Lukisan karya seniman Jepang tentang binatang. Motif dasar lukisan Jepang

Lukisan monokrom Jepang merupakan salah satu fenomena unik seni rupa Timur. Banyak penelitian dan penelitian telah dilakukan untuk hal ini, namun sering kali dianggap sebagai hal yang sangat konvensional, dan terkadang bahkan dekoratif. Tidak demikian halnya. Dunia spiritual seniman Jepang sangat kaya, dan dia tidak terlalu peduli pada komponen estetika melainkan pada komponen spiritual.

Seni Timur merupakan sintesis eksternal dan internal, eksplisit dan implisit.

Pada postingan kali ini saya ingin memperhatikan bukan pada sejarah lukisan monokrom, melainkan esensinya. Inilah yang akan kita bicarakan.

layar "Pines" Hasegawa Tohaku, 1593

Apa yang kita lihat dalam lukisan monokrom adalah hasil interaksi seniman dengan tiga serangkai dasar: kertas, kuas, tinta. Oleh karena itu, untuk memahami karya tersebut dengan benar, Anda perlu memahami seniman itu sendiri dan sikapnya.

"Pemandangan" Sesshu, 1398 Kertas bagi seorang master Jepang itu tidak mudah materi improvisasi , yang dia tundukkan pada keinginannya, tetapi sebaliknya - ini adalah "saudara laki-laki", dan oleh karena itu sikap terhadapnya telah berkembang sesuai dengan itu. Kertas adalah bagian dari alam sekitar, yang selalu diperlakukan dengan hormat oleh orang Jepang dan berusaha untuk tidak ditundukkan, tetapi untuk hidup berdampingan secara damai dengannya. Kertas dahulunya adalah sebuah pohon yang berdiri di suatu daerah tertentu, waktu tertentu , “melihat” sesuatu di sekelilingnya, dan dia menyimpan semuanya. Beginilah cara seniman Jepang memandang materinya. Seringkali, sebelum mulai bekerja, pengrajin mencari waktu yang lama batu tulis kosong

(mereka merenungkannya) dan baru kemudian mulai melukis. Bahkan sekarang, seniman modern Jepang yang mempraktikkan teknik Nihon-ga (lukisan tradisional Jepang) dengan cermat memilih kertas. Mereka membelinya berdasarkan pesanan dari pabrik kertas. Setiap seniman memiliki ketebalan, permeabilitas kelembaban, dan tekstur tertentu (bahkan banyak seniman yang membuat perjanjian dengan pemilik pabrik untuk tidak menjual kertas ini kepada seniman lain) - oleh karena itu, setiap lukisan dianggap sebagai sesuatu yang unik dan hidup.

"Membaca di hutan bambu" Xubun, 1446 Berbicara tentang pentingnya materi ini, perlu disebutkan hal-hal berikut ini Sastra Jepang seperti “Notes at the Bedside” oleh Sei Shonagon dan “Genji Monogotari” oleh Murasaki Shikibu: baik dalam “Notes” maupun “Genji” Anda dapat menemukan plot ketika para bangsawan atau kekasih bertukar pesan. Kertas tempat pesan-pesan ini ditulis memiliki waktu, warna, dan cara penulisan teks yang sesuai dengan teksturnya.

"Murasaki Shikibu di Kuil Ishiyama" Kyosen

Sikat- komponen kedua merupakan kelanjutan dari tangan sang master (sekali lagi, ini bahan alami). Oleh karena itu, kuas juga dibuat sesuai pesanan, tetapi paling sering oleh senimannya sendiri. Dia memilih rambut dengan panjang yang dibutuhkan, memilih ukuran kuas dan pegangan yang paling nyaman. Sang master melukis hanya dengan kuasnya sendiri dan tidak dengan kuas lain. (Dari pengalaman pribadi: Saya berada di kelas master oleh seniman Tiongkok Jiang Shilun, penonton meminta untuk menunjukkan apa yang dapat dilakukan oleh siswanya yang hadir di kelas master, dan masing-masing dari mereka, mengambil kuas sang master, mengatakan bahwa hasilnya tidak seperti yang mereka harapkan, karena kuasnya bukan milik mereka, mereka tidak terbiasa dan tidak tahu cara menggunakannya dengan benar).

Sketsa tinta "Fuji" oleh Katsushika Hokusai

Maskara- elemen penting ketiga. Maskara terjadi jenis yang berbeda: dapat memberikan efek glossy atau matte setelah dikeringkan, mungkin dengan campuran warna silver atau oker, sehingga pemilihan maskara yang tepat juga penting.

Yamamoto Baitsu, akhir abad 18 - 19.

Subyek utama lukisan monokrom adalah pemandangan alam. Mengapa tidak ada warna di dalamnya?

Layar berpasangan "Pines", Hasegawa Tohaku

Pertama, seniman Jepang tidak tertarik pada objek itu sendiri, tetapi pada esensinya, pada komponen tertentu yang umum bagi semua makhluk hidup dan mengarah pada keselarasan antara manusia dan alam. Oleh karena itu, gambaran selalu merupakan petunjuk; itu ditujukan kepada indra kita, dan bukan kepada penglihatan. Pernyataan yang meremehkan adalah stimulus untuk dialog, dan karena itu koneksi. Garis dan titik penting dalam sebuah gambar - garis dan titik membentuk bahasa artistik. Ini bukan kebebasan sang master, yang meninggalkan tanda tebal di tempat yang diinginkannya, tetapi di tempat lain, sebaliknya, di bawah gambar - segala sesuatu dalam gambar memiliki arti dan makna tersendiri, dan tidak acak.

Kedua, warna selalu membawa semacam konotasi emosional dan dirasakan secara berbeda oleh orang yang berbeda di negara bagian yang berbeda, oleh karena itu netralitas emosional memungkinkan pemirsa untuk masuk ke dalam dialog dengan cara yang paling memadai, memposisikannya dalam persepsi, kontemplasi, dan pemikiran.

Ketiga, interaksi yin dan yang; setiap lukisan monokrom adalah harmonis dalam hal perbandingan tinta dengan area kertas yang tidak tersentuh.

Mengapa sebagian besar ruang kertas tidak terpakai?

"Lanskap" Xubun, pertengahan abad ke-15.

Pertama, ruang kosong membuat pemirsa tenggelam dalam gambar; kedua, gambaran itu tercipta seolah-olah melayang ke permukaan sejenak dan akan menghilang - ini terkait dengan pandangan dunia dan pandangan dunia; ketiga, di area di mana tidak ada tinta, tekstur dan warna kertas lebih menonjol (hal ini tidak selalu terlihat dalam reproduksi, tetapi kenyataannya selalu merupakan interaksi dua bahan - kertas dan tinta).

Sesshu, 1446

Mengapa lanskap?

"Perenungan Air Terjun" Gayami, 1478

Menurut pandangan dunia orang Jepang, alam lebih sempurna dari manusia, sehingga ia harus belajar darinya, melindunginya dengan segala cara, dan tidak merusak atau menundukkannya.

Oleh karena itu, di banyak lanskap Anda dapat melihat gambar-gambar kecil orang, tetapi gambar-gambar itu selalu tidak berarti, kecil dibandingkan dengan lanskap itu sendiri, atau gambar gubuk yang sesuai dengan ruang di sekitarnya dan bahkan tidak selalu terlihat - ini semua adalah simbol dari sebuah pandangan dunia.

"Musim: Musim Gugur dan Musim Dingin" Sesshu. "Pemandangan" Sesshu, 1481

Sebagai kesimpulan, saya ingin mengatakan bahwa lukisan monokrom Jepang bukanlah tinta yang berceceran sembarangan, ini bukan keinginan ego batin sang seniman - ini adalah keseluruhan sistem gambar dan simbol, ini adalah gudang pemikiran filosofis, dan yang paling penting, cara komunikasi dan harmonisasi diri sendiri dan dunia sekitar.

Di sinilah, menurut saya, adalah jawaban atas pertanyaan-pertanyaan pokok yang muncul pada diri penonton ketika dihadapkan pada lukisan monokrom Jepang. Saya harap mereka akan membantu Anda memahaminya dengan paling benar dan memahaminya saat Anda bertemu.

2702

01.02.18 09:02

Seni dan desain hari ini adegan seni Jepang sangat beragam dan provokatif: melihat karya para master dari Negeri Matahari Terbit, Anda akan memutuskan bahwa Anda telah tiba di planet lain! Rumah bagi para inovator yang telah mengubah lanskap industri dalam skala global. Kami menyajikan kepada Anda daftar 10 modern Artis Jepang

dan kreasi mereka - mulai dari makhluk luar biasa Takashi Murakami (yang merayakan ulang tahunnya hari ini) hingga alam semesta Kusama yang penuh warna.

Dari dunia futuristik hingga rasi bintang bertitik: seniman kontemporer Jepang

Takashi Murakami: tradisionalis dan klasik Mari kita mulai dengan pahlawan acara ini! Takashi Murakami adalah salah satu seniman kontemporer paling ikonik di Jepang, yang mengerjakan lukisan, patung berskala besar, dan pakaian fesyen. Gaya Murakami dipengaruhi oleh manga dan anime. Dia adalah pendiri gerakan Superflat, mendukung tradisi seni Jepang dan negara. Murakami mempromosikan banyak rekan sezamannya, dan kita juga akan bertemu beberapa dari mereka hari ini. Karya “subkultural” Takashi Murakami dihadirkan di pasar seni fashion dan seni. My Lonesome Cowboy (1998) yang provokatif miliknya dijual di New York di Sotheby's pada tahun 2008 dengan rekor $15,2 juta. Murakami berkolaborasi dengan dunia merek terkenal Marc Jacobs, Louis Vuitton dan Issey Miyake.

Diam-diam Ashima dan alam semesta surealisnya

Sebagai anggota perusahaan produksi seni Kaikai Kiki dan gerakan Superflat (keduanya didirikan oleh Takashi Murakami), Chicho Ashima terkenal dengan pemandangan kota yang fantastis dan makhluk pop yang aneh. Sang seniman menciptakan mimpi nyata yang dihuni oleh setan, hantu, wanita cantik muda, yang digambarkan dengan latar belakang alam yang aneh. Karya-karyanya biasanya berskala besar dan dicetak di atas kertas, kulit, dan plastik. Pada tahun 2006, seniman kontemporer Jepang ini berpartisipasi dalam Art on the Underground di London. Dia menciptakan 17 lengkungan berturut-turut untuk platform - pemandangan ajaib berangsur-angsur berubah dari siang hari ke malam hari, dari perkotaan ke pedesaan. Keajaiban ini berkembang di stasiun kereta bawah tanah Gloucester Road.

Chiharu Shima dan benang tak berujung

Seniman lainnya, Chiharu Shiota, mengerjakan instalasi visual berskala besar untuk landmark tertentu. Dia lahir di Osaka, tapi sekarang tinggal di Jerman - di Berlin. Tema sentral karyanya adalah pelupaan dan ingatan, mimpi dan kenyataan, masa lalu dan masa kini, serta konfrontasi kecemasan. Yang paling banyak karya terkenal Chiharu Shiota - jaringan benang hitam yang tidak dapat ditembus, menutupi banyak benda rumah tangga dan pribadi - seperti kursi tua, gaun pengantin, piano terbakar. Pada musim panas 2014, Shiota mengikat sepatu dan sepatu bot sumbangan (yang jumlahnya lebih dari 300) dengan untaian benang merah dan menggantungkannya pada pengait. Pameran Chiharu pertama di ibu kota Jerman berlangsung selama Berlin minggu seni pada tahun 2016 dan menimbulkan sensasi.

Hai Arakawa: di mana pun, di mana pun

Hei Arakawa terinspirasi oleh keadaan perubahan, periode ketidakstabilan, elemen risiko, dan instalasinya sering kali melambangkan tema persahabatan dan kerja tim. Kredo seniman kontemporer Jepang ditentukan oleh “di mana saja, tetapi tidak di mana pun” yang performatif dan tidak terbatas. Ciptaannya muncul di tempat yang tak terduga. Pada tahun 2013, karya Arakawa dipamerkan di Venice Biennale dan pameran Jepang seni kontemporer di Museum Seni Mori (Tokyo). Instalasi Hawaiian Presence (2014) merupakan kolaborasi dengan seniman New York Carissa Rodriguez dan diikutsertakan dalam Whitney Biennial. Juga pada tahun 2014, Arakawa dan saudaranya Tomu, tampil sebagai duo bernama United Brothers, menawarkan kepada pengunjung Frieze London “karya” mereka “The This Soup Taste Ambivalent” dengan sayuran akar daikon Fukushima yang “radioaktif”.

Koki Tanaka: Hubungan dan Pengulangan

Pada tahun 2015, Koki Tanaka diakui sebagai “Artist of the Year”. Tanaka mengeksplorasi pengalaman bersama dalam hal kreativitas dan imajinasi, mendorong pertukaran antar peserta proyek, dan mendukung aturan baru dalam kolaborasi. Pemasangannya di paviliun Jepang pada Venice Biennale 2013 terdiri dari video objek yang mengubah ruang menjadi platform pertukaran seni. Instalasi Koki Tanaka (jangan disamakan dengan aktor bernama lengkap) menggambarkan hubungan antara objek dan tindakan, misalnya video berisi rekaman gerak tubuh sederhana yang dilakukan dengan benda biasa (pisau memotong sayuran, bir dituangkan ke dalam gelas , membuka payung). Tidak ada hal penting yang terjadi, kecuali pengulangan dan perhatian yang obsesif hingga detail terkecil membuat pemirsa menghargai hal-hal duniawi.

Mariko Mori dan bentuk ramping

Seniman kontemporer Jepang lainnya, Mariko Mori, “menyulap” objek multimedia, menggabungkan video, foto, dan objek. Dia dicirikan oleh visi futuristik minimalis dan bentuk surealis yang ramping. Tema yang berulang dalam karya Mori adalah penjajaran legenda Barat dengan budaya Barat. Pada tahun 2010, Mariko mendirikan Fau Foundation, sebuah organisasi nirlaba budaya pendidikan, di mana ia menciptakan serangkaian instalasi seni untuk menghormati enam benua yang dihuni. Baru-baru ini, instalasi permanen Yayasan "Cincin: Menyatu dengan Alam" didirikan di atas air terjun yang indah di Resende dekat Rio de Janeiro.

Ryoji Ikeda: sintesis suara dan video

Ryoji Ikeda adalah seniman dan komposer media baru yang karyanya terutama berhubungan dengan suara dalam berbagai keadaan “mentah”, dari gelombang sinus hingga kebisingan menggunakan frekuensi di tepi pendengaran manusia. Instalasi imersifnya mencakup suara yang dihasilkan komputer yang secara visual diubah menjadi proyeksi video atau pola digital. Seni audiovisual Ikeda menggunakan skala, cahaya, bayangan, volume, suara elektronik, dan ritme. Fasilitas pengujian seniman terkenal itu terdiri dari lima proyektor yang menerangi area dengan panjang 28 meter dan lebar 8 meter. Pengaturan ini mengubah data (teks, suara, foto, dan film) menjadi kode batang dan pola biner satu dan nol.

Tatsuo Miyajima dan penghitung LED

Pematung dan seniman instalasi Jepang kontemporer Tatsuo Miyajima menggunakan sirkuit listrik, video, komputer, dan gadget lainnya dalam karya seninya. Konsep inti Miyajima terinspirasi oleh ide-ide humanistik dan ajaran Buddha. Penghitung LED dalam instalasinya berkedip terus menerus dalam pengulangan dari 1 hingga 9, melambangkan perjalanan dari kehidupan menuju kematian, namun menghindari finalitas yang diwakili oleh 0 (nol tidak pernah muncul dalam karya Tatsuo). Angka-angka yang ada di mana-mana dalam kisi-kisi, menara, dan diagram mengungkapkan ketertarikan Miyajima pada gagasan tentang kesinambungan, keabadian, koneksi, dan aliran waktu dan ruang. Baru-baru ini, "Panah Waktu" karya Miyajima dipamerkan di pameran perdana "Pemikiran yang Belum Selesai Terlihat di New York."

Nara Yoshimoto dan anak-anak jahat

Nara Yoshimoto menciptakan lukisan, patung, dan gambar anak-anak dan anjing—subjek yang mencerminkan perasaan bosan dan frustrasi masa kanak-kanak serta kemandirian yang muncul secara alami pada balita. Estetika karya Yoshimoto mengingatkan pada karya tradisional ilustrasi buku, adalah campuran dari ketegangan yang gelisah dan kecintaan artis terhadap punk rock. Pada tahun 2011, Museum Masyarakat Asia di New York menjadi tuan rumah pameran tunggal pertama Yoshimoto, bertajuk “Yoshitomo Nara: Tidak Ada Orang Bodoh,” yang meliput karir seniman kontemporer Jepang selama 20 tahun. Pameran tersebut berkaitan erat dengan subkultur pemuda global dan keterasingan mereka dan protes.

Yayoi Kusama dan ruang angkasa tumbuh menjadi bentuk yang aneh

Luar biasa biografi kreatif Yayoi Kusama berdurasi tujuh dekade. Selama ini, wanita Jepang yang luar biasa ini berhasil menekuni bidang seni lukis, grafis, kolase, patung, sinema, seni ukir, seni lingkungan, instalasi, serta sastra, fesyen, dan desain pakaian. Kusama mengembangkan gaya dot art yang sangat khas yang menjadi ciri khasnya. Penglihatan ilusi yang digambarkan dalam karya Kusama yang berusia 88 tahun—di mana dunia tampak ditutupi dengan bentuk-bentuk yang luas dan aneh—adalah hasil halusinasi yang ia alami sejak masa kanak-kanak. Ruangan dengan titik-titik warna-warni dan cermin “tak terhingga” yang memantulkan kelompoknya dapat dikenali dan tidak dapat disamakan dengan ruangan lain.

Memiliki sejarah yang sangat kaya; tradisinya sangat luas, dan posisi unik Jepang di dunia sangat mempengaruhi gaya dan teknik dominan seniman Jepang. Fakta yang diketahui Terisolasinya Jepang selama berabad-abad bukan hanya disebabkan oleh kondisi geografisnya, namun juga oleh kecenderungan budaya Jepang yang dominan terhadap isolasi yang telah menandai sejarah negara tersebut. Selama berabad-abad yang kita sebut sebagai “peradaban Jepang”, kebudayaan dan seni berkembang secara terpisah dari kebudayaan dan seni di belahan dunia lainnya. Dan ini bahkan terlihat dalam praktik seni lukis Jepang. Misalnya lukisan Nihonga yang merupakan salah satu karya utama latihan seni lukis Jepang. Hal ini didasarkan pada tradisi selama lebih dari seribu tahun, dan lukisan biasanya dibuat dengan kuas pada Vashi (kertas Jepang) atau Egina (sutra).

Namun, seni dan lukisan Jepang telah dipengaruhi oleh praktik seni asing. Pertama, seni Tiongkok pada abad ke-16 dan lukisan Tiongkok dan tradisi Cina seni, yang sangat berpengaruh dalam beberapa aspek. Pada abad ke-17, lukisan Jepang juga terpengaruh tradisi Barat. Secara khusus, pada masa sebelum perang, yang berlangsung dari tahun 1868 hingga 1945, lukisan Jepang dipengaruhi oleh impresionisme dan Romantisme Eropa. Pada saat yang sama, gerakan seni baru Eropa juga sangat dipengaruhi oleh teknik seni Jepang. Dalam sejarah seni, pengaruh ini disebut "Jepangisme", dan ini sangat penting bagi kaum Impresionis, Kubisme, dan seniman yang terkait dengan modernisme.

Sejarah panjang seni lukis Jepang dapat dilihat sebagai sintesis dari beberapa tradisi yang membentuk bagian dari estetika Jepang yang diakui. Pertama-tama, metode seni dan lukisan Buddha, serta lukisan religius, meninggalkan pengaruh signifikan pada estetika Lukisan Jepang; lukisan pemandangan alam dengan tinta air dalam tradisi lukisan sastra Tiongkok adalah elemen penting lainnya yang dikenali dalam banyak lukisan terkenal Jepang; Lukisan binatang dan tumbuhan, terutama burung dan bunga, biasanya diasosiasikan dengan komposisi Jepang, begitu pula pemandangan dan pemandangan dari kehidupan sehari-hari. Terakhir, gagasan kuno tentang keindahan dari filsafat dan budaya mempunyai pengaruh yang besar terhadap seni lukis Jepang Jepang Kuno. Wabi yang berarti keindahan sementara dan kasar, sabi (keindahan patina alami dan penuaan), dan yugen (keanggunan dan kehalusan yang dalam) terus mempengaruhi cita-cita dalam praktik seni lukis Jepang.

Terakhir, jika kita fokus memilih sepuluh mahakarya Jepang paling terkenal, kita harus menyebutkan ukiyo-e, yang merupakan salah satu genre seni terpopuler di Jepang, meskipun termasuk dalam seni grafis. Dia mendominasi seni Jepang dari abad ke-17 hingga ke-19, para seniman yang termasuk dalam genre ini menciptakan ukiran kayu dan lukisan dengan subjek seperti gadis cantik, aktor Kabuki, dan pegulat sumo, serta adegan dari sejarah dan cerita rakyat, pemandangan perjalanan dan lanskap, flora dan fauna dan bahkan erotika.

Selalu sulit untuk membuat daftar lukisan terbaik dari tradisi seni. Banyak karya luar biasa yang akan dikecualikan; namun, daftar ini menampilkan sepuluh lukisan Jepang yang paling dikenal di dunia. Artikel ini hanya akan menyajikan lukisan yang dibuat dari abad ke-19 hingga saat ini.

Lukisan Jepang memiliki sejarah yang sangat kaya. Selama berabad-abad, seniman Jepang telah mengembangkan sejumlah besar teknik dan gaya unik yang merupakan kontribusi Jepang yang paling berharga bagi dunia seni. Salah satu teknik tersebut adalah sumi-e. Sumi-e secara harfiah berarti "gambar tinta" dan menggabungkan kaligrafi dan lukisan tinta untuk menciptakan keindahan komposisi yang digambar dengan kuas. Keindahan ini bersifat paradoks – kuno namun modern, sederhana namun kompleks, berani namun tenang, tidak diragukan lagi mencerminkan dasar spiritual seni dalam Buddhisme Zen. Para pendeta Buddha memperkenalkan balok tinta padat dan kuas bambu ke Jepang dari Tiongkok pada abad keenam, dan selama 14 abad terakhir Jepang telah mengembangkan warisan lukisan tinta yang kaya.

Gulir ke bawah dan lihat 10 Karya Lukisan Jepang

1. Katsushika Hokusai “Impian Istri Nelayan”

Salah satu lukisan Jepang yang paling dikenal adalah “Mimpi Istri Nelayan”. Itu dilukis pada tahun 1814 oleh seniman terkenal Hokusai. Jika Anda mengikuti definisi yang ketat, ini pekerjaan yang luar biasa Hokusai tidak dapat dianggap sebagai lukisan, karena merupakan ukiran kayu bergenre ukiyo-e dari buku Young Pines (Kinoe no Komatsu), yang merupakan buku shunga tiga jilid. Komposisinya menggambarkan seorang penyelam ama muda yang menjalin hubungan seksual dengan sepasang gurita. Gambaran ini sangat berpengaruh pada abad ke-19 dan ke-20. Pekerjaan itu lebih mempengaruhi artis yang terlambat seperti Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopf dan Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka “Abe no Nakamaro menulis puisi nostalgia sambil mengamati bulan”

Tessai Tomioka adalah nama samaran seniman dan kaligrafer terkenal Jepang. Ia dianggap sebagai seniman besar terakhir dalam tradisi bunjing dan salah satu seniman besar pertama gaya Nihonga. Bunjinga adalah aliran seni lukis Jepang yang berkembang pada akhir era Edo di kalangan seniman yang menganggap dirinya sastrawan atau intelektual. Masing-masing seniman ini, termasuk Tessaya, mengembangkan karyanya sendiri gaya sendiri dan teknologi, tapi mereka semua adalah penggemar beratnya seni Cina dan budaya.

3. Fujishima Takeji “Matahari Terbit di Laut Timur”

Fujishima Takeji adalah seorang seniman Jepang yang terkenal karena karyanya mengembangkan Romantisisme dan Impresionisme dalam gerakan seni yoga (gaya Barat) di akhir XIX- awal abad ke-20. Pada tahun 1905, dia melakukan perjalanan ke Perancis, di mana dia dipengaruhi oleh gerakan Perancis pada masa itu, khususnya Impresionisme, seperti yang dapat dilihat dalam lukisannya Sunrise over the Eastern Sea, yang dilukis pada tahun 1932.

4. Kitagawa Utamaro “Sepuluh tipe wajah wanita, kumpulan kecantikan yang berkuasa”

Kitagawa Utamaro adalah seorang seniman terkemuka Jepang yang lahir pada tahun 1753 dan meninggal pada tahun 1806. Dia tentu saja paling dikenal karena serial berjudul "Ten Types wajah perempuan. Kumpulan Keindahan Dominan, Tema Cinta Besar dalam Puisi Klasik" (terkadang disebut "Wanita Jatuh Cinta", berisi ukiran terpisah "Cinta Telanjang" dan "Cinta Bijaksana"). Dia adalah salah satu seniman terpenting dalam genre ukiran kayu ukiyo-e.

5. Kawanabe Kyosai “Harimau”

Kawanabe Kyosai adalah salah satu seniman Jepang paling terkenal pada zaman Edo. Karya seninya dipengaruhi oleh karya Tohaku, seorang pelukis sekolah Kano abad ke-16 yang merupakan satu-satunya seniman pada masanya yang melukis layar seluruhnya dengan tinta dengan latar belakang bubuk emas yang halus. Meskipun Kyosai dikenal sebagai kartunis, dialah yang paling banyak menulis lukisan terkenal V sejarah Jepang seni abad ke-19 abad. "Harimau" adalah salah satu lukisan yang dibuat oleh Kyosai dengan menggunakan cat air dan tinta.

6. Hiroshi Yoshida “Fuji dari Danau Kawaguchi”

Hiroshi Yoshida dikenal sebagai salah satu tokoh utama gaya Shin-hanga (Shin-hanga adalah gerakan artistik di Jepang pada awal abad ke-20, pada periode Taisho dan Showa, yang menghidupkan kembali seni tradisional ukiyo-e, yang berakar pada zaman Edo dan Meiji (abad XVII - XIX)). Ia mempelajari tradisi lukisan cat minyak Barat, yang diadopsi dari Jepang pada zaman Meiji.

7. Takashi Murakami “727”

Takashi Murakami mungkin adalah artis Jepang paling populer di zaman kita. Karya-karyanya terjual dengan harga yang sangat mahal di lelang besar, dan karyanya telah menginspirasi seniman generasi baru tidak hanya di Jepang, tetapi juga di luar negeri. Seni Murakami mencakup berbagai media dan biasanya digambarkan sebagai superflat. Karyanya terkenal dengan penggunaan warnanya, menggabungkan motif dari budaya tradisional dan populer Jepang. Isi lukisannya sering digambarkan sebagai "imut", "psikedelik" atau "sindiran".

8. Yayoi Kusama “Labu”

Yaoi Kusama juga salah satu yang paling terkenal Artis Jepang. Dia menciptakan berbagai teknik, termasuk lukisan, kolase, patung kotoran, pertunjukan, seni dan instalasi lingkungan, yang sebagian besar menunjukkan minat tematiknya pada warna, pengulangan, dan pola psikedelik. Salah satu serial paling terkenal dari artis hebat ini adalah serial “Pumpkin”. Tercakup dalam pola polkadot, labu biasa berwarna kuning cerah ditampilkan dengan latar belakang jaring. Secara kolektif, semua elemen tersebut membentuk bahasa visual yang benar-benar sesuai dengan gaya senimannya, dan telah dikembangkan dan disempurnakan selama beberapa dekade melalui produksi dan reproduksi yang melelahkan.

9. Tenmyoya Hisashi “Semangat Jepang No.14”

Tenmyoya Hisashi adalah seniman kontemporer Jepang yang terkenal dengan lukisan neo-nihonga-nya. Dia mengambil bagian dalam kebangkitan tradisi lama Lukisan Jepang, yang merupakan kebalikan dari lukisan Jepang modern. Pada tahun 2000 ia juga menciptakan miliknya gaya baru butouha, yang menunjukkan sikap kuat terhadap otoritas sistem artistik melalui lukisannya. "Japanese Spirit No. 14" diciptakan sebagai bagian dari skema artistik"BASARA", diartikan dalam budaya Jepang sebagai perilaku memberontak dari aristokrasi yang lebih rendah selama periode Negara-negara Berperang untuk menghilangkan kemampuan pihak berwenang untuk mencapai gambaran ideal hidup, berpakaian mewah dan mewah serta bertindak atas dasar kemauan bebas, tidak sesuai dengan kelas sosialnya.

10. Katsushika Hokusai “Gelombang Besar di Kanagawa”

Akhirnya, " Gelombang besar di Kanagawa" mungkin adalah lukisan Jepang paling dikenal yang pernah dilukis. Ini sebenarnya yang paling banyak karya terkenal seni yang dibuat di Jepang. Ini menggambarkan gelombang besar yang mengancam perahu di lepas pantai Prefektur Kanagawa. Meskipun kadang-kadang disalah artikan sebagai tsunami, gelombang tersebut, sesuai dengan judul lukisannya, kemungkinan besar tingginya tidak normal. Lukisan itu dibuat dalam tradisi ukiyo-e.

Dari:

Lukisan Jepang adalah gerakan yang benar-benar unik dalam seni dunia. Ini telah ada sejak zaman kuno, tetapi sebagai sebuah tradisi, ia tidak kehilangan popularitas dan kemampuannya untuk memberikan kejutan.

Perhatian terhadap tradisi

Timur bukan hanya bentang alam, pegunungan dan matahari terbit. Inilah orang-orang yang menciptakan ceritanya. Orang-orang inilah yang selama berabad-abad mendukung tradisi seni lukis Jepang, mengembangkan dan meningkatkan seni mereka. Yang memberikan kontribusi signifikan terhadap sejarah adalah seniman Jepang. Berkat mereka, lukisan modern mempertahankan semua aturan lukisan tradisional Jepang.

Cara pelaksanaan lukisan

Berbeda dengan Eropa, seniman Jepang lebih suka melukis lebih dekat dengan grafis daripada melukis. Dalam lukisan seperti itu Anda tidak akan menemukan sapuan cat minyak yang kasar dan ceroboh yang menjadi ciri khas kaum Impresionis. Apa sifat grafis dari seni seperti pohon Jepang, batu, binatang dan burung - segala sesuatu dalam lukisan ini digambar sejelas mungkin, dengan garis tinta yang solid dan percaya diri. Semua objek dalam komposisi harus memiliki outline. Pengisian bagian dalam outline biasanya dilakukan dengan cat air. Warnanya pudar, corak lain ditambahkan, dan warna kertasnya tertinggal di suatu tempat. Dekorasi inilah yang membedakan lukisan Jepang dengan seni seluruh dunia.

Kontras dalam lukisan

Kontras lainnya teknik karakteristik, yang digunakan oleh seniman Jepang. Ini bisa berupa perbedaan nada, warna, atau kontras antara nuansa hangat dan dingin.

Seniman menggunakan teknik ini ketika dia ingin menonjolkan beberapa elemen subjek. Ini bisa berupa urat pada tanaman, kelopak terpisah, atau batang pohon yang menghadap ke langit. Kemudian cahaya, bagian objek yang diterangi dan bayangan di bawahnya digambarkan (atau sebaliknya).

Transisi dan solusi warna

Saat melukis lukisan Jepang, transisi sering digunakan. Warnanya bisa berbeda: misalnya, dari satu warna ke warna lainnya. Pada kelopak bunga lili air dan peony, Anda dapat melihat transisi dari bayangan terang menjadi warna yang kaya dan cerah.

Transisi juga digunakan pada gambar permukaan air dan langit. Peralihan mulus dari matahari terbenam ke gelap, senja yang semakin dalam terlihat sangat indah. Saat menggambar awan, transisi dari berbagai warna dan refleks juga digunakan.

Motif dasar lukisan Jepang

Dalam seni, segala sesuatunya saling berhubungan dengan kehidupan nyata, dengan perasaan dan emosi orang-orang yang terlibat di dalamnya. Seperti halnya dalam sastra, musik, dan bentuk kreativitas lainnya, ada beberapa tema abadi dalam seni lukis. Ini adalah subjek sejarah, gambar manusia dan alam.

Bentang alam Jepang memiliki banyak variasi. Seringkali dalam lukisan terdapat gambar kolam - perabot favorit orang Jepang. Sebuah kolam hias, beberapa bunga lili air dan bambu di dekatnya - seperti inilah gambaran khas abad ke-17-18.

Hewan dalam lukisan Jepang

Hewan juga merupakan elemen yang sering muncul dalam lukisan Asia. Secara tradisional, ia adalah harimau yang berkeliaran atau kucing peliharaan. Secara umum, orang Asia sangat menyukainya dan oleh karena itu perwakilan mereka ditemukan dalam semua bentuk seni oriental.

Dunia fauna adalah tema lain yang diikuti lukisan Jepang. Burung - burung bangau, burung beo hias, burung merak yang mewah, burung layang-layang, burung pipit yang tidak mencolok, dan bahkan ayam jantan - semuanya ditemukan dalam gambar para master oriental.

Pisces adalah tema yang sama relevannya bagi seniman Jepang. Ikan koi adalah ikan mas versi Jepang. Makhluk-makhluk ini hidup di Asia di semua kolam, bahkan di taman kecil dan kebun. Ikan mas koi merupakan salah satu jenis tradisi yang khusus dimiliki Jepang. Ikan ini melambangkan perjuangan, tekad, dan pencapaian tujuan anda. Bukan tanpa alasan mereka digambarkan mengambang mengikuti arus, selalu dengan hiasan puncak gelombang.

Lukisan Jepang: penggambaran orang

Orang-orang dalam lukisan Jepang mempunyai tema khusus. Seniman menggambarkan geisha, kaisar, prajurit, dan orang tua.

Geisha digambarkan dikelilingi bunga, selalu mengenakan jubah rumit dengan banyak lipatan dan elemen.

Orang bijak digambarkan sedang duduk atau menjelaskan sesuatu kepada muridnya. Citra ilmuwan kuno merupakan simbol sejarah, budaya dan filsafat Asia.

Prajurit itu digambarkan sebagai sosok yang tangguh, terkadang menakutkan. Yang panjang digambar secara detail dan tampak seperti kawat.

Biasanya semua detail armor diperjelas dengan menggunakan tinta. Seringkali prajurit telanjang dihiasi dengan tato yang menggambarkan naga timur. Ini adalah simbol kekuatan dan keperkasaan militer Jepang.

Penguasa digambarkan untuk keluarga kekaisaran. Jubah yang indah, hiasan pada rambut pria adalah karya seni yang melimpah.

lanskap

Tradisional lanskap Jepang- pegunungan. Pelukis Asia berhasil menggambarkan beragam lanskap: mereka dapat menggambarkan puncak yang sama warna yang berbeda, dengan suasana yang berbeda. Satu-satunya hal yang tidak berubah adalah wajibnya kehadiran bunga. Biasanya, bersama dengan pegunungan, seniman menggambarkan beberapa jenis tumbuhan di latar depan dan menggambarnya secara detail. Pegunungan dan bunga sakura. Dan jika mereka melukis kelopak bunga yang berguguran, gambar tersebut membangkitkan kekaguman akan keindahannya yang menyedihkan. Kontras dalam suasana gambar merupakan kualitas luar biasa lainnya dari budaya Jepang.

Hieroglif

Seringkali komposisi gambar dalam lukisan Jepang dipadukan dengan tulisan. Hieroglif disusun sedemikian rupa sehingga terlihat indah secara komposisi. Biasanya digambar di kiri atau kanan lukisan. Hieroglif dapat mewakili apa yang digambarkan dalam lukisan, judulnya, atau nama senimannya.

Jepang adalah salah satu negara terkaya dalam sejarah dan budaya. Di seluruh dunia, orang Jepang umumnya dianggap sebagai orang yang bertele-tele dan menemukan estetika dalam segala manifestasi kehidupan. Oleh karena itu, lukisan Jepang selalu memiliki warna dan nada yang sangat serasi: jika ada percikan warna cerah, itu hanya di pusat semantik. Dengan menggunakan lukisan karya seniman Asia sebagai contoh, Anda dapat mempelajari teori warna, representasi bentuk yang benar menggunakan grafik, dan komposisi. Teknik pengerjaan lukisan Jepang yang begitu tinggi dapat menjadi contoh dalam pengerjaan cat air dan melakukan “pencucian” karya grafis.

Lukisan klasik Jepang mempunyai sejarah yang panjang dan cerita yang menarik. Seni visual Jepang disajikan dalam gaya dan genre yang berbeda, yang masing-masing memiliki keunikan tersendiri. Patung-patung kuno yang dicat dan motif geometris yang ditemukan pada lonceng dotaku perunggu dan pecahan tembikar berasal dari tahun 300 Masehi.

Orientasi seni Buddha

Seni lukis dinding berkembang cukup baik di Jepang; pada abad ke-6, gambar bertema filsafat Buddha sangat populer. Pada saat itu, kuil-kuil besar sedang dibangun di negara tersebut, dan dindingnya di mana-mana dihiasi dengan lukisan dinding yang dilukis berdasarkan adegan-adegan dari mitos dan legenda Buddha. Contoh lukisan dinding kuno masih dilestarikan di Kuil Horyuji dekat kota Nara, Jepang. Mural Horyuji menggambarkan pemandangan dari kehidupan Buddha dan dewa lainnya. Gaya artistik mural ini sangat mirip dengan konsep gambar yang populer di Tiongkok pada masa Dinasti Song.

Gaya lukisan Dinasti Tang mendapatkan popularitas khusus di pertengahan periode Nara. Lukisan dinding yang ditemukan di makam Takamatsuzuka berasal dari sekitar abad ke-7 M dari periode ini. Teknik artistik, terbentuk di bawah pengaruh Dinasti Tang, yang kemudian menjadi dasar genre lukisan kara-e. Genre ini mempertahankan popularitasnya hingga munculnya karya pertama dalam gaya Yamato-e. Sebagian besar lukisan dinding dan lukisan dibuat oleh penulis yang tidak dikenal saat ini, banyak karya dari periode itu disimpan di perbendaharaan Sesoin.

Tumbuhnya pengaruh aliran Budha baru seperti Tendai mempengaruhi fokus keagamaan seni rupa Jepang yang luas pada abad ke-8 dan ke-9. Pada abad ke-10, ketika terjadi kemajuan khusus dalam agama Buddha Jepang, genre raigozu, “lukisan selamat datang” muncul, yang menggambarkan kedatangan Buddha di Surga Barat. Contoh awal raigozu, yang berasal dari tahun 1053, dapat dilihat di Kuil Bedo-in, yang bertahan di kota Uji, Prefektur Kyoto.

Mengubah gaya

Pada pertengahan zaman Heian, gaya kara-e Tiongkok digantikan oleh genre Yamato-e yang sejak lama menjadi salah satu genre seni lukis Jepang yang paling populer dan dicari. Gaya gambar baru ini terutama digunakan dalam lukisan layar lipat dan pintu geser. Seiring waktu, yamato-e juga berpindah ke gulungan emakimono horizontal. Seniman yang berkarya dalam genre emaki berusaha menyampaikan dalam karyanya seluruh emosionalitas plot yang dipilih. Gulungan Genji Monogatari terdiri dari beberapa episode yang dirangkai, dengan seniman pada masa itu menggunakan sapuan kuas yang cepat dan warna-warna cerah dan ekspresif.

E-maki adalah salah satu contoh otoko-e tertua dan paling menonjol, sebuah genre potret pria. Potret wanita disorot di genre terpisah onna-uh. Di antara genre-genre tersebut, sebenarnya sama seperti antara pria dan wanita, terlihat perbedaan yang cukup signifikan. Gaya onna-e direpresentasikan dengan warna-warni dalam desain Hikayat Genji, dengan tema utama gambarnya adalah subjek romantis dan adegan dari kehidupan istana. Gaya pria otoko-e didominasi gambar artistik pertempuran sejarah dan lain-lain peristiwa penting dalam kehidupan kekaisaran.

Sekolah seni klasik Jepang telah menjadi lahan subur bagi pengembangan dan promosi ide-ide seni kontemporer di Jepang, di mana pengaruh budaya pop dan anime terlihat jelas. Salah satu seniman Jepang paling terkenal di zaman kita adalah Takashi Murakami, yang karyanya dikhususkan untuk menggambarkan pemandangan dari kehidupan Jepang periode pasca perang dan konsep fusi maksimum seni rupa dan arus utama.

Dari artis terkenal Jepang sekolah klasik kita dapat menyebutkan nama berikut ini.

Xubun yang tegang

Syubun bekerja pada awal abad ke-15, mencurahkan banyak waktunya untuk mempelajari karya-karya empu Cina Dinasti Song, orang inilah yang berdiri di asal muasal bahasa Jepang. genre visual. Shubun dianggap sebagai pendiri lukisan tinta monokrom gaya sumi-e. Dia melakukan banyak upaya untuk mempopulerkan genre baru ini, mengubahnya menjadi salah satu bidang seni lukis Jepang yang terkemuka. Murid Subun banyak seniman yang kemudian menjadi terkenal, termasuk Sesshu dan pendiri terkenal tersebut sekolah seni Kano Masanobu. Banyak lanskap dikaitkan dengan Xubun, namun karyanya yang paling terkenal secara tradisional dianggap “Membaca di Hutan Bambu.”

Ogata Korin (1658-1716)

Ogata Korin adalah salah satu seniman terhebat dalam sejarah seni lukis Jepang, pendiri dan salah satu perwakilan paling cerdas gaya artistik rimpa. Korine dengan berani menjauh dari stereotip tradisional dalam karyanya, membentuk gayanya sendiri, yang ciri utamanya adalah bentuk kecil dan impresionisme cerah pada plotnya. Korin dikenal karena keahlian khususnya dalam menggambarkan alam dan bekerja dengan komposisi warna abstrak. "Bunga plum merah putih" adalah salah satu yang paling banyak karya terkenal Ogata Korina, lukisannya “Chrysanthemums”, “Waves of Matsushima” dan sejumlah lukisan lainnya juga dikenal.

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Tohaku adalah pendiri sekolah seni Hasegawa Jepang. Untuk periode awal Kreativitas Tohaku ditandai dengan pengaruh aliran seni lukis Jepang yang terkenal Kano, namun seiring berjalannya waktu sang artis membentuk gaya uniknya sendiri. Dalam banyak hal, karya Tohaku dipengaruhi oleh karya master terkenal Sesshu; Hosegawa bahkan menganggap dirinya sebagai penerus kelima dari master hebat ini. Lukisan Hasegawa Tohaku "Pines" diterima ketenaran dunia, karyanya “Maple”, “Pines and Flowering Plants” dan lain-lain juga dikenal.

Kano Eitoku (1543-1590)

Gaya aliran Kano mendominasi seni visual Jepang selama sekitar empat abad, dan Kano Eitoku mungkin adalah salah satu perwakilan paling terkenal dan menonjol dari aliran seni ini. Eitoku disukai oleh pihak berwenang, perlindungan bangsawan dan pelanggan kaya tidak bisa tidak berkontribusi pada penguatan sekolahnya dan popularitas karya-karya seniman yang sangat berbakat ini, tanpa diragukan lagi. Layar geser Cypress delapan panel, yang dilukis oleh Eitoku Kano, adalah mahakarya sejati dan contoh cemerlang dari ruang lingkup dan kekuatan gaya Monoyama. Karya-karya sang empu lainnya, seperti “Burung dan Pohon Empat Musim”, “Singa Cina”, “Pertapa dan Peri” dan masih banyak lagi lainnya terlihat tak kalah menarik.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Hokusai adalah master terhebat dalam genre ukiyo-e (ukiran kayu Jepang). Karya Hokusai telah mendapat pengakuan dunia, ketenarannya di negara lain tidak sebanding dengan popularitas kebanyakan seniman Asia, karyanya “The Great Wave off Kanagawa” telah menjadi sesuatu yang luar biasa. kartu nama Seni rupa Jepang di kancah seni dunia. Sendirian jalur kreatif Hokusai menggunakan lebih dari tiga puluh nama samaran; setelah enam puluh, sang seniman mengabdikan dirinya sepenuhnya pada seni, dan inilah saat yang dianggap paling banyak periode yang bermanfaat kreativitasnya. Karya-karya Hokusai mempengaruhi karya para master impresionisme Barat dan periode pasca-impresionis, termasuk karya Renoir, Monet, dan van Gogh.