má v ňom blízko k sochám z 15. storočia, až na samotnú techniku nízkeho, mimoriadne jemne nuansovaného reliéfu, ktorý si od majstra vyžaduje majstrovské zvládnutie priestorových plánov vo veľmi miernom prevýšení plastických hmôt nad podkladovou rovinou. Význam prvých dvoch diel Michelangela treba oceniť aj ako dôležitý medzník vo vývoji renesančného umenia vo všeobecnosti, a najmä vo formovaní princípov vrcholného renesančného umenia.

Michelangelo nestihol dokončiť prácu o bitke Kentaurov, keď smrť Lorenza de' Medici znamenala začiatok rozhodujúcich zmien nielen v osude mladého majstra, ktorý bol teraz ponechaný sám na seba. Štyri roky, ktoré delili Michelangelov odchod z Medicejských záhrad od jeho prvej cesty do Ríma, boli obdobím jeho ďalšieho duchovného rastu, no rozvoj jeho talentu nebol taký rýchly, ako by sa dalo očakávať po prvých Michelangelových sochárskych experimentoch.

Žiaľ, informácie o dielach týchto rokov sú neúplné, takže väčšina z nich, dokonca ani tie najzaujímavejšie, sa nezachovala. Patrí medzi ne aj socha Herkula, ktorá sa do Francúzska dostala už v 16. storočí a bola inštalovaná pred zámkom Fontainebleau Giovanninova socha mladého Jána Krstiteľa a Spiaceho Amora, ktorej nadobudnutím bol rímsky kardinál Riario. zmizol aj dôvod Michelangelovho odchodu do Ríma v roku 1496. DRUHÉ OBDOBIE OD RÍMSKYCH POŠTOV PO MAŤÁŠA Prvé rímske obdobie, ktoré sa začalo v roku 1496, otvorilo novú etapu v diele Michelangela.

Azda pre nikoho Rím neznamenal toľko ako pre Michelangela, ktorého miera tvorivej fantázie našla inšpiratívny príklad v majestátnych pamiatkach Večného mesta, bola taká veľká, že spočiatku jeho dielo výrazne zatienila osobný odtlačok, ktorý je s ním spojený. Príkladom toho je socha Baccha vo Florencii, vytvorená v rokoch 1496-1497, Národné múzeum.

Skutočný Michelangelo začína v Ríme svojim prvým veľkým dielom, ktoré preslávilo meno majstra po celom Taliansku, Oplakaním Krista Pieta v Katedrále sv. Petra. Táto skupina bola vytvorená v rokoch 1497-1501 Niektorí vedci spájajú tému a myšlienku tohto diela s tragickou smrťou Savonarola, ktorá na Michelangela hlboko zapôsobila. Peter, jedno z charakteristických diel prvej, klasickej fázy vrcholnej renesancie, zaberá v renesančnom sochárstve približne rovnaké miesto ako Leonardova Madona v jaskyni, dokončená v rokoch 1490 až 1494, obsadená v maliarstve.

Obe tieto diela sú si svojím určením podobné a Leonardov obraz a Michelangelova skupina sú kompozíciami určenými na výzdobu oltára kostola alebo kaplnky, ako vždy upútajú typické Michelangelove odchýlky od tradičnej interpretácie témy, odvážne porušovanie ikonografických kánonov. pozornosť.

Neobvyklý motív pre talianske renesančné sochárstvo, obraz Matky Božej s telom mŕtveho Krista na kolenách, pochádza z príkladov severoeurópskeho sochárstva 14. storočia. Michelangelova Pieta je prvá rozšírená v sochárstve programová práca Vrcholná renesancia, ktorá predstavuje skutočne nové slovo ako v obsahu svojich obrazov, tak aj v ich plastickom stvárnení Tu je cítiť prepojenie s obrazmi Leonarda, no aj tak sa Michelangelo vydal vlastnou cestou. Na rozdiel od pokoja uzavretých a ideálnych obrazov Leonarda Michelangelo svojou povahou dramatického talentu smeroval k živému vyjadreniu pocitov.

Je pravda, že príklad harmonickej rovnováhy Leonardových obrazov bol očividne taký neodolateľný, že v rímskej Piete sa Michelangelo rozhodol pre seba nezvyčajne zdržanlivo, ale to mu nezabránilo urobiť dôležitý krok vpred. Na rozdiel od Leonarda, vo vzhľade ktorého postáv možno vidieť črty určitého všeobecného ideálneho typu, Michelangelo vnáša do svojich obrazov odtieň špecifickej individualizácie, takže jeho hrdinovia so všetkou ideálnou výškou a mierkou svojich obrazov získavajú osobitosť. odtlačok jedinečného, takmer osobného charakteru.

Pieta patrí k najdokončenejším dielam Michelangela, je nielen dokončená vo všetkých najmenších detailoch, ale aj úplne vyleštená. Išlo však o tradičnú techniku, od ktorej sa Michelangelo v tomto prípade ešte nerozhodol odísť.

Rímska Pieta urobila z Michelangela prvého talianskeho sochára. Nielenže mu priniesla slávu, ale pomohla mu skutočne oceniť jeho tvorivé schopnosti, ktorých rast bol taký rýchly, že táto práca sa pre neho veľmi skoro ukázala ako prekonaná etapa objavil, keď sa v roku 1501 po Michelangelovom návrate z Ríma do Florencie naňho obrátili oficiálni predstavitelia cechových kruhov so žiadosťou o možnosť použitia obrovského mramorového bloku, ktorý neúspešne začal sochár Agostino di Duccio. Bez ohľadu na to, ako znetvorený bol tento mramorový blok, Michelangelo v ňom okamžite videl svojho Dávida.

Napriek nezvyčajným rozmerom sochy, okolo päť a pol metra, a veľmi veľkým kompozičným ťažkostiam spojeným s potrebou vtesnať postavu do krajne nevyhovujúcich rozmerov mramorového bloku, práce prebehli bez meškania a po niečo vyše dvoch rokov, v roku 1504, bola dokončená samotná myšlienka Michelangela stelesnil v kolosálnej soche presne obraz Dávida, čo podľa všeobecne uznávanej tradície dokazuje. slávnych diel Donatello a Verrocchio boli stvárnení v maske krehkého chlapca, čo je v tomto prípade vnímané nielen ako porušenie niektorých kanonických pravidiel, ale ako majster získavajúci úplnú tvorivú slobodu pri interpretácii motívov zasvätených stáročnými tradíciami.

Michelangelo, už v počiatočnej fáze vrcholnej renesancie, vo svojom Dávidovi uvádza príklad splynutia do neoddeliteľného celku vzhľadu ideálnej krásy a ľudského charakteru, v ktorom hlavnou vecou je nezvyčajne jasné stelesnenie odvahy a sústredenosti. bude. Socha vyjadruje nielen pripravenosť na krutý a nebezpečný boj, ale aj neotrasiteľnú dôveru vo víťazstvo.

Miesto, ktoré v sochárstve zaujal Michelangelov Dávid, mala v maliarstve zaujať jeho bitka pri Cascine, na ktorej pracoval v rokoch 1504-1506, už samotný rozsah tejto freskovej kompozície predurčoval, ak by sa tento plán zrealizoval, k vytvoreniu výnimočnosti obraz monumentálnej nástennej maľby.

Žiaľ, Michelangelo, podobne ako jeho rival Leonardo, ktorý v tom čase pracoval na bitke pri Anghiari, nezašiel ďalej, ako kartón Vasari svedčí o tom, ako kartón samotný vyzeral, pričom poznamenal, že postavy v ňom boli popravené rôznymi spôsobmi. jeden načrtnutý uhľom, druhý nakreslený ťahmi a druhý vytieňovaný a zvýraznený bielou farbou, takže Michelangelo chcel ukázať všetko, čo v tomto umení vie robiť.

V roku 1505 Michelangela povolal Július II. do Ríma, kde navrhol pápežskú hrobku. Po tom, čo pápež stratil záujem o tento plán, Michelangelo, neschopný zniesť urážlivé zaobchádzanie, v apríli 1506 dobrovoľne opustil Rím a vrátil sa do Florencie, kde zostal až do začiatku novembra tohto roku. Michelangelo začal plniť veľmi veľké poverenie, ktoré tu dostal už v roku 1503, keď sa zaviazal popraviť dvanásť veľkých sôch apoštolov pre florentskú katedrálu.

Ale neskôr, keď nemal čas dokončiť prácu na prvej zo sôch - Matúš, bol Michelangelo nútený uzavrieť zmier s pápežom. Nasledovali práce v Bologni na bronzovej soche Júlia II. a potom odchod do Ríma, v dôsledku čoho sa už neobnovili práce na sochách apoštolov pre Florentskú katedrálu. Matej púta pozornosť už svojou mierkou S výškou 2,62 m výrazne prevyšuje životnú veľkosť, tento bežný štandard renesančných sôch. Táto mierka v kombinácii s veľkou plasticitou foriem charakteristickou pre Michelangela dáva Matúšovi veľmi veľkú monumentálnu expresivitu.

Ale hlavné je v nej nové chápanie obrazu a s tým spojené črty nového plastického jazyka, čo nám umožňuje považovať túto sochu za obrovský krok vpred v porovnaní s rímskou Pietou a Dávidom. Keď hovoríme z ešte ani nie z polovice dokončeného Matthewa, môžeme povedať, že diváka zaujme nejakou novou zúrivou drámou Ak u Davida bola dramatická intenzita obrazu odôvodnená dejovou mobilizáciou všetkých hrdinových síl do smrteľného boja, potom v Matúšovi ide o vnútorný tragický konflikt.

Prvýkrát v renesančnom umení majster zobrazuje hrdinu, ktorého duchovné impulzy unikajú moci ľudskej vôle. SISTÍNSKY PLAFÓN TRETÉHO OBDOBIA Úloha, ktorú musel Michelangelo vyriešiť pri maľovaní Sixtínskeho stropu, bola veľmi ťažká. Jednak to bola nástropná maľba, a tu bola skúsenosť renesančných majstrov menšia ako pri bežnej nástennej maľbe.

Strop Sixtínskej kaplnky spolu s priľahlými lunetami má okolo šesťsto metrov štvorcových Už vývoj celkového kompozičného riešenia maľby predstavoval veľmi zložitý problém. Tu jednoduchú riedku kompozíciu s niekoľkými izolovanými postavami, ako bolo predtým zvykom, nahradila maľba, ktorá bola svojou konštrukciou veľmi zložitá, pozostávajúca z mnohých epizód a jednotlivých obrazov, vrátane obrovského množstva postáv, ktoré Michelangelo vyriešil k nemu plne vyzbrojený ovládaním základov všetkých výtvarných umení.

V tomto jeho prvom významnom maliarskom diele sa v podstate po prvý raz prejavil jeho talent architekta, keďže odmietnutie prvej verzie maľby znamenalo aj odmietnutie podriadenia dĺžky miestnosti s klenutým stropom architektonickým formám. Sixtínskej kaplnky, ktorá mala na maľbu nepriaznivé proporcie, musel Michelangelo pomocou maľby vytvoriť vlastný architektonický základ pre váš obraz, ktorému je zverená hlavná organizačná funkcia.

Táto architektúra rozdeľuje maľbu na samostatné časti, z ktorých každá má nezávislú úplnosť a v interakcii s ostatnými časťami tvorí celok, ktorý je vzácny vo svojej jasnej štruktúre a logike. Michelangelo využíval prostriedky planimetrického delenia maľby aj prostriedky plastickej expresivity, najmä rôzne stupne reliéfu či hĺbky konkrétneho obrazu.

V maľbe Sixtínskeho stropu nachádzame živý prejav etického maximalizmu charakteristické pre Michelangela. Majster, naplnený vysokým humanistickým pátosom, je najmenej naklonený robiť akékoľvek vonkajšie kompromisy s oficiálnou cirkevnosťou. V úzkom súvise s vývojom ideových a obsahových princípov maľby bol vývoj jej vizuálneho jazyka. Je známe, že kompozičnú štruktúru hlavných scén príbehov nenašiel umelec hneď, ale až v procese práce. sám.

Po dokončení prvých troch scén Noemova opitosti, potopy a obety Noema Michelangelo rozobral lešenie, čo mu umožnilo otestovať podmienky na vnímanie fresiek divákom. Zároveň nadobudol presvedčenie, že pre figúry zvolil nedostatočne veľkú mierku a v Potope a v Obete Noeho presýtil kompozície figúrami, pri vysokej výške klenby to zhoršovalo ich viditeľnosť In v nasledujúcich epizódach sa vyhol podobnému nedostatku zväčšením postáv a znížením ich počtu, ako aj zavedením dôležitých zmien do štylistických techník maľby.

Sixtínsky strop sa stal komplexným stelesnením vrcholnej renesancie - jej harmonického začiatku a jej konfliktov, ideálnych ľudských typov a jasných charakterov splývajúcich s týmto ideálnym základom. V ďalších dielach bude Michelangelo musieť sledovať proces neustáleho nárastu protikladov času, uvedomovanie si neuskutočniteľnosti renesančných ideálov a následne ich tragické zrútenie HROBKA JÚLIA II výmaľbou stropu Sixtínskej kaplnky, v jeho plastike by mohla zaberať hrobka Júliusa II. Množstvo rôznych okolností však spôsobilo, že sa táto pamiatka nezrealizovala v pôvodnom pláne.

Dlhé desaťročia prác na náhrobnom kameni viedli k vytvoreniu niekoľkých v podstate heterogénnych sochárskych cyklov, ktoré majú do značnej miery samostatnú hodnotu. Pôvodný plán z roku 1505 sa vyznačoval takým nadmerným množstvom sochárskych diel, že sa dal len ťažko zrealizovať. .

Michelangelo ho koncipoval ako dvojposchodové mauzóleum vyzdobené sochami a reliéfmi a všetky práce mal v úmysle vykonávať vlastnými rukami. Následne sa však rozhodol zredukovať počet sôch a zmenšiť veľkosť hrobky, čo bolo nevyhnutné opatrenie. V roku 1513 po dokončení maľby Sixtínskeho stropu začal Michelangelo pracovať na sochách druhej verzie hrobky. - sochy väzňov.

Tieto diela, spolu s Mojžišom z rokov 1515-1516, znamenajú novú dôležitú etapu v Michelangelovom diele.

Čo urobíme s prijatým materiálom:

Ak bol tento materiál pre vás užitočný, môžete si ho uložiť na svoju stránku v sociálnych sieťach:

RENESANCIA. Obdobie vrcholnej renesancie.

Obdobie renesancie malo veľký význam pre svetovú umeleckú kultúru Bolo to obdobie vojen a hospodárskeho oslabenia, no napriek tomu bola tvorivá tvorba neúnavnou potrebou vtedajších ľudí. Umelecký život zažil rozmach kresby, rytiny, sochárstva a všetkých ostatných prejavov.

Obdobie vrcholnej renesancie predstavuje vrchol renesancie. Bolo to krátke obdobie, ktoré trvalo asi 30 rokov, no čo do množstva a kvality bolo toto obdobie ako storočia. Umenie vrcholnej renesancie je zhrnutím výdobytkov 15. storočia, no zároveň ide o nový kvalitatívny skok v teórii umenia aj v jeho realizácii. Mimoriadnu „hustotu“ tohto obdobia možno vysvetliť tým, že počet brilantných umelcov pracujúcich súčasne (v jednom historickom období) je akýmsi rekordom aj pre celé dejiny umenia. Stačí vymenovať také mená ako Leonardo da Vinci, Raphael a Michelangelo. Práve o tom druhom bude dnešný príbeh.

ÚVOD

O mnohých majstroch možno povedať, že ich práca predstavovala éru. Tieto slová, ktoré sa už dávno stali bežnými, keď ich vyslovíme s Michelangelom, nadobúdajú skutočnú plnosť svojho významu. Okrem toho, že Michelangelova tvorivá cesta sa vyznačovala mimoriadnou chronologickou dĺžkou, je dôležité, že v plnej miere pokrývala dve dôležité etapy vo vývoji talianskej renesancie: obdobie vrcholnej renesancie a obdobie neskorej renesancie.

Michelangelova aktivita sa ukázala byť rovnako veľkolepá v rozsahu a plodná vo výsledkoch v troch hlavných typoch plastického umenia - sochárstve, maľbe a architektúre. Počas svojej tvorivej kariéry zostal Michelangelo jasným reformátorom a zakladateľom avantgardného umenia renesancie. To všetko vytvára osobitnú stopu vo svetovej umeleckej kultúre a odlišuje Michelangela aj medzi mnohými ďalšími veľkými majstrami, s ktorými bolo Taliansko tak bohaté v ére najvyššieho rozkvetu svojho umenia.

Toto zvláštne postavenie Michelangela v umení svojej doby je vnímané s mimoriadnou hmatateľnosťou v dvoch hlavných centrách Talianska, ktoré boli arénou jeho pôsobenia – vo Florencii a Ríme. V každom z týchto miest, v ktorých sa obrovské množstvo nádherných pamiatok vyvinulo do určitého druhu integrálneho umeleckého organizmu, vyvolávajú Michelangelove hlavné výtvory pocit nespornej dominancie.

Michelangelo je vo svetle svojho tragického osudu podobný svojim hrdinom a nie bezdôvodne pritiahol jeho život pozornosť spisovateľov a básnikov. Nebol učebnicovým ideálom Vystupovať vo svojom umení ako tvorca obrazov monolitickej celistvosti, ako človek sa môže zdať plný slabostí a protirečení. Činy poznačené mimoriadnou odvahou sú nahradené útokmi slabosti. Najvyššie tvorivé vzostupy sa striedajú s obdobiami neistoty a pochybností, s nespočetnými prestávkami v práci na dielach oveľa skromnejšieho rozsahu. Nevyčerpateľná sila, tvorivá energia, ktorá nemá obdoby – a toľko nedokončenej práce.

Etické a občianske ideály neboli pre Michelangela niečím vonkajším a prechodným – boli akoby súčasťou jeho duše. Predstavujúc stelesnenie talianskeho učenia humanistického dokonalého človeka, ktorý spája fyzickú krásu a silu ducha, Michelangelove obrazy, viac než diela ktoréhokoľvek iného umelca, nesú vizuálne vyjadrenie takej dôležitej kvality tohto ideálu, akým je pojem virtu. Toto

pojem pôsobí ako zosobnenie aktívneho princípu v človeku, cieľavedomosti jeho vôle, schopnosti realizovať svoje vznešené myšlienky napriek všetkým prekážkam. Preto Michelangelo na rozdiel od iných majstrov zobrazuje svojich hrdinov v rozhodujúcom okamihu ich života.

Michelangelo, rovnako nadaný vo všetkých oblastiach výtvarného umenia, bol stále predovšetkým sochár, ako sám opakovane zdôrazňoval. Okrem toho, že sochárstvo, ako žiadny iný druh výtvarného umenia, otvára priaznivé možnosti pre tvorbu monumentálnych hrdinských obrazov, vyžaduje si obzvlášť vysoký stupeň umeleckého zovšeobecnenia, vďaka ktorému má tvorivý vôľový princíp mimoriadne živý výraz v to.

PRVÉ OBDOBIE: MLÁDEŽ ROKOV

Vráťme sa k jednej z etáp o Michelangelovej mladosti – od začiatku 90. rokov 14. storočia až po jeho prvú cestu do Ríma v roku 1496.

Prvé roky formovania matseru prešli za celkom priaznivých podmienok. Po tom, čo sa Michelangelo ako trinásťročný chlapec vydal na dráhu umelca a vyučil sa na Ghirlandaio, o rok neskôr prešiel na umeleckú školu v Medicejských záhradách vo Florencii.

kláštor San Marco. „Akadémia“ v záhradách Medici bola škola vyššej úrovne. Nespájalo sa s vykonávaním úradných a súkromných objednávok, bolo zbavené špecifického dielenského prostredia. Duch remeselnej dielne tu ustúpil voľnejšej a umeleckejšej atmosfére Vedenie dielne skúseným sochárom Bertoldom di Giovannim sa postaralo o to, aby študenti získali nielen hlboké odborné znalosti, ale aj vnímanie najlepších tradícií Florencie. sochárstvo z 15. storočia. Napokon, pozornosť od Lorenza Mediciho a postáv florentskej kultúry, ktoré sa okolo neho zoskupili, znamenala pre školu veľa.

Michelangelo už v pätnástich rokoch taký zjavne bol

vynikal svojím talentom, že ho Lorenzo vzal pod svoju špeciálnu ochranu

vláda Keď ho usadil vo svojom paláci, uviedol ho do svojho kruhu, medzi ktorým vynikal vedúci novoplatónskej školy, filozof Marsilio Ficino a básnik Angelo Poliziano.

Obidve prvé Michelangelove sochárske diela, ktoré sa k nám dostali, sú

úľavy. Možno je to výsledok vplyvu Bertolda, silnejších pocitov

zobrazoval sa skôr v reliéfe ako v okrúhlej soche a zároveň ako pocta

tradície: pre 15. storočie bol reliéf jedným z najdôležitejších úsekov sochárstva. O jednom z týchto reliéfov - o „bitke Kentaurov“ - môžeme s istotou povedať, že ide o príklad „najčistejšej“ sochy, akú pozná len 15. storočie, také bohaté na pamiatky výtvarného umenia. Námet pre toto dielo navrhol sochárovi básnik Angelo Poliziano; Ako primárny zdroj vo výtvarnom umení vedci uvádzajú Bertoldovu „Bitku“ vo Florentskom národnom múzeu a reliéfne kompozície starovekých sarkofágov Michelangelovu „Bitku Kentaurov“ v podstate otvorili novú éru v renesančnom umení a pre dejiny sochárstva to bola. predzvesť skutočnej revolúcie. Mimoriadny význam „Bitky Kentaurov“ spočíva aj v tom, že tento reliéf už obsahuje jedinečný program pre budúcu Michelangelovu tvorbu. Nielenže vyjadrovala vedúcu tému jeho umenia – tému boja a hrdinského činu – ale tu sa už do značnej miery určoval typ a výzor jeho hrdinov a ožívali nové prostriedky sochárskeho jazyka.

Pokiaľ ide o prvé z týchto dvoch diel v čase – „Madona na schodisku“ (Florencia, Casa Buonarroti), Michelangelo má štýlovo blízko k sochám 15. storočia, s výnimkou samotnej techniky nízkeho, mimoriadne jemne nuansovaného reliéfu, vyžadujúce od majstra majstrovské zvládnutie priestorových plánov vo veľmi miernom prevýšení plastických hmôt nad rovinu pozadia.

Význam prvých dvoch Michelangelových diel treba oceniť aj v

ako dôležitý medzník vo vývoji renesančného umenia vo všeobecnosti, najmä pri formovaní princípov vrcholného renesančného umenia.

Michelangelo nemal čas dokončiť svoju prácu na „Bitke o Kentaurov“,

ako smrť Lorenza de' Medici znamenala začiatok rozhodujúcich zmien nie

len v osude mladého majstra, ktorý sa odteraz našiel

Štyri roky delili Michelangelov odchod zo záhrad Medici

jeho prvá cesta do Ríma bola obdobím jeho ďalšieho duchovného rastu.

Ale rozvoj jeho talentu nebol taký rýchly, ako by mohol byť

by sa dalo očakávať po prvých Michelangelových experimentoch v sochárstve.

informácie o dielach týchto rokov sú neúplné, takže väčšina z nich, navyše tých najzaujímavejších, sa nezachovala. Medzi nimi je socha Herkula, už

v 16. storočí sa dostal do Francúzska a bol inštalovaný pred zámkom Fontainebleau.

„Giovannino“ (socha mladého Jána Krstiteľa) aj „Spiaci“ zmizli

Cupid“, ktorého získanie rímskym kardinálom Riario bolo dôvodom

za Michelangelov odchod do Ríma v roku 1496.

DRUHÉ OBDOBIE: OD RÍMSKEHO „LAMATION“ K „MATÚŠOVI“

Prvé rímske obdobie, ktoré sa začalo v roku 1496, znamenalo novú etapu

v dielach Michelangela.

Možno Rím pre nikoho neznamenal toľko ako pre Mi-

Kelangelo, ktorého miera tvorivej predstavivosti sa našla vo veľkom

Inšpiratívnym príkladom sú kvalitné pamiatky Večného mesta. Nadšenie

Michelangelo bol taký veľký v starovekom sochárstve, že na začiatku

miestami to v jeho dielach zatienilo výrazný osobný charakter, ktorý je mu vlastný.

ny odtlačok. Príkladom toho je socha Bakcha vytvorená v rokoch 1496-1497

(Florencia, Národné múzeum).

Skutočný Michelangelo začína v Ríme jeho prvým hlavným mestom

diela, ktoré oslavovali meno majstra po celom Taliansku, s „Nárek

Krista“ („Pieta“) v Katedrále sv. Petra. Táto skupina vznikla v rokoch 1497-1501; niektorí vedci spájajú tému a myšlienku tohto diela s tragickou smrťou Savonarolu, ktorá na Michelangela hlboko zapôsobila.

V zásade Michelangelov „Nárek“ v katedrále

St. Peter, jedno z charakteristických diel prvej, „klasickej“ fázy vrcholnej renesancie, zaberá v renesančnom sochárstve približne rovnaké miesto ako Leonardova madona v jaskyni, dokončená v rokoch 1490 až 1494, v maliarstve. Obidve tieto diela sú svojim účelom podobné: obraz od Leonarda aj skupina od Michelangela sú kompozície určené na výzdobu oltára kostola alebo kaplnky. Ako vždy, typické Michelangelove odchýlky od tradičnej interpretácie témy a odvážne porušovanie ikonografických kánonov priťahujú pozornosť. Neobvyklý motív pre talianske renesančné sochárstvo - obraz Matky Božej s telom mŕtveho Krista na kolenách - sa vracia späť. k ukážkam severoeurópskeho sochárstva 14. storočia.

Michelangelova „Pieta“ je prvým detailným a programovým dielom vrcholnej renesancie v sochárstve, ktoré predstavuje skutočne nové slovo v obsahu svojich obrazov aj v ich plastickom stvárnení. Tu cítiť prepojenie s obrazmi Leonarda, no aj tak sa Michelangelo vydal vlastnou cestou. Na rozdiel od pokoja uzavretých a ideálnych obrazov Leonarda Michelangelo svojou povahou dramatického talentu smeroval k živému vyjadreniu pocitov.

Je pravda, že existoval príklad harmonickej rovnováhy Leonardových obrazov,

zrejme taký neodolateľný, že v rímskej Pietà Michelangelo dal

pre seba nezvyčajne zdržanlivé rozhodnutie. To mu však neprekážalo

Toto je dôležitý krok vpred. Na rozdiel od Leonarda, v osobnosti-

ktorého tlak prezrádza črty istého všeobecného ideálneho typu, Michelangelo vnáša do svojich obrazov odtieň špecifickej individualizácie, takže jeho hrdinovia so všetkou ideálnou výškou a mierkou svojich obrazov získavajú osobitý odtlačok jedinečného, takmer osobného charakteru.

"Pieta" patrí k najdokončenejším dielam Michelangela - it

nielen dokončený do všetkých jeho najmenších detailov, ale aj úplne brilantný

leštené. Išlo však o tradičnú techniku, od ktorej sa Michelangelo v tomto prípade ešte nerozhodol odísť.

Rímska Pieta urobila z Michelangela prvého talianskeho sochára. Ona nie

priniesla mu iba slávu - pomohla mu skutočne oceniť jeho

tvorivé sily, ktorých rast bol taký rýchly, že táto práca sa preňho veľmi skoro ukázala ako prekonaná etapa, potreboval na to len dôvod;

Takýto dôvod sa našiel, keď v roku 1501 po návrate Michelangela

z Ríma do Florencie sa naňho obrátili oficiálni predstavitelia cechových kruhov so žiadosťou o možnosť využitia obrovského mramorového bloku, ktorý neúspešne postavil sochár Agostino di Duccio. Bez ohľadu na to, ako bol tento mramorový blok zmrzačený, Michelangelo v ňom okamžite videl svojho „Dávida“. Napriek nezvyčajným rozmerom sochy (asi päť a pol metra) a veľmi veľkým kompozičným ťažkostiam spojeným s potrebou vtesnať postavu do krajne nevyhovujúcich rozmerov mramorového bloku, práce prebehli bez meškania a niečo cez dva rokov neskôr, v roku 1504, bola dokončená.

Samotná myšlienka Michelangela stelesniť obraz v kolosálnej soche

Dávid, ktorý podľa všeobecne uznávanej tradície (o čom svedčí

slávne diela Donatella a Verrocchia) zobrazený ako krehký chlapec, je v tomto prípade vnímaný nielen ako porušenie niektorých kánonických pravidiel, ale ako majster, ktorý získava úplnú tvorivú slobodu pri interpretácii motívov zasvätených stáročnými tradíciami.

Michelangelo už v počiatočnej fáze vrcholnej renesancie vo svojom „Dávidovi“ uvádza príklad splynutia neoddeliteľného celku vzhľadu ideálnej krásy a ľudského charakteru, v ktorom hlavnou vecou je nezvyčajne jasné stelesnenie odvahy a sústredenej vôle. Socha vyjadruje nielen pripravenosť na krutý a nebezpečný boj, ale aj neotrasiteľnú dôveru vo víťazstvo

Miesto, ktoré Michelangelov „Dávid“ zaujímal v sochárstve, malo byť obsadené v maľbe jeho „Bitkou pri Cascine“, na ktorej pracoval v rokoch 1504-1506. Už samotná mierka tejto freskovej kompozície predurčila, ak by sa tento zámer zrealizoval, k vytvoreniu vynikajúceho obrazu monumentálnej nástennej maľby. Bohužiaľ, Michelangelo, rovnako ako jeho rival Leonardo, ktorý v tom čase pracoval na „bitke o Anghiari“, nezašiel ďalej ako na kartón.

Vasari svedčí o tom, ako vyzeral samotný kartón, a poznamenáva, že postavy v ňom boli vyhotovené „rôznym spôsobom: jedna obkreslená dreveným uhlím, druhá nakreslená ťahmi a druhá tieňovaná a zvýraznená bielou – tak chcel [Michelangelo] ukázať všetko. čo mohol robiť v tomto umení“

V roku 1505 bol Michelangelo povolaný Júliom II. do Ríma, kde vytvoril návrh pápežskej hrobky po tom, čo pápež stratil záujem o tento plán, Michelangelo, ktorý nemohol zniesť urážlivé zaobchádzanie, v apríli 1506 dobrovoľne opustil Rím a vrátil sa do Florencie. , kde zotrval do začiatku novembra tohto roku . Michelangelo začal realizovať veľmi veľkú zákazku, ktorú tu dostal už v roku 1503, keď sa zaviazal vytvoriť dvanásť veľkých sôch apoštolov pre florentskú katedrálu. Ale neskôr, keď nemal čas dokončiť prácu na prvej zo sôch - „Matúš“, bol Michelangelo nútený uzavrieť zmier s pápežom. Potom nasledovala práca v Bologni na bronzovej soche Júlia II. a potom odchod do Ríma , v dôsledku čoho sa už neobnovili práce na sochách apoštolov pre Florentskú katedrálu.

„Matthew“ priťahuje pozornosť svojou čírou mierkou. Výška

(2,62 m) výrazne prevyšuje veľkosť života – to je zaužívaný štandard

Renesančné sochy. Táto mierka v kombinácii s veľkými plastickými formami charakteristickými pre Michelangela dáva „Matúšovi“ veľmi veľkú monumentálnu expresivitu. Hlavnou vecou je však nové chápanie obrazu a s ním spojené črty nového plastového jazyka, ktorý nám umožňuje považovať túto sochu za obrovský krok vpred v porovnaní s rímskymi „Pieta“ a „David“.

Keď hovoríme o „Matthew“, ktorý nebol dokončený ani z polovice, môžeme povedať, že diváka zaujme nejakou novou, zúrivou drámou. Ak v „Dávidovi“ bola dramatická intenzita obrazu odôvodnená zápletkou - mobilizáciou všetkých hrdinových síl do smrteľnej bitky, potom v „Matúšovi“ ide o myšlienku vnútorného tragického konfliktu. Prvýkrát v renesančnom umení majster zobrazuje hrdinu, ktorého duchovné impulzy unikajú moci ľudskej vôle.

TRETIE OBDOBIE: SISTÍNSKY PLAFÓN

Úloha, ktorú musel Michelangelo vyriešiť pri maľovaní Sixtínskeho stropu, bola veľmi náročná. Jednak to bola nástropná maľba a tu bola skúsenosť renesančných majstrov menšia ako pri bežnej nástennej maľbe. Strop Sixtínskej kaplnky má spolu s priľahlými lunetami asi šesťsto metrov štvorcových! Samotný vývoj všeobecného kompozičného návrhu pre obraz predstavoval veľmi zložitý problém.

Tu bola jednoduchá riedka kompozícia s niekoľkými izolovanými figúrami (ako bolo zvykom predtým) nahradená veľmi zložitou kompozíciou.

maľba, pozostávajúca z mnohých epizód a jednotlivých obrazov, vrátane

očakáva obrovské množstvo čísel. Michelangelo vyriešil problém, ktorý mu bol kladený, plne vyzbrojený ovládaním základov všetkých výtvarných umení. V tomto jeho prvom veľkom obraze sa po prvý raz v podstate odhalil jeho talent architekta. Pretože zlyhanie

z prvej verzie maľby znamenalo aj odmietnutie podriadenia architektonického

prehliadkové formy Sixtínskej kaplnky - podlhovastá miestnosť s

klenutý strop nepriaznivých proporcií pre maľbu, v rozsahu

Michelangelo musel pre svoj obraz tvoriť pomocou maľby

vlastný architektonický základ, ktorému je zverená hlavná organizačná funkcia. Táto architektúra rozdeľuje maľbu na samostatné časti, z ktorých každá má nezávislú úplnosť a v interakcii s ostatnými časťami tvorí celok, ktorý je vzácny vo svojej jasnej štruktúre a logike. Michelangelo využíval prostriedky planimetrického členenia maľby aj prostriedky plastickej expresivity, najmä rôzne stupne reliéfu či hĺbky konkrétneho obrazu.

V maľbe Sixtínskeho stropu nachádzame živý prejav

„etický maximalizmus“ charakteristický pre Michelangela Majster je naplnený vysokým humanistickým pátosom najmenej naklonený robiť akékoľvek vonkajšie kompromisy s oficiálnou cirkevnosťou.

S vývojom ideových a obsahových princípov maľby úzko súvisel aj vývoj jej výtvarného jazyka. Je známe, že kompozičnú štruktúru hlavných scén - „príbehov“ - nenašiel umelec okamžite, ale v procese samotnej práce. Po včasnom dokončení prvých troch scén - „Intoxikácia Noema“, „Potopa“ a „Obeť Noeho“ – Michelangelo rozobral lešenie, čo mu umožnilo skontrolovať podmienky pre vnímanie fresiek divákom. Zároveň nadobudol presvedčenie, že pre figúry zvolil nedostatočne veľkú mierku a v „Potope“ a „Obete Noeho“ kompozície presýtil figúrami – vzhľadom na vysokú výšku klenby sa to ešte zhoršilo. ich viditeľnosť. V nasledujúcich epizódach sa takejto nevýhode vyhol zväčšením postáv a znížením ich počtu, ako aj zavedením dôležitých zmien v štýlových technikách maľby.

ŠTVRTÁ OBDOBIA: HROB JÚLIA II

Miesto, ktoré na Michelangelovom obraze zaujímala maľba stropu Sixtínskej kaplnky, by v jeho soche mohla zaberať hrobka Júliusa II. Viacero rôznych okolností však bolo príčinou, že sa tento pamätník nerealizoval v pôvodnom pláne Dlhé desaťročia prác na náhrobnom kameni viedli k vytvoreniu niekoľkých v podstate heterogénnych sochárskych cyklov, ktoré majú do značnej miery nezávislú hodnotu.

Pôvodný plán z roku 1505 sa vyznačoval takým nadmerným množstvom sochárskej práce, že sa len ťažko dal zrealizovať. Michelangelo ho koncipoval ako dvojposchodové mauzóleum vyzdobené sochami a reliéfmi a všetky práce mal v úmysle vykonávať vlastnými rukami. Následne sa však rozhodli zredukovať počet sôch a zmenšiť veľkosť hrobky, čo bolo vynútené opatrenie.

V roku 1513, po dokončení maľby Sixtínskeho stropu, Michelangelo začal pracovať na sochách druhej verzie hrobky - sochách „Väzňov“. Tieto diela spolu s „Mojžišom“ z rokov 1515-1516 predstavujú novú dôležitú etapu v Michelangelovom diele.

Taliansko výrazne prispelo k formovaniu západnej civilizácie. Stovky rokov bolo centrom rozsiahlej Rímskej ríše. Pápežský región vznikol v Ríme už v 8. storočí a neskôr sa mesto stalo svetovým centrom rímskokatolíckej cirkvi. S príchodom renesancie sa skončilo obdobie osvietenstva stredoveku Taliani výrazne prispeli k intelektuálnemu a umeleckému rozvoju západného sveta. Taliansko si stále zachováva väčšina jeho ušľachtilá minulosť v mestách, múzeách a ruinách priťahuje zahraničných turistov viac ako ktorákoľvek iná krajina na svete.

Renesancia v talianskej kultúre

Taliani, zruční a plodní v kultúrnych oblastiach ako literatúra, hudba, architektúra a sochárstvo, sú tvorcami svetových majstrovských diel. Vo všeobecnosti ide o cestu vývoja od obdobia protorenesancie až po vrcholnú renesanciu.

Skutočný kultúrny rozvoj začala hlavne v Taliansku počas renesancie, ktorá iniciovala všeobecnú revolúciu v rôznych kultúrnych sférach po celom svete. Vplyv renesancie v Európe je výrazne cítiť aj na talianskom polostrove. V dôsledku toho toto obdobie zaznamenalo niekoľko radikálnych zmien, ktoré ovplyvnili predstavivosť, kreativitu a inteligenciu človeka vo všeobecnosti. Táto drastická, ale zjavná transformácia bola priamo absorbovaná obyvateľstvom a bola stelesnená v nasledujúcich dielach.

Talianska renesancia sa delí na niekoľko etáp: Ducento, Quattrocento a Cinquecento, z ktorých každá má svoje vlastné storočie a má špeciálne kultúrne črty.

Maľovanie

Výtvarné umenie v Taliansku existuje od staroveku až po súčasnosť. V starovekom Ríme bolo Taliansko centrom umenia a architektúry. V období gotiky a stredoveku bolo veľa talentovaných talianskych umelcov. Obdobie rozkvetu prišlo v období renesancie. Neskoršie štýly v Taliansku zahŕňali trendy ako napr Manierizmus, baroko, rokoko. Futurizmus sa v krajine začala rozvíjať v 20. storočí. Florencia je známe mesto v Taliansku vďaka svojim umeleckým múzeám.

Tvorba Michelangelo, Leonardo da Vinci, Raphael a mnoho ďalších slávnych talianskych umelcov a sochárov - národná hrdosť a neoceniteľný prínos k svetovej kultúry. Turisti môžu dodnes obdivovať stropné maľby Sixtínska kaplnka vo Vatikáne,

portrét svetoznámeho Mona Lisa(alebo Mona Lisa) v parížskom Louvri

"Mona Lisa" od Leonarda da Vinciho

A « Sixtínska Madonna» , vystavený v Nemecku v Galérii starých majstrov.

"Sixtínska Madonna" Raphael

Architektúra

Prvoradý význam architektúry mal náboženskú konotáciu. Prvá architektúra pochádza z éry Staroveký Rím, ktorý sa vyznačoval grandióznymi a monumentálnymi stavbami. Dnes sú staroveké ruiny živou pripomienkou pre Talianov a turistov bývalej veľkej ríše: sú to chrámy postavené na počesť starovekých bohov a panteón,

A Koloseum.

V 11. storočí V architektúre sa objavilo románske hnutie, ktorého stavby boli v silnom kontraste s ich slávnostným vzhľadom k skutočne pochmúrnej dobe. Románsky štýl bol nahradený gotikou: Kostol San Petronio

Kostol San Petronio bol založený v roku 1390.

A San Francesco,

„San Francesco“ je hlavným chrámom františkánskeho rádu

Dóžov palác v Benátkach

"Dóžov palác! - pozoruhodný príklad gotickej architektúry."

A Palazzo VecchiO.

Koniec 14. storočia poznačená renesanciou, kedy sa všetky verejné a obytné budovy začali stavať svetským spôsobom. Vyznačujú sa eleganciou a krásou s určitými prvkami antiky. Toto obdobie zahŕňa : Sixtínska kaplnka v Ríme,

Palazzo Pitti vo Florencii

"Palazzo Pitti" sa nachádza na námestí s rovnakým názvom vo Florencii

A Kostol Madonna da Carignano v Janove.

Sochárstvo

Uznávaný ako otec sochárskej školy Taliansky majster Niccolo Pisano. Vytvoril obrovský základ pre ďalší rozvoj tento typ kultúry. Jeho učenie, ktoré existovalo do polovice 14. storočia, sa rýchlo rozšírilo po celej krajine. Jedným z najvýraznejších diel Pisana je Šesťhranná mramorová kazateľnica v Pise.

Literatúra

Nová výrazná forma básnického štýlu tzv "Sonet", predstavil slávny taliansky básnik Petrarcha(komédia „Filológia“), ktorú neskôr prevzal Shakespeare.

Filozof a spisovateľ Niccolo Maiavelli vo svojom literárnom diele „Sovereign“ navrhol pokročilé metódy riadenia krajiny. Jeho tvorba sa výrazne zmenila Politické názory vládol v tom období.

Veda a technika

Medzitým bol pokrok vo vede a technike v tomto období v plnom prúde renesancie. Obrovský príspevok prispel v oblasti astronómie Galileo Galilei.

Slávny fyzik Fermi študoval kvantová teória, zatiaľ čo Volt bol zaneprázdnený problémami súvisiacimi s elektrickou batériou. Matematik Lagrange a nositeľ Nobelovej ceny Marconi (vynájdené rádio) významne prispeli k kultúrny rozvoj Taliansko.

Hudba

Hudba je už tradične jedným z najväčších ukazovateľov toho, čo „taliančina“ skutočne znamená a zastáva dôležité postavenie v spoločnosti a dokonca aj v politike. Talianska hudba má širokú škálu štýlov: od jej slávnej opery po súčasnú experimentálnu a klasickú hudbu,

od tradičných melódií z etnicky rôznorodých regiónov až po široký výber domácej a zahraničnej populárnej hudby. Celá infraštruktúra, ktorá podporuje hudbu ako profesiu, je dnes v Taliansku veľmi rozsiahla: konzervatóriá, opery, rozhlasové a televízne stanice, nahrávacie štúdiá, hudobné festivaly a dôležité centrá muzikologického výskumu. Hudobný život v Taliansku zostáva mimoriadne aktívny. Miláno je domovom svetoznámych operný dom"La Scala", ktorá je uznávaná ako svetové srdce opernej kultúry.

Opera La Scala

Taliansko je katolícka krajina

92 % Talianov vyznáva katolicizmus. Cirkev má pre krajinu veľký význam: nielen náboženský, ale aj politický, keďže má oficiálny štatút samostatnej jednotky. Štát a cirkev upravujú vzťahy medzi sebou na základe zákona „Nového konkordátu“, vydaného v roku 1984.

Okrem toho taliansky štát rozdeľuje náboženstvo na „katolícke“ a „nekatolícke“. Do druhej skupiny patria protestantské, židovské a moslimské komunity. Majú rovnaké práva ako katolíci.

Národný jazyk

Národným jazykom Talianska je „taliančina“

Úradný jazyk - taliančina, ktorým hovorí 93 % populácie. 50 % ovláda aj regionálne nárečia ako svoj materinský jazyk. Mnohé z nich nie sú čitateľné a lingvisti ich uznávajú ako samostatné jazyky. Oficiálny štatút však nikdy nedostali. Napríklad v severovýchodnom Taliansku asi 600 000 ľudí hovorí po Friuli.

Rodinné hodnoty

Rodina pre Talianov má prvoradý význam: je centrom sociálnej štruktúry a má stabilizujúci vplyv na jej členov. Taliani zvyčajne nemajú viac ako 1-2 deti a sú viac než pokojní na svoje žarty. Talianski muži majú veľmi odolné rodinné spojenie s matkou aj po dosiahnutí zrelý vek. Preto obraz, keď 30-ročný talianskyžije so svojou matkou, sa javí ako stabilné pravidlo. Pravda Taliani- to sú ešte herečky. Vždy „vedú show“, ale predstierajú, že majiteľ domu je muž.