อะไรคือลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา? ศิลปะดนตรีแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเช่นเดียวกับศิลปกรรมและวรรณกรรมกลับคืนสู่คุณค่าของวัฒนธรรมโบราณ เธอไม่เพียงแต่ทำให้หูพอใจเท่านั้น แต่ยังมีผลกระทบทางจิตวิญญาณและอารมณ์ต่อผู้ฟังอีกด้วย

การฟื้นตัวของศิลปะและวิทยาศาสตร์ในศตวรรษที่ 14-16 เป็นยุคแห่งการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ ถือเป็นการเปลี่ยนผ่านจากวิถีชีวิตยุคกลางไปสู่ความทันสมัย การแต่งเพลงและการแสดงดนตรีมีความสำคัญเป็นพิเศษในช่วงเวลานี้ นักมานุษยวิทยาที่ศึกษาวัฒนธรรมโบราณของกรีซและโรมประกาศว่าการแต่งเพลงเป็นกิจกรรมที่มีประโยชน์และมีเกียรติ เชื่อกันว่าเด็กทุกคนควรเรียนรู้การร้องเพลงและการเล่นเครื่องดนตรีอย่างเชี่ยวชาญ ด้วยเหตุนี้ ครอบครัวที่มีชื่อเสียงจึงต้อนรับนักดนตรีเข้ามาในบ้านเพื่อสอนลูกๆ และให้ความบันเทิงแก่แขก

เครื่องมือยอดนิยม ในศตวรรษที่ 16 เครื่องดนตรีใหม่ปรากฏขึ้น ที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือเพลงที่คนรักดนตรีเล่นได้ง่ายและสะดวกโดยไม่ต้องมีทักษะพิเศษใดๆ ที่พบมากที่สุดคือวิโอลาและดอกไม้ที่ดึงออกมาที่เกี่ยวข้อง วิโอลาเป็นบรรพบุรุษของไวโอลิน และเล่นได้ง่ายด้วยเฟรต (แถบไม้พาดที่คอ) ที่ช่วยให้คุณตีโน้ตได้ถูกต้อง เสียงวิโอลานั้นเงียบ แต่ฟังได้ดีในห้องโถงเล็กๆ พวกเขาร้องเพลงร่วมกับเครื่องดนตรีที่ดึงออกมาอีกตัวหนึ่งอย่างหงุดหงิดเหมือนเช่นตอนนี้ด้วยกีตาร์

สมัยนั้นหลายคนชอบเล่นเครื่องอัดเสียง ฟลุต และแตร ดนตรีที่ซับซ้อนที่สุดเขียนขึ้นสำหรับเพลงที่สร้างขึ้นใหม่ ได้แก่ ฮาร์ปซิคอร์ด เวอร์จิเนล (ฮาร์ปซิคอร์ดภาษาอังกฤษ โดดเด่นด้วยขนาดที่เล็ก) และออร์แกน ในเวลาเดียวกันนักดนตรีก็ไม่ลืมที่จะแต่งเพลงที่เรียบง่ายซึ่งไม่ต้องใช้ทักษะการแสดงสูง ในเวลาเดียวกันมีการเปลี่ยนแปลงในการเขียนดนตรี: บล็อกการพิมพ์ไม้หนักถูกแทนที่ด้วยประเภทโลหะที่สามารถเคลื่อนย้ายซึ่งคิดค้นโดยชาวอิตาลี Ottaviano Petrucci ผลงานดนตรีที่ตีพิมพ์ขายหมดอย่างรวดเร็ว และผู้คนเริ่มมีส่วนร่วมในดนตรีมากขึ้นเรื่อยๆ

ทิศทางดนตรี.

เครื่องดนตรีชนิดใหม่ การพิมพ์ดนตรี และความนิยมอย่างกว้างขวางของดนตรีมีส่วนทำให้เกิดการพัฒนาแชมเบอร์มิวสิค ตามชื่อของมัน ตั้งใจที่จะเล่นในห้องโถงเล็กๆ ต่อหน้าผู้ชมกลุ่มเล็กๆ มีนักแสดงหลายคน การแสดงเสียงร้องมีอำนาจเหนือกว่า เนื่องจากศิลปะการร้องเพลงในเวลานั้นได้รับการพัฒนามากกว่าการทำดนตรีมาก นอกจากนี้ นักมานุษยวิทยายังแย้งว่าผู้ฟังได้รับอิทธิพลอย่างมากจาก "การผสมผสานอันมหัศจรรย์" ของศิลปะสองอย่าง - ดนตรีและบทกวี ดังนั้นในฝรั่งเศส ชานซง (เพลงที่มีหลายเสียง) จึงกลายเป็นแนวเพลง และในอิตาลี เพลงมาดริกัล

ชานสันและมาดริกัลส์

Chansons ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาแสดงด้วยเสียงหลายเสียงไปจนถึงบทกวีที่มีเนื้อหาหลากหลายตั้งแต่ธีมที่ยอดเยี่ยมของความรักไปจนถึงชีวิตประจำวันในชนบท ผู้แต่งแต่งทำนองบทกวีที่เรียบง่ายมาก ต่อจากนั้น มาดริกัลถือกำเนิดขึ้นจากประเพณีนี้ ซึ่งเป็นผลงานที่มี 4 หรือ 5 เสียงในธีมบทกวีอิสระ

ต่อมาในศตวรรษที่ 16 นักประพันธ์เพลงได้ข้อสรุปว่าเพลงมาดริกัลขาดความลึกและพลังของเสียงที่กรีกและโรมโบราณแสวงหามาโดยตลอด และเริ่มฟื้นฟูเครื่องดนตรีโบราณ ในเวลาเดียวกัน การเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วของจังหวะที่รวดเร็วและราบรื่น สะท้อนถึงการเปลี่ยนแปลงของอารมณ์และสภาวะทางอารมณ์

ดังนั้นดนตรีจึงเริ่ม "ระบายสีคำ" และสะท้อนความรู้สึก ตัวอย่างเช่น น้ำเสียงที่ขึ้นอาจหมายถึงจุดสูงสุด (อารมณ์) น้ำเสียงที่ลงอาจหมายถึงหุบเขา (หุบเขาแห่งความโศกเศร้า) จังหวะที่ช้าอาจหมายถึงความโศกเศร้า จังหวะที่เร็วขึ้น และท่วงทำนองที่ประสานกันน่าฟังอาจหมายถึงความสุข และ ความไม่ลงรอยกันที่คมชัดและยาวนานอย่างจงใจอาจหมายถึงความโศกเศร้าและความทุกข์ทรมาน ในเพลงก่อนหน้านี้มีความสามัคคีและการเชื่อมโยงกัน ปัจจุบันมีพื้นฐานมาจากพหุนามและความแตกต่าง ซึ่งสะท้อนถึงโลกภายในอันอุดมสมบูรณ์ของมนุษย์ ดนตรีมีความลึกมากขึ้นจนกลายเป็นตัวละครส่วนตัว

ดนตรีประกอบ.

การเฉลิมฉลองและการเฉลิมฉลองถือเป็นจุดเด่นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ผู้คนในยุคนั้นเฉลิมฉลองทุกสิ่งตั้งแต่สมัยนักบุญจนถึงฤดูร้อน ในระหว่างขบวนแห่ตามท้องถนน นักดนตรีและนักร้องอ่านเพลงบัลลาดจากเวทีที่ตกแต่งอย่างหรูหราบนล้อ แสดงเพลงมาดริกัลที่ซับซ้อน และแสดงละคร ประชาชนต่างตั้งตารอชม "ภาพมีชีวิต" เป็นพิเศษพร้อมดนตรีประกอบและการตกแต่งในรูปแบบของเมฆกล ซึ่งเทพได้ระบุไว้ในบทภาพยนตร์

ในเวลาเดียวกันก็มีการแต่งเพลงที่ไพเราะที่สุดให้กับคริสตจักร ตามมาตรฐานของวันนี้คณะนักร้องประสานเสียงมีขนาดไม่ใหญ่นัก - จาก 20 ถึง 30 คน แต่เสียงของพวกเขาถูกขยายด้วยเสียงของทรอมโบนและทรัมเป็ต - คอร์เน็ตที่นำเข้าสู่วงออเคสตราและในวันหยุดสำคัญ ๆ (เช่นคริสต์มาส) นักร้องก็รวมตัวกันจาก ทั่วทั้งพื้นที่กลายเป็นคณะนักร้องประสานเสียงขนาดใหญ่เพียงคณะเดียว มีเพียงคริสตจักรคาทอลิกเท่านั้นที่เชื่อว่าดนตรีควรเรียบง่ายและเข้าใจได้ ดังนั้นจึงใช้ดนตรีศักดิ์สิทธิ์ของจิโอวานนี ปาเลสเตรนา ผู้เขียนงานสั้นเกี่ยวกับตำราทางจิตวิญญาณเป็นตัวอย่าง ควรสังเกตว่าในเวลาต่อมาเกจิเองก็ตกอยู่ภายใต้อิทธิพลของดนตรี "ใหม่" ที่แสดงออกและทรงพลังและเริ่มเขียนผลงานที่ยิ่งใหญ่และมีสีสันซึ่งต้องใช้ทักษะการร้องเพลงประสานเสียงอย่างมาก

ในช่วงยุคเรอเนซองส์ ดนตรีบรรเลงมีการพัฒนาอย่างกว้างขวาง เครื่องดนตรีหลัก ได้แก่ ลูต พิณ ฟลุต โอโบ ทรัมเป็ต ออร์แกนประเภทต่างๆ (เชิงบวก แบบพกพา) ฮาร์ปซิคอร์ดแบบต่างๆ ไวโอลินเป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน แต่ด้วยการพัฒนาเครื่องสายใหม่ๆ เช่น ไวโอลิน ไวโอลินจึงกลายเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีชั้นนำ

หากความคิดของยุคใหม่ตื่นขึ้นเป็นครั้งแรกในบทกวีและได้รับการพัฒนาอย่างยอดเยี่ยมในด้านสถาปัตยกรรมและการวาดภาพ ดนตรีที่เริ่มต้นด้วยเพลงพื้นบ้านก็แทรกซึมอยู่ในทุกขอบเขตของชีวิต แม้แต่ดนตรีในโบสถ์ก็ยังถูกมองว่ามีขอบเขตมากขึ้น เช่นเดียวกับภาพวาดของศิลปินในหัวข้อพระคัมภีร์ ไม่ใช่สิ่งที่ศักดิ์สิทธิ์ แต่เป็นสิ่งที่นำมาซึ่งความสุขและความเพลิดเพลิน ซึ่งผู้แต่ง นักดนตรี และคณะนักร้องประสานเสียงเองก็ใส่ใจ

กล่าวอีกนัยหนึ่ง เช่น บทกวี จิตรกรรม สถาปัตยกรรม จุดเปลี่ยนเกิดขึ้นในการพัฒนาดนตรี ด้วยการพัฒนาสุนทรียศาสตร์และทฤษฎีทางดนตรี ด้วยการสร้างสรรค์แนวเพลงใหม่ๆ โดยเฉพาะงานศิลปะสังเคราะห์ เช่น โอเปร่า และ บัลเล่ต์ซึ่งควรจะมองว่าเป็นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการที่ถ่ายทอดมาหลายศตวรรษ

ดนตรีของเนเธอร์แลนด์ในศตวรรษที่ 15 - 16 อุดมไปด้วยชื่อของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ในหมู่พวกเขา Josquin Despres (1440 - 1524) ซึ่ง Zarlino เขียนเกี่ยวกับผู้ที่ Zarlino เขียนและรับใช้ในศาลฝรั่งเศสที่โรงเรียน Franco-Flemish พัฒนาขึ้น เชื่อกันว่าความสำเร็จสูงสุดของนักดนตรีชาวดัตช์คือการร้องเพลงประสานเสียงแบบคาเปลลา ซึ่งสอดคล้องกับการผลักดันของมหาวิหารกอทิกที่สูงขึ้น

ศิลปะออร์แกนกำลังพัฒนาในประเทศเยอรมนี ในฝรั่งเศส มีการสร้างห้องสวดมนต์ในศาลและมีการจัดเทศกาลดนตรี ในปี ค.ศ. 1581 พระเจ้าเฮนรีที่ 3 ได้สถาปนาตำแหน่ง "หัวหน้าฝ่ายดนตรี" ในศาล "หัวหน้าผู้รับผิดชอบด้านดนตรี" คนแรกคือนักไวโอลินชาวอิตาลี Baltazarini de Belgioso ซึ่งจัดแสดง "The Queen's Comedy Ballet" ซึ่งเป็นการแสดงที่มีการนำเสนอดนตรีและการเต้นรำเป็นการแสดงบนเวทีเป็นครั้งแรก นี่คือวิธีที่บัลเล่ต์ในศาลเกิดขึ้น

Clément Janequin (ประมาณปี 1475 - ประมาณปี 1560) นักแต่งเพลงที่โดดเด่นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาฝรั่งเศส เป็นหนึ่งในผู้สร้างแนวเพลงโพลีโฟนิก เป็นงานที่มีเสียง 4-5 เสียง เหมือนเพลงแฟนตาซี เพลงโพลีโฟนิกฆราวาส - ชานสัน - แพร่หลายนอกประเทศฝรั่งเศส

ในศตวรรษที่ 16 การพิมพ์เพลงเริ่มแพร่หลายเป็นครั้งแรก ในปี ค.ศ. 1516 Andrea Antico ซึ่งเป็นเครื่องพิมพ์แบบโรมัน-เวเนเชียน ได้ตีพิมพ์ชุดฟรอตโตลาสำหรับเครื่องดนตรีคีย์บอร์ด อิตาลีกลายเป็นศูนย์กลางของการสร้างสรรค์ฮาร์ปซิคอร์ดและไวโอลิน มีการเปิดเวิร์คช็อปการทำไวโอลินหลายแห่ง หนึ่งในปรมาจารย์คนแรกคือ Andrea Amati ผู้โด่งดังจาก Cremona ซึ่งเป็นผู้วางรากฐานสำหรับราชวงศ์แห่งช่างทำไวโอลิน เขาได้ทำการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในการออกแบบไวโอลินที่มีอยู่ ซึ่งทำให้เสียงดีขึ้นและทำให้มันใกล้เคียงกับรูปลักษณ์ที่ทันสมัยมากขึ้น

Francesco Canova da Milano (1497 - 1543) - นักลูเตนและนักแต่งเพลงชาวอิตาลีที่โดดเด่นในยุคเรอเนซองส์ สร้างชื่อเสียงให้กับอิตาลีในฐานะประเทศแห่งนักดนตรีอัจฉริยะ เขายังคงถือว่าเป็นนักลูเทนิสต์ที่เก่งที่สุดตลอดกาล หลังจากการเสื่อมถอยของยุคกลางตอนปลาย ดนตรีกลายเป็นองค์ประกอบสำคัญของวัฒนธรรม

ในปี 1537 วิทยาลัยดนตรีแห่งแรก Santa Maria di Loreto ถูกสร้างขึ้นในเนเปิลส์โดยนักบวชชาวสเปน Giovanni Tapia ซึ่งทำหน้าที่เป็นต้นแบบให้กับเรือนกระจกรุ่นต่อๆ ไป

Adrian Willaert (ค.ศ. 1490-1562) - นักแต่งเพลงและครูชาวดัตช์ ทำงานในอิตาลี เป็นตัวแทนของโรงเรียนโพลีโฟนิก Franco-Flemish (ดัตช์) ผู้ก่อตั้งโรงเรียน Venetian Willaert พัฒนาดนตรีสำหรับคณะนักร้องประสานเสียงคู่ ซึ่งเป็นประเพณีของดนตรีหลายกลุ่มที่จะถึงจุดสูงสุดในช่วงต้นยุคบาโรกในผลงานของ Giovanni Gabrieli

ในช่วงยุคเรอเนซองส์ มาดริกัลถึงจุดสุดยอดของการพัฒนาและกลายเป็นแนวดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในยุคนั้น มาดริกัลในยุคเรอเนซองส์แตกต่างจากเพลงมาดริกัลในยุคแรกและเรียบง่ายกว่าของ Trecento เพลงมาดริกัลในยุคเรอเนซองส์เขียนขึ้นสำหรับเสียงหลายเสียง (4-6) บ่อยครั้งเขียนโดยชาวต่างชาติที่ทำงานในราชสำนักของครอบครัวทางเหนือที่มีอิทธิพล ชาวมาดริกาลิสต์พยายามสร้างงานศิลปะชั้นสูง โดยมักใช้บทกวีที่ได้รับการปรับปรุงใหม่ของกวีชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่แห่งยุคกลางตอนปลาย ได้แก่ Francesco Petrarch, Giovanni Boccaccio และคนอื่นๆ คุณลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของมาดริกัลคือการไม่มีหลักโครงสร้างที่เข้มงวด หลักการสำคัญคือการแสดงออกทางความคิดและความรู้สึกอย่างอิสระ

นักประพันธ์เพลงเช่นโรงเรียน Venetian ของ Cipriano de Rore และโรงเรียน French-Flemish ของ Roland de Lassus (ออร์แลนโดดิลาสโซในอาชีพชาวอิตาลีของเขา) ทดลองกับการเพิ่มสี ความกลมกลืน จังหวะ เนื้อสัมผัส และวิธีการอื่นในการแสดงออกทางดนตรี ประสบการณ์ของพวกเขาจะดำเนินต่อไปและสิ้นสุดในยุคลัทธินิยมของ Carlo Gesualdo

เพลงโพลีโฟนิกที่สำคัญอีกรูปแบบหนึ่งคือวิลลาเนล มีต้นกำเนิดจากเพลงยอดนิยมในเนเปิลส์ และแพร่กระจายอย่างรวดเร็วไปทั่วอิตาลี และต่อมาก็แพร่ขยายไปยังฝรั่งเศส อังกฤษ และเยอรมนี วิลลาเนลชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 16 เป็นแรงผลักดันอย่างมากต่อการพัฒนาขั้นตอนของคอร์ดและผลที่ตามมาคือโทนเสียงฮาร์โมนิก

การกำเนิดของโอเปร่า (ฟลอเรนซ์ คาเมราตา)

การสิ้นสุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาถูกทำเครื่องหมายด้วยเหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรีนั่นคือการกำเนิดของโอเปร่า

กลุ่มนักมานุษยวิทยา นักดนตรี และกวีรวมตัวกันในฟลอเรนซ์ภายใต้การอุปถัมภ์ของผู้นำของพวกเขา เคานต์จิโอวานนี เด บาร์ดี (1534 - 1612) กลุ่มนี้ถูกเรียกว่า "Camerata" สมาชิกหลักคือ Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (บิดาของนักดาราศาสตร์ Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri และ Ottavio Rinuccini เมื่ออายุยังน้อย

การประชุมที่ได้รับการบันทึกไว้ครั้งแรกของกลุ่มเกิดขึ้นในปี 1573 และปีที่มีการใช้งานมากที่สุดของ Florentine Camerata คือปี 1577 - 1582

พวกเขาเชื่อว่าดนตรี "แย่ลง" และพยายามกลับคืนสู่รูปแบบและสไตล์ของกรีกโบราณ โดยเชื่อว่าศิลปะแห่งดนตรีสามารถปรับปรุงได้ และสังคมก็จะดีขึ้นตามนั้น คาเมราตาวิพากษ์วิจารณ์ดนตรีที่มีอยู่สำหรับการใช้พหุโฟนีมากเกินไป โดยสูญเสียความสามารถในการเข้าใจข้อความและสูญเสียองค์ประกอบทางบทกวีของงาน และเสนอให้สร้างรูปแบบดนตรีใหม่ซึ่งมีข้อความในรูปแบบโมโนดิกร่วมกับดนตรีบรรเลง การทดลองของพวกเขานำไปสู่การสร้างรูปแบบเสียงร้องและดนตรีใหม่ - การบรรยายซึ่งใช้ครั้งแรกโดย Emilio de Cavalieri ซึ่งต่อมาเกี่ยวข้องโดยตรงกับการพัฒนาโอเปร่า

โอเปร่าแรกที่ได้รับการยอมรับอย่างเป็นทางการซึ่งเป็นไปตามมาตรฐานสมัยใหม่คือ Daphne ซึ่งแสดงครั้งแรกในปี 1598 ผู้แต่ง Daphne คือ Jacopo Peri และ Jacopo Corsi บทโดย Ottavio Rinuccini โอเปร่านี้ไม่รอด โอเปร่าแรกที่ยังมีชีวิตอยู่คือ Euridice (1600) โดยผู้เขียนคนเดียวกัน - Jacopo Peri และ Ottavio Rinuccini สหภาพสร้างสรรค์แห่งนี้ยังได้สร้างสรรค์ผลงานมากมาย ซึ่งส่วนใหญ่สูญหายไป

การฟื้นฟูภาคเหนือ.

ดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือก็น่าสนใจเช่นกัน เมื่อถึงศตวรรษที่ 16 มีนิทานพื้นบ้านมากมายโดยเน้นเสียงร้องเป็นหลัก ได้ยินเสียงดนตรีทุกที่ในเยอรมนี ในงานเทศกาล ในโบสถ์ งานสังคม และในค่ายทหาร สงครามชาวนาและการปฏิรูปทำให้เกิดความคิดสร้างสรรค์เพลงพื้นบ้านเพิ่มขึ้นครั้งใหม่ มีเพลงสวดนิกายลูเธอรันที่แสดงออกถึงอารมณ์หลายเพลงซึ่งไม่ทราบผู้แต่ง การร้องเพลงประสานเสียงกลายเป็นรูปแบบสำคัญของการนมัสการของนิกายลูเธอรัน การร้องเพลงประสานเสียงของโปรเตสแตนต์มีอิทธิพลต่อการพัฒนาดนตรียุโรปทั้งหมดในเวลาต่อมา

ดนตรีหลากหลายรูปแบบในประเทศเยอรมนีในคริสต์ศตวรรษที่ 16 มันน่าทึ่งมาก: มีการแสดงบัลเล่ต์และโอเปร่าใน Maslenitsa เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่เอ่ยชื่อเช่น K. Paumann, P. Hofheimer เหล่านี้เป็นนักแต่งเพลงที่แต่งเพลงฆราวาสและเพลงในโบสถ์โดยเฉพาะสำหรับออร์แกน พวกเขาเข้าร่วมโดยนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส - เฟลมิชที่โดดเด่นซึ่งเป็นตัวแทนของโรงเรียนชาวดัตช์ O. Lasso เขาทำงานในหลายประเทศในยุโรป เขาสรุปและพัฒนาความสำเร็จของโรงเรียนดนตรียุโรปหลายแห่งในยุคเรอเนซองส์อย่างสร้างสรรค์ ปริญญาโทสาขาดนตรีประสานเสียงทางศาสนาและฆราวาส (มากกว่า 2,000 บทเพลง)

แต่การปฏิวัติอย่างแท้จริงในดนตรีเยอรมันประสบความสำเร็จโดย Heinrich Schütz (1585-1672) นักแต่งเพลง หัวหน้าวงดนตรี นักออร์แกน และอาจารย์ ผู้ก่อตั้งโรงเรียนการแต่งเพลงแห่งชาติ ซึ่งเป็นโรงเรียนที่ใหญ่ที่สุดในบรรดาสถาบัน I.S. บาค. Schützเขียนโอเปร่าเยอรมันเรื่องแรก "Daphne" (1627), โอเปร่าบัลเล่ต์ "Orpheus and Eurydice" (1638); มาดริกาล งานแคนตาตา-โอราทอริโอทางจิตวิญญาณ (“ความหลงใหล” คอนแชร์โต มอเตต สดุดี ฯลฯ)

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการหรือยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นช่วงเวลาในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมของยุโรปตะวันตกและยุโรปกลาง ครอบคลุมประมาณศตวรรษที่ 14-16 ช่วงเวลานี้ได้รับชื่อจากการฟื้นตัวของความสนใจในศิลปะโบราณซึ่งต่อมาได้กลายเป็นอุดมคติสำหรับบุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมในยุคปัจจุบัน นักแต่งเพลงและนักทฤษฎีดนตรี - J. Tinctoris, G. Tsarlino และคนอื่น ๆ - ศึกษาบทความดนตรีกรีกโบราณ ในผลงานของ Josquin Despres ซึ่งถูกเปรียบเทียบกับ Michelangelo ตามคำกล่าวของโคตร "ความสมบูรณ์แบบที่หายไปของดนตรีของชาวกรีกโบราณได้รับการฟื้นคืนชีพ" ซึ่งปรากฏเมื่อปลายศตวรรษที่ 16 และต้นศตวรรษที่ 17 โอเปร่าได้รับคำแนะนำจากกฎแห่งการละครโบราณ

ชั้นเรียนทฤษฎีดนตรี จากการแกะสลักของศตวรรษที่ 16

เจ.พี. ปาเลสตรินา.

การพัฒนาวัฒนธรรมยุคเรอเนซองส์สัมพันธ์กับความเจริญรุ่งเรืองของทุกด้านของสังคม โลกทัศน์ใหม่ถือกำเนิดขึ้น - มนุษยนิยม (จากภาษาละติน humanus - "มนุษยธรรม") การปลดปล่อยพลังสร้างสรรค์นำไปสู่การพัฒนาอย่างรวดเร็วของวิทยาศาสตร์ การค้า และงานฝีมือ และความสัมพันธ์แบบทุนนิยมรูปแบบใหม่ก็ได้เป็นรูปเป็นร่างขึ้นในระบบเศรษฐกิจ การประดิษฐ์การพิมพ์มีส่วนช่วยในการเผยแพร่การศึกษา การค้นพบทางภูมิศาสตร์ครั้งยิ่งใหญ่และระบบเฮลิโอเซนทริกของโลกของเอ็น. โคเปอร์นิคัสได้เปลี่ยนความคิดเกี่ยวกับโลกและจักรวาล

วิจิตรศิลป์ สถาปัตยกรรม และวรรณคดีมีความเจริญรุ่งเรืองอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ทัศนคติใหม่สะท้อนให้เห็นในดนตรีและเปลี่ยนรูปลักษณ์ของมัน เธอค่อยๆ ละทิ้งบรรทัดฐานของหลักการยุคกลาง สไตล์เป็นรายบุคคล และแนวคิดของ "นักแต่งเพลง" ก็ปรากฏขึ้นเป็นครั้งแรก พื้นผิวของผลงานเปลี่ยนไปจำนวนเสียงเพิ่มขึ้นเป็นสี่หกเสียงขึ้นไป (ตัวอย่างเช่น Canon 36 เสียงที่มาจากตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของโรงเรียนชาวดัตช์ J. Ockeghem เป็นที่รู้จัก) ในความสามัคคี พยัญชนะพยัญชนะมีอิทธิพลเหนือ การใช้ความไม่สอดคล้องกันถูกจำกัดโดยกฎพิเศษอย่างเคร่งครัด (ดู ความสอดคล้องและความไม่สอดคล้องกัน) โหมดเมเจอร์และไมเนอร์และระบบนาฬิกาของลักษณะจังหวะของเพลงในภายหลังจะเกิดขึ้น

ผู้แต่งใช้วิธีการใหม่ทั้งหมดนี้เพื่อถ่ายทอดโครงสร้างพิเศษของความรู้สึกของมนุษย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - ประเสริฐ กลมกลืน สงบและสง่างาม ความเชื่อมโยงระหว่างข้อความกับดนตรีเริ่มใกล้ชิดกันมากขึ้น ดนตรีเริ่มถ่ายทอดอารมณ์ หรืออย่างที่พวกเขาพูดไปแล้ว ผลกระทบของข้อความแต่ละคำ เช่น "ชีวิต" "ความตาย" "ความรัก" ฯลฯ มักแสดงด้วยวิธีดนตรีพิเศษ

ดนตรีแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาพัฒนาขึ้นในสองทิศทาง - โบสถ์และฆราวาส แนวเพลงหลักของดนตรีในคริสตจักรคือดนตรีมวลชนและโมเท็ต - โพลีโฟนิกโพลีโฟนิกเป็นผลงานสำหรับคณะนักร้องประสานเสียง โดยไม่มีผู้ร่วมเดินทางหรือมีวงดนตรีบรรเลงร่วม (ดูดนตรีประสานเสียง โพลีโฟนี) ในบรรดาเครื่องดนตรีนั้น ให้ความสำคัญกับออร์แกนมากกว่า

การพัฒนาดนตรีฆราวาสได้รับการอำนวยความสะดวกโดยการเติบโตของการทำดนตรีสมัครเล่น ดนตรีดังขึ้นทุกที่: บนถนน, ในบ้านของพลเมือง, ในพระราชวังของขุนนางผู้สูงศักดิ์ นักแสดงฝีมือดีในคอนเสิร์ตกลุ่มแรกปรากฏตัวบนลูต ฮาร์ปซิคอร์ด ออร์แกน ไวโอลิน และขลุ่ยตามยาวประเภทต่างๆ ในเพลงโพลีโฟนิก (มาดริกัลในอิตาลี, ชานสันในฝรั่งเศส) ผู้แต่งพูดถึงความรักและทุกสิ่งที่เกิดขึ้นในชีวิต ต่อไปนี้เป็นชื่อเพลงบางเพลง: "Stag Hunt", "Echo", "Battle of Marignano"

ในศตวรรษที่ XV-XVI ความสำคัญของศิลปะการเต้นรำเพิ่มขึ้นบทความมากมายและคู่มือการปฏิบัติเกี่ยวกับการออกแบบท่าเต้นคอลเลกชันของเพลงเต้นรำปรากฏขึ้นซึ่งรวมถึงการเต้นรำยอดนิยมในยุคนั้น - การเต้นรำเบส, แบรนเล, พาเวน, กัลลิอาร์ด

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา โรงเรียนดนตรีแห่งชาติได้ก่อตั้งขึ้น ที่ใหญ่ที่สุดคือโรงเรียนโพลีโฟนิกดัตช์ (ฝรั่งเศส - เฟลมิช) ตัวแทนคือ G. Dufay, C. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Depres, O. Lasso โรงเรียนระดับชาติอื่นๆ ได้แก่ ภาษาอิตาลี (J.P. Palestrina), สเปน (T.L. de Victoria), อังกฤษ (W. Bird) และภาษาเยอรมัน (L. Senfl)

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา(ภาษาฝรั่งเศส) ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา) - ยุคแห่งชีวิตทางวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ของยุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 15-16 (ในอิตาลี - ศตวรรษที่ XIV-XVI) นี่คือช่วงเวลาของการเกิดขึ้นและพัฒนาการของความสัมพันธ์แบบทุนนิยม การก่อตั้งชาติ ภาษา และวัฒนธรรมของชาติ ยุคเรอเนซองส์เป็นช่วงเวลาแห่งการค้นพบทางภูมิศาสตร์ที่ยิ่งใหญ่ การประดิษฐ์การพิมพ์ และการพัฒนาทางวิทยาศาสตร์

ยุคได้รับชื่อเนื่องจาก การฟื้นฟูสนใจใน โบราณศิลปะซึ่งต่อมาได้กลายเป็นอุดมคติสำหรับบุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมในยุคนั้น นักแต่งเพลงและนักทฤษฎีดนตรี - J. Tinktoris, G. Tsarlino และคนอื่น ๆ - ศึกษาบทความดนตรีกรีกโบราณ ในงานดนตรีของ Josquin Despres ซึ่งได้รับการเปรียบเทียบกับ Michelangelo ว่า "ความสมบูรณ์แบบที่สูญหายไปของชาวกรีกโบราณได้เพิ่มขึ้น"; ปรากฏในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 - ต้นศตวรรษที่ 17 โอเปร่าเน้นไปที่กฎของละครโบราณ

พื้นฐานของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือ มนุษยนิยม(จากภาษาละติน "humanus" - มนุษยธรรมมนุษยธรรม) - มุมมองที่ประกาศว่ามนุษย์มีคุณค่าสูงสุดปกป้องสิทธิมนุษยชนในการประเมินปรากฏการณ์แห่งความเป็นจริงของเขาเองนำเสนอความต้องการความรู้ทางวิทยาศาสตร์และการสะท้อนปรากฏการณ์ที่เพียงพอ ของความเป็นจริงในงานศิลปะ นักอุดมการณ์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเปรียบเทียบเทววิทยาในยุคกลางกับอุดมคติใหม่ของบุคคลที่ตื้นตันใจด้วยความรู้สึกและความสนใจทางโลก ในเวลาเดียวกัน ศิลปะของยุคเรอเนซองส์ยังคงรักษาคุณลักษณะของยุคก่อนไว้ (โดยพื้นฐานแล้วเป็นฆราวาสจึงใช้ภาพของศิลปะยุคกลาง)

ยุคเรอเนซองส์ยังเป็นช่วงเวลาของการเคลื่อนไหวทางศาสนาที่ต่อต้านระบบศักดินาและต่อต้านคาทอลิกในวงกว้าง (ลัทธิ Hussiteism ในสาธารณรัฐเช็ก ลัทธิลูเธอรันในเยอรมนี ลัทธิคาลวินในฝรั่งเศส) ขบวนการทางศาสนาทั้งหมดนี้รวมกันเป็นหนึ่งเดียวกันด้วยแนวคิดร่วมกันคือ “ โปรเตสแตนต์" (หรือ " การปฏิรูป»).

ในช่วงยุคเรอเนซองส์ ศิลปะ (รวมถึงดนตรี) มีอำนาจสาธารณะมหาศาลและแพร่หลายอย่างมาก วิจิตรศิลป์ (L. da Vinci, Raphael, Michelangelo, Jan Van Eyck, P. Bruegel ฯลฯ) สถาปัตยกรรม (F. Brunelleschi, A. Palladio) วรรณกรรม (Dante, F. Petrarch, F. Rabelais, M. Cervantes , ดับเบิลยู. เชคสเปียร์), ดนตรี.

ลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยา:

การพัฒนาอย่างรวดเร็ว ฆราวาสดนตรี (การแพร่กระจายของแนวเพลงฆราวาส: มาดริกัล, frottoles, villanelles, "chansons" ของฝรั่งเศส, เพลงโพลีโฟนิกภาษาอังกฤษและเยอรมัน) การโจมตีวัฒนธรรมดนตรีของคริสตจักรเก่าซึ่งมีอยู่คู่ขนานกับฆราวาส;

เหมือนจริงแนวโน้มทางดนตรี: หัวข้อใหม่, ภาพที่สอดคล้องกับมุมมองมนุษยนิยมและเป็นผลให้มีวิธีการแสดงออกทางดนตรีแบบใหม่

พื้นบ้าน ทำนองเป็นจุดเริ่มต้นชั้นนำของงานดนตรี เพลงพื้นบ้านใช้เป็น Cantus Firmus (ทำนองหลักที่ไม่เปลี่ยนแปลงในเทเนอร์ในงานโพลีโฟนิก) และในดนตรีโพลีโฟนิก (รวมถึงดนตรีคริสตจักร) ทำนองจะนุ่มนวลขึ้น ยืดหยุ่นขึ้น และไพเราะมากขึ้น เพราะ... เป็นการแสดงออกโดยตรงของประสบการณ์ของมนุษย์

การพัฒนาที่ทรงพลัง โพลีโฟนิคเพลงรวม และ " สไตล์ที่เข้มงวด" (มิฉะนั้น - " พฤกษ์เสียงร้องคลาสสิก", เพราะ เน้นการแสดงร้องและร้องประสานเสียง) สไตล์ที่เข้มงวดถือเป็นการบังคับให้ปฏิบัติตามกฎที่กำหนดไว้ (บรรทัดฐานของสไตล์ที่เข้มงวดถูกกำหนดโดยชาวอิตาลี G. Zarlino)

ปรมาจารย์แห่งสไตล์ที่เข้มงวดเชี่ยวชาญเทคนิคการหักล้างการเลียนแบบและหลักการ การเขียนที่เข้มงวดมีพื้นฐานอยู่บนระบบของรูปแบบคริสตจักรแบบไดโทนิก ความสอดคล้องมีอิทธิพลเหนือความสามัคคี การใช้ความไม่สอดคล้องกันถูกจำกัดโดยกฎพิเศษอย่างเคร่งครัดเพิ่มโหมดหลักและโหมดรองและระบบนาฬิกาแล้ว เนื้อหาหลักคือบทสวดเกรโกเรียน แต่มีการใช้ท่วงทำนองฆราวาสด้วย

แนวคิดของสไตล์ที่เข้มงวดไม่ครอบคลุมดนตรีโพลีโฟนิกทั้งหมดของยุคเรอเนซองส์ เน้นไปที่พฤกษ์ของ Palestrina และ O. Lasso เป็นหลัก;

การก่อตัวของนักดนตรีรูปแบบใหม่ – มืออาชีพซึ่งได้รับการศึกษาด้านดนตรีเฉพาะทางอย่างครบวงจร แนวคิดเรื่อง “นักประพันธ์เพลง” ปรากฏเป็นครั้งแรก

การก่อตั้งโรงเรียนดนตรีแห่งชาติ (อังกฤษ ดัตช์ อิตาลี เยอรมัน ฯลฯ );

การปรากฏตัวของนักแสดงชุดแรก

พิณ, ละเมิด, ไวโอลิน, ฮาร์ปซิคอร์ด, ออร์แกน;

ความเจริญรุ่งเรืองของการทำดนตรีสมัครเล่น

การเกิดขึ้นของการพิมพ์เพลง

แนวดนตรีที่สำคัญของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

นักทฤษฎีดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: โยฮันน์ ทิงทอริส (1446 - 1511)

วัฒนธรรมดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

คุณลักษณะของดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งรวมถึงยุคดนตรีของศตวรรษที่ 15-16 คือการผสมผสานระหว่างโรงเรียนระดับชาติต่างๆ ซึ่งในขณะเดียวกันก็มีแนวโน้มการพัฒนาร่วมกัน ผู้เชี่ยวชาญระบุองค์ประกอบแรกของยุคอารมณ์ในดนตรีสไตล์อิตาลี ยิ่งไปกว่านั้น ในบ้านเกิดของยุคเรอเนซองส์ "ดนตรีใหม่" เริ่มปรากฏให้เห็นเมื่อปลายศตวรรษที่ 14 คุณสมบัติของสไตล์เรอเนซองส์ปรากฏชัดเจนที่สุดในโรงเรียนดนตรีดัตช์เริ่มตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 15 คุณลักษณะของดนตรีดัตช์เพิ่มความสนใจในการเรียบเรียงเสียงร้องพร้อมกับเครื่องดนตรีที่เหมาะสม นอกจากนี้การเรียบเรียงเสียงร้องโพลีโฟนิกยังเป็นลักษณะของทั้งดนตรีคริสตจักรของโรงเรียนดัตช์และทิศทางทางโลก

เป็นลักษณะเฉพาะที่โรงเรียนชาวดัตช์มีอิทธิพลอย่างมากต่อประเพณีดนตรียุโรปยุคเรอเนซองส์ที่เหลือ

ดังนั้นในศตวรรษที่ 16 มันจึงแพร่กระจายไปยังฝรั่งเศส เยอรมนี และอังกฤษ นอกจากนี้ การเรียบเรียงเสียงร้องแบบฆราวาสในสไตล์ดัตช์ยังแสดงในภาษาต่างๆ เช่น นักประวัติศาสตร์ดนตรีมองเห็นต้นกำเนิดของเพลงชานซงภาษาฝรั่งเศสแบบดั้งเดิมในเพลงเหล่านี้ ดนตรียุโรปในยุคเรอเนซองส์ทั้งหมดมีลักษณะเป็นสองกระแสที่ดูเหมือนมีหลายทิศทาง หนึ่งในนั้นนำไปสู่การแต่งเพลงเป็นรายบุคคลอย่างชัดเจน: ในงานฆราวาสต้นกำเนิดของผู้เขียนปรากฏให้เห็นมากขึ้นเรื่อย ๆ เนื้อเพลงส่วนตัวประสบการณ์และอารมณ์ของนักแต่งเพลงคนใดคนหนึ่งก็ปรากฏขึ้น

แนวโน้มอีกประการหนึ่งสะท้อนให้เห็นในการจัดระบบทฤษฎีดนตรีที่เพิ่มขึ้น งานทั้งคริสตจักรและฆราวาสมีความซับซ้อนมากขึ้นเรื่อย ๆ ดนตรีโพลีโฟนีได้รับการปรับปรุงและพัฒนา ประการแรก ในดนตรีคริสตจักร มีการร่างกฎที่ชัดเจนสำหรับรูปแบบ ลำดับฮาร์โมนิก เสียงนำทาง และอื่นๆ ที่คล้ายกัน

นักทฤษฎีหรือนักประพันธ์เพลงแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา?

สิ่งที่เกี่ยวข้องกับธรรมชาติที่ซับซ้อนของการพัฒนาดนตรีในยุคเรอเนซองส์คือความจริงที่ว่าในปัจจุบันมีการถกเถียงกันว่าบุคคลสำคัญทางดนตรีในยุคนั้นควรได้รับการพิจารณาให้เป็นนักแต่งเพลง นักทฤษฎี หรือนักวิทยาศาสตร์ จากนั้นไม่มี "การแบ่งงาน" ที่ชัดเจน นักดนตรีจึงรวมหน้าที่ต่างๆ เข้าด้วยกัน ดังนั้น ชาวสวิส กลาเรียน ซึ่งอาศัยและทำงานในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 16 จึงเป็นนักทฤษฎีมากกว่า เขามีส่วนสำคัญต่อทฤษฎีดนตรี โดยเป็นพื้นฐานสำหรับการแนะนำแนวคิดต่างๆ เช่น เมเจอร์และไมเนอร์ ในเวลาเดียวกัน เขามองว่าดนตรีเป็นแหล่งของความเพลิดเพลิน กล่าวคือ เขาสนับสนุนธรรมชาติทางโลกของดนตรี โดยปฏิเสธการพัฒนาดนตรีในแง่มุมทางศาสนาของยุคกลางอย่างแท้จริง นอกจากนี้ Glarean ยังมองเห็นดนตรีที่เกี่ยวข้องกับบทกวีอย่างแยกไม่ออกเท่านั้น ดังนั้นเขาจึงให้ความสำคัญกับแนวเพลงเป็นอย่างมาก

Josephfo Zarlino ชาวอิตาลีซึ่งมีกิจกรรมสร้างสรรค์เกิดขึ้นในไตรมาสที่สอง - ปลายศตวรรษที่ 16 ได้พัฒนาและเสริมการพัฒนาทางทฤษฎีที่นำเสนอข้างต้นเป็นส่วนใหญ่ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง อันดับแรกเขาเสนอให้เชื่อมโยงแนวคิดเรื่องเอกและผู้เยาว์ที่กำหนดไว้แล้วเข้ากับอารมณ์ทางอารมณ์ของบุคคล เชื่อมโยงผู้เยาว์เข้ากับความเศร้าโศกและความโศกเศร้า และเชื่อมโยงวิชาเอกกับความสุขและความรู้สึกประเสริฐ นอกจากนี้ Zarlino ยังคงสืบทอดประเพณีโบราณในการตีความดนตรี สำหรับเขา ดนตรีคือการแสดงออกที่จับต้องได้ของความกลมกลืนที่จักรวาลควรดำรงอยู่ ด้วยเหตุนี้ ดนตรีจึงเป็นการแสดงอัจฉริยะทางความคิดสร้างสรรค์ขั้นสูงสุดและที่สำคัญที่สุดของศิลปะ

ดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยามาจากไหน?

ทฤษฎีก็คือทฤษฎี แต่ในทางปฏิบัติ ดนตรีเป็นสิ่งที่คิดไม่ถึงหากไม่มีเครื่องดนตรี แน่นอนว่าด้วยความช่วยเหลือของพวกเขา ศิลปะดนตรีแห่งยุคเรอเนซองส์ก็มีชีวิตขึ้นมา เครื่องดนตรีหลักที่ "อพยพ" ไปสู่ยุคเรอเนซองส์จากยุคดนตรียุคกลางก่อนหน้านี้คือออร์แกน เครื่องดนตรีประเภทลมแบบคีย์บอร์ดนี้ถูกนำมาใช้อย่างแข็งขันในดนตรีของคริสตจักร และเนื่องจากเป็นสถานที่ที่สำคัญที่สุดในการประพันธ์เพลงอันศักดิ์สิทธิ์ในดนตรียุคเรอเนซองส์ ความสำคัญของออร์แกนจึงยังคงอยู่ แม้ว่าโดยทั่วไปแล้ว “น้ำหนักเฉพาะ” ของเครื่องดนตรีนี้อาจลดลง แต่เครื่องสายแบบโค้งและดึงออกเป็นผู้นำ อย่างไรก็ตาม ออร์แกนถือเป็นจุดเริ่มต้นของทิศทางที่แยกจากกันของเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดซึ่งมีเสียงที่สูงกว่าและเป็นฆราวาสมากขึ้น ที่พบมากที่สุดคือฮาร์ปซิคอร์ด

เครื่องสายแบบโค้งคำนับได้พัฒนาครอบครัวที่แยกจากกันทั้งหมด - การละเมิด การละเมิดคือเครื่องดนตรีที่มีรูปแบบและการใช้งานคล้ายกับเครื่องดนตรีไวโอลินสมัยใหม่ (ไวโอลิน วิโอลา เชลโล) มีแนวโน้มที่จะมีความผูกพันทางครอบครัวระหว่างการละเมิดและตระกูลไวโอลิน แต่การละเมิดนั้นมีลักษณะเฉพาะที่แตกต่างกันออกไป พวกเขามี "เสียง" ของแต่ละคนที่เด่นชัดกว่ามากซึ่งมีโทนสีนุ่มนวล การละเมิดมีจำนวนสายหลักและสายรีโซแนนซ์เท่ากัน ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมจึงพิถีพิถันและปรับแต่งได้ยาก ดังนั้นการละเมิดจึงมักเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวแทบทุกครั้งจึงแทบเป็นไปไม่ได้เลยที่จะบรรลุการใช้อย่างกลมกลืนในวงออเคสตรา

สำหรับเครื่องสายที่ดึงออกมา สถานที่หลักในหมู่พวกเขาในช่วงยุคเรอเนซองส์ถูกครอบครองโดยพิตซึ่งปรากฏในยุโรปประมาณศตวรรษที่ 15 พิณมีต้นกำเนิดจากตะวันออกและมีโครงสร้างเฉพาะ เครื่องดนตรีเสียงที่สามารถสร้างได้ทั้งด้วยมือและด้วยความช่วยเหลือของจานพิเศษ (คล้ายกับคนกลางสมัยใหม่) ได้รับความนิยมอย่างรวดเร็วในโลกเก่า

อเล็กซานเดอร์ เบบิทสกี้

ปรากฏการณ์ที่โดดเด่นที่สุดคือแนวเสียงร้องฆราวาสที่แพร่หลายในเวลานั้น ซึ่งเต็มไปด้วยจิตวิญญาณของกระแสมนุษยนิยม ความเป็นมืออาชีพของศิลปะดนตรีมีบทบาทพิเศษในการพัฒนา: ทักษะของนักดนตรีเติบโตขึ้น มีการจัดโรงเรียนสอนร้องเพลงซึ่งมีการสอนการร้องเพลง การเล่นออร์แกน และทฤษฎีดนตรีตั้งแต่อายุยังน้อย ทั้งหมดนี้นำไปสู่การสร้างพหูพจน์ในรูปแบบที่เข้มงวดโดยต้องใช้ทักษะสูงและความเชี่ยวชาญด้านองค์ประกอบและเทคนิคการแสดงอย่างมืออาชีพ ภายในกรอบของสไตล์นี้ มีกฎที่ค่อนข้างเข้มงวดสำหรับการนำทางด้วยเสียงและการจัดระเบียบจังหวะ ในขณะที่ยังคงรักษาความเป็นอิสระของเสียงสูงสุด แม้ว่าดนตรีของคริสตจักรจะครอบครองพื้นที่ขนาดใหญ่ในผลงานของปรมาจารย์ที่มีสไตล์ที่เข้มงวดพร้อมกับผลงานเกี่ยวกับตำราทางจิตวิญญาณ แต่ผู้แต่งเหล่านี้ก็เขียนเพลงโพลีโฟนิกทางโลกหลายเพลง สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือภาพดนตรีและบทกวีของแนวเสียงร้องทางโลก ข้อความมีความโดดเด่นด้วยความมีชีวิตชีวาและความเกี่ยวข้องของเนื้อหา นอกจากเนื้อเพลงรักแล้ว ข้อความเสียดสี ไร้สาระ และไดไทแรมบิกซึ่งผสมผสานกับเทคนิคการเขียนโพลีโฟนิกระดับมืออาชีพที่ยอดเยี่ยม ยังได้รับความนิยมอย่างมาก นี่คือบทเพลงภาษาฝรั่งเศสบางส่วนซึ่งเป็นตัวอย่างเนื้อเพลงประจำวัน “ลุกขึ้นเถิด โคลิเน็ตต์ ถึงเวลาที่จะไปดื่มแล้ว เสียงหัวเราะและความสุข - นั่นคือสิ่งที่ฉันพยายามทำให้ทุกคนยอมแพ้ต่อความสุข” ”, “ ขอให้ความมั่งคั่งถูกสาป, ฉันมีเพื่อนของฉันไปแล้ว: ฉันเข้าครอบครองความรักของเธอ, และอีกอย่าง - ความมั่งคั่ง, ความรักที่จริงใจในเรื่องความรักนั้นมีค่าเพียงเล็กน้อย”

วัฒนธรรมเรอเนซองส์ปรากฏตัวครั้งแรกในอิตาลี จากนั้นในประเทศอื่นๆ ประวัติศาสตร์ได้เก็บรักษาข้อมูลเกี่ยวกับการเคลื่อนไหวบ่อยครั้งของนักดนตรีชื่อดังจากประเทศหนึ่งไปอีกประเทศหนึ่งเกี่ยวกับงานของพวกเขาในโบสถ์แห่งใดแห่งหนึ่งเกี่ยวกับการสื่อสารบ่อยครั้งระหว่างตัวแทนของชนชาติต่าง ๆ เป็นต้น ดังนั้นในดนตรีแห่งยุคเรอเนซองส์เราจึงสังเกตเห็นความสำคัญ ความสัมพันธ์ระหว่างผลงานที่สร้างโดยนักประพันธ์เพลงในโรงเรียนระดับชาติต่างๆ

ศตวรรษที่ 16 มักถูกเรียกว่า "ยุคแห่งการเต้นรำ" ภายใต้อิทธิพลของอุดมคติที่เห็นอกเห็นใจของยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี เขื่อนกั้นข้อห้ามของคริสตจักรก็ถูกทำลายในที่สุด และความโหยหา "ทางโลก" ความสุขทางโลกเผยให้เห็นว่าเป็นการระเบิดขององค์ประกอบการเต้นรำและเพลงอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ปัจจัยอันทรงพลังในการทำให้เพลงและการเต้นรำเป็นที่นิยมในศตวรรษที่ 16 การประดิษฐ์วิธีการพิมพ์เพลงมีบทบาท: การเต้นรำที่ตีพิมพ์ในปริมาณมากเริ่มเดินทางจากประเทศหนึ่งไปอีกประเทศหนึ่ง แต่ละประเทศมีส่วนในงานอดิเรกทั่วไป ดังนั้นการเต้นรำที่แยกตัวออกจากดินแดนบ้านเกิดของพวกเขา เดินทางข้ามทวีป เปลี่ยนรูปลักษณ์ของพวกเขา และบางครั้งก็ถึงกับชื่อของพวกเขาด้วยซ้ำ แฟชั่นสำหรับพวกเขาแพร่กระจายอย่างรวดเร็วและเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็ว

ในเวลาเดียวกัน ยุคเรอเนซองส์เป็นช่วงเวลาของการเคลื่อนไหวทางศาสนาในวงกว้าง (ลัทธิ Hussiteism ในสาธารณรัฐเช็ก ลัทธิลูเธอรันในเยอรมนี ลัทธิคาลวินในฝรั่งเศส) การแสดงออกต่างๆ มากมายของขบวนการทางศาสนาในสมัยนั้นสามารถรวมกันเป็นหนึ่งเดียวได้ด้วยแนวคิดทั่วไปของลัทธิโปรเตสแตนต์ โปรเตสแตนต์ในขบวนการระดับชาติต่างๆมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาและเสริมสร้างความเข้มแข็งของชุมชนวัฒนธรรมดนตรีของประชาชนโดยเฉพาะในด้านดนตรีพื้นบ้าน ตรงกันข้ามกับลัทธิมนุษยนิยมซึ่งรวมกลุ่มคนค่อนข้างแคบ ลัทธิโปรเตสแตนต์เป็นขบวนการที่แพร่หลายมากกว่าซึ่งแพร่กระจายไปในหมู่ประชาชนในวงกว้าง ปรากฏการณ์ที่โดดเด่นที่สุดอย่างหนึ่งในศิลปะดนตรีแห่งยุคเรอเนซองส์คือการร้องเพลงประสานเสียงของโปรเตสแตนต์ มีต้นกำเนิดในประเทศเยอรมนีภายใต้อิทธิพลของขบวนการปฏิรูปซึ่งตรงกันข้ามกับคุณลักษณะของการนมัสการแบบคาทอลิกมีความโดดเด่นด้วยเนื้อหาทางอารมณ์และความหมายพิเศษ ลูเทอร์และตัวแทนโปรเตสแตนต์คนอื่นๆ ให้ความสำคัญกับดนตรีเป็นอย่างมาก: “ดนตรีทำให้ผู้คนสนุกสนาน ทำให้พวกเขาลืมความโกรธ ขจัดความมั่นใจในตนเองและข้อบกพร่องอื่นๆ... เยาวชนจะต้องได้รับการสอนดนตรีอย่างต่อเนื่อง เพราะมันหล่อหลอมคนที่คล่องแคล่วซึ่งสามารถทำอะไรก็ได้ ” ดังนั้นดนตรีในขบวนการปฏิรูปจึงไม่ถือว่าหรูหรา แต่เป็น "ขนมปังประจำวัน" - มันถูกเรียกร้องให้มีบทบาทสำคัญในการส่งเสริมนิกายโปรเตสแตนต์และการก่อตัวของจิตสำนึกทางจิตวิญญาณของมวลชนในวงกว้าง

ประเภท:

ประเภทแกนนำ

ยุคสมัยโดยรวมนั้นมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความโดดเด่นของแนวเสียงร้องที่ชัดเจนและโดยเฉพาะอย่างยิ่งเสียงร้อง พฤกษ์- ความเชี่ยวชาญด้านพหูพจน์ที่ซับซ้อนผิดปกติในรูปแบบที่เข้มงวด วิชาการอย่างแท้จริง และเทคนิคอันชาญฉลาดอยู่ร่วมกับศิลปะที่สดใสและสดใหม่ของการเผยแพร่ทุกวัน ดนตรีบรรเลงมีความเป็นอิสระบ้าง แต่การพึ่งพาโดยตรงต่อรูปแบบเสียงร้องและแหล่งที่มาในชีวิตประจำวัน (การเต้นรำ เพลง) จะเอาชนะได้ในภายหลัง แนวดนตรีหลักยังคงเกี่ยวข้องกับข้อความด้วยวาจา แก่นแท้ของมนุษยนิยมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสะท้อนให้เห็นในการแต่งเพลงประสานเสียงในสไตล์ฟรอตทอลและวิลลาเนล
ประเภทการเต้นรำ

ในช่วงยุคเรอเนซองส์ การเต้นรำในชีวิตประจำวันมีความสำคัญอย่างยิ่ง รูปแบบการเต้นรำใหม่ๆ มากมายกำลังเกิดขึ้นในอิตาลี ฝรั่งเศส อังกฤษ และสเปน สังคมชั้นต่างๆ มีการเต้นรำของตนเอง พัฒนารูปแบบการแสดง และกฎเกณฑ์การปฏิบัติในระหว่างงานเต้นรำ ตอนเย็น และการเฉลิมฉลอง การเต้นรำในยุคเรอเนซองส์มีความซับซ้อนมากกว่าการเต้นรำแบบเรียบง่ายในยุคกลางตอนปลาย การเต้นรำที่มีการเต้นรำแบบกลมและการเรียงแถวจะถูกแทนที่ด้วยการเต้นรำแบบคู่ (คู่) ซึ่งสร้างขึ้นจากการเคลื่อนไหวและตัวเลขที่ซับซ้อน
โวลต้า - การเต้นรำคู่ที่มีต้นกำเนิดจากอิตาลี ชื่อของมันมาจากคำภาษาอิตาลี voltare ซึ่งแปลว่า "หัน" มิเตอร์เป็นแบบสามจังหวะ จังหวะเป็นความเร็วปานกลาง รูปแบบหลักของการเต้นรำคือสุภาพบุรุษเปลี่ยนผู้หญิงที่เต้นรำไปกับเขาอย่างรวดเร็วและแหลมคม การยกนี้มักจะทำได้สูงมาก มันต้องใช้ความแข็งแกร่งและความชำนาญอย่างมากจากสุภาพบุรุษ เนื่องจากถึงแม้จะมีความเฉียบคมและความเร่งรีบในการเคลื่อนไหว แต่การยกจะต้องดำเนินการอย่างชัดเจนและสวยงาม
กัลลิอาร์ด - การเต้นรำโบราณที่มีต้นกำเนิดจากอิตาลี แพร่หลายในอิตาลี อังกฤษ ฝรั่งเศส สเปน และเยอรมนี จังหวะของ Galliards ยุคแรกนั้นเร็วปานกลาง มิเตอร์คือสามจังหวะ ท่า Galliard มักทำหลังพาเวน ซึ่งบางครั้งก็เชื่อมโยงกันตามธีม กัลลิอาร์ดส์ ศตวรรษที่ 16 คงไว้ซึ่งเนื้อสัมผัสอันไพเราะ-ฮาร์โมนิกโดยมีทำนองในเสียงบน ท่วงทำนองของ Galliard ได้รับความนิยมในสังคมฝรั่งเศสเป็นวงกว้าง ในระหว่างการแสดงดนตรีสด นักเรียนของOrléansเล่นท่วงทำนองอันไพเราะด้วยลูตและกีตาร์ เช่นเดียวกับเสียงระฆัง Galliard มีลักษณะของบทสนทนาการเต้นรำ สุภาพบุรุษเดินไปรอบๆ ห้องโถงพร้อมกับสุภาพสตรีของเขา เมื่อผู้ชายแสดงเดี่ยว ผู้หญิงยังคงอยู่ที่เดิม โซโล่ชายประกอบด้วยการเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนหลากหลาย หลังจากนั้นเขาก็เข้าไปหาหญิงสาวอีกครั้งและเต้นรำต่อไป
ภาวนา - การเต้นรำในศาลของศตวรรษที่ 16-17 จังหวะช้าปานกลาง ขนาด 4/4 หรือ 2/4 ไม่มีความเห็นพ้องต้องกันในแหล่งที่มาต่างๆ เกี่ยวกับที่มาของมัน (อิตาลี สเปน ฝรั่งเศส) เวอร์ชันที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือการเต้นรำแบบสเปนที่เลียนแบบการเคลื่อนไหวของนกยูงที่เดินด้วยหางที่พลิ้วไหวอย่างสวยงาม อยู่ใกล้กับบาสแดนซ์ ขบวนแห่พิธีต่าง ๆ เกิดขึ้นพร้อมกับดนตรีของชาวปาวัน: การเข้ามาของเจ้าหน้าที่ในเมืองการอำลาเจ้าสาวผู้สูงศักดิ์ในโบสถ์ ในฝรั่งเศสและอิตาลี พาวาเนได้รับการจัดตั้งขึ้นเพื่อเป็นการเต้นรำในราชสำนัก ลักษณะที่เคร่งขรึมของ Pavan ทำให้สังคมราชสำนักเปล่งประกายด้วยความสง่างามและความสง่างามของกิริยาและการเคลื่อนไหว ประชาชนและชนชั้นกระฎุมพีไม่ได้แสดงการเต้นรำนี้. พาเวนเช่นเดียวกับมินูเอตได้รับการปฏิบัติอย่างเคร่งครัดตามลำดับ กษัตริย์และราชินีเริ่มเต้นรำ จากนั้นฟินและสุภาพสตรีผู้สูงศักดิ์ก็เข้ามา เจ้าชาย ฯลฯ นักรบทำการแสดงปาเวนด้วยดาบและเสื้อคลุม สุภาพสตรีสวมชุดที่เป็นทางการพร้อมกางเกงขายาวหนักๆ ซึ่งต้องควบคุมอย่างชำนาญในระหว่างการเคลื่อนไหวโดยไม่ต้องยกขึ้นจากพื้น การเคลื่อนไหวของรถไฟทำให้การเคลื่อนไหวสวยงาม ให้ความรู้สึกเอิกเกริกและเคร่งขรึม บริวารของราชินีถือรถไฟตามหลังเธอ ก่อนการเต้นรำจะเริ่ม ผู้คนควรจะเดินไปรอบๆ ห้องโถง ในตอนท้ายของการเต้นรำ คู่รักก็เดินไปรอบ ๆ ห้องโถงอีกครั้งพร้อมกับโค้งคำนับและผูกคำสาป แต่ก่อนที่จะสวมหมวก สุภาพบุรุษจะต้องวางมือขวาบนหลังไหล่ของผู้หญิง มือซ้าย (จับหมวก) บนเอวของเธอ และจูบที่แก้มของเธอ ในระหว่างการเต้นรำ ผู้หญิงคนนั้นมีดวงตาของเธอตกต่ำ เธอมองดูสุภาพบุรุษของเธอเป็นครั้งคราวเท่านั้น ปาวันได้รับการเก็บรักษาไว้เป็นเวลานานที่สุดในอังกฤษซึ่งได้รับความนิยมอย่างมาก
อัลเลมันเด - การเต้นรำช้าๆ ที่มีต้นกำเนิดจากเยอรมันในเวลา 4 จังหวะ มันเป็นของการเต้นรำแบบ "ต่ำ" แบบไม่กระโดด นักแสดงยืนเป็นคู่กัน ไม่จำกัดจำนวนคู่ สุภาพบุรุษจับมือของหญิงสาว เสาเดินไปรอบ ๆ ห้องโถง และเมื่อถึงจุดสิ้นสุด ผู้เข้าร่วมก็เลี้ยวเข้าที่ (โดยไม่แยกมือ) และเต้นรำต่อไปในทิศทางตรงกันข้าม
คุรันตา - การเต้นรำในศาลที่มีต้นกำเนิดจากอิตาลี เสียงระฆังนั้นเรียบง่ายและซับซ้อน ขั้นแรกประกอบด้วยขั้นตอนการร่อนที่เรียบง่าย โดยดำเนินการไปข้างหน้าเป็นหลัก เสียงระฆังที่ซับซ้อนมีลักษณะเป็นโขน: สุภาพบุรุษสามคนเชิญผู้หญิงสามคนเข้าร่วมในการเต้นรำ พวกผู้หญิงถูกพาไปที่มุมตรงข้ามของห้องโถงและขอให้เต้นรำ ฝ่ายหญิงก็ปฏิเสธ พวกสุภาพบุรุษถูกปฏิเสธก็จากไป แต่กลับมาคุกเข่าต่อหน้าพวกนางอีก หลังจากฉากละครใบ้เท่านั้นที่การเต้นรำเริ่มต้นขึ้น มีเสียงระฆังประเภทอิตาลีและฝรั่งเศสหลายประเภท เสียงระฆังอิตาลีเป็นการเต้นรำที่มีชีวิตชีวาในเวลา 3/4 หรือ 3/8 โดยมีจังหวะเรียบง่ายในเนื้อสัมผัสที่ไพเราะ-ฮาร์โมนิก ฝรั่งเศส - การเต้นรำอันศักดิ์สิทธิ์ ("การเต้นรำอย่างมีมารยาท") ขบวนแห่ที่ราบรื่นและภาคภูมิใจ มิเตอร์ 3/2 จังหวะปานกลาง เนื้อสัมผัสแบบโพลีโฟนิกค่อนข้างพัฒนา
ซาราบันเด - การเต้นรำยอดนิยมของศตวรรษที่ 16 - 17 มาจากการเต้นรำของผู้หญิงสเปนกับคาสทาเนต เริ่มต้นด้วยการร้องเพลง นักออกแบบท่าเต้นที่มีชื่อเสียงและอาจารย์ Carlo Blasis ให้คำอธิบายสั้น ๆ เกี่ยวกับ sarabande: “ ในการเต้นรำนี้ทุกคนเลือกผู้หญิงที่เขาไม่สนใจด้วยดนตรีให้สัญญาณและคู่รักสองคนก็แสดงการเต้นรำ อย่างไรก็ตาม ขุนนางที่วัดได้ความสำคัญของการเต้นรำนี้ไม่ได้รบกวนความสุขแม้แต่น้อย และความสุภาพเรียบร้อยทำให้มันสง่างามยิ่งขึ้น ดวงตาของทุกคนติดตามนักเต้นที่แสดงท่าทางต่าง ๆ ด้วยความยินดีแสดงการเคลื่อนไหวของพวกเขาในทุกขั้นตอน แห่งความรัก” ในขั้นต้นจังหวะของ sarabande นั้นเร็วพอสมควร ต่อมา (จากศตวรรษที่ 17) sarabande ฝรั่งเศสที่ช้าซึ่งมีรูปแบบจังหวะที่มีลักษณะเฉพาะปรากฏขึ้น: ...... ในบ้านเกิดของมัน sarabande ตกอยู่ในประเภทของการเต้นรำลามกอนาจารและใน 1630. ถูกห้ามโดยสภา Castilian
ซิก้า - การเต้นรำที่มีต้นกำเนิดจากภาษาอังกฤษ เร็วที่สุด สามจังหวะกลายเป็นแฝดสาม ในตอนแรก จิ๊กเป็นการเต้นรำแบบคู่รัก โดยเป็นการเต้นเดี่ยวที่รวดเร็วและมีลักษณะเป็นการ์ตูน ต่อมาปรากฏในดนตรีบรรเลงเป็นส่วนสุดท้ายของชุดเต้นรำโบราณ