วิทยาศาสตร์ วรรณกรรม ศิลปะ ในยุคหลังสงคราม การจัดการแสดงละคร

แนวโน้มที่โดดเด่นในด้านวรรณคดีและศิลปะเป็นอันดับสอง ครึ่งหนึ่งของศตวรรษที่ 19วี. เคยเป็น วิธีการของความสมจริงเชิงวิพากษ์หลักการพื้นฐานซึ่งเป็นการสะท้อนความจริงของความเป็นจริงและความเข้าใจในปรากฏการณ์ที่บรรยายจากมุมมองของการโต้ตอบกับความก้าวหน้าทางสังคม การเข้าถึงทางสังคมอย่างมหาศาล จิตวิญญาณแห่งการกล่าวหา และการอุทธรณ์ต่อปัญหาเฉพาะประเด็น - นี่คือสิ่งที่กำหนดวรรณกรรมในยุคหลังการปฏิรูป วรรณกรรมรัสเซียมีความโดดเด่นไม่เพียงแค่ทัศนคติเชิงวิพากษ์ต่อความเป็นจริงเท่านั้น แต่ยังเปิดโปงความชั่วร้าย มองหาวิธีต่อสู้กับความชั่วร้ายนี้ และดำเนินภารกิจด้านการเปลี่ยนแปลงทางสังคม ความสมบูรณ์ทางอุดมการณ์การเจาะลึกเข้าไปในปรากฏการณ์ชีวิตการปฏิเสธความอยุติธรรมและความสมบูรณ์ของศูนย์รวมทางศิลปะของงานวรรณกรรมได้กำหนดบทบาทนำของวรรณกรรมในการพัฒนางานศิลปะประเภทอื่น ๆ

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 และทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 อธิบายถึงความคิดสร้างสรรค์ของความคิดและคำพูดของศิลปิน แอล.เอ็น. ตอลสตอย (พ.ศ. 2371-2453) ผู้สร้างผลงานชิ้นเอกเช่นเรื่องราว " วัยเด็ก. วัยรุ่น. เยาวชน", "Hadji Murat", "ความตายของ Ivan Ilyich", "Kreutzer Sonata",นวนิยาย" สงครามและสันติภาพ", "Anna Karenina", "การฟื้นคืนชีพ",ละคร พลังแห่งความมืด", "ผลแห่งการตรัสรู้", "ศพที่มีชีวิต"ฯลฯ

ภาษารัสเซีย วรรณกรรม ทศวรรษหลังการปฏิรูปถือได้ว่าเป็นปรากฏการณ์ของวัฒนธรรมศิลปะยุโรปในศตวรรษที่ 19 ไม่มีประเทศใดในโลกในเวลานั้นที่มีวรรณกรรมที่ถูกต้องและมีจิตวิญญาณสูงเช่นนี้ เผด็จการที่สมจริงของรัสเซียสะท้อนให้เห็นถึงปัญหาที่หลากหลายทั้งในด้านประวัติศาสตร์และศาสนาซึ่งเข้าใจได้ด้วยความแม่นยำทางวิทยาศาสตร์และเชิงลึกทางปรัชญา

ดาราจักรนักเขียนผู้ยิ่งใหญ่แต่ละแห่งมองเห็นอนาคตของรัสเซียแตกต่างกัน แต่พวกเขาทั้งหมดรวมกันด้วยความรักต่อปิตุภูมิ ความกระหายเพื่อความเจริญรุ่งเรืองผ่านการทำงานที่เสรีและซื่อสัตย์ของสมาชิกทุกคนในสังคม หลายคนเขียนเกี่ยวกับความจำเป็นในการเพิ่มความเป็นอยู่ที่ดีของชาวนา - V.G. เบลินสกี้, เอ็น.จี. Chernyshevsky, N.A. โดโบรลยูบอฟ, D.I. ปิซาเรฟ. ปรมาจารย์ด้านกวีนิพนธ์ประชานิยมที่ได้รับการยอมรับในช่วงหลายปีที่ผ่านมาคือ เอ็น.เอ. เนคราซอฟ ( พ.ศ. 2364-2420) เขาเข้าสู่วัฒนธรรมรัสเซียในฐานะ "ผู้โศกเศร้าจากความเศร้าโศกของประชาชน" ผู้พิทักษ์ชาวนาธรรมดาที่ต่อต้านผู้กดขี่ทุกแถบ บทกวีของ Nekrasov มีความสมจริงและเทียบได้กับร้อยแก้วที่สมจริงในระดับหนึ่ง เป็นลักษณะของความสามารถของกวีในการประเมินข้อเท็จจริงนี้หรือเหตุการณ์นั้นอย่างเป็นกลางและแม่นยำ:

นักเขียนที่เก่งกาจมีบทบาทที่แตกต่างในวัฒนธรรมรัสเซีย เอฟ.เอ็ม. ดอสโตเยฟสกี ( พ.ศ. 2364-2424) ตามคำจำกัดความที่เหมาะสมของ M.E. Saltykov-Shchedrin, Dostoevsky มองหาคำตอบสำหรับคำถามเร่งด่วนในยุคของเรา "ในภารกิจที่ห่างไกลที่สุดของมนุษยชาติ" ด้วยพรสวรรค์ในการพยากรณ์ที่เป็นเอกลักษณ์และความสามารถในการวิเคราะห์การเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณมนุษย์ ผู้เขียนยอมรับแนวคิดที่นอกเหนือไปจากแนวคิดเกี่ยวกับช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์ที่เฉพาะเจาะจง ไปสู่ขอบเขตของผลประโยชน์เหนือกาลเวลาสูงสุดในชีวิตของผู้คน เขาวาดภาพผู้คนตามตรรกะของตัวละครและความจริงของชีวิตที่เชื่อมโยงความดีและความชั่ว

Chekhov เปิดเส้นทางใหม่ในการพัฒนาละครในประเทศและระดับโลก ในบทละครของเขา เขาละทิ้งประเพณีการแบ่งตัวละครออกเป็น "บวก" และ "ลบ" ตัวละครของฮีโร่ของ Chekhov พัฒนาขึ้นจากการวิเคราะห์หลายแง่มุม แรงจูงใจที่แตกต่างกันพฤติกรรม. เชคอฟจับสัญญาณที่น่าตกใจของเวลาอย่างละเอียดอ่อน - การขาดความเข้าใจซึ่งกันและกันระหว่างผู้คน ตัวละครของเขาถูกกั้นด้วยกำแพงที่มองไม่เห็น พวกเขาฟัง แต่ดูเหมือนจะไม่ได้ยินซึ่งกันและกัน และกระโจนเข้าสู่โลกแห่งประสบการณ์ของพวกเขาเอง

จุดเปลี่ยนทางประวัติศาสตร์ในการพัฒนาโรงละครรัสเซียมีความเกี่ยวข้องกับบทละครของเชคอฟเรื่อง "The Seagull", "Three Sisters", "The Cherry Orchard" ซึ่งจัดแสดงที่มอสโก โรงละครศิลปะเค.เอส. Stanislavsky และ Vl.I. เนมิโรวิช-ดันเชนโก้ และ - " The Seagull" (พ.ศ. 2438-2439) ทำให้คนรุ่นราวคราวเดียวกันประหลาดใจด้วยเนื้อร้องและสัญลักษณ์ที่ละเอียดอ่อน ความผันผวนของความรักที่เป็นรากฐานของบทละครพัฒนาขึ้นอย่างรวดเร็วและน่าทึ่ง

วิจิตรศิลป์ ยุคหลังการปฏิรูป เช่นเดียวกับวรรณกรรม มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับกระบวนการที่ปั่นป่วน ชีวิตสาธารณะ- โดยสะท้อนให้เห็นถึงการอภิปรายเกี่ยวกับวิธีการเปลี่ยนแปลงรัสเซีย การประเมินเชิงวิพากษ์วิจารณ์ความเป็นจริงทางสังคม มุมมองประชานิยมเกี่ยวกับชาวนา และความปรารถนาชั่วนิรันดร์ของรัสเซียเพื่อความสมบูรณ์แบบและอุดมคติทางศีลธรรม คุณสมบัติทั่วไปภาพวาดและวรรณกรรมเป็นงานนักข่าว การประเมินปรากฏการณ์ในชีวิตประจำวันและส่วนบุคคลตามความเป็นจริงผ่านปริซึมของการจำแนกประเภททั่วไปและการวิเคราะห์ทางสังคม ปัญหาด้านศีลธรรมและการศึกษาที่ทั้งวรรณกรรมและวิจิตรศิลป์พยายามแก้ไขก็เป็นเรื่องปกติเช่นกัน

หน้าที่ทางสังคมของการวาดภาพในยุคนี้เปลี่ยนไปอย่างสิ้นเชิง หากศิลปะแห่งความคลาสสิกอยู่ภายใต้แนวคิดในการตกแต่งชีวิตแล้วในศิลปะแห่งยุค 60 - 70 ช่วงเวลาแห่งสุนทรียภาพไม่ถือเป็นสิ่งสำคัญอีกต่อไป ดูเหมือนศิลปินจะสำคัญกว่ามากที่จะต้องไตร่ตรองตามความเป็นจริง ปัญหาสังคมความคิดและความรู้สึกของตัวแทนชนชั้นต่างๆ ความปรารถนาที่จะตามทันเวลา ความเชื่อทางการศึกษาและภาพลวงตาทำให้เกิดการวาดภาพเชิงวิพากษ์วิจารณ์ โดยเน้นถึงสถานการณ์แห่งความโชคร้ายในชาติ ความเชื่อในความสำคัญทางสังคมของศิลปะมีส่วนทำให้เกิดกาแล็กซีของศิลปินที่ค้นพบความต้องการของตนในการสะท้อนโลกแห่งความยากจน การกดขี่ และความไร้กฎหมาย ในหมู่พวกเขามีปรมาจารย์ที่โดดเด่น วี.จี. เปรอฟ ( 1834-1882).

ศิลปินมีความอ่อนไหวต่อการเปลี่ยนแปลงบรรยากาศทางสังคมสะท้อนให้เห็นถึงการพัฒนาความคิดในยุค 60 - 80 ในงานของเขา Rapatskaya LA วัฒนธรรมศิลปะรัสเซีย อ.: มีมนุษยธรรม. เอ็ด ศูนย์ VLADOS, 1998. - 608 หน้า, หน้า 393

การพัฒนาโรงละครในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 มีความเชื่อมโยงกับชื่อของ A.N. ออสตรอฟสกี้ เขาสร้างโรงละครแห่งชาติรัสเซีย ซึ่งกลายเป็น "สัญลักษณ์แห่งความเป็นผู้ใหญ่ของประเทศ ตลอดจนสถาบันการศึกษา มหาวิทยาลัย และพิพิธภัณฑ์" บทละครสมจริงโดย A.N. เต็มไปด้วยจิตวิทยาเชิงลึก ออสตรอฟสกี้มีส่วนในการสร้างความสมจริงเชิงวิพากษ์บนเวทีรัสเซีย ศูนย์กลางหลักของวัฒนธรรมการแสดงละครคือโรงละคร Maly ในมอสโกและโรงละคร Alexandrinsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

รัสเซียดีขึ้นแล้ว ศิลปะโอเปร่า- วัฒนธรรมวิทยา ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก เอ็ด ไอโอ วอสเกรเซนสกายา - อ.: UNITY-DANA, Unity, 2003. - 759 p., P. 434

ดนตรี ภาพวาด และละครมีความเชื่อมโยงกับการพัฒนาวรรณกรรมอย่างแยกไม่ออก ปลาย XIX - ต้นศตวรรษที่ XX - ช่วงเวลาแห่งความสำเร็จของวัฒนธรรมดนตรีรัสเซียที่เกี่ยวข้องกับชื่อของ P.I. ไชคอฟสกี ส.ส. Mussorgsky, N.A. ริมสกี-คอร์ซาคอฟ, M.A. บาลาคิเรวา, Ts.A. กุย, SV. รัชมานินอฟ, A.K. กลาซูโนวา, SI. Taneyeva, A.N. สกริบินา, I.F. Stravinsky และอื่น ๆ

ในวัฒนธรรมดนตรีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ครอบครองสถานที่พิเศษ" พวงอันทรงพลัง"หรือ " โรงเรียนดนตรีแห่งใหม่ของรัสเซีย"นี่คือกลุ่มที่ประกอบด้วยนักแต่งเพลงชาวรัสเซียห้าคน - ศศ.ม. บาลาคิเรวา ( 1837-1910), เอ.พี. โบโรดิน ( 1833-1887), Ts.A. ชุย ( 1835-1918), ส.ส. มุสซอร์สกี้ (พ.ศ. 2382-2424) และ บน. ริมสกี-คอร์ซาคอฟ -ก่อตัวขึ้นในช่วงปลายทศวรรษที่ 50 และต้นทศวรรษที่ 60 เป้าหมายและตำแหน่งที่สวยงามของสมาชิกในวงกลมได้รับอิทธิพลจากมุมมองของนักวิจารณ์ศิลปะและดนตรีชาวรัสเซีย วี.วี. สตาโซวา ( 1834-1906).

ผู้แต่งเพลง "Mighty Handful" ได้พัฒนาประเพณีในงานของพวกเขา ดนตรีคลาสสิกมิ.ย. กลินกาและเอ.เอส. Dargomyzhsky ขยายขอบเขตของแนวเพลงไพเราะ โอเปร่า และดนตรีบรรเลงอย่างกว้างขวาง เสริมด้วยรูปแบบใหม่ ทำให้พวกเขาเข้าใกล้ปัญหาเร่งด่วนของชีวิตทางสังคมมากขึ้น ในช่วงระยะเวลาของกิจกรรม "Mighty Handful" ผลงานที่ดีที่สุดของสมาชิกวงบางส่วนได้ถูกสร้างขึ้น: แฟนตาซีตะวันออก " อิสลามี”บทกวีไพเราะ" มาตุภูมิ"ม. บาลาคิเรวา; ซิมโฟนีครั้งแรกอ. โบโรดินา; โอเปร่า วิลเลียม แรตคลิฟฟ์”และ " ลูกชายชาวแมนดาริน”ซี. ชุย; ภาพซิมโฟนี” คืนบนภูเขาหัวโล้น"โอเปร่า" บอริส โกดูนอฟ"ม. มุสซอร์กสกี้; ซิมโฟนีที่หนึ่งและสอง โอเปร่า" ปัสโควิท"เอ็น. ริมสกี-คอร์ซาคอฟ

จากข้อมูลของ Stasov คุณลักษณะที่สำคัญที่สุดสามประการคือลักษณะของดนตรีของโรงเรียนใหม่: การไม่มีอคติและความศรัทธาที่มืดบอด ความปรารถนาในสัญชาติ และ "ความโน้มเอียงที่รุนแรงต่อดนตรีรายการ" นักแต่งเพลงเรียกร้องให้มีการสร้างสรรค์ดนตรีประจำชาติ วาดท่วงทำนองจากเพลงพื้นบ้านและหันไปสู่โครงเรื่องของประวัติศาสตร์สังคม วัฒนธรรมศิลปะรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 /วีจี Kisunko, M.N. เร็วและก่อน อ.: Nauka, 1988. - 388 หน้า, หน้า 167

วรรณกรรม. ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 วรรณกรรมเป็นความภาคภูมิใจของวัฒนธรรมรัสเซีย ทิศทางทางศิลปะต่าง ๆ ได้รับการพัฒนาอย่างต่อเนื่อง: คลาสสิค, อารมณ์อ่อนไหว, โรแมนติก, สมจริง ในวัฒนธรรมศิลปะของทศวรรษแรกมีการละทิ้งสุนทรียภาพแบบคลาสสิกอย่างค่อยเป็นค่อยไปเมื่อแรงจูงใจในการกระทำของฮีโร่คือหน้าที่พลเมืองและการบริการสาธารณะ ความสนใจต่อโลกภายในของบุคคลเพิ่มขึ้น ความรู้สึกไม่ใช่แค่หน้าที่เท่านั้นที่กลายเป็นแรงจูงใจในการกระทำของเขา

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XVIII-XIX ความรู้สึกอ่อนไหวแพร่หลายในวรรณคดีรัสเซีย ทิศทางนี้มีลักษณะเฉพาะ การรับรู้ทางอารมณ์โลกรอบข้างเพิ่มความสนใจในความรู้สึกของมนุษย์ ความรุ่งเรืองของความรู้สึกอ่อนไหวของรัสเซียมีความเกี่ยวข้องกับงานของ N.M. Karamzin (1766-1826) ฮีโร่ งานศิลปะกลายเป็นคนเรียบง่ายซึ่งดึงดูดผู้อ่านเรื่องราวซาบซึ้งของเขาเป็นพิเศษ คำพูดของ Karamzin จากเรื่องราวที่โด่งดังที่สุดของเขาเรื่อง "Poor Liza" - "แม้แต่ผู้หญิงชาวนาก็รู้วิธีรัก" - ถูกผู้อ่านมองว่าเป็นการค้นพบโลกแห่งความรู้สึกและประสบการณ์ของตนเองความสามารถในการรักและทนทุกข์ Karamzin แสดงให้เห็นอย่างงดงาม ชีวิตในชนบท,ชีวิตประจำวัน คุณธรรมของ "ชาวบ้าน" ธรรมดา Karamzin มีบทบาทสำคัญในการก่อตัวของภาษาวรรณกรรมรัสเซียในการปลดปล่อยมันจากการแสดงออกที่เก่าแก่ Karamzin ปกป้องความคิดเห็นของเขาอย่างต่อเนื่องในการโต้เถียงทางวรรณกรรมเกี่ยวกับวิธีการพัฒนาภาษารัสเซีย พระองค์ทรงประกาศการสร้างสายสัมพันธ์ของภาษาวรรณกรรมด้วยภาษาพูด: “เขียนตามที่พูด และพูดตามที่เขียน”
ฝ่ายตรงข้ามของเขา (A.S. Shishkov, D.I. Khvostov, P.A. Shirinsky Shikhmatov) สนับสนุนการอนุรักษ์รูปแบบเก่า ๆ เพื่อมุ่งเน้นไปที่ภาษา Tse ~ Kovno-Slavic พวกเขาสร้างสังคม "การสนทนาของคู่รักของคำรัสเซีย" (181 1-1816) ผู้ติดตามของ Karamzin รวมกลุ่มกันเป็นกลุ่มที่เรียกว่า "Arzamas" (1815-1818) ซึ่งรวมถึง V.A. Zhukovsky K.N.Batyushkov, V.T.Pushkin, P.A.Vyazemsky, S.S.Uvarov และคนอื่น ๆ
ในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 ในรัสเซียขบวนการวรรณกรรมใหม่เกิดขึ้น - แนวโรแมนติก ปัจจัยสำคัญที่มีส่วนทำให้เกิดการเกิดขึ้นคือสงครามรักชาติในปี 1812 แก่นแท้ของแนวโรแมนติกคือความปรารถนาที่จะเปรียบเทียบภาพลักษณ์ในอุดมคติทั่วไปกับความเป็นจริง คุณลักษณะของยวนใจของรัสเซียคือความสนใจที่เด่นชัดในอัตลักษณ์ประจำชาติ ประวัติศาสตร์แห่งชาติ, ยืนยันถึงบุคลิกภาพที่แข็งแกร่งและเป็นอิสระ การเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกในวรรณคดีรัสเซียมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ V.A. Zhukovsky (1783-1855) เพลงบัลลาดของเขามีอุดมคติของมนุษยนิยมสูง ศักดิ์ศรีความเป็นมนุษย์- เนื้อเพลงของ Zhukovsky เต็มไปด้วยความสง่างาม การไตร่ตรอง และอารมณ์โรแมนติก ความรู้สึกและอารมณ์ที่หลากหลาย ตั้งแต่เนื้อเพลงชวนฝันไปจนถึงอารมณ์พลเมืองที่ลึกซึ้ง เป็นลักษณะเฉพาะของบทกวีโรแมนติก
แนะนำกวีโรแมนติก สังคมรัสเซียด้วยผลงานของนักเขียนชาวยุโรปตะวันตกทั้งสมัยโบราณและสมัยใหม่ V.A. Zhukovsky แปลผลงานของ Homer (Odyssey), Byron และ Schiller N.I. Gnedich นำ Iliad มาสู่ผู้อ่านชาวรัสเซีย
ในช่วงอายุ 30-40 ปี ศตวรรษที่สิบเก้า ในวรรณคดีรัสเซียคุณยืนยันความสมจริง ความคิดสร้างสรรค์ของ I.A. Krylov (1768-1844) และ A.S. Griboedov (1795-1829) มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาทิศทางนี้ Krylov ประหลาดใจกับความสามารถของเขาในการสรุปลักษณะนิสัยของผู้คนและ มนุษยสัมพันธ์ในภาพสัตว์ต่างๆ นิทานของครีลอฟดึงดูดผู้คนด้วยความมีชีวิตชีวา สัญชาติ และภาษาที่มีสีสัน ภาพยนตร์ตลกของ Griboyedov เรื่อง "Woe from Wit" เป็นคำปราศรัยที่เก่าแก่ที่สุดในวรรณคดีรัสเซียเกี่ยวกับปัญหาความขัดแย้งระหว่างรุ่น มีการวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรง สังคมชั้นสูงสมัยของอเล็กซานเดอร์ที่ 1
ในการพัฒนาวรรณกรรมและวัฒนธรรมรัสเซีย สถานที่พิเศษเป็นของกวีและนักเขียนชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ A.S. การสถาปนาภาษาวรรณกรรมสมัยใหม่เกี่ยวข้องกับงานของเขา "Eugene Onegin" ซึ่งตีพิมพ์เป็นฉบับแยกต่างหากในปี พ.ศ. 2376 เป็นนวนิยายสมจริงเรื่องแรกในวรรณคดีรัสเซีย ผลงานที่โดดเด่นของพุชกิน ได้แก่ ละครประวัติศาสตร์ "Boris Godunov" บทกวี "Poltava" เรื่องราว "The Captain's Daughter", "Dubrovsky", "Belkin's Tales"
ประเพณีของพุชกินดำเนินต่อไปโดย M.Yu. งานของเขาสะท้อนให้เห็นถึงสถานะของสังคมรัสเซียในยุค 30 การค้นหาอันเจ็บปวดของคนรุ่นใหม่เพื่อโชคชะตาของพวกเขา นวนิยายเรื่อง "ฮีโร่แห่งกาลเวลาของเรา" (1841) มีความสอดคล้องกับ "Eugene Onegin" ของพุชกินในหลาย ๆ ด้าน ก่อให้เกิดคำถามอันร้อนแรงในยุคของเรา

งานของ N.V. Gogol (1809-1852) สะท้อนถึงความขัดแย้งทางอุดมการณ์ของสังคมรัสเซียในช่วงทศวรรษที่ 30-40 รัสเซียคืออะไร? ความสำคัญทางประวัติศาสตร์ของชาวรัสเซียคืออะไร? โกกอลพยายามตั้งคำถามเหล่านี้และค้นหาคำตอบใน "บทกวี" อันยิ่งใหญ่ของเขา " วิญญาณที่ตายแล้ว- เขาคิดงานที่ยิ่งใหญ่นี้ไม่เพียงเพื่อสะท้อนความเป็นจริงของรัสเซียยุคใหม่อย่างมีวิจารณญาณความตายทางจิตวิญญาณของขุนนางในท้องถิ่นและเจ้าหน้าที่เมืองระดับจังหวัดเท่านั้น แต่ยังเพื่อพยายามมองไปสู่วันพรุ่งนี้เพื่อเปิดเผยหลักการเชิงบวกของชีวิตชาวรัสเซีย แสดงเส้นทางสู่ความรอดให้มาตุภูมิ
ความสนใจในความเป็นจริง งานสังคมสงเคราะห์สิ่งที่เรียกว่า "โรงเรียนธรรมชาติ" เป็นผู้รับผิดชอบส่วนใหญ่ แนวคิดนี้แสดงถึงสิ่งที่มีอยู่ในยุค 40-50 ความสมจริงเชิงวิพากษ์วิจารณ์ของรัสเซียประเภทหนึ่งซึ่งเชื่อมโยงอย่างต่อเนื่องกับงานของ N.V. Gogol และได้พัฒนาหลักการทางศิลปะของเขา “ โรงเรียนธรรมชาติ” รวมถึงผลงานในยุคแรก ๆ ของ I.A. Goncharov, N.A. Nekrasov, I.S. Turgenev, A.N. Ostrovsky และคนอื่น ๆ ในเชิงศิลปะ นักเขียนในทิศทางนี้โดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะเป็นความจริงและให้ความสนใจอย่างใกล้ชิดกับผู้คนในชีวิต ในงานของพวกเขาสะท้อนให้เห็นถึงชีวิตของหมู่บ้านป้อมปราการ วิถีชีวิตและลักษณะเฉพาะ! (เรื่องโดย D.V. Grigorovich, บทความจากชีวิตชาวนาโดย V.I. Dahl, วงจรของเรื่อง "Notes of a Hunter" โดย I.S. Turgenev)
นิยายมีอิทธิพลอย่างมากต่อชีวิตฝ่ายวิญญาณของสังคมรัสเซีย สิ่งนี้ได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยความสามารถทางศิลปะของนักเขียนซึ่งในงานของพวกเขาได้ตั้งคำถามอย่างรวดเร็วเกี่ยวกับความหมายของบุคลิกภาพการบำเพ็ญตบะทางจิตวิญญาณและอื่น ๆ อีกมากมาย
โรงภาพยนตร์. โรงละครเริ่มมีบทบาทสำคัญมากขึ้นในชีวิตทางวัฒนธรรมของประเทศ โรงละครเสิร์ฟถูกแทนที่ด้วยโรงละครของรัฐและเอกชน ศูนย์กลางของชีวิตการแสดงละครคือโรงละคร Maly ในมอสโก (ตั้งแต่ปี 1824) และโรงละคร Alexandrinsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (ตั้งแต่ปี 1832) โรงละครมากขึ้นตั้งแต่ปีพ. ศ. 2368 มีไว้สำหรับการแสดงโอเปร่าและบัลเล่ต์ โรงละครยังมีอยู่ในเมืองต่างจังหวัดหลายแห่ง
พื้นฐานของละคร โรงละครต้นศตวรรษที่ 19 เป็นโศกนาฏกรรม ความคิดสร้างสรรค์ของ V.A. Ozerov มีส่วนอย่างมากในการปลุกความสนใจในโศกนาฏกรรมนี้ บทละครของเขาโดดเด่นด้วยโครงเรื่องที่สนุกสนานและน่าประทับใจ ในช่วงของการเผชิญหน้าระหว่างรัสเซียและนโปเลียนฝรั่งเศสนักเขียนบทละครหันไปหาแผนการจาก ประวัติศาสตร์แห่งชาติ- ในปี 1807 เขาเขียนโศกนาฏกรรม "Dmitry Donskoy" ซึ่งประสบความสำเร็จอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ในบรรดานักแสดงที่เล่นโศกนาฏกรรมชื่อของ I.A. Dmitrievsky และ E.S. Semenova
ในช่วงอายุ 20-30 ปี เริ่มสร้างชื่อเสียงให้กับวงการรัสเซีย ทิศทางที่โรแมนติกซึ่งโดดเด่นด้วยธีมที่กล้าหาญ
และในการแสดงบนเวทีของนักแสดงนั้นได้รับความสนใจอย่างมากจากประสบการณ์ภายในของฮีโร่ การแสดงของ V.A. Karatygin P.S. Mochalov ทำให้ผู้ชมตกใจด้วยอารมณ์และความรู้สึก Karatygin นักแสดงที่โรงละครอเล็กซานเดรียได้รับความสนใจเป็นพิเศษจากบทบาทของตัวละครในประวัติศาสตร์วีรบุรุษในตำนาน - กษัตริย์นายพลขุนนาง สไตล์การแสดงของ P.S. Mochalov การแสดงรอบปฐมทัศน์ของเวทีมอสโกนั้นโดดเด่นด้วยอารมณ์และการแสดงออกที่เข้มข้น
การปรากฏตัวของละครที่สมจริงในละครมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ A.S. Griboedov (“ Woe from Wit”) และ N.V. Gogol (“ The Inspector General”) ผลงานแนวสมจริงจำเป็นต้องมีการเปลี่ยนแปลงการแสดงอย่างรุนแรงอย่างเร่งด่วน ประเพณีการเล่นโศกนาฏกรรมแบบคลาสสิก (การแสดงละครที่แสดงออกมาด้วยคำพูดที่น่าสมเพชพลาสติกที่สง่างามเทียม) ไม่เหมาะสม ผู้แต่งละครที่สมจริงได้เรียกร้องให้มีการเปลี่ยนแปลงรูปแบบการแสดงแล้ว ความต้องการสิ่งนี้ชัดเจนสำหรับศิลปินที่มีพรสวรรค์ที่สุด
เขากลายเป็นนักปฏิรูปการแสดง นักแสดงที่ยอดเยี่ยมอาจารย์และนักทฤษฎีศิลปะการแสดงละคร M.S. Shchepkin (พ.ศ. 2331-2406) Shchepkin เปรียบเทียบการแสดงความรู้สึก คำพูด และการเคลื่อนไหวบนเวทีที่โดดเด่นในขณะนั้นกับความเป็นธรรมชาติและความเป็นจริงของภาพที่สร้างขึ้น “ เป็นไม่ปรากฏ” - นี่คือลัทธิของ M.S. ในบทบาทของเขา Shchepkin ถ่ายทอดการเคลื่อนไหวภายในของจิตวิญญาณมนุษย์ Shchepkin กระตุ้นให้นักแสดงละทิ้งความคิดโบราณเดิมๆ ใน "การแสดง" ของตัวละครตัวใดตัวหนึ่งบนเวที และสร้างตัวละครมนุษย์ขึ้นมาใหม่ บทบาทที่ดีที่สุดของ Shchepkin คือ Famusov ใน "Woe from Wit" และนายกเทศมนตรีใน "The Inspector General" ทิศทางใหม่ในศิลปะการแสดงซึ่งเริ่มแรกเกิดขึ้นบนเวทีของโรงละคร Moscow Maly และนำเสนอโดยผลงานของ Shchepkin และนักเรียนของเขาในช่วงทศวรรษที่ 50-60 ของศตวรรษที่ 19 ขยายไปยังโรงละครอื่นๆ ในประเทศ โดยเฉพาะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
ชีวิตวรรณกรรมและการแสดงละครของประเทศไม่ได้จำกัดอยู่เพียงในเมืองหลวงเท่านั้น ก็มีอยู่ในต่างจังหวัดด้วย ในคาซานเมื่อต้นศตวรรษ ชีวิตวรรณกรรมมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับมหาวิทยาลัย ในปี 1806 สมาคมคนรักวรรณกรรมคาซานได้ก่อตั้งขึ้นที่มหาวิทยาลัย นี่เป็นสมาคมนักเขียนแห่งแรก ผู้จัดงานคือ Nigmat Ibragimov ครู กวี นักแปล ครูสอนภาษาละติน วรรณคดีรัสเซีย เลขคณิตและเรขาคณิตที่ First Kazan Gymnasium ในปี พ.ศ. 2360 มีการตีพิมพ์ปูมของสังคมนี้ซึ่งมีการนำเสนอผลงานของผู้เขียน 20 คน
เหตุการณ์สำคัญในชีวิตทางวัฒนธรรมของคาซานคือรถไฟของ L.S. เขาได้พบและพูดคุยกับกวี E.A. Boratynsky นักเขียน E.P. Pertsov และศาสตราจารย์ K.F.
นิยายตาตาร์ก็กำลังพัฒนาเช่นกัน ความสนใจของผู้ร่วมสมัยถูกดึงไปที่บทกวีโคลงสั้น ๆ มหากาพย์ของ G. Kandaly ที่มีชื่อว่า "Mulla และ Abystai", "Sahibzhamal" ฯลฯ ซึ่งได้รับภาพลักษณ์ของคนทั่วไปในสังคมตาตาร์ มีบทบาทอย่างมากในการรวบรวมและตีพิมพ์ผลงาน ศิลปะพื้นบ้านรับบทโดย M. Ivanov, S. Kuklyashev, M. G. Makhmudov M. Makhmudov และ I. Khalfin ตีพิมพ์ผลงานของนักเขียนชาวรัสเซียในภาษาตาตาร์
ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ในคาซาน การแสดงสมัครเล่นถูกแทนที่ด้วย โรงละครมืออาชีพ- มีการแสดงละครพื้นบ้านและการแสดงความรักชาติเป็นส่วนใหญ่ บทละครของ P. Plavilshchikov "Bobyl", Y. Knyazhnin "Sbitenshik", "Miller" และอื่น ๆ ได้รับความนิยมอย่างมาก เหตุการณ์สำคัญในประวัติศาสตร์ของโรงละครคาซานคือการผลิตในปี 1836 ของ "Woe from Wit" โดย A. S. Griboedov . ในปี พ.ศ. 2378 มีการสร้างอาคารโรงละครไม้แห่งใหม่ในเมืองคาซาน ที่นี่. นอกจากการแสดงละครแล้ว ยังมีการแสดงบัลเล่ต์และโอเปร่าอีกด้วย
ถึง กลางวันที่ 19วี. หนึ่งในขั้นตอนสำคัญในประวัติศาสตร์วรรณคดีรัสเซียสิ้นสุดลง ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 - การก่อตัวและการพัฒนาวรรณกรรมรัสเซียและโรงละครด้วย ในช่วงระยะเวลาที่อยู่ระหว่างการพิจารณา การก่อตัวของภาษารัสเซียเกิดขึ้น และมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดระหว่างวรรณคดีรัสเซียกับการพัฒนาความคิดทางสังคม

ศิลปะการแสดงละครในโลกสมัยใหม่เป็นหนึ่งในสาขาวัฒนธรรมที่แพร่หลายที่สุด มีอาคารโรงละครจำนวนมากที่สร้างขึ้นทั่วโลก โดยมีการแสดงทุกวัน ด้วยการพัฒนาเทคโนโลยีที่เป็นนวัตกรรมทำให้หลายคนเริ่มลืมคุณค่าที่แท้จริงของงานศิลปะ ประการแรก โรงละครเปิดโอกาสให้บุคคลได้ปรับปรุงและพัฒนา

ละครในสมัยโบราณ

ศิลปะการแสดงละครถือเป็นศิลปะที่เก่าแก่ที่สุดแห่งหนึ่ง ต้นกำเนิดของมันไปไกลจากสังคมดึกดำบรรพ์ มันเกิดขึ้นจากเกมเกษตรกรรมและการล่าสัตว์ที่มีลักษณะลึกลับและมีมนต์ขลัง สังคมยุคดึกดำบรรพ์เชื่อว่าหากก่อนที่จะเริ่มงานใดงานหนึ่ง มีการแสดงฉากที่แสดงถึงความสมบูรณ์ของกระบวนการที่ดี ผลลัพธ์ที่ได้จะเป็นไปในทางบวก พวกเขายังเลียนแบบสัตว์ นิสัยและรูปร่างหน้าตาด้วย คนโบราณเชื่อว่าเป็นไปได้ที่จะมีอิทธิพลต่อผลลัพธ์ของการล่าในลักษณะนี้ พวกเขามักจะเต้นรำโดยสวมหนังสัตว์ และในการกระทำเหล่านี้เองที่องค์ประกอบแรกของโรงละครเริ่มปรากฏขึ้น ต่อมาเริ่มมีการใช้หน้ากากเป็นคุณลักษณะหลักของนักบวชและนักแสดงที่เข้ามาในภาพ

โรงภาพยนตร์ ในอียิปต์โบราณ

โรงละครในอียิปต์เริ่มมีการพัฒนาตั้งแต่แรกเริ่ม โลกโบราณ- นี่เป็นช่วงปลายสหัสวรรษที่สามก่อนคริสต์ศักราช ทุกปีจะมีการแสดงละครเล็กๆ ที่มีลักษณะดราม่าและทางศาสนาที่วัด

โรงละครในสมัยกรีกโบราณ

ในสมัยกรีกโบราณ โรงละครส่วนใหญ่ถูกสร้างขึ้นภายใต้ เปิดโล่งและได้รับการออกแบบสำหรับผู้ชมนับหมื่นคน ผู้ชมนั่งบนม้านั่งหินสูงหันหน้าไปทางเวทีวงกลมกว้างที่อยู่ตรงกลาง เรียกว่า "วงออเคสตรา" ลัทธิของเทพเจ้าแห่งความอุดมสมบูรณ์ไดโอนีซัสมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาโรงละครกรีก ละครประกอบด้วยโศกนาฏกรรมและคอเมดี้สามเรื่อง นักแสดงเป็นเพียงผู้ชายซึ่งบางครั้งก็เล่นเป็นผู้หญิง ในการแสดงตลก พวกเขาต้องทำให้ผู้ชมหัวเราะด้วยเหตุนี้พวกเขาจึงใช้มาสก์แบบโฮมเมดซึ่งมีจมูกแบน ริมฝีปากยื่นออกมา และตาโปน หน้ากากทำจากไม้แห้งและจากนั้นก็ทำจากผ้า จากนั้นจึงปิดด้วยปูนปลาสเตอร์และทาสีด้วยสีต่างๆ หน้ากากช่วยให้ผู้ชมที่นั่งห่างจากเวทีโบราณสามารถเห็นการแสดงออกทางสีหน้าที่สอดคล้องกับการกระทำ ปากที่เปิดกว้างที่แกะสลักไว้ในหน้ากากทำให้นักแสดงสามารถเพิ่มระดับเสียงของพวกเขาได้ ใครๆ ก็สามารถพูดได้ว่ามันทำหน้าที่เป็นกระบอกเสียง

การแสดงได้รับความนิยมอย่างมากในกรีซ โรงละครพื้นบ้านซึ่งชาวกรีกโบราณเรียกว่าละครใบ้ ละครใบ้ถือเป็นฉากเล็กๆ ในชีวิตประจำวันหรือในลักษณะเสียดสีที่นักแสดงแสดง วีรบุรุษในตำนานนักรบผู้กล้าหาญหรือหัวขโมยตลาดธรรมดาๆ ผู้หญิงก็สามารถแสดงละครใบ้ได้ ไม่มีการสวมหน้ากากระหว่างการแสดง

โรงละครในกรุงโรมโบราณ

ในกรุงโรมโบราณ โรงละครมีไว้เพื่อความบันเทิงแก่ผู้ชมเป็นหลัก และนักแสดงถือเป็นหนึ่งในชนชั้นล่างของประชากร นักแสดงชาวโรมันเพียงไม่กี่คนได้รับความเคารพในศิลปะการแสดงละคร บ่อยครั้งที่เสรีชนและทาสกลายเป็นนักแสดง ในโรงละครโรมัน เช่นเดียวกับในภาษากรีก ที่นั่งสำหรับผู้ชมจะตั้งอยู่ตามวงกลมหลัก นอกจากโศกนาฏกรรมและคอเมดี้แล้ว นักแสดงชาวโรมันยังเล่นคำที่ตรงข้ามกัน ไพริเชียน ละครใบ้ และแอตเทลันอีกด้วย การเข้าร่วมโรงละครฟรีสำหรับทั้งผู้หญิงและผู้ชาย แต่ไม่ใช่สำหรับทาส เพื่อดึงดูดผู้ชมและสร้างความประหลาดใจให้พวกเขาด้วยความหรูหรา ผู้จัดงานจึงตกแต่งห้องโถงด้วยทองคำ โรยของเหลวที่มีกลิ่นหอมที่สุดลงไป และโปรยดอกไม้ลงพื้น

โรงละครในอิตาลี

ในโรงละครยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี การแสดงแตกต่างกันมาก พวกเขาร่าเริงมากขึ้น เต็มไปด้วยอารมณ์ขันและการเสียดสี การแสดงละครจัดขึ้นบนเวทีไม้ที่สร้างขึ้นเป็นพิเศษซึ่งมีผู้ชมจำนวนมากมารวมตัวกันอยู่เสมอ โรงละครโบราณเริ่มกระจุกตัวอยู่ในเมืองวัฒนธรรมและอุตสาหกรรมขนาดใหญ่ มันเป็นศิลปะการแสดงละครในสมัยโบราณที่ปฏิวัติโรงละครโดยรวมและแบ่งโรงละครออกเป็นประเภทต่างๆ ตั้งแต่สมัยนั้นมา ยังไม่มีการเปลี่ยนแปลงพื้นฐานและนวัตกรรมเชิงปฏิวัติมาจนถึงทุกวันนี้

โรงละครในศตวรรษที่ 17-18

ศิลปะการแสดงละครของศตวรรษที่ 17 และ 18 เต็มไปด้วยความโรแมนติก จินตนาการ และจินตนาการมากขึ้นเรื่อยๆ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา โรงละครมักถูกสร้างขึ้นโดยคณะเร่ร่อน ซึ่งรวมถึงนักแสดงและนักดนตรีที่เดินทางร่วมกัน ในช่วงทศวรรษที่ 1580 คนธรรมดาสามัญมาเยี่ยมชม แต่ตั้งแต่ปี 1610 ผู้อยู่อาศัยในฝรั่งเศสที่ร่ำรวยและสง่างามมากขึ้นเริ่มสนใจงานศิลปะนี้ ต่อมาโรงละครแห่งนี้ถือเป็นสถาบันวัฒนธรรมที่มีคุณธรรมและมีขุนนางมาเยี่ยมชมบ่อยที่สุด โรงละครฝรั่งเศสแสดงละครเครื่องแต่งกาย การแสดงตลก และบัลเล่ต์เป็นหลัก ทิวทัศน์นั้นดูคล้ายกับสถานการณ์จริงมากขึ้น ศิลปะการแสดงละครของศตวรรษที่ 17 และ 18 กลายเป็นพื้นฐานสำหรับการพัฒนาศิลปะโลกในอนาคตทั้งหมด โรงละครหลายแห่งในสมัยนั้นยังมีชีวิตรอดมาจนถึงทุกวันนี้

ในอังกฤษ

ศิลปะการแสดงละครอังกฤษในศตวรรษที่ 18 มีบทบาทสำคัญในประวัติศาสตร์และพัฒนาการของโรงละครยุโรปทั้งหมด จึงเป็นผู้ก่อตั้งคณะละครแห่งการตรัสรู้ นอกจากนี้ในขณะนั้นยังมีใหม่ ประเภทละครซึ่งถูกเรียกว่าละครกระฎุมพี หรือที่ผู้ชมเรียกมันว่าโศกนาฏกรรมกระฎุมพี เป็นครั้งแรกในอังกฤษที่การแสดงละครชนชั้นกลางเกิดขึ้น ต่อมาได้แทรกซึมเข้าสู่เยอรมนี อิตาลี และฝรั่งเศส

การเปลี่ยนจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไปสู่การตรัสรู้

การเปลี่ยนผ่านจากยุคเรอเนซองส์ไปสู่ยุคตรัสรู้เป็นเรื่องที่ปั่นป่วน ยาวนาน และค่อนข้างเจ็บปวดสำหรับทั้งนักแสดงและผู้ชม โรงละครเรอเนซองส์ค่อยๆ ตายลงทุกปี แต่ความมหัศจรรย์ของความคิดของมนุษย์ในฐานะศิลปะดนตรีและละครไม่ประสบความสำเร็จในการตายเช่นนั้น การโจมตีครั้งสุดท้ายและรุนแรงที่สุดครั้งหนึ่งเกิดขึ้นกับเขาโดยการปฏิวัติที่เคร่งครัด อังกฤษซึ่งเพิ่งจะเต็มไปด้วยชีวิตชีวา สดใส เปี่ยมสีสัน จู่ๆ ก็กลายเป็นคนเคร่งศาสนา แต่งกายด้วยชุดสีเข้มและเคร่งครัดจนเกินไป ไม่มีสถานที่สำหรับโรงละครในชีวิตสีเทาเช่นนี้ พวกเขาทั้งหมดถูกปิด และหลังจากนั้นไม่นานอาคารต่างๆ ก็ถูกเผา ในปี ค.ศ. 1688 การปฏิวัติที่รอคอยมานานเกิดขึ้นในอังกฤษ หลังจากนั้นก็มีการเปลี่ยนจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไปสู่การตรัสรู้

เมื่อกลับมาสู่อำนาจ Stuarts ได้ฟื้นฟูโรงละครทั้งหมด แต่ตอนนี้พวกเขาแตกต่างไปจากยุคก่อนอย่างเห็นได้ชัด ในศตวรรษที่ 18 ศิลปะดนตรีและการละครมีความเจริญรุ่งเรือง ช่อดอกไม้อันเขียวชอุ่มแนวเพลงใหม่ โอเปร่าบัลลาด ละครใบ้ และการซ้อมเริ่มได้รับความนิยมอย่างมาก ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา โรงละครอังกฤษให้ความสำคัญกับผลกำไรมากกว่าปัญหา ในปี ค.ศ. 1737 รัฐบาลอังกฤษได้อนุมัติการควบคุมชีวิตการแสดงละคร และตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา บทละครทั้งหมดจะถูกเซ็นเซอร์อย่างเข้มงวด

โรงละครใน Ancient Rus'

ในดินแดนที่ครั้งหนึ่งเคยเป็นเมืองเคียฟมาตุภูมิ ศิลปะการแสดงละครปรากฏในศตวรรษที่ 17 เริ่มต้นด้วยการแสดงของโรงเรียนและศาล สตูดิโอศิลปะการแสดงละครแห่งแรกก่อตั้งขึ้นในโรงเรียนพี่น้องและในศาลของผู้มั่งคั่ง บทละครเขียนโดยครูและนักเรียน พวกเขาใช้ทั้งตำนานในชีวิตประจำวันและเรื่องราวพระกิตติคุณเป็นหลัก การเกิดขึ้นของโรงละครในศาลเกิดจากความสนใจอย่างมากของขุนนางในศาลในด้านศิลปะและ วัฒนธรรมตะวันตก- ขุนนางชอบการแสดงของนักเรียนที่ผลิตโดยสตูดิโอศิลปะการแสดงละครแห่งแรกมากจนสามารถชมได้มากกว่า 10 ครั้ง ในตอนแรก โรงละครในราชสำนักไม่มีที่ตั้งถาวร เครื่องแต่งกาย การตกแต่ง และทิวทัศน์ทั้งหมดถูกย้ายจากที่หนึ่งไปยังอีกที่หนึ่ง เมื่อเวลาผ่านไป เมื่อเข้าใกล้ศตวรรษที่ 18 การแสดงละครเริ่มมีความโดดเด่นด้วยความเอิกเกริกที่ยิ่งใหญ่ และมาพร้อมกับการเต้นรำและการเล่นเครื่องดนตรี

ในศตวรรษที่ 19 โรงละครรัสเซียถูกแบ่งออกเป็นคณะละครเพลง กลุ่มละคร และแบ่งออกเป็นกลุ่มโอเปร่าและบัลเล่ต์ด้วย ในช่วงหลายปีที่ผ่านมามีการแสดงละครเวทีครั้งแรกซึ่งในอนาคตจะเรียกว่าโรงละครมาลี แม้ว่าการแบ่งแยกเกิดขึ้นระหว่างเร่ร่อน พวกเขายังคงแยกกันไม่ออกเป็นเวลานาน ในไม่ช้าสถาบันต่างๆเช่น Academy of Theatre Arts ก็เริ่มปรากฏตัวและไม่ใช่คนจน แต่เป็นคนที่ร่ำรวยและมีการศึกษาก็กลายเป็นนักแสดง เมื่อเวลาผ่านไป จำนวนโรงละครเริ่มเติบโตอย่างรวดเร็ว โดยได้รับการจัดการโดยสำนักงานโรงละครของจักรพรรดิ สำหรับนักแสดงและคนงาน พวกเขาเริ่มพูดถึงโรงละครทั้งหมด และไม่เฉพาะเจาะจงถึงคณะละครใดๆ ในศตวรรษที่ 20 มีการพัฒนาทางศิลปะในรูปแบบที่เราเห็นได้จนถึงทุกวันนี้

หนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดที่พัฒนาขึ้นในเวลานั้นคือโรงละครบอลชอย

บทบาทในโลกสมัยใหม่

โรงละครตรงบริเวณ สถานที่สำคัญที่สุดในโลกศิลปะสมัยใหม่ ดังนั้นจึงมีไว้สำหรับผู้ชมในวงกว้างและดึงดูดผู้ชมใหม่ ๆ มากขึ้นทุกวัน บ่อยครั้งในโรงละครสมัยใหม่มีบทละครที่เน้นผลงานโดยเฉพาะ คลาสสิกที่มีชื่อเสียงสิ่งนี้ช่วยให้คุณได้รับความรู้ใหม่ ๆ และทำความคุ้นเคยกับประวัติศาสตร์ได้ดีขึ้น ปัจจุบันมีสถาบันการศึกษาและโรงเรียนหลายแห่งที่คุณสามารถเป็นนักแสดงได้

แต่นอกเหนือจากสถาบันการศึกษาขนาดใหญ่ที่ซึ่งนักแสดงในอนาคตได้รับการฝึกฝนแล้ว ยังมีสถาบันขนาดเล็กอีกด้วย เช่น สตูดิโอศิลปะการละคร ซึ่งบุคคลที่มีความสามารถที่ต้องการพิสูจน์ตัวเองและเรียนรู้ความซับซ้อนทั้งหมดของการแสดงสามารถเข้าร่วมได้ โรงละครสมัยใหม่บางแห่งทำให้เราประหลาดใจด้วยความสวยงามและรูปแบบสถาปัตยกรรมแบบพลาสติก

ในช่วงสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 17 โรงละครศาลแห่งแรกในรัสเซียเกิดขึ้นซึ่งการปรากฏตัวดังกล่าวทำให้เกิดแรงผลักดันให้เกิดการก่อตัวและพัฒนาวรรณกรรมประเภทใหม่ - ละคร

ความคิดริเริ่มในการสร้างโรงละครเป็นของหัวหน้าเอกอัครราชทูต Prikaz, Artemon Sergeevich Matveev รัฐบุรุษที่โดดเด่นคนนี้เป็นบุคคลที่ได้รับการศึกษามากที่สุดในสมัยของเขาและเป็นผู้สนับสนุนวรรณกรรมและศิลปะทางโลกอย่างกระตือรือร้น

ซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิชผู้ชื่นชอบความบันเทิงทุกประเภทอนุมัติความคิดริเริ่มของ Matveev และในฤดูใบไม้ผลิปี 1672 การเตรียมการอย่างแข็งขันเริ่มขึ้นสำหรับการจัดโรงละครในศาลแห่งแรก

ซาร์ตัดสินใจเฉลิมฉลองการประสูติของลูกจากภรรยาสาวของเขา Natalya Kirillovna ด้วย "ความสนุก" ใหม่ที่ไม่เคยมีมาก่อนใน Rus '(ปีเตอร์เกิดเมื่อวันที่ 31 พฤษภาคม พ.ศ. 2215)

ในเดือนพฤษภาคม ค.ศ. 1672 พวกเขาเริ่มดัดแปลงห้องใต้หลังคาของบ้าน Boyar Miloslavsky สำหรับโรงละครในอนาคตและ Matveev เริ่มเจรจากับศิษยาภิบาลแห่งนิคมชาวเยอรมัน Johann Gottfried Gregory โดยเสนอให้เขารับสมัครคณะนักแสดงและเริ่มการฝึกอบรม เมื่อวันที่ 4 มิถุนายน พระราชกฤษฎีกาดังต่อไปนี้: “...ถึงอาจารย์ชาวต่างประเทศ Yagan Gottfried ให้แสดงตลก และให้แสดงตลกจากพระคัมภีร์ หนังสือของเอสเธอร์ และให้ดำเนินการดังกล่าวเพื่อจัดเตรียมโคโรมินาอีกครั้ง”

“ Comedy Hall” - โรงละครแห่งแรกถูกสร้างขึ้นอย่างเร่งรีบในที่ประทับของซาร์ใกล้มอสโก - หมู่บ้าน Preobrazhenskoye

คณะนักแสดงชุดแรกประกอบด้วยชาย 60 คนได้รับคัดเลือกจาก "ทหารและพ่อค้าชาวต่างชาติเด็ก ๆ ในระดับต่างๆ"

งานทั้งหมดในการแสดงเรื่องราวในพระคัมภีร์ไบเบิลการกำกับการฝึกอบรมนักแสดงตกอยู่บนไหล่ของ Gregory และบางทีตามคำขอของเขา A. Matveev สั่งให้พันเอก Nikolai von Staden ในระหว่างการเดินทางไป Courland และสวีเดนเพื่อ "ประโยค" "สอง ชายผู้เป็นคนเป่าแตรที่ใจดีและเรียนรู้มากที่สุด คนสองคนที่สามารถสร้างหนังตลกได้ทุกประเภท”

ภารกิจของ Staden ไม่ประสบความสำเร็จ เขาสามารถนำนักดนตรีมาได้เพียงไม่กี่คนเท่านั้น จากนั้น Gregory ได้เชิญผู้อยู่อาศัยในนิคมชาวเยอรมัน Yuri Givner และ Yagan Palzer มาเป็นผู้ช่วย

Gregory ไม่เพียงแต่เป็นผู้กำกับคนแรกเท่านั้น แต่ยังเป็นนักเขียนบทละครคนแรกด้วย ละครเรื่องแรกที่แสดงบนเวทีของโรงละครในศาล "The Artaxerxes Action" เป็นของปากกาของเขา

สิ่งนี้ได้รับการพิสูจน์อย่างน่าเชื่อถือโดย I.M. Kudryavtsev ผู้ค้นพบบทละครที่ถือว่าสูญหายไปในเอกสารสำคัญ Vologda ในเวลาเดียวกัน ข้อความของบทละครถูกพบในลียงโดยชาวสลาฟชาวฝรั่งเศส A. Mazon

งานทั้งหมดในการจัดระเบียบโรงละครดำเนินการภายใต้การดูแลของ Matveev ไม่มีค่าใช้จ่ายใด ๆ กับ "ความสนุก" ใหม่: ด้านในของ "ห้องแสดงตลก" ได้รับการตกแต่งอย่างหรูหรา มีการตัดเย็บเครื่องแต่งกายที่หรูหราสำหรับนักแสดง จิตรกรที่เก่งที่สุดทำงานในฉากนี้

การเปิดโรงละครและการแสดงครั้งแรกเกิดขึ้นในวันที่ 17 ตุลาคม พ.ศ. 2215 ซาร์และเพื่อนโบยาร์ของเขาเข้าร่วมการแสดงด้วย ราชินีและราชสำนักนั่งอยู่ในกล่องพิเศษหลังหน้าต่างขัดแตะ

การแสดงใช้เวลาสิบชั่วโมงและกษัตริย์ก็นั่งชมการแสดงด้วยความยินดี (โบยาร์ยืนอยู่ระหว่างการแสดง) และในตอนท้ายของการแสดงผู้ชมก็ไปที่โรงอาบน้ำเพื่อ "ล้างบาป" ของการเข้าร่วมใน " ความอับอายขายหน้า”

ในฤดูหนาวปี 1673 โรงละครยังคงทำงานในอาคารใหม่เหนือห้องปรุงยาแห่งเครมลิน ในปีเดียวกันคณะนักแสดงก็เต็มไปด้วยคนหนุ่มสาวชาวรัสเซีย 26 ​​คนซึ่งเป็นชาว Novomeshchanskaya Sloboda

หลังจากการเสียชีวิตของ Gregory ในปี 1675 ผู้บริหารคณะก็ส่งต่อไปยัง Yuri Givner จากนั้นไปที่ Stepan Chizhinsky อย่างไรก็ตามในต้นปี 1676 เนื่องจากการเสียชีวิตของ Alexei Mikhailovich โรงละครในศาลจึงหยุดอยู่

ละครของโรงละครศาล ละครของโรงละครในศาลค่อนข้างกว้างขวาง

สถานที่แรกถูกครอบครองโดยการแสดงเรื่องราวในพระคัมภีร์ไบเบิล: "The Act of Artaxerxes" (อิงจากหนังสือ "Esther"), "Judith" (อิงจากหนังสือในพระคัมภีร์ที่มีชื่อเดียวกัน), "Piteous Comedy about Adam and Eve" (อิงจากหนังสือ "Genesis"), "ตลกเล็ก ๆ เกี่ยวกับโจเซฟ", "ตลกเกี่ยวกับเดวิดและโกลิอัท", "ตลกเกี่ยวกับโทเบียสผู้น้อง" ละครเรื่องนี้ประสบความสำเร็จอย่างมาก โครงเรื่องทางประวัติศาสตร์เกี่ยวกับ Tamerlane และ Bayazet - "การกระทำของ Temir-Aksakov"

นอกจากนี้ ละครของโรงละครยังมีบทละครที่สร้างจากโครงเรื่องในตำนานโบราณ: “The Comedy of Bacchus with Venus”

“ตลก” (คำว่า “ตลก” ถูกนำมาใช้ในความหมายของงานละคร, บทละครโดยทั่วไป) แบ่งออกเป็นประเภท: “น่าสมเพช” หรือ “ร้องทุกข์” (มีตอนจบที่น่าเศร้า), “เจ๋ง” (ส่งมอบความสุข, ด้วยตอนจบที่มีความสุข) และ "ตลก", "สนุกสนาน" (เช่น ตลกตลก)

คุณสมบัติของละคร ผู้เขียนบทละครและผู้กำกับพยายามวาดโครงเรื่องจากพระคัมภีร์หรือประวัติศาสตร์เพื่อสร้างความบันเทิงภายนอก

จุดประสงค์นี้ให้บริการด้วยทิวทัศน์อันหรูหรา เครื่องแต่งกาย การแสดงที่น่าสมเพช และเอฟเฟกต์บนเวทีที่เป็นธรรมชาติ (เช่น การฆาตกรรมด้วยสายธารเลือด: ขวดเลือดวัวถูกระงับจากนักแสดง)

คุณลักษณะอีกประการหนึ่งของการทดลองที่น่าทึ่งครั้งแรกคือการผสมผสานระหว่างโศกนาฏกรรมและการ์ตูนอย่างใกล้ชิด ควบคู่ไปกับฮีโร่ที่น่าเศร้ามีการแสดงตัวละครตลก "โง่" ถัดจากฉากที่น่าสมเพชสูง

การดำเนินการดำเนินไปอย่างช้าๆ เนื่องจากบทละครเน้นไปที่การเล่าเรื่องที่ยิ่งใหญ่มากกว่างานละครเวที บทละครจบลงด้วยชัยชนะของความจริงทางศาสนาและศีลธรรมเหนือความชั่วร้าย

ตามกฎแล้ววีรบุรุษคือกษัตริย์นายพลและตัวละครในพระคัมภีร์ซึ่งสอดคล้องกับจิตวิญญาณของชนชั้นสูงทั่วไปของโรงละครในศาล

ใน "คอเมดี้" ผู้ชมสัมผัสได้ถึงความเชื่อมโยงระหว่าง "แอ็คชั่น" ที่ปรากฎบนเวทีกับชีวิตในศาลร่วมสมัยอย่างชัดเจน ดังนั้น "พระราชบัญญัติ Artaxerxes" จึงเชิดชูกษัตริย์ Artaxerxes ที่ฉลาด ยุติธรรม และละเอียดอ่อนและภรรยาคนที่สองของเขา Esther ผู้งดงาม

ความหยิ่งผยองของ Alexei Mikhailovich นี้ทำให้ภาคภูมิใจและการเลือกภรรยาใหม่ของ Artaxerxes ก็ชวนให้นึกถึงการแต่งงานของเขากับ Natalya Kirillovna Naryshkina

ละครเรื่องนี้ประกอบด้วยคำนำที่กล่าวถึงซาร์ซาร์แห่งรัสเซียโดยตรง และเผยให้เห็นแนวคิดหลัก: "...ความภาคภูมิใจถูกบดขยี้และความอ่อนน้อมถ่อมตนเป็นมงกุฎที่ยอมรับได้"

คุณสมบัติทั้งหมดของละครสามารถติดตามได้ในภาพยนตร์ตลกเรื่อง "Judith" ละครเรื่องนี้เป็นละครจากเรื่องราวในพระคัมภีร์ไบเบิล

มันเชิดชูความสำเร็จที่ไม่เห็นแก่ตัวอย่างกล้าหาญของจูดิธที่สวยงามซึ่งได้ล่อลวงผู้บัญชาการชาวอัสซีเรียโฮโลเฟิร์นเนสด้วยความงามของเธอได้ตัดศีรษะของเขาออกและด้วยเหตุนี้จึงช่วยบ้านเกิดของเธอที่เบทูเลียจากศัตรู

ละครประกอบด้วย 7 องก์ และ 29 ฉาก มีตัวอักษร 63 ตัว นางเอกภาคกลางปรากฏเฉพาะในองก์ที่สี่เท่านั้น ความน่าสมเพชอันเคร่งขรึมของคำพูดในหนังสือโบราณเป็นลักษณะเฉพาะ ภาพลักษณ์ที่กล้าหาญจูดิธ และโฮโลเฟอร์เนส

ถัดจากวีรบุรุษผู้โศกเศร้าและความน่าสมเพชสูงของพวกเขายังมีตัวละครที่ "โง่เขลา": อับราสาวใช้ของจูดิ ธ และนักรบอัสซีเรียซูซาคิม พวกเขาอยู่ในความเมตตาของฐาน ความรู้สึกของมนุษย์: ความขี้ขลาด ความกลัวต่อชีวิต

การใช้เทคนิคการตลกขบขันและการใช้น้ำเสียงในการพูดที่จงใจลดลงในบทละคร เผยให้เห็นความตลกขบขันของสถานการณ์ของพวกเขา

หนังตลกเรื่อง "Judith" ยังมีคำนำที่เน้นความหมายทางการเมืองของบทละคร: ชัยชนะของจูดิธเหนือชาวอัสซีเรียและผู้บัญชาการของพวกเขาโฮโลเฟอร์เนสเป็นสัญลักษณ์ของชัยชนะในอนาคตของซาร์รัสเซียเหนือศัตรูของเขา - "พวกเติร์กที่ไร้พระเจ้า"

บทละครมีความเกี่ยวข้องกับประเพณีของ "คอเมดี้อังกฤษ" และในขณะเดียวกันก็สะท้อนถึงรสนิยมและอารมณ์ของสภาพแวดล้อมในศาลรัสเซีย

ตัวละครหลักแบ่งออกเป็นเชิงบวกและเชิงลบ โดยตัวละครจะคงที่ สะท้อนให้เห็นถึงแนวคิดเกี่ยวกับการเปลี่ยนแปลงของชีวิตลักษณะของวรรณกรรมในยุคเปลี่ยนผ่าน

ดังนั้นการเกิดขึ้นของละครในวรรณคดีรัสเซียในยุค 70 ของศตวรรษที่ 17 มีความเกี่ยวข้องกับการก่อตัว วัฒนธรรมศาล- การค้นพบและความสำเร็จของเธอถูกใช้โดยโรงละครแห่งต้นศตวรรษที่ 18

การเกิดขึ้นของโรงละครในศาลมีส่วนช่วยในการพัฒนาละครของโรงเรียน บทละครของ Simeon of Polotsk ทำหน้าที่เป็นตัวเชื่อมโยงระหว่างศาลกับละครของโรงเรียน

การพัฒนาโรงละครของโรงเรียน ประเภท ละครโรงเรียนเป็นที่รู้จักกันดีในหมู่นักเรียนของสถาบันเคียฟ-โมฮีลา ซึ่งใช้เพื่อวัตถุประสงค์ทางศีลธรรมและการศึกษา และทำหน้าที่เป็นวิธีการต่อสู้กับอิทธิพลของคาทอลิก

สิเมโอนแห่งโปลอตสค์ตั้งใจแสดงละครเรื่อง About Nebuchadnezzar the King ให้กับโรงละครในราชสำนัก อาจมีการแสดง "ตลกเรื่องอุปมาเรื่องบุตรหลงหาย" (1673-1678) เพื่อการจรรโลงใจโดยผู้สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนมอสโก

"ตลกเรื่องอุปมาเรื่องบุตรหลงหาย" เขียนบนพล็อตเรื่องอุปมาพระกิตติคุณ "เรื่องตลกเรื่องอุปมาเรื่องบุตรหายไป" ประกอบด้วยอารัมภบท 6 องก์และบทส่งท้าย

อารัมภบทของ Commedia ถือเป็นการประกาศทางทฤษฎีประเภทหนึ่ง มันพิสูจน์ให้เห็นถึงข้อได้เปรียบของการรับรู้ด้วยสายตาของเนื้อหามากกว่าวาจา:

คำนี้มิใช่อยู่ในความทรงจำ

แน่นอนสิ่งอื่นจะเกิดขึ้น

Simeon Polotsky โต้แย้งถึงความจำเป็นที่จะต้องแนะนำการสลับฉากที่สนุกสนาน "เพื่อความสุข" ให้กับผู้ชมเพื่อให้เนื้อหาที่จริงจังของบทละครไม่น่าเบื่อ

คำอุปมานั้นให้ประโยชน์มากมาย

เพียงแต่กรุณาให้ความสนใจอย่างขยันขันแข็ง

ความขัดแย้งหลักของละครสะท้อนการปะทะกันของโลกทัศน์สองทัศนคติต่อชีวิตสองประเภทที่เรารู้จักจากเรื่องราวในชีวิตประจำวัน: ในด้านหนึ่งพ่อและลูกชายคนโตพร้อมที่จะ “ตั้งใจฟังเจตจำนงของพ่อ” และในการ "เชื่อฟังทำให้ท้องของเขาสมบูรณ์" อีกด้านหนึ่ง - "สุรุ่ยสุร่าย" พยายามหลีกหนีจากใต้หลังคาพ่อแม่ของเขาเพื่อปลดปล่อยตัวเองจากการดูแลของพ่อเพื่อ "ไปทั่วโลก" และใช้ชีวิตอย่างอิสระตาม ตามความประสงค์ของเขาเอง

ในละครความขัดแย้งคลี่คลายด้วยชัยชนะในคุณธรรมของพ่อ หลังจากใช้ทรัพย์สมบัติทั้งหมดไปในต่างแดน "สุรุ่ยสุร่าย" จึงถูกบังคับให้ต้อนหมูและเพื่อไม่ให้หายไปอย่างสิ้นเชิงจึงกลับไปที่หลังคาพ่อแม่ของเขาโดยยอมรับความผิดของเขา รองถูกลงโทษและมีคุณธรรมมีชัย ความหมายการสอนของบทละครถูกเปิดเผยในบทส่งท้าย:

เพื่อให้เยาวชนได้ฟังภาพลักษณ์ของผู้เฒ่า

อย่าไว้ใจความคิดที่ยังเยาว์วัยของคุณ

เราแก่เฒ่าและสอนให้เด็กมีน้ำใจ

ไม่มีอะไรเหลืออยู่ในความต้องการของเด็กหนุ่ม...

บทละครนี้สะท้อนให้เห็นความปรารถนาของคนหนุ่มสาวอย่างชัดเจนในการดูดซึมรูปแบบของวัฒนธรรมยุโรป และในขณะเดียวกันก็แสดงให้เห็นว่าส่วนหนึ่งของคนรุ่นใหม่ดูดซึมรูปแบบใหม่เหล่านี้อย่างผิวเผินมากจากภายนอกล้วนๆ

Simeon แห่ง Polotsk พยายามยกระดับความสำคัญของ "Comidey" ให้อยู่ในระดับตัวอย่างการสอน การมองเห็น และภาพรวมทั่วไป ตัวละครในละครไม่มีความเฉพาะเจาะจง ลักษณะส่วนบุคคลแม้แต่ชื่อที่ถูกต้องก็เป็นภาพรวมทั่วไป: พ่อ, ลูกชายคนโตที่เชื่อฟังและน้องที่ไม่เชื่อฟัง - "สุรุ่ยสุร่าย"

อย่างไรก็ตาม ในบทละคร ดังที่ A. S. Demin ตั้งข้อสังเกตว่า The Prodigal Son มีเอกลักษณ์ประจำชาติและสังคมของเขาเอง

เขาเป็นลูกชายของพ่อแม่ผู้เกิดมา การกระทำของ "Comidey" เกิดขึ้นในรัสเซีย สาเหตุของการทำลายล้างคือ "คนรับใช้ที่ชั่วร้าย" ซึ่งเหยื่อคือชายหนุ่มใจง่าย

ตามเงื่อนไขของโรงละครของโรงเรียน จำนวนตัวละครใน Commedia มีน้อย การดำเนินการพัฒนาตามลำดับตรรกะที่เข้มงวด ตัวละครแบ่งออกเป็นเชิงบวกและเชิงลบอย่างชัดเจน ไม่มีตัวเลขเชิงเปรียบเทียบ

การกระทำแต่ละอย่างจบลงด้วยการร้องเพลงของคณะนักร้องประสานเสียงและการแสดงสลับฉากซึ่งตามที่ระบุไว้แล้วมีจุดมุ่งหมายเพื่อให้ความบันเทิงแก่ผู้ชมและแนะนำการ์ตูนบรรเทาทุกข์ให้กับน้ำเสียงที่จริงจังโดยรวมของการกระทำหลัก

การแสดงสลับฉากที่เขียนโดย Simeon of Polotsk เองยังไม่ถึงเรา แต่ตัวละครของพวกเขาสามารถตัดสินได้จากการแสดงสลับฉากอื่น ๆ ที่ยังมีชีวิตอยู่

ฉากเหล่านี้เป็นฉากตลกขบขันที่มีเนื้อหาในชีวิตประจำวันเป็นส่วนใหญ่ พวกเขาแสดงให้เห็น คนธรรมดาความโง่เขลา ความโง่เขลา ความไม่รู้ ความเมา ฯลฯ ถูกเยาะเย้ย

สะท้อนด้านตลก ชีวิตประจำวันการแสดงสลับฉากทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับการพัฒนาแนวตลกต่อไป

Dmitry Rostovsky (1651-1709) มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาละครในโรงเรียน

สำหรับนักเรียนของโรงเรียนเทววิทยาใน Rostov และ Yaroslavl เขาเขียนเรื่อง "The Christmas Drama", "The Assumption Drama" และ "The Penitent Sinner" มีความโดดเด่นด้วยความกลมกลืนขององค์ประกอบ คุณภาพของเวที และในบางกรณี ความมีชีวิตชีวาของบทสนทนา

เมื่อพิจารณาจากประเพณีการแสดงละครของโรงเรียนในยูเครน พวกเขาก้าวไปข้างหน้าอย่างสำคัญบนเส้นทางแห่งการปลดปล่อยจากการประชุมทางวิชาการในยุคกลาง

ละครโรงเรียนยืนอยู่บนเกณฑ์ของละครคลาสสิก: การพัฒนาการกระทำที่สอดคล้องกันอย่างมีเหตุผล, ความชัดเจนขององค์ประกอบ, การแบ่งตัวละครออกเป็นเชิงบวกและเชิงลบ, การสอนเชิงปฏิบัติ, ความปรารถนาที่จะพรรณนาปรากฏการณ์ของความเป็นจริงโดยทั่วไปอย่างมีเหตุผล - นี่คือองค์ประกอบของละครคลาสสิก ที่เริ่มเป็นรูปเป็นร่างในโรงละครของโรงเรียน

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 18 ประเพณีละครของโรงเรียนดำเนินต่อไปโดย Feofan Prokopovich ซึ่งเปลี่ยนละครของโรงเรียนให้กลายเป็นอาวุธเสียดสีทางการเมือง

คุสคอฟ วี.วี. ประวัติศาสตร์วรรณคดีรัสเซียเก่า - ม., 1998

ประวัติศาสตร์การละครคือโลกแห่งมนุษยชาติ

โรงละครแห่งกรีกโบราณ

ต้นกำเนิดของละครและละครกรีกโบราณ

การปรากฏตัวของละครในกรีซนำหน้าด้วยช่วงเวลาอันยาวนานในระหว่างที่สถานที่ที่โดดเด่นถูกครอบครองโดยมหากาพย์ก่อนแล้วจึงตามด้วยเนื้อเพลง เราทุกคนรู้จักบทกวีมหากาพย์ที่กล้าหาญ "Illiad" และ "Odyssey" บทกวีมหากาพย์การสอน (ให้คำแนะนำ) ของ Hesiod (ศตวรรษที่ 7 ก่อนคริสต์ศักราช); นี่เป็นผลงานของกวีบทกวีแห่งศตวรรษที่ 6 พ.ศ

การกำเนิดของละครและละครกรีกมีความเกี่ยวข้องกับเกมพิธีกรรมที่อุทิศให้กับเทพเจ้าผู้อุปถัมภ์แห่งการเกษตร: Demeter, Kore ลูกสาวของเธอและ Dionysus จากเกมพิธีกรรมและเพลงเพื่อเป็นเกียรติแก่ Dionysus ละครกรีกโบราณสามประเภทได้เติบโตขึ้น: โศกนาฏกรรม ตลก และตลกเซเทอร์ (ตั้งชื่อตามคอรัสที่ประกอบด้วยเซเทอร์)

• โศกนาฏกรรมครั้งนี้สะท้อนถึงด้านที่จริงจังของลัทธิไดโอนิเซียน
• ตลก - งานรื่นเริงเสียดสี
• ละคร Satirovskaya ดูเหมือนจะเป็นประเภททั่วไป ตัวละครที่ขี้เล่นร่าเริงและการจบลงอย่างมีความสุขเป็นตัวกำหนดสถานที่ในงานเทศกาลเพื่อเป็นเกียรติแก่ Dionysus: ละครเทพารักษ์ถูกจัดฉากเพื่อเป็นบทสรุปของการนำเสนอโศกนาฏกรรม

บทบาทของแนวคิดที่น่าเศร้าในการศึกษาด้านสังคม-การเมืองและจริยธรรมนั้นมีมากมายมหาศาล ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 6 ก่อนคริสต์ศักราช โศกนาฏกรรมครั้งนี้มีพัฒนาการที่สำคัญ ประวัติศาสตร์สมัยโบราณรายงานว่ากวีโศกนาฏกรรมชาวเอเธนส์คนแรกคือ Thespis (ศตวรรษที่ 6 ก่อนคริสต์ศักราช) โศกนาฏกรรมครั้งแรกของเขา (ไม่ทราบชื่อ) เกิดขึ้นในฤดูใบไม้ผลิปี 534 ปีก่อนคริสตกาล ในงานฉลองมหาไดโอนิซิอัส ปีนี้ถือเป็นปีเกิดของละครโลก

ในงานตลกที่กว้างกว่าเรื่องโศกนาฏกรรมมาก ลวดลายในชีวิตประจำวันผสมผสานกับงานในตำนาน ซึ่งค่อยๆ กลายเป็นงานที่โดดเด่นหรือแม้แต่งานเดียว แม้ว่าในงานตลกทั่วไปยังคงถือว่าอุทิศให้กับไดโอนิซูสก็ตาม การละเล่นชั่วคราวเป็นรูปแบบหนึ่งของละครตลกพื้นบ้านและถูกเรียกว่าละครใบ้ (แปลว่า "การเลียนแบบ" "การสืบพันธุ์" นักแสดงของการละเล่นเหล่านี้เรียกอีกอย่างว่าละครใบ้) วีรบุรุษของละครใบ้คือหน้ากากละครพื้นบ้านแบบดั้งเดิม เช่น ผู้ที่อยากเป็นนักรบ หัวขโมยตลาด นักวิทยาศาสตร์เจ้าเล่ห์ คนธรรมดาที่หลอกทุกคน ฯลฯ

โรงละครแห่งเอเธนส์

ศิลปะการแสดงละครกรีกโบราณมีความเจริญรุ่งเรืองสูงสุดในผลงานของโศกนาฏกรรมผู้ยิ่งใหญ่สามคนของศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสต์ศักราช ได้แก่ Aeschylus, Sophocles, Euripides และ Aristophanes นักแสดงตลกซึ่งมีกิจกรรมตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 4 พ.ศ นักเขียนบทละครคนอื่น ๆ ก็เขียนในเวลาเดียวกัน แต่มีเพียงข้อความที่ตัดตอนมาจากผลงานของพวกเขาเพียงเล็กน้อยเท่านั้นที่มาถึงเรา และบางครั้งก็มีเพียงชื่อและข้อมูลเพียงเล็กน้อยเท่านั้น

โรงละครแห่งยุคขนมผสมน้ำยา

ในยุคขนมผสมน้ำยา (VI-I ศตวรรษก่อนคริสต์ศักราช) โรงละครกรีกในยุคคลาสสิกได้รับการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญเกี่ยวกับการละคร การแสดง และสถาปัตยกรรมของอาคารโรงละคร การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้เกี่ยวข้องกับเงื่อนไขทางประวัติศาสตร์ใหม่ ละครตลกและโศกนาฏกรรมยังคงจัดแสดงอยู่ในโรงละครแห่งยุคขนมผสมน้ำยา แต่จากโศกนาฏกรรมของศตวรรษที่ 4 พ.ศ มีเพียงเศษเล็กเศษน้อยเท่านั้นที่รอดชีวิต และเห็นได้ชัดว่า คุณค่าทางศิลปะโศกนาฏกรรมขนมผสมน้ำยามีขนาดเล็ก มีข้อมูลอีกมากมายสำหรับการตัดสินตลก เนื่องจากมีละครเพียงเรื่องเดียวและข้อความที่ตัดตอนมาจากละครอื่นๆ ของเมนันเดอร์ นักแสดงตลกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้นเท่านั้นที่รอดชีวิตมาได้

หนังตลกในยุคขนมผสมน้ำยาเรียกว่าหนังตลกเรื่อง Attic (หรือนีโอห้องใต้หลังคา) ใหม่ แรงจูงใจของความรักมีบทบาทสำคัญในภาพยนตร์ตลกเรื่องใหม่ ผู้เขียนเรื่องตลกเรื่อง Attic เรื่องใหม่ใช้ทฤษฎีทางจิตวิทยาของ Theophrastus นักเรียนของอริสโตเติลอย่างกว้างขวางตามที่ลักษณะนิสัยทั้งหมดแสดงออกมาในรูปลักษณ์ของบุคคลและการกระทำของเขา คำอธิบายทางสรีรวิทยาของ Theophrastus มีอิทธิพลต่อการออกแบบหน้ากากอย่างไม่ต้องสงสัยซึ่งช่วยให้ผู้ชมจดจำตัวละครตัวนี้หรือตัวนั้นได้ อิทธิพลของยูริพิดีสนั้นเห็นได้ชัดเจนในหนังตลกเรื่องใหม่ ความใกล้ชิดของฮีโร่หลายคนในชีวิต การเปิดเผยประสบการณ์ทางอารมณ์ของพวกเขา - นี่คือสิ่งที่คอเมดีเรื่องใหม่ได้รับจากยูริพิดีส

สถาปัตยกรรมมีมาแต่โบราณ โรงละครกรีก.

ในขั้นต้นสถานที่สำหรับการแสดงได้รับการจัดเตรียมอย่างเรียบง่ายอย่างยิ่ง: คณะนักร้องประสานเสียงที่มีการร้องเพลงและการเต้นรำแสดงบนวงออเคสตราแบบกลมขนาดกะทัดรัด (จากคำกริยา orheomai - "ฉันเต้นรำ") ซึ่งผู้ชมมารวมตัวกัน แต่เมื่อความสำคัญของศิลปะการแสดงละครเพิ่มขึ้นในชีวิตทางสังคมและวัฒนธรรมของกรีซ และเมื่อละครมีความซับซ้อนมากขึ้น ความจำเป็นในการปรับปรุงก็เกิดขึ้น ภูมิทัศน์ที่เป็นเนินเขาของกรีซชี้ให้เห็นถึงการจัดพื้นที่เวทีอย่างมีเหตุผลที่สุดและ ที่นั่งผู้ชม: วงออเคสตราเริ่มตั้งอยู่ที่ตีนเขาและผู้ชมก็ตั้งอยู่ตามทางลาด

โรงละครกรีกโบราณทุกแห่งเปิดทำการและสามารถรองรับผู้ชมได้จำนวนมาก ตัวอย่างเช่นโรงละคร Dionysus แห่งเอเธนส์สามารถรองรับคนได้มากถึง 17,000 คนโรงละครใน Epidaurus - มากถึง 10,000 คน ในศตวรรษที่ 5 พ.ศ ในกรีซมีการพัฒนาโครงสร้างโรงละครประเภทที่มั่นคงซึ่งเป็นลักษณะของยุคโบราณทั้งหมด โรงละครมีสามส่วนหลัก: วงออเคสตรา โรงละคร (ที่นั่งสำหรับผู้ชม จากคำกริยา teaomai - "ฉันดู") และ skene (skene - "เต็นท์" ต่อมาเป็นโครงสร้างไม้หรือหิน)

ขนาดของโรงละครถูกกำหนดโดยเส้นผ่านศูนย์กลางของวงออเคสตรา (ตั้งแต่ 11 ถึง 30 ม.) โครงกระดูกนั้นอยู่ในแนวสัมผัสกับเส้นรอบวงของวงออเคสตรา ผนังด้านหน้าของ skene-proskenium ซึ่งโดยปกติจะมีลักษณะเป็นเสาหินเป็นภาพด้านหน้าของวัดหรือพระราชวัง ที่อยู่ติดกันคืออาคารสองด้านที่เรียกว่าพาราสเคเนีย Paraskenia ทำหน้าที่เป็นสถานที่จัดเก็บทิวทัศน์และทรัพย์สินทางการแสดงละครอื่นๆ ระหว่าง Skene และที่นั่งสำหรับผู้ชมซึ่งกินพื้นที่มากกว่าครึ่งวงกลมเล็กน้อยมีทางเดินที่ผู้ชมเข้าไปในโรงละครก่อนเริ่มการแสดงจากนั้นคณะนักร้องประสานเสียงและนักแสดงก็เข้าสู่วงออเคสตรา ในโรงละครแห่งยุคคลาสสิก ความสนใจของผู้ชมมุ่งเน้นไปที่การพัฒนาของแอ็คชั่น ชะตากรรมของฮีโร่ ไม่ใช่ผลกระทบภายนอก เค้าโครงของโรงละครกรีกช่วยให้ได้ยินเสียงได้ดี นอกจากนี้ ในโรงละครบางแห่ง ยังมีการวางภาชนะที่มีเสียงสะท้อนไว้บนที่นั่งผู้ชมเพื่อขยายเสียง ผ้าม่านเข้า โรงละครกรีกโบราณไม่ใช่ แม้ว่าจะเป็นไปได้ว่าในละครบางฉากบางส่วนของเวทีจะถูกปิดไม่ให้ผู้ชมเข้าชมชั่วคราว

โรงละครโรมัน

ต้นกำเนิดของโรงละครโรมัน

ต้นกำเนิดของโรงละครและละครโรมันย้อนกลับไปเช่นเดียวกับในกรีซ ไปสู่เกมพิธีกรรมที่เต็มไปด้วยองค์ประกอบของงานรื่นเริง ตัวอย่างเช่นเป็นวันหยุดของ Saturnalia - เพื่อเป็นเกียรติแก่เทพเจ้าดาวเสาร์ของอิตาลี ลักษณะเฉพาะของวันหยุดนี้คือ "การพลิกกลับ" ของความสัมพันธ์ทางสังคมที่เป็นนิสัย: เจ้านายกลายเป็น "ทาส" ชั่วคราวและทาสกลายเป็น "เจ้านาย"

ต้นกำเนิดหนึ่งของโรงละครและละครโรมันคือเทศกาลเก็บเกี่ยวในชนบท แม้ในสมัยที่ห่างไกล เมื่อกรุงโรมยังเป็นชุมชนเล็กๆ ของ Latium หมู่บ้านต่างๆ ก็เฉลิมฉลองวันหยุดที่เกี่ยวข้องกับการสิ้นสุดของการเก็บเกี่ยว ในช่วงวันหยุดเหล่านี้มีการร้องเพลง - fescennins ที่ร่าเริงและหยาบกร้าน เช่นเดียวกับในกรีซ นักร้องประสานเสียงสองคนมักจะแสดงและแลกเปลี่ยนเรื่องตลก บางครั้งมีลักษณะกัดกร่อน

เมื่อมีต้นกำเนิดในระบบเผ่า Fescennines ดำรงอยู่ในศตวรรษต่อ ๆ มาและในพวกเขาตามที่ฮอเรซกล่าวไว้การต่อสู้ทางสังคมระหว่างพวกเพลเบียนและผู้รักชาติก็สะท้อนให้เห็น นี่คือวิธีที่ความอิ่มตัวเกิดขึ้น (แปลว่า "ส่วนผสม") Saturas เป็นฉากที่น่าทึ่งในชีวิตประจำวันและเป็นการ์ตูน รวมถึงบทสนทนา การร้องเพลง ดนตรี และการเต้นรำ

การแสดงละครที่มีลักษณะเป็นการ์ตูนอีกประเภทหนึ่งคือ Atellans ซึ่งยืมมาจากชนเผ่าอื่นที่อาศัยอยู่ในคาบสมุทร Apennine ซึ่งโรมทำสงครามอย่างต่อเนื่อง คนหนุ่มสาวเริ่มสนใจเกมเหล่านี้และเริ่มจัดระเบียบในช่วงวันหยุด Atellan มีตัวละครการ์ตูนถาวรสี่ตัว: Makk, Bukkon, Papp และ Dossin ชาว Atellans ไม่มีข้อความที่ชัดเจน ดังนั้นเมื่อทำการแสดง จึงมีขอบเขตกว้างสำหรับการแสดงด้นสด มีมก็กลับไปเล่นละครพื้นบ้านด้วย เช่นเดียวกับในกรีซ การแสดงละครใบ้สร้างฉากจากชีวิตชาวบ้าน และบางครั้งก็ล้อเลียนตำนาน โดยวาดภาพเทพเจ้าและวีรบุรุษเป็นตัวตลก ดังนั้นในกรุงโรมจึงมีเกมพิธีกรรมแบบเดียวกับในกรีกโบราณโดยประมาณ แต่การพัฒนาละครพื้นบ้านไม่ได้ไปไกลกว่าจุดเริ่มต้นที่อ่อนแอของละคร สิ่งนี้อธิบายได้ด้วยวิถีชีวิตของชาวโรมันแบบอนุรักษ์นิยมและการต่อต้านอย่างเข้มแข็งของนักบวช ดังนั้นในโรมจึงไม่มีเทวตำนานอิสระ ซึ่งในกรีซทำหน้าที่เป็น "ดินและคลังแสง" ของงานศิลปะ รวมถึงการละครด้วย

โรงละครโรมันในยุครีพับลิกัน

ชาวโรมันก็รับ ละครวรรณกรรมในรูปแบบสำเร็จรูปจากชาวกรีกและแปลเป็นภาษาละติน ปรับให้เข้ากับแนวคิดและรสนิยมของพวกเขา หลังจากจบชัยชนะครั้งแรก สงครามพิวนิก, บน เกมวันหยุด 240 ปีก่อนคริสตกาล มีการตัดสินใจให้แสดงละคร การผลิตได้รับความไว้วางใจจากชาวกรีก Livius Andronicus ซึ่งตกเป็นทาสของวุฒิสมาชิกชาวโรมันซึ่งตั้งชื่อภาษาละตินให้เขาว่า Livius หลังจากที่เขาได้รับการปล่อยตัว เขาก็ยังคงอยู่ในกรุงโรมและเริ่มสอนภาษากรีกและ ภาษาละตินบุตรชายของขุนนางชาวโรมัน ครูคนนี้จัดฉากโศกนาฏกรรมและอาจเป็นการแสดงตลกในเกมด้วย แก้ไขโดยเขาจากแบบจำลองภาษากรีกหรือบางทีอาจแปลง่ายๆจาก ภาษากรีกเป็นภาษาละติน การผลิตครั้งนี้เป็นแรงผลักดันแรกในการพัฒนาโรงละครโรมัน

ตั้งแต่ 235 ปีก่อนคริสตกาล นักเขียนบทละคร Gnaeus Nevius เริ่มแสดงละครของเขาบนเวที Titus Maccius Plautus ร่วมสมัยรุ่นน้องของ Naevius งานของเขาย้อนกลับไปในสมัยที่โรมกำลังเปลี่ยนจากชุมชนเกษตรกรรมไปสู่สภาวะที่แข็งแกร่งที่สุด - เริ่มจากคาบสมุทร Apennine และจากนั้นก็เปลี่ยนจากลุ่มน้ำเมดิเตอร์เรเนียนทั้งหมด Publius Terentius Afr ผู้ซึ่งทำงานในรูปแบบของ pallata เช่นเดียวกับ Plautus เป็นของนักเขียนบทละครรุ่นต่อไป เทอเรนซ์เรียกได้ว่าเป็นผู้บุกเบิกละครยุโรปเรื่องใหม่ โรงละครยุโรปหันมาทำงานของเขาซ้ำแล้วซ้ำเล่า อิทธิพลของคอเมดี้ของเขา "Formion" และ "Brothers" สัมผัสได้จากผลงานของ Moliere

โรงละครโรมันในสมัยจักรวรรดิ

ในศตวรรษที่ 1 ก่อนคริสต์ศักราช สาธารณรัฐในกรุงโรมล่มสลาย หลังจากการลอบสังหารซีซาร์และชัยชนะเหนือแอนโทนีใน 31 ปีก่อนคริสตกาล ออคตาเวียนขึ้นเป็นจักรพรรดิในโรม และต่อมาได้รับฉายากิตติมศักดิ์ ออกัสตัส (“ศักดิ์สิทธิ์”) ออกัสตัสเข้าใจถึงความสำคัญทางสังคมของโรงละครเป็นอย่างดีและมีส่วนช่วยในการพัฒนาทุกวิถีทางที่เป็นไปได้ ก่อนอื่นออกัสตัสต้องการรื้อฟื้นโศกนาฏกรรมแบบกรีกบนเวทีโรมันโดยมองว่าเป็นวิธีการปรับปรุงและให้ความรู้ด้านศีลธรรมของพลเมืองของเขา แรงบันดาลใจของออกัสตัสเหล่านี้ได้รับการสนับสนุนจากฮอเรซ กวีชาวโรมันผู้โดดเด่นคนหนึ่ง และสะท้อนให้เห็นใน "วิทยาศาสตร์แห่งกวีนิพนธ์" ของเขา อย่างไรก็ตามความพยายามทั้งหมดของออกัสตัสในการฟื้นฟูแนวเพลงที่จริงจังบนเวทีโรมันไม่ประสบความสำเร็จ

จากโศกนาฏกรรมแห่งยุคจักรวรรดิ ไม่มีอะไรมาถึงเราเลย ยกเว้นโศกนาฏกรรมของนักปรัชญาเซเนกา Lucius Annaeus Seneca เป็นครูสอนพิเศษของจักรพรรดิ Nero ครั้งหนึ่งเขาดำรงตำแหน่งสูงสุดในรัฐ แต่แล้วเขาถูกกล่าวหาว่าสมคบคิดต่อต้านจักรพรรดิ และตามคำสั่งของ Nero เขาจึงฆ่าตัวตายด้วยการตัดเส้นเลือดของเขา เซเนกาเริ่มเขียนโศกนาฏกรรมใน ปีที่ผ่านมาชีวิตเมื่อทัศนคติของ Nero ที่มีต่อเขาเปลี่ยนไปและเขาถูกบังคับให้แสดงความคิดเห็นของเขาเกี่ยวกับระเบียบที่มีอยู่อย่างรอบคอบมากขึ้น

การจัดการแสดงละคร

การแสดงจัดขึ้นที่กรุงโรมในช่วงวันหยุดนักขัตฤกษ์ต่างๆ บทละครได้แสดงในเทศกาลของผู้รักชาติ - เกมโรมันซึ่งจัดขึ้นในเดือนกันยายนเพื่อเป็นเกียรติแก่ดาวพฤหัสบดีจูโนและมิเนอร์วา ที่ Apollo Games – ในเดือนกรกฎาคม ไม่มีอาคารโรงละครถาวรในโรมจนกระทั่งกลางศตวรรษที่ 1 ก่อนคริสต์ศักราช; วุฒิสภาอนุรักษ์นิยมคัดค้านการก่อสร้าง สำหรับการแสดง โดยปกติแล้วจะมีการสร้างแท่นไม้ซึ่งมีความสูงครึ่งหนึ่งของผู้ชายในฟอรัม บันไดแคบๆ 4-5 ขั้นนำไปสู่บริเวณเวที ซึ่งนักแสดงก็ปีนขึ้นไปบนเวที

โศกนาฏกรรมครั้งนี้เกิดขึ้นที่หน้าพระราชวัง ในละครตลก ทิวทัศน์มักจะแสดงให้เห็นถนนในเมืองโดยหันหน้าไปทางด้านหน้าของบ้านสองหรือสามหลัง และการกระทำดังกล่าวจะเกิดขึ้นที่หน้าบ้าน ผู้ชมนั่งอยู่บนม้านั่งหน้าเวที แต่บางครั้งวุฒิสภาก็ห้ามการจัดที่นั่งในโรงละครชั่วคราวเหล่านี้ การนั่งชมการแสดงตามความเห็นของวุฒิสภาถือเป็นสัญญาณของความอ่อนน้อมถ่อมตน ทุกสิ่งสร้างมาเพื่อ. เกมละครโครงสร้างพังทันทีหลังจากสร้างเสร็จ

เหตุการณ์สำหรับโรมคือการปรากฏตัวครั้งแรก โรงละครถาวร,สร้างด้วยหิน. โรงละครแห่งนี้สร้างขึ้นใน 55 ปีก่อนคริสตกาล Gnaeus Pompey the Great และสามารถรองรับผู้คนได้มากถึง 40,000 คน ในช่วงปลายศตวรรษที่ 1 พ.ศ มีการสร้างโรงละครหินอีกสองแห่งในโรม ได้แก่ โรงละคร Balbus และโรงละคร Marcellus จากหลังนี้ ซากของผนังด้านนอกซึ่งแบ่งออกเป็นสามชั้นซึ่งสอดคล้องกับสามชั้นภายใน ยังคงหลงเหลือมาจนถึงทุกวันนี้

โรงละครแห่งยุคกลาง

ละครพิธีกรรมและกึ่งพิธีกรรม

ศิลปะการแสดงละครรูปแบบหนึ่ง ยุคกลางตอนต้นกลายเป็นละครในโบสถ์ เพื่อต่อสู้กับซากของโรงละครโบราณ ต่อต้านเกมในชนบท คริสตจักรพยายามใช้ประสิทธิภาพของการโฆษณาชวนเชื่อทางละครเพื่อจุดประสงค์ของตนเอง

ในศตวรรษที่ 9 พิธีมิสซาได้ถูกสร้างเป็นละครและมีการพัฒนาพิธีกรรมการอ่านตอนจากตำนานเกี่ยวกับชีวิตของพระคริสต์ การฝังศพและการฟื้นคืนพระชนม์ของพระองค์ได้รับการพัฒนา จากบทสนทนาเหล่านี้ ละครพิธีกรรมยุคแรกจึงถือกำเนิดขึ้น ละครดังกล่าวมีสองรอบ - วันคริสต์มาสเล่าเรื่องการประสูติของพระคริสต์และอีสเตอร์ที่ถ่ายทอดเรื่องราวการฟื้นคืนพระชนม์ของพระองค์ ในละครพิธีกรรมคริสต์มาส มีการวางไม้กางเขนไว้ตรงกลางพระวิหาร จากนั้นจึงห่อด้วยวัสดุสีดำ ซึ่งหมายถึงการฝังศพของพระเจ้า

เมื่อเวลาผ่านไป ละครพิธีกรรมมีความซับซ้อนมากขึ้น เครื่องแต่งกายของ "นักแสดง" ก็มีความหลากหลาย และ "คำสั่งของผู้กำกับ" ก็ถูกสร้างขึ้นโดยมีข้อบ่งชี้การทดสอบและการเคลื่อนไหวที่แม่นยำ พวกปุโรหิตเองก็ทำทั้งหมดนี้ ผู้จัดงานพิธีกรรมสะสมประสบการณ์การแสดงละครและเริ่มแสดงให้ผู้คนเห็นถึงการเสด็จขึ้นสู่สวรรค์ของพระคริสต์และปาฏิหาริย์พระกิตติคุณอื่น ๆ อย่างชำนาญ การเข้าใกล้ชีวิตและการใช้เอฟเฟกต์การผลิต ละครพิธีกรรมไม่ดึงดูดอีกต่อไป แต่ทำให้นักบวชฟุ้งซ่านจากการบริการ การพัฒนาแนวเพลงปกปิดการทำลายตนเอง ด้วยความไม่ต้องการละทิ้งการบริการของโรงละครและไม่สามารถรับมือกับมันได้ เจ้าหน้าที่ของคริสตจักรจึงนำละครพิธีกรรมออกมาจากใต้ซุ้มโค้งของโบสถ์มาสู่ระเบียง ละครกึ่งพิธีกรรมถือกำเนิดขึ้น และที่นี่โรงละครของโบสถ์ซึ่งอย่างเป็นทางการอยู่ในอำนาจของนักบวชตกอยู่ภายใต้อิทธิพลของฝูงชนในเมือง ตอนนี้เธอกำลังกำหนดรสนิยมของเธอให้เขาแล้วโดยบังคับให้เขาแสดงในวันที่ยุติธรรมไม่ใช่ วันหยุดของคริสตจักรเปลี่ยนไปใช้ภาษาแม่ที่คนทั่วไปเข้าใจได้โดยสิ้นเชิง ด้วยความกังวลเกี่ยวกับความสำเร็จ คริสตจักรจึงเริ่มเลือกหัวข้อในชีวิตประจำวันมากขึ้น และหัวข้อในพระคัมภีร์ที่ต้องตีความทุกวันก็กลายเป็นเนื้อหาสำหรับละครกึ่งพิธีกรรม ตำนานในพระคัมภีร์ไบเบิลอยู่ภายใต้การดูแลของบทกวีเมื่อเวลาผ่านไป นอกจากนี้ ยังมีการนำเสนอนวัตกรรมทางเทคนิค: ในที่สุดหลักการของทิวทัศน์พร้อมกันก็ถูกสร้างขึ้น เมื่อมีการแสดงฉากแอ็คชั่นหลายฉากพร้อมกัน จำนวนลูกเล่นเพิ่มขึ้น อย่างไรก็ตาม แม้จะมีเรื่องทั้งหมดนี้ ละครในโบสถ์ยังคงรักษาความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับคริสตจักรต่อไป ละครเรื่องนี้จัดแสดงที่ระเบียงโดยใช้เงินทุนของโบสถ์ ละครที่เรียบเรียงโดยนักบวช (แม้ว่าผู้เข้าร่วมในการแสดง พร้อมด้วยนักบวชและฆราวาสก็ตาม) ดังนั้น ละครของคริสตจักรจึงดำรงอยู่มาเป็นเวลานานโดยผสมผสานองค์ประกอบที่แยกจากกันอย่างประณีต

ละครฆราวาส.

เริ่ม ทิศทางที่สมจริง

การถ่ายทำครั้งแรกของการเคลื่อนไหวที่สมจริงแบบใหม่มีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ trouvère (คณะนักร้องประสานเสียง) Adam de La Halle (ประมาณปี 1238-1287) จากเมือง Arras ของฝรั่งเศส De La Al มีความหลงใหลในบทกวี ดนตรี และการละคร เขาอาศัยอยู่ในปารีสและอิตาลี (ในราชสำนักของชาร์ลส์แห่งอองชู) และกลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในฐานะกวี นักดนตรี และนักเขียนบทละคร

ในศตวรรษที่ 13 กระแสของการแสดงตลกได้จมหายไปแล้วโดยโรงละครแห่งปาฏิหาริย์ซึ่งมีเหตุการณ์ในชีวิตเป็นธีมด้วย แต่จ่าหน้าถึงศาสนา

ความมหัศจรรย์.

ชื่อ "ปาฏิหาริย์" มาจากคำภาษาละตินว่า "ปาฏิหาริย์" และแน่นอนว่าความขัดแย้งทั้งหมดซึ่งบางครั้งก็สะท้อนถึงความขัดแย้งของชีวิตอย่างรุนแรงในประเภทนี้ได้รับการแก้ไขด้วยการแทรกแซงของพลังศักดิ์สิทธิ์ - นักบุญนิโคลัส, พระแม่มารี ฯลฯ ไทม์เอง - ศตวรรษที่ 14 เต็มไปด้วยสงคราม ความไม่สงบที่ได้รับความนิยม และการสังหารหมู่ที่ไร้มนุษยธรรม - อธิบายการพัฒนาของประเภทที่มีการโต้เถียงเช่นปาฏิหาริย์ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ปาฏิหาริย์ซึ่งโดยปกติจะเริ่มต้นด้วยภาพความจริงที่ปรักปรำมักจบลงด้วยการประนีประนอมเสมอ การกลับใจและการให้อภัย ซึ่งในทางปฏิบัติหมายถึงการคืนดีกับความโหดร้ายที่แสดงไว้เท่านั้น เพราะมันสันนิษฐานว่าอาจมีคนชอบธรรมในแต่ละคน คนร้าย สิ่งนี้เหมาะสมกับทั้งจิตสำนึกของชาวเมืองและคริสตจักร

ความลึกลับ.

ความมั่งคั่งของโรงละครลึกลับคือศตวรรษที่ 15-16 ซึ่งเป็นช่วงเวลาแห่งการเติบโตอย่างรวดเร็วของเมืองและความเลวร้ายของความขัดแย้งทางสังคม เมืองนี้เอาชนะการพึ่งพาระบบศักดินาไปเป็นส่วนใหญ่แล้ว แต่ยังไม่ตกอยู่ภายใต้การปกครองของระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ ความลึกลับคือการแสดงออกถึงความเจริญรุ่งเรืองของเมืองในยุคกลางและวัฒนธรรมของเมือง มันงอกออกมาจากสิ่งที่เรียกว่า "การเลียนแบบความลึกลับ" - ขบวนแห่ในเมืองเพื่อเป็นเกียรติแก่วันหยุดทางศาสนาเพื่อเป็นเกียรติแก่การเดินทางของกษัตริย์ จากเทศกาลเหล่านี้ ความลึกลับสี่เหลี่ยมค่อยๆ เป็นรูปเป็นร่างขึ้นโดยใช้ประสบการณ์ยุคแรกๆ ของโรงละครในยุคกลาง การแสดงลึกลับไม่ได้จัดขึ้นโดยคริสตจักร แต่โดยการประชุมเชิงปฏิบัติการในเมืองและเทศบาล ผู้เขียนเป็นบุคคลประเภทใหม่ - นักศาสนศาสตร์ นักกฎหมาย แพทย์ แม้ว่าการแสดงจะกำกับโดยชนชั้นกระฎุมพีระดับสูงของเมือง แต่บทละครลึกลับก็เป็นศิลปะสมัครเล่นในที่สาธารณะ มีผู้คนหลายร้อยคนเข้าร่วมการแสดง

ความลึกลับแสดงให้เห็นการสร้างโลก การกบฏของลูซิเฟอร์ต่อพระเจ้า และปาฏิหาริย์ในพระคัมภีร์ ความลึกลับได้ขยายขอบเขตของโรงละครยุคกลางออกไปและสะสมไว้มากมาย ประสบการณ์บนเวทีซึ่งถูกใช้โดยประเภทต่อมาของยุคกลาง ผู้แสดงอาถรรพ์คือชาวเมือง การแสดงละครครั้งใหญ่แต่ละตอนดำเนินการโดยตัวแทนจากเวิร์กช็อปในเมืองต่างๆ ในขณะเดียวกันความลึกลับก็เปิดโอกาสให้แต่ละอาชีพได้แสดงออกอย่างเต็มที่ที่สุด ความลึกลับได้พัฒนาเทคนิคการแสดงละคร สร้างรสนิยมของผู้คนในการละคร และเตรียมลักษณะบางอย่างของละครเรอเนซองส์ แต่ภายในปี 1548 สมาคมลึกลับโดยเฉพาะอย่างยิ่งที่แพร่หลายในฝรั่งเศส ถูกห้ามไม่ให้แสดงละครลึกลับ แนวตลกเชิงวิพากษ์วิจารณ์ของโรงละครลึกลับเริ่มสังเกตเห็นได้ง่ายเกินไป สาเหตุของการเสียชีวิตของเธอก็คือเธอไม่ได้รับการสนับสนุนจากพลังใหม่ที่ก้าวหน้าของสังคม

ขบวนการปฏิรูป

ตัวละครต่อต้านศักดินา

การปฏิรูปเกิดขึ้นในยุโรปในศตวรรษที่ 16 มันเป็นการต่อต้านระบบศักดินาโดยธรรมชาติและอยู่ในรูปแบบของการต่อสู้กับการสนับสนุนทางอุดมการณ์ของระบบศักดินา - โบสถ์คาทอลิก.

ขบวนการปฏิรูปยืนยันหลักการของ "การสื่อสารส่วนตัวกับพระเจ้า" ซึ่งเป็นหลักการของคุณธรรมส่วนบุคคล ในมือของกลุ่มคนรวย ศีลธรรมกลายเป็นอาวุธในการต่อสู้ทั้งต่อขุนนางศักดินาและต่อมวลชนที่ยากจนในเมือง ความปรารถนาที่จะมอบความศักดิ์สิทธิ์ให้กับโลกทัศน์ของชนชั้นกลางทำให้เกิดโรงละครแห่งศีลธรรม

คุณธรรม.

คุณธรรมทำให้ศีลธรรมเป็นอิสระจากทั้งเรื่องศาสนาและสิ่งรบกวนในชีวิตประจำวัน และเมื่อแยกตัวออกไป ได้รับเอกภาพด้านโวหารและแนวทางการสอนที่มากขึ้น

เรื่องตลก.

เรื่องตลกขบขันในพื้นที่โดดเด่นเป็นอิสระ ประเภทละครตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 อย่างไรก็ตาม เขาได้ผ่านเส้นทางการพัฒนาที่ซ่อนเร้นมานานมาก่อนหน้านี้แล้ว ชื่อนี้มาจากภาษาละติน farta (“การเติม”) และแท้จริงแล้วผู้จัดงานความลึกลับมักเขียนว่า: "ใส่เรื่องตลกที่นี่" การแสดง Maslenitsa ที่ร่าเริงและการแสดงพื้นบ้านก่อให้เกิด "บริษัท โง่" ซึ่งเป็นสมาคมของเจ้าหน้าที่ศาลผู้น้อยโบฮีเมียนในเมืองที่หลากหลาย เด็กนักเรียน และนักสัมมนา ในศตวรรษที่ 15 สังคมตัวตลกแพร่กระจายไปทั่วยุโรป มีองค์กรขนาดใหญ่สี่องค์กรในปารีสและมีการจัดขบวนพาเหรดการแสดงตลกเป็นประจำ ในขบวนพาเหรดเหล่านี้ คำปราศรัยของบาทหลวง การอภิปรายของผู้พิพากษา และการที่กษัตริย์เข้ามาในเมืองถูกเยาะเย้ย เพื่อตอบสนองต่อสิ่งนี้ เจ้าหน้าที่ฝ่ายฆราวาสและจิตวิญญาณได้ข่มเหงชาวฟาร์เซอร์ ไล่พวกเขาออกจากเมือง และโยนพวกเขาเข้าคุก เรื่องตลกมุ่งสู่ความเป็นจริงด้วยเนื้อหาและโครงสร้างทางศิลปะทั้งหมด เขาเยาะเย้ยทหารที่เที่ยวปล้นสะดม พระภิกษุขายน้ำใจ ขุนนางที่หยิ่งผยอง และพ่อค้าที่ตระหนี่ ลักษณะตัวละครที่สังเกตเห็นได้ชัดเจนและโครงร่างมีเนื้อหาในชีวิตที่เหน็บแนมอย่างเหน็บแนม หลักการสำคัญของการแสดงให้กับนักแสดงตลกคือการแสดงลักษณะเฉพาะ นำไปสู่ล้อเลียนล้อเลียน และการเคลื่อนไหวที่แสดงออกถึงกิจกรรมและความร่าเริงของนักแสดงเอง หน่วยงานกษัตริย์และคริสตจักรได้โจมตีความคิดเสรีนิยมในเมืองมากขึ้นเรื่อยๆ และรูปแบบหนึ่งของมัน - โรงละครตลก

เรื่องตลกมีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาโรงละครต่อไป ยุโรปตะวันตก- ในอิตาลี commedia dell'arte เกิดจากเรื่องตลก ในสเปน - ผลงานของ "บิดาแห่งโรงละครสเปน" Lope de Rueda; และในอังกฤษ John Heywood เขียนบทสลับฉากของเขาเป็นเรื่องตลก ในเยอรมนี Hans Sachs; ในฝรั่งเศส ประเพณีอันตลกขบขันได้หล่อเลี้ยงศิลปะของโมลิแยร์ผู้ปราดเปรื่องและเช็คสเปียร์ผู้ยิ่งใหญ่

เป็นเรื่องตลกที่กลายเป็นความเชื่อมโยงระหว่างโรงละครเก่าและโรงละครใหม่

โรงละครใหม่

โรงละคร (จากโรงละครกรีก - สถานที่สำหรับการแสดง, การแสดง) แนวคิดทั่วไปของการละครแบ่งออกเป็นประเภทของศิลปะการแสดงละคร ได้แก่ ละคร โอเปร่า บัลเล่ต์ ละครใบ้ ฯลฯ ที่มาของคำนี้เกี่ยวข้องกับภาษากรีกโบราณ โรงละครโบราณซึ่งเป็นชื่อที่นั่งในหอประชุม อย่างไรก็ตาม ในปัจจุบัน ความหมายของคำนี้มีความหลากหลายอย่างมาก

ในยุคแห่งการตรัสรู้การเปลี่ยนแปลงไปสู่ วัฒนธรรมสมัยใหม่- วิถีชีวิตและความคิดแบบใหม่กำลังเป็นรูปเป็นร่าง ซึ่งหมายความว่าการตระหนักรู้ในตนเองเชิงศิลปะเกี่ยวกับวัฒนธรรมรูปแบบใหม่ก็เปลี่ยนไปเช่นกัน ชื่อ "การตรัสรู้" แสดงให้เห็นลักษณะเฉพาะของจิตวิญญาณทั่วไปของการเคลื่อนไหวนี้ในด้านวัฒนธรรมและชีวิตทางจิตวิญญาณ ซึ่งตั้งเป้าหมายในการเปลี่ยนมุมมองที่อิงตามอำนาจทางศาสนาหรือการเมืองด้วยมุมมองที่เป็นผลมาจากข้อกำหนดของจิตใจมนุษย์

ศตวรรษที่สิบแปด มอบวัฒนธรรมโลกเช่นนี้ ศิลปินที่ยอดเยี่ยมและนักทฤษฎีศิลปะการละครเช่น Sheridan ในอังกฤษ, Voltaire, Diderot, Beaumarchais ในฝรั่งเศส, Lessing, Goethe, Schiller ในเยอรมนี, Goldoni ในอิตาลี การครอบงำของเหตุผลนำไปสู่ความจริงที่ว่าศิลปะแห่งการตรัสรู้ได้รับความทุกข์ทรมานจากความมีเหตุผล การวิเคราะห์ชีวิตอย่างมีเหตุผลจำเป็นต้องมีรูปแบบที่เป็นระเบียบ

อย่างไรก็ตาม ผู้รู้แจ้งซึ่งมองเห็นอุดมคติของมนุษย์ในบุคลิกภาพที่กลมกลืนกัน ไม่สามารถละเลยความต้องการด้านความรู้สึกเมื่อมาถึงงานศิลปะได้ โรงละครแห่งการตรัสรู้ได้แสดงออกมาอย่างน่าทึ่งทั้งในด้านเนื้อหาและวิธีการเป็นมุมมองใหม่ของโลกที่เพียงพอต่อยุคสมัย

ละครในยุคแห่งการตรัสรู้ในอังกฤษ

ผู้ชมละครในศตวรรษที่ 18 มีความเป็นประชาธิปไตยมากขึ้น มีการติดตั้งม้านั่งเรียบง่ายในแผงขายของสำหรับชาวเมือง ชั้นวางเต็มไปด้วยคนรับใช้ นักเรียน และช่างฝีมือเล็กๆ ในระหว่างการแสดง ผู้ชมมีพฤติกรรมที่กระตือรือร้นและมีปฏิกิริยาตอบสนองต่อสิ่งที่แสดงบนเวทีอย่างกระตือรือร้น

ดังนั้น ในอังกฤษ โรงละครแห่งการตรัสรู้จึงวิพากษ์วิจารณ์ความชั่วร้ายของระบบชนชั้นกลางที่กำลังเกิดขึ้น หลักคำสอนเชิงอุดมการณ์ใหม่ของโรงละครปรากฏ: สาธารณะและ การศึกษาคุณธรรมผู้ดู หลักคำสอนนี้เข้ากันได้อย่างสมบูรณ์แบบกับประเพณีที่เคร่งครัดของอังกฤษ - ต่อมาพวกพิวริตันได้ลดตำแหน่งของตนที่เกี่ยวข้องกับศิลปะการแสดงละคร และไม่ต่อสู้กับโรงละครเช่นนี้อีกต่อไป แต่เพื่อการปฏิรูป: การกำจัดการผิดศีลธรรมและการเปลี่ยนแปลงของโรงละครให้กลายเป็น สถาบันที่เป็นประโยชน์ต่อสังคม

เอกสารเชิงโปรแกรมของการปฏิรูปโรงละครคือบทความของนักศาสนศาสตร์ผู้เคร่งครัด เจเรมี คอลลิเออร์ ต่อต้านโรงละครชนชั้นสูง, A Brief Review of the Immorality and Impiety of the English Stage (1698) บทความนี้กำหนดเน้นเรื่องศีลธรรมและการสอน โรงละครอังกฤษตลอดเกือบตลอดศตวรรษที่ 18 ผลงานของนักเขียนบทละครเช่น โจเซฟ แอดดิสัน (Cato, The Drummer), ริชาร์ด สตีล (The Liar Lover, or Women's Friendship; The Carefree Husband), ซามูเอล จอห์นสัน (ไอรีน), คอลลีย์ ซิบเบอร์ (The Carefree Husband; The Wife's Last Bid; The สามีขี้หงุดหงิด) พัฒนาไปในทิศทางนี้)

ในปี 1731 ในคำนำของละครเรื่อง The London Merchant หรือ History of George Barnwell นักเขียนบทละคร George Lillo ได้ตีพิมพ์รายการสุนทรียภาพใหม่ ซึ่งเป็นทฤษฎีที่สมจริงของละครชนชั้นกลาง เขาต่อต้านข้อจำกัดทางชนชั้นของโศกนาฏกรรมครั้งนี้ ซึ่งนำเฉพาะบุคคลระดับสูงเท่านั้นที่เป็นวีรบุรุษ เขาเรียกร้องให้โศกนาฏกรรมกลายเป็นตัวนำแนวคิดทางศีลธรรมของชนชั้นกระฎุมพีโดยไม่ซ่อนความเป็นศัตรูต่อชนชั้นสูง เมื่อสิบปีก่อนในปี 1721 ละครเรื่อง Fatal Madness ที่ไม่ระบุชื่อปรากฏในอังกฤษซึ่งเขียนขึ้นในหนึ่งในประเด็นที่ชื่นชอบของละครชนชั้นกลาง - เกี่ยวกับผลที่ตามมาของความหายนะของความหลงใหลในการพนัน จากนั้นบทละครก็แทบจะไม่มีใครสังเกตเห็น - เวลาสำหรับแนวเพลงใหม่ยังไม่มา แต่ตอนนี้ประเด็นชนชั้นกระฎุมพีกลายเป็นที่ต้องการอย่างมากในหมู่ผู้ชม

แนวโน้มการเสียดสีในละครได้รับการพัฒนาอย่างประสบความสำเร็จโดย Henry Fielding (“Don Quixote ในอังกฤษ”; “Grabstreet’s Opera, or Under the Shoe of the Wife”; “Historical Calendar for 1736”) ความร้ายแรงของการประณามการเสียดสีนำไปสู่การตีพิมพ์กฎหมายรัฐบาลเกี่ยวกับการเซ็นเซอร์การแสดงละครในปี ค.ศ. 1737 ซึ่งยุติลง การเสียดสีทางการเมือง- ความสนใจของนักเขียนบทละครและนักการศึกษามุ่งเน้นไปที่การแสดงตลกซึ่งเปิดโอกาสให้อย่างน้อยเสียดสีสังคม ผลงานตลกที่น่าสนใจที่สุดในช่วงเวลานี้เป็นของ Oliver Goldsmith (Good; Night of Errors) และ Richard Sheridan (The Rivals; The School for Scandal)

ตัวแทนที่ดีที่สุดของภาษาอังกฤษ ศิลปะศิลปะปรากฏขึ้น เดวิดผู้โด่งดัง Garrick (1717-1779) นักมนุษยนิยมและนักการศึกษาบนเวที เขาประสบความสำเร็จในการโปรโมตละครของเช็คสเปียร์ โดยรับบทเป็นแฮมเล็ต เลียร์ และคนอื่นๆ

ปลายศตวรรษที่ 18 ทำเครื่องหมายในอังกฤษโดยการเกิดขึ้นของประเภทใหม่ - โศกนาฏกรรมของ "ฝันร้ายและความน่าสะพรึงกลัว" ซึ่งเป็นบรรพบุรุษของขบวนการสุนทรียภาพใหม่ - แนวโรแมนติก ผู้สร้างประเภทนี้คือ Horace Walpole แม้ว่าเขาจะเขียนละครเรื่องเดียวเรื่อง "The Mysterious Mother" (1768) ซึ่งบรรยายถึงเรื่องราวของความหลงใหลในการร่วมประเวณีระหว่างพี่น้อง แต่ผู้เขียนก็มีอิทธิพลอย่างมากต่อละครก่อนโรแมนติกและโรแมนติก

โรงละครฝรั่งเศสแห่งศตวรรษที่ 18

กระบวนการทำให้สังคมเป็นประชาธิปไตยในช่วงการตรัสรู้ทำให้ละครแนวใหม่มีชีวิตขึ้นมา - ละครชนชั้นกลางซึ่งผู้สร้างในฝรั่งเศส ได้แก่ D. Diderot, M. J. Seden, L. S. Mercier

ข้อบกพร่องของละครชนชั้นกลางและ "ตลกน้ำตาไหล" ถูกเอาชนะในคอเมดีของ P. O. Beaumarchais "The Barber of Seville" (1775) และ "The Marriage of Figaro" (1784) ซึ่งประเพณีของ Moliere ได้รับการฟื้นฟูด้วยความเข้มแข็งและ คุณลักษณะที่ดีที่สุดของสุนทรียศาสตร์ทางการศึกษาได้รวบรวมไว้

ความปรารถนาอันกล้าหาญและพลเมืองของละครเพื่อการศึกษาได้รับการเปิดเผยอย่างมีพลังสูงสุดในสมัยของฝรั่งเศส การปฏิวัติชนชั้นกลางปลายศตวรรษที่ 18 โศกนาฏกรรมของ M. J. Chenier ซึ่งเต็มไปด้วยความน่าสมเพชต่อต้านระบบศักดินา (Charles IX, 1789, Henry VIII, 1791, Jean Calas, 1791, Caius Gracchus, 1792) เป็นตัวอย่างของละครของลัทธิคลาสสิกที่ปฏิวัติ

ในฝรั่งเศส นักปรัชญาการรู้แจ้ง วอลแตร์ เปลี่ยนละครของเขาไปสู่การกดดันประเด็นทางสังคมและประณามลัทธิเผด็จการ ยังคงพัฒนาประเภทของโศกนาฏกรรมต่อไป

ในเวลาเดียวกัน ประเพณีการแสดงตลกเสียดสียังคงอยู่บนเวทีฝรั่งเศส ดังนั้น Lesage (1668-1747) ในภาพยนตร์ตลกเรื่อง "Turcare" จึงวิพากษ์วิจารณ์ไม่เพียง แต่ขุนนางผู้เสื่อมโทรมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชนชั้นกระฎุมพีที่ร่ำรวยด้วย เขาพยายามสร้างคอเมดี้ให้กับละครยอดนิยม

นักการศึกษาและนักเขียนบทละครอีกคน Denis Diderot (1713-1784) ปกป้องความจริงและความเป็นธรรมชาติบนเวที นอกเหนือจากบทละครหลายเรื่อง (“ Bad Son”, “ Father of the Family” ฯลฯ ) Diderot ยังเขียนบทความเรื่อง The Paradox of the Actor ซึ่งเขาได้พัฒนาทฤษฎีการแสดง

ในการผลิตโศกนาฏกรรมทางการศึกษาของวอลแตร์มีนักแสดงประเภทใหม่เกิดขึ้นซึ่งสามารถแสดงความน่าสมเพชของพลเมืองในรูปแบบที่กล้าหาญและกล่าวหาได้

โรงละครที่ยุติธรรมและบนถนนครอบครองพื้นที่ขนาดใหญ่ในการพัฒนาโรงละครในช่วงการตรัสรู้ในฝรั่งเศส ประเภทของละครที่ยุติธรรม ได้แก่ ละครใบ้ เรื่องตลก ละครคุณธรรม และการแสดงแบบเร็ว ซึ่งการแสดงมีพื้นฐานมาจากศิลปะแห่งการแสดงด้นสด การแสดงเหล่านี้เป็นการแสดงที่มักเป็นการเสียดสี โดยมีองค์ประกอบที่แปลกประหลาดและตลกขบขัน เต็มไปด้วยอารมณ์ขันที่หยาบคาย นักเต้นเชือก นักเล่นกล และสัตว์ที่ได้รับการฝึกฝนซึ่งเป็นต้นแบบของนักแสดงละครสัตว์ก็แสดงในงานเช่นกัน พวกเขาใช้การล้อเลียนและการเสียดสีอย่างกว้างขวาง ลักษณะที่เป็นประชาธิปไตยของศิลปะนี้ทำให้เกิดการโจมตีจากโรงละครที่มีสิทธิพิเศษ

การก่อตัวของโรงละครเยอรมัน

ผู้สร้างโรงละครแห่งชาติเยอรมันอย่างแท้จริงคือ Gotthold-Ephraim Lessing นักเขียนผู้รู้แจ้งชาวเยอรมันที่มีชื่อเสียงที่สุด (1729 -1781) เขาสร้างภาพยนตร์ตลกระดับชาติเรื่องแรกของเยอรมันเรื่อง "Minna von Barnholm", โศกนาฏกรรมต่อต้านระบบศักดินา "Emilia Galotti" และเรื่องอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่ง ผลงานละคร- ในโศกนาฏกรรมทางการศึกษาเรื่อง “Nathan the Wise” ผู้เขียนได้กล่าวถึงการต่อต้านความคลั่งไคล้ทางศาสนา

ในหนังสือชื่อดังเรื่อง “Hamburg Drama” Lessing ได้สรุปความคิดเห็นของเขาเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์และทฤษฎีการละคร G. E. Lessing เป็นผู้สร้างละครสังคม ตลกระดับชาติและโศกนาฏกรรมทางการศึกษา นักทฤษฎีการละคร และเป็นผู้ก่อตั้งการเคลื่อนไหวที่สมจริงในโรงละครเยอรมันแห่งศตวรรษที่ 18

แนวคิดเรื่องการตรัสรู้มีอิทธิพลอย่างมากต่อการแสดงของชาวเยอรมัน และทำให้เข้าใกล้ความสมจริงมากขึ้น นักแสดงที่โดดเด่นที่สุดในเยอรมนีในช่วงหลายปีที่ผ่านมาคือ ฟรีดริช ลุดวิก ชโรเดอร์ (1744-1816) ซึ่งเกี่ยวข้องกับแนวคิดเรื่อง "ความปั่นป่วนและความเครียด" ในยุค 70 ศตวรรษที่สิบแปด การเคลื่อนไหวใหม่ที่เรียกว่า "Storm and Drang" เกิดขึ้นในงานศิลปะเยอรมัน

มันสะท้อนให้เห็นถึงการเคลื่อนไหวของกลุ่มกระฎุมพีที่มีความคิดปฏิวัติและก้าวหน้าที่สุดซึ่งต่อสู้กับระบบศักดินาและลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์ เกอเธ่และชิลเลอร์ กวีและนักเขียนบทละครชาวเยอรมันที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เข้าร่วมในขบวนการนี้ ในปี พ.ศ. 2320 โรงละครแห่งชาติ Mannheim ได้เปิดขึ้น ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นหนึ่งในโรงละครเยอรมันที่ใหญ่ที่สุดในยุค 80-90 ในศตวรรษที่ 18 กิจกรรมของนักแสดง ผู้กำกับ และนักเขียนบทละคร A.V. Iffland ได้ถูกเปิดเผยที่นั่น เขาปลูกฝังละครชนชั้นกลาง - ฟิลิสเตียบนเวที Mannheim (ละครของเขาเองรวมถึงบทละครของ A. Kotzebue) ซึ่งกำหนดหน้าตาที่สร้างสรรค์ของโรงละคร

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 การพัฒนาโรงละครเยอรมันมีความเกี่ยวข้องกับกิจกรรมของนักเขียนบทละครชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ เจ. ดับเบิลยู. เกอเธ่ และ เอฟ. ชิลเลอร์ในโรงละครไวมาร์ ที่นี่เป็นครั้งแรกในเยอรมนีที่พวกเขาจัดแสดง ผลงานที่สำคัญละครคลาสสิกระดับโลก (เกอเธ่, ชิลเลอร์, เลสซิง, วอลแตร์และอื่น ๆ ) มีการวางรากฐานของศิลปะการกำกับนำหลักการของวงดนตรีการแสดงที่อยู่ภายใต้แนวคิดทางศิลปะเดียวมาใช้

เกอเธ่ในตัวเขา โปรแกรมเชิงทฤษฎีและการปฏิบัติทางศิลปะ เขายืนยันหลักการของการสร้างโรงละครที่ยิ่งใหญ่ซึ่งเป็นไปตามมาตรฐานที่เข้มงวดของศิลปะโบราณ การแสดง "โรงเรียนไวมาร์" ตรงกันข้ามกับโรงเรียนมันน์ไฮม์และอยู่ใกล้กับโรงเรียนคลาสสิกมากขึ้น

โรงละครอิตาลี

แม้จะมีความล้าหลังทางเศรษฐกิจและการเมือง แต่อิตาลีก็โดดเด่นด้วยความร่ำรวยและความหลากหลายของชีวิตการแสดงละคร เมื่อถึงศตวรรษที่ 18 อิตาลีมีละครเพลงที่ดีที่สุดในโลก โดยแบ่งออกเป็นสองประเภท ได้แก่ โอเปร่าจริงจังและโอเปร่าการ์ตูน (Opera buffa) มีโรงละครหุ่นกระบอกและมีการแสดงตลก dell'arte ทุกที่

อย่างไรก็ตาม การปฏิรูปละครมีมายาวนานแล้ว ในยุคแห่งการรู้แจ้ง การแสดงตลกแบบด้นสดไม่เป็นไปตามข้อกำหนดของยุคนั้นอีกต่อไป เราต้องการอันใหม่ที่จริงจัง โรงละครวรรณกรรม- Comedy of Masks ไม่สามารถดำรงอยู่ได้ในรูปแบบก่อนหน้านี้ แต่ความสำเร็จจะต้องได้รับการอนุรักษ์และถ่ายโอนไปยังโรงละครใหม่อย่างระมัดระวัง

การแทรกซึมของแนวคิดการตรัสรู้เข้าสู่ โรงละครอิตาลีมาพร้อมกับการต่อสู้อันยาวนานกับพิธีการและการขาดความคิดบนเวทีละคร ผู้ริเริ่มในอิตาลีคือนักเขียนบทละครที่โดดเด่นอย่าง Carlo Goldoni (1707 -1793) เขาสร้างตัวละครตลกตัวใหม่ แทนที่จะเป็นการแสดงด้นสด การแสดงมีพื้นฐานมาจากข้อความวรรณกรรม

ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ถือเป็นช่วงเวลาแห่งสงครามการแสดงละครในประวัติศาสตร์อิตาลี Abbot Chiari นักเขียนบทละครธรรมดาๆ ที่ไม่เป็นอันตรายต่อต้านเขา แต่ Carlo Gozzi เป็นคู่ต่อสู้หลักของเขาในแง่ของความสามารถที่เท่าเทียมเขา Gozzi ปกป้องโรงละครแห่งหน้ากากโดยกำหนดภารกิจในการฟื้นฟูประเพณีการแสดงตลกด้นสด และดูเหมือนว่าเขาจะทำสำเร็จในช่วงหนึ่ง และถึงแม้ว่า Goldoni จะออกจากพื้นที่สำหรับการแสดงด้นสดในคอเมดีของเขา แต่ในที่สุด Gozzi เองก็เขียนเกือบทั้งหมดของเขาไว้ งานเขียนที่น่าทึ่งการโต้เถียงของพวกเขารุนแรงและแน่วแน่ เนื่องจากเส้นประสาทหลักของการเผชิญหน้าระหว่างชาวเวนิสผู้ยิ่งใหญ่ทั้งสองคือความไม่ลงรอยกันของตำแหน่งทางสังคมของพวกเขาค่ะ มุมมองที่แตกต่างกันบนโลกและมนุษย์

Carlo Gozzi (1720-1806) เป็นนักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์ ในความพยายามที่จะเปรียบเทียบละครของเขากับคอเมดีของ Goldoni Gozzi ได้พัฒนาประเภทของเทพนิยายละคร นี่คือบทละครของเขาเรื่อง "The Love for Three Oranges", "The Deer King", "Princess Turandot" อันโด่งดัง, "The Snake Woman" และอื่น ๆ ต้องขอบคุณการประชดที่เข้มข้นและอารมณ์ขันที่ยอดเยี่ยม เทพนิยายที่มีพรสวรรค์ของ Gozzi บนเวทียังคงได้รับความนิยมมาจนถึงทุกวันนี้

ผู้เขียนโศกนาฏกรรมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคือ Vittorio Alfieri การกำเนิดของโศกนาฏกรรมละครเพลงของอิตาลีมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของเขา เขาสร้างโศกนาฏกรรมทางแพ่งโดยลำพัง ผู้รักชาติผู้หลงใหลซึ่งใฝ่ฝันที่จะปลดปล่อยบ้านเกิดของเขา Alfieri ต่อต้านระบบเผด็จการ โศกนาฏกรรมทั้งหมดของเขาเต็มไปด้วยความน่าสมเพชที่กล้าหาญของการต่อสู้เพื่ออิสรภาพ

Alfieri แย้งว่าประชาชนควรได้รับอิสรภาพจากมือของชนชั้นสูง เขายืนยันเสรีภาพของมนุษย์ซึ่งเจตจำนงจะขึ้นอยู่กับเหตุผลและสำนึกในหน้าที่เท่านั้น ในบทความของเขาเรื่อง "On the Prince and Literature" (1778-86) Alfieri นิยามงานกวีนิพนธ์เชิงละครว่าเป็นการปลุกความรู้สึกถึงคุณธรรมและความรักในอิสรภาพ โศกนาฏกรรมของ Alfieri Saul, Philip, Virginia, Brutus I และ Brutus II มีส่วนช่วยในการพัฒนาโรงละครของอิตาลี

โรงละครแห่งการตรัสรู้ของเดนมาร์ก

โรงละครมืออาชีพในเดนมาร์กเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 18 การสร้างมีสาเหตุมาจากเศรษฐกิจและ การพัฒนาวัฒนธรรมประเทศ. เมื่อวันที่ 23 กันยายน ค.ศ. 1722 โรงละครเวทีของเดนมาร์กเปิดในโคเปนเฮเกนด้วยละครเรื่อง "The Miser" และในไม่ช้าก็มีการฉายรอบปฐมทัศน์ของภาพยนตร์ตลกเรื่องแรกของ L. Holberg เรื่อง "The Tin Man-Politician"

ในปี ค.ศ. 1728 ตัวแทนของแวดวงศาลประสบความสำเร็จในการปิดเวทีเดนมาร์ก โรงละครกลับมาทำงานต่อในปี 1748 เท่านั้น (ในบริเวณ Royal Square) ในปี พ.ศ. 2313 ได้รับชื่อ Royal และอยู่ภายใต้เขตอำนาจของกระทรวงศาล ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 โรงละครแห่งนี้จัดแสดงเพลงร้องเพลง ตลกโดย J. Ewald โศกนาฏกรรมของวอลแตร์และมหากาพย์ภาษาเดนมาร์กของเขา แต่พื้นฐานของละครของโรงละครยังคงเป็นละครของโฮลเบิร์ก

บทบาทที่โดดเด่นในการส่งเสริมแนวคิดเรื่องการตรัสรู้ในเดนมาร์กแสดงโดยผลงานของ I. X. Wessel ผู้เขียนโศกนาฏกรรมล้อเลียนเรื่อง Love without Stockings (1772) ซึ่งสืบสานประเพณีของ Holberg

โรงละครแห่งการตรัสรู้เป็นหนึ่งในปรากฏการณ์ที่โดดเด่นและสำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก นี่คือแหล่งอันทรงพลังของศิลปะการแสดงละครยุโรป - ตลอดกาล โรงละครแห่งใหม่เกิดขึ้นจากความต้องการที่จะทุ่มเทพลังของเยาวชนไปสู่การปฏิบัติ และถ้าคุณถามตัวเองด้วยคำถามว่าการกระทำนี้น่าสนุกแค่ไหน คำตอบก็ชัดเจน: แน่นอน เข้าสู่ขอบเขตของโรงละคร

ในช่วงศตวรรษที่ 18 โรงละครยุโรปมีชีวิตที่ยืนยาวและซับซ้อน บรรทัดฐานด้านสุนทรียศาสตร์ซึ่งถือเป็นสัมบูรณ์ได้สูญเสียความหมายเดิมไปในช่วงเวลานี้ ตลอดระยะเวลาหนึ่งศตวรรษ ความคิดเห็นและรสนิยมมีความขัดแย้งกันอย่างต่อเนื่อง และหอประชุมก็กลายเป็นเวทีแห่งการปะทะกันในที่สาธารณะมากกว่าหนึ่งครั้ง ผู้เขียนเป็นฝ่ายตรงข้ามทางการเมืองซึ่งเป็นครั้งแรกที่ได้เรียนรู้ว่าอาจมีการต่อสู้อันขมขื่นในงานศิลปะของพวกเขาเช่นกัน

โรงละครในฐานะรูปแบบศิลปะไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้ในอนุสรณ์สถานทางวัตถุเช่นภาพวาดและประติมากรรมตลอดจนผลงานวรรณกรรมและดนตรี แต่ประวัติศาสตร์ของโรงละครบอกเล่าเกี่ยวกับนักแสดงผู้ยิ่งใหญ่ในอดีต วิธีการเล่นของพวกเขา แรงบันดาลใจของคนรุ่นราวคราวเดียวกันที่พวกเขารวบรวมไว้ในการแสดง สิ่งที่ต้องการในเวลาที่พวกเขาตอบสนอง

ชีวิตในโรงละครรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 19

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 เครือข่ายโรงละครจักรวรรดิรัสเซียได้ก่อตั้งขึ้นซึ่งได้รับการจัดการ
“พันธกิจในราชสำนักของพระองค์ พระบาทสมเด็จพระเจ้าอยู่หัว- ผู้ใต้บังคับบัญชาของศาลมีโรงละครสามแห่งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - Alexandrinsky, Mariinsky และ Mikhailovsky - และอีกสองแห่งในมอสโก - โรงละคร Bolshoi และ Maly

ด้วยการมาของบทละครของ A.N. ออสตรอฟสกี้, I.S. Turgenev ร้อยแก้วโดย F.M. Dostoevsky บทกวีของ Nekrasov ความสมจริงมาถึงวัฒนธรรมรัสเซีย

ศิลปะการแสดงเปลี่ยนไปพร้อมกับการแสดงละคร ทำลายความคิดเก่าๆ เกี่ยวกับความจริงที่อยู่บนเวที วันที่ 16 พฤศจิกายน พ.ศ. 2402 เป็นวันเปิดตัวละครเรื่อง The Thunderstorm ของ Ostrovsky ที่โรงละคร Maly พายุปะทุขึ้นรอบการแสดง นักแสดงคนแรกในบทบาทของ Katerina คือนักแสดงที่ยอดเยี่ยม L.P. นิคูลินา - โคซิทสกายา ด้วยบทละครของ Ostrovsky องค์ประกอบของชีวิตชาวรัสเซียก็พุ่งขึ้นมาบนเวที ทั้งใหม่ ชุ่มฉ่ำ และ ภาษาสมัยใหม่- นักแสดงของ Maly ฉายแววในบทละครของ Ostrovsky ตลอดทศวรรษต่อ ๆ มา จี.เอ็น. Fedotova, M.N. Ermolova เป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยมของ Maly Theatre

ศิลปินชาวรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 M.S. Shchepkin, ป.ล. โมชาลอฟ, วี.เอ. Karatygin ยังคงอยู่ในความทรงจำของลูกหลานในฐานะบุคคลจากตำนาน Shchepkin มีบทบาทเกือบ 600 บทในละครของ Shakespeare, Moliere, Gogol, Ostrovsky และ Turgenev เขาเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่ยืนยันความสมจริงในโรงละครรัสเซีย เขาสร้างความจริงบนเวทีรัสเซีย

Mochalov เป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับ Shchepkin เขาเล่นบทนำในละครรัสเซียและตะวันตก - Hamlet ของเช็คสเปียร์, Karl Moor ในละครของ Schiller เรื่อง The Robbers, Chatsky ใน Woe from Wit

ในการผลิตละคร นักแสดงชาวรัสเซียได้สร้างภาพที่ลงไปในประวัติศาสตร์ศิลปะการแสดงละคร ประชาชนชื่นชม Ekaterina Semyonova และ Alexei Yakovlev นักแสดงเหล่านี้แปลงร่างเป็นคนที่พวกเขาเป็นตัวแทนไปโดยสิ้นเชิง โรงละคร Maly เริ่มเชี่ยวชาญในการแสดงละครและโรงละครบอลชอยในโอเปร่าและบัลเล่ต์ทีละน้อย

โรงละครบอลชอยเปตรอฟสกี้ 2368-2396

การเปิดโรงละครบอลชอยเปตรอฟสกี้เมื่อวันที่ 6 มกราคม พ.ศ. 2368 ถือเป็นการเปิดฉากอย่างเคร่งขรึมมาก ผู้ชมที่มาเยี่ยมชมโรงละครแห่งใหม่ในเย็นวันนั้นต่างตกตะลึงกับความสง่างามของการออกแบบสถาปัตยกรรมและการนำไปใช้ ขนาดของอาคารที่ไม่เคยมีมาก่อน และความสวยงามของการตกแต่งหอประชุม

นักเขียน Sergei Aksakov เล่าว่า: “โรงละคร Bolshoi Petrovsky ซึ่งโผล่ออกมาจากซากปรักหักพังเก่าแก่ที่ไหม้เกรียม... ทำให้ฉันประหลาดใจและยินดี... อาคารขนาดใหญ่อันงดงามแห่งนี้อุทิศให้กับงานศิลปะที่ฉันชื่นชอบโดยเฉพาะ เพียงแค่รูปลักษณ์ภายนอกก็ทำให้ฉันตื่นเต้นอย่างสนุกสนาน …”

ก่อนเริ่มการแสดง ผู้ชมเรียกผู้สร้างโรงละคร Osip Bove ขึ้นไปบนเวทีและปรบมือให้เขา

ในเช้าวันที่ 11 มีนาคม พ.ศ. 2396 มีเมฆมากและหนาวจัด เกิดเพลิงไหม้ในโรงละครโดยไม่ทราบสาเหตุ เปลวไฟลุกท่วมทั้งอาคารทันที แต่ไฟโหมกระหน่ำอย่างแรงที่สุดบนเวทีและในหอประชุม “ มันน่ากลัวที่ได้เห็นยักษ์ตัวนี้ถูกกลืนหายไปในไฟ” ผู้เห็นเหตุการณ์บรรยายถึงไฟนั้น “ เมื่อมันกำลังลุกไหม้ดูเหมือนว่าคนที่เรารักซึ่งมอบความคิดและความรู้สึกที่สวยงามที่สุดให้กับเรานั้นกำลังจะตาย ต่อหน้าต่อตาเรา...”

ชาวมอสโกต่อสู้กับเปลวไฟเป็นเวลาสองวันและในวันที่สามอาคารโรงละครมีลักษณะคล้ายกับซากปรักหักพังของโคลีเซียมโรมัน ซากอาคารถูกเผาอยู่ประมาณหนึ่งสัปดาห์ เสียชีวิตอย่างถาวรในกองไฟ เครื่องแต่งกายละครรวบรวมตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 ทิวทัศน์ที่ยอดเยี่ยมสำหรับการแสดง ที่เก็บถาวรของคณะ ส่วนหนึ่งของคลังเพลง เครื่องดนตรีหายาก

การออกแบบอาคารโรงละครใหม่ซึ่งวาดโดยศาสตราจารย์เอ. มิคาอิลอฟได้รับการอนุมัติจากจักรพรรดิอเล็กซานเดอร์ที่ 1 ในปี พ.ศ. 2364 และได้รับความไว้วางใจในการก่อสร้างโดยสถาปนิก Osip Bova

หนึ่งใน โรงละครที่ใหญ่ที่สุดยุโรป ถูกสร้างขึ้นบนพื้นที่ของอาคารโรงละครที่ถูกไฟไหม้ แต่ส่วนหน้าหันหน้าไปทางจัตุรัส Teatralnaya...

โรงละครบอลชอย (พ.ศ. 2399-2460)

เมื่อวันที่ 20 สิงหาคม พ.ศ. 2399 โรงละครบอลชอยที่ได้รับการบูรณะใหม่ได้เปิดขึ้นต่อหน้า ราชวงศ์และตัวแทนของทุกรัฐด้วยโอเปร่าเรื่อง The Puritans ของวี. เบลลินี แสดงโดยคณะละครชาวอิตาลี บัลเล่ต์มอสโกในยุคนี้เป็นหนี้ความสำเร็จของความสามารถของ Marius Petipa ชาวฝรั่งเศสผู้ตั้งรกรากในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก นักออกแบบท่าเต้นมามอสโคว์หลายครั้งเพื่อแสดงบนเวที ผลงานที่สำคัญที่สุดในมอสโกของเขาคือ "Don Quixote" โดย L. Minkus ซึ่งแสดงครั้งแรกในปี พ.ศ. 2412 ต่อมา Petipa ได้ย้ายบัลเล่ต์นี้ฉบับมอสโกไปที่เวทีเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

งานของ P. Tchaikovsky มีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนาวัฒนธรรมการแสดง นักแต่งเพลงเปิดตัวครั้งแรกใน เพลงโอเปร่า- "The Voevoda" (2412) และบัลเล่ต์ - "Swan Lake" (2420) เกิดขึ้นบนเวทีของโรงละครบอลชอย ที่นี่โอเปร่า "Eugene Onegin" (พ.ศ. 2424) ได้รับการกำเนิดที่แท้จริงซึ่งเป็นความพยายามครั้งแรกบนเวทีใหญ่หลังจากการผลิตเรือนกระจกในปี พ.ศ. 2422; โอเปร่า "Mazeppa" (1884) ซึ่งเป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของความคิดสร้างสรรค์โอเปร่าของนักแต่งเพลงเปิดตัวครั้งแรก ฉบับสุดท้ายของโอเปร่า "Blacksmith Vakula" ซึ่งได้รับชื่อใหม่ "Cherevichki" ในการแสดงปี 1887

การแสดงครั้งแรกเมื่อวันที่ 16 ธันวาคม พ.ศ. 2431 กลายเป็นการแสดงที่น่าจดจำในพงศาวดารของโรงละคร ละครพื้นบ้าน I. Mussorgsky "บอริส โกดูนอฟ" โอเปร่าเรื่องแรกของ N. Rimsky-Korsakov ที่เห็นแสงสว่างจากเวทีโรงละครบอลชอยคือ "The Snow Maiden" (1893) และ "The Night Before Christmas" (1898) ในปีเดียวกัน พ.ศ. 2441 โรงละครได้แสดงโอเปร่าเรื่อง Prince Igor ของ A. Borodin แก่ผู้ชมเป็นครั้งแรกและแฟน ๆ อีกสองปีต่อมา ศิลปะการออกแบบท่าเต้นทำความคุ้นเคยกับบัลเล่ต์ "Raymonda" ของ A. Glazunov

คณะโอเปร่าของโรงละครในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 มีนักร้องที่โดดเด่นมากมาย ในบรรดาชื่ออันรุ่งโรจน์ในปีที่ผ่านมา ได้แก่ Eulalia Kadmina, Anton Bartsal, Pavel Khokhlov, Nadezhda Salina, Ivan Gryzunov, Margarita Gunova, Vasily Petrov เป็นต้น นักร้องปรากฏตัวบนเวทีละครในช่วงหลายปีที่ผ่านมาซึ่งในไม่ช้าชื่อก็เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางไม่เพียง แต่ใน รัสเซียและต่างประเทศ - Leonid Sobinov, Fyodor Chaliapin, Antonina Nezhdanova

กิจกรรมในโรงละครของ Sergei Rachmaninov ผู้ซึ่งสถาปนาตัวเองเป็นผู้ควบคุมวงก็ประสบผลสำเร็จ นักดนตรีที่ยอดเยี่ยม- Rachmaninov ปรับปรุงคุณภาพเสียงของโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซียในโรงละคร อย่างไรก็ตามชื่อของ Rachmaninov มีความเกี่ยวข้องกับการย้ายคอนโซลของผู้ควบคุมวงไปยังสถานที่ที่อยู่ตอนนี้ ก่อนหน้านี้ ผู้ควบคุมวงยืนอยู่ด้านหลังวงออเคสตราโดยหันหน้าไปทางเวที

ในปีพ.ศ. 2442 The Sleeping Beauty ได้รับการจัดแสดงเป็นครั้งแรกที่โรงละครบอลชอย การผลิตบัลเล่ต์ชุดนี้ซึ่งก่อให้เกิดความร่วมมือด้านดนตรีและการเต้นรำในโรงละครบัลเล่ต์ของรัสเซีย ถือเป็นจุดเริ่มต้นของการทำงานที่ยาวนานและมีความสุขในมอสโกสำหรับนักออกแบบท่าเต้น นักเขียนบท และอาจารย์ Alexander Gorsky ฉันทำงานร่วมกับเขา กลุ่มใหญ่ศิลปินที่มีความสามารถ - Ekaterina Geltser, Vera Caralli, Sofya Fedorova, Alexandra Balashova, Vasily Tikhomirov, Mikhail Mordkin, วาทยกรและนักแต่งเพลง Andrei Arende ฯลฯ เพื่อออกแบบผลงานใหม่ของบัลเล่ต์ "Don Quixote" (1900), Gorsky เป็นครั้งแรก เชิญศิลปินรุ่นเยาว์ Konstantin Korovin และ Alexander Golovin ปรมาจารย์ด้านการวาดภาพละครผู้ยิ่งใหญ่ในอนาคต

พ.ศ. 2454 แผนการที่ส่งโดย Albert Kavos ชนะการแข่งขันเพื่อบูรณะอาคารโรงละคร

Kavos ยังคงรักษารูปแบบและปริมาตรของอาคาร Beauvais ไว้ โดยเพิ่มความสูง เปลี่ยนสัดส่วน และออกแบบการตกแต่งทางสถาปัตยกรรมใหม่ โดยเฉพาะอย่างยิ่งแกลเลอรีเหล็กหล่อเรียวยาวพร้อมโคมไฟถูกสร้างขึ้นที่ด้านข้างของอาคาร ผู้ร่วมสมัยตั้งข้อสังเกตถึงลักษณะของเสานี้โดยเฉพาะ ตอนเย็นที่สวยงามเมื่อมองจากระยะไกลและโคมไฟที่ลุกเป็นแถวดูเหมือนด้ายเพชรวิ่งไปตามโรงละคร

กลุ่มเศวตศิลาอพอลโลที่ตกแต่งโรงละคร Beauvais ถูกทำลายด้วยไฟ เพื่อสร้างกลุ่มใหม่ Kavos ได้เชิญ Pyotr Klodt ประติมากรชื่อดังชาวรัสเซีย (พ.ศ. 2348-2410) ผู้เขียนกลุ่มนักขี่ม้าชื่อดังสี่กลุ่มบนสะพาน Anichkov เหนือแม่น้ำ Fontanka ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

Klodt สร้างชื่อเสียงระดับโลกในขณะนี้ กลุ่มประติมากรรมกับอพอลโล มันถูกหล่อในโรงงานของ Duke of Lichtenberg จากโลหะผสมที่ชุบด้วยทองแดงสีแดง

เมื่อสร้างหอประชุมขึ้นใหม่ Kavos ได้เปลี่ยนรูปทรงของห้องโถง โดยแคบลงจนเหลือเวที และทำให้หลุมวงออเคสตราลึกขึ้น ด้านหลังแผงขายของที่เคยเป็นแกลเลอรี เขาได้สร้างอัฒจันทร์ ขนาดของหอประชุมคือ: ความลึกและความกว้างเกือบเท่ากัน - ประมาณ 30 เมตร, สูง - ประมาณ 20 เมตร หอประชุมเริ่มรองรับผู้ชมได้มากกว่า 2,000 คน

ในรูปแบบนี้ โรงละครบอลชอยยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ ยกเว้นการบูรณะใหม่ทั้งภายในและภายนอกเล็กน้อย

ละครเป็นสิ่งมหัศจรรย์ของโลกมนุษย์