Borodinova Bogatyrova symfónia – história stvorenia.

jar

SYMFÓNICKÉ DIELO BORODINA.

BOGATYR SYMFÓNIA. Symfonické diela zahŕňajú: 3 symfónie (1867, 1876, 1887); hudobný obraz „In Stredná Ázia

“ (1880). Skladateľ neoznámil žiadny program pre Bogatyrská symfónia

. A predsa sú tu jasné vlastnosti softvéru. Stasov o tom napísal: „Sám Borodin mi viac ako raz povedal, že v pomalej časti chcel namaľovať Bayana, v prvej časti - stretnutie ruských hrdinov, vo finále - scénu hrdinskej hostiny so zvukom gusli, s radosťou veľkého ruského davu.“ To dalo Stasovovi dôvod nazvať symfóniu Bogatyrskaya (Mussorgskij ju nazval „hrdinskou slovanskou“). Všetky tieto obrazy spája jediná vlastenecká myšlienka - myšlienka lásky k vlasti a oslava hrdinskej sily ľudu. ČASŤ I

– písaná formou sonátového allegro. Stelesnenie hrdinských obrazov. Hlavná časť má blízko k ruským epickým melódiám a je v podaní drevených dychov.

Vedľajšia časť má blízko k lyrickým piesňam ľudového štýlu. Vyjadruje lyrické pocity nielen jedného človeka, ale celej masy ľudí. Kreslí rozľahlú ruskú step.

Vývoj je postavený na Borodinovom obľúbenom epickom, obrázkovom princípe. Je postavená na striedaní hrdinských epizód, ktoré pripomínajú vojenské bitky, epické počiny a lyrické, osobnejšie momenty, postavené na rozvoji vedľajšej strany.

Po zhustenej repríze kódu s veľkou silou presadzuje prvú tému. ČASŤ II

- scherzo v rýchlom tempe. S predchádzajúcou časťou ho spája najkratšia spojka – jeden predĺžený akord.

Prvá téma scherza rýchlo vytryskne z hlbín basu na pozadí oktávy opakovanej rohmi a potom sa nesie, akoby „bez nadýchnutia“.

2. téma vyznieva jemnejšie, aj keď si stále zachováva mužský charakter.

Melódia tria je naplnená orientálnou blaženosťou. ČASŤ III –Andante, písaná formou sonátového allegro. Dá sa to nazvať hrdinskou epickou piesňou. Maľuje obraz Bayana - legendárneho staroveký ruský spevák

. Táto časť je vnímaná ako príbeh ľudového rozprávača o slávnych bitkách a vykorisťovaní dávnych rytierov.

Hlavnou časťou sú akordy harfy, ktoré vykresľujú brnkanie strún na harfe Bayan. Vedľajšia hra znie ako pokračovanie hlavnej. Ale nálada sa tu stáva inou, ako keby rozprávač z príbehu o pokojný život

prešiel k rozprávaniu o alarmujúcich a hrozivých udalostiach. - Allegro. Hudba uchvacuje rozsahom, brilantnosťou, veselosťou a mimoriadnou vznešenosťou.

Hlavnou časťou je rozsiahla, divoko veselá téma, ktorej prototypom je ľudová pieseň „Pôjdem do cárskeho mesta“.

Bočná časť je lyrickejšia a pokojnejšia. Má charakter glorifikácie a znie na pozadí akejsi „hrajúcej cinkajúcej harfy“.

Symfónia končí hudbou plnou statočnosti a nekontrolovateľnej zábavy.

ROMANCE OD A.P. BORODINA

Borodinova vokálna tvorba je objemovo malá. Celkovo napísal 16 romancí a piesní na texty A.S. Puškina, A. Tolstého, Heineho, A. Nekrasova, ako aj na vlastné texty. Možno ich rozdeliť do 3 skupín.

1. Romance stelesňujúce obrazy ľudových eposov a rozprávok:

"Pieseň temného lesa", "Spiaca princezná".

2. Lyrické náčrty a psychologické výpovede a psychologické náčrty:

"Moje piesne sú plné jedu," "pre brehy vzdialenej vlasti."

3. Každodenné a humorné romance:

"Arogancia", "V domoch ľudí."

"Spiaca princezná" napísané na Borodinov vlastný text. Táto romanca porovnáva obrazy spiacej princeznej, zlých fantastických stvorení a hrdinu-osloboditeľa.

"Pieseň temného lesa" obsahuje konkrétnejší hrdinský obraz. Slová zložil sám Borodin v duchu starodávnych ľudových piesní slobodných ľudí (nie nadarmo dal autor svojej romanke podtitul „Stará pieseň“). V tejto romanci ukázal Borodin ľudové obrazy minulosti, zdôrazňoval v nich to, čo bolo blízko modernosti - živelnú silu a nekontrolovateľnú túžbu po slobode.

„Za brehy vzdialenej vlasti“ Žáner: elégia. Bol napísaný v roku 1881 pod dojmom Musorgského smrti.

Hudba tejto romance bravúrne splýva s Puškinovým textom. Nálada hlbokého zdržanlivého smútku, odvážneho smútku, ostrosti a bolesti zážitkov charakterizuje toto dielo skladateľa. "arogancia"

- humorná romanca založená na básňach A.K. Tolstého, v ktorej sú jasne viditeľné hlavné črty tohto žánru v skladateľovom diele. Borodin sa nevyznačoval štipľavým výsmechom ani žieravou iróniou. Jeho romániky sa vyznačujú dobromyseľnou komédiou. Ale arogancia je spoločenský zlozvyk. Preto sa jej vyjadrením skladateľ približuje spoločenskej satire – žánru tak obľúbenému v dielach Dargomyžského a Musorgského.

Téma 19 (6)

Všestrannosť tvorivých a spoločenských aktivít Nikolaja Andrejeviča Rimského-Korsakova (1844-1908) - skladateľa, pedagóga, hudobného spisovateľa a redaktora, dirigenta a propagátora ruskej hudby. Odraz v jeho diele dejín a života ľudu; široký apel na národný folklór.

Detstvo v Tikhvine. Prvý úvod do hudby. Štúdium v námornom zbore v Petrohrade (1856-1862). Vášeň pre hudbu, navštevovanie opery a koncertov, kurzy s Canille. Zoznámenie sa s Balakirevom a jeho úlohou pri rozvoji talentu a formovaní umeleckých názorov Rimského-Korsakova. Zámorské plavby (1862-1865). Dokončenie a úspešné uvedenie Prvej symfónie; tvorba ďalších diel pre orchester.

Práca na opere „Žena Pskov“ na základe historickej zápletky. Skladateľov vzostup k sláve. Začiatok učiteľskej práce na konzervatóriu (1871). Zlepšenie kompozičných schopností. Vášeň pre ľudové piesne a tvorba piesňových zbierok. Apelujte na ľudové a rozprávkové zápletky v operách „Májová noc“ a „Snehulienka“.

Obdobie najvyššej tvorivej zrelosti; tvorba najlepších diel pre orchester 80. rokov („Šeherezáda“, „Španielske capriccio“), Beljajevský kruh. Práca na dokončení a úprave diel Musorgského a Borodina („Boris Godunov“, „Khovanshchina“, „Princ Igor“), vystúpenia ako dirigent. Nový rozkvet opernej tvorivosti od polovice 90. rokov. Solidarita Rimského-Korsakova s náladami vyspelej časti ruskej spoločnosti v rokoch revolúcie v rokoch 1905-1907. Vytvorenie opernej satiry „Zlatý kohút“. Boj Rimského-Korsakova za realizmus a národnosť ruského hudobného umenia. Študenti a nasledovníci Rimského-Korsakova. Svetové uznanie skladateľa.

Stručný prehľad tvorivého dedičstva. Žánrová a tematická bohatosť diel Rimského-Korsakova. Vedúce postavenie opery; prevaha rozprávkovo-epických diel. Žánrový ľudový základ symfonickej hudby; úlohu softvéru v ňom. Suity, symfónie a jednovetové diela pre orchester. Komorná vokálna hudba. Diela iných žánrov. Knihy a články

Rimsky-Korsakov o hudbe. „Moja kronika hudobný život„ako príklad tvorivej autobiografie.

Z hudby Rimského-Korsakova si v životopisnej lekcii môžete vypočuť pieseň varangiánskeho hosťa a pieseň indického hosťa z opery „Sadko“.

"Šeherezáda". Prechod na „Šeherezáda“ poskytuje príležitosť obnoviť a výrazne rozšíriť predstavy študentov o symfonickom orchestri. Do konca tretieho ročníka štúdia už nazbierali nejaké sluchové skúsenosti z komunikácie so symfonickou hudbou a nejaké poznatky z oblasti inštrumentácie. Farebný zvuk orchestra Rimského-Korsakova a programový charakter suity umocňujú vnímanie hudby a sólové epizódy takmer všetkých nástrojov uľahčujú rozpoznanie ich hlasov. V rozhovore o orchestri, ktorý sa stáva akýmsi úvodom do štúdia orchestrálnej kompozície, možno nastoliť otázky, ktoré študentom pomôžu pochopiť množstvo pojmov súvisiacich s orchestrálnou hudbou a v budúcnosti sa v nich samostatne orientovať. Hlavné sú: typy orchestrov, rozdielne v inštrumentálnom zložení a určení (repertoár); moderný symfonický orchester, orchestrálne skupiny a ich nástrojové zloženie, usporiadanie skupín na koncertnom pódiu; funkcie vodiča; koncepcia partitúry.

Arabské rozprávky „Tisíc a jedna noc“ ako zdroj obsahu hudby suity. Úžasný, orientálny charakter hudby. Malebnosť a farebnosť hudobných obrazov; expresívna úloha orchestrálnych timbrov. Štruktúra cyklu. Sluchové a vizuálne (podľa príklady notového záznamu z učebnice) identifikácia výrazových kvalít hlavných tém úvodu. Analýza sonátovej štruktúry prvej časti, jej hlavné témy. Porovnanie kontrastných obrazov v druhej časti, variačné rozvíjanie hlavnej témy. Piesňové a tanečné črty tém tretej časti, jej lyrická štruktúra. Striedanie tém z predchádzajúcich dielov vo finále. Programové a tematické obsahové kódy.

Opera "The Snow Maiden". Ciele najlepšie spĺňa „The Snow Maiden“ od Rimského-Korsakova akademická práca, hoci učiteľ má právo nahradiť ho akoukoľvek inou rozprávkovou operou. Vyučovanie na tému „Snehulienka“ je zároveň ťažšie ako predstavenie detí „Ivanovi Susaninovi“ a „princovi Igorovi“. Po prvé, existuje nebezpečenstvo zjednodušovania, redukovania témy opery na detskú rozprávku o dievčati Snehulienka. Na druhej strane, filozofický začiatok diela, jeho pohanský panteizmus a rituál a osobitá poézia majú ďaleko od svetonázoru moderných tínedžerov. Priblížiť prácu Rimského-Korsakova vnímaniu školákov pomôže obrátenie sa na nádherný poetický text A. N. Ostrovského a zorganizovanie lekcií vo forme jedinečnej hudobnej a literárnej kompozície. To však nevylučuje tradičný metodologický prístup k štúdiu opery. Je založená na striedaní fragmentov hudby s čítaním Ostrovského textu. Expresívne čítanie básnického textu učiteľom je predpokladom uvedomenia si vysokých umeleckých zásluh diela a živého, emotívneho vnímania literárnych obrazov u školákov.

Po analýze a vypočutí úvodu do prológu sú teda prirodzene vnímané riadky textu z Springinho monológu a jej príhovoru k vtákom, ktoré pripravujú „Pieseň a tanec vtákov“. Zjavenie Frosta a jeho dialóg s Jarom sa číta podľa Ostrovského textu, ktorý motivuje ďalšiu scénu so Snehulienkou. Jej ária a arietta sú hudobným centrom prológu. V scéne vyprevadenia Maslenitsy zaznie prvý zo zborov a záverečná scéna z vystúpenia Snehulienky.

Obmedzený čas neumožňuje sústrediť sa na prvú akciu. Význam toho, čo sa v ňom deje, je potrebný na pochopenie všetkého, čo nasleduje: učiteľ ho vysvetľuje výberom textových fragmentov.

V druhom dejstve sa môžete obrátiť na riadky z múdrych výrokov Berendeyho v dialógu s Bermyatou (druhý fenomén), Kupavovu sťažnosť (bez počúvania hudby duetu) a cárovu vetu („Čestní ľudia, jeho vina je hodná o treste smrti...“). Hudobné akčné čísla, ktoré sa tradične analyzujú a skúšajú, sú Procesia cára Berendeyho a jeho Cavatina. Pomalá, tichá, oduševnená hudba árie pôsobí svojou krehkou krásou po prečítaní jej textu na libreto výraznejším dojmom, ktorý ospevuje mohutnú prírodu plnú zázrakov.

Posledné dve akcie si vyžadujú menej pozornosti a času a výber fragmentov básnického textu na čítanie je tu obmedzenejší. Ak sa refrén „Ay, there’s a sticky tree in the field“ a „The Dance of the Buffoons“ počúvajú len s vysvetľujúcim komentárom, potom je Lelyina pieseň veľmi indikatívna pre analýzu výrazových prostriedkov a štrukturálnych prvkov. Ďalší vývoj deja je krátko prerozprávaný a Mizgirovo arioso slúži ako hudobná ilustrácia toho, čo sa deje v nočnom lese.

Posledné dejstvo začína scénou Snehulienka s jarou, z ktorej sa číta jej úvodný text s prestrihmi až po jarnú rozlúčku so Snehulienkou, vrátane farebného textu zboru. Vysoká poézia Tieto línie evokujú teplo a vôňu jarných dní a približujú človeka k prírode. Jednota človeka a prírody je jednou zo základných myšlienok opery. V scéne topenia, v posledných slovách Berendeyho a záverečnom refréne, je spojenie textu a hudby vnímané v ich jednote ako výsledok tvorby dvoch veľkých predstaviteľov ruského umenia. Pred počúvaním ariosa Snehulienky hudba opery zvýrazňuje tému Slnka Yarily, pretvorenú tému z arietty prológu, obraz Snehulienky sa vo finále porovnáva s jej vystúpením v prológu.

Pri štúdiu tejto témy používame:

Poznámky č. 27 (6)

Vizuálne pomôcky:

Reprodukcie zo sprievodcu Treťjakovskej galérie

Súbor portrétov skladateľov

3. Zvukový sprievodca:

1. „Nikolaj Andrejevič Rimskij-Korsakov“

4. Video tutoriál:

1. N.A. Opera Rimského-Korsakova "Snehulienka"

POZNÁMKA č. 27 (6)

NIKOLAJ ANDREEVICH RIMSKY-KORSAKOV.

(1844 – 1908)

Hlavné diela:

- 15 opier: „Sadko“, „Zlatý kohút“, „Kashchei nesmrteľný“, „Cárova nevesta“ a ďalšie.

- pre orchester: 3 symfónie, hudba. maľba „Sadko“, „Srbská fantázia“, „Rozprávka“, „Symfonietta na ruské témy“, „Španielske capriccio“, „Šeherezáda“, „Svetlá dovolenka“.

- koncerty, súbory pre rôzne nástroje s orchestrom.

- klavírne diela.

- 79 romancí, vokálnych duetov, trií a iných.

Rimskij-Korsakov sa narodil 6. marca 1844 v provincii Novgorod, v meste Tichvin. Skladateľov otec, bývalý guvernér, vlastnil dom. Matka je dcérou poddaného roľníka. Rodina bola hudobná. Nicky, ako ho s láskou volali jeho rodičia, prejavil hudobné schopnosti veľmi skoro. Vo veku 6 rokov sa začal učiť hudbu a vo veku 11 rokov dosiahol veľký úspech. Nika robila povinné cviky lenivo, no páčilo sa mu meniť koncovku hry, ktorú predvádzal.

No mladú Niku v tom čase nezaujímala len hudba. Oveľa viac ho priťahovala romantika mora - vášeň, ktorá sa rozvinula pod vplyvom jeho staršieho brata Voina Andreeviča, námorného dôstojníka, účastníka dlhých výprav, ktorý mal hodnosť zadného admirála. Nika bola uchvátená myšlienkou stať sa námorníkom. Nakoniec sa mu splnil sen. Ako 12-ročný vstúpil do námorného zboru v Petrohrade.

Kadetný zbor dramaticky zmenil jeho spôsob života. Všetko v ňom bolo podriadené vojenským rozkazom. Ale mladý kadet si tam rýchlo zvykol, spriatelil sa so stredoškolákmi, medzi ktorými bol aj budúci spisovateľ, autor „ Morské príbehy» K. Stanyukovich a umelec V. Vereshchagin. Nikolai sa dobre učil. Šesť rokov patril medzi desať najlepších kadetov. Preto dostal týždenné voľno. Začal navštevovať koncerty a opery.

Ale Nikolaiho hudobné vzdelanie zanechalo veľa želaní. Preto od roku 1859 začal študovať u F. A. Canilleho – hudobníka, klaviristu, znalca ruskej hudby. Prostredníctvom Canille sa mladý hudobník stretol s Balakirevom, Cui, Musorgským a Stasovom. To určilo jeho budúcu cestu. Začína pracovať na svojom prvom vážnom diele – Prvej symfónii. Zároveň však absolvuje skúšky v námornej pechote a potom ako praporčík obchádza svet na vojenskom cvičnom stroji Almaz. Cesta trvala 3 roky. Strihač navštívil Anglicko, Ameriku, Brazíliu, Taliansko, Španielsko a Francúzsko.

Návrat k hudbe nastal veľmi rýchlo. Skladateľovým debutom bola Symfónia č. 1, potom sa objavil symfonický obraz „Sadko“ a symfónia „Antar“. Ale najväčším dielom prvého obdobia bola opera „Žena Pskov“. Dokončenie opery sa zhodovalo s šťastnou udalosťou v živote skladateľa - oženil sa s N. N. Purgoldom, talentovaným klaviristom, účastníkom hudobných večerov v kruhu Balakirev a pravidelným interpretom diel kolegov skladateľov. Musorgskij to láskavo nazval „náš milovaný orchester“.

Zároveň Rimsky-Korsakov veľa pracoval na zbierkach ruských piesní. Najprv nahral a zharmonizoval 40 piesní od talentovaného amatérskeho speváka T. Filippova a potom ich začali sami hľadať Rusi ľudové piesne rôzne žánre. Zaujímal sa najmä o starodávne hry a rituálne piesne. Tak vznikla zbierka „Sto ruských ľudových piesní“.

V roku 1871 sa Rimskij-Korsakov stal profesorom na konzervatóriu v Petrohrade. Čoskoro nato je pozvaný na miesto inšpektora dychových hudieb námorného oddelenia. Aby sa kvalifikoval na druhú pozíciu, naučil sa hrať na dychové nástroje. V polovici 70. rokov prevzal aj povinnosti riaditeľa Slobodnej hudobnej školy a nahradil Balakireva.

V roku 1905 sa Rimskij-Korsakov postavil na stranu revolučne zmýšľajúcich študentov, za čo bol vylúčený z profesúry. Jeho návrat na konzervatórium bol veľkým víťazstvom demokratických síl.

Na jar roku 1908 začal Rimsky-Korsakov trpieť srdcovými chorobami, ale pokračoval v práci na učebnici „Základy orchestrácie“. Jeho posledné záznamy boli urobené 7. júna. A v noci 8. júna skladateľ zomrel.

OPERNÉ DIELO N.A.RIMSKY-KORSAKOVY.

N.A. Rimsky-Korsakov napísal 15 opier rôzneho obsahu:

1. „Žena Pskov“ je historická opera.

2. „Mozart a Salieri“ - historická opera.

3. „Cárova nevesta“ je historická opera.

4. „The Snow Maiden“ je epická rozprávka.

5. „Noc pred Vianocami“ je rozprávka.

6. „Zlatý kohút“ je rozprávka.

7. „Rozprávka o cárovi Saltanovi“ je rozprávka.

9. „Príbeh neviditeľného mesta Kitezh“ - fantastická opera.

10. "Servilia".

11. "Pánové vojvodstvo."

12. „Sadko“.

13. „Mlada“ - opera-balet.

14. „Koshey the Immortal“ - rozprávka.

15. "Boyaryna Vera Sheloga."

OPERA "SNEHULIENKA".

Žáner: spojenie epickej rozprávky a lyrickej drámy.

História stvorenia. Zápletka: Rimsky-Korsakov mal veľmi rád prírodu, najmä jar. Po prečítaní „jarnej rozprávky“ A. Ostrovského, kde sa ľudová múdrosť prelína so svetom pocitov, som sa rozhodol napísať operu podľa deja tejto rozprávky. Opera sa odohráva v rozprávkovom kráľovstve Berendeyovcov, kde sú všetci ľudia milí a spravodliví a milujú umenie. Klamstvo a klamstvo sú považované za zločiny. Berendeyovia uctievajú prírodu a slnko. Rimsky-Korsakov ukázal starodávne zvyky a rituály.

Libreto: N.A. Rimsky-Korsakov.

Postavy opery:

Mýtickí hrdinovia Polofantastickí, skutoční hrdinovia:

poloskutoční hrdinovia:

Otec Frost; Snow Maiden - flauta. Kupava

Pružina – roh; Obraz je rozprávkovo chladný Mizgir - klarinet-bas

Leshy. a zároveň plné lyriky. Bobyľ, Bobylikha

Lel – (klarinetový) pastier,

symbol večnej mágie

sila umenia.

Berendey – kráľ, zosobnenie

múdra vláda, pravda

otec svojho ľudu.

V opere "The Snow Maiden" Rimsky-Korsakov používa leitmotívy - konzistentné hudobné charakteristiky.

Skladba: prológ a 4 dejstvá (prevládajú sólové čísla).

Idea a dramaturgia: porovnanie a vývoj 2 rôznych sfér: ľudského sveta a prírodného sveta. Zobrazujú sa staré rituály a autentické ľudové piesne.

PROLÓG

Dej prológu sa odohráva ďaleko, ďaleko, za nepreniknuteľnými lesmi, kde leží rozprávková krajina Berendeyovcov. Huňaté smreky stoja po pás v snehových závejoch a Leshy a ďalší hniezdia v hlbokých dutinách. zlí duchovia. V krajine Berendeyovcov je chladno.

Orchestrálny úvod zavedie poslucháča do kráľovstva prírody. Spomedzi množstva spevov a melodických tém, na ktorých je založený úvod, vynikajú dva.

Drsná a panovačná téma Santa Clausa jasne kontrastuje s jemnou, teplou témou jari.

INKohút zaspieva a Leshy zvestuje koniec zimy. Jar zostupuje na zem a hlási, že Yarilo-Sun sa v hneve odvrátil od Berendeyovcov a dal ich krajinu do moci Otca Frosta, pretože Snehulienka, dieťa Otca Frosta a Jara, žije v ich chránenom lese. Snegurochka je prepustená žiť s Beredei a Leshy je prepustený ako strážca.

1. Piesne a tance vtákov. Orchestrálny sprievod je vyplnený onomatopoickými motívmi – vtáčími melódiami, ktoré nahral Rimskij-Korsakov. V hudbe je zreteľne počuť krik kukučky, klopanie ďatľa, cvakanie, pískanie a klepot iných vtákov. A na tomto pozadí znejú 2 ľudové melódie: „Vtáky sa zhromaždili“, „Orel guvernéra“.

2. Ária Snehulienky „Prechádzka po lesoch s priateľmi“. SSnehulienka žila 15 rokov v húšti lesa, ukrytá pred ľudskými očami a pred Yariliným ničivým pohľadom Snehulienka túži po teple ľudského citu. Na Berendey sa jej páči všetko. Rád počúva piesne pastiera Lelya, chce chodiť so svojimi priateľmi, tancovať v kruhoch a opakovať jeho piesne po Lelyi.Spieva o tom vo svojej prvej árii. Hudba tejto árie je ľahká, elegantná a pôvabná. Chladný timbre flauty neustále sprevádza Snehulienku na začiatku opery.

3. Arietta Snow Maiden „Počula som, počula som...“ vyjadruje pocit túžby po ľuďoch. Lyrická melódia je postavená na poltónových intonáciách. Harmónia pozostáva z durových a molových triád a ich inverzií.

Druhá časť prológu je venovaná starodávnemu rituálu vyplávania z Maslenice. Slamená podobizeň (Maslenitsa) sa obliekala a spievala po uliciach a večer sa pálila, to znamená, že sa snažili urýchliť príchod jari.

4. Zbor „Zbohom, Maslenitsa“. Melódia zboru je založená na melodických obratoch starých rituálnych piesní.

Potom si však Bobyl všimne Snehulienku. Berendeyovci zamrznú od prekvapenia, ohromení jej krásou. Spolu s Bobylikhou ju vezme do svojho domu. Stromy a kríky sa klaňajú Snehulienke a lúčia sa s ňou.

1 AKCIA

Do krajiny Berendeyovcov prišla jar. Snehulienka žije s Bobylom a Bobylikhom. Lel je tu tiež. Spieva 2 piesne pre Snehulienku. No nudí ho chladná Snehulienka, ktorá ho chce pobozkať za spev. A odhodiac kvetinu, ktorú jej dala, uteká Lel k veselým dievčatám. Snehulienka je rozrušená, jej srdce stíska melanchólia.

5. Arietta Snow Maiden “Aké je to tu bolestivé, aké ťažké je pre moje srdce...” - Snegurochka spieva a narieka Lela aj Otca Frosta, ktorý ju pripravil o teplo srdca.

Vedľa krehkej Snehulienky sa objavuje ďalší obraz - Berendeyova žena Kupava. Hovorí o stretnutí s pekným Mizgirom, bohatým obchodným hosťom.

Objaví sa Mizgir. Podľa zvyku musí dať darčeky dievčatám, ktoré sú Kupavovými priateľkami, aby vykúpil nevestu. Spievajú svadobné piesne. Ale Mizgir vidí Snehulienku a zabudne na všetko na svete. Za lásku jej sľubuje nevýslovné bohatstvo. Berendeyovci sú pobúrení. V ich krajine nikdy nebola taká zrada. Všetci radia Kupavovi, aby vyhľadal ochranu u cára Berendeyho.

2 AKCIA

Dej sa odohráva v paláci cára Berendeyho, kde dobro, spravodlivosť,

láska ku všetkému krásnemu – v ľuďoch, v prírode, aj v umení. Cár Berendey je zaneprázdnený kreslením. Ale nemôže sa cítiť šťastný. Znepokojuje ho Yarilina nepriazeň, nepochopiteľné ochladenie prírody aj ľudských sŕdc.

Kupava beží v slzách a žiada kráľa o ochranu. Kráľ, šokovaný Kupavovým smútkom a zradou ženícha, nariadil, aby bol Mizgir postavený pred súd.

5. Procesia cára Berendeyho je slávnostný rozprávkový pochod. Hlasné výkriky trúb, trombónov a iných dychových nástrojov živo kontrastujú s ľahkým pizzicatom huslí.

Súd s Mizgirom je krátkodobý. Nikto nepochyboval o jeho vine a on sa neospravedlňuje. Kráľova veta je tvrdá – čaká ho večné vyhnanstvo. Ale Mizgir chce naposledy pozrite sa na Snehulienku.

Tu sa objaví Snehulienka. Svojou krásou uchváti každého, aj kráľa.

6. Cavatina Berendeyová znie ako tichý, nadšený hymnus všemocnej prírody:„Mocná príroda je plná, plná zázrakov...“ Berendeyho hlas sa ozýva violončelo s jeho rytmicky kolísavou melódiou, jemnou a upokojujúcou.

A kráľ pochopil, prečo sa na nich Yarilo hneval. Takáto krása nemôže byť chladná. A cár Berendey sa rozhodne: zajtra, v prvý letný deň - na Yarilin deň - oženiť sa so všetkými nevestami a ženíchmi pred vychádzajúcim slnkom. A medzi milencami by mala byť aj Snehulienka so svojím vyvoleným. Mizgir žiada o odklad exilu a sľubuje, že zasadí lásku do srdca Snehulienky. Berendey súhlasí. Ľudia chvália Berendeyho múdrosť.

3 AKCIA

V predvečer Yarilinovho dňa - sviatku slnka - mladí ľudia tancujú v kruhoch na autentickú ľudovú pieseň "Aj, na poli je lepkavý strom." Starí ľudia si doprajú maškrty a perníky. Cár Berendey vychádza medzi ľudí. Buffony tancovali. Lel zaspieval svoju úžasnú pieseň.

7. Pieseň Lelya “A cloud conspired with thunder...”. Vystúpenie Lela je takmer vždy sprevádzané jemným trblietaním klarinetu (niekedy hoboja). Táto pieseň začína klarinetovým sólom, ktoré hrá autentickú brnkaciu melódiu. Úvod obsahuje figuratívne znaky – imitácia hromu (timpani tremolo). Melódia piesne je založená na ľudových frázach a spevoch.

Ako odmenu za pieseň kráľ vyzve Lelyu, aby si vybrala dievča. Snehulienka žiada Lela, aby si ju vybral, ale Lel, ktorý chápe smútok urazeného Kupavu, si vyberie ju. Všetci Berendeyovci sa rozutekajú a na lesnej čistinke zostáva len melancholická Snehulienka.

8. Mizgir’s Arioso „Na teplom modrom mori...“. Mizgir vo svojom arioso prosí dievča o lásku.

Snehulienke ponúka neoceniteľné perly pre jej lásku. Dievča však nerozumie jeho pocitom a uteká. Mizgir ju prenasleduje. Les ožíva, mení sa na nepreniknuteľnú húštinu a v diaľke sa mihá strašidelný obraz Snehulienky.

Goblin láka Mizgir do divočiny. Čistinka nadobudne svoj predchádzajúci vzhľad. Vychádzajú Lel a Kupava. sú šťastní. Pribehne Snehulienka a vyčíta Kupavu. Lel radí Snegurochke, aby sa naučila milovať od Kupavy.

4 AKCIA

V čarovnom jazere, v nepreniknuteľnej húštine, ukrytej pred ľuďmi, žije jar. Snehulienka prosí matku jar, aby jej dala pocit lásky. Jar dáva do vienka, ktorého kvety majú zázračnú moc – a práve v tej chvíli sa celý svet premení na Snehulienku. Objaví sa Mizgir. Jeho oddaná láska sa dotkne srdca dievčaťa. Šťastný Mizgir ju vedie ku kráľovi. Ale Snehulienka sa bojí slnečných lúčov. Slnko vychádza. Prichádza Yarilin deň - sviatok leta. Cár Berendey žehná mladým párom. Mizgir ju privedie ku kráľovi. Na cárovu otázku o svojej láske Snehulienka odpovedá: „Spýtaj sa ma stokrát, stokrát ti odpoviem, že ho milujem. A v tej chvíli lúč vychádzajúce slnko

osvetľuje ju. Zažíva nepochopiteľné pocity a začína sa topiť. 9. Arioso zo Snehulienky „Ale čo je so mnou...“ (scéna topenia).

Ak najprv sólové husle a flauta podfarbia hudbu teplými tónmi („Ale čo je to so mnou!? Blaženosť alebo smrť“), potom sa pri slovách „Milujem a roztápam sa...“ pripájajú dychy a harfa (glissando). v, čo vám umožňuje cítiť akési topenie, rozpúšťanie melódie.

10. Záverečný refrén „Svetlo a sila, boh Yarilo...“ - postavené na zvyšovaní sily. Lel spieva prvú slohu. Druhým je zbor Berendeyovcov a tretím je súbor sólistov.

Hudba „The Snow Maiden“ je presiaknutá láskou k ľuďom, prírode, viere v krásu človeka a vysokému oceneniu umenia, prebúdza v človeku všetko najlepšie, vieru v triumf pravdy a dobra.

SYMPHONY SUITE “SCHEHERAZADE”.

Poetizácia východu ruskými skladateľmi sa odráža v rôznych hudobných žánrov. Všetky sú farebné magické obrázky a obrázky prírody, originalita a originalita intonačného jazyka. Stačí vymenovať druhý, „polovský“ akt z opery A. P. Borodina „Princ Igor“, „Perzský zbor“ v opere „Ruslan a Ľudmila“

M.I. Glinka. Skutočný a imaginárny „ruský východ“ spája divokosť, bujarosť, spontánnosť a sofistikovanosť, malátnosť, blaženosť, rozprávku, mágiu, očarenie.

Už niekoľko stoviek rokov ľudí fascinujú a vzrušujú dobrodružstvá Sinbata námorníka, ktorý sa vydal na ďaleké a nebezpečné cesty, osud inteligentného a podnikavého Aladina, príbeh Aliho Babu, ktorý sa naučil zázračné slová. : „Otvor Sesame!“, sa zmocnil nespočetných pokladov štyridsiatich lupičov, legendy a autentickosti osobnosti všemocného a verbálneho kalifa z Bagdadu, Harun al-Rashida.

Hrdina rozprávok „1001 nocí“ sa už dlho stal obľúbeným medzi deťmi i dospelými. Zbierka týchto rozprávok sa objavila v 18. storočí vo Francúzsku. Z francúzštiny boli rozprávky čoskoro preložené do mnohých iných jazykov. „1001 nocí“ je skutočne ľudová skladba. Vytvorili ho mnohé generácie rôznych národov Východu: Arabi, Peržania, Hinduisti. Symphonic Suite"Šeherezáda" bola napísaná len za dva mesiace. V štyroch častiach tohto hudobná rozprávka Môžete nielen počuť, ale aj vidieť zázraky. Múdra a krásna Šeherezáda o nich rozpráva impozantnému sultánovi Shahriarovi.

Suita „Šeherezáda“ nie je len séria malebných orientálnych malieb, ale aj súboj dvoch protivníkov: Šahriar a Šeherezáda. Sultánovou zbraňou je hrubá sila, zbraňou rozprávača je poetický dar, ona neobmedzená fantázia. kto vyhrá?

Symfonická suita „Šeherezáda“ od Rimského-Korsakova (1888) je programovým dielom. Všetky 4 časti spája nielen jeden koncept, ale aj spoločné hudobné témy. Šeherezádina téma sa teda objavuje vo všetkých častiach. Pri komponovaní suity mal skladateľ najskôr v úmysle dať každej časti vlastný názov. Neskôr však od tejto myšlienky upustil a považoval za užitočnejšie pre poslucháčov slobodne nasledovať svoju predstavivosť.

Tému kráľa Šahriara, hrozivého a krutého vládcu, predvádzajú dychové nástroje v nízkom registri.

V sóle huslí vždy zaznie téma mladej a krásnej Šeherezády.

Časť I pôvodne nazval Rimsky-Korsakov “Obrázok mora so Sindibádovou loďou, ktorá sa na ňom plaví“ . Jeho hudba prekvapivo jemne sprostredkúva dych morského živlu, zobrazuje nekonečný rad vĺn, loď Sindibáda námorníka plaviacu sa po pokojnom oceáne. Morská turbulencia sa však postupne zvyšuje a teraz hudba zobrazuje veľkosť zúrivých živlov. Ale ku koncu pohybu sa všetko upokojí a hudba opäť nakreslí obraz jemne špliechajúceho, pokojného mora.

Po zhustenej repríze kódu s veľkou silou presadzuje prvú tému. - "Rozprávka o carevičovi Kalenderovi." Tu sa objavuje nová postava - princ a slovo mu dáva akoby Šeherezáda. Takto vzniká príbeh v príbehu, rozprávka v rozprávke. Skladateľ vytvára hudobný portrét Kalendera a potom zobrazuje jeho fantastické dobrodružstvá. Kalenderova téma vychádza z intonácií orientálnych ľudových piesní a zaznieva v časti fagot.

Melódia tria je naplnená orientálnou blaženosťou. - volalo sa to najlyrickejšie v suite"Carevič a princezná."

Hudba je plná svetla, horúceho slnka, sladkej malátnosti.

Prvá téma (Careviča) je široká a melodická.

Druhá téma (Princezná) je tanečného charakteru a vytvára ladný, ženský obraz.

prešiel k rozprávaniu o alarmujúcich a hrozivých udalostiach. je najvýraznejšia z celej suity. Spája v sebe témy všetkých predchádzajúcich dielov. Skladateľ toto dielo nazval„Maľovanie štátny sviatok v Bagdade." Tento sviatočný charakter sa prejavuje v zmene rôznych tém, hre rytmov a timbrov. Rozsiahla coda, ktorá slúži ako záver celého cyklu, vykresľuje samostatný obraz majestátneho, hrozivého mora a lode narážajúcej na skalu.

V epilógu sa Shahriarova téma zjemní a upokojí, pretože krutý sultán sa naposledy upokojí, ako záver rozprávky zaznieva téma mladej Šeherezády. Tým sa suita končí.

„Šeherezáda“ je jedným z najvýraznejších diel zobrazujúcich svet hudobného východu. Využíva princíp malebnosti, porovnávania epizód rôzneho charakteru, ktoré spája téma Šeherezáda, pripomínajúc, že toto všetko je príbehom jednej osoby – šarmantnej rozprávačky Šeherezády. V programe suity nie je konzistentný dej a neexistujú žiadne vysvetlenia obsahu rozprávok.

Borodinova symfónia Bogatyr dokonale zodpovedá jej názvu. Táto symfónia sa zrodila spolu so životným dielom Alexandra Borodina spolu s operou „Princ Igor“: obe tieto diela sú venované rovnakej téme – vznešenosti a veľkosti ruského hrdinu, majiteľa ruskej krajiny a jej obranca. Prvá téma symfónie sa mohla stať mottom Borodinovej tvorby a celej ruskej hudby. Je mimoriadne aforistický: krátky vzostupný švih a dva raziace „kroky“, ktoré vracajú tému do pôvodného tónu. Toto je téma výroku, téma príkazu, archaicky trápne a extrémne monolitické. Takýto úvod môže otvoriť „Príbeh minulých rokov“ alebo iné „dávne prípady“ uplynulé dni, legendy hlbokého staroveku.“

Celá prvá časť „Bogatyrskaya“ je variáciami na hlavnú tému, vedľa ktorej všetky ostatné motívy vyzerajú fragmentárne, fragmentárne, ako tieňové medzihry. A melódia „bafíkov“, ktoré sa mihli, a melódia „bielych labutí“, dievčenský spev – všetko bledne pred tematickým mottom a jeho variáciami. Teraz môžete počuť prísny mužský tanec, teraz úzkostlivé očakávanie „prepadu“, teraz ostré údery mečov alebo skoky rytierov v poli. Prvá časť symfónie plne zodpovedá názvu „epos“, ktorý sa často spomína v súvislosti so všetkými Borodinovými dielami. Tento názov znamená veľa: sklon k malebnosti a prevaha prezentácie nad vývojom a prevaha variácií a tendencia k porovnávaniu. A, samozrejme, veľkoleposť, rozsah, šírka.

Ťažko nájsť v dejinách symfonickej hudby iné dielo, kde by hlavná téma tak bezvýhradne kraľovala všetkým ostatným, akoby ich potláčala a „odstrašovala“; Je ťažké si predstaviť, že jedna myšlienka môže zaplniť celý hudobný priestor. Samozrejme, hrozivý hlas a osobitosť tejto témy si to vyžadujú. Pesimisti ju však po vypočutí „Heroic“ Symphony budú pravdepodobne nazývať ani nie tak hrdinskou ako „autokratickou“, taká veľká je centralizácia a koncentrácia „moci“ v nej. hlavná téma. Preto je Borodinova symfónia dokonca trochu „antisymfonická“, statická: žáner symfónie zahŕňa organickú kombináciu iný materiál a jeho dynamický rozvoj. Optimisti možno zdôraznia obraz Ilju Murometsa, jasne čitateľného v hudbe, ktorý tridsať rokov „sedel na svojom mieste“ a nakoniec odhalil všetku svoju silu. Potom je „Bogatyrskaya“ len zárodkom budúcnosti, symbolom neodhalenej epickej sily, náčrtmi a dotykmi veľkolepej básne o ruskom ľude, hudobným úvodom do jeho slávnej histórie, ktorá sa ešte len musí dokončiť.

Zloženie orchestra

2 flauty
2 pikolové flauty
2 hoboje
2 klarinety
2 fagoty
4 rohy
2 potrubia

3 trombóny
tympány
trojuholník
struny

História stvorenia

Druhá Borodinova symfónia- jeden z vrcholov jeho tvorivosti. Ona patrí svetu symfonické majstrovské diela, vďaka svojmu jasu, originalite, monolitickému štýlu a dômyselnej implementácii obrazov ruského ľudového eposu. Skladateľ ho koncipoval začiatkom roku 1869, no pracoval na ňom s veľmi dlhými prestávkami, spôsobenými jednak jeho hlavnými profesijnými povinnosťami, ale aj realizáciou iných hudobných nápadov. Prvá časť bola napísaná v roku 1870. Potom to ukázal svojim súdruhom - Balakirevovi, Cui, Rimskému-Korsakovovi a Musorgskému, ktorí tvorili takzvaný Balakirevov kruh alebo Mocnú hŕstku (definícia ich staršieho mentora a ideologického vodcu, umeleckého kritika V. Stasova). To, čo sa ukázalo, vyvolalo medzi priateľmi skutočné nadšenie. Stasov, ktorý rýchlo a rýchlo reagoval na hlasné definície, ju okamžite nazval „Levice“. Musorgskij pre ňu navrhol názov Slovanský hrdina. Avšak, Stasov, už premýšľať o emocionálna definícia a nad názvom, s ktorým bude hudba žiť, navrhol: Bogatyrskaja. Autor proti tejto interpretácii svojho plánu nenamietal a symfónia mu zostala navždy.

Do konca to bolo ešte veľmi ďaleko. Existuje mnoho rozptýlení - výučba na Lekársko-chirurgickej akadémii, kde Borodin zastáva funkciu profesora, výučba na ženských lekárskych kurzoch, početné verejné povinnosti vrátane redigovania populárno-vedeckého časopisu "Vedomosti". Tá trvala iba jednu sezónu, keďže vláda, nespokojná s ateistickou orientáciou časopisu, „odporučila“ Borodinovi z redakcie odísť. Napokon skladateľa rozptyľovala tvorba ďalších diel. V tých istých rokoch sa objavili fragmenty opery „Princ Igor“, v ktorých boli veľmi silné aj „hrdinské“ tóny. Symfónia bola dokončená až v roku 1876. Jeho premiéra sa konala 2. februára 1877 na jednom z koncertov Rusa hudobná spoločnosť v Petrohrade pod vedením E. F. Nápravnika.

Symfónia má napriek absencii avizovaného programu jednoznačne programové črty. Stasov o tom napísal: „Sám Borodin mi viac ako raz povedal, že v adagiu chcel nakresliť postavu Boyana, v prvej časti - stretnutie ruských hrdinov, vo finále - scénu hrdinskej hostiny so zvukom z gusli s radosťou veľkého zástupu.“ V skutočnosti táto interpretácia dala Stasovovi dôvod pre meno Bogatyrskaya.

Hudba

„Bogatyr Symphony“ má 4 časti:

Prvá časť je založená na porovnaní dvoch obrázkov. Prvým je silná unisonová téma v podaní sláčikov, akoby šliapajúcich, ťažkých a dupľavých. Dopĺňa ho, trochu zmierňujúci vážnosť, živší motív, intonovaný drevenými dychmi. Vedľajšia téma – široká melódia piesne v podaní violončela – akoby zobrazovala rozľahlú ruskú step. Vývoj je založený na striedaní hrdinských, intenzívnych epizód, ktoré vyvolávajú asociácie s bojovými bitkami, epické vykorisťovania, s lyrickými, osobnejšími momentmi, v ktorých sekundárna téma naberá v dôsledku vývoja jubilantný charakter. Po zhustenej repríze je prvá téma potvrdená gigantickou silou v kode hnutia.

Druhá časť- rýchle scherzo, ktorého prvá téma rýchlo vybuchne z hĺbky basu na pozadí oktávy opakovanej rohmi a potom sa rúti dole, akoby „bez nadýchnutia“. Druhá téma vyznieva o niečo jemnejšie, aj keď si stále zachováva svoj mužský charakter. V jeho zvláštnom synkopickom rytme je počuť zvuky šialeného cvalu stepných koní cez nekonečné priestranstvá. Trio uchvacuje svojim melodickým šarmom a ako často u Borodina je melódia naplnená orientálnou blaženosťou. Ale stredná epizóda je krátka - a rýchly beh sa obnoví, postupne mizne, akoby bol unesený do neznáma.

Tretia časť, ktorý je podľa samotného Borodina navrhnutý tak, aby sprostredkoval obraz Boyana - legendárneho starovekého ruského speváka - má príbehový charakter a rozvíja sa v plynulom, pokojnom pohybe. Akordy harfy imitujú brnkanie strún žaltára. Po niekoľkých taktoch úvodu intonovaných klarinetom začne lesný roh spievať poetickú melódiu, ktorá patrí k najlepším stránkam skladateľovej hudby. Pokojné rozprávanie však netrvá dlho: nové motívy vnášajú nejasný pocit ohrozenia, farby sú hustejšie a tmavšie. Počiatočná jasnosť sa postupne obnovuje. Skladba končí nádhernou lyrickou epizódou, v ktorej hlavná melódia znie v celej plnosti svojho šarmu.

Opakovanie úvodných taktov smeruje priamo do koncovky, ktorá začína bez prestávky. Jeho hudba uchvacuje rozsahom, brilantnosťou, veselosťou a zároveň veľkosťou. Základné hudobný obraz- hlavnou témou sonátovej formy je rozsiahla, divoko veselá téma v ostrom synkopickom rytme, ktorá má svoj predobraz v ľudovej zborovej piesni „I’ll go to the Car City“. Je doplnený krátkym motívom hoboja „odpadky“. Vedľajšia téma je lyrickejšia a pokojnejšia. Má charakter glorifikácie a znie najskôr zo sólového klarinetu, potom z flauty a hoboja na pozadí akejsi „hrajúcej cinkajúcej harfy“. Tieto tri témy podliehajú pestrému a majstrovskému vývoju, ktorého začiatok je výrazne a silne poznačený znejúca epizóda v spomalenom zábere. Potom sa pohyb stáva čoraz živším, symfónia končí hudbou plnou statočnosti a nekontrolovateľnej zábavy.

Video

16. januára 2013, 02:40

Domáci muzikológovia rozlišujú dva typy ruského symfonizmu:
konfliktný (lyricko-dramatický),
epický.
Predstaviteľom prvého typu je napríklad Čajkovskij; druhý je Borodin.
Integrita v epickej symfónii je iného druhu ako v konfliktnej symfónii.
Cyklus epickej symfónie sa nerozpadá, pretože každá časť predstavuje jednu stránku života (lyrika, dráma, komédia).
Tieto časti spolu vytvárajú úplný obraz sveta.
Borodin je autorom epickej symfónie, uznávanej ako štandard.
Štandardný: cyklus.
Prvá časť stelesňuje hrdinstvo.
Zaujímavý je vzťah medzi tempom (Allegro) a hutnou orchestráciou.
Vzniká čisto borodinovský efekt symfonického dynamického monumentalizmu.
Dynamický monumentalizmus je objemná, usadená zvuková masa, ktorá dostáva rýchle tempo, ktoré nezodpovedá jej možnostiam.
Borodin ako prvý v ruskej hudbe porušil zákon hmotnosti a rýchlosti.
Druhá časť je scherzo.
Pre Borodina je to tradícia.
Druhá časť stelesňuje myšlienku sveta ako hry.
Blikajúce masky.
Táto časť prezrádza najviac charakteristický znak Borodinova osobnosť - humor.
Tretia časť obsahuje dve obrazné sféry – lyriku a drámu.
Záver opakuje myšlienku prvej časti vo všeobecnej forme.
Myšlienka spojenia hrdinu a más.
Druhý štandard: interpretácia sonátovej formy.
Sonátová forma epickej symfónie je odlišná od sonátovej formy konfliktnej symfónie.
Po prvé, tematickosť.
Téma epickej symfónie je postavená na všeobecných intonáciách; má spojenie s ruským folklórom.
Takéto témy nie sú potrebné ďalší rozvoj; má v podstate kompletnú štruktúru.
Všetky témy symfónie nie sú rozvinuté, Borodin ich iba opakuje v inej výške.
Téma GP je ojedinelým fenoménom.
Obsahuje národnú dualitu:
ťažké tercie a kvarty s ťažkým „pádom“ na základný tón - čisto ruský,
jej počiatočná intonačná osnova je niečo orientálne.
Jeho modálne riešenie je jedinečné:
Ruská variabilita tretej etapy,
Frýgický moll so zníženou IV (nájdený vo východnej hudbe).
Jeho referenčné tóny načrtávajú hlavné tónové zóny pohybu:
začiatok vývoja – c-mill,
PP v repríze – Es (Dis)-dur.
GP a PP majú spoločné intonácie.
Druhá „zvonová“ časť GP je podobná počiatočnej intonácii PP.
To je základ pre následné zbližovanie tém.
Vývoj epickej symfónie je tiež odlišný od R. conf. symfónia
Dominuje mu myšlienka celistvosti (nemennosti).
Fragmentácia témy nie je zameraná na deštrukciu témy, ale na jej priblíženie k iným témam na základe spoločných intonácií.
Takmer okamžite sa objaví kríženec GP a PP - 5. takt z ts.6.
Vyvíja sa nezávisle.
Na jeho základe vzniká polytonálny kánon (ts. 7).
Potom GP a PP znejú jeden po druhom ako prirodzené pokračovanie.
Veľmi zaujímavý je tónový plán GP vo vývoji: c (frýgický, s vibračnou terciou) – g – f – d.
Princíp veľkého zdvihu:
Ako nositeľ modálnej funkčnosti Borodin nepredkladá akord, tón alebo tonalitu, ale integrálne modálne komplexy.
Ďalší prejav tohto princípu: vývoj vo vývoji je zameraný na čoraz silnejšiu implementáciu tém.
Scherzo.
Jeho tempo je na hranici jeho výkonnostných možností – celých =108 (!).
Kľúč F-dur sa získava postupne.
Na začiatku zaznie dominantný neakord bez kvinty až b mol.
Vďaka enharmonickej zámene (bas z fis sa presunie do c) sa formuje tonalita F-dur.
Podľa Beethovenovho princípu GP postupne vzniká.
Trio má orientálny charakter.
Tretia časť.
Andante, Des major.
Sonátová forma.
GP – lyricko-epická sféra.
Blok SP a PP (e-C-As) – dramatický.
Všeobecné programovanie - Borodin chcel nakresliť postavu Bayana:
najprv žaltéria (harfa), potom pieseň o „zašlých časoch“ (sólo na roh).
Vývoj plynie z RFP, čo vytvára mimoriadnu flexibilitu vo forme.
Konečná.
N-dur.
Téma GP je blízka ľudovej piesni „Pôjdem do Cargorodu“.
(Použil ho Balakirev v „100 rokoch“).
GP a PP tvoria epickú opozíciu medzi mužským a ženským rodom.

Borodinove zásluhy ako symfonistu sú obrovské: je zakladateľom epického symfonizmu v ruskej hudbe a spolu s Čajkovským tvorcom ruskej klasickej symfónie. Samotný skladateľ poznamenal, že bol „priťahovaný k symfonickým formám“. Navyše, členovia Mocná partia„pod vedením Stasova presadzovali obrazovo-dejový, programový typ symfonickej hudby typu Berlioz alebo Glinka; klasický 4-vetový sonátovo-symfonický typ bol považovaný za „oživený“.

Borodin vzdal hold tejto pozícii vo svojom kritické články a v symfonickom filme „V strednej Ázii“ - jediný program symfonické dielo. Viac však inklinoval k „čistému“ symfonickému cyklu, o čom svedčia jeho tri symfónie (posledná nebola dokončená). Stasov to ľutoval: "Borodin sa nechcel postaviť na stranu domorodých inovátorov." Borodin však podal takú jedinečnú interpretáciu tradičnej symfónie, že sa ukázal byť ešte väčším inovátorom v tomto žánri ako ostatní „podvracači“.

Tvorivú zrelosť Borodina ako symfonistu poznačila 2. symfónia. Roky jej písania (1869-1876) sa zhodujú s dobou práce na kniežati Igorovi. Tieto dve diela sú si blízke; spája ich celý rad myšlienok a obrazov: oslava vlastenectva, moc ruského ľudu, jeho duchovná veľkosť, jeho vyobrazenia v boji a mierovom živote, ako aj obrazy Východu a obrazy prírody.

Symfónia "Bogatyr".

Názov „Hrdinská“ symfónia dal V. Stasov, ktorý uviedol: „Sám Borodin mi povedal, že v adagiu chcel nakresliť postavu Bayana, v prvej časti - stretnutie ruských hrdinov, vo finále - scéna hrdinskej hostiny so zvukom gusli, s radovaním veľkého zástupu ľudí“ Tento program, ktorý bol vyhlásený po Borodinovej smrti, však nemožno považovať za autorov.

„Bogatyrskaya“ sa stala klasickým príkladom epickej symfónie. Každá z jeho štyroch častí predstavuje určitú perspektívu reality a spolu vytvára holistický obraz sveta. V prvej časti je svet prezentovaný ako hrdinstvo, v scherze - svet ako hra, v pomalom pohybe - svet ako text a dráma, vo finále - svet ako všeobecná myšlienka.

Prvá časť

Hrdinský princíp je najplnšie stelesnený v ja časť napísaná vo forme sonáty Allegro ( h-moll ).Jej rýchle tempo vyvracia jeden z pretrvávajúcich mýtov spojených s hudobným eposom (o dominancii spomalených záberov). V mohutných súzvukoch úvodných taktov s ich klesajúcimi „ťažkými“ terciami a kvartami sa objavuje obraz hrdinskej sily. Vytrvalé opakovania charakteristické pre epický príbeh, dôraz na toniku a energický „swing“ dodávajú hudbe monolitickú stabilitu. Z tejto témy vznikajú rôzne narážky – od drsných epických melódií a básnickej piesne „Hey, let’s whoop“ až po úplne nečakanú paralelu s prvým Lisztovým veľkým koncertom Es. Z hľadiska režimov je to mimoriadne zaujímavé: je cítiť ako premenlivosť tonickej tercie, tak aj farebnosť frygického režimu s nízkym IV štádium.

Druhý prvok hlavná téma (Animato assai ) sú tanečné melódie drevených dychových nástrojov. Princíp dialogickej štruktúry, charakteristický pre klasické sonátové témy, je interpretovaný z epickej perspektívy: oba prvky sú pomerne rozsiahle.

Krátka spojovacia časť vedie k vedľajšia téma( D-dur , violončelá, potom drevené dychy), ktorého oduševnená lyrická melódia je intonačne blízka ruským okrúhlym tanečným piesňam, predstavuje komplementárny kontrast Podobný kontrast medzi hrdinským a lyrické obrazy v opere „Princ Igor“ je zosobnený v hlavných postavách (Igor a Yaroslavna). Záverečná hra (opäť Animato assai ) vychádza z materiálu hlavnej témy v tónine D-dur.

rozvojpodlieha epickému princípu – striedaniu obrazov-obrazov. Stasov opísal jeho obsah ako hrdinskú bitku. Hudobný vývoj prebieha v troch vlnách, ktoré sa napĺňajú vnútornou energiou a silou. Dramatické napätie podporujú sekvencie, stretty, D orgánové body, zvýšenie dynamickej úrovne a energický ostinátny rytmus tympánov vytvárajúci predstavu rýchlych dostihov.

Spoločná intonácia hlavných tém slúži ako základ pre ich postupné zbližovanie. Už na samom začiatku vývoja vzniká nová tematická možnosť, ktorá je výsledkom syntézy hlavnej témy s vedľajšou. Takáto kombinácia tematiky je typickým znakom epickej symfónie vôbec a charakteristický znak Predovšetkým Borodinovo tematické myslenie.

Prvé vyvrcholenie vývoja stavia na druhom prvku hlavná strana, znejúci s udatnou zdatnosťou. Ďalej, ako prirodzené pokračovanie, nasleduje vedľajšia téma v Des - dur , zmena vývoja pokojnejším smerom Po tomto oddychu nasleduje nová vlna rastu. Celkovým vrcholom vývoja a zároveň začiatkom reprízy je mohutné prenesenie hlavnej témy celým orchestrom v rytmickom narastaní offf.

IN repríza pôvodná podstata hlavných obrazov je posilnená a prehĺbená: hlavná téma sa stáva ešte silnejšou (v dôsledku pridania nových nástrojov, pridania akordov), vedľajšej témy ( Es - dur ) - ešte jemnejšie a jemnejšie. Energický záverečná téma rámcové epizódy pripomínajúce vývoj - s rýchlym pohybom vpred a dynamickým budovaním. Stimulujú ďalší rast hrdinského obrazu: jeho nová implementácia v kód znie ešte veľkolepejšie ako predchádzajúci (štvornásobný rytmický nárast!).

Druhá časť

V druhej časti (Scherzo) dominujú obrazy rýchleho pohybu a hrdinských hier. Obrazne povedané, hudba scherza je veľmi blízka polovskému svetu opery „Princ Igor“. Odrážala elementárnu silu a orientálnu plasticitu, blaženosť a vášeň, ktoré boli často v kontraste s ruským hrdinstvom.

Trojdielna forma obvyklá pre scherzá v „Bogatyrskej“ symfónii sa vyznačuje veľkým rozsahom: ako v scherze Beethovenovej 9. symfónie, aj tu sú vonkajšie časti napísané v sonátovú formu(bez vývoja).

Hlavná témavyznačuje sa energiou, zvýraznenou ostrosťou inštrumentálneho štýlu, staccatovým typom orchestrálneho pohybu (aj pulzom v rohoch a pizzicato struny). Je zatienený druhým zapojeným do rýchleho pohybu, vedľajšia téma- krásna melódia s orientálne črty, vďaka čomu si zapamätáte témy Končakových alebo Polovských tancov (synkopa, chromatizmus).

Ešte viac na východ v hudbe trio, so svojím typickým borodinským orientálnym štýlom: organová pointa, pikantná harmónia. Zároveň je zrejmá intonačná podobnosť témy tria so sekundárnou témou prvej časti.

Takto sa vytvárajú spojenia medzi rôzne časti symfónia, prispievajúc k jej jednote.

Tretia časť

Hudba tretej, pomalá časť ( Andante, Des-dur ) má najbližšie k Stasovovmu „programu“, ktorý ho prirovnal k poetickej piesni guslara. Cítiť v ňom ducha ruského staroveku. Menoval sa Asafiev Andante „stepná lyrická rozloha“. Táto veta je napísaná aj v sonátovej forme, kde sa hlavné témy dopĺňajú, predstavujú dve figuratívne sféry – lyriku (hlavná téma) a drámu (vedľajšia).

Hlavná téma(lesný roh, potom klarinet) - toto je „slovo rozprávača“. Jeho naratívny charakter je sprostredkovaný hudobných prostriedkov, spojené s epickými pôvodmi: hladkosť, iridizácia trichordových spevov, štrukturálna a rytmická neperiodicita, variabilita modálnych a harmonických funkcií ( Des-dur-b-moll ). Téma je prevažne zladená
diatonické akordy sekundárnych stupňov pomocou plagalových obratov. Výskumníci uvádzajú konkrétny prototyp - epos „O Dobrynyi“ („To nie je biela breza“). Akordy harfy reprodukujú brnkanie strún na harfe.

IN vedľajšia téma ( poco animato ) epická pomalosť ustupuje vzrušeniu, akoby spevák prešiel od pokojného rozprávania k príbehu o dramatických a hrozivých udalostiach. Obraz týchto udalostí vzniká v záverečnej časti expozície a vo vývoji, kde je cítiť veľké dramatické napätie. Niektoré izolované motívy z tém výstavy nadobúdajú impozantný charakter, pripomínajúci hlavné hrdinská témaČasť I.

IN repríza celý orchester spieva príbehovú pieseň – široko a nahlas (doprovodné tóny sú frázy z vedľajšej časti a z rozvitky). V tom istom kľúči ( Des - dur ) a na rovnakom pozadí sprievodu sa odohráva jeden vedľajší - kontrast sa odstráni, čím sa ustúpi syntéze.

Časť štvrtá

Finále symfónie (aj v sonátovej forme) nasleduje pomalú časť bez prerušenia. Tu sa objavuje obraz veselého, hodujúceho Rusa. Rýchlym pohybom sa spájajú a ľudový tanec a spev a rinčanie gusli a zvuk balalajok. V tradíciách Glinkovej „Kamarinskej“ sa variácie hlavných tém postupne zbližujú.

Štvrtá časť začína malým vírom úvod, v ktorej je počuť striedanie tanečných melódií D orgánový bod. Ostré kvartosekundové harmónie, prázdne kvinty a pískajúce drevené dychy vás uvedú do atmosféry ruského ľudového inštrumentalizmu a bifľovania.

Hlavná téma- toto je živý temperamentný tanec. Flexibilný voľný rytmus, časté akcenty, ako je dupanie, tlieskanie, dodávajú pohybu určitú ťažkosť. Trichordové obraty v melódii, akordy vedľajších krokov, pružný asymetrický rytmus, najmä pentapartit (nezvyčajný pre tanec), približujú túto tému k témam iných častí symfónie (bočná časť prvej časti, hlavná časť Andante).

Vedľajšia témazachováva živý tanečný pohyb, ale stáva sa plynulejším a melodickejším, čím sa približuje k okrúhlej tanečnej piesni. Táto jasná, radostná jarná melódia sa vinie ako reťaz dievčat v okrúhlom tanci.

Vo vývoji a repríze pokračuje variácia tém, ktorá sa začala na výstave. Mení sa orchestrácia a harmonizácia a dôležitá je najmä úloha farebných porovnávaní tónov. Objavujú sa nové ozveny, nové tematické možnosti (neskôr prijímanie samostatný rozvoj), konečne úplne nové témy. Toto je veľká tanečná téma, ktorá sa objavuje na vrchole vývoja ( C-dur ) - stelesnenie syntézy oboch tém sonáty allegro. Toto je tanec, na ktorom sa zúčastňuje veľa ľudí, ktorých spája jedna nálada. V závere reprízy sa pohyb zrýchľuje, všetko sa rúti vo víre tanca.

Vďaka spojeniam s ostatnými časťami symfónie (najmä s prvou) ten koniec dáva zmysel zovšeobecnenia.

Podobnosť námetov symfónie spája jej štyri časti do jedného grandiózneho plátna. Epický symfonizmus, ktorý tu získal svoje prvé a vrcholné stelesnenie, sa stane jednou z hlavných tradícií ruskej hudby.

Charakteristické črty Borodinovej epickej symfónie

absencia konfliktu medzi témami sonátovej formy;
namiesto konfrontácie - ich kontrastné porovnanie;
spoliehanie sa na spoločné, kolektívne, ustálené intonácie, spojenie s ruštinou piesňový folklór Ako tradičná vlastnosť tematizmus;
prevaha expozície nad vývinom, techniky intonačnej variácie, subvokálna polyfónia nad motivickým vývinom;
postupné posilňovanie pôvodnej podstaty hlavných obrazov, schválenie myšlienky celistvosti a stálosti, v ktorej hlavný pátos eposu je uzavretý;
posunutie scherza na druhé miesto v symfonickom cykle, čo sa vysvetľuje nedostatkom dramatickosti v prvej sonáte Allegro Allegro. (v tomto smere nie je potrebná reflexia ani oddych);
Konečným cieľom vývoja je syntéza kontrastného materiálu.

Je známe, že niektoré materiály, pôvodne určené pre operu, boli potom použité v symfónii Najmä úvodná téma bola pôvodne koncipovaná ako téma polovského zboru v Igorovi.

nachádza v orientálnej hudbe, Šostakovič má monogram. Je zaujímavé, že modálne detaily hlavnej témy - II nízka, IV nízka (dis ) - načrtnúť dôležité míľniky v ďalšom tonálnom vývoji partu: začiatok vývoja je C-dur, sekundárny v repríze je Es-dur.

Podľa vzoru symfónie „Bogatyr“ vznikla Glazunovova Piata symfónia, Piata Myaskovského a Piata Prokofievova.

A.P. Borodin je jednou z monumentálnych postáv ruskej skladateľskej školy, jedným z jej členov. Je jedným z prvých skladateľov, vďaka ktorému Európa spoznala a uznala ruskú hudbu. V tomto zmysle je jeho meno na rovnakej úrovni ako meno

Alexander Porfirjevič Borodin (1833 - 1887) žil krátko a náhle zomrel na infarkt.

"...akoby ho zasiahla delová guľa a vytrhla ho z radov živých."

Na rozdiel od rovnako zmýšľajúcich priateľov tento skladateľ, ktorý nasledoval tradičnú cestu, zostal verný svojej hlavnej profesii - chémii (kým dal výpoveď, Rimsky-Korsakov opustil námornú službu, Cui tiež nezostal dlho vojenským inžinierom).

Meno Borodin v 19. storočí. bol široko známy spolu s najväčšími ruskými chemikmi v Rusku aj v Európe: spolu s profesorom N. Zininom uskutočnil skutočnú revolúciu (položil základy moderná teória plasty). Okrem toho bol skladateľ skvelým učiteľom. Sám žartoval, že hudbu skladal, keď odpočíval alebo bol chorý. A jeho vtip je pravdivý, keďže práca na dielach sa často ťahala nielen roky, ale aj desaťročia (na opere „Princ Igor“ pracoval 25 rokov a nikdy ju nedokončil).

IN tvorivé dedičstvo Borodin:

1 opera („Princ Igor“),
opereta s hovorenými dialógmi „Bogatyrs“,
3 symfónie (č. 3 nedokončená),
symfonický obraz „V strednej Ázii“,
komorné, klavírne diela, romance a piesne,
koncert pre flautu a klavír a orchester (stratený).

Symfónie od A. P. Borodina

Dôležitú úlohu v tvorivej biografii symfonistu Borodina zohrala jeho Prvá symfónia Es dur (1867, prvýkrát uvedená v decembri 1868). Vďaka nej spoznala skladateľa celá Európa. Cui poznamenáva, že v symfónii

"...veľa sily, zápalu, ohňa a značný stupeň originality."

Autor jednej z poznámok v tlači opísal symfóniu ako „úžasne bohatú, čisto beethovenovskú krásu“. Je to ona, ktorá otvára líniu ruského epického symfonizmu, kde charakteristické znaky a črty ruskej symfónie:

široký, pokojný, pokojný, rozprávačský, čo implikuje epickú symfóniu;
absencia priamych konfliktov;
malebnosť.

Tu vznikol aj skladateľov charakteristický orchester.
Práve v jeho diele je určené kompletné párové zloženie, dychové nástroje stať sa chromatickými; Orchester sa vyznačuje silou, pompéznosťou, jasom a koloristickou bohatosťou.
Symfónia č. 2 (1869-1876) potvrdzuje tradície vytvorené v Symfónii č. 1 a Stasov ju charakterizuje takto:

„Má národný a programový charakter. Tu môžete počuť staroveké ruské hrdinské skladisko."

Hoci je symfónia jednou z najpokojnejších, naratívnych diel sila jej vplyvu je taká, že ju Musorgskij nazval „Hrdinskou slovanskou symfóniou“. Reliéf a malebnosť viedli k tomu, že k symfónii bol priradený názov programu „Bogatyrskaya“. Každá z jeho častí navyše dostala programový výklad (vďaka Stasovovi):

„Stretnutie ruských bogatýrov“, „Hry hrdinov“, „Príbeh harmoniky“, „Sviatok bogatýrov“.

Symfónia č.3 a - mol (nedokončená) s výraznou národnou príchuťou bola prvýkrát uvedená v Moskve v roku 1899 v Moskovskom nemeckom klube pod vedením V. S. Terentyeva.

Operné dielo Borodina

Široký slávna opera„Princ Igor“ vytvoril hudobník viac ako 25 rokov, ale zostal nedokončený. Premiéra sa konala až v roku 1890 (23. októbra, inscenované Mariinské divadlo), ktorý sa stal akýmsi pamätníkom skladateľa, ktorý v tom čase už nežil. Na librete pracoval spolu s V. V. Stasovom, ktorý neoceniteľne prispel k procesu tvorby opery. Nastalo obdobie, keď Borodin prestal pracovať na práci, pričom uviedol dva dôvody:

zložitosť a rozsah diela spôsobili, že skladateľ pochyboval, že sa s ním dokáže vyrovnať;
žáner literárneho zdroja („Príbeh Igorovej kampane“) neznamenal akútnu konfliktnú konfrontáciu potrebnú pre napätie vo vývoji javiskovej akcie.

A tu vyšiel skladateľovi na pomoc Stasov, ktorý okrem hlavnej konfliktnej línie konfrontácie medzi národmi (Rusko-Polovci) navrhol aj líniu morálky: na jednej strane ušľachtilosť a vznešenosť Igora, na strane druhej prináša do deja opery obrazný svet Princ Galitsky. Operná dráma tak získala ďalší konflikt. Vďaka Stasovovým aktivitám a komplikáciám sprisahania sa majster vracia k práci na diele.

Komorná hudba A.P. Borodina

Skladateľ tomu veril

„...komorná hudba predstavuje jeden z najsilnejších prostriedkov na rozvoj hudobného vkusu a porozumenia...“

Osvojovaním si technických zručností zvládnutím západoeurópske tradície v oblasti komornej tvorby hudobník okrem toho ovláda glinkovskú tradíciu, tvoriacu svoju vlastnú individuálny štýl, čo sa prejavuje už v raných dielach.
Na vzorky komorná hudba patrí napríklad:

Kvinteto c mol pre klavír a sláčiky; „Tarantella“ pre klavír so štyrmi rukami; „Polka“ pre štvorručný klavír; Sláčikové trio na tému „Ako som ťa naštval“; Sextet, Kvarteto pre flautu, violu, hoboj, violončelo, klavír a sláčikové trio; sláčikové kvinteto; 2 scherzá pre klavír so štyrmi rukami; štvorručné "Allegretto"; vokálne skladby; Kvarteto č. 1 A – dur (prvé uvedené v roku 1880 podľa rukopisu); Kvarteto č. 2 D dur (1881).

Tiež „Malá suita“ pre klavír (orchestroval A. Glazunov), „Parafrázy“ (hudobný vtip vytvorený skladateľmi „Mocnej hŕstky“, ktorý vzbudil obdiv Liszta a slúžil ako dôvod na útoky hudobníkov nepriateľských voči „kuchkistický“ smer, poznamenáva V. Jakovlev). Medzi vokálne diela patrí „Song of the Dark Forest“ (často sa hrá ako zborová tvorba), romance „Za brehy vzdialenej vlasti“, „ Falošná poznámka“, balada „Sea“ a mnohé ďalšie.

je to v komorná vokálna hudba, ktoré sa často nazýva „tvorivé laboratórium“ skladateľa, po prvýkrát poukazuje A. N. Sokhor, skladateľ našiel konzistentný a úplný prejav hrdinského ducha, ruský ľudovo-epický štýl, melodicko-harmonickú originalitu (romance „Spiace princezná“, „Pieseň“ temný les“).

A preto pochopenie „monumentálneho Borodina“ spočíva v jeho komorných „náčrtoch“, „akvareloch“, „náčrtoch“.
Celá skladateľova tvorba obsahuje a v tej či onej miere vždy spája dva princípy: epický a lyrický. V porovnaní s hudbou iných skladateľov sa Borodinov štýl vyznačuje pokojom, vznešenosťou, noblesou a vyrovnanosťou.
Borodin pokračoval v rozvíjaní ciest načrtnutých M. Glinkom a napriek tomu mal svoje slovo v histórii rozvoja ruskej hudobnej kultúry:

Čajkovskij je tvorcom žánru ruského kvarteta.
Rusko a východ. Záujem o východný svet bolo relevantné skôr, ale je to tento skladateľ, ktorý má tému priateľstva (jasne demonštrovaná symfonickým obrazom „V Strednej Ázii“, kde sa rozvíjajú ruské a východné témy, ktoré sa nakoniec spájajú).

Páčilo sa vám to? Neskrývajte svoju radosť pred svetom – zdieľajte ju