Apa ciri khas dramaturgi Ostrovsky? Kehidupan dan orisinalitas artistik drama A.N

Komposisi

Ostrovsky menciptakan dramanya dalam konfrontasi sadar dengan dunia fiksi melodrama romantis-protektif dan ejekan datar dari vaudeville pseudo-realistis naturalistik. Dramanya secara radikal memperbarui repertoar teater, memperkenalkan prinsip demokrasi ke dalamnya dan mengarahkan para senimannya secara tajam masalah saat ini kenyataan, ke realisme. Ostrovsky mencatat: “Puisi dramatis lebih dekat dengan masyarakat daripada semua cabang sastra lainnya. Semua karya lainnya ditulis untuk orang-orang terpelajar, dan drama serta komedi adalah untuk seluruh rakyat... Kedekatan dengan masyarakat ini tidak sedikit pun merendahkan drama, tetapi, sebaliknya, menggandakan kekuatannya dan tidak membiarkannya menjadi vulgar dan remuk.”

Ostrovsky tidak tahan terhadap pendekatan satu dimensi, satu dimensi, jadi di balik manifestasi bakat yang menyindir brilian kita melihat kedalamannya analisis psikologis, di balik kehidupan sehari-hari yang direproduksi secara akurat, kita melihat lirik dan romansa yang halus.

Ostrovsky sangat prihatin untuk memastikan bahwa semua wajah itu asli secara vital dan psikologis. Tanpa ini, mereka bisa kehilangan kredibilitas artistiknya. Dia mencatat: “Kami sekarang mencoba untuk menggambarkan cita-cita dan tipe kami, yang diambil dari kehidupan, serealistis dan sejujur ​​​​mungkin, hingga ke detail terkecil sehari-hari, dan yang paling penting, kami mempertimbangkan kondisi pertama seni dalam penggambaran. dari jenis ini rendering yang benar dari gambar ekspresinya, yaitu. bahasa dan bahkan cara berbicara, yang menentukan nada peran tersebut. Sekarang produksi panggung (set, kostum, tata rias) drama sehari-hari membuat langkah besar dan melangkah jauh dalam mendekati kebenaran.”

Penulis naskah drama tanpa lelah mengulangi bahwa hidup lebih kaya daripada semua fantasi seniman, bahwa seniman sejati tidak menciptakan apa pun, tetapi berusaha memahami seluk-beluk realitas yang kompleks. “Penulis drama tidak menciptakan plot,” kata Ostrovsky, “semua plot kami dipinjam. Mereka diberikan oleh kehidupan, sejarah, cerita dari seorang teman, terkadang artikel surat kabar. Apa yang terjadi, penulis naskah seharusnya tidak menciptakannya; tugasnya adalah menulis bagaimana hal itu terjadi atau bisa terjadi. Ini semua karyanya. Ketika dia memperhatikan sisi ini, orang yang hidup akan muncul dan berbicara sendiri.”

Namun, penggambaran kehidupan, yang didasarkan pada reproduksi akurat dari kehidupan nyata, tidak boleh dibatasi pada reproduksi mekanis. “Kealamian bukanlah kualitas utama; keuntungan utamanya adalah ekspresif, ekspresi.” Oleh karena itu, kita dapat membicarakannya dengan aman keseluruhan sistem keaslian kehidupan, psikologis dan emosional dalam drama penulis naskah drama hebat.

Ostrovsky menganggap realisme dan kebangsaan sebagai kriteria artistik tertinggi dalam seni. Yang tidak terpikirkan tanpa sikap sadar dan kritis terhadap kenyataan, dan tanpa menegaskan hal-hal positif asal rakyat. “Semakin elegan karya tersebut,” tulis penulis drama tersebut, “semakin populer karya tersebut, semakin banyak unsur tuduhan yang dikandungnya.” Ostrovsky percaya bahwa seorang penulis tidak hanya harus dekat dengan masyarakat dengan mempelajari bahasa, cara hidup dan adat istiadat mereka, tetapi juga harus menguasainya. teori terbaru seni. Semua ini memengaruhi pandangan Ostrovsky tentang drama, yang mana dari semua jenis sastra yang paling dekat dengan lapisan masyarakat demokratis secara luas. Paling bentuk yang efektif Ostrovsky menganggap komedi dan mengakui dalam dirinya kemampuan untuk mereproduksi kehidupan terutama dalam bentuk ini. Oleh karena itu, Ostrovsky sang komedian melanjutkan alur satir drama Rusia, dimulai dengan komedi abad ke-18 dan diakhiri dengan komedi Griboyedov dan Gogol.

Ostrovsky memahami betul hal itu dunia modern hidup terdiri dari peristiwa dan fakta yang tidak terlihat dan tampak biasa-biasa saja. Dengan pemahaman tentang kehidupan ini, Ostrovsky mengantisipasi dramaturgi Chekhov, di mana segala sesuatu yang tampak spektakuler dan penting pada dasarnya dikecualikan. Gambar kehidupan sehari-hari Ostrovsky menjadi landasan fundamental di mana aksi dramatis dibangun.

Kontradiksi antara hukum alam kehidupan dan hukum kehidupan sehari-hari yang tak terhindarkan yang menjelekkan jiwa manusia menentukan tindakan dramatis yang menjadi dasar tindakan tersebut. berbagai jenis keputusan akhir - dari yang lucu dan tragis hingga yang sangat tragis. Final dilanjutkan dengan analisis sosio-psikologis kehidupan yang mendalam; di final, seolah-olah dalam trik sulap, semua sinar, semua hasil pengamatan, menyatu, menemukan konsolidasi dalam bentuk didaktik peribahasa dan ucapan.

Kontradiksi yang tidak dapat didamaikan antara hukum alam dan hukum kehidupan sehari-hari terungkap pada tingkat karakterologis yang berbeda - dalam kisah puitis"The Snow Maiden", dalam komedi "Forest", dalam kronik "Tushino", di drama sosial“Mahar”, “Badai Petir”, dll. Tergantung pada ini, konten dan sifat akhir cerita berubah. Karakter sentral secara aktif tidak menerima hukum kehidupan sehari-hari. Seringkali, karena tidak menjadi pendukung prinsip positif, mereka tetap mencari beberapa solusi baru, meskipun tidak selalu di tempat yang seharusnya mereka cari. Dalam pengingkaran mereka terhadap hukum yang telah ditetapkan, mereka, kadang-kadang secara tidak sadar, melintasi batas-batas yang diperbolehkan, mereka melewati garis fatal dari aturan-aturan dasar masyarakat manusia.

Fitur Ostrovsky ini dicatat oleh para kritikus bahkan ketika drama pertamanya muncul. “...Kemampuan untuk menggambarkan realitas sebagaimana adanya - “kesetiaan matematis terhadap kenyataan”, tidak adanya hal yang berlebihan... Semua ini tidak ciri khas puisi Gogol; “Semua ini adalah ciri khas komedi baru,” tulis B. Almazov dalam artikel “Mimpi di Acara Komedi”. Di zaman kita, kritikus sastra A. Skaftymov dalam karyanya “Belinsky and the Drama of A. N. Ostrovsky” mencatat bahwa “perbedaan paling mencolok antara drama Gogol dan Ostrovsky adalah bahwa di Gogol tidak ada korban kejahatan, sedangkan di Ostrovsky selalu ada korban yang menderita sifat buruk... Dengan menggambarkan sifat buruk, Ostrovsky melindungi sesuatu darinya, melindungi seseorang... Dengan demikian, keseluruhan isi drama berubah. Lakon tersebut diwarnai oleh lirik penderitaan, masuk ke dalam pengembangan perasaan segar, murni moral atau puitis; Upaya penulis bertujuan untuk secara tajam menyoroti legalitas internal, kebenaran dan puisi kemanusiaan sejati, yang tertindas dan diusir dalam lingkungan yang didominasi oleh kepentingan pribadi dan penipuan.” Pendekatan Ostrovsky dalam menggambarkan realitas, berbeda dengan pendekatan Gogol, tentu saja dijelaskan oleh orisinalitas bakatnya, sifat “alami” sang seniman, tetapi juga (ini juga tidak boleh dilewatkan) oleh perubahan zaman: meningkatnya perhatian pada individu, atas hak-haknya, pengakuan atas nilainya.

Vl. I. Nemirovich-Danchenko dalam bukunya “The Birth of the Theatre” dengan jelas menunjukkan apa yang membuat drama Ostrovsky sangat indah: “suasana kebaikan”, “simpati yang jelas dan kuat di pihak yang tersinggung, yang karenanya aula teater selalu, sangat sensitif.”

“Oh, jangan menangis; itu tidak sebanding dengan air matamu. Anda Merpati Putih dalam kawanan benteng hitam, jadi mereka mematukmu. Keputihan Anda, kemurnian Anda menyinggung mereka,” kata Narokov kepada Sasha Negina dalam “Talents and Admirers.”

Teater, kehidupan aktris provinsial di akhir tahun 70an, sekitar masa ketika Ostrovsky menulis drama tentang aktor, juga ditampilkan oleh M. E. Saltykov-Shchedrin dalam novel “The Golovlev Gentlemen.” Keponakan Yudaska, Lyubinka dan Anninka, menjadi aktris, melarikan diri dari kehidupan Golovlev, namun berakhir di ruang kerja. Mereka tidak punya bakat, tidak punya pelatihan, mereka tidak punya pelatihan akting, tetapi semua ini tidak diperlukan di tingkat provinsi. Kehidupan para aktor muncul dalam memoar Anninka sebagai mimpi buruk:

“Ini adalah pemandangan dengan pemandangan lembab setinggi 6t yang berasap, ditangkap, dan licin; di sini dia sendiri berputar-putar di atas panggung, hanya berputar-putar, membayangkan bahwa dia sedang bermain... Malam yang mabuk dan garang; pemilik tanah yang lewat, buru-buru mengeluarkan koin hijau dari dompet kurus mereka; pedagang-pedagang, menyemangati para “aktor” hampir dengan cambuk di tangan mereka.” Dan kehidupan di balik layar itu jelek, dan apa yang ditampilkan di atas panggung juga jelek: “...Dan Duchess of Gerolstein, memukau dengan topi prajurit berkuda, dan Cleretta Ango, dalam gaun pengantin, dengan belahan di depan tepat ke atas. ke pinggang, dan Elena yang cantik, dengan celah di depan, belakang dan di semua sisi... Hanya tidak tahu malu dan telanjang... begitulah hidup dihabiskan!” Kehidupan ini mendorong Lyubinka untuk bunuh diri.

Dalam drama tentang teater dan aktor, Ostrovsky tentunya memiliki citra seorang seniman sejati dan orang yang luar biasa. Dalam kehidupan nyata, Ostrovsky mengenal banyak orang hebat dunia teater, sangat menghargai dan menghormati mereka. Peran besar dalam hidupnya diperankan oleh L. Nikulina-Kositskaya, yang dengan gemilang menampilkan Katerina di "The Thunderstorm". Ostrovsky berteman dengan artis A. Martynov, sangat menghormati N. Rybakov, dan G. Fedotov, M. Ermolov, dan P. Strepetov bermain dalam dramanya.

Kesamaan antara Shchedrin dan Ostrovsky dalam penggambaran teater provinsi adalah wajar: mereka berdua menulis tentang apa yang mereka ketahui dengan baik, mereka menulis kebenaran. Tapi Shchedrin adalah seorang satiris tanpa ampun, dia mengentalkan warna sedemikian rupa sehingga gambarnya menjadi aneh, sementara Ostrovsky memberikan gambaran objektif tentang kehidupan, "kerajaan gelap" -nya bukannya tanpa harapan - bukan tanpa alasan N. Dobrolyubov menulis "sinar dari lampu."

Dalam drama “Guilty Without Guilt,” aktris Elena Kruchinina mengatakan: “Saya tahu bahwa orang-orang memiliki banyak bangsawan, banyak cinta, tidak mementingkan diri sendiri.” Dan Otradina-Kruchinina sendiri tergolong cantik orang-orang yang mulia, dia adalah seniman yang luar biasa, cerdas, penting, tulus.

Ringkasan pelajaran mempersiapkan tangan untuk menulis untuk anak-anak kelompok persiapan sekolah... Rangkuman pembelajaran persiapan tangan menulis bagi anak kelompok persiapan sekolah Isi program : Terus membangun kesiapan anak...

Gambar wanita dalam novel A. S. Pushkin "Eugene Onegin"... Dalam novel "Eugene Onegin", yang diterbitkan pada tahun 1831, A. S. Pushkin mencerminkan kehidupan Rusia kontemporer. Aksi novel dimulai pada musim semi dan musim panas tahun 181...

ALEXAND R NIKOLAEVICH OSTROVSKY |

60an abad XIX - era kebangkitan sosial, perjuangan politik yang akut, situasi revolusioner dan jatuhnya perbudakan - dalam sastra ditandai dengan berkembangnya genre yang memberikan ruang untuk memahami berbagai macam masalah sosial dan membuka kemungkinan terjadinya kontak langsung dan aktif antara penulis dan pembaca.

Dramaturgi adalah jenis sastra yang memiliki ciri-ciri tersebut. Gogol, yang senantiasa merasa perlu untuk terhubung dengan pembacanya dan melakukan berbagai upaya untuk berhubungan dengannya (membaca karyanya dengan lantang, korespondensi), dalam “Theatre Travel” menggambarkan hubungan antara penulis komedi dan penontonnya sebagai sebuah aksi penuh drama asli dan komedi tinggi. Ostrovsky banyak memikirkan pertanyaan tentang persepsi spesifik terhadap tontonan teater. Ia meyakini bahwa teks sastra merupakan bagian yang fundamental pertunjukan dramatis, tetapi pada saat yang sama lakon tersebut tidak dapat hidup tanpa perwujudan panggungnya.

Ostrovsky mempertimbangkan aksesibilitas tontonan teater dan kontak langsung antara aktor, dan melalui dia penulis naskah, dengan penonton yang menganggap drama tersebut sebagai faktor yang menentukan ciri estetika utama genre drama. Dia membandingkan dramaturgi dengan jurnalisme dan berpendapat bahwa sastra majalah pun lebih rendah daripada dramaturgi dalam hal kebangsaan, daya tarik massa, dan kekuatan dampak emosional pada sebagian besar masyarakat. “Puisi drama lebih dekat dengan masyarakat dibandingkan semua cabang sastra lainnya; buku majalah tersebut akan dibaca oleh beberapa ribu orang, dan dramanya akan ditonton oleh beberapa ratus ribu orang. Semua karya lainnya ditulis untuk orang-orang terpelajar, tetapi drama dan komedi ditulis untuk seluruh rakyat; penulis drama harus selalu mengingat hal ini, mereka harus jelas dan kuat.” 6

Di tahun 60an. kebangsaan dramaturgi dirasakan sebagai ciri progresifnya. Kecenderungan demokratisasi para pahlawan karya drama, pemahaman penulis tentang kehidupan sehari-hari masyarakat lapisan bawah sebagai sumber situasi tragis dan komik, pencarian perwujudan prinsip-prinsip positif dalam karakter rakyat, minat terhadap hal-hal baru. jenis lakon – drama rakyat – semua fenomena ini mencerminkan proses demokratisasi drama secara umum.

Jika kemampuan dramaturgi untuk merespon secara langsung isu-isu modern dan menciptakan situasi refleksi kolektif menjadikannya mirip dengan jurnalisme, maka sejumlah ciri artistiknya memberikan alasan untuk mendekatkannya pada novel, meskipun novel, sebagai puncaknya. dari genre epik, dapat bertentangan dengan dramaturgi. Drama, tidak seperti novel, tidak menggambarkan rangkaian peristiwa atau panorama kehidupan sosial, melainkan suatu peristiwa yang berkembang dan berakhir secara aktif, “cepat”, suatu siklus tindakan yang tertutup. Pada saat yang sama, peristiwa tertutup ini mewujudkan pola-pola umum; pada hakikatnya ia berkorelasi dengan berbagai fenomena. Luasnya asosiasi yang ditimbulkan oleh drama, signifikansi umum dari kesimpulan yang dihasilkan oleh kesan drama, membuatnya mirip dengan novel.

Dobrolyubov memberikan artikel terperinci yang ditujukan untuk analisis karya Ostrovsky dengan judul umum "Kerajaan Kegelapan", sehingga menekankan bahwa penulis naskah menciptakan dalam karya-karyanya gambaran holistik masyarakat modern. Kritikus juga berbicara tentang kekhasan struktur drama Ostrovsky - “permainan kehidupan.” Kompleksitas konstruksinya, konsekuensi dan kompleksitas konflik-konfliknya memberikan makna pada peristiwa-peristiwa kehidupan pribadi yang digambarkan dalam lakon Ostrovsky sebagai episode-episode dari narasi luas tentang keberadaan masyarakat.

Dobrolyubov menentukan tempat Ostrovsky dalam sastra, menganggapnya sebagai seorang penulis yang tidak hanya termasuk dalam salah satu bidangnya - dramaturgi, tetapi juga mewakili salah satu bidangnya. tokoh sentral seni realistis zaman secara keseluruhan. Pada saat yang sama, tidak ada keraguan bahwa karya Ostrovsky adalah pusat dramaturgi tahun 60an. Penulis drama lain pada zaman itu menghubungkan aktivitas mereka dengan prinsip-prinsip estetikanya, dengan sengaja mengikuti ide-idenya atau berdebat dengannya, meniru atau menentangnya dengan keputusan-keputusan kreatif mereka, tetapi selalu memperhitungkan fakta keberadaan sistem artistik Ostrovsky.

Kehadiran dalam dramaturgi tahun 60an. semacam pusat kreatif, yang diakui oleh seluruh peserta gerakan sastra, meskipun dinilai berbeda oleh mereka, merupakan ciri khasnya. Tentu saja, bagi Saltykov, di satu sisi, dan bagi A. Pisemsky dan A. Potekhin, di sisi lain, pengalaman kreatif Ostrovsky disajikan dengan cara yang berbeda, tetapi tidak satu pun dari mereka, yang independen dan orisinal dalam karyanya, dapat mengabaikannya. prinsip-prinsip , disetujui dalam drama pasca-Gogol oleh Ostrovsky. Pada saat yang sama, ciri penting dari dramaturgi periode ini adalah keragaman dan kekayaannya, partisipasi di dalamnya yang relatif jumlah besar seniman hebat dan orisinal.

Di tahun 60an. di semua jenis sastra - puisi, prosa naratif, jurnalisme - sindiran memperoleh makna khusus. Warisan Gogol, yang bahkan ada di dalamnya sastra realistis 40an dikuasai terutama pada aspek sosialnya, dalam analisis fisiologi masyarakat, pada tahun 60an. mengalami pemahaman baru, dikaitkan dengan kritik politik bentuk negara dihasilkan oleh hubungan feodal.

Pendekatan politik untuk fenomena sosial sangat berkarakteristik Saltykov-Shchedrin, yang justru karena kekhasannya ini, menjelang situasi revolusioner, menjadi salah satu penulis terkemuka, paling banyak dibaca, dan paling berpengaruh. Saltykov-Shchedrin menulis beberapa drama. Dia hanya menulis dua komedi yang ditujukan untuk pertunjukan panggung - "The Death of Pazukhin" (1857) dan "Shadows" (c. 1865), dan yang terakhir belum sepenuhnya selesai dan tidak diterbitkan selama masa penulisnya. Namun, dramaturgi Saltykov-Shchedrin tampaknya menjadi fenomena penting dalam sastra tahun 60an. Jika “The Death of Pazukhin” jelas sejalan dengan “sekolah Ostrovsky” dan di dalamnya analisis sosial lebih diutamakan daripada motif politik, maka “Bayangan” adalah drama yang sangat politis, salah satu karya dramaturgi paling orisinal di tahun 60an.

Pada tahun 60-70an. Ostrovsky menciptakan sejumlah komedi satir, yang di dalamnya terdapat tanggapan nyata terhadap metode sindiran politik Shchedrin. Intinya, konsep sosio-historis dan tipe artistik yang diturunkan di dalamnya, komedi Ostrovsky “Enough Simplicity for Every Wise Man” (1868) memiliki kemiripan dengan “Shadows” karya Saltykov-Shchedrin. Merupakan ciri khas bahwa Shchedrin menjadi tertarik dengan citra karakter utama komedi ini, Ostrovsky. Dia memperkenalkan Glumov sebagai karakter dalam karyanya - "Dalam Lingkungan Moderasi dan Akurasi", "Modern Idyll", "Letters to an Bibi" dan lain-lain - membuat jenis ini memikirkan kembali, memperdalam dan mengkonkretkan makna politiknya.

A. V. Sukhovo-Kobylin (1817–1903), penulis drama satiris terbesar tahun 60an, tampaknya menonjol dalam sastra dalam keyakinan politik dan cara hidupnya. Jika Ostrovsky dan Shchedrin berkolaborasi dalam Otechestvennye zapiski, bertemu, berkorespondensi, dan terhubung satu sama lain, serta dengan penulis lain melalui hubungan pribadi dan sastra, Sukhovo-Kobylin, untuk waktu yang singkat, menjadi dekat dengan lingkaran penulis, khususnya dengan editor Sovremennik , pada pertengahan tahun 50-an, kemudian menjauh darinya, hidup dalam isolasi dan kesendirian. Dia cenderung menentang dirinya sendiri terhadap orang-orang sezamannya, para penulis, khususnya, dia menyatakan antipati yang cemburu terhadap karya Ostrovsky dan penulis drama lainnya. Namun dia juga terkait erat dengan sastra pada masanya.

Tanda awal dan jelas dari pembentukan gaya baru pasca-Gogol dalam dramaturgi adalah upaya untuk menciptakan drama rakyat yang menggambarkan orang-orang biasa dan dirancang untuk khalayak yang lebih demokratis dan lebih luas daripada yang menjadi sasaran para penulis naskah drama pada dekade-dekade sebelumnya.

Penggagas arah baru dalam dramaturgi ini adalah Ostrovsky. Transformasi “pria kecil” menjadi pahlawan, yang menjadi perhatian seni, dan benturan kehidupan sosial sehari-hari yang biasa - menjadi objek pengamatan, penelitian, simpati yang kuat terhadap penderitaan dan kesedihan orang-orang yang tertindas - ini merupakan ciri ciri sastra sekolah alam 40-an, melekat dalam karya Ostrovsky muda.

Ciri Ostrovsky, yang membedakannya dari kebanyakan penulis yang muncul di tahun 40an. di bawah panji gerakan Gogol, adalah keinginannya untuk menciptakan seni massal, sebuah tontonan emosional yang menggairahkan dan mendidik masyarakat secara moral.

Masalah drama rakyat, drama yang menggambarkan kehidupan rakyat, dan pertunjukan yang dirancang untuk penonton demokratis, muncul dalam sastra Rusia sehubungan dengan diskusi panas dalam kritik terhadap produksi pertama drama Ostrovsky, yang memberikan kesan kuat dengan kebenarannya. demokrasi, dan kesederhanaan.

Dramaturgi Ostrovsky tidak secara langsung menggambarkan kehidupan desa benteng, namun membangkitkan aspirasi orang biasa untungnya, kemandirian spiritual dan keberadaan yang bermakna termasuk dalam peringkat manifestasi kemanusiaan universal yang meningkatkan manusia, hubungan sosial dan moral mereka. Lahirnya kemampuan berpikir mandiri dalam benak orang sederhana yang “tidak canggih”, mengkritik keputusan rutin yang sudah jadi, dan hal-hal yang paling penting masalah hidup dan tampaknya kaum Demokrat pada tahun 60an mengembangkan sikap mereka sendiri yang baru terhadap mereka. sebuah peristiwa yang mencerminkan esensi situasi sosial modern dan dapat menjadi dasar drama jenis baru. Pada saat yang sama, sangat penting bagi mereka bahwa struktur emosional dari drama tersebut menegaskan, “melegitimasi” protes, memperkuat keyakinan akan protes tersebut. dasar-dasar kreatif, daripada mengungkapkan perasaan tragis atas kesia-siaan inisiatif pembebasan. Ciri-ciri inilah - penegasan emosional dari prinsip cinta kebebasan yang kreatif dan konstruktif dan simpati mendalam penulis terhadap rakyat jelata yang secara spontan berjuang untuk kemauan dan kehidupan yang jujur ​​- yang diperhatikan dan sangat dihargai oleh para kritikus kubu demokrasi dalam "The Thunderstorm" karya Ostrovsky. ". Dobrolyubov melihat tren dalam drama ini zaman baru, puisi orang-orang yang telah sadar dan mencari penggunaan kekuatan secara kreatif, meninggikan risiko yang berani, dengan berani memutuskan segala bentuk kebohongan yang biasa.

SEBUAH. Ostrovsky masih menjadi sosok misterius dalam drama Rusia. Bersifat tradisional dalam arti tidak melanggar hukum kanonik aksi dramatis: konflik akut, struktur plot yang berbeda, di mana perjuangan berbagai kemauan dan karakter selalu terwujud dan selalu ada pemenang atau korban. IA Goncharov mencatat bahwa ia mendasarkan teaternya pada batu-batu “landasan”: Fonvizin, Griboyedov, Gogol, yaitu warisan kreatif penulis naskah drama. Dia sekali dan untuk selamanya memilih sendiri jenis kreativitas yang mulia - seni dramatis. Dari segi genre, Ostrovsky ternyata sangat beragam: semua genre dramatis terwakili dalam karyanya.

Kelebihannya yang besar terletak pada kenyataan bahwa hanya melalui usahanya sendiri, dalam satu orang, ia memberikan repertoar kepada teater Rusia. Di hadapannya, panggung itu dilengkapi dengan terjemahan melodrama dan vaudeville Prancis atau tragedi patriotik dengan para tragedi yang menggeram memekakkan telinga dan penjahat yang sama. Pada saat yang sama, ia juga melatih aktor generasi baru (“Akhirnya, kelebihan lain dari Ostrovsky adalah ia menciptakan gambaran peristiwa kehidupan Rusia yang sangat beragam dan luas, dimulai dengan prasejarah (“The Snow Maiden”). ”), masa boyar (“Voevoda”), kronik sejarah abad ke-18, dan berakhir dengan masa kini: era pesatnya pembangunan perkeretaapian, kejayaan pameran industri internasional, masa kejayaan kapital dengan kekejaman dan sinismenya, Rusia drama sebelum Ostrovsky tidak mengetahui skala seperti itu, kekayaan tematik seperti itu.

Pada tahun 1850, komedi “Bankrupt” diterbitkan di majalah “Moskvityanin” (kemudian mendapat judul berbeda: “Rakyat kami - kami akan diberi nomor!”). Disambut antusias oleh para penonton teater dan pecinta sastra. Namun, akibat dari antusiasme yang riuh itu adalah para pedagang Moskow tersinggung oleh Ostrovsky, produksi drama tersebut dilarang keras, seperti yang disebutkan di media, dan penulisnya sendiri berada di bawah pengawasan polisi.

Baru pada tahun 1853 komedinya “Don't Get in Your Own Sleigh” pertama kali dipentaskan di atas panggung, pertama di Moskow, kemudian di St. Itu disertai dengan kesuksesan besar yang sama, sekarang dengan penonton, tetapi hal yang sama yang terjadi dengan “Bankrupt” terulang kembali. Satu-satunya perbedaan adalah bahwa kaum bangsawan mengangkat senjata melawan penulis, yang menganggap diri mereka tersinggung oleh citra Vikhorev, penangkap pengantin kaya. Setelah produksi komedi “Poverty is not a Vice” pada tahun 1854, ketenaran Ostrovsky sebagai penulis naskah akhirnya semakin menguat. Gambaran kehidupan sehari-hari, yang sebagian besar diambil dari kehidupan pedagang kelas menengah dari wilayah Zamoskvorechye Moskow, begitu ekspresif, gambarnya begitu jujur, sehingga Ostrovsky diberi nama “Columbus of Zamoskvorechye” selama bertahun-tahun. Dia terus berjalan ke depan, mengimbangi kehidupan baru, bahkan pada saat-saat di depannya, dan dia masih, dari ingatan lama akan kesuksesan pertamanya, disebut sebagai pelopor kelas pedagang di panggung Rusia.

Namun dalam drama-drama awal tahun 50-an, tidak seperti “Bangkrut”, yang didominasi oleh penolakan tanpa syarat, pengaruh ide-ide Slavophile terlihat jelas. Dalam komedi “Jangan Naik Kereta Luncur Sendiri”, “Kemiskinan Bukanlah Keburukan”, “Jangan Hidup Seperti yang Anda Inginkan”, kemenangan “kebenaran lama”, kesetiaan pada akar Rusia, dan asal usul kehidupan nasional disanjung, karakter positif dibedakan dengan keikhlasan, kebaikan, kemurahan hati, dan pemaaf. Hal utama dalam diri seseorang adalah melestarikan "jiwa yang hidup", terlebih lagi jiwa Rusia, yang dengan jelas dipuitiskan oleh penulisnya.

Sesuai dengan semangat teori Slavophil, yang mencari asal usul permulaan Rusia di zaman kuno, dalam legenda, dalam adat istiadat kuno, penulis naskah menggabungkan kehidupan sehari-hari dalam komedi dengan seni rakyat: dengan kecerdasan ucapan dan peribahasa, dengan ritual, dengan menari dan lagu-lagu Rusia yang berlarut-larut. Pada akhir tahun 50-an (“Ada Mabuk di Pesta Orang Lain,” “Tempat yang Menguntungkan,” “Taman Kanak-Kanak”), penulis naskah kembali melontarkan kritik keras terhadap realitas yang menjadi ciri “Bangkrut.” Badan sensor dan pihak berwenang kembali menyerangnya dengan penindasan. “Tempat yang Menguntungkan,” yang mengungkap penyakit abadi pemerintahan Rusia di bawah pengawasan publik: pemerasan terhadap birokrat dari semua tingkatan, dilarang, dan “Si Murid” tidak diizinkan untuk tampil. Pada tahun 1859, di Sovremennik N.A. Dobrolyubov membuat artikel “ Kerajaan Kegelapan" Kritikus mengidentifikasi dua tema utama dramawan, yang bersifat sosial: hubungan keluarga dan properti. Namun seni drama penulis tidak mendapat penilaian yang mendetail, dan “kritik nyata” tidak membahas masalah ini, lebih memilih untuk berbicara tentang isu-isu sosial atau politik yang topikal. Sementara itu, pada tahun 1859, drama “1 Rose” diciptakan - salah satu karya tertinggi penulis naskah drama. Menurut I.A. Goncharov, belum pernah ada karya seperti itu dalam literatur kita. Lingkaran ide-ide yang menuduh Ostrovsky memulai karir kreatifnya akhirnya ditutup, tetapi dengan kekuatan penyangkalan yang jauh lebih besar.

Dunia para tiran dan korbannya, yang familiar dari drama sebelumnya, telah diperluas topik baru- protes tajam, perlawanan aktif terhadap kekerasan perbudakan dan penindasan terhadap individu. Drama ini dibedakan oleh intrik yang dikembangkan dengan terampil, perkembangan aksi yang dinamis, yang belum sering terjadi pada Ostrovsky sebelumnya, rencana komposisi yang luar biasa, penuh kontras yang tajam, dan akhir yang tragis. Kecintaan Ostrovsky terhadap drama sejarah dimulai pada tahun 60an, yang biasanya didefinisikan sebagai kronik sejarah: "Kozma Zakharyich Minin, Sukhoruk", "Dmitry the Pretender dan Vasily Shuisky", "Tushino", "Vasilisa Melentyevna". Pada tahun 70-an, komedi-komedi brilian muncul, karya-karya teladan dari genre ini: "Hutan", "Uang Gila", "Serigala dan Domba". Namun, permulaan dari jenis lakon ini, digenggam secara akut cara yang menyindir proses mendalam dalam kehidupan Rusia: runtuhnya kelas bangsawan yang memiliki hak istimewa dan dimulainya “zaman keemasan” borjuasi baru, di mana modal dan “anggaran” dengan kuat mendikte keinginan mereka terhadap segala sesuatu di dunia, tentu saja, diletakkan menonton komedi akhir tahun 60an “Kesederhanaan sudah cukup bagi setiap orang bijak” (1868);

Kesehatannya, terkoyak oleh kerja keras (dia menulis 60 drama dan mengambil bagian dalam produksi sebagian besar drama tersebut, terlebih lagi mengatasi tentangan dari pejabat teater), dan dalam beberapa tahun terakhir Dalam hidupnya ia sibuk memperbarui kancah Rusia - semua ini menyebabkan kelelahan ekstrem dan penyakit jantung. Pada tanggal 2 Juni 1886, penulis naskah drama itu meninggal.

Awal jalur kreatif.

Fenomena “Kebangkrutan”.

Hal yang paling mengejutkan adalah dengan minat yang begitu besar, Ostrovsky tidak memiliki pendidikan yang sistematis. Di antara tokoh-tokoh Rusia, dalam hal ini dia mirip dengan Nekrasov. Pada tahun 1840, ia masuk fakultas hukum Universitas Moskow, tetapi kemudian meninggalkannya, mendapati dirinya bekerja di pengadilan niaga, dengan demikian melanjutkan nasib ayahnya - seorang pejabat pengadilan yang tidak mencolok, seorang pejalan kaki dalam urusan pedagang menengah. Dan tangan kecil. Namun, tahun-tahun ini memberinya begitu banyak pengamatan, yang kemudian dapat ia kembangkan tanpa lelah, sehingga karakter warna-warninya yang paling populer - pengacara yang berperkara, pejabat penerima suap - selalu menjadi tokoh dalam dramanya. Berdasarkan pengamatannya, pada tahun 1850, “Bangkrut” diterbitkan di majalah “Moskvityanin” - sebuah drama yang kemudian mendapat nama baru: “Rakyat kita sendiri - kita akan diberi nomor!”.!*

Namun perbedaan antara tokoh, tema karya, dan penciptanya harus tetap diperhatikan. Kemunculan “Bangkrut” tidak hanya disebabkan oleh kesan langsung, tetapi juga karena kehidupan spiritual yang intens dari pengarangnya. Hal ini penting untuk diperhatikan, karena hampir sepanjang karir kreatifnya definisi “Columbus of Zamoskvorechye” melekat erat padanya, yaitu. penulis drama-etnografer, yang keberhasilannya terletak pada penggambaran kehidupan sehari-hari yang setia dan manifestasi yang agak eksotis terhadap adat istiadat lingkungan pedagang. Kelambanan persepsi penonton membuat dirinya terasa. Mari kita ingat bagaimana Pushkin melangkah jauh ke depan, namun, di masa depan, ia masih disebut sebagai "penyanyi Ruslan dan Lyudmila".

Kisah serupa terjadi dengan Ostrovsky. Dia, seorang analis kehidupan yang mendalam, menemukan di dalamnya apa yang tidak dilihat orang lain, dan memberi nama pada tipe yang benar-benar baru, dan dia masih dikaitkan dengan era “Kebangkrutan”. Namun “Kebangkrutan” itu sendiri bukanlah hasil dari kesan Zamoskvorechye, melainkan hasil dari Moskow dengan intelektual dan intelektualnya yang kuat. kehidupan artistik. Itu adalah masa A.I. Herzen, N.V. Stanke-vich, mis. perselisihan filosofis, artistik, politik yang akut. Di universitas dia mendengarkan T.N. Granovsky, dengan kursusnya yang terkenal tentang Abad Pertengahan, yang mengumpulkan kaum intelektual Moskow; anggota parlemen Pogodin telah membaca sejarah Rusia sejak zaman kuno; A. Kraevsky menuntut Belinsky ke St. Petersburg dari Moskow. Dan terakhir, ciri lain keberadaan Moskow yang menentukan nasib Ostrovsky adalah suasana teatrikalnya yang semarak. Sudah di gimnasium, Ostrovsky menjadi kecanduan teater: Mochalov dan Shepkin bersinar di panggung Moskow pada waktu itu, mereka dibicarakan, diperdebatkan, orang-orang muda mengoceh tentang teater. Dengan demikian, minat artistik Ostrovsky, penulis naskah drama hebat masa depan, sudah terlihat jelas di masa mudanya. Sejak tahun 1843, setelah meninggalkan universitas dan kemudian sejak tahun 1845 bertugas di pengadilan niaga, dia sudah menulis, dia adalah seorang penulis, tetapi seorang penulis rahasia. Debutnya terjadi di surat kabar "Moscow City List": itu adalah "Pictures of Family Life" (1847), beberapa adegan dari komedi "The Insolvent Debtor" juga diterbitkan di sana. Dia diperhatikan, dan, meninggalkan tugasnya di pengadilan, dia pindah ke kantor editorial Moskvityanin: dia menangani pengoreksian, menyumbangkan artikel kecil, dan melakukan korespondensi. Dia nyaris tidak mendapat penghasilan; Setiap hari saya berjalan kaki dari Jembatan Yauzsky ke Kutub Devichye (enam kilometer). Itu adalah masa yang sulit, namun “di masa muda, kebutuhan dapat dengan mudah ditoleransi,” kenangnya kemudian.

"Bangkrut" sukses besar. Akibat dari gelombang popularitas ini ternyata paling menyedihkan: drama tersebut bahkan tidak dapat disebutkan di media cetak, dan produksinya dilarang. Alasan penganiayaan yang tidak terduga ini adalah karena seluruh kelas, dan salah satu kelas yang berpengaruh, tersinggung oleh penulisnya - para pedagang, dan mereka tidak bisa dianggap enteng. Keluhan dan kecaman (disebut “permintaan”) menghujani gubernur jenderal Moskow.

Jadi, setelah badai antusiasme dan pertunjukan publik, suasana hati yang pahit terjadi - drama tersebut tidak dapat dipentaskan, dan penulisnya sendiri berada di bawah pengawasan polisi. Nasib Ostrovsky tergantung pada keseimbangan. Ia terus menulis, bukan berharap sukses, ketika tiba-tiba sukses datang, tapi tiga tahun kemudian! Pada tahun 1853, komedi pertamanya yang dipentaskan, “Jangan Masuk Kereta Luncur Anda Sendiri,” dipentaskan di Teater Maly Moskow. Aktris paling populer Nikulina-Kositskaya memilihnya karena penampilannya yang bermanfaat. Namun karena, menurut peraturan yang diterapkan pada masa itu, pendapatan dari pertunjukan amal berada di tangan manajemen teater dan penerima manfaat, kali ini penulis juga tidak punya uang sepeser pun. Di Sankt Peterburg, pementasan itu sama suksesnya, bahkan mungkin lebih sukses, seperti di Moskow. Namun, menjelang perayaan tersebut, hantu bencana sebelumnya kembali muncul. Jika "Bangkrut" membangkitkan kemarahan para pedagang, maka kaum bangsawan mengangkat senjata melawan komedi baru: kelas istimewa diejek dan mendukung siapa - para pedagang! Pahlawan komedi Vikhorev (nama yang terdengar: menurut Dahl - "carmin") menolak mempelai wanita ketika dia mengetahui bahwa dia tidak menerima mahar. Ayah Dunya, pedagang Rusakov, menyiapkan ujian seperti itu untuknya, mengetahui bahwa dalam kondisi ini dia akan menolaknya. Hanya keajaiban yang bisa menyelamatkan penulisnya. Dan itu terjadi. Petersburg, kaisar dan keluarganya muncul pada pertunjukan pertama. Manajemen menjadi panik, karena pengaduan dan pengaduan (“permintaan” yang sama) sudah digunakan. Namun kaisar senang. Nicholas I, sensor ketat Pushkin dan “pencekik” tragedi “Boris Godunov,” dua kali menghindari masalah dari tokoh-tokoh drama Rusia selanjutnya: ia menyelamatkan 1ogol dengan “The Inspector General” dan Ostrovsky dengan komedi pertama yang dilihatnya. panggung.

Dalam “Bankrupt” perasaan akan kebenaran penggambaran artistiknya begitu kuat sehingga tercipta kesan bahwa inilah kehidupan itu sendiri, bukan fiktif, bukan karangan. Pedagang bukanlah orang baru di panggung Rusia; mereka adalah karakter yang diinginkan dalam vaudeville, dalam drama melodramatis dan patriotik, dan sudah ada Inspektur Jenderal. Namun di sini muncul paradoks tertentu: ketelitian yang sedemikian rupa sehingga di atas panggung tampak sesuatu yang luar biasa, bahkan terlalu eksentrik. “Orang macam apa! Bahasa macam apa!.. Apa hanya di bar dan rumah tidak senonoh saja mereka berbicara dan bertindak seperti itu!” - vaudevillian D.T. kemudian menulis dengan kesal. Lensky.

Drama Ostrovsky nyaris tidak berhasil, mengatasi perlawanan dari pejabat teater dan penulis sekolah lama. Salah satu alasan pertentangan tajam ini cukup jelas: untuk menghasilkan gambaran kehidupan Rusia seperti itu, tidak hanya diperlukan objektivitas seniman dan pengetahuan yang sangat baik tentang subjek gambar. Keberanian dan orisinalitas juga diperlukan, diperlukan karakter yang kuat, karena Ostrovsky harus melawan arus dan melawan rutinitas ide dan selera yang stabil.

Alasan lain kesuksesannya, selain kebenaran nyata dari representasi artistik, masih kurang terlihat. Gambaran realitas, yang mencolok dalam keakuratan etnografis dan cita rasa nasional Rusia, ternyata begitu benar, begitu jelas, dan ekspresif karena pengarangnya adalah seorang analis kehidupan yang sangat mendalam dan berwawasan luas. Dia tidak hanya membawakan ke panggung produk dari lingkungan khas Rusia - para pedagang Zamoskvorechye, yang masih bersembunyi, tetapi segera, dalam karya pertamanya, dia menemukan tipe baru yang sangat berkarakter, yang sampai sekarang tidak diketahui oleh pembaca dan penonton. Dia tidak hanya menciptakan gambaran umum yang jelas, tetapi juga memberinya nama, meskipun tidak dalam drama ini, tetapi kemudian, menyebutnya seorang tiran, dan fenomena itu sendiri adalah seorang tiran. “Seorang tiran,” kata salah satu karakternya, “adalah pria yang berhati dingin. Dia mungkin punya kepentingan di kepalanya, tapi dia miliknya sendiri. Tidak ada hukum baginya, ia adalah hukum bagi dirinya sendiri.”

Sebagai penemu masalah besar dan khas Rusia, Ostrovsky lebih unggul daripada Goncharov dan Turgenev: “Oblomov,” dengan “Oblomovism” -nya, diterbitkan pada tahun 1858, yaitu. 8 tahun setelah kemunculan “Bangkrut”, dan “Ayah dan Anak” dengan kata “nihilis” dan pertanyaan tentang perselisihan antar generasi dan kelas - hanya pada tahun 1862. Ini bukanlah suatu kebetulan. Lagipula, Ostrovsky mengatakan dalam “Tabel Kata tentang Pushkin” bahwa seniman hebat tidak hanya memberikan pemikiran, tetapi juga “rumusan pemikiran” itu sendiri. Sudah dalam lakon pertama, ia tidak hanya menciptakan gambaran-gambaran, ekspresif, jujur, hidup hingga menipu, tetapi gambaran generalisasi, gambaran simbol, gambaran tanda-tanda fenomena nasional tertentu, yang disebutnya kekuatan tiran. Pedagang Bolshov diikuti oleh Gordey Tortsov dan African Korshunov (“Kemiskinan bukanlah sifat buruk”), Bruskov (“Dalam pesta orang lain ada mabuk”), Kuroslepov (“Hati Hangat”), Dikoy dan Kabanova (“Badai Petir” ).

Namun penting bahwa tirani dalam penafsirannya sama sekali tidak dihadirkan sebagai fenomena yang lahir hanya dari lingkungan pedagang. Menjadi semakin jelas bahwa ini adalah sifat yang melekat pada keluarga bangsawan: pemilik tanah Ulanbekova (“Pengantin Miskin”), Murzavetskaya (“Serigala dan Domba”), Mamaev, Krutitsky (“Kesederhanaan sudah cukup bagi setiap orang bijak”), Uar Kirilych Bodayev, Gurmyzhskaya ("Hutan"). Bagi Ostrovsky, penting untuk menekankan esensi dari fenomena ini: kemahakuasaan sebagian orang dan kepasrahan serta ketidakberdayaan sebagian lainnya.

Dia tanpa lelah mengembangkan tesis ini, membuka seluruh jenisnya perilaku sosial dan cara berpikir, psikologi manusia.

“Bangkrut” mengangkat masalah lain yang sangat penting - pendidikan dan hubungan antar kelas. Namun ia menerima perkembangan baru dan orisinal. Jika secara tradisional, dengan komedi Fonvizin "The Brigadier" dan "The Minor", ​​dengan "Woe from Wit" karya Griboyedov, itu adalah gallomania, maka dengan Ostrovsky itu berubah menjadi "noble mania". (Tema setelah “Bankrupt” ini akan diangkat oleh komedi “Don’t Get in Your Own Sleigh”).

Masalah “ayah dan anak” dalam “Bangkrut* diselesaikan dengan berani dan orisinal. Ini tidak mengandung metafora sosial, seperti milik Turgenev, yaitu. tema bentrokan antar kelas yang berbeda. Hal yang paling tidak terduga adalah, meskipun ada konfrontasi plot akut yang merugikan kesejahteraan Bolshov, “anak-anak” dan “ayah” adalah darah dan daging dari kekuatan tiran yang sama. Hanya dia yang muncul dalam karakter yang berbeda, muncul dalam karakter yang lincah dan jujur: Bolshov yang keras dan kasar, gadis manja, putrinya, Lipochka, favorit umum keluarga, petugas Podkhalyuzn, pertama dengan sepatu bot, dan kemudian dengan jas berekor longgar. Bahkan ada baris ketiga - Tishka, pesuruh di rumah. Yang ini bahkan lebih kejam daripada Podkhalyuzn: dalam jiwanya setidaknya ada perasaan kasihan terhadap majikannya, yang menderita karena mudah tertipu. Di sini tidak perlu mengharapkan belas kasihan, Tishka dibesarkan dalam semangat kekuasaan tiran sejak kecil.

Lipochka sama sekali tidak peduli dengan nasib ayahnya. “Lakukan apa yang kamu mau,” katanya pada Podkhalyuzin, itu urusanmu!” Dia dengan rela menggemakan logikanya, logika khas seorang tiran: “Itu sudah cukup bagi mereka, pikir mereka seumur hidup, sekarang saatnya bagi kita!”

Terlepas dari kenyataan bahwa Bankrupt adalah debut Ostrovsky, tangan tegas dan terampil sang master terasa di seluruh bagiannya. Kerja keras dan panjang membuahkan hasil: pada tahun 1840, tetapi penulis naskah mengakui bahwa ia telah membuat sketsa adegan-adegan dari kehidupan pedagang, “Bangkrut” ternyata menjadi akhir dari perjalanan panjang, dan kemudian, setelah diterbitkan pada tahun 1850, penulis harus melakukannya kembali ke teks drama, memprosesnya.

Struktur komposisi komedi tersebut ternyata dipikirkan dengan matang dan efektif. Intrik tersebut terungkap perlahan namun dinamis, mendapat kelegaan dalam episode komik, ketika tiba-tiba gelombang dramatis yang tak terduga muncul di akhir: Bolshov, yang kehilangan kekayaannya karena tipu muslihat Podkhalyuznn dan Rispozhensky, tumbuh menjadi sosok yang tragis. Dia merasa dirinya berada pada posisi orang-orang yang sebelumnya dia hina, aniaya secara brutal, dan jadi sasaran kejenakaannya yang menghina. Sang tiran ternyata adalah korban dari kezalimannya sendiri. Berkat kesedihan tulus sang pahlawan, bagian akhir beralih ke eksposisi, menyangkalnya, tema Bolshov berkembang begitu pesat.

Selain itu, drama tersebut adalah yang pertama menggunakan teknik yang sering digunakan Ostrovsky, menciptakan dramaturgi ekspresif dari pergerakan konsep tersebut. Dalam konstruksi plot, korelasi tersembunyi antara karakter dan situasi muncul - semacam pengulangan, tetapi dalam dinamika, dalam pembentukan, peningkatan suara ide artistik. Struktur karakter komedi tersebut ternyata dibangun sebagai berikut, berupa garis-garis sejajar yang saling mendukung: Bolshov - Olympiada Samsonovna (Lipochka); Bolshov - Podkhalyuzin; Podkhalyuzin - Rispozhensky; Podkhalyuzin - Rispozhensky - Tishka.

Dari sudut pandang teknik dramatis tradisional, Ostrovsky menggunakan gerakan yang sama sekali tidak terduga di akhir drama. Ia, yang menciptakan kesan kebenaran dalam penggambaran artistik, tiba-tiba menggunakan konvensi yang jelas. Rispozhensky, Podkhalyuzin dan Tishka dengan baris terakhir pidato komedi penutup... penonton memenuhi teater. Rispozhensky mencari simpati dari penonton dan menuduh Podkhalyuzin melakukan pengkhianatan dan fakta bahwa dia mengkhianati pemiliknya seperti dia, seorang bajingan yang melakukan pemalsuan. Penulis secara terbuka melibatkan penonton dalam permainan, melanggar aturan yang ditentukan oleh penulis naskah. Namun rasa kebenaran dari karakternya begitu besar sehingga tetap tidak berubah bahkan jika tindakan yang masuk akal dilanggar. Namun, seperti sepanjang perkembangan plot, kejahatan menang di akhir. Ucapan terakhir Podkhalyuzin, yang mengakhiri komedi, terdengar mengejek: “Tapi kami membuka toko: sama-sama! Jika Anda mengirim anak kecil, kami tidak akan membodohi Anda.”

Selain seni membangun plot, menggambarkan kehidupan sehari-hari, karakter, menciptakan konflik akut, orang-orang sezaman Ostrovsky terpesona oleh bahasa yang ia gunakan. karakter. Humor yang kaya, akurasi, gambar figuratif, keunikan karakter tertentu yang diungkapkan dalam pidato - Ostrovsky segera mengurutkan Krylov, Griboyedov, Pushkin, Gogol sebagai ahli dan ahli virtuoso bahasa ibunya. Namun dialah orang pertama yang bahasa karakternya tidak hanya menjadi sarana, tetapi juga subjek gambar. Dia sendiri membawa kekuatan ekspresif yang sangat besar, dia memiliki semua garam, dia memusatkan perhatian pendengar pada dirinya sendiri, membuat dia mengagumi transisinya yang tidak terduga, “triknya” (terutama dalam pidato rakyat), setiap kali dengan gudang uniknya. Dan pada saat yang sama, ia menjalankan semua fungsi jenis kreativitas dramatis yang baru saja dibahas: di bidang karakterologi, warna sehari-hari, dll. Tanpa berlebihan kita dapat mengatakan bahwa teater Ostrovsky adalah teater bahasa Ostrovsky.

Beginilah cara Lipochka membela haknya atas kebebasan memilih: “Saya sudah mengatakan bahwa saya tidak akan menikah dengan pedagang, jadi saya tidak akan menikah! Saya lebih baik mati sekarang, saya akan menangis seumur hidup: air mata tidak akan cukup, kita akan makan lada.”

Kesuksesan panggung

14 Januari 1853 - tanggal istimewa: produksi pertama drama Ostrovsky. Itu adalah komedi "Jangan Masuk Kereta Luncur Anda Sendiri", yang disambut dengan gembira oleh publik di Teater Maly Moskow, dan sebulan kemudian (19 Februari), pemutaran perdana di Teater St. Petersburg Alexandrinsky ditandai dengan tepuk tangan yang sama. Ketenaran panggung Ostrovsky diperkuat. The Chronicle of St. Petersburg Theatres mencatat: “Sejak saat itu, retorika, kepalsuan, dan gallomania mulai berangsur-angsur menghilang dari drama Rusia. Karakter berbicara di atas panggung dalam bahasa yang sama dengan yang mereka gunakan dalam kehidupan. Utuh dunia baru mulai terbuka kepada penonton.”

Tiga tahun telah berlalu sejak penerbitan Bankrupt, dan banyak yang berubah dalam gaya penulisnya. Dalam lakon baru tidak ada lagi negasi mutlak. Warna-warnanya tidak hanya diperhalus dalam penggambaran lingkungan para tiran, tetapi penulis naskah juga memperkenalkan karakter lain ke dalam komedi, yang memicu “monster” pedagang Zamoskvorechye dengan kebalikannya: kesopanan, kelembutan, kebaikan, kelembutan. Penulis seolah berusaha memberi tahu para hadirin: hal utama dalam diri seseorang adalah melestarikan jiwa manusia, jiwa yang hidup, dan terlebih lagi, jiwa Rusia. Menjadi jelas bahwa Ostrovsky jelas berada di bawah pengaruh kaum Slavofil. Mereka dikelompokkan dalam "Moskvityanin", yang jiwanya adalah penerbit majalah tersebut, sejarawan terkenal M.P. Pogodin dan penyair dan kritikus Apollo Grigoriev.

Helipad dan penangkap pengantin kaya Vikhorev ditentang oleh pedagang muda Vanya Borodkin, yang sangat mencintai orang pilihannya, Dunya Rusakova.

Kesuksesan yang lebih besar mengiringi produksi komedi “Poverty is not a Vice” pada Januari 1854 di Teater Maly. Itu adalah kemenangan yang nyata; ketenaran datang ke Ostrovsky dengan drama ini. Apollon Grigoriev 330

tidak membatasi dirinya pada prosa, memberikan ulasan antusias terhadap produksi drama tersebut, tetapi menyanyikannya dalam bentuk syair (puisi “Seni dan Kebenaran”). Mengingat “penonton yang setengah tertawa, setengah menangis” di teater, ia menyampaikan kegembiraannya dalam baris-baris berirama yang penuh semangat:

Penyair, pemberita kebenaran baru,

Dia mengelilingi kita dengan dunia baru dan menyampaikan perkataan baru kepada kita,

Setidaknya dia melayani kebenaran lama.

Ini adalah konsep Slavofilisme yang ringkas dan puitis. " Kebenaran lama" - hobi favorit para Slavofil: mereka mencari asal usulnya karakter rakyat dan masa depan Rusia di zaman kuno, dalam legenda, dalam adat istiadat kuno, dalam lagu dan legenda. Itulah sebabnya Ostrovsky memenuhi drama tersebut dengan motif cerita rakyat: lagu, ritual yang mengiringi aksi, karakternya bernyanyi, menari, memainkan akordeon dan gitar. Ini bukan hanya cita rasa sehari-hari, tapi semacam penghormatan terhadap konsep Slavophile.

Konflik komedi ditangani sepenuhnya dalam semangat Slavofilisme: bentrokan prinsip asli Rusia - Gordey Karpych Tortsov - dengan tren "Eropaisme", yang terdistorsi buruk dalam cara Rusia, Korshunov Afrika. Yang pertama keren, tapi santai, yang kedua adalah orang yang sinis dan kejam. Kelembutan, keramahan, simpati - ciri-ciri nasional Rusia kuno, kekasaran, egoisme - pengaruh Barat: ini adalah gema lain dari doktrin Slavofil dalam interpretasi artistik penulis naskah.

Dibandingkan dengan "Bangkrut", karakter yang muncul dalam drama tersebut adalah pembawa prinsip positif, gagasan pengampunan, ketulusan, kemurnian spiritual, dan kerendahan hati. Galeri wajah ini dibuka oleh Vanya Borodkin (“Jangan naik kereta luncurmu sendiri”), juru tulis Mitya (“Kemiskinan bukanlah sifat buruk”), dan kemudian Vasya dalam “Ardent Heart” (1869), Plato di komedi “Kebenaran itu baik, tetapi kebahagiaan lebih baik” (1877), dll.

Perlu dicatat bahwa drama tersebut telah teruji oleh waktu, terbukti menjadi repertoar dan dipentaskan dengan sukses tidak hanya di era Ostrovsky, tetapi juga di abad ke-20 dan di zaman kita.

Peningkatan popularitas baru penulis naskah dikaitkan dengan drama “A Profitable Place” (1857). Ini adalah terobosan artistik ke dalam bidang baru kehidupan Rusia: pusat pekerjaannya adalah birokrasi, dari perwakilan tertinggi hingga kelompok kecil. L.N. Tolstoy mencatat dalam drama itu “kedalaman suram yang sama yang terdengar dalam “Bangkrut*” ~ “protes keras terhadap kehidupan modern,” yang paling jelas “diekspresikan dalam diri sekretaris lama penerima suap Yusov.”

Plotnya didasarkan pada runtuhnya impian luhur idealis muda Zhadov. Memulai karir birokrasinya, ia berharap dapat memberi manfaat bagi masyarakat dan mempraktikkan ide-ide tentang kebaikan dan kemajuan yang ia pelajari di universitas. Namun semua cita-cita idealnya runtuh ketika ia menghadapi kenyataan: penerima suap dari berbagai tingkatan dan posisi tumbuh subur di sekelilingnya, kejujuran ditakdirkan untuk menjadi miskin. Direktur sebuah departemen besar, Vyshnevsky, yang telah mencapai pangkat, kebangsawanan, dan uang, mengakui dengan tulus: “Saya bukan seorang pesulap, saya tidak dapat membangun kamar marmer dengan satu gerakan... Saya butuh uang ; mereka perlu dikeluarkan. Dan hal-hal tersebut tidak selalu mudah didapat.” Satu-satunya cara untuk mendapatkannya, menurut gagasan dan praktiknya, adalah pemalsuan licik yang tidak memperhitungkan hukum pidana, dan suap, di mana ia adalah ahlinya.

Ostrovsky berani mengatakan secara terbuka dalam dramanya, membangun plot dan konfliknya dengan cara tertentu, mengelompokkan karakter, bahwa di Rusia konsep “suap”, “resmi”, “kemakmuran” tidak dapat dipisahkan: seseorang tidak ada tanpa lainnya, seperti halnya “opini publik”, yang sangat ditakuti oleh para pahlawan Griboedov dan Pushkin pada masanya. Vyshnevsky dengan bersemangat berkata kepada keponakannya (Zhadov): “Ini opini publik untuk Anda: jika Anda tidak tertangkap, Anda bukan pencuri. Apa pedulinya masyarakat, berapa pendapatan yang Anda jalani, selama Anda hidup layak dan berperilaku seperti orang baik.” Dan dia ingat bagaimana seluruh kota provinsi “menghormati penerima suap pertama karena dia tinggal secara terbuka dan menghabiskan malam dua kali seminggu.” “Moralitas” orang yang tidak bermoral menang dalam segala hal, dan pejabat departemen berhasil lulus sekolah Vyshnevsky: Belogubov yang masih muda dan pemula, serta penerima suap tua yang terampil, Yusov. Dialah yang merumuskan rahasia sukses pelindungnya, yang hidup sekaligus memberi kehidupan kepada orang lain: “Kecepatan, keberanian dalam berbisnis... Ikuti dia, seperti di rel kereta api. Jadi ambillah dan pergi. Dan pangkat, dan perintah, dan segala jenis tanah, dan rumah, dan desa-desa dengan tanah terlantar... Sungguh menakjubkan!”

Pahlawan Ostrovsky bukan hanya praktisi suap, tetapi semacam filsuf suap. Mereka tahu semua labirinnya yang rumit, aturan-aturannya yang tidak tertulis. Menurut pendapat mereka, hal ini tidak bisa dihindari di Rusia, karena ini adalah kehidupan itu sendiri. Yusov ingat bagaimana dia memulai karirnya sebagai pesuruh: dia tidak duduk di meja, bukan di kursi, tetapi di dekat jendela, di atas seikat kertas, dia menulis bukan dari wadah tinta, tetapi dari toples lipstik. Namun, takdir mencari dia dengan belas kasihannya - karena kemampuannya untuk hidup; bertahun-tahun kemudian dia sudah menjadi pemilik tanah, dia punya tiga rumah, dia memelihara kakusnya (dalam empat kali lipat), dll. Hal yang utama, tegasnya, adalah “tangan tidak memalsukan”. Anda dapat mengambilnya dengan cara apa pun, tidak hanya dengan uang, tetapi juga dengan layanan, sehingga dapat dikatakan, secara "kredit", Anda dapat menyelesaikannya bahkan nanti: "Gunung tidak bertemu gunung, tetapi manusia bertemu manusia... sesuatu akan terjadi, yah, itu genap.” “Ambillah sedemikian rupa agar pemohon tidak tersinggung dan Anda puas. Hidup sesuai hukum; hiduplah agar serigala diberi makan dan domba aman. Mengapa mengejar lebih banyak! Ayamnya mematuk satu butir sekaligus, tapi sudah kenyang.”

Kemampuan beruntung lainnya dari para birokrat adalah kemampuan beradaptasi dengan keadaan, terutama terhadap penguasa: “Mereka memperhatikan Anda, ya, Anda laki-laki, Anda bernapas; tapi mereka tidak pindah agama - siapa kamu?.. Cacing! - kata Yusov.

Segala sesuatu di sini terkait dengan tanggung jawab bersama. Lingkungan yang digambarkan Ostrovsky mereproduksi dirinya sendiri dan jenisnya sendiri, merusak mereka yang terjerumus ke dalamnya, mendidik, dan membentuk seluruh kelompok penerima suap, sinis, dan bajingan. Tapi dia tanpa ampun melumpuhkan jiwa dan menghancurkan nasib orang jujur. Tokoh sentral drama tersebut, Zhadov, memasuki dinas dengan hati nurani yang bersih; ia memandang kehidupan dengan ceria dan percaya diri, percaya bahwa melalui kerja keras, orang yang terpelajar mampu memberikan penghidupan yang layak bagi dirinya dan keluarganya. Tapi di adegan terakhir, dia mendatangi pamannya yang berpengaruh (Vyshnevsky) untuk meminta... posisi yang menguntungkan, yaitu posisi di mana dia bisa menerima suap, “membeli sesuatu,” katanya hati-hati. Zhadov sama sekali bukan pahlawan, bukan pejuang, melainkan orang biasa yang lemah. Kemiskinan, masalah keluarga, dan kebobrokan di sekitarnya menghabisinya. Dan hanya kesempatan yang memberinya kesempatan untuk bertahan seorang pria yang jujur dan mempunyai hak untuk menatap mata semua orang tanpa rasa malu dan penyesalan. “Saya akan menunggu saatnya,” katanya, “ketika penerima suap lebih takut pada pengadilan umum daripada pengadilan pidana.”

Efek satir permainan baru begitu hebat sehingga, seperti "Bangkrut", dilarang produksinya selama bertahun-tahun, dan hanya tujuh tahun setelah pengerjaannya selesai, penulis mendapat izin untuk menampilkan dramanya di atas panggung (1863). Nasib karya-karya Ostrovsky begitu sulit (walaupun dramanya sukses luar biasa di kalangan penonton teater) karena ia memiliki kemampuan untuk membuka masalah-masalah menyakitkan dalam kehidupan Rusia setiap saat dan membawanya ke perhatian penonton dengan kekuatan artistik sedemikian rupa sehingga ia menghadapi perlawanan paling sengit: pertama dari "kantong uang" Rusia - pedagang berpengaruh ("Bangkrut"), kemudian - "kelas bangsawan", bangsawan Rusia ("Jangan naik kereta luncurmu sendiri"), dan akhirnya, sensor datang untuk membela suku besar birokrat di negara birokrasi - birokrasi Rusia, yang selalu dibedakan oleh fakta bahwa ia kemudian ditandai dengan kata pendek dan pahit: "Mereka mencuri..."

Menyimpulkan aktivitas penulis naskah selama hampir sepuluh tahun, Dobrolyubov menerbitkan artikel “The Dark Kingdom” pada tahun 1859, menekankan bahwa hal utama dalam drama Ostrovsky adalah “hubungan keluarga dan properti”: “Ini adalah dunia yang tersembunyi, diam-diam mendesah kesedihan, dunia yang membosankan, kesakitan, penjara dunia yang sunyi senyap." Kritikus membatasi analisisnya pada realitas lingkup sosial yang tercermin dalam karya-karya penulis naskah. Namun inilah tujuan, menurut definisinya, dari “kritik nyata”: untuk berbicara tidak terlalu banyak tentang kekhususan artistik dari karya tersebut, tetapi tentang kehidupan yang digambarkan di dalamnya, dan tentang karyanya. masalah akut. Dunia orang-orang yang tertindas dengan kejam, orang-orang yang tidak berdaya, dan kekuatan tirani yang menang - inilah tema utama drama Ostrovsky, yang ditekankan oleh Dobrolyubov. Bidang solusi artistik dan keterampilan dramatis penulis tetap berada dalam bayang-bayang.

Dari “Badai Petir” hingga “Mahar”

Juga pada tahun 1859, “The Thunderstorm,” drama Ostrovsky yang terkenal, muncul. Pekerjaan itu intens dan waktunya singkat: dimulai pada musim panas (Juni-Juli), penulis naskah menyelesaikannya pada Oktober 1859.

“1 Rose” merupakan sebuah karya yang terbilang misterius. Pertama, ternyata menjadi repertoar yang sangat layak di berbagai era sejarah teater Rusia. Kedua, genrenya tidak biasa. Ini adalah tragedi dengan unsur komedi yang tajam, hampir seperti lelucon: cerita Feklusha tentang negara-negara di luar negeri di mana “Saltans” berkuasa dan orang-orang berkepala anjing tinggal, omong kosong yang didengarkan orang biasa dengan takjub dan takut, atau kejenakaan yang benar-benar liar dari alam liar, saudagar kaya, di mana prinsip tiran dihadirkan dalam bentuk kesewenang-wenangan yang tak terkendali.

Dalam waktu yang telah berlalu sejak kejayaan komedi “Bankrupt” dan “Poverty is not a Vice”, banyak yang berubah dalam gaya kreatif penulis naskah, meskipun jenis gambar yang sama tampaknya tetap utuh seperti sebelumnya. Namun, semua ini adalah sesuatu, tetapi tidak demikian, bisa dikatakan. Bahwa para tiran (Dikoy, Kabanikha) seperti dua kacang polong seperti sebelumnya hanyalah kesan eksternal. Ruang konflik telah berubah secara dramatis. Di sana (“Bangkrut”, “Kemiskinan bukanlah suatu keburukan”) tindakannya terbatas pada kerangka keluarga yang sempit, di sini ruang lingkup penerapan kekuatan kemauan tirani telah meluas tak terkira. Keluarganya tetap ada, tapi bukan hanya dia. DI DALAM komentar penulis, yang menjadi ciri Savel Prokofievich Dikiy, adalah definisi tidak hanya dari status sosialnya (“pedagang”), tetapi juga status sosialnya: “ orang penting di kota." Dalam perbincangan walikota disebutkan, Dikoy bersamanya kaki pendek dan bahkan tidak menganggap perlu menyembunyikan tipu muslihatnya darinya dengan pemotongan gaji buruh yang tidak dibayar atau sewenang-wenang.

Ini adalah babak baru dalam studi artistik tentang tipe tiran yang akhirnya meninggalkan kamar Zamoskvoretsky dan “sombong” tidak hanya terhadap keluarganya, tetapi juga terhadap orang-orang yang asing baginya. Dikoy tidak akan dilupakan, dan 10 tahun kemudian dia akan muncul di The Warm Heart (1869), berubah menjadi Kuroslepov yang mabuk selamanya, dan walikota akan keluar dari balik layar dalam drama yang sama dan tidak lagi menjadi seorang karakter ekstra-plot, seperti dalam "The Thunderstorm", tetapi Karakter sentral, walikota Gradoboev, adalah karakter komedi satir klasik dari Ostrovsky.

Keistimewaan lain dari drama baru ini adalah warna iluminasi tirani dalam “The Thunderstorm” ternyata lebih kental. Dikoy sepenuhnya sesuai dengan namanya - kekuatan liar yang tak terkendali, yang sangat buruk dalam manifestasinya. Jenis hubungan tiran lainnya - terkendali, tetapi juga sangat kejam - Kabanova. Komposisi tokohnya menekankan: “istri saudagar kaya”; Dikoy sendiri takut padanya.

Konflik lakon juga mengalami transformasi yang signifikan. Sebelumnya, pembawa prinsip moral positif dikontraskan dengan pahlawan negatif: Vanya Borodkin - Vikhorev ("Jangan duduk di kereta luncurmu sendiri") yang mulia dan penuh kasih, petugas Mitya - Gordey Karpych Tortsov dan Korshunov. Tetapi bahkan dalam kasus-kasus seperti itu, konfrontasi dalam konflik tidak termasuk: yang pertama terlalu terhina dan tertindas untuk memprotes, yang kedua sangat yakin akan kemauan mereka yang tak terkendali, pada hak, tanpa ragu-ragu, untuk melaksanakan keadilan dan pembalasan.

Dalam The Thunderstorm, pengelompokan karakter dan interaksi konfliktualnya berubah secara dramatis. Apa yang terjadi di sini adalah untuk pertama kalinya dalam diri Ostrovsky sebuah konfrontasi serius dengan kekerasan, terlebih lagi, pada tingkat yang hampir tidak disadari dan spontan. Katerina adalah makhluk yang lemah dan belum berkembang - putri seorang saudagar dan istri seorang saudagar. Daging dari daging lingkungan ini. Oleh karena itu, berlebihan jika menyebutnya sebagai “sinar cahaya”, seperti yang dilakukan Dobrolyubov (artikel “Sinar Cahaya di Kerajaan Gelap”). Kritikus tersebut menggunakan citra Katerina untuk secara terselubung mengungkapkan gagasan tentang transformasi revolusioner masyarakat: drama tersebut, seperti yang ia jelaskan kepada pembaca, “berfungsi sebagai gema aspirasi yang membutuhkan struktur yang lebih baik.”

Sementara itu, konflik yang berakhir dengan bencana, kematian sang pahlawan wanita, tidak bersifat sosial melainkan psikologis. Dalam jiwa Katerina hiduplah rasa bersalah yang menyakitkan dan rasa takut atas perbuatannya (perzinahan). Motif-motif ini diperkuat oleh ciri lain

pahlawan wanita: ketulusan, keterbukaan, kebaikannya. Dia tidak tahu bagaimana berbohong dan bertindak sesuai prinsip: lakukan apapun yang kamu mau, selama semuanya dirahasiakan (aturan hidup Varvara, saudara perempuan suaminya, dan Tikhon sendiri). Tidak mungkin bagi Katerina untuk mengikuti jalan ini: tidak mungkin dia hidup tanpa cinta dan ketidakpedulian, dan dia tidak akan hidup seperti itu. Baginya, rumah keluarga Kabanov, di mana bahkan suaminya tidak dapat menanggapi perasaannya, meskipun dia mencintainya dengan caranya sendiri, adalah kuburan hidup, kematian lebih mudah - dan dia mati dalam keadaan setengah mengigau, setengah kenyataan: hanya alam yang bisa memberinya respons diam-simpati, dan dia menoleh padanya (fenomena 2, 4 dari babak kelima), tapi orang-orang tanpa ampun menyiksa dan menyiksanya di setiap langkah.

Dalam konflik "Badai Petir", faktor sosial tidak lagi dominan, yang ditekankan oleh Dobrolyubov dan apa yang ada dalam drama sebelumnya: juru tulis Mitya - dan pemiliknya, pedagang kaya Tortsov, dan Korshunov yang sama; Vanya Borodkin dan bangsawan Vikhorev. Di sini, dalam "Badai Petir", orang-orang yang menciptakan konflik akut adalah setara satu sama lain. Kekuatan ledakan protes terkonsentrasi terutama pada karakter pahlawan wanita, seperti yang diciptakan Ostrovsky.

Benar, Katerina masih punya jalan keluar: dia bisa hidup mengikuti teladan Varvara dan Kudryash. Tapi dia tidak berada di jalur yang sama dengan mereka, dia tidak bisa berbohong, mengelak, dan Boris dengan tepat mengulangi karakter-karakter pembawa gairah yang tidak mengeluh yang diketahui penonton dari drama Ostrovsky sebelumnya.

Ciri lain yang membedakan karakter luar biasa ini adalah keinginan akan kebebasan yang hidup dalam dirinya. Rupanya, dalam keluarga tempat Katerina menghabiskan masa kecil dan remajanya, dengan didikan yang sangat religius, tidak ada jejak despotisme dan cara hidup tiran, yang menandai karakter Ostrovsky sebelumnya, yang berasal dari lingkungan pedagang. Perasaan kebebasan, kedekatan dengan alam, hubungan manusia yang baik membedakan pahlawan wanita dalam segala hal, dan dia dianggap oleh orang lain sebagai orang asing dalam kehidupan ini, tidak biasa, "aneh", dalam kata-kata Varvara, seorang wanita.

Dengan demikian, awal tragis dalam drama tersebut terutama disebabkan oleh karakter pahlawan wanitanya, Katerina, yang ditemukan dengan bahagia dan dikembangkan secara halus oleh penulis naskah. Ostrovsky tidak akan pernah mampu menciptakan sesuatu yang serupa dalam hal kekuatan suara tragis, meskipun ia memperjuangkannya dengan segenap kekuatan jiwanya dan mendekati kesuksesan "The Thunderstorm" di berbagai periode karyanya: dalam "Dowry" dan di “Gadis Salju”.

Lingkaran pencarian kreatif Ostrovsky, yang muncul dalam drama pertama, berlanjut dalam “1 Rose”, ditutup dalam “Dowry” (1869). Hampir sepuluh tahun telah berlalu sejak “The Thunderstorm”, dan sekitar tiga puluh tahun telah berlalu sejak “Bankrupt ”. Selama bertahun-tahun, sebuah coupe yang sepenuhnya beradab muncul - 336

kualitas, yang perwakilannya dalam drama tersebut adalah Knurov dan Vozhevatov - pemilik pabrik, pemilik kapal uap, pemilik pabrik. Bangsawan Vikhorev (“Jangan duduk di kereta luncurmu sendiri”) berubah menjadi penangkap pengantin kaya yang sukses, tetapi dengan cengkeraman dan tuntutan yang besar - menjadi baron kapal uap yang brilian Sergei Sergeevich Paratov: yang ini, jika ada untung, akan menjual apa pun, bahkan jiwanya.

Telah berubah dan situasi konflik, terkait dengan tirani dan korban ini. Ada kekerasan, liar, bodoh; inilah ejekan yang canggih, penyiksaan terhadap orang yang tidak berdaya. Di sini Anda tidak dapat mengharapkan belas kasihan, seperti yang terjadi di masa lalu, ketika kemarahan tiran tiba-tiba berubah menjadi belas kasihan. Paratov, memandang Karandyshev, seorang pejabat yang tidak mencolok, berkata dengan nada menghina dan marah: "Dia sombong, seperti laki-laki... Tapi tunggu, temanku, aku mengolok-olokmu!"

Dia menghibur dirinya bukan dengan satu, tetapi dengan dua orang, seperti Karandysheva, dengan bijaksana mengejar seorang gadis muda, percaya dan penuh kasih - Larisa Ogudalova.

Logika para ahli kehidupan yang baru ditemukan ini sederhana: uang dapat melakukan segalanya; bagi mereka, tidak ada ukuran lain yang dapat menentukan signifikansi manusia dan nilai kepribadian. Paratov menawarkan Vasya Vozhevatov, seorang pedagang “terlatih”, sebagai badut Arkady Schastlivtsev, seorang aktor provinsi (dia kemudian akan muncul sebagai karakter sentral dalam komedi terkenal lainnya karya Ostrovsky, “The Forest”): “Ini, ambillah jiwamu , saya bisa memberikannya kepada Anda untuk sehari.”

Adapun sang pahlawan wanita, plotnya dibangun seiring dengan meningkatnya ketegangan dan perasaan putus asa: setelah Paratov, yang sebelumnya menipunya dengan berjanji untuk menikahinya, meskipun dia sudah bertunangan dan mengambil warisan yang kaya untuk pengantinnya, meninggalkan Larisa, dia secara sinis bermain melawan rivalnya baru-baru ini, Vozhevatov dan Knurov, yang, seperti dia, menangani ibu kota besar. Dia “pergi” ke Mokiy Parmenych Knurov, yang pergi ke Paris untuk pameran industri dan membawa Larisa bersamanya sebagai kekasihnya. Dalam daftar karakternya, dia memiliki deskripsi yang ekspresif: “salah satu pengusaha besar akhir-akhir ini, seorang lelaki tua dengan kekayaan besar.” Dia sendiri dengan percaya diri berkata tentang dirinya sendiri: "Bagi saya, hal yang mustahil saja tidak cukup." Larisa tidak punya pilihan, dan dia menyetujui usulan Knurov setelah berjuang singkat dengan dirinya sendiri dan memastikan bahwa dia tidak memiliki tekad untuk bunuh diri.

Para korban di sini mendapati diri mereka berada dalam lingkaran setan. Tidak ada jalan keluar bagi mereka, bahkan kebetulan tidak dapat membantu dengan cara apa pun: para tiran dari generasi lama adalah orang-orang yang cerdas, orang-orang yang tidak berperasaan ini adalah batu api. Snis-

Anda tidak dapat mengharapkan mereka untuk berjalan. Dalam “Dowryless”, dengan kekuatan yang lebih besar daripada di “The Thunderstorm”, motif kesepian dan malapetaka manusia bergema. “Dingin sekali hidup seperti ini,” Larisa mengakui dengan putus asa. “Berpura-pura, bohong… Tidak, aku tidak bisa, ini sulit, sangat sulit.” Berbeda dengan Katerina, dia tetap berkompromi, memilih hidup, [Tapi ini tidak memuluskan tragedi situasinya, tidak menguranginya. | Jika terjemahan nama Larisa adalah burung camar, maka sayapnya patah.

Komedi akhir tahun 60an - awal tahun 70an

Menjadi sangat jelas bahwa “etnografi” Ostrovsky memberi jalan pada generalisasi yang sangat besar. Dia tetap seorang seniman dan orang tidak bisa mengharapkan mereka berjalan-jalan. Dalam “Dowryless”, dengan kekuatan yang lebih besar daripada di “The Thunderstorm”, motif kesepian dan malapetaka manusia bergema. “Dingin sekali hidup seperti ini,” Larisa mengakui dengan putus asa. “Berpura-pura, bohong… Tidak, aku tidak bisa, ini sulit, sangat sulit.” Berbeda dengan Katerina, dia tetap berkompromi, memilih hidup, [Tapi ini tidak memuluskan tragedi situasinya, tidak menguranginya. | Jika terjemahan nama Larisa adalah burung camar, maka sayapnya patah.

Karandyshev, tunangannya yang tidak beruntung, mendapati dirinya berada dalam posisi yang sama. Dia menyedihkan, konyol, tidak penting, tetapi dia adalah seorang laki-laki dan mengakui dirinya sebagai seorang laki-laki, dan pada saat pencerahan dia penuh dengan keputusasaan: “Untuk mematahkan dada [ pria yang lucu, cabut hatimu, lemparkan ke bawah kakimu dan injak-injak!.. Kejam, sangat kejam.”

Akhir dari drama tersebut memiliki sentuhan melodrama: Karandyshev, karena cemburu, menembak Larisa, dan dia, sekarat, memaafkan semua orang.

Namun ketegangan konflik yang tragis, ketika orang yang kesepian dan tak berdaya terlempar ke dunia sinisme yang kejam, di mana segala sesuatunya hanya bertumpu pada kekuatan uang, tidak diragukan lagi masih ada. Bahkan sebelum terjadinya akibat tragis yang tak terduga, hal ini telah digariskan oleh Paratov: “Sekarang kaum borjuasi sedang berjaya... dalam arti sebenarnya, zaman keemasan akan datang!” Sulit bagi kemanusiaan, ketulusan, dan kesusilaan menemukan tempat bagi diri mereka sendiri: nilai-nilai lain mendominasi di sini.

Komedi akhir tahun 60an - awal tahun 70an

Gagasan tentang dominasi era baru hubungan moneter dan dampaknya bagi manusia dikembangkan dalam sejumlah komedi brilian Ostrovsky di ambang dua dekade: tahun 60an dan 70an. Karya mahakaryanya adalah komedi “Enough Simplicity for Every Wise Man” (1868). Drama tersebut bersifat sastra dalam arti penuh dengan kiasan dan kenangan yang terkait dengan tradisi drama Rusia. Jika Anda perhatikan lebih dekat, prototeks dari drama tersebut dapat dengan mudah ditentukan - sebuah komedi oleh A.S. Griboyedova. Bahkan judulnya segera membangun hubungan asosiatif: "Celakalah dari Kecerdasan" (dalam draf - "Celakalah bagi Kecerdasan") - dan "Kesederhanaan sudah cukup untuk setiap orang bijak": semacam parafrase pemikiran Griboyedov, hanya dalam ungkapan pepatah. Metode yang digunakan Ostrovsky, tentu saja, berbeda: tidak ada gaung skematisme gaya klasik, sama seperti tidak ada pahlawan positif - sebuah fitur yang mirip dengan drama pertamanya, “Bankrupt,” yang muncul hampir 20 tahun yang lalu. .

Ketika Glumov, yang mengikuti nada suara Gorodulin, dengan angkuh menuntut "untuk memberinya layanan di mana dia bisa berdiri berhadap-hadapan dengan adik laki-lakinya" untuk "melihat kebutuhannya yang mendesak dan memuaskannya dengan cepat dan penuh simpati," Gorodulin langsung memahami esensi dari pidatonya : “Sepengetahuan saya, apakah Anda, menurut cara berpikir Anda yang jujur, membutuhkan posisi sebagai pengurus atau pengurus rumah tangga di lembaga pemerintah atau amal?” Glumov hanya membutuhkan tempat yang hangat, dan di sana dia akan menanam “ adik laki-laki” untuk sup gaber dan kubis, seperti pahlawan Gogol, mengisi kantongnya sendiri dengan mengorbankan orang lain. Tetapi bagi Gorodulin hal ini tidak menjadi masalah, baginya penting untuk bertemu dengan pembicara yang banyak akal seperti dirinya, dan untuk melibatkan orang yang dia butuhkan pada bisnis yang menguntungkan.

Dengan cerdik memanfaatkan kelemahan para pendukungnya, mengambil hati mereka, Glumov mengecewakan dirinya sendiri dengan mencatat semua eksploitasinya sebagai penjilat dan penipu yang cerdik, semua kekesalan seorang pengamat yang cerdas dan ironis dalam buku hariannya, menciptakan potret kartun para dermawannya. “Kronik kevulgaran manusia,” seperti yang dimaksudkannya dalam buku harian itu, menjadi kronik kehinaannya sendiri. Pada saat karirnya sudah terjamin dan dia siap menerima layanan yang menguntungkan selain pengantin kaya, buku harian itu jatuh ke tangan para korbannya yang berpangkat tinggi. Dia terlempar kembali ke keadaan dimana dia memulai intriknya.

Gambaran yang ditemukan oleh penulis naskah itu sangat menarik minatnya sehingga ia kembali lagi ke gambar itu dalam komedi “Mad Money” (1870). Masyarakat demimonde Moskow memaafkan Glumov, dan sekarang dia adalah sekretaris seorang wanita kaya, dan yang paling penting, wanita kaya, yang dengannya dia pergi ke perairan penyembuhan dengan harapan bahwa perjalanan ini, dengan bantuan pengobatan yang lebih baik, akan terjadi. habisi dia, dan kekayaan akan ditransfer kepadanya.

Pengerjaan komedi “Mad Money” dimulai pada tahun 1869 (yaitu, setelah selesainya “Enough Simplicity for Every Wise Man”), namun melanjutkan tema yang diungkapkan dalam “Dowryless”: gagasan bahwa “era keemasan” baru telah dimulai pada tahun 1869. Rusia. abad" - abad kemenangan kaum borjuis yang bijaksana dan giat. Semua gagasan yang lazim di kalangan bangsawan sedang runtuh, dan “para pebisnis” muncul ke permukaan, mengumpulkan modal yang sangat besar.

Hasil dari transformasi yang telah terjadi dirangkum oleh kecantikan muda Moskow Lydia Cheboksarova, yang memiliki pengalaman pahit berkomunikasi dengan “orang baru”: “Dewi kebahagiaan tanpa beban saya jatuh dari tumpuannya, dan sebagai gantinya adalah seorang idola buruh yang kasar dan pro-340

Kronik sejarah.

Dimainkan dari kehidupan teater

Salah satu ciri ciri sastra tahun 60an. adalah berkembangnya drama sejarah. Ini ada alasannya. Perubahan sosial yang dialami masyarakat mendorong kita untuk memahami masa lalu; melemahnya sensor menyebabkan diterbitkannya sejumlah besar materi sejarah. Pada tahun 60an. Dalam sains Rusia, apa yang disebut sekolah negeri menjadi mapan dan tersebar luas, menghubungkan sejarah perkembangan negara dengan sejarah negara dan mendasarkan periodisasi kehidupan masyarakat Rusia pada gagasan evolusi negara. . Seiring dengan arah tersebut, yang berangkat dari pemikiran ulang konsep Hegelian, yang menyatakan bahwa negara kuat merupakan ekspresi tertinggi sejarah kehidupan masyarakat, secara karya sejumlah ilmuwan merumuskan gagasan sejarah sebagai manifestasinya. tentang aktivitas massa, tentang pentingnya gerakan kerakyatan dalam kemajuan sosial.

Oleh karena itu, dalam drama sejarah, ada dua era yang menarik minat utama para penulis: akhir abad ke-16. - era Ivan IV, seorang raja yang dengan segala cara memaksakan otokrasi tanpa batas, negara feodal yang kuat, dan awal abad ke-17. - era “banyak pemberontakan”, perang petani dan gerakan rakyat melawan penindasan negara, tuan tanah feodal dan perbudakan kaum tani.

Pada tahun 60an, Ostrovsky menciptakan sejumlah drama sejarah. Dia tampil bersama mereka dalam produksi cetak dan teater sebelum A.K. Tolstoy dengan triloginya: “The Death of Ivan the Terrible” (1866), “Tsar Fyodor Ioannovich” (1868), “Boris the Way” (1870). Ostrovsky memperoleh minat pada sejarah Rusia selama tahun-tahun mahasiswanya di Universitas Moskow, di mana ia mendengarkan ceramah M.P. Pogodin, yang berhubungan dekat dengannya dan bekerja di kantor editorial majalah Moskvityanin. Berbicara tentang peran karya seni yang didedikasikan untuk masa lalu tanah air, Ostrovsky menulis: “Sejarawan menyampaikan apa yang terjadi; penyair dramatis menunjukkan bagaimana keadaannya, dia membawa penonton ke adegan aksi dan menjadikannya partisipan dalam acara tersebut.”

Karya pertama semacam ini adalah lakon “Kozma Zakharinch Minin, Sukhoruk” (1862), yang dibuat dalam genre kronik sejarah. Pada edisi pertama, dilarang produksi dan tidak pernah dipentaskan. Pada tahun 1866, Ostrovsky merevisi teks tersebut, sehingga melemahkan citra Minin sebagai juru bicara sentimen populer dan kritik tajam terhadap pengkhianatan para bangsawan yang “kuat dan kaya”. Peristiwa utama drama tersebut berlangsung di Nizhny Novgorod. Penulis naskah menggunakan bahan-bahan dari Komisi Arkeografi, di mana P.I. Melnikov adalah seorang etnografer terkenal, sejarawan, penulis fiksi, yang diterbitkan dengan nama samaran Andrei Pechersky, penulis novel-duologi “In the Forests” dan “On the Mountains”. Melnikov dibuka nama lengkap warga negara hebat tanah Rusia - Kozma Zakharyich Minin, Sukhoruk.

Drama kedua, dan juga dari sejarah XVII abad, hanya dari era berikutnya, tahun 70an, - “Voivode (Mimpi di Volga).” Drama ini ada dalam dua edisi: edisi pertama (1865) dan edisi kedua (1885). Aksi ini didasarkan pada konfrontasi antara dua pahlawan: gubernur Nechay Shalygin (“shalygan”, menurut Vl. Dahl, - cambuk, cambuk) - yang kejam, egois, dikirim untuk "memberi makan" di kota Volga, dan Roman Dubrovin, seorang warga kota yang buron, pembela kaum yang kehilangan haknya, orang-orang yang tertindas oleh Shalygin. Seperti dalam Minin edisi kedua, Ostrovsky memperkenalkan motif wawasan keagamaan ke dalam versi final teks drama baru: gubernur tidak dicopot berdasarkan keputusan tsar, tetapi ia sendiri meninggalkan kekuasaan, berniat pergi ke biara. . Lakon tersebut banyak menggunakan motif cerita rakyat, kenangan lagu dan legenda tentang Razin, dongeng, puisi spiritual, dan lagu bandit. Drama tersebut membangkitkan minat besar di kalangan komposer Rusia: opera pertama oleh P.I. "The Voevoda" karya Tchaikovsky (penulis drama sendiri berpartisipasi dalam pembuatan libretto: awal babak pertama dan bagian kedua); opera SEBAGAI. Arensky; musik untuk "The Voevoda" juga ditulis oleh M.P. Mussorgsky.

Ostrovsky sendiri memilih di antara drama sejarah kronik dramatis “Dmitry the Pretender and Vasily Shuisky” (1866). “Jangka panjang,” katanya, studi sumber, pengalaman sebelumnya mengarah pada fakta bahwa kronik itu ditulis dalam empat bulan (dari Februari hingga Mei 1866). Atas saran N.A. Nekrasov, karena Sovremennik berada di bawah ancaman pelarangan, Ostrovsky menerbitkan drama tersebut di jurnal Vestnik Evropy (1867, No. O). Pertunjukan perdana di Teater Maly sukses besar (Februari 1867). Produksi Petersburg (penulis drama harus mengatasi perlawanan pejabat Komite Teater) baru terwujud pada bulan Februari 1872. Isu sentral dalam drama tersebut adalah masalah rakyat dan kekuasaan, dan kekuasaan - dalam gambar Pretender dan Shuisky - adalah ditafsirkan oleh penulis dengan nada yang sangat negatif. Ostrovsky mengatakan bahwa ia meminjam bentuk kronik dramatis dari Pushkin dari Boris Godunov.” mereka jarang tampil di panggung.

Ostrovsky, seorang ahli teater yang hebat, menciptakan antologi unik tentang kehidupan teater Rusia dan tipe aktor, pengusaha, pelindung, dan penggemar seni pertunjukan teater. Drama “Komedian Abad ke-17” (1873) didedikasikan untuk era kelahiran teater Rusia, bertepatan dengan peringatan 200 tahun pembukaan teater di Rusia, yang dirayakan pada bulan Oktober 1872. Namun luar biasa dan kesuksesan abadi (berlanjut hingga hari ini) menyertai drama-dramanya dari era modern. kehidupan teater dan penggambaran moral, kemenangan dan tragedi teater Rusia, karakter aktor-aktor Rusia: komedi “The Forest”, drama-drama tersebut. “Bakat dan Pengagum”, “Bersalah Tanpa Rasa Bersalah”.

Dalam "The Forest" (1971), Ostrovsky pertama kali membawa aktor provinsi ke panggung sebagai karakter utama - bagian yang paling dirugikan dari suku pengembara pelayan Melpomene - dan tetap setia pada tema ini dalam drama berikutnya: dalam "Talents and Admirers" dan “Bersalah Tanpa Rasa Bersalah.” Dalam komedi “The Forest”, dua pahlawan menjadi sorotan: Arkashka Schastlivtsev, yang sebelumnya berprofesi sebagai komedian, berperan sebagai kekasih, kini berperan sebagai pembisik. “Kaum terpelajar telah menang,” keluhnya, “dari pejabat, dari perwira, dari universitas - semua orang naik ke atas panggung. Tidak ada kehidupan. Bagaimana rasanya menjadi orang yang berjiwa luhur? Kepada para pembisiknya!…” Tetapi jika Schastlivtsev adalah seorang pria tanpa keluarga tanpa suku, maka Neschastlivtsev, seorang aktor tragis, adalah seorang bangsawan yang terbawa oleh teater dan mengabdikan seluruh hidupnya untuk itu.

Namun hal ini tidak menghalangi mereka untuk menjadi teman dekat baik dalam pengabdian teater maupun dalam kemalangan bersama. “Tangan, kawan!” - kalimat terakhir sang tragedi terdengar dengan bangga dan khusyuk di akhir drama, dan keduanya perlahan-lahan pergi, seperti biasa, tanpa uang sepeser pun dan berjalan kaki. Pertemuan para aktor keliling juga tak kalah simbolisnya. Mereka menemukan diri mereka di persimpangan jalan: yang satu berangkat dari Vologda ke Kerch (Schastlivtsev), yang lain berangkat dari Kerch ke Vologda (Neschastlivtsev). Pertukaran kata-kata pertama yang membuka drama itu akhirnya berubah menjadi pepatah: “Dari Vologda ke Kerch. Dari Kerch ke Vologda." Meskipun mereka memiliki jalan yang sama: mereka berkeliaran di kelompok provinsi, dari satu pengusaha ke pengusaha lain, penipu yang sama seperti yang pertama, mereka bertahan hidup dari roti ke air, dan ketika mereka memiliki sedikit uang di tangan mereka, mereka dengan senang hati menyia-nyiakannya, membantu satu sama lain, dan seringkali orang lain, yang mendapati diri mereka berada dalam situasi yang lebih menyedihkan.

Ostrovsky bersama-sama memperkenalkan tema sosial yang terdengar tajam ke dalam drama itu: nasib seorang aktor yang tidak menentu, kesulitan keberadaan material, sikap meremehkan, jika tidak menghina orang-orang biasa, pelindung seni, dan masyarakat itu sendiri. .

Pasangan yang kontras ini memberikan plot efek komedi yang cerah: Neschastlivtsev berperan sebagai pemilik tanah yang kaya, Schastlivtsev sebagai anteknya: lakon tersebut berubah menjadi “teater di dalam teater”, dengan situasi improvisasi akting yang lucu, hingga saat pemaparan pemilik tanah imajiner dan pelayannya.

Tetapi jika rencana karakter pertama dirancang dalam semangat komedi ceria, maka yang kedua, lingkungan di mana para pahlawan menemukan diri mereka ketika mereka menemukan diri mereka di tanah milik bibi Gennady Neschastlivtsev, pemilik tanah Gurmyzhskaya yang masih kaya tetapi bangkrut, dirancang dengan nada satir yang berbeda dan tajam. Perkebunan yang mereka tuju memiliki nama simbolis: “Tunggul”. Segala sesuatu di pertanian Gurmyzhskaya berjalan sesuai dengan pepatah: melalui tunggul, pertanian tidak berjalan dengan baik, hutan yang indah dijual dengan harga murah. Itu dibeli dari Gurmyzhskaya oleh Vosmibratov, seorang pedagang kaya yang sebelumnya tidak dia izinkan masuk ke depan pintu rumahnya. Dengan menabung secara pelit dalam hal-hal kecil, ia merugi dalam hal-hal besar. Di bagian akhir, seorang wanita tua, teladan moralitas di distrik tersebut, menikah dengan seorang putus sekolah... seorang siswa sekolah menengah, "Menendang" di setiap kesempatan Bulanov (nama keluarga yang terdengar), seorang pria bodoh dan sia-sia - orang pilihannya, cocok menjadi putranya, selalu senang dengan dirinya sendiri. Tapi begitu dia menunjukkan kesombongannya terhadap sang aktor, dia dihancurkan oleh serangkaian lelucon tanpa ampun yang menimpanya: "Apakah kamu bodoh sejak lahir, atau apakah aku tiba-tiba pergi bersamamu hari ini?"

rusa?.. Begini: Anda meletakkan tas di bahu Anda, menempelkan papan tulis ke kancingnya dan menyelesaikan studi Anda... Ya Tuhan! Dia sedang berbicara! Dengar, kamu, siswa SMA, anak sekolah, siswa sekolah paroki!.. Diam, tabel perkalian! Kornelius Nepos! Celana Pythagoras!.. Apa kamu? Pengawal, halaman. Penyanyi? Dan akhirnya, seorang pejalan cepat, seorang badut? Dia bilang... Selamat tinggal, stylus!

Gennady Neschastlivtsev tidak hanya cerdas, ia juga cerdas dan berpendidikan, tidak seperti pemuda lancang dan lingkaran dalam Gurmyzhskaya. Penulis komedi dengan jelas membangun teks dalam arti komposisi, menciptakan pasangan gambar tertentu: Gennady Neschastlivtsev dan Arkady Schastlivtsev (nama samaran akting mereka sudah menjadi ciri khasnya); Milonov yang berhati cantik, seolah-olah mengulangi Manilov karya Gogol; Uar Kirilych Bodaev, seperti dua kacang polong, menyerupai Sobakevich dalam kekasaran dan omelan pikunnya; Karp yang lugas dan pengurus rumah tangga Ulita, mata-mata dan mata-mata Gurmyzhskaya.

Akhirnya, berdasarkan prinsip bukan perbandingan, melainkan oposisi, pengelompokan karakter umum dibuat: Neschastlivtsev - Schastlivtsev // Gurmyzhskaya - Bulanov - Ulita; Milonov - Bodaev.

Para aktor, tidak diragukan lagi, disorot oleh penulis dengan latar belakang ini: bakat, ketertarikan yang penuh gairah terhadap seni, pengabdian terhadap seni, meskipun terkadang berpikiran sederhana, perasaan yang agak naif, tetapi ini adalah nilai tertinggi bagi mereka, orang-orang dari teater. Hal ini memberi mereka hak untuk menghargai diri sendiri, meskipun orang biasa yang berkecukupan memperlakukan mereka dengan merendahkan, atau bahkan dengan hina. “Saya seorang pengemis, gelandangan yang menyedihkan, tapi di atas panggung saya adalah seorang pangeran. Aku menjalani hidupnya, aku tersiksa oleh pikirannya, aku menangis dengan air matanya karena Ophelia yang malang dan aku mencintainya seperti empat puluh ribu saudara laki-laki tidak bisa mencintai.” Bahkan jika Anda terbunuh, dihancurkan oleh keadaan, maka “suara pertama orkestra akan membangkitkan Anda,” tragedi Neschastlivtsev meyakinkan aktris yang baru bertobat, Aksyusha, yang, bagaimanapun, tidak akan pernah menjadi dirinya.

Perasaan lain yang ditekankan pengarang dalam tokoh-tokohnya: rasa persahabatan, persahabatan, keterbukaan jiwa, keinginan membantu orang. Aktor malang Neschastlivtsev-lah yang mengatur nasib Aksyusha, meskipun hal ini seharusnya dilakukan oleh Gurmyzhskaya yang kaya.

Dalam drama "Bersalah tanpa rasa bersalah"(1884) Ostrovsky akhirnya membawa penonton bersamanya ke teater itu sendiri. Namun ternyata kuil Melpomene, yang dibicarakan oleh para pelayannya dengan penuh semangat dan pengabdian, dalam kehidupan sehari-hari keberadaannya tidak memiliki keindahan dan keajaiban misterius yang terus-menerus mereka bicarakan. Nafsu kecil mendidih di sini, intrik dengan konsekuensi berat terungkap, di mana para aktor itu sendiri adalah penganiaya dan korban, ada hierarki di sini: “berhala” publik, mencari pengakuan dengan cara apa pun, dan orang-orang buangan yang malang, entah bagaimana memenuhi kebutuhan, ~ ganda Arkashki Schastlivtseva, “bukan seniman kelas satu,” seperti yang dikatakan pelayan hotel, tempat aktris terkenal Kruchinina, yang sukses besar di provinsi-provinsi, seperti Arkadina (“The Seagull” oleh Chekhov), tinggal.

Drama ini mengungkap dua situasi konflik secara bersamaan. Kruchinina, datang ke kota provinsi di mana dia pernah kehilangan anaknya, putranya, yang dia anggap mati, dan skandal yang disiapkan oleh orang-orang yang iri dari rombongan teater, di mana mereka akan menggunakan artis kasar Neznamov, setelah mendapatkan dia mabuk. Gubernur bermaksud mengusirnya dari kota untuk perselisihan berikutnya, dan hanya intervensi Kruchinina - permintaan untuk memaafkannya - yang menyelamatkan Neznamov dari masalah.

Dalam drama “Guilty Without Guilt” (1884), Ostrovsky akhirnya membawa penonton bersamanya ke teater itu sendiri. Namun ternyata kuil Melpomene, yang dibicarakan oleh para pelayannya dengan penuh semangat dan pengabdian, dalam kehidupan sehari-hari keberadaannya tidak memiliki keindahan dan keajaiban misterius yang terus-menerus mereka bicarakan. Nafsu kecil mendidih di sini, intrik dengan akibat yang berat terungkap, di mana para aktor itu sendiri adalah penganiaya dan korban, ada hierarki di sini: “berhala” publik, mencari pengakuan dengan cara apa pun,

Dan orang-orang buangan yang malang, entah bagaimana memenuhi kebutuhan, adalah pemeran pengganti Arkashka Schastlivtsev, “bukan artis kelas satu,” seperti yang dikatakan pelayan hotel, di mana aktris terkenal Kruchinina, yang telah sukses besar di provinsi-provinsi, seperti Arkadina ( “The Seagull” oleh Chekhov), tetap tinggal).

Drama ini mengungkap dua situasi konflik secara bersamaan. Kruchinina, datang ke kota provinsi di mana dia pernah kehilangan anaknya, putranya, yang dia anggap mati, dan skandal yang disiapkan oleh orang-orang yang iri dari rombongan teater, di mana mereka akan menggunakan artis kasar Neznamov, setelah mendapatkan dia mabuk. Gubernur bermaksud mengusirnya dari kota untuk perselisihan berikutnya, dan hanya intervensi Kruchinina - permintaan untuk memaafkannya - yang menyelamatkan Neznamov dari masalah.

Ostrovsky memperkenalkan ke dalam drama itu dua sosok aktor yang sangat berwarna dari kalangan "biasa": Neznamov dan Shmaga. Yang pertama pernah bergabung dengan rombongan keliling dan meninggalkan kota, di mana ia dianggap sebagai “pagar” yang tidak memiliki orang tua, keluarga, atau bahkan nama: ia tidak memiliki dokumen yang mengonfirmasi hubungannya. Jadi dia berpindah-pindah bersama para pengusaha dari kota ke kota di bawah ketakutan abadi bahwa setiap saat polisi dapat mengantarnya ke tanah airnya, di mana dia tidak memiliki orang yang dekat dengannya. Dia memandang dirinya sebagai orang yang telah meninggal, dan percaya bahwa, karena kekuatan keadaan, cepat atau lambat

dibakar di penjara. Dia berpendidikan rendah dan dibesarkan dengan baik, tetapi menutupi kurangnya rasa percaya diri dengan kekasaran dan kejenakaan mabuk yang kurang ajar. Dia dibenarkan hanya oleh fakta bahwa sejak hari kelahirannya dia “tidak merasakan sensasi lain selain rasa sakit.” “Jiwa saya begitu sakit,” akunya, “sehingga setiap pandangan, setiap kata menyakiti saya.”

Ostrovsky "memahat" sosok ini dengan sangat sukses sehingga Shmaga berubah menjadi karakter komedi tajam yang terkenal, salah satu pencapaian cemerlang penulis naskah drama semacam ini, meskipun ia lebih bisa disebut pahlawan tragisomik, kondisinya sangat menyedihkan: keduanya di musim panas dan dalam cuaca beku yang parah dia berjalan-jalan dengan satu mantel tipis, ini adalah seluruh "lemari pakaiannya". Dalam hal ini, ia mirip dengan Arkady Schastlivtsev, yang menurut pengakuannya, karena kurangnya pakaian hangat, selama jalan musim dingin Mereka menggulingkan kami ke dalam karpet besar dan dengan demikian menyelamatkan kami.

Namun setiap penampilan Shmaga di atas panggung diproduksi efek komik, dan ucapannya seiring berjalannya waktu berubah menjadi peribahasa yang ada di bibir semua orang: “Artis… bangga!”, “Kami adalah seniman, tempat kami ada di prasmanan.” Meminjam cerutu dari Dudukin: “Saya selalu merokok satu jenis.” - “Yang mana?” - “Alien.”

Namun, kejenakaan Neznamov dan Shmagi tidak mempengaruhi Kruchinina. Dia sangat memahami orang-orang ini, sesama seniman: “Saya sudah cukup melihat hinaan, hinaan, dan segala macam kesedihan,” akunya, “dalam hidup; Saya tidak asing lagi dengan menjadi.” “Kemenangan akan datang belakangan, tapi pertama-tama kesedihan dan air mata,” katanya dengan keyakinan, mengingat nasibnya.

Di akhir drama, penulis menggabungkan akhir dengan klimaks, di mana kedua intrik bergabung: pencarian putra yang hilang di masa mudanya dan skandal yang dimulai oleh orang-orang Kruchinina yang iri. Secara kebetulan, Kruchinina akhirnya, setelah terus-menerus mengalami siksaan dan kesakitan ibu, menemukan kedamaian: putranya ternyata... Neznamov.

“Guilty Without Guilt” melengkapi “triptych” teatrikal Ostrovsky yang terkenal. Repertoar paling banyak dari drama terkenal ini adalah “The Forest,” yang menunjukkan umur panjang yang luar biasa (puncak popularitasnya terjadi pada awal abad ke-21) dan “Guilty Without Guilt.”

Dialektika kebenaran dan fiksi. Ciri yang mencolok dari teknik dramatis Ostrovsky adalah bahwa dramanya meninggalkan kesan yang begitu besar tentang kebenaran dari apa yang digambarkan sehingga seseorang tanpa sadar mendapat gagasan bahwa drama tersebut tidak disusun, tetapi hanya ditransfer. kehidupan nyata dalam episode-episode yang akurat secara etnografis di atas panggung, sedemikian rupa sehingga dekat dengan kenyataan itu sendiri, baik dalam detail terkecil maupun secara umum. struktur plot. Pernyataan terkenal Jenderal A.P. Ermolov tentang “Bangkrut”: “Drama ini tidak dibuat; dia dilahirkan sendiri! - sekadar pemikiran seorang pecinta teater, menangkap kesan umum tentang dampak langsung karya tersebut terhadap penonton.

Sementara itu, drama Ostrovsky disusun dan ditulis dengan tepat oleh tangan sang master yang tegas dan terampil. Kesan keaslian tidak muncul secara kebetulan.”

Pertama, gambaran kehidupan ini selalu khas Rusia: kehidupan, bahasa, karakter. Dari sudut pandang ini, ia adalah penulis murni nasional, bukan internasional.

Kedua, ia harus didefinisikan sebagai seniman kehidupan. Metodenya dalam menciptakan karakter dan mengatur plot sedemikian rupa sehingga ia tampaknya menghindari teknik buatan yang dikembangkan oleh dramaturgi sebelumnya demi dampak yang paling mencolok pada penonton: tidak adanya intrik yang canggih, efek panggung, dan hiburan. Plotnya sederhana dan terkadang tampak tanpa aksi: adegan-adegannya perlahan-lahan mengikuti satu sama lain, biasa-biasa saja, sehari-hari. Pengarang sepertinya tidak terlalu peduli dengan penciptaan dramaturgi peristiwa yang menegangkan, dan berjalan seperti biasa, ketika tiba-tiba penonton mulai menyadari bahwa ia telah lama terlibat dalam siklus drama yang sangat intens, baik itu komedi atau drama. permainan yang bersifat tragis.

Teknik dramatis yang unik ini membangkitkan gagasan tentang seorang penulis yang tidak memihak dan tidak memihak yang, seperti pahlawan Pushkin, “mendengarkan kebaikan dan kejahatan dengan acuh tak acuh” dan hanya seorang penulis kronik kehidupan yang teliti, tanpa memasukkan elemen subjektif ke dalam gambar. Namun pendapat seperti itu salah, karena Ostrovsky justru seorang penulis yang dengan penuh semangat mempertahankan posisi pertamanya, mengucapkan putusannya atas realitas yang memusuhi umat manusia.

Dengan kontradiksi internal dalam cara kreatif Ostrovsky: gambaran objektif tentang dunia dan subjektif penulis yang tersembunyi di dalamnya

awal - fitur lain dari dramanya yang mengantisipasi karya Chekhov terhubung: difusi genre, ketidakpastian rubriknya. Ostrovsky sendiri, dengan tetap berada dalam kerangka tradisi yang diterima, menamai dramanya, membaginya menjadi dua bagian: drama atau komedi. Pada kenyataannya, kesatuan disjungtif atau paling sering digantikan oleh kesatuan penghubung dan, karena tragedi dan komedi biasanya diasosiasikan dengannya, dan tidak dipisahkan satu sama lain, seperti yang sering terjadi dalam kehidupan itu sendiri. Efek komedi dalam “Hutan” tidak menghilangkan tragedi situasi Neschastlivtsev, dan tragedi manifestasi perasaan keibuan Kruchinina (“Bersalah Tanpa Rasa Bersalah”) hanya ditekankan oleh kejenakaan Shmagi yang aneh. Atau Negina, yang terburu-buru dalam jebakan, tidak menghalangi penulis untuk memasukkan ke dalam teks drama itu bukan hanya sebuah komedi, tetapi juga sosok lucu dari tragedi Erast Gromilov, yang setiap saat, dengan ucapan ekspresifnya dan pencarian mabuk yang tak ada habisnya “Vasya-nya” seolah menyoroti dan mengungkap tahapan ketegangan peristiwa yang semakin meningkat.

Prinsip penciptaan karakter. Penulis naskah drama percaya bahwa inti dari aktivitas seniman adalah “perkembangan karakter dan psikologi”. Tidak adanya keberpihakan, inkonsistensi kesadaran dan tindakan sang pahlawan merupakan salah satu pilar karakterologi lakon Ostrovsky. Bahkan yang disebut “orang positif” pun jauh dari gagasan idealnya tentang karakter tersebut. Mereka membawa sifat-sifat yang “mengurangi” dorongan hati mereka, niat baik mereka. Ini adalah karakter orang-orang yang seringkali tidak berdaya seperti Korpelov dalam drama “Labor Bread”, Kiselnikov dalam “The Abyss”, pemabuk dan pecundang Lyubim Tortsov (“Kemiskinan bukanlah suatu sifat buruk”). Ini adalah orang-orang yang “buruk dan baik bersama-sama,” seperti yang dikatakan Leo Tolstoy dalam kasus-kasus seperti itu; mereka tidak dibandingkan oleh penulisnya dengan standar mana pun, tetapi dibedakan oleh inkonsistensi yang melekat dalam kehidupan itu sendiri;

Kecenderungan ini jelas terlihat pada awal karir kreatifnya, dalam karakter persuasi “Slavophile”, yang membangkitkan kegembiraan A. Grigoriev dan kalangan “Moskvityanin”. Karakter seperti itu bisa disalahartikan sebagai orang yang bernalar, jika bukan karena satu keadaan penting: mereka adalah orang-orang yang lumpuh dengan caranya sendiri, semacam kebalikan dari gagasan “tiran”. Di setiap langkah, kelemahan manusia yang paling signifikan terungkap dalam diri mereka: mereka sama sekali tidak memiliki kemauan sendiri, mereka tidak bertindak ketika diperlukan, tetapi hanya berbicara dan menangis. “Ingat, Dunya, betapa Vanya Borodkin mencintaimu!” - kata yang ini selamat tinggal(“Jangan duduk di giringmu sendiri”) dan menangis, petugas Mitya “bertindak” dengan cara yang sama dalam komedi “Kemiskinan bukanlah suatu sifat buruk.” Benar, dia menawarkan Lyubov Gordeevna untuk melarikan diri, tetapi di situlah masalahnya berakhir: dia tidak menentang restu ayahnya, dan Mitya tidak memaksa.

Ini bukan cerminan ide pengarang, bukan tokoh konvensional, melainkan wajah yang hidup. Jika mereka ternyata bahagia, itu hanya karena kebetulan saja. Petugas Mitya, yang berada di dekatnya, menarik perhatian Gordey Karpych Tortsov, dan keputusan langsung dibuat: "Saya akan memberikannya untuk Mitka!" Hal ini dilakukan bukan demi kebahagiaan putrinya atau sebagai hadiah atas kebajikan orang yang dipilihnya, tetapi demi kesombongannya sendiri: hanya untuk mengganggu Korshunov, yang sedang bertengkar dengannya saat itu.

Chernyshevsky mencela Ostrovsky karena melunakkan konflik dalam drama tahun 50-an. Namun dalam kasus ini, bukan penulis naskah drama yang bernalar, melainkan kritikus: ia ingin “menyesuaikan” pemikiran penulis dengan ide-idenya, dan pemikiran tersebut berkembang sesuai dengan hukum artistik, tidak sesuai dengan kerangka kaku konsep revolusioner-demokratis Chernyshevsky. .

Bukan suatu kebetulan bahwa Ostrovsky, pada awal karirnya sebagai penulis naskah, mendapati dirinya bahkan tidak berada di antara dua api, seperti yang dikatakan pepatah, tetapi tiga api. “Utilitarian,” menurut Dostoevsky, yaitu. kaum demokrat revolusioner menuntut hal yang sama darinya kritik yang tajam, yang berada di “Bangkrut”. Orang-orang Barat melihatnya sebagai penolakan terhadap doktrin mereka. Namun kaum Slavofil juga merasa bahwa kostum Rusia kuno mereka yang menyamar terlalu berlebihan untuknya, dan mencelanya karena ketidakkonsistenannya. Dan mereka benar. Belakangan, Ostrovsky menulis kepada Nekrasov: kaum Slavofil telah menjadikan petani kayu untuk diri mereka sendiri, dan mereka merasa nyaman dengan mereka. “Anda bisa melakukan segala macam eksperimen dengan boneka; mereka tidak meminta untuk dimakan.”

Sebagai seniman besar, ia saat itu sudah berada di luar pihak* posisi teoretis yang sempit, di luar kelompok sastra: ukurannya adalah kebenaran hidup dan kebenaran karakter.

Hal yang sama terjadi dengan "Tempat yang Menguntungkan": Zhadov, dekat dengan "orang baik" dari komedi periode Slavophile, hanya dipindahkan ke lingkungan yang berbeda - birokrasi, hanya karena kebetulan keadaan menolak tempat yang hangat dan melakukannya tidak menjadi penerima suap seperti Yusov, Belonogov atau Vyshnevsky.

Lain contoh tipikal- Vasilkov ("Uang Gila") dengan nama belakangnya yang terdengar (gambaran Rusia yang puitis) dan keinginannya akan cinta yang ideal, pada kenyataannya - seorang pengusaha batu yang berdoa kepada satu idola - bunga uang dan bahkan menganggap istri cantik sebagai sarana mencapai kesuksesan komersial.

Dengan kejelasan dalam penggambaran karakter, ciri luar biasa dari gaya dramatis Ostrovsky adalah ia selalu memberikan ruang untuk improvisasi penyutradaraan dan akting di lapangan.

klaim atas solusi orisinal dalam pengembangan karakter ini atau itu! atau plot. Pada suatu waktu, dalam The Thunderstorm, potret panggung para karakter sangat tersosialisasikan. Misalnya, Kabanova (“Kabanikha”) bukanlah seorang wanita, melainkan sebuah balok yang berat, tidak bergerak, dan monumental, yang penampilannya menekan keinginan seseorang. Namun dalam produksi "The Thunderstorm" di era 90-an abad ke-20, pendekatan penyutradaraan dan akting yang benar-benar baru muncul dalam interpretasi gambar Marfa Ignatievna Kipinova: alih-alih seorang istri saudagar yang keras, berotot, dan kasar, Dia muncul di panggung dalam sejumlah pertunjukan di teater ibu kota dan provinsi. Dia adalah seorang wanita yang relatif muda, anggun, “sederhana”, “nyaman”, menarik, tetapi merupakan tambahan nyata bagi menantu perempuannya karena kecerobohannya, kebutaannya. cinta untuk putranya yang gelisah. Paradoks psikologis yang melekat pada gambar itu terwujud dalam kenyataan bahwa kasih sayang ibu ternyata mampu menghancurkan satu keluarga dan mengubah kehidupan orang-orang yang dicintai menjadi siksaan yang terus-menerus, sehingga penekanannya dialihkan ke apa yang terkandung. dalam karakter: dari interpretasi eksternal dan lugas hingga kekuatan nafsu manusia dan kejutan inkarnasi panggung.

Konstruksi plot. Ostrovsky mencapai kesempurnaan sejati tidak hanya dalam penggambaran realitas Rusia yang sebenarnya dan dalam pengembangan karakter yang lega, tetapi juga dalam pengorganisasian plot. Misalnya, akhir dari “A Profitable Place” bertepatan dengan klimaks, sehingga menambah drama peristiwa yang terjadi. Pada adegan terakhir babak kelima, seluruh tokoh yang tampil di hadapan penonton dalam pameran tampil di atas panggung. Namun keadaan telah berubah sekarang! Zhadov, yang pernah melakukan protes keras terhadap “kekejian” pelayanan, suap dan penerima suap, telah merendahkan dirinya dan siap menjadi pejabat yang kenyang daripada tetap menjadi pekerja yang lapar namun jujur. Tiba-tiba, pada saat itu juga, ternyata sang paman yang berhasil memperoleh modal, pangkat tinggi, dan kedudukan di masyarakat, diadili sebagai penjahat. Sebuah konstruksi tertutup muncul, yang disebut simetri cincin, di mana penulis secara tak terduga mengubah penekanannya. Tampaknya, sebuah komentar acak dari Yusov di awal pengembangan aksi tentang Vyshnevsky, yang berhasil dalam hal-hal yang meragukan: “Saya belum mencapai satu hal: Saya tidak sepenuhnya tegas dalam hukum, ” - dalam hasil pertandingan, ini akan menjadi keadaan yang menentukan dan membawa bencana bagi nasib pejabat tinggi yang percaya diri. Dengan kata lain, eksposisi mengandung dorongan yang energik, tetapi untuk sementara tersembunyi untuk pengembangan plot di masa depan, detail ini, yang penuh dengan energi ledakan, berubah menjadi klimaks-akhir yang dramatis: Yusov ternyata menjadi menjadi klimaks. benar dengan ramalannya yang tidak disengaja. Kartridnya jatuh begitu saja

pelanggaran hukum, dalam kasus pidana. Dan komentar menyakitkan (dari babak pertama) Vyshnevsky, yang meyakinkan keponakannya bahwa seseorang hanya dapat menemukan sedikit penghiburan dalam kejujurannya sendiri jika dia tinggal di loteng dengan sepotong roti hitam, terdengar lagi, diubah, dalam monolog terakhir Zhadov: “...Sekarang aku tidak akan mengubah diriku sendiri. Jika takdir membuatku makan satu roti hitam, aku akan makan satu roti hitam. Tidak ada berkah yang akan menggodaku, tidak!”

Jadi, selain ketajaman tema yang dihadirkan (penyuapan, korupsi birokrasi), “abadi” bagi Rusia, lakon tersebut memberikan kesan yang sangat besar karena ternyata merupakan sebuah mahakarya seni yang di dalamnya terdapat tangan seorang ahli bentuk yang terampil. dirasakan. Bukan suatu kebetulan bahwa “A Profitable Place” menjadi salah satu drama Ostrovsky yang paling repertoar dan selalu dipentaskan dengan sukses di panggung teater Rusia dari abad ke-19 hingga ke-21; terutama di Rusia, karena masalah yang dikemukakan oleh Ostrovsky selalu relevan di sini.

Dalam komedi dan drama tahun 70an dan 80an, ada ciri khas yang menarik perhatian: tidak seperti biasanya drama awal: alur ceritanya bisa jadi cukup sederhana, namun seringkali alur ceritanya rumit, sehingga sang pahlawan terkadang tetap menjadi misteri baik bagi karakter di sekitarnya maupun bagi penonton. “Sepertinya ada kekuatan yang mendatangi Anda,” aku Telyatev (“Uang Gila”), berbicara tentang Vasilkov, masih tidak memahami jutawan aneh seperti apa dari “Chukhloma” yang muncul di hadapannya. Dia dengan mudah mengekspresikan dirinya dalam bahasa-bahasa Eropa, tetapi dalam bahasa ibunya - dengan cara yang paling biadab. Sebagai seorang bangsawan sejak lahir, dia merasa lebih nyaman dengan kontraktor dan pekerja dibandingkan dengan orang-orang di lingkungannya sendiri. Dalam komedi yang sama, salah satu kisah kepala keluarga Cheboksarov adalah keseluruhan nasib yang “terenkripsi” dari kaum bangsawan yang dulunya berkuasa dan jatuhnya kebesaran mereka sebelumnya; Plot dalam “The Forest” dan dalam drama “Guilty Without Guilt” rumit.

Namun di sini juga, penulis berusaha untuk dengan jelas menyusun sistem komposisi karyanya, paling sering menggunakan teknik favoritnya - kontras: Glumov dan rombongannya (“Kesederhanaan sudah cukup untuk setiap orang bijak”); Vasilkov dan demi-monde Moskow (“Uang Gila”); Berkutov - Lynyaev, Glafira - Murzavetskaya, Kupavina (“Serigala dan Domba”); Gennady Neschastlivtsev - Arkady Schastlivtsev (“Hutan”); Neznamov - Shmaga (“Bersalah Tanpa Rasa Bersalah”), Erast Gromilov - Vasya (“Bakat dan Pengagum”).

Dengan tetap berada dalam batas-batas yang masuk akal secara absolut, penulis naskah drama menciptakan “blok-blok” gambar yang aneh yang dibangun di atas prinsip oposisi yang ditekankan. Dalam komedi “Kesederhanaan Cukup untuk Setiap Orang Bijaksana,” Gorodulin, dengan kebiasaan liberal dan kecintaannya pada keindahan, 358

Kata ini ditekankan oleh Jenderal Krutitsky dengan ciri keterusterangannya yang kasar dan kasar. Dalam “The Forest,” dua karakter, juga diberkahi dengan nama-nama yang bermakna, - Milonov dan Bodaev, pemilik tanah kaya, tetangga dan Gurmyzhskaya. Sudah membuka teks lakon, ciri-ciri pengarang terhadap tokoh-tokohnya membawa prinsip pengorganisasian, yang menentukan konstruksi keseluruhan struktur komposisi komedi: prinsip kontras dipertahankan dengan sempurna dalam sambutan singkat ini.

Evgeniy Apollonych Milonov, sekitar 45 tahun, memiliki rambut halus, berpakaian elegan, mengenakan dasi merah muda.

Uar Kiriyalych Bodayev, sekitar 60 tahun, pensiunan kavaleri, berambut abu-abu, berambut halus, dengan kumis besar dan cambang, dalam jas rok hitam, berkancing rapat, dengan salib dan medali seperti tentara, dengan tongkat penyangga di tangannya tangan, sedikit tuli.

Milonov (dia tidak hanya memakai dasi merah jambu, tapi sepertinya melihat segala sesuatu dalam “cahaya kemerahan”) memulai setiap penampilannya di atas panggung dengan kalimat antusias yang sama: “Semuanya luhur dan indah…”, tidak peduli apa pun itu adalah tentang. Bodaev, dengan kegigihan dan konsistensi yang sama, melanjutkan dorongan “luhur” lawan bicaranya dengan gerutuannya yang kasar dan pikun. Namun di akhir drama, para karakter menunjukkan kebulatan suara dalam penghinaan arogan terhadap “komedian” keliling. Ketika Gennady Neschastlivtsev membaca monolog yang menuduh dari “The Robbers” karya Schiller, Milonov tiba-tiba berseru dengan marah: “Tapi permisi. Anda dapat dimintai pertanggungjawaban atas kata-kata ini!” Bulanov, calon Bodaev, mengakhiri kalimat “optimisnya”: “Ya, pergi saja ke kantor polisi!”

rt: plot komedi tiba-tiba berubah menjadi aneh. Gurmyzhskaya mengumumkan kepada para tamu undangan: “Tuan-tuan, saya memanggil Anda untuk menandatangani surat wasiat, tetapi situasinya agak berubah. Saya akan menikah…” (Ingatlah bahwa seorang janda, yang telah melewati usia 50 tahun, akan menikah… dengan seorang siswa SMA!)

Fitur struktur artistik. Pahlawan Chekhov, seorang pria sederhana - kontraktor, pelukis Radish ("Hidupku"), bersemangat tentang teater, melukis pemandangan dalam produksi amatir, dengan hormat, seperti kebiasaan di kalangan masyarakat, berbicara tentang Ostrovsky, menunjukkan minat khusus pada "kompleks , konstruksi yang terampil" karya sastra: “Betapa semuanya cocok dengannya!”

^ Memang benar, penulis naskah menciptakan arsitektur drama yang harmonis, menegaskan prinsip-prinsip baru dalam pengorganisasiannya, memberikan energi tambahan pada plot dan ide artistik. Ostrovsky adalah orang pertama dalam drama Rusia yang mengembangkan fenomena bentuk internal. Yang ini

Eksperimennya yang sukses dan berani membantah konsep lama tentang penulis naskah drama-etnografer yang hanya berfokus pada penciptaan kemiripan kehidupan yang akurat dalam dramanya.

Teknik-teknik inovatif ini diekspresikan dengan kekuatan khusus dalam “1 Rose,” sebuah karya yang unik dalam hal bentuk.

Pertama-tama, seni menciptakan arsitektur (yaitu kesatuan internal, integritas konstruksi artistik) suatu karya sangat mencolok. Keterampilan dalam "membuat rencana" untuk sebuah drama dicatat, setelah I.A. Goncharov, menominasikan "Badai Petir" karena menganugerahi penulisnya Hadiah Akademik Uvarov (Count S.S. Uvarov dari tahun 1818 hingga 1855 adalah Presiden Akademi Ilmu Pengetahuan dan pada tahun 1833-1849 - Menteri Pendidikan Umum). “Tanpa takut dituduh melebih-lebihkan, seperti yang ditulis oleh penulis Oblomov, saya dapat mengatakan dengan sepenuh hati bahwa tidak ada karya seperti drama dalam literatur kita.” Dari sisi mana pun diambil, baik dari sisi rencana penciptaan, atau gerakan dramatis, atau, akhirnya, karakter, di mana pun ia ditangkap oleh kekuatan kreativitas, kehalusan pengamatan, dan keanggunan dekorasi.”

Penulis naskah mengelompokkan tokoh-tokoh menurut prinsip korelasi kontrasnya. Ini adalah “blok” gambar, yang saling bertentangan: Katerina - Boris/Varvara - Kudryash. Yang terakhir dipilih, menurut I.A. Goncharov, “jalan kejahatan yang menyenangkan” dan menegaskan hak mereka atas kebebasan dengan meninggalkan kehidupan mereka yang penuh kebencian demi kebebasan - ke tempat di mana tidak ada kendali keibuan atau kejenakaan Alam Liar. Katerina lebih memilih kematian daripada berada di penangkaran dan celaan abadi. Selain itu, Boris yang pasrah dan berkemauan lemah sama sekali bukan Kudryash dengan sifat Rusianya yang berani dan perampok (nama Kudryash bermakna: ceria, bebas, nakal).

Pertimbangan yang sangat halus dari rencana komposisi drama tersebut menegaskan keberadaan tema dan gambar yang paralel dan tumpang tindih. Akibatnya, terjadi intensifikasi dan penguatan yang jelas. Misalnya, kematian Katerina di final diperkuat oleh protes lain - dalam pemberontakan Tikhon, suaminya, makhluk yang berkemauan lemah dan tertindas. “Mama, kamu menghancurkannya! Kamu, kamu, kamu…” dia berteriak putus asa, jatuh ke atas mayat Katerina, dan sekali lagi mengulangi tuduhan pikirannya, dia, sampai kehilangan kemauannya sendiri, dengan bodohnya mengabdi kepada ibunya: “Kamu menghancurkannya! Anda! Anda!" Ledakan wawasan terakhir Tikhon yang tak terduga ini kontras dengan perilaku Boris (fenomena ketiga babak kelima), dengan sikap apatis dan ketundukannya pada takdir.

Situasi konfliktual yang dialami oleh seorang wanita yang penuh kepercayaan, murni, dan tulus ketika dia berada di rumah keluarga Kabanov ditekankan 360

paralel karakter tersembunyi lainnya: Katerina - Kulignn, Ini adalah dua makhluk "alien" di dunia yang kasar, kejam, dan sinis. Hubungan gambar-gambar ini secara komposisi ditetapkan oleh penulis naskah dalam struktur struktural yang berbeda. Kulignn segera, pada saat pertama kemunculannya di atas panggung, keluar dari lingkaran orang-orang yang akrab dengan penduduk kota Kalinov, dan sebagai tanggapannya mendengar ucapan mengejek acuh tak acuh dari Kudryash: “Nah, apa gunanya berbicara denganmu! Anda seorang barang antik, seorang ahli kimia!” Kulignn (penulis mengisyaratkan prototipe aslinya - penemu nugget Nizhny Novgorod yang luar biasa Kulibin) objek: “Seorang mekanik, seorang mekanik otodidak.” Tapi yang penting sudah pada kemunculan pertama Kuligin, dia sudah mapan hubungan khusus dengan orang lain. Dia asing bagi mereka, dia aneh. Kemudian pemikiran yang sama terlintas di benak Kudryash di benak Boris: “Sungguh pria yang baik! Dia bermimpi untuk dirinya sendiri dan bahagia!”

Episode eksposisi pengenalan citra Kuligin akan terulang dalam bentuk yang berbeda pada adegan dimana Katerina berduaan dengan Varvara untuk pertama kalinya. Replika dipertukarkan:

Katerina: Kenapa orang tidak terbang!

Varvara: Saya tidak mengerti apa yang Anda katakan.

Ini tidak lebih dari “Neshto” yang acuh tak acuh dan kebingungan Kudryash, dan motif “mimpi” yang sama, tidak dipahami dan aneh bagi orang-orang biasa yang berpikiran pragmatis, kehilangan ide-ide ideal, imajinasi dan perasaan yang berlebihan. Dengan demikian, kedua karakter sentral tersebut secara struktural dan psikologis terhubung satu sama lain melalui korelasi asosiatif-logis, figuratif, dan emosional.

Bukan suatu kebetulan jika Kuligin-lah yang membawa mendiang Katerina ke atas panggung: “Ini Katerina-mu. Lakukan apapun yang kamu inginkan dengannya! Tubuhnya ada di sini, ambillah; tetapi jiwa itu sekarang bukan milikmu: sekarang ia berada di hadapan hakim; siapa yang lebih penyayang darimu!

^Hubungan internal dilanjutkan di sini oleh penulis naskah: alur asosiatif dari suatu variabel, tetapi dekat dalam isi pemikiran emosional dan kiasan pada saat ini dilempar dari akhir drama ke awal eksposisi: “Moral yang kejam, Tuan, di kota kami, kejam *,” Kulagin menyimpulkan dengan getir ( babak pertama), dan, seperti gema, seperti gema dari pemikiran yang diungkapkan sebelumnya, kata terakhirnya terdengar di tubuh almarhum Katerina: “... sebelumnya seorang hakim yang lebih penyayang darimu!” Bagian akhir - teknik ini sangat disukai oleh Ostrovsky - diarahkan pada eksposisi, menciptakan perasaan kesatuan yang tertutup dan kelengkapan ide artistik.

Puisi judul. Bahasa drama Ostrovsky. Kita tidak hanya dapat berbicara tentang judul-judulnya, tetapi juga tentang puitis dari judul-judul drama Ostrovsky: dalam pilihannya, tidak diragukan lagi, beberapa pola yang berulang akan terasa.

Pertama, mereka ternyata dipenuhi dengan simbolisme tertentu, yang menurut pengamatan A.F. Losev, makna semantik dan ekspresif yang jauh lebih beragam daripada metafora. Misalnya, "Badai Petir" adalah cerminan dari judul drama tersebut tentang nasib tragis sang pahlawan wanita, penentuan hasil yang telah ditentukan sebelumnya, menerangi kehidupan sehari-hari dengan cahayanya yang menyilaukan dan fatal tentang apa yang terjadi. Dan pada saat yang sama - gambaran fenomena alam yang dahsyat, dengan caranya sendiri, terkadang juga konsekuensinya yang tragis dan tak terelakkan bagi manusia. Tetapi dalam drama itu ada juga keadaan moral orang ini, pahlawan wanita utama, juga, seperti badai petir, berjuang untuk mencapai klimaksnya: dalam eksposisi ada firasat akan badai petir, di akhir ada badai petir dan kematian. dari pahlawan wanita.

Nama-nama sejumlah drama terkenal secara simbolis ambigu: “Hati Hangat”, “Uang Gila”, “Serigala dan Domba”;<Таланты и поклонники», «Лес», «Пучина».

Sangat sering penulis menggunakan peribahasa dan ucapan rakyat sebagai judul. Ada banyak karya serupa; ini adalah bagian besar dari warisan Ostrovsky. Misalnya, “Kemiskinan bukanlah sifat buruk”, “Jangan duduk di giringmu sendiri”, “Kebenaran itu baik, tapi kebahagiaan lebih baik”, “Hati bukanlah batu”, “Kesederhanaan sudah cukup bagi setiap orang bijak. ”, “Dosa dan kemalangan tidak hidup pada siapa pun”, “Di pesta orang lain ada mabuk”, “Teman lama lebih baik daripada dua teman baru”, “Anjingmu sendiri berkelahi, jangan ganggu orang lain” , “Mimpi meriah - sebelum makan siang”, dll. Perlu dicatat bahwa daya tarik teknik ini tidak terkait dengan apa yang disebut “Slavophile "masa kreativitas. Penulis naskah drama menggunakannya tidak hanya untuk memberikan dramanya cita rasa rakyat, tetapi juga untuk memecahkan masalah artistik yang lebih luas. Judul-judul seperti itu membawa makna semantik tambahan, karena menggunakan rumusan umum kearifan rakyat. Judul lakon dalam kasus-kasus ini tidak hanya memberikan karya tersebut cita rasa nasional yang khas, tetapi juga memberikan logika unik, seperti yang dikatakan Pushkin, “cara berpikir dan perasaan” masyarakat.

Seringkali Ostrovsky memberi nama pada drama tersebut, mengambilnya dari teks karya tersebut: baik diucapkan oleh karakternya, atau pada saat yang sama muncul sebagai semacam gambar tembus pandang: "Hutan", "Beshe-364

uang”, “Serigala dan Domba”, dll. Judul-judul dalam kasus seperti itu menekankan, menonjolkan konflik, pergerakan plot, memberikan kesan yang digeneralisasi. Penulis naskah memastikan bahwa judul-judulnya sudah merasakan nafas ide karya; mereka dianggap sebagai bagian dari keseluruhan, sebagai kenangan akan hubungan kontekstual yang kompleks.

Selain fakta bahwa judul sering kali bersifat pepatah yang diperluas, judul tersebut juga dianggap sebagai semacam prasasti, yang memiliki hubungan asosiatif yang kompleks dengan teks.

Akhirnya, pilihan judul seperti itu memperkenalkan drama tersebut, bahkan sebelum dimulainya aksi panggung, ke dalam elemen linguistik khusus yang menjadi ciri karya Ostrovsky.

Peran bahasa sebagai media artistik sangat penting dalam drama. Selain keunggulan keterampilan dramatis: dalam membangun plot, karakter, dalam menggambarkan kehidupan sehari-hari, dalam menciptakan situasi konflik yang akut - bahasa karakter, melakukan tugas multifungsi, selalu diutamakan. Kita dapat mengatakan bahwa pengarang menciptakan, “memahat” karakter dalam bahasa karakter tidak kurang dari aksi plot yang mereka ikuti.

Selain itu, bagi Ostrovsky, bahasa itu sendiri ternyata menjadi subjek gambaran, menarik perhatian pendengar sebagai Kpi yang mandiri;

Untuk menciptakan cita rasa komedi yang cerah, Ostrovsky menggunakan teknik yang telah ia kembangkan dengan sempurna sebelumnya, di “Bangkrut”, ketika bahasa membangkitkan minat dengan kejutan ekspresifnya, “kejenakaan” verbal, dan kejenakaan lucu.

Nama dan nama keluarga yang “berbicara” dilegitimasi di panggung Rusia oleh Fonvizin. Tetapi Ostrovsky menggunakan teknik terkenal itu dengan begitu cerdik sehingga ia memperluas dan bahkan mengubah fungsinya. Nama keluarga yang bermakna, nama-nama pahlawannya terkadang tidak hanya menjadi sarana karakterologis, tetapi semacam figur stilistika untuk meningkatkan ekspresi. Pedagang Bolshov bukan hanya Bolshov, tetapi Samson (sebuah petunjuk tentang pahlawan alkitabiah yang perkasa!) Bolshoi yang kuat (!!), lalu Gurdey Karpych Tortsov dan Korshunov Afrika (“Kemiskinan bukanlah suatu sifat buruk”), Tit Titych Bruskov (“Dalam pesta orang lain, mabuk” akan muncul "): keluarganya memanggilnya Kit Kitich, yang terdengar lebih ekspresif. Terkadang pasangan karakter yang kontras muncul, menentukan pergerakan plot drama: Berkutov - Lynyaev ("Serigala dan Domba"), Vasilkov - Kuchumov ("Uang Gila"), Gurdey dan Lyubim Tortsovs ("Rakyat kami - kami akan menjadi bernomor!"). Terkadang pihak lain bertindak, menciptakan efek komik, dengan cara yang sangat canggih dan menyenangkan. Beginilah cara Rispozhensky tampil sebagai litigator kecil dan penipu. Seorang pemabuk yang getir, dengan ucapannya yang terus-menerus: "Saya mau minum segelas..." - dia sepertinya keluar dari pepatah populer ("Minum sampai mengenakan jubah"), penulis naskah, menggunakannya, menciptakan pembalikan nama yang cerdas dan bermakna. Glumov (“Kesederhanaan sudah cukup bagi setiap orang bijak”) bukan hanya karakter yang sepenuhnya mengharumkan namanya dalam tindakannya, tetapi juga tipe perilaku sosial yang cemerlang, siap menjual siapa pun atas nama karier, sebuah generalisasi -simbol pertama kali diciptakan kembali oleh penulis naskah. Ada banyak contoh seperti itu.

Ketertarikan sang master pada bahasa yang penuh warna, ekspresif, dan komedi tajam tidak memudar seiring berjalannya waktu; dia terus tanpa lelah mengembangkan eksperimen cemerlang pertama dari penulis naskah drama inovatif, yang telah tercermin dalam “Bangkrut”. Sebagai ahli pidato Rusia, Ostrovsky tidak ada bandingannya dalam dramaturgi, dan dalam hal pengetahuannya yang mendalam di bidang bahasa rakyat ia dapat ditempatkan di sebelah Vl. Dahlem, P.I. Melnikov (Andrey Pechersky), N.I. Leskov.

Drama Ostrovsky mahar psikologis

Jasa Ostrovsky terhadap drama Rusia dan teater nasional sangat besar. Selama hampir empat puluh tahun aktivitas kreatif A.N. Ostrovsky menciptakan repertoar yang kaya: sekitar lima puluh drama asli, beberapa drama ditulis bersama. Dia juga terlibat dalam terjemahan dan adaptasi drama oleh penulis lain. Suatu ketika, menyapa penulis naskah drama dalam rangka peringatan 35 tahun karir kreatifnya, I.A. Goncharov menulis: “Anda membawa seluruh perpustakaan karya seni sebagai hadiah untuk sastra, Anda menciptakan dunia khusus Anda sendiri untuk panggung. Anda sendiri yang menyelesaikan bangunan itu, yang fondasinya diletakkan oleh Fonvizin, Griboedov, dan Gogol. Namun hanya setelah Anda, kami, orang Rusia, dapat dengan bangga mengatakan: “Kami memiliki teater nasional Rusia sendiri. Seharusnya disebut "Teater Ostrovsky" Zhuravlev A.I., Nekrasov V.N. Teater A.N. Ostrovsky. - M.: Seni, 1986, hal. 8..

Bakat Ostrovsky, yang meneruskan tradisi terbaik drama klasik Rusia, menegaskan drama karakter dan moral sosial, generalisasi yang mendalam dan luas, memiliki pengaruh yang menentukan pada perkembangan drama Rusia progresif selanjutnya. Pada tingkat yang lebih besar atau lebih kecil, baik L. Tolstoy maupun Chekhov belajar darinya dan datang darinya. Justru dengan alur dramaturgi psikologis Rusia, yang diwakili Ostrovsky dengan begitu megah, dramaturgi Gorky juga terhubung. Penulis modern sedang belajar dan akan terus mempelajari keterampilan dramatis Ostrovsky untuk waktu yang lama.

Wajar jika dicatat bahwa bahkan sebelum Ostrovsky, drama progresif Rusia memiliki drama yang luar biasa. Mari kita ingat “The Minor” karya Fonvizin, “Woe from Wit” karya Griboyedov, “Boris Godunov” karya Pushkin, “The Inspector General” karya Gogol, dan “Masquerade” karya Lermontov. Masing-masing drama ini dapat memperkaya dan menghiasi, seperti yang ditulis Belinsky dengan tepat, literatur negara Eropa Barat mana pun.

Tapi drama ini terlalu sedikit. Dan mereka tidak menentukan keadaan repertoar teater. Secara kiasan, mereka menjulang di atas tingkat drama massal seperti gunung-gunung langka yang sepi di dataran gurun yang tak berujung. Mayoritas drama yang memenuhi panggung teater pada waktu itu adalah terjemahan dari vaudeville yang kosong dan sembrono serta melodrama yang menyentuh hati yang dijalin dari kengerian dan kejahatan. Baik vaudeville maupun melodrama, yang sangat jauh dari kehidupan nyata, terutama dari realitas Rusia yang sebenarnya, bahkan bukanlah bayangannya.

Pesatnya perkembangan realisme psikologis, yang kita amati pada paruh kedua abad ke-19, juga terwujud dalam drama. Ketertarikan pada kepribadian manusia di semua negara bagiannya memaksa para penulis mencari cara untuk mengekspresikannya. Dalam dramaturgi, sarana utamanya adalah individualisasi gaya bahasa karakter, dan peran utama dalam pengembangan metode ini adalah milik Ostrovsky.

Selain itu, Ostrovsky berusaha untuk melangkah lebih jauh dalam psikologi, di sepanjang jalur memberikan karakternya kebebasan semaksimal mungkin dalam kerangka rencana penulis - hasil dari eksperimen semacam itu adalah citra Katerina dalam "The Thunderstorm". Alexander Nikolaevich Ostrovsky menganggap awal perjalanan sastranya adalah tahun 1847, ketika ia membaca drama “Family Picture” dengan sukses besar di rumah profesor dan penulis SP. Shevyreva. Drama berikutnya, “Rakyat Kita – Mari Bernomor!” (judul asli “Bangkrut”) membuat namanya dikenal di seluruh dunia membaca Rusia. Sejak awal tahun 50an. ia aktif berkolaborasi dalam jurnal sejarawan M.P. Pogodin “Moskvityanin” dan segera, bersama dengan A.A. Grigoriev, L.A. Saya dan yang lainnya membentuk “dewan redaksi muda” “Moskvityanin”, yang mencoba menjadikan majalah tersebut sebagai organ tren pemikiran sosial baru, dekat dengan Slavofilisme dan mengantisipasi pochvenisme. Majalah ini mempromosikan seni realistik, minat terhadap kehidupan rakyat dan cerita rakyat, sejarah Rusia, terutama sejarah kelas-kelas yang tidak memiliki hak istimewa.

Ostrovsky datang ke dunia sastra sebagai pencipta gaya teater khas nasional, berdasarkan puisi pada tradisi cerita rakyat. Hal ini menjadi mungkin karena ia memulai dengan penggambaran strata patriarki masyarakat Rusia, yang melestarikan cara hidup keluarga, keseharian, dan budaya pra-Petrine, hampir non-Eropa. Ini masih merupakan lingkungan “pra-pribadi”; untuk menggambarkannya, puisi-puisi cerita rakyat dapat digunakan seluas-luasnya dengan keumumannya yang ekstrim, dengan tipe-tipe yang stabil, seolah-olah langsung dikenali oleh pendengar dan penonton, bahkan dengan pokok yang berulang-ulang. situasi plot - perjuangan sepasang kekasih untuk kebahagiaan mereka. Atas dasar ini, jenis komedi psikologis rakyat Ostrovsky diciptakan. BS Bugrov, M.M. Golubkov. - M.: Aspek Pers, 2000, hal. 202..

Penting untuk memahami apa yang menentukan kehadiran drama psikologis dalam karya Alexander Nikolaevich Ostrovsky. Pertama-tama, menurut kami, karena ia awalnya menciptakan karya-karyanya untuk teater, untuk pertunjukan panggung. Bagi Ostrovsky, pertunjukan itu merupakan bentuk penerbitan sebuah drama yang paling lengkap. Hanya selama pertunjukan panggung, fiksi dramatis pengarang menerima bentuk yang benar-benar selesai dan menghasilkan dampak psikologis yang tepat seperti yang ditetapkan pengarang sebagai tujuannya. Suara pemirsa - kontemporer. (F.A. Koni tentang A.N. Ostrovsky)//Sastra di sekolah. - 1998. - Nomor 3. - hal.18-22..

Selain itu, di era Ostrovsky, penonton teater lebih demokratis, lebih “beraneka ragam” dalam tingkat sosial dan pendidikan dibandingkan pembaca. Menurut pendapat wajar Ostrovsky, untuk memahami fiksi, Anda memerlukan tingkat pendidikan tertentu dan kebiasaan membaca yang serius. Penonton dapat pergi ke teater hanya untuk hiburan, dan terserah kepada teater dan penulis naskah untuk menjadikan pertunjukan tersebut sebagai kesenangan dan pelajaran moral. Dengan kata lain, sebuah pertunjukan teater harus mempunyai dampak psikologis yang maksimal bagi penontonnya.

Fokus pada eksistensi panggung drama juga menentukan perhatian khusus pengarang terhadap ciri psikologis masing-masing tokoh: baik tokoh utama maupun tokoh sekunder.

Psikologi deskripsi alam telah menentukan pemandangan masa depan.

SEBUAH. Ostrovsky memberikan peran penting pada judul setiap karyanya, juga berfokus pada produksi tahap selanjutnya, yang secara umum tidak khas sastra Rusia di era realisme. Faktanya adalah bahwa penonton langsung memahami drama tersebut; dia tidak bisa, seperti pembaca, berhenti dan berpikir, atau kembali ke awal. Oleh karena itu, ia harus segera diselaraskan secara psikologis oleh pengarangnya dengan jenis tontonan ini atau itu yang akan ia saksikan. Teks lakon diketahui diawali dengan poster yaitu judul, definisi genre, dan daftar tokoh yang digambarkan secara singkat. Dengan demikian, poster tersebut sudah memberi tahu pemirsa tentang konten dan “bagaimana hal itu akan berakhir,” dan seringkali juga tentang posisi penulis: dengan siapa penulis bersimpati, bagaimana dia menilai hasil dari aksi dramatis tersebut. Genre tradisional dalam pengertian ini adalah yang paling jelas dan jelas. Komedi berarti bahwa bagi tokoh-tokoh yang bersimpati dengan penulis dan penonton, semuanya akan berakhir dengan baik (makna kesejahteraan ini tentu saja bisa sangat berbeda, terkadang bertentangan dengan persepsi publik) Zhuravleva A.I. Dimainkan oleh A.N. Ostrovsky di panggung teater//Sastra di sekolah. - 1998. - Nomor 5. - hal.12-16..

Namun seiring dengan semakin kompleksnya kehidupan yang digambarkan dalam drama tersebut, semakin sulit untuk memberikan definisi genre yang jelas. Dan seringkali menolak nama “komedi”, Ostrovsky menyebut genre tersebut “adegan” atau “gambar”. "Adegan" - genre ini muncul di Ostrovsky di masa mudanya. Kemudian dikaitkan dengan puisi “aliran alam” dan merupakan sesuatu seperti esai yang didramatisasi, yang menggambarkan tipe-tipe karakteristik dalam sebuah plot, yang merupakan episode tersendiri, gambaran dari kehidupan para tokohnya. Dalam “adegan” dan “gambar” tahun 1860-an dan 1870-an kita melihat sesuatu yang berbeda. Di sini kita memiliki alur cerita yang berkembang sepenuhnya, sebuah pengungkapan aksi dramatis yang konsisten yang mengarah pada akhir yang benar-benar menghabiskan konflik dramatis tersebut. Batas antara “adegan” dan komedi tidak selalu mudah ditentukan selama periode ini. Mungkin, kita dapat menunjukkan dua alasan penolakan Ostrovsky terhadap definisi genre tradisional. Dalam beberapa kasus, penulis naskah drama merasa bahwa kejadian lucu yang dibahas dalam drama tersebut tidak cukup khas dan “berskala besar” untuk digeneralisasi secara mendalam dan kesimpulan moral yang penting - dan inilah tepatnya bagaimana Ostrovsky memahami esensi komedi (misalnya, “Tidak semuanya Maslenitsa untuk kucing”). Dalam kasus lain, ada terlalu banyak kesedihan dan kesulitan dalam kehidupan para pahlawan, meskipun akhir cerita ternyata sukses (“Abyss”, “Late Love”) oleh A.I. Dimainkan oleh A.N. Ostrovsky di panggung teater//Sastra di sekolah. - 1998. - Nomor 5. - hal.12-16..

Dalam lakon-lakon tahun 1860-an-1870-an, terjadi akumulasi drama secara bertahap dan pembentukan pahlawan yang diperlukan untuk genre drama dalam arti kata yang sempit. Pahlawan ini, pertama-tama, harus memiliki kesadaran pribadi yang berkembang. Selama ia tidak secara internal, spiritual merasa menentang lingkungan, tidak memisahkan diri sama sekali, ia dapat membangkitkan simpati, namun belum bisa menjadi pahlawan dalam sebuah drama, yang membutuhkan perjuangan yang aktif dan efektif dari sang pahlawan. keadaan. Pembentukan martabat moral pribadi dan nilai ekstra-kelas seseorang di benak para pekerja miskin dan massa perkotaan menarik minat Ostrovsky. Meningkatnya rasa individualitas yang disebabkan oleh reformasi, yang telah mencakup sebagian besar penduduk Rusia, memberikan materi dan dasar bagi drama. Dalam dunia seni Ostrovsky, dengan bakat komedinya yang cemerlang, konflik yang bersifat dramatis seringkali terus diselesaikan dalam struktur yang dramatis. “Kebenaran itu baik, tapi kebahagiaan lebih baik” ternyata adalah sebuah komedi yang benar-benar berada di ambang drama: “permainan besar” berikutnya, yang dibahas dalam surat yang dikutip di atas, adalah “Mahar”. Awalnya menyusun “adegan” yang tidak terlalu ia anggap penting, Ostrovsky, dalam karyanya, merasakan pentingnya karakter dan konflik. Dan saya pikir intinya di sini terutama pada pahlawannya - Platon Zybkin.

Seorang teman masa muda Ostrovsky, penyair dan kritikus hebat A.A. Grigoriev melihat “salah satu inspirasi tertinggi” Ostrovsky di Chatsky. Ia juga menyebut Chatsky sebagai “satu-satunya tokoh heroik dalam sastra kita” (1862). Sekilas, pernyataan kritikus tersebut mungkin mengejutkan Anda: Griboyedov dan Ostrovsky menggambarkan dunia yang sangat berbeda. Namun, pada tingkat yang lebih dalam, kebenaran penilaian Grigoriev tanpa syarat terungkap.

Griboyedov menciptakan dalam drama Rusia tipe “pahlawan tinggi”, yaitu pahlawan yang, melalui kata langsung yang dekat dengan penulisnya, mengungkapkan kebenaran, mengevaluasi peristiwa yang terjadi dalam drama tersebut dan mempengaruhi jalannya. Dia adalah pahlawan pribadi yang memiliki kemandirian dan melawan keadaan. Dalam hal ini, penemuan Griboyedov mempengaruhi keseluruhan perkembangan sastra Rusia abad ke-19 dan, tentu saja, Ostrovsky.

Fokus pada penonton luas, langsung dalam persepsi dan kesannya, menentukan orisinalitas dramaturgi Ostrovsky. Dia yakin bahwa penonton publik dalam drama dan tragedi membutuhkan “keluh kesah yang dalam di seluruh teater, mereka membutuhkan air mata hangat yang tulus, pidato hangat yang akan mengalir langsung ke dalam jiwa.”

Mengingat persyaratan ini, penulis drama menulis drama dengan intensitas ideologis dan emosional yang tinggi, baik komik maupun dramatis, drama yang “memikat jiwa, membuat Anda lupa waktu dan tempat.” Saat membuat drama, Ostrovsky terutama berangkat dari tradisi drama rakyat, dari persyaratan drama yang kuat dan komedi yang hebat. “Penulis Rusia ingin mencoba kemampuannya,” katanya, “di depan publik baru yang sarafnya tidak terlalu lentur, yang membutuhkan drama yang kuat, komedi yang hebat, menimbulkan tawa yang jujur, keras, panas, perasaan yang tulus, karakter yang hidup dan kuat. .”

Kritikus teater terkenal F.A. Kony, yang terkenal dengan ketidakberpihakan dan keberaniannya, langsung mengapresiasi kualitas tinggi karya Ostrovsky. Koni menganggap salah satu keunggulan sebuah karya dramatis adalah kesederhanaan isinya, dan ia melihat kesederhanaan ini, yang diangkat menjadi seni, dalam komedi Ostrovsky dalam penggambaran wajah. Koni menulis, khususnya, tentang drama “The Muscovites”: “Penulis drama itu membuatku jatuh cinta dengan karakter yang dia ciptakan. membuat saya jatuh cinta pada Rusakov, Borodkin, dan Dunya, terlepas dari ciri khas kecanggungan lahiriah mereka, karena ia mampu mengungkap sisi kemanusiaan batin mereka, yang tidak bisa tidak mempengaruhi kemanusiaan penontonnya.” Untuk drama “Moskow” // Repertoar dan jajaran panggung Rusia. - 1853. - Nomor 4. - Hal.34//Lihat. Kotikova P.B. Suara pemirsa - kontemporer. (F.A. Koni tentang A.N. Ostrovsky)//Sastra di sekolah. - 1998. - Nomor 3. - hal.18-22..

Juga A.F. Koni mencatat fakta bahwa sebelum Ostrovsky, “bahkan kontras (psikologis) tidak diperbolehkan dalam komedi Rusia: semua wajah berada di blok yang sama - semua, tanpa kecuali, adalah bajingan dan bodoh.” Apa kewarganegaraan Rusia? // Repertoar dan jajaran panggung Rusia. - 1853. - Nomor 4. - Hal.3//Lihat. Kotikova P.B. Suara pemirsa - kontemporer. (F.A. Koni tentang A.N. Ostrovsky)//Sastra di sekolah. - 1998. - Nomor 3. - hal.18-22..

Dengan demikian kita dapat mengatakan bahwa pada masa Ostrovsky, para kritikus mencatat kehadiran psikologi halus dalam karya-karya dramatisnya yang dapat mempengaruhi persepsi penonton terhadap karakter-karakter dalam drama tersebut.

Perlu dicatat bahwa dalam komedi dan dramanya Ostrovsky tidak membatasi dirinya pada peran sebagai penuduh yang menyindir. Ia dengan jelas dan penuh simpati menggambarkan para korban despotisme sosio-politik dan keluarga-domestik, pekerja, pecinta kebenaran, pendidik, Protestan yang ramah terhadap tirani dan kekerasan. Para pahlawannya ini adalah “sinar terang” di kerajaan gelap otokrasi, yang menandakan kemenangan keadilan Lakshin V.Ya. Teater Ostrovsky. - M.: Seni, 1985, hal. 28..

Menghukum mereka yang berkuasa, para “penindas”, para tiran dengan penilaian yang buruk, bersimpati dengan mereka yang kurang beruntung, menggambar pahlawan yang patut ditiru, Ostrovsky mengubah drama dan teater menjadi sekolah moral sosial.

Penulis naskah drama tidak hanya menjadikan pahlawan-pahlawan positif dalam lakonnya sebagai orang-orang yang bekerja dan maju, pembawa kebenaran dan kebijaksanaan masyarakat, tetapi juga menulis atas nama rakyat dan untuk rakyat. Ostrovsky menggambarkan dalam dramanya prosa kehidupan, orang-orang biasa dalam keadaan sehari-hari. Namun ia mengangkat prosa kehidupan ini ke dalam kerangka tipe artistik yang memiliki generalisasi yang sangat besar.

1. Tempat kreativitas Ostrovsky dalam dramaturgi Rusia.
2. "Drama Rakyat" di Teater Ostrovsky.
3. Pahlawan baru.

Dia mengungkapkan kepada dunia seorang pria dengan formasi baru: seorang pedagang Percaya Lama dan seorang pedagang kapitalis, seorang pedagang berjas tentara dan seorang pedagang dalam “troika”, bepergian ke luar negeri dan menjalankan bisnisnya sendiri. Ostrovsky membuka lebar-lebar pintu ke dunia yang sampai sekarang terkunci di balik pagar tinggi dari pandangan orang lain.
V.G.Marantsman

Dramaturgi merupakan genre yang melibatkan interaksi aktif antara penulis dan pembaca dalam mempertimbangkan permasalahan sosial yang diangkat penulis. A. N. Ostrovsky percaya bahwa drama memiliki dampak yang kuat terhadap masyarakat, teks adalah bagian dari pertunjukan, tetapi drama tidak dapat hidup tanpa pementasan. Ratusan dan ribuan orang akan melihatnya, tetapi membaca lebih sedikit. Kebangsaan menjadi ciri utama drama tahun 1860-an: pahlawan dari masyarakat, gambaran kehidupan masyarakat lapisan bawah, pencarian karakter bangsa yang positif. Drama selalu mempunyai kemampuan untuk merespon isu-isu terkini. Karya Ostrovsky menjadi pusat dramaturgi saat ini; Yu.M. Lotman menyebut dramanya sebagai puncak dramaturgi Rusia. I. A. Goncharov menyebut Ostrovsky sebagai pencipta “teater nasional Rusia”, dan N. A. Dobrolyubov menyebut dramanya sebagai “permainan kehidupan”, karena dalam dramanya kehidupan pribadi masyarakat berkembang menjadi gambaran masyarakat modern. Dalam komedi besar pertama, “We Will Be Our Own People” (1850), kontradiksi sosial diperlihatkan melalui konflik dalam keluarga. Dengan drama inilah teater Ostrovsky dimulai; di sanalah prinsip-prinsip baru aksi panggung, perilaku aktor, dan hiburan teater pertama kali muncul.

Karya Ostrovsky adalah hal baru bagi dramaturgi Rusia. Karya-karyanya bercirikan kompleksitas dan kompleksitas konflik; unsurnya adalah drama sosio-psikologis, komedi tata krama. Ciri-ciri gayanya adalah menceritakan nama keluarga, keterangan pengarang tertentu, judul lakon asli yang sering menggunakan peribahasa, dan komedi berdasarkan motif cerita rakyat. Konflik dalam lakon Ostrovsky terutama didasarkan pada ketidakcocokan sang pahlawan dengan lingkungannya. Drama-dramanya bisa disebut psikologis; tidak hanya mengandung konflik eksternal, tetapi juga drama moral internal.

Segala sesuatu dalam drama secara historis secara akurat menciptakan kembali kehidupan masyarakat, dari mana penulis naskah mengambil plotnya. Pahlawan baru drama Ostrovsky - seorang pria sederhana - menentukan orisinalitas konten, dan Ostrovsky menciptakan "drama rakyat". Dia menyelesaikan tugas besar - dia menjadikan "pria kecil" itu pahlawan yang tragis. Ostrovsky melihat tugasnya sebagai penulis drama dalam menjadikan analisis tentang apa yang terjadi sebagai isi utama drama. “Seorang penulis drama... tidak menciptakan apa yang terjadi - ia memberikan kehidupan, sejarah, legenda; tugas utamanya adalah menunjukkan berdasarkan data psikologis apa suatu peristiwa terjadi dan mengapa tepatnya demikian dan bukan sebaliknya” - inilah yang, menurut penulis, mengungkapkan esensi drama. Ostrovsky menganggap drama sebagai seni massal yang mendidik masyarakat, dan mendefinisikan tujuan teater sebagai “sekolah moral sosial”. Produksi pertamanya mengejutkan kami dengan kejujuran dan kesederhanaannya, dengan pahlawan yang jujur ​​​​dengan “hati yang hangat.” Penulis naskah drama yang diciptakan dengan “menggabungkan yang agung dengan komik”, ia menciptakan empat puluh delapan karya dan menciptakan lebih dari lima ratus karakter.

Drama Ostrovsky realistis. Dalam lingkungan pedagang, yang ia amati hari demi hari dan diyakini menyatukan masyarakat masa lalu dan masa kini, Ostrovsky mengungkap konflik-konflik sosial yang mencerminkan kehidupan Rusia. Dan jika dalam "The Snow Maiden" ia menciptakan kembali dunia patriarki, di mana masalah-masalah modern hanya bisa ditebak, maka "Badai Petir" -nya adalah protes terbuka dari individu, keinginan seseorang untuk kebahagiaan dan kemandirian. Hal ini dirasakan oleh penulis naskah drama sebagai pernyataan prinsip kreatif cinta kebebasan, yang dapat menjadi dasar sebuah drama baru. Ostrovsky tidak pernah menggunakan definisi "tragedi", menyebut dramanya sebagai "komedi" dan "drama", terkadang memberikan penjelasan dalam semangat "gambaran kehidupan Moskow", "adegan dari kehidupan desa", "adegan dari kehidupan masyarakat pedalaman”, menunjukkan bahwa kita berbicara tentang kehidupan lingkungan sosial secara keseluruhan. Dobrolyubov mengatakan bahwa Ostrovsky menciptakan jenis aksi dramatis baru: tanpa didaktik, penulis menganalisis asal usul sejarah fenomena modern di masyarakat.

Pendekatan historis terhadap keluarga dan hubungan sosial adalah kesedihan dari karya Ostrovsky. Di antara para pahlawannya adalah orang-orang dari berbagai usia, terbagi menjadi dua kubu - tua dan muda. Misalnya, seperti yang ditulis Yu.M. Lotman, dalam “The Thunderstorm” Kabanikha adalah “penjaga zaman kuno”, dan Katerina “membawa dalam dirinya awal perkembangan yang kreatif,” itulah sebabnya ia ingin terbang seperti burung.

Perselisihan antara zaman kuno dan kebaruan, sebagaimana dicatat oleh kritikus sastra, merupakan aspek penting dari konflik dramatis dalam drama Ostrovsky. Bentuk-bentuk kehidupan tradisional dianggap diperbarui secara abadi, dan hanya dalam hal ini penulis naskah melihat kelangsungan hidup mereka... Yang lama memasuki yang baru, ke dalam kehidupan modern, di mana ia dapat memainkan peran sebagai elemen “belenggu”, yang menghambat perkembangannya. , atau elemen yang menstabilkan, memastikan kekuatan dari hal-hal baru yang muncul, bergantung pada isi dari hal-hal lama yang melestarikan kehidupan masyarakat.” Penulis selalu bersimpati dengan para pahlawan muda, puitis keinginan mereka untuk kebebasan dan tidak mementingkan diri sendiri. Judul artikel A. N. Dobrolyubov “A Ray of Light in a Dark Kingdom” sepenuhnya mencerminkan peran para pahlawan ini dalam masyarakat. Mereka secara psikologis mirip satu sama lain, penulis sering menggunakan karakter yang sudah berkembang. Tema posisi perempuan dalam dunia perhitungan juga diulangi dalam “Pengantin Miskin”, “Hati Hangat”, dan “Gadis Mahar”.

Belakangan, unsur satir dalam drama semakin meningkat. Ostrovsky mengacu pada prinsip Gogol tentang "komedi murni", yang mengutamakan karakteristik lingkungan sosial. Karakter dalam komedinya adalah seorang pemberontak dan munafik. Ostrovsky juga beralih ke tema-tema sejarah-pahlawan, menelusuri pembentukan fenomena sosial, pertumbuhan dari “manusia kecil” menjadi warga negara.

Tidak diragukan lagi, lakon Ostrovsky akan selalu bernuansa modern. Bioskop terus-menerus beralih ke karyanya, sehingga berada di luar kerangka waktu.