Stredovek – najdlhší kultúrnej éry v dejinách západnej Európy. Zahŕňa deväť storočí – od 6. do 14. storočia. Bol to čas nadvlády katolíckej cirkvi, ktorý bol od prvých krokov mecenášom umenia. Cirkevné slovo (modlitba) v rôznych krajinách Európa a v rôznych spoločenských vrstvách bola nerozlučne spätá s hudbou: zneli žalmy, hymny, chorály – sústredené, odviazané melódie, ďaleko od každodenného ruchu.

Na príkaz cirkvi boli tiež postavené majestátne chrámy zdobené sochami a farebnými vitrážami; Vďaka patronátu kostola sa architekti a umelci, sochári a speváci venovali svojmu bezvýhradne milovanému umeniu, teda katolícka cirkev ich finančne podporovala. Najvýznamnejšia časť umenia vôbec a hudby zvlášť bola teda pod jurisdikciou katolíckeho náboženstva.

Cirkevný spev vo všetkých krajinách západnej Európy znel v prísnej latinčine a aby ešte viac upevnil jednotu a spoločenstvo katolíckeho sveta, pápež Gregor I., ktorý nastúpil na trón na začiatku 4. storočia, zozbieral všetky cirkevné hymny predpísaný na výkon každého z nich konkrétny deň v cirkevnom kalendári. Pápežom zozbierané melódie sa nazývali gregoriánsky chorál a na nich založená spevácka tradícia sa nazýva gregoriánsky chorál.

V melodickom zmysle je gregoriánsky chorál orientovaný na oktoiche, systém ôsmich režimov. Práve režim často zostával jediným náznakom toho, ako by sa mal chorál vykonávať. Všetky módy tvorili oktávu a boli modifikáciou starovekého trichordového systému. Pražce mali iba číslovanie, pojmy „Dorian“, „Lýdian“ atď. boli vylúčené. Každý pražec predstavoval spojenie dvoch tetrachordov.

Gregoriánske chorály ideálne zodpovedali ich modlitebnému účelu: ležérne melódie sa skladali z nevnímateľne plynúcich motívov do seba, melodická línia bola obmedzená in tessitura, intervaly medzi zvukmi boli malé, rytmický vzorec bol tiež hladký, chorály boli postavené na diatonická stupnica. Gregoriánske chorály spieval jednohlasný mužský zbor a takýto spev sa učil predovšetkým v ústnej tradícii. Písomné pramene gregoriánstva sú príkladom neutrálnej notácie (špeciálne znaky nad latinským textom), ale tento typ notový zápis označoval len približnú výšku zvuku, celkový smer melodickej línie a vôbec sa nedotýkal rytmickej stránky, a preto sa považoval za ťažko čitateľný. Speváci, ktorí predvádzali cirkevné chorály, neboli vždy vzdelaní a svoje remeslo sa učili ústne.

Gregoriánsky chorál sa stal symbolom obrovskej epochy, ktorá sa v ňom premietla do jeho chápania života a sveta. Význam a obsah chorálov odrážal predstavu stredovekého človeka o podstate existencie. V tomto zmysle sa stredovek často nazýva „mládež európskej kultúry“, keď po páde starovekého Ríma v roku 476 vtrhli do Európy kmene barbarov, Galov a Germánov a začali prestavovať svoj život. Ich viera v kresťanských svätcov sa vyznačovala bezohľadnosťou, jednoduchosťou a melódie gregoriánskych chorálov boli založené na rovnakom princípe prirodzenosti. Určitá monotónnosť chorálov odráža predstavu stredovekého človeka o priestore, ktorý je obmedzený jeho zorným poľom. Tiež myšlienka času bola spojená s myšlienkou opakovania a nemennosti.

Gregoriánsky chorál ako hlavný prúd hudobný štýl, do 9. storočia sa konečne etablovala v celej Európe. Zároveň nastal najväčší objav v hudobnom umení, ktorý ovplyvnil celú jeho nasledujúcu históriu: vedec-mních, taliansky hudobník Guido z Arezza (Aretinsky) vynašiel notový záznam, ktorý používame dodnes. Gregoriánsky chorál sa odteraz mohol spievať z nôt a vstúpil do novej fázy svojho vývoja.

Od 7. do 9. storočia neoddeliteľne existovali pojmy „hudba“ a „gregoriánsky chorál“. Štúdium melódie chorálov, stredovekí hudobníci a speváci ich chceli ozdobiť, ale zmena kostolného spevu nebola povolená. Našlo sa riešenie: nad melódiu chorálu v rovnakej vzdialenosti od všetkých jej zvukov bol pridaný druhý hlas, ktorý presne opakoval melodický vzorec chorálu. Melódia sa zdala zhustená, zdvojená. Tieto prvé dvojhlasné skladby sa nazývali organums, keďže spodný hlas, v ktorom znel chorál, sa nazýval vox principalis (hlavný hlas) a vyšší, pridaný hlas sa nazýval vox organalis (doplnkový hlas). Zvuk organum vyvolával asociácie s akustikou chrámu: bol dunivý a hlboký. Ďalej, v priebehu 11.-13. storočia sa dvojhlas rozrástol na trojhlas (triptum) a štvorhlas.

Rytmické formy organum sú príkladom modálneho rytmu. Je ich šesť: jamb (l ¡), trocheus (trochee) (¡ l), daktyl (¡ . l¡), anapest (l¡¡ . ), spondee (¡ . ¡ . ), tritrachium (l l l).

Popri cirkevnom umení s rozvojom európskych miest a ekonomík sa v stredoveku zrodilo aj nové umenie. Obyčajní ľudia(mešťania, sedliaci) často vídali vo svojich osadách potulných hercov a hudobníkov, ktorí tancovali a predvádzali divadelné predstavenia na rôzne témy: o anjeloch a Panne Márii alebo o čertoch a pekelných mukách. Toto nové svetské umenie nebolo po chuti asketickým služobníkom cirkvi, ktorí nachádzali machinácie diabla v ľahkomyseľných piesňach a vystúpeniach.

Rozkvet stredovekých miest a feudálnych hradov, záujem o svetské umenie, ktorý zahŕňal všetky vrstvy, viedol k vzniku 1. odborná škola svetská poézia a hudba – škola trubadúrov, ktorá vznikla na juhu Francúzska v 12. storočí. Podobné nemeckí básnici a hudobníci sa nazývali minnesingers (meistersinger), severofrancúzsky - trouvères. Ako autori poézie pôsobili trubadúrski básnici súčasne ako skladatelia a speváci.

Hudba trubadúrskych piesní vyrástla z poézie a napodobňovala ju svojou jednoduchosťou, hravosťou, bezstarostnosťou. Obsahom takýchto piesní boli rozoberané všetky životné témy: láska a odlúčenie, nástup jari a jej radosti, veselý život potulných študentov školy, žarty Fortune a jej vrtošivé dispozície atď. Rytmus, jasné rozdelenie na hudobné frázy, dôraz , periodicita – to všetko boli typické trubadúrske piesne.

Gregoriánsky chorál a trubadúrske texty sú dva nezávislé smery v stredovekej hudbe, no napriek všetkým ich kontrastom možno zaznamenať spoločné črty: vnútorná spriaznenosť so slovom, sklon k hladkému, kvetnatému vokálnemu prejavu.

Vrcholom ranej polyfónie (polyfónie) bola škola Notre Dame. Hudobníci, ktorí k nej patrili, pôsobili v Paríži v katedrále Notre Dame v 12.-13. Podarilo sa im vytvoriť také polyfónne štruktúry, vďaka ktorým sa hudobné umenie stalo samostatnejšie, menej závislé od výslovnosti latinského textu. Hudba už nebola vnímaná ako jej opora a ozdoba, teraz bola určená špeciálne na počúvanie, hoci organy majstrov tejto školy sa stále hrali v kostole. Na čele školy Notre Dame bola profesionálnych skladateľov: v 2. polovici 12. storočia - Leonín, na prelome 12.-13. storočia - jeho žiak Perotin.

Pojem „skladateľ“ v stredoveku existoval na pozadí hudobných kultúr a samotné slovo pochádzalo z „skladať“ – t.j. kombinovať, vytvárať niečo nové zo známych prvkov. Profesia skladateľa sa objavila až v 12. storočí (v dielach trubadúrov a majstrov školy Notre Dame). Napríklad pravidlá kompozície, ktoré našiel Leonin, sú jedinečné, pretože počnúc hlbokým výskumom hudobný materiál, vytvorený pred ním, skladateľ následne dokázal spojiť tradície prísneho gregoriánskeho chorálu s voľnými normami trubadúrskeho umenia.

Už v Perotinových organách bol vynájdený spôsob predĺženia hudobnej formy. Hudobná látka bola teda rozdelená na krátke motívy postavené na princípe podobnosti (všetky predstavujú navzájom dosť blízke verzie). Perotín prenáša tieto motívy z jedného hlasu do druhého, čím vytvára niečo ako motivický reťazec. Pomocou takýchto kombinácií a permutácií umožnil Perotín organum rásť v mierke. Zvuky gregoriánskeho chorálu, umiestnené v hlase cantus firmus, sa nachádzajú vo veľkej vzdialenosti od seba – a aj to prispieva k rozšíreniu hudobnej formy. Tak vznikol nový žáner - MOTET; Spravidla ide o trojhlasnú skladbu, ktorá sa rozšírila v 13. storočí. Krása nového žánru spočívala v súčasnom spojení rôznych melodických línií, hoci v skutočnosti boli variantom, zdvojením, odrazom hlavnej nápevy – cantus firmus. Takéto motetá sa nazývali „objednané“.

Medzi verejnosťou však boli populárnejšie motétá, ktoré na rozdiel od motét na cantus firmus preháňali princípy diskordancie: niektoré z nich boli dokonca skomponované na texty v rôznych jazykoch.

Stredoveké motetá mohli mať duchovný aj svetský obsah: láska, satira atď.

Raná polyfónia existovala nielen ako vokálne umenie, ale aj ako inštrumentálny. Na fašiangy a sviatky sa skladala tanečná hudba, trubadúrske piesne sprevádzala aj hra na nástroje. Obľúbené boli aj jedinečné inštrumentálne fantasy, podobné motetám.

14. storočie sa v západoeurópskom umení nazýva „jeseň“ stredoveku. Do Talianska už prišla nová éra – renesancia; Dante, Petrarca, Giotto - veľkí majstri ranej renesancie - už vytvorili. Zvyšok Európy bilancoval stredovek a pocítil zrod nová téma v umení – témy individuality.

Vstup stredovekej hudby do novej éry bol poznačený objavením sa pojednania Philippa de Vitryho „Ars Nova“ - „Nové umenie“. V ňom sa vedec a hudobník pokúsil načrtnúť nový obraz hudobne krásneho. Názov tohto pojednania dal meno celej hudobnej kultúre 14. storočia. Odteraz sa hudba musela zriecť jednoduchých a drsných zvukov a snažiť sa o jemnosť a čaro zvuku: namiesto prázdnych, chladných harmónií Ars antiqua bolo predpísané používať plné a melodické harmónie.

V minulosti sa odporúčalo opustiť monotónny rytmus (modálny) a použiť novoobjavený menzurálny (merací) zápis, keď krátke a dlhé zvuky spolu súvisia ako 1:3 alebo 1:2. Existuje veľa takýchto dôb - maxima, longa, brevis, semibrevis; každý z nich má svoj vlastný obrys: dlhšie zvuky nie sú zatienené, kratšie sú znázornené čiernou farbou.

Rytmus sa stal flexibilnejším, pestrejším a možno použiť synkopu. Obmedzenie používania iných režimov ako diatonických cirkevných režimov sa stalo menej prísnym: možno použiť zmeny, zosilnenie a zoslabenie hudobných tónov.

Hudobné umenie stredoveku. Obrazový a sémantický obsah. Osobnosti.

stredovek- dlhé obdobie vývoja ľudstva trvajúce viac ako tisíc rokov.

Ak sa pozrieme do obrazného a emocionálneho prostredia obdobia „temného stredoveku“, ako sa často nazýva, uvidíme, že bolo naplnené intenzívnym duchovným životom, tvorivou extázou a hľadaním pravdy. Kresťanská cirkev mala silný vplyv na mysle a srdcia. Témy, zápletky a obrazy Svätého písma boli chápané ako príbeh, ktorý sa odvíja od stvorenia sveta cez príchod Krista až do dňa Posledný súd. Pozemský život bol vnímaný ako nepretržitý boj medzi temnými a svetlými silami a arénou tohto zápasu bola ľudská duša. Očakávanie konca sveta preniklo do svetonázoru stredovekých ľudí, zafarbilo umenie tohto obdobia do dramatických tónov. Za týchto podmienok sa hudobná kultúra rozvíjala v dvoch mocných vrstvách. Na jednej strane profesionálna cirkevná hudba, ktorá počas celého stredoveku prešla obrovskou vývojovou cestou; na druhej strane ľudová hudobná tvorivosť, ktorú predstavitelia „oficiálnej“ cirkvi prenasledovali a svetská hudba, ktorá ako amatérska hra existovala takmer počas celého stredoveku. Napriek antagonizmu týchto dvoch hnutí sa vzájomne ovplyvňovali a koncom tohto obdobia sa prejavili najmä výsledky prelínania svetskej a cirkevnej hudby. Z hľadiska citového a sémantického obsahu je pre stredovekú hudbu najcharakteristickejšia prevaha ideálneho, duchovného a didaktického princípu – tak v svetských, ako aj cirkevných žánroch.

Emocionálny a sémantický obsah hudby kresťanský kostol bol zameraný na chválenie Božstva, odopieranie pozemských dobier za odmenu po smrti a kázanie askézy. Hudba v sebe sústreďovala to, čo sa spájalo s výrazom „čistej“, bez akejkoľvek „telesnej“, materiálnej formy snahy o ideál. Pôsobenie hudby umocňovala akustika kostolov s ich vysokými klenbami, odrážajúcimi zvuk a vytvárajúcimi efekt Božej prítomnosti. Splynutie hudby s architektúrou sa zvlášť zreteľne prejavilo vznikom o gotický štýl. Polyfónna hudba, ktorá sa v tom čase vyvinula, vytvorila vzletné, voľné stúpanie hlasov, opakujúce architektonické línie gotického chrámu, vytvárajúce pocit nekonečnosti priestoru. Najvýraznejšie príklady hudobnej gotiky vytvorili skladatelia katedrály Notre Dame – majster Leonin a majster Perotin, prezývaný Veľký.

Hudobné umenie stredoveku. Žánre. Vlastnosti hudobného jazyka.

Formovanie svetských žánrov v tomto období pripravila kreativita potulných hudobníkov - žongléri, miništranti a shpilmani, ktorí boli spevákmi, hercami, cirkusovými umelcami a inštrumentalistami v jednom. Pridali sa aj žongléri, shpilmani a miništranti vagantov a goliardov- nešťastní študenti a mnísi na úteku, ktorí vniesli do „umeleckého“ prostredia gramotnosť a určitú erudíciu. Ľudové piesne sa spievali nielen vo vznikajúcich národných jazykoch (francúzština, nemčina, angličtina a iné), ale aj v latinčine. Cestujúci študenti a školáci (vagantes) mali často veľkú zručnosť v latinskej veršovačke, čo dodávalo osobitnú pálivosť ich obviňujúcim piesňam namiereným proti svetským feudálom a katolíckej cirkvi. Postupne si cestujúci umelci začali vytvárať cechy a usadzovať sa v mestách.

V tom istom období vznikla jedinečná „intelektuálna“ vrstva – rytierstvo, medzi ktorými (v období prímeria) vzplanul aj záujem o umenie. Hrady sa menia na centrá rytierskej kultúry. Zostavoval sa súbor pravidiel rytierskeho správania, ktoré si vyžadovali „zdvorilé“ (rafinované, zdvorilé) správanie. V 12. storočí v Provensálsku na dvoroch feudálov vzniklo umenie trubadúri, ktorý bol charakteristickým prejavom novej svetskej rytierskej kultúry hlásajúcej kult pozemskej lásky, užívania si prírody a pozemských radostí. Z hľadiska rozsahu obrazov poznalo hudobné a básnické umenie trubadúrov mnoho odrôd, spojených najmä s milostné texty alebo vojenské, služobné piesne, odrážajúce postoj vazala k svojmu pánovi. Ľúbostné texty trubadúrov mali často formu feudálnej služby: spevák sa poznal ako vazal dámy, ktorá bola zvyčajne manželkou jeho pána. Ospevoval jej cnosti, krásu a ušľachtilosť, oslavoval jej dominanciu a „chradal“ za nedosiahnuteľným cieľom. Samozrejme, bolo v tom veľa konvencií, ktoré diktovala vtedajšia dvorská etiketa. Za konvenčnými formami rytierskej služby sa však často skrýval skutočný cit, živo a pôsobivo vyjadrený v poetických a hudobných obrazoch. Umenie trubadúrov bolo na svoju dobu v mnohých smeroch pokročilé. Pozornosť na autorove osobné skúsenosti a dôraz na vnútorný svet milujúceho a trpiaceho jednotlivca naznačujú, že trubadúri sa otvorene stavali proti asketickým tendenciám stredovekej ideológie. Trubadúr oslavuje skutočné pozemská láska. Vidí v nej „zdroj a pôvod všetkého tovaru“.

Kreativita sa rozvíjala pod vplyvom poézie trubadúrov Trouvères, ktorá bola demokratickejšia (väčšina truvères pochádzala od obyvateľov miest) Rozvíjali sa tu rovnaké témy a umelecký štýl piesne. V Nemecku o storočie neskôr (13. storočie) vznikla škola Minnesingerov, v ktorej sa častejšie ako trubadúr a truvér rozvíjali piesne mravného a poučného obsahu, ľúbostné motívy často nadobúdali náboženský nádych a súviseli s kultom Panny Márie. Emocionálna štruktúra skladieb sa vyznačovala väčšou vážnosťou a hĺbkou. Minnesingeri väčšinou slúžili na kurtoch, kde sa konali súťaže. Známe sú mená Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, Tannhäuser - hrdina slávna legenda. Vo Wagnerovej opere podľa tejto legendy je ústrednou scénou scéna speváckej súťaže, kde hrdina na pohoršenie všetkých ospevuje pozemské city a rozkoše. Libreto Wagnera „Tannhäuser“ je príkladom pozoruhodného náhľadu do svetonázoru doby, ktorá oslavuje morálne ideály, iluzórnu lásku a je v neustálom dramatickom zápase s hriešnymi vášňami.

Cirkevné žánre

Gregoriánsky chorál. V ranokresťanskej cirkvi bolo veľa variantov cirkevných spevov a latinských textov. Vznikla potreba vytvoriť jednotný kultový rituál a zodpovedajúcu liturgickú hudbu. Tento proces bol zavŕšený na prelome 6. a 7. storočia. Pápež Gregor I. Cirkevné melódie, vybrané, kanonizované, distribuované v rámci cirkevného roka, tvorili oficiálny súbor – antifonár. Zborové melódie v ňom obsiahnuté sa stali základom pre liturgický spev katolíckej cirkvi a nazývali sa gregoriánsky chorál. Jednohlasne ju predniesol zbor alebo súbor mužských hlasov. Rozvíjanie melódie prebieha pomaly a je založené na variáciách počiatočnej melódie. Voľný rytmus melódie je podriadený rytmu slov. Texty sú prozaické v latinčine, ktorých samotný zvuk vytváral odstup od všetkého svetského. Melodický pohyb je plynulý, ak sa objavia malé skoky, sú okamžite kompenzované pohybom v opačnom smere. Samotné melódie gregoriánskych chorálov sa delia do troch skupín: recitácia, kde každá slabika textu zodpovedá jednému spevu, psalmódia, kde je povolené spievanie niektorých slabík, a jasanie, kedy sa slabiky spievali v zložitých melodických vzoroch, najčastejšie „Aleluja“ („Chvála Bohu“). Veľký význam, rovnako ako v iných formách umenia, má priestorová symbolika (in v tomto prípade„hore“ a „dole“). Celý štýl tohto monofónneho spevu, absencia „pozadia“ či „zvukovej perspektívy“ pripomína princíp rovinného obrazu v stredoveká maľba.
Hymna . Rozkvet hymnickej tvorby sa datuje do 6. storočia. Hymny, vyznačujúce sa väčšou citovou bezprostrednosťou, niesli v sebe ducha svetského umenia. Vychádzali z piesňových melódií blízkych ľudovým. Koncom 5. storočia ich z cirkvi vyhnali, no stáročia existovali ako neliturgická hudba. Ich návrat k cirkevnému používaniu (9. storočie) bol akýmsi ústupkom svetským citom veriacich. Na rozdiel od chorálov boli hymny založené na poetických textoch, ktoré boli špeciálne skomponované (a nie požičané z posvätných kníh). To určilo jasnejšiu štruktúru melódií, ako aj väčšiu voľnosť melódie, nepodriadenú každému slovu textu.
omša. Rituál omše sa vyvíjal mnoho storočí. Poradie jeho častí určilo v hlavných črtách 9. storočie, no konečnú podobu hmota nadobudla až v 11. storočí. Proces formovania jej hudby bol tiež dlhý. Najstarším druhom liturgického spevu je psalmódia; priamo súvisela so samotnou liturgiou, znela počas celej bohoslužby a vykonávali ju kňazi a cirkevní zboristi. Hudobný štýl omše obohatil úvod hymnov. Zazneli melódie hymny jednotlivé momenty rituál, vyjadrujúci kolektívne pocity veriacich. Najprv ich spievali samotní farníci, neskôr profesionál cirkevný zbor. Emocionálny vplyv hymnov bol taký silný, že postupne začali vytláčať psalmódiu, pričom v hudbe omše zaujímali dominantné miesto. Vo forme chválospevov sa formovalo päť hlavných častí omše (tzv. ordinár).
I. "Kyrie eleison"(„Pane, zmiluj sa“) - prosba o odpustenie a milosrdenstvo;
II. "Gloria"(„Sláva“) - hymna vďačnosti stvoriteľovi;
III. "Credo"(„Verím“) je ústrednou časťou liturgie, ktorá stanovuje základné princípy kresťanskej náuky;
IV. "Sanctus"(„Svätý“) - trikrát sa opakujúce slávnostné jasné zvolanie, po ktorom nasleduje uvítacie zvolanie „Hosanna“, ktoré rámuje ústrednú epizódu „Benedictus“ („Požehnaný, ktorý prichádza“);
V. "Agnus Dei"(„Baránok Boží“) - ďalšia prosba o milosrdenstvo adresovaná Kristovi, ktorý sa obetoval; Posledná časť sa končí slovami: „Dona nobis pacem“ („Dajte nám pokoj“).
Svetské žánre

Vokálna hudba
Stredoveké hudobné a básnické umenie bolo väčšinou amatérsky charakter. Predpokladal dostatočný univerzalizmus: tá istá osoba bola skladateľom, básnikom, spevákom a inštrumentalistom, keďže pieseň bola často uvádzaná v sprievode lutny alebo violy. Veľkému záujmu sa tešia poetické texty piesní, najmä ukážky rytierskeho umenia. Čo sa týka hudby, bola ovplyvnená gregoriánskymi chorálmi, hudbou potulných hudobníkov, ako aj hudbou východných národov. Často boli účinkujúcimi a niekedy aj autormi hudby trubadúrskych piesní žongléri, ktorí putovali s rytiermi, sprevádzali ich spev a vykonávali funkcie sluhov a pomocníkov. Vďaka tejto spolupráci sa zotreli hranice medzi ľudovou a rytierskou hudobnou tvorivosťou.
Tanečná hudba Oblasťou, v ktorej sa význam inštrumentálnej hudby obzvlášť výrazne prejavil, bola tanečná hudba. Od konca 11. storočia vzniklo množstvo hudobných a tanečných žánrov určených výlučne na hranie na nástrojoch. Ani jedna oberačka, ani jedna svadba či iná rodinná oslava sa nezaobišli bez tanca. Tanec sa často hral za spevu samotných tanečníkov alebo na roh, v niektorých krajinách - na orchester pozostávajúci z trúbky, bubna, zvončeka a cimbalov.
Branle francúzsky ľudový tanec. V stredoveku bola najpopulárnejšia v mestách a na dedinách. Čoskoro po svojom vystúpení upútal pozornosť aristokracie a stal sa spoločenský tanec. Vďaka jednoduchým pohybom mohol branli tancovať každý. Jeho účastníci sa držia za ruky a tvoria uzavretý kruh, ktorý sa dá rozdeliť na čiary a zmeniť sa na cikcak. Bolo veľa druhov branle: jednoduché, dvojité, veselé, konské, práčovne, branle s fakľami atď. Na základe pohybov branle sa stavali gavota, paspier a bourre az branle postupne vznikla mineta.
Stella Tanec predvádzali pútnici, ktorí si prišli do kláštora uctiť sochu Panny Márie. Stála na vrchole hory, osvetlená slnkom a zdalo sa, akoby z nej prúdilo nadpozemské svetlo. Odtiaľ pochádza aj názov tanca (stella – z latinského hviezda). Ľudia jednotne tancovali, šokovaní nádherou a čistotou Matky Božej.
Karol Bol populárny v 12. storočí. Karol je otvorený kruh. Počas vystúpenia kráľa spievali tanečníci držiac sa za ruky. Pred tanečníkmi bol spevák. Refrén spievali všetci zúčastnení. Rytmus tanca bol buď plynulý a pomalý, potom sa zrýchlil a zmenil sa na beh.
Tance smrti Počas neskorého stredoveku V európskej kultúre sa téma smrti stala pomerne populárnou. Odnímajúca morová epidémia obrovské množstvoživoty ovplyvnili postoje k smrti. Ak skôr išlo o vyslobodenie z pozemského utrpenia, tak v 13. stor. bola vnímaná s hrôzou. Smrť bola na kresbách a rytinách zobrazovaná ako desivé obrazy a bola o nej diskutovaná v textoch piesní. Tanec sa vykonáva v kruhu. Tanečníci sa začnú hýbať, akoby ich ťahala neznáma sila. Postupne ich posadne hudba, ktorú hrá posol Smrti, začnú tancovať a nakoniec padnú mŕtvi.
Basové tance Promenádne tance a sprievody. Mali slávnostný charakter a technicky jednoduché. Tí, ktorí sa zhromaždili na hostinu vo svojom najlepšom oblečení, kráčali pred majiteľom, akoby predvádzali seba a svoj kostým - to bol zmysel tanca. Tanečné sprievody sa pevne stali súčasťou života na dvore, bez nich by sa nemohol konať ani jeden festival.
Estampy (estampidas) Párové tance sprevádzané inštrumentálnou hudbou. Niekedy „estampi“ vykonávali traja ľudia: jeden muž viedol dve ženy. Veľkú úlohu zohrala hudba. Pozostával z niekoľkých častí a určoval charakter pohybov a počet úderov na časť.

Trubadúri:

Guiraut Riquier 1254-1292

Guiraut Riquier je provensálsky básnik často nazývaný „posledný trubadúr“. Plodnému a zručnému majstrovi (zachovalo sa mu 48 melódií) mu však neboli cudzie ani duchovné témy a výrazne si skomplikoval písanie vokálov, odklonil sa od písania piesní. Dlhé roky bol na súde v Barcelone. Zúčastnil sa krížovej výpravy. Zaujímavá je aj jeho pozícia vo vzťahu k umeniu. Známa je jeho korešpondencia so slávnym mecenášom umenia Alfonsom Múdrym, kráľom Kastílie a Leónu. V ňom sa sťažoval, že nečestní ľudia, „ponižujúci titul žongléra“, sú často zamieňaní s informovanými trubadúrmi. Pre zástupcov je to „hanebné a škodlivé“ vysoké umenie poézie a hudby, ktorí vedia skladať poéziu a vytvárať poučné a trvalé diela.“ Ricoeur pod rúškom kráľovej odpovede navrhol svoju systematizáciu: 1) „lekári básnického umenia“ – najlepší z trubadúrov, „osvetľujúci cestu pre spoločnosť“, autori „vzorných básní a kansonov, ladných poviedok a didaktických diel“ v hovorovom jazyku; 2) trubadúri, ktorí pre nich skladajú piesne a hudbu, tvoria tanečné melódie, balady, albumy a sirventy; 3) žongléri, catering podľa vkusu šľachticov: hrajú na rôzne nástroje, rozprávajú príbehy a rozprávky, spievajú cudzie básne a kansony 4) šašovia (šaškovia) „ukazujú svoje nízke umenie na uliciach a námestiach a vedú nedôstojný životný štýl vyvádzať cvičené opice, psy a kozy, predvádzať bábky, napodobňovať spev vtákov na drobné písomky na hudobných nástrojoch či kňučať pred obyčajným ľudom... bez hanby putuje od súdu k súdu, trpezlivo znáša všetky druhy ponižovania a pohŕda príjemným. a ušľachtilé činnosti.

Riquier, ako mnohí trubadúri, mal obavy z otázky rytierskych cností. Za najvyššiu cnosť považoval štedrosť. "V žiadnom prípade nehovorím zle o odvahe a inteligencii, ale štedrosť prevyšuje všetko."

Pocity trpkosti a frustrácie sa prudko zintenzívnili ku koncu 13. storočia, keď sa krach križiackych výprav stal nevyhnutnou realitou, ktorú nebolo možné ignorovať a ktorú nebolo možné ignorovať. "Je čas, aby som prestal spievať!" - v týchto veršoch (pochádzajú z roku 1292) vyjadril svoje sklamanie z katastrofálneho výsledku križiackych podnikov Giraut Riquier:
"Nadišla hodina, aby sme - nasledovali armádu - opustili Svätú zem!" Báseň „Je čas, aby som skončil s piesňami“ (1292) sa považuje za poslednú trubadúrsku pieseň.

Skladatelia, hudobníci

Guillaume de Machaut c. 1300 - 1377

Machaut je francúzsky básnik, hudobník a skladateľ. Slúžil na dvore českého kráľa a od roku 1337 bol kanonikom Remešskej katedrály. Jeden z najvýznamnejších hudobníkov neskorého stredoveku, najväčšia postava Francúzsky Ars nova. Je známy ako multižánrový skladateľ: jeho motetá, balady, virély, laiky, rondá, kánony a iné piesňové (piesňovo-tanečné) formy sa dostali aj k nám. Jeho hudba sa vyznačuje rafinovanou expresivitou a rafinovanou zmyselnosťou. Machaut navyše vytvoril prvú autorskú omšu v histórii (ku korunovácii kráľa Karola V. v Remeši v roku 1364. Je to prvá autorská omša v dejinách hudby – ucelené a ucelené dielo slávny skladateľ. Zdá sa, že jeho umenie obsahuje dôležité línie, ktoré vychádzajú na jednej strane z hudobnej a poetickej kultúry trubadúrov a trouvérov v jej starodávnom piesňovom základe a na druhej strane z francúzskych škôl polyfónie 12. – 13. storočia.

Leonin (polovica 12. storočia)

Leonin je vynikajúci skladateľ, spolu s Perotinom patrí do školy Notre Dame. História nám zachovala meno tohto kedysi slávneho tvorcu.“ Veľká kniha organum", určené pre ročný krúžok cirkevného spevu. Leoninove organy nahradili zborový spev v súzvuku dvojhlasným spevom sólistov. Jeho dvojhlasné organy sa vyznačovali takým starostlivým vývojom, harmonickou „súdržnosťou" zvuku, ktorá nebola možná bez predbežné myslenie a nahrávanie: v popredí Leonina už nebol improvizujúcim spevákom, ale skladateľom. Hlavnou novinkou Leonina bola rytmická nahrávka, ktorá umožnila nastoliť jasný rytmus hlavne pohyblivého horného hlasu charakter horného hlasu sa vyznačoval melodickou veľkorysosťou.

Perotín

Perotín, Perotinus - francúzsky skladateľ koniec 12. - 1. tretina 13. storočia. V dobových pojednaniach bol nazývaný „Majster Perotin Veľký“ (kto presne bol myslený, nie je známe, pretože bolo niekoľko hudobníkov, ktorým by sa toto meno dalo pripísať). Perotin vyvinul typ polyfónneho spevu, ktorý sa objavil v diele jeho predchodcu Leonina, ktorý tiež patril k takzvanej parížskej alebo Notre Dame škole. Perotín vytvoril vysoké príklady melizmatického orgánu. Napísal nielen 2-hlasné diela (ako Leonin), ale aj 3- a 4-hlasné diela a zrejme rytmicky a textúrne skomplikoval a obohatil polyfóniu. Jeho 4-hlasné organum ešte neposlúchali existujúce zákony polyfónie (imitácia, kánon atď.). V Perotinovom diele sa rozvinula tradícia viachlasných spevov katolíckej cirkvi.

Josquin des Pres ca. 1440-1524

francúzsko-flámsky skladateľ. Od mladosti bol cirkevným zborníkom. Pôsobil v rôznych mestách Talianska (v rokoch 1486-99 ako zbormajster pápežskej kaplnky v Ríme) a Francúzska (Cambrai, Paríž). Bol dvorným hudobníkom Ľudovíta XII.; získal uznanie ako majster nielen kultovej hudby, ale aj svetských piesní, ktoré anticipovali francúzsky šansón. Posledné roky života bol rektorom katedrály v Condé-sur-Escaut. Josquin Despres je jedným z najväčších skladateľov renesancie, ktorý mal rôznorodý vplyv na ďalší vývoj západoeurópskeho umenia. Kreatívnym zhrnutím úspechov holandskej školy vytvoril inovatívne diela duchovných i svetských žánrov (omše, motetá, žalmy, frotole) preniknuté humanistickým svetonázorom, podriaďujúcim vysokú polyfónnu techniku ​​novým umeleckým úlohám. Melódia jeho diel, spojená so vznikom žánru, je bohatšia a mnohotvárnejšia ako u skorších holandských majstrov. „Vyjasnený“ polyfónny štýl Josquina Despresa, zbavený kontrapunktickej zložitosti, bol zlomovým bodom v histórii zborového písania.

Vokálne žánre

Celú éru ako celok charakterizuje jasná prevaha vokálnych žánrov, najmä vokálnych polyfónia. Mimoriadne zložité zvládnutie polyfónie prísny štýl, skutočné učenie, virtuózna technika koexistovalo s jasným a sviežim umením každodennej distribúcie. Inštrumentálna hudba získava určitú nezávislosť, no jej priamu závislosť od vokálnych foriem a každodenných zdrojov (tanec, pieseň) prekoná až o niečo neskôr. Hlavné hudobné žánre zostávajú spojené s verbálnym textom. Podstata renesančného humanizmu sa odrazila v kompozícii zborových piesní v štýle frottol a villanelle.
Tanečné žánre

Počas renesancie získal každodenný tanec veľkú hodnotu. Mnoho nových tanečných foriem sa objavuje v Taliansku, Francúzsku, Anglicku a Španielsku. Rôzne vrstvy spoločnosti majú svoje vlastné tance, vytvárajú si spôsob ich predvádzania a pravidlá správania sa počas plesov, večerov a osláv. Renesančné tance sú zložitejšie ako jednoduché branle z neskorého stredoveku. Tance s guľatým tancom a líniové kompozície nahrádzajú párové (duetové) tance, postavené na zložitých pohyboch a figúrach.
Volta - párový tanec talianskeho pôvodu. Jeho názov pochádza z talianskeho slova voltare, čo znamená „obracať sa“. Meter je trojdobý, tempo stredne rýchle. Hlavným vzorom tanca je, že pán rýchlo a prudko otočí dámu, ktorá s ním tancuje vo vzduchu. Tento výťah sa zvyčajne robí veľmi vysoko. Od pána to vyžaduje veľkú silu a obratnosť, pretože napriek ostrosti a určitej impulzívnosti pohybov musí byť zdvíhanie vykonané jasne a krásne.
Galliard - staroveký tanec talianskeho pôvodu, rozšírený v Taliansku, Anglicku, Francúzsku, Španielsku, Nemecku. Tempo raných galliardov je stredne rýchle, meter je trojdobý. Galliard sa často predvádzal po pavane, s ktorou sa niekedy tematicky spájal. Galliards 16. storočie udržiavaná v melodicko-harmonickej textúre s melódiou vo vrchnom hlase. Galliardove melódie boli obľúbené medzi širokými vrstvami francúzskej spoločnosti. Počas serenád hrali študenti Orléans galliardské melódie na lutnách a gitarách. Podobne ako zvonkohra, aj galliard mal charakter akéhosi tanečného dialógu. Pán sa so svojou dámou pohyboval po sále. Keď muž predviedol sólo, dáma zostala na mieste. Mužské sólo pozostávalo z rôznych zložitých pohybov. Potom opäť pristúpil k dáme a pokračoval v tanci.
Pavana - dvorný tanec 16.-17. storočia. Tempo je stredne pomalé, veľkosť 4/4 alebo 2/4. V rôznych zdrojoch neexistuje konsenzus o jeho pôvode (Taliansko, Španielsko, Francúzsko). Najobľúbenejšou verziou je španielsky tanec, ktorý napodobňuje pohyby páva kráčajúceho s krásne tečúcim chvostom. Mal blízko k bassdance. Za hudby pavana sa konali rôzne slávnostné sprievody: vstup úradov do mesta, rozlúčka šľachetnej nevesty s kostolom. Vo Francúzsku a Taliansku je pavane zavedené ako dvorný tanec. Slávnostný charakter pavana umožnil dvornej spoločnosti zažiariť eleganciou a gráciou svojich spôsobov a pohybov. Ľud a buržoázia tento tanec nepredvádzali. Pavane, podobne ako menuet, sa vykonávalo prísne podľa hodností. Kráľ a kráľovná začali tanec, potom doň vstúpili dauphin a vznešená dáma, potom princovia atď. Kavalieri predvádzali pavane s mečom a pelerínami. Dámy nosili spoločenské šaty s ťažkými dlhými nohavicami, ktoré bolo potrebné pri pohyboch šikovne ovládať bez toho, aby ich dvíhali z podlahy. Pohyb vlaku robil pohyby krásnymi, dodávajúc pavanu pompéznosť a vážnosť. Kráľovnini sluhovia niesli za ňou vlak. Pred začiatkom tanca sa ľudia mali prechádzať po sále. Na záver tanca páry opäť obchádzali sálu s úklonmi a úklonmi. Ale predtým, ako si pán nasadil klobúk, musel položiť dámu pravú ruku zozadu na plece, ľavú ruku (držiac klobúk) na jej pás a pobozkal ju na líce. Počas tanca mala dáma sklopené oči; len z času na čas pozrela na svojho pána. Najdlhšie sa pavan zachoval v Anglicku, kde bol veľmi obľúbený.
Allemande - pomalý tanec nemeckého pôvodu v 4-taktovom čase. Patrí k masovým „nízkym“, neskákavým tancom. Účinkujúci stáli vo dvojiciach jeden za druhým. Počet párov nebol obmedzený. Pán držal dámu za ruky. Kolóna sa pohybovala po sále a keď došla na koniec, účastníci sa otočili na mieste (bez toho, aby si oddelili ruky) a pokračovali v tanci v opačnom smere.
Kuranta - dvorný tanec talianskeho pôvodu. Zvonček bol jednoduchý a zložitý. Prvý pozostával z jednoduchých, kĺzavých krokov, vykonávaných predovšetkým dopredu. Komplexná zvonkohra mala pantomimický charakter: traja páni pozvali do tanca tri dámy. Dámy odviedli do opačného rohu sály a požiadali o tanec. Dámy odmietli. Páni, ktorí boli odmietnutí, odišli, ale potom sa znova vrátili a pokľakli pred dámami. Až po pantomimickej scéne sa začalo tancovať. Existujú rôzne typy zvonkohry talianskeho a francúzskeho typu. Talianska zvonkohra je živý tanec v 3/4 alebo 3/8 takte s jednoduchým rytmom v melodicko-harmonickej textúre. Francúzština - slávnostný tanec ("tanec mravov"), hladký, hrdý sprievod. Meter 3/2, mierne tempo, dosť vyvinutá polyfónna textúra.
Sarabande - populárny tanec 16. - 17. storočia. Odvodené zo španielskeho ženského tanca s kastanetami. Spočiatku sprevádzané spevom. Slávny choreograf a pedagóg Carlo Blasis v jednom zo svojich diel dáva stručný popis sarabande: „V tomto tanci si každý vyberie dámu, ktorej nie je ľahostajná Hudba dáva signál a dvaja milenci predvádzajú tanec, ušľachtilý, odmeraný, dôležitosť tohto tanca však ani v najmenšom neprekáža. pôžitok a skromnosť mu dodáva ešte väčšiu gráciu pohľady „Všetci radi sledujú tanečníkov, ktorí predvádzajú rôzne figúry a pohybmi vyjadrujú všetky fázy lásky.“ Spočiatku bolo tempo sarabandy stredne rýchle, neskôr (od 17. storočia) sa objavila pomalá francúzska sarabanda s charakteristickým rytmickým vzorom: ...... Vo svojej domovine sarabande spadala do kategórie obscénnych tancov a v r. 1630. bol zakázaný kastílskym koncilom.
Zhiga - tanec Anglický pôvod, najrýchlejší, trojdielny, meniaci sa na trojičky. Spočiatku to bol párový tanec, ktorý sa medzi námorníkmi rozšíril ako sólový, veľmi rýchly tanec komického charakteru. Neskôr sa objavuje v inštrumentálnej hudbe ako záverečná časť starodávnej tanečnej suity.

Vokálne žánre

Znaky baroka sa najvýraznejšie prejavili v tých žánroch, kde sa hudba prelínala s inými umeniami. Boli to predovšetkým opera, oratórium a také žánre sakrálnej hudby ako pašije a kantáty. Hudba v kombinácii so slovom a v opere - s kostýmami a kulisami, teda s prvkami maľby, úžitkového umenia a architektúry, mali vyjadrovať zložitý duchovný svet človeka, zložité a rozmanité udalosti, ktoré prežíva. Blízkosť hrdinov, bohov, skutočná a neskutočná akcia, všetky druhy mágie boli pre barokový vkus prirodzené, boli najvyšší výraz premenlivosť, dynamika, premena, zázraky neboli vonkajšími, čisto dekoratívnymi prvkami, ale tvorili nenahraditeľnú súčasť výtvarného systému.

Opera.

Operný žáner získal najväčšiu obľubu v Taliansku. Otvorí sa veľké množstvo operné domy, ktoré boli úžasným, jedinečným fenoménom. Nespočetné množstvo boxov potiahnutých ťažkým zamatom a parter oplotený zábranou (kde sa vtedy stáli, nesedeli) prilákali počas 3 operných sezón takmer všetkých obyvateľov mesta. Boxy kupovali na celú sezónu patricijské rodiny, stánky boli preplnené obyčajnými ľuďmi, niekedy aj zadarmo – no všetci sa cítili dobre, v atmosfére nepretržitých osláv. V boxoch boli bufety, pohovky a kartové stoly na hranie „faraóna“; každá z nich bola spojená so špeciálnymi miestnosťami, kde sa pripravovalo jedlo. Verejnosť chodila do susedných boxov ako na návšteve; Tu sa zoznámili, začali ľúbostné vzťahy, vymieňali sa najnovšie správy, hrala sa kartová hra o veľké peniaze atď. A na javisku sa odvíjalo luxusné, opojné divadlo, ktoré malo pôsobiť na myseľ a city publika, očariť oči a uši. Odvaha a udatnosť hrdinov staroveku, rozprávkové dobrodružstvá mytologických postáv sa pred obdivovateľmi objavili v celej nádhere hudobného a dekoratívneho dizajnu dosiahnutého počas takmer storočnej existencie opery.

Opera, ktorá vznikla na konci 16. storočia vo Florencii v kruhu („camerata“) humanistických vedcov, básnikov a skladateľov, sa čoskoro stala vedúcim hudobným žánrom v Taliansku. Zvlášť dôležitú úlohu vo vývoji opery zohral C. Monteverdi, ktorý pôsobil v Mantove a Benátkach. Jeho dve najznámejšie javiskové diela Orfeus a Korunovácia Poppey sa vyznačujú ohromujúcou dokonalosťou hudobnej dramaturgie. Ešte za života Monteverdiho vznikla v Benátkach nová operná škola na čele s F. Cavallim a M. Cestim. Otvorením prvého verejného divadla San Cassiano v Benátkach v roku 1637 sa umožnilo každému, kto si kúpil lístok, navštíviť operu. Postupne narastá význam veľkolepých, navonok veľkolepých momentov v javiskovej akcii na úkor dávnych ideálov jednoduchosti a prirodzenosti, ktoré inšpirovali priekopníkov operného žánru. Inscenačné techniky prechádzajú obrovským vývojom, vďaka čomu je možné na javisku zhmotniť tie najfantastickejšie dobrodružstvá hrdinov - až po stroskotanie lodí, letecké lety atď. Grandiózne, farebné scenérie vytvárajúce ilúziu perspektívy (javisko v talianskych divadlách bolo oválne), preniesol diváka do rozprávkových palácov a k moru, do tajomných žalárov a čarovných záhrad.

Zároveň sa v hudbe opier stále viac kládol dôraz na sólový vokálny princíp, ktorý podriaďoval ostatné prvky expresivity; to následne nevyhnutne viedlo k fascinácii sebestačnej vokálnej virtuozity a poklesu napätia dramatickej akcie, ktorá sa často stávala len zámienkou na demonštráciu fenomenálnych vokálnych schopností sólových spevákov. V súlade so zvykom vystupovali kastráti ako sólisti v mužských aj ženských partoch. Ich vystúpenie spájalo silu a brilantnosť mužských hlasov s ľahkosťou a pohyblivosťou ženských. Takéto používanie vysokých hlasov v častiach odvážneho a hrdinského charakteru bolo v tom čase tradičné a nebolo vnímané ako neprirodzené; je rozšírená nielen v pápežskom Ríme, kde mali ženy oficiálne zakázané účinkovať v opere, ale aj v iných mestách Talianska.

Od druhej polovice 17. stor. vedúcu úlohu v dejinách taliančiny hudobné divadlo prechádza do neapolskej opery. Princípy opernej dramaturgie vyvinuté neapolskými skladateľmi sa stávajú univerzálnymi a neapolská opera sa stotožňuje s národným typom talianskej opernej série. Obrovskú úlohu pri rozvoji neapolskej opernej školy zohrali konzervatóriá, ktoré z detských domovov vyrástli na špeciálne hudobno-vzdelávacie inštitúcie. Špeciálnu pozornosť venovali tréningom so spevákmi, ktoré zahŕňali tréningy vo vzduchu, na vode, na hlučných preplnených miestach a kde ozvena akoby ovládala speváka. Dlhý rad brilantných virtuóznych vokalistov – absolventov konzervatórií – šíril slávu talianskej hudby a „krásneho spevu“ (bel canto) po celom svete. Pre neapolskú operu predstavovali konzervatóriá stálu rezervu odborného personálu a boli kľúčom k jej tvorivej obnove. Medzi mnohými talianskymi operných skladateľov Najvýraznejším fenoménom barokovej éry bolo dielo Claudia Monteverdiho. Jeho neskoršie diela stanovili základné princípy opernej dramaturgie a rôznych foriem operného sólového spevu, na ktoré nadviazala väčšina talianskych skladateľov 17. storočia.

Skutočným a jediným tvorcom národnej anglickej opery bol Henry Purcell. Napísal veľké množstvo divadelných diel, medzi ktorými je jediná opera „Dido a Aeneas“. „Dido a Aeneas“ je takmer jediná anglická opera bez hovorených vložiek a dialógov, v ktorej dramatická akcia nastaviť hudbu od začiatku do konca. Všetky ostatné Purcellove hudobné a divadelné diela obsahujú hovorený dialóg (v našej dobe sa takéto diela nazývajú „muzikály“).

"Opera je jej nádherným prostredím - krajinou premien; v mihnutí oka sa ľudia stávajú bohmi a bohovia sa stávajú ľuďmi. Cestovateľ tam nemusí cestovať po krajinách, pretože samotné krajiny cestujú pred ním. Nudíte sa? strašná púšť vás okamžite prenesie do záhrad Idyly, ďalšia vás privedie z pekla do príbytku bohov: ďalšia - a vy sa ocitnete v tábore víl ako víly našich rozprávok, ale ich umenie je prirodzenejšie...“ (Dufresny).

„Opera je predstavenie rovnako zvláštne ako veľkolepé, kde sú oči a uši spokojnejšie ako myseľ, kde podriadenie sa hudbe spôsobuje smiešne absurdity, kde keď je zničené mesto, spievajú sa árie a kde sa tancuje; možno vidieť paláce Pluta a Slnka, ako aj bohov, démonov, čarodejníkov, príšery, čarodejníctvo, paláce postavené a zničené mihnutím oka. Takéto zvláštnosti sú tolerované a dokonca obdivované, pretože opera je krajinou víl “ (Voltaire, 1712).

Oratórium

Oratórium, vrátane toho duchovného, ​​súčasníci často vnímali ako operu bez kostýmov a kulís. Kultové oratóriá a pašie sa však predvádzali v kostoloch, kde ako výzdoba aj kostým slúžil samotný chrám aj rúcha kňazov.

Oratórium bolo predovšetkým duchovným žánrom. Samotné slovo oratórium (talianske oratórium) pochádza z neskorolatinského oratória – „modlitebňa“ a latinského ogo – „hovorím, modlím sa“. Oratórium vzniklo súčasne s operou a kantátou, ale v kostole. Jeho predchodcom bola liturgická dráma. Vývoj tejto cirkevnej akcie sa uberal dvoma smermi. Na jednej strane, čím ďalej tým populárnejšia povahovo, postupne sa zmenila na komické predstavenie. Na druhej strane túžba zachovať vážnosť modlitebnej komunikácie s Bohom po celý čas tlačila k statickému výkonu aj pri najrozvinutejšej a najdramatickejšej zápletke. To v konečnom dôsledku viedlo k vzniku oratória ako samostatného, ​​najskôr čisto chrámového a potom koncertného žánru.

Abstrakt na tému „Hudba“, 7. ročník

Počas stredoveku sa v Európe objavil nový typ hudobnej kultúry – feudálna, zjednocujúca profesionálne umenie, amatérske muzicírovanie a folklór. Keďže cirkev dominuje vo všetkých oblastiach duchovného života, základom profesionálneho hudobného umenia je pôsobenie hudobníkov v kostoloch a kláštoroch. Svetské profesionálne umenie spočiatku reprezentovali len speváci, ktorí tvorili a predvádzali epické rozprávky na dvore, v domoch šľachty, medzi bojovníkmi a pod. (bardi, skaldi a pod.). Postupom času sa vyvinuli amatérske a poloprofesionálne formy muzicírovania rytierstva: vo Francúzsku - umenie trubadúrov a trouvèrov (Adam de la Halle, XIII. storočie), v Nemecku - minnesingers (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, storočia XII-XIII), ako aj mestskí remeselníci. Vo feudálnych hradoch a mestách sa pestujú všetky druhy žánrov, žánrov a foriem piesní (epos, „úsvit“, rondo, balady atď.).

Do každodenného života prichádzajú nové hudobné nástroje, vrátane tých, ktoré prišli z východu (viola, lutna a pod.), vznikajú súbory (nestáleho zloženia). Medzi roľníkmi prekvitá folklór. Existujú aj „ľudoví profesionáli“: rozprávači, cestujúci umelci (žongléri, mímovia, miništranti, shpilmani, šašovia). Hudba plní najmä aplikované a duchovno-praktické funkcie. Kreativita sa objavuje v jednote s výkonom (zvyčajne u jednej osoby) a s vnímaním. Kolektívnosť dominuje tak v obsahu hudby, ako aj v jej forme; individuálny princíp je podriadený všeobecnému, bez toho, aby z neho vyčnieval (majster hudobník je najlepším predstaviteľom komunity). Vo všetkom vládne prísna tradícia a kanonickosť. Upevnenie, uchovávanie a šírenie tradícií a noriem (ale aj ich postupná aktualizácia) uľahčil prechod od neum, ktoré len približne naznačovali charakter melodického pohybu, k lineárnej notácii (Guido d'Arezzo, XI. storočie), ktorá umožnilo presne zaznamenať výšku tónov a následne ich trvanie.

Postupne, aj keď pomaly, sa obohacuje obsah hudby, jej žánre, formy, výrazové prostriedky. IN západnej Európe zo storočia VI-VII. Vznikal prísne regulovaný systém jednohlasnej (monodickej) cirkevnej hudby založenej na diatonických spôsoboch (gregoriánsky chorál), ktorý spájal recitáciu (psalmódia) a spev (hymny). Na prelome 1. a 2. tisícročia začala vznikať polyfónia. Formujú sa nové vokálne (zborové) a vokálno-inštrumentálne (zbor a organ) žánre: organum, moteto, vedenie, potom omša. Vo Francúzsku v 12. storočí vznikla prvá skladateľská (tvorivá) škola v katedrále Notre Dame (Leonin, Perotin). Na prelome renesancie (štýl ars nova vo Francúzsku a Taliansku, XIV. storočie) v profesionálnej hudbe monofóniu nahrádza polyfónia, hudba sa začína postupne oslobodzovať od čisto praktických funkcií (služba cirkevných obradov), význam svetských žánrov , vrátane piesní, v ňom pribúda (Guillaume de Masho). Mnoho muzikológov (vrátane Pierra Aubryho) venovalo svoje diela stredovekej hudbe v Európe.

Hudba stredoveku - vývojové obdobiehudobná kultúra, pokrývajúce časové obdobie od približne V až XIV storočia nášho letopočtu .
Počas stredoveku v Európe vzniká nový typ hudobnej kultúry - feudálny , spája profesionálne umenie, amatérske muzicírovanie a folklór Pretože cirkev dominuje vo všetkých oblastiach duchovného života, základom profesionálneho hudobného umenia je činnosť hudobníkov v chrámy a kláštory . Svetské profesionálne umenie spočiatku reprezentovali len speváci, ktorí tvorili a predvádzali epické rozprávky na dvore, v domoch šľachty, medzi bojovníkmi atď. bardi, skaldovia atď.). Postupom času sa rozvíjajú amatérske a poloprofesionálne formy hrania hudby rytierstvo: vo Francúzsku - umenie trubadúrov a trouvèrov (Adam de la Halle, XIII. storočie), v Nemecku - minnesingeri ( Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII - XIII storočia ), ako aj mestské remeselníkov Vo feudálnych hradoch a v mestách sa pestujú všetky druhy rodov,žánre a formy piesní (epos, „úsvit“, rondo, le, virele, balady, canzones, laudas atď.).
Do každodenného života prichádzajú novíhudobných nástrojov, vrátane tých, ktorí prišli z Východ (viola, lutna atď.), vznikajú súbory (nestálych skladieb). Medzi roľníkmi prekvitá folklór. Existujú aj „ľudoví profesionáli“: rozprávači príbehov , cestujúci syntetickí umelci (žongléri, mímovia, miništranti, shpilmani, šašovia ). Hudba opäť plní najmä aplikačné a duchovno-praktické funkcie. Kreativita pôsobí v jednote svýkon(zvyčajne jedna osoba).
Obsahom hudby aj formou dominuje kolektívnosť ; individuálny princíp je podriadený všeobecnému bez toho, aby z neho vyčnieval (najlepším predstaviteľom je majster hudobník komunity ). Vo všetkom vládne prísnosť tradičnosť a kanonickosť . Konsolidácia, konzervácia a distribúcia tradície a štandardy.
Postupne, aj keď pomaly, sa obsah hudby obohacuje, jehožánre, formy , vyjadrovacie prostriedky. IN Západná Európa zo 6. – 7. storočia . vzniká prísne regulovaný systém monofónne ) na základe cirkevnej hudby diatonické režimy ( Gregoriánsky chorál), ktorý kombinuje recitáciu (psalmódia) a spev (chválospevy ). Na prelome 1. a 2. tisícročia sa tzv polyfónia . Tvoria sa nové vokálne (zborové ) a vokálno-inštrumentálne (zbor a organ) žánre: organum, moteto, vedenie, potom omša. Vo Francúzsku v 12. stor vzniká prvý skladateľská (tvorivá) škola pri Katedrála Notre Dame(Leonín, Perotín). Na prelome renesancie (štýl ars nova vo Francúzsku a Taliansku, 14. storočie) v r profesionálna hudbamonofónia sa nahrádza polyfónia Hudba sa postupne začína oslobodzovať od čisto praktických funkcií (služba kostola rituály ), zvyšuje význam svetský žánre vrátane skladieb ( Guillaume de Machaut).

Oživenie.

Hudba v období XV-XVII storočia.
V stredoveku bola hudba výsadou Cirkvi, preto väčšina hudobných diel bola posvätná, vychádzala z cirkevných spevov (gregoriánsky chorál), ktoré boli súčasťou viery už od počiatkov kresťanstva. Začiatkom 17. storočia boli kultové melódie za priamej účasti pápeža Gregora I. definitívne kanonizované. Gregoriánsky chorál zazneli v podaní profesionálnych spevákov. Po rozvoji polyfónie v cirkevnej hudbe zostal gregoriánsky chorál tematickým základom viachlasných náboženských diel (omše, motetá a pod.).

Po stredoveku nasledovala renesancia, ktorá bola pre hudobníkov obdobím objavov, inovácií a bádania, obdobím renesancie všetkých vrstiev kultúrnych a vedeckých prejavov života od hudby a maliarstva až po astronómiu a matematiku.
Hoci hudba zostala prevažne náboženská, oslabenie cirkevnej kontroly nad spoločnosťou otvorilo skladateľom a interpretom väčšiu slobodu prejaviť svoj talent.
S vynálezom tlačiarenského lisu bolo možné tlačiť a distribuovať noty a od toho momentu sa začalo to, čo nazývame klasická hudba.
V tomto období sa objavili nové hudobné nástroje. Najobľúbenejšie nástroje boli tie, na ktorých mohli milovníci hudby hrať ľahko a jednoducho, bez toho, aby si vyžadovali špeciálne zručnosti.
V tom čase sa objavila viola, predchodca huslí. Vďaka pražcom (drevené pásiky cez krk) sa hralo ľahko a jeho zvuk bol tichý, jemný a dobre znel aj v malých sálach.
Obľúbené boli aj dychové nástroje – zobcová flauta, flauta a lesný roh. Najkomplexnejšia hudba bola napísaná pre novovytvorené čembalo, virginel (anglické čembalo, vyznačujúce sa malými rozmermi) a organ. Hudobníci zároveň nezabudli skladať jednoduchšiu hudbu, ktorá si nevyžadovala vysoké interpretačné schopnosti. Zároveň nastali zmeny v hudobnom písaní: ťažké drevené štočky nahradili pohyblivé kovové typy, ktoré vynašiel Talian Ottaviano Petrucci. Vydané hudobné diela sa rýchlo vypredali a do hudby sa začalo zapájať stále viac ľudí.
Koniec renesancie bol poznačený najdôležitejšou udalosťou v hudobnej histórii - zrodom opery. Skupina humanistov, hudobníkov a básnikov sa zišla vo Florencii pod patronátom ich vodcu grófa Giovanniho De Bardiho (1534 - 1612). Skupina sa volala „camerata“, jej hlavnými členmi boli Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (otec astronóma Galilea Galileiho), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri a v mladších rokoch Ottavio Rinuccini.
Prvé zdokumentované stretnutie skupiny sa uskutočnilo v roku 1573 a najaktívnejšie roky práce "Florentská Camerata "boli v rokoch 1577 - 1582. Verili, že hudba sa "zhoršila" a snažili sa vrátiť do formy a štýlu starovekého Grécka, verili, že hudobné umenie by sa mohlo zlepšiť a podľa toho sa zlepší aj spoločnosť. Camerata kritizovala existujúcu hudbu pre jeho nadmerné používanie polyfónie na úkor zrozumiteľnosti textu a stratu poetickej zložky diela a navrhli vytvoriť nový hudobný štýl, v ktorom text v monodickom štýle sprevádzala inštrumentálna hudba novej vokálno-hudobnej formy - recitatívu, ktorý prvýkrát použil Emilio de Cavalieri, čo následne priamo súviselo s rozvojom opery.
Prvý oficiálne uznanýopera , zodpovedajúca moderným štandardom, bola opera „Daphne“ (Daphne), prvýkrát uvedená v roku 1598. Autormi „Daphne“ boli Jacopo Peri a Jacopo Corsi, libreto Ottavio Rinuccini. Táto opera sa nezachovala. Prvou zachovanou operou je „Eurydice“ (1600) od tých istých autorov – Jacopo Peri a Ottavio Rinuccini. Toto tvorivé spojenie vytvorilo aj mnoho diel, z ktorých väčšina je stratená.

Hudba raného baroka (1600 – 1654)

Za konvenčný prechod medzi barokom a renesanciou možno považovať tvorbu talianskeho skladateľa Claudia Monteverdiho (1567-1643) jeho recitačného štýlu a dôsledný rozvoj talianskej opery. Už začiatok operných predstavení v Ríme a najmä v Benátkach znamenal uznanie a rozšírenie nového žánru po celej krajine. Toto všetko bolo len súčasťou väčšieho procesu, ktorý zachytil všetky umenia a obzvlášť zreteľne sa prejavil v architektúre a maľbe.
Renesanční skladatelia venovali pozornosť spracovaniu každej časti hudobného diela, prakticky nevenovali pozornosť porovnávaniu týchto častí. Samostatne by každá časť mohla znieť vynikajúco, no harmonický výsledok prídavku bol skôr vecou náhody ako pravidelnosti. Vzhľad figurálneho basu naznačoval významnú zmenu v hudobnom myslení – totiž že harmónia, ktorá je „skladaním častí do jedného celku“, bola rovnako dôležitá ako samotné melodické časti (polyfónia). Viac a viac sa polyfónia a harmónia podobali na dve strany tej istej myšlienky skladania eufónnej hudby: pri komponovaní sa harmonickým sekvenciám venovala rovnaká pozornosť ako tritónom pri vytváraní nesúladu. Harmonické myslenie existovalo aj medzi niektorými skladateľmi predchádzajúcej éry, napríklad Carlo Gesualdo, ale v barokovej ére sa stalo všeobecne akceptovaným.
Tie časti diel, kde modalitu a tonalitu nemožno jednoznačne oddeliť, označil ako zmiešanú durovú alebo zmiešanú molovú (neskôr pre tieto pojmy zaviedol termíny „monálny dur“ a „monálny moll“). Tabuľka ukazuje, ako tónová harmónia už v ranom baroku prakticky vytláča súlad predchádzajúcej doby.
Taliansko sa stáva centrom nového štýlu. Pápežstvo, hoci zachvátené bojom proti reformácii, no napriek tomu disponujúce obrovskými finančnými zdrojmi doplnenými vojenskými ťaženiami Habsburgovcov, hľadalo príležitosti na šírenie katolíckej viery rozširovaním kultúrneho vplyvu. Pompéznosťou, vznešenosťou a zložitosťou architektúry, výtvarného umenia a hudby sa katolicizmus akoby hádal s asketickým protestantizmom. Bohaté talianske republiky a kniežatstvá aktívne súťažili aj v oblasti výtvarného umenia. Jedným z významných centier hudobného umenia boli Benátky, ktoré boli v tom čase pod svetským aj cirkevným patronátom.
Významnou osobnosťou raného baroka, ktorá sa postavila na stranu katolicizmu, vystupujúceho proti silnejúcemu ideologickému, kultúrnemu a sociálnemu vplyvu protestantizmu, bol Giovanni Gabrieli. Jeho diela patria do štýlu „vrcholnej renesancie“ (rozkvet renesancie). Niektoré jeho inovácie v oblasti inštrumentácie (prideľovanie vlastných, špecifických úloh určitému nástroju) však jasne naznačujú, že patril medzi skladateľov, ktorí ovplyvnili vznik nového štýlu
Jednou z požiadaviek cirkvi na kompozíciu sakrálnej hudby bolo, aby texty v dielach s vokálmi boli čitateľné. To si vyžadovalo odklon od polyfónie k hudobným technikám, kde sa do popredia dostávali slová. Vokály sa v porovnaní so sprievodom stali komplexnejšími a pestrejšími. Takto sa vyvinula homofónia.
Monteverde Claudio(1567-1643), taliansky hudobný skladateľ. Nič ho nelákalo viac ako obnažovanie vnútorného, ​​duchovného sveta človeka v jeho dramatických kolíziách a konfliktoch s vonkajším svetom. Monteverdi je skutočným zakladateľom konfliktnej dramaturgie tragického charakteru. Je skutočným spevákom ľudských duší. Vytrvalo sa snažil o prirodzenú expresívnosť hudby. "Ľudská reč je pani harmónie a nie jej služobník."
"Orpheus" (1607) - Hudba opery je zameraná na odhalenie vnútorného sveta tragického hrdinu. Jeho part je neobyčajne mnohostranný, splýva v ňom rôzne emocionálne a výrazové prúdy a žánrové línie. Nadšene volá do svojich rodných lesov a pobrežia alebo smúti nad stratou svojej Eurydiky v neumelých ľudových piesňach.

Hudba zrelého baroka (1654-1707)

Obdobie centralizácie najvyššej moci v Európe sa často nazýva absolutizmus. Absolutizmus dosiahol svoj vrchol za francúzskeho kráľa Ľudovíta XIV. Pre celú Európu bol Louisov dvor vzorom. Vrátane hudby hranej na súde. Zvýšená dostupnosť hudobných nástrojov (najmä klávesových nástrojov) dala impulz rozvoju komornej hudby.
Zrelý barok sa od raného baroka líši rozšíreným šírením nového štýlu a zvýšenou separáciou hudobných foriem, najmä v opere. Rovnako ako v literatúre, možnosť streamovať hudobné diela viedla k rozšírenému publiku; zintenzívnila sa výmena medzi centrami hudobnej kultúry.
Vynikajúcim predstaviteľom dvorných skladateľov dvora Ľudovíta XIV Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Už ako 21-ročný získal titul „dvorný skladateľ inštrumentálnej hudby“. Lullyho tvorivá práca bola od začiatku úzko spätá s divadlom. Po organizácii dvornej komornej hudby a kompozícii „airs de cour“ začal písať baletnú hudbu. Sám Ľudovít XIV tancoval v baletoch, ktoré boli vtedy obľúbenou zábavou dvornej šľachty. Lully bola vynikajúca tanečnica. Mal možnosť zúčastniť sa inscenácií, tancovať s kráľom. Je známy spoluprácou s Molierom, ku ktorého hrám napísal hudbu. Ale hlavnou vecou v Lullyho práci bolo stále písanie opier. Lully vytvoril prekvapivo ucelený typ francúzskej opery; takzvaná lyrická tragédia vo Francúzsku (francúzsky tragedie lyrique) a nepochybnú tvorivú zrelosť dosiahol hneď v prvých rokoch svojho pôsobenia v opere. Lully často využíval kontrast medzi majestátnym zvukom orchestrálnej sekcie a jednoduchými recitatívmi a áriami. Lullyho hudobný jazyk nie je príliš zložitý, ale, samozrejme, nový: jasnosť harmónie, rytmická energia, jasnosť rozdelenia formy, čistota textúry hovoria o víťazstve princípov homofónneho myslenia. K úspechu mu do značnej miery prispela aj schopnosť vyberať hudobníkov do orchestra a práca s nimi (sám dirigoval skúšky). Neodmysliteľnou súčasťou jeho tvorby bola pozornosť venovaná harmónii a sólovému nástroju.
V Anglicku bol zrelý barok poznačený brilantným géniom Henryho Purcella (1659-1695). Zomrel mladý, vo veku 36 rokov, keď napísal veľké množstvo diel a stal sa známym už počas svojho života. Purcell poznal dielo Corelliho a iných talianskych barokových skladateľov. Jeho patrónmi a zákazníkmi však boli ľudia iného druhu ako talianska a francúzska svetská a cirkevná šľachta, preto sa Purcellove spisy veľmi líšia od talianskej školy. Purcell pracoval v širokej škále žánrov; od jednoduchých náboženských chválospevov po pochodovú hudbu, od veľkoformátových vokálnych diel až po scénickú hudbu. Jeho katalóg obsahuje viac ako 800 diel. Purcell sa stal jedným z prvých skladateľov klávesovej hudby, ktorého vplyv siaha až do modernej doby.
Na rozdiel od vyššie uvedených skladateľov, Dietrich Buxtehude (1637-1707) nebol dvorným skladateľom. Buxtehude pôsobil ako organista najprv v Helsingborgu (1657-1658), potom v Elsinore (1660-1668) a potom, počnúc rokom 1668, v kostole sv. Márie v Lubecku. Privyrábal si nie vydávaním svojich diel, ale ich uvádzaním a pred šľachtickým mecenášom uprednostňoval komponovanie hudby na cirkevné texty a predvádzanie vlastných organových diel. Bohužiaľ, nie všetky diela tohto skladateľa sa zachovali. Buxtehudeova hudba je do značnej miery postavená na škále jeho myšlienok, bohatosti a voľnosti imaginácie, sklonu k pátosu, dramatickosti a trochu oratorickej intonácii. Jeho tvorba mala silný vplyv na skladateľov ako J. S. Bach a Telemann.

Hudba neskorého baroka (1707-1760)

Presná hranica medzi zrelým a neskorým barokom je predmetom diskusie; leží niekde medzi rokmi 1680 a 1720. Zložitosť jeho definície je do značnej miery spôsobená tým, že v rôznych krajinách sa štýly menili asynchrónne; inovácie, ktoré už boli na jednom mieste spravidla prijaté, boli na inom mieste novými objavmi
Formy objavené predchádzajúcim obdobím dosiahli zrelosť a veľkú variabilitu; koncert, suita, sonáta, concerto grosso, oratórium, opera a balet už nemali jasne definované národné charakteristiky. Všade sú zavedené všeobecne uznávané vzory diel: opakovaná dvojdielna forma (AABB), jednoduchá trojdielna forma (ABC) a rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Taliansky skladateľ, narodený v Benátkach. V roku 1703 bol vysvätený za katolíckeho kňaza. Práve k týmto, v tom čase ešte rozvíjajúcim sa inštrumentálnym žánrom (baroková sonáta a barokový koncert) Vivaldi najviac prispel. Vivaldi zložil viac ako 500 koncertov. Niektorým svojim dielam dal aj programové názvy, napríklad slávne „Ročné obdobia“.
Domenico Scarlatti (1685-1757) bol jedným z popredných klávesových skladateľov a interpretov svojej doby. Ale azda najznámejším dvorným skladateľom bol George Frideric Händel (1685-1759). Narodil sa v Nemecku, tri roky študoval v Taliansku, no v roku 1711 odišiel z Londýna, kde začal svoju brilantnú a obchodnú kariéru. úspešnú kariéru nezávislý operný skladateľ vykonávajúci objednávky pre šľachtu. Handel, ktorý mal neúnavnú energiu, prerábal materiál iných skladateľov a neustále prerábal svoje vlastné skladby. Napríklad je známy tým, že toľkokrát prepracoval slávne oratórium „Mesiáš“, že teraz neexistuje verzia, ktorú by bolo možné nazvať „autentickou“.
Po jeho smrti bol uznávaný ako popredný európsky skladateľ a študovali ho hudobníci klasickej éry. Händel vo svojej hudbe miešal bohaté tradície improvizácie a kontrapunktu. Umenie hudobnej dekorácie dosiahlo v jeho dielach veľmi vysoký stupeň rozvoja. Cestoval po Európe, aby študoval hudbu iných skladateľov, a preto mal veľmi široký okruh známych aj medzi skladateľmi iných štýlov.
Johann Sebastian Bach narodil sa 21. marca 1685 v Eisenachu v Nemecku. Počas svojho života skomponoval viac ako 1000 diel rôznych žánrov, okrem opery. Ale počas svojho života nedosiahol žiadny výrazný úspech. Bach sa mnohokrát sťahoval a vystriedal jednu nie príliš vysokú funkciu za druhou: vo Weimare bol dvorným hudobníkom weimarského vojvodu Johanna Ernsta, potom sa stal správcom organu v Kostole sv. Bonifáca v Arnstadte, o niekoľko rokov neskôr prijal miesto organistu v Kostole sv. Blasia v Mühlhausene, kde pôsobil len asi rok, po ktorom sa vrátil do Weimaru, kde nastúpil na miesto dvorného organistu a organizátora koncertov. V tejto funkcii zotrval deväť rokov. V roku 1717 Leopold, vojvoda z Anhalt-Köthenu, najal Bacha ako kapelníka a Bach začal žiť a pracovať v Köthene. V roku 1723 sa Bach presťahoval do Lipska, kde zostal až do svojej smrti v roku 1750. V posledných rokoch jeho života a po Bachovej smrti začala jeho sláva ako skladateľa upadať: jeho štýl bol v porovnaní s rozmáhajúcim sa klasicizmom považovaný za staromódny. Známejší a pamätnejší bol ako interpret, učiteľ a otec mladšieho Bachsa, najmä Carl Philipp Emmanuel, ktorého hudba bola slávnejšia.
Až uvedenie Matúšových pašií od Mendelssohna, 79 rokov po smrti J. S. Bacha, oživilo záujem o jeho tvorbu. Teraz je J. S. Bach jedným z najpopulárnejších skladateľov
klasicizmus
Klasicizmus - štýl a smer v umení XVII - začiatkom XIX storočia
Toto slovo pochádza z latinského classicus – príkladný. Klasicizmus vychádzal z viery v racionalitu existencie, v to, že ľudská prirodzenosť je harmonická. Klasici videli svoj ideál v starovekom umení, ktoré považovali za najvyššiu formu dokonalosti.
V osemnástom storočí sa začala nová etapa vo vývoji spoločenského vedomia – vek osvietenstva. Starý spoločenský poriadok sa ničí; myšlienky rešpektovania ľudskej dôstojnosti, slobody a šťastia nadobúdajú prvoradý význam; jedinec získava nezávislosť a zrelosť, využíva svoju myseľ a kritické myslenie. Ideály barokovej éry s jej pompéznosťou, pompéznosťou a slávnosťou nahrádza nový životný štýl založený na prirodzenosti a jednoduchosti. Prichádza čas idealistických názorov Jeana-Jacquesa Rousseaua, volajúceho po návrate k prírode, k prirodzeným cnostiam a slobode. Antika je spolu s prírodou idealizovaná, pretože sa verilo, že práve počas antiky sa ľuďom podarilo realizovať všetky ľudské túžby. Staroveké umenie sa nazýva klasické, je uznávané ako príkladné, najpravdivejšie, najdokonalejšie, harmonické a na rozdiel od umenia barokovej éry je považované za jednoduché a zrozumiteľné. Ťažiskom spolu s ďalšími dôležitými aspektmi je vzdelanie, postavenie prostého ľudu v spoločenskom poriadku, genialita ako vlastnosť človeka.

Rozum vládne aj v umení. Francúzsky filozof osvietenstva Denis Diderot, ktorý chcel zdôrazniť vysoký účel umenia, jeho spoločenskú a občiansku úlohu, napísal: „Každé sochárske alebo maliarske dielo by malo vyjadrovať nejaké veľké pravidlo života, malo by učiť.“

Divadlo bolo zároveň učebnicou života a života samého. Okrem toho je v divadle akcia veľmi usporiadaná a odmeraná; je rozdelená na dejstvá a scény, ktoré sa zase členia na jednotlivé repliky postáv, čím vzniká ideál umenia tak drahý 18. storočiu, kde je všetko na svojom mieste a podlieha logickým zákonitostiam.
Hudba klasicizmu je mimoriadne divadelná, akoby kopírovala divadelné umenie, napodobňovala ho.
Rozdelenie klasickej sonáty a symfónie na veľké časti – časti, z ktorých každý je veľa hudobných „udalostí“ – je podobné rozdeleniu hry na akcie a scény.
V hudbe klasického veku je často implikovaná zápletka, určitá akcia, ktorá sa odohráva pred poslucháčmi rovnako, ako sa divadelná akcia odohráva pred publikom.
Poslucháč musí zapojiť svoju fantáziu a spoznať postavy v „hudobných šatách“ klasická komédia alebo tragédia.
Divadelné umenie tiež pomáha vysvetliť veľké zmeny v interpretácii hudby, ku ktorým došlo v 18. storočí. Predtým bol hlavným miestom, kde znela hudba, chrám: v ňom bol človek dole, v obrovskom priestore, kde mu hudba akoby pomáhala vzhliadnuť a venovať svoje myšlienky Bohu. Teraz, v 18. storočí, znie hudba v šľachtickom salóne, v tanečnej sále šľachtického panstva alebo na námestí. Zdá sa, že poslucháč Age of Enlightenment berie hudbu krstným menom a už nezažíva tú rozkoš a nesmelosť, ktorú v ňom vyvolala, keď znela v kostole.
Hudba už nemá mocný, slávnostný zvuk organu a zmenšila sa úloha zboru. Hudba klasického štýlu znie ľahko, má oveľa menej zvukov, akoby „vážila menej“ ako ťažká, viacvrstvová hudba minulosti. Zvuk organu a zboru vystriedal zvuk symfonického orchestra; vznešené árie ustúpili ľahkej, rytmickej a tanečnej hudbe.
Vďaka bezhraničnej viere v schopnosti ľudskej mysle a silu poznania sa 18. storočie začalo nazývať vekom rozumu alebo vekom osvietenstva.
Rozkvet klasicizmu začal v 80. rokoch osemnásteho storočia. V roku 1781 vytvoril J. Haydn niekoľko novátorských diel, vrátane svojho Sláčikového kvarteta op. 33; Koná sa premiéra opery V.A. Mozartov „Únos zo seraglia“; Vychádzajú drámy F. Schillera „Zbojníci“ a „Kritika“. čistý rozum» I. Kant.

Najjasnejšími predstaviteľmi klasického obdobia sú skladatelia viedenskej klasickej školy Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart a Ludwig van Beethoven. Ich umenie obdivuje dokonalosť kompozičnej techniky, humanistickú orientáciu kreativity a túžbu, viditeľnú najmä v hudbe W. A. ​​​​Mozarta, ukázať dokonalú krásu prostredníctvom hudby.

Samotný koncept viedenskej klasickej školy vznikol krátko po smrti L. Beethovena. Klasické umenie sa vyznačuje jemnou rovnováhou medzi citmi a rozumom, formou a obsahom. Hudba renesancie odrážala ducha a dych svojej doby; v období baroka bol predmetom zobrazovania hudby stav človeka; hudba klasickej éry oslavuje činy a činy človeka, emócie a pocity, ktoré prežíva, pozornú a celistvú ľudskú myseľ.

Ludwig Van Beethoven (1770 – 1827)
Nemecký skladateľ je často považovaný za najväčšieho skladateľa všetkých čias.
Jeho tvorba sa zaraďuje do klasicizmu aj romantizmu.
Na rozdiel od svojho predchodcu Mozarta mal Beethoven ťažkosti s komponovaním. Beethovenove zápisníky ukazujú, ako postupne, krok za krokom, z neistých náčrtov vzniká grandiózna kompozícia, poznačená presvedčivou logikou konštrukcie a vzácnou krásou. Práve logika je hlavným zdrojom Beethovenovej veľkosti, jeho neporovnateľnej schopnosti usporiadať kontrastné prvky do jednoliateho celku. Beethoven maže tradičné cézúry medzi úsekmi formy, vyhýba sa symetrii, zlučuje časti cyklu a rozvíja rozšírené konštrukcie z tematických a rytmických motívov, ktoré na prvý pohľad neobsahujú nič zaujímavé. Inými slovami, Beethoven vytvára hudobný priestor silou svojej mysle, vlastnej vôle. Predvídal a vytvoril tie umelecké smery, ktoré sa stali určujúcimi pre hudobné umenie 19. storočia.

Romantizmus.
pokrýva zhruba roky 1800-1910
Romantickí skladatelia sa snažili pomocou hudobných prostriedkov vyjadriť hĺbku a bohatstvo vnútorného sveta človeka. Hudba sa stáva výraznejšou a individuálnejšou. Vyvíjajú sa piesňové žánre vrátane balád.
Hlavnými predstaviteľmi romantizmu v hudbe sú: Rakúsko - Franz Schubert ; v Nemecku - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr; V
atď.............

Odoslanie vašej dobrej práce do databázy znalostí je jednoduché. Použite nižšie uvedený formulár

Študenti, postgraduálni študenti, mladí vedci, ktorí pri štúdiu a práci využívajú vedomostnú základňu, vám budú veľmi vďační.

Uverejnené dňa http://www.allbest.ru/

Petrozavodské štátne konzervatórium (Akadémia) pomenované po. A.K. Glazunov

Abstraktné

Na tému: „Hudba stredoveku“

Vyplnila: študentka Ilyina Yulia

Učiteľ: A.I. Tokunov

Úvod

Hudba stredoveku je obdobím rozvoja hudobnej kultúry, ktoré zahŕňa časové obdobie približne od 5. do 14. storočia nášho letopočtu.

Stredovek – veľká éra ľudskú históriu, doba dominancie feudálneho systému.

Periodizácia kultúry:

Včasný stredovek - V - X storočia.

Zrelý stredovek - XI - XIV storočia.

V roku 395 sa Rímska ríša rozdelila na dve časti: Západnú a Východnú. V západnej časti, na troskách Ríma, boli v 5.-9.storočí barbarské štáty: Ostrogóti, Vizigóti, Frankovia atď.V 9.storočí v dôsledku rozpadu ríše Karola Veľkého vznikli tri štáty tu vznikli: Francúzsko, Nemecko, Taliansko. Hlavným mestom východnej časti bol Konštantínopol, založený cisárom Konštantínom na mieste gréckej kolónie Byzancia – odtiaľ názov štátu.

V stredoveku sa v Európe objavil nový typ hudobnej kultúry - feudálna, spájajúca profesionálne umenie, amatérske muzicírovanie a folklór. Keďže cirkev dominuje vo všetkých oblastiach duchovného života, základom profesionálneho hudobného umenia je pôsobenie hudobníkov v kostoloch a kláštoroch. Svetské profesionálne umenie spočiatku reprezentovali len speváci, ktorí tvorili a predvádzali epické rozprávky na dvore, v domoch šľachty, medzi bojovníkmi a pod. (bardi, skaldi a pod.). Postupom času sa vyvinuli amatérske a poloprofesionálne formy muzicírovania rytierstva: vo Francúzsku - umenie trubadúrov a trouvèrov (Adam de la Halle, XIII. storočie), v Nemecku - minnesingers (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII-XIII storočia) a tiež mestskí remeselníci. Vo feudálnych hradoch a mestách sa pestujú všetky druhy piesní, žánrov a foriem piesní (epické, „úsvit“, rondo, le, virele, balady, canzones, laudas atď.).

Do každodenného života prichádzajú nové hudobné nástroje, vrátane tých, ktoré prišli z východu (viola, lutna a pod.), vznikajú súbory (nestáleho zloženia). Medzi roľníkmi prekvitá folklór. Existujú aj „ľudoví profesionáli“: rozprávači, cestujúci syntetickí umelci (žongléri, mímovia, miništranti, shpilmani, šašovia). Hudba opäť plní najmä aplikačné a duchovno-praktické funkcie. Kreativita sa objavuje v jednote s výkonom (zvyčajne v jednej osobe).

Postupne, aj keď pomaly, sa obohacuje obsah hudby, jej žánre, formy, výrazové prostriedky. V západnej Európe od 6.-7. stor. Vznikal prísne regulovaný systém jednohlasnej (monodickej) cirkevnej hudby založenej na diatonických spôsoboch (gregoriánsky chorál), ktorý spájal recitáciu (psalmódia) a spev (hymny). Na prelome 1. a 2. tisícročia začala vznikať polyfónia. Formujú sa nové vokálne (zborové) a vokálno-inštrumentálne (zbor a organ) žánre: organum, moteto, vedenie, potom omša. Vo Francúzsku v 12. storočí vznikla prvá skladateľská (tvorivá) škola v katedrále Notre Dame (Leonin, Perotin). Na prelome renesancie (štýl ars nova vo Francúzsku a Taliansku, XIV. storočie) v profesionálnej hudbe monofóniu nahrádza polyfónia, hudba sa začína postupne oslobodzovať od čisto praktických funkcií (služba cirkevných obradov), význam svetských žánrov , vrátane piesní, v ňom pribúda (Guillaume de Masho).

Hmotným základom stredoveku boli feudálne vzťahy. Stredoveká kultúra formované v podmienkach vidieckeho panstva. Následne sa sociálnym základom kultúry stáva mestské prostredie – meštianstvo. So vznikom štátov sa formujú hlavné triedy: duchovenstvo, šľachta a ľud.

Umenie stredoveku je úzko späté s cirkvou. Kresťanská náuka je základom filozofie, etiky, estetiky a celého duchovného života tejto doby. Umenie naplnené náboženskou symbolikou smeruje od pozemského, prechodného – k duchovnému, večnému.

Spolu s oficiálnou cirkevnou kultúrou (vysoká) existovala svetská kultúra (nižšia) – folklórna (nižšie spoločenské vrstvy) a rytierska (dvorská).

Hlavnými centrami profesionálnej hudby raného stredoveku boli katedrály, k nim pridružené spevácke školy a kláštory – jediné strediská vtedajšieho vzdelania. Študovali gréčtinu a latinčinu, aritmetiku a hudbu.

Hlavným centrom cirkevnej hudby v západnej Európe bol počas stredoveku Rím. Koncom 6. - začiatkom 7. stor. Formuje sa hlavný typ západoeurópskej cirkevnej hudby – gregoriánsky chorál, pomenovaný po pápežovi Gregorovi I., ktorý uskutočnil reformu cirkevného spevu, spojil a zorganizoval rôzne cirkevné spevy. Gregoriánsky chorál je jednohlasný katolícky chorál, ktorý spája stáročné spevácke tradície rôznych národov Stredného východu a Európy (Sýrčania, Židia, Gréci, Rimania atď.). Bolo to plynulé monofónne odvíjanie jedinej melódie, ktorá mala zosobniť jedinú vôľu, smerovanie pozornosti farníkov v súlade s princípmi katolicizmu. Charakter hudby je prísny, neosobný. Chorál hral spevácky zbor (odtiaľ názov), niektoré úseky sólista. Prevláda progresívny pohyb založený na diatonických módoch. Gregoriánsky chorál umožňoval mnoho gradácií, počnúc výrazne pomalou zborovou psalmódiou a končiac jašeniami (melizmatický spev slabiky), vyžadujúci si pre svoj prejav virtuóznu vokálnu zručnosť.

Gregoriánsky chorál vzďaľuje poslucháča od reality, vyvoláva pokoru, vedie ku kontemplácii a mystickej odpútanosti. Tento vplyv uľahčuje aj text v latinčine, ktorý je pre väčšinu farníkov nezrozumiteľný. Rytmus spevu určoval text. Je neurčitý, neurčitý, určený charakterom prízvukov v prednese textu.

Rôznorodé typy gregoriánskeho chorálu sa spojili v hlavnej službe Katolíckej cirkvi – omši, v ktorej bolo ustanovených päť stabilných častí:

Kyrie eleison (Pane zmiluj sa)

Gloria (sláva)

Credo (verím)

Sanctus (svätý)

Agnus Dei (baránok Boží).

Postupom času do gregoriánskeho chorálu začínajú prenikať prvky ľudovej hudby prostredníctvom hymnov, sekvencií a trópov. Ak psalmódie prednášal profesionálny spevácky zbor a duchovenstvo, potom hymny spočiatku predvádzali farníci. Boli vložkami do oficiálnych bohoslužieb (mali črty ľudovej hudby). Čoskoro však hymnické časti omše začali vytláčať časti psalmodické, čo viedlo k vzniku viachlasnej omše.

Prvé sekvencie boli podtextom k melódii výročia, aby jeden zvuk melódie mal samostatnú slabiku. Sekvencia sa stáva rozšíreným žánrom (najpopulárnejšie sú „Veni, sancte spiritus“, „Dies irae“, „Stabat mater“). „Dies irae“ používali Berlioz, Liszt, Čajkovskij, Rachmaninov (veľmi často ako symbol smrti).

Prvé príklady polyfónie pochádzajú z kláštorov – organum (pohyb v paralelných kvintách alebo kvartách), gimel, faubourdon (paralelné sextakordy), vedenie. Skladatelia: Leonin a Perotin (12-13 storočia - Katedrála Notre Dame).

Nositeľmi svetskej ľudovej hudby v stredoveku boli mímovia, žongléri, miništranti vo Francúzsku, spilmani v krajinách nemeckej kultúry, hoglari v Španielsku, šašovia v Rusku. Títo cestujúci umelci boli univerzálni majstri: spájali spev, tanec, hru na rôzne nástroje s mágiou, cirkusovým umením, bábkovým divadlom.

Druhá strana sekulárnej kultúry existovala rytierska (dvorská) kultúra (kultúra svetských feudálov). Takmer všetci vznešení ľudia boli rytiermi – od chudobných bojovníkov až po kráľov. Vytváral sa špeciálny rytiersky kódex, podľa ktorého musel mať rytier popri odvahe a udatnosti vycibrené spôsoby, byť vzdelaný, veľkorysý, veľkorysý a verne slúžiť Krásnej Pani. Všetky aspekty rytierskeho života sa odzrkadlili v hudobnom a poetickom umení trubadúrov (Provence - južné Francúzsko), trouvères (severné Francúzsko) a minnesingerov (Nemecko). Umenie trubadúrov sa spája predovšetkým s ľúbostnými textami. Najpopulárnejším žánrom milostných textov bola canzona (medzi Minnesingermi - albumy „Ranné piesne“).

Trouvères, využívajúc vo veľkej miere skúsenosti trubadúrov, vytvorili svoje vlastné originálne žánre: „tkáčske piesne“, „Májové piesne“. Dôležitou oblasťou hudobných žánrov trubadúrov, trouvérov a minnesingerov boli piesňové a tanečné žánre: rondo, balada, virele (refrénové formy), ako aj hrdinský epos (Francúzsky epos"Rolandova pieseň", nemčina - "Pieseň o Nibelungoch"). Piesne križiakov boli medzi Minnesingermi bežné.

Charakteristické črty umenia trubadúrov, trouvérov a minnesingerov:

Monofónia je dôsledkom nerozlučného spojenia melódie s básnickým textom, čo vyplýva zo samotnej podstaty hudobného a básnického umenia. Monofónii zodpovedalo aj zameranie na individualizované vyjadrenie vlastných zážitkov, na osobné posúdenie obsahu výpovede (často bolo vyjadrenie osobných zážitkov rámované zobrazovaním obrazov prírody).

Väčšinou vokálny výkon. Úloha nástrojov nebola podstatná: zredukovala sa na prevedenie úvodov, medzihier a postlúdií rámujúcich vokálnu melódiu.

O rytierskom umení ešte nemožno hovoriť ako o profesionálnom, ale po prvý raz v podmienkach svetského muzicírovania vznikol mohutný hudobný a poetický smer s rozvinutým komplexom. výrazové prostriedky a relatívne dokonalé hudobné písanie.

Jeden z dôležité úspechy Zrelý stredovek, počnúc X-XI storočiami, zaznamenal rozvoj miest (meštianska kultúra). Hlavnými črtami mestskej kultúry bola proticirkevná, slobodomilná orientácia, spojenie s folklórom, jeho smiech a karnevalový charakter. Rozvinul sa gotický architektonický štýl. Formujú sa nové polyfónne žánre: od 13. – 14. do 16. storočia. - moteto (z francúzštiny - „slovo“. Pre moteto je typická melodická nepodobnosť hlasov intonujúcich súčasne rôzne texty- často aj v rôznych jazykoch), madrigal (z taliančiny - „pieseň v rodnom jazyku“, t. j. taliančina. Texty sú ľúbostno-lyrické, pastierske), caccia (z taliančiny - „lov“ - vokálna skladba založená na texte , zobrazujúci lov).

Cestujúci ľudoví hudobníci prechádzajú z kočovného životného štýlu k usadlému, osídľujú celé mestské bloky a vytvárajú jedinečné „hudobnícke cechy“. Od 12. storočia sa k ľudovým hudbám pripojili vaganti a goliardi - deklasovaní ľudia z rôznych vrstiev (školáci, mnísi na úteku, potulní duchovní). Na rozdiel od negramotných žonglérov – typických predstaviteľov umenia ústneho podania – boli vaganti a goliardi gramotní: poznali latinčinu a pravidlá klasického veršovania, skladali hudbu – piesne (rozsah obrazov sa spája so školskou vedou a študentským životom), aj zložité kompozície ako sú vedenia a motetá .

Vysoké školy sa stali významným centrom hudobnej kultúry. Hudba, presnejšie hudobná akustika bola spolu s astronómiou, matematikou, fyzikou zaradená do kvadria, t.j. cyklus štyroch odborov študovaných na vysokých školách.

V stredovekom meste tak existovali centrá hudobnej kultúry rôzneho charakteru a sociálneho zamerania: združenia ľudových hudobníkov, dvorná hudba, hudba kláštorov a katedrál, univerzitná hudobná prax.

Hudobná teória stredoveku úzko súvisela s teológiou. V niekoľkých hudobno-teoretických pojednaniach, ktoré sa k nám dostali, bola hudba považovaná za „služobnicu cirkvi“. Spomedzi významných traktátov raného stredoveku vyniká 6 kníh „O hudbe“ od Augustína, 5 kníh od Boethia „O založení hudby“ atď doktrína kozmickej úlohy hudby a pod.

Stredoveký režimový systém vyvinuli predstavitelia cirkevného profesionálneho hudobného umenia – preto bol stredovekým režimom priradený názov „cirkevné režimy“. Iónsky a Liparský mód sa ustálili ako hlavné módy.

Hudobná teória stredoveku predložila doktrínu hexachordov. V každom režime bolo v praxi použitých 6 krokov (napríklad: do, re, mi, fa, sol, la). Si sa potom vyhýbal, pretože spolu s F tvorili posun k predĺženej kvarte, ktorá bola považovaná za veľmi disonantnú a bola obrazne nazývaná „diabol v hudbe“.

Nevzájomné nahrávanie bolo široko používané. Guido Aretinsky zlepšil systém hudobnej notácie. Podstata jeho reformy bola nasledovná: prítomnosť štyroch čiar, tretí pomer medzi jednotlivými čiarami, kľúčový znak(pôvodne abecedne) alebo sfarbenie čiar. Zaviedol aj slabičné zápisy pre prvých šesť stupňov modu: ut, re, mi, fa, sol, la.

Zaviedla sa menzúrová notácia, kde každej note bola priradená určitá rytmická miera (lat. mensura - miera, miera). Názov trvania: maxima, longa, brevis atď.

14. storočie je prechodným obdobím medzi stredovekom a renesanciou. Umenie Francúzska a Talianska 14. storočia sa nazývalo „Ars nova“ (z latinčiny - nové umenie) av Taliansku malo všetky vlastnosti ranej renesancie. Hlavné znaky: odmietnutie používať výlučne žánre cirkevnej hudby a priklonenie sa k svetským vokálno-inštrumentálnym komorným žánrom (balada, caccia, madrigal), zbližovanie s každodennou piesňou a používanie rôznych hudobných nástrojov. Ars nova je opakom tzv. ars antiqua (lat. ars antiqua - staré umenie), čo znamená hudobné umenie pred začiatkom 14. storočia. Najväčšími predstaviteľmi ars nova boli Guillaume de Machaut (14. storočie, Francúzsko) a Francesco Landino (14. storočie, Taliansko).

Hudobná kultúra stredoveku teda napriek relatívnej obmedzenosti finančných prostriedkov predstavuje v porovnaní s hudbou antického sveta vyššiu úroveň a obsahuje predpoklady pre veľkolepý rozkvet hudobného umenia v období renesancie.

hudba stredoveku gregoriánsky trubadúr

1. Základy

Trubadúri(francúzski trubadúri, z Ox. trobar - skladať poéziu) alebo, ako sa im často hovorí, miništranti - to sú básnici a speváci stredoveku, ktorých tvorba pokrýva obdobie od jedenásteho do trinásteho storočia a začína sa jeho rozkvet v dvanástom a končí na začiatku trinásteho storočia. Umenie trubadúrov vzniklo v južnej časti Francúzska, jeho hlavným centrom bola oblasť Provence. Trubadúri skladali svoje básne v dialekte Oc, románskom jazyku, ktorý bol rozšírený vo Francúzsku južne od Loiry, ako aj v regiónoch Talianska a Španielska susediacich s Francúzskom. Trubadúri boli aktívnymi účastníkmi spoločenského, náboženského a politického života spoločnosti. Boli prenasledovaní za kritiku cirkvi. Albigénska križiacka výprava v rokoch 1209-1229 ukončila ich umenie. Umenie trubadúrov súviselo s kreativitou trouvèrov. Lyrické diela trouvèrov, ktoré sa objavili v južných oblastiach Francúzska za rovnakých historických podmienok ako hudba trubadúrov, s ňou mali veľa spoločného. Okrem toho boli truvére pod priamym a veľmi silným vplyvom poézie trubadúrov, čo bolo spôsobené intenzívnou literárnou výmenou.

Minnesingerov- nemeckí lyrickí básnici a speváci, ktorí spievali rytiersku lásku, lásku k Panej, službu Bohu a pánovi, križiacke výpravy. Texty Minnesingerovcov sa zachovali dodnes, napríklad v Heidelberskom rukopise. Slovo „Minnezang“ sa používa v niekoľkých významoch. V širšom zmysle pojem minnesang spája viacero žánrov: svetskú rytiersku lyriku, ľúbostnú (v latinčine a nemčine) poéziu tulákov a spielmanov, ako aj neskoršiu „dvorskú (dvorskú) dedinskú poéziu“ (nem. höfische Dorfpoesie). V užšom zmysle sa minnesang chápe ako veľmi špecifický štýl nemeckej rytierskej lyriky – dvornej literatúry, ktorá vznikla pod vplyvom trubadúrov z Provensálska, Francúzska a Flámska.

Ľudová hudba(alebo folklór, anglický folklór) - hudobná a poetická tvorivosť ľudu. ona - integrálnou súčasťou folklóru a zároveň sa zaraďuje do historického procesu formovania a rozvoja kultovej i svetskej, profesionálnej i masovej hudobnej kultúry. Na konferencii Medzinárodnej rady ľudovej hudby (začiatok 50. rokov 20. storočia) bola ľudová hudba definovaná ako produkt hudobnej tradície, ktorý sa v procese ústneho prenosu formuje tromi faktormi – kontinuitou (kontinuitou), variáciou (variabilitou) a selektivitou (výberom). prostredia). Od rozvoja písaných hudobných tradícií dochádza k neustálemu vzájomnému ovplyvňovaniu kultúr. Ľudová hudba teda existuje na určitom území a v špecifickom historický čas, teda ohraničený priestorom a časom, čo vytvára systém hudobných folklórnych nárečí v každej ľudovej hudobnej kultúre.

Gregoriánsky chorál(lat. cantus gregorianus; anglický gregoriánsky chorál, francúzsky chorál gregorien, nem. gregorianischer Gesang, taliansky canto gregoriano), gregoriánsky chorál [cantus planus - tradičný liturgický spev rímskokatolíckej cirkvi Termín „gregoriánsky chorál“ pochádza z mena Gregor I Veľkého (pápež v rokoch 590-604), ktorému stredoveká tradícia pripisovala autorstvo väčšiny spevov rímskej liturgie. V skutočnosti bola Gregorova úloha zrejme obmedzená len na zostavenie liturgického poriadku, prípadne antifonára. Slovo chorál sa v ruštine používa v mnohých významoch (často v zmysle štvorhlasnej úpravy luteránskych cirkevných piesní, aj v muzikologických dielach – vo výraze „zborový sklad“ [implikuje polyfóniu]), preto na označenie liturgického monódii katolíkov je vhodné použiť autentický stredoveký výraz cantus planus (čo možno do ruštiny preložiť ako „hladký spev“, „rovnomerný spev“ atď.).

Podľa stupňa spevového (liturgického) textu sa spevy delia na slabičné (1 tón na slabiku textu), neumatické (2-3 tóny na slabiku) a melizmatické (neobmedzený počet tónov na slabiku). Prvý typ zahŕňa recitatívne zvolania, žalmy a väčšinu oficiálnych antifón, druhý - najmä introity, communio (participiálna antifóna) a niektoré obyčajné omšové spevy, tretí - veľké responzory oficiála a omší (t.j. graduály), traktáty. , Aleluja atď.

Byzantská sakrálna hudba. Apoštol Pavol dosvedčuje, že prví kresťania spievali Bohu v žalmoch, hymnách a duchovných piesňach (Ef. 5:19). Hudba sa teda v Cirkvi vždy používala. Cirkevný historik Eusebius píše, že žalmy a hymny vytvorili veriaci „od samého začiatku na oslavu Pána“. Kresťanskí básnici používali pri skladaní hymnov popri starogréckom jazyku aj starogrécku hudbu, ktorá bola vtedy rozšírená po celom osvietenom svete. Veľkí otcovia prvých troch storočí, ako svätý Ignác Bohonosný, svätý Justín Filozof, svätý Irenej, svätý Gregor biskup z Neocaesarey, divotvorca, prejavili mimoriadny záujem o psalmódiu. Osobitné miesto v speváckej tradícii má svätý Ján Damaský (676-756), ktorý okrem písania krásnych spevov systematizoval cirkevnú hudbu. Hudbu rozdelil na osem hlasov: prvý, druhý, tretí, štvrtý, prvý plagal, druhý plagal, tretí plagal (alebo varis) a štvrtý plagal a zaviedol spôsob nahrávania hudby pomocou špeciálnych znakov. Svätý Ján z Damasku obmedzoval nepovolené, svetské zloženie hudby a obhajoval v nej jednoduchosť a zbožnosť.

2. Hudobné nástroje stredovekej Európy

Shalmei sa objavil v 13. storočí, jeho štruktúra je blízko krumhornu. Pre pohodlie je v hornej časti hlavne vytvorený špeciálny ohyb nazývaný „pirueta“ (moderný saxofón má niečo podobné). Z ôsmich otvorov na prsty bol jeden uzavretý ventilom, čo tiež uľahčilo hru. Následne sa ventily začali používať vo všetkých drevených dychových nástrojoch. Zvuk šálu je ostrý a zvučný a dokonca aj odrody nástroja s nízkym registrom sa modernému poslucháčovi zdajú hlasné a prenikavé.

Veľmi obľúbené boli rôzne registre pozdĺžne flauty. Pozdĺžne sa nazývajú, pretože na rozdiel od moderných priečnych flaut ich interpret drží vertikálne a nie horizontálne. Flauty nepoužívajú jazýčky, takže znejú tichšie ako iné dychové nástroje, no ich zafarbenie je prekvapivo jemné a bohaté na nuansy. Strunové sláčikové nástroje stredoveku - rebec a fidel. Majú od dvoch do piatich strún, ale husle majú zaoblenejšie telo, nejasne pripomínajúce hrušku, zatiaľ čo rebec (tembrom blízko) má pretiahnutejší tvar. Od 11. storočia Nástroj trumshait je známy tým, že má originálny dizajn. Názov pochádza z dvoch nemeckých slov: Trumme - „rúrka“ a Scheit – „guľatina“. Trúbka má dlhé, klinovité telo a jednu strunu. V 17. storočí Vo vnútri tela sa začali naťahovať ďalšie rezonujúce struny. Nehralo sa na nich sláčikom, ale pri hre na hlavnú strunu vibrovali, a to pridávalo tónu zvuku ďalšie odtiene. Na výplet bol špeciálny stojan, ktorého jedna noha bola kratšia ako druhá, a preto stojan nepriliehal tesne k telu. Pri hre vplyvom vibrácií struny narážala na telo a tak vznikol originálny efekt „perkusívneho doprovodu“.

V sláčikovej skupine boli okrem sláčikových nástrojov aj brnkacie nástroje - harfa a citara. Stredoveká harfa je tvarom podobná tej modernej, no rozmerovo oveľa menšia. Citara je trochu ako harfa, ale jej štruktúra je zložitejšia. Na jednej strane dreveného puzdra (v tvare obdĺžnikovej krabice) bol vytvorený malý okrúhly výčnelok. Krk (z nemčiny Griff - „rukoväť“) - drevená doska na napínanie strún - je rozdelený špeciálnymi kovovými výstupkami - pražcami. Interpret vďaka nim presne trafí prstom tú správnu notu. Citara má od tridsať do štyridsať strún, z toho štyri alebo päť kovových, ostatné sú šľachové. Na hranie kovových strún sa používa náprstok (nasadený na prst) a struny sa trhajú prstami. (Citara sa objavila na prelome 12.-13. storočia, no stala sa populárnou najmä v 15.-16. storočí.

3. Hudba v Staroveká Rus

Umenie stredoveku pri všetkej svojej rozmanitosti mal niektoré spoločné črty, ktoré boli určené jeho miestom v živote, v systéme foriem spoločenského vedomia, jeho špecifickým praktickým účelom a povahou ideologických funkcií, ktoré vykonával. Umenie, podobne ako stredoveká veda, morálka a filozofia, bolo dané do služieb náboženstva a malo pomôcť posilniť jeho autoritu a moc nad vedomím ľudí, objasniť a podporiť princípy kresťanskej viery. Jeho úloha sa teda ukázala ako aplikovaná a podriadená komponentov ten prepracovaný, veľkolepý rituálny úkon, ktorým je uctievanie kresťanskej cirkvi. Mimo liturgických rituálov bolo umenie uznané za hriešne a škodlivé pre ľudské duše.

Kostolný spev bol spojený s kultom tesnejšie ako všetky ostatné umenia. Bohoslužby sa mohli vykonávať bez ikon, mimo luxusných chrámových priestorov, v jednoduchej a strohej atmosfére. Kňazi nemuseli nosiť bujné, bohato zdobené rúcha. Ale spev bol neoddeliteľnou súčasťou modlitebného rituálu už v najstarších kresťanských komunitách, ktoré odmietali akýkoľvek luxus a ozdobu.

Dominantnú úlohu v speve mal text, melódia mala len uľahčiť vnímanie „božských slov“. Táto požiadavka určila samotnú povahu cirkevného spevu. Muselo sa hrať monofónne, unisono a bez sprievodu nástrojov. Pripustenie hudobných nástrojov na účasť na bohoslužbách, ako aj rozvoj zborovej polyfónie v katolíckej cirkevnej hudbe daného obdobia neskorého stredoveku , bola porušením prísnych asketických noriem kresťanského umenia, ktoré bolo nútené prispôsobiť sa novým požiadavkám doby za cenu určitých ústupkov a kompromisov. Je známe, že katolícke úrady následne opakovane nastoľovali otázku návratu k cudnej jednoduchosti gregoriánskeho cantus planus. Východná kresťanská cirkev udržiavala tradíciu jednohlasného spevu a cappella až do polovice 17. storočia, v niektorých krajinách aj dlhšie, no používanie hudobných nástrojov v nej zostáva zakázané dodnes. Cirkevné spevy sa mali hrať jednoducho a zdržanlivo, bez prehnaného výrazu, keďže len takýto spev približuje ctiteľa k Bohu.

Cirkev, ktorá mala v stredoveku monopol v oblasti osvety a vzdelávania, bola jediným vlastníkom hudobnej spisby a prostriedkov na vyučovanie hudby. Stredoveké nelineárne písmo, ktorého variáciou boli ruské transparenty, bolo určené len na zaznamenávanie cirkevných spevov. Cirkevný spev, ktorý sa rozvíjal v rámci monofónnej tradície, zostal v Rusku až do druhej polovice 17. storočia ako jediný druh písaného hudobného umenia, ktorý vychádzal z rozvinutých teoretických východísk a určitého množstva kompozičných a technických pravidiel.

Umenie stredoveku vyznačujúce sa veľkým pretrvávaním tradícií. Jedným z dôsledkov toho je slabé vyjadrenie osobného, ​​individuálneho princípu. Navonok sa to prejavuje tým, že väčšina umeleckých diel zostala v anonymite. Tvorcovia týchto diel ich spravidla nepodpísali alebo ich autorstvo uviedli skrytým, zašifrovaným spôsobom. Hotový, dokončený text nezostal nedotknutý. Počas korešpondencie mohla podliehať zmenám, redukciám alebo naopak rozširovaniu prostredníctvom inzercií požičaných z iného zdroja. Pisár nebol mechanický prepisovač, ale do istej miery spoluautor, ktorý napísanému dával vlastný výklad, robil vlastné komentáre a voľne spájal rôzne časti textu. Výsledkom bolo, že dielo sa stalo v podstate produktom kolektívnej tvorivosti a na odhalenie jeho pôvodného základu pod mnohými neskoršími vrstvami bolo často potrebné veľmi veľké úsilie.

Stredoveký skladateľ sa zaoberal ustálenou sumou melodických formúl, ktoré spájal a kombinoval podľa určitých kompozičných pravidiel a predpisov. Formula môže byť aj celá, úplná melódia. Takzvané „spievanie na podobné“, rozšírené najmä v prvých storočiach ruského speváckeho umenia, spočívalo v tom, že niektoré melódie prijaté v cirkevnom používaní sa stali vzormi na spievanie rôznych liturgických textov. Melodická formula slúžiaca ako hlavná konštrukčná jednotka znamenny chorál, dostal názov popevka a samotný spôsob tvorby melódie na základe zreťazenia a modifikovaného opakovania jednotlivých spevov býva definovaný ako variantný spev.

Napriek prísnym pravidlám, ktoré musel stredoveký umelec dodržiavať, a potrebe striktne dodržiavať kanonizované vzory, možnosť osobného prejavu tvorivosť nebolo úplne vylúčené. Nebolo to však vyjadrené v popretí dominantných tradícií a potvrdení nových estetických princípov, ale v zvládnutí jemných, detailných odtieňov, slobody a flexibility pri používaní všeobecných štandardných schém. V hudbe sa takéto premýšľanie konštantných melodických vzorcov dosiahlo intonačnými nuansami. Nahradením niektorých intervalov inými, malými zmenami ohybu melodickej línie, prestavbami a posunmi rytmických akcentov sa zmenila výrazová štruktúra melódie bez narušenia jej základnej štruktúry. Niektoré z týchto zmien sa v praxi upevnili a získali tradičný charakter. Postupne sa hromadili, viedli k formovaniu miestnych variantov, škôl a individuálnych mravov, ktoré mali svoje osobité charakteristické črty.

4. Ľudové i odborné aumenie

Kresťanská cirkev na Západe aj na Východe, ktorá sa snažila monopolizovať všetky prostriedky ovplyvňovania ľudskej psychiky a dať ich úplne do služieb svojich vlastných cieľov, bola ostro nepriateľská voči tradičným ľudovým hrám, piesňam a tancom a vyhlasovala ich za hriešny, odvracajúci sa od pravej viery a zbožnosti . Stredoveké náboženské kázne a učenia sú plné krutých odsudzovaní tých, ktorí sa oddávajú týmto zábavám škodlivým pre dušu, a hrozia im zatratením a večnými mukami na druhom svete. Jedným z dôvodov takéhoto netolerantného postoja k ľudovému umeniu bolo jeho spojenie s pohanskými vierovyznaniami a rituálmi, ktoré aj naďalej žili medzi masou obyvateľstva. na dlhú dobu po prijatí kresťanstva. V ruskej náboženskej a vzdelávacej literatúre sa spev piesní, tanec a hranie na nástroje zvyčajne porovnávajú s „modloslužbou“, „obeťami modly“ a modlitbami ponúkanými „prekliatemu bohu“ pohanstvo .

Ale všetky tieto výpovede a zákazy nemohli vykoreniť lásku ľudí k ich pôvodnému umeniu. Tradičné typyľudové umenie naďalej žilo a rozvíjalo sa široko v rôznych vrstvách spoločnosti. Folklór vo svojich rozmanitých podobách a prejavoch zachytil širšiu sféru života a svoj podiel na umení stredoveká kultúra bol významnejší ako v systéme umenia modernej doby. Folklór zaplnil vákuum, ktoré vzniklo absenciou písomných foriem svetskej hudobnej tvorivosti. Ľudová pieseň, umenie ľudových „hráčov“ – interpretov na hudobných nástrojoch – boli rozšírené nielen medzi nižšími robotníckymi vrstvami, ale aj vo vyšších vrstvách spoločnosti, až po kniežací dvor.

Pod vplyvom ľudových piesní sa vyvinula aj charakteristická intonačná štruktúra ruského cirkevného spevu, ktorá sa postupom času vzdialila od byzantských vzorov, rozvíjala si vlastné národne pôvodné melodické formy. Na druhej strane, v obraznej, poetickej a hudobnej štruktúre ruských ľudových piesní možno nájsť stopy vplyvu náboženských kresťanských názorov a štylistiky cirkevného umenia, ako na to neraz upozorňujú folkloristi.

Jednou z hlavných čŕt folklóru je kolektívnosť. Diela ľudového umenia sa spravidla nespájajú s osobnosťou žiadneho autora a považujú sa za vlastníctvo, ak nie celého ľudu, tak určitej sociálnej skupiny, korporácie (napríklad epos vojenskej jednotky) alebo územného celku. komunity. To nevylučuje účasť osobnej tvorivosti na ich tvorbe a realizácii.

V hudbe Staroveká Rus neboli žiadne postavy, ktoré by sa dali porovnávať s Palestrinou, Orlandom Lassom alebo Schutzom. Nemohli napredovať v podmienkach vtedajšej doby s prevládajúcim spôsobom života a svetonázorom. Význam starého ruského hudobného dedičstva nie je určený odvážnou odvahou jednotlivca vynikajúce osobnosti, ale všeobecným, celistvým charakterom, ktorý vtlačil odvážny, prísny a zdržanlivý vzhľad ľuďom, ktorí ho vytvorili. Majstri ruského stredoveku, bez toho, aby porušili prísne normy a obmedzenia predpísané kánonom, dosiahli vo svojej práci pozoruhodnú estetickú dokonalosť, bohatosť a jas farieb v kombinácii s hĺbkou a silou výrazu. Mnohé príklady tohto umenia s jeho vznešenou a jedinečnou krásou patria k najväčším prejavom národného umeleckého génia.

Zdroje

https://ru.wikipedia.org/wiki/Music_of the Middle Ages

http://medmus.ru/

http://www.webkursovik.ru/kartgotrab.asp?id=-49105

http://arsl.ru/?page=27

http://www.letopis.info/themes/music/rannjaja_muziyka..

http://ivanikov.narod.ru/page/page7.html

http://www.medieval-age.ru/peacelife/art/myzykanarusi.html

Uverejnené na Allbest.ru

...

Podobné dokumenty

Vokálna, inštrumentálna a vokálno-inštrumentálna hudba. Hlavné žánre a hudobných štýlov vokálna a inštrumentálna hudba. Popularita inštrumentálnej hudby v období renesancie. Vznik prvých virtuóznych interpretov.

prezentácia, pridané 29.04.2014


Ľudová hudba stredoveku. Etapy vývoja stredovekej monodie 11.-13. storočia. Vznik nového štýlu - polyfónia. Predstavitelia ľudovej hudobnej kultúry stredoveku. Význam tried solfeggia. Pojem rytmus, rytmus a meter v hudbe.

abstrakt, pridaný 14.01.2010


Hudba staroveku v Grécku, jej úloha vo verejnom a osobnom živote. Strunové brnkacie a dychové nástroje starých Grékov. Pythagorova teória hudby. Hudobné umenie starovekého Egypta. Pojem hudobných intervalov, ich odrody a cirkulácia.

abstrakt, pridaný 14.01.2010


Rysy ruskej hudby 18. storočia. Baroko je obdobím, keď predstavy o tom, aká hudba by mala byť, dnes nestratili svoju aktuálnosť. Veľkí predstavitelia a hudobné diela barokovej éry.

abstrakt, pridaný 14.01.2010


Hudba zaujímala jedno z najdôležitejších miest v systéme umenia Staroveká India. Jeho počiatky siahajú k ľudovým a náboženským rituálom. Kozmologické myšlienky starovekej Indie ovplyvnili sféru vokálnej a inštrumentálnej hudby. indické hudobné nástroje.

test, pridané 15.02.2010


Počiatky rockovej hudby, centrá jej vzniku, hudobné a ideové zložky. Rocková hudba 60. rokov, vznik tvrdej hudby a vzostup garážového rocku. Alternatívna hudobná kultúra. Rocková hudba 21. storočia a outsideri všetkých čias.

abstrakt, pridaný 01.09.2010


Definícia etnickej hudby, jej kategórie a charakteristické zvuky. Slávny interpret Afro-kubánsky hudobný syn a bolero Ibrahim Ferrer ako príklad etno-interpreta. Popularizácia etnickej hudby v Rusku. Príklady etnických hudobných nástrojov.

prezentácia, pridané 25.12.2011


Rap je jedným z prvkov hip-hopu, formou rýmovaných textov recitovaných rytmicky na hudobné nástroje. História rapovej hudby. Old School Rap, prvé nahrávky. Korene hip-hopu. Prenikanie hip-hopu do Ruska. Ruskí rapoví umelci.

článok, pridaný 27.04.2010


Hudba je forma umenia, jej úloha v živote človeka. Hudba a iné umenie. Časová a zvuková povaha hudobných prostriedkov. Obrazy, ktoré sú súčasťou hudby. Hudba v duchovnej kultúre. Vplyv zmenených podmienok existencie hudby v spoločnosti.

abstrakt, pridaný 26.01.2010


Umenie, ktoré zvukom odráža realitu umelecké obrazy. Vzťah medzi hudbou a vekom. Určenie vzťahu medzi postavou a hudbou. Hlavné hudobné žánre. Všestrannosť hudby a jej význam v živote moderného človeka.