สื่อการสอนการเล่นกีตาร์ สื่อการศึกษาและระเบียบวิธีเกี่ยวกับดนตรีในหัวข้อ: มาสเตอร์คลาส “ วิธีการและเทคนิคในการสอนการเล่นกีตาร์คลาสสิค

ชุดเครื่องมือ

"ก้าวแรกกับกีตาร์หกสาย"

· การแนะนำ.

· ส่วนสำคัญ.

· บทที่ 1 ช่วงก่อนบันทึกการฝึกอบรม

·บทที่สอง ทำความรู้จักกับบันทึกย่อ

· บทที่ 3 แอพเพลง

·บทที่สี่ การสร้างพื้นฐานของการคัดเลือกโดยการได้ยิน

· บทสรุป.

การแนะนำ.

งานนี้เป็น วัสดุระเบียบวิธีและตัวอย่างดนตรีที่ผู้เขียนใช้ในการฝึกเล่นกีตาร์หกสายกับนักเรียนชั้นอนุบาลและประถมศึกษา โรงเรียนคลาสสิกเกมกีตาร์ - M. Carcassi, E. Pujol, P. Agafoshin, A. Ivanov-Kramsky ออกแบบมาสำหรับนักเรียนที่มีอายุมากกว่าและ ชั้นต้นยากสำหรับเด็กอายุ 6-7 ขวบ ที่บางครั้งอ่านไม่ออกเขียนไม่ออกแต่อยากเล่นเครื่องดนตรีตั้งแต่บทเรียนแรกๆ มีคอลเลกชันที่ทันสมัยกว่าสำหรับผู้เริ่มต้น เช่น “A Guitarist's Primer คู่มือสำหรับผู้เริ่มต้น (กีตาร์หกสาย)" เรียบเรียงหรือ "บทเรียนจากผู้เชี่ยวชาญสำหรับผู้เริ่มต้น" โดย Dmitry Ageev แต่มีไว้สำหรับ "คนรัก" ที่เป็นผู้ใหญ่ในการเล่นกีตาร์มากกว่าสำหรับเด็ก ครอบคลุมระยะเวลาตั้งแต่ก้าวแรกจนถึงการเล่น กลุ่มดนตรีมีแหล่งข้อมูลมากมายที่มีลักษณะทางการศึกษาที่หลากหลาย โดยส่วนใหญ่ใช้ตารางกีตาร์และสัญลักษณ์อื่น ๆ ในการสอน ซึ่งเป็นที่ยอมรับไม่ได้สำหรับโรงเรียนดนตรี การศึกษาของโรงเรียนมีพื้นฐานมาจาก โน้ตดนตรีและนักเรียนควรได้รับการสอนวัฒนธรรมการจัดการโน้ตเพลงตั้งแต่บทเรียนแรกสุด ด้วยเหตุนี้ กล่าวคือ การขาดแคลนตัวอย่างดนตรีเพื่อการศึกษาแบบเบา จึงจำเป็นต้องสร้างสื่อการสอนประเภทนี้ ขั้นแรกให้พิจารณาช่วงก่อนบันทึกการฝึกอบรมจากนั้นเมื่อมีการศึกษาบันทึกย่อความซับซ้อนของวัสดุจะพิจารณาด้วยการเพิ่มองค์ประกอบใหม่ ๆ มากขึ้นเรื่อย ๆ วิธีการสอนหลักใช้ในการสอนตั้งแต่ง่ายไปจนถึงซับซ้อนผ่านการทำซ้ำสิ่งที่ได้เรียนรู้ ในระหว่างกระบวนการเรียนรู้ คุณควรกำหนดให้นักเรียนปฏิบัติตามคำแนะนำทั้งหมดที่ระบุไว้ในบันทึกอย่างถูกต้องและถูกต้องอยู่เสมอ และพัฒนาการควบคุมตนเองอย่างเต็มที่ซึ่งจำเป็นต่อการทำการบ้านให้สำเร็จ

สื่อดนตรี แบบฝึกหัด - ทุกอย่างมีชื่อ เพราะมันช่วยให้เด็กพัฒนาการคิดเชิงจินตนาการ

งานนี้ไม่ได้กล่าวถึงประเด็นเรื่องการจัดที่นั่ง การจัดเวที หรือวิธีการผลิตเสียงกีตาร์ เนื่องจากเกิดขึ้นในการฝึกอบรมวิชาชีพของครูทุกคน นี่เป็นรายละเอียดและอยู่ในรูปแบบที่สามารถเข้าถึงได้

Instructions" ในคอลเลกชันของ A. Gitman "การฝึกเบื้องต้นเกี่ยวกับหกสาย

กีตาร์" - "ส่วนที่ 1"

สิ่งสำคัญอย่างยิ่งในการเรียนรู้เครื่องดนตรีใดๆ ก็คือความสามารถของนักเรียนในการเลือกทำนองเพลงที่ชื่นชอบด้วยหู ความสามารถนี้เป็นแรงจูงใจเพิ่มเติมในการเรียนดนตรี บท “การสร้างพื้นฐานของการเลือกหู” นำเสนอความพยายามที่จะจัดระบบกระบวนการสอนนี้ให้เกิดขึ้นจากเนื้อหาที่ศึกษาและเป็นพื้นฐานในการเลือกดนตรีประกอบสำหรับเพลงและการเล่นกีตาร์ประเภทอื่น

ผู้เขียนเชื่อว่าคู่มือการพัฒนาวิธีการนี้จะเป็นประโยชน์สำหรับผู้เริ่มต้นรุ่นเยาว์ในการฝึกอบรมนักกีตาร์รุ่นเยาว์เบื้องต้นและการสร้างวิธีการของตนเองและยังจะช่วยฝึกหัดครูพิเศษอื่น ๆ ซึ่งในยุคของเรามักจะสอน "กีตาร์" ระดับ".

ส่วนสำคัญ.

บทฉัน.

ระยะเวลาแจ้งล่วงหน้าการฝึกอบรม

ช่วงเวลานี้ในการฝึกฝนนักกีตาร์รุ่นเยาว์ไม่ได้หมายความถึง "การเล่นด้วยมือ" แต่อย่างใด สันนิษฐานว่าครูเขียนเนื้อหาเกี่ยวกับดนตรีสำหรับนักเรียนลงในสมุดบันทึก และนักเรียนเล่นจากบันทึกเหล่านี้และดำเนินการสังเกตนิ้วมือในมือขวาและมือซ้าย เฟรตบนฟิงเกอร์บอร์ด และอื่นๆ ในทำนองเดียวกัน

เมื่อคุณคุ้นเคยกับเครื่องดนตรีเป็นครั้งแรก - กีตาร์หกสาย - คุณควรอธิบายชื่อนิ้วมือขวา:

P - นิ้วหัวแม่มือ

ฉัน - นิ้วชี้

ม. - นิ้วกลาง

ก – นิ้วนาง

นิ้วก้อยในมือขวาไม่เกี่ยวข้องกับการผลิตเสียงและมีกฎสำหรับมือขวา - การสลับนิ้วบังคับ: “ เราไม่มีสิทธิ์เล่นด้วยนิ้วเดียว!” เพื่อเปรียบเทียบคุณสามารถขอให้นักเรียนเดินด้วยขาเดียวแล้วถามเขาเกี่ยวกับความรู้สึก: สบายไหมเดินแบบนี้ได้เท่าไหร่?

มันเขียนไว้ตรงไหน. ไม้เท้า,

กีตาร์เล่นที่ไหน?

จากนั้นฉันก็แสดงชุดแบบฝึกหัดสำหรับการสลับนิ้วมือขวา เขียนเป็นภาพแล้วเล่น:

แบบฝึกหัด #1

https://pandia.ru/text/78/486/images/image002_24.jpg" width="193" height="92 src=">

ขอแนะนำให้แนะนำแนวคิดเรื่องระยะเวลาทันทีและสอนให้นักเรียนนับออกเสียงจากบทเรียนแรกซึ่งจะช่วยในอนาคตเพื่อหลีกเลี่ยงปัญหาเรื่องจังหวะ:

https://pandia.ru/text/78/486/images/image004_21.jpg" width="232" height="94 src=">

มาทำให้งานซับซ้อนขึ้น:

1) สเกลสีจากโน้ต "F" ทั่วทั้งฟิงเกอร์บอร์ดตลอดสายที่ 1

มือซ้าย – 1-2 นิ้ว มือขวา – ฉันสลับกัน

2) สเกลสีจากโน้ต "F" ทั่วทั้งฟิงเกอร์บอร์ดตลอดสายที่ 1

ตั้งแต่เฟรตที่ 1 ถึงเฟรตที่ 13 ในการเคลื่อนไหวขึ้นและลง

มือซ้าย – 1-2-3 นิ้ว มือขวา – สลับกัน

3) สเกลสีจากโน้ต "F" ทั่วทั้งฟิงเกอร์บอร์ดตลอดสายที่ 1

ตั้งแต่เฟรตที่ 1 ถึงเฟรตที่ 13 ในการเคลื่อนไหวขึ้นและลง

มือซ้าย - 1-2-3-4 นิ้ว มือขวา - สลับ i-m และเมื่อเลื่อนขึ้นไปถึงเฟรตที่ 12 เราก็เลื่อนนิ้วที่ 4 ไปที่เฟรตที่ 13 และเมื่อเลื่อนลงมาถึงเฟรตที่ 2 ในวันที่ 1 หงุดหงิด เลื่อนนิ้วแรกของมือซ้ายไปที่เฟรตที่ 1:

https://pandia.ru/text/78/486/images/image008_19.jpg" width="742" height="99 src=">

ชิ้นส่วนเกี่ยวกับสี โดยที่นิ้วทั้งสี่ของมือซ้ายเล่นในทิศทางจากน้อยไปหามาก

การเคลื่อนไหวลงสามครั้งติดต่อกัน นิ้วมือซ้ายสอดคล้องกับอาการหงุดหงิดบนฟิงเกอร์บอร์ด อธิบายไปพร้อมกัน: แนวคิดของ "creacendo-diminuendo" - การทำให้เสียงเข้มขึ้นและเสื่อมลง แนวคิดของ "การสรุป" - การทำซ้ำ

https://pandia.ru/text/78/486/images/image010_19.jpg" width="622" height="82">

ในมือขวา วางนิ้วหัวแม่มือ “p” บนสายที่ 6 และนิ้วที่เหลือเล่นข้างใต้

"โปเปฟกา"

ในตัวอย่างนี้ เมื่อเปรียบเทียบกับอันก่อนหน้านี้ มีการสลับโน้ตยาว - โน้ตครึ่งตัว และโน้ตสั้น - โน้ตสี่ส่วน นั่นคือความซับซ้อนของรูปแบบจังหวะ มันคุ้มค่าที่จะดึงความสนใจของนักเรียน

"ดาวน์ฮิลล์"

จนถึงขณะนี้นักเรียนเล่นทำนองคล้ายกันแต่เพิ่มโน้ตใหม่เท่านั้น และในตัวอย่างนี้ ทำนองไม่ได้ขึ้นต้นด้วยสายเปิด และโน้ตไม่ได้เล่นเป็นสองอันที่เหมือนกัน แต่เรียงตามลำดับจาก "G" ลงมา ดึงความสนใจของนักเรียนไปที่ความแตกต่างเหล่านี้และเน้นการสลับ - ฉัน - ฉัน - ในมือขวา

"แมวสองตัว"

นิ้วที่ 4 ของมือซ้าย นิ้วก้อย เริ่มเข้ามามีส่วนร่วม นับจากนี้เป็นต้นไป นิ้วมือซ้ายทั้งหมดมีส่วนร่วมในเกม ความสนใจของนักเรียนควรถูกดึงความสนใจไปที่การสังเกตการใช้นิ้วอย่างแม่นยำ เนื่องจากจนถึงโน้ต "A" นิ้วมือซ้ายตรงกับเฟรตบน ฟิงเกอร์บอร์ด:

· โน้ต “F” - เฟรตที่ 1 – นิ้วที่ 1

· หมายเหตุ “F-sharp” - เฟรตที่ 2 – นิ้วที่ 2

· โน้ต "โซล" - เฟรตที่ 3 – นิ้วที่ 3

· โน้ต "G ชาร์ป" - เฟรตที่ 4 - นิ้วที่ 4

และตอนนี้เรื่องบังเอิญก็ไม่จำเป็นอีกต่อไป

“ มีต้นเบิร์ชอยู่ในทุ่งนา”

บทเรียนแรกคือการเล่นท่อนง่ายๆ (เป็นจังหวะ) ออกกำลังกายบนสายเดียวเพื่อรวบรวมทักษะพื้นฐานและเทคนิคในการเล่นเครื่องดนตรี เช่น "apoyando" การสลับ - i-m - เมื่อคุณเชี่ยวชาญแล้ว ให้เพิ่มสายที่ 2 และเรียนรู้โน้ตบนสายนั้น

"หัวรถจักร"

ด้วยเพลงสำหรับเด็ก "Steam Locomotive" เราเริ่มเล่นอย่างแข็งขันบนสายที่ 2 ที่นี่คุณต้องดึงความสนใจของเด็กไปที่การเล่นโน้ต "C" และ "D"

บนสายที่ 2 บนเฟรตเดียวกันกับโน้ต “F” และ “G” บนสายที่ 1

ความยากคือการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องของนิ้วมือซ้ายและไม่ใช่โน้ตที่เหมือนกัน 2 อันดังเช่นในตัวอย่างก่อนหน้านี้ เราฝึกการเคลื่อนไหวขึ้นเหมือนแกมมา ในการขับร้อง: สลับโน้ตยาว

- ครึ่งหนึ่งและบันทึกย่อที่ค่อนข้างสั้น - บันทึกย่อไตรมาส

คุณสามารถเล่นและร้องเพลงพร้อมคำศัพท์ได้ในเวลาเดียวกัน ซึ่งมีประโยชน์มากสำหรับการพัฒนาทักษะการเคลื่อนไหวในการพูด การได้ยิน และการประสานงานระหว่างมือและเสียง:

หัวรถจักรกำลังเคลื่อนที่,

สองท่อและหนึ่งร้อยล้อ

สองท่อ หนึ่งร้อยล้อ

คนขับเป็นหมาแดง!

สองท่อ หนึ่งร้อยล้อ

คนขับเป็นหมาแดง!

"กระต่าย"

ชิ้นส่วนสำหรับนิ้วที่ 3 ของมือซ้าย ต่อไปนี้เป็นการกระโดดจากสายที่ 2 ไปยังสายที่ 1 ในกรณีนี้ ต้องแน่ใจว่าได้ถอดนิ้วที่ 3 ออกจากสายหนึ่งแล้ววางไว้บนอีกนิ้วหนึ่ง นิ้วที่ 3 เล่นอยู่ในท่อนนี้เสมอ – ม –

"เพลงกล่อมเด็ก"

เทคนิคการเล่นมือขวา a-m-i เล่นโดยการดึง 3 สายตามลำดับ เริ่มจากสายที่ 1 ตัว “p” อยู่บนสายที่ 6 เวลาแสดงเราจะฟังทำนองที่สร้างจากสายที่ 1 และ เน้นข้อความใต้ "a" เราจะได้เสียงที่ดังกว่า

"โหมโรงครั้งที่ 1"

การเล่นบน 3 สายสลับกันตามลำดับนิ้วมือขวา - ฉัน-m-a-m - ถอนขน ให้ความสนใจกับตำแหน่ง นิ้วหัวแม่มือมือขวา: "p" อยู่บนสายที่ 6 และนิ้วที่เหลือเล่นข้างใต้

อธิบายระยะเวลาของ "แปด" - แนวคิดของโวลต์

"หมีกับตุ๊กตา"

https://pandia.ru/text/78/486/images/image022_8.jpg" width="384 height=103" height="103">

เราเริ่มเล่นในตำแหน่งที่ 1 จากสายที่ 2 จากโน้ต "A" บนสายที่ 1 เลื่อนไปที่ตำแหน่งที่ 5 แล้ววางนิ้วที่ 1 นั่นคือเราเริ่มเล่นตำแหน่งด้วยมือซ้าย

"เพลงเกี่ยวกับตั๊กแตน"

แนวคิด - "zatakt" - อธิบาย ในส่วนที่ 2 - คอรัส - การใช้นิ้วจะคล้ายกับสเกล "C Major" เริ่มต้นด้วยโน้ต "A" - การเปลี่ยนตำแหน่งของมือซ้าย

เราคำนวณการหยุดชั่วคราว "ไตรมาส" และระยะเวลา = "แปด"

เล่นกับเบส: ให้ความสนใจ - "r" - ให้การสนับสนุนเสมอ "apoyando" ส่วนที่เหลือด้วยการถอน

"อีทูดี้ หมายเลข 1"

การเล่นเบส - คุณต้องเล่นกับตัวเลือกต่าง ๆ สำหรับการสลับลำดับนิ้วมือขวาซึ่งเรียกว่า "ปิ๊ก":

· p-i-m-a-m-i และอื่น ๆ

"อีทูดี้ หมายเลข 2"

Do-# ปรากฏขึ้น โดยปกติแล้วเด็ก ๆ จะเล่นแบบฝึกหัดนี้ได้อย่างง่ายดายและอิสระ โดยที่นิ้วมือซ้ายจะหลุดจากอาการตึงที่เกิดขึ้นเมื่อเล่น "apoyando" เราฝึก "หยิก"

"อีทูดี้ หมายเลข 3"

ในโน้ต “Etude No. 3” ปรากฏบนสายที่ 3 ‑‑‑ A, G-# ‑‑ โน้ต - A - นั่นคือนิ้วที่ 2 จะต้องวางทิ้งไว้บนเฟรตที่ 2 โดยไม่ยกขึ้นในขณะที่นิ้วมือขวากำลังเล่นโน้ตอื่นๆ (แท่งที่ 1 - 2, แท่งที่ 4 - 5 - 6- โอ้) นี่เป็นเรื่องยาก แต่จะต้องทำให้สำเร็จ เนื่องจากปัญหาทางเทคนิคหลายประการกำลังได้รับการแก้ไข:

· เสริมความแข็งแรงของนิ้วมือซ้าย

· ฝึกการเคลื่อนไหวอิสระของนิ้วมือซ้าย

· ฝึกการประสานการเคลื่อนไหวของมือทั้งสองข้าง

· การเคลื่อนไหวที่ประหยัดได้รับการพัฒนาสำหรับนิ้วมือซ้าย

โหมโรงหมายเลข 2"

ที่นี่คุณต้องดึงความสนใจของนักเรียนไปที่ความจริงที่ว่าแต่ละชั้นเชิงที่ตามมาจะทำซ้ำชั้นเชิงก่อนหน้าราวกับว่าชั้นเชิงแต่ละชั้นถูกรวมเข้าด้วยกัน - สิ่งนี้จะพัฒนาความสนใจของนักเรียน แล้วเขาก็พยายามค้นหาสิ่งที่คล้ายกันเมื่อศึกษางานอื่น

"การซ้อม"

จากชิ้นนี้ เราจะเริ่มเล่นสองสายพร้อมกัน - ฉัน-m -,

“p” อยู่บนสายที่ 6 ภารกิจ: ฟังเพื่อให้นิ้วเล่นด้วยกันและโน้ตสองตัวตอบสนองใต้นิ้วมือซ้าย ด้วยการเล่นสองสายพร้อมกัน เทคนิค "tirando" - การถอนนิ้วด้วยมือซ้าย - สามารถเรียนรู้ได้อย่างง่ายดาย

"อีสเทิร์นเมโลดี้"

ที่นี่มีการเล่นเบสและมีโน้ตสองตัวอยู่ที่มือซ้ายเช่นเดียวกับใน "การซ้อม"

“อวัยวะ Hurdy”

หลังจากเชี่ยวชาญงานชิ้นนี้แล้ว นักเรียนจะมีอิสระทั้งในด้านตัวบทดนตรีและการใช้เครื่องดนตรี คุณสามารถเริ่มศึกษาละครที่นำเสนอได้จาก "ภาคผนวกหมายเหตุ"

บทสาม.

แอพเพลง

ภาคผนวกของแผ่นโน้ตเพลงเป็นส่วนเสริมสำหรับการพัฒนาหัวข้อต่างๆ จากบท “ทำความรู้จักกับแผ่นโน้ตเพลง” ที่นำเสนอที่นี่คือ "Etudes" และ "Pices" ที่ขยายและเพิ่มความลึกขององค์ประกอบของการเรียนรู้กีตาร์ที่กำลังศึกษาอยู่

มีการเสนอภาพร่างเพื่อการพัฒนา หลากหลายชนิดเทคนิคมือขวา ในช่วงแรกของการเล่นกีตาร์ เด็กจะควบคุมทิศทางของเครื่องดนตรีได้ยาก:

· ฟิงเกอร์บอร์ดไม่ได้อยู่ตรงหน้าคุณ (เช่น คีย์บอร์ดเปียโน)

· มี 6 สายอยู่ในระนาบเดียว และมือขวาและซ้ายอยู่ในอีกระนาบหนึ่ง

· นิ้วในแต่ละมือมีชื่อของตัวเองแตกต่างกัน

· คุณจะไม่เข้าใจทันทีเมื่อมือขวาเล่น "apoyando" - รองรับด้วยสายล่าง และเมื่อเล่น "tirando" - ด้วยการถอน

มือขวาและมือซ้ายเล่นเพลง "apoyando" มีการหยุดชั่วคราว - ประการที่แปดซึ่งต้องคงไว้การสลับนิ้วในมือซ้ายอย่างเข้มงวด - ฉัน

ที่นี่บนสายเบส ตัว "p" จะเล่นบนตัวรองรับ "apoyando" และหลังจากการผลิตเสียงแล้ว ตัว "p" จะยังคงอยู่ที่สายล่าง ชี้ให้เห็นถึงลักษณะเฉพาะของการวัดครั้งที่สอง: นิ้วหัวแม่มือ "p" หลังจากเล่นเบสจะลอยขึ้นและไม่เหลืออยู่บนสายเนื่องจากสายที่ 4 และสายที่ 3 ตั้งอยู่ติดกัน

นิ้ว – ฉัน-m – เล่นโดยการถอน – “tirando” – บนสายที่ 1 และ 2

ในการออกกำลังกายประเภทนี้ คุณจะฝึกจับสายสองสายพร้อมกัน คุณสามารถพูดได้ว่าคุณกำลังเตรียมเทคนิคการเล่นคอร์ด สำหรับนักเรียนชั้นประถมศึกษา จำนวนผลงานที่ทำมีความสำคัญมาก ตามกฎแล้วงานมีความคล้ายคลึงกันมาก แต่มีความแตกต่างและภาวะแทรกซ้อนเล็กน้อยซึ่งโดยทั่วไปจะเป็นการพัฒนาเทคนิคในการเรียนรู้เครื่องดนตรี

แบบฝึกหัดนี้มีความหมายหลายประการ:

· รวบรวมความรู้เรื่องบันทึกย่อ

· เส้นทำนองถูกสร้างขึ้นในอ็อกเทฟ

· พัฒนาความอิสระในการเคลื่อนไหวของแขนในตำแหน่งแรก

ดึงดูดความสนใจของนักเรียนไปที่การใช้นิ้วของมือขวา:

· สายที่ 3 ใช้นิ้วเล่น – i

· นิ้วเล่นบนสายที่ 2 – ม

· สายที่ 1 ใช้นิ้วเล่น – ก

กฎข้อนี้มีความสำคัญ (ในทางใดทางหนึ่ง) เนื่องจากมีส่วนช่วยในการพัฒนาการคิดเชิงตรรกะของนักกีตาร์ตัวน้อย

วิธีการผลิตเสียงมือขวา:

· นิ้วหัวแม่มือ “r” เล่นบนตัวรองรับ – “apoyando”

· i-m-a เล่นโดยการถอนขน – “tirando”

พัฒนานิ้วที่ 3 ของมือซ้าย หลังจาก "Etude" นี้ นักเรียนจะเชื่อมโยงเฟรตที่ 3 ของกีตาร์กับสายเบสได้ดี คอร์ดสามโน้ตแรกปรากฏขึ้น โปรดทราบ: นิ้วโป้งของมือขวา - "r" - เล่นบนแนวรับ "apoyando" ควรเคลื่อนไหวอย่างคล่องแคล่ว ง่ายดาย และอิสระ

พัฒนาทักษะในการเล่น “Bunny” จากบทที่แล้ว ทำนองเป็นเสียงเดียว พวกเขาเล่นโดยใช้สองสาย เทคนิคการสร้างเสียงของมือขวาคือ "apoyando" การสลับกันคือ i-m ตรวจสอบให้แน่ใจว่าหลังจากโน้ตยาวๆ (ครึ่งโน้ต) นิ้วในมือขวาของคุณเปลี่ยนไป ความพิเศษของงานชิ้นนี้คือ เฟรตบนฟิงเกอร์บอร์ดและนิ้วของมือซ้ายเหมือนกัน แต่สายต่างกัน

หุ่นวอลทซ์

เล่นกับเบสเปิดสาย เราแก้ไขตำแหน่งของพวกเขาบนเจ้าหน้าที่และเครื่องดนตรีในความทรงจำของนักเรียน การสร้างเสียงของมือขวา: “r” เล่น “apoyando”, i-m เล่นโดยการถอนขน ชื่อของบทละครบ่งบอกถึงเป้าหมายทางศิลปะบางอย่าง: "หุ่นเชิด" หมายถึง "ของปลอม" ดังนั้นจึงจำเป็นต้องแสดงราวกับว่ามีกลไก แต่ง่ายดายและอิสระ สื่อบันทึกเพลงแบบเรียบง่ายช่วยให้คุณรับมือกับงานดังกล่าวได้

ชิ้นส่วนโพลีโฟนิกชนิดหนึ่ง ในเชิงสัญลักษณ์ มันสามารถแบ่งออกเป็นสองส่วน: ส่วนแรกคือบรรทัดบนสุด และส่วนที่สองคือบรรทัดล่างสุด

ส่วนแรกเป็นแนวทำนองที่มีลักษณะคล้ายเกล็ด สำหรับสองการวัด ทำซ้ำที่ระดับเสียงที่ต่างกัน อันดับแรกในอ็อกเทฟที่ 1 บนสายสามสายบน จากนั้นเป็นออคเทฟที่ต่ำกว่าบนสายเบสสามสาย เล่นทุกอย่างแบบ "apoyando"

ส่วนที่ 2 – เราเลียนแบบเสียง “นกกาเหว่า” ของนกกาเหว่า และฟังเสียงสะท้อนตอบกลับ “Ku-ku” ถูกดึงออก และเล่น “r” โดยมีเสียงรองรับที่สายล่าง งานชิ้นนี้ค่อนข้างเป็นรูปเป็นร่างและเมื่อแนะนำให้นักเรียนรู้จัก เราสามารถจินตนาการงานชิ้นนี้ในรูปแบบของปริศนาดนตรีโดยการแสดงบนเครื่องดนตรี ตามกฎแล้วเด็ก ๆ เดาชื่อได้ง่ายแล้วเล่นอย่างเพลิดเพลินด้วยตัวเอง

เพลงยามเย็น.

สตริงทั้งหมดเกี่ยวข้องกับเกม ในมือขวาคุณสามารถเสนอตัวเลือกการใช้นิ้วได้ 2 แบบ:

I- โน้ตสองตัวเล่นพร้อมกันด้วยนิ้ว - i-m

II- ก่อนอื่นพวกเขาเล่นพร้อมกัน - ฉัน - ฉัน จากนั้น - ฉัน - และอะไรทำนองนั้น

การผลิตเสียงเวอร์ชันที่สองควรใช้กับนักเรียนที่ก้าวหน้ากว่า

ขั้นตอนใหม่ในการฝึกอบรม:

· รูปแบบจังหวะในมือขวามีความซับซ้อนมากขึ้น

· เป็นครั้งแรกที่เราเริ่มใช้ “แบร์” เล็กๆ กับสายสองเส้นในมือซ้าย

· การเล่นมีปริมาณค่อนข้างมาก

การสร้างเสียงของนิ้วมือขวาเป็นเรื่องที่คุ้นเคยอยู่แล้วและไม่ทำให้เกิดคำถามใดๆ

ร่าง.

บทละครเพื่อพัฒนาเทคนิคการใช้นิ้วโป้งของมือขวา - "r" ทำนองถูกสร้างขึ้นจากสายเบส นิ้วมือซ้ายตรงนี้ตรงกับเฟรตบนฟิงเกอร์บอร์ด ดังนั้นนักเรียนจึงสามารถเล่นท่อนนี้ได้โดยไม่ต้องเรียนรู้โน้ตบนสายที่ 6, 5, 4 ก็เพียงพอที่จะระบุว่าจะเล่นสายใดและนิ้วไหนในมือซ้ายของคุณ

จักรยาน.

งานที่มีรูปแบบสองส่วน ลวดลายที่เกิดขึ้นประจำ

ในส่วนแรกเป็นองค์ประกอบของมาตราส่วนสี การฝึกซ้อมบนนิ้วทั้งสี่ของมือซ้าย ในมือขวา – ฉัน – “apoyando”

ในส่วนที่สอง - การเล่นด้วยสายเบสคุณต้องนับออกมาดัง ๆ สลับกัน - ฉัน - เป็นการสมควรมากกว่าที่จะแสดงโดยการดึง "tirando"

ควรมอบงานชิ้นนี้ให้กับนักเรียนในช่วงครึ่งหลังของปี ซึ่งเป็นช่วงที่ทักษะการอ่านโน้ตจากกระดาษได้รับการพัฒนาแล้ว ที่นี่เมโลดี้จะลากไปตามสายเบส และคอร์ดคู่ที่รองรับเสียงฮาร์โมนี่จะเปลี่ยนไปในแต่ละเบส เด็กจะต้องรู้จักโน้ตบนกีตาร์ในตำแหน่งที่ 1 ดีพอที่จะทำตามนิ้วที่ระบุในข้อความเพลงได้อย่างแม่นยำ

บทIV .

การสร้างพื้นฐานของการคัดเลือกโดยการได้ยิน

องค์ประกอบเสริมอย่างหนึ่งในการเรียนรู้การเล่นกีตาร์คลาสสิกหกสายคือความสามารถของนักเรียนในการเล่นทำนองโดยใช้หู เลือกเพลงประกอบสำหรับมัน ทักษะดังกล่าวช่วยให้ครูบรรลุเป้าหมายการสอนบางประการ:

ปลูกฝังความรักต่อเครื่องดนตรี

· ส่งเสริมการทำงานหนักและความเพียร

ขยายขอบเขตทางดนตรีของคุณ

· พัฒนารสนิยมทางดนตรี

ในความคิดของฉันบทนี้ แบบฝึกหัดดนตรีและตัวอย่างดนตรีเกี่ยวกับดนตรียอดนิยมในชีวิตประจำวันจะช่วยให้ครูปลูกฝังความสนใจในการเรียนรู้และเชี่ยวชาญเครื่องดนตรี แม้ว่าในความคิดของฉัน การสอนนักเรียนให้ "เลือก" เครื่องดนตรีด้วยตัวเองเป็นเรื่องยากทีเดียวหากไม่มีข้อมูลทางดนตรี (การได้ยิน จังหวะ ความทรงจำทางดนตรี) นักเรียนจะต้องมีความปรารถนาที่จะเลือกทำนองเพลงที่เขาต้องการ ชอบฟังเพลงเพื่อร้องเพลงและติดตามตัวเอง

การฝึกอบรมการสร้างพื้นฐานสำหรับการเลือกหู (ความคล่องแคล่วในเครื่องดนตรีการประสานงานของมือการสร้างคอร์ดทางทฤษฎีเทคนิคคอร์ด) - ให้ผลลัพธ์ที่แน่นอน คุณสามารถแสดงตัวอย่างให้นักเรียน สอนวิธีที่ง่ายที่สุดในการเลือกฟัง และเรียนรู้การแสดงดนตรีที่เฉพาะเจาะจงและการเล่นดนตรีด้วยใจจริง ด้วยแนวทางที่เชี่ยวชาญในเรื่องการทำดนตรี แม้ว่าเขาจะไม่สามารถ "เลือก" เนื้อหาดนตรีด้วยหูได้อย่างอิสระ ก็ยังสามารถที่จะแสดงทำนองเพลงที่รู้จักกันดีจากตัวโน้ต "แสดงไปจนถึง สาธารณะ” ก็สามารถสอนได้

ในสถานการณ์เช่นนี้ แรงจูงใจจะเป็น

และคอมเม้นท์จากผู้ปกครองว่า “เป็นเพลงที่คุ้นเคย เล่นได้ดีขนาดไหน!”

และอื่น ๆ : "ฉันได้ยินลูกของคุณเล่นกีตาร์และเพื่อนร่วมชั้นของเขาร้องเพลงไปพร้อมกับเขา" - ทั้งหมดนี้กระตุ้นความสนใจและพัฒนาอิสระในการเล่นเครื่องดนตรี

ดังนั้น , เป้างานนี้เพื่อพัฒนาทักษะการเล่นกีตาร์ของคุณ

งาน:

· การเรียนรู้คอร์ดอาร์เพจจิเอตแบบ 3 โน้ตอย่างง่ายในตำแหน่งที่ 1

· การประยุกต์คอร์ด ใช้ในแบบฝึกหัด

·การเรียนรู้ทักษะดนตรีประกอบที่เรียบง่าย

แล้วคุณสามารถเริ่มเล่นคอร์ดและเล่นดนตรีประกอบได้จากจุดใดในการเรียนรู้กีตาร์?

1) เมื่อคุณเชี่ยวชาญไม้เท้าและฟิงเกอร์บอร์ดไม่มากก็น้อย

2) เมื่อภารกิจของการฝึกอบรมขั้นแรกเสร็จสิ้น:

· การวางตำแหน่งมือ

· งานได้เริ่มขึ้นแล้วในด้านเทคนิคและความคล่องแคล่ว

· ระยะเวลาพื้นฐานที่เรียนรู้

· เริ่มทำความคุ้นเคยกับการเปลี่ยนจังหวะที่ง่ายที่สุดในคีย์บนกีตาร์

· มีการระบุความสามารถในการเลือกด้วยหูโดยทั่วไปและการเล่นเพลงโดยเฉพาะ

แผนโดยประมาณของแนวทางเรื่อง "การเลือกโดยการได้ยิน"»

1) การบ้านสำหรับนักเรียน:

หยิบทำนองของ M. Krasev "Little Christmas Tree" บนกีตาร์

2) ทำงานกับทำนองที่เลือก:

ช่วย “เลือก”

การใช้นิ้วที่ถูกต้อง

3) การบ้าน - จดทำนอง จัดเรียงเป็นกราฟิก เล่นตามบันทึกย่อของคุณพร้อมการนับ

ด่าน II - แบบฝึกหัด 1) 2) และ "ยิปซี":

1) ฉันจดบันทึกเวอร์ชันที่ 1 ของการแสดงและเรียนรู้

2) การบ้าน - เกี่ยวกับเนื้อหาดนตรีนี้ - รูปแบบจังหวะต่างๆ

· แนวคิดการกำหนดตัวอักษรของบันทึกย่อ

·บันทึกคอร์ดบนไม้เท้าและด้านบน - การกำหนดตัวอักษร

· แนวคิด “รอง-รอง”, “เมเจอร์-เมเจอร์”, ภาพกราฟิก

· ดี-โมลล์, ดี-ดูร์

· การศึกษาสัญกรณ์ขั้นตอนของคอร์ด

ศึกษารูปแบบง่ายๆ ในจังหวะต่างๆ

ฉันเสนอให้ศึกษาสิ่งนี้โดยใช้เพลงที่ง่ายที่สุดของ "bardic" ซึ่งเป็นเพลงยอดนิยมซึ่งทั้งนักเรียนและผู้ปกครอง "ได้ยิน" วิธีที่สะดวกที่สุดในการเริ่มต้นเล่นกีตาร์ด้วยคีย์ A minor, E minor - โดยที่คุณไม่จำเป็นต้องใช้เทคนิค "barre" นิ้วจะอยู่ในตำแหน่งที่ 1 ซึ่งคุ้นเคยกับนักกีตาร์มือใหม่

ฉันเวที

M. Krasev “ ต้นคริสต์มาสน้อย”

ทำนองเป็นเสียงเดียว โดยปกติแล้ว เมื่อเลือก เด็กๆ จะไม่ฟังตอนจบและไม่ได้ฟังจนจบครึ่งหนึ่งโดยธรรมชาติ ในทำนองเพลงของ "คอรัส" คุณต้องใช้นิ้วของสเกล "C major" ซึ่งเป็นโมโนโฟนิก จากนั้นคุณสามารถแสดงเพลงในชุด "ครู-นักเรียน" โดยนักเรียนเล่นทำนองเสียงเดียวของตัวเอง และครูเล่นดนตรีประกอบ

ทำนองและเพลงสำหรับเด็กประเภทนี้จะต้องเลือก "ด้วยหู" ในปริมาณที่มากขึ้นเพื่อที่จะรวมเข้าด้วยกัน ทักษะที่ง่ายที่สุด- อย่างไรก็ตามจากการปฏิบัติพบว่าเด็กสมัยใหม่ไม่รู้จักเพลงและทำนองพื้นบ้านของรัสเซียเลย ดังนั้นจึงเป็นการดีที่สุดที่จะเลือกเพลงที่คุ้นเคย "ตามหู" เช่นจากการ์ตูน:

V. Shainsky "เพลงเกี่ยวกับตั๊กแตน" จากภาพยนตร์เรื่อง "The Adventures of Dunno"

G. Gladkov “ Song of the Turtle” จากภาพยนตร์เรื่อง “ The Lion Cub and the Turtle”

E Krylatov "เพลงกล่อมเด็ก" จากภาพยนตร์เรื่อง "Umka"

B Savelyev "ถ้าคุณใจดี" จากภาพยนตร์เรื่อง "วันเกิดของเลียวโปลด์"

และ Ostrovsky "ของเล่นที่เหนื่อยล้านอนหลับ"

ย. ชิชคอฟ “จุงกา-ชังกา”

ครั้งที่สองเวที

แบบฝึกหัดที่ 1:

แบบฝึกหัดเพื่อพัฒนาเทคนิค "คอร์ด"

แบบฝึกหัดที่ใช้คอร์ด "arpeggiated" (สลายตัว)

จำเป็นต้องระบุการกำหนดตัวอักษรของฟังก์ชันฮาร์มอนิกเหนือแต่ละคอร์ดซึ่งจะช่วยให้นักเรียนสามารถครอบคลุมคอร์ดในโน้ตดนตรีและการกำหนดตัวอักษรด้วยสายตา:

สาวยิปซี.

· ในตอนแรก คุณสามารถเสนอให้นักเรียนลองเลือกละครเรื่องนี้ด้วยตัวเองได้หากเขาคุ้นเคย

· แก้ไขข้อผิดพลาด

· เขียนหมายเลข 1 ลงในสมุดบันทึกของคุณและจดจำไว้

· และในส่วนที่ 2 และข้อ 3 ให้ระบุเฉพาะจังหวะและนักเรียนจะต้องทำทั้งชิ้นอย่างอิสระโดยใช้เนื้อหาดนตรีที่จดจำของส่วนที่ 1

· จดส่วนที่ 2 และหมายเลข 3 ลงในสมุดบันทึกของคุณ

แบบฝึกหัดที่ 2:

แบบฝึกหัดนี้ยากกว่าแบบฝึกหัดข้อ 1 ลำดับของฟังก์ชันเปลี่ยนไปและเพิ่ม A7

แบบฝึกหัดที่ 3:

มาเริ่มแยกคอร์ดดัง 3 คอร์ดกันดีกว่า มีการศึกษาการใช้นิ้วในแบบฝึกหัดอาร์เพจจิโอ ความยากสำหรับนักเรียนคือการเล่นโน้ตสามตัว

พร้อมกัน จำเป็นต้องดึงความสนใจของนักเรียนไปที่ความจริงที่ว่ามีเพียงเสียงเบสเท่านั้นที่เปลี่ยนแปลงในบาร์และมีเพียงคอร์ดเดียวเท่านั้น

แบบฝึกหัดที่ 4:

เนื้อหาทางดนตรีมีความซับซ้อนมากขึ้น:

ทุกครั้งที่เสียงเบสและคอร์ดเปลี่ยน

แบบฝึกหัดที่ 5:

นักเรียนรู้จักฟังก์ชั่นและคอร์ดจากแบบฝึกหัดครั้งก่อน รูปแบบจังหวะเปลี่ยนไป

แบบฝึกหัดที่ 6:

แบบฝึกหัดที่ 7

แบบฝึกหัดที่ 8:

เราทำให้งานซับซ้อนขึ้น - เปลี่ยนโทนเสียงรูปแบบจังหวะ

แบบฝึกหัดทั้งหมดจะต้องนับออกมาดัง ๆ เล่นตามบันทึก เพื่อให้ความจำด้านการเคลื่อนไหว ภาพ และการได้ยินของเด็กพัฒนาไปพร้อม ๆ กัน ฝึกการประสานงานของการเคลื่อนไหว และรูปแบบจังหวะต่าง ๆ นำไปสู่ความเป็นอัตโนมัติ ในอนาคต เมื่อคุณเชี่ยวชาญแล้ว คุณสามารถรวมจังหวะจากแบบฝึกหัดต่างๆ ไว้ในคีย์เดียวกันได้: ครูทุกคนมีพื้นที่สำหรับจินตนาการอยู่แล้ว ทั้งหมดนี้ทำขึ้นเพื่อศึกษาความสามารถของกีตาร์ในเชิงลึก เพิ่มความแข็งแกร่งให้กับอุปกรณ์ในการเล่น เพื่อให้เกิดความสะดวกและอิสระในการเล่นเครื่องดนตรี

บทสรุป.

วิธีการที่อธิบายไว้สำหรับขั้นตอนแรกของการเล่นกีตาร์ได้รับการทดสอบในทางปฏิบัติแล้ว เด็กๆ ชอบเล่นเครื่องดนตรีตั้งแต่บทเรียนแรก เนื้อหาที่เลือกนั้นเข้าใจง่ายสำหรับนักเรียนอายุ 6-7 ปี และเล่นกีตาร์ได้ง่าย อารมณ์เชิงบวกเกิดขึ้นระหว่างบทเรียนพิเศษ นักเรียนจะพัฒนาความรู้สึกเบาและอิสระซึ่งจะต้องได้รับการดูแลและพัฒนาอย่างชำนาญตลอดระยะเวลาการศึกษา หากก่อนหน้านี้โรงเรียนดนตรีต้องเตรียมนักดนตรีมืออาชีพในอนาคต คณะกรรมการรับสมัครจะดำเนินการคัดเลือกอย่างเข้มงวด และมีการแข่งขันระหว่างผู้ที่ต้องการ "เรียนดนตรี" แต่ปัจจุบันโรงเรียนดนตรีทำงานร่วมกับทุกคนที่มาโดยไม่มีการคัดเลือก สำหรับความสามารถทางดนตรี และนี่ถูกต้องบุคคลจะต้องพัฒนาและปรับปรุงในหลาย ๆ ด้านแม้ว่าธรรมชาติจะไม่ได้มอบความสามารถและพรสวรรค์ขั้นสูงให้กับเขาก็ตาม เด็กทุกคนที่ต้องการสามารถสอนให้เล่นเครื่องดนตรีใดๆ ภายในขอบเขตของโรงเรียนดนตรีได้ ครูต้องมีความอดทนและช่วยให้บรรลุผลบางอย่าง

ระหว่างทางครูจะแก้ปัญหาเรื่องการผลิตเสียงและคุณภาพของการแสดง วัสดุดนตรี- ชื่อของแบบฝึกหัดให้ขอบเขตจินตนาการของเด็ก สิ่งนี้จะเตรียมนักเรียนให้เชี่ยวชาญคอลเลคชันละครและผลงานของนักกีตาร์คลาสสิกและนักแต่งเพลงสมัยใหม่ที่มีชื่อเสียงอยู่แล้ว หากต้องการทำงานกับเด็ก ๆ คุณสามารถใช้คอลเลกชัน "Guitarist's Reader for Students 1-7" ของ V. Yarmolenko ชั้นเรียนโรงเรียนดนตรีเด็ก- รวบรวมท่วงทำนองพื้นบ้านและเพลงกีตาร์ที่ใช้บ่อยที่สุดจากคอลเลกชันที่มีชื่อเสียงมากมายไว้ที่นี่

อ้างอิง:

อาเยฟ ดี. กีตาร์. บทเรียนระดับปริญญาโทสำหรับผู้เริ่มต้น – เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: ปีเตอร์, 2009.

มือกีตาร์ของโบชารอฟ คู่มือสำหรับผู้เริ่มต้น - อ.: อัคคอร์ด, 2545.

Gitman A. การฝึกเล่นกีตาร์หกสายเบื้องต้น - อ.: เพรสโต, 1999.

อิวาโนวา. การพัฒนาทักษะการทำดนตรีในการทำงานกับผู้เริ่มเล่นเปียโน (DSHI หมายเลข 1 เชเลียบินสค์) - เชเลียบินสค์, 2000.

Ivanov-Kramskaya กำลังเล่นกีตาร์หกสาย - อ.: ดนตรี, 2522.

โคโลตูร์สกายา ดนตรีประกอบ (DSHI หมายเลข 5, เชเลียบินสค์)

- เชเลียบินสค์, 2000.

มิคาอิลัส. การพัฒนาทักษะการทำดนตรี (การเลือกหู การเรียบเรียง การแสดงด้นสด) ในชั้นประถมศึกษาปีที่ 1-7 ของโรงเรียนศิลปะเด็ก (DSHI หมายเลข 12, เชเลียบินสค์)

- เชเลียบินสค์, 2000.

ขั้นตอนของนักกีตาร์ Fetisov โน๊ตบุ๊คหมายเลข 1 - ม.: สำนักพิมพ์ V. Katansky, 2548

Yarmolenko V. Guitarist's Reader สำหรับนักเรียนเกรด 1-7 ของโรงเรียนดนตรีเด็ก – ม., 2010.

สถาบันการศึกษางบประมาณเทศบาล

การศึกษาเพิ่มเติมสำหรับเด็ก

“โรงเรียนศิลปะเด็ก ตั้งชื่อตาม M.P. มุสซอร์กสกี้

โฟคิโน"

วงดนตรีในคลาสกีตาร์

ครูสอนกีตาร์

โรงเรียนศิลปะเด็กใน Fokino

ทบทวน

บน โปรแกรมการทำงานวงดนตรี (คลาสกีตาร์)

ครูในโรงเรียนศิลปะเด็กที่ตั้งชื่อตาม M.P. Mussorgsky, Fokino

Sysoeva L.E.

โปรแกรมนี้ได้รับการออกแบบโดยมีความเข้าใจอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับการทำงานร่วมกับเด็กๆ ในวงดนตรี ฉันคิดว่า การเลือกที่ถูกต้องละครและการกระจายภาระให้กับเด็กตลอดระยะเวลาการศึกษาที่โรงเรียนดนตรีเด็ก

การคัดเลือกผลงานในช่วงระยะเวลาการฝึกอบรมสอดคล้องกับโครงการของโรงเรียนดนตรีเด็กและสตูดิโอศึกษาด้านดนตรี งานนี้จะช่วยให้ผู้เริ่มต้นเชี่ยวชาญเครื่องดนตรีนี้ภายในขอบเขตของโปรแกรมนี้ โดยไม่เบี่ยงเบนไปจากมาตรฐานที่กำหนด แนะนำสำหรับการทำงานร่วมกับเด็กๆ ในคลับ สตูดิโอศึกษาด้านดนตรี และโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็ก

การแนะนำ

ระบบการศึกษาในสหพันธรัฐรัสเซียเป็นชุดของมาตรฐานการศึกษาที่มีปฏิสัมพันธ์ต่อเนื่องกันในระดับและทิศทางต่างๆ

ระบบการศึกษาประกอบด้วยกลุ่มสถาบันการศึกษาเพิ่มเติมต่างๆ หนึ่งในนั้นคือเครือข่ายโรงเรียนใน “ศิลปะประเภทต่างๆ” รวมถึงโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็ก (CHS) และโรงเรียนศิลปะสำหรับเด็ก (DSHI)

การเลี้ยงดูและการศึกษาด้านดนตรีเป็นส่วนสำคัญ กระบวนการทั่วไปมุ่งเป้าไปที่การก่อตัวและพัฒนาบุคลิกภาพของมนุษย์

แนวคิดการศึกษาดนตรีในประเทศเกี่ยวข้องกับการสร้างระบบการศึกษาและฝึกอบรมดนตรีมวลชน (ทั่วไป) ซึ่งแบ่งออกเป็นศิลปะทั่วไปและวิชาชีพ ใน สภาพที่ทันสมัยโรงเรียนดนตรีเป็นหนึ่งในฐานหลักสำหรับการแพร่หลาย วัฒนธรรมดนตรี- เป้าหมายของโรงเรียนการศึกษาดนตรีทั่วไปคือการทำให้ดนตรีเข้าถึงได้ไม่เฉพาะกับเด็กที่มีพรสวรรค์ที่เลือกดนตรีเป็นอาชีพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงทุกคนที่เรียนในโรงเรียนด้วย ท้ายที่สุดแล้ว เด็กวัยกลางคนก็ควรได้รับการศึกษาด้านดนตรีอย่างจริงจังเช่นกัน โรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กและโรงเรียนศิลปะสำหรับเด็กมีสถานที่เฉพาะในระบบการศึกษาด้วย กระบวนการศึกษา.

งานด้านการศึกษาที่ครูโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กแก้นั้นโดยพื้นฐานแล้วจะเหมือนกันสำหรับทุกวิชา ความสามัคคีและการเชื่อมโยงระหว่างกันถูกกำหนดโดยลักษณะเฉพาะของชั้นเรียนดนตรีซึ่งดนตรีทำหน้าที่เป็นทั้งวัตถุแห่งความรู้และเป็นวิธีการศึกษาตลอดจนโดยบรรทัดฐานในการสื่อสารด้วยและความเป็นไปได้ที่ค่อนข้างกว้างในการใช้ความรู้และทักษะ ของบางวิชาเมื่อเชี่ยวชาญวิชาอื่น

การเพิ่มประสิทธิภาพและคุณภาพของการศึกษาด้านดนตรีทั่วไปถือเป็นงานที่ซับซ้อนและมีความรับผิดชอบสำหรับครูในโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็ก หลักการของการฝึกอบรมและการศึกษาเพื่อการพัฒนาซึ่งเจาะเข้าไปในชั้นเรียนเฉพาะทางและการศึกษาทุกรูปแบบในโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กมากขึ้นเรื่อย ๆ ได้รับการออกแบบมาเพื่อให้ความรู้แก่นักดนตรีที่มีความสามารถ - มือสมัครเล่นและมืออาชีพ เพื่อให้พวกเขามีทักษะในแนวทางที่สร้างสรรค์ทางดนตรีและ เครื่องมือเพื่อกำจัดหรือลดอุปสรรคทางจิตวิทยาของ "ความกลัว" ในการแสดงคอนเสิร์ตให้เหลือน้อยที่สุด พัฒนาความสามารถในการสร้างสรรค์ความสามารถในทางปฏิบัติและความจำเป็นในการแสดงออก

ดังนั้น โรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กจึงไม่ได้กำหนดให้เป็นหน้าที่ในการเตรียมความพร้อมของนักเรียนทุกคน เนื่องจากเป็นการเชื่อมโยงเบื้องต้นของการศึกษาระดับประถมศึกษา กิจกรรมระดับมืออาชีพ- มีวัตถุประสงค์คือการศึกษาด้านดนตรีและสุนทรียภาพ หลากหลายเด็กและวัยรุ่น แต่นอกจากนี้ โรงเรียนดนตรีจะต้องระบุนักเรียนที่มีความสามารถมากที่สุดและเตรียมความพร้อมในการเข้าศึกษาในสถาบันการศึกษาพิเศษ การศึกษาด้านดนตรีถือเป็นองค์ประกอบสำคัญของการศึกษาด้านสุนทรียศาสตร์ โดยมีบทบาทพิเศษในการพัฒนาบุคลิกภาพของเด็กอย่างครอบคลุม กระบวนการศึกษาของโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กควรจัดขึ้นในลักษณะที่มีส่วนช่วยในการพัฒนาความรักในดนตรีของนักเรียนและการขยายขอบเขตทางดนตรีของพวกเขา

หลักความสามัคคีของอารมณ์และจิตสำนึก

เนื่องจากความเฉพาะเจาะจง ศิลปะดนตรีและลักษณะเฉพาะของการรับรู้ซึ่งการพัฒนาต้องอาศัยการรับรู้ถึงความรู้สึกทางอารมณ์ที่เกิดจากดนตรีตลอดจนวิธีแสดงออกที่มีอยู่

หลักความสามัคคีของศิลปะและเทคนิค ขึ้นอยู่กับความจริงที่ว่าการแสดงศิลปะและการแสดงออกของงานต้องใช้ทักษะและความสามารถที่เหมาะสม การเรียนรู้ซึ่งเป็นวิธีการเพื่อให้บรรลุเป้าหมาย - การแสดงทางศิลปะของงานดนตรี แต่ขึ้นอยู่กับการพัฒนาความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ของนักเรียน

หลักการของความสามัคคีของการพัฒนาความรู้สึกจังหวะกิริยาและความรู้สึกของรูปแบบ ควรเป็นพื้นฐานของกิจกรรมดนตรีประเภทต่างๆ ขอบคุณการพัฒนาที่ครอบคลุมและสม่ำเสมอ ความสามารถทางดนตรีเด็ก ๆ พัฒนาความคิดเกี่ยวกับหลักการพัฒนาดนตรี การแสดงออกขององค์ประกอบของคำพูดทางดนตรี และความสามารถในการแสดงออกของรูปแบบดนตรี

วัตถุประสงค์ของระเบียบวิธีรวมถึงการปรับปรุงกระบวนการศึกษารูปแบบต่างๆ โรงเรียนดนตรี: บทเรียนในวิชาพิเศษ ชั้นเรียนภาคทฤษฎี การเล่นดนตรีรวม วิชาเลือก งานนอกหลักสูตรและงานนอกหลักสูตร

โรงเรียนดนตรีเด็กและโรงเรียนศิลปะเด็กยังคงเป็นศูนย์กลางของการเลี้ยงดูและการศึกษาด้านดนตรีของเด็ก เพื่อให้การศึกษาด้านดนตรีทั่วไป, เพื่อสร้างรสนิยมทางสุนทรีย์, เพื่อให้ความรู้แก่ผู้ฟังที่ได้รับการฝึกฝน, ผู้เข้าร่วมในการแสดงสมัครเล่น, สอนการเล่นเครื่องดนตรี, เพื่อพัฒนาความโน้มเอียงที่สร้างสรรค์ - งานเหล่านี้ยังคงกำหนดทิศทางการทำงานของโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็ก

การสร้างกระบวนการศึกษาตามหลักความสม่ำเสมอและความเป็นกลางเป็นอุปสรรคต่อการพัฒนาผู้เรียน บทบาทที่เพิ่มมากขึ้นของรูปแบบการสอนเชิงพัฒนาการนั้นชัดเจน ช่วยให้เด็ก ๆ มีกิจกรรมเชิงรุกในสาขาศิลปะและส่งเสริมความสนใจในการเรียนรู้อย่างยั่งยืนของนักเรียน โรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กและโรงเรียนศิลปะสำหรับเด็กได้รับการเรียกร้องให้ดำเนินงานแนะแนววิชาชีพเบื้องต้นสำหรับนักเรียน และจะต้องสร้างเงื่อนไขที่แท้จริงสำหรับการพัฒนาและการฝึกอบรมที่มีประสิทธิภาพสำหรับเด็กที่มีความสามารถในการรับการศึกษาวิชาชีพในสาขาศิลปะเพิ่มเติม พื้นฐานของการทำงานในโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กและโรงเรียนศิลปะสำหรับเด็กคือการสอนในชั้นเรียนแบบรายบุคคลในสาขาวิชาพิเศษ

ความคิดริเริ่มของกระบวนการศึกษาในโรงเรียนดนตรีนั้นส่วนใหญ่ถูกกำหนดโดยการผสมผสานรูปแบบต่างๆ งานวิชาการ- บทเรียนใดๆ จากโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กและโรงเรียนศิลปะสำหรับเด็ก (รายบุคคล กลุ่ม กลุ่ม) จะเตรียมนักเรียนให้พร้อมสำหรับกิจกรรมดนตรีอิสระ

บทบาทที่สำคัญในกระบวนการเชี่ยวชาญเนื้อหา กิจกรรมการสืบพันธุ์มีบทบาท: นี่อาจเป็นการทำซ้ำสิ่งที่ได้ยินทั้งหมดหรือบางส่วน เลียนแบบหรือคัดลอก แต่มักจะเป็นการกระทำของตนเองเสมอ การฝึกฝนเครื่องดนตรีเท่านั้นที่สามารถเตรียมนักเรียนให้พร้อมสำหรับการรับรู้และการดูดซึมความรู้ทางทฤษฎีอย่างเต็มที่ งานของครูโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กคือการทำให้เด็กสนใจในกระบวนการฝึกฝนเครื่องดนตรีจากนั้นงานที่จำเป็นสำหรับสิ่งนี้จะค่อยๆกลายเป็นสิ่งจำเป็น พื้นฐานของความเชี่ยวชาญในเครื่องดนตรีไม่ใช่เทคนิคทางเทคนิค แต่เป็นจิตสำนึกทางดนตรี (การได้ยิน) ของนักเรียน

การฝึกอบรมและการศึกษารายบุคคลของนักเรียนในโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กนั้นดำเนินการบนพื้นฐานของแผนรายบุคคลของนักเรียน ซึ่งติดตามและวางแผนการพัฒนาของเขาตลอดหลายปีที่ผ่านมาของการเรียนที่โรงเรียนดนตรี

เมื่อจัดทำโปรแกรมแต่ละโปรแกรมจะต้องคำนึงถึงหลักการของความได้เปรียบในการสอนด้วย โปรแกรมของนักเรียนแต่ละคนควรมีความหลากหลายในรูปแบบและประเภท

เงื่อนไขที่เปลี่ยนแปลงสำหรับกิจกรรมของสถาบันการศึกษาในสาขาศิลปะกำหนดข้อกำหนดใหม่และพิเศษสำหรับหลักสูตรและโปรแกรมการศึกษา

1. การฝึกทักษะการปฏิบัติการเล่นเครื่องดนตรี

2. การฝึกอบรมพื้นฐานความรู้ทางดนตรีและทักษะการร้องเพลงขั้นพื้นฐานทั้งภาคทฤษฎีและปฏิบัติ

3. การฝึกอบรมและการศึกษาด้านศิลปะและสุนทรียภาพภายใต้กรอบของหลักสูตร "วรรณกรรมดนตรีที่โรงเรียนดนตรีเด็ก"

4. การก่อตัวของรูปแบบและทักษะการเรียนรู้แบบรวมกลุ่ม (การเล่นดนตรีรวม)

5. การนำความสามารถเชิงสร้างสรรค์ของนักเรียนและความต้องการในการแสดงออกไปใช้ในทางปฏิบัติ (วิชาเสริม)

วงดนตรี- กลุ่มนักแสดงที่แสดงร่วมกัน ซึ่งเป็นรูปแบบการเล่นร่วมกัน โดยนักดนตรีหลายคนร่วมกันเปิดเผยเนื้อหาทางศิลปะของงานโดยใช้วิธีการแสดง ความสามัคคีของความตั้งใจทางศิลปะ ความสามัคคีของการตอบสนองทางอารมณ์ต่อสิ่งที่กำลังแสดง บทละครที่ได้รับแรงบันดาลใจจากทุกคน - นี่คือลักษณะของศิลปะทั้งมวล

วงดนตรี- โรงเรียนเพื่อการพัฒนานักดนตรี

ความตั้งใจและการควบคุมตนเองเป็นคุณสมบัติที่จำเป็นสำหรับนักดนตรี คุณไม่สามารถอยู่ได้โดยปราศจากพวกเขาทั้งในการทำงานอิสระทุกวันหรือบนเวที แต่คุณสมบัติเหล่านี้จำเป็นอย่างยิ่งสำหรับผู้ที่เล่นเป็นวงดนตรี คำจำกัดความของ "เจตจำนง" หมายถึง "การควบคุมพฤติกรรมและกิจกรรมของตนเองอย่างมีสติ ควบคุมการทำงานของสมอง ซึ่งประกอบด้วยความสามารถในการบรรลุเป้าหมายอย่างแข็งขัน เอาชนะอุปสรรคทั้งภายนอกและภายใน"

สำหรับนักแสดง “ความตั้งใจ” เป็นปัจจัยที่สำคัญที่สุดและมักเป็นปัจจัยชี้ขาดในความสำเร็จทางศิลปะ ผลลัพธ์ของการแสดงคอนเสิร์ตมักขึ้นอยู่กับการมีหรือไม่มี เป็นที่ทราบกันดีว่างานของศิลปินทั้งมวลจำเป็นต้องมีการศึกษาอิสระที่เข้มข้นนอกเหนือจากการซ้อมทั่วไป

วิลคือคำสั่งของกระบวนการต่างๆ ที่เกิดขึ้นในจิตใต้สำนึกของเรา ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ฉันให้ความสนใจกับตัวละครเป็นอย่างมาก คุณสมบัติที่เข้มแข็งเอาแต่ใจ- วงดนตรีเป็นรูปแบบหนึ่งของความคิดสร้างสรรค์ร่วมกัน ดังนั้นจึงไม่สามารถดำรงอยู่ได้เว้นแต่ผู้เข้าร่วมแต่ละคนจะเรียนรู้ที่จะควบคุมตนเอง อารมณ์ และอารมณ์ของตน ท้ายที่สุดในกระบวนการทำงานคุณต้องแก้ไขปัญหาที่ซับซ้อนอย่างสร้างสรรค์ การศึกษาคุณสมบัติเชิงปริมาตรเป็นสิ่งจำเป็น โดยแยกออกจากการศึกษาของบุคคลโดยทั่วไปไม่ได้

วงดนตรีจะต้องอยู่ในบรรยากาศที่สร้างสรรค์อย่างเข้มข้น และมุ่งมั่นอย่างต่อเนื่องเพื่อมากกว่าที่ได้ทำสำเร็จไปแล้ว สิ่งสำคัญคือเป้าหมาย จำเป็นต้องตระหนักว่าการก้าวไปข้างหน้าเพียงเล็กน้อยจะทำให้คุณเข้าใกล้เป้าหมายมากขึ้น เมื่อเข้าใจเป้าหมายแล้วคุณควรกำหนดวิธีการที่จะบรรลุเป้าหมาย

ความรู้ความเข้าใจเป็นกระบวนการนิรันดร์และไม่มีที่สิ้นสุด เวลายังส่งผลต่อการทำงานของวงดนตรีด้วย เมื่อคำนึงถึงปัจจัยด้านเวลาแล้วจำเป็นต้องพัฒนาวิธีการในการเรียนรู้ศิลปะการเล่นทั้งมวล: ควรมุ่งเป้าไปที่การบรรลุผลลัพธ์ที่สำคัญในเวลาที่สั้นที่สุด ดังนั้นจึงแนะนำให้วงดนตรีที่ทำงานชิ้นใหม่เพื่อวางแผนเวลา

บทบาทของบรรยากาศทางจิตวิทยาในวงดนตรี

แนวคิดของ "บรรยากาศทางจิตวิทยา" รวมถึงระดับการทำงานร่วมกันระหว่างสมาชิกทั้งมวล ความเข้าใจร่วมกัน การจัดองค์กร วินัย ความต้องการตนเองและผู้อื่น การสนับสนุนและช่วยเหลือซึ่งกันและกัน เช่น ปัจจัยหลายประการที่สร้างสิ่งที่เรียกกันทั่วไปว่าบรรยากาศที่สร้างสรรค์ของวงดนตรี

งานทั้งหมดที่ผู้นำกำหนดไว้สำหรับทั้งมวลจะต้องได้รับการเข้าใจอย่างลึกซึ้งจากหุ้นส่วนและกลายเป็นส่วนสำคัญของความเชื่อของพวกเขาเอง

การศึกษาศิลปะแยกออกจากศีลธรรมไม่ได้ การประเมินตนเองมากเกินไป ความสามารถ ความเห็นแก่ตัวส่งผลเสียต่อการเติบโตของทักษะทางวิชาชีพ การปรากฏตัวของโรคนี้ในสมาชิกวงคนใดคนหนึ่งสามารถทำลายสิ่งทั้งหมดได้

เงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับการดำรงอยู่ของวงดนตรีคือการกำหนด "สิทธิและความรับผิดชอบ" ของผู้เข้าร่วมและผู้นำอย่างชัดเจน อย่างไรก็ตาม คำถามนี้มีความซับซ้อน และในปัจจุบันยังไม่มีความเห็นเป็นเอกฉันท์ บางคนเชื่อว่าวงดนตรีต้องการผู้นำ เนื่องจากงานของกลุ่มต้องการหลักการที่เป็นเอกภาพ คนอื่นๆ เชื่อว่านี่คือการรวมตัวของความเท่าเทียมกัน ไม่เหมือนกับวงออเคสตรา นักดนตรีดังนั้นการอยู่ใต้บังคับบัญชาของผู้เข้าร่วมคนใดคนหนึ่งจึงไม่สอดคล้องกับแนวคิดของวงดนตรี

การเชื่อฟังผู้ควบคุมวงตามคำแนะนำของเขาเจตจำนงของเขาเป็นไปตามลำดับของสิ่งต่าง ๆ แต่ไม่รวมในชุดนี้ ผู้นำต้องรับผิดชอบส่วนบุคคลเพิ่มเติมและความรับผิดชอบเพิ่มเติมสำหรับกิจการของวงดนตรี เขาเป็นผู้ริเริ่มและผู้จัดงานในกระบวนการสร้างสรรค์โดยเฉพาะมากกว่าคนอื่นๆ เขาจะต้องริเริ่มในการคัดเลือกละคร

วงดนตรีเป็นรูปแบบหนึ่งของความคิดสร้างสรรค์ร่วมกัน โดยผู้เข้าร่วมแต่ละคนจะต้องรวมคุณสมบัติสองประการเข้าด้วยกัน: เป็นทั้งผู้นำและผู้ใต้บังคับบัญชา ขึ้นอยู่กับสถานการณ์

หน้าที่ของผู้นำคือการรวมสมาชิกทั้งมวลเข้าด้วยกันเป็นอันหนึ่งอันเดียวกัน กลุ่มศิลปะกำหนดงานเร่งด่วนของเขา ร่างโครงร่างโอกาสในการทำงาน ผู้นำต้องจำไว้ว่าในแต่ละวงดนตรีจำเป็นต้องพัฒนา บุคลิกลักษณะที่สร้างสรรค์ระบุ "บทบาท" ของเขา มากขึ้นอยู่กับคุณสมบัติส่วนบุคคลของผู้นำ การเป็นผู้นำทีมได้ถือเป็นศิลปะที่ยอดเยี่ยม ผู้นำจะต้องเรียกร้องตนเองอย่างมาก ความรับผิดชอบของผู้จัดการรวมถึง:

1. แสวงหา ละครใหม่;

2. วางแผนและดำเนินการ งานซ้อม;

3. จัดทำรายการคอนเสิร์ตเดี่ยวและคอนเสิร์ตกลุ่ม ฯลฯ

ปัญหาหลัก- นี่คือละครซึ่งเป็นเรื่องของชีวิตของทั้งมวล โดยสรุปเราสามารถพูดได้ดังต่อไปนี้:

วงดนตรีจะต้อง:

ช่วยให้วงดนตรีบรรลุเป้าหมาย

ทำงานอย่างเป็นระบบเพื่อพัฒนาทักษะการแสดงของคุณ

ประเมินผลงานของทีมอย่างมีสติ โดยจำไว้ว่าไม่มีใครหยุดอยู่แค่นั้นได้

เป็นคนวิจารณ์ตนเอง

ปฏิบัติตามคำแนะนำจากผู้จัดการ

เตรียมตัวซ้อมอย่างละเอียด ฯลฯ

งานสร้างสรรค์ทั้งมวล

เงื่อนไขในการฝึกซ้อม

การซ้อมควรเกิดขึ้นในห้องที่กว้างขวางและที่ดีไปกว่านั้นคืออยู่บนเวทีโดยตรง เสียงของห้องมีความสำคัญอย่างยิ่ง การซ้อมต้องเริ่มตรงเวลาและสิ้นสุดตรงเวลา ในช่วงเริ่มต้น นักแสดงจะต้องเล่นออกมาแล้วจึงจะสามารถเริ่มการซ้อมด้วยการเล่นที่ซับซ้อนได้ แผนซ้อมต้องมีความเข้มข้นแต่สามารถนำไปปฏิบัติได้จริง

งานปาร์ตี้จะต้องได้รับการกำหนดเวลาอย่างระมัดระวัง

วงดนตรีเป็นสิ่งมีชีวิตเดียว มันเกิดในการเชื่อมโยงกันเท่านั้น ประการแรกในแง่ของความหมาย และด้วยเหตุนี้ในแง่ของเส้น ไดนามิก จังหวะ จังหวะ ฯลฯ

ในการซ้อมครั้งแรก คุณควรครอบคลุมงานโดยรวม จากนั้นค่อยลงรายละเอียดและขัดเกลารายละเอียดเหล่านั้น ในขณะที่คุณเชี่ยวชาญแต่ละส่วน ให้เชื่อมต่อและ "ประกอบ" ชิ้นส่วนเหล่านั้นเพื่อพยายามเล่นชิ้นส่วนตั้งแต่ต้นจนจบในท้ายที่สุด ไม่แนะนำให้เล่นทั้งชิ้นติดต่อกันหลายครั้งในระยะเริ่มแรก สิ่งนี้ส่งผลเสียมากกว่าผลดี ในการซ้อมครั้งต่อไป เราต้องปรับปรุงการใช้ถ้อยคำ ไดนามิก คุณภาพเสียงต่อไป โดยไม่ลืมเป้าหมายหลักทางศิลปะ

ผู้นำจะต้องปรับเสียงโดยรวม แสดงความคิดเห็นที่จำเป็นในระหว่างเกม ด้วยการเบี่ยงเบนความสนใจของนักแสดงด้วยคำพูดของเขา เขาทำให้พวกเขาอยู่ในตำแหน่งที่ยากลำบาก และถึงกระนั้น นี่เป็นรูปแบบงานที่มีประโยชน์ เหนือสิ่งอื่นใด เพื่อทดสอบความแข็งแกร่งของความรู้ในส่วนต่างๆ ในระหว่างเกมอาจมีการหยุดการแข่งขัน ในกรณีนี้ ผู้จัดการจะต้องอธิบายเหตุผล ให้ความเห็นเฉพาะเจาะจง และให้เหตุผล

รูปแบบการเล่นงานใหม่อาจแตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับระดับความพร้อมและปริมาณงานด้วย ขอแนะนำให้เปลี่ยนจังหวะและไดนามิก ในเวลาเดียวกันการเล่นอย่างมีความหมายเป็นสิ่งสำคัญโดยสังเกตความแตกต่างและรักษาสมดุลที่ถูกต้องของฝ่ายจากมุมมองของพลวัต เมื่อเล่นชิ้นใดชิ้นหนึ่ง คุณควรกำหนดภารกิจบางอย่างในแต่ละครั้ง - รวบรวมสิ่งที่คุณได้เรียนรู้ ปรับปรุงการเชื่อมโยงระหว่างส่วนต่าง ๆ ฝึกซ้อมสถานที่ที่ยากลำบาก caesuras fermatas เพิ่มจังหวะ ฯลฯ คุณต้องพยายามให้แน่ใจว่าการทำซ้ำแต่ละครั้งจะดีกว่าครั้งก่อน

ในอนาคตคุณควรมุ่งมั่นที่จะแสดงส่วนนั้นด้วยใจ ขอแนะนำว่าในการซ้อมแต่ละครั้งจะต้องมีผลงานในขั้นตอนนั้น งานต่างๆเช่น ใช้ได้กับคนรู้จักทั่วไป! ขึ้นอยู่กับการอ่านสายตา!; ทำงานในขั้นแรกของงานศิลปะ /วิเคราะห์/; งานเพื่อการพัฒนาทางศิลปะ ทำงานในขั้นตอนสุดท้ายของการทำงาน / การขัดชิ้นส่วนขั้นสุดท้าย!; ทำงานเพื่อการทำซ้ำ

ขั้นตอนหลักของการทำงานด้านละครเพลง

งาน.

สเต็ปแรกกำลังเข้าแล้ว โครงร่างทั่วไปทำความคุ้นเคยกับผลงาน ผู้แต่ง ยุคที่ผู้แต่งอาศัยอยู่ และประวัติความเป็นมาของการสร้างสรรค์ผลงาน

ประการที่สอง นักแสดงจะต้องทำงานอย่างระมัดระวังผ่านข้อความ วิเคราะห์พื้นผิว จังหวะ ไดนามิก จังหวะ กำหนดแอมพลิจูด วิธีการเล่น ฯลฯ การค้นหาและการอนุมัติการดำเนินการหมายถึงการบรรลุแผนของผู้เขียน

ประการที่สามคือการรวบรวมแผนของผู้เขียนตามทักษะและเทคนิคที่กำหนดไว้ของเกม นอกจากนี้ยังจำเป็นต้องปรับปรุงและเพิ่มความลึกของการแสดงออกที่ช่วยระบุภาพลักษณ์ทางศิลปะอีกด้วย อย่างที่คุณเห็นงานของด่านที่สองและสามนั้นมีอะไรเหมือนกันมาก

ประการที่สี่กำลังแสดงผลงาน ทำความคุ้นเคยกับภาพลักษณ์ทางศิลปะของมัน

ขั้นตอนของความเชี่ยวชาญทางเทคนิคของงาน:

การก่อตัวของทักษะยนต์

ประการแรก จุดเน้นของงานของวงดนตรีในขั้นตอนนี้ควรอยู่ที่การศึกษาและการปฏิบัติในทุกองค์ประกอบ ข้อความดนตรี, เชี่ยวชาญพื้นผิว, สร้างการเคลื่อนไหวของเกม ขั้นตอนนี้มักจะถูกกำหนดให้เป็น การวิเคราะห์โดยละเอียดทำงาน

ดังนั้นก่อนอื่นคุณต้องอ่านข้อความ:

ประการแรกโดยการทำความเข้าใจจังหวะ ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับความสัมพันธ์และปฏิสัมพันธ์ของรูปแบบจังหวะต่างๆ ที่พบในท่อนต่างๆ

ประการที่สอง เพื่อทำความเข้าใจจังหวะในทุกสิ่ง ความหลากหลายของมัน การสรุปเทคนิคสำหรับผู้บริหารสำหรับการนำไปปฏิบัติ

ประการที่สาม รู้สึกถึงพลวัตในแง่ทั่วไป เพื่อที่ภายหลังเมื่อทำรายละเอียดมากขึ้นแล้ว ก็จะรู้สึกถึงมัน

ควรให้ความสนใจเป็นพิเศษในการพิจารณาการใช้นิ้วอย่างมีเหตุผล โดยมีการตรวจสอบทางเทคนิคซ้ำแล้วซ้ำอีก สถานที่ที่ยากลำบาก- บนพื้นฐานของการใช้นิ้วและการเคลื่อนไหวการเล่นอย่างเชี่ยวชาญ ค่อยๆ พัฒนาทักษะที่แข็งแกร่งในการวางแนวบนฟิงเกอร์บอร์ด ตามลำดับ หากพูดเป็นรูปเป็นร่างเพื่อ "มองเห็นความวิตกกังวลผ่านสายตาของนิ้วมือ"

ควรจำไว้ว่ากระบวนการเล่นกีตาร์เกิดขึ้นนอกเหนือจากการสัมผัสสายตาของนักแสดงกับสาย ดังนั้นจึงเป็นเรื่องสำคัญที่จะต้องอ่านเนื้อหาและโดยเฉพาะอย่างยิ่งข้อความที่เกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนตำแหน่งเพื่อให้ได้ความมั่นใจอย่างเต็มที่ ในขณะเดียวกัน การเคลื่อนไหวแบบอัตโนมัติถือเป็นเงื่อนไขที่จำเป็นอย่างยิ่ง

ในขั้นตอนการทำงานนี้จำเป็นต้องอ่านข้อความดนตรีให้ละเอียดยิ่งขึ้นและกำจัดความคลุมเครือทั้งหมดที่อาจเกิดขึ้นในส่วนต่างๆ ขอแนะนำให้เล่นเกมที่ได้รับการพิสูจน์แล้วและฝึกฝนร่วมกับเกมอื่นโดยสรุป โครงร่างทั่วไปเสียงของพวกเขาในกรณีนี้ควรเชื่อมต่อส่วนที่เสริมซึ่งกันและกันหรือทำหน้าที่เดียวกันส่วนที่ทำงานจะเชื่อมต่อถึงกัน

นอกจากนี้ยังจำเป็นต้องจดจำและให้ความสนใจอย่างมากกับการแนะนำเสียงใหม่ เพื่อประสานการแนะนำแต่ละครั้งกับเนื้อหาเฉพาะเรื่อง /ทำนอง/ ซึ่งเป็นแนวทาง

หากเพลงใดมีจังหวะเร็ว ไม่ได้หมายความว่าคุณควรเล่นตามจังหวะที่กำหนดทันที คุณควรรอจนกว่าแบทช์จะสุก การเร่งความเร็วอย่างรวดเร็วก่อนเวลาอันควรอาจก่อให้เกิดอันตรายได้เท่านั้น

เมื่อวิเคราะห์ชิ้นส่วน ไม่แนะนำให้เล่นตั้งแต่ต้นจนจบทีละชิ้นเสมอไป บางครั้งการเลือกเล่นเป็นชิ้น ๆ ก็มีประโยชน์ทั้งนี้ขึ้นอยู่กับความซับซ้อนของวัสดุ การทำงานในลักษณะนี้ เราจะได้รับชิ้นส่วนการเรียนรู้หรือเกือบได้เรียนรู้จำนวนหนึ่ง และเนื้อหาจะยังคงรวมเข้าด้วยกันเป็นชิ้นเดียว

นี่ค่อนข้างเป็นธรรมชาติ: การเน้นไปที่เพลงชิ้นเล็กๆ เป็นเรื่องหนึ่ง และอีกเรื่องหนึ่งคือการเน้นไปที่ข้อความหลายๆ ตอน หากในกรณีแรกทุกอย่างขึ้นอยู่กับความสามารถในการปรับแต่งข้อความที่จดจำไว้ในกรณีนี้ก็ขึ้นอยู่กับความสามารถในการปรับแต่งจากข้อความหนึ่งไปยังอีกข้อความหนึ่งเนื่องจากปัญหาทางเทคนิคจะต้องได้รับการแก้ไขในสตรีมประเภทต่างๆ พื้นผิวในกระแสดนตรีพร้อมเสียงที่แตกต่าง ในการทำงานต่อไป สิ่งสำคัญคือต้องตรวจสอบความสัมพันธ์ของเสียงจากมุมมองของไดนามิก: เสียงใดควรดังในเบื้องหน้าในส่วนที่กำหนด และเสียงใดในเบื้องหลัง (และทำไม)

ควรให้ความสนใจเป็นพิเศษกับสถานที่ที่ต้องการการแสดงที่ซิงโครไนซ์ ความแม่นยำของจังหวะ คำจำกัดความของเส้น ฯลฯ

กล่าวอีกนัยหนึ่ง จำเป็นต้องวางรากฐานทีละขั้นตอนเพื่อการแสดงที่ไร้ที่ติทางเทคนิค ซึ่งอยู่เบื้องหลังซึ่งสามารถมองเห็นรูปทรงของการแสดงทางศิลปะได้แล้ว งานจะต้องมีโครงสร้างในลักษณะที่คุณจะเข้าใกล้เป้าหมายสุดท้ายมากขึ้นในการซ้อมแต่ละครั้ง

ในช่วงเวลานี้จำเป็นต้องค่อยๆ ฝึกฝนทักษะการเล่นด้วยใจ การเล่นด้วยใจต้องใช้เวลา ดังนั้น เกมนี้จึงต้องพัฒนาให้เร็วที่สุด

ขั้นตอนการแสดงการรับรู้ถึงภาพลักษณ์ทางดนตรี

นักแสดงจำเป็นต้องรวบรวมภาพลักษณ์ทางดนตรีอย่างไร? คำตอบสั้นๆ ก็คือสามารถเข้าสู่โลกแห่งอารมณ์ของผู้แต่งผลงานแต่ละชิ้นที่ได้แสดง เพื่อซึมซับความคิดและประสบการณ์ของเขา ท้ายที่สุดแล้วรายการคอนเสิร์ตครั้งหนึ่งสามารถรวมผลงานของนักแต่งเพลงหลากหลายสไตล์และตัวละครที่แตกต่างกันเผยให้เห็นพวกเขา "จัดเตรียม" แต่ละคนเพื่อเขาเท่านั้น คุณสมบัติโดยธรรมชาติ- นี่คือความยากของงาน

แต่ละส่วนเป็นส่วนหนึ่งของภาพเดียวที่สร้างขึ้นโดยทั้งมวล ซึ่งเป็น "ตัวละคร" จากบทละครที่มีตัวละครบางตัวซึ่งจำเป็นต้องปรับให้เข้ากับลักษณะเฉพาะของมันให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้น การทำงานในงานปาร์ตี้ควรดำเนินต่อไปในทิศทางนี้: เราควรจัดการไม่เพียงแต่กับการตกแต่งภายนอกเท่านั้น ปรับปรุงด้านเทคนิคของการดำเนินการ แต่ที่สำคัญที่สุดคือ ขัดเกลาปาร์ตี้จากภายใน เจาะลึกเข้าไปในเนื้อหามากขึ้นเรื่อยๆ

เมื่อทำงาน คุณควรอ่านให้มากขึ้นไม่เพียงแต่ในข้อความเท่านั้น แต่ยังรวมถึงข้อความย่อยด้วย

ในการเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับงานหลัก - การก่อตัวของภาพดนตรี - ในช่วงเวลานี้ประเด็นต่างๆเช่นการพัฒนาอย่างระมัดระวังของ เทคนิคที่จำเป็นการผลิตเสียง การค้นหาสีเสียง การชี้แจง เฉดสีแบบไดนามิกฯลฯ ในการค้นหาสี ควรเริ่มจากแนวคิดของเสียงร้องหรือเสียงออเคสตรา หากไม่มีการทำงานเกี่ยวกับเสียง คุณจะไม่สามารถ "วาด" ภาพดนตรีได้ ในกรณีนี้ จำเป็นต้องใช้ความสามารถของเสียงต่ำของเครื่องดนตรี เพื่อให้ได้เสียงแบบนูนของทำนองเพลงแต่ละท่อน

ในการทำงานต่อไปคุณจะต้องติดตามความสัมพันธ์ของโครงสร้างดนตรีแต่ละอย่าง: วลีส่วนต่าง ๆ ให้ความสนใจกับจุดสุดยอด "ท้องถิ่น" และศูนย์กลางความสม่ำเสมอของจังหวะความมั่นคงของจังหวะการเบี่ยงเบนที่เจ็บปวด ฯลฯ พร้อมทั้งวิเคราะห์โครงสร้างของงาน บทละครด้วย

จำเป็นต้องมุ่งมั่นเพื่อแสดงส่วนต่างๆ ที่ลึกซึ้งและมีความหมายมากขึ้น เพื่อที่คุณจะได้สามารถเล่นแต่ละส่วนได้อย่างสมบูรณ์แบบและเต็มไปด้วยอารมณ์ความรู้สึก ความสมบูรณ์ของงานในการศึกษางานใหม่ไม่ได้เกิดขึ้นเมื่อไม่สามารถเพิ่มเติมสิ่งใดได้ แต่เกิดขึ้นเมื่อไม่มีอะไรสามารถพรากไปจากสิ่งที่สำเร็จไปแล้วได้

ตามที่เราเห็น การเรียนรู้งานนั้นเป็นกระบวนการที่ซับซ้อนและมีหลายการกระทำ ไม่ต้องสงสัยเลยว่าปัญหาที่ยากจะต้องแบ่งออกเป็นปัญหาที่ค่อนข้างง่ายจำนวนหนึ่ง โดยแก้ไขตามลำดับตามหลักการตั้งแต่ง่ายไปจนถึงซับซ้อน

Timbre และศิลปะแห่งการผลิตเสียง

อย่างที่ทราบกันดีว่าเสียงมีคุณสมบัติดังต่อไปนี้: ความสูง ปริมาตร เสียงต่ำ และระยะเวลา

ตัวอย่างคลาสสิกของวงดนตรีที่ไหน เครื่องมือที่เกี่ยวข้องมีรำมะนาเดี่ยว เป็นชุดเครื่องสายธนู

อย่างไรก็ตาม งานนี้ไม่เพียงแต่เพื่อให้แน่ใจว่าวงดนตรีมีความสามารถด้านเสียงที่หลากหลายเท่านั้น แต่ยังต้องใช้งานอย่างเชี่ยวชาญอีกด้วย ส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับทักษะการใช้เครื่องดนตรี ควรคำนึงว่าเครื่องมือมีในการกำจัดของเขาไม่เพียง แต่เสียงที่เครื่องดนตรีนั้น ๆ มีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเสียงที่สามารถได้รับจากการผสมผสานด้วย

สำหรับนักแสดงที่เล่นในวงดนตรี สิ่งสำคัญมากคือต้องมีความรู้สึกละเอียดอ่อนของสีเสียง ซึ่งควรจะแตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับสไตล์และธรรมชาติขององค์ประกอบ งานเกี่ยวกับวัฒนธรรมของเสียงหมายถึงการทำงานในการไล่ระดับของไดนามิก ความแม่นยำของความแตกต่าง การควบคุมจังหวะต่างๆ งานเกี่ยวกับความสมดุลของเสียงของแต่ละเสียงของวงดนตรี ฯลฯ

ในกรณีนี้ ควรให้ความสนใจเป็นพิเศษในการพัฒนาทักษะน้ำเสียง “การออกเสียงเสียงที่มีความหมาย”

หน้าที่ของนักดนตรีและนักแสดงคือสามารถแสดงออกผ่านเสียงได้ หากไม่มีความเชี่ยวชาญด้านศิลปะการแสดงเสียงที่สมบูรณ์แบบ ก็เป็นไปไม่ได้ที่จะสร้างภาพศิลปะที่เต็มเปี่ยมและถ่ายทอดลักษณะเฉพาะของดนตรีที่จำเป็น

สั้น ๆ เกี่ยวกับเทคนิคการผลิตเสียง

ก่อนที่เราจะพูดถึงวิธีสร้างเสียงจำเป็นต้องพูดสองสามคำเกี่ยวกับลักษณะของแต่ละนิ้ว ผู้ที่แข็งแกร่งที่สุดคือผู้ที่ยิ่งใหญ่ กระฉับกระเฉงที่สุด - (ดัชนี); เป็นคนที่แข็งแกร่งที่สุดและยาวนานที่สุดขึ้นอยู่กับคนที่สาม นิ้วที่สี่ (วงแหวน) อ่อนแอและเคลื่อนที่ได้น้อย ประการที่ห้า (นิ้วก้อย) - เขาไม่ได้มีส่วนร่วมในเกม

มีสองวิธีในการแยกเสียง:

1. Apoyando - วิธีสร้างเสียงด้วยนิ้วมือขวา ตามด้วยการหยุดปลายนิ้วบนสายถัดไป (ที่อยู่ติดกัน)

2. Tirando - วิธีสร้างเสียงด้วยนิ้วมือขวาโดยไม่ต้องหยุดปลายนิ้วบนสายที่อยู่ติดกัน

จังหวะเป็นวิธีการแสดงออก

ในการแสดงทั้งมวล เช่นเดียวกับการเล่นเดี่ยว จังหวะเป็นวิธีการแสดงออกที่สำคัญ ดังนั้นสมาชิกทุกคนในวงจะต้องเชี่ยวชาญเทคนิคการแสดงจังหวะต่างๆอย่างสมบูรณ์แบบ ให้เราเตือนคุณถึงสิ่งเหล่านั้นโดยไม่ต้องลงรายละเอียดเกี่ยวกับจังหวะ

Legato (1еgato) เป็นการแสดงที่เชื่อมโยงกัน เมื่อเสียงหนึ่งเปลี่ยนไปเป็นอีกเสียงหนึ่งอย่างราบรื่น อย่ายกนิ้วขึ้นจากสายแล้ววางอย่างนุ่มนวล ในเทคนิคกีตาร์นั้น Legato ไม่ควรถือเป็นการแสดงที่เชื่อมต่อกันเท่านั้น แต่ยังรวมถึง a ด้วย วิธีการผลิตเสียงซึ่งมีความสำคัญยิ่ง

เทคนิค Legato ทำได้สามวิธี:

1. วิธี: ตามลำดับเสียงจากน้อยไปหามากเสียงแรกจะถูกกระแทก

นิ้วของมือขวาและนิ้วที่สองหรือต่อมา - นิ้ว (ขวา)

มือซ้ายซึ่งลงมาบนสายเดียวกันด้วยแรงให้กดและ

ทำให้เกิดเสียงโดยที่มือขวาไม่มีส่วนร่วม

2. วิธีการ : ใช้กับลำดับเสียงที่ส่งออกไป เสียงแรกเกิดขึ้นโดยใช้นิ้วมือขวาและเสียงที่สองและต่อมาเกิดจากการยกนิ้วของมือซ้ายไปทางด้านข้าง

3. วิธีการ: ยังใช้ในลำดับเสียงขาออกเมื่อมีการรวมโน้ตสองตัวซึ่งเล่นบนสายที่แตกต่างกันโน้ตแรกจะได้จากการตีด้วยนิ้วของมือขวาและอันที่สอง - จากการตีด้วย นิ้วของมือซ้ายซึ่งใช้แรงกดลงบนสายอีกเส้นในตำแหน่งที่ถูกต้องและทำให้มีเสียงโดยไม่ต้องใช้มือขวา

Staccato – ระบุด้วยจุดด้านบนหรือด้านล่างโน้ต เสียงจะดำเนินการอย่างกะทันหัน ราวกับกำลังสร้างการหยุดชั่วคราวหลังจากแต่ละโน้ต ด้านบนมีป้ายอยู่

หากต้องการเล่นกีตาร์แบบสแตคคาโต คุณต้องแยกเสียงออกด้วยนิ้วมือขวา แล้วใช้นิ้วนี้กับสายที่ดึงเสียงออกมาทันที โดยไม่ปล่อยให้สายดังขึ้น

Non Legato คือจังหวะที่เสียงมีระยะเวลาประมาณเดียวกับเมื่อเล่น Legato อย่างไรก็ตามพวกเขาไม่เกี่ยวข้องกัน

จังหวะเป็นปัจจัยหนึ่งของความสามัคคีทั้งมวล

ในบรรดาองค์ประกอบที่รวมนักดนตรีให้เป็นวงดนตรีที่กลมกลืนกัน จังหวะมิเตอร์อาจเป็นจุดหลัก ความรู้สึกของจังหวะ โดยพื้นฐานแล้ว เขาทำหน้าที่เป็นวาทยากรในวงดนตรี:

ความรู้สึกของผู้เข้าร่วมแต่ละคนเกี่ยวกับจังหวะอันแข็งแกร่งคือวาทยากรที่ "ซ่อนเร้น" ซึ่ง "ท่าทาง" มีส่วนช่วยในการรวมตัวของผู้เล่นทั้งมวล

Ensemble คือศิลปะแห่งการเล่นร่วมกัน ความสามัคคีและความซิงโครไนซ์ของเสียงเป็นสิ่งแรกในบรรดาเงื่อนไขที่สำคัญอื่นๆ Metrorhythm เป็นรากฐานซึ่งเป็นกรอบที่อาคารทั้งมวลวางอยู่ ความแน่นอนของจังหวะทำให้การเล่นมีความมั่นใจและเชื่อถือได้ทางเทคนิคมากขึ้น บนพื้นฐานนี้ ในที่สุดความอัตโนมัติของการเคลื่อนไหวก็แข็งแกร่งขึ้น โดยที่เทคนิคการแสดงเป็นสิ่งที่คิดไม่ถึง นอกจากนี้ นักแสดงที่เล่นไม่สม่ำเสมอจะเสี่ยงต่ออุบัติเหตุทุกประเภทมากกว่า

ให้เราชี้ให้เห็นคุณลักษณะอีกอย่างหนึ่งของเมทริธึม ความรู้สึกของการเคลื่อนไหวที่ราบรื่น การเคลื่อนไหวในจังหวะใดจังหวะหนึ่งยังไม่ได้รับการพัฒนา และบางครั้งก็เป็นการยากที่จะกำหนดการวัดทางศิลปะของการเบี่ยงเบนทางความเจ็บปวดต่างๆ จำเป็นที่วงดนตรีจะต้องมีนักแสดงที่มีจังหวะและมั่นคงเพื่อที่จะมีพวกเขามากกว่านี้

ความสามัคคีของจังหวะเกิดขึ้นได้อย่างไรในวงดนตรี? ในแต่ละกรณีจำเป็นต้องเลือกส่วนที่มีโครงสร้างจังหวะ วิธีที่ดีที่สุดจะทำหน้าที่เป็นผู้นำ

ดังนั้นแนวคิดของ "ผู้นำ" และ "ทาส" ในวงดนตรีและในขอบเขตของจังหวะ

“Polka” โดย I. Küffner

ไดนามิกเป็นวิธีการแสดงออก

องค์ประกอบที่แตกต่างกันของพื้นผิวดนตรีควรให้เสียงในระดับไดนามิกที่แตกต่างกัน ต้องจำไว้ว่าพลวัตของงานนั้นไม่ได้รับรู้ในตัวเอง แต่ในการเปรียบเทียบ (ความแตกต่าง) ของระดับไดนามิกต่างๆ

F. Durante "กัลลิอาร์ด"

เมื่อเข้าใจการได้ยินถึงความเข้มข้นของเสียงที่สม่ำเสมอ คุณสามารถฝึกฝนทักษะที่เกี่ยวข้องกับการเพิ่มขึ้นอย่างค่อยเป็นค่อยไปหรือความแรงของเสียงที่ลดลงทีละน้อย ควรคำนึงว่า Creschendo นั้นน่าประทับใจเมื่อความแข็งแกร่งที่เพิ่มขึ้นนั้นสังเกตได้ชัดเจนเป็นพิเศษเมื่อสิ้นสุดการปีนในขั้นตอนสุดท้ายที่เส้นชัย ดังนั้นในขณะที่ติดตามความค่อยเป็นค่อยไปของการเพิ่มขึ้นก็จำเป็นต้องมีกำลังสำรองเพื่อใช้ในขณะที่เติมเส้นให้ถึงระดับสูงสุด เช่นเดียวกับการลดขนาด โดยความแตกต่างที่ว่าการลดความแรงของเสียงโดยไม่สังเกตนั้นเป็นงานที่ยากกว่าการเพิ่ม ในขณะเดียวกันไม่เพียง แต่เงื่อนไขนี้เท่านั้นที่ถูกละเมิด แต่ยังรวมถึงกระบวนการของการค่อยๆเพิ่มหรือลดความเข้มของเสียงด้วย

อาร์. Y. Solovyova “ ใต้ต้นแอปเปิ้ลเขียว”

Tempo เป็นวิธีการแสดงออก

การกำหนดจังหวะของชิ้นงานเป็นจุดสำคัญ ศิลปะการแสดง- จังหวะที่เลือกอย่างถูกต้องมีส่วนช่วยในการถ่ายทอดลักษณะของดนตรีที่ถูกต้อง จังหวะที่ไม่ถูกต้องไปในระดับหนึ่งหรืออย่างอื่นจะบิดเบือนลักษณะของงาน แม้ว่าจะมีคำแนะนำของผู้เขียนเกี่ยวกับจังหวะ ขึ้นอยู่กับการกำหนดความเร็วของดนตรีในเนื้อหาของภาพศิลปะ

สำหรับงานหลายชิ้นมีสิ่งที่เรียกว่าโซนจังหวะ ซึ่งภายในจังหวะสามารถเปลี่ยนแปลงได้โดยไม่ต้องเปลี่ยนความหมายของดนตรี

สำหรับจังหวะเร็วนั้นไม่ควรเป็นจุดสิ้นสุดในตัวมันเอง จังหวะนั้นจะขึ้นอยู่กับลักษณะของดนตรีที่แสดงอยู่เสมอ จังหวะเร็วเป็นการทดสอบความแข็งแกร่งของวงดนตรีและความเสถียรของจังหวะมิเตอร์ วงดนตรีไม่ควรหวาดกลัวด้วยความเร็วของการเคลื่อนไหว แต่ด้วยการขาดความสามัคคี ความเป็นระเบียบ เสรีภาพทางเทคนิค และการเชื่อมโยงกัน

เมื่อกำหนดขอบเขตของจังหวะจำเป็นต้องคำนึงถึงพื้นผิวของงานและแน่นอนความสามารถทางเทคนิคของสมาชิกทั้งมวล ขีดจำกัดของความเร็วยังขึ้นอยู่กับคุณภาพของทีมด้วย และสุดท้าย จังหวะก็ขึ้นอยู่กับบุคลิกลักษณะเฉพาะของนักแสดงด้วย

บทเพลงที่จำไว้ไม่สามารถเล่นด้วยจังหวะเร็วตลอดเวลาได้ ในระหว่างการซ้อม เพื่อเป็นมาตรการป้องกัน จะต้องหันไปใช้จังหวะที่จำกัดมากขึ้นเป็นระยะๆ เมื่อ "ล้างข้อมูล" ข้อความแล้ว คุณสามารถกลับไปสู่ความเร็วที่เร็วขึ้น พร้อมความต้องการใหม่ที่สูงขึ้นในแง่ของคุณภาพการดำเนินการ

เทคนิคการบรรลุความบังเอิญ

เสียงทั้งมวล

ความซิงโครไนซ์ของเสียงทั้งมวลควรเข้าใจว่าเป็นความแม่นยำของความบังเอิญในช่วงเวลาของจังหวะที่แรงและจังหวะที่อ่อนแอของแต่ละการวัด ซึ่งเป็นความแม่นยำสูงสุดในการแสดงระยะเวลาที่น้อยที่สุดโดยสมาชิกทุกคนในวงดนตรี

ควรให้ความรู้สึกว่าคน ๆ หนึ่งกำลังเล่นโดยมี "ศูนย์กลาง" ของการควบคุมเพียงจุดเดียว การเล่นพร้อมกันหมายถึงการเล่นร่วมกันอย่างสมบูรณ์และแม่นยำ แม้แต่ความแตกต่างเพียงเล็กน้อยในการดำเนินการของส่วนหนึ่งก็ไม่ถูกมองข้ามโดยผู้ฟังที่เอาใจใส่

เราจะบรรลุความสามัคคีเช่นนี้ได้อย่างไรเพื่อให้ทุกคนสามารถเข้าร่วมได้พร้อม ๆ กันเป็นคนเดียว ทุกคนสามารถเล่นด้วยกันได้ (ไม่ว่าท่อนจะยาวแค่ไหน) พร้อมเปลี่ยนจังหวะหากจำเป็น “รับ” หรือ “ ถอด” คอร์ด ฯลฯ งานนี้มีความซับซ้อนมากขึ้นด้วยความจริงที่ว่าทั้งมวลจะต้องมีจังหวะเมโทรที่แน่นอนและด้วยเหตุนี้จึงมีจังหวะที่เป็นอิสระ

เพื่อที่จะเล่นด้วยกัน ก่อนอื่นคุณต้องเรียนรู้ที่จะเข้าใจคู่ของคุณ และปลูกฝังคุณสมบัติที่เรียกว่าความรู้สึกรวมกลุ่มในตัวเอง นี่คือสิ่งสำคัญ

บรรลุความบังเอิญในขณะที่ START

วงดนตรีจะต้องมีนักแสดงที่ทำหน้าที่บางอย่างของผู้ควบคุมวง - บางครั้งเขาต้องแสดงการแนะนำ การเผยแพร่ การชะลอตัว ฯลฯ

สัญญาณให้เข้าคือการพยักหน้าเล็กๆ ซึ่งประกอบด้วยสองช่วงเวลา: การเคลื่อนไหวขึ้นด้านบนที่แทบจะสังเกตไม่เห็น และจากนั้นเป็นการเคลื่อนไหวลงที่ชัดเจนและค่อนข้างคมชัด หลังทำหน้าที่เป็นสัญญาณให้เข้าร่วม

การพยักหน้าไม่ได้ทำในลักษณะเดียวกันเสมอไป ทุกอย่างขึ้นอยู่กับลักษณะและจังหวะขององค์ประกอบที่กำลังแสดง เมื่อเพลงเริ่มต้นหลังจากจังหวะ สัญญาณจะเหมือนเดิม โดยมีความแตกต่างว่าหากในเวอร์ชันแรกเมื่อยกศีรษะขึ้นจะมีการหยุดชั่วคราว ในกรณีนี้จะเต็มไปด้วยเสียงของจังหวะ

"ผมได้พบกับคุณ".

บรรลุการซิงโครไนซ์ระหว่างการดำเนินการ

การรักษาความสอดคล้องกันของเสียงในระหว่างการแสดงนั้นเป็นงานที่ยากยิ่งกว่าการแนะนำพร้อมกันในตอนต้นของผลงาน ทุกอย่างขึ้นอยู่กับความเสถียรของจังหวะเมตรที่ผู้เล่นแต่ละคนมี และจังหวะที่เขาเล่น

การเล่นร่วมกันเป็นแปดคนเป็นงานที่ยาก โอกาสที่จะ "แยกย้าย" รอคอยผู้เล่นทั้งมวลในทุกย่างก้าว คุณสามารถเสริมความแข็งแกร่งให้กับพื้นฐานจังหวะเมโทรได้ที่นี่โดยเน้นเล็กน้อยที่จุดเริ่มต้นของจังหวะที่หนักแน่น สำเนียงเป็นหลักการที่จัดระเบียบและรวมเป็นหนึ่งเดียว เนื่องจากทำให้เกิดการประสานกันของเสียง

ความบังเอิญในตอนท้ายของงาน

แทบจะไม่ต้องเน้นย้ำถึงความสำคัญของการทำงานให้เสร็จพร้อมกันในเวลาเดียวกัน ในเรื่องนี้เราสังเกตสองประการ ตัวเลือกที่เป็นไปได้:

1. คอร์ดสุดท้าย (หรือโน้ต) มีระยะเวลาที่แน่นอน

2. มีแฟร์มาตาอยู่เหนือคอร์ด ในกรณีแรก การซิงโครไนซ์เกิดขึ้นได้ขึ้นอยู่กับระยะเวลาที่คงไว้อย่างแม่นยำ

ผู้เล่นทั้งวงแต่ละคนนับจังหวะจังหวะเมโทร "เพื่อตัวเอง" และตีคอร์ดตรงเวลา

ความบังเอิญในประสิทธิภาพของ agogics

รักษาความสามัคคีของวงดนตรีเมื่อทำการแสดง agogics เช่น การเบี่ยงเบนเล็กน้อยจากจังหวะและมิเตอร์ (ช้าลง เร่งความเร็ว) เป็นงานที่ต้องได้รับความสนใจอย่างใกล้ชิดจากนักแสดง เมื่อกำหนดจังหวะและการเคลื่อนไหวเป็นไปอย่างสม่ำเสมอ จะง่ายต่อการรักษาความสามัคคีของวงดนตรี เมื่อเบี่ยงเบนไปจากจังหวะและการฟื้นฟูในภายหลัง ปัญหาบางอย่างอาจเกิดขึ้นได้ เนื่องจากสมาชิกแต่ละคนสามารถรู้สึกถึงความเบี่ยงเบนจากจังหวะนี้หรือนั้นได้ในแบบของตนเอง

งานส่วนบุคคลในส่วนทั้งมวล

ส่วนทั้งมวล - ทำงานในส่วนทั้งมวลเพื่อให้มั่นใจถึงประสิทธิภาพ ระดับสูงมีความจำเป็นในลักษณะเดียวกับโซโลทุกประการ ส่วนของผู้เล่นทั้งมวลควรฟังดูแสดงออกทางศิลปะและทางเทคนิคอย่างไม่มีที่ติเหมือนกับส่วนของศิลปินเดี่ยว ควรให้ความสนใจเป็นพิเศษกับการใช้นิ้วและเมื่อวิเคราะห์คุณจะต้องให้ความสนใจไม่เพียง แต่กับสถานที่ทางเทคนิคที่ซับซ้อนเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงสถานที่ที่ดูเรียบง่ายเมื่อมองแวบแรกด้วย ควรสันนิษฐานว่าส่วนสำคัญของความสนใจของผู้เล่นทั้งมวลมุ่งไปที่การฟังส่วนอื่นๆ ดังนั้น การควบคุมด้านเทคนิคในการแสดงในส่วนของเขาจึงถูกควบคุมโดยการใช้นิ้วบางส่วน บนพื้นฐานนี้มีการพัฒนาระบบอัตโนมัติของการเคลื่อนไหวซึ่งทำให้มั่นใจในความแม่นยำ (ในแง่เทคนิค) ของการดำเนินการของชิ้นส่วน

เมื่อเล่นเกม คุณต้องรู้อย่างถี่ถ้วนเพื่อให้สามารถเล่นได้จากทุกที่ ไม่ใช่แค่ตั้งแต่เริ่มต้นเท่านั้น สำหรับผู้เล่นทั้งมวลสิ่งนี้สำคัญมากเพราะว่า ในสถานการณ์วิกฤติช่วยให้นำทางได้อย่างรวดเร็ว

เมื่อเรียนรู้ส่วนหนึ่งจากใจ คุณต้องจินตนาการถึงหน้าที่ของมันในความซับซ้อนโดยรวมของเสียงทั้งมวล

เงื่อนไขที่สำคัญที่สุดในการจดจำส่วนของทั้งมวลคือ หน่วยความจำที่พัฒนาแล้วและทุกประเภท: การได้ยิน การมองเห็น การสัมผัสหรือสัมผัส มอเตอร์หรือกล้ามเนื้อ

พิจารณาแต่ละประเภทแยกกัน

ความทรงจำทางการได้ยินสำหรับนักดนตรีถือเป็นความทรงจำประเภทหลักประเภทหนึ่ง ไม่ว่านักแสดงจะเล่นอะไรก็ตาม ก่อนอื่นเขาต้องฟังและพยายามจดจำสิ่งที่เขาเล่น ในเวลาเดียวกัน คุณไม่เพียงต้องฟังเท่านั้น แต่ต้องฟังสิ่งที่กำลังฟังอย่างใกล้ชิดด้วย

หน่วยความจำภาพ - การแก้ไขภาพที่มองเห็น การทำงานกับข้อความดนตรีในช่วงระยะเวลาหนึ่งทำให้เรามีเวลาที่จะถ่ายภาพมันไว้ในใจเหมือนเดิม ด้วยเหตุนี้ ไม่เพียงแต่จะจดจำข้อความเท่านั้น แต่ยังรวมถึงตำแหน่งของข้อความบนแผ่นเพลงด้วย ดังนั้นคุณไม่ควรแยกส่วนกับบันทึกย่อ คุณต้องให้เวลาความจำภาพในการทำงาน

สัมผัสหรือสัมผัส - หน่วยความจำตามความรู้สึกสัมผัส (สัมผัสสัมผัส) เมื่อเล่นกีตาร์ควรคำนึงถึง มือซ้ายลงบนคอกีตาร์

หน่วยความจำของมอเตอร์ (กล้ามเนื้อ) - ในการเคลื่อนไหวอัตโนมัติ: นิ้ว "จดจำ" ดังนั้นเมื่อเรียนรู้เกมคุณไม่ควรมองมือซ้ายตลอดเวลา สิ่งนี้สามารถขัดขวางการพัฒนาความจำของกล้ามเนื้อซึ่งไม่เพียงทำให้ระยะเวลาการเรียนรู้ยาวนานขึ้นเท่านั้น แต่ยังส่งผลต่อความแข็งแกร่งของการรู้จักเกมด้วยใจด้วย ด้วยวิธีท่องจำนี้ นิ้วจะขยับราวกับเคลื่อนไหวด้วยตัวเอง เฉพาะเสียงอ้างอิงของพื้นผิวที่กำหนดเท่านั้นที่จะถูกบันทึกไว้ในจิตสำนึก ในขณะที่ส่วนที่เหลือจะกลายเป็นความสำเร็จของความจำของกล้ามเนื้อหรือจิตใต้สำนึก

5. การปรับปรุงความรู้ทางดนตรี

6. ช่วยเหลือนักเรียนให้มีส่วนร่วมในชีวิตทางสังคมของโรงเรียน

ในขณะเดียวกันก็ต้องเน้นย้ำว่างานด้านการศึกษาทั้งหมดจะต้องดำเนินการโดยครูในระดับมืออาชีพระดับสูง จะต้องจัดทำแผนงานรายบุคคลโดยมีนักเรียนรวมอยู่ในวงดนตรีด้วย

โปรแกรมการศึกษาที่นำเสนอคำนึงถึง: ประสบการณ์สะสม ความปรารถนาและความคิดเห็นของครูฝึกหัดตลอดจนที่มีอยู่ โปรแกรมระเบียบวิธี.

ปีที่ 1 ของการศึกษา

ฉัน ครึ่งปี (ชั้นประถมศึกษาปีที่ 2)

นักเรียนจะต้องศึกษาผลงานที่แตกต่างกัน 3-4 ชิ้น นักเรียนแต่ละคนได้วิเคราะห์ข้อความดนตรีในส่วนของเขาแล้วจึงคุ้นเคยกับคุณสมบัติของการทำดนตรีทั้งมวล มีการฝึกฝนทักษะเบื้องต้นของการเล่นในวงดนตรี: การรับและถอดเสียงไปพร้อม ๆ กัน ความสามารถในการสังเกตไม่เพียง แต่ส่วนของตนเองเท่านั้น แต่ยังรวมถึงส่วนของคู่หูในข้อความดนตรีด้วย

เพื่อหลีกเลี่ยงความลังเลและการหยุดชะงักบ่อยครั้งเมื่อเล่นด้วยกัน คุณต้องเลือกจังหวะที่ช้าก่อน ผู้เล่นทั้งสองวิเคราะห์ทุกความสอดคล้อง ทุกอนุภาคของโครงสร้าง

ครูแนะนำให้นักเรียนรู้จักกับคุณสมบัติของวงดนตรีและติดตามอย่างระมัดระวัง สภาพจิตใจพันธมิตร สิ่งสำคัญคือต้องโน้มน้าวให้นักเรียนมีความรับผิดชอบร่วมกันต่อเสียงของผลงาน และพัฒนาทัศนคติที่เป็นมิตรในหมู่สมาชิกทั้งมวล

ในตอนท้ายของไตรมาสแรกจะมีการจัดออดิชั่นควบคุมของวงดนตรีและในช่วงปลายครึ่งปีแรกจะมีการทดสอบโดยที่ทั้งมวลแสดงผลงานที่แตกต่างกันสองชิ้น

ครั้งที่สอง ครึ่งปี

นักเรียนจะต้องศึกษาผลงานที่แตกต่างกัน 4-5 ชิ้น งานถูกเลือกสำหรับจังหวะประสิทธิภาพต่างๆ (staccato, legato, non-legato) ความเป็นเอกภาพของการแสดงจังหวะเหล่านี้ในวงดนตรีได้เกิดขึ้นแล้ว

ในเวลาเดียวกัน งานกำลังดำเนินการเกี่ยวกับการใช้ถ้อยคำของงานและการพัฒนาถ้อยคำที่เป็นหนึ่งเดียวในหมู่สมาชิกทั้งมวล

ควรจำไว้ว่าเป็นเรื่องยากสำหรับเด็กวัยประถมศึกษาที่จะฝึกเทคนิคการเล่นแบบใดแบบหนึ่งดังนั้นในระหว่างบทเรียนคุณต้องทำดนตรีหลายชิ้น และแน่นอนคุณสามารถเปรียบเทียบการดำเนินการของจังหวะโดยเป็นรูปเป็นร่างได้ที่นี่:

“ staccato” - เข็มทิ่ม;

“ Legato” - การร้องเพลงที่นุ่มนวล (ขึ้นอยู่กับเสียงที่ต้องการ)

ผลงานที่เรียนรู้ควรแสดงในคอนเสิร์ตในชั้นเรียนและโรงเรียน เมื่อต้องการทำเช่นนี้ นักเรียนจะคุ้นเคยกับพฤติกรรมบนเวที ทักษะการแสดงบนเวทีได้รับการพัฒนา

ในไตรมาสที่สี่จะมีการทดสอบโดยที่ทั้งมวลแสดงผลงานที่แตกต่างกันสองอย่าง

ปีที่ 2 ของการศึกษา

ฉัน ทางบก (เกรด 3)

เลือกงาน 4-5 ที่มีสีสันสดใส ภาพดนตรีโดยการนำความรู้เบื้องต้นเกี่ยวกับรูปแบบงานมาใช้ ขึ้นอยู่กับโปรแกรม มีการสนทนาเกี่ยวกับวิธีการแสดงออกของงานเฉพาะ (จังหวะ ไดนามิก จังหวะ จังหวะ ฯลฯ) และเพื่อที่จะปรับปรุงนักแสดงอย่างเหมาะสม การคิดเชิงศิลปะจึงมีความเหมาะสม

ครูควรจำไว้ว่าจิตใจของนักเรียนนั้นมีลักษณะของการรับรู้ที่กระจัดกระจายเช่น ความมุ่งมั่นต่อคุณลักษณะเดียว (จังหวะ ไดนามิก จังหวะ เสียง การใช้ถ้อยคำ) ดังนั้นคุณจึงไม่ควร "ทำงานหนัก" ให้กับนักเรียนที่มีงานใหญ่เกินไป แต่การเลือกละครที่มีอยู่เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่ง

ครั้งที่สอง ครึ่งปี

งานยังคงพัฒนาทักษะที่ได้รับวิเคราะห์รูปแบบงานและวิธีการแสดงออก

การสนทนาเกี่ยวกับข้อเท็จจริงทางประวัติศาสตร์ ชีวประวัติ และทฤษฎีกระตุ้นการคิดและการรับรู้ของนักเรียนอย่างมีนัยสำคัญ ช่วยให้เข้าใจจึงแสดงผลงานได้

ปีที่ 3 ของการศึกษา

ครึ่งปีแรก (ชั้นประถมศึกษาปีที่ 4)

ให้ความสนใจกับเสียงที่เป็นรูปเป็นร่างของงาน การอ่านสายตา. ในไตรมาสแรกจะมีการทดสอบออดิชั่น

ครึ่งปีที่สอง

นักเรียนจะต้องเรียนรู้ 4-5 ชิ้น

ปีที่ 4 ของการศึกษา

ฉัน ครึ่งปี (ชั้นประถมศึกษาปีที่ 5)

นักเรียนจะต้องเรียนบทละคร 4-5 เรื่อง ความรู้เบื้องต้นเกี่ยวกับรอนโดและโซนาตาในรูปแบบที่ใหญ่กว่า ด้วยนักเรียนที่เข้มแข็งก็สามารถทำความคุ้นเคยกับรูปแบบคอนเสิร์ตได้ งานยังคงดำเนินต่อไปเพื่อพัฒนาจังหวะเดียว ความสม่ำเสมอของจังหวะ และความสมดุลแบบไดนามิกของชิ้นส่วนต่างๆ

ให้ความสนใจกับเสียงที่เป็นรูปเป็นร่างของงาน การอ่านสายตา. ในไตรมาสที่ 1 จะมีการออดิชั่นแบบควบคุม

ในไตรมาสที่สองจะมีการทดสอบโดยแสดงผลงานสองชิ้นที่แตกต่างกันหรือชิ้นงานขนาดใหญ่ชิ้นเดียว

ครั้งที่สอง ครึ่งปี

นักเรียนจะต้องเรียนรู้ 4-5 ชิ้น

การเพิ่มความซับซ้อนของงานด้านเทคนิคในการทำงานจำเป็นต้องพัฒนาแนวการใช้ถ้อยคำ ตลอดจนการพัฒนาจังหวะการแสดงที่สม่ำเสมอและความสม่ำเสมอในการเคลื่อนไหวการเล่นของนักเรียน เพื่อพัฒนาความเป็นอิสระและการควบคุมตนเอง นักเรียนจะต้องเรียนรู้ชิ้นเดียวด้วยตัวเอง

ในไตรมาสที่สามจะมีการทดสอบออดิชั่น

ในไตรมาสที่สี่จะมีการทดสอบการทำงานสองอย่างที่แตกต่างกัน การอ่านสายตา.

บรรณานุกรม

1. “ นักกีตาร์หนุ่ม”, V Kalinin;

2. “ โรงเรียนเล่นกีตาร์หกสาย”, P. Agafoshin;

Z. “ โรงเรียนเล่นกีตาร์หกสาย”, A. Ivanov-Kramekoy;

4. “0 การสอนดนตรี”, B.Ya. เซมลินสกี้;

5. “06 ศิลปะการเล่นเปียโน บันทึกของครู”, G. Neuhaus;

6. “ งานของนักเปียโนเกี่ยวกับเทคนิค” ​​S. Savtinsky; “ผลงานสร้างสรรค์ของนักเปียโนพร้อมข้อความต้นฉบับ”, E. Lieberman

สถาบันการศึกษางบประมาณเทศบาล

การศึกษาเพิ่มเติมสำหรับเด็กๆ "โรงเรียนศิลปะเด็ก Urmara"

เขต Urmara ของสาธารณรัฐ Chuvash

การทำงานอย่างเป็นระบบ

“การสร้างทักษะการทำงานอิสระในชั้นเรียนกีตาร์”

ดำเนินการ:ครู

MBOUDOD "โรงเรียนเด็กอุรมาร์"

มิคาอิโลวา มาร์การิตา ปาฟโลฟนา

เออร์แมรี่ - 2014

บทนำ………………………………………………………………………......3

ระบบการศึกษาที่บ้าน……………………………………………………….4

การเตรียมนักเรียนให้พร้อม กิจกรรมอิสระ……………… 5

เงื่อนไขพื้นฐานสำหรับการพัฒนาทักษะการทำงานอิสระ……. 8

เมื่อทำเพลง……………………………12

การพัฒนาความเป็นอิสระทางดนตรีและการแสดง…………....13

สรุป………………………………………………………………………15

รายชื่อแหล่งที่มาที่ใช้…………………………………...17

การแนะนำ.

“งานที่สำคัญที่สุดของโรงเรียนคือความตื่นเต้นและชาญฉลาด

ชี้แนะความเป็นอิสระของนักศึกษา”

จี.เอ. ลาโรช

การลงทะเบียนเด็กในโรงเรียนดนตรีเป็นขั้นตอนที่จริงจังและมีความรับผิดชอบ เพื่อให้นักดนตรีรุ่นเยาว์สามารถรับมือกับงานใหม่ที่ยากมากสำหรับเขาได้สำเร็จเพื่อการพัฒนาความสามารถทางดนตรีของเขาดำเนินไปอย่างประสบความสำเร็จเป็นสิ่งสำคัญมากที่จะช่วยเขาในเรื่องนี้ในเวลาที่เหมาะสมและมีความสามารถ

การพัฒนาความรักในดนตรีมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับความสนใจในการฝึกฝน ไม่เพียงแต่ในบทเรียนของครูเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการบ้านด้วยเครื่องดนตรีอย่างอิสระด้วย จำเป็นต้องสอนนักเรียนตั้งแต่วัยเด็กถึงความจริงที่ว่าศิลปะต้องอาศัยการทำงานหนักอย่างต่อเนื่องและสม่ำเสมอ ความสมบูรณ์แบบในการแสดงนั้นเกิดขึ้นเฉพาะในกระบวนการทำงานที่ยาวนานและมีจุดประสงค์เท่านั้น ทักษะนี้แสดงถึงความสนใจและความรักในดนตรี ซึ่งนำไปสู่การบรรลุเป้าหมายที่ตั้งไว้สำหรับตนเอง ครูมีหน้าที่ช่วยนักเรียนในสิ่งที่เขายังไม่สามารถเชี่ยวชาญได้ด้วยตัวเอง มีความจำเป็นต้องสอนวิธีการทำงานที่บ้านซึ่งนำไปสู่เส้นทางที่สั้นที่สุดไปสู่เป้าหมายทางศิลปะ

เค.ดี. Ushinsky เรียกการสอนว่าเป็นศิลปะ "ศิลปะที่สูงที่สุดและจำเป็นที่สุดในบรรดาศิลปะทั้งหมด" การสื่อสารและกิจกรรมกับครูในห้องเรียนและนอกห้องเรียนมีส่วนช่วยให้นักเรียนได้รับความรู้และทักษะวิชาชีพ มีส่วนร่วมในการพัฒนาความสามารถรอบด้านอย่างกลมกลืนการสร้างทัศนคติในการทำงานความคิดสร้างสรรค์การรับรู้วิธีการฝึกอบรมและการศึกษาซึ่งแน่นอนว่าจะส่งผลดีต่อกิจกรรมในอนาคตของพวกเขา

ครูต้องเป็นศิลปินเมื่อทำงานร่วมกับนักเรียน มักจะค้นหาภาพที่สดใสและมีสีสันที่สุดอย่างสร้างสรรค์ และพยายามหาวิธีที่ง่ายที่สุดและสมเหตุสมผลที่สุดในการแก้ปัญหาทางศิลปะที่ซับซ้อน ความเข้มงวด ความปรารถนาดี และความหลงใหลในการสร้างสรรค์ของเขาควรปลูกฝังให้นักเรียนมีความรักในดนตรีและศิลปะ เสริมสร้างความตั้งใจที่จะเอาชนะความยากลำบากความปรารถนาที่จะเชี่ยวชาญด้านเทคนิคและทั้งหมด หมายถึงการแสดงออกการดำเนินการ

I. Lesman เขียนว่า: “ นักดนตรีไม่สามารถถูกบังคับได้ - เขาสามารถถูกดึงดูดด้วยความหลงใหลในการสร้างสรรค์และอุดมคติทางสังคมที่สูงส่ง ความรักในงานศิลปะและการสอน เชื่อมั่นในการตีความผลงานที่สมเหตุสมผลทางศิลปะ และความสมเหตุสมผลของวิธีในการพัฒนาทักษะการแสดงที่ดึงดูด ด้วยแนวทางที่ละเอียดอ่อนต่อคุณลักษณะเฉพาะของพรสวรรค์และอุปนิสัย เพื่อพิชิตด้วยความซื่อสัตย์สุจริตและความเป็นมนุษย์อย่างแท้จริง”

สิ่งสำคัญคือเด็กจะต้องค้นพบภาษาดนตรีที่สวยงามด้วยตัวเองแม้จะอยู่ในรูปแบบที่เรียบง่ายก็ตาม ทันทีที่เด็กเริ่มทำความคุ้นเคยกับเครื่องดนตรี จำเป็นต้องดึงความสนใจจากการฟังของเขาไปที่ความสวยงามและความแตกต่างของเสียงและความประสานกัน เขาจะต้องได้รับการสอนให้ฟังและฟังเสียงที่รวมกันเป็นทำนอง การได้ยินคือการได้ยินเสียงรอบข้าง การฟังหมายถึงการฟังคุณภาพของเสียง จนถึงความงดงามของเสียงดนตรี แต่ละเสียงจะต้องแสดงราวกับว่ามันมีคุณค่าในตัวเอง การดึงความสนใจของเด็กไปยังเสียงของธรรมชาติที่อยู่รอบตัวเรามีประโยชน์มาก เพราะดนตรีทั้งหมดมาจากเสียงเหล่านั้น

การสอนดนตรี- ศิลปะที่ต้องการจากผู้ที่อุทิศตนให้กับอาชีพนี้ด้วยความรักอันมหาศาลและความสนใจในงานของตนอย่างไม่มีขอบเขต ครูต้องไม่เพียง แต่ถ่ายทอดสิ่งที่เรียกว่า "เนื้อหา" ของงานให้นักเรียนไม่เพียง แต่ทำให้เขาติดใจด้วยภาพลักษณ์บทกวีเท่านั้น แต่ยังให้การวิเคราะห์รูปแบบความกลมกลืนทำนองเสียงพหูพจน์ด้วย งานหลักประการหนึ่งของครูคือการปลูกฝังให้นักเรียนมีความเป็นอิสระในการคิดและวิธีการทำงานซึ่งเรียกว่าวุฒิภาวะหลังจากนั้นความเชี่ยวชาญก็เริ่มต้นขึ้น

มีการเขียนกีตาร์ค่อนข้างมาก งานระเบียบวิธี- เหล่านี้คือผลงานของ N.P. Mikhailenko “ วิธีสอนการเล่นกีตาร์หกสาย”, Yu.P. Kuzin “The ABC of a Guitarist”, C. Duncan “The Art of Playing the Guitar”, M.E. Bessarabova "องค์กรทำการบ้าน"

ระบบการศึกษาที่บ้าน

บีเอเขียนเกี่ยวกับความสำคัญของการบ้าน Struve: “ครูสอนดนตรีทุกคนรู้ถึงความสำคัญของการบ้านที่ดีในด้านดนตรีและการแสดง ซึ่งเป็นพื้นฐานในกระบวนการศึกษา เทคนิคที่ถูกต้องและระบบการพัฒนาทักษะการปฏิบัติงานให้ผลลัพธ์อันทรงคุณค่า และการเก็บเกี่ยวที่สมบูรณ์จะเกิดขึ้นได้ก็ต่อเมื่อมีดินนี้เท่านั้น”

การสร้างระบบบทเรียนที่บ้านที่มีเหตุมีผลมากที่สุดคือหนึ่งในปัญหาหลักของการสอนดนตรี

ระบบบทเรียนที่บ้านสำหรับนักกีตาร์ควรเข้าใจว่าเป็นองค์กรและวิธีการในการดำเนินการซึ่งมีจุดมุ่งหมายเพื่อให้ใช้เวลาทำงานที่มีประสิทธิผลสูงสุดสำหรับนักกีตาร์ของนักเรียนสำหรับงานอิสระของแต่ละคนนอกชั้นเรียน

เงื่อนไขที่สำคัญที่สุดสำหรับการบ้านที่ได้ผลของนักเรียนคือการพัฒนาความคิดริเริ่มและทักษะการทำงานอย่างอิสระอย่างเต็มที่ โดยธรรมชาติแล้วมนุษย์มีความรู้สึกเป็นอิสระ มีความปรารถนาที่จะสัมผัสและลองด้วยตัวเอง ด้วยความปรารถนาที่จะปกป้องสิทธิของตนเอง เด็กๆ จึงแสดงความพากเพียรเป็นพิเศษ บ่อยครั้งที่ผู้ปกครองและครูไม่คำนึงถึงความคิดของเด็กคนนี้ ดังนั้นงานหลักของครูคือความจำเป็นในการหาแนวทางแบบรายบุคคลสำหรับเด็กแต่ละคน ระบุและพัฒนาสิ่งที่ดีที่สุดในความสามารถของเขา ความสำเร็จของครูขึ้นอยู่กับว่าเขาเจาะลึกเข้าไปในมนุษย์และ คุณสมบัติทางดนตรีนักเรียน.

“ระบบการบ้านมีสองด้านที่เชื่อมโยงกันอย่างใกล้ชิดและพึ่งพาซึ่งกันและกัน ประการแรก ระบอบการฝึกอบรม แนวคิดซึ่งรวมถึงการกำหนดจำนวนเวลาทำงานที่จำเป็นทั้งหมด การกระจายภายในวันทำงาน การกระจายเนื้อหาที่กำลังศึกษา ลำดับและลำดับ ประการที่สอง วิธีการฝึกอบรม นั่นคือ วิธีการศึกษา การฝึกอบรม และการเอาชนะความยากลำบากโดยเฉพาะ” เขียนโดย K.G. มอสทราส.

การเตรียมนักเรียนให้พร้อมสำหรับกิจกรรมอิสระ

ความสำคัญของช่วงเริ่มแรกในการเรียนรู้ศิลปะใดๆ ไม่อาจประเมินค่าสูงเกินไปได้ ในช่วงเดือนแรกๆ สิ่งสำคัญคือต้องสามารถดึงดูดเด็กด้วยการเรียนดนตรี พัฒนานิสัยในการทำงาน ซึ่งเป็นการวางรากฐานสำหรับการเรียนรู้ที่ประสบความสำเร็จในปีต่อๆ ไป เด็กจะเรียนที่โรงเรียนดนตรีได้สำเร็จเพียงใดนั้นไม่ได้ขึ้นอยู่กับครูเท่านั้น แต่ยังขึ้นอยู่กับผู้ปกครองด้วย

ครูจะต้องพัฒนาความสนใจในบทเรียนดนตรีและแสดงผลการบ้านที่ทำได้ดี การศึกษาของนักเรียนเป็นไปไม่ได้หากปราศจากการทำงานอย่างมีจุดมุ่งหมายเพื่อให้ได้ทักษะการทำงานที่เป็นอิสระและพัฒนาความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ในชั้นเรียน ในช่วงเริ่มต้นของการสอน ครูจะปลุกความคิดริเริ่มของนักเรียนในระหว่างบทเรียน ประการแรก นักเรียนเรียนรู้ที่จะปฏิบัติตามคำสั่งของครูอย่างมีความหมายเท่านั้น

“ครูไม่ควรแนะนำมากเกินไป ก่อนอื่น เขาควรแนะนำนักเรียนให้รู้จักกับกระบวนการค้นหาและค้นพบอย่างอิสระอย่างสนุกสนาน” เค. มาร์ตินเซน ครูและนักเปียโนชื่อดังกล่าว

หากถูกละเลย ในระยะเริ่มแรกของการฝึกอบรม อาจมีความเสี่ยงในการฝึกนักเรียนให้กลายเป็นนักแสดงจักรกล ซึ่งเป็น "หุ่นยนต์" วิธีการ "ฝึกสอน" สร้างความเข้าใจผิดเกี่ยวกับพรสวรรค์ของนักเรียน การเปลี่ยนผ่านสู่อิสรภาพจะต้องค่อยเป็นค่อยไปและระมัดระวัง สิ่งสำคัญคือนักเรียนควรได้รับคำสั่งสอน การศึกษาด้วยตนเองงานที่สามารถเข้าถึงได้ตามระดับทักษะที่เขาได้รับ และไม่ทำเพื่อเขาในสิ่งที่เขาสามารถจัดการเองได้ หากในช่วงเริ่มต้นของการฝึกอบรมคุณแนะนำให้นักเรียนแก้ปัญหาเบื้องต้นอย่างอิสระเช่นการจัดวางนิ้วการเลือกตำแหน่งที่เหมาะสมการหาจังหวะจากนั้นเมื่อการพัฒนาเติบโตขึ้น การคิดทางดนตรีมันเป็นไปได้ที่จะมอบหมายงานที่ซับซ้อนให้เขามากขึ้น คุณสามารถเชิญนักเรียนเลือกงานตามระดับการเตรียมตัวสำหรับการศึกษาอิสระ ความปรารถนาของนักเรียนที่จะเรียนรู้งานชิ้นนี้จะเป็นแรงจูงใจที่ดีในการทำงาน

บทเรียนสามารถกลายเป็นเครื่องมือการสอนที่มีประสิทธิภาพได้ก็ต่อเมื่อนักเรียนทำการบ้านอย่างเข้มข้นเท่านั้น ในห้องเรียนครูใช้วิธีการทำงานเหล่านั้นซึ่งต่อมากลายเป็นวิธีการทำงานอิสระสำหรับนักเรียน ความสำเร็จของการบ้านขึ้นอยู่กับเนื้อหาของบทเรียนและความสามารถของครูในการเตรียมนักเรียนให้พร้อมสำหรับกิจกรรมอิสระอย่างเหมาะสม

ใช้เวลาเท่าไรในชั้นเรียนและการบ้านในการสอนนักเรียน?

วันในสัปดาห์

ทำงานในห้องเรียนตามสาขาวิชาเฉพาะ

1 ชั่วโมง

1 ชั่วโมง

การบ้าน

2 ชั่วโมง

2 ชั่วโมง

2 ชั่วโมง

2 ชั่วโมง

2 ชั่วโมง

2 ชั่วโมง

2 ชั่วโมง

จากแผนภาพนี้ซึ่งวาดขึ้นตามหลักสูตร เห็นได้ชัดว่านักเรียนทำงานร่วมกับครูในห้องเรียนเป็นเวลาสองชั่วโมงต่อสัปดาห์ นี่ไม่เพียงพอสำหรับการดูดซึมสื่อการศึกษาอย่างมั่นใจและลึกซึ้ง ส่วนใหญ่จะเป็นการศึกษาด้วยตนเอง เป้าหมายของงานในชั้นเรียนคือเพื่อเตรียมนักเรียนให้พร้อมสำหรับงานสร้างสรรค์อิสระ การจัดระเบียบการบ้านของคุณอย่างถูกต้องเป็นสิ่งสำคัญมาก เป็นสิ่งสำคัญสำหรับนักเรียนที่จะเข้าใจว่า ชั้นเรียนที่เป็นระบบบนกีตาร์ซึ่งเป็นเงื่อนไขหลักในการฝึกฝนทักษะการแสดง ในกรณีนี้ เด็กต้องการความช่วยเหลือจากผู้ปกครองอย่างยิ่ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งหากเด็กอยู่ในวัยเรียนชั้นประถมศึกษา ครูจะต้องให้ความรู้แก่นักเรียนด้วยจิตวิญญาณของการทำงานหนัก ทำให้เขาคุ้นเคยกับการทำงานหนักอย่างอิสระในแต่ละวัน ความลับของความสำเร็จทางดนตรีเท่านั้นที่สามารถเรียนรู้ได้โดยผู้ที่รู้ความลับของการทำงานหนักเท่านั้น

ในช่วงสัปดาห์แรกของการฝึก นักเรียนจะเรียนรู้ที่จะเดินนิ้วไปตามสายและเฟรต กิจกรรมที่ยากลำบากนี้ต้องใช้ความอดทนและความเอาใจใส่อย่างมากทั้งในส่วนของนักเรียนและผู้ปกครอง เนื่องจากเด็กอายุ 7-8 ปีไม่สามารถมีสมาธิกับงานดังกล่าวได้เป็นเวลานานกว่าสองสามนาที ที่นี่นักเรียนต้องการความช่วยเหลือจากพ่อแม่ระหว่างเรียนคาบแรก ก่อนอื่นคุณต้องเชี่ยวชาญกีตาร์ก่อน วิธีการทางเทคนิคอาร์เพจจิโอ นิ้วมือขวาควรมองเห็นและได้ยิน การเคลื่อนไหวของนิ้วมือขวาจะวิเคราะห์ได้ง่ายขึ้นเมื่อไม่ได้เชื่อมต่อกับมือซ้าย อาร์เพจจิโอที่ง่ายที่สุดคือการขึ้น p - i - m - a สิ่งสำคัญคือนักเรียนต้องจับตาดูการเคลื่อนไหวของมือทั้งสองข้างขณะเล่น ข้อต่อระหว่างมือขวาและมือซ้ายถือเป็นสิ่งสำคัญมาก

ควรจำไว้ว่าการคิดเชิงนามธรรมในเด็กเล็กยังไม่เกิดขึ้นอย่างสมบูรณ์ ดังนั้นในการบ้านโดยใช้เครื่องมือ ก่อนอื่นคุณต้องเน้นไปที่การคิดเชิงจินตนาการ งานอิสระทั้งหมดจะต้องเกิดขึ้นภายใต้การควบคุมด้วยเสียงอย่างต่อเนื่อง ควรทำบทเรียนควบคุมโดยจำลองบทเรียนที่บ้านเป็นระยะๆ ครูไม่ควรเข้าไปยุ่งเกี่ยวกับกระบวนการ แต่ควรสังเกต และแสดงความคิดเห็นเป็นครั้งคราว เมื่อจัดชั้นเรียนที่บ้านของนักเรียน ครูจะต้องทำความคุ้นเคยกับสภาพความเป็นอยู่ ชีวิตประจำวัน สร้างการติดต่อกับพ่อแม่ และช่วยสร้างกิจวัตรประจำวัน

ความสำเร็จของการเรียนรู้ขึ้นอยู่กับว่าบทเรียนที่ครูสอนในห้องเรียนและการบ้านอิสระของนักเรียนโต้ตอบกันอย่างไร จำเป็นต้องสอนให้เด็กเข้าใจดนตรี เสียงไม่ควรเป็นเพียงทางกายภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีด้วย สื่อถึงความสวยงาม และไม่ใช่แค่ระยะเวลา ระดับเสียงสูงต่ำ หรือเสียงต่ำเท่านั้น ตรวจสอบให้แน่ใจว่าบทเพลงที่แสดงไม่ได้สะท้อนถึงภาษาของโน้ตดนตรี แต่แสดงถึงปรากฏการณ์ทางศิลปะบางอย่าง

สำหรับการเข้าถึงและความเรียบง่ายที่ชัดเจน กีตาร์จึงค่อนข้างดี เครื่องมือที่ซับซ้อน- เด็กที่นั่งดูเครื่องดนตรีจะต้องแก้ปัญหาหลายอย่างไปพร้อมๆ กัน แสดงข้อความดนตรีอย่างมีความสามารถ อ่านโน้ตอย่างถูกต้อง สังเกตสัญญาณโดยไม่ได้ตั้งใจ การใช้นิ้ว ความแตกต่าง การแก้ปัญหาเรื่องจังหวะและจังหวะ พิจารณาอัตราส่วนของทำนองและเสียงประกอบที่ถูกต้อง ฟัง น้ำเสียง และร้องเพลงด้วยนิ้วมือขวา วลีดนตรีและข้อเสนอแนะ ติดตามการประสานงานของมือทั้งสองข้างอย่างต่อเนื่อง ซึ่งต้องใช้เวลาพอสมควรในการศึกษาและเชี่ยวชาญภาคปฏิบัติบนเฟรตบอร์ดกีตาร์

I.P. Pavlov สอน:“ จงหลงใหลในงานของคุณ!” นักเรียนจะต้องทำงานอย่างเป็นระบบไม่ยอมแพ้กับอารมณ์ชั่วคราว P.I. Tchaikovsky เขียนว่า: “แรงบันดาลใจคือแขกที่ไม่ชอบไปเยี่ยมคนเกียจคร้าน เธอปรากฏแก่ผู้ที่ร้องเรียกเธอ แม้แต่คนที่มีพรสวรรค์ด้วยตราประทับแห่งอัจฉริยะจะไม่สร้างไม่เพียงแต่ผู้ยิ่งใหญ่เท่านั้น แต่ยังสร้างค่าเฉลี่ยด้วย ถ้าเขาไม่ได้ทำงานเหมือนตกนรก” คุณต้องฝึกฝนในลักษณะที่คุณจะได้ผลลัพธ์ที่ดีที่สุดโดยใช้เวลาและความพยายามน้อยที่สุด เมื่อเริ่มศึกษาดนตรีชิ้นใดชิ้นหนึ่ง คุณควรเข้าใจความหมาย กำหนดวิธีการทำงาน และจินตนาการถึงเป้าหมายสุดท้าย “สมาธิเป็นอักษรตัวแรกในอักษรแห่งความสำเร็จ” ไอ. ฮอฟฟ์แมน นักเปียโนชื่อดังกล่าว

งานอิสระควรเกิดขึ้นในสภาพแวดล้อมที่มีการควบคุมการได้ยินอย่างต่อเนื่อง “ฉันเล่น ฉันฟัง ฉันตัดสินตัวเอง” พี. คาซาลส์ กล่าว

ความสามารถความปรารถนาอย่างแข็งขันที่จะได้รับทักษะความสามารถและความรู้ได้รับการพัฒนาเป็นอันดับแรกในงานอิสระของนักเรียน งานอิสระของนักศึกษาเป็นส่วนหนึ่งของกระบวนการศึกษาประกอบด้วยสองส่วน:

งานอิสระของนักเรียนโดยตรงในบทเรียน

การบ้านเกี่ยวกับการทำงานที่ได้รับมอบหมายในชั้นเรียนให้เสร็จสิ้น

ส่วนเหล่านี้มีความสัมพันธ์กันอย่างใกล้ชิด ยิ่งงานอิสระของนักเรียนในชั้นเรียนเข้มข้นมากเท่าไร งานที่บ้านก็จะยิ่งมีประสิทธิภาพมากขึ้นเท่านั้นและในทางกลับกัน เงื่อนไขหลักสำหรับงานอิสระที่มีประสิทธิผลและมีคุณภาพสูงของนักเรียนคือการชี้แจงที่ชัดเจนเกี่ยวกับงานที่เขาเผชิญอยู่ ความสำเร็จของการบ้านของนักเรียนขึ้นอยู่กับว่าครูกำหนดอย่างชัดเจน กำหนดลำดับการปฏิบัติ และระบุอย่างชัดเจนเพียงใด สิ่งสำคัญคือต้องจำไว้ว่า ประการแรก ควรสอนทักษะการทำงานอิสระในชั้นเรียน ประการที่สอง งานใหม่ใด ๆ ที่เสนอสำหรับงานอิสระควรขึ้นอยู่กับสิ่งที่เรียนรู้มาก่อนหน้านี้ภายใต้การแนะนำของครู

“ ชั้นเรียนทั้งหมดควรจัดเรียงในลักษณะที่คลาสถัดไปจะขึ้นอยู่กับคลาสก่อนหน้าเสมอและคลาสก่อนหน้าจะแข็งแกร่งขึ้นด้วยคลาสถัดไป” - Kamensky Ya

เงื่อนไขพื้นฐานสำหรับการพัฒนาทักษะการทำงานอิสระ

ครูต้องอธิบายให้นักเรียนฟังถึงความสำคัญของการเตรียมบทเรียนที่บ้านโดยอิสระและมีบทบาทอย่างไรในการพัฒนาและปรับปรุงนักเรียนต่อไป บทเรียนเกี่ยวกับเครื่องดนตรีประจำบ้านควรรวมอยู่ในกิจกรรมทั่วไปของนักเรียนและรวมอยู่ในตารางประจำวันของเขา คุณไม่สามารถคาดหวังผลลัพธ์ที่ดีได้หากการบ้านไม่ปกติ หากนักเรียนเล่นครึ่งชั่วโมงในวันนี้และสี่ชั่วโมงในวันพรุ่งนี้ หากเวลาเรียนเปลี่ยนแปลงทุกวัน

การสร้างระบบการปกครองที่ถูกต้องเป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่ง ครูควรให้ความช่วยเหลือที่สำคัญที่นี่ สำหรับงานอิสระ คุณต้องจัดสรรเวลาคงที่ไม่มากก็น้อยในแต่ละวัน การแบ่งเวลาทำงานมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อประสิทธิผลของการบ้าน

ในงาน “ระบบการฝึกซ้อมที่บ้านสำหรับนักไวโอลิน” K.G. มอสทราสเขียนว่า: “กฎการสอนแบบเก่าที่ได้รับการพิสูจน์แล้วกล่าวว่า: เป็นการดีกว่าที่จะศึกษาไม่มาก แต่อย่างเท่าเทียมกันและเป็นระบบมากกว่าการพยายามชดเชยเวลาที่เสียไปด้วยการเล่นหลายชั่วโมงในหนึ่งวัน “ระบบดังกล่าวไม่เป็นประโยชน์และสามารถนำไปสู่การ “เล่นมากเกินไป” มือ และส่งผลให้ถูกปิดจากการทำงานเป็นเวลานาน” ดังนั้นคุณต้องศึกษาอย่างเป็นระบบและรายวัน

นักเปียโนเลนินกราดและอาจารย์ N. Golubovskaya กล่าวว่า“ คนที่เล่นวันละสิบชั่วโมงคือคนเกียจคร้านที่สุด การเล่นอย่างมีสมาธิเป็นเวลาสิบชั่วโมงเป็นไปได้สำหรับบางคนเท่านั้น โดยปกติแล้ว "ความอุตสาหะ" ดังกล่าวนั้นไม่มีอะไรมากไปกว่าความปรารถนาที่จะแทนที่งานแห่งจิตสำนึกด้วยการกระทำทางกลที่ไม่จำเป็นต้องมีความสนใจแบบตรงเป้าหมาย”

ทางที่ดีควรฝึกดนตรีในตอนเช้า หากเป็นไปไม่ได้ ควรฝึกก่อนเตรียมบทเรียน คุณยังสามารถแบ่งเวลาเรียนดนตรีออกเป็นหลายส่วนเพื่อให้เด็กสามารถสลับการเตรียมบทเรียนกับการฝึกซ้อมดนตรีได้ นักจิตวิทยากล่าวว่าการเปลี่ยนแปลงกิจกรรมดังกล่าวจะช่วยให้เด็กรู้สึกเหนื่อยน้อยลงและทำงานได้มากขึ้นในช่วงเวลาเดียวกัน นักเรียนโรงเรียนดนตรีและศิลปะไม่สามารถอุทิศเวลาให้กับการเล่นเครื่องดนตรีได้มากนัก นอกเหนือจากการเข้าชั้นเรียนและเตรียมบทเรียนแล้ว พวกเขายังต้องอ่านหนังสือ สื่อสารกับคอมพิวเตอร์ ไปดูหนังและละคร ดูคอนเสิร์ต และเล่นกีฬา ไม่เช่นนั้นพวกเขาจะเติบโตขึ้นมาเป็นคนที่มีวัฒนธรรมไม่เพียงพอและไม่มีประสบการณ์ทางร่างกาย ดังนั้นครูจึงควรให้ความสำคัญเป็นพิเศษกับการปรับปรุงคุณภาพการบ้าน เพื่อสอนให้นักเรียนเรียนตั้งแต่ชั้นปีแรกเพื่อไม่ให้เสียเวลาแม้แต่นาทีเดียว

เหตุใดการคิดทบทวนกำหนดการประจำวันของคุณจึงเป็นเรื่องสำคัญ? ต้องได้รับการออกแบบเพื่อให้ในห้องที่เด็กกำลังเรียนอยู่จะต้องมีเงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับสิ่งนี้ในระหว่างเรียน: ไม่ได้เปิดทีวีหรือวิทยุไม่มีการสนทนาที่มีเสียงดัง ฯลฯ

สำหรับการเรียนดนตรี มีสมาธิ มีสมาธิ มีสมาธิ งานเฉพาะงาน.

การบ้านจะต้องเป็นระบบและรายวัน การออกกำลังกายเป็นประจำเท่านั้นที่จะเป็นประโยชน์ หากเด็กศึกษาก่อนบทเรียนเท่านั้น งานดังกล่าวจะไม่เกิดผล เนื่องจากความพยายามร่วมกันของนักเรียนและครูในระหว่างบทเรียนส่วนใหญ่บรรลุผลสำเร็จและสูญเสียไปจนเหลืออะไรเลย เพื่อพัฒนานิสัยการทำกิจวัตรประจำวัน ต้องมีความตั้งใจที่เข้มแข็งสำหรับทั้งเด็กและผู้ปกครอง เด็กก่อนวัยเรียนและนักเรียนชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 ไม่ค่อยมีความสามารถในการทำงานที่มีสมาธิในระยะยาว ความสนใจของพวกเขายังคงไม่แน่นอนและไม่สามารถมุ่งความสนใจไปที่สิ่งใดสิ่งหนึ่งเป็นเวลานาน เมื่อเรียนที่บ้านก็สำคัญเช่นกันที่จะไม่บังคับให้ลูกทำสิ่งใดสิ่งหนึ่งเป็นเวลานานเป็นเวลานาน แม้ว่าคุณจะเรียนประมาณยี่สิบนาที แต่อย่างจริงจังแล้วให้พักสักครู่ (เล่น วิ่งไปรอบๆ ห้อง) และกลับมาเรียนอีกครั้ง อย่างน้อยก็จะต้องก้าวไปข้างหน้าเล็กน้อย!

ชั้นเรียนควรใช้เวลานานเท่าใด? โดยเฉลี่ยแล้วสำหรับเด็กอายุเจ็ดขวบ ตามกฎแล้วบทเรียนรายวัน 30-40 นาทีก็เพียงพอแล้ว สำหรับนักเรียนมัธยมต้นและมัธยมปลาย - มากถึงสอง, สองชั่วโมงครึ่งต่อวัน

เพื่อเพิ่มประสิทธิภาพของการบ้านแบบอิสระของนักเรียน ขั้นแรกในชั้นเรียนคุณต้องพูดคุยและแบ่งเวลาที่นักเรียนควรใช้กับการบ้านแต่ละประเภท ตัวอย่างเช่น: สเกล - 20-30 นาที, สเก็ตช์ - 30-40 นาที, วัสดุศิลปะ - 1 ชั่วโมง

การกระจายเวลาเรียนนี้เป็นไปตามอำเภอใจมาก ท้ายที่สุดแล้วจะถูกกำหนดโดยสื่อการเรียนรู้ ความยาก และเหตุผลอื่นๆ อีกหลายประการ นอกจากนี้การแบ่งเวลายังขึ้นอยู่กับความต้องการและความสามารถของนักเรียนแต่ละคน หากมีข้อบกพร่องในอุปกรณ์ทางเทคนิค ควรใช้เวลามากขึ้นในการชั่งน้ำหนัก แบบฝึกหัด และการศึกษา และในทางกลับกัน เมื่อถึงระดับทางเทคนิคที่ต้องการแล้ว คุณสามารถเสริมการศึกษาบทละครของคุณได้ แนะนำให้แบ่งเวลาสำหรับการเรียนรู้แบบอิสระออกเป็นสองส่วน เช่น ครึ่งหนึ่ง

ไม่แนะนำให้ออกกำลังกายต่อเนื่องเกินหนึ่งชั่วโมง การสังเกตพบว่าการทำงานที่หลากหลายเป็นวิธีที่สำคัญที่สุดในการป้องกันความเหนื่อยล้า มีความจำเป็นต้องหลีกเลี่ยงการออกกำลังกายที่เป็นเนื้อเดียวกันและชิ้นส่วนที่ซ้ำซากจำเจเป็นเวลานาน

ครูแต่ละคนมีวิธีทำงานร่วมกับผู้ปกครองเป็นของตัวเอง ครูบางคนยินดีต้อนรับผู้ปกครองในบทเรียน โดยขอให้ผู้ปกครองจดความคิดเห็นทั้งหมดของครูและเรียนรู้ไปพร้อมกับเด็ก ในทางตรงกันข้าม บางคนพยายามตั้งแต่เริ่มต้นในการพัฒนาความเป็นอิสระในการทำงานของนักเรียน โดยให้งานที่เฉพาะเจาะจงและเข้าถึงได้ในระยะเริ่มแรก

ในขั้นต้นผู้ปกครองของนักเรียนสามารถเตือนนักเรียนว่าถึงเวลาเรียนและให้แน่ใจว่านักเรียนเรียนตามเวลาที่กำหนดจริงๆ ในอนาคตลูกเองก็จะต้องจำสิ่งนี้ไว้ ควรรักษาความเงียบไว้ในช่วงเวลาฝึกซ้อมเครื่องดนตรี ไม่มีอะไรควรกวนใจนักเรียน ครัวเรือนต้องจำไว้ว่าบทเรียนดนตรีต้องได้รับความเอาใจใส่เป็นอย่างมากซึ่งไม่ใช่เรื่องง่ายที่จะพัฒนา

ในการสนทนากับผู้ปกครองของนักเรียน ครูจะพูดถูกเสมอ โดยเน้นถึงความสำคัญของการสร้างระบบการศึกษาที่บ้านที่จำเป็น ท้ายที่สุดแล้ว การแบ่งเวลาเช่นนี้ควรมีวินัย จัดระเบียบนักเรียน และให้ผลลัพธ์ที่เป็นบวก

กระบวนการทำงานอิสระของนักเรียนควรมีสติมากที่สุด เงื่อนไขที่จำเป็นมันควรจะเป็นการมีอยู่ของการควบคุมตนเองด้วยเสียง "การวิจารณ์ตนเอง" และการกำจัดข้อบกพร่องที่สังเกตเห็นได้ทันที “ระหว่างที่คุณเล่น” นักเปียโนชาวรัสเซียผู้โดดเด่นและอาจารย์ A.N. Esipova กล่าว “ฟังมันตลอดเวลาราวกับว่าคุณกำลังได้ยินคนอื่นเล่นและควรวิพากษ์วิจารณ์มัน”

ก่อนเริ่มชั้นเรียน นักเรียนจะต้องจินตนาการเสมอว่าเนื้อหาเฉพาะของงานที่กำลังศึกษาหรือองค์ประกอบทั้งหมดควรฟังดูอย่างไร การเริ่มทำงานด้วยเครื่องมือโดยตรงโดยผ่านขั้นตอนนี้ไป “ก็เหมือนกับการเริ่มสร้างบ้านโดยไม่ต้องออกแบบบ้าน” เพื่อให้นักเรียนสามารถจินตนาการถึงเสียงของงานได้แนะนำให้เล่นท่อนนั้นในระหว่างบทเรียนและร่วมกับเด็กวิเคราะห์ธรรมชาติของแต่ละส่วนและองค์ประกอบทั้งหมดว่าท้ายที่สุดแล้วนักเรียนอย่างไร จะต้องดำเนินการมัน

ในงานอิสระ "การสื่อสาร" อย่างต่อเนื่องกับเนื้อหาของเนื้อหาที่กำลังศึกษาเป็นสิ่งสำคัญมาก โดยการศึกษาเนื้อหาดนตรี ผู้เรียนจะค่อยๆ เข้าใจลักษณะ เนื้อหา และรูปแบบของงาน การวิเคราะห์โน้ตดนตรีของบทละครส่วนใหญ่จะเป็นตัวกำหนดทิศทาง ทำงานต่อไปเหนือเธอ

จี.จี. Neuhaus เขียนว่า: “ฉันแนะนำให้นักเรียนศึกษางานของเขา โน้ตดนตรีวิธีการที่ตัวนำศึกษาคะแนน - ไม่เพียง แต่โดยทั่วไปเท่านั้น แต่ยังรวมถึงรายละเอียดด้วย โดยแยกองค์ประกอบออกเป็นส่วน ๆ ของมัน - โครงสร้างฮาร์มอนิก, โพลีโฟนิก, แยกการตรวจสอบสิ่งสำคัญ - ตัวอย่างเช่นเส้นไพเราะ, "รอง" - เป็นต้น การคลอ... นักเรียนเริ่มเข้าใจว่า “รายละเอียด” แต่ละรายการมีความหมาย ตรรกะ การแสดงออกว่าเป็น “อนุภาคอินทรีย์” ของส่วนรวม

ข้อสังเกตที่น่าสนใจโดย A.B. Goldenweiser เกี่ยวกับการทำซ้ำข้อความดนตรี เขาเขียนว่า: “ทรัพย์สินทั่วไปของคนจำนวนมากที่เล่นเปียโน - ตั้งแต่นักเรียนโรงเรียนดนตรีไปจนถึงนักเปียโนผู้ใหญ่ที่แสดงบนเวที - คือพวกเขาจดบันทึกด้วยความแม่นยำอย่างมากในตำแหน่งที่เขียน และด้วยความไม่ถูกต้องเช่นเดียวกันพวกเขาก็จดบันทึก ปิด. พวกเขาไม่สนใจที่จะศึกษาคำแนะนำแบบไดนามิกของผู้เขียน”

ข้อความดังกล่าวของครูผู้มีชื่อเสียงทำให้เราคิดถึงความสำคัญของการทำงานที่ถูกต้องและละเอียดถี่ถ้วนกับข้อความทางดนตรี

ควรให้ความสนใจเป็นพิเศษกับวินัยด้านจังหวะในการทำงานอิสระ นักเรียนต้องรู้ว่าจังหวะเป็นหลักการพื้นฐานที่กำหนดชีวิตดนตรี หนึ่ง. Rimsky-Korsakov เน้นย้ำว่า "ดนตรีสามารถปราศจากความสามัคคีและแม้กระทั่งไม่มีทำนองเพลง แต่ก็ไม่เคยไม่มีจังหวะ"

เราดึงความสนใจของนักเรียนไปยังความจริงหลายประการที่ควรจดจำเมื่อทำจังหวะ:

ในช่วงเริ่มต้นของการทำงานข้อความจะต้องวางบน "ราง" จังหวะที่แม่นยำมิฉะนั้นความไม่แน่นอนของจังหวะจะหลีกเลี่ยงไม่ได้

ชีพจรเป็นจังหวะมีแนวโน้มที่จะอยู่ในมือโดยมีโน้ตน้อยลง “คุณต้องรู้สึกถึงความลื่นไหล จังหวะของการเคลื่อนไหว และหลังจากสัมผัสได้แล้วเท่านั้นจึงจะเริ่มแสดงผลงานชิ้นนี้ ไม่เช่นนั้นในตอนแรกคุณจะได้เสียงแบบสุ่มหลายชุดอย่างแน่นอน ไม่ใช่เสียงที่มีชีวิต” - Goldenweiser A.;

จังหวะแฝดไม่ควรกลายเป็นจุดหนึ่ง และจังหวะจุดเป็นแฝด

คุณควรจำคำแนะนำอันชาญฉลาดของ E. Petri: "เล่นตอนท้ายราวกับว่าคุณต้องการทำพิธีกรรม - จากนั้นมันจะออกมาตามจังหวะเป๊ะ" - ความเร่งรีบเป็นสิ่งที่ยอมรับไม่ได้ในช่วงเวลาสำคัญ

การหยุดชั่วคราวไม่ใช่การหยุดเสียงเสมอไป อาจหมายถึงความเงียบ การหายใจล่าช้าและกระวนกระวายใจ ฯลฯ ชีวิตที่เป็นจังหวะขึ้นอยู่กับลักษณะของงานและโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างเสมอ ระยะเวลาของการหยุดชั่วคราวมักจะนานกว่าระยะเวลาของโน้ตที่คล้ายกัน

คำแนะนำแบบไดนามิกควรได้รับการพิจารณาในความสามัคคีแบบอินทรีย์ด้วยวิธีการแสดงออกอื่น ๆ (จังหวะ เนื้อสัมผัส ความกลมกลืน ฯลฯ ) ซึ่งจะช่วยให้เข้าใจและเจาะลึกเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างและความหมายของดนตรีได้ดีขึ้น

ต้องจำไว้ว่าพื้นฐานของการแสดงออกแบบไดนามิกไม่ใช่ความเข้มแข็งที่แท้จริงของเสียง (ดัง เงียบ) แต่เป็นอัตราส่วนของความแรง โดยทั่วไปคือการไม่สามารถแสดงความแตกต่างระหว่าง p และ pp, f และ ff; สำหรับเด็กบางคนเสียง f และ p อยู่ที่ไหนสักแห่งบนระนาบเดียวกัน เลยเกิดความหมองคล้ำและความไร้หน้าของการแสดง โดยเน้นถึงความสำคัญของอัตราส่วนของความแรงของเสียง N. Medtner กล่าวว่า "การสูญเสียเปียโนคือการสูญเสียจุดแข็งและในทางกลับกัน! หลีกเลี่ยงเสียงเฉื่อย mezzo forte เป็นอาการของความอ่อนแอและสูญเสียความเชี่ยวชาญด้านเสียง”

เมื่อเรียนรู้ชิ้นส่วนด้วยใจ คุณต้องเล่นช้าๆ เพื่อหลีกเลี่ยงปัญหาทางเทคนิคที่เบี่ยงเบนความสนใจ เป้าหมายหลัก- ในช่วงเวลาใดก็ตาม คุณต้องเรียนรู้จากความทรงจำไม่ใช่สิ่งที่ยาก แต่เป็นสิ่งที่ง่าย และเพื่อที่จะทำให้มันง่าย คุณควรเรียนรู้อย่างช้าๆ คุณต้องเรียนรู้จากความทรงจำว่าอะไรสามารถเข้าใจได้อย่างเต็มที่ด้วยสติสัมปชัญญะ และอะไรที่ไม่ก่อให้เกิดอุปสรรค ไม่ว่าในกรณีใดงานด้านเทคนิคไม่ควรดำเนินการโดยใช้บันทึกย่อ ในการเอาชนะปัญหาทางเทคนิค บางครั้งความทรงจำเกี่ยวกับการได้ยินและนิ้วมือก็มีบทบาทสำคัญ

หากไม่มีความรู้เพียงพอเกี่ยวกับเนื้อหาของงาน คุณไม่ควร "เชื่อมโยง" อารมณ์ เนื่องจากคุณจะไม่ได้รับสิ่งอื่นใดนอกจาก "ผลิตภัณฑ์กึ่งสำเร็จรูป" ดั้งเดิม "ร่างพร้อมอารมณ์"

การเตรียมการแสดงคอนเสิร์ต แม้กระทั่งการแสดงซ้ำ จะต้องดำเนินการตามหมายเหตุ การฝึกอบรมประเภทนี้จะช่วยให้คุณสามารถกำจัดความไม่ถูกต้องและความประมาทเลินเล่อที่งานได้มาเมื่อเวลาผ่านไปและค้นพบและสัมผัสถึง "ลมหายใจ" ใหม่ของภาพลักษณ์ทางดนตรี

สิ่งสำคัญคือต้องจำไว้ว่าคุณสามารถทำงานได้ดีโดยบังเอิญ แต่คุณไม่สามารถทำงานได้ดีโดยบังเอิญ สิ่งนี้เรียกร้องให้มีการพัฒนาตนเองอย่างต่อเนื่อง

บ่อยครั้งในช่วงก่อนคอนเสิร์ตมักมีคำถามเกิดขึ้นต่อหน้านักเรียน: ควรมีการควบคุมตนเองอย่างเข้มงวดบนเวทีหรือไม่? แน่นอนว่าการควบคุมตนเองบนเวทีเป็นสิ่งจำเป็น แต่ธรรมชาติของมันควรจะเป็น "กฎระเบียบ" กำกับดนตรี

ดังนั้นเราจึงได้ตรวจสอบเงื่อนไขหลักที่มีส่วนช่วยในการพัฒนาทักษะการทำงานอิสระของนักเรียนในชั้นเรียนเครื่องมือ

การพัฒนาทักษะการทำงานอิสระในตัวนักเรียน

เมื่อทำงานเพลง

โดยใช้เพลงเป็นตัวอย่าง เราสามารถแสดงให้เห็นว่านักเรียนสามารถพัฒนาทักษะการทำงานอิสระได้อย่างไร

เราเลือกผลงานที่เหมาะกับความสามารถของนักเรียน ระดับความสามารถทางดนตรี และแน่นอนว่าเด็กจะชอบ สำหรับนักเรียนทุกประเภท การเลือกรายการละครมีบทบาทสำคัญ มีความจำเป็นต้องเลือกบทละครที่ใกล้ชิดกับพวกเขาด้วยจิตวิญญาณ กระตุ้นความสนใจและความปรารถนาที่จะเชี่ยวชาญพวกเขา

จำเป็นต้องเล่นบทนี้เพื่อให้นักเรียนเข้าใจว่าควรฟังอย่างไร ร่วมกับนักเรียนวางแผนว่าเขาจะทำงานที่บ้านร่วมกับนักเรียน แผนนี้จะทำหน้าที่เป็นแนวทางสนับสนุนในการพัฒนาความเป็นอิสระในการบ้านของนักเรียน เริ่มต้นด้วยแผนงานทั่วไปดังนี้:

กำหนดโทนเสียง ขนาด สัญญาณตรวจสอบ เทคนิคการเล่น ไดนามิก จังหวะ และคำศัพท์เฉพาะทาง

ค้นหาส่วนต่างๆ มีกี่ส่วน แบ่งแต่ละส่วนออกเป็นประโยคและวลี

กำหนดแนวไพเราะคลอ;

มองผ่านนิ้วและค้นหาความสะดวกของมัน ถ้ามันไม่ได้อยู่ในบันทึกย่อ ให้เพิ่มของคุณเอง

เริ่มการวิเคราะห์โดยการนับออกมาดังๆ ช้าๆ ในขณะที่พยายามทำตามจังหวะและการใช้นิ้ว:

ตรวจสอบคุณภาพเสียงอย่างต่อเนื่อง ฟังการเล่นของคุณตลอดเวลา ออกกำลังกายเพื่อควบคุมตนเอง

เมื่อเล่นข้อความได้อย่างมั่นใจเพียงพอ คุณสามารถเพิ่มไดนามิก อารมณ์ รูปภาพ และทำงานกับจังหวะได้

เริ่มเรียนรู้ด้วยใจและเตรียมพร้อมสำหรับการแสดง

เงื่อนไขสำหรับความสำเร็จในการทำงานอิสระที่บ้านคือความเฉพาะเจาะจงของงานที่ได้รับมอบหมายในบทเรียน

หากนักเรียนยังเล็กและยากสำหรับเขาที่จะทำงานจำนวนมากคุณสามารถมอบหมายงานอิสระทีละน้อยได้ เช่น มอบหมายงานโดยใช้นิ้วหรือแบ่งงานเป็นวลีหรือประโยคเป็นต้น

ขอแนะนำให้ทำการบ้านในเวลาเดียวกันทุกครั้งที่ทำได้ หากนักเรียนเรียนที่โรงเรียนมัธยมในช่วงกะแรก ขอแนะนำให้ฝึกใช้เครื่องมือทันทีหลังเลิกเรียนก่อนทำการบ้าน ชั้นเรียนในเวลาเดียวกันก็พัฒนานิสัยในร่างกายและแนะนำจังหวะบางอย่างในกิจวัตรประจำวันของนักเรียน

ควรจัดสรรเวลาเท่าไร การศึกษาอิสระ- ขึ้นอยู่กับอายุของนักเรียนและลักษณะทางกายภาพของเขา ควรหลีกเลี่ยงแรงดันไฟฟ้าเกิน จำเป็นต้องหยุดพักเพื่อฟื้นฟูสมรรถภาพของร่างกาย

“ศีรษะของนักเรียนไม่ใช่ภาชนะที่ต้องเติม แต่เป็นตะเกียงที่ต้องจุด” ปราชญ์โบราณกล่าว

การสร้างระบบการบ้านเป็นกระบวนการที่มีชีวิตและยืดหยุ่นซึ่งต้องใช้ทัศนคติที่สร้างสรรค์อย่างแท้จริง ระบบการบ้านของนักกีตาร์ควรมีองค์ประกอบดังต่อไปนี้:

แบบฝึกหัดการแสดง;

งานด้านเทคนิคทั่วไป

กำลังทำงานอยู่ วัสดุศิลปะ;

ทำงานกับวัสดุเพิ่มเติม

การอ่านสายตา การเลือกทำนอง และเสียงประกอบจากหู

ความซับซ้อนของงานบ้านในแต่ละวันควรแตกต่างกันไป

การพัฒนาความเป็นอิสระทางดนตรีและการแสดง

ความมีประสิทธิผลและประสิทธิผลในการบ้านของนักเรียนแต่ละคนจะรู้สึกได้ก็ต่อเมื่อเขามีองค์ประกอบเช่นกิจกรรมที่มุ่งเน้นเป้าหมายความเป็นอิสระของผู้บริหารความสามารถในการควบคุมตัวเองความสนใจในการทำงานสมาธิและหากทั้งหมดนี้รวมกันการมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันของสติใน งานของนักเรียน

การพัฒนาความเป็นอิสระทางดนตรีและการแสดงในตัวนักเรียนเป็นงานหลักของครู นักวิจารณ์ที่ยอดเยี่ยมอีกคน G.A. ลาโรชเขียนว่า “งานที่สำคัญที่สุดของโรงเรียนคือการกระตุ้นและควบคุมความเป็นอิสระของนักเรียนอย่างชาญฉลาด” นักไวโอลินชาวรัสเซียผู้มีชื่อเสียง L.F. Lvov ในงานของเขา "คำแนะนำสำหรับผู้เริ่มต้นเล่นไวโอลิน" เขียนว่า: "งานของครูคือการแสดงวิธีที่สะดวกที่สุดในการบรรลุเป้าหมาย แต่นักเรียนต้องไปด้วยตัวเอง"

ความเป็นอิสระในการแสดงดนตรีการควบคุมตนเอง - หมวดหมู่ดังกล่าวเกิดขึ้นบนพื้นฐานของความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ของนักเรียนเท่านั้น

เพื่อปลุกความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ของนักเรียน นักเรียนจำเป็นต้องเห็นเป้าหมายที่ชัดเจนที่ครูตั้งไว้เพื่อที่ครูจะกำหนดช่วงของงานโดยเฉพาะ งานที่เข้าใจได้ชัดเจนเป็นรากฐานของการวิเคราะห์การกระทำของนักเรียนการค้นหาวิธีการและเทคนิคในการแก้ปัญหาเหล่านี้ได้ดีขึ้นนั่นคือเป็นจุดเริ่มต้นในการพัฒนาความเป็นอิสระในการสร้างสรรค์ของนักเรียน L. Auer ในงานของเขา "My School of Violin Playing" ให้คำแนะนำ: "ฟังการแสดงของคุณเอง เล่นวลีหรือข้อความ วิธีทางที่แตกต่าง, ทำการเปลี่ยนภาพ, เปลี่ยนการแสดงออก, เล่นดังขึ้นและเงียบลงจนกว่าคุณจะพบการตีความที่เป็นธรรมชาติ ทำตามสัญชาตญาณของคุณเองในขณะเดียวกันก็รับคำแนะนำจากผู้อื่นด้วย”

ในกระบวนการทำงานดนตรี ในขั้นตอนหนึ่ง การเชื่อมโยงที่จำเป็นเกิดขึ้นระหว่างความคิดทางการได้ยินและความรู้สึกของกล้ามเนื้อ และด้วยเหตุนี้ ทักษะการเคลื่อนไหว ในช่วงระยะเวลาการทำงานนี้ ความสามารถของนักเรียนในการควบคุมตนเองและความคิดสร้างสรรค์จะเพิ่มขึ้น โดยพื้นฐานแล้ว นักเรียนจะจดจำทักษะที่เขาได้รับและนำไปใช้เมื่อศึกษาเนื้อหาทางดนตรีครั้งก่อน “สัมภาระ” นี้ยังไม่ใหญ่นัก แต่ความดื้อรั้นของทักษะก็มีบทบาท บทบาทสำคัญเพื่อรับประสบการณ์ในการทำงานอิสระ สิ่งที่มีค่าที่สุดไม่ใช่ข้อเสนอของตัวเลือกที่เรียนไปแล้วซึ่งนักเรียนจำได้ แต่เป็นข้อเสนอของเขาเองซึ่งเพิ่งคิดค้นขึ้นเนื่องจากการเตรียมตัวสำหรับบทเรียนตัวเลือกต่างๆ แบบนี้นี่เอง ช่วงเวลาที่มีความสุขและเป็นพื้นฐานของความคิดสร้างสรรค์ของนักเรียน ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นความคิดสร้างสรรค์ของเขา แน่นอนว่านักเรียนจะต้องได้รับการสอนให้วิเคราะห์งานดนตรีที่กำลังแสดงอย่างอิสระ ในตอนแรกนักเรียนพยายามพูดถึงข้อบกพร่องในการแสดงชิ้นใดชิ้นหนึ่งอย่างขี้อาย แต่ในอนาคตหากนำวิธีนี้ไปประยุกต์ใช้ในแต่ละบทเรียนผู้เรียนจะฟังการเล่นได้ดีขึ้น วิเคราะห์ได้ และข้อกำหนดด้านคุณภาพของเกมจะบังคับให้เขามองหาแนวทาง วิธีการ วิธีการแก้ไขใหม่ๆ ข้อบกพร่องและการบรรลุเป้าหมายสูงสุดของประสิทธิภาพคุณภาพสูง

“ ฟังว่าคุณเล่นอย่างไร” “ คุณชอบวลีที่คุณเล่นเมื่อกี้นี้ไหม? คุณไม่ชอบอะไร” - คำถามดังกล่าวจากครูควรคงที่ระหว่างบทเรียนแบบพิเศษกับนักเรียน

จุดสำคัญสำหรับงานอิสระเพิ่มเติมของนักเรียนคือการสรุปผลลัพธ์ของแต่ละบทเรียน หากนักเรียนเข้าใจผลลัพธ์ของงานในชั้นเรียนในแต่ละบทเรียนอย่างถูกต้อง แสดงถึงเป้าหมายและวัตถุประสงค์ วิธีการและเทคนิคในการเรียนรู้เนื้อหาอย่างชัดเจน จะทำให้การบ้านง่ายขึ้นและทำให้นักเรียนพัฒนาเร็วขึ้น หลังจากจบชั้นเรียนที่บ้าน นักเรียนจะต้องเล่นผลงานที่เรียนด้วยโน้ตและจดจำคำแนะนำทั้งหมดของครูราวกับว่าเดินตามบทเรียนที่แล้ว วิธีนี้เปิดใช้งานการควบคุมตนเองและความทรงจำของนักเรียน และส่งเสริมการวางแผนการบ้านที่ดีขึ้น

บทสรุป.

สิ่งสำคัญคือกิจกรรมของครูจะกระตุ้นกิจกรรมของนักเรียนเอง: หากนักเรียนมีความคิดสร้างสรรค์งานแรกของครูคือการปลุกกิจกรรมของเขาสอนให้เขาค้นหาและกำหนดงานการปฏิบัติงานสำหรับตัวเอง

ท้ายที่สุดแล้ว เมื่อเด็กเชี่ยวชาญทักษะเหล่านี้ พวกเขาจะช่วยเขาในการเตรียมตัวสำหรับการสอบ ซึ่งเขาต้องแสดงผลงานที่เขาเรียนรู้อย่างอิสระ โดยที่ไม่รวมความช่วยเหลือของครู

บทเรียนควรเตรียมนักเรียนให้มีแนวคิดที่ชัดเจนเกี่ยวกับวิธีการที่เขาควรใช้ในขั้นตอนนี้ในการทำละคร ในหลายกรณี - แต่ก็ไม่เสมอไป - จำเป็นต้องแก้ไขงานที่เพิ่งวางใหม่บางส่วนด้วยความช่วยเหลือจากครู: จากนั้นนักเรียนก็จะทำงานได้อย่างอิสระต่อไปได้ง่ายขึ้น บ่อยครั้งที่หลักสูตรของบทเรียนควรเป็นแบบอย่างของงานอิสระที่ตามมาของนักเรียน เป็นเรื่องที่ยอมรับไม่ได้อย่างยิ่งที่บทเรียนจะมาแทนที่งานอิสระ ดังนั้นบทเรียนจึงลดลงเหลือเพียงการทำซ้ำและรวมสิ่งที่ได้รับไปแล้วในบทเรียนเท่านั้น หากในช่วงเริ่มต้นของการเล่นละครเป็นที่ชัดเจนว่านักเรียนเข้าใจงานที่เขาเผชิญอยู่อย่างชัดเจนขอแนะนำให้ให้เขาทำงานที่บ้านต่อไปด้วยตัวเองมากกว่า ความช่วยเหลือด้านการสอนในห้องเรียนไม่ควรกลายเป็นสิ่งที่เรียกว่า "การฝึกสอน" เพราะเป็นการขัดขวางกิจกรรมของนักเรียน เมื่อครูกระตุ้นมากเกินไป ร้องตาม นับ เล่นตาม ในกรณีนี้นักเรียนจะเลิกเป็นคนอิสระและกลายเป็นเครื่องมือทางเทคนิคที่นำแผนของครูไปใช้

เด็กแต่ละคนมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว มีบุคลิกภาพ ศิลปะของครูคือเพื่อให้แน่ใจว่านักเรียนคนใดคนหนึ่งกลายเป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยม ได้รับความสนใจอย่างยั่งยืนใน บทเรียนดนตรีซึ่งสามารถคงอยู่ได้ตลอดชีวิต ในการทำเช่นนี้มีความจำเป็นต้องสร้างตารางเวลาสำหรับการบ้านของนักเรียนโดยสังเกตการสลับวิชาของโรงเรียนและวิชาดนตรีและเพื่อให้เด็กฝึกหัดเครื่องดนตรีทุกวัน ในช่วงเดือนแรกของการฝึกอบรม ขอแนะนำให้ผู้ปกครองมาชั้นเรียนเพื่อจะได้ติดตามการบ้านเสร็จ จากขั้นตอนแรกของการเรียนรู้ ให้ทำความคุ้นเคยกับการทำงานอย่างอิสระกับเครื่องดนตรี ปฏิบัติตามเงื่อนไขด้านสุขอนามัยและสรีรวิทยาสำหรับกิจกรรมของเด็กอย่างเคร่งครัด ใช้เก้าอี้แข็งที่สะดวกสบายในความสูงที่ต้องการและรองรับขาซ้ายเพื่อหลีกเลี่ยงความโค้งของกระดูกสันหลัง รักษาความเงียบระหว่างเรียน ใส่ใจกับสภาพร่างกายและอารมณ์ของนักเรียน เข้าร่วมคอนเสิร์ตและการแข่งขันประจำปีในสถานที่ร่วมกับผู้ปกครอง พัฒนาความต้องการในการฟังของเด็กอย่างต่อเนื่อง เพลงคลาสสิคและวิเคราะห์สิ่งที่คุณได้ยิน

ผลลัพธ์สุดท้ายของกระบวนการศึกษาที่ซับซ้อนคือการศึกษาของนักดนตรีที่แสดงซึ่งเข้าใจจุดประสงค์อันสูงส่งของศิลปะ เป็นนักแสดงที่ให้ชีวิตแก่งาน ดังนั้นความรับผิดชอบของเขาต่อผู้เขียน ต่อผู้ชม ทำให้เขาต้องเข้าใจอย่างลึกซึ้งและสามารถแสดงความสำคัญของแนวคิดที่ฝังอยู่ในองค์ประกอบนี้ได้

ดังที่ลีเบอร์แมนเขียนไว้ในหนังสือ "Working on Piano Technique": "ในการทำงานคุณต้องแสดงความพากเพียรอย่างต่อเนื่อง ไม่อดทนกับสิ่งที่ไม่ได้ผล อย่านั่งดูเครื่องดนตรีโดยปราศจากความปรารถนาและความคิด มองหาวิธีที่จะทำให้ มันง่ายกว่าที่จะเอาชนะความยากลำบากบางอย่าง นำเสนอปัญหาทางดนตรีและทางเทคนิคให้กับตัวเองจนกว่าจะได้รับการแก้ไข”

ครูทุกคนมักจะประสบปัญหาเดียวกันเสมอ: วิธีที่จะช่วยให้นักเรียนกำหนดความคิดของตนเอง บรรลุการพัฒนาและสร้างทักษะการปฏิบัติงานระดับมืออาชีพ พัฒนาทรงกลมทางอารมณ์ของเด็ก ขยายขอบเขตทางดนตรีของเขา วิธีปลูกฝังความขยัน ความอุตสาหะ การจัดองค์กรในการทำงาน โดยที่คุณไม่สามารถประสบความสำเร็จได้ จากแต่ละบทเรียน นักเรียนควร “นำ” ความประทับใจกลับบ้าน ความประทับใจจะต้องได้รับการประมวลผลผ่านการบ้านที่เน้นและงานในชั้นเรียนที่ได้รับการควบคุมจนกลายเป็นความรู้ ทักษะ และท้ายที่สุด วัฒนธรรมสุนทรียศาสตร์นักเรียน. ขั้นตอนของการแนะแนวและการพัฒนาทางวิชาชีพของนักเรียนตลอดจนการรักษาระดับมืออาชีพอย่างอิสระเพิ่มเติมนั้นเป็นไปไม่ได้เลยหากไม่มีการบ้านเป็นประจำอย่างจริงจัง มีเวลาเพียงพอ และสม่ำเสมอ มีคำพังเพยที่รู้จักกันดี: “จากไม่มีอะไรก็จะไม่มีอะไร”

นักไวโอลินและผู้ควบคุมวงชื่อดัง Charles Munsch ในเอกสารของเขา "ฉันเป็นผู้ควบคุมวง" เขียนว่า: "การศึกษาสิบห้าปีและความสามารถตามธรรมชาติทั้งหมดยังไม่เพียงพอ การเป็นวาทยกร (เหมือนนักแสดงมืออาชีพ) จำเป็นต้องอาศัยการทำงาน คุณต้องทำงานตั้งแต่วันแรกที่คุณก้าวข้ามธรณีประตูของเรือนกระจก (ตามที่โรงเรียนดนตรีถูกเรียกว่าในศตวรรษที่ผ่านมาทางตะวันตก) จนกระทั่งเย็นวันนั้นเมื่อคุณหมดแรงคุณจะจัดคอนเสิร์ตครั้งสุดท้ายในชีวิตของคุณ”

รายชื่อแหล่งที่มาที่ใช้

1. เอ็น.พี. มิคาอิเลนโก. “วิธีการสอนการเล่นกีตาร์หกสาย” เคียฟ "หนังสือ". 2546

2. ก. นอยเฮาส์. เกี่ยวกับศิลปะการเล่นเปียโน

ชุดเครื่องมือ เอ็ม. มิวสิค. 1988

3. ยุ.พี. Kuzin "ABC ของนักกีตาร์"

4. วี.เอ. นาธานสัน. ประเด็นการสอนดนตรี

ชุดเครื่องมือ เอ็ม. มิวสิค. 1984

5. ช. ดันแคน “ศิลปะการเล่นกีตาร์”

6. ก.พ. Bessarabova “ จัดระเบียบการบ้านที่เปียโน”

7. เค. มาร์ตินเซ่น. “วิธีการสอนเปียโนแบบรายบุคคล” ม. "ดนตรี" 1977

8. ไอ. ฮอฟแมน เกมเปียโน. คำตอบและคำถามในการเล่นเปียโน ม. 1961

9. Perelman N. “ในชั้นเรียนเปียโน”

10. A. Artobolevskaya “ การพบปะครั้งแรกกับดนตรี” บทช่วยสอน

สำนักพิมพ์ “ผู้แต่ง. เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก". 2548

11. อี. ลีเบอร์แมน “การทำงานเกี่ยวกับเทคนิคเปียโน”

13. Bochkarev L. “ จิตวิทยาของกิจกรรมทางดนตรี”

14. ไอ. เลสแมน “บทความเกี่ยวกับวิธีการสอนไวโอลิน” ม. 1964.

15. เค. มอสตราส “ระบบการฝึกที่บ้านของนักไวโอลิน” ม. 1956.

16. แอล. เอาเออร์. "โรงเรียนไวโอลินของฉัน" ม. 1965.

การเล่นดนตรีทั้งมวล - เป็นวิธีการพัฒนาแบบครบวงจร

รายงานอย่างเป็นระบบโดยครูกีตาร์ Pikulina G.B.

ชาวโรมันโบราณเชื่อว่ารากเหง้าของคำสอนนั้นขมขื่น แต่เมื่อครูเรียกร้องความสนใจในฐานะพันธมิตร เมื่อเด็กๆ ติดเชื้อจากความกระหายความรู้และมุ่งมั่นในการทำงานที่สร้างสรรค์และกระตือรือร้น รากฐานของการเรียนรู้จะเปลี่ยนรสนิยมและกระตุ้นให้เด็กมีความอยากอาหารที่ดีต่อสุขภาพอย่างสมบูรณ์ ความสนใจในการเรียนรู้เชื่อมโยงกับความรู้สึกเพลิดเพลินและสนุกสนานที่งานและความคิดสร้างสรรค์นำมาสู่บุคคลอย่างแยกไม่ออก ความสนใจและความสุขในการเรียนรู้เป็นสิ่งจำเป็นเพื่อให้เด็กมีความสุข.

การพัฒนาความสนใจทางปัญญาได้รับการอำนวยความสะดวกโดยองค์กรการเรียนรู้ที่นักเรียนกระทำการอย่างแข็งขันมีส่วนร่วมในกระบวนการค้นหาอิสระและการค้นพบความรู้ใหม่ ๆ และแก้ไขปัญหาที่มีลักษณะที่เป็นปัญหาและสร้างสรรค์ ด้วยทัศนคติที่กระตือรือร้นของนักเรียนในเรื่องนี้การมีส่วนร่วมโดยตรงใน "การสร้างสรรค์" ของดนตรีความสนใจในศิลปะจึงถูกปลุกให้ตื่นขึ้น.

การทำดนตรีทั้งมวลมีบทบาทสำคัญในการดำเนินงานเหล่านี้ - นี่คือการทำดนตรีร่วมกันประเภทหนึ่งที่ได้รับการฝึกฝนตลอดเวลา ในทุกโอกาส และในทุกระดับของความเชี่ยวชาญด้านเครื่องดนตรี และยังคงปฏิบัติอยู่จนทุกวันนี้ คุณค่าทางการสอนของการทำดนตรีร่วมกันประเภทนี้ยังไม่เป็นที่ทราบแน่ชัด จึงไม่ค่อยมีใครนำมาใช้ในการสอน แม้ว่าประโยชน์ของการเล่นทั้งมวลเพื่อการพัฒนานักเรียนจะทราบกันมานานแล้วก็ตาม

การเล่นดนตรีทั้งมวลมีประโยชน์อย่างไร? สามารถกระตุ้นพัฒนาการด้านดนตรีทั่วไปของนักเรียนได้ด้วยเหตุผลอะไร?

การเล่นดนตรีทั้งมวลเป็นวิธีการพัฒนานักเรียนแบบครบวงจร

1. การเล่นทั้งมวลเป็นกิจกรรมรูปแบบหนึ่งที่เปิดโอกาสให้เกิดความครอบคลุมและกว้างขวางมากที่สุดความคุ้นเคยกับวรรณกรรมดนตรีนักดนตรีได้แสดงผลงานต่างๆ สไตล์ศิลปะ,ยุคประวัติศาสตร์. ควรสังเกตว่าผู้เล่นทั้งมวลอยู่ในสภาพที่ได้เปรียบเป็นพิเศษ - นอกจากเพลงที่อุทิศให้กับกีตาร์แล้ว เขายังสามารถใช้เพลงนั้นกับเครื่องดนตรีอื่นๆ การถอดเสียง และการเรียบเรียงได้ กล่าวอีกนัยหนึ่ง การเล่นทั้งมวล – คงที่และ การเปลี่ยนแปลงการรับรู้ใหม่อย่างรวดเร็ว, ความประทับใจ, "การค้นพบ", ข้อมูลทางดนตรีที่เข้มข้นและหลากหลายหลั่งไหลเข้ามาอย่างเข้มข้น

2. การทำดนตรีทั้งมวลสร้างเงื่อนไขที่เหมาะสมที่สุดสำหรับการตกผลึกคุณสมบัติทางดนตรีและสติปัญญาของนักเรียน เพราะเหตุใด เพราะเหตุใด? นักเรียนจัดการกับเนื้อหาตามคำพูดของ V.A. สุคมลินสกี้ “ไม่ใช่เพื่อการท่องจำ ไม่ใช่เพื่อการท่องจำ แต่เป็นเพราะความจำเป็นในการคิด รับรู้ ค้นพบ เข้าใจ และในที่สุดก็ต้องประหลาดใจ” นั่นคือสาเหตุว่าทำไมการฝึกซ้อมในวงดนตรีจึงมีอารมณ์ทางจิตวิทยาเป็นพิเศษ การคิดทางดนตรีดีขึ้นอย่างเห็นได้ชัด การรับรู้มีความสดใส มีชีวิตชีวา คมชัดขึ้น และเหนียวแน่นมากขึ้น

3. ด้วยการจัดหาความประทับใจและประสบการณ์ที่สดใหม่และหลากหลายอย่างต่อเนื่อง การเล่นดนตรีทั้งมวลมีส่วนช่วยในการพัฒนา "ศูนย์กลางของละครเพลง" - ทางอารมณ์การตอบสนองต่อดนตรี

4. การสะสมความคิดที่สดใสและน่าฟังมากมายช่วยกระตุ้นการสร้างหูทางดนตรีจินตนาการทางศิลปะ

5. ด้วยการขยายระดับเสียงของเพลงที่เข้าใจและวิเคราะห์ ความเป็นไปได้ก็เพิ่มขึ้นเช่นกันการคิดทางดนตรี- ที่จุดสูงสุดของคลื่นอารมณ์ มีการกระทำทางสติปัญญาทางดนตรีเพิ่มขึ้นโดยทั่วไป จากนี้ไปชั้นเรียนการเล่นทั้งมวลมีความสำคัญไม่เพียงแต่เป็นวิธีการขยายขอบเขตอันไกลโพ้นของละครหรือสะสมข้อมูลทางดนตรี-ทฤษฎีและดนตรี-ประวัติศาสตร์เท่านั้น ชั้นเรียนเหล่านี้มีส่วนช่วยในการปรับปรุงคุณภาพของกระบวนการการคิดทางดนตรี

การเล่นดนตรีทั้งมวลรูปแบบนี้มีผลอย่างมากต่อการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์นักเรียนแสดงท่วงทำนองที่ง่ายที่สุดเรียนรู้ที่จะฟังทั้งสองส่วนพัฒนาฮาร์โมนิกหูอันไพเราะและความรู้สึกของจังหวะร่วมกับครู

ดังนั้นการเล่นเป็นวงดนตรีจึงเป็นวิธีที่สั้นที่สุดและมีแนวโน้มมากที่สุดในการพัฒนาดนตรีทั่วไปของนักเรียน อยู่ในขั้นตอนการเล่นแบบ Ensemble ซึ่งหลักพื้นฐานของการเรียนรู้เชิงพัฒนาการถูกเปิดเผยอย่างครบถ้วนและชัดเจน:

ก) การเพิ่มระดับเสียงของเนื้อหาดนตรีที่แสดง

b) การเร่งความเร็วของเนื้อเรื่อง

ดังนั้นการเล่นทั้งมวลจึงไม่มีอะไรมากไปกว่าการดูดซึมข้อมูลสูงสุดโดยใช้เวลาน้อยที่สุด

ไม่จำเป็นต้องพูดถึงความสำคัญของการติดต่ออย่างสร้างสรรค์ระหว่างครูและนักเรียน และการเล่นดนตรีแบบวงดนตรีร่วมซึ่งเป็นแนวทางในอุดมคติสำหรับสิ่งนี้ จากจุดเริ่มต้นของการสอนเด็กให้เล่นเครื่องดนตรี มีงานมากมายเกิดขึ้น เช่น การนั่ง วางมือ ศึกษาฟิงเกอร์บอร์ด วิธีการผลิตเสียง โน้ต การนับ การหยุดชั่วคราว ฯลฯ แต่ท่ามกลางงานมากมายที่ต้องแก้ไข สิ่งสำคัญคือต้องไม่พลาดช่วงสำคัญในช่วงเวลาสำคัญนี้ - ไม่เพียง แต่รักษาความรักในดนตรีเท่านั้น แต่ยังพัฒนาความสนใจในกิจกรรมทางดนตรีด้วย และในสถานการณ์เช่นนี้ รูปร่างที่สมบูรณ์แบบการทำงานร่วมกับนักเรียนจะเป็นการเล่นดนตรีทั้งมวล ตั้งแต่บทเรียนแรก นักเรียนจะมีส่วนร่วมในการเล่นดนตรีอย่างกระตือรือร้น เขาร่วมกับครูเล่นบทละครง่ายๆ ที่มีความสำคัญทางศิลปะอยู่แล้ว

วิธีการเรียนรู้แบบกลุ่มมีทั้งด้านบวกและด้านลบ ในกลุ่ม เด็ก ๆ สนใจการเรียนมากขึ้น พวกเขาสื่อสารกับเพื่อน ๆ เรียนรู้ไม่เพียงแต่จากครูเท่านั้น แต่ยังจากกันและกัน เปรียบเทียบการเล่นกับการเล่นของเพื่อน พยายามเป็นคนแรก เรียนรู้ที่จะฟังเพื่อนบ้าน เล่นเป็นวงดนตรีและพัฒนาระบบการได้ยินแบบฮาร์โมนิค แต่ในขณะเดียวกันการฝึกอบรมดังกล่าวก็มีข้อเสียเช่นกัน สิ่งสำคัญคือเป็นเรื่องยากที่จะบรรลุผลการปฏิบัติงานที่มีคุณภาพ เนื่องจากนักเรียนได้รับการฝึกฝนด้วยความสามารถที่แตกต่างกัน และผู้ที่เรียนก็แตกต่างกันเช่นกัน เมื่อทุกคนเล่นพร้อมกัน ครูไม่ได้สังเกตเห็นข้อผิดพลาดของนักเรียนแต่ละคนเสมอไป แต่หากทุกคนตรวจสอบเป็นรายบุคคลในแต่ละบทเรียน กระบวนการเรียนรู้ที่มีนักเรียนจำนวนมากจะหยุดลงในทางปฏิบัติ หากคุณพึ่งพาคุณภาพระดับมืออาชีพของเกมโดยทุ่มเทเวลาให้กับมันมากเช่นเดียวกับที่ทำในแต่ละบทเรียน คนส่วนใหญ่ก็จะเบื่อกับมันอย่างรวดเร็วและพวกเขาจะหมดความสนใจในการศึกษา ดังนั้นละครจึงควรเข้าถึงได้ น่าสนใจ ทันสมัย ​​และมีประโยชน์ และก้าวของความก้าวหน้าก็ควรจะมีพลังเพียงพอ

จะต้องหลีกเลี่ยงความซ้ำซากจำเจและนักศึกษาจะต้องมีความสนใจอย่างต่อเนื่อง หากต้องการตรวจสอบความรู้ที่ได้รับก่อนทำบทเรียนทดสอบคุณสามารถใช้รูปแบบงานต่อไปนี้: หลังจากเรียนรู้ชิ้นงานด้วยใจแล้ว นอกเหนือจากการแสดงเป็นกลุ่มแล้ว ยังมีประโยชน์ในการเล่นทีละชิ้นโดยนักเรียนทุกคนใน ชิ้นส่วนเล็กๆ (เช่น สองมาตรการ) โดยไม่หยุดที่จังหวะที่ถูกต้อง ตรวจสอบให้แน่ใจว่าเกมชัดเจนและดัง เทคนิคนี้มุ่งความสนใจ พัฒนาการได้ยินภายใน และเพิ่มความรับผิดชอบของนักเรียน คุณยังสามารถใช้รูปแบบการทำงานเช่นการอุปถัมภ์นักเรียนที่เข้มแข็งเหนือผู้ที่ล้าหลัง (ผู้ที่เชี่ยวชาญเนื้อหาได้ดีในเวลาว่างจะช่วยผู้ที่ไม่สามารถรับมือกับงานได้ เมื่อบรรลุผลในเชิงบวกครู ให้รางวัลผู้ช่วยดังกล่าวด้วยเกรดดีเยี่ยม)

วัตถุประสงค์และความเฉพาะเจาะจงของการสอนเด็กๆ ในชั้นเรียนกีตาร์คือการให้ความรู้แก่ผู้รักดนตรีที่มีความสามารถ ขยายขอบเขต พัฒนาความสามารถเชิงสร้างสรรค์ รสนิยมทางดนตรีและศิลปะ และในบทเรียนตัวต่อตัว - ได้รับทักษะการทำดนตรีระดับมืออาชีพล้วนๆ: การเล่นเป็นวงดนตรี การเลือก ด้วยหูการอ่านด้วยสายตา

“ จุดไฟ”, “แพร่เชื้อ” เด็กด้วยความปรารถนาที่จะเชี่ยวชาญภาษาดนตรีซึ่งเป็นงานที่สำคัญที่สุดของงานเริ่มแรกของครู

มีการใช้คลาสกีตาร์ รูปทรงต่างๆงาน. การเล่นดนตรีทั้งมวลมีศักยภาพในการพัฒนาเป็นพิเศษ การเล่นดนตรีบรรเลงร่วมกันเป็นรูปแบบหนึ่งที่สามารถเข้าถึงได้มากที่สุดในการแนะนำให้นักเรียนรู้จักกับโลกแห่งดนตรี บรรยากาศที่สร้างสรรค์ของชั้นเรียนเหล่านี้เกี่ยวข้องกับการมีส่วนร่วมของเด็ก ๆ ในกระบวนการเรียนรู้ ความสุขและความสุขในการเล่นดนตรีด้วยกันตั้งแต่วันแรกของการศึกษาเป็นกุญแจสำคัญในความสนใจในศิลปะรูปแบบนี้ - ดนตรี ในเวลาเดียวกันเด็กแต่ละคนก็กลายเป็นผู้มีส่วนร่วมในวงดนตรีโดยไม่คำนึงถึงระดับความสามารถของเขาในขณะนี้ซึ่งมีส่วนช่วยในการผ่อนคลายจิตใจเสรีภาพและบรรยากาศที่เป็นกันเอง

ครูฝึกหัดรู้ดีว่าการเล่นเป็นวงดนตรีจะสร้างวินัยในจังหวะได้อย่างสมบูรณ์แบบ ช่วยเพิ่มความสามารถในการอ่านด้วยสายตา และเป็นสิ่งที่ขาดไม่ได้ในแง่ของการพัฒนาทักษะทางเทคนิคและความสามารถที่จำเป็นสำหรับการแสดงเดี่ยว การเล่นดนตรีร่วมกันส่งเสริมการพัฒนาคุณสมบัติต่างๆ เช่น ความเอาใจใส่ ความรับผิดชอบ ความมีระเบียบวินัย การอุทิศตน และลัทธิร่วมกัน ที่สำคัญกว่านั้นคือการเล่นดนตรีทั้งมวลจะสอนให้คุณฟังคู่ของคุณและสอนการคิดทางดนตรีให้กับคุณ

การแสดงร่วมกันในฐานะนักกีตาร์ดูเอ็ตหรือสามคนนั้นน่าดึงดูดใจมาก เพราะมันนำมาซึ่งความสุขในการทำงานร่วมกัน พวกเขาเล่นดนตรีด้วยกันที่ใดก็ได้ระดับความเชี่ยวชาญด้านเครื่องมือและทุกโอกาส นักแต่งเพลงหลายคนเขียนประเภทนี้สำหรับการเล่นดนตรีที่บ้านและการแสดงคอนเสิร์ต Bela Bartok นักแต่งเพลง ครู และนักนิทานพื้นบ้านชาวฮังการี เชื่อว่าเด็กๆ ควรได้รับการแนะนำให้รู้จักกับการทำดนตรีทั้งมวลให้เร็วที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ตั้งแต่ก้าวแรกในวงการดนตรี

ไม่ได้อยู่ในวงดนตรีเสมอไป วินัยทางวิชาการได้รับความสนใจตามสมควร บ่อยครั้งที่ครูใช้เวลาในการเล่นดนตรีตามที่กำหนดไว้ บทเรียนรายบุคคล- อย่างไรก็ตามในปัจจุบันนี้ไม่สามารถจินตนาการได้ ชีวิตทางดนตรีไม่มีการแสดงทั้งมวล เห็นได้จากการแสดงคู่ ทริโอ และวงดนตรีขนาดใหญ่ที่ สถานที่จัดคอนเสิร์ต, เทศกาลและการแข่งขัน นักกีตาร์ดูเอตและสามคนเป็นรูปแบบวงดนตรีที่มีมายาวนานซึ่งมีประเพณีมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 โดยมีประวัติศาสตร์ของตัวเอง "การพัฒนาเชิงวิวัฒนาการ" การแสดงละครที่หลากหลาย - ผลงานต้นฉบับ การถอดเสียง การถอดเสียง แต่นี่คือทีมงานมืออาชีพ แต่สำหรับวงดนตรีของโรงเรียนกลับมีปัญหา เช่น ปัญหาเรื่องละคร การขาดวรรณกรรมที่เหมาะสมสำหรับวงดนตรีของนักกีตาร์ในโรงเรียนดนตรีเด็กทำให้กระบวนการเรียนรู้ช้าลงและโอกาสในการแสดงตัวบนเวทีคอนเสิร์ต ครูหลายคนเองก็ถอดเสียงและเรียบเรียงบทละครที่พวกเขาชอบ

สิ่งสำคัญคือต้องเริ่มทำงานทั้งมวลตั้งแต่บทเรียนแรกของเครื่องดนตรี ยิ่งนักเรียนเริ่มเล่นวงดนตรีเร็วเท่าไร เขาก็จะมีความสามารถ มีเทคนิค และเป็นนักดนตรีมากขึ้นเท่านั้น

ครูสอนเครื่องดนตรีพิเศษจำนวนมากฝึกซ้อมวงดนตรีภายในห้องเรียน สิ่งเหล่านี้สามารถเป็นได้ทั้งเนื้อเดียวกันหรือ วงดนตรีผสม- เริ่มต้น งานที่ดีขึ้นร่วมกับนักเรียนรุ่นเดียวกัน ในทางปฏิบัติเราได้เห็นแล้วว่างานวงดนตรีสามารถแบ่งออกเป็นสามขั้นตอน

เอาล่ะ ขั้นที่ 1 - เด็กได้เรียนรู้ทักษะการทำดนตรีทั้งมวลแล้วในบทเรียนแรก ให้สิ่งเหล่านี้เป็นเพลงที่ประกอบด้วยเสียงตั้งแต่หนึ่งเสียงขึ้นไปที่จัดเรียงเป็นจังหวะ ในเวลานี้ครูจะร้องทำนองและดนตรีประกอบ ในกระบวนการของงานนี้ นักเรียนจะพัฒนาหูสำหรับการแสดงบทเพลงพร้อมดนตรีประกอบ โดยเน้นที่ความแม่นยำของจังหวะ เชี่ยวชาญไดนามิกเบื้องต้น และทักษะการเล่นเบื้องต้น จังหวะ การได้ยิน และที่สำคัญที่สุดคือความรู้สึกรวมกลุ่ม ความรู้สึกรับผิดชอบต่อสาเหตุที่เหมือนกันพัฒนาขึ้นการแสดงดังกล่าวจะกระตุ้นความสนใจของนักเรียนในดนตรีแนวใหม่ที่น่าสนใจและมีสีสัน ขั้นแรก นักเรียนเล่นทำนองง่ายๆ บนเครื่องดนตรี (ทั้งหมดขึ้นอยู่กับความสามารถของนักเรียน) พร้อมด้วยครู ในขั้นตอนของการทำงานนี้ สิ่งสำคัญคือนักเรียนจะต้องรู้สึกถึงลักษณะเฉพาะของโฮโมโฟนิก-ฮาร์โมนิก และลองแสดงด้วยตัวเองโดยใช้องค์ประกอบของโพลีโฟนี ควรเลือกบทละครที่มีจังหวะ ตัวละคร ฯลฯ แตกต่างกัน

ฉันรู้จากประสบการณ์ว่านักเรียนสนุกกับการเล่นเป็นวงดนตรี ดังนั้น บทละครข้างต้นสามารถเล่นเป็นรายบุคคลกับนักเรียนแต่ละคน หรือนักเรียนสามารถรวมเป็นเพลงคู่หรือทรีโอก็ได้ (ขึ้นอยู่กับดุลยพินิจของครู ขึ้นอยู่กับความสามารถของเครื่องดนตรีและความพร้อมใช้งาน) สำหรับการแสดงคู่ (ทั้งสามคน) สิ่งสำคัญคือต้องเลือกนักเรียนที่มีความเท่าเทียมกันในด้านการฝึกดนตรีและความสามารถด้านเครื่องดนตรี นอกจากนี้ก็ต้องคำนึงถึงด้วย ความสัมพันธ์ระหว่างบุคคลผู้เข้าร่วม. ในขั้นตอนนี้ นักเรียนควรเข้าใจกฎพื้นฐานของการเล่นเป็นวงดนตรี ประการแรก สถานที่ที่ยากที่สุดคือจุดเริ่มต้นและจุดสิ้นสุดของงานหรือส่วนหนึ่งของงาน

คอร์ดเปิดและปิดหรือเสียงจะต้องเล่นพร้อมกันและชัดเจน โดยไม่คำนึงว่าระหว่างนั้นจะฟังอะไรหรืออย่างไร ความบังเอิญเป็นผลมาจากคุณภาพหลักของวงดนตรี: ความเข้าใจร่วมกันและความรู้สึกของจังหวะและจังหวะ ความบังเอิญยังเป็นข้อกำหนดทางเทคนิคของเกมอีกด้วย คุณจะต้องรับและลบเสียงพร้อมกัน หยุดพร้อมกัน และไปยังเสียงถัดไป คอร์ดแรกประกอบด้วยสองฟังก์ชัน - การเริ่มต้นร่วมกันและการกำหนดจังหวะที่ตามมา การหายใจจะมาช่วย การสูดดมเป็นสัญญาณที่เป็นธรรมชาติและเข้าใจได้มากที่สุดสำหรับนักดนตรีทุกคนในการเริ่มเล่น เช่นเดียวกับที่นักร้องสูดลมหายใจก่อนแสดง นักดนตรี - นักแสดงก็เช่นกัน แต่เครื่องดนตรีแต่ละชิ้นก็มีลักษณะเฉพาะของตัวเอง ผู้เล่นทองเหลืองแสดงการหายใจเข้าเมื่อเริ่มเสียง นักไวโอลิน - โดยการขยับคันธนู นักเปียโน - โดยการ "ถอนหายใจ" มือและสัมผัสกุญแจ สำหรับนักเล่นหีบเพลงแบบปุ่มและนักเล่นหีบเพลง - พร้อมกับการเคลื่อนไหวของมือ ถือเครื่องสูบลม ทั้งหมดที่กล่าวมาสรุปไว้ในคลื่นเริ่มต้นของตัวนำ - อาการที่ตามมา จุดสำคัญคือการตั้งค่าจังหวะที่ต้องการ ทุกอย่างขึ้นอยู่กับความเร็วของการหายใจเข้า ลมหายใจที่คมชัดจะบอกนักแสดงเกี่ยวกับจังหวะที่รวดเร็ว ส่วนลมหายใจที่สงบจะส่งสัญญาณถึงจังหวะที่ช้า ดังนั้นจึงเป็นสิ่งสำคัญที่ผู้เข้าร่วมดูเอ็ทไม่เพียงแต่ได้ยินกันเท่านั้น แต่ยังต้องสบตากันด้วย ในขั้นแรก สมาชิกทั้งมวลเรียนรู้ที่จะฟังทำนองและเสียงที่สองซึ่งเป็นเสียงประกอบ ผลงานควรมีทำนองที่สดใส น่าจดจำ เรียบง่าย เสียงที่สองควรมีจังหวะที่ชัดเจน ศิลปะในการฟังและการได้ยินคู่ของคุณเป็นเรื่องยากมาก ท้ายที่สุดแล้ว ความสนใจส่วนใหญ่มุ่งไปที่การอ่านโน้ต รายละเอียดที่สำคัญอีกประการหนึ่งคือความสามารถในการอ่านรูปแบบจังหวะ หากนักเรียนอ่านจังหวะโดยไม่เกินเมตรเขาก็พร้อมที่จะเล่นเป็นวงดนตรีเนื่องจากการสูญเสียจังหวะที่รุนแรงจะนำไปสู่การล้มลงและหยุด หากทีมพร้อมสามารถเปิดการแสดงรอบแรกได้ เช่น ที่ การประชุมผู้ปกครองหรือคอนเสิร์ตในชั้นเรียน

ในระยะที่สอง เราพัฒนาความรู้ ทักษะ และความสามารถที่ได้รับในขั้นที่ 1 นอกจากนี้เรายังเข้าใจถึงความลึกของการเล่นดนตรีทั้งมวลอีกด้วย ในกระบวนการของงานนี้ นักเรียนจะพัฒนาหูสำหรับการแสดงบทเพลงพร้อมดนตรีประกอบ โดยเน้นที่ความแม่นยำของจังหวะ เชี่ยวชาญไดนามิกเบื้องต้น และทักษะการเล่นเบื้องต้น จังหวะ การได้ยิน ความสามัคคีของจังหวะทั้งมวล การแสดงที่รอบคอบ และที่สำคัญที่สุดคือ ความรู้สึกของวงดนตรี ความรู้สึกรับผิดชอบต่อสาเหตุร่วมกัน พัฒนาขึ้น มีการรวบรวมละครไปด้วย ผลงานคลาสสิก, ป๊อปจิ๋ว ละครดังกล่าวปลุกความสนใจและเตรียมพร้อมสำหรับงานและการแสดงใหม่

ด่านที่สาม - ขั้นตอนนี้สอดคล้องกับชั้นประถมศึกษาปีที่ 6-7 เมื่อหลักสูตรไม่ได้กำหนดชั่วโมงการเล่นดนตรีไว้ ในความคิดของฉัน นี่เป็นการละเลย เนื่องจากนักเรียนมีความรู้ ความสามารถ และทักษะที่จำเป็นอยู่แล้ว ทั้งในการแสดงเดี่ยวและการแสดงทั้งชุด จึงมีความสามารถในการแสดงละครที่ซับซ้อนและน่าตื่นตาตื่นใจมากขึ้น ในกรณีนี้คู่ (หรือทั้งสามคน) สามารถแก้ปัญหาทางศิลปะที่ซับซ้อนมากขึ้นได้

เพื่อให้เสียงกีตาร์คู่หรือสามคนมีสีสันมากขึ้น อนุญาตให้ขยายการเรียบเรียงโดยนำเครื่องดนตรีเพิ่มเติมเข้ามา อาจเป็นฟลุตเปียโน ไวโอลิน ส่วนขยายดังกล่าวสามารถ "เติมสีสัน" ให้กับงานและทำให้สดใสได้ วิธีนี้เหมาะสำหรับการแสดงคอนเสิร์ตและจะทำให้ชิ้นงานใดๆ แม้แต่ชิ้นที่เรียบง่ายที่สุดก็ดูน่าดึงดูด อย่างไรก็ตามในห้องเรียนจะเป็นการดีกว่าถ้าจัดชั้นเรียนโดยไม่มีการเพิ่มเติมเพื่อให้ผู้เข้าร่วมคู่ได้ยินความแตกต่างของข้อความดนตรีทั้งหมด

สำหรับการแสดง คุณจะต้องสะสมละครประเภทต่างๆ เนื่องจากคุณต้องแสดงในกลุ่มผู้ชมที่แตกต่างกัน ต่อหน้าผู้คนที่มีความคิดต่างกัน คุณจึงต้องมีละครที่แตกต่างออกไป ตั้งแต่เพลงคลาสสิกไปจนถึงเพลงป๊อป

MBOU DO "โรงเรียนดนตรีเด็ก YAMAL"

สาขามายสคาเมนสกาย

เออร์โมโลวิช แอล.จี.

ข้อความที่มีระเบียบวิธี

“ปัญหาการเรียนเล่นกีตาร์ตั้งแต่อายุยังน้อย”

เรามักเจอความเห็นว่าอนุญาตให้เริ่มเล่นกีตาร์ได้ไม่ช้ากว่า 6-7 ปี อย่างไรก็ตาม ครู - นักไวโอลินและนักเปียโน - เริ่มทำงานกับเด็กอายุ 4-5 ปี แม้ว่าชั้นเรียนที่มีเด็ก ๆ จะมีลักษณะเหมือนกันสำหรับครูที่ใช้เครื่องดนตรีต่าง ๆ : การเลือกสื่อดนตรี, วิธีการดำเนินบทเรียน, เครื่องดนตรีที่ช่วยให้คุณทำงานที่ได้รับมอบหมายให้เด็กได้สำเร็จโดยไม่ต้องใช้ความพยายามมากเกินไป หากทุกแง่มุมเหล่านี้แก้ไขได้ เราก็สามารถพูดได้อย่างมั่นใจว่าการเรียนรู้การเล่นกีตาร์ควรเริ่มต้นให้เร็วที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้

แน่นอนว่าคุณต้องคำนึงถึงด้วย ลักษณะอายุ: เปลี่ยนความสนใจบ่อย เหนื่อยล้าง่าย ขาดทักษะทางดนตรี ฯลฯ

เพื่อให้บรรลุผลลัพธ์ที่ดีที่สุดในการสอนผู้เริ่มต้น จำเป็นต้องสนใจเขาในงาน รักษาความสม่ำเสมอในการเรียนรู้ทักษะใหม่แต่ละทักษะ และบรรลุการดูดซึมที่มีความหมาย

ต้องคำนึงถึงลักษณะของเด็กในแต่ละกรณี ลักษณะของจิตวิทยาเด็กนั้นเป็นรายบุคคล แต่ทุกคนมีสิ่งหนึ่งที่เหมือนกัน: เมื่ออายุ 4-5 ปี ระยะเวลาของความสนใจ สมาธิไปที่วัตถุเดียวคือ 5-6 นาที หลังจากนั้นความอ่อนแอจะลดลงอย่างรวดเร็ว ดังนั้นในระหว่างเรียนแนะนำให้เปลี่ยนประเภทงานกับนักเรียนทุกๆ 5-6 นาที

ขอแนะนำให้จำกัดระยะเวลาของบทเรียนไว้ที่ 20-25 นาที และเพิ่มจำนวนบทเรียนต่อสัปดาห์เป็น 3-4 ครั้ง

กระบวนการเรียนรู้โดยรวมควรย้ายจากแนวคิดทั่วไปไปสู่การจำกัดขอบเขตและเจาะลึกงานเฉพาะเจาะจง ยิ่งรากฐานการศึกษาทั่วไปในวัยเด็กกว้างขึ้นเท่าใด งานในสาขาวิชาชีพเฉพาะทางที่แคบลงก็จะยิ่งประสบผลสำเร็จมากขึ้นเท่านั้น ยิ่งฐานของปิรามิดกว้างขึ้นเท่าใด ยอดของพีระมิดก็จะยิ่งสูงขึ้นเท่านั้น รากฐานประการแรกคือ พัฒนาสติปัญญาความสามารถในการสร้างวงจรลอจิคัลหลายองค์ประกอบ

ในขั้นการศึกษาด้านดนตรีระดับประถมศึกษาทั่วไป เด็กควรเรียนรู้ที่จะเลือกหู ร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียง ฟังเพลงพร้อมคำบรรยาย ดูภาพยนตร์ ละคร ฯลฯ

แต่จะจัดชั้นเรียนกับเด็กอายุ 5-7 ปีในรูปแบบใด? ครูที่โดดเด่น Anton Semenovich Makarenko ในผลงานชิ้นหนึ่งของเขาแนะนำ: “ มีวิธีการที่สำคัญคือการเล่น ฉันคิดว่าการเล่นเป็นหนึ่งในกิจกรรมของเด็กค่อนข้างผิด ในวัยเด็ก การเล่นถือเป็นบรรทัดฐาน และเด็กควรเล่นเสมอ แม้ว่าจะทำธุรกิจจริงจังก็ตาม... เด็กมีความหลงใหลในการเล่น และจะต้องทำให้พอใจ จำเป็นไม่ แค่ให้เวลาเขาเล่น แต่คุณต้องทำให้ทั้งชีวิตเขาอิ่มเอมด้วยเกมนี้- ไม่ใช่การต่อต้านการเล่นเพื่อให้ได้ผล แต่เป็นการสังเคราะห์! นี่คือสาระสำคัญของวิธีการเล่นเกม เมื่อพูดถึงหลักการทำงานและการเล่นที่รวมกัน A.S. Makarenko ตั้งข้อสังเกต: “ในเกมที่ดีทุกเกม ก่อนอื่นเลย ต้องมีความพยายามและความพยายามทางความคิด... เกมที่ปราศจากความพยายาม ปราศจากกิจกรรมที่กระตือรือร้น ย่อมเป็นเกมที่แย่เสมอ”

การเล่นทำให้เด็กมีความสุข มันจะเป็นความสุขจากความคิดสร้างสรรค์ หรือความสุขจากชัยชนะ หรือความสุขทางสุนทรีย์ - ความสุขจากคุณภาพ งานที่ดีนำมาซึ่งความสุขแบบเดียวกัน และมีความคล้ายคลึงกันโดยสิ้นเชิงที่นี่

บางคนคิดว่างานแตกต่างจากการเล่นตรงที่งานมีความรับผิดชอบแต่การเล่นกลับไม่ใช่ สิ่งนี้ไม่ถูกต้อง: ในเกมมีความรับผิดชอบเช่นเดียวกับการทำงาน - แน่นอนว่าในการเล่นให้ดีและถูกต้อง

คำว่า “เกมที่ถูกต้องและดี” จะต้องเข้าใจว่าเป็นเกมที่ให้ความรู้และพัฒนา

Mark Twain ในส่วนของเขาตั้งข้อสังเกตอย่างแม่นยำไม่น้อย: “งานเป็นสิ่งที่บุคคลจำเป็นต้องทำ แต่การเล่นเป็นสิ่งที่เขาไม่จำเป็นต้องทำ”

การสอนเชิงบังคับเกี่ยวข้องกับการโน้มน้าวนักเรียนโดยตรงและทันที: ความเข้มงวดและการควบคุมที่เข้มงวด ปัจจุบันในทางปฏิบัติด้านการศึกษามีอิทธิพลตรงไปตรงมามากเกินไปซึ่งเราได้อ่านเกี่ยวกับผลที่ตามมาของสิ่งนี้จากนักจิตอายุรเวทแล้ว ดังนั้น V. Levi จึงเขียนว่า:“ ตลอดหลายปีที่ผ่านมา ฉันได้รู้จักผู้คนทั้งเล็กและใหญ่มากกว่าร้อยคน

• พวกเขาไม่ทักทาย
• อย่าล้างหน้า
• อย่าแปรงฟันของคุณ
• พวกเขาไม่อ่านหนังสือ
• ไม่มีส่วนร่วมใน (กีฬา ดนตรี การใช้แรงงาน ภาษา... รวมถึงการพัฒนาตนเอง)
• ไม่ทำงาน, ไม่เป็นผล
• อย่าแต่งงานนะ
• ไม่มีการรักษา
• ฯลฯ และอื่น ๆ

เพียงเพราะพวกเขาได้รับการสนับสนุนให้ทำเช่นนั้น!

ไม่เป็นเช่นนี้เสมอไปหรือ? ทุกครั้ง แต่บ่อยครั้ง และบ่อยเกินกว่าจะเรียกว่าเป็นอุบัติเหตุ”

อิทธิพลโดยตรงได้แก่:

• คำสั่ง
• ความต้องการ
• บันทึก
• การโน้มน้าวใจ
• คำเตือน
• คำแนะนำ
• เบาะแส
• บทสรุปของข้อตกลง
• สนธิสัญญา
• ฯลฯ..

เกมดังกล่าวหมายถึงวิธีการมีอิทธิพลทางอ้อม เมื่อเด็กไม่รู้สึกเหมือนเป็นเป้าหมายของอิทธิพลจากผู้ใหญ่ เมื่อเขาเป็นคนที่ทำกิจกรรมอย่างเต็มที่ ดังนั้นในระหว่างเกม เด็กๆ เองก็มุ่งมั่นที่จะเอาชนะความยากลำบาก ตั้งปัญหา และแก้ไขมัน เกมเป็นวิธีหนึ่งที่การศึกษาจะกลายเป็นการศึกษาด้วยตนเอง หากเป็นเกมที่ "ถูกต้อง" และ "ดี" ».

ความสัมพันธ์ระหว่างผู้ใหญ่กับเด็กกำลังถูกสร้างขึ้น ความสัมพันธ์เหล่านี้อยู่ภายใต้ แนวทางส่วนบุคคลเมื่อครูมุ่งความสนใจไปที่บุคลิกภาพของเด็กโดยรวม ไม่ใช่แค่หน้าที่ของเขาในฐานะนักเรียนเท่านั้น

เกมไม่ใช่ความบันเทิง แต่เป็นวิธีการพิเศษในการให้เด็ก ๆ ร่วมกิจกรรมสร้างสรรค์ ซึ่งเป็นวิธีการกระตุ้นกิจกรรมของพวกเขา การสวมบทบาทก็เหมือนกับวิธีการทางอ้อมที่ใช้ยากกว่าการมีอิทธิพลโดยตรง การบอกเด็กๆ เป็นเรื่องง่ายกว่ามาก: “ทำแบบนี้!”, “ตามฉันมา!” การแสดงบทบาทสมมติต้องใช้ความพยายามในการสอนและทักษะการสอน

ทุกวันนี้ เมื่อนักเศรษฐศาสตร์ นักสังคมวิทยา ใช้เกมเล่นตามบทบาทกันอย่างแพร่หลาย นักจิตวิทยาสังคมในขอบเขตของ "ผู้ใหญ่" ล้วนๆ บ่อยครั้งในการประชุมการสอนจะได้ยินเสียงเรียก: « นำเกมกลับไปที่โรงเรียน!».

ผู้ที่เคยสัมผัสเกมสวมบทบาทในวัยเด็กจะเตรียมพร้อมสำหรับกิจกรรมสร้างสรรค์มากขึ้น .

การสอน - นี้ “ศิลปะเป็นสิ่งที่กว้างขวางที่สุด ซับซ้อน และจำเป็นที่สุด ศิลปะทั้งหมด"- K. Ushinsky กล่าว - นี่ « ศิลปะที่ขับเคลื่อนด้วยข้อมูล วิทยาศาสตร์- การสอนดนตรีเป็นศิลปะเป็นสองเท่า ความคิดสร้างสรรค์เป็นสองเท่า