อิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรี นักแต่งเพลงแนวอิมเพรสชั่นนิสต์

ศิลปะโรแมนติกได้ยกระดับอุดมคติของแต่ละบุคคล กอปรด้วยจิตวิญญาณที่มีชีวิต ความทุกข์ทรมานในโลกแห่งความไม่ลงรอยกันและความชั่วร้ายทางสังคม ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 “ความเป็นมนุษย์ที่มากเกินไป” และ “ความไวต่อความรู้สึกมากเกินไป” (ตามที่ศิลปะโรแมนติกถูกวิพากษ์วิจารณ์) กำลังเริ่มที่จะสูญเสียความสำคัญ ภาพลักษณ์ของศิลปินโรแมนติกค่อยๆสูญเสียความน่าดึงดูดใจไป ความรู้สึกต่อต้านความโรแมนติกเป็นลางสังหรณ์ของเวทีใหม่ในการพัฒนาวัฒนธรรมทางศิลปะ ชาวยุโรปที่สูญเสียศรัทธาทั้งลัทธิเหตุผลของมนุษย์และลัทธิความรู้สึกของมนุษย์ มีแนวโน้มมากขึ้นเรื่อยๆ ที่จะยึดถือจุดยืนในชีวิตแบบปัจเจกบุคคล

ศิลปะแห่งอิมเพรสชันนิสม์กลายเป็นลางสังหรณ์ของกระแสวัฒนธรรมใหม่

ดนตรี. การเผชิญหน้ากันอย่างต่อเนื่องระหว่างสิ่งเก่าและใหม่นั้นไม่เพียงแต่เป็นลักษณะเฉพาะของภาพวาดฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงดนตรีด้วยซึ่งอิมเพรสชันนิสม์เกิดขึ้นด้วยความล่าช้าบ้าง เลขชี้กำลังตัวแรกและโดดเด่นที่สุดคือ Claude Debussy (1862-1918) ดนตรีของ Debussy มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับประเพณีประจำชาติและวัฒนธรรมของฝรั่งเศส อย่างไรก็ตาม ลักษณะที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของงานเขียนของเขาก็ชัดเจนเช่นกัน นักแต่งเพลงเป็นหนึ่งในผู้ที่กล้านำเสนอน้ำเสียงของโหมดยุคกลางและจังหวะของดนตรีแจ๊สแอฟริกันอเมริกันในดนตรียุโรปสมัยใหม่

จุดสูงสุดของความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงเกิดขึ้นพร้อมกับการเริ่มต้นของศตวรรษที่ 20 บทเพลงของเขาเต็มไปด้วยความรู้สึกรื่นเริงของความสมบูรณ์ของชีวิตและเอฟเฟกต์สีสันสดใส ในบรรดาผลงานไพเราะในครั้งนี้ ชุดสามตอน "The Sea" มีความโดดเด่น แต่ความสำเร็จเชิงสร้างสรรค์ของผู้แต่งในสาขาดนตรีเปียโนนั้นยอดเยี่ยมมาก

วงจรของโหมโรง 24 บทที่เขียนโดย Debussy ในปี 1910-1913 เรียกได้ว่าเป็น "สารานุกรม" ของศิลปะเปียโนอิมเพรสชั่นนิสต์ ละครแต่ละเรื่องเป็นภาพที่มีสีสันสดใสราวกับแข่งขันกับภาพวาด อย่างไรก็ตาม Debussy ไม่ได้พยายามเพื่อให้ได้ภาพทางดนตรีที่แม่นยำ สำหรับเขาสีและสีสันเป็นเพียงวิธีการถ่ายทอดอารมณ์และความรู้สึกส่วนตัวที่เกิดขึ้นภายใต้ความประทับใจของภาพใดภาพหนึ่งเท่านั้น สมาคมดนตรีที่แนะนำโดยธรรมชาติมีความหลากหลายอย่างน่าอัศจรรย์และคาดไม่ถึง (“ลมบนที่ราบ”, “ใบเรือ”) "ภาพวาด" ดนตรีของทิวทัศน์อยู่ติดกับ "ภาพวาด" สีน้ำอันละเอียดอ่อน ("หญิงสาวผมป่าน") ความเศร้าโศกยามสนธยาชวนให้นึกถึงบทกวีสัญลักษณ์เล็ดลอดออกมาจาก "หมอก", "ก้าวในหิมะ", "ใบไม้ที่ตายแล้ว" ในบรรดาบทโหมโรงที่เขียนจากแหล่งวรรณกรรม "The Sunken Cathedral" มีความโดดเด่น ละครเรื่องนี้เกิดขึ้นภายใต้ความประทับใจของตำนานชาวเบรอตงเกี่ยวกับเมืองที่ถูกกลืนหายไปในทะเล แต่เมื่อรุ่งสางจากเหวสู่เสียงระฆัง ในตำนานโบราณนี้ผู้แต่งไม่ได้ถูกดึงดูดโดยเวทย์มนต์และไม่ใช่โดยความโรแมนติกของสมัยโบราณ แต่โดยโอกาสที่จะ "วาดภาพ" พร้อมเสียงภาพที่งดงามของรุ่งอรุณที่ใกล้จะมาถึงในความเงียบที่ระฆังดังขึ้นทันที มาจากที่ลึกของทะเล ซึ่งเป็นที่ซึ่งเมืองส่วนใหญ่โผล่ออกมาอย่างกะทันหัน

ผู้สืบสานประเพณีของ Debussy นักแต่งเพลงแนวอิมเพรสชั่นนิสต์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคือ Maurice Ravel (1875-1937) หนึ่งในผลงานประพันธ์ที่ดีที่สุดในยุคนี้คือผลงานเปียโน "The Play of Water" (1901) ในบทเพลง คุณจะได้ยินเสียงพึมพำและสายน้ำที่สาดส่องซึ่งมีแสงสีรุ้งสะท้อนอยู่ ภาพและการเชื่อมโยงที่ได้รับแรงบันดาลใจจากเสียงได้รับการยืนยันจากคำบรรยายที่ราเวลนำหน้าละคร: “เทพเจ้าแห่งแม่น้ำหัวเราะเยาะน้ำที่จั๊กจี้เขา”

“ Bolero” เขียนขึ้นในปี 1928 ตามคำสั่งของนักบัลเล่ต์ชื่อดัง Ida Rubinstein อย่างไรก็ตาม อายุการใช้งานของการเรียบเรียงเพลงในฐานะหมายเลขท่าเต้นนั้นมีอายุสั้นมาก Ida Rubinstein เต้นรำ "Bolero" ในชุดยิปซีบนโต๊ะ สร้างความยินดีให้กับสาธารณชนชาวปารีสที่น่าเบื่อหน่ายกับจำนวนที่ฟุ่มเฟือย เห็นได้ชัดว่าการตีความดังกล่าวไม่สอดคล้องกับขนาดของดนตรีที่ยอดเยี่ยม ต่อมา "Bolero" ได้รับความนิยมอย่างมากโดยส่วนใหญ่เป็นผลงานไพเราะอิสระซึ่งเต็มไปด้วยองค์ประกอบของการเต้นรำ สดใส หลงใหล และมีชีวิตชีวาในภาษาสเปน “ Bolero” เป็นตัวอย่างที่หายากของแนวคิดทางดนตรีขนาดใหญ่ที่รวบรวมไว้บนพื้นฐานของธีม "สเปน" หนึ่ง (!) ซึ่งแต่งโดย Ravel เอง ด้วยการแสดงภาพวงดนตรีออเคสตราที่ยอดเยี่ยม ผู้แต่งจึงสามารถบรรลุความตึงเครียดมหาศาลในการพัฒนาภาพนี้ ซึ่งมุ่งสู่จุดไคลแม็กซ์อันปีติยินดี

โคล้ด เดบุสซี่

Claude Debussy (ฝรั่งเศส: Achille-Claude Debussy) (22 สิงหาคม 2405, Saint-Germain-en-Laye ใกล้ปารีส - 25 มีนาคม 2461 ปารีส) - นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส

เขาแต่งในรูปแบบที่มักเรียกว่าอิมเพรสชันนิสม์ ซึ่งเป็นคำที่เขาไม่เคยชอบ Debussy ไม่เพียงแต่เป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศสที่สำคัญที่สุดเท่านั้น แต่ยังเป็นหนึ่งในบุคคลที่สำคัญที่สุดในวงการดนตรีในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ด้วย ดนตรีของเขาแสดงถึงรูปแบบการนำส่งจากดนตรีโรแมนติกตอนปลายไปจนถึงสมัยใหม่ในดนตรีของศตวรรษที่ 20 เสียชีวิตด้วยโรคมะเร็งลำไส้ใหญ่

Debussy - นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส นักเปียโน วาทยากร นักวิจารณ์เพลง เขาสำเร็จการศึกษาจาก Paris Conservatoire (1884) และได้รับ Prix de Rome นักเรียนของ A. Marmontel (เปียโน), E. Guiraud (ประพันธ์) ในฐานะนักเปียโนประจำบ้านของ N.F. von Meck ผู้ใจบุญชาวรัสเซีย เขาร่วมเดินทางไปกับเธอทั่วยุโรป และไปเยือนรัสเซียในปี พ.ศ. 2424 และ 2425 เขาแสดงในฐานะวาทยากร (ในปี 1913 ในมอสโกวและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) และนักเปียโน โดยแสดงผลงานของเขาเองเป็นหลักและยังเป็นนักวิจารณ์เพลงด้วย (ตั้งแต่ปี 1901)

Debussy เป็นผู้ก่อตั้งดนตรีแนวอิมเพรสชันนิสม์ ในงานของเขาเขาอาศัยประเพณีดนตรีฝรั่งเศส: ดนตรีของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส (F. Couperin, J. F. Rameau), บทร้องโอเปร่าและโรแมนติก (C. Gounod, J. Massenet) อิทธิพลของดนตรีรัสเซีย (M. P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov) รวมถึงบทกวีสัญลักษณ์ของฝรั่งเศสและภาพวาดอิมเพรสชั่นนิสต์มีความสำคัญ D. รวบรวมไว้ในดนตรีที่ประทับใจชั่วขณะเฉดสีที่ละเอียดอ่อนที่สุดของอารมณ์ความรู้สึกของมนุษย์และปรากฏการณ์ทางธรรมชาติ ผู้ร่วมสมัยถือว่าวงออเคสตรา "Prelude to the Afternoon of a Faun" (อิงจากบทเพลงของ S. Mallarmé, 1894) เป็นการแสดงดนตรีแบบอิมเพรสชั่นนิสต์ซึ่งความไม่มั่นคงของอารมณ์, ความซับซ้อน, ความซับซ้อน, ท่วงทำนองที่แปลกประหลาดและ ลักษณะความกลมกลืนอันมีสีสันของดนตรีเดนมาร์กถูกเปิดเผย ผลงานที่สำคัญที่สุดของ D. คือโอเปร่า "Pelleas และ Mélisande" (สร้างจากละครของ M. Maeterlinck; 1902) ซึ่งได้ผสมผสานดนตรีเข้ากับแอ็คชั่นอย่างสมบูรณ์ . สร้างสาระสำคัญของข้อความบทกวีที่ไม่ชัดเจนและเป็นสัญลักษณ์ของงานนี้ขึ้นมาใหม่พร้อมกับการระบายสีแบบอิมเพรสชั่นนิสม์ทั่วไป การพูดเกินจริงเชิงสัญลักษณ์นั้นโดดเด่นด้วยจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนและอารมณ์ที่สดใสในการแสดงออกของความรู้สึกของตัวละคร โอเปร่าของ G. Puccini, B. Bartok, F. Poulenc, I. F. Stravinsky, S. S. Prokofiev ความโปร่งใสของจานสีออเคสตราทำเครื่องหมายภาพร่างไพเราะ 3 ภาพ "The Sea" (1905) - งานไพเราะที่ใหญ่ที่สุดของ D วิธีการแสดงออกทางดนตรี วงออร์เคสตรา และเปียโน เขาสร้างท่วงทำนองอิมเพรสชั่นนิสต์ซึ่งโดดเด่นด้วยความยืดหยุ่นของความแตกต่างเล็กน้อยและในเวลาเดียวกันก็คลุมเครือ

ในผลงานบางชิ้น - "Bergamas Suite" สำหรับเปียโน (1890), เพลงสำหรับความลึกลับของ G. D. Annunzio "The Martyrdom of St. Sebastian" (1911), บัลเล่ต์ "Games" (1912) ฯลฯ - มีคุณลักษณะที่มีอยู่ในนีโอคลาสสิกในเวลาต่อมา พวกเขาแสดงให้เห็นถึงการค้นหาเพิ่มเติมของ Debussy ในด้านสีเสียงและการเปรียบเทียบสี D. สร้างสไตล์เปียโนใหม่ (etudes, โหมโรง) สำหรับเปียโน (สมุดบันทึกที่ 1 - 1910, 2nd - 1913) พร้อมด้วยชื่อบทกวี (“) ”, “เสียงและกลิ่นที่พลิ้วไหวในอากาศยามเย็น”, “หญิงสาวผมทำด้วยผ้าลินิน” ฯลฯ) สร้างภาพที่นุ่มนวลและบางครั้งก็ไม่สมจริง เลียนแบบการเคลื่อนไหวแบบพลาสติกของการเต้นรำ ทำให้เกิดวิสัยทัศน์เชิงบทกวี ภาพวาดประเภท Debussy หนึ่ง . หนึ่งในปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 มีอิทธิพลอย่างมากต่อนักแต่งเพลงในหลายประเทศ

©2015-2019 เว็บไซต์
สิทธิ์ทั้งหมดเป็นของผู้เขียน ไซต์นี้ไม่ได้อ้างสิทธิ์ในการประพันธ์ แต่ให้ใช้งานฟรี
วันที่สร้างเพจ: 2016-08-20

อิมเพรสชันนิสม์(ภาษาฝรั่งเศส) ความประทับใจ, จาก ความประทับใจ - ความประทับใจ) ทิศทางในงานศิลปะในช่วงสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20

การใช้คำว่า " อิมเพรสชันนิสม์"สำหรับดนตรีนั้นมีเงื่อนไขเป็นส่วนใหญ่ - อิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรีไม่ใช่การเปรียบเทียบโดยตรงกับอิมเพรสชันนิสม์ในการวาดภาพ และไม่ตรงกับตามลำดับเวลา (ยุครุ่งเรืองของมันคือช่วงทศวรรษที่ 90 ของศตวรรษที่ 19 และทศวรรษที่ 1 ของศตวรรษที่ 20)

อิมเพรสชั่นนิสม์เกิดขึ้นในฝรั่งเศสเมื่อกลุ่มศิลปิน - C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas, O. Renoir และคนอื่น ๆ นำเสนอภาพวาดต้นฉบับของพวกเขาในนิทรรศการปารีสในยุค 70 งานศิลปะของพวกเขาแตกต่างอย่างมากจากผลงานที่เรียบลื่นและไร้หน้าของจิตรกรเชิงวิชาการในยุคนั้น: อิมเพรสชั่นนิสต์ออกจากผนังเวิร์กช็อปไปในอากาศฟรี เรียนรู้ที่จะสร้างการเล่นสีสันที่มีชีวิตของธรรมชาติ ประกายแสงของดวงอาทิตย์ การสะท้อนหลากสีบนพื้นผิวที่เคลื่อนไหวของแม่น้ำ ความหลากหลายของฝูงชนที่เฉลิมฉลอง จิตรกรใช้เทคนิคพิเศษในการลากเส้นอย่างคล่องแคล่วซึ่งดูวุ่นวายในระยะใกล้ แต่ในระยะไกลทำให้เกิดความรู้สึกที่แท้จริงของการเล่นสีสันที่มีชีวิตแสงระยิบระยับที่เพ้อฝัน ความสดชื่นของความประทับใจในทันทีถูกรวมเข้ากับภาพวาดของพวกเขาด้วยความละเอียดอ่อนและซับซ้อนของอารมณ์ทางจิตวิทยา

ต่อมาในช่วงทศวรรษที่ 80-90 แนวความคิดเกี่ยวกับอิมเพรสชันนิสม์และเทคนิคเชิงสร้างสรรค์บางส่วนได้ค้นพบการแสดงออกในดนตรีฝรั่งเศส นักแต่งเพลงสองคน - C. Debussy และ M. Ravel - แสดงถึงการเคลื่อนไหวของอิมเพรสชั่นนิสม์ในดนตรีได้ชัดเจนที่สุด ผลงานสเก็ตช์เปียโนและออเคสตราของพวกเขาแสดงออกถึงความรู้สึกที่เกิดจากการไตร่ตรองถึงธรรมชาติด้วยความแปลกใหม่และสอดประสานกันเป็นพิเศษ เสียงคลื่นทะเล, กระแสน้ำที่สาดกระเซ็น, เสียงกรอบแกรบของป่า, เสียงนกร้องในตอนเช้าผสานเข้ากับผลงานของพวกเขาเข้ากับประสบการณ์ส่วนตัวอันล้ำลึกของนักดนตรี - กวีผู้รักความงามของโลกรอบตัวเขา พวกเขาทั้งสองชอบดนตรีพื้นบ้าน - ฝรั่งเศส สเปน ตะวันออก และชื่นชมความงามอันเป็นเอกลักษณ์

สิ่งสำคัญในอิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรีคือการถ่ายทอดอารมณ์ที่ได้รับความหมายของสัญลักษณ์ ความแตกต่างทางจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อน และแนวโน้มไปสู่การเขียนโปรแกรมภูมิทัศน์บทกวี นอกจากนี้เขายังโดดเด่นด้วยจินตนาการที่ละเอียดอ่อน บทกวีเกี่ยวกับสมัยโบราณ ความแปลกใหม่ และความสนใจในเสียงร้องและความงามที่ประสานกัน สิ่งที่เขามีเหมือนกันกับแนวอิมเพรสชั่นนิสต์หลักในการวาดภาพคือทัศนคติที่กระตือรือร้นต่อชีวิต หลีกเลี่ยงช่วงเวลาแห่งความขัดแย้งเฉียบพลันและความขัดแย้งทางสังคม

การแสดงออกคลาสสิก " อิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรี"พบในงานของ C. Debussy; ลักษณะของมันยังปรากฏในเพลงของ M. Ravel, P. Dukas, F. Schmitt, J. J. Roger-Ducas และนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสคนอื่น ๆ

Debussy ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นผู้ก่อตั้งดนตรีอิมเพรสชั่นนิสต์ซึ่งเสริมทักษะการประพันธ์เพลงสมัยใหม่ทุกด้าน - ทำนอง, ความสามัคคี, การเรียบเรียง, แบบฟอร์ม การทดลองเชิงนวัตกรรมของเขาได้รับแรงบันดาลใจบางส่วนจากการค้นพบอันโดดเด่นของนักประพันธ์แนวสัจนิยมชาวรัสเซีย โดยหลักๆ คือ M. P. Mussorgsky ในเวลาเดียวกัน เขาได้นำแนวคิดเรื่องจิตรกรรมฝรั่งเศสใหม่และกวีนิพนธ์เชิงสัญลักษณ์มาใช้ เดบุสซีเขียนเปียโนและเสียงร้องจำลองหลายชิ้น หลายชิ้นสำหรับวงดนตรีแชมเบอร์ บัลเลต์สามชิ้น และโอเปร่าโคลงสั้น ๆ Pelléas et Melisande

อิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรีสืบทอดคุณลักษณะหลายประการของศิลปะแนวโรแมนติกตอนปลายและโรงเรียนดนตรีแห่งชาติของศตวรรษที่ 19 (“The Mighty Handful”, F. Liszt, E. Grieg ฯลฯ) ในเวลาเดียวกันอิมเพรสชั่นนิสต์ได้เปรียบเทียบความโล่งใจของรูปทรงที่ชัดเจน ความสำคัญอย่างมาก และความอิ่มตัวของสีดนตรีของโรแมนติกตอนปลายกับศิลปะแห่งอารมณ์ที่ควบคุมได้และพื้นผิวที่โปร่งใสและน้อยชิ้น และความสามารถในการเปลี่ยนแปลงภาพได้อย่างคล่องแคล่ว

ผลงานของคีตกวีอิมเพรสชั่นนิสต์ได้เพิ่มคุณค่าให้กับวิถีทางดนตรีที่แสดงออกอย่างมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่งขอบเขตแห่งความกลมกลืน ซึ่งเข้าถึงความงดงามและความซับซ้อนอันยิ่งใหญ่ ความซับซ้อนของคอร์ดคอมเพล็กซ์จะรวมเข้ากับการทำให้เข้าใจง่ายขึ้นและการเก็บถาวรของการคิดแบบกิริยาช่วย การเรียบเรียงถูกครอบงำด้วยสีที่บริสุทธิ์ ไฮไลท์ที่ไม่แน่นอน และจังหวะที่ไม่มั่นคงและเข้าใจยาก ความมีสีสันของดนตรีฮาร์โมนิคและจังหวะแบบโมดัลปรากฏให้เห็นชัดเจน: ความหมายที่แสดงออกของแต่ละเสียงและคอร์ดได้รับการปรับปรุง และความเป็นไปได้ที่ไม่ทราบมาก่อนในการขยายทรงกลมโมดอลก็ถูกเปิดเผย ดนตรีของอิมเพรสชั่นนิสต์มีความสดใหม่เป็นพิเศษจากการใช้แนวเพลงและการเต้นรำบ่อยครั้ง องค์ประกอบของภาษาดนตรีของชาวตะวันออก สเปน และแจ๊สแบล็กรูปแบบแรกเริ่ม

ภาพที่ได้รับแรงบันดาลใจจากธรรมชาติถ่ายทอดด้วยความเป็นรูปธรรมที่น่าทึ่งและแทบจะมองเห็นได้ในผลงานออเคสตราของเขา: "Preludes to the Afternoon of a Faun" ในรอบ "กลางคืน" ("เมฆ", "เทศกาล" และ "ไซเรน") ภาพร่างสามภาพ " ทะเล", วัฏจักร "ไอบีเรีย" (ภาพร่างสามภาพเกี่ยวกับธรรมชาติและชีวิตของสเปนตอนใต้) รวมถึงในเปียโนจิ๋ว "เกาะแห่งความสุข", "แสงจันทร์", "สวนในสายฝน" ฯลฯ ผลงาน ของมอริซ ราเวล (พ.ศ. 2418-2480) สะท้อนให้เห็นถึงยุคต่อมา ภาพวาดการเรียบเรียงของเขาคมชัดยิ่งขึ้น สีที่ชัดเจนและตัดกันมากขึ้น - ตั้งแต่สิ่งที่น่าสมเพชไปจนถึงการเสียดสีแบบกัดกร่อน การเล่นสีที่ซับซ้อนและมีสีสัน ตามแบบฉบับของดนตรีอิมเพรสชันนิสม์ ผลงานเปียโนที่ดีที่สุดของ Ravel โดดเด่นด้วยความแวววาวอันแปลกประหลาด ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากธรรมชาติที่มีชีวิต (“Play of Water”, “Sad Birds”, “Boat in the Ocean”) นักแต่งเพลงได้พัฒนาลวดลายของสเปนอันเป็นที่รักของเขา นี่คือลักษณะของ "Spanish Rhapsody" สำหรับวงออเคสตรา โอเปร่าการ์ตูนเรื่อง "The Spanish Hour"

ราเวลให้ความสนใจกับแนวเพลงเต้นรำเป็นอย่างมาก ในบรรดาบัลเล่ต์หลายเรื่องของเขา บัลเล่ต์ในเทพนิยาย "Daphnis and Chloe" ที่สร้างขึ้นโดยเขาร่วมกับคณะรัสเซียของ S. P. Diaghilev มีความโดดเด่น ราเวลรู้เคล็ดลับของอารมณ์ขันทางดนตรีเป็นอย่างดีและเขียนเพลงสำหรับเด็กที่มีความรัก นั่นคือผลงานของเขาสำหรับเปียโน "Mother Goose" ที่กลายเป็นบัลเล่ต์หรือโอเปร่า "The Child and the Magic" ซึ่งมีนาฬิกาและโซฟา ถ้วยและกาน้ำชาปรากฏอย่างขบขันเป็นตัวละคร ในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต ราเวลหันมาใช้วิธีการทางดนตรีที่ทันสมัยและมีจังหวะมากขึ้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับน้ำเสียงของดนตรีแจ๊ส (โซนาตาสำหรับไวโอลินและเปียโน เปียโนคอนแชร์โตสองตัว)

ประเพณีของอิมเพรสชั่นนิสม์ซึ่งเริ่มต้นโดยปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศสยังคงดำเนินต่อไปในผลงานของนักประพันธ์เพลงในโรงเรียนระดับชาติต่างๆ เดิมได้รับการพัฒนาโดย M. de Falla ในสเปน, A. Casella และ O. Respigi ในอิตาลี, S. Scott และ F. Dilius ในอังกฤษ, K. Szymanowski ในโปแลนด์ อิทธิพลของอิมเพรสชั่นนิสม์มีประสบการณ์เมื่อต้นศตวรรษที่ 20 และนักแต่งเพลงชาวรัสเซียบางคน (N. N. Cherepnin, V. I. Rebikov, S. N. Vasilenko) A. N. Scriabin ผสมผสานคุณลักษณะของอิมเพรสชั่นนิสต์ที่เกิดขึ้นอย่างอิสระเข้ากับความปีติยินดีที่เร่าร้อนและแรงกระตุ้นแห่งเจตจำนงที่รุนแรง ความสำเร็จที่เกิดขึ้นอย่างมีเอกลักษณ์ของอิมเพรสชั่นนิสม์ของฝรั่งเศสนั้นเห็นได้ชัดเจนในผลงานยุคแรกของ I.F. Stravinsky (บัลเล่ต์ "The Firebird", "Petrushka", โอเปร่า "The Nightingale")

อิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรีพัฒนาขึ้นบนพื้นฐานของการเคลื่อนไหวการวาดภาพของอิมเพรสชั่นนิสม์ ตามเนื้อผ้า Claude Debussy และ Maurice Ravel ถือเป็นตัวแทนของอิมเพรสชันนิสม์ในดนตรี

ในเพลงของนักแต่งเพลงอิมเพรสชั่นนิสต์สิ่งสำคัญคือการถ่ายทอดอารมณ์ที่ได้รับความหมายของสัญลักษณ์การบันทึกสภาวะทางจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนที่เกิดจากการไตร่ตรองของโลกภายนอก อิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรียังใกล้เคียงกับศิลปะของกวีเชิงสัญลักษณ์ซึ่งมีลัทธิ "อธิบายไม่ได้"

บรรพบุรุษของอิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรีคือแนวโรแมนติกตอนปลายของศตวรรษที่ 19 การค้นพบทางดนตรีของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกหลายคนสะท้อนให้เห็นในดนตรีของอิมเพรสชั่นนิสต์

นักแต่งเพลงโรแมนติกได้เพิ่มความสนใจในบทกวีของสมัยโบราณและประเทศที่ห่างไกลในเสียงต่ำและความงามที่ประสานกันการฟื้นคืนชีพของระบบกิริยาโบราณประเภทจิ๋วการค้นพบสีสันของ E. Grieg, N. A. Rimsky-Korsakov, เสรีภาพในการพูดและการแสดงด้นสดตามธรรมชาติ ของ M.P. Mussorgsky

นักวิจารณ์คนหนึ่งเขียนว่า: "เมื่อฟังนักแต่งเพลงแนวอิมเพรสชั่นนิสต์ คุณมักจะวนเวียนอยู่ในวงกลมของเสียงหมอกที่แวววาว อ่อนโยนและเปราะบางจนถึงจุดที่ดนตรีลดทอนคุณค่าลงอย่างกะทันหัน... มีเพียงเสียงสะท้อนและในจิตวิญญาณของคุณเท่านั้นเป็นเวลานาน ภาพสะท้อนของนิมิตอันบริสุทธิ์อันน่ารื่นรมย์”

I. V. Nestyev ในบทความของเขาเรื่อง "อิมเพรสชั่นนิสม์" เขียนว่า: "อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีมีส่วนช่วยในการพัฒนาแนวดนตรีหลายประเภทที่มาแทนที่แนวโรแมนติก ในดนตรีซิมโฟนิก สิ่งเหล่านี้คือภาพร่างซิมโฟนิก ในเพลงเปียโน - โปรแกรมย่อขนาดย่อที่ถูกบีบอัด ในเพลงร้อง - เพลงย่อเสียงร้อง ในโอเปร่า สิ่งนี้นำไปสู่การสร้างละครเพลงที่มีเนื้อหากึ่งตำนาน พร้อมด้วยบรรยากาศเสียงอันละเอียดอ่อนที่มีเสน่ห์ ความประหยัด และเสียงร้องที่เป็นธรรมชาติ”

การค้นพบทางดนตรีและการแสดงด้นสดในดนตรีของคีตกวีอิมเพรสชั่นนิสต์เปิดทางสำหรับการแสดงออกทางดนตรีแบบใหม่ ลักษณะที่ผิดปกติของความสามัคคี การใช้ความคล้ายคลึงกัน และการรวมกันของคอร์ดเชิงซ้อนที่ซับซ้อน ทำให้ความชัดเจนของการเชื่อมต่อเชิงฟังก์ชันลดลง ทั้งหมดนี้ทำให้อิมเพรสชั่นนิสต์สามารถเติมเต็มผลงานของพวกเขาด้วยสีสันและความกลมกลืนที่แปลกตา

การกล่าวถึงอิมเพรสชั่นนิสต์ครั้งแรกที่เกี่ยวข้องกับดนตรีของ Debussy เกิดขึ้นในฤดูใบไม้ผลิปี พ.ศ. 2430 และใช้คำนี้ค่อนข้างในบริบทเชิงลบ เป็นเรื่องเกี่ยวกับห้อง "Spring" ที่แบ่งออกเป็นสองส่วนสำหรับคณะนักร้องประสานเสียงสตรีและวงออเคสตรา น่าเสียดายที่ผลงานนี้ไม่รอดมาจนถึงทุกวันนี้ในรูปแบบดั้งเดิม แต่เป็นที่ทราบกันดีว่าการแสดงนี้สร้างความตื่นเต้นให้กับชุมชนวัฒนธรรม

นักวิจารณ์ในรายงานปลัดสถาบันวิจิตรศิลป์เขียนเกี่ยวกับ Debussy: "ใคร ๆ ก็สามารถระบุได้ว่าเขามีความรู้สึกเกี่ยวกับสีสันทางดนตรี แต่ความรู้สึกที่มากเกินไปทำให้เขาลืมความสำคัญของความถูกต้องของดนตรีได้อย่างง่ายดาย การออกแบบและรูปแบบ เขาควรหลีกเลี่ยงอิมเพรสชันนิสม์ที่คลุมเครือนี้อย่างมาก - หนึ่งในศัตรูที่อันตรายที่สุดของความจริงในงานศิลปะ”

การเปรียบเทียบเพลงของผู้แต่งกับการเคลื่อนไหวด้วยภาพทำให้นักวิจารณ์วิเคราะห์นวัตกรรมทางดนตรีในงานของเขา นักวิจารณ์อีกคน Camille Mauclair ในบทความเรื่อง Musical Painting and the Fusion of the Arts ในหนังสือพิมพ์ Revue Blue ในปี 1902 เรียกดนตรีของ Debussy ว่า "อิมเพรสชั่นนิสม์ของจุดเสียง"

คำว่า "อิมเพรสชันนิสม์" ถูกใช้โดยนักวิจารณ์ดนตรีในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ในแง่ประณามหรือน่าขัน ต่อมาได้กลายเป็นคำจำกัดความที่ยอมรับกันโดยทั่วไป และเริ่มครอบคลุมปรากฏการณ์ทางดนตรีที่หลากหลายในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 - 20 ทั้งในฝรั่งเศสและประเทศอื่นๆ ในยุโรป

เรามาดูการค้นพบทางดนตรีที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของนักแต่งเพลงแนวอิมเพรสชั่นนิสต์ Claude Debussy และ Maurice Ravel กันดีกว่า

คลอดด์-อาชิล เดอบุสซี (ค.ศ. 1862-1918)

Grigory Mikhailovich Schneerson ในหนังสือของเขาเรื่อง "French Music of the 20th Century" เรียก Debussy ว่า "ศิลปินชาวฝรั่งเศสที่เป็นแก่นแท้" เขาเขียนว่าไม่มีอิทธิพลจากต่างประเทศใดที่สามารถเปลี่ยนภาพลักษณ์ที่สร้างสรรค์ระดับชาติของ Debussy ได้ - นักแต่งเพลงคนนี้นำดนตรีฝรั่งเศสมาสู่หนึ่งในผู้นำในวัฒนธรรมดนตรีโลก

ตั้งแต่ปี 1872 ขณะศึกษาอยู่ที่ Paris Conservatory Debussy มีความโดดเด่นในชั้นเรียนของเขาในฐานะบุคคลที่มีความเป็นผู้ใหญ่ทางศิลปะ ชั้นเรียนเปียโนของเขาสอนโดยนักเปียโนและอาจารย์ชื่อดัง Antoine Marmontel และเขาเรียนซอลเฟกจิโอกับ Albert Lavignac สิ่งที่นักแต่งเพลงหนุ่มไม่ชอบมากที่สุดคือบทเรียนของเขาที่กลมกลืนและคลอกับ Emile Durand ครูเลี้ยงดูชายหนุ่มให้สอดคล้องกับกฎคลาสสิกแห่งความสามัคคี และไม่สามารถควบคุมแรงกระตุ้นทางศิลปะของนักเรียนได้ ครูอีกคน O. Basil สนับสนุนเสรีภาพในการด้นสดในนักแต่งเพลงในอนาคต การเรียบเรียงของ Debussy ได้รับการสอนโดย Ernest Guiraud ตั้งแต่ปี 1880 และตอนนั้นเองที่ผลงานชิ้นแรกของผู้แต่งก็เริ่มปรากฏให้เห็น

ก่อนหน้านี้เล็กน้อยขณะเดินทางไปสวิตเซอร์แลนด์และอิตาลี Debussy ได้พบกับ Nadezhda Filaretovna von Meck ผู้ใจบุญชาวรัสเซียผู้มั่งคั่งซึ่งแนะนำให้เขารู้จักกับผลงานของ Pyotr Ilyich Tchaikovsky

ในจดหมายของเธอถึง Peter Ilyich นางฟอนเมคเขียนเกี่ยวกับ Debussy เช่นนี้:“ เขาเป็นชาวปารีสตั้งแต่หัวจรดเท้าเป็นเกมทั่วไป (เม่นข้างถนน) มีไหวพริบมากเป็นนักเลียนแบบที่ยอดเยี่ยมตลกมากและมีลักษณะเฉพาะของ Gounod Ambroise อย่างสมบูรณ์ โทมัสและคนอื่นๆ มีจิตวิญญาณอยู่เสมอ พอใจกับทุกสิ่งเสมอ และทำให้ผู้ชมทั้งหมดหัวเราะอย่างไม่อาจจินตนาการได้ ตัวละครที่น่ารักมาก”

ควรสังเกตว่าในปี พ.ศ. 2426 Debussy ได้รับรางวัล Rome Prize ครั้งที่สองสำหรับ Cantata Gladiator หนึ่งปีต่อมา French Academy มอบรางวัล Grand Prix de Rome ให้กับนักแต่งเพลงสำหรับบทเพลง "The Prodigal Son"

ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2428 Debussy เริ่มค้นหาภาษาดนตรีดั้งเดิมของเขา จากนั้นเขาก็ยืนหยัดต่อต้านประเพณีดั้งเดิมแห่งความสามัคคี ในเวลานี้ ศิลปะของฝรั่งเศสซึ่งมีการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่หลากหลาย ประสบกับความซบเซาของลัทธิวิชาการและลัทธิอนุรักษ์นิยมที่น่านับถือ สิ่งนี้ได้รับการต้อนรับจากสถาบันอย่างเป็นทางการ - Academy of Fine Arts, นิทรรศการและร้านเสริมสวยประจำปี และเรือนกระจก

ศิลปิน นักเขียน และนักดนตรีรุ่นใหม่ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ท้าทายบรรทัดฐานทางศิลปะที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป และเปิดโลกทัศน์สุนทรีย์ใหม่ๆ ในงานของพวกเขา ในสาขานี้ การเคลื่อนไหวของสัญลักษณ์เกิดขึ้นในวรรณคดีฝรั่งเศสและอิมเพรสชันนิสม์ในการวาดภาพ

สไตล์ของเดบุสซีค่อยๆ พัฒนาขึ้นตั้งแต่ปี พ.ศ. 2427 ถึง พ.ศ. 2432 ผู้แต่งได้สร้างภาษาเปียโนใหม่ทั้งหมด ผู้ร่วมสมัยของเขาตั้งข้อสังเกตว่านักเปียโน Debussy ใส่ใจในความแตกต่างของผลงานของเขามากและให้ความสำคัญกับแป้นเหยียบเป็นพิเศษซึ่งสร้างสีสันและประสิทธิผลพิเศษให้กับผลงานของเขา ต่อไปนี้เป็นคำกล่าวของนักดนตรี: "Debussy ทำเพื่อวรรณกรรมเปียโนของศตวรรษที่ 20 เหมือนกับที่โชแปงทำในศตวรรษที่ 19 เขาค้นพบเสียงใหม่สำหรับเปียโน ซึ่งเป็นการปฏิวัติเทคนิคการเล่นเปียโน และขยายขีดความสามารถด้านเทคนิคของเครื่องดนตรี”

เมื่อแต่งผลงานของเขา ผู้แต่งสามารถแสดงด้นสดที่เครื่องดนตรีได้เป็นเวลานานมาก และการค้นหาของผู้แต่งสามารถเรียกได้ว่าเป็น "การแสดงด้นสดแบบควบคุม" คำนี้ถูกนำมาใช้ในการใช้ดนตรีโดย J. Barraquet

ครู R. Gaudet ตั้งข้อสังเกตว่า “Debussy เริ่มบันทึกเพลงเท่านั้น อย่างน้อยที่สุดก็บ่อยที่สุดเมื่อระยะฟักตัวยาวนานผ่านไป จากนั้นเขาก็เขียนราวกับเขียนตามคำบอกและแทบไม่มีข้อผิดพลาด”

ในปี พ.ศ. 2432 Debussy ยอมจำนนต่อกระแสศิลปะใหม่ ๆ ซึ่งมุ่งต่อต้านลัทธิวิชาการและเปลี่ยนวงสังคมของเขา ตอนนี้ผู้แต่งสนใจในอุดมการณ์ของสัญลักษณ์ในวรรณคดีและอิมเพรสชั่นนิสต์ในการวาดภาพ เขาได้พบกับกวี S. Mallarmé, P. Verlaine, P. Rainier และศิลปิน: C. Monet, O. Renoir, P. Cezanne, E. Manet เราสามารถพูดได้ว่า Debussy สามารถสรุปและแสดงแนวคิดทั้งหมดเกี่ยวกับสัญลักษณ์และอิมเพรสชั่นนิสม์ในดนตรีได้

ในเวลาเดียวกันผู้แต่งได้ไปเยี่ยมชมนิทรรศการ Paris World ซึ่งเขาได้ยินเพลงรัสเซียโดย A. P. Borodin, N. A. Rimsky-Korsakov, M. A. Balakirev และ M. P. Mussorgsky

เหตุการณ์สำคัญอีกเหตุการณ์หนึ่งในชีวิตของนักแต่งเพลงคือการได้รู้จักกับวัฒนธรรมตะวันออก เดบุสซีเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่หันไปใช้ธีมของตะวันออกในงานของเขา ด้วยความประทับใจในตัวเธออย่างมาก Debussy จึงเขียนซีรีส์เรื่อง "Prints" ละคร “เจดีย์” ที่รวมอยู่ในวัฏจักรนี้เป็นภาพสะท้อนที่ชัดเจนของวัฒนธรรมตะวันออก

ตลอดชีวิตของเขา แหล่งที่มาของแรงบันดาลใจของผู้แต่งคือกิจกรรมทางวัฒนธรรมไม่เพียงแต่ในฝรั่งเศส แต่ทั่วโลก ควรสังเกตว่าอิทธิพลร่วมกันของวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสและรัสเซียส่วนใหญ่ประสบความสำเร็จผ่าน "ฤดูกาลรัสเซีย" ซึ่งจัดโดย Sergei Diaghilev

ผลลัพธ์ของการค้นหาทางดนตรีของ Debussy ทำให้เกิดแรงผลักดันอย่างมากในการพัฒนารูปแบบดนตรีใหม่ ความแตกต่างพื้นฐานที่สำคัญระหว่างภาษาดนตรีของ Debussy คือเสรีภาพในการแสดงออกและความเป็นอิสระจากผลงานดนตรีรูปแบบคลาสสิก

ผลงานเปียโนของ Debussy แสดงให้เห็นถึงอิทธิพลจากแนวยวนใจเช่นเดียวกับฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส ผลงานเกือบทั้งหมดของ Debussy อยู่ภายใต้หลักการของ "การแสดงด้นสดแบบควบคุม"

ในการบันทึกผลงานเปียโนของเขา เขาเป็นนักแต่งเพลงคนแรกที่ใช้บรรทัดที่สามเพื่อรับรางวัลทั่วไป แทนที่จะเป็นสองบรรทัดแบบดั้งเดิม นี่เป็นวิธีหนึ่งในการถ่ายทอดความสอดคล้องของภาพไปยังผู้ฟัง บรรทัดที่สามถูกใช้ครั้งแรกในละครเรื่อง “Evening in Grenada” และละครเรื่อง “From the Sketchbook”

นวัตกรรมในผลงานเปียโนของ Claude Debussy ถูกกำหนดโดยการขยายขีดความสามารถของเปียโนในเครื่องดนตรีและภูมิประเทศใหม่ของข้อความดนตรี

มอริซ โจเซฟ ราเวล (1875 - 1937)

ราเวลเป็นนักแต่งเพลงที่มีผลงานผสมผสานสองวัฒนธรรม - สเปนและฝรั่งเศส พ่อของเขาเป็นชาวฝรั่งเศสและแม่ของเขาเป็นชาวสเปน ราเวลอาศัยอยู่ในปารีสตลอดชีวิตในวัยผู้ใหญ่ของเขา

ในปี พ.ศ. 2432 ราเวลเข้าสู่ Paris Conservatory ครูของเขาคือ: ในชั้นเรียนเปียโน - Pessard ในชั้นเรียนที่แตกต่าง - Zhedal ในชั้นเรียนแต่งเพลงเป็นครูดีเด่นของ France Gabriel Fauré ในช่วงหลายปีที่เขาศึกษาอยู่ นักแต่งเพลงหนุ่มคนนี้โดดเด่นจากเพื่อนฝูงในเรื่องความคิดริเริ่มของการคิดเชิงเรียบเรียงของเขา เขาหลงใหลในความสมัยใหม่และผลงานของกวีเชิงสัญลักษณ์เช่น S. Mallarmé, Velier de Lisle Adan และคนอื่นๆ ก้าวแรกในด้านการประพันธ์ไม่ใช่เรื่องง่ายสำหรับ Ravel

การเปิดตัวของเขาเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2441 ด้วยผลงาน "Habanera" สำหรับเปียโนสองตัว ต่อมาราเวลได้รวม "Habanera" เป็นหนึ่งในการเคลื่อนไหวใน "Rhapsody Spanish" ของเขา แต่คำวิจารณ์ทักทายผู้แต่งคนใหม่อย่างไร้ความกรุณา ความล้มเหลวในการแข่งขันที่ Academy of Arts ตั้งแต่ปี 1901 ถึง 1905 ไม่ได้ทำให้ชุมชนวัฒนธรรมได้รับการยอมรับถึงความสามารถในการเรียบเรียงของ Ravel

หลังจากสำเร็จการศึกษาจากเรือนกระจก ราเวลได้เข้าร่วมกลุ่มนักเขียน นักดนตรี และศิลปินรุ่นเยาว์ที่มีความสามารถ ซึ่งเขาได้พบกับสหายและเพื่อนที่ซื่อสัตย์ แนวคิดหลักในกลุ่มนี้คือการต่อสู้กับกิจวัตรประจำวันเพื่อสร้างสรรค์งานศิลปะใหม่ๆ กลุ่มที่มีชื่อน่าขันว่า "อาปาเช่" นี้ ได้แก่ นักเปียโนฝีมือเยี่ยม Ricardo Viñes นักวิจารณ์เพลง Emil Villermoz และ Mikhail Calvocoressi กวี Leon Paul Fargue และ Tristan Klingsor เป็นต้น คนหนุ่มสาวไม่พลาดคอนเสิร์ตดนตรีมากกว่าหนึ่งคอนเสิร์ตแสดงความชื่นชม สำหรับดนตรีของ Debussy และเข้าร่วมการต่อสู้กับพรรคอนุรักษ์นิยมทางดนตรี

เพลงรัสเซียได้รับการตอบรับอย่างกระตือรือร้นและกระตือรือร้นจากชาวอาปาเช่ Tristan Klingsor เขียนว่า “เราทุกคนต่างหลงใหลในชาวรัสเซีย Borodin, Mussorgsky, Rimsky ยินดีกับเรา ... "

ผลงานในยุคแรกของ Ravel เรื่อง "Pavane for the Death of the Infanta", บทละคร "The Play of Water" และวงจรเสียงร้อง "Scheherazade" ได้รับการยอมรับจากคนรุ่นราวคราวเดียวกัน ละครเรื่อง "The Play of Water" ถูกนำมาใช้เป็นตัวอย่างของผลงานดนตรีแนวอิมเพรสชันนิสม์ คำวิจารณ์ของชาวฝรั่งเศสมีแนวโน้มที่จะเชื่อว่าราเวลเป็นผู้สานต่อแนวคิดของเดบุสซี ด้วยความดิ้นรนกับการเปรียบเทียบดนตรีของเขากับดนตรีของ Debussy อย่างต่อเนื่อง Ravel จึงต้องปกป้องการค้นพบของผู้แต่ง

ตั้งแต่ปี 1905 ถึง 1915 ราเวลเขียน Sonatina และวงจรของชิ้นส่วนสำหรับเปียโน "Reflections", ชุดร้อง "Natural History", "Rhapsody Spanish" สำหรับวงออเคสตรา, โอเปร่า "The Spanish Hour", บัลเล่ต์ "Daphnis and Chloe" ฯลฯ ในปี พ.ศ. 2451 “ Spanish Rhapsody” ได้รับการตอบรับอย่างอบอุ่นจากสาธารณชนและสื่อมวลชน หลังจากการฉายรอบปฐมทัศน์ในปารีส ราเวลได้รับการยอมรับในแวดวงดนตรีวงกว้าง

Ravel ร่วมงานอย่างแข็งขันกับ Russian Seasons ตามคำร้องขอของ Sergei Diaghilev นักแต่งเพลงได้เขียนบัลเล่ต์ Daphnis และ Chloe ตรงกันข้ามกับความคาดหวังในวันที่ 8 มิถุนายน พ.ศ. 2455 การแสดงบัลเล่ต์รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นอย่างประสบความสำเร็จและมีการเฉลิมฉลองของนักแต่งเพลงไปด้วย สื่อมวลชนฝรั่งเศสชื่นชมบัลเล่ต์เขียนถึงความเป็นไปไม่ได้ที่จะแสดงเพลงนี้นอกเวที นักวิจารณ์คนหนึ่งเขียนว่า: “หากปราศจากการเต้นรำ ไร้นักแสดง ไร้แสง ไร้ทิวทัศน์ ดาฟนิสก็จะดูยาวนานจนทนไม่ไหว…”

โชคดีที่ความคิดเห็นของนักวิจารณ์หลายคนกลับกลายเป็นว่าผิด ผลงานบางชิ้นจากบัลเล่ต์ชิ้นนี้ยังคงแสดงแยกกันโดยวงซิมโฟนีออเคสตร้า และรวมอยู่ในการแสดงถาวรด้วย

ในปี 1913 ราเวลได้ติดตามกระแสโวหารของดนตรียุโรปตะวันตก ดนตรีของเขาแสดงให้เห็นถึงพื้นผิวดนตรีที่เรียบง่าย ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับสาขาดนตรีแชมเบอร์ ตลอดชีวิตของเขา Ravel ไม่ได้เบี่ยงเบนไปจากรูปแบบคลาสสิกในดนตรีผลงานของเขาโดดเด่นด้วยท่วงทำนองที่ดึงออกมาการปฏิบัติตามความชัดเจนของจังหวะและเครื่องวัด

ภาษาดนตรีของราเวลเผยให้เห็น "นีโอคลาสสิก" แบบหนึ่งต่อโลก ในช่วงสงครามหลายปี ราเวลละทิ้งแนวคิดเรื่องอิมเพรสชันนิสม์ งานของเขาเน้นไปที่ปัญหาสังคมและธีมในชีวิตประจำวัน และดนตรีของเขาก็เต็มไปด้วยการไตร่ตรองเชิงปรัชญา

ผลงานที่โด่งดังที่สุดของราเวลคือโบเลโร ในขั้นต้นผู้แต่งคิดการแสดง แต่รอบปฐมทัศน์ล้มเหลว สาธารณชนไม่ยอมรับผลงานใหม่ของนักแต่งเพลง แต่ธีมดนตรี "Bolero" ก็หยิบยกขึ้นมาได้อย่างง่ายดาย

ราเวลเป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงคนแรกที่ยอมรับข้อเสนอให้เขียนเพลงสำหรับภาพยนตร์ - Don Quixote ผู้แต่งแต่งเพลงสามเพลงให้กับเบสชาวรัสเซีย Fyodor Chaliapin; เพลงเหล่านี้เป็นวงจรเล็ก ๆ ซึ่งเขาเรียกว่า "Don Quixote to Dulcinea"

A. A. Alshvang ตั้งข้อสังเกตว่างานของ Ravel มีส่วนช่วยในการกำหนดกระแสหลักในวัฒนธรรมดนตรีของยุโรปตะวันตก ลักษณะสำคัญของงานของ Ravel คือการค้นพบวิธีแก้ปัญหาดนตรีฮาร์มอนิกต่างๆ การใช้ฮาร์โมนีที่ซับซ้อนมากขึ้น และการใช้คอร์ดดีเลย์บ่อยครั้ง ดังนั้นจึงเป็นการอัปเดตระบบฮาร์มอนิกที่เป็นที่ยอมรับแบบดั้งเดิม

งานศิลปะของราเวลที่เต็มไปด้วยมนุษยนิยม เปี่ยมไปด้วยกลิ่นอายของฝรั่งเศสประจำชาติ Sergei Sergeevich Prokofiev ระบุสถานที่ของ Ravel อย่างถูกต้องในประวัติศาสตร์ดนตรีโลก เขาเขียนว่า: “ครั้งหนึ่งหลังสงคราม นักดนตรีรุ่นเยาว์กลุ่มหนึ่งปรากฏตัวในฝรั่งเศส: Honegger, Milhaud, Poulenc และคนอื่น ๆ ผู้ซึ่งท่ามกลางความกระตือรือร้นของคนหนุ่มสาวที่ร้อนแรงได้โต้แย้งว่าดนตรีของ Ravel มีอายุยืนยาวกว่าสมัยนั้น - มีคนใหม่ ๆ เข้ามา ภาษาดนตรีใหม่ก็มา แต่เมื่อหลายปีผ่านไป กลุ่มดังกล่าวได้เข้ามามีบทบาทอย่างถูกต้องในดนตรีฝรั่งเศส และราเวลยังคงเป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสที่ยิ่งใหญ่ที่สุดและเป็นหนึ่งในนักดนตรีที่สำคัญที่สุดในยุคของเรา"

(ความประทับใจแบบฝรั่งเศสจากความประทับใจ - ความประทับใจ) - การเคลื่อนไหวทางศิลปะที่เกิดขึ้นในยุค 70 ศตวรรษที่ 19 ในภาพวาดฝรั่งเศส จากนั้นก็ปรากฏให้เห็นในดนตรี วรรณกรรม และละคร จิตรกรอิมเพรสชั่นนิสต์ที่โดดเด่น (C. Monet, C. Pizarro, A. Sisley, E. Degas, O. Renoir ฯลฯ ) ได้เสริมเทคนิคการวาดภาพธรรมชาติที่มีชีวิตด้วยเสน่ห์อันเย้ายวน แก่นแท้ของงานศิลปะของพวกเขาอยู่ที่การบันทึกความประทับใจที่เกิดขึ้นชั่วครู่อย่างละเอียดที่สุด ในลักษณะพิเศษในการสร้างสภาพแวดล้อมที่มีแสงด้วยความช่วยเหลือของโมเสกที่ซับซ้อนที่มีสีบริสุทธิ์และลายเส้นตกแต่งคร่าวๆ อิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรีเกิดขึ้นในช่วงปลายยุค 80 และต้นยุค 90 เขาพบการแสดงออกที่คลาสสิกของเขาในผลงานของ C. Debussy

การใช้คำว่า "อิมเพรสชั่นนิสต์" กับดนตรีนั้นมีเงื่อนไขเป็นส่วนใหญ่: อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีไม่ได้คล้ายคลึงกับการเคลื่อนไหวของชื่อเดียวกันในการวาดภาพเลย สิ่งสำคัญในดนตรีของนักแต่งเพลงอิมเพรสชั่นนิสต์คือการถ่ายทอดอารมณ์ที่ได้รับความหมายของสัญลักษณ์การบันทึกสภาวะทางจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนที่เกิดจากการไตร่ตรองของโลกภายนอก สิ่งนี้ทำให้อิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรีเข้าใกล้ศิลปะของกวีเชิงสัญลักษณ์มากขึ้น ซึ่งโดดเด่นด้วยลัทธิของ "สิ่งที่อธิบายไม่ได้" คำว่า "อิมเพรสชันนิสม์" ถูกใช้โดยนักวิจารณ์ดนตรีในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ในแง่ประณามหรือเชิงเสียดสี ต่อมาได้กลายเป็นคำจำกัดความที่ยอมรับกันโดยทั่วไป ครอบคลุมปรากฏการณ์ทางดนตรีที่หลากหลายในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ทั้งในฝรั่งเศสและประเทศอื่นๆ ในยุโรป

ลักษณะอิมเพรสชั่นนิสม์ของดนตรีของ C. Debussy, M. Ravel, P. Dukas, F. Schmit, J. Roger-Ducas และนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสคนอื่น ๆ แสดงให้เห็นในความดึงดูดใจของพวกเขาต่อภูมิทัศน์ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวี ("Afternoon of a Faun", " Nocturnes", "Sea" Debussy, "The Play of Water", "Reflections", "Daphnis and Chloe" โดย Ravel ฯลฯ) ความใกล้ชิดกับธรรมชาติ ความรู้สึกอันละเอียดอ่อนที่เกิดจากการรับรู้ถึงความงามของท้องทะเล ท้องฟ้า และป่าไม้ ตามที่ Debussy กล่าว สามารถปลุกเร้าจินตนาการของผู้แต่ง และนำเทคนิคเสียงใหม่ๆ มาสู่ชีวิต โดยปราศจากแบบแผนทางวิชาการ อีกขอบเขตหนึ่งของอิมเพรสชั่นนิสต์ทางดนตรีคือแฟนตาซีอันประณีต สร้างขึ้นจากตำนานโบราณหรือตำนานยุคกลาง ซึ่งเป็นโลกที่แปลกใหม่ของผู้คนในตะวันออก นักแต่งเพลงแนวอิมเพรสชั่นนิสต์มักผสมผสานความแปลกใหม่ของวิธีการทางศิลปะเข้ากับการนำภาพศิลปะโบราณอันงดงามมาใช้ (ภาพวาดโรโกโก ดนตรีของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส)

อิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรีสืบทอดลักษณะบางอย่างที่มีอยู่ในแนวโรแมนติกตอนปลายและแนวความคิดระดับชาติของศตวรรษที่ 19 ได้แก่ ความสนใจในการเขียนบทกวีเกี่ยวกับสมัยโบราณและประเทศที่ห่างไกล จังหวะและความงามแบบฮาร์โมนิก และการฟื้นคืนชีพของระบบกิริยาท่าทางที่เก่าแก่ การย่อบทกวีของ F. Chopin และ R. Schumann ภาพวาดเสียงของ F. Liszt ผู้ล่วงลับการค้นพบเชิงสีสันของ E. Grieg, N. A. Rimsky-Korsakov เสรีภาพในการพูดและการแสดงด้นสดโดยธรรมชาติของ M. P. Mussorgsky พบความต่อเนื่องดั้งเดิม ในงานของ Debussy และ Ravel ปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศสเหล่านี้สรุปความสำเร็จของรุ่นก่อนอย่างมีพรสวรรค์ในขณะเดียวกันก็กบฏอย่างรุนแรงต่อการศึกษาประเพณีโรแมนติก พวกเขาเปรียบเทียบการพูดเกินจริงที่น่าสมเพชและเสียงที่เกินจริงของละครเพลงของ R. Wagner กับศิลปะแห่งการควบคุมอารมณ์และเนื้อสัมผัสที่โปร่งใสและน้อย สิ่งนี้ยังสะท้อนให้เห็นถึงความปรารถนาที่จะรื้อฟื้นประเพณีฝรั่งเศสโดยเฉพาะในเรื่องความชัดเจนและความประหยัดในการแสดงออกซึ่งตรงกันข้ามกับความหนักเบาและความรอบคอบของแนวโรแมนติกของชาวเยอรมัน

ในหลายตัวอย่างของอิมเพรสชั่นนิสต์ทางดนตรี ทัศนคติที่กระตือรือร้นและยึดมั่นต่อชีวิตปรากฏขึ้น ซึ่งทำให้พวกมันคล้ายกับภาพวาดของอิมเพรสชั่นนิสต์ ศิลปะสำหรับพวกเขาเป็นทรงกลมแห่งความสุข ชื่นชมความงามของสี ประกายของแสง โทนสีอันเงียบสงบ ในเวลาเดียวกัน หลีกเลี่ยงความขัดแย้งเฉียบพลันและความขัดแย้งทางสังคมอย่างลึกซึ้ง

ตรงกันข้ามกับความโล่งใจที่ชัดเจนและโทนสีวัตถุล้วนๆ ของวากเนอร์และผู้ติดตามของเขา ดนตรีของอิมเพรสชั่นนิสต์มักมีลักษณะเฉพาะด้วยความละเอียดอ่อน ความอ่อนโยน และการเปลี่ยนแปลงของภาพเสียงได้อย่างคล่องแคล่ว “ เมื่อฟังนักแต่งเพลงอิมเพรสชั่นนิสต์ ส่วนใหญ่แล้วคุณหมุนวนเป็นวงกลมของเสียงสีรุ้งที่มีหมอก อ่อนโยนและเปราะบางจนถึงจุดที่ดนตรีลดทอนคุณค่าลงอย่างกะทันหัน... มีเพียงเสียงสะท้อนและภาพสะท้อนของนิมิตที่ไม่มีตัวตนที่ทำให้มึนเมาในจิตวิญญาณของคุณเท่านั้น” ( วี.จี. คาราตีจิน)

สุนทรียศาสตร์ของอิมเพรสชั่นนิสต์มีอิทธิพลต่อแนวดนตรีหลัก ๆ ทุกประเภท: แทนที่จะพัฒนาซิมโฟนีที่มีการเคลื่อนไหวหลายรูปแบบที่พัฒนาขึ้น กลับเริ่มมีการปลูกฝังภาพร่างไพเราะ ผสมผสานความนุ่มนวลของสีน้ำของการวาดภาพเสียงเข้ากับความลึกลับเชิงสัญลักษณ์ของอารมณ์ ในเพลงเปียโน - โปรแกรมย่อส่วนที่ถูกบีบอัดเท่า ๆ กันโดยใช้เทคนิคพิเศษของเสียง "สะท้อน" และการวาดภาพทิวทัศน์ เพลงโรแมนติกถูกแทนที่ด้วยเสียงร้องขนาดเล็กที่มีการบรรยายอย่างจำกัด รวมกับภาพสีสันสดใสของพื้นหลังเครื่องดนตรี ในโรงละครโอเปร่า ลัทธิอิมเพรสชันนิสม์นำไปสู่การสร้างละครเพลงที่มีเนื้อหากึ่งตำนาน โดดเด่นด้วยความละเอียดอ่อนอันน่าหลงใหลของบรรยากาศเสียง ความงดเว้น และความเป็นธรรมชาติของการประกาศเสียงร้อง ด้วยการแสดงออกทางจิตวิทยาที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น ธรรมชาติของละครที่คงที่จึงสะท้อนอยู่ในสิ่งเหล่านี้ ("Pelléas and Mélisande" โดย Debussy)

ผลงานของนักแต่งเพลงแนวอิมเพรสชั่นนิสต์ได้เพิ่มคุณค่าให้กับวิธีแสดงออกทางดนตรีอย่างมาก สิ่งนี้ใช้กับทรงกลมแห่งความกลมกลืนเป็นหลักด้วยเทคนิคการขนานและการร้อยจุดพยัญชนะสีสันสดใสที่ยังไม่ได้รับการแก้ไขอย่างแปลกประหลาด อิมเพรสชั่นนิสต์ได้ขยายระบบโทนเสียงสมัยใหม่อย่างมีนัยสำคัญ โดยเปิดทางให้เกิดนวัตกรรมฮาร์โมนิกมากมายแห่งศตวรรษที่ 20 (แม้ว่าพวกเขาจะลดความชัดเจนของการเชื่อมต่อการทำงานลงอย่างเห็นได้ชัด) ภาวะแทรกซ้อนและการบวมของคอร์ดเชิงซ้อน (ที่ไม่ใช่คอร์ด, คอร์ดที่ไม่ถูกทำลาย, การเปลี่ยนแปลงและฮาร์โมนีที่สี่) จะถูกรวมเข้ากับการทำให้เข้าใจง่าย, การทำให้เข้าใจง่ายของการคิดแบบกิริยาช่วย (โหมดธรรมชาติ, เพนทาโทนิก, คอมเพล็กซ์โทนเสียงทั้งหมด) การเรียบเรียงของนักประพันธ์อิมเพรสชั่นนิสต์นั้นถูกครอบงำด้วยสีที่บริสุทธิ์และไฮไลท์ที่ไม่แน่นอน มักใช้เครื่องเป่าลมเดี่ยว เสียงพิณ การแบ่งสายที่ซับซ้อน และเอฟเฟกต์คอนซอร์ดิโน พื้นหลัง ostinat ที่ตกแต่งอย่างหมดจดและไหลสม่ำเสมอก็เป็นเรื่องปกติเช่นกัน จังหวะบางครั้งไม่มั่นคงและเข้าใจยาก ทำนองเพลงไม่ได้มีลักษณะเป็นโครงสร้างโค้งมน แต่เป็นการแสดงออกที่สั้น วลีสัญลักษณ์ชั้นของแรงจูงใจ ในเวลาเดียวกัน ในดนตรีของอิมเพรสชั่นนิสต์ ความหมายของแต่ละเสียง จังหวะ และคอร์ดได้รับการปรับปรุงอย่างผิดปกติ และความเป็นไปได้อันไร้ขีดจำกัดในการขยายสเกลก็ถูกเปิดเผย ความสดใหม่เป็นพิเศษมอบให้กับดนตรีของอิมเพรสชั่นนิสต์โดยการใช้แนวเพลงและการเต้นรำบ่อยครั้ง การใช้องค์ประกอบกิริยาและจังหวะที่ละเอียดอ่อนซึ่งยืมมาจากนิทานพื้นบ้านของประชาชนทางตะวันออก สเปน และในรูปแบบแรก ๆ ของแจ๊สสีดำ

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 อิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรีแพร่กระจายเกินขอบเขตของฝรั่งเศส โดยได้รับลักษณะเฉพาะประจำชาติในหมู่ชนชาติต่างๆ ในสเปน M. de Falla ในอิตาลี O. Respighi, A. Casella และ J. F. Malipiero รุ่นเยาว์ได้พัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของคีตกวีอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศสแต่แรกเริ่ม อิมเพรสชั่นนิสต์ดนตรีอังกฤษมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยสไตล์ภูมิทัศน์ "ภาคเหนือ" (F. Dilius) หรือความแปลกใหม่ที่เผ็ดร้อน (S. Scott) ในโปแลนด์ อิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรีนำเสนอโดย K. Szymanowski (จนถึงปี 1920) ด้วยภาพสมัยโบราณและอื่น ๆ ที่ได้รับการขัดเกลาเป็นพิเศษ ทิศตะวันออก. อิทธิพลของอิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศสมีประสบการณ์เมื่อต้นศตวรรษที่ 20 และนักแต่งเพลงชาวรัสเซียบางคน (N. N. Cherepnin, V. I. Rebikov, S. N. Vasilenko ในช่วงปีแรก ๆ ของงานของเขา) A. N. Scriabin ผสมผสานคุณลักษณะของอิมเพรสชั่นนิสต์ที่เกิดขึ้นอย่างอิสระเข้ากับความปีติยินดีที่เร่าร้อนและแรงกระตุ้นแห่งเจตจำนงที่รุนแรง การผสมผสานระหว่างประเพณีของดนตรีของ N. A. Rimsky-Korsakov กับอิทธิพลดั้งเดิมของอิมเพรสชั่นนิสม์ของฝรั่งเศสนั้นเห็นได้ชัดเจนในเพลงยุคแรกของ I. F. Stravinsky ("The Firebird", "Petrushka", โอเปร่า "The Nightingale") ในเวลาเดียวกัน Stravinsky และ S.S. Prokofiev พร้อมด้วย B. Bartok กลายเป็นผู้ก่อตั้งเทรนด์ "ต่อต้านอิมเพรสชั่นนิสต์" ใหม่ในดนตรียุโรปในช่วงก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง

I. V. Nestyev

อิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรีฝรั่งเศส

ผลงานของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสคนสำคัญสองคน Debussy และ Ravel ถือเป็นปรากฏการณ์ที่สำคัญที่สุดในดนตรีฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ซึ่งเป็นการปะทุของศิลปะที่มีมนุษยธรรมและบทกวีอย่างลึกซึ้งในช่วงเวลาที่ยากลำบากและเป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดช่วงหนึ่งในการพัฒนา วัฒนธรรมฝรั่งเศส

ชีวิตทางศิลปะของฝรั่งเศสในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 โดดเด่นด้วยความหลากหลายและความแตกต่างที่น่าทึ่ง ในอีกด้านหนึ่งการปรากฏตัวของ "คาร์เมน" ที่ยอดเยี่ยม - จุดสุดยอดของความสมจริงในโอเปร่าฝรั่งเศสชุดแนวคิดที่ลึกซึ้งทั้งชุดงานซิมโฟนิกและแชมเบอร์ที่มีนัยสำคัญทางศิลปะโดย Frank, Saint-Saens, Fauré และ Debussy; อีกด้านหนึ่ง การครอบงำชีวิตทางดนตรีในเมืองหลวงของฝรั่งเศสที่เป็นที่ยอมรับของสถาบันต่างๆ เช่น Paris Conservatory และ Academy of Fine Arts ด้วยลัทธิประเพณี "เชิงวิชาการ" ที่ตายไปแล้ว

ความแตกต่างที่โดดเด่นไม่แพ้กันคือการแพร่กระจายในชั้นที่กว้างที่สุดของสังคมฝรั่งเศสของชีวิตดนตรีในรูปแบบประชาธิปไตยเช่นสังคมร้องเพลงมวลชนกิจกรรมทางจิตวิญญาณที่เฉียบแหลมทางสังคมของนักร้องชาวปารีสและพร้อมกับสิ่งนี้การเกิดขึ้นของแนวโน้มส่วนตัวอย่างยิ่งในภาษาฝรั่งเศส ศิลปะ - สัญลักษณ์ซึ่งสอดคล้องกับผลประโยชน์ของชนชั้นสูงด้านสุนทรียภาพของสังคมชนชั้นกลางเป็นหลักด้วยสโลแกน "ศิลปะเพื่อชนชั้นสูง"

ในสถานการณ์ที่ยากลำบากเช่นนี้ หนึ่งในการเคลื่อนไหวที่น่าสนใจและมีชีวิตชีวาที่สุดในศิลปะฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ถือกำเนิดขึ้น - อิมเพรสชันนิสม์ซึ่งเกิดขึ้นครั้งแรกในการวาดภาพจากนั้นในบทกวีและดนตรี

ในทัศนศิลป์ทิศทางใหม่นี้รวมศิลปินที่มีความสามารถเฉพาะตัวและมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวเข้าด้วยกัน - E. Manet, C. Monet, O. Renoir, E. Degas, C. Pissarro และคนอื่น ๆ คงจะไม่ถูกต้องที่จะจำแนกศิลปินเหล่านี้ทั้งหมดว่าเป็นอิมเพรสชันนิสม์โดยไม่มีเงื่อนไข เนื่องจากแต่ละคนมีสาขาวิชาที่เขาชื่นชอบและรูปแบบการวาดภาพต้นฉบับเป็นของตัวเอง แต่ในตอนแรกพวกเขารวมตัวกันด้วยความเกลียดชังศิลปะ "เชิงวิชาการ" อย่างเป็นทางการซึ่งต่างจากชีวิตของฝรั่งเศสยุคใหม่ไร้ความเป็นมนุษย์ที่แท้จริงและการรับรู้โดยตรงต่อสิ่งแวดล้อม

“ นักวิชาการ” มีความโดดเด่นด้วยความชื่นชอบเป็นพิเศษสำหรับบรรทัดฐานด้านสุนทรียศาสตร์ของศิลปะโบราณสำหรับวิชาที่เป็นตำนานและพระคัมภีร์และอิมเพรสชั่นนิสต์มีความใกล้ชิดกับธีมและขอบเขตความคิดสร้างสรรค์ที่เป็นรูปเป็นร่างของศิลปินในยุคก่อนเช่น Camille Corot และ โดยเฉพาะกุสตาฟ กูร์เบต์

สิ่งสำคัญที่อิมเพรสชั่นนิสต์สืบทอดมาจากศิลปินเหล่านี้คือพวกเขาออกจากสตูดิโอไปในที่โล่งและเริ่มวาดภาพโดยตรงจากชีวิต นี่เป็นการเปิดช่องทางใหม่ให้พวกเขาเข้าใจและแสดงโลกรอบตัวพวกเขา K. Pissarro กล่าวว่า “คุณไม่สามารถคิดถึงการวาดภาพที่จริงจังจริงๆ โดยปราศจากธรรมชาติได้” คุณลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของวิธีการสร้างสรรค์คือการถ่ายทอดความประทับใจโดยตรงที่สุดของปรากฏการณ์หนึ่งๆ สิ่งนี้ให้เหตุผลแก่นักวิจารณ์ในการจัดอันดับพวกเขาด้วยความเป็นธรรมชาตินิยมที่ทันสมัยในขณะนั้นด้วยการรับรู้โลกแบบ "ภาพถ่าย" แบบผิวเผิน หรือกล่าวหาว่าพวกเขาแทนที่ภาพสะท้อนของปรากฏการณ์ที่แท้จริงด้วยความรู้สึกส่วนตัวล้วนๆ หากการตำหนิติเตียนลัทธิอัตวิสัยมีพื้นฐานเกี่ยวกับศิลปินจำนวนหนึ่ง การกล่าวหาเรื่องลัทธินิยมนิยมนั้นไม่ได้รับการพิสูจน์อย่างดีนัก เนื่องจากส่วนใหญ่ (Monet, Renoir, Degas, Van Gogh) มีภาพวาดทั้งชุดแม้ว่าจะดูเหมือน เป็นภาพร่างชั่วขณะราวกับว่าฉกฉวย "จากชีวิต" จริง ๆ แล้วปรากฏขึ้นอันเป็นผลมาจากการค้นหาและคัดเลือกลักษณะทั่วไปของการสังเกตชีวิตโดยทั่วไปและลึกซึ้งอย่างยาวนาน

อิมเพรสชั่นนิสต์ส่วนใหญ่เน้นย้ำถึงความสำคัญของการเลือกธีมเฉพาะสำหรับภาพวาดของตนเสมอ Edouard Manet ผู้เป็นพี่คนโตกล่าวว่า “สีเป็นเรื่องของรสนิยมและความอ่อนไหว แต่คุณต้องมีอะไรจะพูด ไม่อย่างนั้นก็ลาก่อน!.. คุณต้องตื่นเต้นกับหัวข้อนี้ด้วย”

ธีมหลักของงานของพวกเขาคือฝรั่งเศส - ธรรมชาติ ชีวิต และผู้คน: หมู่บ้านชาวประมงและถนนในปารีสที่มีเสียงดัง สะพานใน Moret และมหาวิหารที่มีชื่อเสียงใน Rouen ชาวนาและนักบัลเล่ต์ ร้านซักผ้า และชาวประมง

ภูมิทัศน์เป็นการเปิดเผยอย่างแท้จริงในภาพวาดของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ แรงบันดาลใจด้านนวัตกรรมของพวกเขาถูกเปิดเผยที่นี่ในความหลากหลายและความสมบูรณ์ของเฉดสีและความแตกต่าง สีสันที่มีชีวิตอย่างแท้จริงของธรรมชาติ ความรู้สึกของอากาศที่โปร่งใส การเล่นไคอาโรสคูโรที่ดีที่สุด ฯลฯ ปรากฏบนผืนผ้าใบของอิมเพรสชั่นนิสต์

วิชาใหม่ๆ และความสนใจอย่างมากในธรรมชาติอย่างต่อเนื่องเรียกร้องจากอิมเพรสชั่นนิสต์ด้วยภาษาภาพพิเศษ การค้นพบรูปแบบโวหารของการวาดภาพบนพื้นฐานของความสามัคคีของรูปแบบและสี พวกเขาสามารถระบุได้ว่าสีในภาพวาดสามารถเกิดขึ้นได้โดยไม่จำเป็นต้องผสมสีบนจานสี แต่เป็นผลจากโทนสีที่ "บริสุทธิ์" ที่วางอยู่ใกล้ๆ ซึ่งก่อให้เกิดส่วนผสมทางแสงที่เป็นธรรมชาติมากขึ้น เงานั้นไม่เพียงแต่เป็นผลมาจากการส่องสว่างของวัตถุน้อยเท่านั้น แต่ยังสามารถสร้างสีใหม่ได้อีกด้วย สีนั้นก็เหมือนกับเส้นตรงที่สามารถ “บดบัง” วัตถุ ทำให้วัตถุมีความชัดเจนและมีรูปร่างที่ชัดเจน ฯลฯ

ความแปลกใหม่ของเนื้อหาและโดยเฉพาะอย่างยิ่งวิธีการของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ทำให้เกิดทัศนคติเชิงลบอย่างมากจากแวดวงศิลปะอย่างเป็นทางการของปารีส สื่อมวลชนอย่างเป็นทางการเรียกนิทรรศการครั้งแรกของอิมเพรสชั่นนิสต์ว่า "การโจมตีศีลธรรมอันดีทางศิลปะ" และความเคารพต่อปรมาจารย์ด้านศิลปะฝรั่งเศสคลาสสิก

ในบรรยากาศของการต่อสู้อย่างต่อเนื่องระหว่างกระแสจิตรกรรมและบทกวีแบบดั้งเดิมและแบบใหม่ อิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรีได้ก่อตัวขึ้น นอกจากนี้ยังเกิดขึ้นเป็นการต่อต้านโดยตรงกับประเพณี "ทางวิชาการ" ที่ล้าสมัย แต่ยังคงยึดมั่นในศิลปะดนตรีของฝรั่งเศสเมื่อปลายศตวรรษที่ผ่านมา ตัวแทนคนแรกและโดดเด่นที่สุดของเทรนด์นี้คือ Claude Debussy นักแต่งเพลงที่ยังคงสานต่อแรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์ของ Debussy เป็นส่วนใหญ่ แต่ในขณะเดียวกันก็พบเส้นทางการพัฒนาดั้งเดิมและดั้งเดิมของเขาเองคือ Maurice Ravel การทดลองสร้างสรรค์ครั้งแรกของพวกเขาพบกับทัศนคติที่ไม่เป็นมิตรแบบเดียวกันจากผู้นำของสถาบันอย่างเป็นทางการ - Paris Conservatory, Academy of Fine Arts เช่นเดียวกับภาพวาดของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ พวกเขาต้องเดินทางในงานศิลปะเพียงลำพัง เพราะพวกเขาแทบไม่มีคนหรือเพื่อนร่วมงานที่มีความคิดเหมือนกันเลย ชีวิตทั้งชีวิตและเส้นทางสร้างสรรค์ของ Debussy และ Ravel เป็นเส้นทางของการค้นหาอันเจ็บปวดและการค้นพบธีมและโครงเรื่องใหม่อย่างมีความสุขการทดลองที่กล้าหาญในสาขาดนตรีและวิธีการภาษาดนตรี

แม้จะมีต้นกำเนิดของงานและสภาพแวดล้อมทางศิลปะร่วมกัน แต่ศิลปินทั้งสองก็มีบุคลิกที่ลึกซึ้งในด้านรูปลักษณ์ที่สร้างสรรค์ สิ่งนี้แสดงให้เห็นในการเลือกธีมและหัวข้อบางอย่างโดยแต่ละคน และในทัศนคติของพวกเขาต่อนิทานพื้นบ้านของชาติ และในลักษณะของวิวัฒนาการของเส้นทางสร้างสรรค์ของแต่ละคน และในคุณสมบัติที่สำคัญหลายประการของสไตล์

อิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรี (เช่นภาพวาด) เติบโตมาจากประเพณีประจำชาติของศิลปะฝรั่งเศส สิ่งนี้แสดงให้เห็นใน Debussy และ Ravel ด้วยความเชื่อมโยงกับศิลปะพื้นบ้านฝรั่งเศสอย่างแข็งแกร่งแม้ว่าจะไม่ได้สังเกตจากภายนอกเสมอไป (ซึ่งตัวอย่างที่มีชีวิตมากที่สุดสำหรับพวกเขาอาจเป็นงานระดับชาติที่ลึกซึ้งในธรรมชาติของ Wiese) ในการสื่อสารอย่างใกล้ชิดกับวรรณกรรมและภาพวาดร่วมสมัย ( ซึ่งเป็นเรื่องปกติของดนตรีฝรั่งเศสในยุคประวัติศาสตร์ต่างๆ) ในบทบาทที่โดดเด่นของดนตรีบรรเลงโปรแกรมในงานของพวกเขา และสนใจเป็นพิเศษในวัฒนธรรมโบราณ แต่ปรากฏการณ์ที่ใกล้เคียงที่สุดที่เตรียมโดยตรงอิมเพรสชั่นนิสต์ทางดนตรียังคงเป็นบทกวีฝรั่งเศสสมัยใหม่ (ซึ่งในเวลานั้นร่างของกวี Paul Verlaine ซึ่งมีจิตวิญญาณใกล้ชิดกับอิมเพรสชั่นนิสต์มาปรากฏอยู่เบื้องหน้า) และโดยเฉพาะอย่างยิ่งอิมเพรสชั่นนิสต์ที่เป็นรูปภาพ หากอิทธิพลของกวีนิพนธ์ (ส่วนใหญ่เป็นเชิงสัญลักษณ์) ส่วนใหญ่พบในงานยุคแรกของ Debussy และ Ravel อิทธิพลของอิมเพรสชั่นนิสม์ที่เป็นภาพต่องานของ Debussy (และ Ravel ในระดับที่น้อยกว่า) กลับกลายเป็นว่ากว้างขึ้นและมีผลมากขึ้น

ในผลงานของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์และนักแต่งเพลง พบธีมที่เกี่ยวข้อง: ฉากประเภทที่มีสีสัน ภาพร่างแนวตั้ง แต่ภูมิทัศน์เป็นสถานที่พิเศษ

มีลักษณะทั่วไปในวิธีการทางศิลปะของอิมเพรสชั่นนิสต์ด้วยภาพและดนตรี - ความปรารถนาที่จะถ่ายทอดความประทับใจโดยตรงครั้งแรกของปรากฏการณ์ ด้วยเหตุนี้ แรงดึงดูดของอิมเพรสชั่นนิสต์จึงไม่ใช่สิ่งที่ยิ่งใหญ่ แต่อยู่ที่รูปแบบขนาดจิ๋ว (ในการวาดภาพ ไม่ใช่จิตรกรรมฝาผนังหรือองค์ประกอบขนาดใหญ่ แต่เป็นภาพบุคคล ภาพร่าง ในดนตรี ไม่ใช่ในซิมโฟนี ออราโทริโอ แต่ในความโรแมนติก เปียโน หรือ วงออร์เคสตราจิ๋วพร้อมการนำเสนอแบบด้นสดฟรี) (นี่เป็นลักษณะเฉพาะของ Debussy มากกว่าของ Ravel ในงานผู้ใหญ่ของเขา Ravel แสดงความสนใจเป็นพิเศษในรูปแบบเครื่องดนตรีขนาดใหญ่ - โซนาต้า คอนแชร์โต รวมถึงโอเปร่าและบัลเล่ต์)

ที่สำคัญที่สุด อิมเพรสชันนิสม์เชิงภาพมีอิทธิพลต่อดนตรีในด้านการแสดงออก เช่นเดียวกับในการวาดภาพ การค้นหาของ Debussy และ Ravel มุ่งเป้าไปที่การขยายขอบเขตของวิธีการแสดงออกที่จำเป็นสำหรับการสร้างภาพลักษณ์ใหม่ และประการแรกคือการเพิ่มคุณค่าของด้านดนตรีที่มีสีสันให้สูงสุด การค้นหาเหล่านี้เกี่ยวข้องกับโหมดและความกลมกลืน ทำนองและจังหวะ พื้นผิวและเครื่องดนตรี ความสำคัญของทำนองซึ่งเป็นองค์ประกอบหลักในการแสดงออกทางดนตรีลดลง ในเวลาเดียวกันบทบาทของภาษากิริยาฮาร์โมนิกและสไตล์ออเคสตราเนื่องจากความสามารถของพวกเขามีแนวโน้มที่จะถ่ายทอดหลักการที่เป็นภาพเป็นรูปเป็นร่างและสีสันมากกว่า

วิธีการแสดงออกแบบใหม่ของนักประพันธ์อิมเพรสชั่นนิสต์ ด้วยความริเริ่มและความเฉพาะเจาะจง มีความคล้ายคลึงกันบางประการกับภาษาภาพของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ ความดึงดูดใจบ่อยครั้งของ Debussy และ Ravel สู่โหมดพื้นบ้านโบราณ (pentatonic, Dorian, Phrygian, Mixolydian และอื่น ๆ ) รวมถึงระดับโทนสีทั้งหมดรวมกับสีหลักตามธรรมชาติและสีรองนั้นคล้ายคลึงกับการเพิ่มสีสันอย่างมหาศาลของจานสีของ ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ "ความสมดุล" ที่ยืดเยื้อระหว่างสองโทนสีที่ห่างไกลโดยไม่มีการตั้งค่าที่ชัดเจนสำหรับหนึ่งในนั้นค่อนข้างชวนให้นึกถึงการเล่น chiaroscuro ที่ละเอียดอ่อนบนผืนผ้าใบ การวางเคียงกันของโทนิคสามกลุ่มหรือการกลับกันของพวกมันในคีย์ระยะไกลทำให้เกิดความรู้สึกคล้ายกับลายเส้นเล็กๆ ของสี "บริสุทธิ์" ที่วางเรียงกันบนผืนผ้าใบ และสร้างการผสมสีใหม่ที่ไม่คาดคิด เป็นต้น

ผลงานของ Debussy และ Ravel (เช่นเดียวกับศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์) ก็ได้รับผลกระทบจากข้อจำกัดบางประการของสุนทรียศาสตร์อิมเพรสชันนิสต์เช่นกัน พบการแสดงออกในขอบเขตของธีมที่แคบลงขอบเขตทางศิลปะและเป็นรูปเป็นร่างของงานของพวกเขา (โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเปรียบเทียบกับ Berlioz ผู้ยิ่งใหญ่รุ่นก่อนซึ่งเป็นดนตรีแห่งยุคการปฏิวัติฝรั่งเศส) โดยไม่แยแสต่อวีรบุรุษ - ประวัติศาสตร์และสังคม ธีม. ในทางตรงกันข้าม การตั้งค่าที่ชัดเจนคือให้ความสำคัญกับภูมิทัศน์ทางดนตรี ฉากแนวเพลง ภาพบุคคลที่มีลักษณะเฉพาะ และไม่ค่อยบ่อยนักสำหรับตำนานหรือเทพนิยาย แต่ในเวลาเดียวกัน Debussy และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Ravel ในผลงานสำคัญหลายชิ้นได้เอาชนะข้อ จำกัด ของสุนทรียภาพแบบอิมเพรสชั่นนิสต์และสร้างผลงานที่ลึกซึ้งทางจิตวิทยาเช่น Second Piano Concerto และ "Tomb of Couperin" (Ravel) ซึ่งยิ่งใหญ่ในแง่ของ ขนาดของการพัฒนาซิมโฟนิก "เพลงวอลทซ์" และ "โบเลโร" ( ราเวล) ภาพชีวิตพื้นบ้านสีสันสดใสเช่น "ไอบีเรีย" และ "งานเฉลิมฉลอง" (Debussy), "Rhapsody Spanish" (Ravel)

ตรงกันข้ามกับความเคลื่อนไหวมากมายของศิลปะสมัยใหม่ที่บานสะพรั่งในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 (ลัทธิแสดงออก คอนสตรัคติวิสต์ วิถีชีวิตเมือง และอื่นๆ) ผลงานของศิลปินชาวฝรั่งเศสทั้งสองมีความโดดเด่นด้วยการขาดความซับซ้อนอันเจ็บปวดโดยสิ้นเชิง แย่และน่าเกลียด และแทนที่การรับรู้ทางอารมณ์ของสิ่งแวดล้อมด้วย "การสร้าง" ของดนตรี ศิลปะของ Debussy และ Ravel เช่นเดียวกับภาพวาดของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ เชิดชูโลกแห่งประสบการณ์ตามธรรมชาติของมนุษย์ ซึ่งบางครั้งก็น่าทึ่งอย่างลึกซึ้ง แต่มักจะสื่อถึงความรู้สึกสนุกสนานของชีวิต มันเป็นแง่ดีอย่างแท้จริง

ผลงานส่วนใหญ่ของพวกเขาดูเหมือนจะได้ค้นพบโลกแห่งบทกวีที่สวยงามของธรรมชาติสำหรับผู้ฟังอีกครั้ง โดยวาดด้วยสีสันอันละเอียดอ่อน มีเสน่ห์ และน่าหลงใหลของชุดเสียงที่เข้มข้นและเป็นต้นฉบับ

ความสำคัญทางประวัติศาสตร์ของมรดกของ Debussy และ Ravel ได้รับการนิยามอย่างเหมาะสมและถูกต้องโดย Romain Rolland โดยกล่าวว่า: "ฉันมองว่า Ravel เป็นศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งดนตรีฝรั่งเศสมาโดยตลอด ร่วมกับ Rameau และ Debussy ซึ่งเป็นหนึ่งในนักดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาล ”

บี. ไอโอนิน

การเคลื่อนไหวทางศิลปะในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งมีพื้นฐานมาจากความปรารถนาที่จะถ่ายทอดความประทับใจชั่วขณะ ความรู้สึกส่วนตัว และอารมณ์ของศิลปิน เดิมทีเกิดขึ้นจากภาพวาดภาษาฝรั่งเศส จากนั้นจึงแพร่กระจายไปยังงานศิลปะและประเทศอื่นๆ ในการออกแบบท่าเต้น ความปรารถนาที่จะจับภาพช่วงเวลาซึ่งเป็นลักษณะของอิมเพรสชั่นนิสม์นั้นมีพื้นฐานมาจากการแสดงด้นสดและไม่เห็นด้วยกับการสร้างรูปแบบทางศิลปะที่สมบูรณ์ ในโรงละครบัลเล่ต์ที่ใช้เทคนิคการเต้นที่ซับซ้อนและรูปแบบการเต้นที่พัฒนาแล้ว อิมเพรสชั่นนิสม์ที่สม่ำเสมอจะหมายถึงการทำลายตนเอง ดังนั้นจึงไม่ได้รับความนิยมอย่างมีนัยสำคัญ อิมเพรสชันนิสม์แสดงออกส่วนใหญ่ในสิ่งที่เรียกว่า เต้นรำฟรี A. Duncan ปกป้องแนวคิดเรื่อง "การปลดปล่อยร่างกาย" และการตีความดนตรีตามสัญชาตญาณโดยไม่มีสิ่งใดเลย มาตรฐานการเต้นรำ อิมเพรสชันนิสม์ในการเต้นรำก็แพร่หลายในเยอรมนีเช่นกัน M. M. Fokin พยายามนำอิมเพรสชันนิสม์เข้าใกล้เวทีบัลเล่ต์มากขึ้น การสร้างฉากจากการแสดงในยุคต่างๆ ขึ้นมาใหม่ (Pavilion of Armida, Chopiniana ทั้งปี 1907; Egyptian Nights, 1908 เป็นต้น) Fokine หันมาใช้สไตล์ ต่อมาโครงสร้างการเต้นเริ่มเบลอในผลงานของเขามากขึ้น รูปแบบที่สมบูรณ์ (pas de deux, adagio, รูปแบบ ฯลฯ ) ถูกปฏิเสธและล้อเลียนด้วยซ้ำ (ตัวอย่างเช่นในบัลเล่ต์ "Bluebeard") ในขณะเดียวกัน คุณลักษณะของอิมเพรสชันนิสม์ในผลงานของ Fokine เป็นเพียงแง่มุมเดียวเท่านั้น

ในอนาคต ประสิทธิภาพที่ยิ่งใหญ่จะถูกแทนที่ด้วยสิ่งจิ๋วมากขึ้นเรื่อยๆ อย่างไรก็ตาม ในการแสวงหาการถ่ายทอดความประทับใจทันทีอย่างซื่อสัตย์ ธีมต่างๆ จึงถูกลดขนาดลง และการจัดการบทละครก็ถูกละเลย อิมเพรสชันนิสม์หมดความเป็นไปได้อย่างรวดเร็ว

บัลเล่ต์ สารานุกรม SE, 1981

อิมเพรสชันนิสม์(ความประทับใจแบบฝรั่งเศส) เป็นขบวนการทางศิลปะที่เกิดขึ้นในคริสต์ทศวรรษที่ 70 ของศตวรรษที่ 19 ในจิตรกรรมฝรั่งเศส แล้วปรากฏออกมาทางดนตรี วรรณกรรม และละคร สาระสำคัญของอิมเพรสชั่นนิสต์อยู่ที่การบันทึกช่วงเวลาแห่งความเป็นจริงแบบสุ่มเชิงพื้นที่และชั่วคราวที่ละเอียดอ่อนที่สุด ความประทับใจชั่วขณะ ฮาล์ฟโทน

อิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรีเกิดขึ้นในช่วงปลายยุค 80 - ต้นยุค 90 ของศตวรรษที่ 19 สิ่งสำคัญในดนตรีอิมเพรสชั่นนิสต์คือการถ่ายทอดอารมณ์ที่ได้รับความหมายเชิงสัญลักษณ์ การบันทึกสภาวะทางจิตวิทยาอันละเอียดอ่อนที่เกิดจากการไตร่ตรองโลกภายนอก คำว่า "อิมเพรสชันนิสม์" ซึ่งใช้โดยนักวิจารณ์ดนตรีในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ในความหมายที่ไม่เห็นด้วยหรือน่าขัน ต่อมาได้กลายเป็นคำจำกัดความที่ยอมรับกันโดยทั่วไป ซึ่งครอบคลุมปรากฏการณ์ทางดนตรีที่หลากหลายในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20

คุณลักษณะอิมเพรสชั่นนิสม์ของดนตรีของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสแสดงให้เห็นความรักในภูมิทัศน์บทกวี ("รูปภาพ", "กลางคืน", "ทะเล" โดย C. Debussy, "การเล่นน้ำ" โดย M. Ravel ฯลฯ ) และ วิชาในตำนาน (“ The Afternoon of a Faun” โดย C. Debussy ) ซึ่งถ่ายทอดโดยผู้แต่งที่มีความละเอียดอ่อนเป็นพิเศษในรายละเอียดของตัวละคร

ในดนตรีอิมเพรสชั่นนิสต์ ความแปลกใหม่ของวิธีการทางศิลปะมักจะผสมผสานกับภาพในอดีต (“Tomb of Couperin” โดย M. Ravel, “Children's Corner” โดย C. Debussy) และความสนใจในสิ่งจิ๋ว (“The Sorcerer's Apprentice” โดย ป. ดูกาส).

สุนทรียศาสตร์ของอิมเพรสชั่นนิสม์มีอิทธิพลต่อดนตรีแนวหลักๆ ทุกประเภท แทนที่จะพัฒนาซิมโฟนีที่มีการเคลื่อนไหวหลายจังหวะ ผู้แต่งแต่งภาพร่างแบบซิมโฟนิก และโปรแกรมย่อขนาดย่อที่ถูกบีบอัดกลับแพร่หลายในดนตรีเปียโน เพลงโรแมนติกถูกแทนที่ด้วยเสียงร้องขนาดเล็กที่มีความโดดเด่นของการบรรยายรวมกับภาพสีสันสดใสของพื้นหลังเครื่องดนตรี

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 ลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรีแพร่กระจายไปทั่วฝรั่งเศส ในสเปน M. de Falla ในอิตาลี O. Respighi, A. Casella และคนอื่นๆ ได้พัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส อิมเพรสชั่นนิสม์แบบอังกฤษได้รวมอยู่ในผลงานของ F. Dilius และ S. Scott ตัวอย่างที่เด่นชัดของอิมเพรสชั่นนิสม์ในดนตรีโปแลนด์คือผลงานของ K. Szymanowski ที่มีภาพโบราณและตะวันออกโบราณที่ประณีตเป็นพิเศษ (“ น้ำพุแห่ง Aretuza”, “ เพลงของ Hafiz” ฯลฯ ) ในรัสเซียตัวแทนที่โดดเด่นของอิมเพรสชั่นนิสต์ทางดนตรีคือ N. Cherepnin, S. Vasilenko, A. Scriabin

ผลงานของนักแต่งเพลงอิมเพรสชั่นนิสต์ได้เพิ่มคุณค่าให้กับจานสีแห่งการแสดงออกทางดนตรีในด้านความสามัคคีและมีส่วนทำให้ระบบวรรณยุกต์ขยายตัว ในทางกลับกัน สิ่งนี้ได้ปูทางไปสู่นวัตกรรมฮาร์มอนิกมากมายแห่งศตวรรษที่ 20

ดนตรีร่วมสมัยแนวคิดของ "ดนตรีร่วมสมัย" ครอบคลุมความหลากหลายของการเคลื่อนไหวและทิศทางที่เป็นลักษณะเฉพาะของดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20

การเปลี่ยนแปลงทางประวัติศาสตร์ครั้งใหญ่และหายนะทั่วโลกได้ก่อให้เกิดรูปแบบทางศิลปะที่หลากหลายอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ซึ่งหลายรูปแบบได้ก่อให้เกิดนักประพันธ์เพลงรายใหญ่ที่มีส่วนสำคัญในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีโลก