เครื่องแต่งกายละครเป็นผลงานศิลปะ เครื่องแต่งกายละครของยุโรปตั้งแต่ศตวรรษที่ 16

เมื่อคุณสร้างอย่างน้อยหนึ่งบทบาท บทบาทนั้นก็จะชัดเจนสำหรับคุณ วิกผม, เครา, ชุดสูท, อุปกรณ์ประกอบฉากมีความหมายต่อศิลปินอย่างไรและจำเป็นสำหรับเขา ภาพบนเวที.

เค.เอส.สตานิสลาฟสกี้

ใน เครื่องแต่งกายละครทุกสิ่งมีความสำคัญ: องค์ประกอบ ความเป็นพลาสติก จังหวะ สี เส้น และสีก็มีมาก คุ้มค่ามากที่สามารถเทียบได้กับการวาดภาพ สีมีความสำคัญอย่างยิ่งในชุดละครประวัติศาสตร์และแฟนตาซี รวมถึงในชุดต่างๆ เครื่องแต่งกายสร้างสภาพแวดล้อมที่กำหนดไว้ล่วงหน้ารอบตัวบุคคล ซึ่งเป็นพิภพพิเศษที่ช่วยให้นักแสดงปรับตัวเข้ากับสิ่งใหม่ได้ง่ายขึ้น ประสิทธิภาพการทำงานสำหรับสิ่งใหม่สิ่งแวดล้อมให้กับคนอื่นๆ เครื่องแต่งกายมีความยืดหยุ่นและเคลื่อนที่ได้แตกต่างจากงานศิลปะประเภทอื่น ๆ สามารถเปลี่ยนบางส่วนหรือทั้งหมดได้อย่างง่ายดาย คุณสมบัติของชุดสูทนี้ทำให้สามารถสะท้อนกลับได้อย่างรวดเร็วมากกว่าหนึ่งครั้ง เหตุการณ์สำคัญ ชีวิตสาธารณะหรือข้อมูลอื่นเกี่ยวกับพวกเขา บางครั้งก่อนเหตุการณ์เกิดขึ้น ในเรื่องนี้เป็นเรื่องน่าสนใจที่จะนึกถึงเครื่องแต่งกายในช่วงการปฏิวัติสังคมนิยมครั้งใหญ่ในเดือนตุลาคม - กางเกงขี่สีแดง, แจ็กเก็ตหนัง, บูเดนอฟคัส, หมวกแก๊ป, เสื้อกั๊ก, ผ้าพันคอสีแดง เอ็ม. กอร์กีเคยตั้งข้อสังเกตว่าหากการปฏิวัติสร้างเครื่องแต่งกายหลากสีสัน นั่นหมายความว่าจำเป็นต้องมีเครื่องแต่งกายเหล่านั้น เก็บรักษาไว้ ความทรงจำที่น่าสนใจเกี่ยวกับปีแรกของการทำงานของ Cheka เกี่ยวกับวิธีที่ "อดีต" หลายคนพยายามปรับตัวให้เข้ากับปรมาจารย์คนใหม่ของประเทศในช่วงหลายปีที่ผ่านมา พวกเขาไม่ได้โกน สวมเสื้อคลุมทหารหยาบ และบางคนก็สวม แจ็คเก็ตหนัง- แจ็คเก็ตดังกล่าวเป็นหลักฐานที่ดีที่สุด มุมมองทางการเมือง- แน่นอนว่ากอร์กีพูดถูก - เครื่องแต่งกายของนักปฏิวัติไม่ใช่อุบัติเหตุ - พวกเขาช่วยสร้างภาพลักษณ์ทั่วไปของผู้คนที่กล้าหาญกล้าหาญและเสียสละเหล่านี้ คุณสามารถสร้างเครื่องแต่งกายตามรูปร่างหรือสีได้ แต่ละองค์ประกอบสามารถกลายเป็นองค์ประกอบสนับสนุนได้ แต่สียังคงเป็นองค์ประกอบแรกในแง่ของความแข็งแกร่งของผลกระทบทางอารมณ์ การตั้งชื่อสีใด ๆ ก็เพียงพอแล้วและซีรีย์ที่เชื่อมโยงก็เกิดขึ้นทันที แต่มีประเด็นสำคัญประการหนึ่งคือโดยเฉพาะอย่างยิ่งความอบอุ่น สีสดใสขยายสายตาและนำรูปร่างของนักแสดงเข้ามาใกล้ผู้ชมมากขึ้น สีโทนเย็นที่บริสุทธิ์ทำให้รูปร่างดูเล็กลงและดูลึกเข้าไปในฉากมากขึ้น

เมื่อพูดถึงเครื่องแต่งกายแบบโปสเตอร์ เราคงนึกถึงผู้คนในอินเดียที่ในระหว่างการต่อสู้เพื่อเอกราช ตามคำแนะนำของมหาตมะ คานธี ได้หยุดซื้อสินค้าอังกฤษและแนะนำเสื้อผ้าเรียบๆ ที่ทำจากวัสดุที่ทำเองที่บ้าน ชาวอังกฤษมองว่าชุดนี้เป็นกบฏและบางครั้งพวกเขาก็ถูกยิงด้วยซ้ำ ดังนั้นเครื่องแต่งกายจึงมีภาษาภาพที่เฉพาะเจาะจง

เมื่อเริ่มสร้างเครื่องแต่งกายสำหรับละคร รายการวาไรตี้ ละครสัตว์ หรือการแสดงอื่นๆ ศิลปินต้องเผชิญกับคำถาม: ฉันจะสวมชุดอะไร เพื่อใคร และอย่างไร?

คำถามแรกเกี่ยวข้องกับความคิด แนวคิดด้านภาพและบรรยากาศการแสดง ประการที่สองคือความเข้าใจในภาระหน้าที่ต่อผู้ชมและความรู้ของผู้ชม

แนวคิดของโครงเรื่องคาดว่าจะมีองค์ประกอบของตัวละครกำหนดตัวละครของตัวละคร ลักษณะทางศีลธรรมและดังนั้นรูปลักษณ์ของพวกเขาด้วย

กระบวนการทำงานเครื่องแต่งกายละครแบ่งออกเป็นสามขั้นตอน:

1)ช่วงเวลาของการสะสมและความเข้าใจเนื้อหาตามละคร.

ศิลปินใช้ความรู้เหล่านี้ในการทำงานของเขาโดยอาศัยความรู้เกี่ยวกับกฎของการประพันธ์กฎของโรงละครตลอดจนวัตถุประสงค์ของการแสดงที่กำหนด ทั้งผู้กำกับและนักแสดงมีส่วนร่วม

2)ทำงานกับภาพร่าง

3)การแปลร่างนี้เป็นปริมาณและวัสดุ

การค้นหาความจริงเป็นไปไม่ได้หากไม่มีอารมณ์ นั่นคือเหตุผลว่าทำไมอารมณ์ที่เกิดจากเครื่องแต่งกายและการแสดงจึงไม่ควรสุ่ม และความคิดและการเชื่อมโยงควรได้รับการจัดระเบียบและเด็ดเดี่ยวโดยศิลปิน ทุกสิ่งเชื่อมโยงกันอย่างมากเพราะผู้ชมไม่เพียงรับรู้ผ่านการได้ยินและการดมกลิ่นเท่านั้น แต่ยังผ่านการมองเห็นด้วย และการมองเห็นก็เป็นโลกแห่งจินตภาพที่พัฒนาเนื่องจากการสมาคมเนื่องจาก ประสบการณ์ชีวิต- ศิลปินจะต้องเป็นนักจิตวิทยาไปพร้อมๆ กัน กล่าวคือ จะต้องสามารถทำนายความสัมพันธ์ของผู้ดูได้ นักเขียนบทละครแต่ละคนต้องการรูปแบบการแสดงพิเศษของตัวเอง ดังนั้นศิลปินก็เหมือนกับนักแสดง ต้องมีความสามารถในการ "เปลี่ยนแปลง" ขึ้นอยู่กับเนื้อหาที่เขาเผชิญ ไม่ว่าจะเป็นละครของ V. Shakespeare, A. Ostrovsky หรือ N. Pogodin

ความน่าเชื่อถือภายนอกไม่ได้ตัดสินเสมอไป ความจริงที่ยิ่งใหญ่ภาพ. เช็คสเปียร์เป็นสิ่งบ่งชี้ในเรื่องนี้ คุณสามารถย้ายนักรบ Elsinore และเดนมาร์กตัวจริงในชุดเกราะหนักขึ้นไปบนเวทีได้ แต่ในฉากและเครื่องแต่งกายเช่นนี้คุณไม่สามารถเล่น Hamlet ได้ แต่อย่างดีที่สุด ฉากในชีวิตประจำวันยุคของยุคกลางตอนเหนือ เช็คสเปียร์มีภาพรวมอันทรงพลัง เขาไม่ยอมให้มีการใช้คำฟุ่มเฟือยและรายละเอียดไม่ว่าจะในการตีความของผู้กำกับหรือในการออกแบบ ต้องใช้ความคิดเชิงศิลปะขนาดใหญ่ ความเรียบง่าย และความรอบคอบในทุกรายละเอียด นี่คือเหตุผลว่าทำไมการทำงานกับบทละครของเช็คสเปียร์จึงเป็นมาตรฐานสำหรับทุกคน ศิลปินละคร.

ทิศทางการทำงานของศิลปินละครยังขึ้นอยู่กับข้อกำหนดของแนวเพลงด้วย

เผชิญหน้า โรงละครเขาต้องจำไว้ว่าพื้นฐานของการแสดงคือนักแสดงและงานหลักของมัณฑนากรคือการนำเสนอ "การนำเสนอ" ที่ได้เปรียบที่สุดของนักแสดงเพื่อสร้างสถานการณ์ทั่วไปสำหรับบันทึกย่อและ l ที่เน้นความหมายของการกระทำ

ประการหนึ่ง ศิลปินมีความเท่าเทียมกับนักแสดงมากขึ้น เนื่องจากดนตรีมีความเกี่ยวข้องกับความรู้สึกทางการมองเห็น ทิวทัศน์ที่นี่จึงทำหน้าที่เป็นรูปแบบหนึ่งในการแสดงดนตรีด้วยภาพ แบบฟอร์มนี้จะต้องน่าประทับใจ - ดังนั้นจึงจำเป็นต้องมีจุดเริ่มต้นที่น่าตื่นตาตื่นใจในโอเปร่าอย่างเต็มรูปแบบ แต่ความบันเทิงไม่ควรลดเหลือเพียงความใบไม้ ลายฉลุ และความสวยงาม ซึ่งแม้แต่ปรมาจารย์บนเวทีผู้ยิ่งใหญ่ก็ยังรู้สึกผิด นักตกแต่งโอเปร่าที่ดีที่สุดของเรา William และ Dmitriev มักจะต่อสู้กับความโอ่อ่าภายนอกของโอเปร่ามาโดยตลอด โดยสามารถแสดงจิตวิญญาณที่ยิ่งใหญ่ของการแสดงโอเปร่าในรูปแบบที่ค่อนข้างพูดน้อยและควบคุมไม่ได้ เนื่องจากพวกเขาแสดงฉากฝูงชน กลุ่มใหญ่สีของเครื่องแต่งกายมีความสำคัญอย่างยิ่ง การเคลื่อนไหวของฝูงชนบนเวทีสามารถเพิ่มพลังไดนามิกมหาศาลให้กับการแสดงได้ หากศิลปินพบคีย์สีที่เหมาะสม ตัวอย่างเช่นศิลปิน F. Fedorovsky ในโอเปร่า "Khovanshchina" โดย M. Mussorgsky สามารถกำหนดบรรยากาศทางอารมณ์ของการแสดงให้สอดคล้องกับดนตรีโดยมีละครที่สูงอย่างแท้จริงโดยการเคลื่อนไหวของคณะนักร้องประสานเสียงในชุดดำ และเสื้อผ้าสีแดงและการเปลี่ยนสีบนเวที

ศิลปินละครซึ่งตรงกันข้ามกับจิตรกร ประติมากร และศิลปินกราฟิก ที่พูดในงานของตนว่าต้องการจะพูดอะไรในผลงาน ในขณะนี้สามารถทำให้ความคิดและความรู้สึกของเขาเปิดเผยต่อสาธารณะผ่านสื่อละครที่เหมาะสมเท่านั้น ยิ่งคุณภาพของวัสดุนี้สูงขึ้นเท่าไรนักตกแต่งก็จะยิ่งน่าสนใจมากขึ้นเท่านั้น

ละครโซเวียตมอบโอกาสที่ร่ำรวยที่สุดสำหรับความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินละคร ทุกครั้งที่ศิลปินต้องมองหารูปแบบอีกครั้ง ประสิทธิภาพที่ทันสมัยและหากพบว่าตรงกับแก่นแท้ของงานละครอย่างใกล้ชิดที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ก็เป็นเรื่องยากสำหรับผู้กำกับคนต่อ ๆ ไปทั้งหมด แม้แต่ผู้มีประสบการณ์มากที่สุด ที่จะหลุดพ้นจากงานชิ้นนี้ เช่น การออกแบบ "Optimistic Tragedy" ของดวงอาทิตย์ Vishnevsky ในรัฐเลนินกราด ละครวิชาการละครที่ตั้งชื่อตาม A. S. Pushkin (1955) ในระดับหนึ่งเป็นการทำซ้ำวิธีแก้ปัญหาของบทละครเดียวกันที่ Chamber Theatre ในมอสโก (1933)

บทบาทที่คล้ายกันในโรงละครโซเวียตเล่นโดยการออกแบบของ V. Dmitriev เรื่อง "Egor Bulychev" ของ M. Gorky (โรงละคร Evg. Vakhtangov, 1932) รวมถึง "Fracture" ของ N. Akimov โดย B. Lavrenev (โรงละคร Evg. Vakhtangov, พ.ศ. 2470;) และ N. Shifripym "Virgin Soil Upturned" โดย M. Sholokhov (โรงละคร กองทัพโซเวียต, 1957)

E.O. Kibrik: “สิ่งของ สิ่งของ หรือสิ่งของทุกชนิด องค์ประกอบที่แยกจากกันควรวางตำแหน่งเช่นนี้ เพื่อให้ผู้ชมรับรู้ได้ง่ายและชัดเจน” เมื่อสร้างเครื่องแต่งกายและฉาก ศิลปินจะต้องคิดถึงการแสดงโดยรวม ในการดำเนินการนี้ คุณจะต้องแยกส่วนหลักออกจากส่วนรอง ภารกิจหลักสำหรับศิลปินคือการบรรลุความสามัคคีของแนวคิดของแผนและการนำไปปฏิบัติ

แน่นอนว่าเครื่องแต่งกายเป็นส่วนสำคัญของการแสดง ไม่เพียงแต่สำหรับนักแสดงในบทบาทนี้เท่านั้น แต่ยังรวมถึงคู่หูของเขาด้วย บางครั้งเครื่องแต่งกายก็เผยให้เห็นคุณลักษณะบางอย่างของตัวละครที่สวมหน้ากากในการเล่น

แต่ปัญหาอยู่ที่ว่าเราควรคำนึงถึงรูปร่างหน้าตาของนักแสดงเองและตัวละครลักษณะนิสัยของเขาด้วย เครื่องแต่งกายควรช่วยให้นักแสดงถ่ายทอดสภาพจิตใจของตัวละครในระหว่างการแสดงได้ ในการทำเช่นนี้จำเป็นต้องจัดให้มีการโต้ตอบกับสิ่งต่าง ๆ และกับตัวละครอื่น ๆ นอกจากนี้ การที่เครื่องแต่งกายมีปฏิสัมพันธ์กับทิวทัศน์ภายใต้เอฟเฟกต์แสงต่างๆ เป็นสิ่งสำคัญมาก

ไม่มีความลับที่โรงละครคือการประชุม กล่าวคือ ราวกับว่าเขา "ตกลง" กับผู้ชมเกี่ยวกับกฎของเกม กฎจะแตกต่างกันเสมอขึ้นอยู่กับงาน แต่ยังคงมีสิ่งสำคัญอย่างหนึ่งสำหรับทุกคน: จะต้องมีความสามัคคีและรสนิยม เป็นสิ่งสำคัญมากสำหรับโรงละครที่ผู้ชมจะเข้าใจแบบแผนที่ใช้ในการแสดงนี้ได้ การละเมิดเงื่อนไขของเกมจะนำไปสู่การละเมิดความสมบูรณ์ของงาน

ในขณะที่งานดำเนินไป ศิลปินจะคุ้นเคยกับเครื่องแต่งกายในอดีต รวมถึงช่วงชีวิตที่จะแสดงในการแสดง และร่างเครื่องแต่งกายที่เหมาะสมที่สุด และเมื่อวิเคราะห์สิ่งนี้ก็จำเป็นต้องค้นหา แนวทางที่ทันสมัยไปจนถึงการเปิดเผยบทละครซึ่งจะทำให้การแสดงเป็นที่เข้าใจแก่ผู้ชมในปัจจุบัน ในการค้นหานี้ ศิลปินได้รับคำแนะนำจากโลกทัศน์สมัยใหม่ ความรู้เกี่ยวกับสุนทรียภาพสมัยใหม่ และการรับรู้ที่เพิ่มมากขึ้นต่อทุกสิ่งใหม่และที่เกี่ยวข้อง

หลังจากกำหนดแนวคิดพื้นฐานแล้ว เราก็ไปยังรายละเอียด - ไปสู่การพัฒนาโครงร่าง พื้นผิว และรายละเอียด และในขั้นตอนนี้มีการค้นหาความเป็นตัวตนของตัวละครแต่ละตัว เมื่อต้องการทำเช่นนี้ ร่างเล็ก ๆ จะถูกวาดด้วยสี สะท้อนถึงวิถีแห่งความคิดและการค้นหา

ขั้นต่อไปคือการทำงานแบบร่างซึ่งได้รับการอนุมัติจากสภาศิลปะและนักแสดง ร่างการทำงานควรเป็นแนวทางที่ดีสำหรับการทำงานของเวิร์กช็อป: ควรกำหนดรูปร่าง ภาพเงา สัดส่วน และการตกแต่งอย่างชัดเจน นอกจากนี้ ภาพร่างดังกล่าวควรวาดไม่เพียงแต่จากด้านหน้าเท่านั้น แต่ยังควรวาดจากด้านหลังด้วย และในกรณีที่มีภาพเงาที่ซับซ้อน ควรวาดในโปรไฟล์ด้วย

เมื่อส่วนกราฟิกของงานเสร็จสมบูรณ์และแบบร่างได้รับการอนุมัติ ขั้นตอนสำคัญสุดท้ายของการทำงานเกี่ยวกับเครื่องแต่งกายจะเริ่มต้นขึ้น - แปลแบบร่างเป็นวัสดุเป็นเครื่องแต่งกาย สำหรับศิลปินแล้ว ส่วนสำคัญคือความเหมาะสม แม้ว่าชุดจะยังไม่พร้อม แต่คุณก็ต้องรวบรวมผ้าและขอบทั้งหมดเข้าด้วยกันแล้วติดไว้ที่หุ่นก่อน จากนั้นตรวจสอบอันแรกบนเวที ความประทับใจทั่วไปและจุดไฟหุ่นขณะที่นักแสดงจะจุดไฟ

ในระหว่างการลองชุด นักแสดงจะพูดถึงความรู้สึกในชุดนี้และแสดงความปรารถนาของพวกเขา แต่สิ่งสำคัญในกระบวนการตกแต่งขั้นสุดท้ายและการเปลี่ยนแปลงทั้งหมดคือการไม่สูญเสียแนวคิดหลักหรือแนวคิด Peter Brook พูดเรื่องนี้ด้วยเหตุผล การยกย่องชมเชยสูงสุดสำหรับการแสดงคืออะไรหากเราสามารถพูดได้ว่าเป็นการแสดงที่สมบูรณ์ องค์ประกอบที่สมบูรณ์และครบถ้วนเท่านั้นที่สามารถเรียกได้ว่าเป็นงานศิลปะ

ในชุดการแสดงละครภาพเงานั้นไม่เพียงถูกกำหนดและไม่มากนักตามสไตล์ที่โดดเด่นในงานศิลปะ แต่โดยธรรมชาติของภาพบนเวทีซึ่งเป็นข้อมูลทางจิตฟิสิกส์ของนักแสดง

ตามกฎแล้วแต่ละชุดสูทมีหลายเส้น: รูปร่าง - ภาพเงา, ด้านข้าง, เส้นแอก, กระเป๋าและเน็คไท ล้วนมีความแตกต่างกันในลักษณะและทิศทาง หน้าที่ของศิลปินคือการรวมเข้าด้วยกันในลักษณะที่จะทำ ในวิธีที่ดีที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้เสิร์ฟองค์ประกอบ ตัวอย่างเช่น เส้นแนวตั้ง เช่น เส้นเรียบกลม จะสร้างความรู้สึกเคลื่อนไหวที่สงบ เส้นทแยงมุม - มีชีวิตชีวามากขึ้น แนวนอน - ความรู้สึกช้าเกือบคงที่ วัตถุที่ไม่สมมาตรดูเหมือนจะเคลื่อนไหวอย่างแข็งขัน ในเครื่องประดับโบราณ เส้นแนวนอนแสดงว่าแผ่นดินแตกสลาย- กองกำลังที่น่าเกรงขามธรรมชาติ (ฟ้าผ่า) คลื่น - น้ำ

สี

คุณสามารถสร้างเครื่องแต่งกายตามรูปร่างหรือสีได้ แต่ละองค์ประกอบสามารถกลายเป็นองค์ประกอบสนับสนุนได้ แต่สียังคงเป็นองค์ประกอบแรกในแง่ของความแข็งแกร่งของผลกระทบทางอารมณ์ การตั้งชื่อสีใด ๆ ก็เพียงพอแล้วและซีรีย์ที่เชื่อมโยงก็เกิดขึ้นทันที แต่มีจุดสำคัญประการหนึ่ง: โทนสีอบอุ่นโดยเฉพาะอย่างยิ่งจะขยายออกไปทางสายตาและทำให้รูปร่างของนักแสดงใกล้ชิดกับผู้ชมมากขึ้น สีโทนเย็นที่บริสุทธิ์ทำให้รูปร่างดูเล็กลงและดูลึกเข้าไปในฉากมากขึ้น

เป็นที่ทราบกันว่าใน ประเทศต่างๆอ่า ใน เวลาที่ต่างกันการตั้งค่าถูกกำหนดให้กับสีใด ๆ หรือใด ๆ โทนสี- การตั้งค่าดังกล่าวถูกสร้างขึ้นด้วยเหตุผลทางสังคมและคุณสมบัติส่วนบุคคลของผู้คน

ตัวอย่างเช่น Pavel Ivanovich Chichikov (N.V. Gogol "Dead Souls") - "เจ้าของที่ดินตามความต้องการของเขา" - ไม่สามารถสวมเครื่องแบบหรือเครื่องแบบได้ แต่เสื้อคลุมสีดำจะเฉพาะเจาะจงเกินไปสำหรับเขาเนื่องจากมองเห็นได้ชัดเจนในเวลาที่บทกวีเกิดขึ้น จากนั้นเขาก็สวม "เสื้อคลุมสีลิงกอนเบอร์รี่ที่มีประกายแวววาว" เมื่อเขาไปงานเลี้ยงของผู้ว่าการรัฐ โดยที่ "เสื้อคลุมสีดำแวววาวและกระพือแยกออกจากกันเป็นกองๆ ที่นี่และที่นั่น เหมือนแมลงวันกระพือปีกบนน้ำตาลทรายขาวบริสุทธิ์ที่ส่องประกาย" การสลับชื่อสีของ Chichikov ไม่ใช่เรื่องบังเอิญ ความสามารถในการเปลี่ยนแปลงนั้นเทียบได้กับคุณลักษณะของ Chichikov เช่น: "ไม่มีใครสามารถพูดได้ว่าเขาแก่ แต่ไม่ใช่ว่าเขายังเด็กเกินไป" "ไม่หล่อ แต่ไม่ใช่ ดูไม่ดี- สันนิษฐานได้ว่าสีของโกกอลที่นี่มีความหมายแฝงทางอารมณ์ - นี่คือวิธีการ ลักษณะทางจิตวิทยาอักขระ. เนื่องจากเสื้อคลุมสีดำพูดถึงความเหลื่อมล้ำของเจ้าของ Chichikov เพื่อสร้างความประทับใจที่น่านับถือจึงนิยมสวมเสื้อคลุมสี

และตอนนี้เกี่ยวกับระดับความอิ่มตัวของสีเช่น เกี่ยวกับโทนเสียง มันมีความสามารถในการกระตุ้นอารมณ์บางอย่าง ทุกสีที่อยู่ด้านหนึ่งของสีเทาดูสว่างและสนุกสนาน (ไปทางสีขาว) และอีกด้านหนึ่งจะดูมืดกว่า ตรงกลางระหว่างนั้นเป็นจุดที่สงบที่สุดสำหรับสายตาของเรา

องค์ประกอบภาพที่มีโทนสีกลางและใกล้เคียงครอบงำ ทำให้เกิดความรู้สึกถึงความสมดุล โทนสีกลางจะสว่างขึ้นหรือเข้มขึ้น ขึ้นอยู่กับสภาพแวดล้อม สีขาวและสีดำยังคงไม่เปลี่ยนแปลงในทุกสภาพแวดล้อม โทนสีกลางที่ไม่มีสีเป็นเกณฑ์มาตรฐานที่ดีที่สุดในการพิจารณาความอิ่มตัวของโทนสีอย่างละเอียด

เพื่อควบคุมตัวเอง ศิลปินสามารถสร้างเสื่อสีเทากลางสำหรับร่างของเขาได้ จากนั้นเขาก็จะได้แนวคิดที่ถูกต้องเกี่ยวกับข้อดีและข้อเสียของเครื่องแต่งกายของเขา

ในชุดที่ซับซ้อนและมีรายละเอียดมากมาย 3 โทนสีอาจไม่เพียงพอ คุณสามารถใช้โทนเสียงเพิ่มเติมหนึ่งหรือสองโทน ซึ่งควรจะหันไปทางโทนหลักสามโทนเพื่อให้เครื่องแต่งกายไม่สูญเสียความสามารถในการอ่าน

ในชุดการแสดงละคร ให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับภาพเงา โดยเฉพาะอย่างยิ่งหากพื้นฐานเป็นเครื่องแต่งกายทางประวัติศาสตร์ จำเป็นต้องได้รับการปรับปรุงให้ทันสมัยมากขึ้นอย่างระมัดระวัง เนื่องจากเมื่อเปลี่ยนคุณลักษณะของสไตล์ที่โดดเด่นในงานศิลปะก็เปลี่ยนไป ก็เพียงพอแล้วที่จะเปลี่ยนระดับเสียง น้ำหนัก พื้นผิว สี การตกแต่ง แต่ภาพเงาที่เผยให้เห็นถึงจิตวิญญาณแห่งกาลเวลาที่มีกลิ่นอายมากที่สุด จะต้องคงไว้ซึ่งลักษณะพื้นฐาน แม้ว่าในโรงละครทุกอย่างอาจไม่เป็นไปตามกฎเกณฑ์ก็ตาม

ในชุดการแสดงละคร ภาพเงานั้นไม่เพียงแต่ถูกกำหนดโดยสไตล์ที่โดดเด่นในงานศิลปะเท่านั้น ตัวละครของภาพบนเวทีข้อมูลทางจิตวิทยาของนักแสดงมีราคาเท่าไหร่ แต่ไม่ว่าการตัดสินใจจะเป็นอย่างไร ภาพเงายังคงเป็นองค์ประกอบที่สำคัญที่สุดในการจัดองค์ประกอบเครื่องแต่งกาย ในการสร้างแบบจำลอง เงาจะถูกแบ่งออกเป็นโครงสร้างซึ่งระบุและทำซ้ำรูปร่างของร่างกายมนุษย์ และยังเน้นถึงข้อดีของมันด้วย ในทำนองเดียวกันความไม่สมบูรณ์และการตกแต่งซึ่งเบี่ยงเบนไปจากรูปทรงตามธรรมชาติของรูปร่างรูปร่างของหน้ากากและเส้น เงาดังกล่าวบิดเบือนสัดส่วนทางสายตา เหมาะที่สุดสำหรับการแก้ปัญหาเครื่องแต่งกายที่ซับซ้อน: เพื่อระบุภาพที่ไม่ซ้ำใครสำหรับการสร้างเครื่องแต่งกายในเทพนิยายที่น่าอัศจรรย์ อาจมีภาพเงาที่ซับซ้อน ซึ่งโดยปกติแล้วจะประกอบด้วยรูปทรงเรขาคณิตหนึ่งหรือหลายรูปทรง

เส้นเงาก็มีความสำคัญไม่แพ้กัน เผยให้เห็นรูปทรงของเสื้อผ้าหลักและปริมาณเพิ่มเติมทำให้เกิดแนวคิดเรื่องความเป็นพลาสติก เส้นนี้ช่วยให้ผู้ชมรับรู้สัดส่วนไม่เพียงแต่เครื่องแต่งกายโดยรวมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความสัมพันธ์ในรูปแบบเล็ก ๆ และความกลมกลืนภายในด้วย

การวิเคราะห์ฉาก

5.ก. ตัวเลือกแรก ตรงกลางมีวงกลม (ทรงกระบอกกลวง) ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความหลีกเลี่ยงไม่ได้และไม่ยั่งยืน บนนั้นมีบันไดเชือกที่มีรูปร่างคล้ายไม้กางเขนคาทอลิก ครอสเล่นละคร บทบาทใหญ่เป็นสัญลักษณ์ของความศรัทธา ไม่ใช่สิ่งที่ถูกกำหนดโดยบาทหลวง ผู้สอบสวน ฯลฯ แต่เป็นสิ่งที่สร้างแรงบันดาลใจให้เกิดความหวัง จากวงกลมสู่ ด้านที่แตกต่างกันบันไดเชือกแยกออกจากเวที เนื่องจากยุคที่เรากำลังพิจารณาคือยุคของการสืบสวนและด้วยเหตุนี้ยุคแห่งความถ่อมตัวและการทรยศจึงมีผู้คนปรากฏตัวตามบันไดเหล่านี้จากมุมต่างๆเหมือนงู นอกจากนี้บนพื้นหลังของวงกลมกำมะหยี่สีแดงยังมีเชือกรูด มันลงมาในช่วงเวลาแห่งการนองเลือดในช่วงเวลาแห่งการสู้รบที่ปะทุขึ้น และด้วยเหตุนี้จึงกำหนดโทนเสียง ทิลสามารถสร้างภาพลักษณ์ของจิตวิญญาณของแฟลนเดอร์สโดยใช้เชือกแขวนด้วยความช่วยเหลือที่เขาเคลื่อนไหวเหมือนนก

5.ข. ตัวเลือกที่สอง ตัวเลือกนี้จะขึ้นอยู่กับเสากระโดงเรือที่มีใบเรือและบันไดเชือก ในช่วงเริ่มต้นของการเล่น "ใบเรือ" ได้รับการสนับสนุนจาก "เสากระโดง" เมื่อโครงเรื่องพัฒนาขึ้น จากนั้นสีแดงหนึ่งสีก็เปิดขึ้น จากนั้นก็เป็นสีเทาและสีส้ม ขึ้นอยู่กับการกระทำที่เกิดขึ้นบนเวที กระบอกสูบทำหน้าที่เป็นสถานที่ด้านหน้า (ที่จุดเริ่มต้นของการแสดง)

วิธีการสร้างคอลเลกชัน

รวบรวมชุดการแสดงละครสำหรับการแสดงครั้งนี้

วิธีการที่ใช้ในการนี้ งานประกาศนียบัตร:

1. เปรียบเทียบและวิเคราะห์

ก็ได้ดำเนินการตามวิธีนี้ งานวิจัยในการศึกษาเครื่องแต่งกายประวัติศาสตร์ของแฟลนเดอร์สแห่งศตวรรษที่ 16 จากผลการวิจัยพบว่าเสื้อผ้าในยุคนี้ได้รับอิทธิพลจากฝรั่งเศสและสเปน ในแง่ของสีเครื่องแต่งกายของชาวนานั้นโดดเด่นด้วยโทนสีเอิร์ธโทนที่เข้มกว่าในการผสมผสานที่น่าสนใจต่างๆ และในทางตรงกันข้ามในชุดของขุนนางนั้นมีสีที่สว่างกว่าและอิ่มตัวมากกว่า ความแตกต่างนี้คืออิทธิพลของสเปน

แต่ในคอลเลกชันนี้มีการตัดสินใจที่จะเปลี่ยนหลักการสีของชุดประวัติศาสตร์นี้ กษัตริย์ ราชินี ราชสำนัก (ชาวสเปนทั้งหมด) - เป็นขาวดำ พวกเขาดำเนินชีวิตตามหลักการของหมากรุก และการดำรงอยู่เช่นนี้จะเรียกว่าชีวิตไม่ได้ นี่คือเกม รุกฆาต.

2. วิธีการเชื่อมโยงนั้นขึ้นอยู่กับการเชื่อมโยงที่ได้รับจากแหล่งสร้างสรรค์ใน ในกรณีนี้จากบทละครของ G. Gorin เรื่อง The Legend of Tila

ตัวละครแต่ละตัวในละครเรื่องนี้ก็มี คุณสมบัติที่โดดเด่นแต่ละคนมีลักษณะเฉพาะของตัวเองมีภาพลักษณ์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเอง นอกจากนี้ตัวละครเกือบทั้งหมดยังเปลี่ยนไปตลอดการเล่น และผลก็คือ เครื่องแต่งกายก็เปลี่ยนไปด้วย

การแนะนำ

ละครเป็นศิลปะประเภทหนึ่งที่เป็นตัวแทน ภาพสะท้อนทางศิลปะความเป็นจริงด้วยความช่วยเหลือ การกระทำที่น่าทึ่ง- ในโรงละคร นักแสดงแปลงร่างเป็นฮีโร่แอ็คชั่น สร้างสรรค์ความเป็นจริงเสมือนขึ้นมาใหม่ต่อหน้าผู้ชม และแสดงพัฒนาการของสถานการณ์ วิธีรวบรวมตัวละครในการผลิตต่างๆ ได้แก่ ความเป็นมืออาชีพในการแสดงของนักแสดง การออกแบบเชิงศิลปะของฉาก และผลลัพธ์ กิจกรรมสร้างสรรค์นักออกแบบเครื่องแต่งกายซึ่งสะท้อนถึง ภาพศิลปะตัวละคร ฯลฯ

“การแต่งกายถือเป็นวัตถุทางศิลปะอันทรงเกียรติที่สุดชิ้นหนึ่ง อยู่ใน ในแง่หนึ่ง, ส่วนหนึ่ง รูปร่างมนุษย์ย่อมมีวัตถุอันมหาศาลสำหรับความรู้อยู่ในตัว” เครื่องแต่งกายคือเสื้อผ้าที่บุคคลสวมใส่ การแต่งหน้า ทรงผม รองเท้า เครื่องประดับ (ร่ม ผ้าพันคอ ผ้าพันคอ กระเป๋าเอกสาร กระเป๋า หมวก เครื่องประดับ) เฉพาะในสิ่งที่ซับซ้อนเช่นนี้เท่านั้นที่แนวคิดของเครื่องแต่งกายเสร็จสมบูรณ์

ภาพร่างของเครื่องแต่งกายละครสามารถเป็นภาพประกอบที่มีรายละเอียดมากจนทำให้นักแสดงสามารถมองดูการแสดงบนเวทีของเขาและ การวาดภาพภายในบทบาทและช่างตัดเสื้อ - โครงสร้างและรูปทรงของเสื้อผ้า ร่างที่ดี- ครึ่งหนึ่งของความสำเร็จของนักแสดง และคำชมเชยที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของศิลปินก็คือภาพร่างที่ยืนอยู่ตรงหน้านักแสดงบนโต๊ะแต่งหน้า

วิธีการแก้ไขภาพร่างนั้นขึ้นอยู่กับมโนธรรมทางศิลปะของผู้แต่งทั้งหมด ภาพร่างแก้ปัญหาโครงสร้างของภาพ - ศิลปินมุ่งความสนใจไปที่ความคมชัดของตัวละครที่เกินจริง, ภาพเงา, มุมที่ผิดปกติ, ความแปลกประหลาดของภาพและเสียงสีที่ได้รับการปรับปรุง ภาพร่างดังกล่าวมีสาระสำคัญของภาพบนเวทีในการแสดงออก ในขณะเดียวกัน ภาพร่างก็แสดงถึงความเชื่อทางศิลปะของผู้เขียนในฐานะจิตรกร ศิลปินกราฟิก และศิลปินในสมัยของเขา

คาร์ล มาร์กซ์ เชื่อว่าศิลปะสามารถเพลิดเพลินได้ทางศิลปะเท่านั้น ผู้มีการศึกษา- ในกรณีนี้ ศิลปิน ผู้สร้าง และผู้สร้างผลงานศิลปะควรได้รับการศึกษาเพียงใด ไม่ไร้ประโยชน์ ศิลปินชื่อดังพวกเขาศึกษามาตลอดชีวิต และงานของพวกเขาเองก็คือความรู้เกี่ยวกับชีวิตในทุกรูปแบบ

นี้ งานหลักสูตรเป็นงานวิจัย เป้าหมายคือการเรียนรู้เทคนิคและวิธีการต่างๆ ภาพกราฟิก ระบบแบบครบวงจร"ผู้ชายคือชุดสูท" ภารกิจคือการวิเคราะห์ภาพร่างทางศิลปะและการแต่งกายในพื้นที่ ศิลปะการแสดงละครและใช้เป็นแหล่งสร้างสรรค์เพื่อสร้างคอลเลกชันเสื้อผ้าต้นฉบับ

ภาพร่างกราฟิกเครื่องแต่งกายละคร

คำอธิบายสั้น ๆ ของเครื่องแต่งกายละคร

ดังที่ได้กล่าวมาแล้ว เครื่องแต่งกายละครถือเป็นองค์ประกอบของการออกแบบการแสดง ลักษณะเฉพาะของเครื่องแต่งกายคือจุดประสงค์ที่สร้างขึ้น และบนพื้นฐานของเป้าหมายตามกฎแล้ว - ผู้กำกับมีการสร้างภาพศิลปะซึ่งรวบรวมบทบาทของเครื่องแต่งกายทั้งหมดซึ่งตั้งใจจะแสดงในเวลาต่อมา

ในประวัติศาสตร์ของโรงละคร เครื่องแต่งกายละครแบ่งออกเป็นสามประเภทหลัก ได้แก่ ตัวละคร เกม และเสื้อผ้า นักแสดงชาย- เครื่องแต่งกายหลักทั้งสามประเภทนี้มีอยู่ในทุกขั้นตอนของศิลปะการแสดง ตั้งแต่พิธีกรรมและนิทานพื้นบ้านก่อนการแสดงละคร ไปจนถึงการปฏิบัติศิลปะสมัยใหม่

ในการแสดงโอเปร่าปักกิ่งแบบดั้งเดิม เครื่องแต่งกายนี้แสดงถึงภาพลักษณ์ของมังกรที่น่าเกรงขาม ในแบบ No Theatre ของญี่ปุ่น - ลวดลายของธรรมชาติ และในยุคบาโรกของศตวรรษที่ 17 - ยุติธรรมหรือสันติภาพ หากเครื่องแต่งกายของตัวละครในพิธีกรรมและนิทานพื้นบ้าน (เช่นเดียวกับองค์ประกอบอื่น ๆ ของฉาก) เป็นผลมาจากความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินพื้นบ้านที่ไม่เปิดเผยตัวตนในศตวรรษที่ 20 ตั้งแต่เริ่มแรกศิลปินก็เริ่มแต่งชุดเหล่านี้: I. Bilibin - ใน โอเปร่า The Golden Cockerel โดย N. Rimsky-Korsakov (1909), K. Frych - ใน The Storm โดย W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - ใน Tsar Maximilian, P. Filonov - ในโศกนาฏกรรมของ Vladimir Mayakovsky และ ในที่สุด K. Malevich - ในโครงการ Victory over the Sun (ทั้งสามโปรดักชั่น พ.ศ. 2456) จากนั้นในช่วงปลายทศวรรษ 1910 - ครึ่งแรกของปี 1920 เครื่องแต่งกายของตัวละครทั้งชุดถูกสร้างขึ้นโดยนักอนาคตชาวอิตาลี: E. Prampolini, F. Depero และคนอื่น ๆ, O. Schlemmer จาก German Bauhaus และในบัลเล่ต์ - P. Picasso ซึ่งแสดงผู้จัดการที่แปลกประหลาดในขบวนพาเหรด

เครื่องแต่งกายสำหรับการแสดงก่อให้เกิดกระแสนิยมในฉากและถูกใช้โดยศิลปินและผู้กำกับเป็นองค์ประกอบของ "จานสี" ในการแสดงออก

เครื่องแต่งกายก็เหมือนกับเสื้อผ้าของตัวละคร มักจะเป็นพื้นฐานในการประกอบประเภทของเครื่องแต่งกายที่กล่าวถึงข้างต้น (ตัวละครและเกม) ในทุกยุคสมัย การพัฒนาทางประวัติศาสตร์โรงละครคือสิ่งที่แสดงบนเวทีของสิ่งที่ผู้คนสวมใส่ในช่วงเวลาที่กำหนด ไม่มากก็น้อย มันเป็นโศกนาฏกรรมสมัยโบราณ และยังคงอยู่ในการแสดงในสมัยของเรา ในเวลาเดียวกัน วิวัฒนาการโดยทั่วไปของเครื่องแต่งกายประเภทนี้มีลักษณะเฉพาะคือการเคลื่อนไหวจากรูปแบบทั่วไปของเสื้อผ้าจริง (ในยุคบาโรกและคลาสสิก) ไปสู่การเพิ่มขึ้นทางประวัติศาสตร์ ภูมิศาสตร์ ความถูกต้องของชาติ ความถูกต้อง และความถูกต้อง

ในโรงละครแห่งความเป็นธรรมชาติและความสมจริงทางจิตวิทยา เครื่องแต่งกายจะเพียงพอกับลักษณะของตัวละครอย่างสมบูรณ์ ซึ่งไม่เพียงแสดงออกถึงสถานะทางสังคมของเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงของเขาด้วย สภาพจิตใจ- ในเวลาเดียวกันทั้งในปัจจุบันและในศตวรรษที่ผ่านมา เครื่องแต่งกายยังคงเป็นเรื่องของความคิดสร้างสรรค์พิเศษของศิลปิน (ในบรรดาปรมาจารย์ที่โดดเด่นที่สุด วิจิตรศิลป์และฉาก) และแต่งมันขึ้นมา (แม้จะดูเหมือนเป็นเครื่องแต่งกายในชีวิตประจำวัน ไม่ต้องพูดถึงชุดที่น่าอัศจรรย์) ไม่เพียงแต่ แยกงานแต่อย่างไร องค์ประกอบที่สำคัญผลงาน.

เครื่องแต่งกายละครองค์ประกอบของการออกแบบประสิทธิภาพ ในประวัติศาสตร์ของโรงละคร รู้จักเครื่องแต่งกายละครหลักสามประเภท ได้แก่ เสื้อผ้าตัวละคร เกม และเสื้อผ้าของตัวละคร เครื่องแต่งกายหลักทั้งสามประเภทนี้มีอยู่ในทุกขั้นตอนของศิลปะการแสดง ตั้งแต่พิธีกรรมและนิทานพื้นบ้านก่อนการแสดงละคร ไปจนถึงการปฏิบัติศิลปะสมัยใหม่

เครื่องแต่งกายของตัวละครเป็นการจัดองค์ประกอบภาพพลาสติกบนร่างของนักแสดง โดยเขาเคลื่อนไหวและเปล่งเสียง (โดยการออกเสียงข้อความหรือการร้องเพลง) บางครั้งก็ซ่อนร่างของเขาไว้อย่างสมบูรณ์ คล้ายกับการที่หน้ากากปิดหน้าของเขา ตัวอย่างเครื่องแต่งกายของตัวละครในพิธีกรรมและพิธีกรรมทั่วโลก ภาพเงารูประฆังของเครื่องแต่งกายอินเดียเป็นการถอดความจากวิหารเต็นท์หอคอยของ Nagara Shakhara และเมนูภูเขาศักดิ์สิทธิ์ (ศูนย์กลางและแกนของโลกในตำนานเทพเจ้าฮินดู) ภาษาจีน - ด้วยรูปแบบ การออกแบบ การตกแต่ง และสีสัน แสดงถึงสัญลักษณ์ทางจักรวาลวิทยาโบราณของการสลับกันตามธรรมชาติของแสงสว่างและความมืด การรวมสวรรค์และโลกเข้าด้วยกันในการสร้างโลก เครื่องแต่งกายชามานิกของชาวภาคเหนือรวบรวมภาพของนกมหัศจรรย์ที่เกี่ยวข้องกับ "โลกบน" และสัตว์ร้าย (ผู้อาศัยใน "โลกล่าง") รัสเซียใต้เป็นตัวอย่างหนึ่งของจักรวาล ในการแสดงโอเปร่าปักกิ่งแบบดั้งเดิม เครื่องแต่งกายนี้แสดงถึงภาพลักษณ์ของมังกรที่น่าเกรงขาม ในแบบ No Theatre ของญี่ปุ่น - ลวดลายของธรรมชาติ และในยุคบาโรกของศตวรรษที่ 17 - ยุติธรรมหรือสันติภาพ หากเครื่องแต่งกายของตัวละครในพิธีกรรมและนิทานพื้นบ้าน (เช่นเดียวกับองค์ประกอบอื่น ๆ ของฉาก) เป็นผลมาจากความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินพื้นบ้านที่ไม่เปิดเผยตัวตนในศตวรรษที่ 20 ตั้งแต่เริ่มแรกศิลปินก็เริ่มแต่งชุดเหล่านี้: I. Bilibin - ใน โอเปร่า กระทงทอง N. Rimsky-Korsakov (1909), K. Frych - ใน บัวร์ W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - เข้า ซาร์แม็กซิมิเลียน, P. Filonov - ตกอยู่ในโศกนาฏกรรม วลาดิมีร์ มายาคอฟสกี้ในที่สุด K. Malevich ก็อยู่ในโปรเจ็กต์นี้ ชัยชนะเหนือดวงอาทิตย์(ทั้งสามผลงาน พ.ศ. 2456) จากนั้นในช่วงปลายทศวรรษ 1910 - ครึ่งแรกของปี 1920 เครื่องแต่งกายของตัวละครทั้งชุดถูกสร้างขึ้นโดยนักอนาคตชาวอิตาลี E. Prampolini, F. Depero และคนอื่น ๆ , O. Schlemmer จาก German Bauhaus และในบัลเล่ต์ - P. Picasso ซึ่งแสดงให้เห็นถึงผู้จัดการที่แปลกประหลาดใน ขบวนพาเหรด E. Satie และ F. Leger - เทพนิโกรมา การสร้างโลกดี.มิลโล. ในที่สุด "สถาปัตยกรรม" เครื่องแต่งกายแบบเหลี่ยมของ A. Vesnin ได้รับความสำคัญของตัวละครในการแสดงของ A. Tairov - ใน การประกาศการเรียบเรียง Suprematist ของเขาเองเกี่ยวกับร่างของวีรบุรุษ เฟดรา.บน ฉากอื่น ๆ - "ชุดเปลือกหอย" โดย Yu แก๊ส G. Kaiser และ A. Petritsky เข้ามา วีรวมถึงภาพต่อกันอันน่าอัศจรรย์เป็นเครื่องแต่งกายของตัวละครสำหรับการเล่น สารวัตร,ซึ่งถูกสร้างขึ้นโดยนักเรียนของ P. Filonov (N. Evgrafov, A. Landsberg และ A. Sashin) ในรูปแบบของแสตมป์, ตราอาร์ม, ซีล, ซองจดหมาย ฯลฯ - ลักษณะของ Postmaster, สูตร, ลายเซ็น, เข็มฉีดยา, สวนทวาร, เทอร์โมมิเตอร์ - ตัวละครของหมอ, ขวด , ไส้กรอก, แฮม, แตงโม ฯลฯ - ตัวละครของโรงเตี๊ยมแมน ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เครื่องแต่งกายเป็นตัวละครภาพที่เป็นอิสระซึ่งแสดงแยกจากนักแสดงเป็นองค์ประกอบของฉากถูกสร้างขึ้นโดย M. Kitaev และ S. Stavtseva และในฐานะ หลากหลายชนิดการแต่งเพลงเกี่ยวกับร่างของนักแสดง - K. Shimanovskaya, D. Mataiten, Y. Kharikov

เครื่องแต่งกายเป็นวิธีหนึ่งในการเปลี่ยนรูปลักษณ์ของนักแสดงและเป็นหนึ่งในองค์ประกอบในการแสดงของเขา ในพิธีกรรมและคติชนวิทยา การเปลี่ยนแปลงส่วนใหญ่มักมีลักษณะล้อเลียนที่แปลกประหลาด เมื่อผู้ชายแต่งตัวเป็นผู้หญิง ผู้หญิงเป็นผู้ชาย ชายหนุ่มเป็นชายชรา ความงามเป็นแม่มด หรือเมื่อพวกเขาแสดงภาพสัตว์ต่างๆ ในเวลาเดียวกันทุกอย่างที่มีอยู่ในมือก็ถูกนำมาใช้: แจ็คเก็ต, เสื้อคลุมหนังแกะ, ปลอก, หนังแกะ - กลับด้านในออกเสมอ, ตลกกว่าและน่าขบขันมากกว่าตลอดจนเสื้อผ้าอื่น ๆ ที่ค่อนข้างไร้สาระ "กลับหัว" ตัวอย่างเช่นกางเกงขายาวที่สั้นมากเสื้อเชิ้ตที่กว้างเกินไปถุงน่องที่มีรูพรุนผ้าขี้ริ้วผ้าขี้ริ้วผ้าขี้ริ้วกระเป๋าเชือกทุกประเภท ทุกสิ่งที่ธรรมชาติมอบให้ถูกนำมาใช้ หญ้า ดอกไม้ ฟาง ใบไม้ ในที่สุดการตกแต่งประดิษฐ์ต่างๆก็ถูกนำมาใช้เช่นกัน: กระดาษสี, เปลือกไม้เบิร์ช, ฟอยล์, แก้ว, ริบบิ้น, กระจก, ระฆัง, ขนนก ฯลฯ เทคนิคการปลอมตัวที่แปลกประหลาดส่งต่อไปยังการแสดงตลกกรีกโบราณและในโรงละครแบบดั้งเดิมของตะวันออก ซึ่งผสมผสานกับการแสดงที่หลากหลายของนักแสดงพร้อมองค์ประกอบของเครื่องแต่งกายของเขา: เสื้อแขนยาวและขนไก่ฟ้าในปักกิ่งโอเปร่า, รถไฟ, ผ้าเช็ดตัว และแฟนๆ ในละครโนของญี่ปุ่น การแสดงของละครตลกอิตาลี dell'arte ซึ่งรับบทโดยเช็คสเปียร์และโลเป เด เวกามีพื้นฐานมาจากการปลอมตัวและการปลอมตัวที่ไม่มีที่สิ้นสุด ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 เอ็มมา ฮาร์ต (เลดี้ แฮมิลตัน) ใช้การเต้นรำอันโด่งดังของเธอโดยใช้ผ้าคลุมไหล่ หลังจากนั้นเทคนิคที่คล้ายกัน (การจัดการกับผ้าพันคอ ผ้าคลุมเตียง ผ้าคลุมหน้า และองค์ประกอบเครื่องแต่งกายอื่น ๆ ที่คล้ายคลึงกัน) ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในโรงละครบัลเล่ต์แห่งศตวรรษที่ 19 ซึ่งถึงระดับสูงสุด ความสูงทางศิลปะในผลงานของ L. .Bakst ซึ่งมีภาพร่างการออกแบบท่าเต้นรวมถึงพลวัตของผ้าที่บินได้หลากหลาย, เข็มขัด, ผ้าพันคอ, กระโปรง, ผ้าพันคอ, เสื้อคลุม, เสื้อคลุม, จี้, สายรัดถุงเท้ายาว บน ฉากที่น่าทึ่งประเพณีของเครื่องแต่งกายที่เล่นไปพร้อมกับการเคลื่อนไหวของนักแสดงยังคงดำเนินต่อไป - โดยการแสดงออกแบบคิวโบ - ฟิวเจอร์ริสต์ - โดย A. Exter ในการแสดงของ Chamber Theatre ซาโลเมโอ. ไวลด์และ โรมิโอและ จูเลียต W. Shakespeare และหลังจากนักเรียนของเธอ P. Chelishchev และปรมาจารย์คนอื่น ๆ ในช่วงต้นทศวรรษ 1920: V. Khodasevich และ I. Nivinsky, I. Rabinovich และ G. Yakulov, S. Eisenstein และ G. Kozintsev ในที่สุดก็อีกครั้งบนเวทีบัลเล่ต์ ในการผลิตโดย K. Goleizovsky - B. Erdman หากในช่วงเวลานี้การเล่นเครื่องแต่งกายก่อให้เกิดเทรนด์การถ่ายภาพในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ศิลปินและผู้กำกับใช้กันอย่างแพร่หลายเช่นกัน แต่เป็นความจำเป็นโดยเป็นองค์ประกอบของ "จานสี" ของวิธีการแสดงออก ในบรรดาผู้เขียนเครื่องแต่งกายละครสมัยใหม่ ได้แก่ ศิลปินชาวจอร์เจีย Sameuli, G. Alexi-Meskhishvili และ N. Ignatov ตัวอย่างที่คล้ายกันสามารถพบได้ในโรงภาพยนตร์ของประเทศอื่น ๆ : ในโปแลนด์, สาธารณรัฐเช็ก, เยอรมนี, อิตาลี

เครื่องแต่งกายก็เหมือนกับเสื้อผ้าของตัวละคร มักเป็นพื้นฐานสำหรับการสร้างประเภทของเครื่องแต่งกายที่กล่าวถึงข้างต้น (ตัวละครและบทละคร) ในทุกช่วงเวลาของพัฒนาการทางประวัติศาสตร์ของโรงละคร ไม่มากก็น้อย การแสดงบนเวทีของสิ่งที่ผู้คนสวมใส่ในช่วงเวลาที่กำหนด มันเป็นโศกนาฏกรรมสมัยโบราณ และยังคงอยู่ในการแสดงในสมัยของเรา ในเวลาเดียวกัน วิวัฒนาการโดยทั่วไปของเครื่องแต่งกายประเภทนี้มีลักษณะเฉพาะคือการเคลื่อนไหวจากรูปแบบทั่วไปของเสื้อผ้าจริง (ในยุคบาโรกและลัทธิคลาสสิก) ไปสู่การเพิ่มขึ้นทางประวัติศาสตร์ ภูมิศาสตร์ ความถูกต้องของชาติ ความถูกต้อง และความถูกต้อง ในโรงละครแห่งความเป็นธรรมชาติและความสมจริงทางจิตวิทยา เครื่องแต่งกายจะเพียงพอกับลักษณะของตัวละครโดยสมบูรณ์ ซึ่งไม่เพียงแสดงถึงสถานะทางสังคมของเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสภาพจิตใจของเขาด้วย ในเวลาเดียวกันทั้งในปัจจุบันและในศตวรรษที่ผ่านมา เครื่องแต่งกายยังคงเป็นหัวข้อของความคิดสร้างสรรค์พิเศษของศิลปิน (ในบรรดาผู้เชี่ยวชาญด้านวิจิตรศิลป์และการออกแบบเวทีที่โดดเด่นที่สุด) และพวกเขาก็แต่งมันขึ้นมา (แม้จะดูเหมือนเป็นเครื่องแต่งกายในชีวิตประจำวันของใช้ในชีวิตประจำวัน ไม่ใช่ ที่จะกล่าวถึง ยอดเยี่ยม ) ไม่เพียง แต่เป็นงานที่แยกจากกันเท่านั้น แต่ยังเป็นองค์ประกอบสำคัญของการแสดงอีกด้วย

“ส่วนหนึ่งของฉากที่อยู่ในมือของนักแสดงคือเครื่องแต่งกายของเขา”
สารานุกรมฝรั่งเศส.

“เครื่องแต่งกายเปรียบเสมือนเปลือกที่สองของนักแสดง มันเป็นสิ่งที่แยกออกจากความเป็นตัวเขาไม่ได้ มันเป็นใบหน้าที่มองเห็นได้ของภาพบนเวทีของเขา ซึ่งจะต้องผสานเข้ากับตัวเขาอย่างสมบูรณ์เพื่อที่จะแยกกันไม่ออก...”
อ.ยา ทารอฟ.

ละครเป็นรูปแบบศิลปะสังเคราะห์ที่ช่วยให้เราไม่เพียงแต่ได้ยิน ไม่เพียงแต่จินตนาการ แต่ยังรวมถึงการชมและดูด้วย โรงละครเปิดโอกาสให้เราได้ชมละครแนวจิตวิทยาและมีส่วนร่วมในความสำเร็จและเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ โรงภาพยนตร์, การแสดงละครเกิดขึ้นจากความพยายามของศิลปินมากมายตั้งแต่ผู้กำกับและนักแสดงไปจนถึงผู้ออกแบบงานสร้างเพราะการแสดงเป็นการ “ผสาน” ศิลปะที่แตกต่างซึ่งแต่ละแผนในแผนนี้ได้รับการเปลี่ยนแปลงและได้รับคุณภาพใหม่…”

เครื่องแต่งกายละครเป็นองค์ประกอบของภาพบนเวทีของนักแสดง สิ่งเหล่านี้เป็นสัญญาณภายนอกและลักษณะเฉพาะของตัวละครที่แสดงให้เห็นซึ่งช่วยในการเปลี่ยนแปลงของนักแสดง วิธี อิทธิพลทางศิลปะที่ผู้ชม สำหรับนักแสดง เครื่องแต่งกายถือเป็นเรื่องสำคัญ รูปแบบที่ได้รับแรงบันดาลใจจากความหมายของบทบาท

เช่นเดียวกับนักแสดงทั้งคำพูดและท่าทาง การเคลื่อนไหว และน้ำเสียง ทำให้เกิดภาพลักษณ์ใหม่ของภาพบนเวที โดยเริ่มจากสิ่งที่ได้รับในละคร ดังนั้น ศิลปินจึงนำข้อมูลเดียวกันจากละครมารวบรวมภาพไว้ ผ่านทางศิลปะของเขา

ตลอดประวัติศาสตร์ศิลปะการแสดงละครที่มีอายุหลายศตวรรษ การออกแบบฉากได้รับการเปลี่ยนแปลงเชิงวิวัฒนาการอย่างต่อเนื่อง ซึ่งไม่เพียงเกิดจากการปรับปรุงเทคโนโลยีบนเวทีเท่านั้น แต่ยังเกิดจากความผันผวนของรูปแบบและแฟชั่นในช่วงเวลาที่สอดคล้องกันด้วย ขึ้นอยู่กับลักษณะของโครงสร้างวรรณกรรมของบทละคร, ประเภทของละคร, องค์ประกอบทางสังคมของผู้ชม, ระดับของเทคโนโลยีบนเวที

ช่วงเวลาแห่งความมั่นคง โครงสร้างทางสถาปัตยกรรมสมัยโบราณได้เปิดทางไปสู่ยุคดึกดำบรรพ์ของยุคกลาง ซึ่งทำให้โรงละครในราชสำนักมีการแสดงที่หรูหราแบบพอเพียงได้ มีการแสดงด้วยผ้าในการตกแต่งเชิงสร้างสรรค์ที่ซับซ้อนเฉพาะในการออกแบบแสงเท่านั้นโดยไม่มีการตกแต่งเลย - บนเวทีเปลือยบนแท่นบนทางเท้า

บทบาทของเครื่องแต่งกายในฐานะของตกแต่งที่ "เคลื่อนไหว" มีบทบาทสำคัญมาโดยตลอด มุมมองเกี่ยวกับ "ความสัมพันธ์" ของเขากับนักแสดงเวลาและประวัติศาสตร์และสุดท้ายกับ "หุ้นส่วน" โดยตรงของเขา - การออกแบบทางศิลปะของเวที - เปลี่ยนไป

ในกระบวนการพัฒนางานศิลปะอย่างก้าวหน้า โรงละครสมัยใหม่นวัตกรรมการกำกับ การเปลี่ยนแปลงวิธีการ การตกแต่งบทบาทของศิลปะการแต่งกายไม่ได้ลดลง - ในทางตรงกันข้าม ด้วยการเติบโตของพี่น้องที่อายุน้อยกว่าและมีความยืดหยุ่นมากขึ้น - ภาพยนตร์และโทรทัศน์ - โรงละครไม่ต้องสงสัยเลยว่าได้รับในการค้นหาและทรมานเทคนิคที่น่าตื่นเต้นรูปแบบใหม่ ๆ ซึ่งเป็นเทคนิคที่จะปกป้องและกำหนดตำแหน่งของโรงละครว่าเป็นคุณค่าที่ยั่งยืนของศิลปะอิสระ รูปร่าง. เครื่องแต่งกายซึ่งเป็นองค์ประกอบที่สามารถเคลื่อนย้ายได้มากที่สุดของฉากละครได้รับการจัดอันดับให้เป็นที่หนึ่งในการค้นหาครั้งนี้

สูง วัฒนธรรมสมัยใหม่ศิลปะการแสดงละคร งานกำกับละครและการแสดงที่ละเอียดอ่อนและลึกซึ้ง การแสดงที่มีพรสวรรค์ต้องการจากนักออกแบบเครื่องแต่งกายที่ออกแบบการแสดง โดยเจาะลึกเข้าไปในละครของการแสดงอย่างละเอียดถี่ถ้วน มีการติดต่ออย่างใกล้ชิดกับผู้กำกับ การออกแบบที่ทันสมัยไม่ได้รับการบัญญัติตามกฎเกณฑ์ เป็นรายบุคคลและเฉพาะเจาะจงในแต่ละกรณี “งานของผู้กำกับแยกออกจากงานของศิลปินไม่ได้ ขั้นแรก ผู้กำกับต้องหาคำตอบของตัวเองสำหรับปัญหาพื้นฐานของฉาก ในทางกลับกัน ศิลปินจะต้องรู้สึกถึงงานของการผลิตและแสวงหาวิธีการแสดงออกอย่างไม่หยุดยั้ง…” เครื่องแต่งกายละครถูกสร้างขึ้นครั้งแรกโดยใช้วิธีการมองเห็นนั่นคือภาพร่าง

การเห็นตัวเองสวมชุดสูทสุดสัปดาห์ในความฝันหมายความว่าคุณจะได้รับเชิญ ปาร์ตี้สนุก ๆพร้อมกับเพื่อนดีๆมากมาย ผักดอง และเครื่องดื่มเข้มข้นไม่น้อย

การแต่งกายด้วยชุดทำงานแบบสบายๆ จะทำให้เงินเดือนล่าช้า

ฝันถึงคุณ ชุดสูทผู้ชายแสดงถึงการสูญเสียทางการเงินซึ่งการเติมเต็มจะใช้เวลานาน

การเห็นชุดตัวตลกในความฝัน - คุณจะค้นพบว่าคุณเข้าใจผิดเกี่ยวกับบุคคลที่ถือว่าจริงจังและจำเป็นเมื่อพูดถึงความสัมพันธ์ทางธุรกิจ

การสวมชุดตัวตลกเป็นอันตรายต่อการยอมจำนนต่อสิ่งล่อใจของชีวิตที่เรียบง่ายซึ่งมีหวือหวาทางอาญา

การตีความความฝันจากการตีความความฝันตามลำดับตัวอักษร

สมัครสมาชิกช่องการตีความความฝัน!

การตีความความฝัน - ชุดสูทสามชิ้นและหมายเลขสาม

การลองสวมชุดสูทสามชิ้นในความฝันหมายความว่าคุณไม่ได้อยู่ในชีวิตของคุณ

หากผู้หญิงเห็นความฝันนี้ แสดงว่าภายใน 3 เดือน เธอจะตัดสินใจแต่งงานกับคนที่เธอไม่ได้รัก และชีวิตแต่งงานของเธอจะไม่มีความสุข

หากเด็กนักเรียนมีความฝันเช่นนี้ หลังจากผ่านไป 66 วัน เขาจะแสดงความไม่รู้โดยสมบูรณ์ในการสอบหรือการสัมภาษณ์

สำหรับนักธุรกิจ ความฝันดังกล่าวสัญญาว่าจะล่มสลายของความหวังอันทะเยอทะยานในอีก 3 สัปดาห์ข้างหน้า เนื่องจากเขาตั้งเป้าหมายไว้สูงเกินไป เขาจึงควรจัดสิ่งต่าง ๆ ตามลำดับในความคิดและแผนของเขา

การตีความความฝันจาก