Choreografi 19. storočia .

balet (francúzsky balet, z taliančiny ballo - tanec) - druh divadelného umenia; predstavenie, ktorého obsah je zhmotnený v hudobných a choreografických obrazoch. Najčastejšie je balet založený na určitej zápletke, dramatickej koncepcii, librete, ale sú aj balety bez zápletky. Hlavnými druhmi tanca v balete sú klasický tanec a charakterový tanec. Dôležitú úlohu tu zohráva pantomíma, pomocou ktorej herci sprostredkúvajú pocity postáv, ich „rozhovor“ medzi sebou a podstatu toho, čo sa deje. Moderný balet široko využíva aj prvky gymnastiky a akrobacie. Balet vyžaduje vytrvalosť a vytrvalosť od každého, kto ho cvičí.

Zrod baletu

Balet vznikol v Taliansku v 16. storočí. Najprv ako tanečná scéna spojená jednou akciou alebo náladou, epizóda v hudobné vystúpenie, opera Dvorný balet zapožičaný z Talianska prekvital vo Francúzsku ako veľkolepé slávnostné predstavenie. Treba zvážiť začiatok baletnej éry vo Francúzsku a na celom svete 15. októbra 1581. Prvý balet sa volal "The Queen's Comedy Ballet" (alebo "Cerce") v choreografii Taliana Baltazariniho.

Hudobným základom prvých baletov boli ľudové a dvorné tance, ktoré boli súčasťou starodávna suita. V druhej polovici 17. storočia sa objavujú nové divadelné žánre ako komédia-balet, opera-balet, v ktorých významné miesto pridelené baletnej hudbe a robia sa pokusy o jej dramatizáciu. Samostatnou formou javiskového umenia sa však balet stal až v druhej polovici 18. storočia vďaka reformám francúzskeho choreografa Jeana Georgesa Novera. Na základe estetiky francúzskeho osvietenstva vytvoril predstavenia, v ktorých sa obsah odhaľuje v dramaticky expresívnych plastických obrazoch, a stanovil aktívnu úlohu hudby ako „programu, ktorý určuje pohyby a činy tanečníka“.

Choreograf- autor a režisér baletov, tancov, choreografických čísel, tanečných scén v opere a operete, riaditeľ baletného súboru. Choreograf nastavuje choreografické scény a tancuje, vytvára systém pohybov v priestore javiska či tanečného parketu, určuje líčenie a kostýmy postáv, vyberá kulisy a osvetlenie. To všetko podriaďuje hlavnej myšlienke, aby tanečné predstavenie predstavovalo harmonický celok. Príprava na predstavenie alebo tanec prebieha počas skúšok. Záverečnou fázou diela je uvedenie predstavenia v prítomnosti divákov alebo filmovanie, ak sa dielo odohráva v kine alebo televízii.

Slávni choreografi 19. storočia

Charles Didelot - jeden z prvých reformátorov baletu

Charles (Carl) Louis Didelot(Didelot), francúzsky choreograf, baletný tanečník, pedagóg. Jeden z vynikajúcich tanečníkov a choreografov konca 18. a začiatku 19. storočia. V roku 1801 bol pozvaný ako tanečník a choreograf do Petrohradu, kde pôsobil až do roku 1831 (s prestávkou 1811-1816) a uviedol viac ako 40 baletov. Didelot sa snažil prehĺbiť dramatický obsah baletu a zvýšiť emocionálnu a psychologickú expresivitu obrazov. V roku 1823 Didelot inscenoval Puškinovho „Kaukazského väzňa“ pre balet (predtým operu a činohru). Od roku 1804 riadil Petrohradskú divadelnú školu (študenti - M. I. Danilova, A. I. Istomina atď.)

Jeho debut sa uskutočnil 22. mája 1788. Na londýnskom pódiu inscenoval dva jednoaktový balet- "Pánova milosť" a "Richard Levie srdce". Úspech bol taký, že so začínajúcim choreografom bola podpísaná zmluva na niekoľko sezón. Londýn zhromažďoval stále viac nových síl a poskytoval platformu pre experimenty. Didelotovu slávu získali tieto balety: „Láska malej Peggy“, „Karavana na dovolenke“, „Pomstená láska“, „Flóra a Zephyr“, „Šťastné stroskotanie lode“, „Acis a Galatea“ - spolu jedenásť baletov za päť rokov.

V septembri 1801 prišiel do Ruska s manželkou a malým synom. Pozvali ho do Petrohradu – a mohol vedieť, že práve tu uskutoční všetky svoje plány, aj tie najfantastickejšie?

Najprv zastával skromné ​​miesto v baletnom súbore, ale čoskoro si urobil také meno, že predbehol Walberga aj ďalšieho francúzskeho choreografa Charlesa Le Pica. Prvý tanečník hlavný choreograf, učiteľ tanca v baletnom súbore a v škole - nie je to kariéra? Ale Didelotovi zväzovala ruky a nohy zmluva s riaditeľstvom cisárskych divadiel, v ktorej sa priamo uvádzalo, že „talent M. Charlesa Louisa Didelota... patrí výlučne cisárskemu riaditeľstvu“. Bol povinný vykonávať všetky prvé úlohy v baletoch, trénovať sólistov, skladať balety a divertissementy, sledovať súbor, kamkoľvek bol poslaný, a uspokojiť sa s kostýmami, ktoré mu boli poskytnuté. Ale v skupine a v škole bol autokratickým majstrom.

Jeho debut na Ruská scéna sa uskutočnil v roku 1802 - bol to balet „Apollo a Daphne“, ktorý otvoril celý cyklus „Anakreontických baletov“, ktorý prišiel do módy už v osemnástom storočí. Vznikli v duchu poézie starogréckeho básnika Anakreóna – veselé, trochu márnomyseľné, o ľúbostných žartoch olympských bohov, za účasti zefyrov, nýmf, amorov, faunov a iných fantastických postáv. Čo nové priniesol Didelot do tohto žánru?

Ak boli skôr Venuša a Mars „zobrazené“ v zlatom vyšívaných kaftanoch a šatách s obrúčkami, a čo je najdôležitejšie, v topánkach na vysokom opätku, Didelot hodil tieto kostýmy do koša. Žiadne parochne, príčesky, pevne šnurované korzety, ťažké topánky s prackami - kostým by mal byť ľahký a bez tiaže a najlepšie, ak ide o tuniku v štýle starožitnosti. A pod tuniku by ste mali nosiť pančucháče telovej farby. Ruky, ramená a krk boli ženám zviazané do gréckeho uzla alebo rozpustené a ozdobené kvetmi.

Kostýmová reforma priamo súvisela so zmenami v choreografickej technike. Scénický tanec konečne prestal byť viac zložitý tvar salónny tanec a nadobudol črty moderného klasického tanca s jasnosťou a jasnosťou línií tela, väčšou amplitúdou pohybov rúk, tela a najmä nôh, letu, čo viedlo k väčšej voľnosti pohybu. Premeny v tanečnej technike nevyhnutne viedli k zmenám v tréningovom systéme, ku ktorým Didelot robil na čele súbornej a baletnej školy.

Mužský tanec bol plný vysokých a silných skokov, točení na podlahe a vo vzduchu a rôznych zdvihov. Ženský tanec bol technicky oveľa menej komplexný – čas špičiek ešte nenastal. Niektorí umelci sa pokúšali stáť nielen na vysokých nohách, ale aj na špičkách. Ale špeciálne baletné topánky museli byť ešte vynájdené. Od tanečníka sa vyžadovalo, aby napodobňoval krásny obrázok alebo socha, väčšina pozor obrátil sa k jej rukám. Opory duetov boli tiež veľmi skromné ​​- tanečník svoju partnerku len občas podopieral, občas ju zdvihol na úroveň hrudníka a nikdy ju nevyhodil do vzduchu. Celá virtuózna záťaž padla na sólový mužský tanec.

Hlavnou témou elegantných a poetických anakreontských baletov bola láska. Afektovanosť a ťažkopádne konvencie 18. storočia však nahradila klasická čistota obsahu a formy. Na javisku vládli živé ľudské zážitky. A let duše zodpovedal skutočným preletom nad javiskom.

Po prvýkrát sa Didelot zdvihol a pomocou natiahnutého drôtu ho prinútil preletieť ponad baletný zbor a scenériu predstaviteľa role Zephyra v balete „Zephyr a Flora“. Potom operátori javiska, uchvátení jeho nápadmi, začali vyvíjať systémy z blokov a lán. Výsledkom bolo, že na pódium aj mimo neho lietali celé skupiny účinkujúcich. V balete Cupid a Psyche dorazila Venuša letecky na voze ťahanom živými bielymi holubicami.

Didelot sa cítil ako majiteľ divadla a to sa odrážalo vo všetkom. Pri objednávaní hudby stanovil pre skladateľa tie najprísnejšie limity – najprv stanovil všetky epizódy scenára, potom prišiel rad na počet taktov, tempo, orchestráciu a kedy jednotlivé fragmenty už nejakým spôsobom spojené do jedného celku, Didelot nariadil urobiť rezy. Tento utilitárny pohľad na úlohu hudby v balete bol bežným problémom divadiel začiatku devätnásteho storočia. Zvláštne však je, že prudké hádky medzi Didelotom a skladateľom Katerinom Kavosom viedli k zrodu dobrých výkonov.

Bol veľmi prísnym učiteľom a dokázal aj neopatrného študenta zbiť palicou. Hovorili o ňom: ľahký na nohu a ťažký na ruku. Najviac dostali tí, ktorých považoval za najtalentovanejších. Ale zvláštnym spôsobom to neubralo na nadšení – Didelot vedel svojou vášňou nakaziť baletnú mládež. Veľkú pozornosť venoval herectvu - v jeho inscenáciách boli vždy malé roly pre deti a deti sa s úlohami dobre vyrovnali.

Ale v roku 1811 Didelot opustil Petrohrad. Dôvodom bola „vážna choroba“. Tento dôvod nebránil choreografovi odísť do Londýna a pracovať tam až do roku 1816. Vložil Kráľovské divadlo balety „Drevená noha“, „Zefýr a flóra“, „Alina, kráľovná Golcondy“ a mnohé ďalšie, vrátane divertissementu „Swing“, ktorý zahŕňal ruské, tatárske, poľské a cigánske tance.

V lete 1816 sa Didelot vrátil do Ruska a v auguste sa konala premiéra jeho nového baletu Acis a Galatea. Nová absolventka debutovala v úlohe Galatey baletná škola Avdotya Istomina.

Didelot inscenoval mnohé balety - mytologické balety, rozprávkové balety, s vílami a mágiou, komické balety ("v španielskom štýle" a "v škótskom štýle"), dramatické balety - päťaktové predstavenia s veľkými pantomimickými scénami. Ale bez ohľadu na to, k akému baletu sa Didelot obrátil, snažil sa zobraziť živé postavy a osudy. Priviedol ruský balet do bezprecedentnej výšky a vytvoril mnoho ruských choreografických celebrít: Danilova, Istomin, Teleshova, Zubova, Likhutina, Goltz, Didier a ďalší spievali balety Didelota a jeho študentov.

História baletu

Balet je pomerne mladé umenie. Má niečo vyše štyristo rokov, hoci tanec zdobí ľudský život už od pradávna. Balet sa zrodil v severnom Taliansku počas renesancie. Talianske kniežatá milovali honosné palácové slávnosti, v ktorých dôležité miesto zaujímal tanec. Vidiecke tance neboli vhodné pre dvorné dámy a pánov. Ich odev, podobne ako sály, kde sa tancovalo, neumožňoval neorganizovaný pohyb. Poriadok v dvorských tancoch sa snažili nastoliť špeciálni učitelia – taneční majstri. So šľachticmi vopred nacvičovali jednotlivé figúry a tanečné pohyby a viedli skupiny tanečníkov. Postupne sa tanec stával čoraz divadelnejším.

Pojem „balet“ sa objavil v r koniec XVI storočia (z talianskeho baletu – tancovať). Vtedy to však neznamenalo vystúpenie, ale iba tanečnú epizódu sprostredkúvajúcu určitú náladu. Takéto „balety“ zvyčajne pozostávali z mierne prepojených „výstupných“ postáv - najčastejšie hrdinov Grécke mýty. Po takýchto „výstupoch“ sa začal všeobecný tanec – „ veľký balet».

Prvým baletným predstavením bol Queen's Comedy Ballet, ktorý v roku 1581 vo Francúzsku uviedol taliansky choreograf Baltazarini di Belgioioso. Práve vo Francúzsku nastal ďalší rozvoj baletu. Najprv to boli maškarné balety a potom pompézne melodramatické balety s rytierskymi a fantastickými zápletkami, kde sa striedali tanečné epizódy vokálne árie a recitácia poézie. Nečudujte sa, vtedy balet nebol len tanečným predstavením.

Za vlády Ľudovíta XIV. dosiahli vystúpenia dvorného baletu zvláštny lesk. Sám Louis sa rád zúčastňoval na baletoch a svoju slávnu prezývku „Kráľ slnka“ dostal po stvárnení úlohy Slnka v „Balete noci“.

V roku 1661 vytvoril Kráľovskú akadémiu hudby a tanca, ktorá zahŕňala 13 popredných tanečných majstrov. Ich zodpovednosťou bolo zachovávať tanečné tradície. Riaditeľ akadémie, učiteľ kráľovského tanca Pierre Beauchamp, určil päť hlavných pozícií klasického tanca.

Čoskoro bola otvorená Parížska opera, ktorej choreografom bol vymenovaný ten istý Beauchamp. Pod jeho vedením vznikol baletný súbor. Spočiatku ju tvorili len muži. Ženy sa objavili na javisku parížskej opery až v roku 1681.

Divadlo uvádzalo opery a balety skladateľa Lullyho a komédie a balety dramatika Moliera. Najprv sa na nich zúčastňovali dvorania a predstavenia sa takmer nelíšili od palácových. Tancovali sa už spomínané pomalé menuety, gavoty a pavanes. Masky, ťažké šaty a vysoké podpätky bránili ženám vykonávať zložité pohyby. Preto mužský tanec Vyznačovali sa vtedy väčšou gráciou a eleganciou.

V polovici 18. storočia si balet získal veľkú obľubu v Európe. Všetky šľachtické dvory Európy sa snažili napodobňovať luxus Francúzov kráľovský dvor. Otvorené v mestách operné domy. Mnohí tanečníci a učitelia tanca si ľahko našli prácu.

Čoskoro sa pod vplyvom módy ženské baletné kostýmy stali oveľa ľahšími a voľnejšími a bolo pod nimi vidieť línie tela. Tanečníci opustili topánky na vysokom opätku a nahradili ich ľahkými topánkami bez opätku. Aj mužský kostým sa stal menej objemným: úzke nohavice po kolená a pančuchy umožnili vidieť postavu tanečníka.

S každou inováciou bol tanec zmysluplnejší a technika tanca vyššia. Postupne sa balet oddelil od opery a zmenil sa na nezávislé umenie.

Hoci bola francúzska baletná škola povestná svojou gráciou a plasticitou, vyznačovala sa určitým chladom a formálnosťou vystupovania. Choreografi a umelci preto hľadali iné vyjadrovacie prostriedky.

Koncom 18. storočia sa zrodil nový smer v umení – romantizmus, ktorý mal silný vplyv na balet. V romantickom balete stála tanečnica na špičkách. Ako prvá to urobila Maria Taglioni, ktorá úplne zmenila doterajšie predstavy o balete. V balete La Sylphide sa objavila ako krehká bytosť z druhého sveta. Úspech bol ohromujúci.

V tom čase sa objavilo veľa nádherných baletov, ale, bohužiaľ, romantický balet sa stal posledným obdobím jeho rozkvetu tanečné umenie na západe. Od druhého polovice 19. storočia storočia balet, ktorý stratil svoje predchádzajúca hodnota, sa stala prílohou k opere. Až v 30. rokoch 20. storočia sa pod vplyvom ruského baletu začalo oživovanie tohto umeleckého druhu v Európe.

V Rusku sa prvé baletné predstavenie - „Balet Orfea a Eurydiky“ - odohralo 8. februára 1673 na dvore cára Alexeja Michajloviča. Slávnostné a pomalé tance pozostávali zo striedania ladných póz, úklonov a pohybov, ktoré sa striedali so spevom a rečou. Nie významnú úlohu vo vývoji scénický tanec nehral. Bola to len ďalšia kráľovská „zábavka“, ktorá priťahovala ľudí svojou nevšednosťou a novotou.

Len o štvrťstoročie neskôr, vďaka reformám Petra I., hudba a tanec vstúpili do každodenného života ruskej spoločnosti. K šľachte vzdelávacie inštitúcie bola zavedená povinná tanečná príprava. Na dvore začali vystupovať hudobníci dovezení zo zahraničia, operných umelcov a baletné súbory.

V roku 1738 bola otvorená prvá baletná škola v Rusku a o tri roky neskôr sa 12 chlapcov a 12 dievčat z palácových sluhov stalo prvými profesionálnymi tanečníkmi v Rusku. Najprv účinkovali v baletoch zahraničných majstrov ako figúrky (ako sa corps de ballet dancers nazývali), neskôr v hlavných úlohách. Timofey Bublikov, úžasný tanečník tej doby, zažiaril nielen v Petrohrade, ale aj vo Viedni.

IN začiatkom XIX storočia dosiahlo ruské baletné umenie tvorivá zrelosť. Ruskí tanečníci vniesli do tanca výraznosť a duchovnosť. A.S. Pushkin to veľmi presne cítil a nazval tanec svojho súčasníka Avdotyu Istomina „úletom plným duší“.

Balet v tomto čase zaujímal výsadné postavenie medzi ostatnými typmi divadelné umenie. Úrady tomu venovali veľkú pozornosť a poskytovali štátne dotácie. V dobre vybavených divadlách vystupovali moskovské a petrohradské baletné súbory, do kolektívu tanečníkov, hudobníkov a dekoratérov sa každoročne pridávali absolventi divadelných škôl.

Arthur Saint Leon

V histórii nášho baletného divadla často nájdeme mená zahraničných majstrov, ktorí sa významnou mierou podieľali na rozvoji ruského baletu. V prvom rade sú to Charles Didelot, Arthur Saint-Leon a Marius Petipa. Pomohli vytvoriť ruskú baletnú školu. Ale aj talentovaní ruskí umelci dali príležitosť odhaliť talenty svojich učiteľov. To vždy prilákalo najväčších choreografov Európy do Moskvy a Petrohradu. Nikde na svete nemohli stretnúť takú veľkú, talentovanú a dobre vycvičenú skupinu ako v Rusku.

IN polovice 19 storočia sa do ruskej literatúry a umenia dostal realizmus. Choreografi sa horúčkovito, no neúspešne, pokúšali o realistické predstavenia. Nebrali do úvahy, že balet je konvenčné umenie a realizmus v balete sa výrazne líši od realizmu v maľbe a literatúre. Začala sa kríza baletného umenia.

Nová etapa História ruského baletu sa začala, keď veľký ruský skladateľ P. Čajkovskij prvýkrát zložil hudbu pre balet. Bolo to" Labutie jazero" Predtým sa baletná hudba nebrala vážne. Bola zvažovaná menejcenné druhy hudobná kreativita, len doprovod k tancu.

Vďaka Čajkovskému sa baletná hudba stala vážnym umením spolu s operou a symfonická hudba. Predtým bola hudba úplne závislá od tanca, teraz sa tanec musel podriadiť hudbe. Boli potrebné nové výrazové prostriedky a nový prístup vytvoriť predstavenie.

Ďalší vývoj Ruský balet je spojený s menom moskovského choreografa A. Gorského, ktorý po opustení zastaraných techník pantomímy použil v baletnom predstavení moderné režijné techniky. Pripisoval veľký význam malebnému dizajnu predstavenia, zaujal najlepších umelcov.

Ale skutočným reformátorom baletného umenia je Michail Fokin, ktorý sa vzoprel tradičnej výstavbe baletného predstavenia. Tvrdil, že téma hry, jej hudba a éra, v ktorej sa akcia odohráva, si vyžadujú zakaždým iné nápady. tanečné pohyby, iný tanečný vzor. Pri inscenovaní baletu „Egyptské noci“ sa Fokine inšpiroval poéziou V. Brjusova a staroegyptskými kresbami a obrazy baletu „Petruška“ poéziou A. Bloka. V balete Dafnis a Chloe opustil tanec na špičatých topánkach a oživil antické fresky voľnými, pružnými pohybmi. Jeho Chopiniana oživila atmosféru romantického baletu. Fokin napísal, že „sníva o vytvorení baletnej drámy z baletnej zábavy a z tanca do zrozumiteľného, ​​hovoriaceho jazyka“. A podarilo sa mu to

Anna Pavlová

V roku 1908 sa v Paríži začali každoročné vystúpenia ruských baletných tanečníkov, ktoré organizovali divadelná postava S. P. Diaghilev. Mená tanečníkov z Ruska - Vaslav Nižinskij, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - sa stali známymi po celom svete. Ale prvé v tomto rade je meno neporovnateľnej Anny Pavlovej.

Pavlova - lyrická, krehká, s predĺženými líniami tela, obrovskými očami - evokovala rytiny zobrazujúce romantické baleríny. Jej hrdinky sprostredkovali čisto ruský sen o harmonickom, zduchovnenom živote či túžbu a smútok nad niečím nenaplneným. „Umierajúca labuť“, ktorú vytvorila skvelá balerína Pavlova, - poetický symbol Ruský balet začiatku 20. storočia.

Vtedy sa západný balet pod vplyvom šikovnosti ruských umelcov otriasol a našiel druhý dych.

Po Októbrová revolúcia V roku 1917 opustilo Rusko veľa baletných postáv, ale napriek tomu škola ruského baletu prežila. Pátos pohybu k novému životu, revolučné témy a hlavne priestor na tvorivé experimentovanie inšpirovali baletných majstrov. Ich úlohou bolo priblížiť choreografické umenie pre ľudí, aby bola vitálnejšia a prístupnejšia.

Tak vznikol žáner dramatického baletu. Boli to predstavenia, zvyčajne založené na zápletkách slávnych literárnych diel, ktoré boli postavené podľa zákonov dramatické predstavenie. Obsah bol prezentovaný prostredníctvom pantomímy a figuratívneho tanca. V polovici 20. storočia bol dramatický balet v kríze. Choreografi sa pokúšali zachovať tento žáner baletu, zvyšovali zábavnú hodnotu predstavení pomocou scénických efektov, ale, bohužiaľ, márne.

17. januára 1799 sa narodila balerína ruského cisárskeho divadla Evdokia Istomina. Život tanečníka pripomínal zápletku románu. Kto bola táto kráska, ktorú chválil Puškin, o ktorú sa jej obdivovatelia bili na život a na smrť?

Dievča nízkej triedy

Evdokia Istomina sa narodila v rodine opitého policajta Ilju Istomina a jeho manželky Anisyi. Vo veku šiestich rokov zostala Dunya sirota. Profesia umelca na začiatku XIX storočia nebol považovaný za prestížny a do školy boli spravidla privádzané deti z nižších tried. Jeden môj známy, ktorý ostal neznámy, sa staral o sirotu a Istomina vzali na plnú penziu o dramatickej škole, kde vyučoval samotný tanečný maestro, slávny Charles-Louis Didelot.

Istomina, rovnako ako všetci ostatní študenti, začala chodiť na javisko skoro: vo veku deviatich rokov sa už zúčastnila baletného súboru hry „Zephyr a Flora“.

V sedemnástich rokoch, hneď po ukončení školy, bola Istomina, Didelotova obľúbená žiačka, prijatá do Petrohradského súboru cisárskeho divadla. Po úspešnom debute v balete Acis a Galatea sa mladá krásna balerína okamžite ujala vedúce postavenie v družine. Je pozoruhodné, že tanečník sa objavil aj na javisku v dramatických inscenáciách. V 19. storočí sa verilo, že umelec by mal byť schopný robiť všetko.

Istomina, virtuózna tanečnica, bola prvou ruskou balerínou, ktorá stála na špičkách, a treťou vo svetovom balete (predbehli ju iba Maria Taglioni a Genevieve Gosselin).

Fatálna krása polosveta

Krásna baletka okamžite upútala pozornosť náročnej metropolitnej verejnosti. Pimen Arapov, slávny ruský divadelník tej doby, spomínal: „Istomina bola stredne vysoká, brunetka, krásneho vzhľadu, veľmi štíhla, mala čierne ohnivé oči pokryté dlhými mihalnicami, čo dávalo osobitý charakter jej fyziognómii, mala skvelé sila v nohách, sebavedomie na javisku a zároveň ladnosť, ľahkosť, rýchlosť v pohyboch...“

Rovnako ako na javisku, v škandalóznych kronikách tej doby bola v hlavných úlohách mladá Dunya Istomina. O jej priazeň sa uchádzali aristokratickí obdivovatelia. Osudná kráska sa stala príčinou súboja, keď štyria šľachtici z vysokej spoločnosti. Toto tragický príbeh, ktorý sa stal na jeseň roku 1817, zostal v pamäti ako „súboj štyroch“.

Vtedajšia morálka umožňovala brať krásne aj chudé baletky ako udržiavané ženy. Evdokia Istomina bola dva roky milenkou Vasilija Sheremeteva, kým jedného dňa medzi nimi nevypukla hádka a tanečník utiekol od svojho patróna. Prelietavá kráska sa na chvíľu oslobodila od záväzkov a prijala pozvanie svojho priateľa Alexandra Gribojedova (autora „Beda z Wit“) na pobyt s komorným kadetom Zavadovským, boháčom a heliportom známym po celom Petrohrade. Istomina čoskoro uzavrela mier so Šeremetevom, ale chýry o Zavadovského špeciálnej pohostinnosti sa rozšírili po celom hlavnom meste. Zranený Sheremetev vyzval páchateľa na súboj a on blízky priateľ Alexander Yakubovich (budúci Decembrist), ktorý súhlasil, že sa stane jeho druhým, považoval Griboedova za vinníka škandálu a vyzval ho, aby strieľal.

Duelisti sa stretli 24. novembra 1817 na Volkovom poli. Oba páry museli bojovať: najprv podnecovatelia boja, potom ich sekundári. Ale Zavadovského strela bola úspešná: smrteľne zranil Sheremeteva v žalúdku. A bolo rozhodnuté o odložení druhého duelu. Tento odložený duel sa odohral o rok neskôr, na jeseň 1818, v Tiflise, kde z vôle osudu obaja duelanti skončili. Jakubovič strelil Griboedova do dlane ľavej ruky (o niekoľko rokov neskôr, vo februári 1829, by sa podľa tejto rany dalo identifikovať telo Gribojedova, zabitého pri porážke ruského veľvyslanectva v Teheráne). Griboedov vystrelil do vzduchu.

Istomine nohy, ktoré spieva Puškin

Tragický incident nijako neovplyvnil Istomininu kariéru. Talentovaná baletka zažiarila v hlavných úlohách takmer vo všetkých inscenáciách svojho učiteľa Charlesa Didelota. 15. januára 1823 mala premiéru balet „Kaukazský väzeň alebo tieň nevesty“ podľa básne A.S. Puškin. Istomina plnila úlohu Cherkeshenka. Básnik žil v tom čase v exile v Kišiňove. Keď sa dozvedel o predstavení, napísal bratovi do Petrohradu: „Napíš mi... o Čerkešenke Istominovej, ktorú som kedysi sledoval, ako Kaukazský väzeň" Puškin a Istomina boli v rovnakom veku a pohybovali sa v rovnakom vysokospoločenskom kruhu. Básnik bol obdivovateľom talentu baleríny, nesmrteľné riadky venoval jej tancu v balete Acis a Galatea:

„Skvelé, polovzdušné,

Poslúcham magický luk,

Obklopený davom nýmf,

Worth Istomin; ona,

Jedna noha sa dotýka podlahy,

Druhý pomaly krúži,

A zrazu skočí a zrazu letí,

Letí ako perie z pier Aeola;

Teraz sa tábor rozsieva, potom sa rozvinie,

A rýchlou nohou udrie nohu.“

Pushkin plánoval napísať román o živote baleríny Istominy. Názov už bol vymyslený budúca kniha- "Dvaja tanečníci." Základom zápletky mal byť incident so súbojom medzi fanúšikmi krásky. Básnik zomrel bez toho, aby mal čas realizovať svoj plán.

Smutný západ baletnej hviezdy

Evdokia Istomina pôsobila v cisárskom balete dvadsať rokov. V posledných rokoch kariéry predvádzala stále menej a menej: po bývalej mladíckej ľahkosti nezostala ani stopa a balerína s nadváhou už na pódiu nevyzerala dobre. Počas týchto rokov si na ňu Avdotya Panaeva spomínala takto: „Istominu som už videla ako ťažkú ​​staršiu ženu s nadváhou. Keďže chcela vyzerať mladistvo, bola vždy vybielená a ofarbená. Vlasy mala uhlovo čierne: hovorili, že si ich zafarbila...“ Ako starla, tanec ju unavoval a trpela bolesťami nôh. Staršiemu umelcovi sa plat znížil na polovicu. Divadelnému riaditeľstvu napísala: „V 20. rokoch od skončenia školy mi bolo vyčítané, že sa mi zmenšil repertoár...

Ako môžem ja, že už nedávajú tieto balety? A čo sa stalo v mojom poslednom roku služby?" Istomina požiadala, aby ju poslali do vôd na verejné náklady, aby si zlepšila zdravie. Nicholas I, ktorý v tom čase vládol, osobne napísal rezolúciu ako odpoveď na jej žiadosť: „Istomin by mal byť teraz úplne prepustený zo služby. Príčinou nepriateľstva kráľovského dvora voči slávnej baleríne bol slávny „súboj štyroch“ a priateľské vzťahy Istomina s Dekabristami.

IN naposledy Evdokia Istomina sa objavila na javisku 30. januára 1836 vo veku 37 rokov. Na jej rozlúčkové vystúpenie nebola úplná rola - predtým slávna tanečnica predvádzala iba ruský tanec.

Čoskoro po odchode z divadla sa Istomina vydala za Vasilija Godunova, mladého a pekného, ​​ale podľa spomienok súčasníkov priemerného herca. Smútok bývalá baletka bol bez útechy, keď mladý manžel čoskoro zomrel na týfus. Ďalším manželom Evdokie Ilyinichny bol dramatický herec Pavel Ekunin, mimochodom, vynikajúci tanečník, ktorý bol ruským tanečným partnerom na benefičnom predstavení baleríny.

Evdokia Ilyinichna Istomina zomrela 8. júla 1848, keď v Petrohrade vypukla epidémia cholery. Balerínkin manžel Pavel Ekunin ju prežil len o pár mesiacov, tiež zomrel na choleru. Pohreb bývalá celebrita prešiel potichu. Na náhrobnom kameni s malým pomníkom z bieleho mramoru je skromný nápis: „Evdokia Ilyinichna Ekunina, umelec na dôchodku“.

Publikácie v sekcii Divadlá

Moderné Ruské baleríny. Top 5

Navrhovaných päť popredných balerín zahŕňa umelcov, ktorí začali svoju kariéru v hlavných hudobných divadlách našej krajiny - Mariinsky a Bolshoi - v 90. rokoch, keď sa situácia v politike a potom v kultúre rýchlo menila. Baletné divadlo sa stal otvorenejším vďaka rozširovaniu repertoáru, príchodu nových choreografov, vzniku doplnkové funkcie na západe a zároveň náročnejšie na výkon schopností.

Tento krátky zoznam hviezd novej generácie otvára Ulyana Lopatkina, ktorá prišla do Mariinského divadla v roku 1991 a teraz takmer končí svoju kariéru. Na konci zoznamu je Victoria Tereshkina, ktorá tiež začala pôsobiť v ére perestrojky v baletnom umení. A hneď za ňou prichádza ďalšia generácia tanečníkov, pre ktorých je sovietsky odkaz len jedným z mnohých smerov. Toto sú Ekaterina Kondaurova, Ekaterina Krysanova, Olesya Novikova, Natalya Osipova, Oksana Kardash, ale o nich inokedy.

Ulyana Lopatkina

Dnešné médiá nazývajú študentku Natálie Dudinskej Ulyana Lopatkina (nar. 1973) „ikonou štýlu“ ruského baletu. V tejto chytľavej definícii je zrnko pravdy. Je ideálnou Odette-Odile, skutočnou „obojstrannou“ hrdinkou „Labutieho jazera“ v chladne rafinovanej sovietskej verzii od Konstantina Sergeeva, ktorej sa tiež podarilo rozvinúť a presvedčivo stelesniť na javisku ďalší labutí obraz v dekadentnej miniatúre Michaila Fokina „ Umierajúca labuť“ od Camille Saint-Saënsa. Z týchto jej dvoch diel, zaznamenaných na video, Lopatkinu na ulici spoznávajú tisíce fanúšikov po celom svete a stovky mladých študentov baletu sa snažia zvládnuť remeslo a odhaliť záhadu premeny. Rafinovaná a zmyselná Labuť je Ulyana a na dlhú dobu, aj keď nová generácia tanečníkov zatmie brilantnú galaxiu baletiek rokov 1990–2000, bude Odetta-Lopatkina očarovať. Nedosiahnuteľná, technicky precízna a výrazová bola aj v „Raymond“ od Alexandra Glazunova, „Legenda o láske“ od Arifa Melikova. Nebola by nazývaná „ikonou štýlu“ bez jej prispenia k baletom Georga Balanchina, ktorého americké dedičstvo, presiaknuté kultúrou ruského cisárskeho baletu, ovládalo Mariinské divadlo, keď bola Lopatkina na úplnom vrchole. kariéra (1999–2010). Jej najlepšie úlohy, menovite roly, nie partie, keďže Lopatkina vie, ako dramaticky naplniť bezzápletkové kompozície, boli sólové diela v skladbách „Diamanty“, „Klavírny koncert č. 2“, „Téma a variácie“ na hudbu Piotra Čajkovského, „Valčík“. “ od Mauricea Ravela. Balerína sa podieľala na všetkých avantgardných projektoch divadla a na základe výsledkov spolupráce s modernými choreografmi dá mnohým náskok.

Ulyana Lopatkina v choreografickej miniatúre „The Dying Swan“

Dokumentárny„Ulyana Lopatkina alebo tanec vo všedné dni a cez sviatky“

Diana Višneva

Druhá od narodenia, len o tri roky mladšia ako Lopatkina, študentka legendárnej Ludmily Kovalevovej Diany Višnevovej (narodená v roku 1976), v skutočnosti nikdy „neprišla“ druhá, ale iba prvá. Stalo sa, že Lopatkina, Višneva a Zakharova, oddelené od seba tri roky, kráčali bok po boku v Mariinskom divadle, plné zdravej rivality a zároveň obdivu k obrovským, ale úplne odlišným schopnostiam toho druhého. Tam, kde vládla Lopatkina ako malátna, pôvabná Labuť a Zakharova vytvorila nový – mestský – obraz romantickej Giselle, Višneva plnila funkciu bohyne vetra. Keďže ešte neabsolvovala Akadémiu ruského baletu, už tancovala na javisku Mariinského divadla Kitri - hlavná postava v Don Quijote, o pár mesiacov neskôr predviedla svoje úspechy v Moskve na javisku Veľkého divadla. A ako 20-ročná sa stala primabalerínou Mariinského divadla, hoci mnohí si na povýšenie do tohto stavu musia počkať do 30 a viac rokov. V 18 (!) Višneva vyskúšala úlohu Carmen v čísle, ktoré špeciálne pre ňu zložil Igor Belsky. Koncom 90. rokov bola Višneva právom považovaná za najlepšiu Júliu v kanonickej verzii Leonida Lavrovského a stala sa aj najpôvabnejšou Manon Lescaut v rovnomennom balete Kennetha MacMillana. Od začiatku 21. storočia paralelne s Petrohradom, kde sa podieľala na mnohých inscenáciách takých choreografov ako George Balanchine, Jerome Robbins, William Forsythe, Alexej Ratmanskij, Angelen Preljocaj, začala vystupovať v zahraničí ako hosťujúca etoile („baletná hviezda“ ). Teraz Vishneva často pracuje vo svojich vlastných projektoch a objednáva balety pre seba od slávnych choreografov (John Neumeier, Alexei Ratmansky, Caroline Carlson, Moses Pendleton, Dwight Rhoden, Jean-Christophe Maillot). Balerína pravidelne tancuje na premiérach moskovských divadiel. Obrovský úspech sprevádzala Višnevu v balete Veľkého divadla v choreografii Matsa Eka „The Apartment“ (2013) a v hre Johna Neumeiera „Tatyana“ podľa „Eugena Onegina“ Alexandra Puškina v Moskovskom hudobnom divadle Stanislavského a Nemiroviča-Dančenka v roku 2014. V roku 2013 sa stala jednou z organizátoriek novembrového festivalu moderný tanec Kontext, ktorý sa od roku 2016 odohráva nielen v Moskve, ale aj v Petrohrade.

Dokumentárny film „Vždy v pohybe. Diana Višneva"

Svetlana Zacharová

Najmladšia z troch slávnych kociek Akadémie A. Vaganovej z 90. rokov Svetlana Zakharová (nar. 1979) okamžite dobehla svoje súperky a v niečom ich aj predčila, pôsobiac ako kedysi veľké leningradské baleríny Marina Semjonová a Galina Ulanová, „za službu“ v Moskve Veľké divadlo v roku 2003. Za sebou mala štúdium u vynikajúcej učiteľky ARB Eleny Evteevovej, skúsenosti s prácou s Olgou Moiseevovou, hviezdou Kirovho baletu 70. rokov, a obrovský rekord. V ktoromkoľvek z vystúpení petrohradského obdobia jednoznačne vyčnievala Zacharovová. Jej silnou stránkou bola na jednej strane interpretácia hrdiniek v antických baletoch Mariusa Petipu, ktoré zreštauroval Sergej Vikharev, a sólistov v avantgardných inscenáciách popredných choreografov na strane druhej. Podľa prirodzených údajov a " technické špecifikácie„Zakharová nielenže prekonala svojich kolegov v Mariinskom divadle a potom vo Veľkom divadle, ale vstúpila do kohorty najvyhľadávanejších balerín na svete, ktoré všade tancujú ako hosť. A najvýznamnejší baletný súbor v Taliansku - La Scala Ballet - jej v roku 2008 ponúkol trvalý kontrakt. Zakharová v určitom okamihu priznala, že tancovala „Labutie jazero“, „La Bayadère“ a „Šípková Ruženka“ vo všetkých možných javiskových verziách od Hamburgu po Paríž a Miláno. Vo Veľkom divadle, krátko po presťahovaní Zacharovovej do Moskvy, uviedol John Neumeier svoj programový balet Sen noci svätojánskej a baletka v ňom zažiarila v dvojrole Hippolyty-Titania oproti Oberonovi Nikolaja Tsiskaridzeho. Podieľala sa aj na produkcii „Dáma s kaméliami“ od Neumeiera v Bolshoi. Zakharova úspešne spolupracuje s Jurijom Posokhovom - v roku 2006 tancovala premiéru jeho „Popoluška“ vo Veľkom divadle a v roku 2015 stvárnila rolu princeznej Mary vo filme „Hrdina našej doby“.

Dokumentárny film „Primabalerína Veľkého divadla Svetlana Zakharova. zjavenie"

Mária Alexandrová

V tom istom čase, keď triáda petrohradských tanečníkov dobyla severnú Palmýru, v Moskve stúpala hviezda Márie Alexandrovovej (nar. 1978). Jej kariéra sa rozvinula s miernym oneskorením: keď prišla do divadla, baletky skončili s tancom predchádzajúcej generácie- Nina Ananiashvili, Nadezhda Gracheva, Galina Stepanenko. V baletoch s ich účasťou bola Alexandrova - svetlá, temperamentná, dokonca exotická - vo vedľajších úlohách, ale bola to ona, ktorá dostala všetky experimentálne premiéry divadla. Kritici videli veľmi mladú balerínu v balete Alexeja Ratmanského „Dreams of Japan“ čoskoro interpretovala Catherine II v balete Borisa Eifmana „Russian Hamlet“ a ďalších a debutovala v hlavných úlohách takých baletov ako „Labutie jazero“, „Sleee Beauty“. “, „Raymonda“, „Legenda o láske“, trpezlivo čakala roky.

Osudným sa stal rok 2003, keď si Alexandrovovú vybral za Júliu choreograf novej vlny Radu Poklitaru. Bolo to dôležité predstavenie, ktoré otvorilo cestu novým choreografiám (bez špičiek, bez klasické polohy) vo Veľkom divadle a Alexandrova držala revolučný transparent. V roku 2014 zopakovala svoj úspech v ďalšom shakespearovskom balete – Skrotenie zlej ženy v choreografii Mayovej. V roku 2015 začala Alexandrova spolupracovať s choreografom Vyacheslavom Samodurovom. Inscenoval balet o zákulisí divadla - „Opona“ v Jekaterinburgu a v lete 2016 si ju vybral pre úlohu Ondine v rovnomennom balete vo Veľkom divadle. Vynútenú čakaciu dobu sa baletke podarilo využiť na vybrúsenie dramatickej stránky roly. Tajný zdroj jej tvorivej energie zameranej na herectvo nevysychá a Alexandrova je stále v strehu.

Dokumentárny film „Monológy o sebe. Mária Alexandrová"

Victoria Tereshkina

Podobne ako Alexandrova na Veľkom, aj Victoria Tereshkina (nar. 1983) bola v tieni spomínaného tria balerínok. Nečakala však na odchod nikoho, začala energicky zachytávať paralelné priestory: experimentovala so začínajúcimi choreografmi, nestratila sa ani v náročných baletoch Williama Forsythea (napríklad Približná sonáta). Často robila to, čo ostatní nepodnikli alebo sa o to nepokúsili, ale nedokázala sa s tým vyrovnať, ale Tereshkina uspela a darí sa jej úplne všetko. Jej hlavnou silou bolo dokonalé zvládnutie techniky, ktorému pomohla vytrvalosť a prítomnosť spoľahlivého učiteľa v blízkosti - Lyubov Kunakova. Je zvláštne, že na rozdiel od Alexandrovej, ktorá sa pustila do skutočnej drámy, ktorá je možná len na baletnom javisku, sa Tereshkina „zamerala“ na zdokonaľovanie techniky a víťaznú bezzápletku povýšila na kult. Jej obľúbená zápletka, ktorú vždy hrá na javisku, vyrastá zo zmyslu pre formu.

Dokumentárny film „The Royal Box. Victoria Tereshkina"

Slovo „balet“ znie magicky. Zatvorte oči a okamžite si predstavíte horiace svetlá, mrazivú hudbu, šuchot tutov a ľahké cvakanie špičiek na parkete. Táto podívaná je nenapodobiteľne krásna, možno ju bezpečne nazvať veľkým úspechom človeka v snahe o krásu.

Publikum mrzne, hľadí na javisko. Baletné divy ohromujú svojou ľahkosťou a flexibilitou, zjavne s ľahkosťou vykonávajú zložité kroky.

História tohto druhu umenia je pomerne hlboká. Predpoklady pre vznik baletu sa objavili v 16. storočí. A už od 19. storočia ľudia videli skutočné majstrovské diela tohto umenia. Ale bez čoho by to bol balet slávne baletky kto ho preslávil? Náš príbeh bude o týchto najznámejších tanečníkoch.

Marie Ramberg (1888-1982). Budúca hviezda sa narodila v Poľsku v židovskej rodine. Jej skutočné meno je Sivia Rambam, no neskôr bolo z politických dôvodov zmenené. Dievča sa odmalička zamilovalo do tanca a oddalo sa svojej vášni. Marie berie lekcie od tanečníkov z parížskej opery a čoskoro si jej talent všimne aj samotný Diaghilev. V rokoch 1912-1913 dievča tancovalo s ruským baletom a zúčastňovalo sa na hlavných produkciách. Od roku 1914 sa Marie presťahovala do Anglicka, kde pokračovala v štúdiu tanca. V roku 1918 sa Marie vydala. Sama napísala, že to bolo skôr pre zábavu. Manželstvo sa však ukázalo ako šťastné a trvalo 41 rokov. Rambergová mala len 22 rokov, keď si v Londýne otvorila vlastnú baletnú školu, prvú v meste. Úspech bol taký ohromujúci, že Maria najprv zorganizovala svoju vlastnú spoločnosť (1926) a potom prvý stály baletný súbor vo Veľkej Británii (1930). Jej vystúpenia sa stávajú skutočnou senzáciou, pretože Ramberg k svojej práci priťahuje najtalentovanejších skladateľov, umelcov a tanečníkov. Balerína sa aktívne podieľala na vytvorení národného baletu v Anglicku. A meno Marie Ramberg navždy vstúpilo do dejín umenia.

Anna Pavlova (1881-1931). Anna sa narodila v Petrohrade, jej otec bol dodávateľom železníc a matka pracovala ako jednoduchá práčovňa. Dievča však mohlo vstúpiť do divadelnej školy. Po ukončení štúdia vstúpila v roku 1899 do Mariinského divadla. Tam získala časti v klasických produkciách - „La Bayadère“, „Giselle“, „Luskáčik“. Pavlova mala vynikajúce prirodzené schopnosti a svoje zručnosti neustále zdokonaľovala. V roku 1906 už bola vedúcou baletkou divadla, ale skutočná sláva prišla k Anne v roku 1907, keď zažiarila v miniatúre „Umierajúca labuť“. Pavlova mala vystúpiť o hod benefičný koncert, no jej partner ochorel. Doslova cez noc choreograf Michail Fokin naštudoval novú miniatúru pre balerínu na hudbu San-Saens. Od roku 1910 začala Pavlova cestovať. Balerína získava svetová sláva po účasti na ruských sezónach v Paríži. V roku 1913 vystúpila naposledy v Mariinskom divadle. Pavlova zhromažďuje svoj vlastný súbor a presťahuje sa do Londýna. Anna spolu so svojimi zverencami cestuje po svete klasické balety Glazunov a Čajkovskij. Tanečnica sa stala legendou už počas svojho života, zomrela na turné v Haagu.

Matilda Kshesinskaya (1872-1971). Napriek poľskému menu sa baletka narodila neďaleko Petrohradu a vždy bola považovaná za ruskú tanečnicu. Od raného detstva deklarovala svoju túžbu tancovať, nikto z jej príbuzných nepomyslel na to, aby ju v tejto túžbe zastavil. Matilda brilantne vyštudovala Imperial Theatre School a pripojila sa k baletnému súboru Mariinského divadla. Tam sa preslávila brilantné výkonyčasti „Luskáčik“, „Mlada“ a iné predstavenia. Kshesinskaya sa vyznačovala svojím typickým ruským výtvarným umením, do ktorého boli vklinené poznámky talianskej školy. Bola to Matilda, ktorá sa stala obľúbenou choreografkou Fokine, ktorá ju použila vo svojich dielach „Butterflies“, „Eros“, „Eunice“. Úloha Esmeraldy v rovnomennom balete v roku 1899 iskrila nová hviezda na javisku. Od roku 1904 Kshesinskaya cestuje po Európe. je nazývaná prvou balerínou Ruska a je ocenená ako „generalissimus ruského baletu“. Hovorí sa, že Kshesinskaya bola obľúbená samotného cisára Nicholasa II. Historici tvrdia, že okrem talentu mala baletka železný charakter, pevná pozícia. Práve ona má zásluhu na odvolaní riaditeľa cisárskych divadiel princa Volkonského. Revolúcia mala na balerínu tvrdý dopad, v roku 1920 vyčerpanú krajinu opustila. Kshesinskaya sa presťahovala do Benátok, ale pokračovala v tom, čo milovala. Vo veku 64 rokov stále vystupovala v londýnskej Covent Garden. A legendárnu balerínu pochovali v Paríži.

Agrippina Vaganová (1879-1951). Agrippin otec bol divadelným dirigentom v Mariinskom divadle. Do baletnej školy však mohol prihlásiť len najmladšiu zo svojich troch dcér. Čoskoro Yakov Vaganov zomrel, rodina mala iba nádej na budúceho tanečníka. V škole sa Agrippina prejavovala ako zlomyseľná a neustále dostávala zlé známky za svoje správanie. Po ukončení štúdia začala Vaganová svoju kariéru ako balerína. V divadle dostala veľa treťotriednych úloh, ktoré ju však neuspokojovali. Balerína bola ušetrená sólo partov a jej výzor nebol nijako zvlášť príťažlivý. Kritici napísali, že ju jednoducho nevideli v úlohách krehkých krás. Nepomohol ani makeup. Sama baletka tým veľmi trpela. Ale tvrdou prácou sa Vaganová dostala do vedľajších úloh a noviny o nej začali z času na čas písať. Agrippina potom prudko zmenila svoj osud. Vydala sa a porodila. Po návrate k baletu sa zdalo, že v očiach svojich nadriadených stúpa. Hoci Vaganová pokračovala v plnení druhých úloh, dosiahla majstrovstvo v týchto variáciách. Baleríne sa podarilo znovu objaviť zábery, ktoré akoby vymazali generácie predchádzajúcich tanečníkov. Až v roku 1911 dostala Vaganová svoj prvý sólový part. Vo veku 36 rokov bola baletka poslaná do dôchodku. Nikdy sa nestala slávnou, ale vzhľadom na svoje údaje dosiahla veľa. V roku 1921 bola v Leningrade otvorená choreografická škola, kde bola Vaganova pozvaná ako jedna z učiteľov. Profesia choreografky sa stala jej hlavnou až do konca života. V roku 1934 Vaganova vydala knihu „Základy klasického tanca“. Balerína venovala druhú polovicu svojho života choreografickej škole. V súčasnosti je to Tanečná akadémia, pomenovaná na jej počesť. Agrippina Vaganova sa síce veľkou baletkou nestala, no jej meno sa navždy zapíše do histórie tohto umenia.

Yvette Chauvire (nar. 1917). Táto balerína je skutočne sofistikovaná Parížanka. Vo veku 10 rokov začala vážne študovať tanec vo Veľkej opere. Yvettin talent a výkon zaznamenali režiséri. V roku 1941 sa už stala primárkou Opery Garnier. Debutové vystúpenia jej priniesli skutočne celosvetovú slávu. Potom Chauvire začal dostávať pozvania na účinkovanie v rôznych divadlách vrátane talianskej La Scaly. Balerína sa preslávila rolou Tieňa v alegórii Henriho Saugueta stvárnila množstvo úloh v choreografii Serge Lifara. Medzi klasickými predstaveniami vyniká rola v „Giselle“, ktorá je pre Chauvire považovaná za hlavnú. Yvette predviedla na javisku skutočnú drámu, pričom nestratila všetku svoju dievčenskú nežnosť. Balerína doslova žila životom každej zo svojich hrdiniek a na javisku vyjadrovala všetky emócie. Shovira bola zároveň veľmi pozorná na každý malý detail, skúšala a znova skúšala. Balerína v 60. rokoch viedla školu, kde kedysi študovala. A posledný východ Yvette sa postavila na scénu v roku 1972. Zároveň bola zriadená po nej pomenovaná cena. Balerína opakovane išla na turné do ZSSR, kde ju publikum milovalo. jej partnerom bol po úteku z našej krajiny opakovane samotný Rudolf Nurejev. Služby baletky pre krajinu boli odmenené Rádom čestnej légie.

Galina Ulanová (1910-1998). Aj táto baletka sa narodila v Petrohrade. Ako 9-ročná sa stala študentkou choreografickej školy, ktorú ukončila v roku 1928. Ihneď po promócii sa Ulanova pripojila k súboru opery a baletu v Leningrade. Úplne prvé vystúpenia mladej baleríny pritiahli pozornosť znalcov tohto umenia. Už vo veku 19 rokov tancovala Ulanova hlavnú úlohu v Labutom jazere. Do roku 1944 balerína tancovala v Kirovovom divadle. Tu sa preslávila úlohami vo filmoch „Giselle“, „Luskáčik“, „Fontána Bakhchisarai“. Najslávnejšou sa však stala jej rola v Rómeovi a Júlii. Od roku 1944 do roku 1960 bola Ulanova vedúcou balerínou Veľkého divadla. Verí sa, že vrcholom jej kreativity bola scéna šialenstva v Giselle. Ulanova navštívila Londýn v roku 1956 na prehliadke Bolshoi. Povedali, že taký úspech sa nestal od čias Anny Pavlovej. Javisková činnosť Ulanovej sa oficiálne skončila v roku 1962. Ale po zvyšok svojho života Galina pracovala ako choreografka vo Veľkom divadle. Za svoju prácu získala mnoho ocenení - stala sa ľudovou umelkyňou ZSSR, získala Leninovu a Stalinova cena, sa stal dvojnásobným hrdinom socialistickej práce a laureátom mnohých ocenení. Veľká balerína zomrela v Moskve, bola pochovaná dňa Novodevichy cintorín. jej byt sa stal múzeom a v rodný Petrohrad Ulanovej postavili pomník.

Alicia Alonso (nar. 1920). Táto balerína sa narodila v Havane na Kube. Začala študovať tanečné umenie vo veku 10 rokov. V tom čase bola na ostrove iba jedna súkromná baletná škola, ktorú viedol ruský špecialista Nikolaj Javorskij. Alicia potom pokračovala v štúdiu v USA. Debut na veľké pódium sa odohral na Broadwayi v roku 1938 v hudobných komédiách. Alonso potom pôsobí v baletnom divadle v New Yorku. Tam sa zoznamuje s choreografiami popredných svetových režisérov. Alicia a jej partner Igor Juškevič sa rozhodli rozvíjať balet na Kube. V roku 1947 tam tancovala v Labutom jazere a Apollo Musagete. V tom čase však na Kube neexistovali žiadne tradície baletu alebo javiska. A ľud takému umeniu nerozumel. Preto bola úloha vytvorenia národného baletu v krajine veľmi náročná. V roku 1948 sa uskutočnilo prvé predstavenie "Balet Alicie Alonso". Vládli v ňom nadšenci, ktorí zinscenovali vlastné čísla. O dva roky neskôr si balerína otvorila vlastnú baletnú školu. Po revolúcii v roku 1959 sa úrady sústredili na balet. Alicia spoločnosť sa vyvinula do vytúženého národného baletu Kuby. Balerína veľa vystupovala v divadlách a dokonca aj na námestiach, chodila na turné a bola uvedená v televízii. Jeden z najviac svetlý spôsob Alonso - úloha Carmen v balete s rovnakým názvom v roku 1967. Balerína na túto rolu tak žiarlila, že dokonca zakázala inscenovať tento balet s inými účinkujúcimi. Alonso cestoval po celom svete a získal množstvo ocenení. A v roku 1999 získala od UNESCO medailu Pabla Picassa za svoj výnimočný prínos tanečnému umeniu.

Maya Plisetskaya (nar. 1925). Je ťažké spochybniť skutočnosť, že je najznámejšou ruskou balerínou. A ukázalo sa, že jej kariéra bola rekordne dlhá. Maya vstrebala svoju lásku k baletu už ako dieťa, pretože aj jej strýko a teta boli známi tanečníci. Vo veku 9 rokov vstupuje do Moskvy talentované dievča choreografická škola av roku 1943 mladý absolvent vstúpil do Veľkého divadla. Tam sa jej učiteľkou stala slávna Agrippina Vaganová. Len za pár rokov sa Plisetskaya zmenila z baletného zboru na sólistu. Medzníkom pre ňu bola inscenácia „Popoluška“ a rola Jesennej víly v roku 1945. Potom to boli klasické inscenácie „Raymonda“, „Šípková Ruženka“, „Don Quijote“, „Giselle“, „Kôň hrbatý“. Plisetskaja zažiarila vo „Fontáne Bachčisaray“, kde dokázala predviesť svoj vzácny dar – na chvíľu doslova visela v skoku. Balerína sa zúčastnila troch inscenácií Khachaturianovho Spartaka, kde plnila úlohy Aeginy a Frygie. V roku 1959 sa Plisetskaya stala ľudovým umelcom ZSSR. V 60. rokoch sa verilo, že Maya bola prvou tanečnicou Veľkého divadla. Balerína mala dosť rolí, no hromadila sa tvorivá nespokojnosť. Riešením bola „Carmen Suite“, jeden z hlavných míľnikov v biografii tanečnice. V roku 1971 sa Plisetskaja presadila aj ako dramatická herečka, hrala v Anne Karenine. Podľa tohto románu bol napísaný balet, ktorý mal premiéru v roku 1972. Tu sa Maya vyskúša v novej úlohe - choreografke, ktorá sa ňou stáva nové povolanie. Od roku 1983 pôsobí Plisetskaja v Rímskej opere a od roku 1987 v Španielsku. Tam vedie súbory a inscenuje svoje balety. Posledné vystúpenie Plisetskej sa konalo v roku 1990. Skvelá baletka zasypala mnohými oceneniami nielen vo svojej vlasti, ale aj v Španielsku, Francúzsku a Litve. V roku 1994 organizovala medzinárodná súťaž a dal mu svoje meno. Teraz „Maya“ dáva mladým talentom príležitosť preraziť.

Ulyana Lopatkina (nar. 1973). Svetoznáma balerína sa narodila v Kerči. V detstve sa veľa venovala nielen tancu, ale aj gymnastike. Vo veku 10 rokov vstúpila Ulyana na radu svojej matky na Vaganovskú akadémiu ruského baletu v Leningrade. Tam sa jej učiteľkou stala Natalia Dudinskaya. Vo veku 17 rokov vyhrala Lopatkina súťaž All-Russian Vaganova. V roku 1991 balerína absolvovala akadémiu a bola prijatá do Mariinského divadla. Ulyana rýchlo dosiahla sólové časti pre seba. Tancovala v Don Quijote, Šípkovej Ruženke, Bachčisarajskej fontáne a Labutom jazere. Talent bol taký zjavný, že v roku 1995 sa Lopatkina stala primou jej divadla. Každá z jej nových úloh poteší divákov aj kritikov. Zároveň sa samotná balerína zaujíma nielen o klasické úlohy, ale aj o moderný repertoár. Jednou z obľúbených rolí Ulyany je teda časť Banu v „Legende lásky“ režiséra Jurija Grigoroviča. Balerína najlepšie funguje v úlohách tajomných hrdiniek. Jeho charakteristickým znakom sú rafinované pohyby, neodmysliteľná dramatickosť a vysoký skok. Diváci tanečnici veria, pretože je na javisku absolútne úprimná. Lopatkina je laureátkou mnohých domácich a medzinárodné ocenenia. Je ľudovou umelkyňou Ruska.

Anastasia Volochkova (nar. 1976). Balerína si spomína, že o svojom budúcom povolaní sa rozhodla vo veku 5 rokov, čo oznámila svojej matke. Volochkova tiež vyštudovala Akadémiu Vaganovej. Jej učiteľkou sa stala aj Natalia Dudinskaya. Už v poslednom ročníku štúdia debutovala Volochkova v Mariinskom a Veľkom divadle. Od roku 1994 do roku 1998 repertoár baleríny zahŕňal hlavné úlohy vo filmoch "Giselle", "Firebird", "Sleeping Beauty", "Luskáčik", "Don Quijote", "La Bayadère" a ďalšie predstavenia. Volochkova precestovala s Mariinským súborom pol sveta. Zároveň sa balerína nebojí vystupovať samostatne a buduje kariéru paralelne s divadlom. V roku 1998 dostala balerína pozvanie do Veľkého divadla. Tam bravúrne stvárňuje úlohu labutej princeznej v novej inscenácii Vladimíra Vasilieva Labutie jazero. V hlavnom divadle krajiny dostáva Anastasia hlavné úlohy v „La Bayadère“, „Don Quijote“, „Raymonda“, „Giselle“. Špeciálne pre ňu vytvoril choreograf Dean novú rolu víly Carabosse vo filme Šípková Ruženka. Volochkova sa zároveň nebojí predvádzať moderný repertoár. Za zmienku stojí jej rola cárskej panny vo filme Malý hrbatý kôň. Od roku 1998 Volochkova aktívne cestuje po svete. Získava cenu Zlatého leva ako najtalentovanejšia baletka v Európe. Od roku 2000 Volochkova opustila Veľké divadlo. Začína vystupovať v Londýne, kde si podmanila Britov. Volochková sa na krátky čas vrátila do Bolshoi. Napriek úspechu a popularite divadelná správa odmietla obnoviť zmluvu na obvyklý rok. Od roku 2005 Volochková vystupuje vo svojich vlastných tanečných projektoch. jej meno je neustále počuť, je hrdinkou klebiet. Talentovaná balerína začala nedávno spievať a jej popularita ešte vzrástla po tom, čo Volochková zverejnila svoje nahé fotografie.