คำอธิบายสั้น ๆ ของเครื่องแต่งกายละคร

ต้นกำเนิดของเครื่องแต่งกายละครดังกล่าวมีมาตั้งแต่สมัยโบราณ ตั้งแต่สมัยโบราณก็มีการแต่งกายละครในโรงละคร ตะวันออกโบราณ- ในประเทศจีน อินเดีย และญี่ปุ่น เครื่องแต่งกายละครคลาสสิกถือเป็นสัญลักษณ์และเป็นเรื่องปกติ ในโรงละคร สัญลักษณ์ของการตกแต่ง ลวดลายบนผ้า และสีก็มีความสำคัญเช่นกัน

เครื่องแต่งกายในโรงละครมักจะถูกสร้างขึ้นสำหรับการแสดงแต่ละครั้งและสำหรับนักแสดงโดยเฉพาะ แต่ก็มีเครื่องแต่งกายสำหรับการแสดงละครเช่นกันที่ไม่เปลี่ยนแปลงตลอด โครงร่างทั่วไปเช่นเดียวกับทุกคณะ

เครื่องแต่งกายละครยุโรปปรากฏตัวครั้งแรกในสมัยกรีกโบราณซึ่งอย่างที่ทุกคนรู้ดีว่าโรงละครมีต้นกำเนิดและพัฒนาในเวลาต่อมาและเมื่อมีการเปลี่ยนแปลงมากมายก็กลายเป็นสมัยใหม่ สิ่งสำคัญในโรงละครกรีกคือเครื่องแต่งกายที่เลียนแบบเสื้อผ้าประจำวันของชาวกรีก นอกจากนี้ สำหรับการแสดงละคร จำเป็นต้องมีหน้ากากขนาดใหญ่ที่มีการแสดงออกทางสีหน้าที่แตกต่างกัน เพื่อให้ผู้ชมจากระยะไกลสามารถมองเห็นอารมณ์ของนักแสดงและรองเท้าบนอัฒจันทร์สูง - บัสกินส์ เครื่องแต่งกายแต่ละชุดในโรงละครกรีกมีสีพิเศษ เช่น บ่งบอกถึงกิจกรรมหรือตำแหน่งบางประเภท เครื่องแต่งกายละครเปลี่ยนไปตามคอนเซ็ปต์ของละคร

ที่นี่ควรค่าแก่การเปิดเผยแก่นแท้ของแนวคิดของ "ชุดละคร"

สารานุกรมสหภาพโซเวียตผู้ยิ่งใหญ่ให้คำจำกัดความต่อไปนี้: "เครื่องแต่งกายในโรงละคร (จากชุดอิตาลี - ประเพณี) เป็นหนึ่งในองค์ประกอบที่สำคัญของการออกแบบการแสดง - เสื้อผ้ารองเท้าหมวกเครื่องประดับและสิ่งของอื่น ๆ ที่นักแสดงใช้เพื่อ กำหนดลักษณะของภาพบนเวทีที่สร้างขึ้นตามความตั้งใจของผู้อำนวยการทั่วไป สิ่งที่จำเป็นเพิ่มเติมในเครื่องแต่งกายคือการแต่งหน้าและทรงผม” เครื่องแต่งกายในโรงละครเป็นพื้นที่พิเศษของความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินซึ่งเขาสามารถรวบรวมได้ จำนวนมากรูปภาพถ่ายทอดตัวละครของตัวละคร เครื่องแต่งกายละครสร้างความคิดของผู้ชมเกี่ยวกับบุคลิกภาพของตัวละครช่วยในการเจาะจิตวิญญาณของยุคนั้นและเข้าใจลักษณะเฉพาะที่สะท้อนให้เห็นในรูปลักษณ์ของนักแสดง

ชุดละครตามคำจำกัดความของ R.V. Zakharzhevskaya นี่คือ "องค์ประกอบของภาพลักษณ์บนเวทีของนักแสดงซึ่งเป็นสัญญาณภายนอกและลักษณะเฉพาะของตัวละครที่แสดงให้เห็นซึ่งช่วยการเปลี่ยนแปลงของนักแสดง วิธี อิทธิพลทางศิลปะบนผู้ชม"

เมื่อเวลาผ่านไป เครื่องแต่งกายละครหลักสามประเภทได้พัฒนาขึ้นในโรงละคร ได้แก่ เสื้อผ้าตัวละคร เกม และเสื้อผ้าของตัวละคร มีอยู่ตั้งแต่รูปลักษณ์ภายนอกของโรงละครแม้ว่าจะไม่ได้ให้คำจำกัดความที่ชัดเจน แต่เครื่องแต่งกายประเภทนี้ก็ยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ โรงละครสมัยใหม่.

“การแต่งกายของตัวละครนี่คือองค์ประกอบภาพและพลาสติกที่เป็นส่วนหนึ่งของภาพลักษณ์ของนักแสดง เครื่องแต่งกายเป็นส่วนสำคัญของตัวละคร ขับเคลื่อนและพากย์เสียงโดยนักแสดง” ต้นแบบเครื่องแต่งกายของตัวละครแบบดั้งเดิมเป็นส่วนสำคัญของพิธีกรรมและพิธีกรรมในหลายประเทศทั่วโลก บางครั้งชุดสูทก็สามารถซ่อนรูปร่างของนักแสดงได้อย่างสมบูรณ์

ชุดเกม- นี่เป็นวิธีการเปลี่ยนรูปลักษณ์ของนักแสดงและเป็นองค์ประกอบสำคัญในการแสดงบทบาท ในการแสดงพิธีกรรมและนิทานพื้นบ้าน ละครส่วนใหญ่มักมีลักษณะล้อเลียนที่แปลกประหลาด เช่น เมื่อจำเป็นต้องเน้นย้ำ เยาะเย้ย ขบวนพาเหรด หรือชี้ให้เห็นความไร้สาระของสถานการณ์ ผู้ชายแต่งตัวเป็นผู้หญิง และในทางกลับกัน ผู้คนก็แสดงภาพสัตว์ต่างๆ วัสดุใด ๆ ที่สามารถเน้นภาพลักษณ์ของตัวละครได้นั้นเหมาะสมสำหรับการทำเครื่องแต่งกายดังกล่าว ใช้แล้ว วัสดุต่างๆและเสื้อผ้า: หมวก - ที่ปิดหู, เสื้อโค้ทหนังแกะ, เคส, เครื่องประดับเทียมต่างๆ, ลูกปัด, ระฆัง

แต่งกายเป็นเสื้อผ้าของตัวละครเป็นหลักในการแสดง โดยอาศัยพื้นฐานของเครื่องแต่งกายนี้ที่สร้างเครื่องแต่งกายของตัวละครและเกม แฟชั่นสมัยใหม่สะท้อนให้เห็นในโรงละครมาโดยตลอด ตัวอย่างเช่น ในการซ้อมละคร พวกเขามักจะใช้เครื่องแต่งกายที่คล้ายกับเสื้อผ้าในสมัยที่มีการแสดง เทคนิคนี้มีมาตั้งแต่สมัยโรงละครกรีกโบราณและปรากฏอยู่ในโรงละครจนกระทั่ง วันนี้- การสร้างเครื่องแต่งกายประเภทนี้ดำเนินการบนพื้นฐานของการเคลื่อนไหวจากรูปแบบที่ใกล้เคียงกับรูปลักษณ์ของเสื้อผ้า (ในโรงละครเรอเนซองส์) ไปจนถึงความคล้ายคลึงกับประวัติศาสตร์มากขึ้น เครื่องแต่งกายประจำชาติบรรลุความถูกต้องและแท้จริง ต่อมาในโรงละครแห่งธรรมชาตินิยมเครื่องแต่งกายเริ่มสอดคล้องกับตัวละครของตัวละครอย่างเต็มที่ถ่ายทอดออกมาได้อย่างแม่นยำที่สุด สภาพจิตใจรูปลักษณ์ภายนอกสื่อถึงองค์ประกอบของภาพได้ชัดเจนยิ่งขึ้น เครื่องแต่งกายเป็นพื้นที่แห่งความคิดสร้างสรรค์พิเศษสำหรับศิลปินที่พัฒนาและประดิษฐ์ไม่เพียง แต่เครื่องแต่งกายที่ยอดเยี่ยมมาโดยตลอดและยังคงเป็นพื้นที่สร้างสรรค์ผลงานศิลปะอย่างแท้จริงจากเสื้อผ้าในครัวเรือนธรรมดาที่สุด

เครื่องแต่งกายละครเป็นสิ่งสำคัญและ ส่วนสำคัญการแสดงละครใดๆ โรงละครอาจเป็นรูปแบบศิลปะที่เปิดเผยต่อสาธารณะมากที่สุด ซึ่งหมายความว่าได้รับการออกแบบมาให้มีความโดดเด่นมากขึ้น โดยปกติเมื่อออกจากห้องโถงผู้ชมจะมีลักษณะการแสดงดังนี้: งดงาม, การแสดงที่ยอดเยี่ยม, ทิวทัศน์ที่ยอดเยี่ยม, การผลิตที่ยอดเยี่ยม จากทั้งหมดนี้เราเห็นได้ว่าการแสดงละครเกือบทุกด้านได้รับผลกระทบจากผลงานของศิลปิน

ในช่วงเวลาของการแสดงและพิธีกรรมพื้นบ้าน ผู้เชี่ยวชาญด้านเครื่องแต่งกายเป็นปรมาจารย์ที่ไม่ระบุชื่อ บ่อยครั้งที่ตัวตลกคิดเครื่องแต่งกายสำหรับตัวเองขึ้นมาอย่างอิสระและทำให้มันมีชีวิตขึ้นมาด้วยวิธีการชั่วคราวราคาไม่แพงและเข้าถึงได้ โรงละครไม่ได้แสดงต่อสาธารณะเสมอไป ใช้เวลานานในการพัฒนาไปในทิศทางนี้ นักแสดงมืออาชีพมีเพียงไม่กี่คน และการแสดงส่วนใหญ่ดำเนินการโดยนักแสดงที่เรียนรู้ด้วยตนเอง กฎหมายที่คุ้มครองผู้มั่งคั่ง ขุนนาง และเจ้าของที่ดิน ต่อสู้กับคนเร่ร่อน รวมถึงนักแสดง เพื่อหยุดการหลบหนีจากงานที่มีรายได้น้อย ค่าจ้างสิ่งนี้ขัดขวางการเติบโตของผู้เชี่ยวชาญด้านการละคร

ในยุคศักดินา ศิลปะการละครสะท้อนให้เห็นในการแสดงของศิลปินนักเดินทาง เครื่องแต่งกายที่พวกเขาจินตนาการนั้นดูเหมือนกับเสื้อผ้าของคนรุ่นราวคราวเดียวกันที่ยากจน แต่ตกแต่งด้วยริบบิ้นและระฆังสีสันสดใส สมัยนี้การแสดงที่เรียกว่าอาถรรพ์เกิดขึ้น คุณลักษณะเฉพาะผลงานมีความโอ่อ่า สดใส ตกแต่ง และไม่แบ่งแยกเป็นการกระทำและศีลธรรม การแสดงกลายเป็นการแสดงบนเวที สวยงาม และน่าตื่นเต้น มีเพียงชุดเดียวที่ไม่เปลี่ยนแปลงไปตลอดการแสดง ต่างจากการแสดงละครสมัยใหม่ ข้อกำหนดหลักสำหรับเครื่องแต่งกายละครในละครลึกลับคือความมั่งคั่ง ความหรูหรา และไม่สำคัญสำหรับบทบาทหลักหรือรอง เครื่องแต่งกายเป็นแบบธรรมดาและหลีกเลี่ยงรายละเอียด เครื่องแต่งกายสำหรับการเล่นศีลธรรมมีความเรียบง่ายมากขึ้นเนื่องจากมีเนื้อหาที่เสริมสร้าง

เช่นเดียวกับศิลปะทุกรูปแบบ การพัฒนาโรงละครแบบก้าวกระโดดครั้งใหญ่เกิดขึ้นในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในเวลาเดียวกัน เครื่องแต่งกายละครก็ได้รับการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญเช่นกัน ซึ่งได้รับอิทธิพลอย่างมากจากแฟชั่นในยุคนั้นตลอดจนฉาก นักแสดงตลกเยาะเย้ยผู้กระทำความผิดและให้ตัวละครที่มีไหวพริบฉลาดและบางครั้งก็ชั่วร้ายแก่ฮีโร่ในการแสดง ต่อมาในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 เครื่องแต่งกายในโรงละครก็ใกล้เคียงกับเสื้อผ้าสไตล์ชนชั้นสูง ขึ้นอยู่กับบทบาท เครื่องแต่งกายละครถูกสร้างขึ้นโดยช่างฝีมือผู้ชำนาญที่ได้รับการศึกษา: ช่างตัดเสื้อ, ศิลปิน, ช่างตกแต่ง มีความต้องการอาชีพเหล่านี้

ประเภทหลัก โรงละครคลาสสิกในศตวรรษที่ 17 มีโศกนาฏกรรมเกิดขึ้น นักแสดงแต่งกายด้วยเครื่องแต่งกายที่เลียนแบบเสื้อผ้าประจำวันของข้าราชบริพารและคนรับใช้ การออกแบบบทละครได้รับอิทธิพลจากรสนิยมและความสนใจของชนชั้นสูง พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ในปี 1662 ด้วยการแสดงของเขาในงานเทศกาลที่แวร์ซายส์ ทำให้เกิดเครื่องแต่งกายรูปแบบใหม่สำหรับโรงละครยุโรป วีรบุรุษที่น่าเศร้าอีกหนึ่งร้อยปีข้างหน้า ปรากฏตัวในชุดเครื่องแต่งกายแบบ "โรมัน" อันเก๋ไก๋ ซึ่งสร้างขึ้นจากชุดประจำราชสำนักโดยเพิ่มเสื้อเกราะและกระโปรงสั้นเข้าไปด้วย เครื่องแต่งกายของผู้หญิงสะท้อนถึงความทันสมัย ​​แต่มีการตกแต่งและปักมากกว่าในชีวิตประจำวัน

ในงานทั้งหมดเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของเครื่องแต่งกาย ช่วงเวลาของ Moliere จะถูกเน้น และเนื่องจากแฟชั่นสะท้อนให้เห็นในโรงละครมาโดยตลอด ช่วงเวลานี้จึงมีความสำคัญสำหรับเครื่องแต่งกายในการแสดงละคร แนวโน้มที่สมจริงเริ่มปรากฏในชุดละคร Moliere แต่งกายให้นักแสดงในชุดสมัยใหม่ในการผลิตของเขา ชั้นที่แตกต่างกันประชากร. ความสำเร็จที่สำคัญในการพัฒนาเครื่องแต่งกายละคร นักแสดง D. Garrick ปฏิเสธความเสแสร้งและความเอิกเกริก เขาพยายามลดชุดให้เหมาะกับบทบาทที่เล่นเผยให้เห็นตัวละครของฮีโร่ช่วยให้เข้าใจแก่นแท้ของเขา

สำหรับงานของเรา การมีส่วนร่วมของวอลแตร์ในประวัติศาสตร์ของเครื่องแต่งกายละครเป็นเรื่องที่น่าสนใจอย่างยิ่ง - ความปรารถนาในความถูกต้องทางประวัติศาสตร์ ระดับชาติ และชาติพันธุ์วิทยา ปฏิเสธที่จะสวมวิกผมแบบแป้งและเครื่องประดับชิ้นใหญ่ซึ่งนักแสดงสาว Clairon สนับสนุนเขา ในกระบวนการปฏิรูป เครื่องแต่งกาย "โรมัน" ที่เก๋ไก๋ได้รับการแก้ไข โดยละทิ้งอุโมงค์แบบเดิมๆ และความเอิกเกริกที่มากเกินไปซึ่งขัดขวางการเคลื่อนไหวก็ถูกกำจัดออกไป

ในศตวรรษที่ 18 ในที่สุดเครื่องแต่งกายก็เปลี่ยนไปโดยฝ่าฝืนประเพณีเก่า ๆ เครื่องแต่งกายมีความแม่นยำในอดีตและถูกสร้างขึ้นตามภาพร่างของศิลปินให้ความสนใจอย่างมากกับการแต่งหน้าและทรงผม แต่ความแม่นยำทางประวัติศาสตร์นั้นทำได้ในรายละเอียดส่วนบุคคลเท่านั้น เท่านั้นที่จะ ศตวรรษที่ 19ในด้านการพัฒนาศิลปะการกำกับ พวกเขามุ่งมั่นที่จะเชื่อมโยงเครื่องแต่งกายเข้ากับแนวคิดของบทละคร และสังเกตจิตวิญญาณแห่งยุคในการสร้างสรรค์การแสดง เป็นที่ทราบกันดีว่านักเขียนบทละครมีส่วนร่วมในการสร้างบทละครเป็นการส่วนตัวและดูแลให้มีการติดตามโครงเรื่อง พวกเขายังรับผิดชอบในการร่างฉากและเครื่องแต่งกายโดยดึงดูดศิลปินชื่อดังมาช่วย ในบรรดาผู้เขียนภาพร่างเครื่องแต่งกาย ได้แก่ E. Delacroix, P. Gavarni, P. Delaroche L. และ C. Boulanger, A. Deveria และคนอื่น ๆ ในช่วงเวลานี้พวกเขาปฏิบัติต่อความถูกต้องและแม่นยำด้วยความกังวลใจเป็นพิเศษแม้ว่าจะไม่ใช่ทุกคนที่ประสบความสำเร็จก็ตาม

ในอังกฤษ นักแสดง W.C. ให้ความสนใจอย่างมากกับความถูกต้องทางประวัติศาสตร์ของเครื่องแต่งกายละคร Macready นักแสดงสาว E. Vestris ผู้กำกับการแสดงทางประวัติศาสตร์บางคนพยายามถ่ายทอดฉากแอ็คชั่นอย่างแม่นยำ สร้างเครื่องแต่งกายขึ้นมาใหม่ให้สอดคล้องกับเวลา และให้ความสนใจอย่างมากกับการแต่งหน้าและทรงผม โดยธรรมชาติแล้ว ความปรารถนาที่มุ่งเน้นในความถูกต้อง ประวัติศาสตร์ และความถูกต้องไม่สามารถนำไปสู่การปฏิเสธได้มากมาย ถึง ปลายศตวรรษที่ 19ศตวรรษ ผู้กำกับและศิลปินที่มีชื่อเสียงหลายคนมุ่งมั่นที่จะปฏิเสธกิจวัตรของธรรมชาตินิยม และต่อสู้กับความสมจริงในงานศิลปะ ซึ่งนำไปสู่การกลับมาของแบบแผนและสไตล์ เรื่องนี้เกิดขึ้นเพราะเชื่อกันว่าโรงละครควรนำสิ่งใหม่ มหัศจรรย์ ที่ไม่จริงมาสู่ชีวิต และไม่ซ้ำรอยชีวิตประจำวันของชีวิตมนุษย์

ต่อมาต้นศตวรรษที่ 20 ผู้มีชื่อเสียงและมีชื่อเสียงเริ่มออกแบบเครื่องแต่งกายสำหรับการแสดงละคร ศิลปินชื่อดังนำการสะท้อนความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขามาสู่งานศิลปะประเภทนี้สร้างกฎแห่งการแต่งกายทำงานในฐานะผู้บุกเบิก บน เวทีที่ทันสมัยในการพัฒนาศิลปะการแสดงละคร ศิลปินไม่เพียงแต่มุ่งมั่นที่จะสะท้อนแนวคิดของบทละครในผลงานของตนเท่านั้น แต่ยังพยายามทำให้เครื่องแต่งกายละครเป็นงานศิลปะที่เป็นอิสระ เพื่อแสดงออก ปลดปล่อยจินตนาการได้อย่างอิสระ เพื่อแสดงวิสัยทัศน์ ของความคิดสร้างสรรค์

จากประวัติศาสตร์ของเครื่องแต่งกายละครเราเห็นว่าศิลปินปฏิบัติต่องานศิลปะประเภทนี้อย่างกระตือรือร้นเพียงใดดังนั้นจึงไม่ต้องสงสัยถึงความสำคัญของบทบาทของเครื่องแต่งกายละครในงานศิลปะ ในการวิจัยของเรา เราให้ความสนใจเป็นพิเศษกับศิลปินที่สร้างภาพร่างสำหรับการแสดงละครต่อไปนี้: L. Bakst, A. Benois, N. Roerich, A. Exter (ดูภาคผนวกหมายเลข 1) ตลอดการพัฒนาเครื่องแต่งกายละครเรามาดูกันว่าทำอย่างไร ศิลปินชื่อดังและปรมาจารย์นิรนามทำงานเพื่อสร้าง ภาพศิลปะพวกเขานำเสนอผลงานศิลปะแม้กระทั่งจากเครื่องแต่งกายธรรมดา ๆ พวกเขาทำงานอย่างสร้างสรรค์โดยพยายามทุกรายละเอียดเพื่อบอกผู้ชมเกี่ยวกับเอกลักษณ์และความสำคัญของตัวละครตัวนี้ เครื่องแต่งกายละครเป็นการผสมผสานระหว่างศิลปะหลายอย่าง ช่างฝีมือจากหลายทิศทางมีส่วนร่วมในการสร้างสรรค์ คนหนึ่งสร้างภาพร่าง ประการที่สองตกแต่งด้วยงานปัก ประการที่สามเกี่ยวกับเครื่องประดับและอุปกรณ์ประกอบฉาก มีงานบางขั้นตอนในการสร้างชุดละคร

ก่อนที่จะเริ่มสร้างชุดละคร ศิลปินต้องถามตัวเองก่อนว่าต้องสร้างอะไร เพื่อใคร และอย่างไร? คำตอบสำหรับคำถามเหล่านี้บ่งบอกว่าศิลปินที่มีประสบการณ์มีความรู้เกี่ยวกับบรรยากาศและภาพลักษณ์ของการแสดง ความรับผิดชอบต่อผู้ชม และความรู้ที่เป็นเลิศของผู้ชม ตลอดจนความรู้เกี่ยวกับเทคนิคและเทคนิคทั้งหมดที่เขาสามารถแสดงออกมาได้ทุกอย่าง แม้ว่าเครื่องแต่งกายละครจะเป็นงานศิลปะอิสระ แต่ก็เหมือนกับสิ่งอื่น ๆ ในการเล่นคืออยู่ภายใต้โครงเรื่องโดยรวม แนวคิด แผนเป็นศูนย์กลางของทุกสิ่ง กำหนดเนื้อหาของตัวละครแต่ละตัวของเขา สถานะทางสังคมด้านคุณธรรมของบุคลิกภาพของเขาและตามรูปร่างหน้าตาของเขาเพราะทั้งหมดนี้เชื่อมโยงถึงกัน ในการปฏิบัติการแสดงละคร การสร้างเครื่องแต่งกายมีสามขั้นตอน: ทำงานกับวรรณกรรม, สะสมเนื้อหาเกี่ยวกับ ธีมทั่วไปการแสดง การทำงานแบบร่าง และสุดท้าย การดำเนินการแบบร่างในวัสดุ การสร้างรูปลักษณ์ในพื้นผิว เมื่อตัดสินใจเกี่ยวกับการออกแบบเครื่องแต่งกายโดยรวมของการแสดง เมื่อเลือกเทคนิคเมื่อทำงานสเก็ตช์เครื่องแต่งกาย และแม้กระทั่งเมื่อเลือกวัสดุและอุปกรณ์เสริม นักออกแบบเครื่องแต่งกายก็จะถูกชี้นำโดยแนวคิดหลักของการแสดง แนวคิดที่แสดงออกในบทภาพยนตร์อยู่ภายใต้การควบคุมทุกอย่าง ไม่ว่าจะเป็นเครื่องแต่งกาย ทิวทัศน์ คุณลักษณะของตัวละคร

เงื่อนไขสำคัญในการทำงานของนักออกแบบเครื่องแต่งกายคือการบรรลุความสามัคคีของแนวคิดในการแสดงและการนำไปปฏิบัติ สิ่งสำคัญในชุดละครคือการสร้างภาพบนเวที ภาพบนเวทีในชุดละครประกอบด้วยแนวคิดของผู้กำกับ พื้นฐานละคร ไดนามิก และจังหวะ การเปลี่ยนแปลงของภาพและวิวัฒนาการของตัวละครของตัวละครและทุกสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีทำให้ศิลปินต้องเปลี่ยนรูปลักษณ์ของนักแสดงบนเวทีหลายครั้ง ไม่เพียงแต่เครื่องแต่งกายเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการแต่งหน้าและทรงผมด้วย เครื่องแต่งกายควรช่วยถ่ายทอดให้ผู้ชมเห็นถึงการเปลี่ยนแปลงภาพลักษณ์ของนักแสดงเพียงเล็กน้อย

เครื่องแต่งกายเป็นส่วนที่สำคัญที่สุดในการแสดงละครเพราะใกล้กับนักแสดงมากที่สุด อย่าลืมว่าเครื่องแต่งกายเป็นการแสดงออกภายนอกของตัวละครของตัวละคร ซึ่งเป็นส่วนสำคัญของภาพบนเวทีและสร้างบรรยากาศพิเศษรอบตัวนักแสดง ซึ่งสำคัญไม่เพียงแต่สำหรับการแสดงตามบทบาทเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้ชมด้วย บ่อยครั้งที่มีลักษณะตัวละครที่ยังคงอยู่ในเนื้อหาย่อยของบทละคร ผู้ชมจะจดจำได้จากเครื่องแต่งกายและรายละเอียดส่วนบุคคล บางครั้งเครื่องแต่งกายควรผสมผสานกับภาพลักษณ์ที่นักแสดงสร้างขึ้น แต่มันก็ขัดแย้งกับตัวละครด้วย ตัวอย่างเช่น ในช่วงเริ่มต้นของละคร เราเห็นนักแสดงแสดงเป็น คนดีเขาประพฤติตนอย่างเหมาะสมและมีศีลธรรมสูง แต่การแต่งกายของเขาทำให้ผู้ชมตื่นตระหนก และแน่นอนว่าเมื่อจบละครเขากลับกลายเป็นคนร้ายหรือคนทรยศ นอกจากนี้เมื่อทำงานสเก็ตช์อย่าลืมเกี่ยวกับความเป็นตัวตนของนักแสดงความเก่งกาจและความซับซ้อนของตัวละครของเขา

ดังนั้น, หมายถึงการแสดงออกเครื่องแต่งกายละครมีลักษณะดังต่อไปนี้:

ภาพบนเวทีเชิงศิลปะประกอบด้วยแนวคิดของผู้กำกับ พื้นฐานการแสดงละคร ไดนามิก และจังหวะ

เป็นงานศิลปะอิสระ

มุ่งมั่นเพื่อความถูกต้องทางประวัติศาสตร์ ระดับชาติ และชาติพันธุ์วิทยา

เป็นการแสดงออกภายนอกของตัวละครของตัวละคร

ได้รับการออกแบบให้มีประสิทธิภาพมากขึ้น

เครื่องแต่งกายละครองค์ประกอบของการออกแบบประสิทธิภาพ ในประวัติศาสตร์ของโรงละคร รู้จักเครื่องแต่งกายละครหลักสามประเภท ได้แก่ เสื้อผ้าตัวละคร เกม และเสื้อผ้าของตัวละคร เครื่องแต่งกายหลักทั้งสามประเภทนี้มีอยู่ในทุกขั้นตอนของศิลปะการแสดง ตั้งแต่พิธีกรรมและนิทานพื้นบ้านก่อนการแสดงละคร ไปจนถึงการปฏิบัติศิลปะสมัยใหม่

เครื่องแต่งกายของตัวละครเป็นการจัดองค์ประกอบภาพพลาสติกบนร่างของนักแสดง โดยเขาเคลื่อนไหวและเปล่งเสียง (โดยการออกเสียงข้อความหรือการร้องเพลง) บางครั้งก็ซ่อนร่างของเขาไว้อย่างสมบูรณ์ คล้ายกับการที่หน้ากากปิดหน้าของเขา ตัวอย่างการแต่งกายของตัวละครในพิธีกรรมและพิธีกรรม ประเทศต่างๆความสงบ. ภาพเงารูประฆังของเครื่องแต่งกายอินเดียเป็นการถอดความจากวิหารเต็นท์หอคอยของ Nagara Shakhara และเมนูภูเขาศักดิ์สิทธิ์ (ศูนย์กลางและแกนของโลกในตำนานเทพเจ้าฮินดู) ภาษาจีน - ด้วยรูปแบบ การออกแบบ การตกแต่ง และสีสัน แสดงถึงสัญลักษณ์ทางจักรวาลวิทยาโบราณของการสลับกันตามธรรมชาติของแสงสว่างและความมืด การหลอมรวมของสวรรค์และโลกในการสร้างโลก เครื่องแต่งกายชามานิกของชาวภาคเหนือรวบรวมภาพของนกมหัศจรรย์ที่เกี่ยวข้องกับ "โลกบน" และสัตว์ร้าย (ผู้อาศัยใน "โลกล่าง") รัสเซียใต้เป็นตัวอย่างหนึ่งของจักรวาล ในการแสดงโอเปร่าปักกิ่งแบบดั้งเดิม เครื่องแต่งกายเป็นตัวแทนของภาพลักษณ์ของมังกรที่น่าเกรงขาม โรงละครญี่ปุ่น“แต่” เป็นแรงจูงใจของธรรมชาติและในยุคบาโรกของศตวรรษที่ 17 - ยุติธรรมหรือสันติภาพ หากเครื่องแต่งกายของตัวละครในพิธีกรรมและนิทานพื้นบ้าน (เช่นเดียวกับองค์ประกอบอื่น ๆ ของฉาก) เป็นผลมาจากความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินพื้นบ้านที่ไม่เปิดเผยตัวตนในศตวรรษที่ 20 ตั้งแต่เริ่มแรกศิลปินก็เริ่มแต่งชุดเหล่านี้: I. Bilibin - ใน โอเปร่า กระทงทอง N. Rimsky-Korsakov (1909), K. Frych - ใน บัวร์ W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - เข้า ซาร์แม็กซิมิเลียน, P. Filonov - ตกอยู่ในโศกนาฏกรรม วลาดิมีร์ มายาคอฟสกี้ในที่สุด K. Malevich ก็อยู่ในโปรเจ็กต์นี้ ชัยชนะเหนือดวงอาทิตย์(ทั้งสามผลงาน พ.ศ. 2456) จากนั้นในช่วงปลายทศวรรษ 1910 - ครึ่งแรกของปี 1920 เครื่องแต่งกายของตัวละครทั้งชุดถูกสร้างขึ้นโดยนักอนาคตชาวอิตาลี E. Prampolini, F. Depero และคนอื่น ๆ , O. Schlemmer จาก German Bauhaus และในบัลเล่ต์ - P. Picasso ซึ่งแสดงให้เห็นถึงผู้จัดการที่แปลกประหลาดใน ขบวนพาเหรด E. Satie และ F. Leger - เทพนิโกรมา การสร้างโลกดี.มิลโล. ในที่สุด "สถาปัตยกรรม" เครื่องแต่งกายแบบเหลี่ยมของ A. Vesnin ได้รับความสำคัญของตัวละครในการแสดงของ A. Tairov - ใน การประกาศการเรียบเรียง Suprematist ของเขาเองเกี่ยวกับร่างของวีรบุรุษ เฟดรา.บน ฉากอื่น ๆ - "ชุดเปลือกหอย" โดย Yu แก๊ส G. Kaiser และ A. Petritsky เข้ามา วีรวมถึงภาพต่อกันที่ยอดเยี่ยมเป็นเครื่องแต่งกายของตัวละครสำหรับการเล่น สารวัตร,ซึ่งสร้างขึ้นโดยนักเรียนของ P. Filonov (N. Evgrafov, A. Landsberg และ A. Sashin) ในธีมของแสตมป์, ตราอาร์ม, ซีล, ซองจดหมาย ฯลฯ - ลักษณะของ Postmaster, สูตร, ลายเซ็น, เข็มฉีดยา, enemas, เครื่องวัดอุณหภูมิ - ตัวละครของหมอ, ขวด , ไส้กรอก, แฮม, แตงโม ฯลฯ - ตัวละครของโรงเตี๊ยมแมน ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เครื่องแต่งกายเป็นตัวละครภาพที่เป็นอิสระซึ่งแสดงแยกจากนักแสดงเป็นองค์ประกอบของฉากถูกสร้างขึ้นโดย M. Kitaev และ S. Stavtseva และในฐานะ หลากหลายชนิดการแต่งเพลงเกี่ยวกับร่างของนักแสดง - K. Shimanovskaya, D. Mataiten, Y. Kharikov

เครื่องแต่งกายเป็นวิธีหนึ่งในการเปลี่ยนรูปลักษณ์ของนักแสดงและเป็นหนึ่งในองค์ประกอบในการแสดงของเขา ในพิธีกรรมและคติชนวิทยา การเปลี่ยนแปลงส่วนใหญ่มักมีลักษณะล้อเลียนที่แปลกประหลาด เมื่อผู้ชายแต่งตัวเป็นผู้หญิง ผู้หญิงเป็นผู้ชาย ชายหนุ่มเป็นชายชรา ความงามเป็นแม่มด หรือเมื่อพวกเขาแสดงภาพสัตว์ต่างๆ ในเวลาเดียวกันทุกอย่างที่มีอยู่ในมือก็ถูกนำมาใช้: แจ็คเก็ต, เสื้อคลุมหนังแกะ, ปลอก, หนังแกะ - กลับด้านออกเสมอ, ตลกกว่าและน่าขบขันมากกว่าตลอดจนเสื้อผ้าอื่น ๆ ที่ค่อนข้างไร้สาระ "กลับหัว" ตัวอย่างเช่นกางเกงขายาวที่สั้นมากเสื้อเชิ้ตที่กว้างเกินไปถุงน่องที่มีรูพรุนผ้าขี้ริ้วผ้าขี้ริ้วผ้าขี้ริ้วกระเป๋าเชือกทุกประเภท ทุกสิ่งที่ธรรมชาติมอบให้ถูกนำมาใช้ ทั้งหญ้า ดอกไม้ ฟาง ใบไม้ ในที่สุดก็มีการนำของตกแต่งประดิษฐ์ต่างๆ มาใช้ในการแต่งตัวด้วย: กระดาษสี, เปลือกไม้เบิร์ช, ฟอยล์, แก้ว, ริบบิ้น, กระจก, ระฆัง, ขนนก ฯลฯ เทคนิคการแต่งกายสุดพิสดารได้ถ่ายทอดสู่การแสดง คอเมดี้กรีกโบราณและไปสู่การแสดงละครพื้นบ้านของภาคตะวันออกที่รวมเข้าด้วยกันด้วย เกมที่หลากหลายนักแสดงที่มีองค์ประกอบของเครื่องแต่งกาย: แขนยาวและขนไก่ฟ้าเข้า ปักกิ่งโอเปร่า, รถไฟ, ผ้าเช็ดตัว และพัดลม - - ในภาษาญี่ปุ่น “ไม่” การแสดงของละครตลกอิตาลี dell'arte บทละครของเชกสเปียร์และโลเป เด เวกามีพื้นฐานมาจากการปลอมตัวและการปลอมตัวที่ไม่มีที่สิ้นสุด ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 เอ็มมา ฮาร์ต (เลดี้ แฮมิลตัน) ใช้การเต้นรำอันโด่งดังของเธอโดยใช้ผ้าคลุมไหล่ หลังจากนั้นเทคนิคที่คล้ายกัน (การจัดการกับผ้าพันคอ ผ้าคลุมเตียง ผ้าคลุมหน้า และองค์ประกอบเครื่องแต่งกายอื่น ๆ ที่คล้ายคลึงกัน) ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในโรงละครบัลเล่ต์แห่งศตวรรษที่ 19 ซึ่งถึงระดับสูงสุด ความสูงทางศิลปะในผลงานของ L. .Bakst ซึ่งมีภาพร่างการออกแบบท่าเต้นรวมถึงพลวัตของผ้าที่บินได้หลากหลาย เข็มขัด ผ้าพันคอ กระโปรง ผ้าพันคอ เสื้อคลุม เสื้อคลุม จี้ สายรัดถุงเท้ายาว บน ฉากที่น่าทึ่งประเพณีของเครื่องแต่งกายที่เล่นไปพร้อมกับการเคลื่อนไหวของนักแสดงยังคงดำเนินต่อไป - โดยการแสดงออกแบบคิวโบ - ฟิวเจอร์ริสต์ - โดย A. Exter ในการแสดงของ Chamber Theatre ซาโลเมโอ. ไวลด์และ โรมิโอและ จูเลียต W. Shakespeare และหลังจากนักเรียนของเธอ P. Chelishchev และปรมาจารย์คนอื่น ๆ ในช่วงต้นทศวรรษ 1920: V. Khodasevich และ I. Nivinsky, I. Rabinovich และ G. Yakulov, S. Eisenstein และ G. Kozintsev ในที่สุดก็อีกครั้งบนเวทีบัลเล่ต์ ในการผลิตโดย K. Goleizovsky - B. Erdman หากในช่วงเวลานี้การเล่นเครื่องแต่งกายก่อให้เกิดเทรนด์การถ่ายภาพในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ศิลปินและผู้กำกับใช้กันอย่างแพร่หลายเช่นกัน แต่เป็นความจำเป็นโดยเป็นองค์ประกอบของ "จานสี" ของวิธีการแสดงออก ในบรรดาผู้เขียนเครื่องแต่งกายละครสมัยใหม่ ได้แก่ ศิลปินชาวจอร์เจีย Sameuli, G. Alexi-Meskhishvili และ N. Ignatov ตัวอย่างที่คล้ายกันสามารถพบได้ในโรงภาพยนตร์ของประเทศอื่น ๆ : ในโปแลนด์, สาธารณรัฐเช็ก, เยอรมนี, อิตาลี

เครื่องแต่งกายก็เหมือนกับเสื้อผ้าของตัวละคร มักจะเป็นพื้นฐานในการประกอบประเภทของเครื่องแต่งกายที่กล่าวถึงข้างต้น (ตัวละครและเกม) ในทุกยุคสมัย การพัฒนาทางประวัติศาสตร์โรงละครคือสิ่งที่แสดงบนเวทีของสิ่งที่ผู้คนสวมใส่ในช่วงเวลาที่กำหนด ไม่มากก็น้อย มันเป็นโศกนาฏกรรมสมัยโบราณ และยังคงอยู่ในการแสดงในสมัยของเรา ในเวลาเดียวกัน วิวัฒนาการโดยทั่วไปของเครื่องแต่งกายประเภทนี้มีลักษณะเฉพาะคือการเคลื่อนไหวจากรูปแบบทั่วไปของเสื้อผ้าจริง (ในยุคบาโรกและลัทธิคลาสสิก) ไปสู่การเพิ่มขึ้นทางประวัติศาสตร์ ภูมิศาสตร์ ความถูกต้องของชาติ ความถูกต้อง และความถูกต้อง ในโรงละครแห่งความเป็นธรรมชาติและความสมจริงทางจิตวิทยา เครื่องแต่งกายจะเพียงพอกับลักษณะของตัวละครโดยสมบูรณ์ ซึ่งไม่เพียงแสดงถึงสถานะทางสังคมของเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสภาพจิตใจของเขาด้วย ในเวลาเดียวกันทั้งในปัจจุบันและในศตวรรษที่ผ่านมา เครื่องแต่งกายยังคงเป็นหัวข้อของความคิดสร้างสรรค์พิเศษของศิลปิน (ในบรรดาผู้เชี่ยวชาญด้านวิจิตรศิลป์และการออกแบบเวทีที่โดดเด่นที่สุด) และพวกเขาก็แต่งมันขึ้นมา (แม้จะดูเหมือนเป็นเครื่องแต่งกายในชีวิตประจำวันของใช้ในชีวิตประจำวัน ไม่ใช่ ที่จะกล่าวถึง ยอดเยี่ยม ) ไม่เพียง แต่เป็นงานที่แยกจากกันเท่านั้น แต่ยังเป็นองค์ประกอบสำคัญของการแสดงอีกด้วย

ในช่วงยุคเรอเนซองส์ คณะถาวรกลุ่มแรกที่ทำงานอย่างมืออาชีพเริ่มปรากฏให้เห็นในยุโรป พวกเขาเร่ร่อนหรือติดอยู่ที่แห่งเดียว ผู้คนชอบหัวเราะมากกว่าร้องไห้ ดังนั้นนักแสดงจึงแสดงแสงสี การแสดงตลก เรื่องตลก และการล้อเลียน นักแสดงตลกที่พเนจรยังคงสืบทอดประเพณีในยุคกลางและ (เช่นเดียวกับวัฒนธรรมทั้งหมดของยุคเรอเนซองส์) หันไปหามรดกโบราณ คณะเร่ร่อนดังกล่าวแรกสุดเกิดขึ้นในอิตาลี ที่นั่นโรงละคร commedia dell'arte ซึ่งก็คือ "ตลกแห่งหน้ากาก" ก็ปรากฏตัวขึ้น

ในละครตลก dell'arte มีฉากหนึ่งนั่นคือถนนในเมือง ไม่มีโครงเรื่องคงที่: หัวหน้าคณะ (คาโปโคมิโกะ) เป็นคนกำหนดและนักแสดงก็ด้นสดเหมือนใน Atellans โบราณ กลอุบายและแนวทางเหล่านั้นที่กระตุ้นการอนุมัติของสาธารณชนถูกทำซ้ำและเสริมกำลัง การกระทำเกี่ยวข้องกับความรักของคนหนุ่มสาวซึ่งถูกขัดขวางโดยผู้เฒ่าและได้รับความช่วยเหลือจากคนรับใช้

หน้ากากมีบทบาทสำคัญในการแสดงตลก หน้ากากดำอาจปกปิดทั้งใบหน้าหรือบางส่วนก็ได้ บางครั้งก็เป็นจมูกที่ติดกาวหรือแว่นตาโง่ ๆ สิ่งสำคัญคือการสร้างใบหน้าทั่วไปให้แหลมคมจนถึงการ์ตูน

เครื่องแต่งกายมีข้อกำหนดสองประการ: ความสะดวกสบายและความตลกขบขัน ดังนั้นในอีกด้านหนึ่งมันจึงมีลักษณะคล้ายกับเสื้อผ้าของประวัติศาสตร์ยุคกลางและในอีกด้านหนึ่งก็เสริมด้วยรายละเอียดที่ตลกขบขัน

ตัวอย่างเช่น Pantalone พ่อค้าขี้เหนียว มักจะมีกระเป๋าเงินของเขาอยู่เสมอ เสื้อผ้าของเขามีลักษณะคล้ายกับเสื้อผ้าของพ่อค้าชาวเวนิส: เสื้อแจ็คเก็ตผูกด้วยสายสะพาย กางเกงขาสั้น ถุงน่อง เสื้อคลุม และหมวกทรงกลม แต่แล้ววันหนึ่งศิลปินก็ปรากฏตัวบนเวทีในชุดกางเกงสีแดงขากว้างและผู้ชมชอบรายละเอียดที่เป็นลักษณะเฉพาะนี้ เป็นผลให้ Pantalone และกางเกงของเขาผสานกันในจิตใจของผู้คน จนเมื่อเวลาผ่านไป คำนามทั่วไปสำหรับชุดชั้นในสตรี กางเกงใน ก็ถูกสร้างขึ้นจากชื่อส่วนบุคคล

แพทย์ซึ่งเป็นวีรบุรุษอีกคนหนึ่งของละครตลก dell'arte เป็นการล้อเลียนนักวิทยาศาสตร์และปรากฏตัวในชุดคลุมวิชาการสีดำพร้อมปกเสื้อและข้อมือลูกไม้ เขามักจะมีม้วนกระดาษอยู่ในมือและมีหมวกทรงกว้างอยู่บนหัว

กัปตันเป็นนักผจญภัยทางทหาร สวมเสื้อเกราะ กางเกงขายาว รองเท้าบูทเดือยขนาดใหญ่ เสื้อคลุมตัวสั้น และหมวกขนนก คุณลักษณะคงที่ของเขาคือดาบไม้ ซึ่งแน่นอนว่าจะติดอยู่ในฝักเมื่อจำเป็น

ตัวละครที่หลากหลายและหลากหลายที่สุดคือคนรับใช้ (zanni) เพราะพวกเขาเป็น "กลไกแห่งความก้าวหน้า" ในความขัดแย้งเรื่องความรัก ปุลซิเนลลามีจมูกตะขอขนาดใหญ่ Harlequin มีแพทช์จำนวนหนึ่งซึ่งเมื่อเวลาผ่านไปพวกเขาก็มีสไตล์เป็นลายตารางหมากรุก Pierrot มีเสื้อเชิ้ตสีขาวกว้างพร้อมคอคัตเตอร์และกางเกงขายาว Brigella มีเสื้อสีขาวตัวกว้างและกางเกงเข้าชุดกัน

นี้ โรงละครพื้นบ้านขอบคุณพวกเขา เรื่องราวเบา ๆได้รับความนิยมมากกว่าโรงละครของเช็คสเปียร์หรือโลเป เด เวกา ซึ่งให้ความสำคัญกับความบันเทิงมากกว่า แต่ให้ความสำคัญกับเนื้อหาเชิงลึกมากกว่า ตัวอย่างเช่นสำหรับผลงานของ Lope de Pega แม้แต่ชื่อ "ตลกของเสื้อคลุมและดาบ" ก็ปรากฏขึ้นเพราะศิลปินเล่นในพวกเขาจริง ๆ เท่านั้น ร่วมสมัยแก่ผู้เขียนชุดครัวเรือน

ควบคู่ไปกับคณะเดินทางยังมีโรงละครในศาลซึ่งมีเครื่องแต่งกายนับร้อยและโดดเด่นด้วยราคาที่สูง มีการแสดงแยกจากการแสดงละคร

ในศตวรรษที่ 17-18 มีการพัฒนาเครื่องแต่งกายละครลดลง บน เบื้องหน้าคำนั้นออกมาข้างหน้า บทสนทนาดูดซับความสนใจของผู้ชมทั้งหมด บนเวทีมีการใช้เครื่องแต่งกายในชีวิตประจำวัน ปราศจากลัทธิประวัติศาสตร์ นี่เป็นชุดแฟชั่นตามปกติในสมัยนั้น จริงอยู่ คุณจะไม่เห็นคนรับใช้ที่ขาดรุ่งริ่งหรือคนเลี้ยงแกะที่แต่งตัวไม่ดีในบทละคร ชุดสูทมีความประณีต นี่เป็นผลมาจากการแสดงละครแห่งชีวิต โรงละครเข้าสู่ชีวิตประจำวันอย่างลึกซึ้งจนขอบเขตระหว่าง "การแสดงละครและเครื่องแต่งกายในชีวิตประจำวัน" ถูกลบออกไป ควรสังเกตว่าใน XVII--XVIII ศตวรรษเครื่องแต่งกายละครมักเป็นตัวกำหนดแฟชั่น (ดังที่ได้กล่าวไว้แล้วในบทก่อน ๆ ) ศิลปินแต่งตัวดีขึ้นและหรูหรากว่าคนอื่นๆ ในศตวรรษที่ 17 สำหรับโหมด Monsieur à la มีการแสดงพิเศษบนเวที ที่นั่งผู้ชมโดยที่พวกเขาไม่ได้ชมการแสดงมากเท่ากับการพูดคุยถึงศิลปินและเครื่องแต่งกายของพวกเขา

ในศตวรรษที่ 17-18 แนวเพลงสังเคราะห์เฟื่องฟู: โอเปร่า บัลเล่ต์ ละครสัตว์ (แม้ว่าจะเคยรู้จักมาก่อนก็ตาม) ในประเภทเหล่านี้ก็ยังมี การกระทำที่น่าทึ่งและลูกเล่นและดนตรีและการร้องเพลงและการแต่งหน้าที่สดใสและน่าจดจำ แนวเพลงสังเคราะห์ผสมผสานองค์ประกอบของชีวิตประจำวันเข้าด้วยกัน ตัวอย่างเช่น, เต้นรำบอลรูม Cancan (กระป๋องฝรั่งเศส) ที่มีการขว้างขาสูงซึ่งมีลักษณะเฉพาะเกิดขึ้นประมาณทศวรรษที่ 70 ของศตวรรษที่ 18 ค่อยๆ กลายเป็นส่วนสำคัญของโอเปเรตต้า ซึ่งเป็นประเภทดนตรีและการเต้นรำตลก

ในศตวรรษที่ 19 ความสนใจในประวัติศาสตร์ได้รับการฟื้นคืนขึ้นมาในทุกด้านของวัฒนธรรม ขอขอบคุณทางโบราณคดีและ พบวรรณกรรมเป็นไปได้ที่จะเรียนรู้เพิ่มเติมเกี่ยวกับเครื่องแต่งกายในสมัยโบราณ ดังนั้นในละครประวัติศาสตร์จึงเป็นครั้งแรกที่มีการพยายามสร้างเครื่องแต่งกายที่แท้จริงจากอดีต

การพัฒนา ความสมจริงเชิงวิพากษ์เนื่องจากวิธีการทางศิลปะและวิธีการรับรู้โลกนำไปสู่ความจริงที่ว่าคุณไม่เห็นผู้หญิงชาวนาที่ละเลยและคนรับใช้ที่แป้งอยู่บนเวทีอีกต่อไป อุปกรณ์ประกอบฉากปรากฏในโรงละครที่ไม่เคยถูกเอ่ยถึงในสังคมสุภาพมาก่อน การค้นหารูปแบบการแสดงออกใหม่ๆ นำไปสู่การแต่งหน้าที่เป็นธรรมชาติ นี่คือสิ่งที่ V. A. Gilyarovsky เขียนในบทความของเขาเกี่ยวกับมอสโกและ Muscovites:

“ ในปี 1879 เมื่อยังเป็นเด็กใน Penza ภายใต้ช่างทำผมในโรงละคร Shishkov Mitya ตัวน้อยเคยเป็นนักเรียนคนโปรดของ V.P. Dalmatov ผู้ประกอบการ Penza ซึ่งเพียงลำพังอนุญาตให้เขาสัมผัสผมและสอนวิธีแต่งหน้าให้เขา รองประธาน Dalmatov อยู่ในการแสดงเพื่อประโยชน์ของเขาในฉาก "Notes of a Madman" และสั่งให้ Mitya เตรียมวิกผมหัวล้าน เขานำกระเพาะปัสสาวะเปียกมาแสดงและเริ่มวางไว้บนผมที่ได้รับการดูแลเป็นอย่างดีของ Dalmatov... เมื่อมีเสียงร้องของนักแสดง นักแสดงก็วิ่งไปเข้าห้องน้ำ

คุณเป็นศิลปินที่ยอดเยี่ยม Vasily Panteleimonovich แต่ให้ฉันเป็นศิลปินในสาขาของฉัน! - เด็กชายเงยหน้าขึ้นหา V.P. Dalmatov ตัวสูง - เพียงแค่ลองมัน!

ในที่สุด V.P. Dalmatov ก็เห็นด้วย - และหลังจากนั้นไม่กี่นาทีก็มีการหล่อลื่นที่นี่และที่นั่นและดวงตาของ B.P. Dalmatov ก็เปล่งประกายด้วยความยินดี: กะโหลกศีรษะเปลือยเปล่าที่มีดวงตาสีดำของเขาและการแต่งหน้าที่แสดงออกสร้างความประทับใจอย่างมาก

บน ช่วงเปลี่ยนผ่านของศตวรรษที่ 19และคริสต์ศตวรรษที่ 20 กระแสความสมัยใหม่ทำให้เกิดเครื่องแต่งกายละครรูปแบบใหม่ เสื้อผ้ามีสไตล์กลายเป็นสัญลักษณ์ ชาวยุโรปค้นพบโรงละครแห่งตะวันออกซึ่งสะท้อนให้เห็นในเครื่องแต่งกายบนเวที

ในช่วงปีแรกหลังการปฏิวัติเดือนตุลาคม เครื่องแต่งกายละครหายไปอย่างสิ้นเชิง จึงถูกแทนที่ด้วย "เสื้อผ้าโดยรวม" เนื่องจากนักแสดงคือ "คนทำงานละคร"

ทุกอย่างก็ค่อยๆ กลับคืนสู่ปกติ และชุดละครก็กลับมาขึ้นเวทีอีกครั้ง ยิ่งไปกว่านั้นในศตวรรษที่ 20 ปรากฏการณ์ใหม่อย่างโรงละครแฟชั่นก็ปรากฏตัวขึ้น การแสดงแบบจำลองได้กลายเป็นการแสดงดนตรีและการแสดงละคร ในที่สุดเครื่องแต่งกายประจำบ้านก็ "รวม" กับโรงละครอย่างเปิดเผย

เทรนด์ใหม่อะไรบ้างที่ปรากฏในโรงละครรัสเซียยุคใหม่? มีอะไรพิเศษเกี่ยวกับการฉายเทศกาลละคร? บทบาทของการวิจารณ์ในโลกละครสมัยใหม่คืออะไร? Alexander Privalov พูดถึงเรื่องนี้ในรายการ Angle of View กับผู้สมัครประวัติศาสตร์ศิลปะ Marina Davydova นักวิจารณ์ละคร

– กระบวนการประจำปีของเทศกาลหน้ากากทองคำกำลังใกล้ถึงจุดสูงสุด บอกฉันทีว่ามีอะไรพิเศษเกี่ยวกับ “หน้ากากทองคำ” ในปัจจุบันบ้างไหม?

– พิเศษเมื่อเทียบกับอะไร?

– เช่น ตั้งแต่ปีที่แล้ว.

– ตั้งแต่ปีที่แล้วอาจจะไม่ เมื่อปีที่แล้ว “Golden Mask” นำเสนอโปรแกรมที่กว้างขวางซึ่งเป็นเรื่องยากสำหรับตัวมันเองที่จะแข่งขันกับตัวเอง ดังนั้นโปรแกรมในปีนี้จึงกว้างขวางมาก แต่อาจจะน้อยกว่าปีที่แล้วเล็กน้อย

– แต่ก็ยังมีการแสดงอีกหลายสิบครั้ง

- นั่นไม่ใช่คำที่ถูกต้อง โดยทั่วไปแล้ว ประวัติศาสตร์ทั้งหมดของ "หน้ากากทองคำ" ซึ่งเกิดขึ้นในช่วงกลางทศวรรษที่ 90 แสดงให้เห็นถึงการเติบโตและการขยายตัวที่ไม่มีที่สิ้นสุด ในตอนแรกเป็นโปรแกรมการแข่งขันที่มอสโก ส่วนการแสดงของมอสโกก็แข่งขันกัน จากนั้น "หน้ากากทองคำ" ก็ได้รับมาตราส่วนรัสเซียทั้งหมด จากนั้นผู้ก่อตั้งและผู้สร้างตระหนักว่านอกจากละครแล้วยังมีโอเปร่าและบัลเล่ต์ด้วยจากนั้นก็มีการเต้นรำสมัยใหม่เกิดขึ้นกับพวกเขาปรากฎว่ามีปรากฏการณ์อื่น ๆ ของชีวิตการแสดงละครที่ไม่สอดคล้องกับสิ่งที่กล่าวมา ดังนั้นพวกเขาจึงได้รับการเสนอชื่อนี้ - "นวัตกรรม" ซึ่งปัจจุบันเรียกว่า "การทดลอง"

– ขออภัยด้วยเพราะเห็นแก่พระเจ้า และคนไม่กี่คนที่ถูกเรียกว่าคณะลูกขุน "หน้ากากทองคำ" ซึ่งรวมคุณด้วย พวกเขาควรดูทั้งหมดนี้หรือไม่?

- เลขที่. ประการแรก มีคณะลูกขุนสองคนใน The Golden Mask หนึ่งในนั้นคือละครเพลง ผู้คนเหล่านี้ดูละคร โอเปร่า บัลเล่ต์ และโมเดิร์นแดนซ์ตามลำดับ

– งั้นคุณไม่ควรฟังดอนฮวนเหรอ?

- แน่นอนฉันทำได้และทุกคนคงจะมีความสุขถ้าฉันไปที่นั่น แต่โดยทั่วไปแล้วนี่ไม่ใช่ส่วนหนึ่งของรายการแข่งขันของละคร เรามีโปรแกรมการแข่งขันของเราเอง ดังนั้นการเสนอชื่อ "Novation" จึงเกิดขึ้นจากนั้น "Golden Mask" ก็เริ่มได้รับรายการพิเศษเพิ่มเติม ท้ายที่สุด คุณต้องเข้าใจว่าในรายการการแสดงที่หลากหลายนี้มีโปรแกรมการแข่งขัน และในความเป็นจริงแล้ว มีโปรแกรมการแข่งขันสองรายการ ละครเพลงและละคร และมีโปรแกรมที่ไม่แข่งขันด้วย

– ไม่มีการแข่งขัน, แม้จะเป็นทางเลือก, คุณไม่จำเป็นต้องไปที่มัน.

– ฉัน – ใช่ แน่นอน

“ฉันแค่รู้สึกเสียใจแทนคุณเพราะสิ่งที่คุณบอกฉัน” หลายเดือนติดต่อกัน...

– ไม่ต้องเสียใจ ฉันดำรงอยู่โดยธรรมชาติ ไม่กี่เดือน - หลายสัปดาห์ติดต่อกัน แต่แม้จะดูแค่โปรแกรมการแข่งขันก็ยังมีการแสดงวันละสองรายการ และโปรแกรมที่ไม่ใช่การแข่งขันเองก็แบ่งออกเป็นโปรแกรมย่อยด้วย หนึ่งในนั้นคือ “Legends of the 20th Century Theatre” หนึ่งในเรื่องที่น่าสนใจที่สุด เมื่อปีที่แล้ว ดาราดังต่อไปนี้มาเป็นส่วนหนึ่งของโปรแกรมนี้: โรงละครบัลเล่ต์วิลเลียม ฟอร์ไซธ์, จิริ คีเลียน, ซิลวี กิลเล็ม...

– ไม่ แน่นอนว่ามันวิเศษมาก แต่ฉันกลัวโดยพื้นฐานแล้ว การแข่งขันเป็นไปได้ภายใต้เงื่อนไขดังกล่าวหรือไม่? ตาคุณไม่พร่ามัวจากความอุดมสมบูรณ์เช่นนี้เหรอ?

– คุณรู้ไหมว่าเนื่องจากนอกเหนือจากการเป็นคณะลูกขุนแล้ว ฉันยังเป็นนักวิจารณ์ละครอีกด้วย และฉันดูการแสดงตลอดเวลา ดังนั้นคำถามนี้จึงสามารถใช้ได้กับทั้งชีวิตของฉัน - ตาของฉันไม่เบลอเหรอ?

- มันไม่เบลอเหรอ?

“บางครั้งดูเหมือนว่าเขาจะล้างออก” และบางทีนี่อาจเป็นความจริงบางส่วน

– นักชิมไวน์ในกรณีนี้ควรล้างปากด้วยน้ำ คุณกำลังทำอะไร?

- ฉันไม่ทำอะไรเลย ฉันยังคงมีชีวิตอยู่ต่อไป ในที่สุดฉันก็ได้ข้อสรุปว่าหากการแสดงนั้นแข็งแกร่งจริงๆ หากเป็นการแสดงออกทางศิลปะที่ทรงพลัง มันก็จะยังคงเข้าถึงฉัน

- มันจะตีคุณด้วยซ้ำ?

- มันจะแตกใช่

– โดยทั่วไปแล้วคุณรู้สึกอย่างไร ฉันไม่ได้พูดถึง “หน้ากากทองคำ” ตอนนี้ แต่โดยทั่วไปแล้วจาก สถานะปัจจุบันโรงละครรัสเซีย กำลังเบ่งบานเสื่อมโทรม - เรามีอะไร?

- มันเป็นคู่. แน่นอนว่าใครๆ ก็บอกได้เลยว่าละครมีความเจริญรุ่งเรืองอย่างแน่นอน

- ในเมืองหลวง.

– ก่อนอื่น ในเมืองหลวง. แต่โดยทั่วไปแม้ว่าเราจะยึดประเทศโดยรวม แต่เราก็มีโรงละครมากมาย - สามารถระบุได้ มีมากมายแค่เชิงปริมาณเท่านั้น

– มากกว่าในสมัยโซเวียตเหรอ?

– ไม่น้อยแน่นอน และอาจยิ่งกว่านั้นอีกเนื่องจากมีโรงภาพยนตร์จำนวนหนึ่งปรากฏจึงมีน้อยมาก แต่ก็ยังปรากฏอยู่แล้ว: โรงละครอิสระ การเต้นรำสมัยใหม่- แน่นอนว่าสิ่งนี้ไม่มีอยู่ในปีที่แล้ว คำถามคือปริมาณไม่ได้แปลเป็นคุณภาพเสมอไป

- ดังนั้นมันจึงไม่อาจผ่านไปได้

– ดังนั้น หากคุณถามฉันเกี่ยวกับสถานะของโรงละครโดยรวม แม้ว่าจะมีความเจริญรุ่งเรืองเกิดขึ้นจริง ๆ ฉันก็คงจะบอกว่าถ้าเราคำนึงถึงจุดสูงสุดของวัฒนธรรมการแสดงละครแล้วก็จะมาก มีสิ่งที่น่าสนใจเกิดขึ้นที่นั่นเราต้องยอมรับมัน และโดยทั่วไปแล้ว โรงละครรัสเซียมีความหลากหลายอย่างมาก สามารถตอบสนองรสนิยมของนักละครแบบดั้งเดิมได้

หากคุณเพียงแค่รักโรงละครที่นักแสดงแสดงได้ดี...

- ฉันรัก. ฉันละอายใจมากแต่ฉันก็รักคุณ

– ....ซึ่งไม่มีทิศทางก้าวร้าวก็สามารถไปได้ สตูดิโอโรงละคร Sergei Zhenovach คุณสามารถไปที่ Pyotr Fomenko ได้ - มีความเป็นไปได้มากมาย แต่ยังมีโรงละครแนวหน้าและภาพโรงละครของ Dmitry Krymov รูปแบบที่ไม่ธรรมดาโดยสิ้นเชิงและมีการเคลื่อนไหวที่ทรงพลัง "ละครใหม่" ในรัสเซียซึ่งมีแฟน ๆ สมัครพรรคพวกผู้ขอโทษมือสมัครเล่น ฯลฯ ด้วย แต่ ทั้งหมดที่ฉันเพิ่งระบุไว้ แม้ว่าฉันจะดูเหมือนตั้งชื่อไปมากมายในช่วงไม่กี่นาทีนี้ แต่นี่ก็ยังคงเป็นชั้นบนสุด

- ขอโทษนะ แต่มันจะเป็นอย่างอื่นได้ไหม? ไม่ใช่ว่าคนกลุ่มน้อยเท่านั้นที่สำคัญเสมอไปใช่ไหม?

– ฉันจะพูดแบบนี้: ปัญหาของโรงละครรัสเซียคือโรงละครที่ไม่ดีนั้นแย่มาก ตอนนี้ฉันจะพยายามอธิบาย เมื่อฉันดูละครโปแลนด์โดยเฉลี่ยซึ่งไม่ค่อยดีนักและไม่ค่อยถูกใจฉันนัก แน่นอนว่าในฐานะนักวิจารณ์ละคร ฉันไม่มีความสุขมาก แต่ก็ไม่ได้พบกับความสยองขวัญจากสิ่งที่ฉันเห็น เพราะยังอยู่ในขอบเขตความเหมาะสมบางประการ

– และพวกเราก็ผ่านพ้นขีดจำกัดไปแล้วใช่ไหม?

- แน่นอน. เมื่อผมมองค่าเฉลี่ย การแสดงของเยอรมัน– จะเป็นอย่างไรถ้าการแสดงของเยอรมันแย่? คุยแบบนี้น่าเบื่อมาก ปัญหาในปัจจุบันความทันสมัย ในทำนองเดียวกันก็จะมีเนื้อหาอยู่บ้าง มีประโยชน์บ้าง ถ้าคำนี้สามารถนำไปใช้กับงานศิลปะได้เลยก็สามารถดึงออกมาได้ การแสดงของรัสเซียไม่ดี การแสดงของรัสเซีย– นี่คือราสเบอร์รี่! นี่คืออะนาล็อกของรายการโทรทัศน์ที่หยาบคายที่สุด "Comedy Club"

– คุณช่วยยกตัวอย่างจากมอสโกได้ไหม?

- ชื่อของพวกเขาคือลีเจียน ไปชมการแสดงที่ Satire Theatre หรืออะไรก็ตาม: โรงละคร Mossovet, โรงละคร Mayakovsky, โรงละคร Gogol...

- เข้าใจ. มืออาชีพคืออะไร - คนที่จะไม่ทำสิ่งที่แย่กว่าบางสิ่งบางอย่างเมื่อมีมาตรฐานที่แน่นอนซึ่งเขาจะไม่ทำแย่ไปกว่านั้น ใครแย่กว่ากัน - ผู้กำกับ, นักเขียนบทละคร, นักแสดง? ใครล้มเหลวในโรงละครทั่วไป?

– พวกเขาล้มเหลวไม่มากก็น้อยด้วยกัน ไม่ต้องพูดถึงความจริงที่ว่าราสเบอร์รี่นี้สามารถแสดงโดยอิงจากละครบรอดเวย์บางเรื่อง หรือที่แย่ไปกว่านั้นคือทำลายความคลาสสิก นำบทละครของ Goldoni และเปลี่ยนให้กลายเป็นเรื่องลามกอนาจาร

- เอาน่า Goldoni พวกเขาไม่ได้เขินอายกับ Anton Pavlovich เช่นกัน...

- ใช่. เคล็ดลับคือโรงละครของเรามีละครและเงินอุดหนุนเกือบทั้งหมด...

– เท่าที่ฉันเข้าใจ ไม่ใช่ทุกคนเมื่อนานมาแล้ว หรือฉันเข้าใจผิด?

– ส่วนใหญ่.

- ยังคงเป็นคนส่วนใหญ่ใช่ไหม?

- แน่นอน แต่คุณรู้อันไหนล่ะ?

– ก็รายการบันเทิงก็มีบ้างไม่ใช่เหรอ?

– ใช่ มีจำนวนเงินที่แน่นอน โอเค นี่คือสิ่งที่มีอยู่ในโรงละครยุโรปตะวันตก แน่นอนว่ามีบางช่วงที่เรียกว่า "โรงละครเชิงพาณิชย์" ซึ่งมีอยู่บนหลักการพึ่งพาตนเองได้ เช่น ย่านเวสต์เอนด์ของลอนดอน แต่โรงละครที่ฉันได้ระบุไว้ซึ่งอยู่ในปากของทุกคน แน่นอนว่าเป็นโรงละครและโรงละครที่ได้รับเงินอุดหนุน กล่าวง่ายๆ ก็คือ โรงภาพยนตร์เหล่านี้ดำรงอยู่ได้ด้วยเงินของผู้เสียภาษี และในความเป็นจริงความขัดแย้งของชีวิตการแสดงละครของรัสเซียก็คือบนเวทีของโรงละครเหล่านี้ซึ่งมีเงินของรัฐและโดยทั่วไปแล้วควรหว่านสิ่งที่สมเหตุสมผลดีชั่วนิรันดร์นั่นคืองานของพวกเขา - พวกเขายังผลิต ผลิตภัณฑ์เชิงพาณิชย์ของผู้ประกอบการบางประเภทอย่างสมบูรณ์ นั่นคือพวกเขาได้รับเงินจากคลังของรัฐเพื่อจัดหาผลิตภัณฑ์เชิงพาณิชย์ที่จำเป็นบางอย่าง

– มีการเปรียบเทียบกับช่องโทรทัศน์อย่างสมบูรณ์

– และสิ่งนี้เกิดขึ้นจริงตั้งแต่โรงละครศิลปะมอสโกไปจนถึงโรงละครมายาคอฟสกี้เดียวกัน

– การวิจารณ์โรงละครรัสเซียกำลังทำอะไรในภาพที่ยอดเยี่ยมทั้งหมดนี้?

– เขาพยายามต่อต้านสิ่งนี้

- แล้วเธอจะทำอย่างไร?

– เธอทำสิ่งนี้ได้อย่างไร เธอเขียนเกี่ยวกับเรื่องนี้ คำถามอีกประการหนึ่งก็คือ แน่นอนจากความเห็นของรัสเซีย การวิจารณ์โรงละครขึ้นอยู่กับเพียงเล็กน้อย...

- ทำไมเป็นอย่างนั้น?

– เพราะมันไม่ส่งผลกระทบต่อสิ่งที่เรียกว่าบ็อกซ์ออฟฟิศ

– ที่จริงแล้ว ฉันกำลังถามว่าทำไมมันไม่มีอิทธิพล เท่าที่ฉันเข้าใจ การวิพากษ์วิจารณ์ในลอนดอน - หากเกิดการระดมยิงในการฉายรอบปฐมทัศน์ รอบปฐมทัศน์จะถูกยกเลิก

- แน่นอนว่านี่หมายถึงความล้มเหลวแน่นอน

- ทำไมที่นั่นถึงเป็นอย่างนั้น แต่ที่นี่กลับไม่เป็นอย่างนั้น? นี่อาจจะเป็นระดับของการวิพากษ์วิจารณ์หรือเปล่า?

- เลขที่. ประการแรก คุณต้องเข้าใจให้ชัดเจนว่าอะไรอยู่ที่นั่น - “ที่นั่น” อยู่ที่ไหน? ในลอนดอนสิ่งนี้เป็นจริง ในเยอรมนี ฮังการี และฮอลแลนด์ สิ่งนี้ไม่เป็นความจริงอีกต่อไป และความคิดเห็นเชิงลบของนักวิจารณ์ก็ไม่ได้หมายความว่าการแสดงจะถูกยกเลิกโดยอัตโนมัติ เพราะการแสดงละครภาษาอังกฤษก็เป็นสิ่งที่ค่อนข้างเฉพาะเจาะจงเช่นกัน

– เราอ่านเรื่อง Maugham ใช่

– รายการสั้น ๆ เพื่อที่จะลงรายละเอียดและแยกแยะชีวิตการแสดงละครของยุโรปตะวันตก แต่ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง จริงๆ แล้ว ในอังกฤษ สิ่งนี้นำไปสู่ผลลัพธ์ที่เป็นรูปธรรม ไปสู่ผลลัพธ์ที่น่าเศร้า แต่ในประเทศของเรา มันมักจะนำไปสู่ผลลัพธ์ที่ตรงกันข้าม นั่นคือหากนักวิจารณ์เริ่มวิพากษ์วิจารณ์การแสดงอย่างแข็งขัน ฉันจำได้ว่ามี "Tartuffe" จัดแสดงโดย Nina Chusova ซึ่งเป็นโรงละครศิลปะมอสโกแห่งเดียวกัน... ค่อนข้างตรงกันข้าม: ตั๋วเริ่มจำหน่ายหมดมากขึ้น

- เกิดอะไรขึ้นที่นี่? ท้ายที่สุดผู้ชมของเรายังคงอยู่ ครั้งโซเวียตฉันคุ้นเคยกับความจริงที่ว่าหากมีสิ่งใดถูกวิพากษ์วิจารณ์ นั่นหมายความว่ามีบางอย่างอยู่ในนั้น

- แน่นอน.

- ดังนั้นการซับนี้จะคงอยู่เป็นเวลานาน

– พูดตามตรงนะ ฉันเคยบ่นเกี่ยวกับเหตุการณ์นี้ แต่ตอนนี้ฉันคิดว่าบางทีมันอาจจะดีขึ้นก็ได้ ยังไงก็รู้สึกสบายใจขึ้นเป็นสองเท่า เพราะมันจะทำให้ฉันไม่พอใจมากขึ้น ฉันก็ยังเป็นมนุษย์ ฉันทำผิดพลาดได้

– คุณจะไม่รับผิดชอบต่อสิ่งใดในลักษณะนี้

– ฉันเป็นมนุษย์และฉันสามารถทำผิดพลาดได้ และฉันไม่แน่ใจว่านักวิจารณ์ในลอนดอนคนเดียวกันนั้นถูกต้องเสมอไป แต่น่าเสียดายที่ใช่ และในท้ายที่สุด Anton Pavlovich Chekhov ก็มีความล้มเหลวเช่นกัน ความล้มเหลวที่มีชื่อเสียง นักวิจารณ์และผู้เชี่ยวชาญพูดถูกเสมอไปหรือเปล่า? บางครั้งพวกเขาก็ผิดพลาดอย่างโหดร้าย

- อาจจะ. แม้ว่าฉันคิดว่าในกรณีทั่วไปนักวิจารณ์มืออาชีพไม่ควรเข้าใจผิด

– ในบรรดาสิ่งธรรมดา ไม่ใช่ แต่ในบรรดาสิ่งพิเศษ พวกเขาสามารถทำผิดพลาดได้

– และในกรณีพิเศษ มันอาจจะเป็นเรื่องที่เศร้าที่สุดก็ได้ ฉันเข้าใจ ความรู้สึกส่วนตัวของคุณคืออะไร คุณไม่มีทางมีอิทธิพลต่อชะตากรรมของใครเลย - คุณรู้สึกอย่างไรกับระดับสมัยใหม่ การแสดงในโรงละครมอสโก?

- คำถามยาก...

– อย่างน้อยก็ในช่วงเวลาที่คุณมีส่วนร่วมในการวิจารณ์ละครนี่ก็ผ่านมามากกว่าหนึ่งปีแล้ว ขึ้นลงยังไงไม่เปลี่ยน?

– ฉันไม่สามารถพูดได้ว่าสิ่งเหล่านี้เป็นแนวโน้มหลายทิศทาง โดยที่ฉันกำลังสังเกตเห็นความหายนะในระดับการแสดงที่ลดลง ไม่ ในบางกรณีนี่เป็นระดับที่เหมาะสมมากและต้องบอกว่าสิ่งที่แข็งแกร่งที่สุดที่โรงละครรัสเซียมีโดยทั่วไปคือโรงเรียน - นี่เป็นข้อเท็จจริงที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป

– โรงเรียนนี้ยังคงอยู่หรือไม่?

– มันยังคงอยู่ ยังไงก็ตามพวกเขาก็รักษามันไว้ แต่เรากำลังสังเกตเห็นปรากฏการณ์ที่น่าสนใจอีกอย่างหนึ่ง ท้ายที่สุดแล้ว นักแสดงส่วนตัว บุคลิกที่ยิ่งใหญ่ ก็เริ่มน้อยลงเรื่อยๆ ดูกาแล็กซี่ของศิลปินในยุค 70 และ 80 ไม่จำเป็นต้องออกเสียงด้วยซ้ำ ทุกคนรู้จักพวกเขา และเบื้องหลังแต่ละคนไม่เพียงแต่เป็นมืออาชีพเท่านั้น แต่ยังมีเนื้อหาส่วนบุคคลที่เป็นมนุษย์อยู่ด้วย และเบื้องหลัง Oleg Borisov และเบื้องหลัง Smoktunovsky และเบื้องหลัง Andrei Popov

– คุณตั้งชื่อศิลปินผู้ยิ่งใหญ่

- ฉันเรียกผู้ยิ่งใหญ่...

– ฉันไม่ได้พูดถึงผู้ยิ่งใหญ่ – ฉันถามเกี่ยวกับโรงเรียน ไม่จำเป็นต้องประกอบด้วยจุดยอด

– แน่นอน แต่ต้องมีจุดสูงสุดด้วย คุณรู้จักจุดสูงสุดมากมายในรุ่นนี้ไหม ฉันไม่ได้พูดถึงคนหนุ่มสาวมากนักเพราะมันยากที่จะพูด แต่เป็นเด็กอายุสี่สิบปี? ท้ายที่สุดแล้ว นี่คือจุดสุดยอดสำหรับนักแสดงวัย 40 ปี ควรมีความสำเร็จอยู่แล้ว และขนาดของบุคลิกภาพก็ควรจะชัดเจนอยู่แล้ว แล้วใครกันแน่? Zhenya Mironov เป็นคนที่น่าสนใจและมีพรสวรรค์อย่างยิ่ง แต่โดยทั่วไปยังไม่เพียงพอแน่นอน แม้แต่ผู้ชายที่มีความสามารถจริงๆ อย่าง Kostya Khabensky แต่คุณก็ยังไม่สามารถตั้งชื่อใครก็ตามที่สามารถยืนหยัดทัดเทียมกับศิลปินในกาแล็กซีนั้นได้ และนี่ก็เป็นตัวบ่งชี้ด้วย

– นี่คือตัวบ่งชี้ แต่คำถามเริ่มต้นขึ้นที่นี่

– ศิลปินโดยเฉลี่ยจะสูงกว่ามาก แต่โดยเฉลี่ยแล้วเขาอาจจะไม่ได้สูงขึ้น แต่ก็ไม่ได้ต่ำกว่าเช่นกัน

– โดยทั่วไป ตามที่กล่าวไว้ในหนังสือคลาสสิกของรัสเซีย สถานที่ของศิลปินจะอยู่ในบุฟเฟ่ต์ ท้ายที่สุดแล้ว ความสูงของการแสดงไม่สามารถเกิดขึ้นได้หากไม่ได้สร้างพื้นฐานด้านละครและการกำกับขึ้นมาเพื่อสิ่งนี้

– นี่ไม่ใช่คำถามง่ายๆ เช่นกัน Maria Ermolova มีอยู่ในโรงละครของผู้กำกับก่อนเช่นนี้

– ถึงกระนั้น ก็มีผู้กำกับอยู่ที่นั่น แต่พวกเขาก็ไม่ค่อยมี บทบาทที่ทันสมัยเล่นแล้ว บทละครก็ค่อนข้างดี

- ไม่, ใน ความรู้สึกที่ทันสมัยแน่นอนว่าไม่มีเลย และมันเกิดขึ้นที่พวกเขาไม่เพียงแสดงละครที่ยอดเยี่ยมเท่านั้น แต่ยังฉายในละครประโลมโลกที่ค่อนข้างถูกอีกด้วย

– ฉันเห็นด้วย แต่แล้วก็มีอีกด้านของคำถาม หรือบางทีประชาชนมีแนวโน้มที่จะสร้างบรรยากาศที่อัจฉริยะด้านการแสดงละครเติบโตมากขึ้น?

- แน่นอน.

– มีอะไรเปลี่ยนแปลงที่นี่?

– อีกครั้ง เป็นสิ่งที่มีหลายปัจจัยมาก ประการแรกแน่นอนว่าการแข่งขันระหว่างภาพยนตร์และโทรทัศน์นั้นมีมหาศาล - ในตอนต้นของศตวรรษนั้นไม่มีอยู่เลย คุณรู้ไหมว่าเมื่อศิลปินของ Moscow Art Theatre กลับจากการทัวร์ในปี 1924 พวกเขาบ่นว่าไม่ได้รับการยอมรับตามท้องถนนในมอสโกอีกต่อไป นั่นคือพวกเขาไม่ใช่ดาราภาพยนตร์ แต่ได้รับการยอมรับเพียงเพราะพวกเขาปรากฏตัวบนเวทีของโรงละครศิลปะมอสโก - นั่นคือสถานะของศิลปินละคร ทุกวันนี้แทบเป็นไปไม่ได้เลยที่จะได้รับการยอมรับจากผู้ชมอย่างกว้างขวางโดยการเล่นบนเวทีละครเท่านั้น

– ฉันไม่รู้ตัวอย่างเหล่านี้ แต่มันคงเป็นไปไม่ได้จริงๆ

– บริบทในแง่นี้เปลี่ยนไปมาก นี่คือสิ่งแรก

ประการที่สอง: ปัญหานั้นเอง การแสดงละคร- แน่นอนว่าเราต้องยอมรับโดยตรงว่าหากเราเสนอชื่อผู้กำกับที่โดดเด่นในยุคของเรา โดยเฉพาะผู้กำกับชาวยุโรปตะวันตก ก็ไม่เสมอไป แต่บ่อยครั้งมากที่พวกเขาสามารถแสดงออกผ่านศิลปินได้ แต่ผ่านทางสิ่งอื่นๆ

– โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อพวกเขาอยู่ในโรงละครทดลองที่คุณชื่นชอบซึ่งแทบไม่มีข้อความเลย

- แน่นอน. คริสตอฟ มาร์ธาเลอร์คือหนึ่งในบุคคลสำคัญแห่งยุคสมัยใหม่สำหรับฉัน กระบวนการแสดงละคร- แต่โดยทั่วไปแล้วศิลปินของเขาดำรงอยู่โดยเป็นส่วนหนึ่งของฝูงชน มันยากมากที่จะแสดงความรู้สึกแบบนี้

– จะมีผู้แสดงออกเช่นนี้ใน Solovki

– ใช่ ฉันรู้ว่าคุณเป็นคนหัวโบราณมาก

– มันอนุรักษ์นิยมมาก... ฉันคิดว่าเราควรปล่อยให้ผู้คนเล่น เพราะบางคนก็เก่งมาก คุณจึงตั้งชื่อว่า Evgeny Mironov ยังมีคนที่รู้วิธีเล่น เมื่อคุณปล่อยให้พวกเขาทำ มันก็น่ายินดีที่ได้ดู

– แต่เมื่อ Evgeny Mironov รับบทเป็นหนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นของการกำกับสมัยใหม่ Alvis Hermanis ในเรื่องราวของ Shukshin เขาทำงานได้ดีมาก ความบังเอิญที่น่ายินดีเช่นนี้ก็เกิดขึ้นได้

– มหัศจรรย์ หวังว่า... มีเทรนด์ใดบ้างที่เราซึ่งเป็นผู้ชมทั่วไปที่เราเป็นตัวแทนผู้ชมทั่วไปควรให้ความสนใจ? ฉันหมายถึงอีกครั้ง โรงละครรัสเซีย โรงละครมอสโก

– มีมากมาย ฉันไม่รู้ว่าจะเริ่มด้วยอันไหน

– และอะไรก็ตามที่อยู่ในหัวของคุณ นั่นคือสิ่งที่คุณต้องเริ่มต้น

– โดยทั่วไปแล้วสิ่งที่เรียกว่าภูมิทัศน์การแสดงละครมีการเปลี่ยนแปลงไปมาก สำหรับฉันดูเหมือนว่าการเปลี่ยนแปลงเปลือกโลกในแง่นี้กำลังเกิดขึ้น และความจริงที่ว่าคุณกระตุกมากเมื่อฉันพูดถึงตัวแทนของโรงละครสมัยใหม่...

- ใช่ ฉันไม่กระตุกเลย ปล่อยให้ดอกไม้บานสะพรั่ง!

– คุณเป็นคนหัวโบราณ และนี่ยังไงซะ...

- ดังนั้นฉันไม่ขอให้ยิงพวกเขา ขอให้พวกมันเบ่งบานเถอะ

- แน่นอน. สิ่งที่คำว่า “ละคร” บรรยายไว้เมื่อ 20-30 ปีที่แล้ว และสิ่งที่อธิบายแนวคิดเดียวกันในปัจจุบันก็คือ ช่องว่างที่แตกต่างกัน- ตอนนี้มันมากขึ้น แนวคิดกว้างๆ- ความขัดแย้งบางประการอยู่ที่ความจริงที่ว่า โรงละครแม้จะบูมดังที่เราพูดถึง ฯลฯ ก็เริ่มมีบทบาทน้อยลงมากในชีวิตของสังคม กลุ่มปัญญาชน ถ้าเรายอมรับว่าเรายังมีมันอยู่ ก็คือชนชั้นที่มีการศึกษา . สิ่งนี้เทียบไม่ได้กับสมัยก่อนเมื่อมีการพูดคุยรอบปฐมทัศน์ที่ Lyubimov's และแม้แต่ที่ Efros's ในห้องครัว ตอนนี้มันยากสำหรับฉันที่จะบอกว่ารอบปฐมทัศน์เรื่องใดที่กำลังกลายเป็นหัวข้อสนทนาทั่วไปแม้แต่ในหมู่ปัญญาชนในมอสโก แต่ในขณะเดียวกันโรงละคร น่าอัศจรรย์มากแทรกซึมเข้าไปในพื้นที่ที่เกี่ยวข้องกับชีวิต ฉันเห็นว่าทุกสิ่งทุกอย่างเป็นการแสดงละครอย่างแท้จริง วิจิตรศิลป์- ท้ายที่สุดแล้ว มันเป็นส่วนสำคัญของมันที่มีอยู่ตามกฎหมายการแสดงละคร ไม่ว่าเราจะชอบหรือไม่ก็ตาม ถึงจะดูเหมือนการเมือง เศรษฐศาสตร์... ผมอ่านเรื่องการตลาดยั่วยุ - ผมอ่านเจอว่ามันทำงานยังไง...

– Marina Yuryevna สสารนอกสถานที่เรียกว่าโคลน โรงละครในโรงละครดีมาก โรงละครในต่างประเทศไม่น่าพอใจ

– แน่นอนว่ามันอาจไม่เป็นที่พอใจอย่างยิ่ง แต่นี่คือเทรนด์ คุณถามฉันเกี่ยวกับแนวโน้ม

- เห็นด้วย.

– คุณขอให้ฉันไม่พูดเกี่ยวกับสิ่งที่น่ารื่นรมย์ แต่ให้สังเกตแนวโน้ม นี่มันเทรนด์ชัดๆ โรงละคร – รู้สึกเหมือนกำลังพยายามชดเชยการสูญเสียมันไป บทบาททางสังคมการแทรกซึมเข้าไปในทรงกลมที่อยู่ติดกัน

“ถ้าไม่อยากให้ฉันเข้าประตู ฉันจะเข้าไปทางหน้าต่าง”

- แน่นอน. และการแสดงละครของชีวิตโดยทั่วไปนี้ทำให้ฉันหงุดหงิดมาก แต่ฉันอดไม่ได้ที่จะยอมรับว่ามันกำลังเกิดขึ้นตามกฎการแสดงละครเหล่านี้ บางสิ่งบางอย่างเริ่มมีอยู่ซึ่งโดยทั่วไปแล้วพูดไม่ควรมีอยู่และไม่มีอยู่มาก่อน กระแสอีกประการหนึ่งคือทุกสิ่งภายในโรงละครก็เปลี่ยนแปลงไปมากเช่นกัน ตัวอย่างเช่นในรัสเซียจนกระทั่งเมื่อไม่นานมานี้สิ่งนี้ไม่มีอยู่จริง แต่สมมติว่ามีอยู่ในโรงละครตะวันตก แต่ก็อยู่ในรูปแบบที่ จำกัด มากเช่นกัน สิ่งที่ฉันเรียกว่าการแต่งละครปรากฏขึ้น นั่นคือเราคุ้นเคยกับความจริงที่ว่าโรงละครคือเมื่อมีงานวรรณกรรมบางอย่างที่ศิลปินและผู้กำกับรับและเริ่มแยกชิ้นส่วนตีความและนำเสนอบนเวทีด้วยวิธีใดวิธีหนึ่ง จากนั้นบุคคลนั้นก็เปรียบเทียบความประทับใจจากการอ่านงานนี้และจากสิ่งที่เขาดู

- ฉันอาจจะไม่ได้อ่านมัน แต่นี่ยังคงเป็นโรงละครที่สื่อความหมาย แต่ยังคงเป็นบทสนทนาระหว่างผู้กำกับคนนี้กับศิลปินเหล่านี้กับนักเขียนบางคน แต่มีโรงละครที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงเมื่อการแสดงถูกแต่งขึ้นจากภายนอก งานวรรณกรรม- ดูเหมือนว่าเขาจะขึ้นเวทีแบบเดียวกับที่ Tadeusz Kantor หนึ่งในนั้น กรรมการที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ซึ่งเราไม่มีอะนาล็อกในเวลาเดียวกัน - ในยุค 60-70-80 แต่ในปัจจุบัน ละครประเภทนี้ซึ่งมักอิงจากความทรงจำในวัยเด็ก ความประทับใจชั่วขณะ ฯลฯ กำลังได้รับแรงผลักดัน และมีจำนวนเพิ่มมากขึ้นเรื่อยๆ มันมีคุณภาพที่แตกต่างกัน

– เขาไปถึงจุดสูงสุดที่คุณพูดถึงตอนเริ่มรายการหรือไม่?

“แน่นอนว่าบางครั้งมันก็มีอยู่ในที่ราบลุ่ม และบางครั้งก็โผล่ออกมา” และฉันคิดว่าบางที แม้กระทั่งอนาคตของโรงละครก็ยังอยู่เบื้องหลัง โรงละครแต่งทำนองแบบนี้

– สิ่งนี้ปรากฏให้เห็นในมอสโกด้วยหรือไม่? ไม่ใช่แค่เท่านั้น แนวโน้มระดับโลกแต่อยู่ที่นี่แล้วเหรอ?

– มันอยู่ที่นี่แล้ว ต้องบอกว่าเขตแดนหลุดแล้ว

– ด้วยเทศกาลนานาชาติมากมายแน่นอน

– แน่นอนว่าพรมแดนพังทลายลงและโรงละครรัสเซียก็กลับมาเป็นส่วนหนึ่งอีกครั้งที่ต้นน้ำลำธาร โรงละครยุโรป- สำหรับเทศกาลที่คุณพูดถึงนั้น น่าสังเกตว่าในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา มอสโก หรือที่เรียกง่ายๆ ว่ามอสโก อาจกลายเป็นเมืองที่มีเทศกาลมากที่สุดในโลก

- ยอดเยี่ยม. คุณเห็นไหมว่าโรงละครกำลังกลายพันธุ์ แม้แต่แขกของเราก็ไม่รู้ว่ามันกลายพันธุ์เป็นอะไร แต่เราหวังว่าจะเจออะไรดีๆ เราคือเมืองที่มีเทศกาลมากที่สุดในโลก ขอให้โชคดีกับคุณ

การส่งผลงานที่ดีของคุณไปยังฐานความรู้เป็นเรื่องง่าย ใช้แบบฟอร์มด้านล่าง

นักศึกษา นักศึกษาระดับบัณฑิตศึกษา นักวิทยาศาสตร์รุ่นเยาว์ ที่ใช้ฐานความรู้ในการศึกษาและการทำงาน จะรู้สึกขอบคุณเป็นอย่างยิ่ง

โพสต์เมื่อ http://www.allbest.ru/

ชุดละคร

THEATER เป็นรูปแบบศิลปะสังเคราะห์ที่ช่วยให้เราไม่เพียงแต่ได้ยิน ไม่เพียงแต่จินตนาการ แต่ยังรวมถึงการมองและการมองเห็นอีกด้วย โรงละครเปิดโอกาสให้เราได้ชมละครแนวจิตวิทยาและมีส่วนร่วมในความสำเร็จและเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ โรงภาพยนตร์, การแสดงละครเกิดขึ้นจากความพยายามของศิลปินมากมายตั้งแต่ผู้กำกับและนักแสดงไปจนถึงผู้ออกแบบงานสร้างเพราะการแสดงเป็นการ “ผสาน” ศิลปะที่แตกต่างซึ่งแต่ละแผนในแผนนี้ได้รับการเปลี่ยนแปลงและได้รับคุณภาพใหม่…”

เครื่องแต่งกายละครเป็นองค์ประกอบของภาพบนเวทีของนักแสดง สิ่งเหล่านี้เป็นสัญญาณภายนอกและลักษณะเฉพาะของตัวละครที่แสดงให้เห็นซึ่งช่วยในการเปลี่ยนแปลงของนักแสดง วิธีการมีอิทธิพลทางศิลปะต่อผู้ชม สำหรับนักแสดง เครื่องแต่งกายเป็นสิ่งสำคัญ เป็นรูปแบบที่ได้รับแรงบันดาลใจจากความหมายของบทบาท

เช่นเดียวกับนักแสดงทั้งคำพูดและท่าทาง การเคลื่อนไหว และน้ำเสียง ทำให้เกิดภาพลักษณ์ใหม่ของภาพบนเวที โดยเริ่มจากสิ่งที่ได้รับในละคร ศิลปินจึงนำข้อมูลเดียวกันจากละครมารวบรวมภาพไว้ ผ่านทางศิลปะของเขา

ตลอดประวัติศาสตร์ศิลปะการแสดงละครที่มีอายุหลายศตวรรษ การออกแบบฉากได้รับการเปลี่ยนแปลงเชิงวิวัฒนาการอย่างต่อเนื่อง ซึ่งไม่เพียงเกิดจากการปรับปรุงเทคโนโลยีบนเวทีเท่านั้น แต่ยังเกิดจากความผันผวนของรูปแบบและแฟชั่นในช่วงเวลาที่สอดคล้องกันด้วย ขึ้นอยู่กับลักษณะของโครงสร้างวรรณกรรมของบทละคร, ประเภทของละคร, องค์ประกอบทางสังคมของผู้ชม, ระดับของเทคโนโลยีบนเวที

ช่วงเวลาของโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมที่มั่นคงในสมัยโบราณได้เปิดทางไปสู่ยุคดึกดำบรรพ์ของยุคกลาง ซึ่งในทางกลับกันได้เปิดทางให้กับโรงละครในราชสำนักด้วยการแสดงที่หรูหราแบบพอเพียง มีการแสดงด้วยผ้าในการตกแต่งเชิงสร้างสรรค์ที่ซับซ้อนเฉพาะในการออกแบบแสงเท่านั้นโดยไม่มีการตกแต่งเลย - บนเวทีเปลือยบนแท่นบนทางเท้า

บทบาทของเครื่องแต่งกายในฐานะของตกแต่งที่ "เคลื่อนไหว" มีบทบาทสำคัญมาโดยตลอด มุมมองเกี่ยวกับ "ความสัมพันธ์" ของเขากับนักแสดงเวลาและประวัติศาสตร์และสุดท้ายกับ "หุ้นส่วน" โดยตรงของเขา - การออกแบบทางศิลปะของเวที - เปลี่ยนไป

ในกระบวนการพัฒนาศิลปะการละครสมัยใหม่อย่างก้าวหน้านวัตกรรมในการกำกับการเปลี่ยนแปลงวิธีการออกแบบทางศิลปะบทบาทของศิลปะการแต่งกายไม่ลดลง - ในทางตรงกันข้าม ด้วยการเติบโตของพี่น้องที่อายุน้อยกว่าและมีความยืดหยุ่นมากขึ้น - โรงภาพยนตร์และโทรทัศน์ - โรงละครไม่ต้องสงสัยเลยว่าได้รับในการค้นหาและทรมานเทคนิคที่น่าตื่นเต้นรูปแบบใหม่ ๆ ซึ่งเป็นเทคนิคที่จะปกป้องและกำหนดตำแหน่งของโรงละครว่าเป็นคุณค่าที่ยั่งยืนของศิลปะอิสระ รูปร่าง. เครื่องแต่งกายซึ่งเป็นองค์ประกอบที่สามารถเคลื่อนย้ายได้มากที่สุดของฉากละครได้รับการจัดอันดับให้เป็นที่หนึ่งในการค้นหาครั้งนี้ เครื่องแต่งกายเวทีละคร

สูง วัฒนธรรมสมัยใหม่ศิลปะการแสดงละคร งานกำกับละครและการแสดงที่ละเอียดอ่อนและลึกซึ้ง การแสดงที่มีพรสวรรค์ต้องการจากศิลปินที่ออกแบบการแสดง การเจาะลึกเข้าไปในละครของการแสดงอย่างละเอียดถี่ถ้วน การติดต่ออย่างใกล้ชิดกับผู้กำกับ การออกแบบที่ทันสมัยไม่ได้รับการบัญญัติตามกฎเกณฑ์ เป็นรายบุคคลและเฉพาะเจาะจงในแต่ละกรณี “งานของผู้กำกับแยกออกจากงานของศิลปินไม่ได้ ประการแรก ผู้กำกับจะต้องค้นหาคำตอบของตัวเองต่อปัญหาชุดหลัก ในทางกลับกัน ศิลปินจะต้องรู้สึกถึงงานของการผลิตและแสวงหาหนทางที่แสดงออกอย่างไม่ลดละ.. ”

เครื่องแต่งกายละครถูกสร้างขึ้นครั้งแรกโดยใช้วิธีการมองเห็นนั่นคือภาพร่าง

โพสต์บน Allbest.ru

...

เอกสารที่คล้ายกัน

รากฐานทางทฤษฎีการสร้างภาพ เครื่องแต่งกายและเครื่องประดับที่ใช้ในการแสดงเป็นวิธีหนึ่งในการสร้างภาพลักษณ์ภายนอกของโรงละคร อุปกรณ์การแสดงละคร การฝึกฝนการใช้งานเพื่อสร้างภาพลักษณ์ของเตตร้าโดยใช้ตัวอย่างการผลิตของโรงละคร Roman Viktyuk

วิทยานิพนธ์เพิ่มเมื่อ 22/11/2551


บทบาทและความสำคัญของเครื่องแต่งกายใน โลกโบราณ: อียิปต์ กรีซ โรม อินเดีย และไบแซนเทียม เครื่องแต่งกาย ยุโรปตะวันตกในยุคกลาง เครื่องแต่งกายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: อิตาลี, สเปน, ฝรั่งเศส, เยอรมัน, อังกฤษ สไตล์จักรวรรดิและแนวโรแมนติก โรโกโคและบาโรก

งานหลักสูตร เพิ่มเมื่อ 26/12/2556


ลักษณะของเครื่องแต่งกายละคร ข้อกำหนดสำหรับร่างของมัน การวิเคราะห์ภาพร่างมนุษย์ เทคนิคและเครื่องมือที่ใช้ในแหล่งกราฟิก การใช้งาน เทคนิคกราฟิกเครื่องแต่งกายละครในการพัฒนาคอลเลกชันเสื้อผ้า

งานหลักสูตรเพิ่มเมื่อ 28/09/2013


บทบาทของเครื่องแต่งกายพื้นบ้านในการออกแบบ เสื้อผ้าที่ทันสมัยสำหรับเยาวชน กระตุ้นให้เกิดความสนใจในการแต่งกายพื้นบ้านเป็นแหล่งรวมไอเดียสำหรับนักออกแบบยุคใหม่ เครื่องแต่งกายพื้นบ้านเป็นคลังความคิดมากมายสำหรับศิลปิน ชุดเสื้อผ้าแบบดั้งเดิม

งานหลักสูตรเพิ่มเมื่อ 06/04/2551


ศิลปะการแสดงละครร่วมสมัย. การผลิตละครเรื่อง "Little Theatrical Demon" จากบทละครที่มีชื่อเดียวกันโดย Vera Trofimova อาชีพนักแสดง บุคลิกภาพ การแสดงละคร แนวคิดของผู้กำกับในการเล่น การป้องกันบทบาท การออกแบบพื้นที่เวที

บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 20/01/2014


การแต่งกายเป็นเป้าหมายของการวิเคราะห์ทางสังคมวัฒนธรรม: ประวัติศาสตร์พัฒนาการ ความหมาย บทบาท หน้าที่ และรูปแบบ ลักษณะเชิงสัญศาสตร์ของการแต่งกาย คุณลักษณะ เครื่องประดับ พื้นฐานทางสังคมและจิตวิทยา วิเคราะห์สัญลักษณ์ของชุด "สำรวย"

วิทยานิพนธ์เพิ่มเมื่อ 24/01/2010


ลักษณะเฉพาะ ยุคประวัติศาสตร์กรีกโบราณ ประเภท รูปร่าง และองค์ประกอบของเสื้อผ้า ลักษณะของเพศชายและ ชุดสูทผู้หญิง- การวิเคราะห์ผ้าที่ใช้ในการผลิต สี และลวดลาย ผ้าโพกศีรษะ ทรงผม เครื่องประดับและเครื่องประดับของชาวกรีก

งานหลักสูตร เพิ่มเมื่อ 12/11/2016


เค.เอส. Stanislavsky ในฐานะชาวรัสเซียผู้โด่งดัง ผู้อำนวยการโรงละคร, นักแสดงและอาจารย์ ระบบ Stanislavsky เป็นทฤษฎีศิลปะบนเวที วิธีเทคนิคการแสดง สาระสำคัญและเนื้อหา ขั้นตอนและหลักการพัฒนา ชีวประวัติของเมเยอร์โฮลด์

ทดสอบเพิ่มเมื่อ 14/06/2554


พัฒนาการทางประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมของเทือกเขามารี เครื่องแต่งกายภูเขามารีเป็นส่วนหนึ่ง วัฒนธรรมประจำชาติ- วัสดุและเทคโนโลยีในการทำชุดสูท การก่อตัวของความรู้สึกรักชาติและการตระหนักรู้ในตนเองทางชาติพันธุ์ การตัดเย็บ โทนสี รายละเอียดหลักของเครื่องแต่งกาย

งานหลักสูตร เพิ่มเมื่อ 10/14/2013


การแสดงบนเวที ความแตกต่างจากการแสดงในชีวิตจริง ความสัมพันธ์ระหว่างการกระทำทางร่างกายและจิตใจ ส่วนหลักของการดำเนินการ: การประเมิน การขยาย การดำเนินการจริง ผลกระทบ ภาพร่างของผู้กำกับจากภาพวาด "The Princess's Visit to the Nunnery"